Акварель

Для этого урока я выбрала несколько различных объектов по цвету и форме. Один из них больше и ярче других, так что будет легко определить точку фокуса картины — это ромашка гербера. Прежде, чем начать пошаговое руководство, ознакомьтесь с важными советами.

Главные подсказки по срисовыванию букетов

Убедитесь, что у композиции есть свой свет и оттенок. Тени придадут объёма. Продумайте процесс с ограниченным количеством цветов для гармоничной палитры.

Не надо фотографически изображать реальность — играйте с тонами, расположением. Пытайтесь уловить контуры и характер букета, а не отдельные элементы: лепестки, чашечки, листья. Не упускайте шанса размещать отдельные бутоны под разными углами и в разных местах. Объединяйте края.

Изображая цветы, прежде всего различайте в них простые геометрические фигуры. Помните, что у них есть и углубления. Некоторые имеют чашеобразную форму, другие выглядят как трубки или сферы.

Не усложняйте: рисуйте от большого к маленькому.

Материалы

Для этого проекта я выбрала круглую кисточку среднего размера с острым концом и четыре цвета:

• Розовая опера (Opera rose)
• Каштановый перилен (Perylene maroon)
• Фталоцианин (Phthalo blue)
• Никель азо-желтый (Nickel azo yellow)

Шаг 1

Изучите свой объект. Понаблюдайте за освещением, углами, осями. Сделайте лёгкий набросок.

Шаг 2

Нанесите полупрозрачный слой с основными оттенками: чуть жёлтого, розового и зелёного. Пусть они растекаются и смешиваются. Обратите внимание, что при ярком освещении некоторые части выглядят почти белыми. Найдите их и не трогайте больше.

Шаг 3

Когда первый слой высохнет, добавьте более тёмные оттенки к затенённым участкам. Я использовала смешение каштанового перилена и розовой оперы для ромашки. Для оранжевых цветов можно добавить чуть каштанового перилена к жёлтому.

Используйте негатив для определения стеблей. Дождитесь, пока всё высохнет, и переходите к следующему шагу.

Шаг 4

Добавляйте тёмные фигуры, напоминающие стебли и листья внутри букета. Не выделяйте их и комбинируйте направления мазков кисти. Добавляйте тени к цветам. Нарисуйте несколько тонких стеблей и водянистый фон, чтобы придать форму жёлтым головкам цветков.

Ещё раз дождитесь высыхания.

Шаг 5

Нанесите самый тёмный слой, чтобы подчеркнуть нужные области, поработайте над деталями и тенями переднего плана. Не особо переоценивайте листья — пусть в картине присутствует лёгкая таинственность.

Сделайте последние штрихи, чтобы закончить работу.

Автор: Maria Stezhko

Поделиться статьей:

Рисуем букет роз акварелью | Блог 2d художницы (aka Artibelka)

Я несколько дней назад вышла замуж и мне захотелось нарисовать что-нибудь на память об этом событии) рисовать стала мой свадебный букет 🙂

Я и сама если честно рисовала розы только пару раз в жизни и в прошлые разы они выходили не очень удачно,так что эта попытка будет полезной для меня:) Давайте разберемся вместе,какие могут возникнут трудности и как с ними справиться.

К сожалению под рукой не оказалось фотоаппарата,чтобы показать вам,как выглядит букет,стоящий передо мной,но думаю главное чтобы вы увидели этапы рисования и прочли мои пояснения. Приступим:)

На первых этапах не берите больших форматов,т. к. можете не справиться с объемом работы. Берите небольшой лист и не пытайтесь уместить в нем много цветов. В первый раз лучше вообще ограничиться рисованием одного цветка – так вы получите приятный для вас результат за более короткое время. А когда у вас разовьется терпение можно будет попробовать более длительную и сложную постановку:)

Я взяла альбомный лист акварельной бумаги,кисточки-белку №1,№3 и №5,набор художественной акварели 16 цв. и палитру.

Найдите себе довольно большую емкость для воды (непроливашки для этого слишком малы),чтобы мутная вода не сделала работу грязной.При подготовке к рисованию не ставьте воду на стол рядом с работой (я часто нечаянно опрокинув ее портила всю работу). Так же рекомендую приготовить несколько салфеток или немного туалетной бумаги, чтобы промакивать кисть в случае необходимости.

1. Очень легкими линиями закомпонуйте общие формы букета (акварельная бумага не терпит многократного стирания,а яркие штрихи будут заметны из под акварели). Здесь важно не промахнуться с компоновкой,не сделать букет слишком маленьким или слишком большим в листе. Снизу оставляйте больше места, чем сверху,чтобы получилась удачная композиция.Не забывайте с помощью карандаша определять соразмерность частей букета.

2. Намечаем сами цветы. Бутоны роз я рисую в виде полусфер,чтобы лучше понять их форму,это поможет в дальнейшем лучше показать объем букета.(опять же пытайтесь соблюсти пропорции,рисуйте цветы разными про-размеру и форме,чтобы смотрелись естесственно)

3.Прорисовываем детали

Лепестки роз рисовать начинаем с середины, т.к. это часть цветка является наиболее важной. Можно нарисовать не все лепестки,но если неправильно нарисовать сердцевину,то розы не получаться похожими .Если встречаются трудно понятные места,где много лепестков,то рисуем их меньше,так чтобы можно было определить где какой листок. После этого стираем лишние линии ,иначе их видно будет через слои акварели.

4. Решаем с какой стороны свет,у меня он будет слева:)

Рисуем тени от букета,от листьев и от самих цветов.

5.Делаю подмалевок фона:) Никогда не прорабатывайте фон излишне,иначе потом букет будет пропадать,а ведь он главный.Я делаю так: смочите кистью фон,обходя при этом наш розовый букет.Затем вплавьте сюда чуть-чуть сепии,голубоватых и теплых охристых красок. Все расплывется самим собой,здесь главное не переярчить .

6.самое темное в этой работе – зелень,поэтому начинаем с нее(т. к. если начать со светлого и перетемнить ,будет невозможно соблюсти соотношение по тону). Здесь я работала неторопясь, по одному листочку. Сначала смачивала необходимую поверхность водой,поджидала пока исчезнет излишняя сырость и вплавляла цвет. Тут же прорабатывала прожилки.Старайтесь делать зелень разнообразнее по цвету – на свету добавлять голубого,в тени – теплых оттенков. Ведь мы для того и рисуем ,чтобы передать живописные переливы цвета,недоступные фотографии.

7.Самое вкусное!!! Рисуем розочки🙂 Тут я использую несколько иную стратегию – сначала прохожусь по все листикам светлым разбавленным цветом,а затем более ярким в нужных местах. На этом рисунке в серединке розы я прошлась светлым розовым,а по внешним лепесткам уже успела капнуть более сочным цветом.

8. Таким же методом рисую оставшиеся розы🙂 (только не забывайте о воздушной перспективе,лучше дальние цветы рисовать по сырому,чтобы было меньше деталей)

9.Накладываю недостающие тени. Под цветами,зеленью и от всего букета.

Ну и напоследок несколько хитростей по работе с акварелью:

Не смешивать больше 2-3 цветов ( будет грязь)

Не использовать в больших количествах изумрудную и другие слишком яркие цвета,иначе будет не естественно.

Рисовать мелкие цветы и листья силуэтом.

Если у вас возникнут какие-то вопросы всегда рада буду ответить:)

Как нарисовать букет полевых цветов акварелью >

Как нарисовать дерево карандашом >

Рисунок букет весенних цветов карандашом легко.

Касатик, петушок, королевская лилия — это все о нем, о нежном и загадочном ирисе. Учимся рисовать любимый цветок богов и королей.

Прежде, чем приступить к рисованию, хорошо рассмотрите свою цветочную модель. Обратите внимание на расположение лепестков. Три тянутся вверх, образовывая своеобразную трубочку вокруг сердцевины. Эти лепестки называются стандарты. Три нижних, достаточно больших, лепестка с отгибом опускаются вниз. Эти лепестки называются фолы. Каждый фол имеет своеобразную бородку из густых ворсинок у основания. Для нижних лепестков ирисов характерным является и наличие темных тонких жилок.

Листья имеют мечевидную форму, плоские и длинные. Стебли ровные, высокие.

Определите для себя, какие основные геометрические фигуры (круг, овал, прямоугольник, треугольник) вы угадываете в очертаниях цветка.

Вариант #1

Попробуем нарисовать одиночный цветок.

Нарисуйте два овала, расположив их так, как показано на фото внизу. Обязательно проведите вертикальную ось симметрии. Линии должны быть тонкими и легкими, при необходимости легко стираться. Эти линии составят границы будущего рисунка.

В верхнем овале прорисуйте три стандарта. Рисование начните с прорисовывания центрального лепестка.

Прорисуйте два элемента, создающих эффект бородок.

Ориентируясь на вспомогательные линии, прорисуйте два боковых лепестка.

Нарисуйте нижний центральный лепесток, стебель и узкий лист. Сотрите вспомогательные линии. Раскрасьте рисунок по своему усмотрению.

Вариант #2

Если вы хорошо разобрали предыдущую технику рисования, значит, вполне осилите и технику, предложенную ниже. Благодаря тщательно прорисованным лепесткам, ирис выглядит более естественно.

Как нарисовать букет цветов ирисов карандашом?

Используя приведенные ниже подсказки и технику, описанную в начале статьи, вы легко нарисуете несколько ирисов, составив из них нежный букет.

Вариант #1

Продумайте будущую композицию. С помощью легких линий сделайте набросок рисунка. Работая над рисованием цветочных лепестков, не забывайте, что ирис далек от идеальной симметрии и именно в этом его прелесть.

Будьте внимательны, работая над деталями рисунка. Не забывайте о характерных для ириса бородках и жилках. Не пренебрегайте нанесением теней. Наличие затененных участков добавит рисунку глубины и контрастности, сделает его более живым и объемным.

Вариант #2

Ниже представлен еще один, достаточно простой, способ нарисовать красивые ирисы. Обратите внимание на цветовое решение рисунка, ведь для ирисов характерно постоянное движение цвета.

Как нарисовать цветок ирис акварелью поэтапно?

Ирисы и акварель созданы друг для друга. Профессиональные художники утверждают, что работать с акварелью достаточно сложно, впрочем, как и рисовать ирисы. Однако, эта статья рассчитана на тех, кто делает первые шаги в изобразительном искусстве, а значит техники, которые предлагаются читателю, не требуют высокого профессионального уровня.

Важно: для работы с акварельными красками используйте соответствующую бумагу. Обычные альбомные листы не подходят, поскольку, бумага для акварелей имеет шероховатую поверхность и лучше держит краску.

Продумайте вашу композицию. При необходимости, сделайте легкий набросок, обозначив головки цветов, стебли и листья.

Определите цветовую гамму будущего рисунка. Пятнышки на схеме внизу — идеальные, с точки зрения профессиональных художников, сочетания цветов.

Акварель любит воду! И даже специальные листы бумаги склонны к деформации в процессе рисования. Чтобы минимизировать последствия деформации, лист следует зафиксировать на поверхности малярным скотчем (по периметру).

Хорошо увлажните акварельный лист с помощью пульверизатора.

Излишки влаги удалите чистой губкой. Внимательно посмотрите на поверхность: лист не должен блестеть. Если вы заметили блеск, еще раз промокните поверхность губкой.

Приступайте к рисованию. Пишите легко, без усилия. Краска будет расходиться мягко, создавая размытый край.

Освоив технику, приступайте к созданию шедевра.

Дайте рисунку высохнуть.

Прорисуйте контуры и детали голевой ручкой или специальным линером, если видите в этом необходимость. Несколько четких линий на рисунке внизу превратили размытые акварельные кляксы в изящные цветы.

«Мокрая» техника не ограничивает полет фантазии и позволяет создавать уникальные цветочные образы.

Сочетание мокрой и сухой техники дает потрясающие, по своей реалистичности, изображения.

Чтобы минимизировать последствия деформации от увлажнения и последующего высыхания, лист зафиксируйте на рабочей поверхности малярным скотчем (по периметру).

Сделайте легкий набросок, отметив для себя расположение, форму и размер цветов. С помощью воскового карандаша наведите контуры изображения. Линии должны быть толстыми и четкими. Их назначение — не дать краске растечься и сохранить границы каждого отдельного элемента.

Прорисуйте листья и стебли (карандаш восковый).

Слегка увлажните середину одного из лепестков с помощью кисточки и чистой воды. Раскрашивайте лепестки, работая с двумя сочетающимися цветами (см. схему выше). В результате вы получите красивый и естественный градиент, присущий ирисам. На фото используются фиолетовая и синяя краски.

Не закрашенные области лепестков увлажните чистой водой. Раскрасьте бледно желтой или лимонной акварелью. Ближе к основанию лепестка тонкой кистью капните краску цвета охры. Влажная акварель начнет движение, создавая интересный переход. Оттенить желтый можно также оранжевым. Раскрасьте листья. Дайте рисунку высохнуть. Прорисуйте тонкие жилки на листиках.

Аккуратно затонируйте фон. И прорисуйте тонкие жилки на лепестках.

Видео: Ирис акварелью.Подробный видеоурок.1-ое занятие.ИЗО-студия ТУТА-КА!

Нарисовать цветок простым карандашом — что может быть проще? Но передать красоту и нежность природы и ее составляющих довольно сложно. Как красиво нарисовать цветы, знает далеко не каждый. А ведь искусство изображения нежных соцветий можно постичь, изучив мастер-классы поэтапного рисования и советы мастеров графики. После прочтения этой статьи вы узнаете, как красиво нарисовать цветы: царственные розы и белоснежные ландыши, горделивые тюльпаны и надменные нарциссы.

Рисуем розу

Королева цветов предоставляет настоящий простор для творческих идей. Можно нарисовать полураспустившуюся розу или полностью раскрывшийся цветок; букет или одну ветку; благоухающий куст или растение в горшочке. Вариантов изображения розы несколько. Приводится самый простой способ того, поэтапно.

Изображаем шар, двойная волнистая линия — стебель, к нему пририсовываем чашелистики и листочки.
Стираем круг, по его следам создаем первые 2 лепестка.
Середина цветка выглядит, как спираль, добавляем еще несколько лепестков и раскрашиваем. Роза нарисована схематически, но вполне узнаваема на рисунке.

Второй способ немного сложнее предыдущего. Изображаем 2 окружности, от них вниз протягиваем линии — стебли.

По краям дорисовываем веточки с будущими листиками.

Затем на месте розовых бутонов прорисовываем лепестки, имеющие меньший размер ближе к верхушке соцветий.

Обводим листья, дорисовав на них зубчики и прожилки. Стебли украшаем шипами.

Полученный рисунок дорабатываем: удаляем лишние линии и частично заштриховываем, чтобы придать естественность.

Как красиво нарисовать цветы ландыша?

Начать рисунок нужно с изображения крупных широких листьев и стеблей, слегка изогнутых под грузом цветков.

На кончиках стеблей, на черенках рисуем маленькие чашечки соцветий, на следующем этапе придаем им форму колокольчика.

Листья ландыша имеют по одной главной выделяющейся прожилке и другие продольные жилки, менее заметные.

Изгибы и тени показываем тонкими штрихами.

Листья тюльпанов по форме напоминают листья ландышей, только немного уже.

Изображаем 2 толстых стебля, делаем набросок чашек.

Затем разделяем соцветия на 6 лепестков каждое, причем 3 лепестка находятся внутри, а три — с внешней стороны.

Заштриховываем нужные места.

Рисуем соцветие нарцисса

Очерчиваем овальную деталь, нижняя часть которой содержит 3 Затем изображаем мелкие зубчики по краю серединки, покрытой точками. Рисуем лепестки в форме сердечек, обозначаем середину лепестка. Рельефный цветок готов.

Чтобы выполнить сложный рисунок, прислушайтесь к советам о том, как красиво нарисовать цветы карандашом.

Одна из тонкостей — приблизительное вычисление пропорций. Цветы, нарисованные согласно этому правилу, выглядят наиболее естественно.

При раскрашивании рисунка более глубокие или удаленные детали закрашиваются более темным тоном. Для карандашного изображения роль затемнения выполняется штриховкой, которая может быть одинарной или двойной.

Еще один способ для придания объема изображению — растушевать нужный участок ватной палочкой или высветлить ластиком. Это эффектный прием для тех, кто знает, как красиво нарисовать цветы.

Умело сочетая перечисленные методы, вы сможете максимально точно передать красоту и нежность цветочного букета.

Поэтому давай и мы с Тобой сегодня попробуем нарисовать несколько цветочков и сделать приятное друзьям, подарив им шедевр на бумаге. А заодно и кое-что новое узнаем. Договорились?

Божественные ирисы

Символ мудрости, доверия, надежды. Сам Ван Гог писал их на своих знаменитых полотнах. А Клод Моне не только изображал ирисы на картинах, а также искусно украсил ими собственный сад.

Символ вечной молодости и неувядающей красоты. Этот прекрасный цветок растет и в Европе, и в Северной Америке, и в некоторых регионах Азии (Китай и Индия). Рисунок изящных маков — прекрасный подарок для мамы, бабушки или сестры.

Рисуем васильки

А этот голубой цветочек символизирует душевную чистоту, скромность и нежность. Говорят, васильки обладают магической силой и оберегают дом от злых сил.

Важные подсолнухи

Являются символом труда, изобилия, и, конечно же, Солнца — это в его сторону они всегда поворачивают голову. А еще подсолнечник — символ Родины. Так же как он всегда тянется к Солнцу, так и человек всегда мыслями с родиной.

Это намек, что кто-то думает о Тебе. Поэтому, если хочешь сделать другу приятный сюрприз, нарисуй именно этот цветок как знак того, что Ты часто вспоминаешь о нем.

По мнению греков, они символизируют гордыню и тщеславие. А вот японцы считают их знаком безмолвной красоты и радости.

Любишь нарциссы? Тогда держи еще и видеоурок рисования этих чудесных цветов!

Символ летнего тепла. Издавна считалась волшебным зельем . Даже легенда существует о сообразительной девушке, которая украсила голову венком из горечавки и не далась в жены черту, который превратился в парня. Не мог черт приступить к девушке — настолько сильным оказалась действие оберега. «Если бы не горечавка и тоя (название цветка) — то и девушка была бы моя» , — разочарованно кричал нечистый. Вот какой вот хитрый цветок горечавки!

Если любишь придумывать что-то новое, таинственное, цветок-фантазия облегчит твои старания. Эта красавица украсит любой рисунок.

А что за яркое пламя на колючих ветвях? Да ведь это шиповник — символ молодости, красоты и здоровья.

Красная роза

Повелительница цветов символизирует страстную любовь, небесное совершенство и страсть. В мировой символике золотая роза означала совершенство, красная — красоту, белая — невинность, голубая — недосягаемость.

Предлагаю также посмотреть видео, как нарисовать шикарную розу карандашом.

Отцветший одуванчик

Хрупкий и светлый, этот цветочек красив даже тогда, когда утрачивает свою свежесть и ярко-желтую краску. Так и хочется подуть на него, чтобы его невесомый пух полетел далеко-далеко с летним ветром. Одуванчик — символ открытости и тепла.

Тигровая лилия

Очень яркая и даже немножко хищная тигровая лилия — символ энергии и энтузиазма. Еще бы — она утонченная и в то же время экстравагантная, а расцветкой намекает еще и на свою необыкновенную силу!

Хочешь еще цветов? здесь ищи нежные весенние первоцветы, — гордые тюльпаны, а — чудесные акварельные подснежники!

Очень часто при рисовании приходится изображать различные цветы. На наших уроках мы уже учили вас, как рисовать, например, розу. Иногда надо нарисовать не отдельные цветки, а букет, состоящий, как правило, из цветов разных видов. Искусство составления букетов из живых и сухих цветов носит название «Икебана». Это направление зародилось в Японии и там ему учат очень долго. Есть свои принципы в подборе тех или иных цветов для композиции и букета. Это и цветовые правила, и размерные, и по запахам и по оттенкам лепестков и т. д. Часто букеты надо рисовать в руках людей. Изобразить их совсем не сложно. Давайте попытаемся поучиться поэтапному рисованию красивого букета карандашом.

Этап 1. Букет обычно завернут снизу в красивую бумагу. Вначале мы нарисуем именно эту часть букета. Рисуем обвязочную широкую ленту. От нее вниз проводим линии бумаги, закрывающие обычно стебли. Рисуем красивые складочки. И вверх от нее тоже проводим линии бумаги, которые непосредственно будут обрамлять сами цветы.

Этап 2. Теперь нарисуем широкий бант, на который завязывается лента, перехватывающая упаковку букета. С одной стороны два узелка банта, с другой два развевающихся кончика.

Этап 3. Сейчас слева друг над другом изобразим два красивых цветка. Похожи они на ромашки. Рисуем два круга — сердцевинки и отходящие от них лепестки (по шесть штук). Показываем точки на сердцевинках и линии вмятинок на цветочных лепестках.

Этап 4. С другой стороны аналогичным способом рисуем еще два точно таких же цветка.

Этап 5. За ромашками нарисуем колокольчики. Они выглядывают на своих ножках. Их цветки напоминают тюльпанчики.

Этап 6. Теперь между ромашками и колокольчиками нарисуем несколько мелких цветочков дикой гвоздики. У них тоже есть сердцевинки, от которых отходят не закругленные, а чуть спрямленные лепесточки.

Этап 7. Во все стороны от нашего букета покажем густые листья. Они как бы обрамляют весь букет и придают ему законченный внешний вид. Это листья различной формы, выглядывающие из-за цветков.

Этап 8. Стираем линии-помощники, оставляем непосредственно сам букет.

Этап 9. Раскрасим наш великолепный букет из полевых цветов. Смотришь теперь на картинку, и, кажется, что в воздухе витает аромат этих прекрасных летних цветов.

Что чаще всего рисуют на поздравительных открытках для мам и бабушек дети? Вы не ошибетесь, предположив, что речь идет о цветах — букетах, в вазах, декоративных в горшках и просто отдельных цветках. И это неудивительно, учитывая тот факт, что цветок является символом женственности, красоты, огромной жизненной силы и энергии. Невероятная природная утонченность и изысканная красота цветка, неважно лесного колокольчика или селективной розы, украсит любой праздничный рисунок, особенно приуроченный к 8 Марта. Далее вас ждут простые мастер-классы с фото и видео, в которых доступно и поэтапно показано, как нарисовать рисунок цветок для начинающих и детей разных возрастов. Большинство представленных работ легко можно выполнить при помощи простого карандаша, а затем уже раскрасить цветными карандашами, фломастерами или акварельными красками.

Сказочный рисунок «Цветок аленький» карандашом для детей, поэтапно

Помните сказку про аленький цветочек, «краше которого нет на всем белом свете»? Так вот, в самой сказке довольно обобщено написано о том, как этот чудо-цветок выглядел на самом деле. Поэтому предлагаем вам вместе с детьми включить немного фантазии и поэтапно карандашом нарисовать сказочный рисунок «Цветочек аленький». Подробнее о том, как нарисовать сказочный рисунок «Цветок аленький» карандашом для детей далее.

Необходимые материалы для сказочного рисунка цветочка аленького для детей

• альбомный лист
• простой карандаш
• черная гелевая ручка
• ластик
• цветные карандаши, краски

Как поэтапно нарисовать рисунок «Цветок аленький» карандашом для детей

Как нарисовать цветок гибискускарандашом, мастер-класспоэтапно для начинающих с фото

Гибискус — один из самых красивых цветков, которые совсем несложно нарисовать карандашом. Он является символом счастья и мира, и поэтому станет отличным украшением для поздравительной открытки, плаката или праздничного рисунка. Подробнее о том, как нарисовать цветок гибискус карандашом в поэтапном мастер-классе с фото для начинающих.

Необходимые материалы для рисунка цветка гибискус карандашом для начинающих

• лист бумаги
• простой карандаш
• цветные карандаши
• ластик

Инструкция, как поэтапно нарисовать цветок гибискус карандашом для начинающих

1. Кругом обозначаем основу для бутона нашего цветка. Также делаем набросок для ствола и тычинки, как это показано на фото ниже.
2. Теперь внутри большого круга делаем легкий набросок круга поменьше. Затем прорисовываем 5 лепестков с волнистыми краями. Внутренний круг стираем ластиком и более детально прорисовываем тычинку.
3. Переходим к прорисовыванию листьев. Также делаем зарисовку маленького бутончика чуть ниже основного цветка.
   
4. На следующем этапе прорисовываем более детально стебель и листья. Листья у гибискуса в форме продолговатого треугольника с зазубринами. Также у листьев ярко выражены жилки.
   
5. Теперь с помощью цветных карандашей прорисовываем все детали цветка. С помощью зеленого цвета оформляем стебель, листья и маленький бутончик. А светло-сиреневым карандашом прорисовываем детали большого бутона.
   
6. Переходим к раскрашиванию: сначала светлым сиреневым цветом оформляем бутон, а желтым карандашом прорисовываем тычинку.
   
7. Затем поверх сиреневого закрашиваем бутон темно-розовым, что позволит получить более близкий к естественному оттенок цветка. С помощью темного синего придаем бутону глубину.
   
8. Осталось раскрасить светло-зеленым карандашом стебель и листья цветка и наш гибискус готов!
   

Красивый рисунок цветок «Лесной колокольчик» для начинающих, пошаговый мастер-класс с фото

Лесной колокольчик — не просто красивый цветок, но и отличный старт для начинающих художников, в том числе и детей. Как нарисовать красивый рисунок цветок «Лесной колокольчик» для начинающих узнайте из пошагового мастер-класса с фото ниже.

Необходимые материалы для красивого рисунка цветка колокольчик для начинающих

• альбомный лист
• простой карандаш
• ластик

Инструкция для начинающих, как нарисовать рисунок цветок «Лесной колокольчик»

1. На первом этапе делаем разметку будущего цветка: рисуем длинную вертикальную линию и снизу короткую горизонтальную линию. Сверху рисуем две заготовки для цветов колокольчика в виде параллельных овалов.
2. По длине ствола прорисовываем более мелкие овалы, которые станут бутонами поменьше. Добавляем листку объема.
3. Внутри больших овалов прорисовываем зубчики лепестков. Зубчики оформляем и верхушки маленьких овалов.
4. Более детально прорисовываем каждый бутон и стебель.
5. Добавляем листья и прорисовываем чашелистики каждого бутончика колокольчика.
6. Добавляем цветкам объемности за счет прорисовывания лепестков и сердцевин.
7. Обводим колокольчик по контуру и ластиком убираем лишние штрихи. Готово!

Рисунок карандашом поэтапно «Цветы в вазе» для детей и взрослых, мастер-класс с фото

Цветы в вазе — еще один вариант поэтапного рисунка карандашом, который по нашему мастер-классу смогут освоить и взрослые, и дети. Такой рисунок карандашом «Цветы в вазе» для детей и взрослых прекрасно подойдет для оформления праздничной открытки или в качестве самостоятельной картинки.

Необходимые материалы для рисунка карандашом «Цветы в вазе» для детей и взрослых

• лист бумаги А4
• простой карандаш
• ластик

Инструкция, как нарисовать цветы в вазе карандашом поэтапно для детей и взрослых

1. В качестве вазы для цветов выступит кувшин, заготовку которого рисуем в виде высокого прямоугольника. Делаем заготовки для будущих цветов в виде овалов и линий.
2. В основании кувшина прорисовываем овал, чтобы сделать вазу более объемной. Также обозначаем серединки цветов и листочки.
3. Добавляем ручку и носик кувшину. Прорисовываем более детально лепестки бутонов. В нашем случае букет будет состоять из подсолнухов и ромашек. Также более детально прорисовываем стебли и листья цветов.
4. Переходим к оформлению чашелистиков и сердцевин.
5. Более четко прорисовываем все контуры и детали. Ластиком убираем лишнее. При желании раскрашиваем рисунок цветными карандашами.

Как нарисовать рисунок «Цветок в горшке» — урок для начинающих, видео

Красивый рисунок цветок, выполненный карандашом или красками, может украсить собой любую открытку или детскую поделку. Впрочем, не только нарисованные отдельные цветки и букеты в вазе, но и рисунок декоративного цветка в горшке из видеоурока для начинающих ниже, может стать отличным украшением, не хуже колокольчика, для открытки на 8 Марта. Как нарисовать рисунок «Цветок в горшке» (урок для начинающих с видео) смотрите далее.

%d0%b0%d0%ba%d0%b2%d0%b0%d1%80%d0%b5%d0%bb%d1%8c %d1%86%d0%b2%d0%b5%d1%82%d1%8b PNG, векторы, PSD и пнг для бесплатной загрузки

Как нарисовать букет роз карандашом поэтапно

1.  Тебе уже надцать лет, и ты влюблен в одноклассницу. Она шикарная, крутая и жутко красивая. Как подойти к такой чиксе  ты не знаешь, но вот у тебя рождается мысль – подарить букет. Ты подкараулил ее у подъезда как-то вечером и торжественно вручаешь свой веник. Хотя, стоп! Кажется, это было в прошлом веке.
2.  Теперь ты уже старше, считаешь, что цветы – это деньги на ветер и даришь их только, когда отправляешься на день рождение к знакомой чувихе. И то подумываешь о том, что подарить девайс из DNS было бы лучше. Ну и еще маме на восьмое марта даришь – традиция такая.
3. Ну, все, чувак, ты попал! Теперь ты действительно влюблен! И срочно надо добиться, чтобы она стала твоей. Но девчонка та проказница, на свиданья не показывается. В мозг пробилась фраза: А любовь-то есть, оказывается. И тут-то в ход идет букет, а лучше букетище. Не факт, конечно, что в этом будет толк. Но есть некоторая вероятность
4. Ты уже мудр не по годам. Семья, работа, работа, семья и опять работа. Хм, а не пора ли освежить обстановочку? И вот настал чудеснейший вечер, и вы уже сидите с друзьями в баре, а потом у вас по планам клуб, ну или баня. Светает — пора в родную кровать. Но инстинкт самосохранения подсказывает, что дома на тебя может обрушиться любой предмет из кухонного инвентаря. И дабы уберечь свою родную пятую точку, ты покупаешь в ближайшем ларьке букет! Вот оно, спасение!

А попробуйте-ка еще нарисовать это:

1. Розу – урок сложный, и не всем под силу
2. Нарцисс и Тюльпан;
3. Лилия карандашом;
4. Ромашку;
5. Анютины глазки;
6. Хризантемы;

Урок о том как рисовать букет роз карандашом подготовил

TrustNo1

Специально для DayFun. ru

Рисуем букет цветов акварелью поэтапно. Как нарисовать цветок ирис карандашом и акварелью поэтапно для начинающих? Как нарисовать букет цветов ирисов карандашом? Рисуем цветы акварелью. Фон

Рисование акварелью — достаточно сложная техника, требующая вдумчивости и аккуратности. В отличие от масла и гуаши, она не прощает промахов. Но зато как удивительно прекрасны пейзажи и картины, написанные акварелью — они словно наполнены воздухом и светом! Осваивать такую тонкую технику нужно постепенно. Научиться рисовать цветок акварелью не так уж сложно, и это будет отличным началом долгого и интересного пути.

Выбираем принадлежности

Акварельные краски лучше всего выбирать на основе пчелиного воска. Только они обеспечат красивые яркие цвета, да и стоят на самом деле недорого. Чтобы узнать их на витрине, нужно внимательно изучить обложку — на ней должна быть надпись «медовые».

Следующий шаг — выбор кистей. Это основной инструмент, от которого зависит, как краска ляжет на бумагу и насколько результат будет соответствовать задуманному. Оптимальный вариант для акварели — кисти из шерсти белок. Почему? Они очень мягкие и отлично набирают краску. Кончик кисти должен быть заостренным. Важно обратить внимание, насколько хорошо шерстинки закреплены у основания. Чтобы рисовать цветы акварелью, понадобятся кисти №1, 2, 4, 6 . Более тонкие помогут прорисовывать мелкие детали, а те, что пошире — заполнять фон и основную часть.

Палитра для смешения красок тоже пригодится — ее можно сделать из листа очень плотной бумаги. Только не забудьте подогнуть края, чтобы краска не стекала.

Бумага, на которую будет наноситься рисунок, тоже должна быть более плотной. Акварель разводят водой, поэтому тонкая основа может сильно размякнуть и расползтись. Существует специальная толстая бумага для этой техники с шершавой поверхностью.

Создание эскиза

Рассмотрим, как рисовать цветы акварелью поэтапно.

Первое, с чего нужно начать, это создание наброска простым карандашом. Сделать это можно разными способами в зависимости от навыков и умения рисовать.

Не все на начальном этапе способны нарисовать эскиз цветка сами. Проще всего найти понравившуюся картинку и обвести ее контур. Можно найти и распечатать уже готовый эскиз. Если хотите, чтобы контуры цветка были более четкими на конечном рисунке, лучше всего будет обвести их ручкой, заполненной водными или спиртовыми чернилами. Когда начнем раскрашивать цветок акварелью, в первом случае, чернила будут слегка размываться, во втором — останутся неизменными.

Тем, кто хочет все-таки сделать эскиз самостоятельно, рекомендуется очень тонко и едва уловимо разлиновать лист на сектора, то есть провести вертикальную и горизонтальную линии посередине. Это поможет соблюсти симметрию и сделать положение цветка на рисунке более гармоничным. Избегайте использовать ластик, так как после него остаются катышки.

Рисуем цветы акварелью. Фон

После того как эскиз готов, на будущей картине нужно заполнить цветом пространство вокруг основного объекта. Если масло или гуашь наносится на холст мазками, то акварель — это слои.

Фон пишется первым, потому что он должен быть более прозрачным и холодным, акцентируя внимание на главном — цветке.

Акварели свойственно растекаться по холсту. Чтобы заполнить фон полностью, избегая наползания краски на контур цветка, применяется маскирующая жидкость (masking fluid). Если она слишком густая, ее можно разбавить водой. Маска просто наносится на изображение цветка кистью. В случае необходимости ее можно растягивать спичками в острые и мелкие уголки. Теперь нужно подождать, когда она высохнет. Не переживайте из-за мимо упавших капель, просто уберите их. А вот кисточку лучше отмыть сразу после использования, так как высохшая маска намертво прихватит шерстинки.

Сделайте фон такого цвета, какого хочется. Используйте палитру для смешивания красок, пока не получится нужный оттенок. Не нужно, чтобы слои сильно подсыхали, иначе появятся четкие границы, а здесь это лишнее.

Прорисовка лепестков

Рисуется сам цветок акварелью поэтапно слой за слоем и только после того, как высох фон, иначе краска со стеблей и лепестков будет размывать его. Не спешите сразу приступать к расписыванию, сначала потренируйтесь создавать плавные переходы.

У розы лепестки имеют отвороты более темного оттенка. Возьмите кистью густую краску и нарисуйте жирную линию на отдельном листе бумаге. Ниже проведите полоску просто водой, и такую же — посередине. Так получится плавный переход от более темного оттенка к более светлому.

Каждый лепесток нужно рисовать отдельно. Воды здесь используйте меньше, чем при заполнении фона. Самый первый слой наносится очень прозрачным желтым или красным цветом — в зависимости от лепестка. Хорошо просушите его, чтобы не было катышков. Пусть сквозь каждый слой просвечивает предыдущий, в результате итоговый рисунок будет светиться. Там, где цвет углубляется, используйте красный. Осторожно применяйте синий, его оттенки должны быть едва уловимы. Лишнюю воду с рисунка можно снимать сухой чистой кистью. Помните, что каждый слой должен быть очень прозрачным!

Стебли и листочки

Когда мы рисуем цветы акварелью, нам нужно время и терпение. После того как лепестки готовы, можно приступать к стебелькам и листьям.

Здесь соблюдается тот же принцип многослойности. Чтобы рисунок получился объемным, оттенки должны меняться и перетекать друг в друга. Не набирайте слишком много краски, так как она будет растекаться. И всегда обязательно сильно разводите ее водой. Зеленый можно смешивать с желтым, чтобы получались более светлые оттенки.

Поскольку первый слой всегда самый прозрачный, цвет должен быть очень светлый. Только конечный слой пишется темно-зеленым. Самые темные области будут под цветовым ложем и по краям.

Сначала лучше заполнить цветом стебли, после чего приступить к листьям. Все дополнительные детали прорисовываются потом. Каждый новый слой, если требуется изменение оттенка, сначала пробуйте на палитре. Рисовать цветок акварелью — довольно кропотливая работа.

Добавляем детали

Чтобы рисунок получился более реалистичным, нужно углубить цвета там, где это необходимо, и прорисовать прожилки на лепестках и листьях. Этот этап уже не столь однообразен.

Наращивание цвета на отворотах лепестков и краях листиков также осуществляется слоями. Каждый из них должен хорошо просушиваться. После того как все оттенки легли на свои места, можно идти дальше.

Чтобы нарисовать прожилки, возьмите самую тонкую кисть. Но и здесь тоже не рекомендуется использовать неразбавленную краску. Оттенок пусть будет чуть темнее основного на этом месте. Для лепестков это будет красный или желтый, для листьев — зеленый. Чем легче они будут смотреться на готовой картине, тем больше цветы будут похожи на живые. Если на вашем эскизе изначально прожилки на листочках были прорисованы чернилами, вам будет проще. Тоненькими штрихами добавьте зазубринки.

Создаем тени

Рисуя цветок акварелью, важно не только правильно наносить слои, но и уметь играть деталями, которые сильно влияют на конечный результат.

Картина будет выглядеть объемной и живой благодаря теням. Как правило, чтобы их сделать, берутся самые темные оттенки — синий и смесь черного с зеленым. Где должны быть расставлены тени? На лепестках, под ними, на листиках. Перед нанесением краски оставьте излишки на палитре, иначе тень превратится в растекшееся пятно.

Синим цветом наносим тени на лепестки, темно-зеленым — на листья. Если оттенок берется темным, это означает, что его не нужно сильно разбавлять водой. Самое главное при нанесении слоев акварелью — это их прозрачность. Тени рисуются уже ближе к завершению работы. Важно просушить все предыдущие слои.

Не торопитесь. Внимательно смотрите на рисунок, может быть, вы пропустили какую-то деталь. Верхние листья всегда отбрасывают тени на нижние, как и отвороты лепестков. Рисование цветов акварелью — тонкое искусство.

И напоследок…

Когда работа близка к завершению, прорисованы все прожилочки на лепестках и листиках, созданы тени, углублены цвета, пора снова вернуться к фону.

Там, где цветок светлее, фон должен быть темнее, и наоборот. Это придаст рисунку объем. Здесь можно дополнительно нарисовать разводы из смесей красок, которыми был нарисован цветок, и просто пятнами. Так картина будет выглядеть живее, а игра оттенков будет уравновешивать основной объект с пространством вокруг него.

Ближе к контуру цветка добавьте смеси красок зеленого, желтого, охры. Дальние листья не обязательно должны быть четкими, они могут быть просто размазаны как фон.

Чтобы придать работе вид настоящей картины, сделайте паспарту. Можно вставить в него готовую картину или отчертить рабочую область с самого начала.

Вот мы и рассмотрели, как рисовать цветы акварелью, поэтапно расписав эту технику именно из-за сложности ее выполнения. Так что, соблюдая все рекомендации, делая работу с любовью и удовольствием, вполне возможно ее освоить самостоятельно.

Для того чтобы нарисовать букет роз в вазочке желательно иметь перед собой наглядное пособие в виде самих роз либо их фотографии. Для начала, достаточно будет маленького букетика из 3-ех цветков, потому что розы не так уж и просты в рисовании, как могут показаться. Старайтесь не выбирать сложных композиций, из большого количества цветов. Также лучше найти такие розы, которые будут иметь четкие очертания.

После того, как Вы выбрали розы, которые будете рисовать, возьмите лист бумаги для акварелей, прикрепите его кнопками к какой ни будь доске, чтоб он не сворачивался когда намокнет. Карандашом набросайте общий контур будущих роз.

После этого, прорисуйте более мелкие детали. Не обязательно с точностью прорисовывать каждый лепесток. Главное постараться отобразить самые характерные черты цветка. Тем не менее, отнеситесь к прорисовке деталей ответственно, так как это поможет вам не запутаться в дальнейшем. Используйте для этого твердый карандаш, чтоб линии не получились слишком жирными и были не слишком заметны под краской.

После того как набросок закончен, намочите бумагу водой и сразу по мокрой бумаге можете начинать красить. Начинайте с самых светлых и чистых тонов. Вы можете полностью закрасить цветок тем цветом, который в дальнейшем останется только на светлых участках. При этом, не используйте только один цвет — чем разнообразней ваша палитра, тем живописней получиться картина. Старайтесь комбинировать 2 — 3 оттенка, рисуя один цвет.

После того как задан общий фон, дайте бумаге немного просохнуть и начинайте рисовать детали. Возьмите краску чуть потемней и нарисуйте полутени. Для того чтобы лучше их увидеть, можно прищурить глаза и тогда будет проще различить самые основные цветовые пятна. С самого начала, надо определить с какой стороны на букет падает свет – у каждого цветка есть освещенная сторона и сторона теневая. В данном случае свет падает на наши розы справа и по этому, справа освещенных участков больше.

После того, как полутень нарисована, опять прищурьте глаза и определите самые темные участки. Их не должно быть слишком много, чтобы цветы не получились монотонными. Учтите, что в акварельных красках темный цвет закрасить светлым уже нельзя. Но если Вы все таки нарисовали лишнего, это не беда – краску можно размочить и вытереть кисточкой как губкой.

Когда розы нарисованы, можно рисовать вазочку. Она рисуется гораздо проще цветов, да и к тому же, на ней не обязательно акцентировать внимание и слишком тщательно ее прорисовывать – ведь главное у нас это цветы.

Вазочка условно делится на несколько основных участков разной степени освещенности. Начиная справа налево: полутень, свет, полутень, тень, полутень. При этом, самых главных участка только 2 – свет и тень. Достаточно правильно отобразить их, сделав между ними плавный переход, и вазочка готова. В горлышке вазочки тоже есть освещенная и теневая сторона, нельзя забывать об этом.

Потом можно нарисовать тень, падающую от вазочки на стол.

Для того чтобы тень выглядела естественно, надо знать одно основное, простое правило – собственная тень (неосвещенная сторона предмета) должна быть нарисована красками более теплых тонов, а падающая тень (которую отбрасывает объект) относительно холодными.

По этому, на кувшине собственная тень тепло-коричневая, а падающая серо-голубая.

После вазочки переходите к листьям. Сначала закрасьте их полностью светло-зеленым, какими они будут на свету.

После этого, зеленым потемней, нарисуйте полутень, и некоторые участки сделайте самым темным. Не забывайте, что тень, падающая от цветков на листья, должна быть холодной. Поэтому, ее надо рисовать сине-зеленым.

Затем розам можно придать контраст, выделив их фоном. Для фона лучше использовать краски холодных оттенков, это отодвинет фон на задний план. Фон не обязательно делать равномерным, а наоборот – сделать его темней рядом со светлыми участками цветов, а там где у цветов тень, сделать его светлее. Так же, можно слегка размыть контур тех участков роз, которые находятся дальше, но при этом, те лепестки, что находятся ближе к вам, должны остаться четкими. В самом конце, очень аккуратно и так чтобы не перестараться, можно усилить контраст, затемнив самые темные участки теней в нескольких местах. Это придаст картине больший объем и четкость.

Вот и все, простой букет роз в вазочке готов.

Желаем вам удачи!

Р исовать цветы и просто и сложно одновременно. Большое разнообразие позволяет не особо зацикливаться на правилах передачи форм. А вот невероятная красота и насыщенность цветных гамм большая головная боль для дотошных художников. Ведь передать эту красоту очень сложно с помощью обычных красок. Поговорим о том, как рисовать цветы акварелью . Этот инструмент наиболее подходящий для передачи того очарования цветов, которое встречается в природе.

Особенности акварельных красок

Если слово «акварель» перевести с греческого на русский, то получим «водяные краски». Ключевое слово «вода» объясняет прозрачность акварельных красавиц, их неподражаемые очарование, сказочность, воздушность. В отношении них можно перефразировать известную пословицу: «Акварель водою не испортишь!». Действительно, чем больше воды, тем прекраснее акварельные произведения.

Очень популярна техника письма «по мокрому» для них. Это когда цветные мазки наносятся на влажную бумагу, соприкасаясь друг с другом. От этого они перемешиваются невообразимым образом, создавая неповторимые сочетания. Ещё одна особенность акварели — это её невероятная прозрачность. Сколько бы слоёв вы ни накладывали, всё равно будет просматриваться каждый предыдущий слой. Благодаря такому качеству, многие мастера акварельной живописи добиваются чудесных эффектов наложения разных цветовых слоёв друг на друга.

Вам уже хочется попробовать эту чаровницу в деле? Не спешите. Иначе первые неудачи могут сильно разочаровать. Хотя акварельные краски одни из самых распространённых среди начинающих живописцев, они самые сложные в освоении. Вот почему:

Акварель не терпит ошибок. Наложив неверный мазок, его нельзя исправить, если полностью не смыть до того, как он засохнет.

Очень сложно добиваться чистоты цвета. Для этого нужен очень большой опыт в их использовании. При смешивании более трёх цветов получается грязь, а не цветовой оттенок.

При использовании многослойной живописи требуется много времени. Необходимо дожидаться полного высыхания последнего слоя, чтобы прописать новый. Не у всех хватает терпения на такую науку.

Для этих красок нужна хорошая бумага и качественные кисти. К сожаленью, не у всех есть возможность их приобрести. Да и сами краски хорошего качества не так-то просто найти в некоторых обстоятельствах.

Однако, вас не должны останавливать все эти трудности. Ведь освоив азы письма акварелью, вы сможете творить любыми красками. А очарование, присущее только акварельным волшебницам, будет радовать и вас и ваших почитателей.

Рисуем цветы акварелью поэтапно

Начинать обучение письма акварелью лучше всего с цветовых упражнений с заливкой спектральных полосок. Расчертив лист бумаги на квадратики по принципу шахматной доски, закрасьте все горизонтальные линии основными цветами. После того как они высохнут, закрасьте вертикальные полоски теми же цветами. В итоге вы сразу будете знать какие оттенки дают их сочетания.

Теперь можно приступать к натюрмортам из цветов. Можете выйти на природу и писать с натуры, а можете нарвать букет и принести домой. Сразу приготовьте мольберт или этюдник, краски, кисти и специальную акварельную бумагу. Для палитры лучше использовать пластмассовую дощечку, но самый простой способ — это плотная белая бумага, лучше всего такая же, на которой вы рисуете. Итак, всё готово. Приступим:

Намечаем рисунок. Да, да! Именно, намечаем, рисунок делается чуть заметным нажимом карандаша, чем меньше линий, тем лучше. Ластик, желательно, вообще не применять.

Начинаем приписывать основные цвета. Для этого подбираем их на палитре. Важное замечание: начинать следует с самых светлых мест и очень важно попадать в цвет с первого раза.

Прописываем полутени, затем теневые части цветов.

Кроме этого способа можно использовать и популярную технику «по-мокрому» для изображения цветов. При этом на втором этапе смачивают лист водой и начинают прописывать основные цвета на невысохшей бумаге. А уже после высыхания приступают к следующим шагам в приведённой последовательности.

Схема проста, но очень сложна в исполнении. Не отчаивайтесь, если у вас сразу не всё получится. Не сдавайтесь! Пробуйте ещё раз и ещё раз, чем больше будете работать с акварелью, тем послушнее она станет в ваших руках. Не забывайте о том, что любое упорство и трудолюбие вознаграждается.

Одно из самых волнительных творческих переживаний — видеть, как на холсте оживает сюжет. Сегодня мы попробуем «вырастить» акварельные цветы — нежные фиолетовые анемоны. Выбрали пошаговый мастер-класс из книги Джин Хэйз «Атмосферная акварель» , который покажет, как создавать лёгкие, воздушные и атмосферные рисунки.

Атмосферная акварель

1. Внимательно присмотритесь к цветку и отметьте на бумаге его центр круглым пятном. Можно выбрать цвета французского ультрамарина и ализарина малинового.

2. Намочите бумагу слева от пятна и добавьте по внешнему контуру теплый цвет — насыщенный оранжевый.

3. Короткими, прямыми мазками направьте краску от центра к лепесткам, которые мы изобразим в следующем шаге. Мазки задают направление взгляду зрителя.

4. А теперь самое интересное — лепестки. Работайте с каждым не торопясь и наносите замес погуще (кадмий фиолетовый) — потом вы добавите на них воду.

5. Добавьте еще краски и капните водой на новые лепестки. Получатся разводы, которые прекрасно смотрятся после высыхания.

6. Полностью размойте водой некоторые края лепестков. Ближе к центру цветка углубите оттенок.

7. По одному изобразите лепестки вокруг центра цветка. Варьируйте плотность заливки и размывайте боковые края лепестков. Наблюдайте, как цветок рождается на ваших глазах.

8. Чтобы средний лепесток казался ближе к нам, углубите фиолетовый цвет по влажной заливке. Краска равномерно растекается, но на наклонной поверхности сбежит к нижнему краю. После высыхания лужицы получится интересный эффект, напоминающий загнутый лепесток.

9. Переходим к дальним лепесткам. Они не так важны, как ближние. Проведите только контуры. Цвет здесь служит намеком на фон без лишних деталей.

10. Создав контуры дальних лепестков, сразу добавьте воду с внешней стороны. Движениями кисти от лепестка направляйте краску к краям листа уже знакомым нам методом растяжки.

11. Частично углубите цвет в сердцевине: у анемонов она очень темная. Кроме того, чем темнее цвет, тем нежнее кажутся лепестки благодаря контрасту светлого и темного.

Совет. Контраст между размытыми пятнами и четкими мазками придает изображению выразительность.

12. В завершение углубите оттенок фона. Варьируйте плотность заливки водой и сохраняйте потеки, чтобы получилась интересная текстура. Можете закончить картину, но суть упражнения — создать иллюзию цветка. Сейчас изображение выглядит свежо, ярко.

13. Посмотрите, как выглядит краска после высыхания. Главное, не спешите, и вы научитесь создавать атмосферные, живые композиции.

Совет. Как только объект стал узнаваемым, остановитесь. И для новичков, и для опытных художников самое трудное в свободной технике — понять, когда пора отложить кисть. Работа не должна казаться законченной.

Данный пост посвящается акварельной живописи. Речь пойдет о трех художниках и следовательно о 3-х разных историях, которых объединяют цветы нарисованные акварелью.

Их творчество оригинально, но погрузившись в глубину каждого по отдельности, в воображении невольно прорисовывается один единственный и неповторимый цветок. Это хороший знак, оставляющий сладкое послевкусие, которое желаем вам испить.

Рисунки цветов акварелью Fabio Cembranelli

бразильского художника восхищают людей со всего мира. Среди национальных художников Fabio Cembranelli считается одним из самых известных. В период с 80-х по 90-е гг. бразилец занимался саморазвитием, путешествовал по Соединенным Штатам Америки и бывал в Европе.

В настоящее время работает с акварелью, маслом и акриловыми красками. Обычно рисует из собственноручно сделанных фотографий или набросков, но использует их только в качестве отправной точки, ведь картины создает в студии, в процессе работы добавляя новые формы, цвета и идеи, которые рождаются на интуитивном уровне. Художник говорит, что ему не нужно видеть букет роз, чтобы нарисовать их. Для этого нужен только один цветок, дабы разгадать его цвет и анатомию.

Художники, которые оказали особое влияние на Фабио – William Turner и Edward Seago.

В работе использует прозрачную акварель, ведь, по объяснению художника, именно такая краска (ее особая текучесть) позволяет получать неожиданные цветные смешения, которые подчас рисования непредсказуемо появляются на бумаге или холсте. Спонтанность для художника – это ключ, который и открыл ему дверь в мир искусства.

Сейчас он преподает уроки (в том числе и через популярные журналы), проводит мастер-классы, ездит на тематические встречи, работает иллюстратором, а также участвует в художественных конкурсах в качестве судьи. На выставках его картины удостаиваются престижных наград.

В январе 2013 года художник посещал Бельгию, чтобы дать свой мастер-класс. Теперь в его планах:

• Мехико (Мексика) – 22-26 и 28-29 апреля 2013


• Каталония (Испания) – 25-31 мая 2013


• Тоскана (Италия) – 15-22 июня 2013


• с конца июня и по середину августа Фабио ждут во Франции

Текучесть линий, неожиданный результат после смешивания красок, прозрачность и светлость картин вы можете посмотреть здесь и сейчас в приведенной видео трансляции.

Я рисую цветы не просто потому, что они симпатичные, я рисую цветы потому, что их очарование дает возможность человеку увидеть мир заново.

С 2000-го года Марни участвовала в более чем 30-ти крупномасштабных выставках, и на более 10-ти из них получила награды.

В 2011 г. ее рисунки украшали журналы Art Avenue и Focus, в том же году ее работы стали гвоздем программы сразу в трех книгах.

Галерея с сочными и яркими флористическими акварелями, будто бы выпорхнувшими прямо из души мастерицы, к вашему вниманию!

Картины цветов акварелью Jiang Debin

Находкой для галереи оказался сам Debin. Картины цветов акварелью от Jiang Debin»а расслабляют зрителя, погружая его в атмосферу гармонии.

Ну а теперь пришло время погрузиться в галерею цветочных картин Jiang Debin.

Надеемся, что цветы акварелью современных художников вам пришлись по вкусу, как и данная статья. Благодарим за интерес к , подписывайтесь на обновления блога и оставайтесь вместе с Арт верандой.

Как нарисовать и раскрасить букет цветов

КАК НАрисовать и раскрасить букет цветов

Научиться рисовать цветы необходимо в любой художественной комнате. Чтобы сделать урок более легким для младшего ребенка, полезно начать с какого-нибудь шаблона. Не думайте, что вы обманываете. Моя философия в отношении шаблонов заключается в том, что иногда они помогают ребенку пройти через часть, которая может показаться ему немного скучной (рисование еще другого цветка ), до самой интересной части: сопротивление акварели.

Жидкие акварельные краски очень часто используются в моей художественной комнате. На самом деле так много, что я держу заполненные акварелью баночки для детского питания наготове в моем шкафу. Пытаясь решить, использовать ли жидкую акварель или акварельные краски в лотках, подумайте, что вы собираетесь делать на уроке рисования.

Для этого урока у меня было три акварельные цели:

• Правильное нанесение стирки
• Насыщенные цвета
• Резист масляная пастель

Wash: Акварельные краски для подносов трудно использовать, когда вы хотите нарисовать размытость, поскольку детям нужно смешать свои цвета с крышкой подноса, а затем добавить смешанную краску на большую область фона.

Intense Color: Вы можете увеличить интенсивность или уменьшить ее. Дети могут немного контролировать, добавляя больше воды на кисть, если они хотят. Но в основном, если вам нужны яркие цвета, просто не добавляйте столько воды в чашку или банку для смешивания.

Resist: Поскольку детям просто нужно окунуть кисти в цветную воду, нанесение смоченной кисти на масляную пастель — легкая задача.

Чтобы понять, что я имею в виду, проверьте это сами. Попробуйте этот урок, используя акварельные краски из подноса, а затем попробуйте снова использовать жидкие акварели.

Перед тем, как начнутся акварельные забавы, сначала нужно что-нибудь нарисовать. Я дал каждому ребенку карандаш, водостойкий черный маркер и лист акварельной бумаги размером 12 на 18 дюймов. Чтобы увидеть список принадлежностей для рисования, которые я использую, посетите мою страницу RESOURCE .

Я использовал цветочный букет template , который у меня был под рукой на уроке, который я проводил по программе детской художественной школы. Цветочный шаблон действительно пригодится, когда вы хотите, чтобы ваши маленькие 7-8-летние создали крупномасштабный рисунок.Часто шаблон может привязать размер и помочь ребенку с масштабированием. Иногда этого можно добиться с помощью шаблона вазы.

ПРИНАДЛЕЖНОСТИ ДЛЯ ИСКУССТВА

• Вам понадобится кусок белой бумаги для рисования размером 12 x 18 дюймов (76 фунтов)
• Масляная пастель (не растворимая в воде)
• Жидкие акварельные краски
• Средняя круглая щетка

АКВАРЕЛЬНЫЙ ЦВЕТОК

Нарисовав карандашом, дети обводили свои линии маркером Sharpie или водостойким черным маркером. Я поставил на стол поднос с мелками (лучше всего острые), и дети обрисовали некоторые свои линии белым мелком и добавили столько узоров и линий, сколько захотят.

Следующий сеанс был использован для рисования цветов жидкой акварелью. Смешивание поощрялось. Трудно сохранить цвета в первозданном виде в большом классе, поэтому не беспокойтесь об этом слишком много, но вы всегда можете посоветовать чистить кисть между выбором цвета.

Вот короткое видео, в котором показаны основные этапы этого проекта:

Вот несколько прекрасных примеров того, как мои семилетние и восьмилетние ученики использовали шаблоны, чтобы нарисовать свой собственный набор цветов, а затем смешали акварельные краски, чтобы создать свое собственное уникальное произведение.Разве они не прекрасны?

Хотите быть в курсе моих видео-советов и уроков? Подпишитесь на мой канал Youtube ЗДЕСЬ

Вам понравился детский урок цветов? Нажмите кнопку загрузки ниже, чтобы получить наше бесплатное руководство по рисованию радиальных цветов:

Букет акварельных цветов | Ремесленный

Как мне узнать, что охватывает класс?

Почти у каждого класса есть бесплатный видеоклип «Предварительный просмотр класса». Это даст вам представление об инструкторе и навыках или проекте, которые вы изучите в классе. Кроме того, вкладка «Обзор» содержит подробное письменное описание класса. Кроме того, у каждого урока класса есть краткое письменное изложение его содержания, включая продолжительность каждого видео урока. Наконец, на вкладке «Бонусные материалы» вы можете увидеть, какие дополнительные элементы включены в видео-класс — обычно включается один или два ресурса PDF для печати. Вы получите полное представление о содержании класса, просмотрев эти различные элементы.

Должен ли я быть участником Craftsy, чтобы купить класс?

Точно нет. Любой может приобрести Класс без обязательства Премиум-членства. Когда вы нажмете кнопку «Получить доступ к классу» в верхней части страницы класса, вам будет предложено несколько вариантов покупки. Один из таких вариантов — приобрести Класс самостоятельно. Тогда вы станете владельцем класса и будете иметь к нему постоянный доступ в своей учетной записи Craftsy, независимо от того, являетесь ли вы участником или нет. Однако имейте в виду, что в качестве преимущества членства Craftsy Premium вы будете иметь доступ ко всем классам на сайте Craftsy, пока ваше членство действительно.

Как мне приобрести класс?

Сначала вы должны решить, что вам нужен класс. Перед покупкой просмотрите видеоролик «Предварительный просмотр класса» и различные письменные описания класса и каждого урока, чтобы иметь хорошее представление о содержании класса.Когда вы будете готовы приобрести и получить доступ к классу, просто нажмите «Получить доступ к классу» (или он может отобразить «Купить в собственность») и продолжить. Вам будет предоставлена ​​возможность присоединиться в качестве премиум-члена Craftsy, что даст вам доступ к этому и всем другим активным на тот момент классам в течение всего срока вашего премиум-членства, или приобрести только этот один класс, к которому у нас будет доступ. вечно.

Как мне получить доступ / просмотреть свой класс?

После оплаты вы можете получить доступ к своему классу или просмотреть его, перейдя в раздел МОЙ АККАУНТ на Craftsy. В МОЕЙ УЧЕТНОЙ ЗАПИСИ появится раздел с надписью «Мои классы», содержащий ссылку для просмотра видео вашего класса и доступа к любым включенным Бонусным материалам. Вы можете посещать свой курс столько раз, сколько захотите, и вы никогда не потеряете доступ к информации своего аккаунта. Просто не забудьте войти в систему для доступа к МОЕЙ УЧЕТНОЙ ЗАПИСИ. Кроме того, если / когда вы являетесь Ремесленным Премиум-членом, у вас будет доступ ко всем активным на тот момент классам. В этом случае вы не найдете все классы в своей учетной записи MY ACCOUNT, но вы можете просто посетить любую страницу класса и смотреть видео (убедитесь, что вы вошли в систему как премиум-член).

Мне нужно сразу сдавать класс?

Нет. Любой приобретенный вами Класс всегда будет вам доступен. Вы можете просматривать свой класс, когда захотите, и вы можете просматривать отдельные уроки в любом порядке.

Есть ли ограничение на количество просмотров моего класса?

Нет. Вы можете просматривать любой приобретенный вами курс столько раз, сколько хотите и когда захотите — и вы никогда не потеряете доступ. Если вы являетесь участником Craftsy Premium, у вас будет доступ к этому классу и ко всем остальным, пока ваше членство действительно.

Могу ли я просматривать занятия на планшете или мобильном телефоне?

Без проблем. Все новые модели смартфонов или другие мобильные / планшетные устройства с подключением к Интернету могут воспроизводить видео Класса. Просто войдите в систему на Craftsy.com, чтобы просмотреть любой курс, который вы купили или к которому у вас есть доступ, если вы являетесь пользователем Craftsy Premium.

Как мне получить доступ к бонусным материалам для класса?

До тех пор, пока вы не приобретете класс или не станете профессиональным премиум-участником, бонусные материалы класса (любые загружаемые материалы в формате PDF и т. Д.) Будут недоступны. После того, как вы приобретете Класс или станете участником, каждый отдельный бонусный элемент станет доступным, просто нажав на каждый элемент. Вы найдете эти элементы на вкладке «Дополнительные материалы» под основным фреймом просмотра класса. Как и в случае с видео класса, вы можете получать доступ к бонусным материалам столько раз, сколько захотите, или также можете распечатать их.

Как работает преимущество «Обсуждение в классе»?

После того, как вы приобретете класс или станете профессиональным участником Craftsy Premium, у вас будет возможность разместить вопрос, комментарий или совет в области обсуждения класса. Вы найдете вкладку «Обсуждение класса» прямо под видеокадром класса. Это не «живой чат», но эксперт в предметной области ответит на заданные вопросы.Ответы могут быть не от настоящего инструктора класса. Вы сможете увидеть вопросы и комментарии всех участников класса, чтобы принять участие в этом виртуальном диалоге с другими людьми, которые просмотрели класс и готовы поделиться советами, ответами или идеями.

Могу ли я распечатать бонусные материалы класса?

Для любого элемента Бонусных материалов в формате PDF — да, вы можете. На вкладке «Бонусные материалы», прямо под видеокадром класса, просто нажмите значок / кнопку для любого из дополнительных элементов класса, которые вы хотите, загрузите ресурс и распечатайте его на локальном принтере.

Существуют ли какие-либо системные требования для просмотра видеоконтента класса?

Видеоконтент вашего класса лучше всего подходит для просмотра на устройстве, произведенном в последние несколько лет, с хорошим широкополосным доступом в Интернет или Wi-Fi (без коммутируемого доступа). Мы также настоятельно рекомендуем использовать последнюю версию Firefox, Safari, Chrome или Edge в качестве интернет-браузера. Рекомендуемое разрешение экрана 1024 x 768 или больше.

Могу ли я получить возмещение, если мне не понравился курс?

Да, конечно.Несмотря на то, что у вас будет возможность просматривать все видео и загружать любые бонусные материалы, у нас есть 100% гарантия возврата денег для любого класса, который вы приобретаете на условиях ала-карт (покупка в собственность). Этот возврат возможен, если вы запросите его в течение 30 дней с момента покупки класса. Пожалуйста, направляйте любой запрос на возврат средств в нашу службу поддержки клиентов, используя контактную информацию на Craftsy. com. Чтобы избежать этой ситуации, перед покупкой просмотрите видеоролик «Предварительный просмотр класса» и различные другие письменные описания класса и каждого урока, чтобы иметь хорошее представление о содержании класса.Если ваш доступ к Классу осуществляется через Премиум-членство в Craftsy, то для любого конкретного Класса возврат средств невозможен. Возврат средств за членство Craftsy Premium будет производиться на пропорциональной основе в течение срока действия вашего членства Craftsy Premium.

Изучите цветочные композиции в своих картинах

Привет! Я Эстер Пек, @estherpeck в Instagram, автор книг Lush & Blooms и A Guide to Floral Watercolour. Я также провожу онлайн-классы по Skillshare и Teachable.

Я так рада поделиться с вами тем, как составить акварельные цветочные композиции.

Я обнаружил, что, хотя многие из моих учеников не испытывают проблем с рисованием цветов и листвы после уроков, они испытывают трудности с цветочной композицией или даже с того, как начать. Я хочу поделиться 7 основными элементами того, как нарисовать удачный цветочный венок или картину:

1. фокус
2. Весы
3. Единство
4. Контраст
5. Правило пространства
6. Правило третей
7. Правило шансов

Во-первых, наша картина должна иметь фокус, так как наши глаза будут вести нас к самому важному или фокусу картины.Без этого зритель потеряется и быстро потеряет интерес к картине.

Что бросается в глаза, когда смотришь на этот букет? Детали большой персиковой английской розы сначала привлекут ваше внимание к букету, а затем к другим цветам, листьям и ягодам-наполнителям.

Сбалансированная картина не обязательно должна быть симметричной.

Я использую элементы разных размеров, чтобы сбалансировать круговые венки, как показано ниже.

У меня есть чайник и чашка, которые визуально «тяжелее» сидят на дне венка и уравновешивают их меньшими или кажущимися более легкими макаронами, цветами, ягодами-наполнителями и растениями.

Хорошо сбалансированный дизайн подарит ощущение спокойствия.

Под единством мы подразумеваем, что венок должен выглядеть связным, чтобы ваш взгляд мог перемещаться от центральной точки к второстепенным элементам.

Это также означает выбор дополнительных элементов / цветов, чтобы венок или дизайн смотрелись связно, когда они собраны вместе, как показано на рисунке ниже.

В приведенном выше примере с чайником и чашкой также показано, как я использую дополнительные элементы макарон, цветов, ягод наполнителя и растений, чтобы сгруппировать их вместе, чтобы сформировать венок для чаепития.

Контраст может быть выражен в размерах, цветах, углах и формах элементов, что добавит интереса вашей картине.
В цветочных букетах ниже я нарисовал розы разных размеров и под разными углами, которые красиво соединились.

Картина обычно выглядит более привлекательной при нечетном количестве предметов. Интересно знать, что нас больше привлекает неравномерная композиция.

Итак, когда вы рисуете венок, попробуйте нарисовать 2 больших цветка с боковым цветком и несколькими наполнителями.

Оставление места на картине создает ощущение движения или движения.

Мне нравится, как на этой картине изображена часть висящих цветов из сада, а не полная изгородь из роз.

Разделите изображение на 9 равных сегментов по 2 вертикальные и 2 горизонтальные линии. Точки пересечения — это то место, где должна быть ваша точка фокусировки.

На этой картине о цветах сакуры ваш взгляд будет привлекать большой цветок сакуры на правом нижнем перекрестке.

Об Эстер Пек

Эстер — акварелист-самоучка из Сингапура.В 2018 году она опубликовала 2 книги: «Lush & Blooms» и «Руководство по цветочной акварели».

Ее опыт работы в качестве графического дизайнера помог ей создавать произведения искусства, дизайны и самостоятельно изданные книги, которые она продает в Интернете.

Кроме того, Эстер также является приглашенным дизайнером в Art Philosophy, бренде из США. Она также является представителем Princeton Artist Brush Company, одного из крупнейших поставщиков кистей в Северной Америке. С 2015 года Эстер провела множество уроков акварели, от классических цветочных венков до реалистичных животных и пейзажей.

Посетите мой веб-сайт: estherpeck.com
IG: @estherpeck
YouTube: Esther Peck

ЖИВОЙ! Свободный акварельный цветочный букет сегодня в 12:30 по восточному времени — блог The Frugal Crafter

Привет, друзья! Я чувствовал необходимость нарисовать свободный цветочный узор, и это то, что я придумал для сегодняшнего живого урока!

Я нарисовал свой образец на более дешевой бумаге (бумага Aquabee 6 ″ x9 ″ 140 #, на самом деле это 100% хлопок, так что рисование продлится, но вы получите примерно 50 листов за 16 долларов!), Так что не стесняйтесь использовать все, что у вас есть, есть Никакого подъема или чистки, я думаю, подойдет любая акварельная бумага. Кстати, я использую «дешевую» бумагу, но не «плохую, неприятную» LOL! Я буду делать живую демонстрацию на Arches 140 # CP, так что будет интересно посмотреть, есть ли разница в качестве в окончательной картине. Надеюсь, ты сможешь присоединиться ко мне! Не волнуйтесь, если вы не можете присоединиться к игре в прямом эфире, потому что воспроизведение будет доступно в проигрывателе ниже. Если вы настраиваетесь в прямом эфире и хотите пообщаться с другими художниками или задать мне вопросы, вы захотите посмотреть их на странице просмотра YouTube.

Принадлежностей можно приобрести у нашего спонсора Jerry’s Artarama! Используйте код купона: frugal20FS49 со скидкой 20% на $ 49 + бесплатная доставка (исключая: распродажи, супер-распродажи, подарочные карты, покупки, пробные версии и товары, ограниченные продавцами). Найдите зеленый значок, соответствующий условиям купона, в списке продуктов.

Припасы:

• Акварель (я использую оригинальный набор Ярка Санкт-Петербург / Белые ночи из 24 штук) Цвета и пигменты #, чтобы вы могли заменить их при желании 🙂
  Карминный оттенок PR170: 1, кадмий оранжевый PO36, кадмий желтый средний PY35, изумруд Зеленый PG7, Русский Синий (он же фтало) PB15
• Бумага для акварели (Кстати, образец, который я сделал до живого выступления, был на дешевой акварельной бумаге, там нет подъема или чистки, так что вы действительно можете использовать что угодно, но я буду использовать Arches CP 140 #, разорванный до 6 ″ x9 ″ в живой демонстрации )
• Mimik (faux) squirrel # 4 & # 8 round (они в наборе значений или индивидуально)
• Дополнительно: Dr PH Martins Bleed Proof White и / или белая гелевая ручка
• Другое: скребок для кредитных карт, 2 ведра для воды, бумажное полотенце, распылитель с водой

*** Возможно, вы захотите скотчем или скотчем свою бумагу, но я оставил свою.Заклейте его изолентой, если вы рисуете эту бумагу размером более 6 x 9 дюймов или используете бумагу тоньше № 140.

Я просто хотел вам напомнить…

… что мой новый курс акварели Texture Toolbox: Feathers & Fowl имеет специальную стартовую цену до конца месяца, так что если вы думали о повышении своих навыков с помощью курса среднего уровня, проверьте его, пока он дешевле!

Если вы когда-либо хотели улучшить свои навыки рисования птиц и научиться мягким техникам исправления ошибок в акварельной живописи, попробуйте этот класс! Вы научитесь создавать текстуры от пушистого пуха до гладких водных птиц и тонких перьев.Во время демонстрации лебедя вы узнаете секреты рисования акварелью любого полностью белого объекта. Есть так много всего, что вы можете перенести на рисунки без птиц! Присоединяйтесь к почти 200 ученикам, которые уже записались в этот класс, и выведите свою живопись на новый уровень! Вот что некоторые студенты уже сказали о Texture Toolbox: Feathers & Fowl:

Просто красавица Линдси! Я надеюсь, что смогу воздать должное! Я вижу, где изучение этого пригодится для рисования лилий или даже снеговиков на заснеженных зимних сценах.Спасибо за еще один познавательный, веселый урок! Также с нетерпением жду дополнительных советов по исправлению обезумевших картин! Очень полезно! Но как мне заставить мусорщика вернуть мне картины, которые я объявил слишком далекими?!? Lol Живи и учись! — Линда Фитч

Привет, Линдси! Я наконец-то прошел через первый урок и очень взволнован, чтобы начать этот. Вы прекрасный учитель и подробный, что отлично подходит для такого новичка, как я. -Дайанн Прюитт

Это было весело и приятно, когда мой 5-летний внук знал, что это павлинье перо! -Джессал Стрекер

О, Линдси, это великолепно! Просто просматриваю материалы класса, и я действительно вдохновляюсь.-Элен Легер

Если вы хотите улучшить свои рисунки и навыки создания текстур, работы с эталонными фотографиями и забавных способов исправления ошибок (с использованием пары техник смешанной техники), я рекомендую вам проверить панель инструментов «Текстура: перья и птица» сегодня! Ко всем ссылкам в этом посте должна быть прикреплена скидка 50%, но в противном случае используйте код купона FOWL50, если скидка не появляется автоматически 🙂 Еще раз спасибо за все поощрения по предоставлению этих курсов акварели! 🙂 Надеюсь, ты сможешь рисовать вместе со мной сегодня в 12:30 по восточному времени! до счастливого крафта!

Нравится:

Нравится Загрузка…

Рисование ромашек с использованием негативной акварельной живописи

Я никогда раньше не пробовала рисовать акварелью в негативном космосе. Я видел несколько удивительных картин с этой техникой, и мне понравилось, как она просто помогает объектам на бумаге выделяться, создавая прекрасный трехмерный эффект. Конечно, я предпочел рисовать цветы, а точнее ромашки. Вот и готовая картина.

*** Эта страница содержит партнерские ссылки.***

Когда мне на день рождения подарили ЭТИХ ПРЕКРАСНЫХ КРАСОК , мне просто пришлось попробовать. Я должен сказать, что краски, о которых идет речь, хорошо справились со своей задачей и справились с этой задачей.

Перво-наперво, давайте сделаем набросок!

Вот несколько фотографий ромашек для вдохновения и в помощь. Просто щелкните миниатюру, чтобы увеличить каждое изображение.

Я начал с создания карты для себя.Просто нарисуйте несколько кругов, чтобы увидеть, как я хочу, чтобы цветы были выложены на бумаге. При создании наброска я использую БУМАГУ ДЛЯ ПРОСМОТРА . Обычно я делаю карту на обычной бумаге, а затем кладу сверху кальку и делаю набросок на кальке. Вот моя карта:

Затем я накрываю его калькой и скрепляю все вместе скрепками. На этот раз я сделал набросок, используя SHARPIES , чтобы вы могли лучше видеть, но обычно я бы использовал обычный карандаш №2.

Я начал с того, что нарисовал круг в центре одной из ромашек.

Затем я начал рисовать лепестки по центру. Ниже вы можете увидеть следующие несколько шагов. Я просто заполняю ромашку лепестками, некоторые накладываются друг на друга, некоторые отдельные, все идут вокруг середины и придерживаются круговой отметки на карте внизу. Продолжайте рисовать лепестки, пока цветок не будет готов.

Как только ваш первый цветок будет готов, начните второй.Это также хорошее время, чтобы начать линии для стеблей. Несмотря на то, что третий цветок имеет овальную форму, он находится под другим углом, но основной остается прежним. Нарисуйте середину, в данном случае это будет овал, а затем продолжайте окружать середину лепестками, руководствуясь овальной формой на вашей карте. Добавление нескольких листьев и указание положения стебля значительно упростят вам задачу в дальнейшем.

Сделайте еще один цветок. Для этого цветка я немного поэкспериментировал и сделал лепестки более растрепанными.Они имеют больший диапазон размеров и более неправильную форму. Я обнаружил, что мне это нравится даже больше, чем иметь их все вместе.

Продолжайте работать с каждым цветком, используя карту, чтобы направлять вас. Середина, за которой следуют лепестки, и указание на стебель, плюс, возможно, лист или два.

Еще один цветок. Я считаю, что мне нравится хорошее сочетание цветов, которые обращены лицом к зрителю, и цветов, которые смотрят в сторону.

Для бутонов и цветов, которые отвернуты от вас, начните со стебля и листьев вокруг цветка.Будьте проще: набор зеленых листьев в форме шара. После того, как вы сделаете зеленые части, добавьте лепестки.

Еще несколько цветов, и набросок готов.

Для следующего шага я использовал SALLY’S TRANSFER PAPER . Сначала я приклеил свою WATERCOLOR PAPER к доске с помощью MASKING TAPE . Поверх этого я приклеил только на одной стороне копировальную бумагу, а затем эскиз. Затем я обычным пером перерисовал набросок, перенеся его на акварельную бумагу.

После того, как я снял ленту, удалил эскиз и копировальную бумагу, у меня осталось:

Вот мои прекрасные новые краски и несколько новых кистей.

После переноса скетча я заметил, что коридоры слишком велики на мой вкус. Я стер их маленьким ластиком и нарисовал более мелкие серединки, протягивая к ним каждый лепесток.

С помощью простого МАСШТАБНОГО ЛАСТИКА Я осветил некоторые из более темных линий.

Сначала я взял немного синего и начал рисовать фон. Я аккуратно промыла синюю почти всю картину. Единственные области, которые я оставил полностью нетронутыми, — это лепестки на переднем крае цветка. В некоторых местах края краски немного более жесткие (например, пятна над самым передним цветком), но большинство краев мягкие и размываются прямо над цветами.

Используя немного другой синий цвет, я повторил тот же шаг, за исключением того, что на этот раз я оставил цветок наверху, а передний цветок внизу нетронутым.Опять же, некоторые края более жесткие, особенно вокруг тех областей, которые я хотел немного выделить. Некоторые цветы я закрасил тонким слоем краски. Это очень произвольно, и просто посмотрите, что вам кажется правильным при этом.

Я продолжал добавлять разбавленную синюю краску, давая ей немного подсохнуть между слоями. Каждый раз, когда я добавлял слой синей краски, я оставлял одну область нетронутой. До тех пор, пока, в конце концов, не были выделены все цветы, некоторые из которых были светлее, а некоторые — немного темнее.

Я снова применил очень разбавленные сине-зеленые оттенки. Не забывайте, что стебли считаются частями цветка, на который вы смотрите, поэтому каждый раз, когда я выделял цветок, я делал то же самое с его стеблем.

На этот раз я добавил немного коричневого на фон.

Теперь я добавил немного светло-зеленого цвета на стебли и листья. При работе с этой техникой казалось, что самое главное наносить краску тонкими прозрачными слоями.

Добавьте немного желтого в центры ромашек.

Я добавил немного больше желтого к центрам, чтобы они немного выделялись. Я также добавил тени к стеблям и листьям, используя более темный оливково-зеленый и коричневый цвета.

В качестве завершающих штрихов я использовал очень светло-голубой цвет, чтобы добавить тени и блики на каждый лепесток. Я также использовал немного белого, чтобы добавить группы маленьких пятен на всем протяжении, просто потому что мне понравилось, как он все собрал вместе.

Готово! Осталось аккуратно снять малярную ленту.

В конце концов, усилия того стоили! Мне очень понравился процесс и результат. Кроме того, это хороший пробный запуск для моего гораздо более крупного проекта. Теперь я точно знаю, что хотел бы использовать ту же технику в более крупной акварельной живописи.

Роспись букета цветов — особенный букет!

У нас был план.Я ездил на остров Солт-Спринг на три дня и вместе с мамой и папой каждый день выходил на работу на пленэр. Уже несколько недель было солнечно. Я пошел в Соленый источник и на следующее утро…. Было облачно. И круто. И серый. Действительно. И так продолжалось все три дня. Ах! Но это нас не остановило! Я огляделась в помещении и, хотя я был удивлен выбранным предметом, я решил взять на себя задачу нарисовать букет цветов. Заметьте, никакого старого букета.Это был букет к 65-летию свадьбы мамы и папы (!).

Эта картина букета была непростой задачей. Букет вряд ли получился красочным (а я ведь люблю цвета!). Он состоял в основном из зеленых растений с некоторыми белыми и бледно-желтыми цветами. В нем было ощущение полевых цветов, а не яркого, вертикального, наполненного цветами букета. Это точно была целая куча зелени! Итак, передо мной стояла задача: как обращаться с цветами в букете, который был в основном зеленым и не был вашим обычным букетом!

Я работал пастелью два утра.После второго дня мы все посмотрели на него, и мой отец указал на отсутствие интереса к левой стороне, особенно по сравнению с остальной частью букета. Я согласился. Итак, вернувшись в Викторию, я потратил время, добавляя немного к картине. Я так беспокоился о том, чтобы переборщить! Ближе к концу я внес небольшое изменение. Вы увидите это ниже.

Приступим.

Вернувшись в Викторию, я смотрю на произведение. Я не видел его уже неделю и вижу, что мне нужно изменить или настроить. Например, как упоминалось ранее, я хотел добавить больше интереса и динамизма левой части букета.Я приподнял край вазы и слегка приплюснул эллипс. И в последний момент, как ни в чем не бывало, добавил в таблицу вторую сторону. Я чувствовал, что это поможет картине, и я так думаю.

• Пастели, которые я использовал.
• Пастели, которые я использовал, показаны в черно-белом цвете, чтобы раскрыть три моих основных ценности.

Нарисовать букет цветов, особенно этот букет, было непросто, но проявить себя как художника — значит исследовать грани своего мастерства и знаний.Он подскажет вам, в чем ваши сильные стороны и где вам может потребоваться больше практики. Мне было немного страшно иметь дело с таким маленьким цветом (но, как вы можете видеть, моя картина все еще довольно красочной!), А также с букетом не очень определенных цветов (кроме гладиолусов).

Тоже секрет. Когда наше приключение на пленэре сорвано, действительно ли мне хотелось рисовать? По правде говоря, НЕТ! Мне хотелось забраться в удобное кресло с хорошей книгой. Но я справился с этим искушением и проделал эту работу, и это то, что я чувствовал себя очень хорошо.Процесс покраски (независимо от результата) ПОЛНЫЙ удовольствия! (Вы видели мой недавний блог по этой теме?)

Еще чуть-чуть… ..На третий день мы решили прокатиться и где-нибудь сделать зарисовку, несмотря на серый день. В своем эскизе я работал с тремя значениями, думая, что, возможно, если в эскизе будет достаточно информации, однажды я создам из него картину. Вот набросок:

И еще одно: за два дня, когда я красила букет, мама меня зарисовала !! Вот два ее эскиза.(Позже она добавила краску.)

• Джоан Сибли, набросок Гейл пером и тушью с добавлением акварели.
• Джоан Сибли, набросок Гейл пером и тушью с добавлением акварели.

Весело да ?!

И все на этот раз !! Вы знаете, как я люблю слышать от вас, поэтому, пожалуйста, оставьте комментарий!

До следующего раза,

Гейл

10 знаменитых цветочных картин от Винсента до Уорхола

Элементы природы, такие как животные, деревья и цветы, веками служили плодовитыми мотивами живописи.В зависимости от периода времени цветочных картин часто несли мифологическое, религиозное или медицинское значение. В древнегреческой традиции, например, гвоздика олицетворяла любовь, а плющ олицетворял супружеской верности в средние века. Давняя традиция цветочной живописи распространилась на современную эпоху, а ботанические элементы нашли свое место почти во всех последующих жанрах искусства.

Производство цветочных картин особенно процветало в пятнадцатом и шестнадцатом веках, когда появились первые художники, специализирующиеся на ботанических изображениях.Произведения этого периода обладали высокими декоративными качествами, но также имели символический оттенок, придававший им философский оттенок. В Голландии очень давние традиции цветочной живописи. От реалистичных художественных букетов , созданных в 19 веке до красочных диких подсолнухов Ван Гога, некоторые из самых известных и любимых цветочных картин происходят из « страны тюльпанов» .

В 19 веке, Клод Моне создал свою знаменитую серию картин с водяными лилиями, которая мощно передает постоянно меняющиеся качества естественного света весной, летом, зимой и осенью и вызывает медитативное состояние, которое гипнотизирует зрителей, наблюдая за ними. произведения искусства.Наконец, яркие крупные планы Georgia O’Keeffe и Marc Queen вытаскивают цветы из их естественного окружения, чтобы привлечь внимание зрителей к красоте красочных цветов и уникальной необычности, присущей каждому экземпляру.

Совет редактора : Цветочная картина маслом

Не нужно быть ботаником, чтобы красиво рисовать цветы. Вместо того, чтобы создавать анатомические цветочные картины, гораздо важнее передать качество, ощущение и дух цветов.В этой книге Рид обращает свой умный взгляд и полезные методы обучения рисованию цветов акриловыми и масляными красками. Помимо подробного обсуждения материалов и палитр, вы узнаете немного о цветах и ​​частях цветов в целом, а также о таких техниках рисования, как сухая кисть, скамблинг и пуантилизм. Затем, используя множество примеров и выполняемых заданий, вы научитесь рисовать самые разные формы листьев, прежде чем переходить к конкретному цветочному дизайну и композиции. По мере прохождения глав вы научитесь правильно смешивать значения и цвета для определенных эффектов; композиционные уроки о границах, уроки по размещению предметов и кругозору; и как использовать края, освещение и узоры.

От сложной цветочной композиции 17 века до увлекательной картины Алекса Каца и Марка Куина, написанной маслом из розового масла, мы представляем вам букет цветочных картин, которые заставят вас заново открыть для себя любовь к множеству цветов и форм природы.

Амброзиус Босхарт — Натюрморт с цветами, 1614

Амброзиус Босхарт был одним из первых художников, специализирующихся на цветочной живописи. Он был одним из пионеров рисования высокодетализированных цветочных композиций, обычно изображаемых яркими, и реалистичных букетов из розовых тюльпанов и роз.Его реалистичные цветочные картины обычно писались на меди, очень симметрично и с почти научной точностью. На представленной нами картине изображены белая роза, розовая гвоздика и желтый тюльпан перед корзиной ярких цветов. Поразительная картина символизирует недолгое существование собранных растений и их мимолетную красоту, а также множество недолговечных насекомых, которые разделяют ту же судьбу.

Featured image: Ambrosius Bosschaert — Натюрморт с цветами 1614

Джудит Лейстер — Тюльпан из ее тюльпановой книги, 1643 г.

В середине 1600 года луковица тюльпана стала очень дорогой, поэтому нарисованные изображения этих прекрасных цветов стали удобной и дешевой заменой настоящих образцов.Высокий спрос на специализированных каталогов тюльпанов побудил художницу Джудит Лейстер создать собственную книгу цветов. Хотя она больше всего известна своими потрясающими портретами, голландская художница умела рисовать натюрморты и красивые цветы, что она доказала этой фантастической серией работ.

Просматривайте и исследуйте картины, доступные на Widewalls Marketplace!

Показанное изображение: Джудит Лейстер — Тюльпан из ее тюльпановой книги, 1643

Мэри Кассат — Сирень в окне, ок.1880-83

Один из первых основателей американского импрессионизма Мэри Кассат часто рисовала элементы, тесно связанные с семейной жизнью. Хотя ее картины обычно изображали человеческую фигуру, цветочные букеты и сады также нашли свое место в ее произведениях искусства. Эта ваза из баклажанов, наполненная букетом белой и фиолетовой сирени, написана рядом с открытым окном, скорее всего, в оранжерее рядом с ее мастерской. Картина из ярких цветов — прекрасный образец угловатой беглости и искусной академической живописи художника.

Featured image: Мэри Кассат — Сирень в окне, ок. 1880-83, via metmuseumorg

Винсент Ван Гог — Натюрморт ваза с двенадцатью подсолнухами, 1888 г.

Подсолнухи — основная тема двух отдельных серий Ван Гога картин маслом на холсте и один из самых распространенных мотивов в творчестве известного голландского художника. Эта картина под названием Натюрморт «Ваза с двенадцатью подсолнухами » принадлежит к его серии картин в Арле, созданной в 1888 году.Он нарисовал в общей сложности четырех вариантов этой вазы , и эта последняя версия была переработана художником, чтобы включить дополнительные цветы. Таким образом, несмотря на то, что она носит название « Натюрморт« Ваза с двенадцатью подсолнухами », на этой конкретной картине изображено в общей сложности 15 цветов».

Показанное изображение: Натюрморт ваза с двенадцатью подсолнухами, 1888

Клод Моне — Кувшинки, 1919

Одна из самых известных и любимых серий цветочной живописи в истории искусства, безусловно, Клода Моне потрясающая серия Водяные лилии .На этих картинах, изображенных в виде бесплодной, почти бесконечной водной глади, изображен цветник Клода Моне в его доме в Живерни. Художника привлекла способность водного растения отражать солнечный свет, поэтому он создал серию картин, показывающих трансформацию цветка и окружающего пруда в разное время дня и в разные сезоны года. Его кувшинки варьировались от фигуративных до абстрактных, открывая дверь для дальнейшей абстракции в живописи. Эта картина, законченная в 1919 году, была подписана и продана самим художником, в то время как многие другие работы из той же серии остались незавершенными.

Изображение: Клод Моне — Кувшинки, 1919

Джорджия О’Киф — Красный мак, 1927 год

За свою карьеру Джорджия О’Киф создала более 200 исключительных цветочных картин. Художник, который до 1918 года работал преимущественно акварелью, почти полностью обратился к живописи маслом на холсте и вскоре начал создавать крупные цветочные формы с близкого расстояния, как если бы они были видны через увеличительное стекло. Эта поразительная картина «Красный мак» , датированная 1927 годом, является прекрасным примером крупным планом Джорджии О’Киф.Очаровательная крупномасштабная картина отмечена яркими красными и оранжевыми тонами, которые привлекают зрителя непосредственно к произведению искусства. В 1992 году почтовое отделение США решило отдать дань уважения великому деятелю искусства, выпустив серию марок по мотивам этой картины.

Избранные изображения: Джорджия О’Киф — Красный мак 1927

Эмиль Нольде — Пионы и ирисы, 1936 г.

Когда художник-экспрессионист Эмиль Нольде и его жена переехали в немецкую землю Шлезвиг-Гольштейн, они были немедленно очарованы красочными садами в этом районе.Эти поля, усыпанные желтой рудбекией, драгоценными камнями и георгинами, и ярко-розовыми розами кардинально изменили стиль рисования Эмиля Нольде. С этого момента он начал рисовать на холсте многочисленные цветочные композиции с мощными и эмоциональными всплесками ярких красок и акварелей. Его знаменитая картина « Пионов и Ирисы » прекрасно передает красоту современного сада.

Избранные изображения: Эмиль Нольде — Пионы и ирисы 1936

Энди Уорхол — Цветы, 1970

Известный поп-художник Энди Уорхол часто обращался к цветам в поисках вдохновения для рисования и изображал самые разные виды, от белых маргариток до японской икебаны.Его серия цветочных картин 1964 года особенно поразительна, поскольку он использовал новаторскую технику и яркие цвета, чтобы подчеркнуть гибкую форму цветка гибискуса.

Ознакомьтесь с интересной подборкой работ Энди Уорхола!

Хотя это и сопровождалось спорами, поскольку фотограф, чьи работы послужили основой для цветочной серии, пытался подать в суд, эта серия картин продолжала процветать в течение следующих 20 лет. За эти два десятилетия Энди Уорхол создал множество парящих цветов в разных цветовых схемах и с разными уровнями абстракции, включая картину 1970 года акриловыми красками и шелкографией под названием Flowers.

Показанное изображение: Энди Уорхол — Цветы, 1970

Алекс Кац — Красные розы с синим, 2001

Американский художник Алекс Кац известен своим исследованием трехмерного пространства с его упрощенными портретными и пейзажными изображениями. Впервые он создал цветочную картину в конце 1960-х годов, когда художник изобразил необычный цветок крупным планом. В начале 2000-х он начал в изобилии рисовать цветы и создавать произведения искусства, похожие на его работы 1960-х годов.В 2001 году плодовитый художник покрыл большой синий холст цветами роз, чтобы создать одно из своих лучших цветочных произведений под названием « красных роз с синим».

Показанное изображение: Алекс Кац — Красные розы с синими 2001 через sothebys.com

Марк Куинн — Радиоактивные питомники Энцелада (в ночном саду), 2010 г.

Очаровательные и яркие цветы также часто встречаются в произведениях искусства Marc Quinn . Британский художник изобразил всевозможные цветы, в том числе ирисы, антуриумы подсолнечника и орхидеи.Его увлечение флорой началось в 2000 году, когда он создал свою знаменитую инсталляцию Garden , наполненную многочисленными скульптурами из замороженных цветов. Но Марк Куинн также сделал серию цветочных картин и рисунков, один из которых нашел свое место в нашем списке. Радиоактивные питомники Энцелада (в ночном саду) Картина — гиперреалистичное изображение клубники и ярких цветов в полном цвету. Картина одновременно изображает желание художника спасти окружающую среду и потребность человека управлять ею.

Показанное изображение: Марк Куинн — Радиоактивные питомники Энцелада (в ночном саду) через marcquinn.com; Все изображения через Википедию, если не указано иное

Омар Ортиц – картина маслом на полотне.

Пол Кадден – картина точечным карандашом на бумаге.

Камалки Лауреано – акриловые краски на холсте.

Грегори Тилкер – картина маслом на холсте.

Ли Прайс – картина маслом на полотне.

Бен Вайнер – картины красок.

Рон Мюэк – скульптура, смешанные материалы.

Ким Джи-Юн – карандаш.

Кристина К. – рисунок на затушеванной коричневой бумаге.

Рэй Хэйр – картина акрилом на холсте.

Дэйзи – уголь.

Алиса Монкс – маслом на полотне.

Педро Кампос – маслом на холсте.

Дирк Дзимирски – графитом на бумаге.

Томас Арвид – картина жикле ограниченного издания на холсте.

Рафаль Буйновски – черно-белая краска. Буйновски нарисовал фотореалистичный автопортрет черно-белой краской, сфотографировал его и вставил в заявление на получение визы в США. Консулы не заметили ничего, в итоге художник получил паспорт с копией собственного рисунка.

Пол Кадден – карандашом на бумаге.

Робин Элей – маслом на бельгийском полотне.

Сэмюэл Силва – шариковой ручкой.

Готтфрид Хельнвайн – маслом и акрилом на холсте.

Франко Клан – карандашами на акварельной бумаге.

Келвин Окафор – графитовыми карандашами.

Эмми Робинс – цветными карандашами на чертежной бумаге.

Майк Бэйн – маслом на деревянной панели.

Роберт Лонго – углем на объемной бумаге.

Диего Фацио – угольным карандашом.

Брайан Драри – маслом на дереве.

Смотрите также:
«У вас лицо на ноге»: польский художник делает татуировки лучше фотокамеры,
Абсолютная иллюзия: как уличный художник по прозвищу Vile «ломает» стены,
Вдохновляемый хаосом: жуткий сюрреализм Фульвио Ди Пьяцца,
27 потрясающе реалистичных картин акварелью от художника Маркоса Беккари

А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

Watercolor Studio — превращаем фотографии в картины акварелью

Одно время были очень популярны программы для стилизации изображений под картины акварелью, маслом и карандашом. Ныне интерес к редакторам подобного рода несколько поугас, хотя наиболее известные из них по-прежнему пользуются популярностью. Менее привлекательными они становятся не только по мере утраты новизны идеи, но также по причине определенной схожести — эффекты во многих таких редакторах едва ли не дублируют друг друга.

Не такова Watercolor Studio, программа для имитации акварели, созданная разработчиками компании JixiPix Software.

Создаваемые ею эффекты качественно отличаются от того, что предлагают другие подобные инструменты. Обработанные в программе изображения выглядят максимально естественно и натурально, и всё это благодаря продуманной системе рендеринга, отражающей самую суть акварели как техники живописи. В зависимости от изображенного на фотографии, имитируемые краски выглядят то мягкими и воздушными, то плотными и насыщенными, как это свойственно акварели, и даже подтеки программа оставляет на изображении будто на настоящем холсте.

При всём этом Watercolor Studio отличается простотой использования, для работы в ней вам не понадобится особого опыта, разве что более или менее развитого чувства стиля и цвета. По большому счету, всё что от вас требуется, это загрузить в программу изображение и применить к нему один из более чем 30 готовых пресетов. Шаблоны в программе имеет свои настройки. Перетаскивая ползунки на правой панели инструментов, вы можете корректировать детализацию, яркость, контрастность, цветность и другие параметры.

Редактором поддерживается выбор режима (портретный и пейзажный), выборочное затемнение и осветление участков изображения кистью. Особое внимание следует уделить выбору и настройке подложки — холста, а также слоям, позволяющим добавлять на изображение такие эффекты как подтеки, водяные пятна и т.п. Эффекты можно суммировать, накладывая друг на друга разные слои и сохранять в виде пользовательского шаблона для последующего быстрого применения. Результат вас не разочарует, картинки получаются просто загляденье.

Для скачивания фоторедактор доступен на официальном сайте разработчика jixipix.com/watercolor-studio/details.html, установочный файл включает плагин для Photoshop. Распространяется приложение на платной основе (в сети есть леченные версии), в виде демоверсии не поддерживающей сохранении обработанных изображений на диск. Watercolor Studio программа довольно требовательная к системным ресурсам, работает она только на 64-битных Windows, учитывайте этот момент.

Художественная обработка фотографии

Печать фото на холсте с художественной обработкой — это создание из вашей фотографии настоящей картины, написанной художником. Современные методы обработки холста позволяют добиться полной реалистичности картины. Покрытие текстурным гелем создает эффект мазка, объемность и вид настоящего художественного произведения. Обработка фотографии сделает ваше фото безупречным, подчеркнув необходимые детали, улучшив цвет и правильно расставив акценты. Все графические работы выполняются вручную.

По вашему желанию художественная обработка может быть выполнена в стиле поп-арт, под карандашный рисунок, акварель. Цветную фотографию можно сделать черно-белой и наоборот. Можно «состарить» современное фото и совсем по-новому сделать старую фотографию.

Прежде чем напечатать любую фотографию на холсте, предварительно ее нужно обработать. Для этого у нас есть целый штат дизайнеров, которые готовы превратить любую фотографию в произведение искусства! Современные методы обработки холста позволяют не только добиться полной реалистичности, но и удовлетворить любые ваши запросы. Для того, чтобы получить макет обработанной фотографии вам нужно: отправить нам изображение, которые хотите обработать, и сформулировать, какой конечный продукт вы хотите увидеть. Затем мы вам вышлем первые макеты, которые вы можете подкорректировать до его утверждения. Для вашего же удобства, внизу представлены самые популярные виды обработки фотографий с кратким описанием, что они из себя представляют.

Виды художественной обработки

Обработка в стиле «Акварель»

Сделайте из любой фотографии настоящие произведения искусства! Акварельная обработка позволяет придать не только акварельные тона, но создать структуру картины, как будто вам ее нарисовали на заказ. Это обработка особенно популярна на портретах и пейзажах. Вы всегда можете сообщить нашим менеджерам, какой именно хотите наложить эффект.

Примеры обработки картин в стиле «Акварель»

Обработка в стиле «Аниме Арт»

Этот вид обработки назван в честь аниме, потому что он превращает любую фотографию, в мультяшный арт! Такой эффект идеально подойдет для фанатов аниме! Если Ваше чадо обожает японские мультфильмы, то подарите ему холст, где он изображен в стиле аниме! Это будет отличный подарок!

Пример обработки картины в стиле «Аниме Арт»

Обработка в стиле «Аппликация»

Данный эффект, выделяет все крупные фигуры на фотографии, тем самым создает впечатление, что все это наклеено. Такой эффект лучше всего смотрится на контрастных фотографиях, а так же там, где много крупных объектов. Картину с таким эффектом всегда можно подарить близкому другу или второй половинке.

Пример обработки картины в стиле «Аппликация»

Обработка в стиле «Бьюти Арт»

Данный эффект придает фотографии «клубную» атмосферу, обесцвечивая фон и добавляет «кислотные» оттенки разных цветов. Такую картину всегда можно подарить Вашему ребенку, знакомой или подруге, которая обожает проводить время в клубах.

Пример обработки картин в стиле «Бьюти Арт»

Обработка в стиле «Витраж»

Витражи по всему городу завораживает и приковывает взгляды миллионы людей. Данный эффект позволяет вам увидеть ваше изображение, если бы оно было бы нарисовано на витражном стекле! Такой эффект отлично пойдет для старых фотографий или же для авторских работ.

Пример обработки картины в стиле «Витраж»

Обработка в стиле «Гранж»

Данный эффект очень похож на стиль музыки, он делает картину старой, выцветший и специально ее «пачкает». С помощью этой обработки, вы можете состарить фотографию, и придадите ей некую «антикварность». Такие картины всегда хорошо смотрятся в классическом стиле, где среди мебели присутствуют «массивные» деревянные изделия.

Пример обработки картин в стиле «Гранж»

Обработка в стиле «Вписать в портрет»

Сделайте уникальный подарок, поместив лицо вашего начальника или родственника, в портрет военачальника! Данный эффект можно применить на любом фоне, будь то картина 18 века или современная фотография! Такая картина будет отличным подарком для любого человека, который позволит продемонстрировать ваше отношение к нему и чувство юмора!

Обработка в стиле «Замена фона»

У всех есть фотография, где Вы отлично получились, но фон желает оставлять лучшего. Данный эффект позволит вам переместить себя или ваших знакомых куда угодно, будь то магический лес или райский берег на островах! Это будет отличным подарком для Вашей второй половинки!

Пример обработки картин в стиле «Замена фона»

Обработка в стиле «Магический Арт»

Этот эффект позволяет вам до неузнаваемости изменить фотографию! Здесь используется в изобилие яркие цвета, которые придают картине атмосферу магического мира! Он заставит, с виду обычную фотографию, превратиться в нечто неописуемое и неповторимое!

Пример обработки картин в стиле «Магический Арт»

Обработка в стиле «Под карандаш»

Все любят портреты, особенно которые выполнены карандашом. Данный эффект позволяет сделать из вашего портрета, настоящую зарисовку! Ее можно выполнить как в черно-белом стиле, так и в цветных тонах. Такой подарок будет отлично смотреться где угодно!

Пример обработки картин в стиле «Под карандаш»

Обработка в стиле «Поп Арт»

Поп арт — это направление где в качестве основного предмета использованы продукты повседневного потребления, которые окрашены в яркие цвета! На сегодня, это самая популярный эффект, особенно среди молодежи. Такой холст, будет отлично смотреться, если ваша квартира выполнена в этом же стиле!

Пример обработки картин в стиле «Поп Арт»

Обработка в стиле «Портрет из слов»

Данный эффект позволяет придать вашему портрету шарм, красивая каллиграфия будет находиться заменять фон, что дарит картине, совершенно новую атмосферу. Такие картины получаются очень «легкими».

Пример обработки картин в стиле «Портрет из слов»

Обработка в стиле «Черно-белое в цвет»

Многие хотели бы посмотреть, как выглядят черно-белые фотографии в цвете, благодаря нам это стало возможно! Вы можете нам прислать черно-белую фотографию, и мы превратим ее в произведение с цветом! Особенно это популярно со старыми фотографиями! Такой подарок, всегда можно подарить родителям или бабушка и дедушкам.

Пример обработки картин в стиле «Черно-белое в цвет»

Рисунки из цветов и акварели от Лимзи (30 фото)

Художница Лим Цзи Вэй, более известная под псевдонимом Лимзи (Limzy), с помощью акварели и свежих цветов создает невероятно живые и нежные произведения искусства. С ее легкой руки обычный акварельный рисунок становится красочной инсталляцией, где изысканные женские образы дополняются цветочными лепестками и бутонами, превращающимися в пышные длинные платья, балетные пачки и оборки юбок.

Родилась талантливая девушка в Малайзии, в 16-летнем возрасте переехала в Сингапур, где через несколько лет стала выпускницей Академии изящных искусств Наньяна. После окончания учебы Лимзи работала учителем рисования. Когда рабочий день заканчивался, она спешила домой воплощать свои креативные идеи в реальность. На рисование больших картин у художницы времени не оставалось, поэтому ей приходилось довольствоваться выражением своего вдохновения в создании небольших рисунков, украшенных различными необычными элементами, в том числе и цветами. Творческий процесс дарил ей колоссальное удовольствие, а плоды ее трудов вызывали огромный интерес у зрителей. Сегодня Лим все свое время посвящает любимому делу, создавая все более красивые картины.

Идея создания последней и, пожалуй, самой прекрасной серии фотоиллюстраций – акварельных рисунков с добавлением живых цветов – пришла к художнице, когда она размышляла над подарком для своей бабушки. Лим прикрепила несколько лепестков роз к книжной закладке, сделав из них платья для нарисованной девушки. Тогда и началась цветочная история, над которой талантливая мастерица продолжает активно работать.

Художница Лим Цзи Вэй уверена, что найти искусство можно не только в дорогих галереях.

Вдохновение Лимзи черпает из различных источников – природы, мира искусства, культурных событий и жизни обычных людей. Так одна из работ была создана после вручения премии Оскар в 2014 году – с помощью цветочного искусства она изобразила кенийскую актрису Люпиту Нионго, которая появилась на церемонии в голубом платье от Prada. Другая картина посвящена главной героине недавно вышедшего фильма «Малефисента», которую сыграла Анджелина Джоли.

Работы малазийской художницы получаются настолько живыми и легкими, что возникает ощущение летней свежести, а благодаря фотографиям, которые, по словам Лимзи, словно капсулы, останавливают время, ее творения будут жить вечно.

Свою страничку в Instagram (lovelimzy) девушка называет галереей, где она посредством искусства может передать каждому гостю кусочек счастья. На сегодняшний день профиль Лим имеет более 70000 подписчиков, которые покорены ее талантом создавать нежные и оригинальные цветочные инсталляции, сочетая акварель и лепестки живых цветов. Получать новые порции вдохновения от творчества Лимзи также можно в блоге художницы или на ее странице в Facebook.

Урок по эффектам акварельной живописи в Photoshop

Автор Стив Паттерсон.

В этом уроке по эффектам Photoshop мы узнаем, как легко сделать фотографию более похожей на акварельную картину . Этот фотоэффект лучше всего работает с изображениями, где сохранение насыщенных цветов и сильного контраста важнее, чем сохранение каких-либо мелких деталей, поскольку с этим эффектом вы потеряете много деталей.

Создание эффекта так же просто, как дублирование некоторых слоев, применение нескольких фильтров и использование нескольких различных режимов наложения слоев, и все это занимает всего пару минут от начала до конца. Обратите внимание, что это руководство было написано для Photoshop CS5 и более ранних версий. Пользователи Photoshop CC и CS6 захотят подписаться на мою обновленную версию, которая также включает видео с пошаговыми инструкциями.

Вот изображение, которое я буду использовать для этого урока:

Исходное фото.

А вот как это будет выглядеть после применения нашего эффекта акварельной живописи:

Окончательный эффект акварельной живописи.

Чтобы посмотреть видео этого урока, посмотрите наш Эффект акварельной живописи Photoshop на YouTube. Давайте начнем!

Загрузите это руководство в виде готового к печати PDF-файла!

Шаг 1. Трижды продублируйте фоновый слой

С изображением, недавно открытым в Photoshop, если мы посмотрим на нашу палитру слоев, мы увидим, что в настоящее время у нас есть один слой, фоновый слой , который содержит наше изображение:

Палитра слоев в Photoshop, показывающая изображение на слое Background .

Нам нужно создать три копии слоя Background , поэтому используйте сочетание клавиш Ctrl + J (Win) / Command + J (Mac) три раза, чтобы дублировать слой Background три раза. Если мы снова посмотрим на нашу палитру слоев, то увидим, что теперь у нас есть четыре слоя, с исходным слоем Background внизу и тремя копиями над ним:

Нажмите «Ctrl + J» (Win) / «Command + J» (Mac) три раза, чтобы дублировать слой Background три раза.

Шаг 2. Отключите два верхних слоя

В крайнем левом углу каждого слоя палитры слоев вы увидите маленький значок в виде глазного яблока. Это значок «Видимость слоя», который определяет, отображается ли в данный момент слой в документе Photoshop. Когда значок глазного яблока виден, это означает, что виден сам слой. Щелкните значок для двух верхних слоев в палитре слоев, чтобы временно скрыть их от просмотра внутри документа. Когда вы нажимаете на значок, он исчезает, давая вам знать, что слой больше не отображается:

Скройте два верхних слоя в документе, щелкнув их значки видимости слоя (глазное яблоко).Иконки исчезают при нажатии.

Шаг 3. Выберите «Слой 1»

Когда два верхних слоя временно скрыты от просмотра, щелкните «Layer 1» в палитре слоев, чтобы выбрать его. Вы узнаете, какой слой выбран, потому что текущий выбранный слой выделен синим цветом:

Щелкните «Layer 1» в палитре слоев, чтобы выбрать его.

Шаг 4. Примените фильтр «Вырез»

Первое, что мы собираемся сделать, это упростить наше изображение, и мы можем сделать это с помощью фильтра Photoshop «Cutout». Выбрав «Слой 1», перейдите в меню «Фильтр» вверху экрана, выберите «Художественный», а затем выберите «Вырез».

Когда появится диалоговое окно фильтра Cutout, установите Number of Levels на 4, Edge Simplicity на 4 и Edge Fidelity на 2:

Перейдите в Фильтр> Художественный> Вырезать и измените параметры, обведенные красным выше.

Нажмите OK, когда закончите, чтобы применить настройки и выйти из диалогового окна.

Шаг 5: Измените режим наложения «Layer 1» на «Luminosity».

Не снимая выделения с «Layer 1», перейдите к параметрам Blend Mode в верхнем левом углу палитры Layers.По умолчанию для слоев установлен режим наложения «Нормальный». Щелкните стрелку, направленную вниз, справа от слова «Нормальный» и выберите режим наложения «Яркость» в нижней части списка:

Измените режим наложения «Layer 1» с «Normal» на «Luminosity».

Теперь ваше изображение должно выглядеть примерно так:

Изображение после изменения режима наложения «Layer 1» на «Luminosity».

Шаг 6. Включите слой выше «Layer 1» и выберите слой

По-прежнему в палитре «Слои» щелкните внутри пустого квадрата, где значок глазного яблока раньше находился на слое непосредственно над «Слоем 1» («Копия слоя 1»), чтобы снова включить этот слой, чтобы он снова стал видимым внутри документа.Однако повторное включение слоя на самом деле не выбирает слой, и нам нужно, чтобы он также был выбран, поэтому, как только вы снова включите слой, щелкните в любом месте на «Копии слоя 1», чтобы выбрать его, чтобы он был выделен синим цветом:

Щелкните значок видимости (пустой квадрат) для «Копия слоя 1», чтобы включить его, затем щелкните в любом месте слоя, чтобы выбрать его.

Шаг 7. Нанесите фильтр «Сухая кисть»

На этом этапе мы собираемся добавить текстуру нашему изображению.Выбрав «Слой 1 копия» и снова видимый внутри документа, вернитесь в меню «Фильтр» в верхней части экрана, снова выберите «Художественный» и на этот раз выберите «Сухая кисть». Когда появится диалоговое окно фильтра «Сухая кисть», установите Размер кисти на 10, Детализация кисти на 10 и параметр Текстура на 3:

Перейдите в Фильтр> Художественный> Сухая кисть и измените параметры, обведенные красным выше.

По завершении нажмите «ОК», чтобы применить фильтр и выйти из диалогового окна.

Шаг 8: Измените режим наложения слоя на «Экран»

Не снимая выделения с «Копия слоя 1», снова перейдите к параметрам режима наложения в верхнем левом углу палитры «Слои», щелкните стрелку, направленную вниз, справа от слова «Нормальный» и измените режим наложения. для слоя на Screen:

Измените режим наложения «Копия слоя 1» на «Экран».

Теперь ваше изображение должно выглядеть примерно так:

Изображение становится ярче после изменения режима наложения «Копия слоя 1» на «Экран».

Шаг 9: Включите верхний слой и выберите его

Так же, как мы это сделали с «Копией слоя 1» минуту назад, щелкните внутри пустого квадрата, где значок глазного яблока раньше находился на верхнем слое в палитре слоев («Слой 1 копия 2»), чтобы снова включить слой и сделать его снова видимым внутри документа. Затем щелкните где-нибудь еще на слое, чтобы выделить его синим цветом:

Снова включите верхний слой, щелкнув его значок «Видимость слоя» в палитре «Слои», затем щелкните в любом другом месте, чтобы выбрать слой.

Шаг 10: Применение фильтра «Медиана»

Выделив верхний слой и снова видим его внутри документа, вернитесь в меню «Фильтр» в верхней части экрана, на этот раз выберите «Шум», а затем выберите «Медиана». Медианный фильтр удалит еще больше деталей из изображения, и что хорошо в нем, это то, что он делает это без размытия изображения, поэтому края остаются четко очерченными. Когда появится диалоговое окно медианного фильтра, установите значение радиуса внизу на 12 пикселей:

Перейдите в Фильтр> Шум> Медиана и установите для параметра «Радиус» значение «12 пикселей».

По завершении нажмите «ОК», чтобы применить фильтр и выйти из диалогового окна.

Шаг 11: Измените режим наложения верхнего слоя на «Мягкий свет».

Чтобы завершить эффект, не снимая выделения с верхнего слоя, перейдите к параметрам режима наложения в верхнем левом углу палитры слоев, снова щелкните стрелку, направленную вниз, справа от слова «Нормальный» и измените режим наложения слоя на Soft Light:

Измените режим наложения верхнего слоя на «Мягкий свет», чтобы завершить эффект.

После того, как вы изменили режим наложения на «Мягкий свет», все готово!

Вот еще раз мое исходное изображение для сравнения:

Еще раз исходное изображение.

И вот, после применения Медианного фильтра к верхнему слою и изменения его режима наложения на «Мягкий свет», мой последний эффект «акварельной живописи»
:

Окончательный результат акварельной живописи.

Куда идти дальше …

И вот оно! Вот как превратить фотографию в акварельную картину с помощью Photoshop! Посетите наш раздел «Фотоэффекты» для получения дополнительных уроков по эффектам Photoshop!

Как легко превратить ваши фотографии в акварельные картины

Обратите внимание, что этот пост содержит партнерские ссылки.Как партнер Amazon и влиятельные лица Rewards Style, мы зарабатываем на соответствующих покупках, и за любые продажи, совершенные по таким ссылкам, нам будет выплачена небольшая комиссия — без каких-либо дополнительных затрат для вас.

Вы замечаете, что хаос в одной части вашей жизни распространяется практически на все остальное? Нет, это только я? Господи, надеюсь, я не один. Для меня это действительно начинается с одной вещи, которая может разрушить мой обычно чистый дом, организованный календарь или структурированный рабочий день.С каждым днем ​​для меня становится все более очевидным, что мне нужно придерживаться строгого распорядка дня — несмотря ни на что. Это вдвойне важно, потому что у меня есть возможность работать дома. Так что для меня это означает, что мой дом и мое рабочее место в беспорядке. В настоящее время я составляю для себя план, которым поделюсь в будущем. А пока я люблю окружать себя красивыми вещами, и я знаю, что вы тоже! Вот как легко превратить ваши фотографии в акварельные картины.

Окружите себя красивыми вещами

Как я это узнаю? На прошлой неделе, когда я поделился своим постом о 4 предупреждающих признаках вашего здоровья — не игнорируйте их , вы были невероятно восприимчивы, ободряли и добры! Я никогда не смогу отплатить вам за вашу щедрость и внимательность. В ваши комментарии и подавляющие ответы по электронной почте было включено ваше любопытство по поводу акварельных картин. Вы хотели знать, откуда они, кто художник, продаются ли они и за сколько! По общему признанию, я был немного польщен 🙂 Честно говоря, это совсем не оригинальное произведение искусства.

Каждая акварель была создана на основе одной из моих собственных фотографий с помощью приложения на моем iPhone под названием Waterlogue.

* ТРЕБОВАНИЯ *

Совместимость с устройствами iPhone, iPad и iPod touch под управлением iOS 7 и выше, планшетами, мобильными и настольными устройствами с Windows 10, FEE в размере 2 долларов США.99 — 3,99 доллара в зависимости от вашего устройства.

Я здесь ничего не продаю … Мне просто очень нравится это приложение.

Как легко превратить ваши фотографии в акварельные картины

• Загрузите приложение Waterlogue. * См. Требования выше *

• Откройте приложение Waterlogue и загрузите фотографию с камеры.

• Ознакомьтесь со всеми различными вариантами фильтров.Поиграйте с ними и получайте удовольствие. Ничего не сломаешь … Обещаю! Это артистизм на кончиках ваших пальцев.

• Когда акварель будет выглядеть так, как вы хотите, вы можете выбрать разные размеры для своей работы, добавить границу, выровнять кривую фотографию и многое другое.

• Самое главное … не забудьте сохранить свой шедевр. Затем вы можете поделиться им с другими или распечатать для отображения.

Разве это не красиво? Изначально я сделал снимок, потому что мне понравилось, как солнечный свет играет с бирюзовым стеклом.После использования приложения Waterlogue оно стало еще красивее.

Я распечатал свои работы на акварельной бумаге, чтобы они выглядели более аутентично. Это абсолютно , а вовсе не .

У меня под рукой была эта бумага, и я решил ею воспользоваться.

В рамке действительно выглядит как настоящая акварель.

Честное предупреждение… это приложение вызывает привыкание! Я использовал его, чтобы сделать карточек мест, воспоминаний об отпуске и приглашений.

Что это за цитата Оскара Уайльда?

Я уверен, что он не говорил об искусственных акварельных картинах 🙂 и акварельных приложениях, но это напомнило мне это произведение искусства. Если разместить их рядом, вы увидите, насколько точна акварель.

Дайте мне знать, если вы попробуете это приложение … Я хотел бы увидеть, что вы создаете! Простите, пока я окружаю себя красивыми вещами.Что еще можно превратить в акварель?

Вот несколько настоящих акварелей, которые я создал. Есть простые инструкции … и я обещаю — вы тоже можете их создать!

Акварельные перья

DIY Акварельный венок

фото до акварельной живописи с помощью AKVIS Акварель: как это работает

Как пользоваться программой

AKVIS Акварель позволяет превратить фотографию в акварельный рисунок.Программное обеспечение может использоваться независимо как отдельная программа или как плагин , фильтр в редакторе фотографий.

Чтобы создать акварельный рисунок из вашей фотографии, следуйте этим инструкциям:

• Шаг 1. Откройте изображение.

  — Если вы работаете с автономной версией:

  Диалоговое окно Select File to Open появляется, если дважды щелкнуть пустое рабочее пространство программы или щелкнуть затем.Используйте горячие клавиши: Ctrl + O в Windows, ⌘ + O на Mac. Вы также можете перетащить необходимое изображение в рабочую область программы.
  Автономная программа поддерживает форматы файлов JPEG , RAW , PNG , BMP и TIFF .

  — Если вы работаете с плагином:

  Откройте изображение в фоторедакторе, вызвав команду Файл -> Открыть .

  Вызвать плагин из меню редактора:

  В AliveColors : Эффекты -> AKVIS -> Акварель;
  в Adobe Photoshop : Фильтр -> AKVIS -> Акварель;
  в Corel Paint Shop Pro : Эффекты -> Плагины -> AKVIS -> Акварель;
  в Corel Photo-Paint : Эффекты -> AKVIS -> Акварель.

  
  AKVIS Акварельное окно
• Шаг 2.В автономной версии перед применением эффекта акварели вы можете обрезать ненужные области изображения и улучшить его композицию с помощью инструмента Crop .
  Если вы используете плагин, вы можете сделать это в своем редакторе изображений.
  Инструмент для обрезки
• Шаг 3. Настройте параметры эффекта акварели на вкладке Painting .

  Используя вкладку Abstract Art , вы можете изменять форму и цвет объектов, придавая им уникальный и фантастический вид.

  Вы можете выбрать один из пресетов или установить параметры по своему вкусу.

  Результат будет немедленно показан в окне быстрого предварительного просмотра, которое отображается на вкладке До , если нажата кнопка на Панели инструментов.

  
  Окно предварительного просмотра
• Шаг 4. Нажмите кнопку, чтобы преобразовать все изображение в акварельную картину с выбранными настройками.Чтобы прервать процесс, нажмите кнопку Stop справа от индикатора выполнения.
• Шаг 5. Для расширенных лицензий (Home Deluxe / Business) можно улучшить результат автоматического преобразования с помощью инструмента Stroke Direction , который помогает изменять направление штрихов.

  Нарисуйте направляющие линии и щелкните для повторной обработки изображения.

  
  Автоматические ходы
  переориентированные штрихи
• Шаг 6.Чтобы сделать ваше произведение искусства еще более реалистичным и по-настоящему впечатляющим, вы можете использовать параметры Decoration : Canvas , Frame и Text .

  Подсказка: порядок применения декоративных эффектов зависит от положения вкладок. Перетащите вкладки, чтобы изменить порядок.

  
  Акварельная живопись + холст
• Шаг 7. Если вам нравятся ваши новые настройки, вы можете сохранить их как предустановки и использовать позже.Введите имя предустановки в поле Presets и нажмите Save . Когда создается новый пресет, он будет доступен на всех трех вкладках и будет содержать их настройки.
• Шаг 8. Вы можете добавить последние штрихи к своей акварельной картине с помощью инструментов постобработки ,,, доступных в рамках лицензий Home Deluxe / Business на вкладке After .

  Внимание! Используйте эти инструменты на последнем этапе.Если вы снова запустите обработку, изменения, сделанные с помощью инструментов, будут потеряны!

• Шаг 9. Поделитесь своим произведением искусства, нажав на. Он открывает список сервисов, в которых вы можете опубликовать изображение.

  В автономной версии вы также можете распечатать свою акварельную картину с помощью.

• Шаг 10. Сохраните обработанное изображение.

  — Если вы работаете с автономной версией:

  Щелкните, затем, чтобы открыть диалоговое окно Сохранить как .Вы можете использовать горячие клавиши: Ctrl + S в Windows, ⌘ + S на Mac. Введите имя файла, выберите формат ( TIFF , BMP , JPEG или PNG ) и укажите целевую папку.

  — Если вы работаете с плагином:

  Нажмите кнопку, чтобы применить результат и закрыть окно плагина. Плагин AKVIS Акварель закроется, и изображение появится в рабочей области редактора фотографий.

  Вызовите диалоговое окно Сохранить как с помощью команды Файл -> Сохранить как , введите имя файла, выберите формат и укажите целевую папку.

  
  Акварель по фотографии

Акварель v. 5.5 — Бесплатная 10-дневная пробная версия

Facebook

Твиттер

Pinterest

Эффект акварели в Affinity Photo

Используя Affinity Photo, вы можете превратить любые свои фотографии в красивые акварельные картины! С помощью этого простого эффекта вы заставите друзей задуматься, когда они увидят ваши фотографии.

В этом уроке мы будем использовать это пейзажное фото.

В дополнение к этому письменному руководству вы также можете посмотреть наш видеоурок по этому эффекту акварели.

Первое, что нам нужно сделать, это продублировать наш фоновый слой, что мы можем сделать, нажав Command J (Mac) или Control J (ПК).

Затем мы поднимемся вверх к Filters , Detect , Detect Edges .

Сейчас наша фотография выглядит довольно странно.

Если мы изменим режим наложения нашего слоя с Normal на Subtract , то мы начнем видеть желаемый эффект.

Чтобы усилить эффект, мы собираемся применить пару корректирующих слоев. Нажмите значок Adjustment .

Затем примените Brightness and Contrast Adjustment .

Я немного увеличу яркость и контраст .

Затем мы применим корректировку тонирования .

С помощью этой настройки я добавлю немного красного в Highlights , а затем добавлю немного фиолетового в Shadows .

Чтобы цвета стали еще ярче, я применю коррекцию HSL .

Затем я немного увеличу насыщенность .

На данный момент некоторые части нашей фотографии выглядят слишком темными, особенно наш замок.

Чтобы исправить это, мы собираемся применить Curves Adjustment .

Увеличьте яркость наших теней, подняв левый нижний угол кривой вверх.

Однако мы не хотим, чтобы все было ярче, поэтому мы собираемся опустить середину кривой вниз.

Вы можете уточнить, где применяется корректировка кривых, закрасив черным цветом те части фотографии, к которым эта корректировка не требуется.

Просто нажмите B для Paint Brush Tool и убедитесь, что у вас 0% Hardness во время рисования, чтобы мазки кисти были мягкими и незаметными.

Если вы хотите узнать больше о маскировании корректирующих слоев, вы можете ознакомиться с нашим руководством для начинающих по Affinity Photo, где мы рассмотрим эти методы более подробно.

Наша фотография выглядит хорошо, но мы собираемся сделать еще несколько вещей, чтобы улучшить эффект.

Первое, что мы собираемся сделать, — это смягчить фотографию и помочь цветам лучше сочетаться друг с другом. Для этого щелкните правой кнопкой мыши любой из наших слоев и выберите Merge Visible .

Затем, выбрав наш объединенный слой, мы изменим его Blend Mode на Soft Light .

Теперь нам просто нужно применить к нему фильтр. Нажмите значок Filters .

Выберите Gaussian Blur Filter .

В диалоговом окне немного увеличьте радиус .

Но теперь наша фотография снова выглядит немного темной, поэтому я собираюсь применить еще одну коррекцию Curves Adjustment , чтобы осветлить тени на нашей фотографии.

Затем отрегулируйте кривую так же, как и раньше.

Если настройка недостаточно сильная, вы можете продублировать ее, нажав Command J (Mac) или Control J (ПК).

На дубликате я закрашу черным те части фотографии, которые, как мне кажется, стали слишком яркими.

После работы со всеми этими настройками и фильтрами наше изображение выглядит красивым и акварельным.

Отличная работа, художник ты!

Рисование акварельных портретов: простой подход от фотографии до конца

Нарисуйте кого-нибудь особенного. Получите немедленные результаты, используя удобный для новичков четырехэтапный метод Яна от фотографии до конца.

ПРОСМОТР DVD

Ян Кунц наглядно демонстрирует и объясняет, как писать портрет акварелью.Вы увидите весь процесс рисования от начала до конца, включая ярлыки и советы по достижению подобия. В этом фильме вы узнаете о:

• Фотосъемка ресурсов, содержащих необходимые, тонкие детали и существенные изменения ценностей, необходимые для успеха
• Выделение и лепка лицевых плоскостей для обеспечения сходства
• Ярлыки, такие как фотокопии, для доступа к шаблонам значений
• Правильное изменение вашей ценности с помощью правила 40% Яна
• Выбор цветовых смесей для кожи
• Уловки и инструменты для придания блеска волосам
• Как нарисовать «блестящие» глаза
• Рисование правильного внешнего вида рта и зубов
• Где нанести последние тени для трещин, чтобы оживить вашу картину
• Объединение всей картины с фоновыми цветами. Инструкция Яна ясна и логична. Вы поймете, почему, а также как делать каждый шаг.

Ограниченные навыки рисования не остановят вас в мастерской Яна. Вы научитесь делать отличные эталонные фотографии, а затем обрисовывать и переносить важные формы на бумагу.

Ян Кунц покажет вам все советы и подсказки, которые у нее есть, чтобы помочь вам получить портрет, которым вы можете гордиться. Ян начинает с насыщенной информацией фотографии и демонстрирует все шаги, которые вам понадобятся для достижения успеха.

Эта мастерская избавит любого художника от многих лет проб и ошибок с трудной темой.

Добавьте индивидуальности своему портфолио в Рисование акварельных портретов: простой подход от фотографии к завершению с Яном Кунцем.

БОНУСНЫЙ КЛИП: Точные тени акварелью

О Яне Кунце (из галереи подписей)

Считается одной из великих дам мира акварели, Ян Кунц наиболее известна своими потрясающими портретами и изысканными цветочными мотивами.

С 1980 года Ян ведет мастер-классы по акварели по всей стране и является автором шести книг и четырех видеофильмов по этой теме.

Кунца можно увидеть в галерее Signatures и в частных коллекциях, а также в изданиях, связанных с искусством, включая Southwest Art, The Artist’s Magazine, Australian Artist’s Magazine, а также настольные издания Splash, The Best of Floral Painting и The Artist’s. Трогать.

Около января (от Cheap Joe)

Ян — замечательный художник, особенно в портретной живописи.Проведя первые годы работы в качестве коммерческого художника в Калифорнии, она переехала со своей семьей в Орегон в 1980 году и начала постоянно рисовать акварелью. Она потратила годы на развитие своего уникального стиля и начала проводить семинары по всей территории Соединенных Штатов. Ян является членом Западной академии женщин-художников и опубликовала множество книг по акварельной живописи и, в особенности, рисованию по фотографиям и рисованию портретов.

Щелкните здесь для получения дополнительной информации о фото

Как преобразовать изображение в акварель в GIMP | Small Business

GIMP — бесплатное приложение для редактирования изображений, которое работает в большинстве операционных систем, включая Windows, Mac OS X и Linux.Программное обеспечение позволяет выполнять базовую настройку изображений, включая обрезку, изменение размера и преобразование файлов, а также более сложные процедуры, такие как многоуровневое редактирование, рисование произвольной формы и анимация GIF. Хотя интерфейс прост и понятен, GIMP используют любители и профессионалы. Используя несколько инструментов и эффект фильтра, вы можете превратить цифровой снимок в шедевр, напоминающий акварельную картину.

1

Запустите GIMP и откройте изображение, которое вы хотите преобразовать в акварель.

2

Найдите палитру слоев в правой части экрана. Исходное изображение будет называться «Фон». Щелкните значок «Дублировать слой» в нижней части палитры, чтобы создать новый слой-копию из вашего изображения; он будет называться «Фоновая копия».

3

Щелкните значок «Глаз» слева от первого слоя, чтобы скрыть его. «Фоновая копия» должна остаться в палитре слоев.

4

Выберите инструмент Smudge, представленный значком руки с указательным пальцем, из панели инструментов в верхнем левом углу экрана.Перетащите инструмент по четко очерченным областям изображения, чтобы придать ему водянистый, мечтательный эффект. Повторяйте, пока не добьетесь желаемых результатов.

5

Щелкните вкладку «Фильтр» в строке меню в верхней части экрана. Прокрутите до «Художественный» и выберите «Масляный». Установите ползунок «Размер маски» на значение от 10 до 16, чтобы добиться эффекта акварели. Вы можете изменить это значение для достижения желаемого результата. Щелкните «ОК».

6

На панели инструментов выберите инструмент «Размытие», представленный значком капли воды.Щелкните и перетащите инструмент вокруг любой части изображения, которую вы хотите размыть, чтобы усилить эффект акварели.

7

Сохраните свою работу, когда добьетесь желаемого эффекта. Чтобы сохранить исходный файл, при сохранении не забудьте дать отредактированному изображению другое имя файла.

Ссылки

Ресурсы

Подсказки

• Поэкспериментируйте с различными настройками каждого инструмента перед сохранением работы.
• Придайте своему изображению эффект холста, выбрав «Применить холст» в «Фильтры»> «Художественный».»

Писатель Биография

Брэндон Гетти начал профессионально писать в 2008 году, его колонки появлялись в журнале» Thrasher «. Он получил степень бакалавра литературы в Калифорнийском университете в Санта-Круз и живет в Стоктоне, Калифорния.

Выбор Джен: рисование акварелью по фотографиям

Превратите ваши фотографии в красивые, светлые картины!
Нарисуйте удивительные акварели по фотографиям
Генри У.Диксон

Если картина стоит тысячи слов, акварель может превратить эту картину в чистую поэзию. « Нарисуйте удивительные акварели по фотографиям» покажет вам, как это сделать, шаг за шагом творчески. Внутри вы узнаете, как делать отличные эталонные фотографии людей, мест и вещей, которые вас заинтриговали, и использовать уникальные качества акварели, чтобы превращать их в оригинальные и яркие картины.

Эта книга, наполненная вдохновением для создания безупречных картин, поможет вам воспользоваться вашими справочными фотографиями, избегая при этом распространенных ошибок… делая вашу камеру таким же ценным инструментом искусства, как ваши кисти и краски.

И художник / автор, Генри В. Диксон как раз тот человек, который покажет вам, как это сделать. Работая с ним над этой книгой, я влюбился в его видение того, что делает прекрасную картину. Он умеет видеть красоту в повседневной жизни, и в книге « Paint Amazing Watercolors from Photographs » он делится своим видением и инструкцией о том, как вы тоже можете увидеть мир в новом свете и создать прекрасные картины, отражающие то, что вы видите.

Специальные возможности
• Экспертные инструкции по компоновке, освещению и съемке фотографий, чтобы получить рекомендации, необходимые для создания великолепных картин.
• 18 пошаговых демонстраций рисования, которые проведут вас через весь процесс рисования, от начала до конца
• Нарисуйте популярные предметы, включая людей, пейзажи, архитектуру, натюрморты и интерьеры.
• Советы, чтобы ваши картины выглядели свежими, а не жесткими — одна из основных проблем при работе с фотографиями
• Вдохновение для работы с предметами, которые вы никогда бы не мечтали попробовать, для просто потрясающих результатов

Загрузите демо по рисованию водой из Нарисуйте удивительные акварели из фотографий.

О Генри У. Диксоне
Генри является постоянным членом Национального общества акварелистов, Техасского общества акварелистов, Калифорнийской ассоциации акварелистов, акварельного Запада, Канзасского акварельного общества и ассоциированным членом Американского акварельного общества. Его работы были представлены во многих журналах, включая The Artist’s Magazine и других, а также в книгах, в том числе Splash 5: Best of Painting и других. Его философия рисования заключается в том, чтобы прислушиваться к тихому тихому голосу, который говорит ему: «Картина готова». Посетите henrywdixon.com для получения дополнительной информации о Генри.

«Моя основная цель при рисовании акварелью — представить реальность — не быть фотографической внешне, — а искренне отразить мою реакцию на сцену.Эта искренность — причина моей живописи. Я хочу вызвать у зрителя настроение, эмоции и чувства ».
Щелкните здесь, чтобы узнать, что движет Генри.
Щелкните здесь, чтобы послушать, как Генри рассказывает о «Нарисуйте удивительные акварели по фотографиям».

Ссылки по теме
Просмотрите реальные страницы из Нарисуйте удивительные акварели по фотографиям здесь.

Заказать Нарисуйте удивительные акварели по фотографиям сейчас.

Аквалерист П. Соколов.

Считается первым в России, поэтому его считают прародителем отечественного портрета акварелью. После обучения он занимался масляными работами, однако отказался от них в пользу акварели и достиг с ней небывалого успеха.

 П. Соколов

Также талантливы были работы братьев Брюлловых.

Творения Брюллова оценили еще при его жизни. Художник родился в Санкт-Петербурге, был одинок, но очень востребован. Уже тогда его великолепные акварели стремились скопировать и с удовольствием покупали.

В его творчестве виден налет романтизма, а также рассматриваются нотки классицизма. Его брат больше занимался проектированием. Постепенно количество художников, удачно рисующих акварелью, заметно увеличилось. 

Сергей Алексеев. 

Художник получил надлежащее художественное образование и с 1997 года стал членом Союза Художеств в России. Великолепные работы с изображениями городов, моря, пейзажей выставляются как в России, так и за границей. 

 Акварели Сергея Алексеева

Сейчас Алексеева считают лучшим в Санкт-Петербурге, он создает невероятные акварели с красивыми видами городских улиц, мостов, набережных. 

Сергей Андрияка.  Преподавание и живопись акварелью.  

 Сергей Андрияка 

Сергей выставляет несравненные работы, а также преподает рисование, как для детей, так и для взрослых. Среди его излюбленных тематик русские деревни и натюрморты.

В каждой картине заметна невероятно детальная проработка каждой мелочи, что помогает достичь безупречной для акварели реалистичности. Он один из немногих в России, кто работает с созданием многослойных акварелей.

Елена Базанова.

Художница уже успела заработать мировое имя. Она не только пишет красивые акварели, но и выполняет иллюстрации для детских книг, сотрудничая с издательствами Санкт-Петербурга.   

Ее работы поражают нежностью, особенной передачей реальности. Многие картины заняли почетные места в коллекциях по всему миру. Елена регулярно участвует в выставках, на ее счету 7 личных выставок и 50 коллективных в России.

Ей нравится работать с акварелью, поскольку она полностью раскрывается в сложных задачах.    

Сергей Курбатов.

Широко известен художник акварелями Сергей Курбатов, поскольку из-под его кисти выходят настоящие шедевры. Отечественный мастер работает в сложной манере «письмо по-мокрому», именно так ему удается показать воздушную среду, ощущение солнечного света. 

 Мастерство Сергея Курбатова

В его картинах есть европейские улочки и виды. Также рисует он и наши города, натюрморты, пейзажи. Современная бумага и краски позволили избежать высокого уровня хрупкости акварельных рисунков.

Игорь Горгоц

Художник родился в Москве и уже имеет массу положительных отзывов, его творчество востребовано. Среди работ художника числятся пейзажи городов, при этом он сохраняет особенную воздушность и легкость, избегая детальной прорисовки. 

 Игорь Горгоц 

Александр Шумцов.

Художник сразу невзлюбил масло, зато проникся любовью к акварельным краскам. Ему не нравилось ждать, пока красители высохнуть, потому как ему нравилось запечатлевать природу и пейзажи быстро, пока не погас интерес к объекту живописи. 

 Александр Шумцов или Аруш Воцмуш

Его необычные работы достаточно быстро раскупаются. Интересно, что он творит только в удовольствие и, если работа «не пошла», художник смело убирает ее и ищет нового вдохновения.

Список известных и востребованных Российских акварелистов огромен. Остается только любоваться плодами творчества лучших и радоваться их одаренности.

Лучшие акварели мира (The 1st World Watercolour Competition)

Ноя 17, 2014

in Полезные статьи по рисованию by Марина Трушникова

Лучшие акварели мира.

Итоги Международного конкурса

 

• Каковы мировые тенденции в искусстве акварели?
• Что ценят в акварели более всего?
• Кто является самым популярным художником в мире?

Пожалуй, лучше всего на этот вопрос ответит I Международный конкурс Акварели (The 1st World Watercolour Competition), проведенный популярным журналом “The Art of Watercolour”.

---

В конкурсе приняло участие 1615 художников. Было представлено 1891 акварель. Жюри отобрало сначала 295 полуфиналистов, а затем 23 финалиста. Призами победителей награждены 7 художников.

---

Работы всех участников  напечатаны в каталоге конкурса.

И это дает замечательную возможность увидеть “лицо” – лучшие акварели 2014 года.

В первую очередь, просмотрев каталог, я увидела следующее:

Лучшие акварели мира: основные тенденции

Пейзажи, как всегда, в большинстве. Особенно городские. И если они как-то необычно поданы, то вполне могут оказаться в финале.

Как эта работа  William Hook, художника из США:

Одной из самых популярнейших тем являются портреты стариков.

Хотелось бы думать, что это от всеобщей любви и уважения к пожилым людям, от интереса к их жизни от желания понять, чем они живут, увидеть отпечаток времени на их лицах.

Вот пара страничек каталога:

А может тема поднимается многими, поскольку художник является отражением общественного сознания. И часто художники отражают в своих картинах острые социальные проблемы…

Да, тема национальных меньшинств и эмигрантов, кстати, тоже частенько всплывает…

Как бы то ни было, среди 7 работ победителей две являются портретами стариков.

Первое место, победитель конкурса – Cheng-Wen Cheng, художник из Тайваня с картиной “Любящая мать”:

Серебряная медаль конкурса досталась китайскому художнику Guan Weixing за картину “Курящий старик”:

Вам уже интересно, кто получил Бронзовую медаль?. .

На третьем месте – (радуйся Поднебесная!) китайский же художник Liu Yi. Полагаю, многие знакомы с его творчеством по композициям с балеринами.

---

Читать в контексте: Секреты мастера акварели Лю И

---

На конкурсе была представлена работа “Китайская девушка”:

Не знаю, как вы, а я вижу в этом хороший знак. Восток и Запад становятся ближе друг другу. Восточные художники пишут в традиционной европейской манере, а европейцы, наоборот, изучают гохуа и суми-е, рисуют гейш и сакуры… Такие примеры в каталоге тоже есть.

Вот, например, акварель аргентинской художницы Stella Escalante:

Кстати, ещё одно наблюдение – ОЧЕНЬ мало акварелей с цветами. На весь каталог с более чем 1800 работами и 30 штук не наберется…

Причем большинство из них – во второй части каталога, “в шлаке”, как я это назвала. А как еще назвать отсеянных авторов, чьи акварели не прошли отбор в полуфинал? Шлак и есть.

Моя работа, кстати, тоже в этом ряду… 🙂 Вот пара этих “серых” страничек, открытых наугад:

На серых страничках, в большинстве своем встречаются какие-то любительские работы, с плохоньким рисунком и бедные по технике.

Однако, есть и очень хорошие, известных художников. Но жюри их не оценило.

Трудно было ему, жюри… Это ведь всегда вопрос – как судить? Что брать за мерило?

И если со слабым рисунком и композицией в целом все понятно, вопросов нет – сразу в шлак, то среди профессионалов уже приходится думать.

Что поставить во главу угла? Социально-значимые темы? Реализм? Новаторство в технике? Или, наоборот, верность традициям?

Безусловно, этими же вопросами задаются и художники. Участие в конкурсе – это возможность посмотреть на свое творчество со стороны. Кто я? Куда иду? Где я в ряду других художников? Интересно ли людям то, что интересно мне?

Именно эти вопросы сподвигли меня представить на конкурс акварели, которые не до конца понятны мне самой. Это энергетическая живопись. Работы, сохраняющие некую энерго-информационную составляющую.

Марина Трушникова. “Мир кристалла”

Я показывала эту акварель в блоге год назад. Возможно вы помните ту практику, которую я предлагала. Было очень много комментариев, давших мне понять, что люди сейчас более чувствительные в своем восприятии. И то, что мы называем абстракцией, может давать нам самые разные чувства и воспоминания.

К сожалению, со сменой сайта пропали и комментарии. Если хотите, опробуйте эту практику на себе, напишите свои впечатления. Это здесь: Путешествие внутрь картины

А мы вернемся к “белым” и “черным” страницам каталога.

На белых размещены лучшие акварели – работы полуфиналистов. Приятно было увидеть там Константина Стерхова, Евгения Кисничана, Илью Ибряева.

А еще приятней было лицезреть в числе 23-х  финалистов  наших соотечественников Елену Базанову и Дмитрия Родзина.

Елена Базанова. “Конец зимы 2012. Яблоки”

Дмитрий Родзин. “Лето”

Как видите, большинство работ финалистов очень реалистичны.

Вот, например, акварель литовской художницы Egle Lipeikaite:

Или вот француз Georges Artaud, он получил приз в номинации “Лучший французский художник”:

Прямо-таки медитация на воду… Мне нравится. Всё приятней, чем смотреть на работы другого финалиста, американского художника Andrew Kish III:

Я понимаю, с претензией на социальную значимость, но честно говоря, я таких сюжетов сторонюсь, не откликается душа порывом сделать что-то большое и светлое от такого…

А вот на что откликается… Знаете, а вот нет таких работ в каталоге. Прям удивительно.

Никаких вам фей, сказочек, милых ярких картинок в стиле “наивная иллюстрация”.. И даже милых европейских улочек очень мало… В общем, я безнадежно отстала в своих пристрастиях.

(Вношу поправку, если вы меня неправильно поняли. В представленных работах очень многие мне нравятся. Я лишь сказала о том, что сказочные сюжеты, которые люблю, совершенно не представлены на конкурс).

Ну, и чтобы не завершать статью на такой грустной картинке, покажу акварель еще одного финалиста, тайваньского художника Chung-Wei Chien “Венецианская симфония”:

Да, старая добрая Венеция, наверно, всегда будет притягивать взоры…

Поделитесь в комментариях своими впечатлениями! Разделяете выбор победителей?
Сделайте репост статьи в соцсетях, мне будет приятно:)

---

Почитать впечатления о других выставках:

---

 

148 красивых картин лучших художников, техники, рисунки пейзажей мастеров

Акварель — самая капризная и непредсказуемая техника, с красками которой трудно работать, они плохо хранятся. Но художники, освоившие ее, создают произведения с непередаваемыми нюансами оттенков и полутонов.

Этот вид искусства с многовековой историей длительное время не был широко распространён, в Средневековье техника использовалась в основном для создания эскизов. В начале XVIII века художники Великобритании начинают активно работать с акварелью, разрабатывают базовые принципы техники. Этот период называют «золотым веком» развития стиля.

Пережив незначительный упадок в начале XX века, с приходом новых видов искусства, со второй половины столетия акварель снова становится востребованной и не теряет популярности в наши дни. Современные мастера работают в жанрах пейзажа, натюрморта, бытовых сцен.

Что такое акварельная живопись

Акварель — это техника изображения, сочетающая свойства живописи (богатая палитра красок и оттенков) и графики (отсутствие рельефности, наложение мазка тонким слоем).

У нее есть особенность — акварельные краски, растворённые в воде, образуют взвесь тонкого пигмента, создающего эффект воздушности и плавности цветовых переходов.

Происхождение термина

Основа слова пришла из латыни: корень «aqua» — означает «вода». Название краски во французском языке звучит как «aquarelle» в переводе «водянистый», «водная краска».

ru/wp-content/uploads/2020/09/jentoni-van-deik-peizazh-1024×543.jpg&description=148 картин акварелью от лучших художников России и мира, техники и стиль живописи» data-width=»600″ data-height=»400″/>Пейзаж
Энтони ван Дейк

В английском языке название звучит как «water color», с тем же значением. В русский язык термин, как слово иностранного происхождения, был заимствован из французского языка.

История создания краски

Примитивные красители на водной основе известны с глубокой древности, начиная с наскальной живописи. В Древнем Египте и во времена античности прототипом акварели служила смесь земли, воды и сырого яичного белка, доведённая путём размешивания до образования однородной массы.

Древние китайцы во II веке н.э. изобрели бумагу и наносили изображения с помощью кисточки в технике, близкой к современной.

Свойства и особенности акварельной краски

Акварель — краска с клеевой основой, растворимая в воде. Связующие элементы природного происхождения: декстрин, экстракт косточек плодовых деревьев, гуммиарабик.

Крыло
Альбрехт Дюрер

Пластичность краске придаёт смесь глицерина с инвертированным сахаром. Мёд или патока служат для естественного увлажнения листа бумаги: они впитывают и удерживают жидкость. Для защиты от плесени в состав добавляют фенол. Бычья или свиная желчь способствует равномерному наложению краски.

Основные свойства:

• богатство полутонов и оттенков за счёт нанесения мазков поверх высохшего слоя;
• прозрачность — техника предусматривает просвечивание листа бумаги сквозь краску для создания дополнительного эффекта;
• слабая насыщенность цвета;
• разрушение под воздействием прямых солнечных лучей.

Бумага и краска довольно хрупки, легко повреждаются при физическом воздействии.

Акварельные техники

Различаются по влажности кисти и листа, одному или нескольким слоям наложения цвета.

Техника акварельной живописи на сухой бумаге — однослойная (итальянская), облегчает контроль за краской:

• используется влажная кисть, мазки находят один на другой, смешивая оттенки;
• применяется отжатая кисть, мазки чёткие, изображение близко к графике.

Многослойные техники акварели — художник накладывает кистью мазки поверх высохших, повышая интенсивность цвета. Стили близки к живописи, но сохраняют ощущение лёгкости.

Работа на влажном листе (английская техника) создаёт размытые очертания, плавные переходы оттенков. Сочетание мокрой кисти и влажной бумаги — сильный размытый эффект.

Работа отжатой кистью по мокрому листу — мазки более чёткие.

История акварельной живописи

Направление искусства получило более позднее распространение, чем живопись и графика. Предшественником акварели можно считать технику фрески, художники средневековья применяли стиль для создания эскизов и набросков.

Основоположником живописи акварелью в эпоху Ренессанса принято считать немецкого художника Альбрехта Дюрера, в этом стиле работали Энтони ван Дейк, Джованни Кастильоне. Примеры работ единичны, техника не была распространена.

Классика акварели доведена до совершенства в Англии на рубеже XVIII-XIX веков, этому послужили новаторские идеи Томаса Гёртина и Джозефа Тернера. Популярность акварельной техники усугублялась возникшей модой на портретные миниатюры.

Вклад в развитие искусства внесли известный акварелист Сэмуэл Палмер, префаэлит Люси Мэдекс Браун, постимпрессионист Поль Сезан. В 1804 году было образовано общество акварелистов. В середине XIX века техника становится популярна в США и Франции.

10 лучших акварелистов

Наиболее известные зарубежные художники, оказавшие влияние на развитие вида искусства, разработавшие современные принципы работы.

Виндзорский замок
Пол Сэндби

Пол Сэндби (1725-1809) — создатель первых серьёзных произведений в технике акварели, картин большого формата: «Виндзорский замок» (1760 г.).

com/pin/create/button/?url=https://art-dot.ru/akvarel/&media=https://art-dot.ru/wp-content/uploads/2020/09/tomas-gjortin-zamok-faindleiter-1024×793.jpg&description=148 картин акварелью от лучших художников России и мира, техники и стиль живописи» data-width=»600″ data-height=»400″/>Замок Файндлейтер
Томас Гёртин

Томас Гёртин (1775-1802) — мастер акварельного пейзажа, стремился к изображению панорамности. Впервые применил всасывающую бумагу. В работах применял своеобразную манеру размывки с целью создания полутонов. Наиболее известна картина «Замок Файндлейтер» (1792г.)

Ледник
Джозеф Мэллорд Тернер

Джозеф Мэллорд Тернер (1775-1851) — художник-акварелист, виртуоз техники, предшественник импрессионизма. Много путешествовал, пытался выразить в работах свои впечатления и переживания. Произведение «Ледник» (1803г.)

Дэвид Кокс (1783-1859) — английский пейзажист, окончил Королевскую академию художеств. В творчестве прослеживаются элементы импрессионизма: решительность мазка, яркость колорита.  Яркий пример творчества —«Замок в осеннем пейзаже».

Ричардс Паркс Бонингтон (1802-1828) — окончил Школу изящных искусств, отточил технику рисунка акварелью до совершенства, создал серию работ, получившую Золотую медаль Парижского салона.

Фердинанд и Миранда играют в шахматы
Люси Мэдокс Браун

Люси Мэдокс Браун (1843-1894) — писала акварели с яркими световыми эффектами. Сюжетами картин служили исторические события, зарисовки из жизни, портреты. Картина «Дуэт» (1870 г.), выставленная в Королевской академии получила высокую оценку.

Cэмуэл Палмер (1805-1881г.) — художник-самоучка. Писал акварели романтического направления: пейзажи и пасторали. Занимался иллюстрированием литературы. Яркий пример творчества — «Мечтание в Апеннинах» (1864г.)

Джон Селл Котман (1782-1842) — ученик Томаса Гётмана. Преподавал в Королевском колледже, занимал президентское кресло в Норвичской школе искусств. В творчестве использовал смелые световые решения, предшественник стиля модерн.

Эжен Делакруа (1798-1863) — окончил Парижскую школу изящных искусств. Акварелью занимался в зрелые годы. Знаменитая картина «Море в Дьеппе» искусно передаёт игру света, движение воздуха, оттенки морских волн.

Уинслоу Хомер (1836-1910) — американский художник, учился в Национальной академии дизайна, брал частные уроки. Писал реалистические пейзажи с изображением моря и жанровые сцены. Известное произведение «Туман надвигается» (1885г.)

Российские акварелисты

В России направление искусства XIX в. развивалось в традициях английской школы. В 1880 г. в Петербурге было создано общество русских акварелистов под руководством Альберта Бенуа. За годы существования организация провела более 38 выставок.

Лучшие акварелисты XIX-XXI века:

Пётр Соколов (1791-1848) считается русским прародителем портрета, выполненного водорастворимыми красками. Художник начинал карьеру с письма маслом, но отдал предпочтение работе с акварелью.

Карл Брюллов (1800-1852) — работы в стиле классицизма с оттенком романтизма, использовал манеру многослойного мазка. Картина «Прерванное свидание» (1827г.)

Владимир Маковский (1846-1920) — призвание акварель и графика. Художник рисовал портреты и сцены из жизни.

Игорь Грабарь (1871-1961) — работал в стиле импрессионизма, предпочитал зимние пейзажи и натюрморты. Известное произведение — «Февральская лазурь» (1904г.)

Городской пейзаж
Cергей Алексеев

Cергей Алексеев популярен в России и за рубежом. Пишет городские пейзажи, в основном улицы и каналы Санкт-Петербурга.

Сергей Андрияка — талантливый акварелист и педагог, изображающий сельские постройки и натюрморты в реалистическом стиле. Открыл в конце XX века специализированную школу.

Акварель не теряет популярность и в наши дни. Современное искусство представляют: Стивен Хэнкс (эмоциональность, реализм), Тьерри Дюваль (городской пейзаж), Джозеф Збукович (романтический пейзаж) и многие другие.

Показать галерею

Акварель и акварелисты. — Искусство

 

http://www.liveinternet.ru/users/4605275/post338390274/Акварель – ( от франц. aquarelle – водяной, от лат. aqua – вода) краска для живописи. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения – гуммиарабик и декстрин. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу.

 

Акварель – легка, прозрачна, вместе с тем сложна. Не терпит исправлении. Краска эта известна с древнейших времен. Их применяли в древнем Египте, древнем Китае и в странах античного мира.Акварель нуждается в особой, пористой бумаге. Она была изобретена в Китае. Краска легко впитывается в нее. Но сложность в прозрачности — нельзя перекрыть один цвет другим — смешаются. Испоравить ошибку невозможно, разве что обыграть нечаянно появившееся пятно. Различают акварель «по-мокрому» и акварель «сухой кистью». Я люблю первый прием. Он носит еще название «а ля прима». Она легче, прозрачнее.

 

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Одним из художников Ренессанса, добившихся больших успехов в акварельной живописи был Альбрехт Дюрер. Примером тому может послужить его работа «Заяц».

 

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Заяц

 

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Примула обыкновенная, 1503. Вашингтон, Национальная Галерея Искусств

В XVIII—XIX века благодаря Томасу Гёртину и Джозефу Тёрнеру акварель стала одним из важнейших видов английской живописи.

 

Томас Гёртин (Thomas Girtin), английский художник (1775-1802) Руины замка Савой

Томас Гертин – молодой художник, умер в возрасте 27 лет, но его по праву называют выдающимся художником. Он очень быстро выработал свой стиль: отметая некоторые старые каноны, убирая ограниченное в рисунке, стал отказываться от разработки переднего плана, стремился запечатлеть незамкнутое пространство, стремясь к панорамности.

 

Тёрнер. Внутренний двор церкви Kirkby Lonsdale

Акварелист Джозеф Тернер также постоянно совершенствовал свою технику, изучал природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве и художников-пейзажистов.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

 

Акварельная живопись Петербурга и России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. Во времена, когда ещё не было фотографий, быстрота исполнения, минимальное количество утомительных сеансов позирования, воздушность колорита – во всем этом нуждалось русское общество. И поэтому, именно акварель пользовалась успехом в высших и средних его слоях.

 

 

 

Эдуард Петрович Гау. Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин, Михаил Врубель, Валентин Серов, Иван Билибин.

 

 

 

Врубель

 

В. Серов Портрет И.Репина

 

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942). На берегу реки. Карандаш, акварель

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.

 

Александр Бенуа (1870-1960). Римский капитолий. Карандаш, акварель и гуашь на бумаге.

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

 

Задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов», несомненно, выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

 

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица . 1910. Акварель.

 

Иван Билибин

 

К.Сомов. Купальщицы. 1904. Бумага, акварель.

 

Александровский дворец в Детском Селе (акварель) П А Остроймова-Лебедева

 

Волошин

Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

 

Тырса Н.А. Портрет Анны Ахматовой. 1928 Бумага, черная акварель

 

 

А.А.Дейнека

 

Захаров С.Е. Вечер в Чернавино 1976. Бумага, акварель.

 

В. Конашевич. «Желтые георгины» (бумага, акварель)

 

Малыш Гавриил Кондратьевич

 

Художник Н.Ф. Лапшин (1888-1942). «Зима. Адмиралтейство». 1938 г. Бумага, акварель.

 

С.И.Пустовойтов. Софийский собор XI в. 1968 г. Акварель, бумага

 

Фонвизин Артур Владимирович

 

Л. С. Герасимов (акварель)

 

Анатолий Зверев.

В настоящее время существует множество художников, работающих в технике акварельной живописи. Их работы отличаются, но есть и много общего – кажущаяся простота и легкость исполнения, воздушность.
В 1998 году было создано «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

 

Константин Кузема

Справочник. АКВАРЕЛИ ИЗВЕСТНЫХ ХУДОЖНИКОВ,http://www. artap.ru/slovar_…
http://st-orange-r.ru/art1….

Картины художников. Зарубежная живопись и другое искусство

Главная » Акварель

Christine Comyn (Кристин Комин) родилась в 1957 году, в Бельгии. Она одна из самых успешных и уважаемых художников в Европе. Училась в Санкт-Луки академии в Генте, Бельгия, а позже в педагогическом институте по укреплению, а также в…  Художник Альваро Кастаньет (Alvaro Castagnet) родился в Монтевидео в Уругвае, в 1983 году иммигрировал в Австралию. В раннем возрасте отец Альваро отправил его в Национальную Школу Искусства в Монтевидео. После Альваро учился в Университете…  Василий Семёнович Садовников родился 16 (28) декабря 1800 в Санкт-Петербурге. Василий был родом из крепостных крестьян, принадлежал княгине Н. П. Голицыной — прообразу старой графини в «Пиковой даме» А. С. Пушкина. Вольную получил…  Том Шаллер (Thomas Schaller) – художник акварелист из США. Долгое время он работал как художник-архитектор в Нью-Йорке. Именно отсюда его способность изображать архитектурные сооружения столь чётко, с соблюдением всех правил,…  Хочу поделиться подборкой работ от художницы Марджолен Бастин (Marjolein Bastin). Марджолен Бастин училась в Академии художеств в Арнем ( Нидерладны). Художница сотрудничает со множеством различных изданий, как для взрослых, так…  Peter Williams (Питер Уильямс ) — английский художник анималист. Стоит отметить, что  Питер Уильямс художник-самоучка. Peter Williams пришел к художеству не сразу. До этого он сменил несколько сфер деятельности: отслужил в британской…  Jonathan Frank (Джонатан Франк) — американский акварелист, выполняющий свои работы в интересной технике – акварельный батик. Джонатан Франк с самого детства немало насмотрелся на чудо природы Большой Гранд-Каньон. И непреодолимая…  Процесс создании работы американского акварелиста Jonathan Frank (Джонатан Франк) Джонатан Франк – выполняет свои работы в интересной технике – акварельный батик.  Читать далее → Charles Frederick Tunnicliffe (1901—1979) – всемирно известный художник натуралист. Большуя часть своих картин и зарисовок было сделано на острове Англси (Великобритания) Чарльз Фредерик Tunnicliffe – работал во многих техниках живописи,…  Детлев Ницшке (Detlev Nitschke) — родился в Берлине. Детлев Ницшке всегда был в поисках истинного художественного призвания. Он начал с изучения литографии и много усилий потратил на изучение технической части, а также получал…  Страница 1 из 212»

Художник-акварелист Joseph Branko Zbukvic.

Лучшие акварели

Привет всем входящим на usenkomaxim.ru

Нашел еще одного художника-акварелиста. На этот раз югославский мастер Joseph Branko Zbukvic. И он мне понравился значительно больше японской художницы Keiko Tanabe, работы которой выкладывал в предыдущем посте. Последняя относительно первого словно ученица. У нее еще все впереди…. Более ничего писать от себя не буду. Прилагаю выдержки из сети…

  

      Его годы становления были проведены на небольшой ферме, в широком семейном кругу, где большая часть домашних работ выполнялась вручную в традиционной манере. Этот идиллический опыт семейной жизни в сельской атмосфере  дал ему более утонченное понимание отношений человека с природой, а также развил его сильную нравственную сторону. Его бабушка быстро распознала и поощряла его художественный талант в дошкольном возрасте. И эта его ранняя любовь к рисованию осталась с ним на всю жизнь, ныне является основой всей его работы.

Художник-акварелист Joseph Branko ZbukvicХудожник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. МастерскаяХудожник-акварелист Joseph Branko Zbukvic. Рабочее место

     Несмотря на очевидный талант сына, родители Joseph Branko Zbukvic решили, что достойного будущего в профессии художника у их сына не будет, и в 1967 году он поступил в университет на кафедру изучения языков и литературы, для того чтобы впоследствии посвятить себя преподавательской деятельности.

      Но все это образовательное начинаение было прервано в 1970 году, когда из-за политических волнений семья решила эмигрировать из Югославии в Австралию. Там Joseph Branko Zbukvic продолжил свое заочное образование в университете Дикин в Мельбурне. Окончив университет в 1974 году, он получил диплом искусств в области промышленного дизайна. В тот же период он снова для себя открыл акварель и начал писать, достигнув мгновенного успеха в художественных конкурсах, выиграв свою первую крупную награду искусства в 1975 году. С тех пор он завоевал более 200 международных наград, провел более 40 персональных выставок в Мельбурне, Сиднее, Брисбене, Аделаиде, Лондоне и Сан-Антонио… А первая персональная выставка у него была в 1977 году в галерее Истгейт, Брайтон, Мельбурн.

  В 1978 году он начал писать полный рабочий день, и вскоре зарекомендовал себя как ведущий акварелист. Joseph добился огромного успеха в акварельной живописи благодаря мастерской технике и невероятному  разнообразию  изображаемых тем и предметов.

      После 20-летнего отсутствия, Joseph Branko Zbukvic побывал в Загребе в 1990 году. Он получил теплый прием и был сделан художником в резиденции Мимара Музея изобразительных искусств.

 

      На данный момент Joseph Branko Zbukvic является одним из лучших художников-акварелистов в мире. Его акварельные работы, семинары, практические уроки востребованы и продаются всюду, где он путешествует…

     Ну и кончено, в настоящее время он стоит членом множества самых престижных клубов, обществ, институтов акварельного искусства. Ведет преподавательскую деятельность…

Другие материалы из этой категории:

Новые появляющиеся художники — Акварель Artist ‘ s 2012, которые нужно посмотреть

То, что сделало акварели этих новых появляющихся художников, выделяется их эмоциональным качеством. Наслаждайтесь галереей дополнительных работ — акварельными пейзажами, акварельными портретами, акварельными натюрмортами, акварельными цветами и многим другим — из декабрьского номера 2012 года Artist Artist. Ознакомьтесь с различными техниками акварели на работах ниже, от рыхлых и плавных, до точных и более выразительных, и узнайте больше об этих «Следящих» в номере журнала за декабрь 2012 года.

Билл Бейли | Окленд, Теннесси

Пустое гнездо Билла Бэйли Зеленое Пастбище Биллом Бэйли

Чэн Фен Ех | Рэдфорд, Вирджиния

Малыш Майкл Ченг Фен Йе Человек в синей шляпе от Cheng Fen Yeh

Синди Эванс | Уильямстон, Мичиган

www. caevansart.com

Коровка (акварель на бумаге, 28 × 14) Синди Эванс Водопад Мистик Фоллс от Синди Эванс

Донна Моррисон | Тампа, Флорида

www.donnamorrison.net

Львиный Глаз (акварель на бумаге, 20 × 30) Донна Моррисон Донна Моррисон носила, но будет (акварель на бумаге, 15 × 22)

Джозеф Стоддард | Пасадена, Калифорния

www.josephstoddard.com

Железнодорожный вокзал Пасадены (акварель и чернила на бумаге, 15 × 20). Автор Joseph Stoddard Phiippe’s (акварель и чернила на бумаге, 15 × 20) Джозефа Стоддарда

Лейн Холл | Медфорд, Орегон

Свет и тень с деревьями (акварель на бумаге, 22 × 30) от Lane Hall Частный доступ III (акварель на бумаге, 12 × 36) от Lane Hall

Мэри Барнетт | Боулдер, Колорадо

Сверху 2 (акварель на YUPO, 20 × 29½) Мэри Барнетт Сверху 3 (акварель на YUPO) Мэри Барнетт

Она Кингдон | Ричмонд Хилл, Онтарио, Канада

www.onak.ca

Личность Она Кингдон Baby on Board от Она Кингдон

Робин Эриксон | Фоллбрук, Калифорния

www. ericksonwatercolors.com

Где-то в Сорренто Робин Эриксон Pincushion Protea от Робин Эриксон

Сюзанна Рид Файн | Колумб, Джорджия

www.suzannereedfine.com

Маки «Таос» (акрил на акваборе, 11 × 14) от Сюзанны Рид Файн Желтые Чертополохи (акварель на бумаге, 10 × 6½), Сюзанна Рид Файн

Узнайте больше об этих художниках — и почему они были номинированы ведущими инструкторами по водному медиа и выставочными жюри — в декабрьском выпуске «Artist Artist» за 2012 год.

Нажмите здесь, чтобы вернуться на главную страницу «Смотреть».

БОЛЬШЕ РЕСУРСОВ ДЛЯ ВОДНЫХ ЦВЕТОВ

• Подписаться на журнал Artist Artist

• Смотреть художественные мастер-классы по требованию на ArtistsNetwork.TV

• Получите неограниченный доступ к более 100 книг по искусству

известных художников-акварелистов, которые до сих пор влияют на среду

Акварельная живопись — один из самых доступных видов искусства. Скорее всего, каждый пробовал этот тип рисования в какой-то момент своей жизни, будь то уроки рисования в детстве или просто открывая его для себя во взрослом возрасте. Однако, несмотря на это знакомство, многие люди не знают его богатую историю и некоторых из самых известных художников-акварелистов, которые сделали среду такой, какой она является сегодня.

Подобно текстильному искусству, акварель имеет корни в Европе палеолита, но в средние века она приобрела некоторую популярность в освещении рукописей.Используя яркие пигменты, художники иллюстрировали небольшие сцены и декоративные узоры на полях рукописных книг. Эти сложные тексты были не для всех — для создания одной иллюминированной рукописи потребовалось четыре человека, — а зачастую религиозные труды в основном ограничивались монастырями.

Эпоха Возрождения привлекла внимание к акварельной живописи. Это вышло за рамки декоративных рукописей и вошло в работы таких художников, как Альбрехт Дюрер. Он, как и другие станковые художники того времени, использовал акварель для набросков, копий или неформальных рисунков.Акварельная живопись была также принята элитным классом как часть их общего образования и в конечном итоге стала популярной, особенно в Англии, как способ вести хронику своих путешествий. Но хотя акварельная живопись была хорошо известна, к ней не относились так серьезно, как к масляной живописи или гравюрам.

Однако в 19 веке акварель приобрела большой статус. Мировые исследования вызвали всеобщий ажиотаж, а иллюстрации дикой природы и природы использовались для иллюстрации научных публикаций.Художник и орнитолог Джон Джеймс Одюбон олицетворяет вершину этого движения, и он использовал акварельную живопись, чтобы оживить свои реалистичные рисунки птиц. В его знаменитой книге Птицы Америки (1827–1839) было идентифицировано 25 новых видов. Этим он положил начало художественной традиции, которая живет и по сей день — путеводители, иллюстрированные акварелью.

В то время как Одюбон придерживался сдержанного технического подхода к своей работе, другие известные художники-акварелисты были не столь точны.Джорджия О’Кифф, например, играла с текучестью среды, создавая картины, представляющие собой красивые поля ярких цветов. Как и Одюбон, она была вдохновлена ​​миром природы, но ее интерпретация совершенно противоположна. Вместе они демонстрируют невероятный диапазон акварели.

Чтобы понять привлекательность акварельной живописи сегодня, узнайте больше о некоторых из самых известных художников-акварелистов на протяжении всей истории.

Альбрехт Дюрер (1471 — 1528)

«Левое крыло синего ролика», около 1500 или 1512 года.(Фото: Public Domain)

Альбрехт Дюрер был человеком многих талантов, известным своими картинами, гравюрами на дереве и гравюрами. Что касается акварели, он считался одним из первых выдающихся европейских художников, использовавших этот материал в своих работах. Это приняло форму зарисовок пейзажей и природы, которые мы все еще можем видеть сегодня благодаря его почти навязчивой коллекции работ.

«Богородица с младенцем и множеством животных и растений», около 1503 г. (Фото: Public Domain)

Дж.М. В. Тернер (1775 — 1851)

«Гавань Грейт-Ярмута, Норфолк», около 1840 г. (Фото: Public Domain)

Как Dürer, J. M.W. Тернер занимался не только акварелью. Считая поэзию и преподавание частью своих интересов, его общий художественный талант воспитывался с юных лет. Он использовал свои навыки акварели для выставок и создания коммерческих работ, которые принесли ему «первый реальный доход». Позже Тернер использовал медиума как способ вести хронику своих путешествий — его страсть к этому никогда не угасала.Последнее десятилетие его трудовой жизни характеризовалось всплеском производства акварельной живописи.

«Нант с острова Фейдо», около 1829-1830 гг. (Фото: Public Domain)

Уильям Блейк (1757 — 1827)

Уильям Блейк считается одним из величайших поэтов английского языка, но заслуживает внимания и его искусство. Изучив его в детстве, он прошел обучение у гравера, прежде чем попробовать акварель. В конце концов, он усовершенствовал свою технику «фрески», которая в основном представляет собой монотипную печать; сначала он нарисовал рисунок на плоской поверхности (например, медной пластине), а затем нанес его на бумагу. Затем дизайны были индивидуально обработаны тушью и акварелью, чтобы каждое изображение было единственным в своем роде.

Далее: Более известные художники-акварелисты

известных художников-акварелистов, которые до сих пор влияют на среду

Известных художников-акварелистов, которых вы должны знать

Джон Джеймс Одюбон (1785 — 1851)

«Птицы Америки» с изображением рябчика. (Фото: Public Domain)

Около 90 лет назад Джон Джеймс Одюбон закончил книгу Птицы Америки , но она до сих пор считается одной из лучших когда-либо изданных книг по орнитологии.Стремление Одюбона запечатлеть наших пернатых друзей также помогло начать художественную традицию натуралистических изображений, дополняемых акварелью.

«Северный бобуайт (Colinus virginianus) и красноплечий ястреб (Buteo lineatus)», около 1825 г. (Фото: Public Domain)

Элизабет Мюррей (1815 — 1882)

«Vista de la Orotava y del Pico Teide», около 1851 г. (Фото: Public Domain)

Британская художница Элизабет Мюррей научилась рисованию акварелью у своего отца Томаса Хифи, который также был акварелистом.Они путешествовали вместе, и Мюррей провел много времени в Риме, Марокко и на Канарских островах. В течение 10 лет она писала пейзаж, а также портреты из своих путешествий. Ее работы известны своим выбором цветов, в которых используются коричневый, фиолетовый, синий, черный, красный и золотой, а также оливковые и коричневые цвета, чтобы придать им теплый оттенок.

«Церковное покровительство», 1860 г. (Фото: Public Domain)

Томас Моран (1837-1926)

«В горах Бигхорн», 1889 г.(Фото: Public Domain)

Томас Моран известен своими пейзажными акварелями, особенно из Йеллоустонского национального парка. Фактически, именно его неземные изображения гейзеров и горячих источников помогли убедить Конгресс США официально обозначить его как Йеллоустонский национальный парк в 1892 году. Практика Морана была основана на школах реки Гудзон и Скалистых гор — художественных школ и движений, которые сформировали эстетика и образность американской пейзажной живописи XIX века.

«Йеллоустон, Горячий источник», 1892 г.(Фото: Public Domain)

Уинслоу Гомер (1836-1910)

«Глостер-Харбор», 1873 г. (Фото: Public Domain)

Художник-самоучка Уинслоу Гомер основал свою художественную практику на настоящем моменте. Один из его современников, художник Юджин Бенсон, был очень замкнутым человеком, но писал, что Гомер считает, что художники «никогда не должны смотреть на картины». Скорее им следует «заикаться на своем языке» и рисовать (или рисовать) прямо с натуры.Для Гомера это означало идиллические тихие сцены повседневной жизни, которые он завершал дома в Массачусетсе, а также поездки за границу.

«Три девушки-рыбаки», 1881 г. (Фото: Public Domain)

Джон Сингер Сарджент (1856-1925)

«Сиеста гондольеров», около 1904 г. (Фото: Public Domain)

Джон Сингер Сарджент известен своими портретами, но его акварельные работы отмечают отход от них. По аналогии с традициями других художников, его акварели часто изображали пейзажи, запечатлевшие его путешествия.В этих композициях Сарджент изменил свой стиль, чтобы отразить игривую текучесть среды; в то время как его масляные портреты были четко прорисованы, акварельные изображения кораблей и берега выполнены в жестовой манере.

«Грязные аллигаторы», 1917 г. (Фото: Public Domain)

Джорджия О’Кифф (1887–1986)

Джорджия О’Киф начала экспериментировать с акварелью, когда ей было чуть больше 20, как способ играть с цветом и композицией. Это было до ее культовых масляных картин с цветами, а абстрактные акварели рассказывают о ее творческом пути к тому, чтобы чувствовать себя комфортно, работая в менее изобразительном стиле.

«Восход», 1916 г. (Фото: Public Domain)

Пауль Клее (1879 — 1940)

В 1911 году Пауль Клее присоединился к группе художников под названием Blaue Reiter , организации, которая использовала их работу как способ выражения «духовных истин». Интересующийся нефигуративным искусством и примитивизмом, цвет был важной частью эстетики группы. Акварельные картины Клее были средством экспериментирования, чтобы понять его отношения с «царством цвета».”

Чарльз Демут (1883-1935)

«Деревья и сараи: Бермуды», 1917 г. (Фото: Public Domain)

Чарльз Демут художественно достиг совершеннолетия в период модернизма, и его встречи с кубизмом оказали большое влияние на его акварельные работы. Эта любовь к резким линиям и геометрическим формам сделала его одним из основателей Движения прецизионистов; его структурированные элементы сочетались с рассеянными смывками, сплавлением порядка и хаоса.

«Bermuda No.2, «Шхуна», 1917 г. (Фото: CC0 1.0)

Реджинальд Марш (1898 — 1954)

«Локомотив», 1932 г. (Фото: Public Domain)

Работы Реджинальда Марша стали синонимом Нью-Йорка. В 1930-40-е годы он вел хронику повседневной жизни шумного мегаполиса; это включало области на окраинах, такие как салоны бурлеска и Кони-Айленд. Обладая такими наблюдательными навыками, его работа идеально подходила для журналистики, и он работал в The Daily News .Что касается акварели, он сказал: «Акварель я взял и хорошо освоил, без каких-либо предисловий».

«Буксиры, Нью-Йорк», 1938 г. (Фото: Public Domain)

Эндрю Уайет (1917 — 2009)

Американский художник Эндрю Уайет — сын известного иллюстратора Н.К. Уайета. Благодаря наставничеству отца Андрей рано освоил акварель. К 20 годам у него была первая персональная выставка всех акварельных картин. (Все билеты на шоу проданы.По мере того, как его карьера продолжала расти, Эндрю расширил свои избранные медиа до яичной темперы, но он продолжал создавать акварели, вдохновленные его уединенными прогулками в своем родном городе Чаддс Форд, штат Пенсильвания, а также в Кушинге, штат Мэн.

Эдвард Хоппер (1882 — 1967)

Эдвард Хоппер известен масляными картинами, такими как легендарный Nighthawks , но художник тоже был мастером акварели. В обоих СМИ внимание Хоппера было одинаковым; американский опыт, увиденный через пейзажи.«Моя цель в живописи, — цитирует его слова, — всегда заключалась в наиболее точной транскрипции моих самых сокровенных впечатлений от природы».

Статьи по теме:

Гуггенхайм публикует в Интернете более 1700 шедевров современного искусства

9 художников-абстракционистов, изменивших наш взгляд на живопись

Великолепные акварельные картины с разнообразными пейзажами, которые предлагает природа

Музей Метрополитен теперь предлагает более 1600 бесплатных онлайн-книг по искусству

Раскрывая эмоциональную глубину современного шедевра Эдварда Хоппера «Ночные ястребы»

10 современных художников-акварелистов, которым вы должны следовать

Знаете ли вы, что одним из самых известных произведений искусства в мире является произведение , акварель, , , искусство, ? Он датируется 1502 годом, его создал немецкий художник Альбрехт Дюрер. Молодой заяц содержится в Альбертине в Вене, и только недавно я писал о том, что он не может так часто появляться на виду из-за его редкости. Дело в том, что акварелей довольно чувствительны, а также являются одними из старейших медиумов и произведений искусства в мире, которые, как говорят, происходят от наскальных рисунков палеолитической Европы. После рисования акварельное искусство, пожалуй, самый распространенный и «самый простой» метод создания, с точки зрения того, что вам нужно для этого — поддерживающая основа, обычно бумага, кисть, краски и, конечно же, вода.

Как признанный вид искусства, акварель начала свой путь в эпоху Возрождения, оставаясь существующим на протяжении последующих веков. Сегодня мы знаем об известных акварельных работах великих художников, таких как Уильям Блейк, Дж. М. У. Например, Тернер, Джеймс Уистлер, Джон Сингер Сарджент, Пол Клее, Джорджия О’Киф и Эдвард Хоппер. Эта форма картины нашла свое отражение и в авангардных движениях, таких как неоэкспрессионизм, в творчестве Франческо Клементе, Герхарда Рихтера, Эрика Фишля и Ансельма Кифера и других. С развитием характеристик среды акварели стали такими же стойкими и красочными, как масляные или акриловые краски, что позволяет появиться современным художникам-акварелистам. Кроме того, многие современные художники продолжают практиковать акварельное искусство как основное или одно из своих увлечений.

Прокрутите вниз, чтобы увидеть 10 лучших современных художников-акварелистов!

Совет редакции: Акварель: картины современных художников

Акварель: Картины современных художников — это место, где вы найдете портфолио более 20 лучших художников-акварелистов со всех уголков мира, многие из которых также включены в наш список ниже! Акварель штурмом захватывает мир искусства, моды и домашнего декора.С профилями художников, информативной историей СМИ и вдохновляющим предисловием Суджана Рима DailyCandy, это руководство к прекрасной революции. От ярких визуальных журналов Дэнни Грегори и Фабриса Муаро до модных портретов Саманты Хан и Вирджинии Джонсон и инди-арта Джейн Маунт и Бекки Стадтландер — Акварель потрясающе демонстрирует живописное мастерство.

Сукран Мораль

Когда мы говорим о современном турецком искусстве сегодня и в мире в целом, одной из самых интересных фигур, несомненно, является Шюкран Морал , женщина, которая не боится шокировать и высказывать свое мнение среди консерваторов.Хотя ее акварельное искусство, возможно, не играет большой роли в ее практике, оно столь же провокационно, как ее перформансы, инсталляции, видео и стихи. Работа Шюкрана Морала направлена ​​на устранение всего нарушения порядка или норм приемлемого: иммигрантов, транссексуалов, проституток, душевнобольных. Ее идеи глубоко уходят корнями в феминизм и то, как религия влияет на женщин в ее стране и на нее в частности.

Популярные изображения: Şükran Moral. Изображение через mnm.is; Bordello, 2014, любезно предоставлено Galeri Zilberman

Ларри Белл

Пожалуй, самый известный своими скульптурами, Ларри Белл также создает сложные работы на бумаге, используя смешанную технику и акварель. Они часто вдохновлены его склонностью к абстрактному экспрессионизму, поскольку они изображают геометрические композиции и стоят рядом с его геометрическими композициями в трехмерной форме, известными как скульптуры куба . Ларри Белл также представил «паровые рисунки» и «миражные работы», которые включают использование технологии нанесения тонких пленок и окрашивание листов из различных бумажных материалов, полос ПЭТ и ламинатной пленки. Очень часто эти работы имеют квадратную форму, и рисунок занимает небольшую часть их поверхности.

Посмотреть и изучить другие работы Ларри Белла!

Featured image: Ларри Белл. Изображение через scmp.com; New Fraction, # 216, 2003. Изображение взято с maxkansascity.org

Дон Бачарди

Когда кто-то говорит Don Bachardy , многие сразу же думают «Голливуд». Это самая известная коллекция акварельного искусства художника, в которой представлены портреты самых известных лиц крупнейшей киноиндустрии в мире. Он также начал свою карьеру в среде абстрактного экспрессионизма, направляя свои портреты на образную живопись с большим визуальным воздействием.С тех пор Дон Бачарди умудрялся передавать сильные эмоции через лица многих, кто был готов сесть за него, часто это была боль, страдание и даже тоска. Все это подчеркивается довольно смелым использованием акварели, что сделало этого художника одним из лучших в этой области.

Популярные изображения: Дон Бачарди. Изображение через латимес; Слева: Беа Артур, 1994 г. / справа: Иоганн Эрикссон, 1994 г., любезно предоставлено галереей Крейга Крулла

Сесили Браун

В высшей степени абстрактное и в то же время репрезентативное искусство Сесили Браун включает обнаженную натуру и фигуры, погруженные в насыщенные цвета и выразительные мазки.Иногда зрителю требуется время, чтобы понять, что он видит, из-за очевидного постоянного потока цветов, форм, линий. Сесили Браун — художница, которая работает на холсте и бумаге, а также занимается печатью. В ее акварельном творчестве больше внимания уделяется природным сюжетам, животным, зайцам. Возможно, вдохновленные Дюрером, акварельные картины Брауна имеют тенденцию быть более простыми по цвету, но менее образными в изображении, создавая ощущение двусмысленности, хаоса, который каким-то образом находится в гармонии цветов.

Смотрите больше акварельных работ Сесили Браун здесь!

Популярные изображения: Cecily Brown.Изображение с сайта prabalgurung.com; Без названия, 2012. Предоставлено Two Palms

Дима Ребус

На темной стороне акварельного искусства живет Дима Ребус , молодой художник родом из России. Его работы, мягко говоря, тревожны: паря между реальностью и сюрреальностью, они изображают людей и их жуткие ситуации, сопровождаемые часто дерзкими названиями, которые напоминают современное время, в котором мы живем. Дима Ребус создает произведения для себя, но также делает иллюстрации для журналов и издательств: совсем недавно одной из его работ стал образ фильма National Geographic Saints & Strangers . Его техника безупречна, чрезвычайно детализирована и заставляет задуматься, временами вдохновлена ​​его русскими корнями.

Избранные изображения: Дима Ребус; Слева: жизнь в моем городе предполагает чрезмерное потребление углеводов, 2015 г. / Справа: делили ящик для белья, 2015 г. Предоставлено художником

Надин Фарадж

Пейзажи секса, скорее всего, старейшая тема в истории искусства, но в случае с Надин Фарадж они превращены в акварельные рисунки, призванные придать ей более человечную нотку.Эта техника является основным направлением художника, поскольку ее разлитые краски плавают по бумаге, образуя обнаженные тела, занятые эротическим сексом или просто существом. Их провокационная нотка остается на заднем плане, в то время как сами характеристики акварели служат всему повествованию с некоторой чувствительностью, чувственностью, более интимным подходом. Эти работы Надин Фарадж теперь можно увидеть во всем мире, они известны своей уникальной визуальной амбивалентностью в изображении секса и сексуальности.

Featured image: Надин Фарадж.Изображение через sva.edu; Все эти формы и лица в тысяче взаимоотношений друг с другом, 2015, любезно предоставлено SVA Galleries

Лурдес Санчес

Мы продолжаем наш список известных художников-акварелистов еще одним гениальным, поэтическим художником. Рой цветов, некоторые из которых выглядят просто чернильными пятнами, другие напоминают ретро-дизайн обоев; цветные узоры, насыщенные полосы, капли и круги, очень вдохновленные дизайном. Так можно описать искусство Лурдес Санчес , кубинского художника, живущего в настоящее время в Бруклине.Согласно ее веб-сайту, художница сосредоточилась на живописи изобразительного искусства, хотя ее акварели — это те, которые заставляют всех сходить с ума от ее работ, так отчаянно желая, чтобы они висели на стенах. Лурдес Санчес прекрасно поэтична, безмятежна и невероятно способна передать все это через подчас довольно узкую палитру.

Избранные изображения: Лурдес Санчес. Изображение с сайта christinaloucks; Слева: Implied Velocity 4, 2016 г. / справа: Anemones 8, 2015 г. С любезного разрешения Sears-Peyton Gallery

Эми Парк

Если вы ищете художника-акварелиста, изображающего культовую архитектуру, вы можете остановиться прямо здесь, так как вы нашли идеальный вариант. Эми Парк известна как эксперт в этой области, ее крупномасштабные работы выполнены до совершенства. Среди ее предметов — строения Дональда Джадда в Марфе, дома с необычным дизайном в Калифорнии, образцы модернистской архитектуры, городской пейзаж Нью-Йорка и многое другое. Акварели Эми Парк основаны на ее собственных фотографиях этих основных достопримечательностей и небоскребов, и просто очаровательно, как ей удалось нарисовать их с такой точностью.

Избранные изображения: Эми Парк.Изображение через artstar; 1200 ‘Bank of America, NY Times и Chrysler Building, 2014. Предоставлено Morgan Lehman Gallery

Антонио Кальдерара

Художник-самоучка-модернист, итальянский художник Антонио Кальдерара также был рисовальщиком и графическим дизайнером. Он известен своими нефигуративными образами, вдохновленными работами Казимира Малевича, Пита Мондриана и Йозефа Альберса, поэтому он основан на геометрическом абстрактном искусстве, которое также опирается на силу живописи цветового поля.Двумерные квадраты и сериграфия стали единственной практикой художника после его участия в Венецианской биеннале 1959 года. Как художник-акварелист Антонио Кальдерара использует те же визуальные идеи, работая на бумаге и картоне.

Популярные изображения: Антонио Кальдерара. Изображение через fondazionecalderara; Акварелло (акварель), 1959. Предоставлено галереей Стефана Хильдебрандта

Екатерина Смирнова

Екатерина Смирнова — крупный художник-акварелист, чья работа вдохновлена ​​пространством и положением человека в такой огромной пустоте.Она рисует большими аппаратными кистями на грубой текстурированной бумаге, разбрызгивая, вытирая и стирая. Ее работы могут быть даже рулонами бумаги высотой 2,5 метра, что позволяет ей выходить за рамки типичных физических границ среды. Как сообщается на сайте Екатерины Смирновой, художница начала внедрять электронику в свои акварельные работы совсем недавно, в результате сотрудничества с учеными, музыкантами и инженерами. Это прекрасный пример того, как этот вид искусства может стать как никогда современным!

Избранные изображения: Екатерина Смирнова.Изображение через goodmorninggloucester; Сумерки, 2014. Предоставлено Mana Contemporary

25 водных картин, которые вам понравятся

От водяных картин известных художников и любимых преподавателей до работ художников, которые на момент публикации были на пике своей карьеры, вот 25 водяных картин от 25 талантливых художников. Приготовьтесь получить вдохновение, чтобы взять кисть и начать рисовать.

1.

Bideford Фрэнк Уэбб Bideford , Фрэнк Уэбб, бумага, акварель, 22 x 30

Когда Фрэнк Уэбб работает на натуре, он переделывает пейзаж, привнося в то, что он видит, качества, которые, по его мнению, важны в картине.

«В общем, я использую интенсивные цвета, которые абсолютно произвольны и не имеют отношения к местному цвету», — отмечает Уэбб. «Но для меня формы — самый важный элемент. Должны быть созданы хорошие формы. Их нельзя скопировать ».

---

2.

Октябрь Russet Тони Коуч Октябрьский красно-коричневый Тони Коуч, бумага, акварель, 20 x 30

Для рисования осенней листвы, как в October Russet , Тони Коуч использует теплые тона — от красного до желто-зеленого.Чтобы цвета оставались яркими, он размещает на бумаге дополнительные цвета рядом друг с другом. Но Couch не смешивает дополнения, которые могут создать тускло-серый цвет.

---

3.

Koi 98, No. 1 by Cheng-Kee Chee Koi 98, No. 1 Ченг-Кхи Чи, бумага, акварель, 30 x 40

Водяные картины, такие как Koi 98, № 1 Ченг-Кхи Чи, оживают как выразительная, интуитивная абстракция. Они полны сюрпризов и случайностей, характерных для рисования мокрым по мокрому.

Цвета смешиваются и подчиняются своим законам, а краска может работать сама по себе. После этого процесс рисования переходит в более осознанную и структурированную фазу.

---

4.

Спящая лилия Мэри Уайт Спящая лилия Мэри Уайт, бумага, акварель, 26 x 21

Для картины Спящая лилия целью Мэри Уайт было не только воссоздать качество света на лице ее объекта, но и ощущение тепла и безопасности, а также передать вид и ощущение детской мечты.

«Чтобы предложить узор стеганого одеяла, я нанесла стирку, а затем промокнула местами гофрированную полиэтиленовую пленку», — объясняет Уайт. «Чтобы создать потусторонний сказочный эффект, я бросила на фон кусочки пряжи, а также кусочки бумажного полотенца, которые я вырезал в форме листьев».

---

5.

The Wash Милфорд Зорнес The Wash Милфорд Зорнес, бумага, акварель, 22 x 30

По словам Милфорда Зорнеса (1908-2008), линия — самый важный графический элемент в картине, за которым следует значение, а затем цвет. Рисуя, он мысленно прослеживал движение линии четырьмя способами: горизонтальным, вертикальным, угловым и изогнутым.

«Когда я рисую дерево», — сказал Зорнес. «Я думаю про себя:« Хорошо, идите вертикально от земли для первого ствола. Останавливаться. Загляните в ветви. Останавливаться. Выдвиньте под углом более мелкие ветви. Стоп. »

---

6.

Тонкость Хосе Апаза Тонкость Хосе Апаза, бумага, акварель, 22 x 30

Смутные цвета в картине Tenuousness мексиканского художника Перу Хосе Апаза отражают медитативное состояние фигуры.«Каждый человек — это обобщение универсальной мудрости», — утверждает он. «Смиренные люди — мои величайшие учителя, они оказали на меня огромное влияние».

---

7.

Камара-де-Лобос, Мадейра, Португалия Автор: Евгений Чисничан Камара-де-Лобос, Мадейра, Португалия , Эжен Чисничан, бумага, акварель, 17 3/4 x 25 1/2

Молдавский художник Eugen Chisnicean написал Камара-де-Лобос, Мадейра, Португалия на острове Мадейра в Атлантическом океане.

«Это был совершенно другой мир, не похожий ни на одно место, в котором я когда-либо был», — вспоминает Чисничан. «В этой сцене было все, что мне нужно, чтобы нарисовать картину: горы, дома, лодки, люди. Я попыталась объединить все элементы естественным образом и создать гармонию между формами ».

---

8.

Гобелен Пол Джексон Гобелен Пола Джексона, бумага, акварель, 27 x 56

Стоя на смотровой площадке Эмпайр-стейт-билдинг, Пол Джексон сделал эталонные фотографии для своей большой картины Tapestry .

«Фотографии были сделаны в сумерках, но они позволили мне отслеживать все здания», — говорит Джексон. «Это не фотографический реализм. Все на этой картине — все мои чувства и воспоминания о Нью-Йорке ».

---

9.

Песня ветра Джозеф Рафаэль Песнь ветра Джозеф Рафаэль, бумага, акварель, 66 x 45

Сюжетом художника Джозефа Раффаэля « Песнь ветра » является его сад. Для художника этот сад — постоянный источник вдохновения.

---

10.

Foxy Lady II Фредерик К. Графф Foxy Lady II , Фредерик Графф, акварель на ЮПО, 23 x 32

Художник Фредерик Графф считает, что для его искусства очень важно выходить за рамки простого фиксирования фактов и передавать то, что он видит, «неограниченным, но частично контролируемым» способом.

«В Foxy Lady II , например, сложный массив самолетов на переднем плане предлагает атрибутику верфи, фактически не описывая ее подробно», — отмечает Графф.«Точно так же голубовато-зеленые массы на заднем плане создают впечатление соснового леса».

---

11.

Кувшин в зеленый горошек с подсолнухами / Мэн от Кэролайн Брэди Кувшин в зеленый горошек с подсолнухами / Мэн Кэролайн Брэди, бумага, акварель, 30 x 20

Яркий натюрморт « Кувшин в зеленую точку с подсолнухами / Мэн » Кэролайн Брэди демонстрирует, почему виртуозный колорист считается мастером современного американского реализма.

---

12.

Равновесие Денни Бонда Равновесие Денни Бонда, бумага, акварель, 30 x 22

Денни Бонд создал Equilibrium во время обеда в Джеймстауне, Род-Айленд. «Изначально меня привлекал свет, падающий на голубые стены», — объясняет Бонд. «Поэтому я посоветовал жене выйти на свет, но все же оставить мне место, чтобы я мог увидеть изображение всадника, нарисованное на стене».

Он продолжает: «История создала сама себя.Все элементы были там. Их просто нужно было собрать вместе ».

---

13.

Звезды и полосы Джуди Беттс Звезды и полосы Джуди Беттс, бумага, акварель, 15 x 22

В этом мягком и поэтическом рендеринге Джуди Беттс использует основные цвета и их дополнения. Она использует разнообразие форм, размеров и ценностей, создавая прекрасные нейтральные тона на фоне своей цветочной картины Stars and Stripes .

«Цвета могут быть колыбельными или симфоническими, но то, что заставляет их петь в любом случае, — это расположение дополнительных цветов», — говорит Беттс. «Цвета, окруженные их дополнениями, вызывают взрыв. Он может быть тонким или монументальным ».

---

14.

Сырое утро Дин Митчелл Сырое утро Дин Митчелл, бумага, акварель, 10 x 15

Дину Митчеллу удается найти тихую поэзию в сюжетах своих водяных картин, которые в противном случае можно было бы упустить из виду, например, в убогих домиках из Damp Morning . Открытое пространство в центре композиции — место для отдыха и медитации.

---

15.

Торговый центр Джона Салминена Торговый центр , Джон Салминен, бумага, акварель, 29 1/2 x 35

Для этой заснеженной композиции Джон Салминен использовал группу прохожих, чтобы добавить ощущение масштаба. «Холодный зимний солнечный свет просачивался сквозь лабиринт покрытых инеем конечностей, — говорит он, — придавая сцене для The Mall ледяной свет».

---

16.

Девочки на свидании Дунфэн Ли Девочки на свидании Дунфэн Ли, акварель, ЮПО, 30 x 22

Дунфэн Ли, профессор искусств в Государственном университете Морхеда, рисует самые разные предметы, в том числе людей разного возраста и происхождения, например девушек, изображенных в фильме « Девочки на свидании» . В каждом случае художнику удается передать человечность, изящество и достоинство своего предмета.

«Их разный опыт может создавать интересные контексты», — утверждает Ли. «Мне любопытны эти различия; так что это одна из моих основных мотиваций в создании моей работы ».

---

17.

Winter Road , Ян Рэмси Зимняя дорога Яна Рэмси, бумага, акварель, 18 x 24

Белая бумага, или снег, стала платформой на картине Яна Рэмси, Winter Road , сцена в Южном Вайоминге.

Зимние композиции в значительной степени полагаются на отрицательное пространство, обеспечиваемое снегом. Более темные элементы травы, выбоин и холмов на заднем плане направляют взгляд к фермерским постройкам.

---

18.

Район Миссии, Риверсайд Фрэнк Франсезе ​​ Mission District, Riverside , Фрэнк Франсезе, бумага, акварель, 21 x 29

«В Mission District, Riverside есть немного волшебства, — говорит Фрэнк Франсезе. «Со мной такое случается не все время.Это произойдет чаще, если я просто позволю себе уйти и доверять своему суждению и своему сердцу ».

Художник выбирает цвет на основе эмоциональной реакции, а не того, что он видит на самом деле. «На самом деле, — отмечает Франсез, — я обычно работаю по быстрому черно-белому наброску из фломастера. Затем я просто придумываю свои собственные цвета, когда рисую ».

---

19.

In Shine Mirror Джордж Джеймс In Shine Mirror Джордж Джеймс, акварель на ЮПО, 28 x 37

После смерти отца Джордж Джеймс (1932-2016) написал In Shine Mirror , чтобы увековечить его портрет.«Вместо того, чтобы создать точное подобие, я попытался уловить его сущность, не обращая внимания на лицо», — объяснил Джеймс. «Я использовал зеркала, чтобы показать духовность и размышления».

---

20.

Мишель Скотт Бердик Мишель Скотт Бёрдик, бумага, акварель, 27 x 20

Идея картины Скотта Бердика « Мишель » возникла еще до того, как он сел за свою тему.

«Я так ясно видел эту картину, — вспоминает Бердик.«Я даже сделал его набросок перед фотосессией, чтобы помочь Мишель понять, какое настроение у меня было — ту долю секунды, когда ожидания вошли в комнату. Остальное остается на усмотрение зрителя ».

---

21.

Рыбаки, Миртл-Бич, Южная Каролина , Серж Холленбах Рыбаки, Миртл-Бич, Южная Каролина , Серж Холленбах, бумага, акварель, 8 x 10

На акварельной живописи Сержа Холленбаха, Fishermen, Myrtle Beach, S.C. , пять рыбаков привязаны по стоимости к планкам забора пирса, уравновешивая вертикали и строго горизонтальный формат.

---

22.

Завораживающие ветви, глуши V Кристин Козик Очаровательные ветви, глуши V Кристин Козик, бумага, акварель, 29 1/2 x 41 1/2

Эта акварельная живопись, входящая в серию из восьми, стала отправной точкой для Кристин Козич, когда она начала работу над картиной в 2006 году. «Я рисовала ботаники, но это были более тропические цветы», — отмечает Козич.

Ежедневная 45-минутная поездка до школы ее дочери в Северной Луизиане знакомила художницу со «всеми этими великолепными цветами на деревьях».

---

23.

Fjord Dal Станислав Золадз Fjord Dal , Станислав Золадзь, бумага, акварель, 22 x 30

Заснеженные горные вершины и белые пятна выпавшего снега на переднем плане создают баланс форм на картине шведского художника Станислава Золадца, уроженца Польши, Fjord Dal .

«В апреле и мае, после долгой зимы, свет с силой возвращается в Норвегию», — говорит Золадзь.

---

24.

Urchfront Flowers Чарльз Рид Urchfront Flowers — Чарльз Рид, бумага, акварель, 22 х 24

Художник Чарльз Рид считает, что начало создания водяных картин важнее, чем отделка. «Иногда так хочется точно нарисовать цветок, что ты становишься плотным и буквальным», — объясняет он. «Хитрость заключается в том, чтобы позволить краске и небольшому количеству воды рисовать за вас. ”

---

25.

Красный свитер Жан Педерсон Красный свитер Жан Педерсон, бумага, акварель, 14 x 11

Умелое использование теней и светов в картине The Red Sweater Жана Педерсона не только помогает создать яркую картину, но и создает ощущение силы внутри объекта.

«Начав новую жизнь в Канаде, этот молодой человек не отказался от своей угандийской идентичности, — говорит Педерсон. «Для многих иммигрантов меланхолия сопровождает надежду — чувство, которое я пытался передать в The Red Sweater .”

---

Версия этой статьи, написанная Анн Хевенер, впервые была опубликована в 25-летнем выпуске журнала Painting Artist .

Обязательно расскажите в комментариях, какая из этих 25 водяных картин вам больше всего нравится. Счастливой живописи, художники!

Другой связанный контент:

5 художников-акварелистов делятся своими уникальными процессами | Часть 2

Эти художники создают исцеляющие, медитативные цветочные образы, образы витражей и виньетки людей в своей стихии.

Слева направо: Be Yourself Джорджии Мансур; Внутри и снаружи Автор: Джулия Дюфолт МакГрат

Автор: Норман Колпас

В этой серии из двух частей мы пригласили пять успешных художников-акварелистов поделиться некоторыми работами из своего портфолио, а также уникальными процессами, которые они используют для их создания. Их истории и подходы проливают свет на акварель и соответствующие шаги, предлагая широкий взгляд на среду.

В части 2 ниже вы узнаете о Джорджии Мансур и Джулии Дюфолт МакГрат; Эти художники-акварелисты используют подробные, уникальные процессы для создания исцеляющих, медитативных цветочных образов, витражей и виньеток с людьми в их стихии.(Посмотрите Часть 1, чтобы увидеть еще более невероятных акварелистов.)

Наслаждайтесь!

Джорджия Мансур

Джорджия Мансур пользуется всемирной репутацией акварелиста и педагога, известного своими яркими пленэрами. Но когда ее муж умер в прошлом году, после храброй битвы с раком мозга, Мансур сосредоточилась на глубоко медитативном процессе рисования, который позволяет ей «действительно настроиться на мои чувства очень мирным и исцеляющим образом».

В результате получаются выразительные цветочные образы, которые словно рождаются прямо из души.

Сочные лужи оранжевого, красного, фиолетового и зеленого цветов слились в яркую картину маков, которые, кажется, развеваются на ветру.

Процесс Мансура

Работая из своего дома в районе Северных пляжей в Сиднее, Австралия, в студии с видом на воду, она начинает с использования больших кистей, чтобы нанести «большую, влажную, сочную размытку» цветов, выбранных из ее собственной фирменной палитры 16, автор: Daniel Smith Watercolors — на полном или половинном листе 300-фунтовой акварельной бумаги с грубой текстурой от Arches, Saunders Waterford или Baohong.«Мне нужна бумага, которая не сгибается, когда я пропитываю ее большим количеством воды и пигмента», — объясняет она. Пока краска еще жидкая, «я перемещаю ее, чтобы создать различные эффекты, синяки и царапины на бумаге мастихином, кредитными картами, зубными щетками, кухонными инструментами — всем, что мне нужно». Затем она оставляет бумагу сушиться на ночь.

После нанесения широких цветных мазков и давая им высохнуть в течение ночи, Мансур начинает постепенный процесс определения изображений для создания акварели, которую она назвала Be Yourself .«Я буквально решила плыть по течению картины», — говорит она. Будьте собой

Следуя своим инстинктам

На следующий день она заново рассматривает вымытую цветную простыню. «Я поворачиваю его со всех сторон, чтобы он говорил со мной и смотрел, что происходит», — говорит Мансур. Следуя своим инстинктам, она приступает к следующему шагу: она использует скальпель или острые ножницы с острым концом, чтобы вырезать небольшие абстрактные формы из листов старой рентгеновской пленки. Затем она стратегически размещает эти шаблоны поверх своей акварели и снимает цветные пятна под вырезами, используя влажную морскую губку или бумажные полотенца, постепенно «разрабатывая рисунок таким образом, чтобы это имело смысл. Наконец, она уточняет композицию, добавляя детали конической кистью.

Мансур систематизирует свою палитру фирменных цветов от Daniel Smith Watercolors в виде цветового круга. «Если вы установите дополнительные цвета напротив друг друга, вы получите серый, который идеально гармонирует с используемыми вами цветами. Это великолепные оттенки серого, заставляющие петь другие цвета «. Hydrangeas x 2 «» начиналось, как говорит Мансур, «как классная демонстрация, показывающая студентам, что они не боятся быть немного дикими и сумасшедшими на первых этапах рисования.Эти цветы были всего лишь двумя гигантскими фиолетовыми каплями, пока я не вырезал свои маленькие фигурки и не начал вставлять эти листья под головками цветов и негативное пространство за вазами ».

Мансур теперь рассказывает об этом процессе в мастерских. К ее глубокому удовлетворению, она считает, что это помогает ее ученикам «справиться со стрессом, горем или травмой. Затем они начинают создавать по-настоящему радостные и красивые картины, которые хотят создать ».

Чтобы узнать больше об искусстве и творческом процессе Джорджии Мансур, посетите https: // georgiamansur.com.

Джулия Дюфо МакГрат

Даже самый быстрый взгляд на одну из акварелей Джулии Дюфолт МакГрат говорит о ее кропотливо детализированном процессе рисования. Тем не менее, ее конечная цель — достичь чего-то, что выглядит почти без особых усилий интимным, будь то сцена природы, которая «больше виньетка, чем полный пейзаж», или портрет, который показывает, что объекты в «запечатленные моменты делают то, что им нравится».

Художник на песке , говорит МакГрат, «моя любимая картина всех времен».Работа также служит прекрасным примером ее основной цели в ее образных акварелях: «запечатлеть людей, которые делают повседневные дела, которые им нравится делать». Объясняйте качество солнечного света в большинстве работ МакГрат тому факту, что, когда позволяет погода, она часто любит рисовать на открытом воздухе. «Если я вижу красивый объект, отбрасывающий красивую тень, он говорит со мной. Я люблю это.»

Любовь к акварели

Любовь МакГрата к акварели из Мичигана началась с того, что он получил предварительный курс по рисованию в Государственном университете Уэйна.«Преподаватель-аспирант никогда не учил нас, как использовать магию краски», — говорит она. Но когда она была беременна второй дочерью в возрасте 29 лет, она снова обратилась к акварели. В конце концов она научилась уважать и любить медиума, относясь к нему с должной осмотрительностью. Иногда это означает, что на одну работу нужно тратить до 120 часов. «С акварелью вам действительно нужно подумать о конце игры и спланировать картину, прежде чем начать».

Внутри и снаружи — это портрет дочери МакГрата Челси.Используя черную ленту художника шириной в полдюйма, она сформировала случайную сетку вокруг изображения Челси, напоминающую свинец, обрамляющий части витража. Когда акварельное изображение для Inside и Outside было готово, включая штампованные узоры, которые являются подписью ее работы, она удалила ленту, добавила темный оттенок, напоминающий обветренный свинец, и нарисовала сетку.

Процесс McGrath

Обсуждения МакГрат начинаются с «множества набросков и рисунков», иногда вдохновляемых эталонными фотографиями или, для натюрмортов, объектами, которые она создает.Когда она доходит до своей композиции, она рисует карандашом на листе пергамента того же размера, что и картина. Она переворачивает пергамент и просматривает рисунок на обратной стороне. Затем она снова переворачивает его лицевой стороной вверх и кладет на лист акварельной бумаги весом 300 фунтов — ей нравятся Arches, Winsor & Newton. Она проводит по нему еще раз, давление переносит карандашные линии с обратной стороны на поверхность бумаги.

Как только ее набросок готов, МакГрат начинает процесс рисования.Некоторые аспекты объекта, например оттенки кожи, могут включать более трех десятков отдельных слоев акварели. «Я добавлю кадмиево-желтый свет, дай ему высохнуть, а затем нанесу мазок малинового ализарина», — объясняет она. «Если мне нужно, чтобы было прохладнее, я добавлю немного диоксазинового фиолетового, темно-зеленого Хукера или французского синего. Это как витраж: вы можете видеть сквозь каждый слой, и он становится все богаче и богаче ».

Передача чертежей в действии

Во время визита в 2014 году в портовый город Сацек на юге Вьетнама внимание МакГрата, в частности, привлек один стойла.«Ее взгляд, смотрящий прямо на меня очень гордо, напомнил мне Олимпию Мане. Я сразу же сделал фото ». Вернувшись домой, это изображение стало основой для подробного карандашного рисунка, который она затем перенесла на акварельную бумагу. Перед тем как начать рисовать центральную фигуру, МакГрат нанесла на бумагу бледные краски. «Многим художникам-акварелистам нравится избавляться от белого цвета бумаги, который может вас запугать», — говорит она. Готовая картина « Женщина из Санжека » демонстрирует мастерство художника в передаче мелких деталей яркими насыщенными цветами.

Чтобы узнать больше об произведениях искусства и творческом процессе Джулии Дюфо МакГрат, посетите https://www.juliadufaultmcgrath.com.

---

Если вы еще не сделали этого, ознакомьтесь с частью 1 этой серии, чтобы познакомиться с работой и уникальными процессами Эллен Дидерих, Тины Больман и Уильяма Ресслера . Эти трое акварелистов овладели искусством снимать сельские пейзажи и городскую жизнь.

Все 5 художников-акварелистов в том виде, в котором они представлены в этой серии:

Колпас — фрилансер из Лос-Анджелеса, который пишет для Mountain Living и Colorado Homes & Lifestyles , а также для Southwest Art . Чтобы получить больше вдохновляющих профилей художников, подпишитесь на Southwest Art здесь.

Другие статьи по теме:

10 художников-акварелистов, которые вдохновят ваших учеников

Когда дело доходит до преподавания акварели, чувствуете ли вы уверенность в том, что продвинете работу своих учеников на новый уровень?

Предлагаете ли вы своим ученикам разбить свою работу на разделы, выполнить различные эксперименты с акварельной техникой, а затем перейти к чему-то новому? Хотя это один из способов представить среду, есть еще много других вариантов.

Давайте посмотрим на 10 художников, которые используют акварель в своей работе, чтобы вдохновить ваших учеников и улучшить вашу педагогическую практику.

1. Сара Хан

изображение через sara-khan.com

Сара Хан — художник-акварелист, живущая в Канаде. Ее работа яркая, игривая и похожа на сон. Она играет удивительными комбинациями, создавая причудливые пейзажи. Ее работа — отличный пример, который помогает студентам думать о негативном пространстве, а также о взаимоотношениях между фигурой и фоном.

Изучая ее работы, научите студентов маскировке.Если маскирующая жидкость не входит в ваш бюджет, попробуйте резиновый клей или белый мелок для аналогичных результатов.

Сайт: sara-khan.com

2. Эмма Ларсон

изображение через @zebrakadebra

Эмма Ларсон создает абстрактные акварельные картины. Глядя на ее работы, вы увидите, что она охватывает плавную природу акварели и техник мокрого по мокрому, позволяя краям растекаться, а формам трансформироваться. Ее картины вызывают желание искать скрытые фигуры и узнаваемые формы.

Посмотрите ее картины со своими учениками и потренируйтесь рисовать методом мокрое по мокрому.

Instagram: @zebrakadebra

---

Эти художники — отличное начало для любого акварельного проекта или учебной программы. Если вы ищете конкретную информацию об обучении студентов акварели, обязательно ознакомьтесь с этими ресурсами!

---

3. Элиза Моррис

изображение с elisemorris.net

Сюрприз! Элиза Моррис действительно работает с акрилом.Но ее работы так похожи на акварель; мы все равно собираемся его изучить. Ее картины кажутся легкими и полными глубины. Большинство черпает вдохновение в природе. Каждый слой прозрачный и текучий. Она часто начинает с рисования карандашом формы листьев. Она позволяет многим из этих линий оставаться, а иногда оставляет формы неокрашенными.

Предложите учащимся подумать о том, как они могут показать свой процесс в своей работе.

Веб-сайт: elisemorris.net

4. Джастин Маргитич

изображение через justinmargitich.com

Джастин Маргитич создает абстрактные картины, смешивая акварельные и акриловые краски. Он использует акриловую краску для создания четких прямых краев и сочетает это с плавной природой акварели. Контраст обоих создает измерение и контраст в его работах.

Начните с того, что ученики посмотрят его картины. Затем предложите им изучить возможность работы с акриловыми и акварельными красками в их альбоме для рисования. Это может помочь учащимся понять свойства каждой среды.

Веб-сайт: justinmargitich.com

5. Али Кавано

изображение через alicavanaugh.com

Али Кавано использует акварель на мокрой поверхности каолиновой глины и называет свой процесс «современными фресками». Большинство ее картин — это реалистичные портреты, позволяющие увидеть каждый слой цвета, который смешивается, создавая оттенок кожи. При посещении ее веб-сайта обязательно посмотрите короткометражный фильм, который больше расскажет вам о ней и ее процессе.

Предложите учащимся изучить, как среда и поверхность работают вместе. Чтобы начать исследование, попросите каждого ученика выбрать от трех до пяти различных поверхностей.Затем предложите им попробовать различные акварельные техники и поразмышлять над результатами.

Веб-сайт: alicavanaugh.com

6. Клэр Коуи

image via clairecowie.com

Когда вы зайдете на сайт Cowie, вы увидите широкий спектр техники и средств массовой информации. Моя любимая работа — и отличный пример акварели — это «Пассажи 2016». Она использует яркие живые цвета, которые кажутся сияющими. Ее работы включают в себя негативное пространство, а также форму, цвет и глубину. Ее картина, Lincoln Park Conservatory , состоит в основном из линий, квадратов и прямоугольников, расположенных так, чтобы зритель почувствовал, будто он падает на картину.

Обучайте студентов маскировке и силе негативного пространства. Вы можете предложить ученикам создать картину, закрасив только негативное пространство, позволяя предмету быть цветом бумаги.

Сайт: clairecowie.com

7. Этч

изображение с aitch.ro

Эйч — иллюстратор, работающий с широким кругом компаний, таких как Chobani и PAI по уходу за кожей. Ее картины игривы, полны красок и содержат много повторяющихся узоров. Вы можете увидеть, как ее иллюстрации оживают в этой анимации Чобани.

Предложите учащимся изучить ее работы и научиться создавать и повторять собственный узор.

Сайт: aitch.ro

8. Дженнифер Тайерс

изображение через jennifertyers.com

Дженнифер Тайерс — художница из Тасмании, которая рисует красочные пейзажи. Ее работы демонстрируют яркость акварели, сочетая реальность и чистое воображение. Фигуры Тайерса полны, с небольшим отрицательным пространством.

Предложите ученикам взглянуть на ее работы и увидеть, как она использует повторение, чтобы не допустить хаоса в своих картинах.

Веб-сайт: jennifertyers.com

9. Яакко Маттила

image via jaakkomattila. fi

Яакко Маттила создает картины, которые светятся и вибрируют — иногда до некоторой степени тревожности. Обязательно посмотрите это видео, чтобы получить представление о его процессе.

Посмотрите на его работы, когда вы учите студентов теории цвета. Представьте себе, как учащиеся исследуют цветовое колесо.

Веб-сайт: jaakkomattila.fi

10. Эния Тодд

изображение через @enya_todd

Эния Тодд — иллюстратор, специализирующийся на рисовании еды и цветов.У нее есть опыт работы над редакционными статьями, а также дизайном упаковки и поздравительных открыток.

Предложите студентам изучить ее веб-сайт, чтобы увидеть спектр ее работ и проектов. Затем поговорите с ними о том, что значит быть уполномоченным создавать искусство.

Веб-сайт: enyasartofpatisserie.com

Акварель — великолепный материал для любого возраста. Студентам нравится изучать техники, и очистка проста — по сравнению с работой темперой, акриловыми или масляными красками. В средней школе ученики часто обращаются с акварелью как с акрилом, когда они наносятся толстым слоем и требуют небольшого времени высыхания. Однако, как только студенты увидят, как другие художники используют акварель, они смогут лучше понять, как применить ее к своей работе.

Кто из ваших любимых художников-акварелистов, которыми вы хотите поделиться со студентами?

Что вас больше всего разочаровывает, когда дело доходит до обучения акварели ваших учеников на любом уровне?

талантливых известных художников, которые продолжают влиять на акварельную живопись сегодня

Акварельная живопись — один из самых доступных видов искусства.Скорее всего, каждый пробовал этот тип рисования в какой-то момент своей жизни, будь то уроки рисования в детстве или просто открывая его для себя во взрослом возрасте. Однако, несмотря на это знакомство, многие люди не знают его богатую историю и некоторых из самых известных художников-акварелистов, которые сделали среду такой, какой она является сегодня.

Подобно текстильному искусству, акварель имеет корни в Европе палеолита, но в средние века она приобрела некоторую популярность в освещении рукописей. Используя яркие пигменты, художники иллюстрировали небольшие сцены и декоративные узоры на полях рукописных книг.Эти сложные тексты были не для всех — для создания одной иллюминированной рукописи потребовалось четыре человека, — а зачастую религиозные труды в основном ограничивались монастырями.

Эпоха Возрождения привлекла внимание к акварельной живописи. Это вышло за рамки декоративных рукописей и вошло в работы таких художников, как Альбрехт Дюрер. Он, как и другие станковые художники того времени, использовал акварель для набросков, копий или неформальных рисунков. Акварельная живопись также была принята элитным классом как часть их общего образования и в конечном итоге стала популярной, особенно в Англии, как способ вести хронику своих путешествий.Но хотя акварельная живопись была хорошо известна, к ней не относились так серьезно, как к масляной живописи или гравюрам.

Однако в 19 веке акварель приобрела большой статус. Мировые исследования вызвали всеобщий ажиотаж, а иллюстрации дикой природы и природы использовались для иллюстрации научных публикаций. Художник и орнитолог Джон Джеймс Одюбон представляет вершину этого движения, и он использовал акварельную живопись, чтобы оживить свои реалистичные рисунки птиц.В его знаменитой книге Птицы Америки (1827–1839) было идентифицировано 25 новых видов. Этим он положил начало художественной традиции, которая живет и по сей день — путеводители, иллюстрированные акварелью.

В то время как Одюбон придерживался сдержанного технического подхода к своей работе, другие известные художники-акварелисты были не столь точны. Джорджия О’Кифф, например, играла с текучестью среды, создавая картины, представляющие собой красивые поля ярких цветов. Как и Одюбон, она была вдохновлена ​​миром природы, но ее интерпретация совершенно противоположна.Вместе они демонстрируют невероятный диапазон акварели.

Чтобы понять привлекательность акварельной живописи сегодня, узнайте больше о некоторых из самых известных художников-акварелистов на протяжении всей истории.

АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР (1471 — 1528)

Левое крыло синего ролика », около 1500 или 1512 года. Предоставлено Национальной галереей искусств.

Альбрехт Дюрер был человеком многих талантов, известным своими картинами, гравюрами на дереве и гравюрами. Что касается акварели, он считался одним из первых выдающихся европейских художников, использовавших этот материал в своих работах.Это приняло форму зарисовок пейзажей и природы, которые мы все еще можем видеть сегодня благодаря его почти навязчивой коллекции работ.

«Богородица с младенцем и множеством животных и растений», около 1503 года. Предоставлено Национальной художественной галереей.

J.M.W. ТЕРНЕР (1775 — 1851)

Гавань Грейт-Ярмута, Норфолк », около 1840 года. Предоставлено Национальной галереей Ирландии.

Как Dürer, J.M.W. Тернер занимался не только акварелью. Считая поэзию и преподавание частью своих интересов, его общий художественный талант воспитывался с юных лет.Он использовал свои навыки акварели для выставок и создания коммерческих работ, которые принесли ему «первый реальный доход». Позже Тернер использовал медиума как способ вести хронику своих путешествий — его страсть к этому никогда не угасала. Последнее десятилетие его трудовой жизни характеризовалось всплеском производства акварельной живописи.

Венеция: Сан-Джорджо-Маджоре — раннее утро », 1819. С любезного разрешения Tate Britain.

УИЛЬЯМ БЛЕЙК (1757 — 1827)

Беатрис обращается к Данте из машины », около 1824 г. С любезного разрешения Tate Britain.

Уильям Блейк считается одним из величайших поэтов английского языка, но заслуживает внимания и его искусство. Изучив его в детстве, он прошел обучение у гравера, прежде чем попробовать акварель. В конце концов, он усовершенствовал свою технику «фрески», которая в основном представляет собой монотипную печать; сначала он нарисовал рисунок на плоской поверхности (например, медной пластине), а затем нанес его на бумагу. Затем дизайны были индивидуально обработаны тушью и акварелью, чтобы каждое изображение было единственным в своем роде.

«Цербер» (из «Божественной комедии» Данте) », около 1824 г. С разрешения Tate Britain.

ДЖОН ДЖЕЙМС ОУБОН (1785 — 1851)

Цапля трехцветная (Egretta tricolor), Havell pl. 217 », 1832 г. Предоставлено Историческим обществом Нью-Йорка.

Около 90 лет назад Джон Джеймс Одюбон написал книгу «Птицы Америки », но она до сих пор считается одной из лучших когда-либо изданных книг по орнитологии. Стремление Одюбона запечатлеть наших пернатых друзей также помогло начать художественную традицию натуралистических изображений, дополняемых акварелью.

«Северный бобуайт (Colinus virginianus) и красноплечий ястреб (Buteo lineatus)», около 1825 г. С любезного разрешения Исторического общества Нью-Йорка.

ТОМАС МОРАН (1837-1926)

В Бигхорнских горах », 1889 г.

Томас Моран известен своими пейзажными акварельными красками, особенно из Йеллоустонского национального парка. Фактически, именно его неземные изображения гейзеров и горячих источников помогли убедить Конгресс США официально обозначить его как Йеллоустонский национальный парк в 1892 году. Практика Морана была основана на школах реки Гудзон и Скалистых гор — художественных школ и движений, которые сформировали эстетика и образность американской пейзажной живописи XIX века.

«Йеллоустон, Горячий источник», 1892 г.

WINSLOW HOMER (1836-1910)

Глостер-Харбор », 1873 г. С любезного разрешения Викимедиа.

Художник-самоучка Уинслоу Гомер основал свою художественную практику на настоящем моменте. Один из его современников, художник Юджин Бенсон, был очень замкнутым человеком, но писал, что Гомер считает, что художники «никогда не должны смотреть на картины». Скорее им следует «заикаться на своем языке» и рисовать (или рисовать) прямо с натуры. Для Гомера это означало идиллические тихие сцены повседневной жизни, которые он завершал дома в Массачусетсе, а также поездки за границу.

«Цветочный сад и бунгало», Бермуды, 1899 г. Предоставлено Музеем искусств Метрополитен.

ДЖОН СИНГЕР САРЖЕНТ (1856-1925)

«Белые корабли», около 1908 г. Предоставлено Музеем изящных искусств, Бостон.

Джон Сингер Сарджент известен своими портретами, но его акварельные работы отмечают отход от них. По аналогии с традициями других художников, его акварели часто изображали пейзажи, запечатлевшие его путешествия. В этих композициях Сарджент изменил свой стиль, чтобы отразить игривую текучесть среды; в то время как его масляные портреты были четко прорисованы, акварельные изображения кораблей и берега выполнены в жестовой манере.

«Симплонский перевал: чтение», около 1911 года. Предоставлено Музеем изящных искусств, Бостон.

ГРУЗИЯ О’КИФФ (1887–1986)

ДЖОРДЖИЯ О’КИФФ (1887–1986)

Джорджия О’Кифф начала экспериментировать с акварелью, когда ей было около 20 лет, как способ игры с цветом и композицией. Это было до ее культовых масляных картин с цветами, а абстрактные акварели рассказывают о ее творческом пути к тому, чтобы чувствовать себя комфортно, работая в менее изобразительном стиле.

Каньон с воронами », 1917 год. Предоставлено музеем Джорджии О’Киф.

ПОЛ КЛИ (1879-1940)

Южные (тунисские) сады », 1919. Собрание Хайнца Берггрюна, Париж.

В 1911 году Пауль Клее присоединился к группе художников под названием Blaue Reiter , организации, которая использовала их работу как способ выражения «духовных истин». Интересующийся нефигуративным искусством и примитивизмом, цвет был важной частью эстетики группы. Акварельные картины Клее были средством экспериментирования, чтобы понять его отношения с «царством цвета».”

Идея елей », 1917. Предоставлено Музеем Гуггенхайма.

ЧАРЛЬЗ ДЕМУТ (1883-1935)

Деревья и амбары: Бермудские острова », 1917 год. Предоставлено Художественным музеем колледжа Уильямс.

Чарльз Демут художественно достиг совершеннолетия в период модернизма, и его встречи с кубизмом оказали большое влияние на его акварельные работы. Эта любовь к резким линиям и геометрическим формам сделала его одним из основателей Движения прецизионистов; его структурированные элементы сочетались с рассеянными смывками, сплавлением порядка и хаоса.

Красные дымоходы », 1918 г. С любезного разрешения собрания Филлипса.

РЕГИНАЛЬД МАРШ (1898 — 1954)

«Локомотив», 1932.

Работы Реджинальда Марша стали синонимом Нью-Йорка. В 1930-40-е годы он вел хронику повседневной жизни шумного мегаполиса; это включало области на окраинах, такие как салоны бурлеска и Кони-Айленд. Обладая такими наблюдательными навыками, его работа идеально подходила для журналистики, и он работал в The Daily News . Что касается акварели, он сказал: «Акварель я взял в руки и хорошо освоил, без каких-либо представлений.”

«Буксиры, Нью-Йорк», 1938.

ЭНДРЮ УАЙТ (1917–2009)

Хижина на острове с ласточками ».

Американский художник Эндрю Уайет — сын известного иллюстратора Н.К. Уайета. Благодаря наставничеству отца Эндрю рано освоил акварель. К 20 годам у него была первая персональная выставка всех акварельных картин. (Билеты на шоу были распроданы.) По мере того, как его карьера продолжала расти, Эндрю расширил выбранные им материалы до яичной темперации, но он продолжал создавать акварели, вдохновленные его уединенными прогулками в своем родном городе Чаддс Форд, штат Пенсильвания, а также в Кушинге, штат Мэн.

«Gunsight», 1974.

ЭДВАРД ХОППЕР (1882–1967)

Эль Паласио », 1946. Предоставлено Музеем американского искусства Уитни.

Эдвард Хоппер известен масляными картинами, такими как легендарный Nighthawks , но художник тоже был мастером акварели. В обоих СМИ внимание Хоппера было одинаковым; американский опыт, увиденный через пейзажи. «Моей целью в живописи, — цитирует его слова, — всегда была самая точная из возможных транскрипций моих самых сокровенных впечатлений от природы.”

Light at Two Lights », 1927. Предоставлено Blount, Inc., Монтгомери, Алабама.

.