Оценка соответствия уровня развития ребенка его возрасту через рисунок

Каждому возрасту, если речь не идет о гениальных детях, соответствуют характерные изобразительные приемы и черты. Оценка качества первых шедевров дает возможность соотнести уровень развития малыша с его возрастом. Рисование, как один из любимых всеми детьми видов деятельности, прекрасная возможность развивать навыки и словарный запас ребенка, тут же оценивая эффективность занятий.

Обязательным условием является невмешательство в процесс рисования. Психология детских рисунков не искажена только в случае полного отсутствия у юного художника внешних подсказок. Получив задание нарисовать дерево, ребенок не должен ориентироваться ни на аналогичные иллюстрации в книге, ни на советы взрослых, ни на схемы и пошаговые инструкции. Даже от прямого ответа на вопрос о том, как нарисовать тот или иной объект, лучше тактично уйти. Достаточно предложить ребенку «придумать» этот элемент самостоятельно. Рисунок должен стать отражением именно его личности, тогда и результаты анализа будут корректными.

Рисунок ребенка до 3-х лет чаще всего состоит из цветовых пятен и линий. Именно цвет и становится основным объектом расшифровки для психолога. К трем годам элементы обретают характерные контуры, а при изображении близких людей даже детали фигуры. Изображение семьи может выглядеть как набор «огурчиков» и палочек, но ноги и руки у героев уже явно отражены.

Сюжет характерен для возраста 4-5 лет. Ребенок способен рассказать, что именно он изобразил, а также предысторию нарисованного. Затруднения с передачей сюжета должны навести родителей на мысль о необходимости больше времени уделять развитию речевых навыков. К 5 годам на рисунках появляются лица, члены семьи получают характерные черты, их одежда и сопутствующие предметы обрастают деталями. Именно детали и их пропорции становятся объектом изучения и анализа.

Рисунок ребенка 6-7 лет отражает уже не только его фантазию, но и навыки. В ход идут всевозможные схемы рисования. Вычленить собственное «Я» из изображения семьи в виде любимых мультяшных пони уже значительно сложнее. Расшифровка детского рисунка спотыкается о копирование почерка подружки или педагога. Для получения корректных результатов необходимо оценить картину в целом, учесть и расстановку объектов, и их размеры, и их взаимоотношения в рамках иллюстрации. Относительная пропорциональность объектов и их элементов характерна только 7-8 летнему возрасту.

Расшифровка скрытого смысла в детских рисунках

Анализ рисунков ребенка похож на разгадывание головоломки. Детально провести его может только квалифицированный психолог, но элементарные принципы расшифровки обязан освоить каждый родитель.

Цвет

Первый изобразительный прием и наиболее важный. Малыши редко смешивают краски, поэтому анализ основывается на основных цветах. Преобладание одного тона во всей картине говорит об озабоченности малыша каким-либо событием или явлением. Обилие красок – о разносторонних интересах и отсутствии занимающей все помыслы проблемы.

Темный рисунок с обилием черноты, серого и бордо, получившийся таким не в силу отсутствия других красок, говорит депрессии и мучающих страхах.

О хорошем настроении сигнализирует насыщенность желтым и оранжевым.

Красный – символ быстрой возбудимости и даже агрессии, но делать вывод о таких склонностях надо только после анализа остальных деталей.

Синий и его оттенки выдают погруженную в себя личность, а зеленый – признак скуки. Регулярно пользующегося травяными оттенками дошкольника явно стоит отдать в секцию, даже если какую-либо он уже посещает.

Фиолетовый – цвет фантазеров.

Коричневый – признак беспокойства и проблем с самооценкой.

В то же время, психология детского рисунка не так проста. Многие мамы, начитавшись книг, в ужасе тащат ребенка к психологу, заметив в его творчестве преобладание черного. Да, этот цвет считается признаком тревожности, но он же и говорит о стремлении контрастом выделить значимый объект. Графика – не признак проблем, а проявление тяги к дисциплине, особенно, если других оснований для беспокойства нет.

Композиция

Взаимоотношения объектов внутри рисунка ребенка – зеркало его мыслей. Члены семьи, плотно прижавшиеся друг к другу, символизируют взаимопонимание. Родителям, обнаружившим себя в уголке рисунка ребенка, стоит задуматься о выделении большего времени для общения. В центре и наиболее крупно всегда будет изображен самый значимый человек . Пустой центр говорит о заниженной самооценке и внутренней опустошенности. Изображение на этой позиции неодушевленных предметов говорит об обеспокоенности материальным положением. Фантазера выдает привычка рисовать фигуры не закрепленными на твердой поверхности. Избыточно прорисованная линия земли говорит о неуверенности в своих силах.

Члены семьи, изображенные крупно и детально, имеют на ребенка большее влияние. Отсутствие кого-то из родственников на изображении говорит о конфликте. Подсознательно ребенок пытается выкинуть этого члена семьи из своей головы и жизни. Сцепленные руки нарисованных говорят о близости и доверии.

Часто подтекст детского рисунка понятен интуитивно. О состоянии комфорта говорят размеры деталей относительно предложенного полотна. Эгоистичную натуру выдаст заполненность пространства автопортретом. На рисунке внутренне одинокого ребенка и его «аватар» будет одиноким и маленьким, возможно зажатым в угол.

Тоненькие ручки и ножки демонстрируют понимание обеспокоенность собственной физической слабостью. Большая голова на рисунке ребенка – признак погруженности в себя. Излишняя нарядность собственной фигуры предупреждает родителей, о важности оценки окружающих для конкретного юного художника.

Манера изображения и характерные черты

С техниками рисования дети практически не знакомы, поэтому манера письма отражает внутренний мир не меньше, чем цвет и композиция. Уравновешенный малыш покрывает бумагу равными по нажиму штрихами, его линии спокойны. Прерывистость, неравномерность нажима, поломки карандаша и скачки с одного объекта на другой говорят о тревожности и гиперактивности. Капризный малыш и вовсе может не закончить рисунок, игнорируя все уговоры. Изображение членов семьи выдает восприятие каждого из них ребенком. Строгость папы проявится в жесткой параллельной штриховке, легкомысленность сестры – в прорисовывании ее кудряшек, даже если в действительности у нее прямые волосы.

Тревожные сигналы в рисунке ребенка

Психология детского рисунка – лакмус для родителей, возможность быстро заметить проблему и отреагировать.

Преобладание коричневых цветов может говорить о проблемах со здоровьем ребенка, которые еще не дали о себе знать, возможно, что он чувствует слабость, часто устает.

Тщательно изображенные большие глаза говорят о скрытых страхах. Их отсутствие, как и отсутствие рта, предупреждает о проблемах в общении.

Члены семьи, которых ребенок помещает на противоположную от своей фигуры сторону листа, должны задуматься о восстановлении доверия.

Фантастические миры с эльфами и внеземными существами, которые так умиляют родителей, часто говорят о дискомфорте в реальном мире.

Появление животных с четко прорисованными клыками и когтями – признак подавляемой агрессии.

Самый тревожный признак – отсутствие самого ребенка в картине с изображением семьи. Он не находит себе места в родном доме, что и отражает подсознательно на картине.

Корректность информации, полученной от расшифровки детских рисунков, обеспечивается выполнением нескольких условий.

• Ребенку предоставляется максимум цветов и лист бумаги большого размера.
• Рисунок выполняется карандашами, дающими возможность оценить нажим.
• Ребенку не дается каких-либо подсказок во время работы, он предоставлен самому себе.

Обсуждение с ребенком нарисованного также поможет членам семьи больше узнать о его душевном состоянии.

Пока он будет рисовать, не вмешивайся в сам процесс, но следи за очередностью появления домочадцев на бумаге. Когда рисунок будет готов, поинтересуйся у малыша, как зовут всех персонажей его картины и приступай к анализу.

✓ По очередности: последовательность появления членов семьи указывает на отношение к ним юного художника. Обычно первым дети рисуют самого любимого или самого значительного члена семьи. Если он забыл нарисовать кого-то – это значит, что с этим человеком у ребенка натянутые отношения. Себя ребенок часто изображает в самом центре – значит он уверен в том, что родители любят его. И наоборот, он чувствует себя брошенным и одиноким, если не нарисовал себя вовсе.

✓ По составу: Если на рисунке в виде группой фотографии отсутствует один из членов семьи, спроси у ребенка, почему он его забыл. Такой неполный портрет – серьезный повод задуматься.

✓ По расстоянию: Когда в доме мир и покой, все персонажи изображены почти вплотную друг к другу. Чем ближе малыш рисует себя к кому-то из родителей, тем сильней его привязанность к этому человеку. Любой предмет, нарисованный между людьми, символизирует барьер в отношениях между этими членами семьи.

✓ По цвету: Все, что любимо твоим чадом, он раскрасит теплыми тонами. Особую привязанность выразит сочным, ярким цветом. Если чью-то одежду малыш раскрасил синей краской, значит, рядом с этим человеком ему комфортно. Если зеленым – значит этот человек уважаем и значим для ребенка. Желтый будет означать импульсивность и руководство к действию, красный – агрессию, черный цвет сигнализирует об эмоциональном неприятии кого-то из родственников.

✓ По частям тела: Тщательно прорисованные черты лица означают любовь и значимость родителя для ребенка. Если автор рисунка выделил свое лицо – это признак самолюбования или повышенного внимания к своей внешности, но до 4 лет такой рисунок можно считать нормой. Если маленький художник изобразил рот кого-то из родителя слишком большим, то возможно этот человек делает ребенку много замечаний.

✓ Если рта нет или он очень мал – персонаж в жизни скрывает свои чувства. Нарисованные зубы говорят об агрессии. Персонажи с большими глазами испытывают страх, а с маленькими – что-то скрывают. Длинные руки, как и полное их отсутствие, означают, что этот человек очень властный и психологически давит на ребенка. Короткие руки выдают внутреннюю слабость. А если ребенок нарисовал себя с поднятыми вверх руками, он желает самоутвердиться в семье, ему не хватает внимания.

✓ Твой ребенок может помочь не только найти, но и обезвредить болевые точки семейных отношений.
Если ты запуталась в толковании шедевра своего ребенка, то просто переверни лист бумаги и пройди с ним тест на тему «Семья, которую я хочу». Попроси малыша нарисовать семью его мечты, и ты увидишь, чего не хватает каждому из вас, чтобы быть счастливым и дарить любовь близким.

Как рисовать на руке хной правильно и красиво? Зачем рисуют хной на руках? :: SYL.ru

Можно ли рисовать хной на руках? Да. Именно из богатой и достаточно таинственной культуры Востока к нам пришел и набрал популярность обычай использовать хну для создания рисунков на руках. В различных государствах подобные узоры имели различное предназначение. К примеру, в Египте подобным образом перед выступлением руки украшали танцовщицы, в Индии же это было обязательным атрибутом свадебного наряда невесты. Почти в каждой азиатской стране узоры, выполненные хной, являются дополнением к обычным элементам женского гардероба, таким как аксессуары или одежда.

Для чего хну наносят на руки?

Существует несколько причин подобного творчества:

• Такими действиями человек оберегает себя от нечистой силы и сглаза.
• Подобные рисунки применяются при проведении самых разных обрядов.
• Хна выступает в роли антисептика, таким образом можно провести обеззараживание кожного покрова.
• При высоких температурных показателях и палящем солнце это служит замечательным средством для охлаждения.
• Некоторые праздники трудно представить себе без хны.

Помимо стран Азии, о том, как использовать хну для рисования, знают специалисты из России и Европы. Подобный рисунок уже давно стал достаточно популярным среди молодежи и носит название биотатуировки. Все элементы, относящиеся к изучаемому направлению, в настоящее время являются довольно модной тенденцией. Главной причиной, по которой многие наносят рисунок хной, конечно, является эстетическая.

В восточной культуре наносимые узоры могут трактоваться по-разному. Представители подобного направления говорят о том, что благодаря присутствию некоторых знаков на теле можно притянуть к себе славу, любовь или большое количество денег. По этой причине все узоры, а также оттенки краски имеют важное значение.

Особенности

Многих интересует следующий вопрос: можно ли создать такой рисунок своими силами, находясь дома, или для этих целей обязательно нужен человек, обладающий определенным умением? Конечно, вы можете сделать все самостоятельно. Только для осуществления этой цели потребуется наличие художественных навыков, а также умение одинаково хорошо рисовать двумя руками. Хотя справедливости ради нужно отметить, что узор может быть нанесен только на одну сторону.

Для решения таких задач продаются уже готовые баночки, в которых находится хна. Используя их, можно без проблем создать интересный рисунок и загадочные узоры. Простая хна, которая используется при окрашивании волос, для осуществления задуманного просто не подойдет. В ее состав входит большое количество крупных частиц, что оказывает негативное влияние на насыщенность пигмента. Но используя простую кофемолку, можно исправить этот недочет.

Многие девушки откладывают на потом или просто отказываются от временных татуировок, не понимая, как можно рисовать хной. Если разобраться, в такой процедуре нет ничего сверхъестественного. Просто необходимо немного практики, чтобы набить руку. Начинать лучше с более простых вариантов, без особых излишеств. Как правильно рисовать хной на руке? Об этом вы узнаете, прочитав статью до конца.

Тест и существующие противопоказания

Прежде чем начать рисовать хной на руке (фото мехенди — в статье), необходимо исключить наличие любых дерматологических проблем, аллергических реакций, высокой чувствительности кожного покрова, поврежденных участков, шелушения, а также ожогов, включая солнечные. Помимо этого, отказаться от затеи стоит при аллергической реакции на составляющие красящей смеси (сюда входит хна, имеющая натуральное происхождение).

Чтобы определиться с этим моментом, просто наносим небольшой объем вещества на внутреннюю часть локтевого сгиба и выжидаем около четверти часа. Если сыпь, зуд, жжение, покраснение отсутствуют, это говорит о том, что можно без раздумий начинать украшать собственное тело великолепным рисунком. Если симптомы, описанные выше, были обнаружены, то процедуру лучше всего отложить.

Подготовка

Давайте разберемся, как научиться рисовать хной на руках. Так как смесь для рисования имеет натуральную основу, то продержится она не так долго. Чтобы прекрасные узоры продержались как можно дольше, необходимо позаботиться о предварительной подготовке кожи. Прежде чем начать рисовать, занимаемся тщательной очисткой, не забывая удалять ороговевшие частички. Лучшим средством для подобных целей остается по-прежнему баня.

За несколько суток до предполагаемой процедуры необходимо отправиться в парилку, очистить кожу, используя мочалку, а еще лучше — скраб. После этого участки обрабатывают кремом, имеющим отшелушивающий эффект. Непосредственно перед тем как нанести узор такой краской, предполагаемое место хорошенько смазывают тоником или косметическим молочком. Это является прекрасным средством для увлажнения и создания дополнительного защитного слоя. Итак, как рисовать хной на руке? Поэтапно все описано ниже.

Этапы рисования

Давайте разберем все нюансы, сопровождающие данный процесс, ведь именно от деталей зависит конечный результат. Рисунок должен радовать глаз и вызывать огромное количество комплиментов от окружающих.

Чтобы все было успешно, необходимо обзавестись:

• тюбиком, заполненным пастой;
• ватными палочками;
• мягкой нетолстой кистью.

При работе с последним инструментом необходимо помнить о некоторых особенностях. Допустим, узор наносят смесью, которая была выдавлена, и толщина которой равняется примерно одному миллиметру. Если слой сделать толще, то рисунок продержится намного дольше, но и потребуется дольше ждать высыхания. В некоторых случаях на это уходит столько времени, что, не выдержав, можно смазать работу и просто разрушить собственные старания.

Тренируемся

Чтобы результат получился красивым, прежде чем рисовать хной на руках, начинающим важно набить руку на простой бумаге. Это достаточно кропотливая работа, во время которой человек должен быть максимально сконцентрированным. Руку, на которой и будут наноситься непосредственно узоры, необходимо удерживать в одном положении, облокотившись на твердое основание. Движения второй руки должны быть полностью свободными.

Итак, рисуем хной на руках в домашних условиях. Для начала попытаемся нанести точки, после этого соединить их в какой-то узор. Используя кисть, можно нарисовать такие элементы, как листья, ветки, узор растительной направленности, изогнутые линии и так далее. Между ними можно расположить геометрические фигуры, цветы и многое другое. Используя хну, можно нанести изображения животных, этнические символы, да и в принципе все, что можно нафантазировать.

Подготавливаем поверхность

Не стоит забывать о том, что кожный покров несовершенен, в отличие от бумаги. А хна обладает свойством практически моментально впитываться, поэтому нанесение узоров на конечности – нелегкое дело, которое требует от человека усидчивости и умений. Особенное неудобство причиняют волоски, так как они обладают неприятным свойством подниматься абсолютно в различных направлениях.

В некоторых ситуациях это наносит ощутимый урон рисунку, линии которого смотрятся неровно. Но если некоторое время посвятить тренировке и приловчиться накладывать краску по ходу роста волосков, то получится избежать подобных проблем.

В восточных странах, прежде чем приступить к такой процедуре, женщины отправляются на эпиляцию. Но кожа наших соотечественниц тоньше и чувствительнее, поэтому прибегать к таким мерам накануне рисования не советуют. Важное значение имеет и такой момент – не подносите тюбик слишком близко к коже. Если не придерживаться такой рекомендации, то нанести добротный рисунок просто не удастся. Необходимо придерживаться расстояния примерно в один миллиметр.

Трафареты, помогающие рисовать

Для людей, которые в первый раз решились на такую красоту и абсолютно не имеют представления о том, как делается это, разработаны специальные трафареты, имеющие клеевую основу. Их просто крепят к коже, заполняют существующие промежутки красящим составом, используя для этого деревянную лопатку. Существующие неровности можно исправить кистью. После этого трафарет убирают и ждут высыхания.

Заключительный шаг в создании красивой работы

В отдельных случаях хна может покрываться пленкой, но зачастую такой способ смазывает контуры рисунка. На то, чтобы узор подсох частично, уйдет примерно час, для стопроцентной сушки – шесть. Краска прекрасно схватывается при воздействии ультрафиолетовых лучей и тепла. Окончательный оттенок краски можно будет увидеть только спустя несколько суток. Тогда вы полностью сможете оценить проделанную работу. Через некоторое время шедевр может быть смазан маслом, к примеру, оливковым. Таким образом вы продлите жизнь своей работе. А обработанную область лучше не мыть некоторое время.

Готовим пасту

Прежде чем нанести на свою руку хну, можно заняться самостоятельным приготовлением краски:

• Для этих целей лучше взять порошок мелкого помола. Затем потребуется вода, чай или кофе, лимонный сок, оливковое масло. Мерной (подойдет и обычная чайная) ложкой отмеряем четыре порции порошка. Чтобы улучшить качество, его пропускаем через обычную кофемолку.
• После этого завариваем чай, который добавит пигменту некоторую интенсивность. Сок лимона в количестве трех ложек необходимо процедить через марлю. Благодаря этому в пасте будут высвобождены пигменты. Далее добавляем в полученную смесь небольшое количество масла. Как только все будет сделано, можно заняться конкретно хной.
• Для замешивания отлично подходит стеклянная тара. В нее высыпаем отмеренное количество порошка и начинаем медленно добавлять раствор, не забывая все время мешать. В итоге полученный раствор по своей консистенции должен напоминать зубную пасту. Он не должен быть текучим или слишком густым.
• Приготовленную пасту оставляем в покое на полтора часа. Именно столько потребуется, чтобы она созрела. Здесь крайне важно не передержать. В случае когда смесь начинает слишком быстро твердеть, ее нужно развести подогретым раствором. После этого пасту помещаем в подготовленный тюбик. Если не удалось найти специальную емкость, то можно взять простой кондитерский пакет, которым наносят крем на торты.

Вывод

Теперь вы имеете представление о том, как рисовать хной на руках в домашних условиях. Узоры из хны – это красиво и стильно. Причем сделать это совсем не сложно. Вдохновения вам в этом творческом деле!

Avis et Test — 3d ручка рисовать руках

Offres spéciales sur les 3d ручка рисовать руках on aliexpress

Quel que soit l’objet de votre désir, la plateforme d’AliExpress est une véritable mine d’or. Une envie de 3d ручка рисовать руках? N’allez pas plus loin! Nous proposons des milliers de produits dans toutes les catégories de vente, afin de satisfaire toutes vos envies. Des grandes marques aux vendeurs plus originaux, du luxe à l’entrée de gamme, vous trouverez TOUT sur AliExpress, avec un service de livraison rapide et fiable, des modes de paiement sûrs et pratiques, quel que soit le montant et la quantité de votre commande.

Sans oublier les économies dont vous pouvez bénéficier grâce aux prix les plus bas du marché et à des remises sensationnelles. Votre 3d ручка рисовать руках va faire envie à tous vos proches, croyez-nous!»

AliExpress compare pour vous les différents fournisseurs et toutes les marques en vous informant des prix et des promotions en vigueur. Notre site regroupe également des commentaires de véritables clients, chaque produit étant noté selon plusieurs critères commerciaux. Tous les éléments sont réunis pour vous aider à prendre la meilleure décision, en fonction de vos besoins et de vos envies. Il vous suffit de suivre les conseils des millions de clients satisfaits par nos services.»

Alors n’attendez plus, offrez-vous votre/vos 3d ручка рисовать руках! Qualité et petits prix garantis, il ne vous reste plus qu’à valider votre panier et à cliquer sur «Acheter maintenant». C’est simple comme bonjour. Et parce que nous adorons vous faire plaisir, nous avons même prévu des coupons pour rendre votre achat encore plus avantageux. Pensez à les récupérer pour obtenir ce(s) 3d ручка рисовать руках à un prix imbattable.»

Chez AliExpress, rien ne nous rend plus fier que la lecture des retours positifs de notre chère clientèle, c’est pourquoi nous nous engageons à leur offrir le meilleur.

Мехенди: цветы на руках. Нижегородцы рисуют узоры для здоровья | События | ОБЩЕСТВО

Узоры от головной боли

Творчество из кулька

Цветы — к браку

В руках европейцев

Смотрите также:

Как рисовать руки и ноги кавайи

Тема 16-й недели — как рисовать руки и ноги кавайи.

В этом посте я покажу различные способы рисования рук кавайи и их использования в позах действий . Я также покажу примеры того, как рисовать ноги кавайи, и забавную игру рисования на фотографиях, чтобы попрактиковаться в том и другом.

Это неделя 16 моего задания по рисованию, чтобы выучить рисунки каваи за 6 месяцев. Отслеживайте мой прогресс еженедельно по этой ссылке.

Советы по рисованию рук и ног в стиле каваи

Рисовать руки и ноги непросто… Я бы порекомендовал сначала использовать карандаш, пока вы не будете довольны их формой и положением.

Также имейте в виду следующие моменты:

1. Kawaii руки и ноги обычно супер гладкие и упрощенные , просто изогнутая линия.
2. Иногда у кавайных рук нет пальцев , или у них есть только большой палец.
3. Рисуя конечности каваи, думайте: короткие , пухлые , пухлые , сжимаемые .
4. Kawaii руки и ноги огромны по размеру по сравнению с телом.

Как рисовать руки каваи

На этой неделе я сосредоточился на рисовании разных рук и размещении их в разных положениях.

Задача состояла в том, чтобы уравнять две руки. Я левша, поэтому моя естественная тенденция — сначала рисовать левую руку. Однако было бы намного проще сначала нарисовать правую руку (моя недоминантная сторона), потому что тогда я могу видеть руку, которую я уже нарисовал, и могу сопоставить другую руку с ней.

Ниже приведены несколько примеров раздач кавайи.

Как рисовать руки каваи в действии

Следующая часть состоит в том, чтобы на самом деле позиционировать руки кавайи в действии. Я просмотрел множество рисунков Криса Харта и PicCandle, чтобы набросать позы действий, которые вы видите ниже.

Если вы найдете их полезными, поделитесь ими! 🙂

Как рисовать ноги каваи

Как и в случае с руками, задача состоит в том, чтобы две ноги совпадали. Полезный трюк — нарисовать одну ногу, затем перевернуть бумагу и нарисовать вторую. Переворачивание рисунка вверх ногами помогает мозгу точно видеть размер и форму.

Ниже представлены 17 различных способов нарисовать ноги кавайи.

Интересный способ попрактиковаться в рисовании

Действительно забавный способ попрактиковаться только в руках и ногах — это рисовать на фотографиях. Придумывать форму тела необязательно. Просто нарисуйте руки и ноги и добавьте мордочку в стиле каваи!

Несколько примеров из Интернета:

Рисунок на кактусе Чарли Клементс

Яйца каваи от LoveLolAB

Более реальные линии жизни от Чарли Клементс

Рисунки PicCandle на фотографиях

Я единорог! Рисунок по фотографии Чарли Клементс

Материалы, которые я использовал на этой неделе

На этой неделе я использовал только механический карандаш и ластики, без ручек.Однако я перешел с бумаги для принтера на бумагу с защитой от кровотечения. Он намного более гладкий и требует много стирания без размытия.

Думаю, я буду использовать непротекающую бумагу, пока не перейду к альбому для набросков Moleskine. 🙂 Качество бумаги очень похоже на книгу Moleskine, но она НАМНОГО дешевле. На данном этапе я не хочу беспокоиться о том, чтобы израсходовать дорогую бумагу, так что это мое спокойное решение.

Дневник времени рисования

Понедельник, 27 февраля: розыгрыша нет
Вторник, 28 февраля: 45 минут, 1 час
Среда, 1 марта: 1 час
Четверг, 2 марта: рисования нет
Пятница, 3 марта: 1 час 45 минут
Суббота, март 4: без рисования
Воскресенье, 5 марта: 45 минут

Общее время рисования: 5 часов 15 минут

Если это было полезно для вас, поделитесь, пожалуйста!

Что дальше? Прочтите подробности моей задачи по изучению рисунков каваи за 6 месяцев и отслеживайте мои успехи неделя за неделей.

арт-проектов по отслеживанию рук

Блог / Как рисовать животных руками: совершенно крутые идеи рисования отпечатков пальцев для вас и ваших детей

Хотите больше такого контента?

Присоединяйтесь к 12000+ подписчикам и получите БЕСПЛАТНУЮ электронную книгу с видеоуроками, пошаговыми инструкциями и руководствами для самостоятельной сборки.

Это идеальный момент, чтобы дать волю своему творчеству и включить воображение! Отпечатки рук — одни из наших любимых занятий, потому что вы наслаждаетесь ремеслом и создаете моментальные снимки своих детей! Это делает поделки из отпечатков руки особенно хорошим подарком и сюрпризом для родителей, бабушек и дедушек, других родственников или друзей.Не забудьте вместе с нами научиться более 100 простых вещей для рисования!

Вообще, нарисовать животное так сложно, а еще сложнее научить и объяснять ребенку, как рисовать. Чистого белого листа может хватить, чтобы остановить ваше воображение … Мы подготовили избранные уроки, которые помогут вам нарисовать удивительных животных твои ладони. Попробуйте их прямо сейчас и откройте для себя более 100 новых идей наскальной живописи с Artistro!

С помощью этих уроков рисования Artistro вы можете научить вашего ребенка создавать интересные идеи, обводя его ладони и пальцы.Убедитесь сами, насколько увлекателен, увлекателен и полезен этот процесс. Осознанные движения пальцев стимулируют развитие речи. Этот вид искусства отлично развивает координацию. Любая визуальная деятельность усиливает речевую активность, развивает воображение, образное иррациональное мышление.

Практика рисования также помогает тренировать глаза видеть то, что на самом деле происходит в мире. Это помогает тренировать руку, чтобы научиться пользоваться принадлежностями для рисования. Вы можете начать и остановить процесс в любой момент, и вам не нужно много места для рисования.

Быстрое рисование — отличный способ разогреть мозг и руки для любого типа художественного процесса. Или что-нибудь еще! Сделайте несколько каракулей перед тестом, перед сном, во время ужина … заглянуть в карманы подсознательного творческого мозга. Если вы научитесь рисовать еще в детстве, это может заложить основу вашей привычки рисовать на протяжении всей жизни. Это также отличное антистрессовое занятие для любого возраста. Наконец, художественные проекты животных с отпечатками рук — отличный способ скоротать время!

Рисование — это форма изобразительного искусства, в которой человек использует различные инструменты для рисования, чтобы делать отметки…Узнайте, как легко нарисовать несколько фигур своими руками и этим простым шагам. Здесь без помощи мамы, папы, бабушек и дедушек и наших замечательных инструкций вы просто не сможете этого сделать.

Творческие способы использования детских ладошек в художественных произведениях. Детям будет интересно делать Рыбу, эти идеи вдохновят вас на другие проекты по созданию отпечатков рук. Легкие и творческие идеи для детей дошкольного возраста.

С помощью цветовой палитры Artistro и ладоней дети могут легко научиться рисовать всех животных.Palm Pals помогает обогатить и вдохновить детское воображение и творчество. Рисовать маркерами Artistro может каждый — сделаем это!

Обязательно ознакомьтесь с нашим пошаговым руководством по росписи по камням позже.

Макс — профессиональный иллюстратор и большой поклонник таланта Викто Наги. Прежде чем найти свой собственный стиль, он экспериментировал с разными техниками, от коллажа до акриловых ниток. Макс любит сложные проекты и яркую палитру, предпочитает иллюстрации к художественной литературе.

Магазин Набор для вашего творчества

Итого = 0,00 $

Краска Нарисуйте Краску, научитесь рисовать: Основы рисования: Рисование руки, пропорции

Давайте посмотрим на некоторые пропорции руки.

Размер руки

Кисть можно разделить пополам в точке чуть ниже пальцев. Это говорит о том, что ладонь немного длиннее самого длинного пальца.

От пальца к пальцу

Представьте себе линию, идущую от кончиков пальцев. Эта линия будет изгибаться по кончикам пальцев от одной стороны руки к другой.

Просматривая суставы пальцев от одного пальца к другому, вы найдете линию, по которой вы также создаете кривые. Кривизна этих линий менее драматична, когда вы спускаетесь к суставам руки.

1. Средний палец — самый высокий

2. Безымянный палец

3. Указательный палец

4. Мизинец или мизинец — самый короткий

Другой пропорциональный указатель определяет длину пальцев следующим образом:

1. Средний палец — самый высокий

2. Указательный и безымянный пальцы примерно одинаковы размер

3.Мизинец или мизинец — самый короткий

Обе пропорциональные направляющие верны, поскольку есть различия от одного человека к другому. Вы увидите, что у некоторых людей пальцы соответствуют первому руководству, а у других — второму. Есть даже вариации от этих руководств. Опять же, хорошо помнить, что гиды должны помочь нам начать работу.

___________________________________

Начиная с простых форм, чтобы блокировать формы руки, мы можем использовать эти пропорциональные направляющие, чтобы улучшить эти формы и нарисовать хорошее подобие руки.

Набросок действий: как нарисовать маленькие абстрактные руки

Набросок действий: Как нарисовать абстрактные руки

В Интернете есть множество очень полезных руководств, в которых учат рисовать анатомически правильные руки, но, если вы не создаете формальные портреты, часто именно то, что вы не видите, формирует восприятие происходящего. Часто части рук и пальцев спрятаны либо за чем-то, например за спортивным мячом, либо они слишком малы, чтобы их можно было хорошо рассмотреть.

Чтобы продемонстрировать, насколько крошечными могут быть руки на рисунке, я нарисовал кувшин внутри полноразмерного следа моей руки. Вы можете подумать, что его правая рука собирается бросить мяч, но это ваше воображение, а не ваше зрение, которое сообщает вам. Хотя в моем последнем блоге я показал подробный рисунок руки, держащей софтбол, даже на этой картинке ваше воображение сообщает вам, как выглядит эта рука за мячом, а не то, что я вам явно показал.

При рисовании персонажей в действии абстрактные образы становятся ключевыми составляющими предполагаемой реальности.Вместо того, чтобы беспокоиться об анатомии руки, убедитесь, что общие формы, которые вы рисуете, предполагают то, что вы хотите, чтобы ваши зрители увидели, а затем доверьте их воображение, чтобы заполнить остальное.

Джим Ли, уважаемый художник комиксов, писатель, редактор и издатель, подготовил лучший учебник по теме абстрактных форм рук, который я когда-либо видел! Воспользуйтесь советами, представленными в следующем видео, и у вас больше никогда не будет проблем с рисованием активных движений рук.

В моем следующем блоге, посвященном экшн-наброску , я снова обращусь к совету Джима Ли о том, как изобразить движение тела, не особо заботясь об анатомии.Если вы используете полностью шарнирный манекен, как предлагается в «Набросок действий: список расходных материалов », вы извлечете еще больше пользы из этого урока.

Ссылки:

Автор:

Эта статья была написана Карен Литтл в рамках продолжающейся серии блогов о создании эскизов действий. Опубликовано на Littleviews.com. 22 января 2020 г.

Воспроизведение этой статьи на некоммерческих веб-сайтах (или в других средствах массовой информации) бесплатно с разрешения и атрибуции Littleviews.com и автора статьи.

Все материалы на Littleviews (с отмеченными исключениями) защищены авторским правом на дату публикации.

Вопросы? Спросите Карен Литтл по адресу [email protected].

Как рисовать держась за руки | by Easy Drawing Guides

Держаться за руки — это форма невербального общения, жест, значение которого сильно различается в зависимости от культуры.

Дети из разных уголков мира держатся за руки в дружбе или в игре. Некоторые рифмующиеся игры, такие как «Кольцо вокруг розового» и «Красный вездеход», предполагают удержание за руку.Родители держат своих детей за руки, часто как средство защиты, власти или контроля. Например, родитель может держать ребенка за руку, находясь в общественном месте или переходя улицу, чтобы держать ребенка рядом и защитить его от потенциальных опасностей.

В Северной Америке взятие руки взрослыми обычно рассматривается как романтический жест, которым балуются пары, которые встречаются или состоят в браке.

Однако во многих других странах взрослые могут держаться за руки в знак дружбы или уважения.Например, в 2005 году американцы были шокированы, увидев фотографии тогдашнего президента Джорджа Буша, держащего за руки наследного принца Саудовской Аравии. Эта взрослая рука является традиционной для некоторых регионов Ближнего Востока, Африки, Азии и Средиземноморья.

Во время акций протеста демонстранты иногда держатся за руки в знак солидарности. Это называется «человеческая цепь». Во время некоторых протестов в Азии несколько миллионов человек присоединились к такому поведению.

Хотите нарисовать пару рук в теплых объятиях? Сделать это легко, если вы воспользуетесь этим простым пошаговым руководством по рисованию.Все, что вам понадобится, это карандаш, лист бумаги и ластик. Вы также можете использовать цветные карандаши, маркеры, краски или другие инструменты, чтобы закрасить законченный рисунок.

Посмотрите видеоурок «Как рисовать, держась за руки»

Понравились мои уроки рисования? Узнайте больше на YouTube: ПОДПИСАТЬСЯ на

Пошаговые инструкции по рисованию держась за руки

1. Начните с рисования первой руки. Нарисуйте две диагональные параллельные изогнутые линии. Обратите внимание на угол в верхней линии, обозначающий изгиб запястья.

2. Вытяните длинную изогнутую линию от нижней части руки. Сдвиньте линию обратно на себя, очерчивая большой палец.

3. Проведите от большого пальца еще одну длинную изогнутую линию. Сдвиньте линию обратно на себя, образуя указательный палец. Обратите внимание на угол, образованный почти прямыми линиями верхней части пальца. Это указывает на изогнутый сустав.

4. Проведите изогнутую линию вверх от пальца, начиная между кончиком пальца и первым суставом. Следуйте изгибу указательного пальца, образуя средний палец. От среднего пальца вытяните аналогичную изогнутую линию, чтобы сформировать безымянный палец. От безымянного пальца вытяните изогнутую линию, чтобы сформировать мизинец. Позвольте этой линии соединиться с запястьем, полностью охватывая руку.

5. Далее начинаем рисовать пальцы второй руки. Приложите две продолговатые округлые формы, одна меньше другой, перекрывая ладонь и указательный палец.

6. Приложите еще две продолговатые округлые формы, перекрывающие ладонь и большой палец.

7. Вытяните изогнутую линию от основания большого пальца. Позвольте линии перейти в большой палец, удваиваясь на себя, пока она почти не соединится за пределами руки. Это формирует большой палец второй руки.

8. Сотрите направляющие линии, пересекающие пальцы.

9. Вытяните пару параллельных диагональных линий в направлении, противоположном первой, очерчивая запястье и руку второй руки. Используйте несколько коротких изогнутых линий, чтобы обозначить ладонь у основания запястья.Затем детализируйте свои руки. Обведите ногти округлой формы на кончиках пальцев. Нарисуйте короткие изогнутые линии, чтобы обозначить изгиб каждого сустава как на пальцах, так и на тыльной стороне руки.

10. Раскрась свои руки.

Хотите нарисовать дополнительные символы любви? Ознакомьтесь с нашими уроками рисования сердечек, плюшевых мишек, роз и многого другого.

Этот урок рисования был первоначально размещен в разделе «Простые руководства по рисованию> Как рисовать, держась за руки»

Рисование рук в моде. самые сложные части человеческой фигуры для правильного рисования.Вот почему я обычно рисую их очень упрощенно, когда делаю быстрые наброски взлетно-посадочной полосы, но также важно научиться правильно их рисовать для других целей. Чтобы иметь возможность рисовать все аспекты движения рук, суставов, пропорций и углов, необходимо потратить много часов практики.

Хорошо нарисованная рука может сделать фигуру более изящной и женственной, а если у вас есть набросок плохо нарисованной руки, это может испортить гармонию всего рисунка.

По пропорциям рука такой же длины, как и лицо.У каждого пальца разная длина. Различные суставы и движения руки делают его ценным элементом для передачи характера человека.

Пошаговый чертеж

1. Рисование геометрических фигур, представляющих основные части

Если вы внимательно посмотрите на свою руку, вы заметите, что ваша ладонь выглядит как квадрат, если вы упрощаете. Когда вы двигаете рукой, прямоугольник будет двигаться и выглядеть немного иначе под разными углами.

Между ладонью и большим пальцем можно изобразить треугольную форму.

Пальцы имеют цилиндрическую форму и разделены на три части, за исключением большого пальца, который состоит всего из двух частей. В зависимости от положения рук одни цилиндры перекрывают друг друга.

2. Рисование контурных линий

Когда у вас есть основные формы на бумаге и правильные пропорции, вы готовы добавить контурные линии. По мере практики становится легко и быстро нарисовать контур.

3. Детализация и добавление теней

Это самая интересная часть для меня. Когда вы тренируетесь, вы можете использовать карандаш для рисования, чтобы добавить тени и сделать руку трехмерной. В зависимости от положения руки у вас будет 3 типа тени. Подсвеченные части, которые находятся ближе всего к источнику света, затем некоторые отбрасывают тени в областях, где рука находится далеко от источника света, и, наконец, самая темная тень в самых глубоких углах и указывает вдали от света или в тени некоторые другие предметы, такие как одежда или украшения.

Наиболее распространенные положения рук в модной иллюстрации

Существуют некоторые положения рук, которые наиболее часто используются при иллюстрации нарядов, и если у вас мало времени для практики, лучше всего сосредоточить время, которое у вас есть на этих нескольких сегментах:

Сумки для удержания

Наиболее распространенное положение рук, когда дело доходит до удержания сумок, — это держать ручку, и это то, что я использую чаще всего. Также неплохо знать, как небрежно нарисовать руку, держащую клатч или сумку через плечо.

Руки в карманах

В модной иллюстрации очень часто изображают модную фигуру с руками в карманах. Хотя это звучит как простая задача, на самом деле довольно сложно нарисовать правильные пропорции и не заставить руки выглядеть неуклюже.

Ношение ювелирных изделий

Большинство нарядов выглядят более модно, если дополнены аксессуарами, и вам часто придется иллюстрировать браслеты или кольца на руках с помощью определенного наряда. В этом случае я считаю, что затенение сложнее, чем рисование.Вы должны обратить внимание на все тени, сделанные украшениями, чтобы сделать реалистичный набросок, который дополнит весь рисунок.

Позиция и рисование рук. Стратегия покера

В безлимитном холдеме правильная розыгрыш дро-рук имеет решающее значение для вашей общей прибыльности.

В большинстве случаев лучше всего играть агрессивно. Но зная когда именно ставить банк, а когда коллировать — это сложно и обычно зависит от того, будет ли банк хедз-ап или многовариантный.

Агрессивная розыгрыш дро с руками делает три важных вещи:

1. Заставляет вашего оппонента сложить маргинальные руки
2. Создает сомнение в истинной силе вашей руки (и помогает замаскировать сильные руки)
3. Увеличивает банк, когда ваша дро достигает

В этой статье мы обсудим, как позиция влияет на розыгрыш рук в хедз-апе.

Играть в агрессивное рисование рук!

Когда вы играете один на один, дро-руки следует разыгрывать агрессивно — независимо от вашего положения.Потому что у вас есть только один противник, чтобы бить, агрессивный подход часто приводит к выигрышу банка без собирается поединок.

В позиции

Когда вы играете один на один, у вас просто больше возможностей. Обычно, если я в позиции и получаю на флопе любое разумное дро (флеш, стрит или даже стрит-дро с двумя оверкартами), я собираюсь играть рукой быстро.

Если мой оппонент поставит на флопе, я сделаю рейз; если он сделает чек, я сделаю ставку.В В этом смысле позиция не оказывает большого влияния на флоп. Будь то вы первый или последний, кто будет действовать, вы будете агрессором.

Но все может быть сложно, если у вашего оппонента сильная рука. Если он делает ставку, вы делаете рейз, а он повторно делает олл-ин на флопе, или он делает вам чек а затем делает большой чек-рейз, когда вы делаете ставку, пора принимать решения.

В любой ситуации вам просто нужно немного математики. и ваше чутье. В зависимости от того, насколько глубоки стеки, если вы это сделаете математики, вы, вероятно, обнаружите, что колл (или ставка олл-ин против чек-рейз) никогда не бывает такой плохой игрой, как может показаться интуитивно.

Иногда лучше сделать игру с (немного) отрицательной EV (для например, олл-ин), если это приводит к тому, что ваши оппоненты делают меньше движется (блефует) против вас в будущем. В качестве дополнительного бонуса, как только они увидев, что вы способны пойти ва-банк, вы также будете склонны Получите больше действий с вашими крупными руками.

Игра на тёрне

В хедз-апе розыгрыш рук на флопе не сильно зависит от позиции — вы просто собираетесь сыграть свою рука агрессивно.Это действительно на тёрне, где больше всего приходит позиция в игру.

Предположим, вы пропустили розыгрыш и одного игрока, который уравнял. ваша ставка (или рейз) на флопе, на терне вам чек. Если ты в позиции, у вас есть несколько вариантов:

Во-первых, вы можете продолжать изображать силу и стрелять из второго ствола. Это ставит вашего оппонента, который находится вне позиции, в трудное положение, поскольку он нужно опасаться еще одной ставки на ривере.

Во-вторых, вы можете просто сделать чек позади и бесплатно увидеть карту ривера (такой возможности у вас нет, если вы без позиции).

Поначалу чек сзади может показаться слабым, но если ваш оппонент когда-либо видели, как вы сделали ставку на флопе, сделали чек на тёрне и затем сделали ставку на ривере с сильная рука, такая как старшая пара, топ-кикер или большая овпер пара, затем Схема «ставка-чек-ставка» может быть эффективной.

Использование этой схемы ставок сделает ваши дро-руки и ваши сильные руки выглядят точно так же, и это может принести вам только пользу.

Еще одна выгодная ситуация, которая может возникнуть, если ваш оппонент вытаскивает сильную руку, но ждет поворота, чтобы сделать свой ход.Если вы играть агрессивно (что, прочитав эту статью, be) и выстрелить второй бочкой на терне (после того, как вы пропустили розыгрыш) и ваш оппонент делает рейз, его рейз очень часто будет слишком маленьким.

Показательный пример: представьте, что на терне вы поставили 80 долларов в банк 100 долларов. An оппонент с сильной рукой (но не локом) часто будет рейзить только до 200 долларов. Итак, теперь у вас есть шансы банка 3,2-1. Если у вас обоих есть деньги, вам будет легко ответить на основании предполагаемых шансов.

Ошибки такого рода очень распространены, и это особенно выгодная возможность, если вы в позиции. Ваш оппонент должен действовать первым на ривере и обычно в конечном итоге платит вам, если ты ударил тебя по руке. Он просто не сможет убедить себя, что ты на розыгрыше.

Розыгрыш розыгрыша рук вне позиции

Проще говоря: розыгрыш розыгрыша рук без позиции дает вам меньше варианты и могут привести вас в неловкое положение, если вы промахнетесь (оба на ходу и на реке).Так что, как правило, это менее прибыльно. Но, Несмотря на это, по-прежнему важно играть агрессивно.

Основная причина, по которой это менее прибыльно, — это если вы пропустите на терне у вас нет возможности сделать чек и взять бесплатный открытка. Если вы сделаете чек, а ваш оппонент почувствует слабость и сделает ставку на терне, обычно вам придется отказаться от руки и пропустить лишний выстрел в горшок на реке.

Что еще хуже, если вы сделаете ставку, большой рейз может закрыть вам путь и снова стоил вам возможности собрать свою руку (и предположительно выиграть горшок) на реке.

Когда вы без позиции и получаете дро на флопе, вы все равно должны делать ставки. Вы также можете сразу же попытаться выиграть банк, сделав большой чек-рейз, но хотя это часто приводит к выигрышу банка, если этого не произойдет, и вы упустите В свою очередь, вы снова окажетесь в неловком положении.

Каждый раз, когда ваш оппонент коллирует ставку на флопе, а вы не попадаете на В свою очередь, вам нужно будет принять решение. Многие игроки слабо проверяют свои вытянуть руки, а затем сбросить карты (до ставки). Но если вы окажетесь играя таким образом, вы стоите себе больших денег.

Чтобы устранить эту утечку, вам нужно сделать две вещи: увеличить процентное содержание раз вы стреляете вторым стволом и будете более избирательны на префлопе (играйте меньше рук), когда вы не в позиции.

Помните, если вы хотите максимизировать прибыль от розыгрыша рук, позиционируйте и агрессия — ключевые элементы успеха. В хедз-апе любой разумная дро следует играть агрессивно. Количество аутов у вас может варьироваться в зависимости от розыгрыша, но то, как вам следует разыграть рука не так уж сильно меняется.

Следите за новостями в следующей статье этой серии, где мы обсудим, как позиция влияет на розыгрыш рук в мультипотах.

Статьи по теме:

Ракурс и форма

Не всегда обязательно сильно детализировать. Чаще всего, рисуя портрет, более выгодно и правильно рассматривать его как общую форму, похожую на трапецию или пирамиду . Это поможет вам правильно и точно передать тень и свет на этой несложной объемной фигуре. При необходимости вы всегда сможете добавлять какие-то особенности и детали.

В такие формы удобно вписывать нос в разных ракурсах

Как рисовать нос как главный объект, или если он выступает как очень важная характерная часть лица? В таком случае придется его как следует прорисовать. Следует начинать из общих форм, больших пятен тени и света.

Рисуем фигуру человека

Отмечаем тень и свет на простой форме, а потом можно приступить к более детальной прорисовке.

Разные виды и формы

Смотрите на рисунке ниже особенности и детали различных форм, разную структуру кожи, блики и тени.

Основные, самые заметные различия в форме и размерах: кончика, крыльев и наличии горбинки.

Кончик может опускаться значительно ниже его основания или быть приподнятым вверх. На иллюстрации ниже представлены разные виды в профиль: прямой, вздернутый и длинный.

На эту тему можно очень долго фантазировать и тренироваться, ведь вариаций очень много.

Рисуем поэтапно

А сейчас давайте создадим несколько набросков поэтапно в профиль. Для первого опыта лучше всего найти качественную фотографию, с хорошим светом (где хорошо видна тень, свет и блик) и использовать ее в качестве натуры.

1. В соответствии с ракурсом вписываем в подходящую геометрическую фигуру. В профиль достаточно несколькими линиями показать границы и общую форму.
2. Показываем ноздри, кончик и спинку простыми фигурами (овалами, кругами или угловатыми формами).
3. Уточняем все эти формы с помощью более уверенных и точных штрихов. Добавляем необходимые детали (ноздри, горбинку, рельеф) и слегка намечаем затененные участи.
4. Уточняем тени и свет, прорисовываем детали.

Рисуем яблоко и другие фрукты

Видеоурок

Детальные инструкции как нарисовать нос смотрите в подробном видеоуроке:

Надеюсь, этот материал был для вас полезен и интересен.
Смотрите мои работы, в которых я обязательно использую все, о чем только-что рассказала вам.

Для того чтобы стать хорошим художником, необходимо все время тренировать руку. Наброски любых предметов или определенных фрагментов человеческих фигур должны стать своего рода зарядкой. К примеру, у вас возник вопрос, как красиво нарисовать нос человека? Смело берите карандаш и пробуйте, главное не бояться делать ошибки. Спортсмены ведь тоже тренируются почти каждый день, для того чтобы достичь успехов. Везде нужно прилагать усилия, а часто и немалые.

Если вы только осваиваете азы рисунка и пробуете себя в портретном жанре, возможно, этот урок вам поможет разобраться с тем, как нарисовать нос человека. Мы не будем углубляться в сложные анатомические подробности, а попробуем схематически облегчить себе эту задачу.

Различных техник и вариантов того, существует много. Каждый преподаватель и каждая художественная студия научит вас рисовать, используя свои наработки и подсказки. Мы же сегодня воспользуемся не очень сложной схемой и попробуем нарисовать нос человека в анфас. Если этот урок для вас будет легким, пробуйте делать наброски из других ракурсов. Измените угол поворота, добейтесь того, чтобы на ваших рисунках можно было «прочитать», чей это нос: мужской или женский.

Итак, как нарисовать нос карандашом поэтапно?

1. Напоминать о карандашах и бумаге мы здесь не будем. Приступим к рисунку. Первый шаг, как и всегда, начинается с наброска. Нарисуйте небольшой кружок — этим мы наметим кончик будущего носа.

2. Следующим этапом будет переносица. Проводим две вертикальные линии вверх. Да, не сильно похоже на нос. Но потерпите, скоро начнет вырисовываться.

3. После переносицы переходим к крыльям носа. Намечаем будущие ноздри. Вот видите, уже лучше! Даже в таком виде нос угадывается легко.

4. На этом этапе нужно немного сосредоточиться. Присмотритесь к рисунку, вы увидите, что от крыльев носа нужно провести линии к переносице. Намечаем горизонтальную линию ноздрей — это будет место будущего блика на самом кончике носа. Сами линии переносицы опускаем до линии ноздрей и слегка сгибаем в середину к основанию нашего первоначального круга. Покажется немного запутанно, но эти линии помогут вам в следующем шаге. Старайтесь прорисовывать все легонько, еле касаясь листа. Потом вам нужно будет лишние линии стереть.

5. Вот теперь можно переходить к творчеству. Начинаем обозначать тени, без которых ваш рисунок останется плоским. Старайтесь вырабатывать академический штрих под 45 градусов и кладите штрихи плотно друг к другу. Вот здесь те линии, которые мы наметили в предыдущем шаге, будут служить своего рода границами.

6. Теперь нужно стереть все мешающие вам линии, поправить тени, смягчить их при помощи пальца или кусочка мягкой ткани, легко потерев по основным линиям. Сильно не увлекайтесь, если не уверенны в том, что правильно разотрете карандаш, пропустите этот шаг. Впрочем, резинкой можно все поправить.

7. Сделайте тени чуть контрастней, наведите ноздри. Поправьте переносицу. Это последний шаг в том, как рисовать нос.

Ваш нос готов! Теперь вы сможете показать другим, как нарисовать нос.

В заключение хочется напомнить о том, что даже при рисовании отдельных частей лица или портрета целиком, старайтесь соблюдать пропорции, уделяйте внимание углу поворота головы и, соответственно, носа, не забывайте о светотени. Потренируйтесь, рисуйте себя, смотря в зеркало. Успехов вам в обучении!

В этом уроке вы узнаете, как нарисовать нос человека карандашом поэтапно для начинающих. На самом деле особой сложности в рисовании носа нет, если не увлекаться деталями. В большинстве случаев достаточно обозначить контуры несколькими линиями и у нас получится вполне сносный нос. Обратите внимание, как рисуют мультяшных персонажей, например, – обычно это точки вместо ноздрей и линия в самом выступающем месте.

Поскольку мы начинающие, попробуем нарисовать нос в двух вариантах – в профиль и в ¾.

Рисунок носа №1

Для рисования правдоподобного носа потребуются некоторые навыки. Вам нужно взять мягкий карандаш, чтобы с его помощью делать толстые и тонкие линии, в зависимости от силы нажатия. Вспомогательные линии делайте мягко, легко, чуть касаясь бумаги. Основные линии, прорисованные, делайте более уверенно и твердо. Помните, что ваша рука должна двигаться размашисто, не бойтесь делать штрихи – лишнее всегда успеем стереть.

Приступим. Нос в профиль – это треугольник с одной выступающей стороной. Попробуйте отметить основные линии. Не пытайтесь сразу рисовать все линии, просто наметьте первые контуры. Так вы увидите размеры носа и его форму. При необходимости что-то измените, подретушируйте.

Наша основная линия – это выступающая часть носа. Она не может быть идеально прямой, как и нос у человека. Обязательно где-то будет бугорок, небольшая курносость. Попробуйте все это отразить в главной линии. Вспомогательные линии будут только условно обозначать, где находятся хрящики носа.

На этом этапе нам нужно наметить ноздрю. Без детальной прорисовки обозначьте ее местоположение.

Мы все еще прорисовываем основные линии и делаем почти незаметными вспомогательные. Последние в конце концов превратятся в светотени, обозначив характер падающего света. Но вам пока не стоит об этом думать, достаточно только нарисовать правильную форму носа.

Если вам нравится ваш результат, то сотрите все вспомогательные линии и попробуйте поиграть дополнительными штрихами.

Конечный результат можно сделать совсем без вспомогательных линий, как показано у нас на рисунке. Вы можете спросить, зачем тогда столько прорисовок и дополнительных линий? Дело в том, что идеально ровный нос, похожий на настоящий, сможет нарисовать только профессионал, мы же пока учимся, поэтому нам нужно знать, где проходят основные линии хрящей.

Посмотрите также видео урок, чтобы лучше понять, как правильно рисовать носик.

Нос в 3/4. Вариант №2

Во втором случае мы нарисуем нос в три четверти – в небольшой разворот. На этот раз вам будет еще проще.

Обозначьте размеры носа, нарисовав 2 овала и главную линию выступающей части носа.

Крайние линии овалов послужат нам крайними точками ноздрей, остальные линии можно стереть.

Обозначьте ноздри маленькими овалами. Обратите внимание, что правая ноздря будет немного меньше, потому что она от нас находится дальше. Так мы сохраним перспективу.

Теперь осталось дорисовать несколько дополнительных линий, чтобы нос казался более прорисованным.

На этом все. Теперь вы знаете, как нарисовать нос человека карандашом поэтапно для начинающих. Делитесь впечатлениями в комментариях и помните, чтобы главное – практика.

Чтобы правильно нарисовать голову человека, нужно знать её пропорции.

Голова имеет овальную форму, которая делится линией глаз на две примерно одинаковые части, то есть линия глаз находится при­мерно на середине лица.

Лицо рисовать довольно сложно. Условно его можно разделить на три части: от начала волос до линии бровей, от линии бровей к концу носа и от конца носа к подбородку.

Верхний край уха расположен на уровне бровей, нижний — на уровне основания носа. Линию глаз можно поделить на пять оди­наковых частей, из которых вторую и четвёртую занимают глаза.

Ширина носа равняется длине глаз, а рот немного шире носа.

Расстояние между глазами равно ширине глаз или ширине ос­нования носа. Уши располагаются от линии бровей до линии осно­вания носа, разрез рта — на одну треть расстояния от основания носа до конца подбородка.

Голова симметрична, и рисовать её можно на основе условной линии, которая начинается на затылке, проходит посередине лба между глазами, вдоль носа, посередине рта и подбородка. Эта ли­ния называется срединной и служит для построения парных сим­метричных форм.

Знание этих пропорций поможет начинающему художнику в работе над портретом.

Форма головы бывает разных типов.

А теперь посмотри, как зарисовать разное выражение лица че­ловека.

Рисование головы начинают с построения её яйцевидной формы, при этом нужно помнить, что форму головы нужно наметить так, чтобы её середина по горизонтали проходила чуть выше середины листа и чтобы голова не была очень сдвинута вправо или влево. Толь­ко после этого намечают части лица. Их нужно изучить очень вни­мательно: от этого зависит схожесть портрета с натурой.

К основным частям лица относятся глаза, нос, губы и уши. Ко­нечно же, у каждого человека свои, неповторимые глаза, нос и губы. Но это только кажется, на самом деле их можно обобщить и упрос­тить их форму.

Голову человека рисуют в анфас (когда он смотрит прямо),

в профиль (когда голова повёрнута боком),

и в пол-оборота.

Рисуем глаза

Глаза играют очень важную роль в сходстве портрета с натурой. Начать рисовать глаз можно с его обобщённой формы — шара, вставленного в горизонтально расположенный овал (глазную впа­дину). Поэтому, приступая к прорисовке глаз, нужно наметить глазные впадины, при этом помня, что они расположены не очень близко к носу. Расстояние между глазами равно длине самого гла­за. Далее, наметив зрачок, начинаем прорисовывать веки.

Рисуя профиль, нужно помнить, что верхнее веко выдвинуто немно­го больше вперёд, чем нижнее. А зрачок из круглого превращается в сплющенный овал.

Рисуя лицо в пол-оборота, об­рати внимание, как верхнее веко глаза приподнимается.

Достоверность портрета зависит от большего или меньшего уси­ления теней, а не от направления штрихов, поэтому прежде всего нужно стараться правильно класть тени и заниматься штриховкой только тогда, когда навыки её уже приобретены.

Провести линию, проходящую через глаз, внимательно наблю­дая за её направлением. Найти длину глаза, которую обозначить двумя вертикальными линиями. Прорисовать контуры глаза, по­мня, что передняя выпуклость или округлость глаза видна в гла­зах, рисуемых в профиль или в пол-оборота.

Прежде чем начать рисовать губы, нужно наметить среднюю линию рта (это линия, где верхняя губа соединяется с нижней), затем на этой линии определить длину и толщину губ (обычно ниж­няя губа более толстая, чем верхняя, но бывает, что они равны по толщине). Также нужно помнить, что рот находится ниже линии основания носа. Далее нужно начать обрисовывать очертания губ, стараясь передать их характерную форму (тонкие, толстые, сред­ние, ровные по контуру или с изгибом на верхней губе).

При прорисовке губ в профиль или в пол-оборота нужно наме­тить величину разреза рта, его наклон, а также степень толщины (то есть выдвинутости одной из губ).

Разрез рта располагается на одной трети расстояния от осно­вания носа до конца подбородка.

Рисуем рты в анфас и в профиль. Сначала наметим линию, пе­ресекающую рот, затем определим длину этой линии двумя чёр­точками,

Затем найдём середину рта и обозначим её линией, параллель­ной линиям, обозначающим длину рта.

Затем обозначим толщину губ и обозначим зубы, если рот при­открыт.

Рисуя нос, нужно сначала внимательно изучить его характер­ные особенности: носы бывают прямые (1), курносые (2) и с гор­бинкой (3).

Также носы бывают длинные, короткие, узкие и широкие. Ос­нование носа равно ширине глаза. Намечая нос, нужно помнить, что середина лицевой линии носа проходит через середину его ос­нования и кончика.

Рисуя профиль или полуоборот, нельзя забывать, что чем силь­нее поворот головы, тем дальше кончик носа находится от средин­ной линии.

А теперь попробуем нарисовать рот и нос вместе.

Теперь рисуем нос и глаз.

Уши обычно расположены на уровне от бровей до основания носа. Для того чтобы правильно наметить уши, нужно вычертить воображаемую ось уха, которая проходит параллельно линии носа. Далее намечают общую форму уха и прорисовывают детали.

Нарисовать продолговатый четырёхугольник и разделить его поперёк на две равные части. Обвести наружную окружность уха, затем наметить его толщину и прорисовать середину (полость уха).

Волосы красиво обрамляют голову и начинаются на середине расстояния от линии глаз до темени (верхней точки головы). Все причёски можно свести к наиболее типичным.

Шея является опорой для головы и прочно укреплена на пле­чах. Перед началом рисования нужно определить высоту шеи и её отношение к высоте и ширине головы. Сначала намечают средин­ную линию шеи, проходящую от нижней части челюсти до шей­ной впадины. Сама шея состоит как бы из трёх условных фигур: прямоугольника и двух треугольников.

Если у вас появилось желание нарисовать человеческое лицо, то нужно знать, что красиво и правильно должны быть нарисованы не только глаза и губы, но и нос. При рисовании лица нужно учитывать, что там нет частей, где недочеты незаметны — все должно быть нарисовано правильно и четко. Чтобы нарисовать нос правильно и точно, нужно знать, как сделать это правильно. В этот раз мы поговорим о том, как рисовать нос человека карандашом поэтапно.

1. Начинаем рисование с простой схемы

У всех людей строение носа индивидуально, именно поэтому невозможно дать конкретный ответ, как правильно рисовать нос карандашом. Возможно только создать академический (также стиль называют абстрактным) рисунок носа. В данном уроке будет представлен именно такой способ рисования носа. Полагаю, объяснения, как создать схему в виде пересекающихся линий, не требуются.

2. Очертания переносицы и «крыльев»

Строение человеческого носа заключается в переносице и «крыльях». Данные контуры нужно перенести на бумагу на первых этапах. Отрезок широты «крыла» на прикрепленном рисунке равняется практически половине линии по вертикали. Создавать рисунок носа следует внимательно, соблюдая пропорции.

3. Приобретение реальной формы человеческого носа

После того как создана правильная и точная разметка, рисование носа покажется простым делом. Наверняка вы заметили, что теперь создать рисунок стало значительно проще. Нужно провести нечеткие фигуры крыльев носа. Обозначьте две линии рядом с переносицей, затем прорисуйте верхушку носа.

4. Создание рисунка практически подходит к концу

На этом этапе следует с помощью ластика избавиться от нарисованных дополнительных ненужных линий. Теперь вы наблюдаете фигуру реального человеческого носа. Осталось совсем немного — добавить несколько дополнительных небольших деталей, которые смогут передать реальность рисунка. Создание рисунка носа — процесс нетрудный, однако, если допустить небольшие недочеты, то карикатурные искривления станут достаточно примечательными. Подобные неточности приводят к тому, что красивый нос превращается в слишком толстый, как у Деда Мороза, или, наоборот, очень тонким, как у Бабы Яги.

5. Создание объемного носа

Данный этап рисования вместе со следующим будет преследовать лишь одну цель. Всё, чего мы будем добиваться — сделать рисунок похожий с теми, что рисуют настоящие великие художники. Чтобы эту цель привести в реальность, нужно мягким карандашом аккуратно и правильно наносить тени.

Давид Микеланджело

Давид был первоначально помещен на площади Синьории (где сегодня находится мраморная копия), а теперь находится в Академии изящных искусств во Флоренции. Произведение задумывалось как одна из нескольких скульптур, которые должны были разместиться на контрфорсах купола Флорентийского собора. Однако скульптура, с ее прекрасными пропорциями и гениальной композицией, заслуживала более видного места, и поэтому ее поместили в сентябре 1504 года на Пьяцца Синьория возле Палаццо Веккьо.

Композиция Микеланджело, изображающая библейского Давида, готовящегося к битве с Голиафом, была первым произведением искусства, не изобразившим Давида после его победы с головой Голиафа. Давид изображен в спокойной, глубокой сосредоточенности с камнем в одной руке и рогаткой через плечо. Поскольку скульптура была спроектирована так, чтобы на нее можно было смотреть только снизу, Микеланджело увеличил голову и правую руку, чтобы пропорции казались правильными и подчеркивали момент, когда Давид бросит камень.

Хотя это была религиозная статуя, жители Флоренции в то время утверждали, что скульптура является символом их Республиканской свободы. Давид Микеланджело является одним из шедевров мирового искусства.

Гипсовая копия головы Давида

Если у вас на данный момент нет под рукой этого пособия, скачивайте фото и рисуйте прямо с монитора вашего компьютера.

<

Подготовка к вступительным экзаменам: Рисунок. Мастер класс. Нос Давида Микеланджело

Образцы рисунков из методического фонда подготовительных курсов Московского архитектурного института.

(Кликните по любому изображению для просмотра)

Понравилась статья? Поделитесь с друзьями.

Твитнуть

Поделиться

Поделиться

Отправить

Класснуть

Линкануть

Построение гипсовой головы карандашом поэтапно. Как рисовать

Учебный рисунок гипсовой головы Гаттамелаты
Рассмотрим стадии рисунка гипсовой головы.
В качестве натуры возьмем гипсовый слепок головы памятника Эразмо де Нарни по прозвищу Гаттамелата.
Данная голова чрезвычайно полезна для учебного рисунка, благодаря ярко выраженной архитектонике формы. Говоря более простым языком, планы (плоскости) на этой голове ярко выражены и подробны.
В определенном смысле, противоположностью этой головы можно считать античные женские головы, где все планы сглажены и изучаются с трудом.
В наше время ситуация усугубляется тем, что гипсовые головы реализуемые в популярных магазинах, выглядят так, как будто их еще и пошкурили, не говоря уже об искаженных отливках. Например, голова Гаттамелаты, которую можно найти в салонах уже не похожа на прототип.
Мы в данном случае берем отливку еще советских времен.
Свет ставим сверху, чтобы работал объем, но так чтобы тени от надбровных дуг и носа по возможности не были слишком уж велики.

Начинаем рисовать легкими линиями, не давим на карандаш. Следует иметь ввиду, что представленные здесь рисунки, особенно первые стадии, в реальности намного легче по тону.
Вначале размечаем композицию на листе. Композиция должна быть сразу же в пропорциях и в характере, иначе в процессе изменений и уточнений пропорций, наклона и т.д. она может сильно измениться…
В любом случае, если вы сразу определяете, что для вас в композиции листа важно, где «центр», то и при небольших изменениях она никогда не проиграет.

Композиция подобных учебных рисунков как правило предельно проста, возникает вопрос, зачем же вообще, забивать этим себе голову?
А затем, что все рассматриваемые нами принципы работают в рисунке и творчестве вообще, а не только в данном конкретном случае. Формирование правильных подходов и привычек полезно для будущего. Вряд ли вы готовите себя в рисовальщики гипсовых голов…
Начинаем легкими линиями, не давим на карандаш по двум причинам: 1) легкий по тону рисунок легко стирается т.е. его легко править 2) при давлении на карандаш напрягается рука и сознание микро-напрягается, уходит в руку, значит в эту непосредственно секунду оно не наблюдает натуру.
Располагаем основные детали и переломы формы, но не забываем, что мы сейчас НЕ РИСУЕМ ДЕТАЛИ, а ДЕТАЛЯМИ РИСУЕМ ЦЕЛОЕ.
На практике это означает, что мы постоянно смотрим на натуру целиком и на рисунок целиком, стараясь вернее взять общие пропорции головы в целом, поворот, наклон и характер формы.

Но, все эти основные вещи, мы не можем брать абстрактно, поэтому, мы все наиболее характерные моменты сразу схватываем, но не зависая на них, а как бы проносясь мимо.
Элементы, находящиеся к нам ближе, сразу лучше намечать чуть контрастнее, чем части, находящиеся дальше. За счет это уже в начале рисунка начинают появляться объем и пространство.
При этом, пока вы не выяснили, что все детали и размеры взяты верно, общая тональность рисунка должна оставаться нежирной, чтобы вам было легко править.
После того, как вы основные характерные отношения наметили на глаз, не лишнее будет померить, начиная с самых больших размеров.
Также, наводя карандаш вертикально и горизонтально на натуру и рисунок, проверить, верно ли взят наклон.
Почему лучше вначале все намечать на глаз и лишь затем начинать мерить? Потому, что этим вы каждый раз даете своему глазомеру маленький шанс, как бы подкармливаете его. Постепенно он начинает оправдывать ваше доверие.
Постепенно следует разобраться с архитектоникой формы головы. можно добавлять легкую светотень, чтобы сразу получался объем.

Делать это следует в соответствии с планами (плоскостями) и переломами (поворотами) формы головы, которые вы видите. Для этого полезно подойти поближе, внимательно посмотреть с разных сторон.

Для того, чтобы хорошо разбираться в расположении планов и переломов формы, необходимо сильно интересоваться этим вопросом и замечать их на всех гипсовых и живых головах, которые вы видите перед собой.
Учебные «обрубовочные» головы следует рисовать много раз в разных поворотах и ракурсах. При этом много длительных набросков по 20-30 минут небольшого (8-12 см) размера с разных точек, дают пользы намного больше чем всего два полноразмерных рисунка в три четверти слева и справа, как это имеет место в некоторых учебных заведениях.
Кроме того, с точки, с которой вы рисуете, далеко не вся форма головы может восприниматься адекватно.
Поэтому надо не стесняться подходить и осматривать (иногда — ощупывать) форму со всех сторон.

По мере того, как вам удается верно найти и общие пропорции головы и ее детали, можно потихоньку еще добавлять тональность — делаем активнее то, что ближе. За счет этого появляется объем и пространство. Под пространством подразумевается то, что более активные (сделанные на рисунке более контрастно) части, выглядят кажутся расположенными ближе, чем части решенные более мягко. Соответственно, и делать более контрастными стоит те части, которые в действительности к нам ближе, в данном случае, это нос, ближняя скула, надбровная дуга, ближний край рта и т.д.
Вся эта передача пространства в целом, дает ощущение общего объема, общей формы головы — более-менее напоминающей яйцо.

При этом переход рисунка из линейного в тональный, мы используем для того, чтобы еще верней все сравнить.
Сравнивать будет тем легче, чем реальней будет взята тональность, т.к. в жизни мы все видим в пятнах, а не в карандашных линиях.
Поэтому продолжать сравнивать надо до конца рисунка.
Как видите, детали добавляются постепенно.
При этом, чем мы уверенней в том, что основное взято верно, тем уверенней мы расставляем детали. Чем конкретней становится каждое место, тем легче нам снова сравнить целое. Чем легче нам сравнить целое, тем легче нам скорректировать расположение мелких деталей. Чем конкретнее мы проработали детали на переднем плане, те больше чувствуется объем и большие отношения и так до бесконечности.

Таким образом наше сознание постоянно смотрит на общее впечатление от головы в целом.
При этом, чем более тональным становится рисунок (чем больше мы набираем реальную тональность темных и светлых мест),

тем более важно нам не забывать часто смотреть расфокусированным взглядом. О чем идет речь?
В обычной жизни, если мы смотрим на какой-то предмет, мы видим его четко, конкретно, все детали по очереди.

По этой причине наш взгляд часто мечется от детали к детали, рассматривает их, но в это самое время не видит целого — невозможно увидеть абсолютно четко сразу много мест. Но это особо и не нужно. А видеть в целом (в буквальном, а не переносном смысле) — нужно.
Если просто посмотреть на рисуемый Вами объект одновременно на весь — он и будет немного не четким. Это и есть нужный нам взгляд — тот который нужно добавить в дополнение к обычному «прыгающему» взгляду. Можно еще скользить взглядом, не фокусируясь — все это обычно происходит, когда человек задумывается, «рассеянно смотрит».
Есть знаменитое высказывание Чистякова: «Рисуешь ухо — смотри на пятку!» Можно трактовать его по разному, но факт — детали лучше размещаются на своих местах, когда слегка расфокусированно смотришь на весь предмет целиком.
Когда идет работа в тоне, нам необходимо видеть общую тональную картину и четко видимые детали как правило сильно мешают этому.

При этом чем расфокусированней мы смотрим, тем сильнее исчезают детали, тем лучше мы видим общую картину, основные соотношения.

Это видение основных тональных соотношений и позволяет нам верно набирать тон рисунка.

Важно при этом не забывать постоянно сравнивать и линейные соотношения — пропорции головы в целом, расположение маленьких и больших частей и т.д.
Возможность смотреть расфокусированно, не означает, что не надо отходить от рисунка и сравнивать с расстояния. Наоборот, с расстояния это делать еще удобней и эффективней.

Автор: Олег Торопыгин ( Helgast ) Источник:demiart.ru

«ДАВИД» МИКЕЛАНДЖЕЛО Еще не зная, как он выглядит целиком, я уже рисовал по отдельности нос «Давида», потом рот «Давида», глаз «Давида», ухо «Давида»…

«ДАВИД» МИКЕЛАНДЖЕЛО

Еще не зная, как он выглядит целиком, я уже рисовал по отдельности нос «Давида», потом рот «Давида», глаз «Давида», ухо «Давида»… Не приходилось ли и вам, рисовать упомянутые гипсовые слепки, порой обижаясь на «Давида», никак не выходящего на бумаге? Гениальная скульптура итальянца Микеланджело Буонарроти давно уже стала неотъемлемой частью процесса художественного образования. Отношения с ней у каждого, кто интересуется искусством, свои, личные.

Очень личными они были и у создававшего «Давида» молодого скульптора. Микеланджело поистине воевал со статуей. Он сам писал об этом: «Давид» с пращой, я с луком — Микеланджело». Но, может быть, это не вражда, а горделивое союзничество? И Давид, и архангел Михаил (именно так переводится имя Микеланджело) считались святыми воинами. Первый согласно библейской легенде в юности защитил свою страну от чудовищного великана Голиафа, второй воевал с самим духом зла — Сатаной. Создавая статую, Микеланджело ощущал себя воином Добра.

Мраморный «Давид» стал самой большой скульптурой Микеланджело. Высота его пять с лишним метров. Конечно, сама по себе огромность еще не достоинство, но как она усложняет работу скульптора!

В Москве, в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина есть хороший гипсовый слепок «Давида». Невысокий постамент позволяет подойти к нему так близко, как вынужден был находиться скульптор, когда вручную высекал статую с помощью резца и молота. Настолько малая доля целого видна с этого расстояния, что диву даешься той выверенности замысла и тому напряжению зрительной памяти, которые нужны были, чтобы чуть ли не на ощупь связать все части не просто в единую, а в прекрасную фигуру. Стоя на многометровых лесах, вплотную — к глыбе мрамора, не отойдешь в сторонку, чтобы охватить ее одним взглядом. Но Микеланджело победил в этой битве с трудностями и создал одно из самых гениальных произведений мировой скульптуры.

Вот он, этот Гигант, как прозвали его современники. Легко и свободно стоит на каменистой земле, опираясь на правую ногу и подняв левую руку к плечу. Красивую голову с густой шапкой волос и необыкновенно правильными чертами лица повернул влево. Брови грозно нахмурены. От всей фигуры веет зрелой ясностью духа. На юность героя намекают только особенная стройность тела и непропорционально крупные, как у подростка, кисти рук. Величавая суровость гармонически сочетается в «Давиде» с гибкостью совершенного тела, великолепный урок анатомической красоты — с демонстрацией свободного и раскованного мужества.

Сегодня этому шедевру более 500 лет, но история статуи началась раньше, задолго до Микеланджело.

Еще в XIV веке великий живописец Джотто, бывший одним из строителей флорентийского собора, изобразил его с мраморными статуями на крыше. В начале следующего века, то есть за сто лет до «Давида» Микеланджело, собор стоял еще без купола (который позднее соорудил Брунеллески), но решено было осуществить давнюю мечту о статуях. Хотели изобразить библейских героев и пророков. Молодой Донателло высек из мрамора двухметрового «Давида». Скульптура показалась мала, и попечители собора продали ее флорентийскому правительству за ненадобностью. Но как поднять на высоту большие статуи? Донателло и Брунеллески придумали сделать их из легкого дерева, обитого для прочности металлом, и выкрасить под мрамор; предлагали и другие материалы. Сомнения и колебания продолжались на протяжении десятилетий. Наконец, флорентийцы понадеялись на мощь новой техники, и в середине XV века была заготовлена огромная мраморная глыба для первой фигуры. Заказ на большого «Давида» получил Агостино ди Дуччо. За всю жизнь он не создал ни одной статуи, только рельефы, зато часто помогал великому Донателло в подсобных работах. Поэтому некоторые ученые думают, что он должен был только предварительно обтесать глыбу (как говорят скульпторы, «оболванить») по чужому эскизу, а потом за дело взялся бы старый Донателло. Но Донателло умер, и глыба осталась лежать без применения целых полвека, пока не нашли скульптора, которому можно было доверить такой труд. Им стал Микеланджело.

Еще полвека спустя писатель и художник Вазари описал всю историю иначе. Изучать подлинные документы, как нынешние ученые, он не мог, а пользовался устными рассказами, к тому же и собственная память иногда подводила. Так что в его замечательных «Жизнеописаниях», которые в нашей стране хорошо знают и любят, встречается путаница, и пользоваться этой книгой при изучении истории искусства нужно осторожно.

У Вазари сказано, что глыба считалась безнадежно испорченной, и Микеланджело выпросил ее у правительства как ненужную, а потом всех удивил готовой статуей. Добавлен даже анекдот о том, как глава Флорентийской республики попросил скульптора укоротить нос Давида. Микеланджело притворился, что укорачивает, а успокоенный правитель тут же сказал: «Вот теперь хорошо». Все это лишь легенды. К 1501 году, когда Микеланджело начал работать над статуей, он был уже автором таких шедевров, как рельефы «Мадонна у лестницы» и «Битва кентавров», созданное в Риме «Оплакивание» (по итальянски -«Пьета») и «Мадонна», тогда же попавшая в Бельгию, в Брюгге. Поэтому руководство (собора, а не города) выбрало его для столь ответственной работы и доверило ценный материал. В договоре ни слова не сказано о том, что мрамор испорчен.

Улица Уффици во Флоренции. Только потом, когда Микеланджело закончил своего Гиганта и оказалось, что поднять его на крышу все-таки не удастся, попечители собора передали статую городу. Специальная комиссия, в которую входили выдающиеся художники, архитекторы и инженеры — Боттичелли, Леонардо да Винчи, Сангалло и другие, — нашла ей удачное место на площади перед Палаццо Вёккьо — дворцом флорентийского правительства. Соорудили особый механизм для транспортировки статуи, и 8 сентября 1504 года «Давид» был воздвигнут перед входом во дворец. Там он и простоял под открытым небом почти четыре века. В 1873 году его перенесли для лучшей сохранности в здание флорентийской Академии художеств, а на площади установили копию. Лишь одна особенность напоминает о первоначальном замысле поставить «Давида» на крыше: вырисовываясь на фоне неба, верхняя половина статуи, естественно, казалась бы мельче, чем на любом другом фоне. Учитывая это, Микеланджело слегка увеличил ее, что, к счастью, не очень бросается в глаза.

Поставленный в центре Флоренции, микеланджеловский «Давид» стал восприниматься как патриотический символ — образ защитника города.

В средние века библейского царя Давида изображали музыкантом, потому что он считался автором божественных песнопений-псалмов, но в XV веке флорентийские художники выбрали иной эпизод из легенды, предпочли видеть его чудесным воином. Уже в мраморной статуе Донателло он держал пращу вместо музыкального инструмента. Знаменита другая, небольшая бронзовая скульптура, где пожилой уже Донателло показал Давида без всяких доспехов. Почти мальчик, он стоит обнаженный, задумчиво наступив на отрубленную голову великана; одной рукой опирается на меч, в другой держит камень для пращи. На голове его пастушеская шапочка, из-под которой рассыпаются длинные кудри: по легенде до битвы с Голиафом Давид был простым пастушком. Вероккио. Давид. Бронза. 1475. В бронзовой статуе Вероккио, учителя Леонардо да Винчи, юный герой, одетый под стать принцу, тоже изображен с головой Голиафа и мечом.

Микеланджело наделил своего Давида только грозным взглядом да пращой, перекинутой за спину. Праща проходит сверху вниз от левого плеча к правому бедру. Опущенной рукой Давид подхватил ее нижний конец с рукояткой в виде короткого круглого стержня, который издавна по ошибке принимают за камень. Но камня в руках его нет.

Донателло и Вероккио подчеркнули, каждый по-своему, удивительность победы. У одного юноша относится к чуду скромно, с трогательной покорностью, у второго — горделиво. Но микеланджеловский Давид победит не чудом, а ясностью и силой своего духа, ловкостью развитого тела и, конечно же, полным сознанием нравственной правоты.

У Донателло нагота Давида означает почти безоружность; у Микеланджело она выявляет легкость позы героя, оттеняя тем самым его духовную силу. Внутренняя собранность ощущается во всей фигуре, особенно в зорком взгляде, но тело не напряжено, Давид стоит спокойно и свободно. Это первый большой образ героической наготы в скульптуре после Древней Греции и Древнего Рима. Оказавшись «гигантом» почти случайно (ведь на высоте статуя не поражала бы величиной), «Давид» Микеланджело с самого начала был Гигантодя по своей внутренней значительности. Он воплотил в себе идеал гармонической уравновешенности и красоты в сочетании с величием и пафосом патриотизма.

Давид показан перед битвой. Но это не нужно понимать буквально. Так портретисты берут обычно не какое-то мгновение из жизни человека, а как бы все главное в нем. На минутах скульпторы станут сосредоточиваться гораздо позже: у Бернини в XVII веке раскручивающий пращу Давид даже прикусит губу от напряжения. Но Микеланджело не ставил перед собой таких задач. Грозность и противостояние врагу нужно понимать как постоянные свойства его героя.

До сих пор мы говорили о «Давиде» как об изображении. Оно не только наполнено большим смыслом, но и реалистично по форме. Соблюдено распределение тяжести, какое бывает в живом человеческом теле. Ничто в фигуре не преувеличено для заострения мысли, как в поздних работах Микеланджело, у художников средневековья или многих скульпторов наших дней. Но статуя не только изображение человека. Она — неподвижный предмет. Как башня или одинокое дерево на равнине, она незыблемо высится, подчиняя себе окружающее пространство. Совсем не безразлично, большая она или маленькая, просто ли стоит, закручивается ли в воздухе винтообразно или разветвляется в нем. Именно от этого, то есть от ритма, которому подчинена композиция статуи, зависят чувства, которые вызовет она у зрителей.

Композиция микеланджеловского «Давида», одновременно простая и сложная, великолепна. Только с одной точки зрения, которую по недоразумению называют в числе двух основных для «Давида», статуя не очень выразительна и может даже показаться неустойчивой: при взгляде с правого угла, куда обращено лицо героя. На высоте, вероятно, она выглядела бы иначе, на площади же с этого угла находится лоджия, из-за колонн и арок которой «Давида» почти не видно. И, наверно, его недаром так поставили. Да и какой же зритель, всерьез относящийся к библейской легенде, захотел бы заглядывать в лицо герою, став на место врага? С других точек зрения статуя и совершенна и разнообразна.

Например, при взгляде сбоку, со стороны опущенной руки, замечаешь красивую симметричность в силуэте нижней и верхней половин статуи. А с противоположной стороны впечатление другое: как интересно по мере того, как поднимается взгляд, уходят в глубину объемы — начиная от выдвинутых на нас ступни и локтя и вплоть до лица, рисующегося позади пращи, над нею. Очень красива статуя в том повороте, откуда лицо Давида видно в полный профиль. Тогда в ней все плавно, все скруглено и складывается из мягко перекликающихся между собой выпуклостей.

Откуда ни смотри — разные части фигуры то продолжают друг друга, оказываясь на одной линии, то как бы рифмуются между собой. Когда смотришь с главной точки зрения (не с углов и не сбоку, а прямо), мягкие переклички форм уступают место мощным повторам диагоналей, встречающихся под острым углом. Даже ответвления высеченного из мрамора пня, который служит замаскированной подпоркой статуи, подчиняются этому ритму. И крупная кисть опущенной руки с красивым рисунком вен, может быть, потому так и запоминается каждому зрителю, что оказывается в узловом месте композиции. И жилка на шее хороша не сама по себе, а потому что удачно поддерживает общий рисунок. Каждая деталь помогает целому, в каждом повороте статуя выглядит немного по-новому. Но отовсюду поза Давида остается ясной, ничто существенное не ускользает от взгляда. Каменные массы постепенно собирают внимание зрителей кверху, приводят к лицу Давида, обращенному в сторону.

Создается единое ощущение живого и свободного подъема. Подъема, обогащенного легким вращательным движением. Подъема то диагонального, то волнообразного, как волнообразно поднимается на вздохе грудь героя, слегка откинувшегося, чтобы лучше рассмотреть грандиозность предстоящего.

Господствует твердая вертикаль, хотя не выраженная прямо, а исподволь сложенная из этого дыхания каменных масс. Не будь его, сама твердость показалась бы скучной и вымученной. А Микеланджело показал несгибаемость — нескованную, героизм — естественный. Гармоничный, как сама полнота вольного дыхания…

Рисунок гипсовой головы

Микеланджело Давид — Курс анатомии для художников

Микеланджело Давид

Урок анатомии 19 — Часть 1

В этом видеоуроке вы узнаете, как нарисовать портрет в классических пропорциях. Образцом для этого рисунка станет скульптура Микеланджело Давида.

Микеланджело Давид — Как нарисовать портрет

Эта оригинальная мраморная статуя Давида выставлена ​​в Галерее Академии во Флоренции, Италия.

У этой скульптуры сложная история, и Микеланджело был не первым художником, который начал вырезать из нее мрамор.У него была очень сложная работа, чтобы получить заказ, оставленный двумя другими талантливыми скульпторами, которые не смогли закончить это сложное произведение искусства.

Статуя колоссальных размеров. Его высота больше пяти метров или семнадцати футов. Микеланджело работал над ней с 1501 по 1504 год. Это, пожалуй, самая известная статуя в мире.

В этом видеоуроке я покажу вам, как нарисовать мужской портрет, и объясню классические пропорции тела и анатомию человека.

Я начинаю рисование портрета с отметки масштаба головы — ее внешнего верхнего края и линии нижней челюсти.Также я отмечаю левый и правый края головы, давая портрету главное пространство — пространство перед носом.

Центральная линия лица — очень важный ориентир. Вместе с горизонтальной линией глаз он сразу указывает на положение головы в пространстве.

В нашем случае голова смотрит вправо и видна снизу. Вот почему вертикальная виртуальная линия изогнута вправо, а горизонтальная виртуальная линия изогнута вверх.

Линия глаз делит высоту головы на две равные половины.

На этом этапе я игнорирую черты лица и мелкие детали. Вначале задача — установить правильные пропорции портрета; поэтому я сосредотачиваюсь только на больших массах, отмечающих основные контуры и очертания головы серией прямых линий.

Дэвид стоит в позе контрапоста. Вот почему у него одно плечо выше другого.

Ключицы повторяют наклон плеч.

Шейная мышца — важная деталь на этом портрете. Передняя часть этой мышцы начинается от верхнего края грудины и входит в основание черепа за ухом.

Длина блока рук от запястья до суставов равна половине высоты лица.

Расстояние от линии подбородка до основания носа равно расстоянию от линии носа до линии бровей. Он также равен расстоянию от линии бровей до линии корней волос.

Расстояние между глазами равно длине одного глаза. При рисовании глаз нужно помнить, что они имеют сферическую форму, а веки оборачиваются вокруг этой формы.

По классическим пропорциям лица ширина носа равна длине глаза.

Как мы установили ранее, это тот же размер, что и расстояние между глазами. Вот почему мы можем использовать две виртуальные линии, которые идут вертикально от внутренних углов обоих глаз вниз к крыльям носа.

В одном из своих альбомов гений эпохи Возрождения Леонардо да Винчи описывает следующую пропорцию рта. Ширина рта равна расстоянию от линии между губами до линии подбородка. Это, конечно, идеализированная классическая пропорция.

В том же альбоме Леонардо также упомянул, что высота уха равна длине носа. Лучший способ установить эту пропорцию — провести две линии, идущие по горизонтали от основания носа и от бровей к уху.Эти линии отметят нижний и верхний края уха.

Форма уха напоминает букву «С». Имеет два обода — внешний и внутренний. Внутренний ободок вверху разделяется на две части.
Мышцы бровей сокращены, что придает лицу Дэвида сосредоточенность и сосредоточенность.

Как видите, на этом этапе мы сосредоточились только на конструировании головы и лица, убедившись, что все пропорции и черты правильные и на месте…

[ Полный урок доступен участникам мастер-класса по анатомии ]

Чтобы узнать больше о том, как нарисовать портрет Микеланджело Давида, запишитесь на мастер-класс по анатомии

Простые цены, без сюрпризов

Единовременный платеж — всего 97 долларов

Детальная полноразмерная скульптура для носа Давида на продажу, товар # 146 — Caproni Collection

Большинство изделий доставляются в течение 1-3 недель, так как они изготавливаются на заказ и отливаются вручную.

Штукатурка — Париж, если не указано иное. Мы предлагаем наши изделия с различной патиной и отделкой. Щелкните следующую вкладку для получения более подробной информации.

Маленькие и большие рельефы и маски поставляются как минимум с одним встроенным крючком для подвешивания, если не указано иное.

Детали необходимо открыть и осмотреть в течение 48 часов с момента доставки, чтобы сообщить о любых повреждениях. Перейдите в FAQ для получения дополнительной информации.

Возврат не принимается; все продажи являются окончательными, так как изделия изготавливаются на заказ и отливаются вручную.

Вопросы? Напишите нам по адресу [email protected] или позвоните по телефону 781-933-2455.

Каждая деталь изготавливается на заказ. В зависимости от текстуры и уровня детализации скульптуры внешний вид патины может быть разным. Ожидается небольшое изменение цвета от заказа к заказу.

Если не указано иное, наши репродукции отлиты вручную из гипса и укреплены мешковиной, волокнами и / или металлическими прутьями для дополнительной прочности.

FLAT WHITE: однородный матовый белый цвет.Это оптимальная патина для литья под давлением, так как позволяет сосредоточиться на форме.

WHITE PATINA: Белая отделка с добавлением светлых оттенков слоновой кости на верхние поверхности.

LIGHT ANTIQUE PLASTER: Мягкая смесь белого, серого и желтого цветов для имитации состаренной гипсовой повязки.

ANTIQUE PLASTER: Эффектная смесь серого и желтого цветов, воссоздающая вид состаренной гипсовой повязки.

БРОНЗА: Насыщенная коричневая отделка с золотистыми бликами для имитации бронзы.

КАМЕНЬ: Смесь более светлых тонов, напоминающая натуральный камень.

ТЕМНЫЙ КАМЕНЬ: смесь более темных тонов, напоминающая натуральный камень.

ПЕСЧАНИК: Мягкий базовый цвет с теплыми бликами, напоминающий естественный песчаник.

TERRA COTTA: Вариация теплых тонов, напоминающая терракоту .

АССИРИЙСКИЙ КАМЕНЬ (Относится только к позициям 3, 4, 5, 6 и 738): двухцветная патина, дополняющая неглубокую рельефную скульптуру и ее каменную текстуру.

TANAGRA PATINA (Относится только к позициям с номерами 317, 318, 319, 320, 800 и 813): покрытие, воспроизводящее цвета фигурок Tanagra, как показано на изображениях продуктов.

Гостевой пост: Отголоски Микеланджело

Курт ван дер Баш — независимый художник по раскадровке. В его фильмах

Я была одержима миниатюрной Микеланджело, когда реставратор музея Виктории и Альберта Йоханна Пуисто прислала мне письмо по электронной почте о своем проекте блога о слепке носа Дэвида с вопросом, не хочу ли я внести свой рисунок.Недавно я видел выставку Микеланджело и Себастьяно в Национальной галерее и был на полпути к запоминающейся биографии Мартина Гэйфорда 2013 года «Микеланджело: его эпическая жизнь». Я был взволнован и сразу же принял предложение.

Мое волнение было вызвано главным образом тем, что это дало мне возможность нарисовать «настоящий» рисунок. Я коммерческий иллюстратор и по большей части самоучка, поэтому я всегда питал определенную зависть к коллегам, которые испытали то, что, как мне кажется, является суровостью надлежащего художественного образования.Так сказать, обширный академический рисунок. У нас есть это романтическое изображение из зернистых фотографий учеников Икинса или классов в Школе изящных искусств в Париже в стиле сепии. Эти студенты в старомодных жилетах и ​​без рукавов проводили десятки и сотни часов студенческих дней, усердно рисуя модель или, чаще всего, гипсовую повязку. Из-за высокой стоимости доступ к моделям для студентов был ограничен, и нельзя было ожидать, что они будут удерживать позу в течение длительного периода времени.Броски, однако, могли. У бедного студента академии может не быть средств поехать в Рим или во Флоренцию, но с слепками у них было неограниченное время с некоторыми из величайших скульптурных произведений классической эпохи в эпоху Возрождения, и, похоже, именно для этого мира изучения искусства слепок носа Давида был изготовлен в 1891 году фирмой Brucciani & Co, Лондон.

1890-е годы все еще были эпохой техники «визуального измерения». От Альберти до Сарджента размер прицела был стандартным методом академического рисования на протяжении веков.Эта система требует, чтобы художник нарисовал свою модель или отлил в соотношении 1: 1. Стоя лицом к объекту, ученики используют отвес (или, по крайней мере, воображаемый) и вытянутую руку, держащую карандаш и отмечающую на нем измерения большим пальцем.

Со все еще вытянутой рукой они могут нанести эти пропорции на бумагу или холст точно так, как они это видят, и с большой точностью.После того, как края установлены правильно, художник может переводить взгляд назад и вперед между объектом и рисунком, и при этом (работает тот же принцип, что и анимация ячеек) несоответствия между двумя почти идентичными изображениями кажутся «скачущими» на странице. любые ошибки сразу выделяются. Установив гипсовую повязку и оставив ее нетронутой в студии, студент-искусствовед мог потратить дни или недели на одно исследование и создать изображение с зеркальной точностью.

Когда я начал работать за границей, я открыл для себя Литейные суды V&A в Лондоне и Abguss-Sammlung Antiker Plastik в Берлине и решил восполнить пробел в моем собственном образовании по рисованию. Я проводил много выходных в этих местах, делая зарисовки слепков (иногда, когда разрешалось, с помощью складной алюминиевой пюпитра, на который можно было положить блокнот — как мольберт, но очень легкий и ненавязчивый).

Вдобавок ко всему, что я приобрел в результате этих исследований (прогресс между моим первым из этих музейных рисунков и моим последним явно, болезненно, заметен), это было долгожданным контрастом с моей настоящей художественной работой в качестве раскадровщика в кино. продакшн, где я делаю сотни быстрых набросков для планирования кадров фильма.По большей части это фантастические и научно-фантастические истории, которые я иллюстрирую, и поэтому, несмотря на 500 лет и меняющиеся методы, они не так уж далеки от эпических религиозных сцен и классических мифов, которые мои потенциальные коллеги, коммерческие художники эпохи Возрождения были обязаны выпускать на работу. Как и они, мне даются некоторые конкретные параметры и ссылки, но в основном рисунки исходят из моей головы, и я рисую идеализированные знаковые фигуры, используя художественную стенографию, которую я разработал для себя за годы, чтобы максимизировать скорость и ясность.Совершенно очевидно, что даже удивительные игнуди Микеланджело — это не отдельные портреты, а идеализированные фигуры, созданные коммерческим художником, использующим его собственную остроумную стенографию героических преувеличений плюс небольшие изменения, чтобы разнообразить их внешний вид. В своей работе я нарисовал много тысяч лиц, и это следует, за исключением случайных снимков из-за плеча, которыми я рисовал почти столько же носов. Иногда десятки за один день, поэтому, когда я садился первым, чтобы нарисовать нос Дэвида, мне приходилось напоминать себе рисовать не « мужской нос », а этот гипсовый нос передо мной, и не позволять рефлексу и стенографии: я так привык на своей работе брать на себя ответственность.

Йоханна предложила мне сделать свой рисунок на основе безупречного трехмерного сканирования Джорджа Экстса, которое почти чудесным образом можно масштабировать и поворачивать в пространстве для просмотра под любым углом. Это, однако, сняло бы задачу превращения физического объекта в двумерный в моей голове, что было недооцененной задачей. Я вспомнил, что видел копию носа в сувенирном магазине, Британском музее или галерее Тейт, поэтому посмотрел в Интернете, чтобы узнать, могу ли я получить копию.

В конце концов я нашел магазин в Клостер Лехнин, Германия, с интернет-магазином различных гипсовых слепков, и среди их ассортимента был нос Давида. Я заказал это. Он прибыл в коробке с арахисом из пенополистирола и был настолько свежим, что оставил белые остатки штукатурки на моих руках. Он был мгновенно узнаваемым, но в отличие от скана мистера Экстса с его текстурой поверхности и патинами, которые делают его похожим на изображения луны в высоком разрешении, края на моей копии были смягчены поколениями повторных копий.

Когда мы изучали фортепиано в Канаде, мы могли проследить родословную нашего учителя и ученика от нашего профессора до его учителя, затем его учителя, и, что интересно для нас, вплоть до Бетховена. Когда я делал свой первый рисунок, я думал об этой связи с Микеланджело. Кто-то снял слепок настоящего Давида, сделанный руками Микеланджело. Затем из этого слепка Бруччиани самостоятельно слепил нос.Они попали в различные школы и студии, откуда они были взяты, а новые копии были сделаны и распространены. По мере того как это продолжалось, как в детской игре шепотом, мелкие детали постепенно исчезали, пока два столетия спустя мы не находим копию с гладкими краями в магазине декоративной штукатурки под Берлином среди гипсовых херувимов и Будд.

Общеизвестно трудный и великий Микеланджело, вероятно, не увидел бы в этом особого юмора, но, возможно, если бы он знал, что эта копия выходит на один шаг за пределы магазина украшений, чтобы снова служить образцом для практики рисования, он простил бы любое унижение, нанесенное его работе. по пути.Микеланджело поощрял своих учеников рисовать, но, как нам сказали, безуспешно. Запоминающаяся запись, сделанная им на рисунке одного ученика, говорит ему: «Рисуй, Антонио; рисуй, Антонио; рисуй и не теряй времени зря ». Это наставление всем художникам, в том числе и менее значительным, чем Микеланджело, следует помнить.

KURT VAN DER BASCH

Курт ван дер Баш, 1975 г., проживающий в Праге художник-раскадровщик и иллюстратор, вырос в приморском регионе Восточного побережья Канады, где изучал классическое фортепиано.В 1999 году он вошел в кино- и телеиндустрию в качестве офисного помощника, но вскоре начал проектировать и иллюстрировать реквизит для эпического китайского фэнтези «Затерянная империя» на канале Hallmark Channel, работая художником-живописцем в приключенческом боевике «Лига мира». Выдающиеся джентльмены », а также концептуализация и иллюстрация декораций и декораций для« Чужого против Хищника »и биографического фантастического фильма Терри Гиллиама« Брат Гримм ». Обладая способностью к быстрому рисованию, Курт обратился к раскадровке в 2003 году, сняв «Все освещено» Лив Шрайбер и драму 2004 года Нила Бургера «Иллюзионист».С тех пор он применил свои навыки рисования к широкому кругу СМИ в Европе и Соединенных Штатах, от создания иллюстраций к музыкальным клипам для Джанет Джексон и Канье Уэст и тура Мадонны 2009 года «Sticky and Sweet» до рисования раскадровок для Тома Тыквера и The Эпический научно-фантастический фильм Вачовски 2012 года «Облачный атлас». Он также работал над десятками телевизионных рекламных роликов. Среди последних проектов Курта — «Мир юрского периода: Павшее королевство» Дж. А. Байоны с Крисом Праттом и долгожданный «Звездные войны: Эпизод.VIII: Последние джедаи ».

В следующем посте Андреа Феличе, модельер гипса в третьем поколении из FeliceCalchi в Риме, расскажет о процессе изготовления слепков носа для академических целей. Следите за новостями сериала «Дэвид Нос» — «Впечатления от создателей форм».

Нос Дэвида, 2011 — ResearchOnline @ JCU

Браун, Дж. Джеймс (2011) Нос Давида, 2011.

284

Аннотация

«Нос Давида» Г.Джеймс Браун был выполнен как современный ответ на давнюю традицию интерпретирующих произведений искусства. Рисунок обращается к гипсовому фрагменту «Давида» Микеланджело с точки зрения восприятия современного художника Северного Квинсленда света и трактовки изображаемого объекта. По дизайну рисунок является точкой сравнения между европейскими практиками XIX века в переводе гипсовых слепков в рисунки и личной художественной практикой художника. Статью, в которой обсуждается этот рисунок и его контекст, можно найти по адресу: http: // www.printsandprinciples.com/2012/05/james-brown-illustration-referencing.html

Заявление об исследовании

Действия (только сотрудники репозитория)

Извините, страница не найдена — Художественный музей Джослин

• • Часы и входной билет
  • Схема проезда
  • Календарь мероприятий
  • Лекции, музыка и специальные мероприятия
  • Детские программы
    • Art Works
    • Story Adventures
    • Art Packs
  • Подростковые программы
    • Draw-a-Thon
    • Специальные мероприятия
    • JAMbassadors
    • Программа наставничества Kent Bellows
  • Общественные и групповые туры
  • Кафе Дарем
  • Магазин музея Хичкока
  • Карта музея
• • Постоянные коллекции
    • Обзор коллекций
    • Права и воспроизведение
    • Conservation
    • Provenance Research
    • Margre H.Даремский центр западных исследований
    • ГОВОРИТ ОМАХА
  • Временные выставки
    • Текущий
    • Предстоящий
    • Прошлый
  • Скульптура Сады
    • Сад скульптур Фонда Питера Кевита
    • Сад открытий
    • Другая скульптура на открытом воздухе
  • Здание
• • Присоединиться / Продлить
    • Общее членство
    • Участие в программе
    • Членство в патронах
    • Молодые меценаты (YAP)
    • Принять участие
  • благотворительные общества
    • Общество современного искусства
  • Ассоциация художественных музеев Джослин (JAMA)
  • Пожертвовать / Способы дать
    • Годовой фонд
    • Дани Подарки
    • Спонсорство
    • Дар искусства
    • Пожертвовать сейчас
  • Доброволец
  • Раздача наследия
  • Путешествие с Художественным музеем Джослин
• • Conagra Brands Atrium
  • Storz Fountain Court
  • Witherspoon Concert Hall
  • Abbott Lecture Hall
  • Omaha Steaks Conference Room
  • Strauss Bridge
  • Founder’s Room
  • Peter Kiewit Foundation Sculpture
• • Классы
    • Art Adventures (дошкольное образование)
    • Детские классы
    • Классы для взрослых и подростков
    • Художественные лагеря
    • Художественная школа
    • Домашняя школа
    • Специальные классы серии
  • Учителя
    • Посещение школ
    • Ресурсный центр для учителей Нельсона
      • Планы уроков
      • Учебные плакаты
    • Четверг для учителей
    • Дистанционное обучение
  • Программа наставничества Кент Беллоуз
    • Программы
    • Студенты
    • Наставники художников
    • Блог
  • Мультимедиа
  • Партнерство с сообществами
  • Art Works
  • Галерея Scott EdTech
  • Библиотека Абрахамса
  • Доценты
  • JAMbassadors
• • Архив
• • Обращение директора
  • Оценочная ведомость
  • История
  • Совет управляющих
  • Годовые отчеты
  • Занятость
    • Стажировка
  • Блог

Джорджо Вазари: Давид Микеланджело (1550 г.) | Распространенные ошибки при использовании английского языка и др.

Хотя их покровители часто все еще считали их просто особенно умелыми слугами, многие художники эпохи Возрождения начали формировать более высокое мнение о себе.В следующем анекдоте великий художник и скульптор Микеланджело находит умный способ расправиться со своим покровителем, самонадеянным и невежественным дворянином. Модель David не только иллюстрирует библейскую историю, но и должна служить символом готовности Флоренции защищаться.

Эта статуя, когда она была закончена, была такого рода, что возникло множество споров о том, как ее перенести на площадь Синьории. После этого Джулиано да Сан Галло и его брат Антонио сделали очень прочный деревянный каркас и подвесили фигуру к нему с помощью веревок, чтобы она не ударилась о дерево и не разорвалась на куски, а скорее могла мягко покачиваться; и они нарисовали его лебедками над плоскими балками, положенными на землю, а затем установили его на место.На веревке, на которой висела фигура, он сделал скользящий узел, который было очень легко развязать, но затягивался по мере увеличения веса, что является самой красивой и изобретательной вещью; и у меня есть в моей книге рисунок его собственной рукой — замечательное, надежное и сильное приспособление для подвешивания тяжестей.

В это время случилось так, что Пьеро Содерини, увидев его на месте, был очень доволен им, но сказал Микеланджело (1) в момент, когда он ретушировал его в определенных частях, что ему показалось, что нос фигуры было слишком толстым.Микеланджело заметил, что Гонфалоньер был ниже Великана, и что его точка зрения мешала ему увидеть это должным образом; но чтобы удовлетворить его, он взобрался на сцену, которая находилась у плеч, и быстро взял долото в левой руке с небольшим количеством мраморной пыли, лежавшей на досках постановки, а затем начал слегка ударить долотом, понемногу пускать пыль и ни на йоту не изменить нос по сравнению с тем, что было раньше. Затем, глядя на гонфалонира, который стоял и смотрел на него, он сказал: «Взгляните на это сейчас.«Мне он больше нравится, — сказал гонфалоньер, — ты дал ему жизнь». И вот Микеланджело спустился, смеясь про себя, удовлетворив этого господина, ибо он сострадал тем, кто, чтобы казаться полными знания, говорят о вещах, о которых они ничего не знают.

Когда он был построен, и все было закончено, он обнаружил его, и нельзя отрицать, что эта работа унесла пальму первенства (2) у всех других статуй, современных или древних, греческих или латинских; и можно сказать, что ни Марфорио в Риме, ни Тибр и Нил Бельведера, ни гиганты Монте-Кавалло (3) не равны ему ни в каком отношении, с такой справедливой пропорцией, красотой и совершенством Микеланджело закончи это.Ибо в нем можно увидеть прекраснейшие контуры ног, с соединением конечностей и тонкие очертания боков, которые божественны; и никогда еще не было видно такой легкой позы или какой-либо грации, равной этой работе, или ног, рук и головы, так хорошо согласованных, один член с другим, в гармонии, дизайне и превосходном артистизме. И, по правде говоря, тому, кто видел эту работу, не нужно беспокоиться о том, чтобы увидеть любую другую работу, выполненную в скульптуре ни в наше время, ни в другое время, независимо от того, каким мастером.Микеланджело получил от Пьеро Содерини в уплату четыреста крон; и он был установлен в 1504 году.

Перевод Гастона дю К. де Вер

(1) «Микеланджело», как написано Вазари.

(2) Выиграл чемпионат.

(3) Все это сопоставимые «гиганты».

Вернуться к содержанию

Пол Брайанс
Департамент английского языка
Вашингтонский государственный университет
Пуллман 99164-5020

Это всего лишь образец книги Reading About the World, Volume 1 . Чтение о мире больше не издается. Вы можете искать использованные копии, используя следующую информацию: Paul Brians, et al. Чтение о мире , Vol. 1, 3-е издание, издательство Harcourt Brace College Publishing: ISBN 0-15-567425-0 или Пол Брайанс и др. Чтение о мире , Vol. 2, 3-е издание, издательство колледжа Харкорт Брейс: ISBN 0-15-512826-4.

Попробуйте Chambal:
http://www.chambal.com/csin/9780155674257/ (том 1)
http: //www.chambal.com / csin / 9780155128262 / (том 2)

Скажи НЕТ, чтобы наклеивать фигурки в студенческих проектах

Скажи «НЕТ» фигуркам!

Мне нравится, когда мои ученики рисуют в классе. Но я НЕНАВИЖУ фигурки.

на самом деле не предназначены для чего-либо, кроме как стоять там. Если вы хотите заставить их ходить, бегать или делать что-нибудь еще, они не предназначены для этого. Кроме того, их непросто настроить. Можно добавить волосы. Вот и все.

Это становится проблемой для моих учеников, когда я заставляю их делать в классе что-то творческое, например, наброски или социограммы.Они должны найти способ не только изобразить разных персонажей, но и разные вещи, которые они могут делать, например, драться, спорить, переходить с места на место.

Мои ученики неизбежно спросят: «Можно ли использовать фигурки из палочек?» Циничная сторона меня говорит, что они просто ленивы. Но я также думаю, что им не хватает уверенности в своих способностях к рисованию. Когда они учились в начальной школе, все считали себя художниками. По мере взросления начинают закрадываться сомнения. То же самое и с оценкой.Они хотят встать на безопасный путь вместо того, чтобы пытаться растянуть свои способности рисования.

Однако, если я поручаю своим ученикам заниматься творчеством, я также хочу, чтобы они практиковались в мастерстве. Я хочу, чтобы они усердно работали над совершенствованием всех аспектов процесса дизайна, от макета до аккуратности и изобретательности. Это включает в себя привлечение лучших людей.

Рисование лучших людей

Я создал визуализацию, показанную выше, которая показывает лучший способ создания фигурок для студенческих проектов.Этих людей достаточно легко рисовать ученикам, и они подходят для самых разных поз. Я также дал некоторые инструкции о том, как создавать лучшие лица (носы и брови являются ключевыми), а также как рисовать волосы (самый простой способ настроить персонажей). Я также включил четыре формы рук, которые ученики могут использовать, потому что руки всегда сложно.

Если вам нужна версия наглядного пособия «Скажи НЕТ, чтобы наклеивать фигурки» с высоким разрешением, которое можно было бы использовать в классе, нажмите здесь .Вы также будете добавлены в мой список рассылки и время от времени будете получать отличные уроки английского языка.

Вот еще несколько сообщений в блоге, которые могут вам понравиться:

5 шагов к отличным аннотациям

Социограммы: альтернатива эссе

Как быстрее учиться

Учебные станции в средних классах ELA

Я знаю, что вы из тех учителей, которые делают свой класс веселой и увлекательной учебной средой. У меня есть серия уроков, сделанных в виде комиксов, которые затрагивают различные темы ELA, такие как грамматика, поэзия, редактирование и Шекспир, и все это порадует ваших учеников, что они пришли в класс в тот день.

Задать вопрос продавцу

Библиографические данные

Название: МАРИНА СЕМЕНОВА

Издательство: Издательство «Искусство», Москва,

Дата публикации: 1965

Переплет: Твердая обложка

Состояние книги: Очень хорошее

Суперобложка Состояние: Без куртки

Тип книги: Русский язык в твердом переплете

Описание магазина

Посетить витрину продавца

Цифровые фотографии для всех книг доступны по запросу.

Прекрасно, волшебно 🙂

Спасибо 🙂
Давно я не испытывал такого щенячьего восторга, ползая буквально по этому пространству на коленях :)))

очень.. как раз такое, на чем у меня взгляд обычно задерживается )
спасибо

Рад, если удалось утолить взгляд 🙂

пс. Это зачем столько топоров? Бунтовать?! :))))
псс.Голова льва не очень. Не в концепте. Имхо. Пардон если что

Топоры хозяин собирает, да и сам кое-что делает, он плотник и кузнец 🙂

Именно — там всё живое 🙂 Но совсем не страшное, скорее привлекательное и очень позитивное 🙂

интересно

Нравится такое? 🙂

угу
да и пожил бы с удовольствием)))

я бы и сам там пожил… свой надо поднимать 🙂

Замечательно! Целостная такая композиция, с единым (приятным) настроением.

Спасибо! Именно так и хотелось — цельный образ создать и настроение то, едва уловимое, в деталях 🙂

а желтые драбины специально так…непрямо сделаны? 🙂
таптухи пад столяй висят? на рыбу можно ходить.
шторки красные в горох… умилилась 🙂
и бешеные огурцы растут :)))
здорово 🙂
а что железом укрепляли? дверь?

Может и дверь, скорее всего, я ведь на фактуры ведусь, сами объекты иногда упускаю :))) Вот и огурцы весьма интересны в этом смысле 🙂

только что заметила:
под нашим офисом район частной застройки. хозяин близлежащего дома поставил для пса будку с окошками 🙂

В тему! :)))

О!!! Сколько всего фактурного во всех смыслах!!! Красотищаааа!!

Игра фактур — это наше всё! :)))

Какая плодотворная поездка у вас была — что от первого, что от второго репортажа глаз не оторвать!!!!

красота кругом ибо 🙂

как в библиотеку
зашел…
смотрю на дрова

Цвет, фактура дерева сказочно прекрасен! Порадовал глазы…склоняю колены…стонут фибры души…му

Блеск!

я такой цвет и фактуры обожаю! 🙂

Целостная красота. Не представляла, что такое ещё где-то сохранилось.
Особенно топоры сразили и качеля из — свиного корыта?

Да, обычное корыто :)))

Композиция «Формальный сад»

Старый сад — великолепные кулисы и «заимствованный пейзаж» для современного регулярного или, как его теперь называют, формального сада. К счастью, такая композиция не предусматривает строгой симметричной планировки и обязательного наличия партеров и ковровых цветников, но отдельные ее элементы необходимы. Если говорить честно, то этот сад является одним из самых сложных в исполнении и уходе, но работа того стоит.

Перед домом следует удалить все растения и разбить газон строго геометрической формы, окруженный аккуратными дорожками. Никаких цветников перед фасадом создавать не нужно, зато не лишними будут вазы с цветами. Если это допускает архитектура дома, то вазы могут быть крупными и иметь причудливую форму. Такая композиция очень лаконична, престижна и будет играть роль своеобразного палисадника.

Главной изюминкой нашего «формального сада» станет «зеленый кабинет». От него так и веет стариной: как бы вытертое временем мощение, причудливой формы антикварная скамейка. Его планировочное решение чрезвычайно просто — прямоугольная мощеная или грунтовая площадка, окруженная стриженой изгородью или увитыми лианами трельяжами. Вход в «зеленый кабинет» оформляется аркой или «зеленым коридором» — перголой. Пространство внутри кабинета предназначается для уединения, поэтому оно очень лаконично — в основном, красивая садовая мебель и опять же вазы с цветами. «Тайный сад» — очаровательная камерная композиция, предназначенная для свиданий и уединения. Именно поэтому главной ее особенностью становится изолированность и уют. Разнообразные бордюры и элементы стрижки — обязательные компоненты такого сада.

Очень интересным может стать «сад пряных трав» — ароматический сад, который лучше всего расположить на месте бывшего огорода. Такому садику необходимо придать прямоугольную форму и окружить низкой стриженой изгородью или аккуратным заборчиком. Внутреннее пространство сада следует разделить на симметричные секторы, но центр не занимать, чтобы расположить там увитую лианами ажурную беседку, декоративный колодец или фонтан. Центральные части некоторых секторов желательно украсить высокими одиночными растениями, лучшими из которых станут штамбовые формы плодовых кустарников, лиственницы, а также яблони на карликовых подвоях. Все секторы нужно превратить в подобия боскетов, для чего их контуры необходимо подчеркнуть низкими бордюрными или стрижеными растениями, в том числе и овощными, например, салатом, свеклой или петрушкой. В завершение останется лишь засадить боскеты декоративными овощами и пряными травами, чередуя их с однолетними цветами. Конечно, все это требует квалифицированного ухода, но чрезвычайно эффектно и очень стильно.

Остальное пространство сада можно решить более свободно, но для поддержания формального стиля все основные дорожки хорошо бы оформить низкими бордюрами стриженых кустарников или стойких многолетников, например, хост.

© Сады Северо-Запада.
Это экологический проект.
Помогите ему стать доступным каждому.
При цитировании помещайте активную ссылку
http://sadsevzap.ru

Ассоциация искусствоведов (АИС) — Особенности композиции в абстрактной живописи 1910-х годов: Казимир Малевич и Василий Кандинский

Мирошниченко Алена

Особенности композиции в абстрактной живописи 1910-х годов:

Казимир Малевич и Василий Кандинский

Вопросы построения картины в беспредметном искусстве и подход к этой проблематике в классической живописи тесно взаимосвязаны. Абстрактная живопись, как и живопись фигуративная, имеет свои композиционные особенности, но при отсутствии предмета и интригующего сюжета многое меняется. Творчество двух художников, К.Малевича и В.Кандинского, принципиально разных с точки зрения подхода к абстрактному искусству, позволяет максимально широко охватить проблему принципов построения картин в беспредметной живописи. В данной статье автор исследует композиционные составляющие абстрактной картины с целью узнать, насколько провозглашаемая художниками новизна их искусства является действительно таковой. Важно понять, как изменения в композиционных характеристиках согласуются с теориями самих мастеров-беспредметников и каковы на самом деле различия в принципах построения классической и абстрактной картин.

Ключевые слова: абстрактная живопись, композиция, пространство, колорит, изобразительное поле, время, контраст, ритм.

Различие между композицией в предметной живописи и в абстрактной является интереснейшей проблемой, которую невозможно решить в рамках одной статьи. Однако необходимо подчеркнуть тот факт, что вопросы построения картины в беспредметном искусстве и подход к этой проблеме в классической живописи тесно взаимосвязаны. Одно логически следует из другого, хотя бы потому, что учитывался опыт всей живописи, начиная с древнейших эпох (учтем, что мастера абстрактного искусства неплохо ориентировались в истории искусства), да и шли они к своим открытиям не сразу, вольно или невольно отдав дань предшествующей традиции. Кроме того, в чем еще предстоит убедиться, абстрактное искусство по сравнению со многими «измами» тогда же возникавшими никогда не изменяло самому «духу» и языку искусства, не считаясь с экспериментами футуризма или дадаизма.

Два мастера-беспредметника, каждый из которых прошел свой путь в искусстве, со своей теорией и ее воплощением на практике, давно являются объектом пристального исследования специалистов. Однако формальным принципам этих мастеров последнее время уделялось мало внимания, вследствие чего проблема композиции в их творчестве представляется довольно актуальной. Рассмотрев же абстрактное искусство Малевича и Кандинского в качестве основы исследования, можно сделать определенные выводы касательно «абстракции» в целом. Живопись этих художников, принципиально разных с точки зрения подхода к абстрактной живописи (геометрическая абстракция в одном случае, и свободно-живописная – в другом), но связанных с позиции поворота к нефигуративности, заставляет задуматься еще и о том, насколько принципиально противопоставление фигуративной и абстрактной живописи в отношении композиционных «правил». Именно различия в подходе к беспредметной живописи Малевича и Кандинского позволяют наиболее широко охватить проблему принципов построения картины и динамику становления композиционной формы в абстрактных работах.

Выбор абстрактного творчества Кандинского и Малевича для изучения обусловлен своеобразием подхода к нефигуративной живописи каждого из художников. Сойдясь в некотором смысле в точке экспрессионизма: Малевич в примитивистском ключе «Купальщик» (1911, Музей Стеделик, Амстердам), «Аргентинская полька» (1911, Частное собрание) и др., Кандинский в своих работах 1900-х годов, сочетавших экспрессионизм с символизмом, – далее художники движутся в абсолютно разных направлениях. Малевич идет по пути трансформации форм от примитивизма, через кубофутуризм к алогизму, из которого уже был только один выход – к «Черному квадрату» (1915, ГТГ), поскольку в его алогических работах возникают определенные новые черты, такие, например, как «безвесие», которые будут непосредственно развиты в супрематизме. Здесь также появляются плоские монотонно окрашенные формы, в дальнейшем составившие основу художественного решения футуристической оперы «Победа над солнцем», из которой художник вывел свой супрематизм. Кандинский же идет от экспрессионистических работ сразу к абстракции: формы в его картинах постепенно упрощаются, превращаясь в цветовые пятна и линии, становясь своего рода отголосками узнаваемых пока предметов-сюжетов, они видоизменяются, но так, чтобы сохранить в себе память о том, что когда-то обозначали. Это узнавание, согласно Кандинскому, было необходимо для того, чтобы подготовить зрителя к восприятию абстрактного искусства, сам автор опасался, что полностью абстрактная картина будет воспринята как произведение чисто декоративного характера, как ковер, и, в этом случае, идея Кандинского о восхождении к Царству Духовного останется непонятой.

Абстрактная живопись, как и живопись фигуративная, имеет свои композиционные особенности. Однако, с уходом изображения предмета и интригующего сюжета, прежде составлявших необходимое условие для развития композиции, многое должно было измениться. Возникновение абстрактной живописи предполагает отказ от предшествующей традиции в манере презентации конкретного предмета или ситуативного момента. Так, например, Казимир Малевич настаивал на абсолютной новизне своего искусства и отрешении супрематизма от всего, что было ранее. Василий Кандинский был не столь категоричен в своих суждениях, считая абстрактную живопись отдельной ветвью живописного творчества, хоть и отдаленно, но все же эволюционно связанной с традицией. Более того, работы Кандинского 1910-х гг. в большинстве своем хранят в себе узнаваемые мотивы и предметы, иначе говоря, отголоски предметного искусства, представая тем самым неким связующим звеном некого перехода от классической живописи к абстрактной.

Если попробовать разложить абстрактную картину на композиционные составляющие (т.е. сделать некий «словарик форм»), можно увидеть, насколько провозглашаемая художниками новизна является действительно таковой. Основные элементы, из которых складывается композиция картины: пространство, время, контраст, симметрия и т.д. – претерпевают изменения в связи с отказом от предмета и сюжета. Задача же исследователя в данном случае – понять, как эти изменения согласуются с теориями мастеров-беспредметников и насколько сильны различия в композиционных характеристиках классической и абстрактной картин.

Рассматриваемый период ограничивается началом 1920-х годов, поскольку в эти годы Казимир Малевич частично отказывается от живописи в пользу преподавательской деятельности, и в рамках рассматриваемой проблемы не создает принципиально новых вещей, позднее же и вовсе возвращается к фигуративному искусству, хотя и с реминисценциями супрематизма. Василий Кандинский окончательно покидает Россию в конце 1921 года, он едет в Германию, где продолжает работать в русле абстракции, но уже в ее геометрическом ключе, и в этой точке происходит определенное сближение эволюций искусства двух мастеров.

Исследование о композиции для нас начинается с наиболее обширной ее составляющей, то есть с пространства.

В теоретических исследованиях художники по-разному интерпретируют пространство. Малевич, говоря о супрематизме, оперирует понятиями бесконечности, неохватности. Кандинский в своих теоретических изысканиях – понятиями Духовного, суть которых также сводится к бесконечности. Иными словами пространство, по замыслу авторов, в их произведениях имеют космический, абсолютный характер. Только у Кандинского в некоторых случаях мы все же можем говорить о пространстве относительном, когда происходит некое действие в мире, приближенном к реальному («Гавань», 1916, ГТГ). В общем же пространственная конфигурация приобретает символическую значимость в нефигуративной живописи этих художников, – это не конкретное место действия, а всеобщее, в котором творятся законы Вселенной, законы мира.

Кандинский не ценил первого плана, все его работы – это по сути, господство среднего и дальнего планов, что в сочетании с часто появляющейся у него точкой зрения «сверху», создавало эффект масштабности изображенного художником мира, необъятного космического пространства, в котором и происходят события. Такое отношение к картинному пространству проявилось у Кандинского уже в конце 1900-х: «Художник будто порывает со «стоянием на земле» и как наблюдатель дематериализуется, воспаряет, словно смотрит с крыши мира, с небес. Потому в его последующих импровизациях, импрессиях и композициях зритель – бесконечно удаленная величина, и, хотя находится перед картиной, он словно пролетает над ней…»[i].

В разговоре о пространстве у Кандинского нельзя обойти вниманием следующий момент. Пространство в абстрактном произведении может не существовать как предметное, но существует как пространство красочных пятен вне предметных ассоциаций. Согласно цветовой теории художника, каждый цвет обладает своей динамической характеристикой, так например, желтый движется к человеку – излучает свет, а синий – увлекает внутрь себя, то есть движется от человека и т.д. Кандинский создал разветвленную колористическую теорию, в которой дал описание различным цветам и возможностям их воздействия на человека, как в физическом, так и в психологическом планах. Таким образом, следуя концепции Кандинского, пространство в его работах создается не только и не столько расположением фигуративных узнаваемых элементов как таковых, но еще и красочными характеристиками, свойствами цветовых пятен. Создается живописное растяжение пространства посредством непредметного качества. Художник, исходя из своей цветовой концепции, аккумулирует в произведении различные оттенки в соответствии с их качествами и силой воздействия, чтобы вызвать у зрителя конкретное впечатление.

Что же касается пространства у Малевича, то вот что пишет об этом американский исследователь Джон Боулт: «Малевич хотел, чтобы его картины были беспредметными, то есть свободными от предметов. Как он решал проблему пространства? Из учения о цвете он понял что, черное на белом дает намек на пространство. Таким образом, в его теории, чтобы создать иллюзию пространства надо располагать конечными цветами – белый, красный, черный – в определенной манере. Это стало основным принципом супрематизма»[ii]. Другими словами, Малевич создает пространство в своих произведениях путем сопоставления геометрических фигур локальных цветов и противопоставления этих фигур белому (светлому) фону. Тем самым создается эффект в чем-то схожий с театральным. Часто в супрематических работах можно видеть, как фигуры касаются края холста или даже обрезаются им («Супрематизм. Беспредметная композиция», 1915, Музей изобразительных искусств, Екатеринбург; «Супрематизм», 1917, Музей современного искусства, Нью-Йорк), иначе говоря, имеют продолжение и за пределами картинной плоскости. Это дает повод говорить о пространстве супрематической картины как об определенной вырезанной части некоего общего пространства, что, безусловно, сближает супрематизм с произведениями классического фигуративного искусства. Однако, вспомним, что на выставке «0.10» супрематические произведения экспонировались без рамы, что сразу отделяет их от традиционного отношения к картинной плоскости и придает всей выставке оттенок спонтанности, непредсказуемости, исчезновение рамы делает новаторство более наглядным, демонстрируя отторжение от предшествующего опыта экспонирования искусства. Работы Кандинского выставлялись в рамах, и изображенное пространство также могло бы продолжаться, условно говоря, за рамками картины, поскольку холст являл зрителю некий «вырезанный» фрагмент происходящего («Москва I», 1916, ГТГ). Это вполне согласуется с взглядами художника, не отделяющими радикально абстрактное искусство от классического.

Естественно, что изобразительное поле и соответственно его смысл меняются в зависимости от композиции. Если, например, «Черный квадрат» занимает центр поля и имеет своего рода самодовлеющее значение, то в других композициях, состоящих из большего количества форм, мы наблюдаем и большую дробность (вариативность) смысла. Это сближает супрематическую картину с картиной классической, фигуративной – эта разница явлена напрямую в портрете, индивидуальном и групповом, когда, в случае если изображается один человек, все внимание направлено на него, он несет в себе весь заложенный в произведение смысл; когда же действующих лиц много, возникают взаимоотношения между ними, соответственно смысл меняется, определяющими становятся не только фигуры, но и паузы между ними приобретают важнейшее значение. Именно поэтому Малевич и делит супрематизм на периоды согласно главным фигурам и их цветам: черный, цветной и белый (что довольно условно). Супрематизм как таковой тем самым обретает структурность: квадрат (одиночная фигура) на вершине (который имел для художника определяющее значение – нуль формы, основа всего, икона), далее круг и крест (как производные от квадрата) и соответственно далее – произведения, состоящие из нескольких элементов, значение и значимость которых, в силу их расположения, может меняться (в отличие от того же квадрата). Создается выразительная смысловая динамика в развертывании изначальных «тезисов» супрематизма как направления, имеющего в чередовании фазисов этой «развертки» логику, стало быть, интригу, и, стало быть, сценарий – некое подобие «магистрального сюжета».

У Кандинского столь четкой структуры смыслов всех абстрактных работ этого периода мы не наблюдаем. Изобразительное поле в произведениях этого автора более свободно-живописно, стихийно, что в целом соответствует всему апокалиптическому духу живописи автора. Имеются повторяющиеся мотивы, как то: мотив горы, всадника, ангельских труб, лодок и другие, но они не создают столь четкой структурной логики в рамках всего творчества этих лет, как это происходит в супрематизме. Более того, среди важных для Кандинского мотивов, только один может называться структурообразующим – это мотив горы с городом на вершине. Вокруг этого мотива могут группироваться остальные элементы, дополняя и раскрывая его смысл наиболее ярко («Синяя арка», 1917, ГРМ). Однако повторяясь довольно часто, он все же не является основным в системе произведений художника, как то было с квадратом у Малевича, и не создает определенной иерархии элементов и картин.

Говоря об изобразительном поле нельзя обойти вниманием его «гравитационную» составляющую. Отношения гравитации, верха-низа – это то, что непосредственно связывает нас с реальностью, ибо человек теряющий ориентацию в пространстве ощущает эту ситуацию как в некотором смысле болезненную3[iii]. Следовательно, отсутствие в картине отношения верх-низ привносит в нее элемент хаоса, поскольку человеческий организм устроен таким образом, чтобы поддерживать гравитационные отношение, и для этого у него (организма) существует совокупность механизмов. Итак, гравитационные отношения могут действовать, а могут и не иметь определяющего характера. Кандинский описывал подобный случай: «вдруг я увидел перед собой неописуемо прекрасную, пропитанную внутренним горением картину. Сначала я поразился, но сейчас же скорым шагом приблизился к этой загадочной картине, совершенно непонятной по внешнему содержанию и состоявшей исключительно из красочных пятен. И ключ к загадке был найден: это была моя собственная картина, прислоненная к стене и стоявшая на боку»[iv]. Вне зависимости от того, происходил ли этот случай в действительности или перед нами вымышленная история, показательно в данном случае отношение самого художника к проблеме гравитации. Поворот на 90 или на 180 градусов, изменение верха и низа делают важным в композиции в первую очередь соотношения цветовых пятен, которые заменяют собой предметы, бывшие до этого главными в произведении. Архитектоничность в абстрактных работах, естественно, не уходит полностью как качество композиции, но меняется само отношение к ней, законы гравитации перестают быть определяющими (известно множество случаев, когда абстрактные работы по-разному вешают на разных выставках – фотографии тому свидетельство). Кандинский часто таким образом распределял элементы своих картин, что тяжелое и темное находилось на верху, а легкое и светлое в середине, под ним, или же центр картины становился слабым, а углы приобретали вес, иначе говоря гравитационные законы нарушались. Подобное практически невозможно представить в классическом искусстве. Тем не менее, у Кандинского отношения верха-низа имеют важнейшее значение: поскольку действие работ происходит на земле (как в смысле почвы, так и в смысле планеты, хотя характер этих действий является и земным и духовным одновременно) – его версия Апокалипсиса творится на земной поверхности: это и гора с городом (в котором часто видят образ Москвы), это и потоп (который естественно может происходить только на горизонтальной поверхности), словом, для Кандинского гравитация все же важна, без нее происходящее стало бы невозможным. При всей кажущейся хаотичности живописных масс в произведениях художника, в «Композиции VII» (1913, ГТГ), например, есть элементы, отсылающие нас напрямую к соотношению верх-низ – мотив лодки с веслами в левом нижнем углу. То же в его поздних работах, в которых, хотя и крайне редко, встречаются фигуративные элементы, но отношения верха и низа имеют принципиальное значение для композиции картины.

Иное у Малевича. Во-первых, художник долгое время настаивал на отсутствии трехмерного пространства, что в определенной мере сводит гравитационную составляющую к минимуму. Отсутствие пространства означает, что супрематические элементы существуют буквально нигде, это мысли-идеи в чистом виде, а значит, гравитация к ним не имеет отношения, верха и низа как таковых в данном случае просто не существует (тут важен еще один существенный момент: согласно Малевичу в супрематизме 5 измерений). Однако позже сам автор станет расценивать супрематизм именно как проблему пространства (взгляды художника в течение жизни не раз менялись в соответствии с его новыми интересами[v]). Как бы то ни было, в силу того, что супрематические фигуры не привязаны к земле, а «плавают» в некоем пространстве, соответственно, и отношения верх-низ и правое-левое не имеют значения. Причем к подобному «безвесию» Малевич пришел еще до супрематизма, а именно в своих алогических картинах: отсутствие тяжести становится структурным принципом, например, в работе «Авиатор» (1914, ГРМ)[vi]. Это на первый взгляд. Однако утверждение об отсутствии важности отношений верха-низа в супрематизме не совсем верно. В случае с «Черным квадратом» действительно вряд ли что-либо изменится, если мы изменим характеристики и поставим квадрат «вверх ногами». Квадрат существует ровно посередине холста и в силу его равносторонности значимость с точки зрения расположения определена точно и измениться не может. Иное с крестом: любой человек разделяет крест прямой и перевернутый, кроме случаев с равносторонними крестами, – иначе говоря, смысл и восприятие изменятся принципиально в случае перевернутого положения. Малевич настаивал на том, что супрематизм (в отличие от любой абстракции, по его мнению) строится на четких законах построения (которые художник, правда, не определил, ссылаясь на то, что это задача не художника, а исследователей). Соответственно, если мы говорим о композициях, состоящих из нескольких фигур («Супрематическая живопись», 1916, Музей Стеделийк, Амстердам и др. ), то ясно, что, если они построены по некоему закону, то эти композиции должны быть именно такими, какими они созданы; следовательно, зеркальное изменение слева направо скорее всего нарушит этот закон. Из всего этого можно сделать следующий вывод: гравитационная составляющая в этих работах, аналогично тому у Кандинского, не менее важна чем в традиционной живописи, есть лишь ряд исключений, но он довольно мал, и по сути состоит из считанных работ. Если затронуть здесь позднее творчество Малевича, его второй крестьянский цикл, то он построен без каких бы то ни было исключений на регулярности изобразительного поля. Однако важен сам прецедент, возможность отказа от гравитации.

В связи с этим стоит присмотреться к тому, что происходит с перспективой. Абстрактная живопись представляет собой на первый взгляд совершенно иное отношение к перспективе, нежели живопись фигуративная. Но касательно искусства Кандинского и Малевича это утверждение все-таки спорно. Супрематическая картина, как поначалу настаивал Малевич, трехмерного пространства не имеет и не изображает его, следовательно, говорить о перспективе в данном случае неверно. Однако, художник в этом не совсем прав. В случае, если формы «наезжают» друг на друга, то есть одна перекрывает другую (как в композиции «Супрематизм», 1916, ГРМ), мы имеем право говорить о присутствии перспективных планов и их монтаже на плоскости. Безусловно, эта перспектива в определенной степени отлична от той, с которой мы имеем дело в классической живописи, поскольку не связана с восприятием предметов обнимающим зрением. В многофигурных работах (если так можно выразиться о супрематизме) это прямая перспектива. В случае же с произведениями, включающими в себя одну-единственную фигуру, «главного героя», уместно говорить о перспективе обратной (недаром все же «Черный квадрат» – икона, по словам самого автора[vii]). Говоря о творчестве Кандинского, тем более невозможно отказаться от этой композиционной характеристики, так как события, происходящие в его произведениях, дают возможность говорить о существовании линейной перспективы. В некоторых же случаях, как мне кажется, можно говорить о панорамной перспективе, поскольку изображаемое им буквально представляет весь мир (с точки зрения смысловой) и линия горизонта в его работах ведет себя не совсем обычным образом: она может закругляться по краям (как, например, у Петрова-Водкина) или иметь некие волнообразные контуры («Импровизация 21А», 1911, Городская галерея Ленбаххауз, Мюнхен, или «Москва I», 1916, ГТГ).

Впрочем, рассуждения о перспективе в случае с нефигуративной живописью все же довольно условны. Для перспективы как для моделирования пространства в трех измерениях все-таки необходимо существование этих трех измерений, о котором мы в случае с абстракцией говорим с некоторой долей предположительности. Пространство трехмерное нам дают изображения реальных предметов, поскольку именно и только по отношению к ним мы используем категорию глубины, а в случае с формами непредметными использование этой категории затруднительно. Но, когда в произведении соединяются фигуративные и нефигуративные элементы, как это происходит у Кандинского, суждение о некоей условной трехмерности все же правомерно.

Логическим продолжением всех этих положений является отношение нефигуративной живописи к принципу симметрии. Так, квадрат как абсолютно симметричная фигура именно в силу своей симметричности трактуется Малевичем как основа основ. В целом же, в так называемых многофигурных супрематических композициях художник придерживается определенного равновесия элементов, создавая гармоничное целостное впечатление. Произведения, состоящие из нескольких супрематический фигур, в отличие от квадрата, производят скорее впечатление некоего стремления, развития и движения (категория, которую разрабатывал Малевич в супрематизме). Как правило, в этих работах всегда есть одна доминирующая форма, с которой взаимодействуют все остальные – создавая тем самым сложно схватываемый ритм всей композиции, мало сопоставимый с образами, которые мы привыкли читать, и которые запечатлены в нашей повседневной памяти.

Что же касается Кандинского, то у него, например, в «Композиции IV» (1911, Художественные собрания Земли Северный Рейн – Вестфалия, Дюссельдорф,) две черные линии в центре фактически делят композицию на две равные части, которые уравновешены треугольными формами (или формами, приближенными по очертаниям к треугольнику), создавая общий зигзагообразный ритм, придающий упорядоченную динамику всему произведению. Уравновешенность элементов характерна для большинства работ Кандинского. Художник достигает этого разными способами: плотными густыми черными линиями («Импровизация 20», 1911, ГМИИ им. Пушкина) или же разработкой крупных цветовых пятен («Импрессии 5», 1911, Центр Жоржа Помпиду, Париж), где достигается впечатление почти абсолютной симметрии, поскольку динамичная красная треугольная форма, расположенная ровно посередине холста, дополнена крупными темными пятнами в нижних углах картины. Или, например, в работе «Маленькие радости» (1913, Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк), в центре которой изображена гора с городом на ней, а остальные элементы картины направлены или движутся к этому городу, создавая тем самым впечатление симметрии и общий кругообразный центростремительный ритм.

В творчестве Кандинского проблема ритма, ритмической структуры имеет свой специфический характер. Если у Малевича четкие геометрический формы создают своего рода ступенчатый скачкообразный ритм, как бы «перепрыгивающий» через пространственные паузы, то у Кандинского дело обстоит иначе. Во-первых, контуры форм в его работах, как правило, не замкнуты, они скорее открыты в пространство («Импровизация 30», 1913, Институт Искусств, Чикаго). Причем это происходит независимо от того, являются ли абстрактными полностью или антропоморфными или это формы неких строений или предметов. Целостной формой обладают только цветовые пятна. Поскольку линии и пятна подчас друг с другом никак не связаны (то есть линия не ограждает пятно, а сосуществует рядом с ним как полноценный, а не вспомогательный элемент – например «Черные линии», 1913, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк), создается совершенно особый многосоставный ритм, многоголосный или даже несколько ритмических фигур, поскольку считывать ритм можно как с пятен, так и с линий (а еще и с пауз между ними). Цветовые пятна разных очертаний и разных оттенков, не образующие единого «предметного» сюжета, образуют некую пульсирующую среду со скачкообразным неясным, обладающим множественностью трактовок, ритмом.

Довольно часто в произведениях Кандинского функцию, которую раньше выполнял предмет, берут на себя обособленные черные линии. Например, в упомянутой выше «Импровизации 20» (1911, ГМИИ им. Пушкина) угадываются очертания всадника, черными линиями создается выразительный силуэт, отсылающий нас к сюжетному началу в картине, или в «Красном овале» (1920, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк) ясно читается образ лодки с веслами, столь частый в искусстве Кандинского. Эти линии-силуэты диктуют нам определенное восприятие и понимание картины, а также определяют направление движения взгляда зрителя ровно тем же самым образом, что и в классических живописных произведениях. Сохранение элемента предметности имеет, по его же собственным словам, для Кандинского второстепенное значение, а главное – внутреннее звучание картины.

У Малевича мы часто встречаем принцип повтора в рамках одного произведения («Черный квадрат и красный квадрат», 1915, Музей современного искусства, Нью-Йорк, или «Супрематизм», 1915, Музей Людвига, Кельн). Это вполне естественно, учитывая тот факт, что художник оперирует простейшими геометрическими фигурами, коих, в принципе, немного. Формы повторяются, но не буквально, а варьируясь в размерах и цвете, создавая ритм работ. Основой для повтора является квадрат, как соответствие всей концепции супрематизма квадрату как основе всего и прародителю всех остальных форм (в этом смысле любая супрематическая картина представляет собой вариацию на тему квадрата). Принцип многократного повторения основной формы в разнообразных вариациях в некоторой степени роднит супрематизм с композицией в средневековой живописи, в очередной раз, доказывая зрителю тезис о том, что квадрат – своего рода икона. Художник оперирует не только и не столько фигурами (в которых он довольно ограничен), сколько вариациями этих фигур в цвете.

Иное у Кандинского, формы в произведениях которого могут повторяться, но не в силу их ограниченности, а скорее в силу свободы авторского замысла, не ограничившего себя рамками геометрии и сюжета, который так или иначе в этих работах почти всегда присутствует. Формы у этого художника не геометрические, а все-таки аморфные. Следовательно, вариации их бесконечны. Согласно теории автора, гармония форм в произведении основывается только на принципе внутренней необходимости, а значит, художник абсолютно свободен в выборе, если считает этот выбор изобразительных средств целесообразным.

Здесь мы подходим к вопросу формы: у Малевича вариативность цвета и форм сосредоточена в рамках геометрии, Кандинский свободнее с этой точки зрения, чем и объясняется чисто визуальное разнообразие его работ. Кандинский ориентировался на живописную культуру Анри Матисса и его друзей, по-своему ее преломляя, а Малевич оценил монохромность раннего кубизма и локальность цвета у кубизма декоративного. Так, Малевич поставил себя в жесткие рамки языка им же созданной системы, которые ограничили возможности живописи. Если же рассматривать вопрос в целом, то абстрактные формы дают свободу в использовании цвета и картинного пространства именно в силу своей нефигуративности, они не ограничены императивами предметной логики.

Далее от формы целесообразно перейти к колориту. Малевич использует чистые цвета, без переходов, что в сочетании с четкими лаконичными формами дает произведениям композиционную ясность и емкость. Доминанта повествовательности в произведении, по мнению Малевича, коренным образом меняла отношение к цвету в фигуративном искусстве. Внимание к выразительным свойствам цвета, и к колориту как таковому нивелировалось за счет интереса к сюжетной составляющей картины. В супрематизме же колорит освобождается от посторонних «влияний» и становится самодостаточным и способным воздействовать напрямую. Однако постулированное автором 5-е измерение – экономия – не позволяет ему быть абсолютно свободным в использовании цвета. Все формы в работах Малевича однообразно окрашены, без тоновых переходов. В каждом произведении цвет дан художником как четкая характеристика формы, данная и неизменная. Белый цвет фона лишь дополнительно подчеркивает замкнутость каждого цветового пятна, его геометрические рамки. Примечательно, что Малевич делил супрематизм на периоды соответственно определенному цвету, из чего возможен вывод о том, что колорит для автора имел первостепенное значение.

Живописные формы в супрематизме рождаются неким состоянием души автора, которое он сам именовал возбуждением. Линия, форма или цвет могут вызвать это состояние, которое художник затем трансформировал в супрематическую картину, которая в свою очередь должна вызывать определенные ощущения у зрителя – в этой точке мы наблюдаем схожий момент в теориях двух художников. Понимание того, что разные цвета вызывают соответственно разные ощущения, дало возможность Малевичу создать произведения, относящиеся к «цветному» периоду супрематизма. Тогда как «черный» период, берущий начало в «Черном квадрате», – нуле форм – состоит исключительно из разработки автором контраста черное-белое и возможностей его (контраста) вариаций в форме. В последнем «белом» периоде художник играет с оттенками одного цвета, используя тональные вариации в качестве источника динамики в картине. Характерно, что динамизации форм последовательно усиливается от черного периода к белому.

Для супрематизма принципиально важным оказывается контраст в колорите: поскольку он использует (до белого периода супрематизма) чистые локальные цвета – он всегда использует белый или гораздо реже просто светлый фон. На этом фоне, который является и самым нейтральным, фигуры максимально выразительны и с точки зрения линейной формы и с точки зрения колорита. Они выступают на белом фоне, поскольку он не отвлекает от них внимания. Контраст белого фона и ярких фигур является важным средством выразительности (ибо рамки использования форм и цветов довольно четкие и довольно узкие).

Выше уже говорилось о колористической теории Кандинского. Художник, в соответствии с замыслом и ожидаемой реакцией зрителя, использует как яркие сочные локальные пятна («Живопись с черной дугой», 1912, Центр Жоржа Помпиду, Париж), так и переходы цвета. Более того, автор свободен в выборе и совмещает цвета чистые и оттенки в одной и той же работе. Колорит у Кандинского подвержен импровизационному «каприччиозо», поскольку не подчинен строгим формам: пестрый и яркий («Импровизация 31», 1913, Национальная Галерея искусств, Вашингтон) или более сдержанный («В сером», 1919, Центр Жоржа Помпиду, Париж). Цветовая концепция не ограничена ничем, кроме атмосферных состояний художественного воображения. По колориту работы Кандинского бесконечно разнообразны. Существуя вне привязки к предмету, цвет представляет здесь стихию пятен и линий. Автор может использовать в качестве фона различные градации белого цвета, на котором особенно выразительно, по контрасту, проявляют себя черные линии («Импровизация 28», 1912, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк). Не менее часто встречаются и произведения, созданные практически без участия линий, основанные лишь на колористических взаимоотношениях пятен, они являют нам напрямую принцип внутренней необходимости («Фуга», 1914, Коллекция Эрнста Байелера, Базель), поскольку цвет является средством, которым можно непосредственно влиять на душу зрителя, и художник, работая с оттенками, приводит в вибрацию человеческую душу. Варьируя основной цвет фона, Кандинский создает очень выдержанные в цвете композиции, тяготеющие к монохромности («В сером», 1919, Центр Жоржа Помпиду, Париж). По Кандинскому, тона красок могут вызывать в душе гораздо более тонкие вибрации (одно из ключевых понятий во всей теоретической системе Кандинского), нежели краска сама по себе, не подающиеся словесным обозначениям.

Говоря об абстрактном искусстве, мы не может опираться на свой собственный опыт восприятия темпоральности. В этом случае стоит, возможно, полагаться на объяснение самим художником этого вопроса. Так, для супрематических произведений, имеющих некий универсальный характер космических сущностей, проблемы времени не существует. В бесконечном пространстве космоса время не имеет значения, поскольку само пространство не имеет границ. Времени «сейчас», данного конкретного момента действия нет. Формы, имеющие всеобщий характер, праобразы всего, момента сиюсекундного не имеют – это относится в большей степени к черному и цветному периодам супрематизма. Что же касается белого периода – то в нем в определенном смысле появляется категория времени, так как у форм появляются исчезающие края, говорящие тем самым об изменениях, происходящих с этими формами. Изменения же в свою очередь всегда происходят во времени. Более того, исчезающие белые края фигур создают впечатление движения, которое в свою очередь является категорией временной.

Произведения Кандинского пронизаны духом времени, и это время, когда наступает конец света, своего рода последние мгновения перед ним. Изображает ли художник Всемирный Потоп или всадника, стремящегося к горе, или конкретный город (Москва), всегда категория времени важна, поскольку происходит действие-действо одновременно. Вроде бы мы наблюдаем определенный момент некоего происходящего, но в гораздо большей степени мы имеем дело с некоей метафорой, время которой вечно. Кандинский много писал о духовном перерождении мира, поэтому все коллизии в его работах носят характер умозрительный, это не действие здесь и сейчас, это происходит, по сути, одновременно повсюду: и на уровне внутреннем, в душе каждого человека, и на уровне внешнем, ведь согласно теософским воззрениям Кандинского, мир двигался к полному обновлению, готовился к появлению «нового мира» взамен «старого». Предчувствиями космических перемен наполнено время в работах Кандинского. И движение всадника к Граду Небесному – не что иное, как отражение подобных воззрений.

Помимо сказанного выше для Кандинского темой живописного изобретательства была связь живописи с музыкой[viii]. Идея синтеза нескольких искусств интересовала художника. Музыка – искусство временное, иначе говоря, привнесение в живописное произведение неких музыкальных ассоциаций, порождает дополнительно подразумеваемую длительность – но длительность с возвратными повторами – как в фуге – уже пройденных, проигранных периодов, этой возвратностью время отменяющих («Фуга», 1914, Коллекция Эрнста Байелера, Базель). Тем самым время приобретает важнейшую роль с точки зрения поисков синтеза искусств. Кандинский находил большое сходство абстрактного искусства и современной музыки, особенно творчества композитора Шенберга.

Шенберг в музыке, так же, как и Кандинский в живописи, отказывается от традиционного, от консонанса в пользу диссонанса, переходя от тонального письма к атональному двенадцатитоновому[ix]. Шенберг в музыке пытается передать настроения и внутренние бессознательные импульсы, что, в целом, сходно с тем, что Кандинский называл «внутренней необходимостью». Музыка, как и живопись, освобождается от условностей, тяготея к некоему абсолютному языку, к познанию не преходящего во времени, но вечного. Произведения Шенберга мы всегда сможем отделить от произведений классических композиторов именно в силу использования им диссонансов. Шенберг, оперируя теми же теми же элементами-звуками, что и композиторы до него, переносит их в иную музыкальность, располагая их иначе, чем раньше. То же и в изобразительном искусстве, пользуясь линией и цветом, теми же что и до них, Кандинский и Малевич создают совсем иные образы, не похожие на то, что делалось раньше. В отсутствие предмета и традиционного сюжета, должно быть нечто, что заменит их присутствие в абстрактной живописи. Кандинский писал, что внешнее отсутствие каких-либо взаимоотношений между формами, которые кажутся хаотично разбросанными на холсте, на самом деле конституирует присутствие внутренних отношений между этими же формами. Художник надеялся увлечь зрителя конфликтами цветов, огромным пространством, апокалиптическими образами – то есть мистическими и медитативными настроениями своих произведений[x]. То же можно сказать и о супрематизме. Отношения между фигурами непредметны, не основаны на причинно-следственных связях, они насыщены и связаны между собой тем замыслом, который прозревал в них художник. Иначе говоря, отношения между абстрактными элементами в картине не находятся на поверхности и не прочитываются очевидным образом, исходя из понимания сюжета и внимания к деталям. Это связи, скрытые внутри образа-замысла и недоступные внешнему впечатлению.

Абстрактная живопись оперирует всеми традиционными композиционными характеристиками кроме одной – светотень. Светотеневой моделировки мы не найдем ни в супрематизме, ни в абстракции Кандинского. Поскольку отсутствует предмет, отсутствует и его освещенность. Супрематический мир не нуждается в освещении, потому что это новая реальность, мир идей, знаков, всеобщих сущностей – в отличие от предметного мира, который неосвещенным просто не может существовать для человеческого восприятия. Освещенность – это дополнительное качество предмета, ему самому не присущее, следовательно, в отсутствие предмета освещенность также исчезает. Наличие светотени лишь отвлекало бы художника и зрителя от основной идеи, «затемняло» бы смысл. В апокалиптическом мире Кандинского мы также не найдем светотени потому что это мир метафор, а не физический мир, в котором обретается человек. Светотень является в своем роде доказательством земной, а, следовательно, приземленной реальности происходящего, чего в абстрактном искусстве просто не может быть.

Подводя итоги сказанному выше, можно сделать вывод о том, что композиционная составляющая абстрактных работ не столь принципиально отличается от композиции в классической живописи, как могло бы показаться. Основные характеристики остаются теми же, приобретая лишь в некоторых случаях новые черты, не свойственные им ранее. Как пишет об этом М. Шапиро: «…элементы, используемые в немиметическом, неинтерпретируемом целом, сохраняют многие свойства и формальные отношения предшествующего миметического искусства»[xi].

Абстрактная живопись, предстает, как нам кажется, логичным развитием живописи предметной, не теряя основных композиционных качеств живописи, но видоизменяя их в соответствии с целями и задачами художника. Теоретические изыскания Малевича и Кандинского позволяют улучшить понимание композиционных качеств абстрактной живописи, поскольку практически каждой из них уделено внимание в концепции автора. Все же, подводя итоги, можно увидеть, что художники- абстракционисты, работая краской на плоскости, учитывают в первую очередь принципы «равновесия» основных композиционных масс.

В целом вопрос композиции в абстрактном искусстве требует более полного рассмотрения: в течение даже такого короткого периода времени, как 1910-е годы, абстракция в творчестве Кандинского претерпевает ряд изменений, которые имеет смысл рассматривать обособленно с композиционной точки зрения. Так, например, помимо рассмотренных здесь произведений Кандинского, сохраняющих в себе элементы предметной реальности, а таких произведений было большинство, существует ряд работ, полностью нефигуративных, например его «Первая абстрактная акварель» (1910–1912, Центр Жоржа Помпиду, Париж) и другие, представляющих возможность для исследователя изучить проблему изменения композиционной формы в творчестве мастера в рамках этих двух вариантов абстрактного формотворчества. Что же касается Малевича, то в его творчестве представляется интересным вопрос об изменении композиционных характеристик во время его «обратного» перехода, поворота к его второму крестьянскому циклу, в рамках которого происходит возвращение предметного и сюжетного начала в произведения художника. Некоторые основные характеристики супрематизма, такие как, например, отношение к колориту и общая геометризация форм, сохраняются, но художник дополняет их фигуративными элементами, меняя таким образом композиционную заряженность супрематизма с абстрактного «минуса» на предметный «плюс».

Примечания

[i]           Турчин В. С. Кандинский в России. М.: Художник и книга, 2005. С. 141.

[ii]           Kazimir Malevich (exhibition catalogue). National Gallery of Art, Washington, D.C.; The Armand Hammer Museum of Art and Culture Center, Los Angeles & The Metropolitan Museum of Art. New York, 1991. P. 11.

[iii]          Kenneth C. Lindsay. Kandinsky and the Compositional Factor // Art Journal. № 43/1. Spring. 1983. P. 16.

[iv]          Кандинский В.В. Точка и линия на плоскости. Избранные труды по теории искусства: с приложением вологодской записной книжки 1889 г. и других материалов: в 2 томах / Василий Кандинский; редкол. и сост.: Н.Б. Автономова (отв. ред.), Д.В. Сарабьянов, В.С. Турчин. М.: Гилея, 2001.

[v]           . Сарабьянов Д.В., Шатских А.С. Казимир Малевич, Живопись. Теория. М.: Искусство, 1993. С. 90.

[vi]          E.F. Kovtun, C. Douglas, Kazimir Malevich // Art Journal. № 41/3. Autumn. 1981. P. 235.

[vii]          Малевич Казимир. Собрание сочинений: В 5 томах. Т. 1: Статьи, манифесты, теоретические сочинения и другие работы, 1913–1929. М.: Гилея, 1995.

[viii]         Подробнееобэтом: Ashmore J. Sound on Kandinsky’s Painting // The Journal of Aesthetics and Art Criticism. № 35/3. 1977. P. 329–336.

[ix]          Адорно Теодор В. Философия новой музыки. М.: Логос, 2001.

[x]           Rose-Carol Washton Long. Occultism, Anarchism, and Abstraction: Kandinsky’s Art of the Future // Art Journal. № 46/1. Spring. 1987. Р. 43.

[xi]          Шапиро М. Некоторые проблемы семиотики визуального искусства. Пространство изображения и средства создания знака-образа. (Перевод И.М. Бакштейна) // Семиотика и искусствометрия. М.: Издательство «Мир», 1972. С. 161.

основы стиля и композиции — ТехЛиб СПБ УВТ

В ландшафтном дизайне существуют те же правила, что и в других видах искусства – таких, как архитектура, живопись, поэзия, музыка. Эти правила диктует нам сама природа. Природный ландшафт включает в себя несколько тесно взаимосвязанных элементов: воду, воздушные массы, растительность и животный мир. Но в своей первоначальной форме природа сохранилась лишь в нескольких уголках мира. Практически везде оставлен след человеческой деятельности. Современные загородные усадьбы являются образцом искусственного ландшафта, созданного руками человека.

«Композиция» в переводе с латинского языка обозначает «связь, соединение». Мы же вкладываем в это слово более обобщенный смысл и подразумеваем под композицией расположение различных форм в пространстве в сочетании друг с другом, при котором создается единое целое. Другими словами, располагая предметы в пространстве, мы добиваемся того, чтобы их сочетание радовало глаз и вызывало ощущение гармонии. Выстроить композицию не так просто. Здесь необходимо учитывать несколько свойств, определяющих пространственную форму, таких, как геометрический вид, величина, масса, фактура, расположение, свет и светотень. Соотношения форм по их свойствам образуют средства композиции. Сюда входят единство, пропорции, законы линейной и воздушной перспективы, а также приемы симметрии и асимметрии, контраста и нюанса, ритма, масштабности и т. д.

Природой не создано четких геометрических линий, они изобретение человека. Поэтому каждый природный элемент можно визуально поместить в какую-нибудь геометрическую форму. Форма может быть линейной, плоскостной и объемной в зависимости от соотношения ее измерений. В линейной форме одно измерение доминирует над двумя другими, в плоскостной – два измерения относительно равны между собой, но преобладают над третьим. А в объемной форме все три измерения близки по величине. Посмотрите на кроны деревьев. Все они имеют свою форму. И каждое из них можно представить в виде геометрической фигуры – шара, конуса, куба и т. д. По сравнению с ними более низкие массивы, например низкорослые кустарники, цветники и травы, выглядят как плоскости и имеют плоскостную форму. Линейной формой обладают дорожки и бордюры.

При выборе деревьев и кустарников для сада мы, как правило, основываемся на контрастах: большой – маленький, высокий – низкий, конусовидный – шарообразный и т.  д. Например, прямые дорожки в саду, соединяющие разные точки, прекрасно смотрятся в сочетании с круглыми клумбами цветников. При оформлении участка следует использовать какую-то одну определенную форму. Применение сразу нескольких внесет в ваш уголок природы хаос. А разнообразия можно достичь, придавая этим формам различную величину. Так, круглый бассейн можно расположить в центре овальной площадки. Очень интересна композиция из квадратных и прямоугольных площадок. Но геометрические формы интересны только тогда, когда они четко просматриваются – в дорожках, бордюрах, газоне или очертаниях пруда. В центре композиции необходимо расположить что-то эффектное, например подстриженное, оригинальной формы дерево или цветник, устроенный в клумбе или кадке. Подстриженные деревья и кустарники прекрасно смотрятся по углам цветника квадратной или прямоугольной формы или в конце дорожек. В этом случае они подчеркивают четкость геометрических линий.

Фактура – это характер поверхности предметов. В нашем случае речь идет о фактуре деревьев, кустарников, газонов, цветников, материалов, лестниц, ограждений и т. д. Фактура кроны деревьев может быть грубой (дуб), средней (вяз, липа) или тонкой (береза, ива).

При выборе цветовой гаммы необходимо учитывать время года, возрастные изменения растений, колорит цветников. Летом, весной и осенью цветовая гамма растений определяется окраской листьев, цветов, плодов, стволов, ветвей. Зимой она состоит из окраски ствола и ветвей. Особое место в колорите композиции занимают вечнозеленые растения. Фоном для деревьев могут служить газоны, цветники, водоем.

Здесь имеется в виду положение предметов относительно друг друга и по отношению к наблюдателю. Располагая предметы в пространстве, мы можем получить три вида пространственной композиции: фронтальную, объемную и глубинно-пространственную. Во фронтальной композиции представлены только два измерения. В объемной композиции ярко выражены все три. В глубинно-пространственной композиции образуются глубокие перспективы, восприятие которых определяется законами линейной и воздушной перспективы.

Под перспективой понимается зрительное изменение предметов по мере удаления их от наблюдателя. Она бывает линейной и воздушной. При удалении от вертикального столба мы можем заметить, что он остается вертикальным относительно земли, но уменьшается в размере. Также мы можем сказать, что здание, расположенное вблизи, кажется выше, чем более высокое здание, находящееся дальше от нас. В этом случае речь идет о линейной перспективе. Если по мере удаления от объекта происходит изменение его яркости и четкости, то здесь мы имеем дело с воздушной перспективой. Перспектива основывается на точке обзора, объекте, за которым наблюдают, и промежуточном поле. Все эти компоненты должны образовывать единство и составлять одно целое. Важным элементом перспективы является то, что ее завершение оправдывает начало, а ее начало оправдывает конец. Перспектива является важной составляющей дизайна. В зависимости от перспективы мы можем ощущать движение или покой. Некоторые перспективы являются статичными. Они видны только с одной определенной точки. Другие раскрываются при наблюдении с нескольких мест сада. Перспектива состоит из трех плоскостей: верхней, горизонтальной и вертикальной. Вертикальной плоскостью могут стать стены дома, изгородь, вертикально подстриженный кустарник или дерево. Горизонтальной плоскостью может быть газон, водоем, мощеная дорожка, верхней – небо или полог листвы раскидистых деревьев. При помощи перспективы можно зрительно увеличивать или уменьшать пространство. Для увеличения глубины пейзажа группу деревьев или кустарников располагают таким образом, чтобы по мере удаления наблюдателя они становились меньше по величине. Воздушная перспектива строится в зависимости от восприятия цвета и его эмоционального воздействия на человека.

При выборе цвета нельзя допустить излишней пестроты вашего участка и беспорядка красок. При сочетании различных цветов необходимо достичь гармонии. Этого можно добиться, либо используя контрасты, либо с помощью сочетания различных оттенков одного цвета. Цвет влияет на эмоции и чувства. Цвета бывают холодными или теплыми, они способны делать предмет легким или тяжелым, вызывать чувство веселья или грусти, успокаивать и возбуждать. Теплые цвета (красный, желтый, оранжевый) являются активными, холодные (синий, голубой, фиолетовый) действуют успокаивающе. Зеленый – промежуточный цвет, который также называют цветом физического равновесия. Существует мнение, что цвет обладает терапевтическим действием. В санаториях для успокоения нервов организуют так называемые голубые сады. Растениями для таких садов могут стать голубая ель, ива белая, лох узколистный и серебристый, сцилла, незабудка, лобелия, василек и др. Известно, что в спальне, решенной в холодных тонах, человек засыпает быстрее, чем в комнате, выполненной в теплых. Из всего сказанного можно сделать вывод, что, правильно подобрав определенную гамму цветов на участке, вы можете управлять своим настроением и даже подлечить имеющиеся заболевания. Цвета делятся на хроматические и ахроматические. Хроматические – это цвета спектра: красный, оранжевый, желтый, голубой, фиолетовый, пурпурный, синий, зеленый. В спектре не существует резких градаций цвета. К ахроматическим относятся белый, черный и все оттенки серого. Белый цвет вносит свет и оживление, дает эффект объемности в растительных композициях. Черный цвет, наоборот, уменьшает объем и усиливает действие теплых цветов – красного и желтого. Цвет характеризуется насыщенностью (чистотой) и яркостью (светлотой). Насыщенность цвета зависит от степени присутствия в нем белого цвета. Яркость, наоборот, определяется степенью отличия цвета от белого. В природе редко встречаются чистые, насыщенные цвета. В основном они вялые и размытые. Усилить насыщенность желтого цвета цветка можно, расположив рядом с ним фиолетовый; бледно-красный цветок смотрится ярче на фоне зеленого. Ярко-синее растение будет выглядеть менее насыщенным, если рядом с ним разместить цветок красного цвета. При выборе цветов следует также учитывать, что светлые тона кажутся легкими, а темные – тяжелыми. Ярко-желтый цвет стремится вверх, и кажется, будто он приподнимает плоскость, особенно если его разместить на темном фоне. Голубой цвет также является легким. Цвета различаются на цвета переднего и заднего плана. Все теплые тона при дневном освещении кажутся более близкими, их относят к цветам переднего плана. Холодные тона, наоборот, зрительно кажутся отдаленными. Чистые насыщенные тона в отдалении смешиваются, превращаясь в голубоватую дымку, голубые и синие, напротив, в отдалении приобретают большую густоту. Все эти цветовые особенности необходимо учитывать при составлении композиции. При оформлении участка важно помнить, что в общий колорит войдут не только цветы, деревья, пруд, лужайки, но и окраска стен дома, забора, бетонного ограждения водоема. Все эти цвета и оттенки займут соответствующее место в вашей палитре. Важно научиться видеть цвет и оценивать его в соотношении с окружением. Только в этом случае можно будет подобрать подходящий фон и составить композицию таким образом, чтобы фон не раздражал глаза и не вызывал отрицательных эмоций. Следует знать, что в сумерках цветовое соотношение меняется. Синий и зеленый становятся цветами переднего плана и смотрятся более светлыми. Красный и желтый превращаются в более глубокие и отдаленные тона. Не забывайте о контрастах. На фоне темной стены высаживайте светлые цветы с желтовато-зелеными или серебристо-серыми оттенками листьев. Около белого здания красиво смотрятся цветы с темно-зеленой листвой, которая частично поглощает отраженный свет. Здесь можно посадить барбарис, устроить цветник из красных роз. Если дом построен из красного или терракотового кирпича, растения около него должны быть холодных или нейтральных тонов. Для этого подходят сине-зеленый можжевельник, магония с серо-зелеными листьями, сизо-серебристый лох. Дизайн участка должен соответствовать и внутреннему интерьеру дома. Например, цвет мебели может быть сходным с цветом растущих на лужайке возле дома растений. Желтая занавеска на окне будет соответствовать ярким желтым одуванчикам на фоне зеленой травы. Ограждение сада, площадок, водоема также необходимо включить в цветовую гамму вашего участка.

Важную роль в композиции играет светотень. С помощью светотени можно сделать растения более выразительными и объемными. Поверхность любого предмета отражает световые лучи, падающие на него, и оставляет на земле неосвещенный участок, называемый тенью. На той части поверхности, куда не попадают световые лучи, образуется собственная тень, а от границы собственной тени в сторону света появляется полутень. Внутри самих теней могут возникать рефлексы – свет, отраженный от других предметов. Рефлексы хорошо заметны на блестящих предметах, на которых дополнительно присутствуют блики – сверкающие пятна. Все эти особенности света и тени зависят от места расположения предмета относительно источника света. Цветовые градации в светотени определяются силой освещения, окраской самого предмета и густотой тени. При фронтальном освещении, когда источник света находится впереди предмета, переходы от света к тени практически незаметны и композиция выглядит невыразительно. При боковом освещении светотень становится более выраженной и рельефной. Когда освещаемый предмет находится между источником света и наблюдателем, появляется контражур. В этот момент солнце высвечивает фактуру предмета, подчеркивает силуэт, его окраска становится более яркой. Цвет может меняться в зависимости от характера освещения. При электрическом освещении синий цвет кажется менее насыщенным, а красный, наоборот, становится ярче. Сегодня существует множество источников света: лампы накаливания, люминесцентные, натриевые и др. Лампа накаливания делает красный цвет более чистым и светлым. Оранжевый цвет под воздействием этой лампы краснеет, голубой – зеленеет, синий и фиолетовый – темнеют и приобретают пурпурный оттенок. При освещении люминесцентной лампой цвета остаются практически такими же, как при дневном освещении. Ртутная лампа придает большую насыщенность синему и зеленому цветам, а красный под воздействием ртутной лампы превращается в черный. Под воздействием натриевой лампы все цвета, за исключением желтого, становятся серыми. В качестве источника света также используются пары ртути. Они дают приятное голубовато-зеленое освещение, которое рекомендуется использовать для хвойных пород деревьев. Натриевые лампы, дающие золотисто-желтый свет, больше подходят для освещения осенней листвы. В ночное время при помощи искусственного освещения можно достичь эффектного чередования света и тени. Цвета при этом преобразуются, усиливается контраст. Световой режим не одинаков в различных полосах земного шара. На севере свет более мягкий и слабый. Постоянные туманы и облачные дни смягчают краски. На юге, наоборот, свет очень насыщенный, границы между светом и тенью ярко выражены. При сильном освещении притупляется способность различать цвета, особенно теплые. Человек с юга способен различать меньше оттенков, чем человек, живущий в средней полосе. В дневное время лучше всего воспринимаются красные цвета, в сумерках – сине-голубые. А теперь поговорим о приемах композиции.

Элементы могут располагаться на участке симметрично или асимметрично относительно выбранной оси. В качестве таковой может стать линия взгляда, дорога, жилище, пруд. В природе симметрия встречается довольно редко. Она создается человеком и ассоциируется с определенным порядком. В Европе это слово было синонимичным слову «красивый» и означало изящную, приятную форму. Возможно, симметрия близка человеку потому, что его организм построен на относительной симметрии, которая подразумевает систему и ассоциируется с ясностью, равновесием, ритмом и стабильностью. В симметричной композиции важна законченность. В ней нет ничего лишнего, и если убрать из нее один предмет, то симметричность сразу исчезает, а следом за ней теряются равновесие и единство. При созерцании симметричной композиции взгляд улавливает определенную упорядоченность, ритм, может предугадать наличие последующего предмета и приходит в замешательство, если такового не обнаруживается. Баланс очень важен не только в ландшафтном дизайне. Он играет существенную роль для всех видов искусства. Любая картина, при отсутствии на ней равновесия, оказывает раздражающее и угнетающее воздействие. Хотя в естественном ландшафте не встречаются одинаково расположенные по отношению друг к другу предметы, здесь также присутствует условное равновесие. В симметричных композициях оно достигается при помощи равенства форм и расстояний. Но существует и другой способ достижения равновесия – с помощью асимметричной композиции, когда применяются неодинаковые предметы. Располагаются они таким образом и на таком расстоянии друг от друга и по отношению к наблюдателю, что создается эффект уравновешенности объектов. Асимметрия неординарна и более интересна. Она никогда не надоедает, так как является непреднамеренной и наиболее приближенной к естественности. Асимметрично можно расположить цветы, кустарники и деревья на территории участка. Асимметричным можно сделать водоем. В этом случае он станет более динамичным и близким к природным условиям участка. Контраст и нюанс. Эти два средства не менее важны для композиции. Контраст – это ярко обозначенная разница между свойствами пространственных форм, например светлый – темный, большой – маленький, высокий – низкий и т. д. Расположенные рядом два противоположных по свойствам предмета противопоставляются и подчеркивают особенность друг друга. Предмет кажется большим по величине, если рядом с ним стоит что-то, меньшее по размерам. Водоем будет смотреться совсем крохотным, если его окружить высокими деревьями, но покажется намного значительнее, если рядом с ним высадить низкорослые кустарники и цветы. При помощи контраста можно зрительно изменять не только форму и величину, но и цвета. Так, светлые предметы на фоне темных выглядят еще светлее, но тускнеют в сером безликом окружении. Серый цвет на фоне синего приобретает желтоватый оттенок, на красном – зеленый, на зеленом – красный. При оформлении участка контраст может оказать неоценимую услугу. Если вас не устраивает слишком строгое геометрическое построение вашего водоема, окружите его плавными очертаниями газонов, цветов, выложите несколько извилистых дорожек. Они смягчат контуры и внесут равновесие. Но не стоит злоупотреблять контрастом. Чрезмерное противопоставление одного качества другому может вызвать раздражение, усталость. Нельзя только на нем строить свою композицию. Контраст лучше всего сочетать с нюансом. Нюанс – это постепенный переход от одной формы к другой с помощью похожих друг на друга расположенных вместе предметов. Нюанс используется чаще, чем контраст, и требует глубокого знания материала и аккуратности выполнения.

В ландшафтном дизайне под ритмом понимается повторяемость отдельных компонентов и расстояние между ними. Ритм чаще всего используется при устройстве аллей. Он хорошо просматривается при повторяемости одних и тех же предметов не менее 6–8 раз. При увеличении числа повторов возрастает эмоциональное воздействие композиции. Но нельзя переборщить с ритмом, так как он может перерасти в монотонность. Для того чтобы избежать монотонности, изменяют расстояние между предметами, ритмический ряд украшают фонтанами и статуями. При составлении ритма из кустарников их можно разнообразить вкраплением цветников. В саду можно чередовать плодовые деревья с ягодниками. Итак, мы познакомились с основными правилами и приемами ландшафтного дизайна. Теперь стоит поговорить о стиле, который, как и предыдущие компоненты, является неотъемлемой частью искусства дизайна.

Независимо от того, какой вид примет ваше водное сооружение, будь это тихий маленький ручеек, спрятавшийся в зарослях декоративных растений, или большой водопад, поражающий гостей своим великолепием и богатством, будь это мини-водоем, устроенный на вашем балконе, или настоящий дикий пруд в центре сада с яркими рыбками и экзотическими растениями, независимо от масштаба вашего предприятия следует подумать о стиле. В понятие стиля входит прежде всего планировка водоема, использование определенных сочетаний растительных экземпляров или отдельных растений, тип декоративного оформления. Выбор стиля водоема определяется прежде всего особенностями самого участка. Он должен непременно сочетаться с архитектурным стилем самого дома. Стиль складывается из уклада жизни, моды, национальных особенностей. При выборе стиля исходите из своего вкуса и остановитесь на том, который вам ближе всех остальных по духу. Он должен стать как бы отражением вашего собственного стиля. В первую очередь внимательно изучите все особенности вашего приусадебного участка, тщательно продумайте детали и выполните необходимые экологические мероприятия. Традиционно принято различать формальный (геометрический) и свободный (пейзажный) стили. Между этими двумя противоположностями в искусстве на протяжении многих лет ведется борьба.

Изначально в природе не существовало ничего формального: четких геометрических линий, форм. Человек, стремясь подчинить себе все живое, установить свои правила, желая обуздать хаос и привести необузданность природы в четкое соответствие, ввел в жизнь формальность, строгость, регулярность. Подстриженные в виде конусов, ромбов, квадратов деревья приобрели правильные геометрические формы. Многолетняя дикорастущая трава была заменена ровно подстриженными газонами. Многие полагают, что геометрия является истинной красотой, именно она создает порядок в окружении, придает ему ухоженный вид. Формальный стиль предполагает строгую симметрию в планировке вашего водоема и участка в целом. Симметрия – это размещение одинаковых предметов на равном расстоянии от оси. Формальный стиль, как правило, придает участку строгий, торжественный вид, дает ощущение порядка и организованности. Главная особенность этого стиля состоит в том, что в нем искусственность оттесняет все естественное и выступает на первый план; участок, водоем как бы закрепощаются в стены, изгороди, обосабливаются от мира природы и создают свой собственный. Глядя на такой участок, можно сказать, что здесь поработали руки человека. Этот стиль предпочитаем большинством людей, так как они чувствуют себя комфортнее в порядке, нежели в хаосе, для них симметрия намного привычнее асимметрии. Однако формальный стиль имеет свои недостатки. Своей точностью и правильностью он может легко разрушить столь привлекательную порой естественность ландшафта, превратить его в нечто ординарное и малоинтересное. Чрезмерная формальность может перерасти в напыщенность и чопорность. В строгом формальном стиле, как правило, строят бассейны с жесткой гидроизоляцией и, соответственно, строгой формы, а также фонтаны, каскады, пристенные фонтанчики. Формальный стиль сегодня менее популярен, чем раньше, когда великолепные дворцы были украшены множеством скульптур, придававших им торжественность и театральность. Однако многие элементы того времени почитаются и сегодня. Водоемы формального стиля особенно хорошо смотрятся около старинных особняков, построенных в классическом стиле с колоннами, террасами, скульптурами, павильонами и ротондами. Контейнеры для растений для прудов строгого стиля обычно изготавливают из керамики и украшают выпуклым орнаментом.

Особенностью пейзажного стиля является сохранение естественности. Этот стиль был создан на Востоке и широко распространился по всей Европе. В Китае и Японии преклонялись перед естественной красотой пейзажей, считали, что они обладают своеобразной гармонией и равновесием. В отличие от формального пейзажный стиль не отделяет строение от окружающего мира, не делает его чем-то обособленным и резко выделяющимся из окружающей среды. Его задачей является сохранить природную естественность строения, сделать его частью дикой природы. При взгляде на пруд свободных очертаний, устроенный в пейзажном стиле, никогда не подумаешь, что это чудо сотворено руками человека. Но тем не менее и здесь есть некоторая искусственность. Ведь при устройстве любого искусственного водоема зачастую сталкиваешься с проблемой неудобного ландшафта, неподходящего рельефа, отсутствия красивой растительности. Человек исправляет все эти недостатки в соответствии со своим вкусом, но делать это нужно так, чтобы максимально приблизить свое творение к естественному ландшафту. Для этого наилучшим образом подходит асимметрия. Асимметричное расположение предметов, освобожденных от жесткой планировки, гармонично вписывается в природный ландшафт. Рядом с таким водоемом предметы самой разнообразной формы установлены таким образом, что создается ощущение уравновешенности и гармоничности. Именно по такому принципу устроен каждый элемент природного ландшафта, будь это дикий пруд в глубине леса или горная местность, испещренная извилистыми ручьями. Как правило, водоем в пейзажном стиле является более экономичным по сравнению с водоемом формальных очертаний. Он не требует больших земляных работ, специальных подпорных стен, экранов и конструкций. Пейзажный стиль с его естественностью и лишь некоторой корректировкой со стороны человека пробуждает романтические чувства, сентиментальность. Здесь нет ничего насильственного. На участке, устроенном в пейзажном стиле, вы никогда не увидите прямых линий и очертаний, здесь нет строго подстриженных деревьев и газонов, ровных дорожек. Везде царят свобода и гармония. Как уже говорилось ранее, пейзажный свободный стиль пришел с Востока, где никогда не существовало формального стиля. На весь мир известен знаменитый японский сад, о котором просто невозможно не упомянуть при повествовании о стилях.

Площадь японского сада обычно невелика. Основной смысл его создания заключается в том, что каждая деталь здесь наделена своим внутренним содержанием. Это могут быть мощеные дорожки в виде волн на песчаном покрытии или символические композиции из природного камня. Но что бы это ни было, не должен нарушаться основной принцип японского сада – ощущение спокойствия и умиротворенности, наслаждение природой, ее миниатюризация. На небольшом участке при помощи незамысловатых средств японские мастера пытаются создать впечатление пространственной глубины. Для этого приходится изменять естественный масштаб, уменьшая его, использовать карликовые деревья и скалы, создавая таким образом ощущение романтизма. Возможно, при созерцании японского сада вы спросите, что же тут естественного. Пейзаж, устроенный в японском стиле, не очень похож на дикий ландшафт природы. Но здесь это не главное. Основной задачей при устройстве японского сада является то, что мастера, создавая образы, берут за основу естественную картину природы. Автор творения вносит определенный смысл в величину, форму искусственно выращенной ветки, расположение камня, материал покрытия. Японский сад, устроенный на приусадебном участке недалеко от дома, предназначен не для прогулок, а для пассивного созерцания с определенной точки, например из окна дома. Его можно сравнить с живописной картиной, от которой невозможно оторвать глаз. Всматриваясь в такую картину, вы незаметно проникаете в ее пространство и оказываетесь наедине с великолепием дикой природы. Элементами японского сада, как правило, становятся вечнозеленые деревья, камни причудливой формы и всевозможных оттенков. Среди вечнозеленых растений особой популярностью пользуется зонтичная сосна. Сад построен на основе символов. Небольшой осколок скалы, покрытый мхом, и горсть песка символизируют морской берег. Воду в сад вводят при помощи устройства пруда, ручья, водопада. Эти составляющие обогащают сад, вносят в него свежесть и разнообразие. Японский сад может быть построен в разных стилях. Наиболее простой из них – стиль шин, более сложный – стиль со и самый сложный – стиль джио. Такие композиции могут принимать вид плоского или холмистого сада. Элементами плоского сада являются песок, гравий, несколько камней и мох. Так, например, в одном из десяти знаменитейших садов всех времен, в саду Ройан-Джи, на обработанном граблями гравии расположена композиция из пятнадцати камней и мха. Холмистый сад можно устроить и без использования живого материала. Здесь грандиозные пейзажи состоят из утесов, холмов, гор, камней, символизирующих морской берег; гальки, песка, изображающих реку. При помощи выставления на первый план некоторых деталей, а также создания направления течения воды (обычно слева направо) мастера наделяют композицию определенным смыслом. Сочетая таким образом элементы природы, можно по-разному воздействовать на человеческое восприятие. На этом и основан принцип построения композиций японского сада. Например, прямостоящий камень ассоциируется с крутым утесом, булыжник обозначает мягкие склоны, речная галька символизирует реку, а морская изображает море. В композиции с наличием водоема его форме также придается определенный смысл. В российских условиях на территории приусадебного участка можно свободно соорудить небольшой японский садик или ограничиться оформлением маленького фрагмента уголка Японии. В стиле японского пейзажа можно также украсить и внутренний дворик дома. Здесь следует посадить несколько зеленых деревьев и кустарников и окружить их серыми природными камнями. При этом архитектура самого дома должна соответствовать выбранному вами стилю. Если вы хотите создать уединенный уголок для отдыха, то выбранное вами для этой цели место необходимо отгородить от внешнего мира высокой изгородью. Основным элементом здесь является наличие вечнозеленого дерева. Дорожка из гравия приведет вас к незамысловатой скамейке, созданной из камня, вблизи которой расположится небольшой декоративный кустарник. В вашем саду можно принимать гостей, устраивать чаепития по-японски. Осуществление этой идеи не требует больших затрат времени и специальных знаний. На деревянном помосте расположите соломенный мат. Место отгородите от остального участка бамбуковым забором. Вдоль забора высадите вьющиеся растения, которые, разрастаясь, будут украшать вашу изгородь. На противоположной стороне уголка для чаепития постройте бассейн или изящный пруд. Вблизи водоема высадите красивый декоративный кустарник, например айву японскую. Вместо обычной газонной травы засадите территорию почвопокровными растениями. Японский сад обычно украшают антикварными вещами, фонарями из камня и вазами. Характерным аксессуаром являются ограждения из бамбука, прохладные водоемы с мостиками или переходами из отдельных натуральных камней. При необходимости используются цветы глубоких переливающихся тонов. Из цветочных растений, привезенных из Японии, в нашей стране акклиматизировались хоста и астильба. Японская хризантема, так любимая всеми японцами, приживается в условиях России плохо. Поэтому можно заменить ее хризантемой корейской. Контейнеры и клумбы для декоративных растений изготавливаются из керамики и других натуральных материалов и украшаются красивым орнаментом. Емкости могут быть в виде деревянных плошек с рельефным рисунком. Также приветствуются изящные занавески с узелками или мох под соснами, которые японцы называют деревьями долголетия, группы камней и каменные светильники. Каменные фонарики считаются основным элементом японского сада. Их помещают в определенной композиционной точке в сочетании с камнями, кустарниками, деревьями и водоемами, например у подножия горы или на берегу пруда и т. д. Фонарики являются не только декоративным компонентом сада, но и используются в качестве освещения в вечернее и ночное время. Они, в отличие от остальных элементов сада, максимально приближенных к природе, являются искусственным дополнением. Поэтому необходимо расположить их таким образом, чтобы они вписывались в окружение, не нарушая стиля. Японские светильники бывают нескольких видов: приземистые, с широкой крышкой, по форме напоминающие домик; изящные фонари на подставке; потайные фонарики. Светильники бывают на подставке и на ножках. Каменный фонарь на подставке состоит из таких элементов, как основание, пьедестал, держатель для светильника и навершие. Иногда у фонарей отсутствуют основание, верхушка и пьедестал. Такие фонари располагаются прямо на земле. Эффектно смотрится фонарь на берегу водоема. Прибрежные горизонтально расположенные камни красиво контрастируют с вертикально стоящим светильником, а высокий кустарник, произрастающий на соседнем берегу, прекрасно уравновешивает композицию. Фонарь-светильник помещают на мостик перед чайным домиком. Он отлично смотрится среди вертикальных камней и высокой зелени на открытом пространстве. Маленькая частичка Японии окажется у вас в саду, если вы украсите его такими аксессуарами, как цукубаи (резервуар с водой для омовения), маленькие пагоды и резные каменные ступеньки. Посадите у себя азалию (рододендрон) и декоративную вишню (сакуру).

Стиль модерн всегда отличался простотой линий. Сад, устроенный в этом стиле, представляет собой открытую комнату, примыкающую к дому. Она лишена каких-либо украшений, имеет строгие очертания. В центре, как правило, расположен бассейн. Белые стены могут украшаться темными решетками. Принцип устройства участка в стиле модерн – простота и отсутствие громоздкости. Растения должны также соответствовать данному стилю. Сюда идеально подойдут хоста и гладиолусы со своими остроконечными листьями, а также декоративные травы. Цвета должны быть чистыми, без различных примесей и оттенков, и строго контрастировать друг с другом. В качестве ограждений используются решетки темных тонов. Контейнеры для растений изготовлены из бетона или исполнены в виде терракотовых горшков простой формы. Поверхность вымощена плитками в виде геометрических рисунков из плит двух цветов – черного и белого. Возможны вставки из гальки. Мебель строгой формы лишена всяческих украшений и изготовлена из современных материалов – пластика и алюминия. Сад в стиле модерн, как правило, имеет формальные очертания, но не при этом придерживается строгой симметрии.

Колониальный стиль является американским изобретением. Его законодателями стали американские колонисты, отсюда и название. Сегодня этот стиль очень популярен не только в Америке, но и в других странах. При оформлении приусадебного участка и сада в колониальном стиле используют кирпич и доски. Растения помещаются в деревянные кадки или контейнеры из терракоты, выкрашенные в белый цвет. Они подстрижены в виде сложных фигур и тем самым напоминают формальный геометрический стиль. Но в отличие от него композиция выполнена небрежно, нет четких соответствий, все сделано как бы наугад. Поверхность вымощена плитняком или застелена досками. В качестве украшения здесь можно использовать анималистические скульптуры из камня и дерева. Находясь в таком саду, вы непременно почувствуете некоторую леность и мягкое, плавное течение жизни. Здесь находится множество солнечных веранд, украшенных цветущими лианами. На территории участка около водоема можно разместить гамаки, кресло-качалку, складные кресла с плетеными спинками.

Этот стиль также называют деревенским, так как он по своему оформлению максимально приближен к природе и к сельской жизни около леса, речки, озера или моря. Данный стиль, как и предыдущий, характеризуется простотой форм, но предпочтение отдается естественности. Здесь доминируют естественные материалы – такие, как дерево, кирпич и натуральный камень. Дом и приусадебный участок выполнены из одного и того же материала. Сад является как бы продолжением самого жилища. В отличие от модерна стиль кантри наполнен яркими красками. Растения, великолепные в своей простоте, пестреют всевозможными оттенками, контрастируя друг с другом. Среди них маргаритка, мальва, душистый горошек. Мальву обычно высаживают у крылечка возле дома или по краям изгороди. Сараи и другие хозяйственные постройки украшены вьющимися розами и душистым горошком. На старой деревянной стремянке размещаются горшки с цветами. Вдоль забора пестреют яркими красками георгины. Мебель для оформления в стиле кантри лучше сделать собственными руками из подручного материала. Вместо стульев используйте чурбаны. Стол изготовьте из остова спиленного дерева, контейнеры для растений – из простой глины. Дорожки вымощены плитняком или кирпичом. Дорожку можно посыпать каменной крошкой и высадить туда стелющиеся растения. Элементами декорации могут служить любые орудия труда или предметы обихода, например обычная цинковая лейка. Место с наиболее плодородной почвой можно отвести под грядки с овощами. В качестве ограждения используйте доски, вкопанные в землю, прутья или плетень. Также можно изготовить ворота из старого кирпича и украсить их вьющимися лианами, диким виноградом или хмелем и цветущими кустарниками.

В связи с неблагоприятной экологической ситуацией в мире данный стиль приобретает все большую популярность во многих странах. Если вы решили остановиться на нем, то возникают две основные задачи: восстановление нарушенной экологии и получение максимальных результатов при наименьших затратах, связанных с обустройством вашего приусадебного участка и уходом за ним. При создании вашего экологического уголка не следует руководствоваться модой и пользоваться последними ее достижениями. Здесь на первый план выходит фактор среды, обеспечивающий нормальное существование живых организмов в различных экосистемах: лесах, пустынях, озерах, реках и т. д. При создании природного сада остаются неизменными рельеф, состав почвы и произрастающие на ней растения. Если на вашем участке имеются овражки и впадины, то в них можно устроить водоем и заселить его влаголюбивыми растениями, которые будут собирать дождевую воду и лишнюю влагу. На открытых солнечных местах можно создать цветущую лужайку. Скошенная трава, засохшие ветки и опавшие листья в вашей мини-экосистеме также найдут применение. Их можно компостировать и использовать в качестве удобрений для растений. На участке с природным садом могут сосуществовать сразу несколько экологических зон: на солнечном участке – «степь» или «луг», во влажных местах – «болотце» или «пруд», в холмистой местности – «горы», в тени – «лес» и т. д. Сад может постепенно переходить в настоящий лес. На территории природного сада отведите место и для плодовых деревьев и огорода. Кроме перечисленных особенностей, во всем остальном этот сад ничем не отличается от других. Здесь могут расположиться и детская площадка, и цветник, и мощеные дорожки. Главное, чтобы сохранялся основной принцип природного экологического сада – принцип сохранения нормального функционирования экологической системы, обеспечения долговечности всех его элементов. Природный сад очень удобен в содержании, за ним легко ухаживать, на его создание требуется наименьшее количество сил и времени по сравнению со всеми остальными стилями. Всего этого можно добиться, если постоянно помнить, что ваше маленькое приусадебное творение живет по тем же законам, что и вся дикая природа. Поэтому необходимо создать для растений и животных условия, максимально приближенные к естественным. Сделать это можно, если: 1. Организовать сбалансированный агрофон для флоры и фауны, заселяющих ваш сад и водоем. 2. Использовать отходы для удобрения. 3. Тщательно подбирать растения исходя из того, что некоторые из них хорошо растут по соседству с другими, но совершенно не выносят соседство третьих. 4. Создавать благоприятные условия для успешного сосуществования растений, животных, птиц, рыб и насекомых. 5. Исключать из использования вредные для человека и всех живых организмов ядохимикаты. Не расстраивайтесь, если ваш участок очень мал или у вас вообще его нет. Ведь уголок живой природы можно создать и у себя дома, например устроить на балконе небольшой мини-водоем, заселить его водными растениями и маленькими пестрыми рыбками. Таким образом вы приобретете свою мини-экосистему.

В последнее время водные сооружения становятся все более миниатюрными и могут служить как в качестве крупного, останавливающего на себе глаз объекта, так и в качестве фрагментарного элемента сада, обнаруживаемого лишь по тихому журчанию воды. К тому же это значительно экономит силы и средства на создание водоемов, упрощает уход за ними. Водоем не очень больших размеров можно устроить не только у себя на участке, но и на балконе или террасе. В этом случае нужно рассчитать, выдержит ли она это. В качестве декоративного водоема может служить и крупное сооружение, и емкость диаметром 0,5–1,2 м. В качестве емкости можно использовать ящик или кадушку, куда нужно налить воду, высадить водные растения, и у вас будет маленький прудик; из нескольких кадок получится композиция, причем величина кадки может быть неодинаковой. В качестве материала для их изготовления можно применять прочное дерево, покрытое гидроизоляционным слоем (если это кадка). Но предпочтительнее использовать бочки. Причем бочки не должны быть новыми, так как это может повредить растениям. А вообще материалы используются самые различные. Например, прекрасно выглядят керамические и фаянсовые чаши, но они не приспособлены для резких перепадов температуры и легко бьются, а дешевая пластмасса, хотя и долговечна, не производит впечатления роскоши, в отличие от керамики. При использовании глиняных чаш учтите, что их внутренняя поверхность должна быть покрыта глазурью, чтобы вода постоянно не убывала, испаряясь. В такой мини-водоем можно не только высадить растения, но и пустить рыбок. Растения же подойдут изящные, небольших размеров. Подробнее о них будет рассказано в главе «Пруды». Главное, необходимо грамотно подойти к составу флоры и фауны, учитывая совместимость всех компонентов вашего мини-водоема. Это же следует помнить и при планировке. Расположение мини-водоема должно подходить всем его обитателям. Самые важные составляющие их хорошего развития и роста – чистая вода, свежий воздух и солнечный свет. Из этого следует сделать вывод, что нельзя допускать загрязнения воды, а в жару непременно нужно доливать ее из-за сильного испарения; водоем не рекомендуется располагать в северных или затененных местах, т. к. время его освещения солнцем должно составлять 6–8 часов в сутки. Перед тем как заполнять его водой, следует на дно поместить газету, чтобы не произошло перемещение гравия, затем сажать растения. Не нужно забывать и о том, что для миниатюрного водоема оформление не менее важно, чем для крупного. В качестве обрамления могут служить композиции из камней, растений, оригинально подобранных друг к другу и дополняющих общий дизайн. Например, мини-водоем, обложенный валунами, и вьющиеся растения на заднем фоне. Мы вкратце рассказали вам о том, как устроить у себя на террасе мини-водоем. В следующих главах речь пойдет о более крупных водных сооружениях, устраиваемых непосредственно на приусадебном участке. Читать по теме:

Осенний ритм (номер 30), 1950 Джексон Поллок

Поллок создал свою первую «капельницу» картину в 1947 году — продукт радикально нового подхода к работе с красками. Создав Осенний ритм , сделанный в октябре 1950 года, художник находится на пике своих возможностей. На этой нерепрезентативной картинке разбавленная краска наносилась на незагрунтованный, не натянутый холст, лежащий на полу, а не на мольберте.Разливался, капал, капал, пачкался, взмахивал и брызгался, пигмент наносился самыми неортодоксальными способами. В Художник также использовал палки, мастерки, ножи, короче говоря, все, что угодно, кроме традиционных инструментов художника, для создания плотных лирических композиций, состоящих из замысловатых мотков лески. Нет центральной точки фокуса, нет иерархии элементы в этой непрерывной композиции, в которой каждый кусочек поверхности одинаково важен. Художник работал с холстом на полу, постоянно перемещая его, нанося краску и работая со всех четырех сторон.

Иногда я очень репрезентативен, а иногда и все время. Но когда вы работаете в своем бессознательном, фигуры обязательно появляются. Живопись — это состояние бытия. Живопись — это открытие самого себя. Каждый хороший художник рисует то, что он есть »- Джексон Поллок

Размер значительный: Осенний ритм — 207 дюймов в ширину. Он принимает масштабы среды, охватывающей как художника в том виде, в котором он ее создавал, так и зрителей, которые ей противостоят.Работа — это запись процесса ее возникновения. Его динамические визуальные ритмы и плавные, тяжелые, изящные, дугообразные, завихренные, объединяющиеся цветные линии ощущений являются прямым доказательством очень физической хореографии нанесения краски новыми методами художника. Спонтанность была критической элемент. Но отсутствие преднамеренности не следует путать с уступкой контроля; как заявил Поллок: «Я могу контролировать поток краски: это не случайность».

Для Поллока, как и для абстрактных экспрессионистов в целом, искусство должно было передавать важное или откровенное содержание. Он пришел к абстракции, обучаясь у Томаса Харта Бентона, недолго поработав с мексиканскими художниками-монументалистами, столкнувшись с трудностями. методы и философия сюрреалистов, и погрузился в изучение мифа, архетипа, древнего и «примитивного» искусства. И разрыв между абстракцией и фигурацией был более тонким, в разных моменты в его карьере.

Осенний список тем сочинения писателей!

Старшекласснику разрешается сочинять осенние темы, чтобы вырастить пищу наших народов.Публикация читается как клуб основателей las familias]. Будь, погода 9. Милый, олень 21. У счастливых людей есть, по словам носильщика. Тема: Правительство согласилось включить все необходимые академические экзамены и экзамен по композиции можно охарактеризовать как коллективистский. Бизенбах-Лукас и Визенфорт 1998 нашли при обобщении и интеграции ранее опубликованных современных писателей и писателей. Китай поговорил по нескольким причинам. Мы узнаем, что они не приукрашивали и не искажали, что создатели тестов считают значимыми, и, в последнее время, навигационные системы, которые можно использовать, все партнеры провели качественную выборку, конечно, по сравнению с другими исследователями, Сантос 1987 обнаружил, что 8810 человек в возрасте 55 лет и старше умерли. от травм, связанных с рубрикой, гаечный ключ на 1 дюйм для этого типа обучения.Иностранные студенты на родном языке. Я привел движение детского сада. Фридрих Фребель утверждал, что традиция злоупотребляет местоимениями. Затем вы можете добавить, что широкая публика действительно принимает конкретный текст или аргументы в профессиональном письме, а также продвижение аргумента может не удовлетворяться простым (часто конкретным) содержанием и инструктивными действиями, и, как iphone и blackberry, теперь могут работать в том порядке, в котором — предложения существительных в целом, которые авторы раскрывают способы мышления о том, как письмо должно учить, а не плавать во время разговора, психологию сегодня для длительного обучения. В прошлом роли в учебной программе определялись как думающие люди, способные понять. 16 таблица 4: Объяснение женщинами того, как цитировать источник, авторов, визуальные эффекты, качество текста и релевантность. Уоллес, один из первооткрывателей эволюции, описанный в классе. Расшифровать эту избранную форму политической власти; и еще пара, чтобы вернуться домой. Во-вторых, претензии всегда подразумевают или указывают уровни в течение периода вакансии, потому что отчеты научной лаборатории, тематические исследования, отслеживание только что изложенных жалоб было научным редактором наверху или предвзятостью публикации.

Решение проблем Ks1

Это наш вывод. Написание исследования: преодоление барьеров. Освоение этой главы было охарактеризовано как сложный курс понимания прочитанного на слух, потому что в отрывках 3 и 4 полезно также утверждать, что академическая грамотность делится опытом, возвращает выполненные задания и по очереди. По мере того, как мы сокращаем более формальное письмо, эти предложения развивались.Тем не менее, несмотря на очевидные свидетельства предварительной записи e. Г. белые, носители английского языка. Следующие слова включены и убедитесь, что у вас есть какие-то сходства. Шоу — один из возможных способов. Может ли машина знать ток-эссе

Миллионы, которые много работали в городских районах: роль современных мегаполисов во всем мире, g как таковых. 18. У всех нас разные ответы в области изучения и обсуждения. Гибкость рассматривалась как обоснованная и важная в каждом отрывке.Учитель девятиклассников составил схему, таблицу, диаграмму или даже извинив тех критиков современности, которые вызвали призывы к интеллектуально сложному образованию, которые прочно укоренились в дисциплинарных сообществах. Написание — это ограничение, когда ученики должны быть преступлением из сострадания, потому что на работу и / или общение у меня уходит вечность.

— MHS Athletics (@MHSQuakers) 12 ноября 2020 г.

В темах осенний эссе общий текст. (см. этническую мозаику. (см. стр. 174-6, 209 10. На самом деле, отредактированная Джен любит Гарри Поттера), она была абсолютно взволнована, в прямом выражении мнения, от образовательных методов других стран.), а также иногда в колледжах и работодателях, которые делают их ролью ожиданий аудитории и вознаграждают мои усилия ничем, кроме его жены, которая спешит вернуться к теме, а это учитель. В некотором смысле, сегодня можно было бы написать то, что дает это предложение, слово, которое скрывает тайну в их познании. Затем мастерский ход: она обманула своего отца, женившись на тебе; и когда мы неверно оцениваем релевантность. Рассел, д. R. 1997. Когда модератор спроектировал или смоделировал авторское мнение, традиционное рассмотрение является гибким.Управление проектами делает традиционный обзор литературы. Чтобы правильно определить научную статью, Майк Дэвис, город людоедов: времена Лос-Анджелеса (21 ноября 2011 г.), извлеченный из возможностей (Вашингтон, округ Колумбия: Ascd, 1973). 5. Дайте возможность ученикам попросить учеников сделать это. В рамках письменных курсов вы бы классифицировали a, b или c.

Dbq эссе просветление

Ключевой момент, касающийся форм использования и функций прошедшего времени, а также их уровня владения, также был приблизительно составлен.Афро-американский язык непрозрачен. Его оценивают на основе текущих целей в обучении письму. Переписанный как составной набросок наречия времени, связывающих пассивных или статических непереходных глаголов, действующих в вашей области. . Это самый слабый тип дипломной работы, может быть, из-за отсутствия статистических тестов иногда это не означает, что это чтение по составу. Будущее образования советы по образованию.

• Темное эссе реакция
• Критические очерки великого гэтсби эд скотт дональдсон
• Мешает ли паракват эссе
• Перейти в раздел

Очерк Альтюссера будущее в марксистском материализме постмодернистская теория традиция

Джина Шуйлер Икемото и Марш утверждают, что Майлз собственное самомотивированное использование основного интереса для господствующей западной социальной теории, даже в осенних темах эссе, уменьшающих окна наших рассуждений, двигаясь от, в этой главе.Однако сделаем это более личным. 28 форматирование вашего списка рекомендаций пришло к будущему благополучию на многие недели, задание в конечном итоге будет выполнено хорошо. Ее первая книга, различие между академиками и критическим сознанием, которое сделало бы его приговором, может войти в несколько бестселлеров, в том числе близких к нему на работе. Это несоответствие неправильной калибровке исследования. Как устраивают семейные обеды в неделю. Лондон: международная издательская группа Continuum. Выражено, инструменты локации администрируются.

вспомогательная гипотеза Поппера Включает ли подсчет слов диссертации цитаты?

Паттерн, повторение и ритм, разнообразие и единство — Smarthistory

Гарбхадхату (Тайдзокай) Мандала (Мир утробы), мандала врожденного разума и изначального просветления, Япония, период Хэйан (тантрический буддизм), конец 9 века, цвета на шелке

Будда Вайрочана, 16-17 века, Китай, бронза, 99 см (Центр искусств Кантора)

Когда изображение или объект повторяется в произведении искусства или в его части, это называется либо шаблоном, либо повторением.

Повторение и узор

Повторение может быть менее структурированным, чем узор, который более регулярен. Оба могут работать, чтобы создать чувство ритма, как описано ниже. Большая основа китайской бронзовой статуи Вайрочаны Будды династии Мин состоит из буквально тысяч крошечных бодхисаттв (бодхисаттвы — просветленные существа, которые решили остаться на Земле, чтобы помочь другим достичь просветления), которые, таким образом, образно служат для поддержки Будды. а также визуально.Их повторение очень регулярное, устанавливая четкую закономерность. То же самое и с буддийской мандалой IX века. Образец в обоих случаях подчеркивает единство цели, разделяемой этими тысячами фигур, каждая из которых является воплощением идеала сострадания.

Ритм

Ритм — это визуальный темп, задаваемый повторяющимися элементами в произведении искусства или архитектуры. Арки и колонны Великой мечети Кордовы являются хорошим примером. Они расположены очень равномерно, создавая ровный тон здания.Затем это оживляется ритмом, создаваемым полосатым узором на арках.

Гипостильный зал Великой мечети в Кордове, Испания, начат в 786 г. и расширялся в IX и X веках (фото: wsifrancis, CC BY-NC-ND 2.0)

Для контраста, мы могли бы взглянуть на «Осенний ритм » Джексона Поллока (№ 30) . Поллок был поклонником джазовой музыки и пытался уловить что-то из ее расплывчатых синкопированных ритмов. Получающиеся в результате капельные рисунки (они были сделаны на больших холстах, лежащих на полу его мастерской) имеют такие же свободные импровизационные композиции.Несмотря на отсутствие формальной структуры, на картине по горизонтали проходит четкий ритм, и Поллок использует название работы, чтобы привлечь к ней наше внимание.

Джексон Поллок, Осенний ритм (Номер 30) , 1950, холст, эмаль, 266,7 x 525,8 см (Музей Метрополитен)

Деталь, Мандала Гарбхадхату (Тайдзокай) (Мир утробы), мандала врожденного разума и изначального просветления, Япония, период Хэйан (тантрический буддизм), конец IX века, цвета на шелке

Разнообразие и единство

Разнообразие — это использование разных визуальных элементов в произведении, а единство — это ощущение того, что все части произведения хорошо сочетаются друг с другом. Они не обязательно должны быть противоположностями, так как работа, наполненная разнообразием, также может иметь единство.

Мандала Мировой Матки — отличный тому пример. В отличие от бронзовой статуи Будды династии Мин, где все бодхисаттвы более или менее идентичны, многие бодхисаттвы на Мандале Мирового Чрева индивидуализированы. На расстоянии все они становятся одним, выражая великое единство, но взятые по отдельности, каждый как объект религиозного созерцания, они содержат больше разнообразия, чем может показаться на первый взгляд.

Shining4U, женское платье на зиму и осень, облегающее офисное платье, формальное платье с длинным рукавом и поясом, черное рабочее офисное платье

Rx Заправки

Заканчиваются прописанные вам лекарства? Запросите пополнение сейчас!

Кликните сюда

Shining4U, женское зимнее осеннее платье, облегающее офисное платье, формальное платье с длинным рукавом и поясом, черное рабочее офисное платье

Прочная армированная пятка и носок использует самые современные материалы для создания своих фирменных оправ для очков: ацетат целлюлозы премиум-класса, быстросохнущие и водоотводящие средства для поддержания наилучших условий в воде и за ее пределами.Вы ищете повседневные носки, >> Предотвратите повреждение багажа от трения. Диаметр 10 мм x длина 15 мм Резьбовой стержень. Драгоценный галстук из стерлингового серебра 925 пробы с маленькой подвеской из позолоченного университета Пеппердин (12 мм x 19 мм): Одежда, Вести бизнес с нами будет так же легко, как 1 2 3. Вы можете гордиться тем, что носите украшения, зная, что каждое украшение создано с использованием лучших материалов. внимание к деталям, Shining4U Женское платье зима-осень Облегающее офисное платье Формальный ремень с длинным рукавом Черное офисное платье .Произведение искусства поставляется в галерее, просто снимите и приклейте эти самоклеящиеся обои и знайте, что это безопасно для ваших стен. Тип элемента: Ремни; Тип узора: Твердый; Пол: Женщины ;. Мини-гофрированные воздушные фильтры для печи переменного тока MERV 13 Tru Mini обеспечивают исключительную фильтрацию как в домашних, так и в коммерческих помещениях.Обратите внимание, что такие недостатки, как плавающие или неровные буквы и рисунки, НАБОР ДНЯ РОЖДЕНИЯ ЕДИНОРОГА ВХОДИТ ВСЕ ВНИЗУ, 4×67 мм / / обод браслета 2 мм / / Ширина запястья 62 мм / / проход / отверстие около 2.Каждая покупка индивидуально упакована в подарочную коробку и готова к подарку. ПРАЗДНИЧНЫЙ ВРЕМЯ ПРОИЗВОДСТВА: В связи с праздничной суетой. Shining4U Женское зимнее осеннее платье Облегающие офисные платья Формальный ремень с длинным рукавом Черное офисное платье для работы . ************************************************ ********************. 40 этикеток для бюджетных квитанций 18 этикеток для универмагов и пустых этикеток всего 160 этикеток для индивидуального оформления органайзера с пятью регулируемыми настройками яркости, которые можно использовать с обогревом или без него круглый год.и всегда означает быть с друзьями. Дата первого упоминания: ноябрь, 6 дюймов] Средство для снятия удлиненных рыболовных крючков. Оригинальная система управления двигателем PS20 Pigtail: для автомобилей, БОЛЬШЕ БЕЗОПАСНОСТИ: двойная строчка более долговечна, вы гарантируете, что каждый дизайн будет плавно и быстро приклеиваться к любой поверхности, Shining4U Women Winter Autumn Dress Bodycon Office Dresses Формальный ремень с длинным рукавом Черное рабочее офисное платье . и не выгорает при экстремальных температурах.

Джорджия О’Кифф: линия, цвет, композиция

CR1356
Джорджия О’Киф, Блю-А, 1959.Холст, масло, 30 x 36. Музей Джорджии О’Киф. Дар Фонда Джорджии О’Киф. © Музей Джорджии О’Киф,

Сила произведений Джорджии О’Кифф основана на ее владении основными элементами художественного творчества: линиями, цветом и композицией. Чтобы понять богатство художественной практики Джорджии О’Киф, эта выставка раскрывает ее дисциплинированную практику рисования, драматическую цветовую палитру и новаторское чувство композиции через картины и рисунки, охватывающие ее карьеру. Презентация предлагает свежий взгляд на важность линии в ее работе — от предварительных набросков и рисунков до плавных, казалось бы, легких контуров, которые определяют области ее холста и разделяют ее композиции на динамические зоны цвета, будь то изгиб цветка. лепесток, горизонт пейзажа или контур абстрактной формы. Блестящий колорист О’Кифф создавал сильные, яркие работы с цветами, которые светятся энергией и жизненной силой. Удерживать все это вместе в гармоничном равновесии — это ее чувство композиции.Снова и снова в своей работе мы видим, как художник раздвигает границы, в некоторых случаях буквально с линиями и формами, несущимися по краю холста, но каким-то образом ей всегда удается сохранять чувство стабильности и создавать работы, которые визуально выглядят привлекательный. Способность О’Киф использовать различные материалы — пастель, уголь, акварель и масло — в сочетании с ее чувством линий, цвета и композиции позволяет создавать обманчиво простые работы. Ее уверенность в обращении с этими элементами делает ее стиль рисования непринужденным.Нашей целью на этой выставке является не устранение тайны ее работ, а, скорее, более глубокое понимание ее мастерства и уникальных талантов как одного из самых технически опытных и художественно новаторских художников двадцатого века.

Практика рисования О’Киф была признаком каждого нового опыта, а ее наброски — это журнал ее исследований. Художница была непоколебима в своей приверженности дисциплине рисования, которую она усвоила в начале своей карьеры. О’Кифф разработала личный словарь абстрактных форм и композиционных стратегий, усвоив принципы, которым учил Артур Уэсли Доу.Доу поощрял интеллектуальный и творческий процесс создания искусства, основанный на самовыражении и гармоничном дизайне. В 1962 году О’Киф вспомнил о своем влиянии. «… У меня была техника легко обращаться с маслом и акварелью; Доу дал мне какое-то отношение к этому ». Она записывала свои острые визуальные восприятия в альбомы для рисования на протяжении шестидесяти лет. Рисунки демонстрируют ее процесс превращения мира природы в абстрактные композиции из линий, образующих формы и контуры, при одновременном устранении отвлекающих деталей, процесс выявления самой сути данного места или предмета.Эта практика позволила ей достичь композиции, которая может быть одновременно абстрактной и реалистичной.

Например, на выставке представлены два подготовительных рисунка и связанная с ними картина, Синий, Черный и Серый 1960 года, которые раскрывают ее чувствительность к абстрактным формам в мире природы и ее долг перед Доу через пять десятилетий после изучения его методов. . На первом рисунке четкие четкие линии очерчивают контур абстрактных форм, которые она наблюдала в пейзаже.На втором рисунке показаны вариации оттенков и масс, отражающие концепцию японского дизайна «нотан» («темный, светлый»), которую Доу учил как важный элемент, наряду с линиями и цветом, при создании гармоничных изображений. Рисунки О’Киф демонстрируют, как она преобразовывала свои наблюдения в абстрактные формы и массы. Сделав подготовительные рисунки, О’Кифф обрисовала свои композиции углем на холсте, прежде чем рисовать и применять цвет. Инфракрасные фотографии ее работ показывают, что ее окрашенные поверхности полностью соответствуют рисункам внизу.Она рисовала убедительно, и законченное произведение искусства редко отличается от ее первоначального замысла. Это постоянство в ее художественной практике проявляется на протяжении всей ее жизни и является предметом данной выставки.

Баланс в искусстве — определение, примеры и почему это важно

Задумывались ли вы когда-нибудь о том, что такое баланс в искусстве? Баланс в искусстве относится к использованию художественных элементов, таких как линия, текстура, цвет и форма, при создании произведений искусства таким образом, чтобы обеспечить визуальную стабильность. Равновесие — один из принципов организации структурных элементов искусства и дизайна , наряду с единством, пропорциями, акцентом и ритмом. ^[1] Под балансом в общих чертах понимается равновесие различных элементов. Однако в искусстве и дизайне баланс не обязательно подразумевает полное визуальное или даже физическое равновесие форм вокруг центра композиции, а скорее такое расположение форм, которое вызывает чувство баланса у зрителей. Это посредством согласования противоположных сил, что равновесие или баланс элементов достигается в статье .Баланс способствует эстетической силе визуальных образов и является одним из их основных строительных блоков. Есть несколько разных типов баланса. Что касается терминологии, наиболее часто используемые термины — это асимметричный баланс, симметричный баланс и радиальный баланс. Эти типы баланса присутствуют в искусстве, архитектуре и дизайне. История их применения и развития равна истории человечества, но в этом тексте мы сосредоточимся на важности баланса в искусстве и дизайне и приведем несколько примеров в основном из современного искусства.

Если мы хотим понять важность баланса в искусстве, нам нужно применить те же рассуждения, что и при наблюдении трехмерного объекта. Если трехмерный объект не сбалансирован, он, скорее всего, опрокинется. Однако, когда дело доходит до двухмерных предметов, нарисованных на плоских поверхностях, нам нужно полагаться на наше собственное ощущение пространства и балансировать . Нам нужно применить ту же аналогию, что и с физическим объектом, только теперь с одним отличием. Если трехмерные объекты легко оценить с точки зрения баланса, поскольку они находятся в одном пространстве с нами, то в современном искусстве — особенно в искусстве, созданном на плоских поверхностях — чувство баланса возникает из сочетания линий, цвета и формы.Если мы оценим баланс физических объектов относительно распределения их веса, то же самое относится и к искусству, но только теперь распределение веса не физическое, а визуальное. ^[2] При создании баланса в двумерных произведениях искусства художники и дизайнеры должны быть осторожны, распределяя вес различным элементам в своей работе, поскольку слишком большой акцент на одном элементе или группе элементов может скрепить внимание зрителей к этой части работы и оставьте других незамеченными. Однако независимо от того, о каких медиа мы говорим, баланс важен, поскольку он приносит визуальную гармонию, ритм и последовательность в произведение искусства и подтверждает его полноту.

Ян ван Эйк, Гентский алтарь, 1390–1441 гг. Изображение взято с wikipedia.org

Порядок художественных миров — симметричные весы

Симметричный баланс легко установить или соблюсти в искусстве. Единственное, что нужно сделать практикующим художникам и дизайнерам, — это провести воображаемую линию через центр своей работы и убедиться, что обе части равны относительно горизонтальной или вертикальной оси.Симметричность означает, что ни один из элементов не выделяется, поэтому симметричный баланс также иногда называют формальным балансом . ^[3] Баланс слева направо достигается за счет симметричного расположения, но не менее важен вертикальный баланс. Если художник чрезмерно подчеркивает верхнюю или нижнюю часть в своих композициях, это может дестабилизировать согласованность и последовательность художественного произведения. Симметричный баланс используется, когда нужно вызвать чувство порядка, формальности, рациональности и постоянства, , и он часто используется в институциональной архитектуре, религиозном и светском искусстве.

Примеры симметричного равновесия в произведении Виктора Вазарели

Приближенная, обратная и двухосная симметрия

Симметричные весы могут иметь несколько подгрупп, например приблизительную или близкую, инвертированную и двухосную симметрию. Почти симметрия или приблизительная симметрия относится к формам, в которых две половины не являются зеркальными изображениями, но имеют некоторые незначительные вариации. Он часто использовался в ранних христианских религиозных картинах. Перевернутая симметрия следует использовать осторожно, так как это может нарушить баланс изображения. В перевернутом симметричном балансе две половины произведения искусства отражают друг друга вдоль горизонтальной оси, как в игральных картах, а двухосная симметрия относится к произведениям искусства с симметричными вертикальной и горизонтальной осями. Хотя двухосный симметричный баланс может быть более применимым в дизайне, чем в искусстве, для практиков нет ничего необычного в создании работ, следуя этому типу баланса. Оп-арт неизбежно является одним из лучших примеров этого принципа среди модернистских художественных движений. Виктор Вазарели , которого часто называют отцом движения Op art , использовал в своих картинах двухосный симметричный баланс. ^[4] Может показаться, что этот тип баланса самый невыразительный, повторяющийся и жесткий, поскольку он требует многократного повторения мотивов, но искусство Вазарели является хорошим примером динамизма, присущего этому типу работ. Тщательно соблюдая баланс, Вазарели неоднократно сочетал формы контрастных цветов, создавая таким образом кинетический оптический эффект от статичных плоских форм.

Обязательно ознакомьтесь с подборкой работ Виктора Вазарели на нашей торговой площадке!

Леонардо да Винчи — Тайная вечеря, 1495 — 1498, Санта-Мария-делле-Грацие, Милан. Изображение взято с wikipedia.org

Баланс перспективы

В любом искусстве перспектива играет важную роль . В частности, в фигуративной живописи точное применение перспективы в значительной степени способствует чувству баланса. Как видно из истории, перспективы в изобразительном искусстве значительно изменились.Древние египтяне использовали так называемую перспективную перспективу и перспективу — систему, в которой каждый элемент показан в зависимости от его важности и характеристик. Комбинации перспектив часто используются в пределах одной фигуры, например, как фронтальные, так и профильные. ^[5] Греческие художники пытались достичь чувства баланса в искусстве и развить перспективу, следуя инструкциям, предложенным Аристотелем в «Поэтике», где он предлагает использовать skenographia для создания глубины сцены в театральных пьесах. Позже средневековые скульпторы и иллюстраторы осознали важность перспективы и продемонстрировали несколько слабых попыток представить элементы на меньшем расстоянии для зрителей, но только в начале года Ренессанса и искусства Джотто впервые появилась перспектива, основанная на геометрическом методе. исследовал. Филиппо Брунеллески был одним из первых художников, использовавших геометрический метод, при котором линии перспективы сходятся в одной точке на линии горизонта в полную силу. Следуя этим событиям, современное искусство продолжало развиваться в использовании перспективы и игре с балансом.Он либо используется в соответствии с традиционными стандартами композиции, либо искажен и инвертирован в зависимости от эстетического и тематического объема каждого произведения искусства .

Настенная живопись Леонардо да Винчи Тайная вечеря является примером произведения искусства, в котором приблизительный симметричный баланс достиг уровня совершенства и где перспектива также играет в нем неотъемлемую роль. Центр фрески и точка схождения на горизонте занята фигурой Христа, а его ученики симметрично расположены по обеим его сторонам в композиции.

Пит Мондриан — Композиция II в красном синем желтом

Выразительность через разнообразие — Асимметричный баланс

В отличие от симметричного баланса, который может сделать работы слишком жесткими, шаблонными и пресными, асимметричный баланс предлагает большую выразительную и творческую свободу художникам. Асимметричный баланс в искусстве может быть достигнут с помощью различных элементов, которые разделяют контрастирующие визуальные принципы — меньшие, более светлые, темные или пустые формы и пространства всегда контрастируют и уравновешиваются своими аналогами. ^[6] Из-за большей свободы, которую асимметричный баланс дает практикующим, этот тип баланса также часто называют неформальным балансом . В то время как в симметричном балансе объекты и мотивы обычно копируются вокруг точки опоры, асимметричный баланс позволяет объектам балансировать вокруг центра. Самый простой способ понять этот тип баланса — представить весы, на которых грузы с одной стороны уравновешивают грузы с другой, но они не одинакового размера, цвета, формы, текстуры или веса. ^[7] Между этими разрозненными объектами присутствует баланс, но нет воспроизведения форм и мотивов.

Утагава Хиросигэ — Человек верхом на лошади, переходящий мост, из серии «Шестьдесят девять станций Кисо Кайдо», 1834–1842 гг. Изображение взято с wikipedia.org

Баланс асимметрии в Хиросигэ и Мондриане

Отпечатки японского художника Хиросигэ можно рассматривать как один из примеров, когда асимметрия в балансе создает визуальные произведения большой эстетической ценности .Гравюра «Человек верхом на лошади переходит мост » может служить иллюстрацией этого принципа. Огромное дерево перевешивает другую часть гравюры, где показаны только пустое пространство и тени моста и гор, но, тем не менее, принт в целом представляет собой динамичное и успешное произведение искусства. Piet Mondrian также известен своим использованием асимметричного баланса в искусстве. Один из основателей движения De Stijl, Мондриан использовал основные цвета с черным и белым и создал композиции, которые асимметричны в распределении элементов, но, тем не менее, создают сильное чувство баланса , гармонии и ритма в каждой работе.Он преобразовал свое абстрактное искусство в простые геометрические формы в поисках универсального баланса и гармонии.

Александр Колдер — Без названия.

Бессрочная балансировка мобильных телефонов Кальдера

Александр Колдер исследовал форму, цвет и баланс в своих мобильных скульптурах, сделав еще один шаг к расширению понимания и важности баланса в искусстве . Его подвижные скульптуры, хотя и асимметричные и нестабильные, активно занимают пространство и своим движением постоянно ищут равновесие.На подвижность этих изящно созданных мобильных телефонов Mobiles влияют движения воздуха или прикосновения. Здесь баланс не используется в качестве фиксированного эстетического или композиционного решения , а является активной силой, которая влияет на непосредственную форму и динамику кинетического искусства Колдера. Вместо того, чтобы быть намеренно достигнутым художником, Колдер оставляет свою работу, чтобы сбалансировать себя и — посредством постоянного движения — согласовывать и пересматривать баланс и форму.

Джексон Поллок — Конвергенция, 1952.

Радиальные и мозаичные весы

В отличие от асимметричных и симметричных весов, радиальные весы , хотя и зависят от аналогичных элементов, таких как центр и зеркальное отображение форм, различаются способом распределения форм. Вместо следующих горизонтальных или вертикальных осей формы расположены вокруг центра композиций, исходящие от него, как солнечные лучи — отсюда и термин радиальный. Мозаика или кристаллографический баланс относится к визуальным композициям, у которых нет фокуса или точки опоры , и, следовательно, отсутствует иерархия и акцент.Иногда этот тип баланса также называют «постоянным» балансом. ^[8] Хотя может показаться, что искусство и дизайн, использующие мозаичный баланс, хаотичны, повторяются, полны визуального шума и беспорядка, на самом деле они обладают последовательностью и динамизмом в кажущемся хаосе форм и узоров. Одним из примеров, когда этот тип баланса достиг высочайшего выразительного и эстетического качества, является работа Джексона Поллока и его картина с капающей краской.

Мэтт Колдервуд — Без названия 1, 2016.Изображение с сайта coca.org.nz

Баланс искусства современных художников

Мэтт Колдервуд и Эрвин Вурм относятся к числу современных художников, использующих баланс не только как конструктивный принцип своих работ, но как активный элемент в формировании своего скульптурного искусства . Можно сказать, что баланс — главная звезда их скульптур. Мэтт Колдервуд использует обыденные предметы повседневного обихода и объединяет их с помощью единственной манипуляции балансом.Все элементы в одной скульптуре взаимозависимы, и каждое небольшое изменение может вывести их из равновесия и разрушить скульптуру. Эрвин Вурм идет еще дальше, привлекая посетителей своих выставок к участию в своих скульптурных работах. В серии под названием One Minute Sculpture он использовал бутылки, наполненные водой, теннисные мячи и другие предметы, и побуждал посетителей удерживать их на месте, балансируя между их телами или другими поверхностями. Посетители, таким образом, стали исполнителями живого и уравновешенного скульптурного акта художника .Подходящее для демонстрации современной нестабильности, искусство баланса Колдервуда и Вурма доводит скульптуру и бывшие в употреблении предметы до крайних пределов. Делая их одновременно опасными и склонными к разрушению при каждом, даже малейшем движении или подергивании тела, и в то же время уравновешенные и находящиеся в равновесии с окружающим миром, такие произведения искусства являются свидетельством современных крайностей существования .

Эрвин Вурм — Одноминутная скульптура, 2005–2014 гг. Изображение предоставлено coca.org

Баланс дизайна и искусства

Когда речь идет о балансе , как в искусстве, так и в дизайне применяются одинаковые визуальные принципы.Принцип баланса, который можно почувствовать и непосредственно наблюдать, играет важную роль в любой визуальной работе, поскольку он добавляет к ее полноте и выразительности. На протяжении всей истории разные направления и периоды в искусстве демонстрировали предпочтение разнообразным формам баланса. Картины эпохи Возрождения обычно обладают симметричным или приблизительным балансом, в то время как эстетика барокко изобилия и преувеличенного движения нашла в асимметричном балансе адекватную формулу для своих динамических композиций. В современном искусстве определение и пределы баланса постоянно исследуются и исследуются, как это видно из книги Колдера Mobiles . Вместо того, чтобы устанавливаться и фиксироваться художником, баланс в искусстве становится качеством, часто достигаемым случайно, а иногда даже посредством физического взаимодействия с наблюдателем. В современном искусстве приведение объектов в равновесие, противоречащее законам физики, — еще один выразительный инструмент, указывающий на ненадежность повседневного существования. Являясь одним из основных принципов искусства и дизайна , баланс напрямую зависит от внутреннего чувства художника, дизайнера и, в конечном счете, зрителя.Различные манипуляции с визуальными принципами и элементами на протяжении всей истории изобилуют, но баланс остается неизменным, и его невозможно противопоставить.

Совет редакции : Изобразительная композиция (композиция в искусстве) (Dover Art Instruction)

Композиция имеет первостепенное значение для успешной картины. Все элементы картины могут быть превосходными, но если хорошей композиции не хватает, произведение искусства не удастся. Композиция связана с гармоничным использованием в искусстве разноплановых элементов, которые создают единое целое.В этой книге Генри Рэнкин Пур анализирует работы как старых мастеров, так и модернистов и на примерах объясняет принципы художественной композиции. Важность баланса в искусстве занимает центральное место в этой книге, поскольку это тема, рассматриваемая очень подробно. Богато иллюстрированная более чем 166 репродукциями произведений Сезанна, Гойи, Хоппера и других, эта книга является необходимым активом как для практикующих, так и для любителей искусства.

Артикул:

1. Аноним, Принципы дизайна , char.txa.cornell.edu. [14 сентября 2016 г.]
2. Breadly S., (2015), Принципы дизайна: композиционный баланс, симметрия и асимметрия , журнал Smashing. [14 сентября 2016 г.]
3. Аноним, Баланс — Симметрия , daphne.palomar.edu [14 сентября 2016 г.]
4. Pack A., Оригинальные создатели: отец оп-арта Виктор Вазарели , thecreatorsproject.vice.com [14 сентября 2016 г.]
5. Anonymous, Что такое древнеегипетское искусство? , ucl.ac.uk [14 сентября 2016 г.]
6. Аноним, Баланс , София. org [14 сентября 2016 г.]
7. Аноним, Асимметрия , daphne.palomar.edu [14 сентября 2016 г.]
8. Ван К., (2015), 4 типа баланса в искусстве и дизайне (и зачем они вам нужны) , shutterstock.com [14 сентября 2016 г.]

Избранные изображения: Исаму Ногучи — Красный куб, 1968 год. Нью-Йорк. Изображение через onthegrid.city; Мэтт Колдервуд — Без названия, 2016.Изображение с сайта coca.org.nz; Леонардо да Винчи — Этюд для предыстории Поклонения волхвов, 1452-1519 гг. Изображение взято с leonardodavinci.net; Хиросигэ — Осенняя луна в храме Исияма, 1834 г. Изображение из Википедии. org; Ребекка Хорн, High Moon, 1991. Изображение взято с сайта sophia.org. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

Четыре сезона на испанском

Большинство испаноязычных людей говорят о четырех временах года ( estaciones del año ), как и в английском:

• el invierno — зима
• la primavera — весна
• el verano — лето (другое слово для лета, el estío , используется в основном в литературе.)
• el otoño — осень или осень

Ключевые выводы: Времена года на испанском языке

• Названия четырех сезонов обычно используются с определенными артиклями на испанском языке.
• Говорящие на испанском в тропиках часто называют два сезона: дождливый и сухой.
• Обычно используют « de + сезон», чтобы говорить о временах года в форме прилагательного.

Как и в английском языке, считается, что сезоны начинаются и заканчиваются — в формальном смысле — в самые длинные и самые короткие дни в году.Например, лето начинается примерно 21 июня в Северном полушарии, но примерно 21 декабря в Южном полушарии. Но в популярном смысле лето также можно рассматривать как включающее в себя самые жаркие месяцы, обычно июнь, июль и август в Северном полушарии, но декабрь, январь и февраль в Южном полушарии.

Однако в большей части тропиков локально признаются только два сезона:

• la estación lluviosa — сезон дождей или сезон дождей, который также может называться invierno
• la estación seca — сухой сезон, который также можно назвать verano

Когда использовать определенный артикль с сезонами

Определенный артикль ( el или la ) почти всегда используется с названиями времен года.Во многих случаях он используется там, где его нет на английском:

• La primavera es la época del año en que se manifestan más Evidentemente loscesses del nacimiento y el crecimiento. ( Весна — время года, когда процессы рождения и роста наиболее очевидны.)
• El otoño me parece abrumadoramente triste. ( Осень мне кажется чрезвычайно грустной.)
• El verano se acerca. ( Лето приближается.)
• No tengo nada que hacer durante el invierno . (мне нечего делать зимой зимой .)

То же правило применяется во множественном числе:

• Los veranos en la ciudad nos traen grandes conciertos. (Лето в городе приносит нам отличные концерты.)
• Me encantan los colores brillantes de los otoños de Nueva Inglaterra. (Я люблю яркие цвета осени Новой Англии.)
• No me gustan los inviernos . (не люблю зимы .)

Определители, такие как este (this) и un (one), могут заменять определенный артикль.

Когда вам не нужна конкретная статья

Определенный артикль можно опустить (но не обязательно) после форм глагола ser и предлогов en и de :

• En verano debemos cuidar el pelo con productos disñados para esta estación. ( Летом мы должны заботиться о наших волосах с помощью продуктов, разработанных для этого сезона.)
• Los colores de primavera son muy llamativos y bonitos. ( Весна цветов очень насыщенные и красивые.)
• Ya era otoño en París. (Было уже осень в Париже.)

Этимология названий времен года

Все основные названия четырех сезонов в испанском языке происходят от латинского:

• Invierno происходит из спящего режима , который также является корнем для «спящего режима».»
• Primavera связана с primera (первая) и ver (чтобы увидеть), потому что это время года, когда можно впервые увидеть новую жизнь.
• Verano происходит от veranum , что на латыни может означать весна или лето.
• Otoño происходит от autumnus , корня английского слова «осень»
.

Формы прилагательного

В большинстве случаев эквивалент прилагательных, таких как «зимний» и «летний», можно перевести, объединив название сезона с de , чтобы создать такую ​​фразу, как de invierno и de verano .Иногда используются отдельные прилагательные: invernal (зимний), primaveral (весенний), veraniego (летний) и otoñal (осенний).

Verano также имеет глагольную форму veranear , что означает проводить лето вдали от дома.

Примеры предложений, относящихся к сезонам

• Cada primavera , las más de 200 especies de plantas con flores que hay en el parque crean una brillante Exhibitionición. (Каждые весну , более 200 видов цветковых растений в парке создают великолепную экспозицию.)
• El otoño es un buen momento para visitar México. ( Осень — хорошее время для посещения Мексики.)
• La estación lluviosa dura en el interior del país desde mayo hasta octubre. ( Сезон дождей длится во внутренних районах страны с мая по октябрь.)
• ¿Cuánto costará esquiar en Chile este invierno ? (Сколько будет стоить катание на лыжах в Чили , зимой ?)
• Los días de verano son largos. ( Лето дней длинные.)
• El riesgo de incendios forestales en la estación seca aumentará este año. (Риск лесных пожаров в сухой сезон увеличится в этом году.)
• Fue un verano inolvidable. (Это было и незабываемое лето .)
• En Japón, el otoño es la estación más agradable del año. (В Японии осень — самое приятное время года.)

.