Акварель – легка, прозрачна, вместе с тем сложна. Не терпит исправлении. Краска эта известна с древнейших времен. Их применяли в древнем Египте, древнем Китае и в странах античного мира.Акварель нуждается в особой, пористой бумаге. Она была изобретена в Китае. Краска легко впитывается в нее. Но сложность в прозрачности — нельзя перекрыть один цвет другим — смешаются. Испоравить ошибку невозможно, разве что обыграть нечаянно появившееся пятно. Различают акварель «по-мокрому» и акварель «сухой кистью». Я люблю первый прием. Он носит еще название «а ля прима». Она легче, прозрачнее.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Одним из художников Ренессанса, добившихся больших успехов в акварельной живописи был Альбрехт Дюрер. Примером тому может послужить его работа «Заяц».

В XVIII—XIX века благодаря Томасу Гёртину и Джозефу Тёрнеру акварель стала одним из важнейших видов английской живописи.

Томас Гертин – молодой художник, умер в возрасте 27 лет, но его по праву называют выдающимся художником. Он очень быстро выработал свой стиль: отметая некоторые старые каноны, убирая ограниченное в рисунке, стал отказываться от разработки переднего плана, стремился запечатлеть незамкнутое пространство, стремясь к панорамности.

Акварелист Джозеф Тернер также постоянно совершенствовал свою технику, изучал природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве и художников-пейзажистов.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

Эдуард Петрович Гау. Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин, Михаил Врубель, Валентин Серов, Иван Билибин.

В. Серов Портрет И.Репина

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.

Александр Бенуа (1870-1960). Римский капитолий. Карандаш, акварель и гуашь на бумаге.

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

Задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов», несомненно, выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица . 1910. Акварель.

Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

В. Конашевич. «Желтые георгины» (бумага, акварель)

В настоящее время существует множество художников, работающих в технике акварельной живописи. Их работы отличаются, но есть и много общего – кажущаяся простота и легкость исполнения, воздушность.
В 1998 году было создано «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

Справочник. АКВАРЕЛИ ИЗВЕСТНЫХ ХУДОЖНИКОВ,http://www. artap.ru/slovar_…
http://st-orange-r.ru/art1….

Картины художников. Зарубежная живопись и другое искусство

Главная » Акварель

Художник-акварелист Joseph Branko Zbukvic.

Привет всем входящим на usenkomaxim.ru

Нашел еще одного художника-акварелиста. На этот раз югославский мастер Joseph Branko Zbukvic. И он мне понравился значительно больше японской художницы Keiko Tanabe, работы которой выкладывал в предыдущем посте. Последняя относительно первого словно ученица. У нее еще все впереди…. Более ничего писать от себя не буду. Прилагаю выдержки из сети…

      Его годы становления были проведены на небольшой ферме, в широком семейном кругу, где большая часть домашних работ выполнялась вручную в традиционной манере. Этот идиллический опыт семейной жизни в сельской атмосфере  дал ему более утонченное понимание отношений человека с природой, а также развил его сильную нравственную сторону. Его бабушка быстро распознала и поощряла его художественный талант в дошкольном возрасте. И эта его ранняя любовь к рисованию осталась с ним на всю жизнь, ныне является основой всей его работы.

     Несмотря на очевидный талант сына, родители Joseph Branko Zbukvic решили, что достойного будущего в профессии художника у их сына не будет, и в 1967 году он поступил в университет на кафедру изучения языков и литературы, для того чтобы впоследствии посвятить себя преподавательской деятельности.

      Но все это образовательное начинаение было прервано в 1970 году, когда из-за политических волнений семья решила эмигрировать из Югославии в Австралию. Там Joseph Branko Zbukvic продолжил свое заочное образование в университете Дикин в Мельбурне. Окончив университет в 1974 году, он получил диплом искусств в области промышленного дизайна. В тот же период он снова для себя открыл акварель и начал писать, достигнув мгновенного успеха в художественных конкурсах, выиграв свою первую крупную награду искусства в 1975 году. С тех пор он завоевал более 200 международных наград, провел более 40 персональных выставок в Мельбурне, Сиднее, Брисбене, Аделаиде, Лондоне и Сан-Антонио… А первая персональная выставка у него была в 1977 году в галерее Истгейт, Брайтон, Мельбурн.

  В 1978 году он начал писать полный рабочий день, и вскоре зарекомендовал себя как ведущий акварелист. Joseph добился огромного успеха в акварельной живописи благодаря мастерской технике и невероятному  разнообразию  изображаемых тем и предметов.

      После 20-летнего отсутствия, Joseph Branko Zbukvic побывал в Загребе в 1990 году. Он получил теплый прием и был сделан художником в резиденции Мимара Музея изобразительных искусств.

      На данный момент Joseph Branko Zbukvic является одним из лучших художников-акварелистов в мире. Его акварельные работы, семинары, практические уроки востребованы и продаются всюду, где он путешествует…

     Ну и кончено, в настоящее время он стоит членом множества самых престижных клубов, обществ, институтов акварельного искусства. Ведет преподавательскую деятельность…

Другие материалы из этой категории:

Новые появляющиеся художники — Акварель Artist ‘ s 2012, которые нужно посмотреть

То, что сделало акварели этих новых появляющихся художников, выделяется их эмоциональным качеством. Наслаждайтесь галереей дополнительных работ — акварельными пейзажами, акварельными портретами, акварельными натюрмортами, акварельными цветами и многим другим — из декабрьского номера 2012 года Artist Artist. Ознакомьтесь с различными техниками акварели на работах ниже, от рыхлых и плавных, до точных и более выразительных, и узнайте больше об этих «Следящих» в номере журнала за декабрь 2012 года.

Билл Бейли | Окленд, Теннесси

Чэн Фен Ех | Рэдфорд, Вирджиния

Синди Эванс | Уильямстон, Мичиган

www. caevansart.com

Донна Моррисон | Тампа, Флорида

www.donnamorrison.net

Джозеф Стоддард | Пасадена, Калифорния

www.josephstoddard.com

Лейн Холл | Медфорд, Орегон

Мэри Барнетт | Боулдер, Колорадо

Она Кингдон | Ричмонд Хилл, Онтарио, Канада

www.onak.ca

Робин Эриксон | Фоллбрук, Калифорния

www. ericksonwatercolors.com

Сюзанна Рид Файн | Колумб, Джорджия

www.suzannereedfine.com

Узнайте больше об этих художниках — и почему они были номинированы ведущими инструкторами по водному медиа и выставочными жюри — в декабрьском выпуске «Artist Artist» за 2012 год.

Нажмите здесь, чтобы вернуться на главную страницу «Смотреть».

БОЛЬШЕ РЕСУРСОВ ДЛЯ ВОДНЫХ ЦВЕТОВ

• Подписаться на журнал Artist Artist

• Смотреть художественные мастер-классы по требованию на ArtistsNetwork.TV

• Получите неограниченный доступ к более 100 книг по искусству

известных художников-акварелистов, которые до сих пор влияют на среду

Акварельная живопись — один из самых доступных видов искусства. Скорее всего, каждый пробовал этот тип рисования в какой-то момент своей жизни, будь то уроки рисования в детстве или просто открывая его для себя во взрослом возрасте. Однако, несмотря на это знакомство, многие люди не знают его богатую историю и некоторых из самых известных художников-акварелистов, которые сделали среду такой, какой она является сегодня.

Подобно текстильному искусству, акварель имеет корни в Европе палеолита, но в средние века она приобрела некоторую популярность в освещении рукописей.Используя яркие пигменты, художники иллюстрировали небольшие сцены и декоративные узоры на полях рукописных книг. Эти сложные тексты были не для всех — для создания одной иллюминированной рукописи потребовалось четыре человека, — а зачастую религиозные труды в основном ограничивались монастырями.

Эпоха Возрождения привлекла внимание к акварельной живописи. Это вышло за рамки декоративных рукописей и вошло в работы таких художников, как Альбрехт Дюрер. Он, как и другие станковые художники того времени, использовал акварель для набросков, копий или неформальных рисунков.Акварельная живопись была также принята элитным классом как часть их общего образования и в конечном итоге стала популярной, особенно в Англии, как способ вести хронику своих путешествий. Но хотя акварельная живопись была хорошо известна, к ней не относились так серьезно, как к масляной живописи или гравюрам.

Однако в 19 веке акварель приобрела большой статус. Мировые исследования вызвали всеобщий ажиотаж, а иллюстрации дикой природы и природы использовались для иллюстрации научных публикаций.Художник и орнитолог Джон Джеймс Одюбон олицетворяет вершину этого движения, и он использовал акварельную живопись, чтобы оживить свои реалистичные рисунки птиц. В его знаменитой книге Птицы Америки (1827–1839) было идентифицировано 25 новых видов. Этим он положил начало художественной традиции, которая живет и по сей день — путеводители, иллюстрированные акварелью.

В то время как Одюбон придерживался сдержанного технического подхода к своей работе, другие известные художники-акварелисты были не столь точны.Джорджия О’Кифф, например, играла с текучестью среды, создавая картины, представляющие собой красивые поля ярких цветов. Как и Одюбон, она была вдохновлена ​​миром природы, но ее интерпретация совершенно противоположна. Вместе они демонстрируют невероятный диапазон акварели.

Чтобы понять привлекательность акварельной живописи сегодня, узнайте больше о некоторых из самых известных художников-акварелистов на протяжении всей истории.

«Левое крыло синего ролика», около 1500 или 1512 года.(Фото: Public Domain)

Альбрехт Дюрер был человеком многих талантов, известным своими картинами, гравюрами на дереве и гравюрами. Что касается акварели, он считался одним из первых выдающихся европейских художников, использовавших этот материал в своих работах. Это приняло форму зарисовок пейзажей и природы, которые мы все еще можем видеть сегодня благодаря его почти навязчивой коллекции работ.

«Богородица с младенцем и множеством животных и растений», около 1503 г. (Фото: Public Domain)

«Гавань Грейт-Ярмута, Норфолк», около 1840 г. (Фото: Public Domain)

Как Dürer, J. M.W. Тернер занимался не только акварелью. Считая поэзию и преподавание частью своих интересов, его общий художественный талант воспитывался с юных лет. Он использовал свои навыки акварели для выставок и создания коммерческих работ, которые принесли ему «первый реальный доход». Позже Тернер использовал медиума как способ вести хронику своих путешествий — его страсть к этому никогда не угасала.Последнее десятилетие его трудовой жизни характеризовалось всплеском производства акварельной живописи.

«Нант с острова Фейдо», около 1829-1830 гг. (Фото: Public Domain)

Уильям Блейк считается одним из величайших поэтов английского языка, но заслуживает внимания и его искусство. Изучив его в детстве, он прошел обучение у гравера, прежде чем попробовать акварель. В конце концов, он усовершенствовал свою технику «фрески», которая в основном представляет собой монотипную печать; сначала он нарисовал рисунок на плоской поверхности (например, медной пластине), а затем нанес его на бумагу. Затем дизайны были индивидуально обработаны тушью и акварелью, чтобы каждое изображение было единственным в своем роде.

известных художников-акварелистов, которые до сих пор влияют на среду

Известных художников-акварелистов, которых вы должны знать

«Птицы Америки» с изображением рябчика. (Фото: Public Domain)

Около 90 лет назад Джон Джеймс Одюбон закончил книгу Птицы Америки , но она до сих пор считается одной из лучших когда-либо изданных книг по орнитологии.Стремление Одюбона запечатлеть наших пернатых друзей также помогло начать художественную традицию натуралистических изображений, дополняемых акварелью.

«Северный бобуайт (Colinus virginianus) и красноплечий ястреб (Buteo lineatus)», около 1825 г. (Фото: Public Domain)

«Vista de la Orotava y del Pico Teide», около 1851 г. (Фото: Public Domain)

Британская художница Элизабет Мюррей научилась рисованию акварелью у своего отца Томаса Хифи, который также был акварелистом.Они путешествовали вместе, и Мюррей провел много времени в Риме, Марокко и на Канарских островах. В течение 10 лет она писала пейзаж, а также портреты из своих путешествий. Ее работы известны своим выбором цветов, в которых используются коричневый, фиолетовый, синий, черный, красный и золотой, а также оливковые и коричневые цвета, чтобы придать им теплый оттенок.

«Церковное покровительство», 1860 г. (Фото: Public Domain)

«В горах Бигхорн», 1889 г.(Фото: Public Domain)

Томас Моран известен своими пейзажными акварелями, особенно из Йеллоустонского национального парка. Фактически, именно его неземные изображения гейзеров и горячих источников помогли убедить Конгресс США официально обозначить его как Йеллоустонский национальный парк в 1892 году. Практика Морана была основана на школах реки Гудзон и Скалистых гор — художественных школ и движений, которые сформировали эстетика и образность американской пейзажной живописи XIX века.

«Йеллоустон, Горячий источник», 1892 г.(Фото: Public Domain)

«Глостер-Харбор», 1873 г. (Фото: Public Domain)

Художник-самоучка Уинслоу Гомер основал свою художественную практику на настоящем моменте. Один из его современников, художник Юджин Бенсон, был очень замкнутым человеком, но писал, что Гомер считает, что художники «никогда не должны смотреть на картины». Скорее им следует «заикаться на своем языке» и рисовать (или рисовать) прямо с натуры.Для Гомера это означало идиллические тихие сцены повседневной жизни, которые он завершал дома в Массачусетсе, а также поездки за границу.

«Три девушки-рыбаки», 1881 г. (Фото: Public Domain)

«Сиеста гондольеров», около 1904 г. (Фото: Public Domain)

Джон Сингер Сарджент известен своими портретами, но его акварельные работы отмечают отход от них. По аналогии с традициями других художников, его акварели часто изображали пейзажи, запечатлевшие его путешествия.В этих композициях Сарджент изменил свой стиль, чтобы отразить игривую текучесть среды; в то время как его масляные портреты были четко прорисованы, акварельные изображения кораблей и берега выполнены в жестовой манере.

«Грязные аллигаторы», 1917 г. (Фото: Public Domain)

Джорджия О’Киф начала экспериментировать с акварелью, когда ей было чуть больше 20, как способ играть с цветом и композицией. Это было до ее культовых масляных картин с цветами, а абстрактные акварели рассказывают о ее творческом пути к тому, чтобы чувствовать себя комфортно, работая в менее изобразительном стиле.

«Восход», 1916 г. (Фото: Public Domain)

В 1911 году Пауль Клее присоединился к группе художников под названием Blaue Reiter , организации, которая использовала их работу как способ выражения «духовных истин». Интересующийся нефигуративным искусством и примитивизмом, цвет был важной частью эстетики группы. Акварельные картины Клее были средством экспериментирования, чтобы понять его отношения с «царством цвета».”

«Деревья и сараи: Бермуды», 1917 г. (Фото: Public Domain)

Чарльз Демут художественно достиг совершеннолетия в период модернизма, и его встречи с кубизмом оказали большое влияние на его акварельные работы. Эта любовь к резким линиям и геометрическим формам сделала его одним из основателей Движения прецизионистов; его структурированные элементы сочетались с рассеянными смывками, сплавлением порядка и хаоса.

«Bermuda No.2, «Шхуна», 1917 г. (Фото: CC0 1.0)

«Локомотив», 1932 г. (Фото: Public Domain)

Работы Реджинальда Марша стали синонимом Нью-Йорка. В 1930-40-е годы он вел хронику повседневной жизни шумного мегаполиса; это включало области на окраинах, такие как салоны бурлеска и Кони-Айленд. Обладая такими наблюдательными навыками, его работа идеально подходила для журналистики, и он работал в The Daily News .Что касается акварели, он сказал: «Акварель я взял и хорошо освоил, без каких-либо предисловий».

«Буксиры, Нью-Йорк», 1938 г. (Фото: Public Domain)

Американский художник Эндрю Уайет — сын известного иллюстратора Н.К. Уайета. Благодаря наставничеству отца Андрей рано освоил акварель. К 20 годам у него была первая персональная выставка всех акварельных картин. (Все билеты на шоу проданы.По мере того, как его карьера продолжала расти, Эндрю расширил свои избранные медиа до яичной темперы, но он продолжал создавать акварели, вдохновленные его уединенными прогулками в своем родном городе Чаддс Форд, штат Пенсильвания, а также в Кушинге, штат Мэн.

Эдвард Хоппер известен масляными картинами, такими как легендарный Nighthawks , но художник тоже был мастером акварели. В обоих СМИ внимание Хоппера было одинаковым; американский опыт, увиденный через пейзажи.«Моя цель в живописи, — цитирует его слова, — всегда заключалась в наиболее точной транскрипции моих самых сокровенных впечатлений от природы».

Статьи по теме:

Гуггенхайм публикует в Интернете более 1700 шедевров современного искусства

9 художников-абстракционистов, изменивших наш взгляд на живопись

Великолепные акварельные картины с разнообразными пейзажами, которые предлагает природа

Музей Метрополитен теперь предлагает более 1600 бесплатных онлайн-книг по искусству

Раскрывая эмоциональную глубину современного шедевра Эдварда Хоппера «Ночные ястребы»

10 современных художников-акварелистов, которым вы должны следовать

Знаете ли вы, что одним из самых известных произведений искусства в мире является произведение , акварель, , , искусство, ? Он датируется 1502 годом, его создал немецкий художник Альбрехт Дюрер. Молодой заяц содержится в Альбертине в Вене, и только недавно я писал о том, что он не может так часто появляться на виду из-за его редкости. Дело в том, что акварелей довольно чувствительны, а также являются одними из старейших медиумов и произведений искусства в мире, которые, как говорят, происходят от наскальных рисунков палеолитической Европы. После рисования акварельное искусство, пожалуй, самый распространенный и «самый простой» метод создания, с точки зрения того, что вам нужно для этого — поддерживающая основа, обычно бумага, кисть, краски и, конечно же, вода.

Как признанный вид искусства, акварель начала свой путь в эпоху Возрождения, оставаясь существующим на протяжении последующих веков. Сегодня мы знаем об известных акварельных работах великих художников, таких как Уильям Блейк, Дж. М. У. Например, Тернер, Джеймс Уистлер, Джон Сингер Сарджент, Пол Клее, Джорджия О’Киф и Эдвард Хоппер. Эта форма картины нашла свое отражение и в авангардных движениях, таких как неоэкспрессионизм, в творчестве Франческо Клементе, Герхарда Рихтера, Эрика Фишля и Ансельма Кифера и других. С развитием характеристик среды акварели стали такими же стойкими и красочными, как масляные или акриловые краски, что позволяет появиться современным художникам-акварелистам. Кроме того, многие современные художники продолжают практиковать акварельное искусство как основное или одно из своих увлечений.

Прокрутите вниз, чтобы увидеть 10 лучших современных художников-акварелистов!

Совет редакции: Акварель: картины современных художников

Акварель: Картины современных художников — это место, где вы найдете портфолио более 20 лучших художников-акварелистов со всех уголков мира, многие из которых также включены в наш список ниже! Акварель штурмом захватывает мир искусства, моды и домашнего декора.С профилями художников, информативной историей СМИ и вдохновляющим предисловием Суджана Рима DailyCandy, это руководство к прекрасной революции. От ярких визуальных журналов Дэнни Грегори и Фабриса Муаро до модных портретов Саманты Хан и Вирджинии Джонсон и инди-арта Джейн Маунт и Бекки Стадтландер — Акварель потрясающе демонстрирует живописное мастерство.

Сукран Мораль

Когда мы говорим о современном турецком искусстве сегодня и в мире в целом, одной из самых интересных фигур, несомненно, является Шюкран Морал , женщина, которая не боится шокировать и высказывать свое мнение среди консерваторов.Хотя ее акварельное искусство, возможно, не играет большой роли в ее практике, оно столь же провокационно, как ее перформансы, инсталляции, видео и стихи. Работа Шюкрана Морала направлена ​​на устранение всего нарушения порядка или норм приемлемого: иммигрантов, транссексуалов, проституток, душевнобольных. Ее идеи глубоко уходят корнями в феминизм и то, как религия влияет на женщин в ее стране и на нее в частности.

Популярные изображения: Şükran Moral. Изображение через mnm.is; Bordello, 2014, любезно предоставлено Galeri Zilberman

Ларри Белл

Пожалуй, самый известный своими скульптурами, Ларри Белл также создает сложные работы на бумаге, используя смешанную технику и акварель. Они часто вдохновлены его склонностью к абстрактному экспрессионизму, поскольку они изображают геометрические композиции и стоят рядом с его геометрическими композициями в трехмерной форме, известными как скульптуры куба . Ларри Белл также представил «паровые рисунки» и «миражные работы», которые включают использование технологии нанесения тонких пленок и окрашивание листов из различных бумажных материалов, полос ПЭТ и ламинатной пленки. Очень часто эти работы имеют квадратную форму, и рисунок занимает небольшую часть их поверхности.

Посмотреть и изучить другие работы Ларри Белла!

Featured image: Ларри Белл. Изображение через scmp.com; New Fraction, # 216, 2003. Изображение взято с maxkansascity.org

Дон Бачарди

Когда кто-то говорит Don Bachardy , многие сразу же думают «Голливуд». Это самая известная коллекция акварельного искусства художника, в которой представлены портреты самых известных лиц крупнейшей киноиндустрии в мире. Он также начал свою карьеру в среде абстрактного экспрессионизма, направляя свои портреты на образную живопись с большим визуальным воздействием.С тех пор Дон Бачарди умудрялся передавать сильные эмоции через лица многих, кто был готов сесть за него, часто это была боль, страдание и даже тоска. Все это подчеркивается довольно смелым использованием акварели, что сделало этого художника одним из лучших в этой области.

Популярные изображения: Дон Бачарди. Изображение через латимес; Слева: Беа Артур, 1994 г. / справа: Иоганн Эрикссон, 1994 г., любезно предоставлено галереей Крейга Крулла

Сесили Браун

В высшей степени абстрактное и в то же время репрезентативное искусство Сесили Браун включает обнаженную натуру и фигуры, погруженные в насыщенные цвета и выразительные мазки.Иногда зрителю требуется время, чтобы понять, что он видит, из-за очевидного постоянного потока цветов, форм, линий. Сесили Браун — художница, которая работает на холсте и бумаге, а также занимается печатью. В ее акварельном творчестве больше внимания уделяется природным сюжетам, животным, зайцам. Возможно, вдохновленные Дюрером, акварельные картины Брауна имеют тенденцию быть более простыми по цвету, но менее образными в изображении, создавая ощущение двусмысленности, хаоса, который каким-то образом находится в гармонии цветов.

Смотрите больше акварельных работ Сесили Браун здесь!

Популярные изображения: Cecily Brown.Изображение с сайта prabalgurung.com; Без названия, 2012. Предоставлено Two Palms

Дима Ребус

На темной стороне акварельного искусства живет Дима Ребус , молодой художник родом из России. Его работы, мягко говоря, тревожны: паря между реальностью и сюрреальностью, они изображают людей и их жуткие ситуации, сопровождаемые часто дерзкими названиями, которые напоминают современное время, в котором мы живем. Дима Ребус создает произведения для себя, но также делает иллюстрации для журналов и издательств: совсем недавно одной из его работ стал образ фильма National Geographic Saints & Strangers . Его техника безупречна, чрезвычайно детализирована и заставляет задуматься, временами вдохновлена ​​его русскими корнями.

Избранные изображения: Дима Ребус; Слева: жизнь в моем городе предполагает чрезмерное потребление углеводов, 2015 г. / Справа: делили ящик для белья, 2015 г. Предоставлено художником

Надин Фарадж

Пейзажи секса, скорее всего, старейшая тема в истории искусства, но в случае с Надин Фарадж они превращены в акварельные рисунки, призванные придать ей более человечную нотку.Эта техника является основным направлением художника, поскольку ее разлитые краски плавают по бумаге, образуя обнаженные тела, занятые эротическим сексом или просто существом. Их провокационная нотка остается на заднем плане, в то время как сами характеристики акварели служат всему повествованию с некоторой чувствительностью, чувственностью, более интимным подходом. Эти работы Надин Фарадж теперь можно увидеть во всем мире, они известны своей уникальной визуальной амбивалентностью в изображении секса и сексуальности.

Featured image: Надин Фарадж.Изображение через sva.edu; Все эти формы и лица в тысяче взаимоотношений друг с другом, 2015, любезно предоставлено SVA Galleries

Лурдес Санчес

Мы продолжаем наш список известных художников-акварелистов еще одним гениальным, поэтическим художником. Рой цветов, некоторые из которых выглядят просто чернильными пятнами, другие напоминают ретро-дизайн обоев; цветные узоры, насыщенные полосы, капли и круги, очень вдохновленные дизайном. Так можно описать искусство Лурдес Санчес , кубинского художника, живущего в настоящее время в Бруклине.Согласно ее веб-сайту, художница сосредоточилась на живописи изобразительного искусства, хотя ее акварели — это те, которые заставляют всех сходить с ума от ее работ, так отчаянно желая, чтобы они висели на стенах. Лурдес Санчес прекрасно поэтична, безмятежна и невероятно способна передать все это через подчас довольно узкую палитру.

Избранные изображения: Лурдес Санчес. Изображение с сайта christinaloucks; Слева: Implied Velocity 4, 2016 г. / справа: Anemones 8, 2015 г. С любезного разрешения Sears-Peyton Gallery

Эми Парк

Если вы ищете художника-акварелиста, изображающего культовую архитектуру, вы можете остановиться прямо здесь, так как вы нашли идеальный вариант. Эми Парк известна как эксперт в этой области, ее крупномасштабные работы выполнены до совершенства. Среди ее предметов — строения Дональда Джадда в Марфе, дома с необычным дизайном в Калифорнии, образцы модернистской архитектуры, городской пейзаж Нью-Йорка и многое другое. Акварели Эми Парк основаны на ее собственных фотографиях этих основных достопримечательностей и небоскребов, и просто очаровательно, как ей удалось нарисовать их с такой точностью.

Избранные изображения: Эми Парк.Изображение через artstar; 1200 ‘Bank of America, NY Times и Chrysler Building, 2014. Предоставлено Morgan Lehman Gallery

Антонио Кальдерара

Художник-самоучка-модернист, итальянский художник Антонио Кальдерара также был рисовальщиком и графическим дизайнером. Он известен своими нефигуративными образами, вдохновленными работами Казимира Малевича, Пита Мондриана и Йозефа Альберса, поэтому он основан на геометрическом абстрактном искусстве, которое также опирается на силу живописи цветового поля.Двумерные квадраты и сериграфия стали единственной практикой художника после его участия в Венецианской биеннале 1959 года. Как художник-акварелист Антонио Кальдерара использует те же визуальные идеи, работая на бумаге и картоне.

Популярные изображения: Антонио Кальдерара. Изображение через fondazionecalderara; Акварелло (акварель), 1959. Предоставлено галереей Стефана Хильдебрандта

Екатерина Смирнова

Екатерина Смирнова — крупный художник-акварелист, чья работа вдохновлена ​​пространством и положением человека в такой огромной пустоте.Она рисует большими аппаратными кистями на грубой текстурированной бумаге, разбрызгивая, вытирая и стирая. Ее работы могут быть даже рулонами бумаги высотой 2,5 метра, что позволяет ей выходить за рамки типичных физических границ среды. Как сообщается на сайте Екатерины Смирновой, художница начала внедрять электронику в свои акварельные работы совсем недавно, в результате сотрудничества с учеными, музыкантами и инженерами. Это прекрасный пример того, как этот вид искусства может стать как никогда современным!

Избранные изображения: Екатерина Смирнова.Изображение через goodmorninggloucester; Сумерки, 2014. Предоставлено Mana Contemporary

25 водных картин, которые вам понравятся

От водяных картин известных художников и любимых преподавателей до работ художников, которые на момент публикации были на пике своей карьеры, вот 25 водяных картин от 25 талантливых художников. Приготовьтесь получить вдохновение, чтобы взять кисть и начать рисовать.

1.

Когда Фрэнк Уэбб работает на натуре, он переделывает пейзаж, привнося в то, что он видит, качества, которые, по его мнению, важны в картине.

«В общем, я использую интенсивные цвета, которые абсолютно произвольны и не имеют отношения к местному цвету», — отмечает Уэбб. «Но для меня формы — самый важный элемент. Должны быть созданы хорошие формы. Их нельзя скопировать ».

2.

Для рисования осенней листвы, как в October Russet , Тони Коуч использует теплые тона — от красного до желто-зеленого.Чтобы цвета оставались яркими, он размещает на бумаге дополнительные цвета рядом друг с другом. Но Couch не смешивает дополнения, которые могут создать тускло-серый цвет.

3.

Водяные картины, такие как Koi 98, № 1 Ченг-Кхи Чи, оживают как выразительная, интуитивная абстракция. Они полны сюрпризов и случайностей, характерных для рисования мокрым по мокрому.

Цвета смешиваются и подчиняются своим законам, а краска может работать сама по себе. После этого процесс рисования переходит в более осознанную и структурированную фазу.

4.

Для картины Спящая лилия целью Мэри Уайт было не только воссоздать качество света на лице ее объекта, но и ощущение тепла и безопасности, а также передать вид и ощущение детской мечты.

«Чтобы предложить узор стеганого одеяла, я нанесла стирку, а затем промокнула местами гофрированную полиэтиленовую пленку», — объясняет Уайт. «Чтобы создать потусторонний сказочный эффект, я бросила на фон кусочки пряжи, а также кусочки бумажного полотенца, которые я вырезал в форме листьев».

5.

По словам Милфорда Зорнеса (1908-2008), линия — самый важный графический элемент в картине, за которым следует значение, а затем цвет. Рисуя, он мысленно прослеживал движение линии четырьмя способами: горизонтальным, вертикальным, угловым и изогнутым.

«Когда я рисую дерево», — сказал Зорнес. «Я думаю про себя:« Хорошо, идите вертикально от земли для первого ствола. Останавливаться. Загляните в ветви. Останавливаться. Выдвиньте под углом более мелкие ветви. Стоп. »

6.

Смутные цвета в картине Tenuousness мексиканского художника Перу Хосе Апаза отражают медитативное состояние фигуры.«Каждый человек — это обобщение универсальной мудрости», — утверждает он. «Смиренные люди — мои величайшие учителя, они оказали на меня огромное влияние».

7.

Молдавский художник Eugen Chisnicean написал Камара-де-Лобос, Мадейра, Португалия на острове Мадейра в Атлантическом океане.

«Это был совершенно другой мир, не похожий ни на одно место, в котором я когда-либо был», — вспоминает Чисничан. «В этой сцене было все, что мне нужно, чтобы нарисовать картину: горы, дома, лодки, люди. Я попыталась объединить все элементы естественным образом и создать гармонию между формами ».

8.

Стоя на смотровой площадке Эмпайр-стейт-билдинг, Пол Джексон сделал эталонные фотографии для своей большой картины Tapestry .

«Фотографии были сделаны в сумерках, но они позволили мне отслеживать все здания», — говорит Джексон. «Это не фотографический реализм. Все на этой картине — все мои чувства и воспоминания о Нью-Йорке ».

9.

Сюжетом художника Джозефа Раффаэля « Песнь ветра » является его сад. Для художника этот сад — постоянный источник вдохновения.

10.

Художник Фредерик Графф считает, что для его искусства очень важно выходить за рамки простого фиксирования фактов и передавать то, что он видит, «неограниченным, но частично контролируемым» способом.

«В Foxy Lady II , например, сложный массив самолетов на переднем плане предлагает атрибутику верфи, фактически не описывая ее подробно», — отмечает Графф.«Точно так же голубовато-зеленые массы на заднем плане создают впечатление соснового леса».

11.

Яркий натюрморт « Кувшин в зеленую точку с подсолнухами / Мэн » Кэролайн Брэди демонстрирует, почему виртуозный колорист считается мастером современного американского реализма.

12.

Денни Бонд создал Equilibrium во время обеда в Джеймстауне, Род-Айленд. «Изначально меня привлекал свет, падающий на голубые стены», — объясняет Бонд. «Поэтому я посоветовал жене выйти на свет, но все же оставить мне место, чтобы я мог увидеть изображение всадника, нарисованное на стене».

Он продолжает: «История создала сама себя.Все элементы были там. Их просто нужно было собрать вместе ».

13.

В этом мягком и поэтическом рендеринге Джуди Беттс использует основные цвета и их дополнения. Она использует разнообразие форм, размеров и ценностей, создавая прекрасные нейтральные тона на фоне своей цветочной картины Stars and Stripes .

«Цвета могут быть колыбельными или симфоническими, но то, что заставляет их петь в любом случае, — это расположение дополнительных цветов», — говорит Беттс. «Цвета, окруженные их дополнениями, вызывают взрыв. Он может быть тонким или монументальным ».

14.

Дину Митчеллу удается найти тихую поэзию в сюжетах своих водяных картин, которые в противном случае можно было бы упустить из виду, например, в убогих домиках из Damp Morning . Открытое пространство в центре композиции — место для отдыха и медитации.

15.

Для этой заснеженной композиции Джон Салминен использовал группу прохожих, чтобы добавить ощущение масштаба. «Холодный зимний солнечный свет просачивался сквозь лабиринт покрытых инеем конечностей, — говорит он, — придавая сцене для The Mall ледяной свет».

16.

Дунфэн Ли, профессор искусств в Государственном университете Морхеда, рисует самые разные предметы, в том числе людей разного возраста и происхождения, например девушек, изображенных в фильме « Девочки на свидании» . В каждом случае художнику удается передать человечность, изящество и достоинство своего предмета.

«Их разный опыт может создавать интересные контексты», — утверждает Ли. «Мне любопытны эти различия; так что это одна из моих основных мотиваций в создании моей работы ».

17.

Белая бумага, или снег, стала платформой на картине Яна Рэмси, Winter Road , сцена в Южном Вайоминге.

Зимние композиции в значительной степени полагаются на отрицательное пространство, обеспечиваемое снегом. Более темные элементы травы, выбоин и холмов на заднем плане направляют взгляд к фермерским постройкам.

18.

«В Mission District, Riverside есть немного волшебства, — говорит Фрэнк Франсезе. «Со мной такое случается не все время.Это произойдет чаще, если я просто позволю себе уйти и доверять своему суждению и своему сердцу ».

Художник выбирает цвет на основе эмоциональной реакции, а не того, что он видит на самом деле. «На самом деле, — отмечает Франсез, — я обычно работаю по быстрому черно-белому наброску из фломастера. Затем я просто придумываю свои собственные цвета, когда рисую ».

19.

После смерти отца Джордж Джеймс (1932-2016) написал In Shine Mirror , чтобы увековечить его портрет.«Вместо того, чтобы создать точное подобие, я попытался уловить его сущность, не обращая внимания на лицо», — объяснил Джеймс. «Я использовал зеркала, чтобы показать духовность и размышления».

20.

Идея картины Скотта Бердика « Мишель » возникла еще до того, как он сел за свою тему.

«Я так ясно видел эту картину, — вспоминает Бердик.«Я даже сделал его набросок перед фотосессией, чтобы помочь Мишель понять, какое настроение у меня было — ту долю секунды, когда ожидания вошли в комнату. Остальное остается на усмотрение зрителя ».

21.

На акварельной живописи Сержа Холленбаха, Fishermen, Myrtle Beach, S.C. , пять рыбаков привязаны по стоимости к планкам забора пирса, уравновешивая вертикали и строго горизонтальный формат.

22.

Эта акварельная живопись, входящая в серию из восьми, стала отправной точкой для Кристин Козич, когда она начала работу над картиной в 2006 году. «Я рисовала ботаники, но это были более тропические цветы», — отмечает Козич.

Ежедневная 45-минутная поездка до школы ее дочери в Северной Луизиане знакомила художницу со «всеми этими великолепными цветами на деревьях».

23.

Заснеженные горные вершины и белые пятна выпавшего снега на переднем плане создают баланс форм на картине шведского художника Станислава Золадца, уроженца Польши, Fjord Dal .

«В апреле и мае, после долгой зимы, свет с силой возвращается в Норвегию», — говорит Золадзь.

24.

Художник Чарльз Рид считает, что начало создания водяных картин важнее, чем отделка. «Иногда так хочется точно нарисовать цветок, что ты становишься плотным и буквальным», — объясняет он. «Хитрость заключается в том, чтобы позволить краске и небольшому количеству воды рисовать за вас. ”

25.

Умелое использование теней и светов в картине The Red Sweater Жана Педерсона не только помогает создать яркую картину, но и создает ощущение силы внутри объекта.

«Начав новую жизнь в Канаде, этот молодой человек не отказался от своей угандийской идентичности, — говорит Педерсон. «Для многих иммигрантов меланхолия сопровождает надежду — чувство, которое я пытался передать в The Red Sweater .”

Версия этой статьи, написанная Анн Хевенер, впервые была опубликована в 25-летнем выпуске журнала Painting Artist .

Обязательно расскажите в комментариях, какая из этих 25 водяных картин вам больше всего нравится. Счастливой живописи, художники!

Другой связанный контент:

5 художников-акварелистов делятся своими уникальными процессами | Часть 2

Эти художники создают исцеляющие, медитативные цветочные образы, образы витражей и виньетки людей в своей стихии.

Автор: Норман Колпас

В этой серии из двух частей мы пригласили пять успешных художников-акварелистов поделиться некоторыми работами из своего портфолио, а также уникальными процессами, которые они используют для их создания. Их истории и подходы проливают свет на акварель и соответствующие шаги, предлагая широкий взгляд на среду.

В части 2 ниже вы узнаете о Джорджии Мансур и Джулии Дюфолт МакГрат; Эти художники-акварелисты используют подробные, уникальные процессы для создания исцеляющих, медитативных цветочных образов, витражей и виньеток с людьми в их стихии.(Посмотрите Часть 1, чтобы увидеть еще более невероятных акварелистов.)

Наслаждайтесь!

Джорджия Мансур пользуется всемирной репутацией акварелиста и педагога, известного своими яркими пленэрами. Но когда ее муж умер в прошлом году, после храброй битвы с раком мозга, Мансур сосредоточилась на глубоко медитативном процессе рисования, который позволяет ей «действительно настроиться на мои чувства очень мирным и исцеляющим образом».

В результате получаются выразительные цветочные образы, которые словно рождаются прямо из души.

Процесс Мансура

Работая из своего дома в районе Северных пляжей в Сиднее, Австралия, в студии с видом на воду, она начинает с использования больших кистей, чтобы нанести «большую, влажную, сочную размытку» цветов, выбранных из ее собственной фирменной палитры 16, автор: Daniel Smith Watercolors — на полном или половинном листе 300-фунтовой акварельной бумаги с грубой текстурой от Arches, Saunders Waterford или Baohong.«Мне нужна бумага, которая не сгибается, когда я пропитываю ее большим количеством воды и пигмента», — объясняет она. Пока краска еще жидкая, «я перемещаю ее, чтобы создать различные эффекты, синяки и царапины на бумаге мастихином, кредитными картами, зубными щетками, кухонными инструментами — всем, что мне нужно». Затем она оставляет бумагу сушиться на ночь.

Следуя своим инстинктам

На следующий день она заново рассматривает вымытую цветную простыню. «Я поворачиваю его со всех сторон, чтобы он говорил со мной и смотрел, что происходит», — говорит Мансур. Следуя своим инстинктам, она приступает к следующему шагу: она использует скальпель или острые ножницы с острым концом, чтобы вырезать небольшие абстрактные формы из листов старой рентгеновской пленки. Затем она стратегически размещает эти шаблоны поверх своей акварели и снимает цветные пятна под вырезами, используя влажную морскую губку или бумажные полотенца, постепенно «разрабатывая рисунок таким образом, чтобы это имело смысл. Наконец, она уточняет композицию, добавляя детали конической кистью.

Мансур теперь рассказывает об этом процессе в мастерских. К ее глубокому удовлетворению, она считает, что это помогает ее ученикам «справиться со стрессом, горем или травмой. Затем они начинают создавать по-настоящему радостные и красивые картины, которые хотят создать ».

Чтобы узнать больше об искусстве и творческом процессе Джорджии Мансур, посетите https: // georgiamansur.com.

Даже самый быстрый взгляд на одну из акварелей Джулии Дюфолт МакГрат говорит о ее кропотливо детализированном процессе рисования. Тем не менее, ее конечная цель — достичь чего-то, что выглядит почти без особых усилий интимным, будь то сцена природы, которая «больше виньетка, чем полный пейзаж», или портрет, который показывает, что объекты в «запечатленные моменты делают то, что им нравится».

Любовь к акварели

Любовь МакГрата к акварели из Мичигана началась с того, что он получил предварительный курс по рисованию в Государственном университете Уэйна.«Преподаватель-аспирант никогда не учил нас, как использовать магию краски», — говорит она. Но когда она была беременна второй дочерью в возрасте 29 лет, она снова обратилась к акварели. В конце концов она научилась уважать и любить медиума, относясь к нему с должной осмотрительностью. Иногда это означает, что на одну работу нужно тратить до 120 часов. «С акварелью вам действительно нужно подумать о конце игры и спланировать картину, прежде чем начать».

Обсуждения МакГрат начинаются с «множества набросков и рисунков», иногда вдохновляемых эталонными фотографиями или, для натюрмортов, объектами, которые она создает.Когда она доходит до своей композиции, она рисует карандашом на листе пергамента того же размера, что и картина. Она переворачивает пергамент и просматривает рисунок на обратной стороне. Затем она снова переворачивает его лицевой стороной вверх и кладет на лист акварельной бумаги весом 300 фунтов — ей нравятся Arches, Winsor & Newton. Она проводит по нему еще раз, давление переносит карандашные линии с обратной стороны на поверхность бумаги.

Как только ее набросок готов, МакГрат начинает процесс рисования.Некоторые аспекты объекта, например оттенки кожи, могут включать более трех десятков отдельных слоев акварели. «Я добавлю кадмиево-желтый свет, дай ему высохнуть, а затем нанесу мазок малинового ализарина», — объясняет она. «Если мне нужно, чтобы было прохладнее, я добавлю немного диоксазинового фиолетового, темно-зеленого Хукера или французского синего. Это как витраж: вы можете видеть сквозь каждый слой, и он становится все богаче и богаче ».

Передача чертежей в действии

Чтобы узнать больше об произведениях искусства и творческом процессе Джулии Дюфо МакГрат, посетите https://www.juliadufaultmcgrath.com.

Если вы еще не сделали этого, ознакомьтесь с частью 1 этой серии, чтобы познакомиться с работой и уникальными процессами Эллен Дидерих, Тины Больман и Уильяма Ресслера . Эти трое акварелистов овладели искусством снимать сельские пейзажи и городскую жизнь.

Все 5 художников-акварелистов в том виде, в котором они представлены в этой серии:

Колпас — фрилансер из Лос-Анджелеса, который пишет для Mountain Living и Colorado Homes & Lifestyles , а также для Southwest Art . Чтобы получить больше вдохновляющих профилей художников, подпишитесь на Southwest Art здесь.

Другие статьи по теме:

10 художников-акварелистов, которые вдохновят ваших учеников

Когда дело доходит до преподавания акварели, чувствуете ли вы уверенность в том, что продвинете работу своих учеников на новый уровень?

Предлагаете ли вы своим ученикам разбить свою работу на разделы, выполнить различные эксперименты с акварельной техникой, а затем перейти к чему-то новому? Хотя это один из способов представить среду, есть еще много других вариантов.

Давайте посмотрим на 10 художников, которые используют акварель в своей работе, чтобы вдохновить ваших учеников и улучшить вашу педагогическую практику.

1. Сара Хан

Сара Хан — художник-акварелист, живущая в Канаде. Ее работа яркая, игривая и похожа на сон. Она играет удивительными комбинациями, создавая причудливые пейзажи. Ее работа — отличный пример, который помогает студентам думать о негативном пространстве, а также о взаимоотношениях между фигурой и фоном.

Изучая ее работы, научите студентов маскировке.Если маскирующая жидкость не входит в ваш бюджет, попробуйте резиновый клей или белый мелок для аналогичных результатов.

Сайт: sara-khan.com

2. Эмма Ларсон

Эмма Ларсон создает абстрактные акварельные картины. Глядя на ее работы, вы увидите, что она охватывает плавную природу акварели и техник мокрого по мокрому, позволяя краям растекаться, а формам трансформироваться. Ее картины вызывают желание искать скрытые фигуры и узнаваемые формы.

Посмотрите ее картины со своими учениками и потренируйтесь рисовать методом мокрое по мокрому.

Instagram: @zebrakadebra

Эти художники — отличное начало для любого акварельного проекта или учебной программы. Если вы ищете конкретную информацию об обучении студентов акварели, обязательно ознакомьтесь с этими ресурсами!

3. Элиза Моррис

Сюрприз! Элиза Моррис действительно работает с акрилом.Но ее работы так похожи на акварель; мы все равно собираемся его изучить. Ее картины кажутся легкими и полными глубины. Большинство черпает вдохновение в природе. Каждый слой прозрачный и текучий. Она часто начинает с рисования карандашом формы листьев. Она позволяет многим из этих линий оставаться, а иногда оставляет формы неокрашенными.

Предложите учащимся подумать о том, как они могут показать свой процесс в своей работе.

Веб-сайт: elisemorris.net

4. Джастин Маргитич

Джастин Маргитич создает абстрактные картины, смешивая акварельные и акриловые краски. Он использует акриловую краску для создания четких прямых краев и сочетает это с плавной природой акварели. Контраст обоих создает измерение и контраст в его работах.

Начните с того, что ученики посмотрят его картины. Затем предложите им изучить возможность работы с акриловыми и акварельными красками в их альбоме для рисования. Это может помочь учащимся понять свойства каждой среды.

Веб-сайт: justinmargitich.com

5. Али Кавано

Али Кавано использует акварель на мокрой поверхности каолиновой глины и называет свой процесс «современными фресками». Большинство ее картин — это реалистичные портреты, позволяющие увидеть каждый слой цвета, который смешивается, создавая оттенок кожи. При посещении ее веб-сайта обязательно посмотрите короткометражный фильм, который больше расскажет вам о ней и ее процессе.

Предложите учащимся изучить, как среда и поверхность работают вместе. Чтобы начать исследование, попросите каждого ученика выбрать от трех до пяти различных поверхностей.Затем предложите им попробовать различные акварельные техники и поразмышлять над результатами.

Веб-сайт: alicavanaugh.com

6. Клэр Коуи

Когда вы зайдете на сайт Cowie, вы увидите широкий спектр техники и средств массовой информации. Моя любимая работа — и отличный пример акварели — это «Пассажи 2016». Она использует яркие живые цвета, которые кажутся сияющими. Ее работы включают в себя негативное пространство, а также форму, цвет и глубину. Ее картина, Lincoln Park Conservatory , состоит в основном из линий, квадратов и прямоугольников, расположенных так, чтобы зритель почувствовал, будто он падает на картину.

Обучайте студентов маскировке и силе негативного пространства. Вы можете предложить ученикам создать картину, закрасив только негативное пространство, позволяя предмету быть цветом бумаги.

Сайт: clairecowie.com

7. Этч

Эйч — иллюстратор, работающий с широким кругом компаний, таких как Chobani и PAI по уходу за кожей. Ее картины игривы, полны красок и содержат много повторяющихся узоров. Вы можете увидеть, как ее иллюстрации оживают в этой анимации Чобани.

Предложите учащимся изучить ее работы и научиться создавать и повторять собственный узор.

Сайт: aitch.ro

8. Дженнифер Тайерс

Дженнифер Тайерс — художница из Тасмании, которая рисует красочные пейзажи. Ее работы демонстрируют яркость акварели, сочетая реальность и чистое воображение. Фигуры Тайерса полны, с небольшим отрицательным пространством.

Предложите ученикам взглянуть на ее работы и увидеть, как она использует повторение, чтобы не допустить хаоса в своих картинах.

Веб-сайт: jennifertyers.com

9. Яакко Маттила

Яакко Маттила создает картины, которые светятся и вибрируют — иногда до некоторой степени тревожности. Обязательно посмотрите это видео, чтобы получить представление о его процессе.

Посмотрите на его работы, когда вы учите студентов теории цвета. Представьте себе, как учащиеся исследуют цветовое колесо.

Веб-сайт: jaakkomattila.fi

10. Эния Тодд

Эния Тодд — иллюстратор, специализирующийся на рисовании еды и цветов.У нее есть опыт работы над редакционными статьями, а также дизайном упаковки и поздравительных открыток.

Предложите студентам изучить ее веб-сайт, чтобы увидеть спектр ее работ и проектов. Затем поговорите с ними о том, что значит быть уполномоченным создавать искусство.

Веб-сайт: enyasartofpatisserie.com

Акварель — великолепный материал для любого возраста. Студентам нравится изучать техники, и очистка проста — по сравнению с работой темперой, акриловыми или масляными красками. В средней школе ученики часто обращаются с акварелью как с акрилом, когда они наносятся толстым слоем и требуют небольшого времени высыхания. Однако, как только студенты увидят, как другие художники используют акварель, они смогут лучше понять, как применить ее к своей работе.

Кто из ваших любимых художников-акварелистов, которыми вы хотите поделиться со студентами?

Что вас больше всего разочаровывает, когда дело доходит до обучения акварели ваших учеников на любом уровне?

талантливых известных художников, которые продолжают влиять на акварельную живопись сегодня

Акварельная живопись — один из самых доступных видов искусства.Скорее всего, каждый пробовал этот тип рисования в какой-то момент своей жизни, будь то уроки рисования в детстве или просто открывая его для себя во взрослом возрасте. Однако, несмотря на это знакомство, многие люди не знают его богатую историю и некоторых из самых известных художников-акварелистов, которые сделали среду такой, какой она является сегодня.

Подобно текстильному искусству, акварель имеет корни в Европе палеолита, но в средние века она приобрела некоторую популярность в освещении рукописей. Используя яркие пигменты, художники иллюстрировали небольшие сцены и декоративные узоры на полях рукописных книг.Эти сложные тексты были не для всех — для создания одной иллюминированной рукописи потребовалось четыре человека, — а зачастую религиозные труды в основном ограничивались монастырями.

Эпоха Возрождения привлекла внимание к акварельной живописи. Это вышло за рамки декоративных рукописей и вошло в работы таких художников, как Альбрехт Дюрер. Он, как и другие станковые художники того времени, использовал акварель для набросков, копий или неформальных рисунков. Акварельная живопись также была принята элитным классом как часть их общего образования и в конечном итоге стала популярной, особенно в Англии, как способ вести хронику своих путешествий.Но хотя акварельная живопись была хорошо известна, к ней не относились так серьезно, как к масляной живописи или гравюрам.

Однако в 19 веке акварель приобрела большой статус. Мировые исследования вызвали всеобщий ажиотаж, а иллюстрации дикой природы и природы использовались для иллюстрации научных публикаций. Художник и орнитолог Джон Джеймс Одюбон представляет вершину этого движения, и он использовал акварельную живопись, чтобы оживить свои реалистичные рисунки птиц.В его знаменитой книге Птицы Америки (1827–1839) было идентифицировано 25 новых видов. Этим он положил начало художественной традиции, которая живет и по сей день — путеводители, иллюстрированные акварелью.

В то время как Одюбон придерживался сдержанного технического подхода к своей работе, другие известные художники-акварелисты были не столь точны. Джорджия О’Кифф, например, играла с текучестью среды, создавая картины, представляющие собой красивые поля ярких цветов. Как и Одюбон, она была вдохновлена ​​миром природы, но ее интерпретация совершенно противоположна.Вместе они демонстрируют невероятный диапазон акварели.

Чтобы понять привлекательность акварельной живописи сегодня, узнайте больше о некоторых из самых известных художников-акварелистов на протяжении всей истории.

АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР (1471 — 1528)

Левое крыло синего ролика », около 1500 или 1512 года. Предоставлено Национальной галереей искусств.

Альбрехт Дюрер был человеком многих талантов, известным своими картинами, гравюрами на дереве и гравюрами. Что касается акварели, он считался одним из первых выдающихся европейских художников, использовавших этот материал в своих работах.Это приняло форму зарисовок пейзажей и природы, которые мы все еще можем видеть сегодня благодаря его почти навязчивой коллекции работ.

«Богородица с младенцем и множеством животных и растений», около 1503 года. Предоставлено Национальной художественной галереей.

J.M.W. ТЕРНЕР (1775 — 1851)

Гавань Грейт-Ярмута, Норфолк », около 1840 года. Предоставлено Национальной галереей Ирландии.

Как Dürer, J.M.W. Тернер занимался не только акварелью. Считая поэзию и преподавание частью своих интересов, его общий художественный талант воспитывался с юных лет.Он использовал свои навыки акварели для выставок и создания коммерческих работ, которые принесли ему «первый реальный доход». Позже Тернер использовал медиума как способ вести хронику своих путешествий — его страсть к этому никогда не угасала. Последнее десятилетие его трудовой жизни характеризовалось всплеском производства акварельной живописи.

Венеция: Сан-Джорджо-Маджоре — раннее утро », 1819. С любезного разрешения Tate Britain.

УИЛЬЯМ БЛЕЙК (1757 — 1827)

Беатрис обращается к Данте из машины », около 1824 г. С любезного разрешения Tate Britain.

Уильям Блейк считается одним из величайших поэтов английского языка, но заслуживает внимания и его искусство. Изучив его в детстве, он прошел обучение у гравера, прежде чем попробовать акварель. В конце концов, он усовершенствовал свою технику «фрески», которая в основном представляет собой монотипную печать; сначала он нарисовал рисунок на плоской поверхности (например, медной пластине), а затем нанес его на бумагу. Затем дизайны были индивидуально обработаны тушью и акварелью, чтобы каждое изображение было единственным в своем роде.

«Цербер» (из «Божественной комедии» Данте) », около 1824 г. С разрешения Tate Britain.

ДЖОН ДЖЕЙМС ОУБОН (1785 — 1851)

Цапля трехцветная (Egretta tricolor), Havell pl. 217 », 1832 г. Предоставлено Историческим обществом Нью-Йорка.

Около 90 лет назад Джон Джеймс Одюбон написал книгу «Птицы Америки », но она до сих пор считается одной из лучших когда-либо изданных книг по орнитологии. Стремление Одюбона запечатлеть наших пернатых друзей также помогло начать художественную традицию натуралистических изображений, дополняемых акварелью.

«Северный бобуайт (Colinus virginianus) и красноплечий ястреб (Buteo lineatus)», около 1825 г. С любезного разрешения Исторического общества Нью-Йорка.

ТОМАС МОРАН (1837-1926)

В Бигхорнских горах », 1889 г.

Томас Моран известен своими пейзажными акварельными красками, особенно из Йеллоустонского национального парка. Фактически, именно его неземные изображения гейзеров и горячих источников помогли убедить Конгресс США официально обозначить его как Йеллоустонский национальный парк в 1892 году. Практика Морана была основана на школах реки Гудзон и Скалистых гор — художественных школ и движений, которые сформировали эстетика и образность американской пейзажной живописи XIX века.

«Йеллоустон, Горячий источник», 1892 г.

WINSLOW HOMER (1836-1910)

Глостер-Харбор », 1873 г. С любезного разрешения Викимедиа.

Художник-самоучка Уинслоу Гомер основал свою художественную практику на настоящем моменте. Один из его современников, художник Юджин Бенсон, был очень замкнутым человеком, но писал, что Гомер считает, что художники «никогда не должны смотреть на картины». Скорее им следует «заикаться на своем языке» и рисовать (или рисовать) прямо с натуры. Для Гомера это означало идиллические тихие сцены повседневной жизни, которые он завершал дома в Массачусетсе, а также поездки за границу.

«Цветочный сад и бунгало», Бермуды, 1899 г. Предоставлено Музеем искусств Метрополитен.

ДЖОН СИНГЕР САРЖЕНТ (1856-1925)

«Белые корабли», около 1908 г. Предоставлено Музеем изящных искусств, Бостон.

Джон Сингер Сарджент известен своими портретами, но его акварельные работы отмечают отход от них. По аналогии с традициями других художников, его акварели часто изображали пейзажи, запечатлевшие его путешествия. В этих композициях Сарджент изменил свой стиль, чтобы отразить игривую текучесть среды; в то время как его масляные портреты были четко прорисованы, акварельные изображения кораблей и берега выполнены в жестовой манере.

«Симплонский перевал: чтение», около 1911 года. Предоставлено Музеем изящных искусств, Бостон.

ГРУЗИЯ О’КИФФ (1887–1986)

ДЖОРДЖИЯ О’КИФФ (1887–1986)

Джорджия О’Кифф начала экспериментировать с акварелью, когда ей было около 20 лет, как способ игры с цветом и композицией. Это было до ее культовых масляных картин с цветами, а абстрактные акварели рассказывают о ее творческом пути к тому, чтобы чувствовать себя комфортно, работая в менее изобразительном стиле.

Каньон с воронами », 1917 год. Предоставлено музеем Джорджии О’Киф.

ПОЛ КЛИ (1879-1940)

Южные (тунисские) сады », 1919. Собрание Хайнца Берггрюна, Париж.

В 1911 году Пауль Клее присоединился к группе художников под названием Blaue Reiter , организации, которая использовала их работу как способ выражения «духовных истин». Интересующийся нефигуративным искусством и примитивизмом, цвет был важной частью эстетики группы. Акварельные картины Клее были средством экспериментирования, чтобы понять его отношения с «царством цвета».”

Идея елей », 1917. Предоставлено Музеем Гуггенхайма.

ЧАРЛЬЗ ДЕМУТ (1883-1935)

Деревья и амбары: Бермудские острова », 1917 год. Предоставлено Художественным музеем колледжа Уильямс.

Чарльз Демут художественно достиг совершеннолетия в период модернизма, и его встречи с кубизмом оказали большое влияние на его акварельные работы. Эта любовь к резким линиям и геометрическим формам сделала его одним из основателей Движения прецизионистов; его структурированные элементы сочетались с рассеянными смывками, сплавлением порядка и хаоса.

Красные дымоходы », 1918 г. С любезного разрешения собрания Филлипса.

РЕГИНАЛЬД МАРШ (1898 — 1954)

«Локомотив», 1932.

Работы Реджинальда Марша стали синонимом Нью-Йорка. В 1930-40-е годы он вел хронику повседневной жизни шумного мегаполиса; это включало области на окраинах, такие как салоны бурлеска и Кони-Айленд. Обладая такими наблюдательными навыками, его работа идеально подходила для журналистики, и он работал в The Daily News . Что касается акварели, он сказал: «Акварель я взял в руки и хорошо освоил, без каких-либо представлений.”

«Буксиры, Нью-Йорк», 1938.

ЭНДРЮ УАЙТ (1917–2009)

Хижина на острове с ласточками ».

Американский художник Эндрю Уайет — сын известного иллюстратора Н.К. Уайета. Благодаря наставничеству отца Эндрю рано освоил акварель. К 20 годам у него была первая персональная выставка всех акварельных картин. (Билеты на шоу были распроданы.) По мере того, как его карьера продолжала расти, Эндрю расширил выбранные им материалы до яичной темперации, но он продолжал создавать акварели, вдохновленные его уединенными прогулками в своем родном городе Чаддс Форд, штат Пенсильвания, а также в Кушинге, штат Мэн.

«Gunsight», 1974.

ЭДВАРД ХОППЕР (1882–1967)

Эль Паласио », 1946. Предоставлено Музеем американского искусства Уитни.

Эдвард Хоппер известен масляными картинами, такими как легендарный Nighthawks , но художник тоже был мастером акварели. В обоих СМИ внимание Хоппера было одинаковым; американский опыт, увиденный через пейзажи. «Моей целью в живописи, — цитирует его слова, — всегда была самая точная из возможных транскрипций моих самых сокровенных впечатлений от природы.”

Light at Two Lights », 1927. Предоставлено Blount, Inc., Монтгомери, Алабама.

.