Гунби — вид китайского народного искусства, называемого «гохуа». Переводится гунби как «тщательная кисть» или «прилежная кисть» и берет свое начало аж в императорские времена. Это искусство тонкой детальной прорисовки на натуральном шелке было призвано украшать дворцы и аксессуары знатных дам (в стиле гунби часто расписывали веера). Стиль китайской живописи гунби зародился около 2000 лет назад, в династию Хань (206 до н.э. — 220 н.э.), когда политическая стабильность Хань и её процветание благоприятствовали развитию и популяризации искусства. Пика своего развития техника гунби достигла в эпохи Тан и Сун (с VII по XIII века), когда эти утонченные картины были одобрены императорскими семьями и начали коллекционироваться в дворцовых покоях. Доступны они были только очень богатым людям как предмет коллекционирования и восхищения.

Сегодня рисовать в стиле гунби может попробовать любой человек, даже рисующий не очень хорошо. Основу работы составляет контурный рисунок, расписывающийся потом с помощью знакомых акварелистам отмывок минеральными красками. Краски позволяют наносить достаточно много слоев придавая работе воздушность и сказочную дымку. Готовая работа выглядит немного декоративно, но не теряет от этого своего очарования.

Основные сюжеты гунби — это конечно цветы, но в этой технике можно рисовать и портреты, и птиц, и животных, и рыб. Особенно красиво получаются пушистые звери.

Итак, посмотрев работы вам тоже захотелось попробовать. Что нужно для начала?
Сперва стоит найти контур для своей будущей работы. Гугл в помощь, самое идеальное для новичков найти так называемые постадийки, где показаны этапы работы. Для самой первой работы лучше выбрать рисунок с небольшим количеством деталей и крупными элементами, отлично подходят лотосы или пион. Скорее всего вам захочется рисовать птиц и зверей, но начать удобнее всего с цветов. В китайской живописи копирование — основной метод обучения. Так что найдите самую понятную вам работу и попробуйте тщательно повторить.

Можно посмотреть контуры и постадийки например здесь. В магазинах продаются готовые контуры и можно их даже купить, но в интернете точно говорю постадиек и контуров полно. Постепенно, освоив способ изображения линий можно попробовать рисовать себе контуры самостоятельно, пользуясь натурой, но для новичков можно пользоваться контурами мастеров.

Несколько хитростей, которые позволят проще начать и легче добиться успеха.

Поищите на ютубе видео, желательно на китайском как вообще это делается, потому что техника работы немного отличается от привычной нам акварели например. Зайдите на канал ниже, там есть еще несколько видео с процессом.

Потренируйтесь делать контуры и отмывки. Контуры в китайских картинах специфичные, у них 18 видов линий, связанных с тематикой изображения и особенностями кистей. Китайские кисти держат вертикально и за кончик, а не как мы привыкли держать карандаш. Благодаря этому линия получается живой и гибкой. В контурах используют оттенок туши, а не прямо черную тушь — ей принято писать иероглифы. Лучше всего тренироваться на кальке, подложив под нее распечатанные контуры — кисть будет скользить и двигаться более свободно. Подходит совсем тоненькая синтетическая упругая кисточка типа 2-3. Отмывки можно потренироваться делать на акварельной бумаге, смысл в том, что она должна быть плавной, без затеков воды. Китайские краски ведут себя несколько иначе и размывать их крупными китайскими кистями с большим количеством воды поначалу довольно сложно.

При обводке важно понимать разницу в толщине для цветов и листьев например. Контуры животных не рисуются целиком, а только намечаются примерными массами, особенно в плане перьев и меха.

Белый цвет объектов в рисунке обычно закрашен белой краской. Также белая или цветная подложка делается под основной цвет пионов и лотосов — просто закрашивается вся форма цветка целиком.

Для удобной работы нужно две кисти — одна для краски, другая для воды. Китайские умельцы могут перекидывать их одним движением, но можно и просто держать в другой руке, меняя по мере надобности. Так же очень удобно работать с двумя емкостями с водой — одна всегда чистая только для размытия, другая для промывания кистей.

Не бойтесь закрашивать контуры — наоборот они органично впишутся в рисунок и не будут сильно вылезать.

Гунби не терпит спешки, лучше все делать плавно, постепенно и аккуратно.

Обратите внимание на границу в 0,5-1 милимметр, которую оставляют на основных жилках листов, она не обозначена на постадийках, но оставлять ее надо.

Не пугайтесь, что бумага идет волнами от влаги — это ее характерная особенность. Ускорить работу очень помогает высушивание феном. Аккуратно потрогайте бумагу, иногда кажется, что она сухая, но при прикосновении чувствуется, что влажная.

Иногда на бумаге остаются необработанные мелкие участки и рисунок немного плывет. Есть специальный раствор, которым можно пройтись по проблемным местам или вообще по всей бумаге, чтобы она меньше впитывала.

Мелкие черные детали, типа усиков жуков, тычинок и остального лучше рисовать не тушью, а черной краской — так вы будете уверены, что рисунок не поплывет при накатке.

Можно рисовать на готовой круглой форме или форме с паспарту — так работа выглядит аккуратнее и ее проще оформлять, но на нее немного сложнее перенести рисунок, потому что формы обычно непрозрачные. Легче всего в таком случае передавить аккуратно рисунок.

При высыхании краски светлеют, поэтому приходится накладывать дополнительные утемняющие слои. Можно осветлять с помощью белой краски края лепестков или проводить светлые жилки.

В процессе работы бумага может мяться, но в процессе накатки работа выровняется. Что такое накатка и как она делается я расскажу отдельно.

Про то, какие материалы нужны прежде всего и где их купить я расскажу в следующем посте.
Надеюсь этот пост поможет вам начать рисовать красивые картины и окажется полезным.

Китайская живопись Гохуа — стиль и техника и живопись пальцем

Гохуа – это термин для обозначения техники и стиля китайской живописи, в которой используются тушь и водяные краски на шёлковых бумагах. Термин был введён в конце XIX – начале ХХ века как противопоставление юхуа — “масляной (или сиянхуа — западной) живописи”, а сама китайская живопись Гохуа и ее техника является возобновлением китайских живописных традиций III – II веков до н.э.

Последние годы интерес к технике возобновился и стиль переживает на сегодня второе рождение. Существуют различные стили Гохуа, наиболее популярные два стиля, которые могут искусно переплетаться между собой и на свет появляется настоящий шедевр китайской живописи.

Китайская живопись Гохуа – стиль

В живописи гохуа выделяются два основных стиля – СЕ И и ГУБНИ. Стиль Се и – “живопись идеи”; в ней ценится символический образ, полет фантазии. Как правило, картины се и пишутся очень быстро, но при этом ценится прочувствованность каждого штриха и тщательная живопись.

Картины в стиле гунби отличаются тщательностью проработки деталей; в этом стиле часто пишут портреты, исторические сцены, а также изображаются архитектурные памятники и насекомые. Многие работы выполнены в стиле, совмещающем достоинства се и и гунби. В живописи гохуа традиционно существует освященное вековой традицией деление на стили. К наиболее популярным стилям относятся “цветы и птицы”, “горы и воды”, изображения лошадей, а также изображения карпов, креветок, насекомых, бытовые сцены.

Очень много в оценке картины зависит от личности художника: мастер, обладающий большой духовной силой, взращенной и отточенной за долгие годы занятий своим делом, способен воплотить часть своей силы в картину. И поэтому китайцы ценят в картине не только видимую, внешнюю красоту, но и красоту внутреннюю, силу и “энергию”.

В китайской работе обязательно должно одновременно сочетаться: сухое и мокрое, большое и малое, длинное и короткое, темное и светлое, частое и редкое.

Се-и включает в себя разные жанры: цветы и птицы, пейзаж, животные, люди. Некоторые китайские художники пишут только орхидеи, или только бамбук, или пионы.

Одним из самых излюбленных объектов эстетического воплощения в живописи является бамбук. На китайских картинах бамбук — это не просто растение, а символ человеческого характера. Изображая бамбук, художник воспевает настоящего мужа высоких моральных качеств, порой сравнивая с ним свой характер.

Техника Гохуа

Что мы знаем о техники Гохуа? С самого начала китайской живописи образы создавались посредством линейного рисунка. Линия является основой китайского изобразительного искусства. Это роднит китайскую живопись и каллиграфию, которые в Китае развивались в стилистическом единстве и взаимно развивали друг друга.

Связь китайской живописи с каллиграфией и ее акцент на линиях — одна из наиболее отличительных черт китайской живописи. И если в европейских традиционных картинах маслом, в акварелях можно совсем не заметить линию, то китайская живопись практически не обходится без линии.

Живопись пальцем

Чжитоухуа (сокр. чжихуа) — живопись пальцем. Разновидность китайской традиционной живописи, построенная на последовательной и системной замене обычной волосяной кисти пальцем (пальцами) художника. Техника живописи пальцем, предполагая строгое следование общим для традиционной живописи канонам письма, строится на последовательной и системной работе подушечкой пальца, ногтем и краем ладони.

Главную нагрузку несет, как правило, указательный палец, активно участвуют большой и мизинец, используются и другие пальцы. Контурные линии, точки пишутся ногтем, плоскости — подушечкой. Тонкие детали исполняются обычно ногтем мизинца, широкие мазки — подушечкой большого пальца, причем в последнем случае возможно участие 2-3 пальцев, так, например, применение «тушевого расплеска» требует работы одновременно безымянным, средним и большим пальцами. Нередко используется край ладони и тыльная сторона пальца. Работа пальцем порою сочетается с работой кистью (как, например, раскраска у мастера чжитоухуа Гао Ципэя).

Упоминание о живописи пальцем встречается в теории и практике уже в VII—VIII вв. (см. трактат Чжан Яньюаня «Лидай мин хуа цзи», 847 г.), утверждение ее как самостоятельной, устойчивой разновидности живописи происходит в конце XVII—начале XVIII в. и связывается с творчеством Гао Ципэя (1672—1734).

В настоящее время национальная живопись гохуа вышла из узких рамок традиционной тематики, последовав за временем. Живопись становится более разнообразной по сюжетам, в ней появляются лирические и жанровые композиции на темы сегодняшнего дня. Современные картины, исполненные в стиле гохуа, наполняются новым содержанием, живым духом времени.

Просмотры: 2 118

Техника стилей китайской живописи

Китайская живопись, два стиля Гунби и Се-и

Китайская живопись имеет, по крайней мере, пяти тысячелетнюю историю. На протяжении всей истории китайские художники использовали в своем творчестве светло-розовые, золотистые и черные цвета. Гохуа (национальная живопись) невероятно отличается от европейской живописи.

Так как каллиграфия неразрывно связана с живописью, используются одни и те же линии, материалы и инструменты, китайцы пишут и читают картины. Европейцы, по сути, рисуют и рассматривают. Китайские же художники свои картины пишут и читают, причём пишут без предварительных эскизов.

Четыре драгоценности китайской живописи

В жизни всякого образованного человека в Китае есть четыре неотъемлемые предметы это кисть, тушь, бумага, тушечница. Эти четыре предмета культурного наследия традиционного Китая называют «четыре драгоценности ученого». Владение этими предметами есть основа занятий китайской каллиграфии и живописью.

Курсы ГУНБИ и СЕ-И как для новичков, так и для тех, кто уже знаком с базовыми понятиями традиционной китайской живописи
Для записи просим звонить по телефону:
+7 (903) 774-67-01

Особая выразительность присущая китайскому искусству добивается именно посредствам этих «четырех драгоценностей ученного». Поэтому каждый художник придает большое значение при выборе своих профессиональных инструментов и подходит к этому с величайшей ответственностью.

Если вы тонко чувствуете мир, увлекаетесь восточной философией, практикуете цигун и йогу, склонны к созерцанию и медитации и у вас есть желание освоить восточное искусство (СЕ-И и ГУНБИ), опытные преподаватели арт-студии Две империи (Пурпурный город) и носители культуры Китая обучат вас этому древнему искусству.

Два стиля

СЕ-И (кит. — «передача идеи») — в классической средневековой и традиционной китайской жи­вописи одна из двух (наряду с гунби) одновременно разных и дополняющих друг друга твор­ческих манер. Отличается особой живописностью эскизного спонтан­ного лаконичного рисунка, призван­ного выразить сущность предмета так, что бы зритель мог домыслить то, что «недосказал» художник.

В манере СЕ-И исполнялись обычно цветы, растения и птицы, а также монохромные композиции на пейзажные темы, в которых художник давал простор своей поэтической фантазии. СЕ-И, заимствованная японским искусст­вом, прослеживается как в произведе­ниях школы нанга так и в монохромном искусстве буддийской секты Дзэн.

Китайская живопись Гунби (тщательная кисть) этот характерен тонкими четкими линиями, прорисовкой мельчайших деталей. Что бы делать такие работы надо обладать большим терпением и аккуратностью.

Этот стиль даже считался придворным, потому как дворцы императоров и всякой знати оформляли именно в этом стиле.

Обучение классическим стилям гунби и се-и.

Последнее время популярность китайской живописи на просторах постсоветского пространства набирает обороты. Обучение классическим стилям гунби и се-и можно встретить как на территории клубов восточной культуры таких как «Две империи» в Москве, так и онлайн.

Традиционная китайская живопись — Гохуа 國畫

Гохуа это буквально национальная живопись. Гохуа это рисование тушью на рисовой бумаге и тесно связано с искусством китайской каллиграфии. Она включает в себя стили: гунби и се-и. Интересный момент – в работе обязательно должны сочетаться одновременно две противоположности: темное и светлое, большое и малое, сухое и мокрое, короткое и длинное, редкое и частое. Се-и это искусство поэтов и философов. Включает в себя разные жанры: животные, люди, цветы, пейзаж, птицы.

Источник

Стили китайской живописи: гунби

Гунби или «тщательная кисть» — техника реалистической китайской живописи. Считается академической, поскольку была изобретена раньше остальных и противопоставляется свободному экспрессивному стилю се-и — «живописи идеи».

Гунби

В технике гунби, в отличии от се-и, используется чёткий прорисованный контур со всеми ботаническими подробностями, без какой-либо независимой, экспрессивной вариации, что ограничивает художника в свободе взгляда на объект. В древности в технике гунби часто изображали фигурные композиции, божественные чертоги, мудрецов и повествовательные сюжеты.

Стиль китайской живописи гунби зародился около 2000 лет назад, в династию Хань (206 до н.э. — 220 н.э.), когда политическая стабильность Хань и её процветание благоприятствовали развитию и популяризации искусства.

Пика своего развития техника гунби достигла в эпохи Тан и Сун (с VII по XIII века), когда эти утонченные картины были одобрены императорскими семьями и начали коллекционироваться в дворцовых покоях.

Художники, работавшие у императора, обязаны были владеть стилем гунби. У императора был целый штат художников, работавших только в этой технике. Только богатые могли позволить себе приобретать такие картины. Свитки хранились в строжайшей тайне во дворце императора и покоях богатых семей.

Особенности техники гунби:

1. Изображение объекта в контурной технике во всех подробностях;
2. Покрытие контура цветом слой за слоем, с постепенным усилением контраста;
3. Цель подобной техники — изысканное изображение объекта.

Самые известные художники стиля гунби:

• Ян Либянь (ок. 600-673 )
• Чжан Сюань ( 713-755 )
• Чжоу Фан (ок. 730-800 )
• Гу Хучжон ( 937-975 )
• Император Хуэй Чжун (1082-1135)
• Тан Инь (1470-1524)
• Цю Ин (1494-1552)
• Чэнь Хуншоу (1598-1652)

Техника могуфа

Могуфа— одна из техник традиционной китайской живописи, в переводе с китайского языка буквально «бескостная живопись». По некоторым древним документам создание этой техники приписывают Чжан Сэн-юню, который жил в династию Лян в период Южных династий. В периоды Пяти династий и десяти царств художник по имени Хуан Цюань из бывшего княжества Шу значительно развил эту технику, которая в основном использовалась в жанре цветы-птицы (хуаняо), а также деревья и цветы, травы и насекомые, поскольку птиц продолжали традиционно рисовать в стиле гунби. Эта техника была названа «не имеющей костей», «бескостной».

Художники династии Тан, подражавшие технике Хуан Цюаня: Сюй Чунсы (династия Северная Сун, был приверженцем этой техники, вследствие чего его картины были названы мэйгуту, «картины в технике мэйгу«; кроме того, он впервые стал применять технику мэйгу в жанре пейзажа). Во времена Поздней Мин и Цин самым известным мастером этой техники был Юнь Шоупин.

Цветные пейзажи Чжана Сэн-ю династии Лян, монохромные изображения людей Лян Кая династии Сун, картины цветущих растений Юн Няньтяна династии Цинь когда-то шокировали жителей Поднебесной своими нестандартными приемами, но вскоре это впечатление «развеялось как дым». Бескостный метод рисования цветов и трав художника Юн Наньтяна использовался всего лишь 300 лет…

Китайская живопись в те времена воспринималась и понималась людьми только как живопись с четкими контурами (по-китайски чжунгуфа, буквально «метод тяжелой кости») или метод сянфа (линейный метод). В результате работы, выполненные в технике мэйгу подвергались «холодным» дискуссиям и к этим картинам было пренебрежительное отношение вплоть до того времени, пока те не исчезли совсем. И это несмотря на то, что метод мэйгу фактически составляет половину всей живописи Китая!

Все изменилось в династию Цинь, когда Сян Вэйжень, Цэн Яндун и другие начали использовать эту технику. Последователи художника Ван Жуюаня и его ученики Цай Сяоцю, Чжан Хунвэй, Чэн Маньчин стремились к новым веяниям в китайской живописи, сознательно подвергая себя нападкам, начали практиковать стиль могуфа. Итогом их усердия стала известность. В последствии их школа живописи получила название «школа живописи Юнцзя» по месту ее создания.

Стиль могуфа основывается на заливке цветом больших участков картины без предварительной тщательной прорисовки контура. «Костями» в живописи называли тщательные линии стиля гунби. «Мясом» называлось заполнение контуров цветом. «Без костей» в данном контексте означает «без контура». Сначала цветом заливается форма листа, потом по сырому изображению наносятся тен, только после этого по высохшему пятну рисуются прожилки. При этом используется непромокаемая бумага для стиля гунби, пропитанная квасцами. Так же, как и в гунби, в технике могуфа присутствует окрашивание, смазывание, растирание и заливка.

Источник

Китайская живопись Гохуа

Китайская живопись обозначается термином Гохуа 国画, что буквально обозначает «живопись [нашей] страны».

Китайская живопись появилась в глубокой древности, и дата ее возникновения, благодаря новым археологическим находкам, отодвигается все дальше вглубь веков. Китайская живопись гохуа с точки зрения европейца довольно необычна и даже загадочна. Она разительно отличается от европейской живописи. Причем это различие присутствует буквально во всем, в материалах, технике исполнения и в инструментах.

Традиционная живопись Китая символична и иносказательна. Если мы привыкли рассматривать картины европейских мастеров, то работы китайских мастеров надо читать и понимать. Тем более, что в Китае живопись и каллиграфия очень близки. В Китае любой художник это каллиграф, а любой каллиграф это художник. И там, и там используется одинаковый линейный способ письма, одинаковые материалы и инструменты: кисть, мягкая пористая бумага из бамбукового или конопляного волокна, тушь и минеральные и растительные краски типа акварели.

Отличительные черты китайской живописи от европейской это то, что здесь не используются объемы, формы, перспектива в привычном для нас понимании, игра теней, не соблюдение пропорций, да и цвета здесь не такие выразительные. Традиционная китайская живопись это в основном монохром и рисунки создаются с помощью линейного рисунка. Еще одно важное отличие китайской живописи от европейской это то, что китайские мастера все свои картины пишут без предварительных эскизов.

Интересно то, что в китайской живописи отсутствует натюрморт, по крайней мере, в привычном для нас понимании. Неподвижные предметы с точки зрения китайцев оторваны от действительности и мертвы. В картине обязательно должна присутствовать динамика жизни и времени. Если художник изображал камни или фрукты, то рядом с камнем всегда присутствовало растение, причем фрукты всегда изображаются на ветке.

Лошадь «Молния в ночи». Фрагмент. Китай, ок. 750. Тушь, бумага. Длина живописного поля – 34 см, ширина – 30.8 см. Приписывается художнику Хань Гану (ок. 706–783). Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Мастера живописи в Китае используют кисти разных размеров, от очень тонких, до очень толстых. Штрих может быть легким, как осенний лист, или мощным, как тигр. Для китайской живописи характерно лаконичность, ясная композиция, а также выразительные и ритмичные контуры и конечно же плоскостное исполнение без светотеней. Ещё одной необычной особенностью является пометка картин печатью мастера, которая заменяет личную подпись.

Творения замечательных китайских художников зачастую содержат в себе глубокую философскую концепцию. Китайский художник и теоретик живописи V века Се Хэ в своем трактате «Заметки о категориях старинной живописи» («Гухуа пиньлу») сформулировал шесть законов живописи, шесть основных художественных принципов, которые должны принять к сведению мастера.Так вот первый принцип это «одухотворенный ритм живого движения». То есть, прежде всего, важно передать сущность увиденного, а не внешнее сходство.

Жанры в китайской живописи это, прежде всего пейзаж (горы и водоемы), а так же изображение цветов и птиц, портрет и анималистический жанр.

Китайские художники стремились передать сущность предметов. Поэтому им были чужды натурализм, стремление к внешнему сходству. Они старались передать лирическое переживание, настроение, возникающее от общения с природой, призывая слиться с ней, постигнуть ее тайны.

Стили китайской живописи

В традиционной китайской живописи существует два стиля это гунби и се-и.

Гунби

Гунби — «техника прилежной кисти», «техника тонкой кисти». В отличие от се-и техника гунби предполагает реалистичность и высокую детализацию предмета, прописывание мелких деталей.

Именно в этом стиле работали художники, оформлявшие росписью интерьеры дворцовых покоев императорских семей и знати. Скажем больше, художники, работавшие на службе у императора, просто обязаны были владеть стилем гунби.

Особенности присущие стилю гунби:

• Детализация предмета, контурная техника
• Усиление контраста путем послойного наложения цвета
• Изысканное изображение предметов

Самые известные художники стиля гунби:

Ян Либянь (ок. 600-673) — известный художник династии Тан. Больше всего любил изображать сюжеты из даосских и буддистских притч.

Чжан Сюань (713-755) — теоретик и историк живописиЧжан Яньюань(IXв.) охарактеризовал его лишь одним предложением: «Чжан Сюань любил рисовать женщин и детей».При жизни не пользовался большой известностью. Но имя мастера часто упоминалось в позднейших дискуссиях о танской живописи

Чжоу Фан (ок. 730-800) — китайский художник периодаТан. Мастер ушёл далеко в своём стиле, посвятил своё искусство портретированию богатых и знатных людей.

Гу Хучжон (937-975)

Император Хуэй Чжун (1082-1135)

Тан Инь (1470-1524)

Цю Ин (1494-1552) — не был придворным художником, это самородок, который добился художественных достижений упорным трудом.

Чэнь Хуншоу (1598-1652) — поэт, художник, каллиграф. Его работы отличались экзотичностью, легкостью и свободным стилем.

Стиль китайской живописи се-и (寫意) это передача идеи и чувств художника. Этот стиль предполагает свободную манеру письма. Здесь главное не внешнее сходство, а свое особое видение, душевное настроение мастера, сущность объекта. Именно здесь художник творит под влиянием сиюминутного настроения, по наитию. Копировать такие картины очень трудно, скорее не возможно.

В этом стиле нет четких линий, нет детализации. Стилю Се-и присущи широкие, свободные мазки широкой кистью. Недаром этот стиль называют «грубая кисть».

Картины писались тушью в черно-белых тонах и не выглядели так нарядно как произведения в стиле гунби, но зато они более искренни. В более позднем периоде китайской живописи преобладали произведения мастеров, работавших в стиле се-и.

Один из самых известных художников традиционной китайской живописи мастер Чжан Дацянь говорил, что се-и это передача духа предмета и его внутренней сущности.

Китайская живопись в настоящее время

В наши дни живопись гохуа значительно расширила свой диапазон и вышла за узкие рамки традиционных тематик, следуя новому времени. Современные мастера художественной кисти наполняют свои полотна, исполненные в стиле гохуа, новым смыслом, живым духом современности.

Колоссальные изменения в политической системе Китая в конце двадцатого столетия, привели грандиозным переменам и в культурной жизни. Новое поколение китайских художников, свободно мыслящих и критически смотрящих на вещи, создало новую китайскую живопись. Благодаря смелым экспериментам с разными стилями, сблизились два мира искусств — Западный и Восточный.

Китайская традиционная живопись является огромным вкладом в художественную культуру всего человечества.

Традиционная китайская живопись в России

Сравнительно недавно в России никто толком и не знал ничего о китайской живописи. Зато сейчас множество людей с увлечением занимаются этим видом искусства. Живопись Гохуа подкупает своим «дружелюбием» к новичкам, своей простотой в освоении, своей необычностью и конечно своей таинственностью и загадочностью. Особенно легко освоение китайской живописи дается детям. Для них это очень интересный и увлекательный процесс.

Сегодня в нашей стране есть много замечательных, известных мастеров китайской живописи, которые прочно стоят на одной ступеньке с китайскими художниками.

Источник

Иллюстраторские техники: китайская живопись gongbi двумя кистями

Иллюстраторские техники: китайская живопись gongbi двумя кистями [May. 9th, 2017|04:24 pm] Alika Сегодня в рубрике «иллюстраторские техники» мы рассмотрим нетрадиционный подход для западного художника, но очень традиционную китайскую манеру. Вы все, наверное, видели, очень реалистичные и живые в рисунке, но при этом очень декоративные картины китайских художников с четкими границами предметов и фигур  и удивительно нежными и деликатными переходами цвета. (Wang Meifang and Zhao Guojing) Вообще в китайских рисунках, даже в самых простых,меня всегда завораживали линии — как ловко художники умели рисовать тонкой кистью и тушью и завитки волос, и пальцы, и складки на одежде и лепестки цветов, и гнутые ветки. Очень живые линии, очень естественные и выразительные детали. Добавление цвета сохраняло всю графичность первоначального рисунка. В традиционной китайской живописи есть два похода. Один спонтанный, когда точными, но свободными мазками на очень впитывающей бумаге рисуются такие «акварельные» размытые картины. Этот стиль называется xieyi. Рисование этим способом похоже на выписывание иероглифов — каждый мазок уникален в нажиме, тоне, изменении тона. Нельзя делать плавные заливки, каждый мазок окончателен, нет четких ограничивающих контуров. И второй способ, когда рисунок очень точен и графичен, а цвет тонко и плавно набран внутри контуров. (Zou Chuan An) Вот эта вторая манера называется gongbi . И рисуется удивительно. Художник держит в одной руке сразу две кисти — одну с краской, другую с чистой водой. Подкрашивает уголок лепестка, молниеносно с легким стуком меняет кисть в пальцах и размывает нижнюю границу цвета в плавный переход. И так много-много слоев один поверх другого. И из-за хвата обеих кистей одновременно и из-за мастерского движения пальцев, которым в рабочее положение перекидывается нужная кисть, можно сильно сократить время, которое тратится на все эти тысячи слоев в картине. Сначала в этих картинах по готовому эскизу рисуется тонкий контур тушью и кистью — все детали, все листочки, все вариации лепестков.   Контур не должен размываться, поэтому он делается тушью. А затем накладывается множество слоев цветных китайской акварелью, постепенно утемняется там, где внутри лепестков, под ними, под вырезанным краем листьев. От светлого контура одной кистью накладывается небольшая полоска краски, второй, с чистой водой размывается нижний край этого цвета. И постепенно набирается нужный оттенок или тон. Работа всегда идет одинаково — «сверху» цвет начинается  с четкой ровной границы, «снизу» размывается, плавно сходя на нет. Для такой работы нужно много терпения — накладывать множество прозрачных слоев маленькими кусочками. Вот на фото с видео Prof. Rao видно, как держать обе кисти одновременно. Кисть с темным ворсом накладывает цвет, мгновенное движение пальцев и  кисти меняются местами, теперь кисть с белым ворсом размывает все чистой водой.  В акварель или воду кисти тоже макаются по очереди, вторая всегда остается зажата между мальцами.  Но в нашей традиции мы бы накладывали цвет, мыли эту же кисть, подбирали чистую воду и размывали границу. С двумя кистями работа идет гораздо быстрее, а умение держать их обе в руке еще больше ускоряет процесс! Под катом три видео, где близко можно рассмотреть, как художник работает в технике gangbi. Текст идет на китайском, но все понятно и без слов. Это три  последовательных фрагмента одного процесса, каждое видео примерно семь минут. Художник рисует нежнейший пион -один из любимейших моих цветов и в жизни и в живописи. Comments: Засмотрелась на третье видео, очень успокаивает. Я ни разу не художник, но очень захотелось так попробовать! Спасибо за интересный пост! Про технику видео всегда очень интересно смотреть. На них очень приятно смотреть — все так неторопливо, слой за слоем — и правда, настраивает на такой неторопливый задумчивый лад. From: (Anonymous) 2017-05-10 05:27 am (UTC) (Link) Ещё как вариант — вместо двух одну водяную кисточку (такая помесь кисточки с пипеткой, с водой в ручке) взять и размывать ею сразу же. Можно, наверное, и водяную. Хотя у нее ручка мягче, может быт не будет получаться так четко менять местами. Ну и ее все равно нужно в стороне где-то «промывать», вытирать о бумагу-тряпочку. Я тут по комментариям бегаю, уж извините, просто тема такая интересная, не могу молчать)) Я про ватербраш хочу сказать, что он хорош, конечно, в полевых условиях, но все-таки с натуральной кистью, тем более для китайской живописи его даже сравнивать не стоит. Щетина из синтетики слишком упругая, кончик не такой утонченный, да и постоянное вытирание и нажимание подбешивает. К тому же у меня баллон довольно тугой, требуется некоторое усилие и время около пары секунд, чтобы капли воды просочились на саму кисть в количестве, достаточном для размытия. Для окрашивания естественного поступления воды достаточно, но для размывки маловато. О. Спасибо! И ведь действительно — там кисть с водой ниже в руке держится, очень неудобно сжимать ручку будет — и тем более следить — у этой кисти не сжимаем, а у этой жмем. как здорово, спасибо! обязательно надо так попробовать. Сто слоев с постепенным наращиванием интенсивности — это я люблю) только бумагу нужно подобрать подходящую, далеко не любая позволит такое. А использование нескольких кистей я видела и у других акварелистов, как и использование отдельного стакана с чистой водой именно для увлажнения бумаги и размывок. Они свою традиционную сами грунтуют. Квасцами, кажется. Но это потому что обычно у них бумага непроклеенная, впитывающая, как промокашка. С нашими проклеенными можно, наверное, подобрать достаточно хорошую, чтобы она эти слои выдержала спокойно Наверное, от пигмента тоже зависит. Те, что staining, не размоются так легко, я думаю… Офигенно интересно Супер! Спасибо, прям вовремя так, я как раз увлеклась оконтуренной акварелью. Нагуглила, по-русски называют «гунби» (gongbi), буду пробовать двумя кистями рисовать. Мне как раз интересным показалось, что они не в конце обводят контуром (как я бы сделала), а сначала этот контур рисуют начисто, а потом внутри него расписывают. Я думаю, от слоев, сам контур становится цветным тоже. Да, да, вначале контур, это я неправильно выразилась)). Я вчера попробовала менять кисти одной рукой, немного коряво и медленно, но получается, так что есть смысл отработать эту технику, выполнение рисунка становится более изящным, что ли. Причем самопроизвольно изменилась манера держать кисть — не под углом, а строго вертикально, придерживая тремя пальцами, совершенно по-азиатски)). Edited at 2017-05-11 02:44 am (UTC) нет-нет, вы все понятно сказали — это я уже поддерживаю тему разговора:) А технику, да, очень хочется освоить:) Я сегодня тоже пробовала. Только мне странно опирать кисть на безымянный палец — все не могу приноровиться. Гугл знает этот стиль, как gongbi, потому что по запросу gangbi выдается совсем не живопись, а вовсе даже неприличные видео 🙁 Ба! спасибо! Непонятно, что это на меня нашло, что я набрала «а», когда у меня открыто десять страниц с «о» и в поиске я пишу «о», как и нужно! Исправила. Спасибо! Такая интересная медитативная техника! Сразу хочется попробовать на какой-нибудь раскраске. О, на раскрасках, наверное, быстрее всего попробовать:) Но не знаю, позволит ли там бумага множество слоев. Я попробовала, моя раскраска выдержала слоев 7. Если хочется больше — тогда нужна другая бумага, эта бы пошла волнами. И так выбирала самую плотную, с крупным рисунком, без деталей, чтобы не промахиваться по контурам. Подошел детский мультяшный рисунок — пальма из «Ну, погоди!» :)) Двумя кисточками действительно удобнее рисовать, чем одной, но оказалось надо приноровиться вначале их правильно держать, пришлось, отложив рисунок, несколько раз их поправлять, когда съезжали. Понравилась спокойная, неторопливая техника, мне кажется, очень подходит для «природных» тем и настроения. Теперь хочу так раскрасить какую-нибудь птицу. Кажется, перекидывание кисточек в кадр не попало ни разу 🙁 Ага, не попало. У меня так давно лежал этот пост в заготовках, что уже исчезли те видео, где китайские девушки это демонстрировали — там они как раз так ловко со стуком легким меняли. Извините, что вклиниваюсь, вот видео с техникой перемены кистей https://youtu.be/Fgw-PE5Vmzk Спасибо, очень красиво, завораживает. Тоже захотелось попробовать. Вот кто-нибудь попробует и нам расскажет:) Слушайте, а ведь это очень удобно, особенно, когда рисуешь цветы и надо тень на лепестке и сам лепесток! Круто. Спасибо за урок.

Китайская живопись гохуа, изобразительное искусство и техника рисования Китая

Китайская национальная живопись гохуа появилась в глубокой древности. Она отличается большим своеобразием и совершенно отлична по материалу, технике и художественным средствам от европейской живописи. Китайские картины пишутся тушью, минеральными и растительными красками типа акварели на шёлке (иногда на хлопчатобумажной или пеньковой ткани) или на особой бумаге из мягкого тонкого волокна и имеют форму свитков—горизонтальных для рассматривания на столе и вертикальных для украшения стен. Художники пользуются кистями разных размеров, от очень тонких до очень толстых (от 5 миллиметров до 5 сантиметров). Штрих может быть легким, как облако, или мощным, как дракон.

В Китае издавна говорят о близости живописи и каллиграфии. Художники и каллиграфы пользуются одними и теми же материалами и инструментами (кисть, бумага и тушь) и одинаковым линейным способом письма. Между китайской каллиграфией и живописью столько общего, что они считаются родными сестрами. Развиваясь в стилистическом единстве, они взаимосвязаны и двигают друг друга вперед. Это говорит о том, что в основе китайского изобразительного искусства лежит линия. Самыми простыми линиями китайские живописцы создали произведения высокого художественного совершенства.

Одной из отличительных черт китайской живописи является то, что образы в ней создаются посредством линейного рисунка, в то время как в европейской живописи образы выражаются с помощью объёмов и форм, цветом и светотенью.

В живописи используется особая тушь, совершенно не похожая на употребляемую на Западе. В Китае для письма и рисунков всегда употребляют плитки первосортной, с чёрным лаковым блеском, туши, в приготовлении которой китайцы достигли большого совершенства. Растирая плитки с водой до густой или жидкой консистенции, получают тушь, с помощью которой художники создают широкое разнообразие тонов. Благодаря размывам разбавленной туши, живописцы передают наитончайшие оттенки от густого чёрного до прозрачного бледно-серого. В Китае письменные принадлежности: кисть, тушь, бумага и тушница—считались “четырьмя драгоценностями” [вэнь фан сы бао].

Для китайской живописи характерна многоточечная и рассеянная перспектива, лаконичная и ясная композиция из пятен локального цвета с выразительными и ритмичными контурами, а также плоскостная живопись без светотеневой лепки. Китайский художник может на длинном и узком бумажном или шелковом свитке воспроизвести реку, создавая ощущение бесконечности речного простора, увиденного сверху или сбоку, а также множество ландшафтов, казалось бы скрытых от зрителей линией горизонта. Этого нельзя достигнуть с помощью фокусной перспективы. Многоплановая перспектива китайской живописи позволяет художнику дать полный простор своему воображению и создать художественный мир, не связывая себя рамками ограниченного горизонтом пространства.

Реалистическое начало непосредственного наблюдения действительности сочетается в китайской живописи с рядом условных канонов. Её величавая простота и благородная строгость не исключают тонкости декоративных деталей. В образах китайской живописи часто воплощаются глубокие философские идеи. В различные периоды развития живописи на неё наложили свои отпечатки конфуцианство, даосизм и буддизм. Родоначальник теории живописи Сэ Хэ в своих “Заметках о категориях старинной живописи” (490 г .) сформулировал шесть основных принципов, которыми должны руководствоваться художники. И самый первый из них состоял в требовании передать в живописи “одухотворённый ритм живого движения”, который присущ всему в природе, передать его сущность, а не внешнее натуралистическое изображение.

В традиционной китайской живописи установились определенные жанры: пейзаж “горы и воды”, живопись “цветов и птиц”, портрет и анималистический жанр.

Образам китайской живописи придавалось символическое значение , связанное с идеями древней космогонии. Структуру живописного свитка определяют важнейшие начала — Небо и Земля, между которыми разворачиваются основные действия, определяющие внутреннюю динамику картины. Трактаты по искусству композиции учили художника: “Прежде чем опустить кисть, непременно определи место Неба и Земли… Между ними заботливо расположи пейзаж”.

Дуалистическая структура мира, утверждённая в глубокой древности, представала как зримо воплощённые в Небе и Земле два противоположных принципа мироздания: мужская сила — [ян] и женская сила — [инь]. Взаимодействие этих сил порождало пять первоэлементов: воду, огонь, дерево, металл и землю, которых образовано всё реальное, всё сущее.

Годовой цикл воплощал круговорот рождения и смерти вещей. “Четыре времени года” — излюбленный мотив китайских художников. Кульминацией этого цикла был день зимнего солнцестояния, когда сила ян испытывала наибольшее напряжение, когда свершалось таинство слияния Неба и Земли, когда в недрах тьмы зарождался свет Поэтому зимний, снежный пейзаж считался лучшей формой в выражении сути бытия.

В китайских пейзажах горы считались олицетворением мужского светлого начала ян, а воды — женского тёмного начала инь, из сочетания которых, по древним представлениям, возникает вселенная. Горы—кости земли, потоки воды—вены, кровь, пульсирующая, несущая жизнь и движение. Художник стремился передать сущность, мировую гармонию, ритм, лежащие в основе явлений природы. Поэтому ему были чужды натурализм, стремление к внешнему сходству.

Природа рассматривалась как место спасения от гнёта общества, как убежище, где одинокий отшельник, поэт и философ, наслаждается её красотой. Рассматривая пейзаж, тонкий ценитель и знаток живописи “терялся в странствиях” по далям. Художник старался передать лирическое переживание, настроение, возникающее от общения с природой. Он призывал к слиянию с ней, к постижению ее тайн.

Миниатюрность человеческих фигурок, изображённых на фоне грандиозных ландшафтов, должна была вызывать мысли о величии вселенной, в которой человек является незначительным звеном, подчинённым её могучим силам.

В этом состояло отличие представлений китайской культуры от европейской, где человеку уделялось главное внимание и его изображали как могучую творческую силу, преобразующую мир. В китайских пейзажах как бы соединяются три мира: мир воды, мир камня и мир дерева. Их объединяет особая живописная организация времени и пространства, являющаяся отражением четвёртого, важнейшего мира. Особое значение придавалось изображению воды, которую почитали как “нектар богов”. Согласно легенде, феникс стал символом чистоты, потому что напоен водой. Водопад — символ встречи Неба и Земли. Он, подобно дракону, выражает единство бытия и небытия. К миру воды относятся и облака — “небесные горы”. Реки, озера, ручьи облагораживают Землю своим небесным и абсолютным началом.

Мир камня спускает нас с неба на землю, хотя и камни содержат небесное начало, в частности, в уходящих в заоблачные выси горных пиках, относящихся к сфере неба и воды. Камни считались “остовом Неба и Земли, обителью духов”.

В китайской живописи существует эстетический культ дерева. Особенно часто изображается ива, которая является символом скромной красоты и утончённости. Она — знак весны в природе, атрибут богини материнства Гуаньинь и поэтому символ красоты и доброты. Женское изящество всегда сравнивается с гибкостью ивы.
Особой популярностью в китайской живописи пользуется сосна, олицетворяющая и конфуцианскую сдержанность и стойкость, и даосский идеал “ пользы бесполезного”, то есть изогнутого, сучковатого и непригодного для поделок, и древнюю идею вечной юности. Деревья, подобно камням , воспринимаются как живые.
Особым разделом жанра “цветы и птицы” является живопись так называемых “ четырёх благородных”: орхидеи , дикой сливы мэйхуа, бамбука и хризантемы. Среди этих растений космогоническую идею несёт мэйхуа. В монохромной живописи бамбука заключается смысл конфуцианской этики и даосской философии. Орхидеи и хризантемы имеют более личный, сокровенный смысл. Орхидея воплощает простоту, чистоту и скрытое благородство. Хризантема — прекрасна, скромна и целомудренна, воплощение торжества осени. Этот цветок — символ возвышенного одиночества.

Одним из самых излюбленных объектов эстетического воплощения в живописи является бамбук. На китайских картинах бамбук — это не просто растение, а символ человеческого характера. Изображая бамбук, художник воспевает настоящего мужа высоких моральных качеств, порой сравнивая с ним свой характер.

С популярностью бамбука может соперничать только изображение ветки с нежно-розовыми, белыми или жёлтыми цветами дикой сливы мэйхуа. Она также символизирует гордого человека кристальной чистоты, несгибаемость и стойкость, так как живые соки сохраняются в деревьях и в морозы. Цветок означает солнечное начало ян , а само дерево, ствол и ветки, наполненные соками земли, олицетворяют её силу инь. Символика мэйхуа конкретна: цветоножка—это абсолютное начало; чашечка, поддерживающая цветок, рисуется тремя штрихами , так как воплощает три силы — Небо, Землю и Человека. Сам цветок является олицетворением пяти первоэлементов и поэтому изображается с пятью лепестками. Все части , связанные с деревом, имеют чётное количество элементов, что отражает устойчивость — свойство Земли.

Изображение “трёх друзей холодной зимы” (мэйхуа, бамбука и сосны) вместе с орхидеей, составлявших “четыре совершенных”, символизировало чистых благородных людей, чья дружба и взаимная поддержка прошли все испытания.

Язык символов, лишенный предметной реальности, близок и понятен истинному ценителю китайского искусства. Тот, кто не понимает смысла иносказаний, не может постичь китайскую живопись. Назовём ещё некоторые популярные символы в изобразительном искусстве: дракон и птица феникс — символы власти, могущества и силы, а дракон также символ императора, а сейчас Китая и мужского начала; феникс — императрица , женское начало; лев-символ мощи и благородства; тигр-защитник от злых духов; журавль, черепаха старые камни — символы долголетия; летучая мышь, сорока — символы счастливой вести; голубь—символ мира, появился недавно; селезень с уткой , две рыбки, две бабочки, два цветка лотоса на одном стебле — символы супружеского счастья; лотос — символ внутренней чистоты; пион — символ человеческой красоты, богатства , изобилия , почести и пышности; персик — символ долголетия и бессмертия; рыба карп — символ пожелания счастья и успехов; гранат — символ пожелания большого мужского потомства; множество цветов — символ расцвета китайского искусства.

Портрет и вообще изображение человека играли заметную роль лишь на раннем этапе сложения эстетического феномена китайской живописи. После периода Тан (618—907 гг) портретной живописи стали отводить менее значительную роль, пока она не заняла последнее место . В портретном искусстве можно выделить два направления. Одно исходило из конфуцианской официальной традиции социально- этической значимости человека, другое опиралось на даосско-буддийскую философию ценности личности и потому стремилось раскрыть неповторимые черты характера и свойства данного человека. Художники первого направления изображали чаще всего мемориальные портреты исторических и государственных деятелей , высоких сановников, членов их семей и придворных красавиц. Художники, относящиеся ко второму направлению, создавали образы поэтов, отшельников, фантастические портреты святых. Первые чаще всего работали в цвете, в детальной, скрупулезной манере. Вторые отдавали преимущество рисованию тушью, прибегая порой к лёгкой подцветке, в свободной, эскизной манере.

В китайской живописи существует два стиля письма: гунби — прилежная кисть и сей — живопись идей. Первому стилю присуща тонкая и подробная графическая манера письма с тщательным накладыванием красок. Второму — свободная эскизная манера письма широкой кистью.

Художники стиля сей стремятся передать не внешнее сходство предмета, а его сущность, в чем и заключается главная цель мастера. Эти два стиля взаимно дополняют друг друга. Но основой развития стиля сей является манера письма гунби. Сей за тысячелетия выработала свой емкий и лаконичный художественный Язык, с помощью которого художник выражает внутреннюю сущность предмета и, таким образом, свои мысли и чувства. К этому и стремится настоящее искусство.

В китайской живописи существует особый вид картин — картины-свитки хуафу или хуацзюань. Они сворачиваются в рулон цзю ань чэюу и хранятся в специальных изящных футлярах. Этот способ удобен для хранения и коллекционирования картин. Древние картины — свитки, благодаря существующей тогда высокой технике наклеивания картин и способам их хранения, и через тысячелетие сохраняют свою первозданную свежесть, что позволяет любоваться ими в музеях.
Источником возникновения картин — свитков были фрески бихуа, картины на ширмах пинхуа, появившиеся ещё до нашей, эры.

Вюзникновение такого рода картин было связано не только с целью удобства хранения, но и с возникновением направления в живописи вэньзюньхуа — живопись учёных. Мастера вэньжэньхуа гнушались наравне с простыми живописцами расписывать дворцы и храмы. Их картины свитки вывешивались в кабинетах и предназначались для обозрения друзей, литераторов, учёных и служивого сословия.
В вэньжэньхуа живопись сочетается с поэзией и каллиграфией. Изящество иероглифов и поэзия стиха не только дополняли и подчеркивали основное содержание и идею картины, но и в сочетании друг с другом придавали ей особую красоту и законченность. Этот стиль стал яркой отличительной особенностью китайской живописи и популярен в Китае в наши дни.

Ещё одной особенностью китайских картин является пометка их личной печатью художника, заменяющей его подпись. Она изготавливается из металла, камня (яшмы, нефрита), горного хрусталя, дерева, слоновой кости, а сейчас и из пластмассы. Печать чаще всего квадратная в сечении. На её плоскости врезаны или даны выпукло иероглифы, обычно в древнем написании, девизы или благопожелания. Отпечаток производится с помощью специальной мастики красного цвета (из киновари, клея и кашицы полыни). Изготовление печатей является особой отраслью искусства. Печать может украшаться резными фигурками и храниться в специальном футляре.

В настоящее время национальная живопись гохуа вышла из узких рамок традиционной тематики, последовав за временем. Современные картины, исполненные в стиле гохуа, наполнились новым содержанием, живым духом времени.

Наряду с традиционной китайской живописью, получили развитие и другие виды живописи: акварель, живопись маслом, графика, карикатура.

В глубь истории уходит прикладное искусство Китая. К нему относится искусство обжигания из цветной керамики, появившееся 5 — 6 тысяч лет тому назад, бронзовые изделия и изделия из нефрита 3000-летней давности, лаковые изделия периода Чуньцю (Весны и Осени) и Чжаньго (Воюющих царств), шёлк и вышивка Ханьской династии, золотые и серебряные изделия и трёхцветная керамика Танской эпохи, фарфоровые сосуды и парча Сунского периода, резьба по лаку и перегородчатая эмаль Минской и Цинской эпох.

Традиции мастеров прикладного искусства развиваются в наши дни. Сейчас насчитывается свыше 600 видов прикладного искусства, основными из которых остаются: резьба, фарфорово-фаянсовые изделия, перегородчатая эмаль, вышивка, лаковые изделия, изделия из металла, пробки, ракушек и др. В современных произведениях прикладного искусства ярко проявляются тонкий художественный вкус и высокое мастерство народных художников Китая.

Традиционная китайская живопись: история, стили, примеры

Культура

Автор Fercility Jiang Обновлено 18 марта 2021 г.

Какое отношение имеют вера, история и момент времени к китайской традиционной живописи? Все!

Рассмотрим эти три важные идеи, которые помогут сделать китайскую живопись такой, какая она есть:

• Прошлое является основой настоящего и будущего и требует уважения. Художники учатся своему ремеслу, копируя более ранних мастеров.
• Как люди, мы всего лишь крошечное пятнышко в широте пространства и времени.
• При этом хорошая картина раскрывает характер художника, который, в свою очередь, вносит свой вклад в смысл картины. Чтобы по-настоящему понять произведение, нужно узнать о художнике и времени, в которое он жил.

В результате произведения искусства от 200 г. до н.э. до современных работ можно считать традиционной китайской живописью! Китайская роспись выполняется на бумаге или шелке с использованием различных кистей, туши и красок.Сюжеты различаются, в том числе: портрет, пейзаж, цветы, птицы, животные и насекомые.

От скрупулезности до руки: техники рисования

Как и каллиграфия, традиционная китайская живопись или гохуа (国画 / gwor-hwaa /) выполняется кистью, смоченной черными чернилами или цветными пигментами, обычно на бумаге или шелке. Готовую работу можно закрепить на свитках и повесить. Традиционной росписью были также стены, фарфор и лак.

В китайской живописи есть две основные техники:

• Gongbi (工笔 / gong-bee /), буквально «рабочая ручка», представляет собой тщательно продуманный стиль, богатый цветом и детализированными мазками кисти. Его часто используют для портретов или повествовательных сюжетов.
• Xieyi (写意 / sshyeah-ee / «письмо»), что означает «от руки», представляет собой более свободный стиль рисования и обычно используется в пейзажах. Xieyi часто имеет преувеличенные формы и выражает чувства художника.Его также называют shuimo (水墨 / shway-mor / «водяные чернила»), что означает «акварель и чернила».

История в двух словах

От династий Хань (206 г. до н.э. — 220 г. н.э.) до династии Тан (618-907) художники нарисовали множество подробных, сложных портретов королевского двора. Некоторые из древних произведений, изображающих придворную жизнь императоров, их дам и императорских лошадей, сохранились в гробницах и захоронениях. Династия Тан также увидела начало пейзажной живописи, которую часто называют шаньшуй (山水 / shan-shway / «гора-вода»).Они менее точны и допускают индивидуальную свободу интерпретации предметов.

Время от периода пяти династий (907-960) до периода Северной песни (960-1127) известно как «золотой век китайской пейзажной живописи». Смелыми мазками и черными линиями художники изобразили холмы, реки и камни. Другие использовали более мягкую манеру письма, чтобы нарисовать мирные сцены с природой, птицами и животными.

Во времена династии Сун (960–1279) пейзажи почти достигли мифического качества с размытыми очертаниями гор и туманов.

Во времена династии Юань (1279-1368) художники начали добавлять в свои работы поэзию и каллиграфию, чтобы выразить свои мысли и чувства.

Техника цветной печати была усовершенствована во времена династии Мин (1368–1644), что явилось огромным достижением. Это дало возможность создавать иллюстрированные книги и руководства по технике китайской живописи.

В 1700-1918 годах богатые покровители лелеяли и поощряли новые работы многообещающих художников. Некоторые крупные города, такие как Шанхай и Янчжоу, стали центрами искусства.

Западное искусство оказало влияние на Китай в конце 1800-х и 1900-х годах. Некоторые художники после обучения за границей вернулись на родину и соединили в своем искусстве лучшее из обеих культур.

Пейзажи, украшающие китайскую живопись

Хотите увидеть пейзажи, украшающие китайское искусство?

Hongcun в Желтых горах до сих пор часто посещают художники, и вы можете увидеть, как они своими кистями сочетают бассейны, ивы и древнюю архитектуру! Если вы хотите, чтобы веер с ручной росписью стал сувениром, подумайте о том, чтобы посетить «родной город бумажных вееров» — Fuli .Фули также является одним из наиболее хорошо сохранившихся древних городов Гуйлиня с более чем 1000-летней историей. Пейзажные шедевры также можно найти в Гуйлине .

Похожие туры

Желтые горы (Хуаншань по-китайски)

Если вы планируете тур в Желтые горы, ознакомьтесь с нашими рекомендациями для вдохновения:

Гуйлинь

Думаете вместо этого о Гуйлине? Для вдохновения рассмотрим эти популярные туры:

• Гуйлинь Живописные и этнические открытия (4 дня): Окунитесь в красоту традиционной жизни, от прогулок по маленьким дорожкам рисовой террасы до посещения дома местной этнической семьи.
• Essence of Guilin (3 дня): Насладитесь вневременной сельской местностью во время речного круиза, полюбуйтесь панорамными видами с карстовых холмов и исследуйте лучшие пещеры Гуйлиня.
• Гуйлинь, Луншэн, Яншо Отдых (6 дней): Наслаждайтесь мирными пейзажами, сельской местностью и традиционными этническими культурами Гуйлиня, Яншо и рисовых террас Луншэн Лунцзи в расслабляющей обстановке.

Наши туры могут быть индивидуализированы. Просто расскажите нам о своих интересах и требованиях, и мы разработаем для вас индивидуальный тур .

Изучите китайские техники рисования кистью с Полин Черретт

Искусство китайской живописи кистью различается как по стилю, так и по исполнению. Есть два основных направления — фристайл (xieyi, буквально «написание идей») и скрупулезный (gongbi). Первый обманчиво прост; последний более реалистичен и детализирован. Эти две статьи (в этом месяце и в следующих) будут посвящены рисованию вольным стилем. Используемая среда отличается от западной акварели и дает более мягкий результат. По формату картина может быть как в раму, так и в виде свитка с шелковыми бордюрами.

С помощью этого метода можно рисовать различные предметы. Традиционно предметы делятся на такие категории, как цветы и птицы, фрукты и овощи, животные, пейзажи и фигуры. С помощью нескольких мазков китайской кисти ваш объект оживает, а зрителю предлагается завершить изображение в своем воображении. Изображаемый объект часто имеет символическое значение и может быть подготовлен для особого случая. Это также реакция художника на конкретное время или ситуацию.Обычно это не точная передача, а скорее впечатление, фиксирующее настроение или момент времени вместе с духом или ци (ци) объекта. Этой форме живописи более 2000 лет. Некоторые из первых картин были фресками на стенах гробниц, записывая жизнь и имущество умерших.

Постепенно добавлялись и другие предметы, и одно время даже стиль и содержание живописи (скрупулезный стиль) были предписаны императором Хуэйцзун (1082–1135).Естественно, против этого была реакция, и позже придворные ученые сосредоточились на представлении вольного стиля.

Самые известные художники были либо при дворе, либо членами императорской семьи. Это было такой же частью общепринятого занятия ученых и влиятельных людей, как и их служебные обязанности. К примеру, любого, кто рисовал на жизнь или на комиссию, считали менее важным, чем торговец. Конечно, ХХ век изменил многие из этих концепций.

Материалы, используемые для китайской живописи кистью, называются «Четыре сокровища» — кисть, бумага, чернильный камень и чернильный стержень.Ученые, у которых было свободное время для занятий каллиграфией и живописью, собирали красивые предметы для своего «ученого стола», в том числе подставки для кистей и вешалки, капельницы, кувшины и миски.

Стили кистей

Художественные кисти произошли от кистей, которыми чиновники делали записи на бамбуковых полосках (оригинальные китайские книги и пластинки).Во всех кистях используется шерсть животных разной гибкости, собранная и склеенная в бамбуковую ручку, с роговым наконечником или без него. Большинство из них предназначены для подвешивания вверх ногами для сушки, что защищает голову. Новые щетки усилены, чтобы защитить волокна от насекомых. После того, как это было удалено путем замачивания в теплой воде, следует позаботиться о том, чтобы хранить высушенные кисти в щеточном валике или подвешивать их на вешалке.

Хорошие кисти сделаны из натуральных волокон и могут быть либо одинаковыми, либо смесью двух или трех разных типов волос.На севере Китая обычно доступны щетки для овец (коз), а на юге более популярны щетки для волков. Я считаю, что щетка из смешанного волокна имеет преимущества как мягких, так и твердых волосков.

Кисти овцы, белки и кролика используются для мягких мазков при изображении животных, цветов или фруктов, в то время как волк, барсук и лошадь обычны для пейзажных работ. Более экзотические волокна включают перо горной лошади или кошки и куриное перо. У художников часто есть любимая кисть для определенных предметов. Доступны разные размеры, и лучше всего использовать тот, который больше, чем вы обычно используете для акварельной живописи.

Параметры поверхности

Бумага предпочтительнее для рисования вольным стилем, так как она более впитывающая и дешевле шелка. Он должен быть абсорбирующим и поэтому описывается как некорректный (без добавления квасцов) или полуразмерный (обработанный квасцами). Бумага изготавливается вручную или на машине. Бумага Xuan производится по всему Китаю, она происходит из провинции Аньхой.Другая бумага доступна в листах или непрерывных рулонах, содержащих бамбук, кору тутового дерева или лен. Хотя они кажутся чрезвычайно впитывающими (после нанесения штриха его невозможно стереть), свобода нанесения отметок на бумаге впечатляет.

Чернила

Чернила бывают в стиках или в жидкой форме. Чернильная палочка изготавливается из сажи (дерева или масла), смешанной с клеями и маслами, формованной и высушенной. Они могут быть хорошо декорированы, и чем старше чернила, тем лучше качество чернил. Чернила хорошего качества дают гладкие и ровные тона при разбавлении, поэтому вы сможете получить чернила нескольких оттенков и цветов, если их правильно отшлифовать. Жидкие чернила дешевле и могут сэкономить время, но при поиске контроля тона они не сравнятся со свежемолотыми чернилами.

Чернильный камень и другие материалы

Чернильный камень завершает Четыре сокровища. Они сделаны из резного камня или сланца, и опять же при поиске тонко измельченных чернил качество важно. Грубый камень не будет давать хороших чернил независимо от качества карандаша (и наоборот). Хотя можно использовать западную акварель, предпочтительно использовать китайские или японские краски, которые созданы для этого стиля живописи — они содержат больше клея и более прочно связываются с бумагой.

Цвета включают как овощи, так и минералы (прозрачные и непрозрачные). Некоторые из них могут быть ядовитыми, поэтому не облизывайте кисть! Цвета ограничены по сравнению с западными красками, но каждая гармонирует со своими соседями и поддерживает их. Они доступны в разных формах — гранулы или крошки, порошки (дорогие), японские сковороды для китайской окраски кистью и тюбики (недорогие). Печать — неотъемлемая часть картины. Вырезанные на камне, они напечатаны с помощью киновари.Художники могут подписывать свои картины своей именной печатью, а также включать печать настроения, которая отражает суть, либо настроение предмета, либо настроение художника, когда они его рисовали.

Четыре джентльмена

Четыре вида растений известны как четыре джентльмена в китайской живописи кистью. Говорят, что эти растения содержат атрибуты конфуцианцев дзюнцзи (джентльменов) династии Сун (960-1279), и каждое из них представляет разное время года: орхидея (весна), бамбук (лето), хризантема (осень) и слива (зима). .Орхидея показывает силу листьев и нежность цветов, изгибаясь и раскачиваясь на ветру. Это должно быть изображено вашими мазками. Вопреки ожиданиям, бамбук — один из самых сложных предметов для правильной раскраски, и он требует большой практики. Он символизирует прочную корневую систему, которая цепляется за камни даже при ветре и дожде. Хризантемы олицетворяют уединение и научные занятия. Часто изображаемый с чайником или чашками, вы должны добиться в картине ощущения расслабления.И, наконец, слива дает новые побеги после зимы, намекая на новые начинания.

Рисуя, наблюдая и упрощая, вы можете рисовать практически все, используя китайские техники рисования кистью. Хотя такие предметы, как лотос, являются традиционными и полны смысла (в частности, чистота, когда каждая часть лотоса используется в пищу или лекарство), вы можете легко использовать что-то вроде листьев кабачка из огорода, чтобы придать аналогичное ощущение, сосредоточившись на крупные листья, которые становятся интереснее по мере старения и рваности. В следующем выпуске я расскажу о других темах, в том числе о том, как нарисовать эту элегантную цаплю (см. Ниже).

Цапля , тушь, акварель, (32×19см).
Эта гордая птица написана тушью с небольшими акварельными штрихами для глаз, клюва и лапок.

КАК НАКРАСИТЬ ПРОСТУЮ ОРХИДЕЮ

Использование оттенков чернил для иллюстрации этого цветка — мое любимое занятие. Чернила должны быть разнообразными, включая светлые и темные, большие и маленькие, плотные и разреженные, тонкие и толстые, влажные и сухие.Включите два или три таких контрастных элемента, чтобы сделать вашу работу более живой.

1. После измельчения чернил нанесите твердую кисть (коричневого или смешанного цвета) темными чернилами. Нарисуйте листья от основания до кончика, поднимая кисть с бумаги на конце каждого, чтобы получить заостренную форму. Разорвите линию листа, а не перекрывайте штрихи.

2. Нарисуйте центр цветка двумя мазками и добавьте три мазка «пропеллер» более светлыми чернилами. Продолжайте внешнюю линию самого большого центрального штриха вниз, чтобы сформировать стебель, к основанию листьев. Убедитесь, что вы не «скрепляете» все вместе, но позволяете пространству и движению происходить.

Как нарисовать буйвола — из статьи Полины

Начните с глаз, ушей, рогов и носа; тогда вы получите характер животного. Это помогает, если существо смотрит в определенном направлении (следовательно, в приведенном ниже примере оно смотрит на взбалмошную бабочку).Меняйте штрихи, используемые для тела. Старайтесь предлагать мышцы прямо под кожей с жесткими волосками, которые защищают животное. Они неровные и возникают там, где животное подвержено травмам. Обратите внимание на разные оттенки чернил.

Залейте кисть чернилами от светлого до среднего, иногда добавляя темные чернила, и боковой стороной кисти наносите штрихи рядом друг с другом, пока не получите форму тела. В частности, обратите внимание на позвоночник, плечи и бедра. Наконец добавляем хвост.В этой композиции показывать ноги не нужно, подойдет просто копыто.

Чтобы подчеркнуть разницу в размере и весе между ними, убедитесь, что насекомое окрашено в светлый цвет.

Полин Черретт

Полина написала восемь книг, отредактировала китайские публикации и подготовила различные статьи о китайской живописи кистью. Член-основатель Китайского общества кистевых художников (www.cbps.org.uk), она выступает с докладами и демонстрациями, а также преподает в Knuston Hall, Irchester (www.knustonhall.org.uk) и Harrow Way, Andover. Узнайте больше на сайтах www.sidewinderstudio.co.uk и www.orientalartsbrighton.co.uk (оба являются членами CBPS). Припасы также можно получить в Гуанхва на Ньюпорт-Плейс, Лондон, WC2.

китайских техник рисования тушью | Искусство кисти

Китайские методы рисования тушью

Китайская живопись тушью — это древнее искусство, которое развивалось и совершенствовалось на протяжении многих веков.

«Китайская живопись тушью подчеркивает концепцию и композицию.Концепция — это идея, а композиция — это положение, пропорции и цветовая гамма на картине ».

Здесь мы обсудим, как установить позу, как держать кисть, как использовать воду, чернила и некоторые базовые техники рисования.

Как установить осанку

Сядьте прямо на стул рядом со столом. Смиритесь со своим настоящим. Сделайте несколько глубоких вдохов вплоть до нижней части живота (丹田 ， dān tián).

Положите бумагу перед собой под прямым углом. Если вы левша, поместите лист на несколько дюймов (около 10 см) влево, чтобы вы могли видеть кончик кисти во время рисования.

Держите локоть свободным от стола на расстоянии нескольких дюймов (около 5 см) от туловища.

Как держать кисть

Правильный захват поможет вам рисовать ровно. Работая над масштабной картиной, держите локти и талию над столом. При работе над мелкомасштабной картиной ваша рука может мягко опираться на стол.

Во-первых, держите кисть ровно вверх. Постарайтесь не держать его наклоненным к вам, как ручку.

Слегка сжимая кисть между указательным и большим пальцами.

Затем слегка оберните средним пальцем внешнюю часть ручки, чтобы перо находилось внутри подушечки среднего пальца.

Безымянный палец опускается ниже и касается щетки сбоку или сзади.

Мизинец не касается кисти, а скорее оборачивается внутри безымянного пальца, чтобы придать ему дополнительную силу. Не высовывайте мизинец: даже если он не касается кисти, он помогает поддерживать безымянный палец.

Щетка не должна касаться ладони. Также между указательным и большим пальцами должен быть значительный промежуток: ладонь должна быть пустой. Захват должен быть достаточно свободным и приближаться к кончику кисти. На представленных схемах показано правильное и неправильное положение каждого пальца, а также явно неправильный захват.

Важно отметить, что вы будете использовать разные пальцы для выполнения каждой возможной оси движения. Указательный палец будет делать большую часть работы, протягивая кисть вниз по странице, в то время как большой палец противостоит ему и поднимает кисть вверх по странице. Средний палец сгибается к ладони и вправо страницы, а безымянный и мизинец — напротив.

Сгибание запястья также очень важно. Если запястье слишком согнуто, ваша каллиграфия будет не плавной, а скорее резкой.Хорошее практическое правило заключается в том, что на верхней части запястья не должно быть видимой линии изгиба кожи. Можно ожидать небольшого изгиба вверх, но ваша цель — держать запястье относительно прямым и свободным.

Как загрузить кисть?

При заборе чернил с чернильной плиты просто окуните кончик кисти в резервуар для чернил или на шлифовальную поверхность, если резервуара нет. В отличие от западных кистей, кисти для каллиграфии разработаны таким образом, чтобы пропитывать их чернилами от точки до кончика и ручки. Однако нанесение слишком большого количества чернил на кисть может привести к тому, что часть чернил вытечет, прежде чем вы попадете на желаемое место на странице.

Запомнить

Никогда не стучите щеткой по контейнеру вверх и вниз, ударяясь о дно. Это отломает волосы от ручки.

Написание первого китайского иероглифа китайской кистью

Почему бы не попробовать персонажа? Символ ‘yong’ (永) часто считается отличным тренировочным персонажем благодаря тому, что он содержит все основные удары.На представленной диаграмме показан правильный порядок обводки и направление кисти для этого персонажа. Кроме того, в предоставленном видео вы можете увидеть все, о чем мы говорили, от загрузки кисти до правильного захвата.

Как рисовать кистью?

Кисть используется для нанесения точек, линий и поверхностей. В китайской живописи тушью полный мазок должен состоять из трех этапов: ввод мазка, перемещение кисти и выход из мазка. Разные техники начала и конца, а также интенсивность и поток ударов дают разные результаты.

Имеется четыре основных хода втулки.

1. Чжунфэн (中锋 ， мазок с центрированным кончиком) заключается в использовании кончика кисти для рисования по центру чернильной линии;

2. Цефенг (侧 锋 ， мазок боковой кистью) — наклонить кисть под углом, кончик кисти должен быть на одной стороне линии, пинты или поверхности, а брюшко кисти прижато к бумаге;

3.Избегание (顺峰 ， обводка вниз по потоку) означает рисование сверху вниз или слева направо;

4. Нифэн (逆 锋 ， ход вверх по потоку) предназначен для рисования снизу вверх или справа налево.

Чтобы нарисовать тонкую линию, поднимите кисть вверх, чтобы образовалась более светлая линия. Чтобы нарисовать более толстую линию, нажмите на кисть. Подъем и нажатие с разной скоростью могут создавать разные формы точек, линий и поверхностей. Вдавливание кисти в бумагу или вращение втулки называется дун (顿 ， пауза).

Комбинируя вышеупомянутые техники, мазки китайской живописи имеют основные мазки, как показано ниже:

1. Контур состоит в том, чтобы изобразить форму объекта с помощью мазка с центрированным кончиком для создания плавных линий.

2. Обводка куна (皴) предназначена для изображения текстуры и создания трехмерного эффекта объекта. Это можно сделать мазком кистью по центру или боковой кистью темными или светлыми чернилами.

3. Ca (擦) похож на cun, что означает осторожное использование мазка боковой кисти для создания разорванной и размытой текстуры, оставляя очень легкий след кисти.

4. Точечное нанесение и крашение заключается в использовании мазка с центрированным кончиком для закрашивания небольшого участка. Если точечный штрих или окрашенная область больше, это называется окрашиванием. Это очень распространено в живописи в стиле xieyi.

Как пользоваться водой?

В 600 году нашей эры художественные школы в Китае проверяли способность художника смешивать шестнадцать различных оттенков серого, от черного до чистой воды. Мы будем использовать только около восьми оттенков серого. Сделать серые оттенки можно, взяв черную краску и разбавив ее.Разбавить означает «добавить воды».

Как использовать чернила?

В китайской живописи черные чернила можно разделить на пять оттенков: темные, светлые, сухие, влажные и обугленные. Очень важно научиться пользоваться этими оттенками.

Dark: Чернила содержат небольшое количество воды.

Светлый: в чернилах больше воды, и они становятся серыми.

Сухой: может быть темным или светлым, но с меньшим количеством воды в кисти.

Мокрый: может быть темным или светлым, но с большим количеством воды в кисти.

Обугленный: Очень черный с блестящим эффектом.

Пошаговая демонстрация китайской живописи

Введение в китайскую живопись

Я бы резюмировал философию традиционной китайской пейзажной живописи следующим образом: «рассматривать Природу как своего учителя снаружи и использовать свой дух или интеллект как источник творчества внутри».Пейзажные картины должны быть созданы как из пейзажа в естественной среде, так и из вашего творческого видения. Китайские художники прошлых династий искали процесс создания, персонажей, чтобы выразить это, а также внутренние отношения между ними.

«Воспринимать Природу как своего учителя снаружи» означает не только рисовать вид горы и ручья, но также означает чувствовать дух космологии и биологии, превращая пейзажи природы в декорации сердца и в картины, чтобы дать дух формируют и создают идеальное видение пейзажа, как его видит художник.

Из-за разнообразия характеров и личностей художников, а также разнообразия их навыков, чувств и эстетики стиль каждого художника различается. Каждый художник по-своему отбрасывает грубое и выбирает существенное, устраняет ложное и сохраняет истинное. Художник соприкасается с внешним миром и объединяет его со своим внутренним миром.

Вдохновение для картины «Древняя дощатая тропа Шу-Хань»

Фотография выше была сделана осенью (август) в знаменитом пейзаже Серебряная шахта-долина (Иньчангоу) в китайской провинции Чэнду Сычуань. В то время деревья были густыми, цвета были яркими, воздух был чистым, река хлестала. Дорожка из досок свисала поясом, огибая утес и уходя вдаль.

Когда я шел по горе, меня тронула эта конкретная сцена, я сразу сделал фото и нарисовал набросок.

Развитие идеи картины

Когда я вернулся в свою студию, в моей голове возникло видение: древняя дощатая дорожка, отягощенная тяжестью истории, окутанная белыми облаками. Природа обильной весной; горный ручей, гремящий в ущелье; путь, возвращающий меня в реальный мир. Отсюда и возникла картина «Древняя дощатая тропа Шу-Хань».(Шу и Хань — это названия королевств в Древнем Китае.)

Основные художественные материалы для китайской живописи

На этой фотографии показаны художественные материалы, которые я использую для рисования — китайские кисти, тушь и рисовую бумагу. (Бумага не растягивается перед использованием, как в случае традиционной западной акварели. Вместо этого она прижимается к краю бумажным прессом.)

Начните с рисования ключевых линий

Начните с использования кисти, чтобы нарисовать ключевые линии (или контур) сцены. Строки должны быть лаконичными. Обратите внимание на общий план горных скал и обязательно передайте пересекающуюся сеть ландшафта таким образом, чтобы воплотить геологические и топографические формы.

Различают элементы первостепенной и второстепенной важности.Запечатлейте характер пейзажа. Не будьте приверженцем деталей, хотя предмет должен быть ясным, чтобы передать видение в вашем сердце.

Добавление текстуры к камням

Используя китайскую кисть, сначала нанесите ключевые линии структуры объекта или субъекта, чтобы сформировать «скелет». Движение кончика кисти должно быть целенаправленным и мощным. Знайте, что вы собираетесь делать с кистью, и соедините шаги (штрихи), чтобы активировать картину, придать ей ритм.

Затем используйте Cunfa (техника или метод китайской живописи с использованием легких чернильных мазков для выражения текстуры) и Dianfa (техника или метод китайской живописи с использованием точек) на всех горных камнях и деревьях, делая их более идеографическими и прочными. Многообразие природы выражается с помощью различных кунфа и дианфа.

Сила мазка кистью

Сила мазка кисти должна соответствовать «скелету», используя чернила, чтобы заполнить «плоть», передать свет и оттенок скал, чтобы обогатить слой.Сравните то, как вы визуализировали картину, с результатом. Обращайтесь с темным и светлым, сухим и влажным. Используйте такие техники чернил, как Accumulate (для увеличения плотности), Break (для создания напряжения) и Sprinkle (для добавления текстуры), чтобы сделать рисунок более массивным и глубоким. Обратите особое внимание на использование воды (не больше или не меньше, чем нужно).

Ограничение основных цветов

Пестрота используется для унификации картины в целом, но в картине с чернилами минимального цвета не должно быть более двух основных цветов.Цвет не должен конфликтовать с чернилами, а чернила не должны конфликтовать с цветом; они должны дополнять друг друга. Основной цвет в «Пути древних досок Шу-Хань» — зеленый. Большие цветные участки, такие как горы, небо и лес, размываются, а мелкие участки, такие как листья и мох, покрываются точками.

Анализировать картину

После четырех вышеуказанных шагов остановитесь и посмотрите на картину в целом.Анализируйте и резюмируйте критическим взглядом и вносите необходимые коррективы. Решите, достаточно ли чернил или цвета, будет ли результат таким же, как ваше видение; в противном случае дополните и измените его. В общем, вы должны выражать видение в своем сердце. Наконец, подпишите и поставьте печать. Завершена картина пейзажа.

Завершенная картина и немного о художнике, Чжаофань Лю

На этой фотографии я держу законченную картину «Древняя дощатая тропа Шу-Хань».Это также дает вам представление о том, насколько она велика.

О художнике: Чжаофань Лю — художник, живущий в Чэнду в провинции Сычуань в Китае. Его сайт находится по адресу www.liuzhaofan.com.

Чжаофань говорит: «Я рисовал более 40 лет, с тех пор как мне исполнилось 10. Я рисую традиционные китайские картины водными чернилами и черпаю вдохновение в моем культурном наследии, многих знаменитых горах и храмах вокруг Чэнду, а также современные пейзажи ».

Эта статья была переведена на английский Цянь Лю.

Введение в рисование кистью — Nan Rae Studio

“ Костяная работа! “: Работа с костями — это линейное или вертикальное движение кончика кисти! Он наполняет вашу картину тушью силой и мускулами! Фактически, картина тушью без такой работы с костями или «линии» будет казаться слабой и размытой, совсем не сильной! Эти вертикальные штрихи — в сочетании с штрихами Wipe и Dot — выполняются свободно и спонтанно. Если они «надуманы или надуманы», они теряют эти легкие и воздушные элементы свободы и непосредственности.Грубую или неуклюжую живопись тушью нельзя по праву считать китайской или азиатской.

Чтобы достичь этой свободы, спонтанности и смелости, помните, что акцент в рисовании тушью делается на идее: визуализируйте, придумайте четкое представление о каждом элементе вашей картины, прежде чем прикоснуться кистью к бумаге! Для этого вам нужно много думать и много заниматься. Это Путь художника азиатской кисти, который учитывает разум и душу, художественную мотивацию и смелое выражение внутренней красоты, чтобы создать произведение искусства, уникальное только для художника.

Такой подход, эта свобода, смелость и мысль позволяют художнику достичь нюансов и поэтических намеков, полагаясь на художественную интуицию для улучшения техники кисти и развития навыков.

Монохроматическая картина / рисунок тушью отличается тонкостью и градацией оттенков. При нанесении каждой драматической линии или движения кисти на бумагу внезапно появляются масса и пространство! Это достигается за счет возвышенной утонченности и сдержанности — художественной экономии движения, которая искусно опускает определенные детали и особенности и ловко оставляет многое для воображения зрителя! Фактически, художник и наблюдатель образуют синергию, эстетическое и духовное «партнерство» — ведь наблюдатель привносит в картину столько же, сколько и художник!

Использование влажной и сухой кисти : Для элегантности выражения в этой тонкой и деликатной форме рисования тушью используются как влажная, так и сухая кисть.Захватывающие точки, брызги и капли чернил превращают самые обычные предметы (например, четырех джентльменов) в космический художественный опыт!

европейских ценителей искусства с удовольствием узнают, что та же самая концепция точек, брызг или мазков была позже скопирована и широко использована импрессионистами, а затем и абстрактными экспрессионистами!

Противоположная школа живописи прослеживалась с 10-19 веков. Акцент был сделан на отличном контроле за счет строго правильного использования очень маленьких мазков! Этот стиль получил название «гонг» — он был разработан, чтобы позволить художнику выразить (с помощью деталей) сокровенную жизнь предметов.

Бамбук — это в первую очередь китайский предмет. Он не стал популярным в Японии и других странах спустя столетия! Чернильный бамбук безраздельно властвовал среди китайских литераторов XI века. Их композиции не обязательно были реалистичными. Но манера покраски каждого элемента Бамбука была строго предписана: она соблюдается и сегодня, без серьезных исключений. Однако странные техники были замечены, особенно во времена династии Тан (618-906), и эти «необычные» методы обычно приемлемы, если кисть держится уверенно и уверенно.

Хотя лист бамбука должен быть самым легким для рисования листом в силу его простой формы, его сложнее всего выполнить правильно. Требуется много практики, чтобы правильно формировать листья и поддерживать спонтанную и приятную композицию.

На изображении листьев бамбука видно, как новые нежные листья растут вверх. Эта тенденция изменяется в зависимости от направления ветра или силы дождя. Поскольку листья очень длинные и тонкие, должно казаться, что все они веют в одном направлении, чтобы сохранить гармонию картины.

приемов китайского искусства

Ниже приведены некоторые описания техник и практик, которые использовались древними китайскими художниками и, возможно, используются до сих пор.

китайской живописи | Британника

Китайская живопись , одна из основных форм искусства, созданных в Китае на протяжении веков.

Прочие искусства Китая рассматриваются в отдельных статьях. К ним относятся китайская каллиграфия, которая в Китае тесно связана с живописью; дизайн интерьера; гобелен; цветочный декор; Китайская керамика; металлоконструкции; эмаль; и лакировка; а также китайский нефрит; шелк; и китайская архитектура.

Нынешние политические границы Китая, включающие Тибет, Внутреннюю Монголию, Синьцзян и северо-восточные провинции, ранее называвшиеся Маньчжурией, охватывают гораздо большую территорию Восточной Азии, чем будет обсуждаться здесь. «Собственно Китай», как его называли, состоит из 18 исторических провинций, ограниченных Тибетским плато на западе, Гоби на севере и Мьянмой (Бирмой), Лаосом и Вьетнамом на юго-западе, и это прежде всего живопись в том виде, в каком она была разработана в собственном Китае, о которой мы поговорим здесь.( См. Также Искусство Центральной Азии и Искусство Юго-Восточной Азии.)

Первые общины, которые могут быть идентифицированы в культурном отношении как китайские, были заселены в основном в бассейне Хуанхэ (Хуанхэ). Постепенно они распространились, оказывая влияние на другие племенные культуры, пока во времена династии Хань (206–220 гг. До н. Э.) В большей части Китая доминировала культура, сформировавшаяся в колыбели северной китайской цивилизации. В этой области постепенно распространился общий письменный язык, общая вера в силу небес и духов предков влиять на живых, а также общий акцент на важности церемоний и жертвоприношений для достижения гармонии между небом, природой и человечеством.Эти верования должны были оказать большое влияние на характер китайской живописи, да и вообще на все искусство Китая.

Китайская цивилизация отнюдь не самая древняя в мире: цивилизации Месопотамии и Египта намного старше. Но в то время как ранние западные культуры умерли, стали застойными или трансформировались до такой степени, что нарушили всякую преемственность, культура Китая непрерывно росла из доисторических поселений в великую современную цивилизацию.

Сами китайцы были одними из наиболее исторически сознательных из всех основных цивилизаций и глубоко осознавали силу и преемственность своих культурных традиций. Они рассматривали историю как цикл упадка и обновления, связанный с сменой правящих династий. И политическая раздробленность, и социальный и экономический хаос упадка, и энергия династического обновления могут стимулировать и окрашивать важные художественные достижения. Таким образом, вполне законно думать об истории китайской живописи в первую очередь с точки зрения стилей сменяющих друг друга династий, как это делают сами китайцы.

Общие характеристики

Эстетические характеристики и художественные традиции

Искусство как отражение китайской классовой структуры

Одна из выдающихся характеристик китайского искусства — это степень, в которой оно отражает классовую структуру, существовавшую в разные периоды китайской истории. Вплоть до периода Воюющих царств (475–221 гг. До н. Э.) Искусство создавалось анонимными мастерами для королевских и феодальных дворов. В период Сражающихся царств и династии Хань (206–220 гг. До н. Э.) Рост землевладельцев и торговцев принес новых покровителей.После Хань начало появляться понятие «изящное искусство» как продукт досуга образованных дворян, многие из которых были любителями искусства поэзии, музыки, каллиграфии и, в конечном итоге, живописи. В это время стали возникать различия между профессионалом низшего класса и элитным художником-любителем; это различие окажет большое влияние на характер китайского искусства в более поздние времена.

В эту эпоху настенная живопись Египта совершенствуется и упорядочивается. Изображенные сцены становятся более сложными и динамичными. Помимо представителей знати, встречаются фигуры обычных земледельцев или рыбаков. Художники обращают внимание на природу: в росписях появляются растительные орнаменты и прекрасно выписанные животные. Для зверей и птиц канона не существовало, поэтому мастера рисовали их живыми, с применением полутонов. Много подобных сцен сохранилось в гробнице номарха Хнумхотепа II.

Новое царство (XVII-XI века до н. э.)

В эпоху Нового царства живопись, как и культура в целом, достигает высшего расцвета. Мастера смелее обращаются с нерушимыми прежде канонами и используют более широкую цветовую гамму с полупрозрачными слоями. Взаимодействие с другими азиатскими народами приносит интерес к орнаментам и высокой детализации. Поскольку этот период связан с успешными завоеваниями, в росписях часто воспроизводятся военные сцены. Появляются изображения фараона на боевой колеснице, заимствованной у побежденных племен.

Позднее египетская культура постепенно утрачивает характерные для нее черты под влиянием завоевателей — сначала греков, а затем римлян. К началу новой эры в Египте расцвело эклектичное искусство фаюмского портрета. Эти изображения тоже использовались для погребения, но создавали их при жизни, когда человек был еще полон сил. Или же художники писали такой образ, полагаясь на свое воображение. Для фаюмского портрета характерно стремление передать главные черты героя, сделать его узнаваемым.

Жители Древнего Египта верили, что каждому человеку после смерти понадобится статуэтка или живописное изображение для переселения души. Подобные изделия создавались в огромных количествах, и многие из них сохранились до наших дней. При желании такую древность можно приобрести для коллекции. Искать и покупать подобные изделия удобно на аукционах, которые регулярно проходят на сайте Very Important Lot.

Живопись Древнего Египта, развитие и каноны

С самого начала египетской культуры живопись играла роль главного декоративного искусства. Живопись Древнего Египта неспешно развивалась в течение тысячелетий. Чего достигли египтяне за это время?

Каноны живописи в Древнем Египте

Основой для живописи чаще всего служили стены с барельефами. Краски наносились на оштукатуренные стены. Размещение росписей подчинялось строгим нормам, которые диктовали жрецы. Неукоснительно соблюдались такие принципы, как правильность геометрических форм и созерцание природы. Живопись Древнего Египта всегда сопровождалась иероглифами, поясняющими смысл изображаемого.

Пространство и композиция. В египетской живописи все элементы композиции выглядят плоскими. Когда требуется представить фигуры вглубь, художники накладывают их друг на друга. Рисунки распределяются горизонтальными полосами, которые разделены линиями. Самые важные сцены всегда располагаются в центре.

Изображение человеческой фигуры. Египетские рисунки людей в одинаковой степени включают черты в фас и в профиль. Для соблюдения пропорции художники чертили на стене сетку. Более древние образцы состоят из 18 квадратов (4 локтя), в то время как более новые насчитывают 21 квадрат. Женщины изображались с бледно-желтой или розовой кожей. Для создания мужского образа применялся коричневый или темно-красный цвет. Людей было принято изображать в расцвете лет.

для соблюдения пропорций художники использовали сетку

Египетской живописи свойственен так называемый «иерархический» взгляд. К примеру, чем выше социальный статус изображаемого человека, тем больше размер фигуры. Поэтому в сценах битвы фараон нередко выглядит гигантом. Изображения людей можно разделить по архетипам: фараон, писец, ремесленник и т.д. Фигуры низших социальных слоев всегда более реалистичны и динамичны.

Применение цвета. Художники следовали заранее установленной программе, а значит каждый цвет имел определенную символику. Считается, что истоки значения цветов египетской живописи были в созерцании цветовых переливов Нила. Выделим значение главных цветов, использовавшихся художниками:

• голубой – обещание новой жизни;
• зеленый – выражение жизненных надежд, возрождения и молодости;
• красный –  символ зла и бесплодной земли;
• белый – признак победы и радости;
• черный – символ смерти и возвращения к жизни в потустороннем мире;
• желтый – выражение вечности и нетленной божественной плоти.

Тон фона зависит от эпохи. Для Древнего Царства характерен серый фон, а для Нового Царства – бледно-желтый.

Живопись Древнего царства

Древнее Царство охватывает период с 27 по 22 века до н.э. Именно тогда происходило строительство Великих пирамид. В это время барельеф и живопись ещё не различались между собою. Оба средства выражения использовались для украшения гробниц фараонов, членов царской семьи и должностных особ. Во времена Древнего царства формируется единообразный для всей страны стиль живописи.

Особенности

Первые настенные росписи отличаются достаточно узкой цветовой гаммой, в основном это черные, коричневые, белые, красные и зеленые оттенки. Изображение людей подчинено жесткому канону, строгость которого тем выше, чем выше статус изображаемого. Динамизм и экспрессия свойственны фигурам, изображающих второстепенных персонажей.

В основном изображались сцены из жизни богов и фараонов. Красочные фрески и рельефы воссоздают обстановку, которая должна окружать покойника, в каком бы мире он не находился. Живопись достигает высокой филигранности, как в изображениях персонажей, так и в силуэтах иероглифов.

Пример

Одним из самых значительных памятников Древнего царства считаются скульптуры царевича Рахотепа и его супруги Нофрет (27 в. до н. э.). Мужская фигура окрашена в кирпично-красный цвет, а женская — в желтый. Волосы фигур черные, а одежды белые. Полутона отсутствуют.

Живопись Среднего царства

Речь пойдет о периоде, который продолжался с 22 по 18 век до н.э. На протяжении этой эпохи в настенной живописи проявляется структура и упорядоченность, отсутствовавшие в эпоху Древнего Царства. Особое место занимает расписанный многоцветный рельеф.

Особенности

В пещерных гробницах можно увидеть сложные сцены, отличающиеся большим динамизмом, чем в предыдущие эпохи. Дополнительное внимание уделяется созерцанию природы. Росписи все чаще украшаются растительными орнаментами. Внимание уделяется не только правящему классу, но и обычным египтянам, например можно увидеть земледельцев за работой. При этом неотъемлемыми чертами живописи являются совершенный порядок и четкость изображаемого.

Пример

Больше всего на фоне других памятников выделяются росписи гробницы номарха Хнумхотепа II. Особого внимания заслуживают сцены охоты, где фигуры животных переданы с применением полутонов. Не менее впечатляют росписи гробниц в Фивах.

Живопись Нового царства

Новым царством ученые называют период с 16 по 11 века до н.э. Данная эпоха выделяется лучшими образцами египетского искусства. В это время живопись достигла своего наивысшего расцвета. Распространение гробниц способствует развитию живописи на стенах, покрытых штукатуркой. Ярче всего свобода выражения проявляется в гробницах частных лиц.

Особенности

Для эпохи Нового царства характерна неизвестная до той поры цветовая градация и светопроницаемость. Контакты с народами Азии привносят увлечение деталями и орнаментированные формы. Усиливается впечатление движения. Красители перестают наноситься ровным матовым слоем, художники стараются показать мягкие тональные переливы.

Через живопись фараоны демонстрировали свою силу пограничным народам. Поэтому распространенным было изображение сцен, воспроизводивших военные эпизоды. Отдельно стоит упомянуть тему фараона в запряженной боевой колеснице, последняя была привнесена гиксосами. Появляются изображения исторического характера. Искусство все чаще перекликается с национальной гордостью. Правители превращают стены храмов в «полотна», которые сосредотачивают внимание на роли фараона как защитника.

Пример

Гробница Нефертари. Это совершенный ансамбль живописи и архитектуры. В настоящий момент это самая красивая гробница Долины цариц. Росписи занимают площадь в 520 м². На стенах можно увидеть некоторые главы из Книги Мертвых, а также путь царицы в загробное царство.

Интересные факты

• Первая сохранившаяся древнеегипетская монументальная живопись была обнаружена в погребальном склепе 4 тыс. до н.э., расположенном в Гиераконполе. Она изображает людей и животных.
• Древние египтяне рисовали минеральными красками. Черная краска добывалась из сажи, белая – из известняка, зеленая – из малахита, красная – из охры, синяя – из кобальта.
• В древнеегипетской культуре изображение играло роль двойника действительности. Роспись гробниц гарантировала усопшим, что в загробной жизни их ждут те же блага, что и в мире людей.
• В Древнем Египте считалось, что изображения обладают магическими свойствами. При этом их сила напрямую зависела от качества росписи, что объясняет особую тщательность, с которой египтяне относились к живописи.

Несмотря на многочисленные исследования, посвященные живописи Древнего Египта, разгаданы ещё далеко не все тайны этого искусства. Чтобы понять истинный смысл каждого рисунка и каждой скульптуры ученым придется трудиться ещё не один век.

Искусство Древнего Египта – кратко

(Статья может использоваться для преподавания ученикам 5 класса. )

От архитектуры Древнего Египта сохранилось мало дворцовых построек (обычно они воздвигались из непрочных материалов). Зато сохранились пирамиды, мастабы (усыпальницы  трапециевидной  формы,  сооружавшиеся для  египетских вельмож, а не фараонов) и скальные гробницы.

Наиболее крупные храмы стали воздвигаться в период Нового царства. Особенно замечательны фиванские храмы – Луксорский и Карнакский – с огромными залами и открытыми колонными дворами. Стены храмов были покрыты раскрашенными рельефами и иероглифическими надписями. (См. Храмы Древнего Египта.)

В древнеегипетском скульптурном искусстве заметно стремление к монументальности. Нередки грандиозные статуи, достигающие 20 метров в высоту, высеченные из скал. Таким колоссом является в первую очередь Большой Сфинкс (статуя льва с человеческой головой, символизирующая могущество и мудрость фараона), и столь же гигантские статуи Рамзеса II.

Большой Сфинкс и пирамида Хафры

В скульптуре и живописи Древнего Египта очень часто чувствуется условность. Особенно проявляется она в изображении человеческой фигуры на плоскости (на рельефах и в живописи). Лицо изображалось в строгом профиле, но при этом глаз был повернут en face. При изображении в профиль груди полностью давались очертания обоих плеч, хотя при подобном повороте фигуры одно из них должно было быть скрыто. Египетский художник, следуя вековым традициям, стремился изображать то, что существует на самом деле, а не то, что он видел, рассматривая модель с той или иной стороны, когда многое ускользает из поля зрения. При желании египетские художники могли идеально точно передать вид натуры и в профиль и en face, но решались на это очень редко, ибо были связаны традицией.

Особенно сильна была зависимость скульптора или живописца от установленных норм при изображении высокопоставленных лиц. Фараонов и вельмож приходилось изображать в величественной и неподвижной позе, с застывшей стандартной улыбкой на лице. Художники избегали отмечать у них какие-либо физические недостатки, иногда придавали им чрезмерно большой рост. Естественнее изображались в древнеегипетском искусстве простые люди (пастухи, земледельцы) и чужеземцы. Полная свобода предоставлялась художнику при изображении фауны. Изумительно точно и ярко показаны дикая кошка, гуси, утки и т. д.

Образец древнеегипетской живописи. Взвешивание сердца писца Хунефера на загробном суде бога Осириса

Значительная ломка художественных традиций произошла в тель-эль-амарнском искусстве, т. е. во времена фараона-реформатора Аменхотепа IV (Эхнатона). И сам он, и его жена, и дочери, не говоря о других персонажах, изображаются натуралистически, причем недостатки даже подчеркиваются.

Рельеф из Амарны, предположительно изображающий Эхнатона и Нефертити, ок. 1335 до Р. Х.

Большого развития достигли в Египте музыка и танцы. Существовали духовые инструменты (флейты), ударные (систры, кастаньеты) и струнные (арфы, лютни и пр.). Танцовщицы иногда разыгрывали целые сложные пантомимы, изображая фараона и побежденного врага или травы, которые клонятся от дуновения ветерка. В храмах ставились религиозные драмы (мистерии), в которых представлялись смерть и воскресение Осириса. Это были зачатки театра, который получил полное развитие уже в античном мире.

Достижения древнеегипетской культуры и искусства Египта заметно повлияли на потомков и (в значительной мере через греков) дошли до нас. Геродот вполне справедливо считал египтян учителями геометрии. Многие художественные сюжеты в видоизмененной форме перешли от египтян к другим народам. Образ сфинкса стал классическим в европейском искусстве. Подлинные египетские обелиски возвышаются в Риме и Париже. Сфинксы из красного гранита, привезенные из Египта (они относятся к XV в. до н. э.), украшают набережную Невы в Петербурге.

Каноны живописи Древнего Египта

Искусство в египетских землях начало формироваться тысячи лет назад. Уже в эпоху Древнего царства сложился свой оригинальный стиль в архитектуре, скульптуре и живописи Египта. Он стал образцом для подражания следующим поколениям египтян.

Древний Египет: архитектура, скульптура и живопись

Культовые здания строились из камня, и отличались строгими масштабными геометрическими формами. Вначале египтяне строили простую форму усыпальницы — мастабу. Позже появились ступенчатые пирамиды, из которых состояли огромные погребальные комплексы для фараонов и знати. Египетские зодчие сооружали храмы, оснащенные колоннами в виде цветка лотоса или папируса.
Скульптура и живопись являлись неотъемлемой частью архитектуры в Древнем Египте. Статуи и памятники органично вписывались в оформление гробниц и храмов. Массивные изваяния богов и царей показывали власть и мощь страны. Рельефы и росписи украшали усыпальницы и дворцы. На них красочно изображали человеческую деятельность, сцены повседневной жизни или богов и их деяния.

Скульптура и живопись Древнего Египта

Живопись, как и скульптура служила для декорирования стен усыпальниц и религиозных зданий. Храмовая живопись отличалась своей монументальностью, достигая колоссальных размеров. Древние художники создавали сцены, в которых участвовали люди, животные и божества. Живопись вместе со скульптурой прекрасно дополняли архитектурные шедевры древних египтян, превознося религию и культовое могущество державы.

Каноны живописи в Древнем Египте

В египетских росписях преобладали яркие насыщенные оттенки. Основные цвета — белый, красный, черный, синий, зеленый и желтый. Краски долго сохраняли яркость, вдобавок сверху рисунки покрывали слоем смолы.
Древнеегипетская живопись подчинялась определенным канонам, которые никогда не нарушались. Так, лицо нарисованного человека принято было изображать в профиль, а другие части тела — в анфас. Фигуры людей обводились четким контуром. Он был красного цвета для женщин, а для мужчин — черного. Природу египетские художники рисовали довольно схематично.

Живопись и скульптура в Древнем Египте

Мастера стенописи в Египте использовали красители минерального происхождения. Красную краску получали из красной охры, голубую — из лазурита, зеленую — из малахита, белую — из известняка, желтую — из охры.

От назначения настенных росписей зависел их содержание. В заупокойных храмах росписи прославляли царя, изображали охоту, сражения, рассказывали о рыбалке, жатва, сев и труд ремесленников.

В скульптуре Древнего царства наблюдаются два вида рельефа: контррельефы и барельеф. Разворачивается композиция рельефов в горизонтальных плоскостях, которые располагаются одна под другой. Принцип построения человеческой фигуры на плоскости рельефа, также своеобразный,- грудь и плечи изображались в фас, ноги и голова в профиль. Фигура царя или вельможи была по размеру больше, чем других персон. Следуя канонам изображения, создатели пытались расширить круг образов и сюжетов, вводя в композиции жанровые эпизоды, сцены труда.

Много ярких сцен, знакомят нас с социальным укладом, обычаями, бытом Древнего Египта, можно встретить в рельефах гробниц IV — V династий. На одном из них видно стадо, которая переходит канал. На плечах погонщик несет теленок, что тянется к своей матери, которая идет позади. На втором рельефе — сборщик налогов жестко бьет земледельца, который не возвращает долг. Рядом танцовщицы, что развлекают обладателя. Канонизация в египетском рельефе еще очень устойчива, несмотря на реалистичность образов. Преобладают строгая последовательность в расположении на плоскости фигур, геометризация контуров, линий, максимальный лаконизм образов, четкое чередование ритма.

Важные социально-политические изменения происходят в Египте в конце периода Древнего царства. Гигантские строительные работы по сооружению храмов и пирамид, постоянные войны привели к ослаблению власти фараонов и подорвали экономику страны. Египет был разделен на области — номы, а между их правителями развернулась жестокая борьба.

Живопись Древнего Египта кратко — Краткое содержание истории древнего мира, средневековья, нового и новейшего времени

Одним из направлений искусства является живопись Древнего Египта. Кратко говоря, живопись имеет свой, особенный стиль. Как и другие направления искусства, она подчинялась религиозным требованиям и канонам. Египтяне считали земную жизнь подготовительным этапом к переходу в загробный мир, и это прослеживалось в настенных изображениях. Сюжеты картин показывают различные религиозные ритуалы, обряды или иллюстрируют загробный мир, путешествие души в мире ином.

Основные традиции, которых придерживались египетские художники, сложились еще в эпоху Древнего царства. Со временем живопись развивалась, в ней появлялись черты, характерные для того или иного отрезка времени, но общие каноны оставались неизменны.

Человек всегда изображался лицом в профиль, а тело – в анфас. Природу рисовали схематично. Что касается размеров, то как таковой пропорции художники не соблюдали – размер изображаемого человека определялся его социальным статусом. Лишь во времена правления Эхнатона традиции изображения человека немного изменились – социальное положение не было важно при рисовании людей. Представителей более знатных сословий могли изображать даже в карикатурном образе. Приветствовался натурализм. Однако, после смерти фараона, все вернулось на прежний уровень.

Рисовали преимущественно на стенах, заранее покрытых штукатуркой. В ее состав входил гипс, глина и солома. Краски изготавливали на минеральной основе – белую делали из известняка, черный цвет давала сажа, зеленый – тертый малахит. Рисунки, раскрашенные такими составами, были очень яркими и красочными.

Существовали две техники нанесения изображения на стену – либо рисование по готовой, уже сухой поверхости, либо вкладывание красящих пигментов в заранее приготовленные углубления в процессе строительства.

Готовое изображение мастера покрывали специальным лаком, который изготавливался из смолы. Именно это стало причиной того, что многие картины сохранились до наших дней.

Древнеегипетский художник не занимался творческим процессом. Рисование настенных картин было скорее работой, ремеслом. Поэтому в истории не осталось имен знаменитых художников из Древнего Египта. Работали они группой, под руководством мастера. Мастер наносил общие черты картины, детали и контуры, а группа художников придавала изображению цвет, раскрашивая его.

Тематика древнеегипетской живописи была преимущественно на религиозные темы – изображали богов и богинь, фараонов, сцены и сюжеты из загробного мира. В гробницах рисовали преимущественно земную жизнь умершего, чтобы он мог делать в загробном царстве то же, что делал и будучи живым.

Живопись Древнего Египта, если говорить кратко, обладает не только культурной ценностью, но также имеет огромное значение для исследователей. С помощью настенных рисунков можно узнать многое о древнеегипетской истории – о завоеваниях, о бытовой жизни, о религиозном мировоззрении. К тому же, египетская культура оказала большое влияние на развитие искусства других стран.

Искусство Древнего Египта кратко — Краткое содержание истории древнего мира, средневековья, нового и новейшего времени

Искусство Древнего Египта кратко

Два мнения по поводу искусства Древнего Египта

Мнение № 1

 Искусство Древнего Египта кратко обо всем. ..

       Искусство Древнего Египта это прежде всего — архитектура, скульптура, музыка, живопись.                                               

                                                                   О архитектуре кратко

 Египтяне создали много замечательных архитектурных сооружений. Памятниками архитектуры третьего тысячелетия до н. э. созданные егептянами являются уже известные нам пирамиды.
Во втором тысячелетии до н. э., когда в результате грабительских войн усилился приток богатства и рабов, египтяне воздвигли величественные храмы богам. Храмы строились из «вечного камня» — гранита и известняка. Больше всего было храмов в Фивах, самом богатом и великолепном из египетских городов. В честь бога Амдна-Ра был создан знаменитый многоколонный Карнак- ский храм, строительство которого завершилось при Рамсесе II. Искусство Древнего Египта краткоГлавный зал Карнакского храма имеет площадь в 5000 кв. м, в нем 134 колонны.
Некоторые из этих колонн так велики, что на верхней площадке их может уместиться сто человек. Колонны имеют верхушки в виде пучков папируса или цветка лотоса. Залы древних храмов как бы изображали нильские заросли.
Храмы вырубались также в скалах. Самый крупный из таких скальных храмов расположен в Нубии, завоеванной Египтом . Он одновременно являлся и крепостью.

Внутренность египетского храма. Колонны поддерживают крышу. На колоннах — изображения богов и фараонов.

Дополнение

                                                      О Скульптуре Древнего Египта кратко

Высокого мастерства египтяне достигли в скульптуре — искусстве лепить из глины, вырезать из камня и дерева, отливать из металла изображения людей и животных

Египетская скульптура служила в основном религиозным целям. Скульптурное изображение египтяне считали «двойником» умершего В мастерской скульпторачеловека, как бы продолжавшим его жизнь.
Египетские скульпторы создавали статуи фараонов, военачальников, чиновников, жрецов. Фараонов скульпторы изображали сидящими на троне. У них суровые и властные лица, величественные позы.
Скульпторы умели правдиво, реалистически передать внешность людей и их одежду. По статуям мы можем себе представить, как выглядели, во что одевались древние египтяне. В гробницах нередко находят небольшие деревянные фигурки рабов и слуг. Знание народной жизни позволило египетским скульпторам искусно изобразить пастухов со стадами, ткачей, гребцов, носильщиков.

                                                      О живописи Древнего Египта кратко

 На стенах египетских гробниц. В мастерской скульптора,  сохранилось множество рисунков. Изображение фараона на троне. Египетская скульптура.
Египетский рисунок отличался от нашего. При изображении человеческой фигуры лицо давалось в профиль, глаз — анфас и плечи — развернутыми.

Египетский рисунок отличался от нашего. При изображении человеческой фигуры лицо давалось в профиль, глаз — анфас и плечи — развернутыми.
Египетские художники хорошо знали и любили родную природу долины Нила. Яркими, сочнымиИзображение фараона на троне. Египетская скульптура. красками они рисовали животных и птиц в зарослях тростника, рыб в нильских волнах.
По рисункам мы представляем себе, как проходили ‘полевые работы: пахота, посев, жатва, молотьба, как трудились различные ремесленники. Египтяне создали немало обличительных рисунков. На одном из них шакалы пасут стадо коз. Нетрудно понять, что шакалы — это чиновники, которым доверили «пасти» народ.

                                                      О музыке Древнего Египта кратко

 На стенах египетских гробниц сохранились изображения людей с музыкальными инструментами: арфой, флейтой, барабаном и др

Музыка звучала в храмах во время религиозных церемоний; музыка и пение услаждали слух фараона и его вельмож; под песню в поход шли египетские воины. Создавал свою музыку и народ.
Песни звучали под такт ударов молотов, помогая тяжелому труду каменотесов, песни сочинялись гребцами, носильщиками, изнемогавшими под тяжестью мешков с зерном:

 
Должны ли мы день целый Таскать зерно и белую полбу?  Полны ведь уж амбары, Кучи зерна текут выше краев.     Полны корабли, И зерно ползет наружу, А нас все заставляют таскать. Воистину из меди наши сердца!

                            Использование рабовладельцами искусства в классовых целях

Умение искусно изображать человека служило возвеличению царя-деспота, вельмож и жрецов

Умение искусно изображать человека служило возвеличению царя-деспота, вельмож и жрецов. Огромные статуи, достигавшие иногда высоты пятиэтажного дома, должны были внушить народу ужаДревнеегипетский художник нарисовал кота, пасущего гусей, и шакалов, пасущих коз. В виде кота и шакалов он изобразил богачей, угнетавших народ. Огромные храмы с несметным количеством колонн, исполинские статуи должны были внушать беднякам и рабам мысль о вечности и нерушимости рабовладельческих порядков.с перед могуществом царя, показать, что он сильнее всех и ему нужно повиноваться. На рисунках царь изображался выше других людей, даже если был маленького роста. Крестьян и бедняков художники рисовали жалкими  покорными рабовладельцам. Если фигурки бедняков и клали в

Египетский храм на берегу Нила. На противоположном берегу реки видны горы, возделанные поля, селения. Реконструкция

гробницы, то только для того, чтобы они, как учили жрецы, служили своим господам и после смерти, как служили им при жизни. Искусство находилось под влиянием религии, сковывавшей свободное творчество архитекторов, скульпторов, живописцев, музыкантов.

Огромные храмы с несметным количеством колонн, исполинские статуи должны были внушать беднякам и рабам мысль о вечности и нерушимости рабовладельческих порядков

Мнение № 2

Для того, чтобы рассказать об искусстве Древнего Египта кратко, следует обратить внимание на отдельные его направления. Это скульптура, живопись и архитектура.
Изначально все направления древнеегипетской культуры своими корнями уходят глубоко в прошлое, в период первобытности. Из первобытной эпохи египетское искусство унаследовало анимизм и тотемизм, которые проявлялись при изготовлении статуй. Особое место в искусстве египтян занимал культ загробной жизни.  Они стремились максимально продлить жизнь после смерти, оттуда и пошли традиции мумифицирования тел и строительство гробниц, снабженных всем необходимым для загробной жизни.

Что касается живописи, то древнеегипетские художники старались изобразить человека не таким, какой он есть на самом деле. Особое значение придавалось наиболее выразительным чертам – например, огромные глаза. Изображаемые люди стоят боком, но при этом их плечи развернуты прямо на смотрящего. Ногами они стоят плотно на земле, опираясь всей ступней. Размеры фигур определялись социальным статусом – богатых и знатных людей изображали более крупными, чем остальных. Тематика древнеегипетских рисунков, в основном, посвящена жизни после смерти, путешествию человека в загробный мир. В качестве красок использовали минеральные вещества – охру красного и желтого цвета. Зеленый цвет получали из малахита, растирая его до порошкообразного состояния, синий – из лазурита. Черный цвет получали из сажи, а белый – с помощью известняка.

Скульптура Древнего Египта тоже была связана с жизнью после смерти. Египтяне верили, что душа умершего человека может переселиться обратно в сохраненное тело, поэтому помимо мумий, они изготавливали статуи умерших людей. Изображения были как реалистичные, так и идеализированные. Самыми совершенными и идеальными памятниками древнеегипетской скульптуры являются статуи сына фараона Снофру – Рахотепа и его супруги по имени Неферт. К началу Нового царства женские скульптуры стали изображаться более пластичными и мягкими.

Следует отметить и такую скульптуру, которая известна практически каждому жителю Земли. Это египетский сфинкс, считающийся самым древним и большим изваянием. Этот памятник высечен из скалы, находящейся на западном побережье реки Нил, на древнеегипетском кладбище в Гизе. Он представляет собой льва с головой человека. По некоторым сведениям историков, это было лицо фараона. А назначение этого огромного сооружения – 73 метра в длину и 20 метров в высоту, до сих пор окутано легендами. Считается, что сфинкс охраняет гробницы фараонов Хеопса, Хефрена и Микерина.

Архитектура Древнего Египта представлена преимущественно заупокойными храмами и гробницами. Самые знаменитые памятники древнеегипетской архитектуры – это пирамиды.
К началу эпохи Нового царства в Египте стали появляться сооружения, которые не относились к культу загробной жизни. Это были храмы богу Амону-Ра.

К концу первого тысячелетия до нашей эры, во времена Позднего царства, начался спад в культуре и экономике, что ознаменовалось сокращением строительства храмов. В культуре обозначился, так называемый, поворот к древности. Статуи стали изготавливать по тем же канонам и правилам, что и в старые времена. Но это не означает, что они стали хуже – мастера тех времен создавали замечательные скульптурные портреты.
В результате завоевания  Египта Александром Македонским, искусство подверглось изменениям, в нем появились черты эллинизма. В этот период был построен Фаросский маяк, считающийся одним из семи чудес света. Однако, простояв полторы тысячи лет, маяк был уничтожен землетрясением.

Краткая история египетского искусства

Искусство — важный аспект любой цивилизации. Как только основные потребности человека удовлетворены, такие как еда, жилье, какая-то форма общественного права и религиозные убеждения, культуры начинают производить произведения искусства, и часто все эти события происходят более или менее одновременно. Этот процесс начался в додинастический период в Египте (ок. 6000 — ок. 3150 г. до н. Э.) С изображений животных, людей и сверхъестественных фигур, начертанных на каменных стенах. Эти ранние изображения были грубыми по сравнению с более поздними разработками, но все же выражали важную ценность египетского культурного сознания: баланс.

Тутанхамон и Анхсенамун

Патаки Марта (CC BY-NC-SA)

Египетское общество было основано на концепции гармонии, известной как маат , которая возникла на заре творения и поддерживала вселенную. Все египетское искусство основано на идеальном балансе, потому что оно отражает идеальный мир богов. Точно так же, как эти боги предоставили человечеству все добрые дары, произведения искусства были придуманы и созданы для использования. Египетское искусство всегда было прежде всего функциональным.Независимо от того, насколько красиво была изготовлена ​​статуя, ее цель заключалась в том, чтобы служить домом для духа или бога. Амулет должен был быть привлекательным, но не эстетическая красота была движущей силой при его создании, а защита. Росписи гробниц, храмовые картины, дома и дворцовые сады — все они были созданы таким образом, чтобы их форма соответствовала важной функции, и во многих случаях эта функция была напоминанием о вечной природе жизни и ценности личной и общественной стабильности.

Искусство раннединастического периода

Ценность баланса, выраженная в симметрии, с самых древних времен пронизывала египетское искусство.Наскальные изображения додинастического периода подтверждают эту ценность, которая полностью развита и реализована в раннединастический период Египта (ок. 3150 — ок. 2613 г. до н. Э.). Искусство этого периода достигает своего апогея в работе, известной как «Палитра Нармера» (ок. 3200–3000 гг. До н. Э.), Которая была создана, чтобы отпраздновать единство Верхнего и Нижнего Египта при царе Нармере (ок. 3150 г. до н. Э.). Посредством серии гравюр на плите из алевролита, имеющей форму шевронного щита, рассказывается история о победе великого царя над своими врагами и о том, как боги поощряли и одобряли его действия.Хотя некоторые изображения палитры трудно интерпретировать, история объединения и празднования короля достаточно ясна.

Палитра Нармера [две стороны]

Неизвестный художник (общественное достояние)

На лицевой стороне Нармер ассоциируется с божественной силой быка (возможно, быка Аписа) и изображен в короне Верхнего и Нижнего Египта в триумфальной процессии. Под ним двое мужчин борются с переплетенными животными, которые часто интерпретируются как олицетворения Верхнего и Нижнего Египта (хотя эта точка зрения оспаривается и, кажется, ей нет оправдания). На оборотной стороне изображена победа царя над врагами, а боги одобрительно смотрят на нее. Все эти сцены вырезаны на невысоком рельефе с невероятным мастерством.

Этот метод будет весьма эффективно использован в конце раннединастического периода архитектором Имхотепом (ок. 2667-2600 г. до н. Э.) При проектировании комплекса пирамид короля Джосера (ок. 2670 г. до н. Э.). Изображения цветов лотоса, папирусов и символа джеда замысловато вписаны в архитектуру зданий как с высоким, так и с низким рельефом.К этому времени скульпторы также овладели искусством работы с камнем для создания трехмерных статуй в натуральную величину. Статуя Джосера — одно из величайших произведений искусства этого периода.

Искусство старого царства

Этот навык развился во времена Древнего царства Египта (ок. 2613-2181 до н.э.), когда сильное центральное правительство и экономическое процветание объединились, чтобы позволить монументальные работы, такие как Великая пирамида Гизы, Сфинкс, и сложные росписи гробниц и храмов. Обелиск, впервые разработанный в раннединастический период, был усовершенствован и более широко использовался в Древнем царстве.Росписи гробниц становились все более изощренными, но скульптуры по большей части оставались статичными. Сравнение статуи Джосера из Саккары и небольшой статуи из слоновой кости короля Хуфу (2589-2566 гг. До н.э.), найденной в Гизе, демонстрирует ту же форму и технику. Обе эти работы, тем не менее, являются исключительными по исполнению и деталям.

История любви?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей по электронной почте!

Джосер

tutincommon (CC BY-NC-SA)

Искусство во времена Старого Королевства было государственным мандатом, что означает, что король или высокопоставленная знать заказывали произведение, а также диктовали его стиль.Вот почему в произведениях искусства Старого Царства существует такое единообразие: у разных художников могло быть собственное видение, но они должны были творить в соответствии с пожеланиями своих клиентов. Эта парадигма изменилась, когда Древнее царство рухнуло и положило начало Первому промежуточному периоду (2181-2040 гг. До н.э.).

Искусство первого промежуточного периода

Первый промежуточный период долгое время характеризовался как время хаоса и тьмы, и произведения искусства этой эпохи использовались для подтверждения таких утверждений.Аргумент от искусства основан на интерпретации работ первого промежуточного периода как низкое качество, а также на отсутствии монументальных строительных проектов, доказывающих, что египетская культура находилась в своего рода свободном падении к анархии и распаду. На самом деле, первый промежуточный период Египта был временем огромного роста и культурных изменений. Качество произведений искусства было результатом отсутствия сильного центрального правительства и соответствующего отсутствия государственного искусства.

Качество произведений искусства объясняется отсутствием сильного центрального правительства и, соответственно, отсутствием государственного искусства.

Теперь разные районы могли свободно развивать свое собственное видение искусства и творить в соответствии с этим видением. В искусстве первого промежуточного периода нет ничего «низкого качества»; это просто отличается от произведений искусства Старого Королевства. Отсутствие монументальных строительных проектов в то время также легко объяснимо: династии Старого Королевства истощили государственную казну, создав свои собственные величественные памятники, и ко времени 5-й династии на такие проекты уже не оставалось ресурсов.Крах Старого Королевства после 6-й династии, безусловно, был временем замешательства, но нет никаких доказательств того, что последовавшая за этим эпоха была какой-то «темной эрой».

Первый промежуточный период произвел ряд прекрасных произведений, но также увидел рост массового производства произведений искусства. Предметы, которые раньше создавались одним художником, теперь собирались и раскрашивались производственной бригадой. Среди этих ремесел были амулеты, гробы, керамика и куклы шабти. Куклы шабти были важными погребальными объектами, которые хоронили вместе с умершими, и считалось, что они оживают в загробном мире и исполняют обязанности.Они были сделаны из фаянса, камня или дерева, но в первый промежуточный период в основном из дерева и производились массово для дешевой продажи. Куклы шабти были важными предметами, потому что они позволяли душе расслабиться в загробной жизни, пока шабти делал свою работу. Раньше только богатые могли позволить себе кукол шабти, но в то время они были доступны людям с более скромным достатком.

Искусство Среднего Царства

Первый промежуточный период закончился, когда Ментухотеп II (ок. 2061-2010 гг. До н. Э.) Из Фив победил царей Гераклеополя и положил начало Среднему царству Египта (2040-1782 гг. До н. Э.).Фивы теперь стали столицей Египта, и сильное центральное правительство снова имело власть диктовать художественный вкус и творчество. Однако правители Среднего царства поощряли разные стили округов и не требовали, чтобы все искусство соответствовало вкусам знати. Хотя искусство Древнего Царства очень почиталось и во многих случаях являлось очевидной попыткой его отразить, Искусство Среднего Царства отличается исследуемыми темами и сложностью техники.

Среднее царство обычно считается кульминацией египетской культуры. Гробница Ментухотепа II сама по себе является произведением искусства, высеченным на скалах недалеко от Фив, которое плавно сливается с природным ландшафтом, создавая эффект полностью органического произведения. Картины, фрески и скульптуры, которые сопровождали гробницу, также отражают высокий уровень изысканности и, как всегда, симметрии. Ювелирные изделия также были значительно усовершенствованы в это время, и некоторые из лучших произведений в истории Египта относились к этой эпохе.Кулон времен правления Сенусрета II (ок. 1897–1878 гг. До н.э.), который он подарил своей дочери, сделан из тонких золотых проволок, прикрепленных к твердой золотой основе, инкрустированной 372 полудрагоценными камнями. Статуи и бюсты королей и королев замысловато вырезаны с точностью и красотой, которой не хватает большей части произведений искусства Старого Королевства.

Пектораль Сенусрета II

Джон Кампана (CC BY)

Однако самым ярким аспектом искусства Среднего царства является его предмет.В этот период в искусстве чаще, чем в любой другой период, фигурируют простые люди, а не знать. Влияние Первого промежуточного периода по-прежнему проявляется во всем искусстве Среднего царства, где рабочие, фермеры, танцоры, певцы и домашняя жизнь получают почти такое же внимание, как короли, дворяне и боги. Художественные работы в гробницах продолжали отражать традиционный взгляд на загробную жизнь, но литература того времени подвергала сомнению старую веру и предлагала сосредоточиться на единственной жизни, в которой можно быть уверенным, — на настоящей.

Этот акцент на жизни на Земле отражен в менее идеалистических и более реалистичных произведениях искусства. Короли, подобные Сенусрету III (ок. 1878-1860 до н.э.), изображаются в скульптурах и искусстве такими, какими они были на самом деле, а не идеальными королями. Ученые признают это по единообразию и детализации изображений. Сенусрет III изображен в разных произведениях в разном возрасте, иногда выглядя измученными, иногда победоносными, тогда как короли более ранних эпох всегда изображались в одном возрасте (молодые) и одинаково (могущественные).Известно, что египетское искусство лишено экспрессии, потому что египтяне признали, что эмоции мимолетны, и никто не хотел бы, чтобы вечный образ отражал только один момент в жизни, а все его существование.

Глава Сенусрет III

Усама Шукир Мухаммед Амин (CC BY-NC-SA)

Среднее царство начало распадаться во время 13-й династии, когда правители стали слишком комфортно себя чувствовать и пренебрегли государственными делами.Нубийцы вторглись с юга, в то время как чужеземцы, гиксосы, прочно закрепились в районе Дельты на севере. Правительство в Фивах утратило контроль над большими участками Дельты в пользу гиксосов и ничего не могло сделать с растущей мощью нубийцев; он становился все более устаревшим и возвестил эру, известную как Второй промежуточный период (ок. 1782 — ок. 1570 г. до н. э.). В это время правительство Фив продолжало заказывать произведения искусства, но в меньшем масштабе, в то время как гиксосы либо присваивали более ранние работы для своих храмов, либо заказывали более грандиозные работы.

Второй промежуточный период / Новое царство Искусство

Искусство Второго промежуточного периода Египта продолжало традиции Среднего царства, но часто менее эффективно. Лучшие художники были доступны для знати в Фивах и производили высококачественные работы, но некоролевские художники были менее квалифицированными. Эту эпоху, как и первую, также часто характеризуют как неорганизованную и хаотичную, и художественные работы преподносятся как доказательство, но за это время было создано много прекрасных произведений; они были просто в меньшем масштабе.

Росписи надгробий, скульптуры, храмовые рельефы, пекторали, головные уборы и другие украшения высокого качества продолжали производиться, и гиксосы, хотя их часто критиковали более поздние египетские писатели, способствовали культурному развитию. Они скопировали и сохранили многие письменные произведения более ранней истории, которые сохранились до сих пор, а также скопировали скульптуры и другие произведения искусства.

Египетская стела Неферхотепа

Усама Шукир Мухаммед Амин (CC BY-NC-SA)

Гиксосы были окончательно изгнаны фиванским князем Яхмосом I (ок.1570-1544 гг. До н.э.), правление которого начинается с периода Нового царства Египта (ок. 1570 — ок. 1069 до н. Э.). Новое царство — самая известная эпоха в истории Египта с самыми известными правителями и самыми узнаваемыми произведениями искусства. Колоссальные статуи, которые были инициированы в Среднем царстве, стали более распространенными в это время, храм Карнака с его большим Гипостильным залом регулярно расширялся, Египетская книга мертвых копировалась с сопровождающими иллюстрациями для все большего числа людей и погребальные предметы как куклы шабти были более высокого качества.

Египет Нового Царства — Египет империи. По мере расширения границ страны египетские художники познакомились с различными стилями и техниками, которые улучшили их навыки. Металлические изделия хеттов, которые египтяне использовали в оружии, также повлияли на искусство. Богатство страны отражалось не только в величии отдельных произведений искусства, но и в их качестве. Фараон Аменхотеп III (1386–1353 гг. До н. Э.) Построил так много памятников и храмов, что более поздние ученые приписали ему исключительно долгое правление.Среди его величайших работ — Колоссы Мемнона, две огромные статуи сидящего царя, высотой 60 футов (18 м) и весом 720 тонн каждая. Когда они были построены, они стояли у входа в заупокойный храм Аменхотепа III, которого сейчас нет.

Сын Аменхотепа III, Аменхотеп IV, более известен как Эхнатон (1353–1336 гг. До н.э.), имя, которое он выбрал после того, как посвятил себя богу Атону и отменил древние религиозные традиции страны. За это время (известный как период Амарны) искусство вернулось к реализму Среднего царства.С начала Нового Царства художественные представления снова приблизились к идеалу. Во время правления королевы Хатшепсут (1479–1458 гг. До н.э.), хотя королева изображена реалистично, большинство портретов знати демонстрируют идеализм чувств Старого Королевства с сердцевидными лицами и улыбками. Искусство периода Амарны настолько реалистично, что современные ученые смогли обоснованно предположить, от каких физических недугов, вероятно, страдали люди на фотографиях.

Два самых известных произведения египетского искусства происходят из этого времени: бюст Нефертити и золотая посмертная маска Тутанхамона.Нефертити (ок. 1370–1336 гг. До н. Э.) Была женой Эхнатона, и ее бюст, обнаруженный в Амарне в 1912 г. немецким археологом Борхардтом, сегодня является почти синонимом Египта. Тутанхамон (около 1336-1327 гг. До н.э.) был сыном Эхнатона (но не Нефертити), который, когда умер до 20 лет, находился в процессе отмены религиозных реформ своего отца и возвращения Египта к традиционным верованиям. гробница, обнаруженная в 1922 году н.э., и огромное количество артефактов, которые она содержала.

Королева Нефертити

Филип Пикарт (CC BY-SA)

Золотая маска и другие металлические предметы, найденные в гробнице, были результатом нововведений в области металлообработки, полученных от хеттов.Искусство Египетской Империи является одним из величайших произведений цивилизации из-за интереса египтян к изучению новых техник и стилей и их использованию. До прибытия гиксосов в Египет египтяне считали другие народы варварскими и нецивилизованными и не считали их достойными особого внимания. «Вторжение» гиксосов заставило народ Египта признать вклад других и использовать его.

Более поздние периоды и наследие

Приобретенные навыки будут продолжаться в течение Третьего промежуточного периода Египта (ок.1069–525 гг. До н.э.) и поздний период (525–332 гг. До н.э.), которые также отрицательно сравниваются с более великими эпохами сильного центрального правительства. На стиль этих более поздних периодов повлияли времена и ограниченные ресурсы, но искусство все еще остается значительного качества. Египтолог Дэвид П. Сильверман отмечает, что «искусство этой эпохи отражает противоборствующие силы традиции и перемен» (222). Кушитские правители позднего периода Древнего Египта возродили искусство Старого Царства в попытке отождествить себя с древнейшими традициями Египта, в то время как коренные египетские правители и знать стремились продвинуть художественное представление Нового Царства.

Та же парадигма сохраняется с персидским влиянием после их вторжения в 525 г. до н. Э. Персы также с большим уважением относились к египетской культуре и истории и отождествляли себя с искусством и архитектурой Древнего Царства. Период Птолемея (323-30 гг. До н.э.) смешал египетское искусство с греческим, чтобы создать скульптуру, подобную скульптуре бога Сераписа, который сам представляет собой комбинацию греческих и египетских богов, и искусство римского Египта (30 г. до н.э. — 646 г. модель. Римляне использовали древние египетские темы и методы при адаптации египетских богов к римскому пониманию.Росписи на гробницах этого времени явно римские, но следуют предписаниям, начатым в Древнем царстве.

Египетская масляная лампа с Сераписом

Усама Шукир Мухаммед Амин (CC BY-NC-SA)

Искусство этих более поздних культур повлияло на европейское понимание, технику и стиль, которых придерживались более 1000 лет, пока художники конца 19 века н.э., такие как футуристы Италии, не начали порвать с прошлым. Так называемое современное искусство в начале 20 века н.э. было попыткой заставить аудиторию взглянуть на традиционные предметы в новом свете.Художники, такие как Пикассо и Дюшан, были заинтересованы в том, чтобы заставить людей признать свои предубеждения об искусстве и, как следствие, о жизни, создавая неожиданные и беспрецедентные композиции, которые по стилю и технике порвали с прошлым. Однако их работы и работы других были возможны только благодаря парадигме, созданной древними египтянами.

Перед публикацией эта статья была проверена на предмет точности, надежности и соответствия академическим стандартам.

Древнеегипетское искусство — Всемирная историческая энциклопедия

Произведения искусства Древнего Египта очаровывали людей на протяжении тысячелетий.Ранние греческие и более поздние римские художники находились под влиянием египетских техник, и их искусство вдохновляло представителей других культур вплоть до наших дней. Многие художники известны из более поздних периодов, но художники Египта полностью анонимны и по очень интересной причине: их искусство было функциональным и создавалось для практических целей, тогда как более позднее искусство предназначалось для эстетического удовольствия. Функциональное искусство создается по найму и принадлежит тому, кто его заказал, в то время как искусство, созданное для удовольствия, даже если оно заказано, позволяет лучше выразить видение художника и, таким образом, добиться признания отдельного художника.

Греческий художник, такой как Фидий (ок. 490–430 до н. Э.), Безусловно, понимал практические цели создания статуи Афины или Зевса, но его основной целью было создание визуально приятного произведения, создание «искусства», как это понимают люди. слово сегодня не для создания практической и функциональной работы. Все египетское искусство служило практической цели: статуя содержала дух бога или умершего; картина на гробнице показывала сцены из жизни на земле, чтобы дух мог их запомнить, или сцены из рая, которые он надеялся достичь, чтобы знать, как туда попасть; обереги и амулеты защищали от вреда; фигурки отражали злых духов и злых призраков; ручные зеркала, ручки для кнутов, косметички — все служило практическим целям, а керамика использовалась для питья, еды и хранения. Заметки египтолога Гей Робинса:

Насколько нам известно, у древних египтян не было слова, которое точно соответствовало бы нашему абстрактному использованию слова «искусство». У них были слова для обозначения отдельных типов памятников, которые мы сегодня рассматриваем как образцы египетского искусства — «статуя», «стела», «могила» — но нет никаких оснований полагать, что эти слова обязательно включают в себя эстетическое измерение. (12)

«искусство ради искусства» было неизвестно и, вероятно, было бы непостижимо для древнего египтянина, который понимал искусство как функциональное превыше всего остального.

Хотя египетское искусство сегодня высоко ценится и по-прежнему привлекает внимание музеев, где выставлены экспонаты, сами древние египтяне никогда бы не подумали о своих работах таким же образом и определенно сочли бы странным выставлять эти разные виды работ на всеобщее обозрение контекста в музейном зале. Скульптуры были созданы и размещены по определенной причине, и то же самое верно для любого другого вида искусства. Понятие «искусство ради искусства» было неизвестно и, кроме того, вероятно, было бы непостижимо для древнего египтянина, который понимал искусство как функциональное превыше всего остального.

Египетская симметрия

Нельзя сказать, что египтяне не обладали чувством эстетической красоты. Даже египетские иероглифы были написаны с учетом эстетики. Иероглифическое предложение могло быть написано слева направо или справа налево, сверху вниз или снизу вверх, полностью в зависимости от того, как выбор человека повлиял на красоту законченной работы. Проще говоря, любая работа должна была быть красивой, но мотивация к творчеству была сосредоточена на практической цели: функции. Несмотря на это, египетское искусство неизменно вызывает восхищение за его красоту, и это связано с тем, что древние египтяне ценили симметрию.

Совершенный баланс в египетском искусстве отражает культурную ценность маат (гармония), которая была центральной для цивилизации. Маат был не только универсальным и социальным порядком, но и самой тканью творения, которая возникла, когда боги создали упорядоченную вселенную из недифференцированного хаоса. Концепция единства, единства была этим «хаосом», но боги представили двойственность — ночь и день, женское и мужское, темное и светлое — и эта двойственность регулировалась маат .

Протоисторическая статуя из Египта

Усама Шукир Мухаммед Амин (CC BY-NC-SA)

Именно по этой причине египетские храмы, дворцы, дома и сады, скульптуры и картины, перстни с печатками и амулеты были созданы с учетом баланса и отражают ценность симметрии. Египтяне верили, что их земля была создана по образу мира богов, и когда кто-то умирал, они отправлялись в рай, который им был очень знаком. Когда создавался египетский обелиск, он всегда создавался и возводился с помощью идентичного близнеца, и считалось, что эти два обелиска имеют божественные отражения, сделанные одновременно в стране богов.Храмовые дворы были специально разбиты так, чтобы отражать творение, маат , хека (магия) и загробную жизнь с той же совершенной симметрией, которую боги инициировали при сотворении. Искусство отражало совершенство богов и в то же время ежедневно служило практическим целям.

История любви?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей по электронной почте!

Историческое развитие

Искусство Египта — это история элиты, правящего класса.На протяжении большей части исторических периодов Египта люди с более скромным достатком не могли позволить себе роскошь в виде произведений искусства, рассказывающих свою историю, и в основном благодаря египетскому искусству история цивилизации стала известна. Гробницы, рисунки на гробницах, надписи, храмы и даже большая часть литературы посвящены жизни высшего класса, и только посредством рассказа этих историй раскрываются истории низших классов. Эта парадигма была установлена ​​еще до письменной истории культуры.Искусство начинается в додинастический период в Египте (ок. 6000 — ок. 3150 г. до н.э.) с наскальных рисунков и керамики, но полностью реализовано в раннединастический период (ок. 3150 — ок. 2613 г. до н.э.) в знаменитой палитре Нармера.

Палитра Нармера (ок. 3150 г. до н. Э.) Представляет собой двустороннюю церемониальную плиту из алевролита, на которой замысловато вырезаны сцены объединения Верхнего и Нижнего Египта королем Нармером. Важность симметрии очевидна в композиции, которая показывает головы четырех быков (символ власти) наверху каждой стороны и сбалансированное представление фигур, рассказывающих историю.Работа считается шедевром искусства раннего династического периода и показывает, насколько продвинутыми были египетские художники в то время.

Палитра Нармера [две стороны]

Неизвестный художник (общественное достояние)

Более поздняя работа архитектора Имхотепа (ок. 2667-2600 до н. Э.) Над пирамидой короля Джосера (ок. 2670 г. до н. Э.) Отражает, насколько далеко продвинулись произведения искусства со времен палитры Нармера. Комплекс пирамиды Джосера замысловато спроектирован с использованием цветов лотоса, папирусов и символов джед с высоким и низким рельефом, а сама пирамида, конечно же, является свидетельством египетского мастерства в работе с камнем на монументальных произведениях искусства.

Во времена Древнего царства Египта (2613–2181 гг. До н. Э.) Искусство стало стандартизироваться элитой, и фигурки производились единообразно, чтобы отражать вкусы столицы Мемфиса. Скульптуры позднего раннего династического и раннего периодов Старого царства удивительно похожи, хотя другие формы искусства (живопись и письмо) демонстрируют большую изощренность в Старом царстве. Величайшие произведения искусства Древнего Царства — пирамиды и Великий сфинкс Гизы, которые стоят до сих пор, но более скромные памятники были созданы с такой же точностью и красотой.На самом деле искусство и архитектура Древнего Царства высоко ценились египтянами в более поздние эпохи. Некоторые правители и знать (например, Кхэмвесет, четвертый сын Рамсеса II) целенаправленно заказывали работы в стиле Старого Царства, даже вечный дом их гробниц.

В первый промежуточный период Египта (2181-2040 гг. До н.э.), после распада Старого царства, художники могли более свободно выражать индивидуальные и региональные взгляды. Отсутствие сильного центрального правительства в сдаче в эксплуатацию означало, что губернаторы округов могли реквизировать предметы, отражающие их родную провинцию.Эти разные районы также обнаружили, что располагаемый доход у них выше, поскольку они не отправляли так много в Мемфис. Рост экономической мощи на местном уровне вдохновил больше художников на создание произведений в своем собственном стиле. Массовое производство началось также во время Первого промежуточного периода, и это привело к единообразию художественных работ данного региона, что сразу сделало их отличительными, но менее качественными, чем работы Старого Царства. Это изменение лучше всего видно в производстве кукол шабти для погребального инвентаря, которые раньше изготавливались вручную.

Куклы Shabti

koopmanrob (CC BY-SA)

Искусство процветало во времена Среднего царства Египта (2040-1782 гг. До н.э.), которое обычно считается кульминацией египетской культуры. В этот период возникли колоссальные скульптуры, а также большой храм Карнак в Фивах. Идеализм изображений Старого Царства в скульптурах и картинах был заменен реалистическими изображениями, и низшие классы также встречаются в искусстве чаще, чем раньше.Среднее царство уступило место второму промежуточному периоду Египта (ок. 1782 — ок. 1570 г. до н. Э.), В течение которого гиксосы владели большими территориями в районе Дельты, в то время как нубийцы вторгались с юга. Искусство этого периода, произведенное в Фивах, сохраняет характеристики Среднего царства, в то время как искусство нубийцев и гиксосов, которые восхищались и копировали египетское искусство, отличается размером, качеством и техникой.

Последовавшее за этим Новое царство (ок. 1570 — ок. 1069 г. до н. Э.) Является самым известным периодом в истории Египта и произвело одни из самых прекрасных и самых известных произведений искусства. Бюст Нефертити и золотая посмертная маска Тутанхамона происходят из этой эпохи. Искусство Нового Царства определяется высоким качеством видения и техники, во многом благодаря взаимодействию Египта с соседними культурами. Это была эпоха египетской империи, и методы обработки металла хеттов, которые теперь считались союзниками, если не равными, сильно повлияли на производство погребальных артефактов, оружия и других произведений искусства.

После Нового Царства, Третий промежуточный период (ок. 1069-525 гг. До н.э.) и поздний период Древнего Египта (525-332 гг. До н.э.) предприняли более или менее успешные попытки продолжить высокие стандарты искусства Нового Царства, одновременно вызывая воспоминания о Старом Царстве. стили в попытке вернуть упавший статус Египта. Персидское влияние в поздний период сменяется греческими вкусами во время династии Птолемеев (323-30 до н.э.), которая также пытается предложить стандарты Старого Царства с техникой Нового Царства, и эта парадигма сохраняется в Римском Египте (30 г. до н.э. — 646 г. н.э.) и конец египетской культуры.

Типы искусства, детали и символы

На протяжении всех этих эпох видов искусства было столько же, сколько человеческих потребностей, ресурсов для их создания и способности платить за них. У богатых египтян были декоративные ручные зеркала, косметички и кувшины, украшения, украшенные ножны для ножей и мечей, замысловатые луки, сандалии, мебель, колесницы, сады и гробницы. Каждый аспект любого из этих творений имел символическое значение. Точно так же мотив быка на палитре Нармера символизировал могущество короля, поэтому каждое изображение, дизайн, орнамент или деталь означали что-то, относящееся к его владельцу.

Одним из наиболее очевидных примеров этого является золотой трон Тутанхамона (ок. 1336 — ок. 1327 г. до н. Э.), На котором изображен молодой царь с его женой Анхсенамун. Пара изображена в тихом домашнем моменте, когда королева втирает мазь в руку своего мужа, который сидит на стуле. Их близость устанавливается по цвету их кожи, который одинаков. Мужчины обычно изображаются с красноватой кожей, потому что они проводят больше времени на открытом воздухе, в то время как для женской кожи использовался более светлый цвет, поскольку они более склонны держаться подальше от солнца. Эта разница в оттенках телесных тонов не означала равенства или неравенства, а была просто попыткой реализма.

Однако в случае с троном Тутанхамона этот прием используется для выражения важного аспекта отношений пары. Другие надписи и изображения ясно показывают, что они проводили большую часть своего времени вместе, и художник выражает это через их общие оттенки кожи; Анхесенамун такой же загорелый, как Тутанхамон. Красный цвет, используемый в этой композиции, также олицетворяет жизненную силу и энергию их взаимоотношений.Волосы пары синие, символизирующие плодородие, жизнь и возрождение, а их одежда — белая, символизирующая чистоту. Фон — золото, цвет богов, и все замысловатые детали, включая короны, которые носят фигуры, и их цвета, имеют свое особое значение и рассказывают историю представленной пары.

Тутанхамон и Анхсенамун

Патаки Марта (CC BY-NC-SA)

Меч или косметичка были разработаны и созданы с той же целью: рассказывать истории.Даже сад дома рассказывал историю: в центре был бассейн, окруженный деревьями, растениями и цветами, которые, в свою очередь, были окружены стеной, а вход в сад происходил из дома через портик из украшенных колонн. Все это было тщательно организовано, чтобы рассказать историю, имеющую значение для владельца. Хотя египетских садов давно нет, были найдены модели, сделанные из них в качестве погребального инвентаря, что свидетельствует о том, с какой тщательностью они были выложены в повествовательной форме.

В случае с благородным Мекет-Ра из 11-й династии, сад был спроектирован так, чтобы рассказывать историю пути жизни в рай.Колонны портика имели форму цветков лотоса, символизируя его дом в Верхнем Египте, бассейн в центре представлял озеро Лили, которое душе нужно было пересечь, чтобы попасть в рай, а дальняя стена сада была украшена сценами из загробной жизни. Каждый раз, когда Мекет-Ра сидел в своем саду, ему напоминали о природе жизни как о вечном путешествии, и это, скорее всего, давало ему представление о любых обстоятельствах, которые могли бы беспокоить в данный момент.

Методы

Росписи на стенах Мекет-Ра были написаны художниками, смешавшими цвета из природных минералов.Черный был сделан из углерода, красный и желтый — из оксидов железа, синий и зеленый — из азурита и малахита, белый — из гипса и так далее. Минералы смешивались с измельченным органическим материалом до разной консистенции, а затем смешивались с неизвестным веществом (возможно, яичным белком), чтобы сделать его липким и прилипшим к поверхности. Египетская краска была настолько прочной, что многие работы, даже те, которые не были защищены в гробницах, остались живыми спустя более 4000 лет.

Хотя стены дома, сада и дворца обычно украшали плоскими двухмерными картинами, стены гробниц, храмов и памятников использовали рельефы.Это были горельефы (на которых фигуры выделяются из стены) и барельефы (где изображения высечены на стене). Для их создания поверхность стены выглаживали штукатуркой, которую затем шлифовали. Художник создавал произведение в миниатюре, затем рисовал на нем линии сетки, а затем эту сетку рисовал на стене. Используя меньшую работу в качестве модели, художник сможет воспроизвести изображение в правильных пропорциях на стене. Сначала сцена будет нарисована, а затем обведена красной краской.Исправления в работе будут отмечены, возможно, другим художником или руководителем, черной краской, и после того, как они будут обработаны, сцена будет вырезана и раскрашена.

Краской также использовались статуи, сделанные из дерева, камня или металла. Каменная кладка впервые появилась в Египте в ранний династический период и с течением веков становилась все более и более изысканной. Скульптор работал бы с цельным каменным блоком с помощью медного долота, деревянного молотка и более тонких инструментов для обработки деталей. Затем статую гладили тряпкой.Камень для статуи был выбран, как и все остальное в египетском искусстве, так, чтобы рассказывать свою собственную историю. Например, статуя Осириса будет сделана из черного сланца, чтобы символизировать плодородие и возрождение, которые связаны с этим конкретным богом.

Египетская жрица Такушит

Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)

Металлические статуи обычно были небольшого размера и делались из меди, бронзы, серебра и золота. Золото было особенно популярно для амулетов и святынь богов, поскольку считалось, что у богов золотая кожа.Эти фигурки были изготовлены методом литья или обработки листового металла по дереву. Деревянные статуи вырезались из разных кусков деревьев, а затем склеивались или склеивались. Статуи из дерева редки, но некоторые из них сохранились и демонстрируют огромное мастерство.

Косметические сундуки, гробы, модели лодок и игрушки были изготовлены таким же образом. Ювелирные изделия обычно изготавливались с использованием техники, известной как перегородчатая перегородка, при которой тонкие полосы металла инкрустируются на поверхность изделия, а затем обжигаются в печи, чтобы сковать их вместе и создать отсеки, которые затем детализируются драгоценностями или раскрашенными сценами.Среди лучших образцов перегородчатой ​​перегородки — кулон Среднего царства, подаренный Сенусретом II (1897–1878 гг. До н.э.) своей дочери. Изделие изготовлено из тонкой золотой проволоки, прикрепленной к твердой золотой основе, инкрустированной 372 полудрагоценными камнями. Перегородчатая перегородка также использовалась для изготовления пекторалей для короля, корон, головных уборов, мечей, церемониальных кинжалов и саркофагов среди других предметов.

Пектораль Сенусрета II

Джон Кампана (CC BY)

Заключение

Несмотря на то, что египетским искусством восхищаются, его критикуют за то, что оно не усовершенствовано.Критики утверждают, что египтяне, похоже, никогда не овладели перспективой, поскольку в композициях нет взаимодействия света и тени, они всегда двухмерны, а фигуры лишены эмоций. Утверждается, что скульптуры, изображающие пары, не показывают эмоций на лицах, и то же самое можно сказать о батальных сценах или статуях короля или королевы.

Эта критика не признает функциональность египетского искусства. Египтяне понимали, что эмоциональные состояния преходящи; человек не бывает постоянно счастливым, грустным, злым, довольным в течение данного дня, тем более вечно.Произведения искусства представляют людей и божеств формально без выражения, потому что считалось, что это представление потребуется духу человека, чтобы жить в загробной жизни. Имя и образ человека должны были выжить в той или иной форме на земле, чтобы душа продолжила свой путь. Это было причиной мумификации и сложных египетских погребальных ритуалов: духу нужен был своего рода «маяк», к которому он мог бы вернуться, посещая землю для пропитания в гробнице.

Египетская статуя Августа

Усама Шукир Мухаммед Амин (CC BY-NC-SA)

Дух может не распознать статую разгневанной или ликующей версии самого себя, но узнает их уравновешенные, самодовольные черты лица.Отсутствие эмоций связано с вечной целью работы. Статуи делали так, чтобы их можно было смотреть спереди, обычно спиной к стене, чтобы душа могла легко узнавать свое прежнее «я», и это также относилось к богам и богиням, которые, как считалось, жили в их статуях.

Жизнь была лишь небольшой частью вечного путешествия к древним египтянам, и их искусство отражает эту веру. Статуя или косметичка, настенная роспись или амулет, какую бы форму ни принимала произведение искусства, были созданы, чтобы прослужить дольше жизни его владельца и, что более важно, рассказывать историю этого человека, а также отражать египетские ценности и верования в целом.Египетское искусство хорошо послужило этой цели, так как оно продолжает рассказывать свою историю на протяжении тысячелетий.

Перед публикацией эта статья была проверена на предмет точности, надежности и соответствия академическим стандартам.

Искусство Египта: типы, характеристики, история

Эволюция египетского искусства

Когда вы думаете о древнеегипетском искусстве, то, скорее всего, вам на ум приходят Великий Сфинкс Гизы или пирамиды, и хотя египетская архитектура и статуи, безусловно, очень впечатляют, они — лишь небольшая часть. очень сложная, но специфическая художественная культура. Египтяне любили рисовать, рисовать и вырезать, используя минеральные пигменты для создания ярких красных, золотых, зеленых, синих и черных цветов.Затем их обычно покрывали лаком, который позволял многим предметам служить замечательно.

Стиль очень своеобразный, в основном он основан на образе фараонов, сфинксов и многих египетских богов. Художественные творения, которые всегда были функциональными, а не красивыми, служили домом для духов и богов; дары загробной жизни; или чтобы умилостивить фараона, и повсюду преобладала тема баланса. История их искусства почти такая же древняя, как и история самой древнеегипетской цивилизации, и очень мало изменилась за 3000 лет правления общества над Нилом.Возможно, поэтому даже неподготовленному глазу очень легко заметить произведение искусства того времени.

Идентификация египетского искусства

Самое раннее египетское искусство можно легко идентифицировать по изображениям людей на их картинах. Эти изображения имеют размер в зависимости от статуса, при этом боги и фараоны изображаются намного крупнее среднего человека, который, в свою очередь, будет крупнее своих рабов, которые считались низшей формой человеческой жизни. Животные, деревья и неодушевленные предметы также оставались маленькими и менее значительными.

Пожалуй, наиболее поразительным является то, как эти люди представлены: их тела всегда обращены к зрителю, а головы смотрят в сторону. Мужчины затенены темнее, чем женщины, и когда они стоят, люди всегда расставляют ноги. Ни в одном из их творений не было чувства перспективы, поэтому все казалось очень двухмерным.

Памятники

Фараоны часто заказывали большие статуи, для создания которых потребовалась бы большая команда художников.Возможно, самым известным примером этого является Большой Сфинкс в Гизе, на создание которого потребовалось бы около трех лет. Сфинкс — это мифическое египетское создание, имевшее тело льва и человеческую голову. Когда эти существа изображались в искусстве, они обычно носили головной убор, подобный тем, которые носили фараоны.

Гигантская статуя была вырезана из известняка, и историки датировали ее примерно 2500 г. до н.э., хотя многие оспаривают это утверждение, и лишь немногие соглашаются с тем, кто построил ее и почему.Хотя статуя сегодня выглядит довольно монотонной по цвету, остатки пигмента предполагают, что она была окрашена, когда была построена, что делает зрелище гораздо более захватывающим.

Сфинксы стали более популярными в египетском искусстве во время правления Тутмоса. Легенда гласит, что, будучи молодым принцем, Тутмос однажды заснул в тени Великого Сфинкса и увидел сон. В нем Сфинкс заговорил с ним и сказал ему очистить песок вокруг основания статуи, чтобы стать следующим королем.Когда он был наконец коронован, он регулярно заказывал работы, в том числе его любимое мифическое существо. Перед Сфинксом есть мемориальная доска, рассказывающая об этой истории.

Барельеф

Барельеф (произносится как bah ree-leef), очень часто встречающийся в статуях и резьбе, — это термин, обозначающий, когда резные фигуры поднимаются с их фона. Египтяне любили добавлять свои барельефы к существующим каменным зданиям, придавая им особый и неповторимый вид.

Хотя барельеф можно создать, просто вырезав стену на стене, египтяне больше стремились к совершенству. Они наносили тонкий слой штукатурки на стену здания, а затем полировали его до идеальной гладкости. Затем один из художников обозначал оштукатуренную область красным крестиком, чтобы было легче сохранить правильные пропорции фигур. У них будет изображение на куске папируса, которое было бы нарисовано ведущим художником, и оно будет точно скопировано на стену.Затем приходил скульптор и вырезал изображение с помощью деревянного молотка и медного долота. Затем была использована краска, чтобы еще больше подчеркнуть творение.

Иероглифы

Слово «иероглифы», не только художественное выражение, но и способ общения, буквально означает «священные писания» и использовалось как способ помочь людям запомнить имена различных фараонов. Был своего рода символический алфавит, но поскольку их язык сильно отличается от нашего, очень трудно сопоставить иероглифы с английским алфавитом.Символы обычно обозначают определенные звуки, но иногда они также являются изображением фигуры или предмета.

Иероглифы не использовались для повседневного общения, а вместо этого считались подарком от бога, предназначенным для произведений искусства, заказанных фараоном для того, чтобы нести какую-то магическую силу. Одним из известных примеров этого является Египетская Книга Мертвых, свиток, созданный для защиты определенных богатых людей в загробной жизни. Их было сделано несколько, многие из которых разворачивались примерно до 17 футов в длину.На них были нанесены иероглифы, представляющие магические заклинания, предназначенные для их защиты, а также изображения их дома и людей, которых они любили, чтобы принести им утешение, а затем похоронены вместе с ними, когда они умерли.

Те, кто достаточно богат и могущественны, чтобы приготовить гробницу для своего тела, также могли бы украсить ее сотнями картин. Они никогда не предназначались для посторонних, но были вырезаны в знак уважения к мертвому телу внутри.Они часто изображали умершего, переходящего в следующую жизнь, или счастливые времена, которые, как они надеялись, у них будут после смерти, сопровождаемые красивыми иероглифическими отметками. Они также часто оставляли небольшие скульптуры «подарков», которые хотели, чтобы их любимый унес с собой в загробную жизнь.

Амарна Арт

Уникальный вид искусства, получивший известность в восемнадцатой династии. Исчезли традиционные точеные тела предыдущих картин — вместо этого мужчины были изображены с более женственными чертами, включая большую грудь и губы.В этих изображениях было более плавное ощущение движения, что шло вразрез с годами художественной структурированной условности.

Это изменение произошло с правлением нового царя — Эхнатона. Огромный приверженец Атона, бога, олицетворяющего солнечный диск, его новая стилизованная форма искусства возникла как часть нового религиозного культа, созданного в честь этого божества. Атон отличался от других богов того времени тем, что не имел человеческого облика, но вскоре стал официальным государственным богом. Даже архитектура того времени отличалась от зданий прошлого тем, что они имели более открытый стиль, чтобы впустить солнце.

Во время своего правления Эхнатон женился на Нефертити, и она фигурирует во многих произведениях искусства того времени. Бюст Нефертити — один из самых известных, расписанный лепными материалами. Считается, что она была чрезвычайно красивой женщиной, поскольку статуи и картины в то время создавались скорее как реалистичные, чем идеалистические. Напротив, у Эхнатона обычно слишком большие губы, длинный подбородок и большая голова. Еще одна известная картина того времени — две их дочери, Нефернеферуатон Ташерит и Нефернефруре, обе имеют более плавную и менее структурированную форму.

После смерти Эхнатона египетское искусство вернулось к своему консервативному, строгому традиционному стилю, многие произведения искусства и архитектуры того времени были уничтожены, а имя бывшего царя вычеркнуто из официальных записей.

Современное искусство

Египтяне всегда выражали свое художественное творчество в резьбе и росписях на стенах, и сегодняшние граждане не исключение. Современное искусство — это ответ на свержение правительства в 2011 году, когда по Каиру были разбросаны изображения в стиле граффити, демонстрирующие чувства людей.Хотя большая часть уличного искусства быстро закрашивается, как будто его никогда не существовало, есть несколько художников, которые сделали себе имя таким образом. Имена, на которые стоит обратить внимание, включают Алаа Авада, Хазема Таха Хусейна и Хоссама Дирара.

Изображения стали более свободными с меньшими ограничениями, но в случае Авада и Хусейна все еще присутствует элемент традиции, пронизывающий их настенные росписи, с той знакомой египетской позой и повторяющимся характером. Однако сейчас разница в том, что у многих художников к своей работе привязана политическая повестка дня.Он больше не заказывается королем, а вместо этого отражает собственные идеологии и мысли художников.

Источники

Древнеегипетское искусство — Smarthistory

Красиво сохранившиеся расписные известняковые надгробные скульптуры в натуральную величину принца Рахотепа и его жены Нофрет. Обратите внимание на реалистичные глаза инкрустированного горного хрусталя (Древнее царство). Фото: доктор Эми Калверт

Ценить и понимать древнеегипетское искусство

Древнеегипетское искусство нужно рассматривать с точки зрения древних египтян, чтобы понять его.Несколько статичный, обычно формальный, до странности абстрактный и часто блочный характер многих египетских образов временами приводил к неблагоприятным сравнениям с более поздним и гораздо более «натуралистическим» греческим или ренессансным искусством. Однако искусство египтян служило совершенно иной цели, чем искусство этих более поздних культур.

Искусство, которое не должно быть видно

Хотя сегодня мы восхищаемся сверкающими сокровищами из гробницы Тутанхамона, величественными рельефами в гробницах Нового Царства и безмятежной красотой скульптур Старого Царства, необходимо помнить, что большинство этих работ никогда не предназначались для показа — это просто не было их целью.

Раскрашенный затонувший рельеф, изображающий царя в объятиях богини. Могила Аменхерхепшефа (QV 55) (Новое царство) Фото: доктор Эми Калверт

Функции египетского искусства

Эти изображения, будь то статуи или рельефы, были созданы, чтобы принести пользу божеству или умершему получателю. Скульптура предоставляла место, где получатель мог проявить и получить выгоду от ритуального действия. Большинство статуй демонстрируют формальную фронтальность, что означает, что они расположены прямо впереди, потому что они были созданы для того, чтобы встретить ритуал, выполняемый перед ними.Многие статуи также изначально помещались в углубленные ниши или другие архитектурные элементы — контексты, которые сделали бы фронтальность их ожидаемым и естественным образом.

Скульптура, будь то божественная, королевская или элитная, обеспечивала своего рода канал для духа (или ka ) этого существа для взаимодействия с земным царством. Божественные культовые статуи (немногие из которых сохранились) были предметом ежедневных ритуалов одевания, помазания и ароматизации благовониями; их несли в процессиях на специальные фестивали, чтобы люди могли их «видеть» — почти все они были скрыты от глаз. , но их «присутствие» было бы ощутимо.

Королевские и элитные скульптуры служили посредниками между людьми и богами. Семейные часовни со скульптурой умершего праотца могли служить своего рода «семейным храмом». В честь умерших устраивались праздники, когда семья приходила и ел в часовне, предлагая пищу для загробной жизни, цветы (символы возрождение), и ладан (аромат которого считался божественным). Сохранившиеся письма сообщают нам, что к умершим активно обращались за помощью как в этом мире, так и в следующем.

Что мы видим в музеях

Как правило, произведения, которые мы видим в музеях, были произведением королевских или элитных мастерских; эти изделия лучше всего сочетаются с нашей современной эстетикой и идеями красоты. Однако большинство подвалов музеев заполнены сотнями (даже тысячами!) Других предметов, созданных для людей с более низким статусом — небольшие скульптуры, амулеты, гробы и стелы (похожие на современные надгробные плиты), которые полностью узнаваемы, но редко выставляются на обозрение. Эти изделия обычно демонстрируют меньшее качество изготовления; иногда будучи неправильно сложенными или плохо выполненными, они реже считаются «искусством» в современном смысле.Однако эти объекты выполняли ту же функцию по предоставлению выгод своим владельцам и с той же степенью эффективности, что и предметы, созданные для элиты.

Групповая статуя Рамзеса II с Осирисом, Исидой и Гором из твердого камня в Египетском музее, Каир (Новое царство). Фото: доктор Эми Калверт

Способы представления трехмерного искусства

Трехмерные изображения, будучи довольно формальными, также были нацелены на воспроизведение реального мира — скульптуры богов, королевской семьи и элиты были разработаны, чтобы передать идеализированную версию этого человека.Некоторые аспекты «натурализма» были продиктованы материалом. Каменные скульптуры были довольно закрытыми, с руками, поднятыми по бокам, ограниченными позициями, сильной задней колонной, которая обеспечивала поддержку, и с заполненными пространствами, оставленными между конечностями.

Расписная деревянная модель покойного, наблюдающего за подсчетом скота в Египетском музее, Каир (Среднее царство). Фото: доктор Эми Калверт

Скульптуры из дерева и металла, напротив, были более выразительными — руки можно было вытянуть и удерживать отдельные предметы, промежутки между конечностями были открыты, чтобы создать более реалистичный вид, и было возможно больше положений.Однако скульптуры элитных фигур из камня, дерева и металла выполняли одни и те же функции и сохраняли один и тот же тип формализации и фронтальности. Только статуэтки людей с более низким статусом отображали широкий спектр возможных действий, и эти части часто были сосредоточены на действиях , , которые приносили пользу элитному владельцу, а не вовлеченным людям.

Способы представления двумерного искусства

Двумерное искусство было совершенно другим в том, как был представлен мир.Египетские художники приняли двухмерность и попытались представить наиболее репрезентативные аспекты каждого элемента в сценах, а не пытались создать перспективы, которые воспроизводили реальный мир.

Каждый объект или элемент сцены был визуализирован под наиболее узнаваемым углом, а затем они были сгруппированы вместе, чтобы создать единое целое. Вот почему изображения людей показывают их лицо, талию и конечности в профиль, а глаза и плечи — спереди. Эти сцены представляют собой сложные составные изображения, которые предоставляют полную информацию о различных элементах, а не изображения, разработанные с единой точки зрения, которые не были бы столь исчерпывающими в передаваемых ими данных.

Регистры

Сцена хаотичного боя на расписном ящике из гробницы Тутанхамона в Египетском музее, Каир (Новое царство). Фото: доктор Эми Калверт

Сцены были упорядочены по параллельным линиям, известным как регистры. Эти регистры разделяют сцену, а также обеспечивают линии земли для фигур. Сцены без регистров необычны и обычно использовались только для того, чтобы специально вызвать хаос; сцены сражений и охоты часто показывают добычу или чужие армии без наземных линий.Регистры также использовались для передачи информации о сценах — чем выше в сцене, тем выше статус; перекрывающиеся цифры означают, что те, что внизу, находятся дальше, как и те элементы, которые находятся выше в регистре.

Иерархия шкалы

Разница в масштабе была наиболее часто используемым методом передачи иерархии — чем больше масштаб фигуры, тем важнее они были. Короли часто изображались в том же масштабе, что и божества, но оба изображены крупнее, чем элита, и намного крупнее среднего египтянина.

Текст и изображение

Высокодетализированные рельефные иероглифы на Белой часовне Сенусрета I в Карнаке (Среднее царство). Фото: доктор Эми Калверт

Текст сопровождает почти все изображения. В скульптуре идентифицирующий текст будет отображаться на задней колонне или основании, а рельеф обычно имеет подписи или более длинные тексты, которые завершают и развивают сцены. Иероглифы часто представлялись как крошечные произведения искусства сами по себе, хотя эти маленькие изображения не всегда означают то, что они изображают; многие из них — фонетические звуки.Однако некоторые из них являются логографическими, то есть обозначают объект или концепцию.

Во многих случаях линии между текстом и изображением размываются. Например, имя фигуры в тексте на статуе будет регулярно опускать определяющий фактор (невысказанный знак в конце слова, который помогает идентифицировать) — например, за глаголами движения следует пара ходячих ног, имена мужчины заканчиваются изображением человека, имена богов — изображением сидящего бога и т. д.) в конце имени. В этих случаях эту функцию выполняет само представление.

Дополнительные ресурсы:

Экскурсия по коллекции египетского искусства: Музей изящных искусств, Бостон

Архивы Гизы

Египетское искусство в Метрополитен-музее

Соратник древнеегипетского искусства , изд. Мелинда Хартвиг ​​(John Wiley & Sons, 2015)

Smarthistory изображений для преподавания и обучения:

Больше изображений Smarthistory…

Древнеегипетское искусство: история и стиль — видео и стенограмма урока

Египетская живопись

Картины были созданы для украшения гробниц с целью помочь умершим выжить в загробной жизни. Изображения часто изображали покойного, выполняющего повседневные задачи. Египтяне полагали, что они продолжат многие из этих действий в загробной жизни. Они были созданы с помощью пигментов из минералов. Обычно используемые цвета были красным, черным, синим, зеленым и золотым. Сухая температура в этом районе и отсутствие солнца в гробницах позволили многим изображениям уцелеть до наших дней.На картинах обычно изображались люди или животные с изображением головы в профиль или сбоку. Однако тело было показано спереди.

Египетские скульптуры

Хотя наиболее известными скульптурами Египта являются монументальные скульптуры, были также найдены небольшие скульптуры и рельефы. Скульптуры изготавливались из камня, дерева и бронзы. Статуи богов часто представляли собой смесь человеческого тела с головой животного. Например, бог Гор был представлен в виде мужчины-человека с головой сокола.

Египетская керамика

Египтяне также создавали керамику из глины. На керамике были изображения богов, животных и людей. Предметы изображались так же, как люди на картинах, с профилем головы и фронтальным видом тела. Некоторая керамика включала иероглифов , которые были древней формой письма в Египте. В этой системе письма изображения и символы использовались для обозначения слов или звуков. Древние египтяне также создавали канопические кувшины. Эти погребальные кувшины были сделаны из камня, бронзы, дерева или золота.Банки использовались для сохранения органов, удаленных во время мумификации, для загробной жизни.

Разделение искусства на периоды времени

Древнеегипетское искусство обладает различными качествами, определяемыми временем его создания. Теперь мы посмотрим на качества искусства в течение нескольких периодов времени. Период времени между 2649 г. до н.э. по 2150 г. до н.э. упоминается как Старое царство .Искусство этого периода состояло из ранних портретов и статуй в натуральную величину, созданных из камня, меди и дерева. Художники также начали делать рельефные изображения растений, пейзажей и животных. Цель этих изображений состояла в том, чтобы гарантировать, что человек продолжит свою жизнь в следующем мире после смерти. Это также гарантировало, что у человека будет все необходимое в следующей жизни.

В период, называемый Средним царством (примерно с 2030 г. до н.э. до 1640 г. до н.э.), разделение, которое произошло между Верхним и Нижним Египтом, было разрешено, объединив Египет и его культуру.В это время был создан массивный погребальный комплекс для правителя по имени Ментухотеп II, которому приписывают объединение Египта. Статуи королевской семьи, построенные в этот период, были уникальны по своему дизайну. Также в это время стали популярными статуи из блоков. Статуи из блоков изображали человека, прижатого к груди коленями, образуя почти блочную форму.

Третья эра Египта упоминается как Новое царство и охватывает период примерно с 1550 года до нашей эры по 1070 год до нашей эры. Когда Египет начал получать контроль над большим количеством земель, правящие цари быстро приобрели богатство.Они построили больше храмов-заупок и заполнили гробницы, вырезанные в скале, красивыми картинами и раскрашенными рельефами. Многие из этих картин и рельефов содержали текст, относящийся к загробной жизни. В это время экономического роста и стабильности художники создали множество статуй и памятников богам.

Промежуточный период египетской истории длился примерно с 1070 г. до н.э. по 712 г. до н.э.В это время власть была разделена между правителями из разных регионов, и возник конфликт. Большинство произведений искусства того времени состояло из бронзовых статуй богов, королей и храмовых чиновников. Поздний период г. г. Египта охватывает период с 712 г. до н. Э. До 332 г. до н. Э. Это было время беспорядков, поскольку Египет столкнулся с нашествиями окружающих культур, включая ассирийцев, вавилонян и, в конечном итоге, персов. Наряду с традиционными статуями богов и королевских фигур, стала популярной новая традиция создания произведений, ориентированных на людей, не принадлежащих к королевской семье.Многие статуи были сделаны из бронзы.

Краткое содержание урока

Египетское искусство — отличный ресурс для понимания египетской культуры. Включенные изображения и использованные материалы указывают на изменения в экономике и политическом климате. Резьба и живопись прославляли успех королей. Однако главной темой остается неизменная преданность загробной жизни и богам.

Результат обучения

Когда видео завершится, вы сможете:

• Анализировать древнеегипетское искусство
• Признать смысл красок, скульптур и керамики
• Поймите различия между Старым царством, Средним царством, Новым царством, промежуточным периодом и поздним периодом

Искусство Древнего Египта

Обратите внимание, что пока я делюсь видео в этих уроках . Я упорно работаю над тем, чтобы не было нарушений авторских прав. Каждое видео имеет обратную ссылку и зачисляется оригинальному создателю. Без лишних слов, вот краткое изложение искусства Древнего Египта.

Краткое вступительное видео от National Geographic

Искусство Древнего Египта Интересные факты

• Древние египтяне не знали слова «искусство» в своем языке. Они не думали об искусстве так, как мы сегодня. Следовательно, все служило функциональной цели, часто в соответствии с их религией.Несмотря на то, что мы видим картины, скульптуры, рисунки, украшения и архитектуру, все это должно было служить определенной функции.
• Часто искусство служило цели поддержания порядка, передачи закона или ведения записей.
• Изображения, которые мы видим на протяжении всей цивилизации Древнего Египта, демонстрируют идеализированный и нереалистичный взгляд на мир.
• Древние египтяне имели в своей культуре элементы поклонения животным. Много раз их боги ассоциировали животное с присутствием.
• У них были забавные законы, когда дело касалось кошек.Вас могут убить за убийство кошки. Если ваша кошка умерла, вам придется сбрить брови.

Бронзовая фигура Басте, Лувр, Франция, Рама, CC BY-SA 3.0 FR, через Wikimedia Commons

Старое царство: Эпоха пирамид

Комплекс пирамид Гизы, вид сверху, Robster1983 в английской Википедии, CC0, через Wikimedia Commons

Три пирамиды:

Хуфу — самый старый и самый большой, вмещал лодку!

Кафре — кажется больше, но только потому, что находится на возвышенности.

Менкаура — самая маленькая, но имеет три пирамиды королевы меньшего размера.

Совершите экскурсию по пирамидам Гизы с помощью Google Планета Земля.

Важность папируса

• Папирус был разработан в конце Старого Королевства. Есть свитки папируса, описывающие последние годы строительства пирамид Гизы.
• Дешевый и простой в производстве, но хрупкий.
• Он рос вдоль реки Нил, впоследствии был в изобилии.
• Египтяне делали из него не только бумагу, но и одеяла, веревку, обувь, лекарства, еду, одежду, мебель и корзины. Это действительно был важный ресурс.

Письмо о папирусе, III век до нашей эры, Чарльз Бертон Гулик, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Книга мертвых, Папирус Хьюнифера, Лист 3, Британский музей, Хунефер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Сфинкс:

Сфинкс монолитен, что означает, что он был построен из одного камня, а не из частей.

Это полно загадок. На самом деле никто не знает, что он представляет или кого должен изображать. Мы называем его Сфинксом для удобства. Однако это не обязательно было так, как называли это древние египтяне.

Последние исследования показывают, что 100 человек за 3 года построят такой памятник, используя инструменты, к которым имели доступ древние египтяне.

Что такое Сфинкс у Смитсоновского канала.

Искусство Среднего Царства

• Был под влиянием политических волнений и войны.
• Осирис был главным божеством.
• Наконец-то смогли обратить внимание на искусство.
• Скульптура стала более точной и аккуратной.

Известняк Ментухотепа II, Метрополитен-музей, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Драгоценность семьи Осириса, Лувр, CC BY-SA 2.0 FR, через Wikimedia Commons

Настольные игры в Древнем Египте

Многие египетские игры отражают переход человека в преисподнюю.

Доски для Senet имели длину 10 точек и 3 точки белого цвета, выложенные в 3 аккуратных ряда. Вместо кубиков древние египтяне использовали палки для литья или кости. Игроки получили равное количество фигур (от 5 до 7). Целью игры было отправить все фишки в конец доски. Игра была стратегической и увлекательной. Вы можете заблокировать конкуренцию от продвижения вперед или заблокировать их, и, наконец, даже отправить их назад.

Игра Сенета, Бруклинский музей, Фонд Чарльза Эдвина Уилбура , без ограничений, через Wikimedia Commons

Нефертити играет в Сенет, Малер дер Грабкаммер дер Нефертари, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Для сравнения, Игра Гончих и Шакалов была менее стратегической и больше походила на игру на удачу.У каждого игрока было по 5 фигур с головами шакалов или гончих, цель состояла в том, чтобы переместить фигуры из исходной позиции на большее пространство в конце доски.

Игра гончих и шакалов, Метрополитен-музей, CC0, через Wikimedia Commons

Интересные факты

Поскольку слова «искусство» не существовало, большая часть произведений искусства создавалась в мастерской, например, в обстановке, когда несколько художников работали над одним проектом. Поэтому в истории Египта нет выдающихся художников.

Ремесленники, Могила Небамума, Метрополитен-музей, CC0, через Wikimedia Commons

Большинство произведений искусства Древнего Египта сильно отражали смерть, возрождение и загробную жизнь.

Стиль египетского искусства практически не изменился за 3000 лет, за исключением одного короткого периода в период Амарны. Это также повлияло на последующие цивилизации.

Греческий Курос, Метрополитен-музей, CC0, через Wikimedia Commons

Triad Statue of Pharaoh Menkaura, en: User: Chipdawes, Public domain, via Wikimedia Commons

Амарна Арт

• Произошло в период Нового Царства, когда фараон Аменхотеп изменил свое имя на Ахенетен, перенес столицу в Амарну и объявил, что теперь религия будет монотеистической и будет поклоняться только богу Атону, представленному солнцем.
• В отличие от общепринятого художественного стиля, период Амарны бросает вызов старым стандартам. Он делает это, создавая искусство, в котором есть движение, выражения лица, разные цвета, а также загруженные и переполненные темы.
• В период искусства Амарны часто можно увидеть удлиненные головы и детализированные пальцы ног, а также удобные расслабленные позы.
• Бюст Нефертити — один из самых известных образцов искусства Амарны.

Бюст Нефертити, Новый музей, Берлин, Филип Пикарт, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Две дочери Эхнатона, Ноферноферуатон и Ноферноферуре, гр. 1375–1358 гг. До н.э., Музей Ашмола, Оксфорд, Ägyptischer Maler um 1360 v. Chr., Общественное достояние, через Wikimedia Commons

Новое Королевство

• Тутанхамон, сын Эхнатона, унаследовал трон в 8 или 9 лет.
• Во время своего правления он удалил все остатки художественного наследия своего отца (искусство Эхнатона и Амарны) и восстановил прежний порядок.
• Тутанхамон правил в Египте всего около 9 лет.
• Он болел множеством болезней и умер молодым, в возрасте 18-19 лет. Существует несколько версий того, почему он умер: от перелома кости, инфекции, малярии.
• Маска Тутанхамона, вероятно, самое известное произведение искусства в мире.

Маска Тутанхамона, Египетский музей, Каир Роланд Унгер, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Видеотур по выставке Тутанхамона галереи Саатчи в Лондоне.

Цвета и материалы, используемые в Египте.

• Красный: desher — олицетворяет жизнь, но также зло и разрушение. Он ассоциировался с жизненной силой и энергией, но также с кровью, огнем и опасностью. Изготовлен из окисленного железа и красной охры (глина, богатая отложениями железа)
• Синий: иртиу — безусловно, был самым популярным цветом, символизировал рождение, плодородие, воду и небеса. Изготовлен из оксидов меди и железа с кремнеземом и кальцием.
• Желтый: хенет — символизирует солнце и вечность.Первоначально изготавливали из охры и железа, но позже из мышьяка.
• Зеленый: вадж — символизирует добро, рост, жизнь, загробную жизнь и воскресение. Противоположный или красный. Изготовлен из малахита и оксида меди.
• Белый: hedj — олицетворяет чистоту и ясность. Изготовлен из мела, смешанного с гипсом.
• Черный: kem — символизирует смерть и тьму, но не зло. Изготовлен из древесного угля.

Переуступка

Выберите функциональный предмет и превратите его в искусство.

Представьте себе жизнь во времена, когда нет искусства ради искусства, и все искусство должно служить функциональной цели.Во-первых, я хочу, чтобы вы осмотрели свой дом. Какой предмет вы используете каждый день, который, по вашему мнению, важен в повседневной жизни? Однако мы собираемся пропустить технологию в этом задании и рассмотрим более общие объекты. Например, вы можете использовать для этой цели пианино, но не мобильный телефон.

Теперь, когда вы выбрали свой функциональный, повседневно используемый объект, я хочу, чтобы вы нарисовали его так, чтобы он выглядел так, как будто объект, который вы рисуете, действительно является искусством. Вы можете что-то добавлять или убирать, но функциональность должна оставаться, так что это может быть сложная и продуманная чашка, но она все равно должна оставаться чашкой.Кроме того, вы можете сделать его настолько сложным, насколько захотите, используя любые подручные средства.

Наконец, пока вы работаете над этим, я хочу, чтобы вы подумали о цветах, которые вы выбираете, и их символике во времена Древнего Египта.

Дополнительные ссылки и ресурсы

Исследуйте пирамиды Гизы с помощью Google Earth

Тайны Сфинкса

Фотографии объектов из экспозиции Тутанхамона

Подробнее о настольных играх Древнего мира

Искусство Египта в Поднебесной

Открытие Египта

Вперед:

Искусство Мезоамерики

Древний Египет образовался 3000 лет до н. э. Царь Менес объединил египетские земли, создав Древнее Царство. И последующие годы он занимался налаживанием структур и развитием городов.

В период с 2700 до 2400 до н.э. были построены первые пирамиды, являющиеся одним из чудес света. В те годы Египет старался развивать свои технологии и накапливать знания. Но спустя 150 лет страна вновь распалась. Лишь в 2040 до н.э. Ментухотеп I объединил ее заново, так появилось Среднее Царство. Оно продолжило развиваться в различных областях науки, изобретать полезные технологии.

В 1551 до н.э. появилось Новое Царство. С того момента Египет больше внимания уделял военному потенциалу. За 15 веков государство поучаствовало во многих войнах, что сильно ослабило его влияние. В 30 году до н.э., когда Клеопатра легла в саркофаг, Рим присоединил Древний Египет к своим владениям.

Почему древние египтяне так странно рисовали людей?

Когда египетский художник начинал рисовать определенную фреску, он не ставил перед собой задачи создать как можно более красивое изображение. Основной его целью была передача информации и рассказ об определенных событиях.

Более того, египтяне считали: все, что передается на фресках – это дела небесные, связанные с богами. И если в них фигурирует человек, то его роль ничтожна и минимальна. Это подчеркивали с помощью небрежной рисовки. Людей изображали в профиль (боком), не вдаваясь в детали и лишь соблюдая пропорции, чтобы голова и конечности выглядели естественно относительно туловища.

Интересный факт: есть лишь один зарегистрированный случай, когда на египетских фресках человек изображен в анфас. На росписях гробницы Небамуна, богатого вельможи, девушки нарисованы не боком.

Египтяне так странно рисовали людей, поскольку не придавали им значимой роли на фреске. Большее внимание уделялось богам и важным объектам. А люди служили лишь дополнением.

Если Вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.

Как и чем рисовали люди от первобытности до средневековья

Друзья, откуда и как все началось?

Может, когда древний человек увидел свой отпечаток ноги на песке?
Или, когда провел пальцем по земле, понял что получается след от пальца?
А может, когда наши предки научились управлять «огненным зверем» (огнем), проведя сгоревшим концом палки по камню?

В любом случае понятно, что человек всегда был любопытен и даже наши предки, оставляя примитивные рисунки на скалах и камнях, хотели передать друг другу свои ощущения.

Рисунки в пещерах

Исследуя рисунки древних людей, очевидно, что в процессе эволюции, совершенствовались и их рисунки, переходя от примитивности к более сложным изображениям людей и зверей.

Известно, что археологи нашли на территории Африки, в пещере Сибуду, наскальные рисунки, сделанные древними людьми еще 49 тысяч лет назад! Рисунки были нарисованы охрой, смешанной с молоком. Первобытные люди применяли охру еще и раньше, около 250 тысяч лет назад, но наличия молока в краске обнаружено не было.

Эта находка была странна тем, что древние люди, жившие 49 тысяч лет назад, еще не имели домашний скот, а значит, добывали молоко, охотясь на зверя. По мимо охры, наши предки использовали для рисунков уголь или обожженные корни, истолченные в порошок, известняк.

Всем известные росписи Древнего Египта популярны больше всего. История Древнеегипетской цивилизации насчитывает около 40 веков!  Эта цивилизация достигла больших высот в архитектуре, писании папирусов, а также графических рисунков и других изображений.

Росписи Древнего Египта

Существование Древнего Египта началось 3000 лет до н. э. и закончилось IV –VII вв. нашей эры.

Египтяне любили украшать росписью почти все: гробницы, храмы, саркофаги, разные домашние мелочи и посуду, статуи. Для красок использовали: известняк (белый), сажа (черный), железная руда (желтый и красный), медная руда (синий и зеленый).

Живопись древнего Египта была осмысленной, изображая людей, например, умерших, оказывая им услуги в загробной жизни.
Они верили в загробную жизнь и считали, что жизнь всего лишь промежуток к другой, более интересной жизни. Поэтому после смерти, умершего прославляли в изображениях.

Не менее увлекательные античные рисунки и фрески других цивилизаций – Древнего Рима и Древней Греции.

Греко-римская античность началась в VII веке до нашей эры и закончилась VI веке нашей эры. Делать росписи стен по сырой штукатурке римляне подсмотрели у древних греков.

Так, например, для красок, цветные минералы смешивались с белком яйца и животным клеем. А после высыхания такую фреску покрывали растопленным воском.
Но вот древние греки знали куда лучший способ сохранения ярких красок. В штукатурке, которую они использовали, содержалась известь и при высыхании  она образовывала прозрачную, тонкую пленку из кальция. Вот именно эта пленка и делала фреску долговечной! 

Настенные фрески древней Греции дошли до наших дней, спустя тысячелетия, прекрасно сохранившись в таком же ярком и насыщенном цвете, как при их создании.

Настенные росписи древней Греции

Раньше фреской называли живописные работы по сырой штукатурке. Но в наше время, любая настенная роспись может называться фреской, в не зависимости от техники ее исполнения.

Вообще же настенные росписи или фрески относятся к монументальной живописи. И ко мне это имеет прямое отношение. Именно альфрейная живопись, то есть настенная роспись является моей основной специализацией, которую я изучила в частной школе на юге Франции.

Посмотреть мои работы вы сможете в разделе >>>Галерея моих работ<<< 

В средневековье на Руси Киевской стены соборов расписывали красивейшими фресками. Так, например, в 2016 году я посетила заповедник София Киевская в Киеве. И в красивейшем соборе, заложенном в 1037 году великим князем киевским Ярославом Мудрым, на стенах сохранились настенные фрески (общая площадь фресок 3000 кв. м.)

Фреска портрет семьи Ярослава Мудрого

Главная композиция в соборе – портрет семьи Ярослава Мудрого на трех стенах. Но до наших дней дошли и неплохо сохранились только портреты сыновей и дочерей князя. Огромные фрески, написанные в XI веке, на меня, конечно же, произвели сильное впечатление.

Также уже в Средневековье (период V – XV вв) использовали для живописных работ не только стены, но и поверхности из дерева (для написания картин). Для таких работ применяли темперные краски. Эта краска, конечно же, считается одной из древнейших видов красок и пользовались ею, чтобы писать картины, вплоть до XV века.

Пока однажды нидерландский живописец Ван Эйк не ввел широкое использование красок на масляной основе в Европе  >>>Прочитать о тайнах масляных красок можно здесь<<< 

Темпера – это краски на водной основе. Красящий порошок, разбавленный водой и куриным желтком. История насчитывает более 3000 лет этому виду красок.

Сандро Ботичелли/Sandro Botticelli. Слева Портрет молодой женщины 1480-1485 гг, 82 x 54 cm , Франкфурт. Справа Благовещение 1489-1490гг, темпера на дереве, 150 x 156 см, Флоренция

Так, например, в древнем Египте саркофаги фараонов расписывали именно темперой.

А вот использовать холст, вместо деревянной доски для написания картин, в странах западной Европы стали только в начале XVI века. В значительных количествах писали на холстах флорентийские и венецианские живописцы.

В России же холсты, как основу для живописи стали применять еще позже, только со второй половины XVII века. Но это уже другая история…. Вернее статья о досках и о холстах

Вот так, проявив любопытство и сделав небольшой анализ, можно проследить способы самовыражения человека от примитивного рисунка до истинных творений средневековья!!! Конечно, это не научная статья, а только взгляд одного любопытного художника, которому нравится капаться и капаться в лабиринтах человеческого разума.

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Обучение рисунку в Древнем Египте. Часть 2

В прошлой статье мы узнали, по какому принципу древние египтяне рисовали фигуры человека с применением своих канонов рисования. В этой мы узнаем пропорции фигуры человека в отношении других людей и предметов, а также о своеобразной перспективе, которая тоже подчинялась египетским канонам рисования.

Обучение рисунку в Древнем Египте. Часть 3

Пропорции

При рисовании фигуры человека не учитывались особенности детей и подростков. Если, например, рисовальщик изображал ребёнка рядом со взрослым человеком, то он пользовался одним и тем же каноном, за исключением того, что ребёнка он изображал меньшего размера.

В изобразительном искусстве Древнего Египта разница в размере определялась различием их социального положения, а не их реальными пропорциями. Фигура высокопоставленного чиновника или фараона была значительно крупнее любого обычного человека, раба. Искусство в те времена строилось с учётом классовости.

Разница в пропорциях с неодушевлёнными предметами не принималась в расчёт. Изображая дом, человек мог быть нарисован выше этого самого дома, дверь могла быть изображена огромной. То же самое с деревьями и животными.

В задачу художника не входило изображать жизнь так, как мы это делаем сейчас. Росписи фараоновых гробниц были не рисунками, а больше дневником, книгой, рассказывающей о жизни фараона, его деятельности, окружении, событиях в стране и т. п. Поскольку египтяне не могли рассказать всё с помощью рисунков, они добавляли в эти росписи иероглифы, которые помогали понять суть.

Задачей художника было сохранить единство образов и не допускать иллюзорности. Все рисунки имели линейный характер и раскрашивались как раскраска, без сложных замесов цвета.

Изображения художников были лишены трёхмерности, перспективы и светотени. Художники должны были знать законы фронтального разворота, чтобы сохранить плоскость стены. Например голова и ноги изображались в профиль, а тело, глаз и плечи в фас. Начало этой традиции прослеживается до 4 000 лет до н. э. Она соблюдалась несколько тысячелетий. Каноны также запрещали какие-либо изменения в выборе формы и материалов.

Как и во всем, у древних египтян были каноны и в перспективе. Они не учитывали того, что если, например, дерево находится дальше по отношению к другому дереву, то оно должно быть меньше. Художники рисовали их все одинаковой величины.

На рисунке ниже все деревья одинаковой величины, сам же бассейн нарисован как вид сверху и приподнят над плоскостью земли. А на следующем рисунке все деревья лежат на земле. Это довольно занятно.

Обучения рисунку в Древнем Египте. Часть 1

Обучение рисунку в Древнем Египте. Часть 3

По материалам Н. Н. Ростовцева.

Почему египтяне изображали всех людей плоскими и в профиль

Для чего же или почему применялся такой стиль?

Можно было бы подумать, что дело было всего лишь в том, что только так и умели рисовать в Древнем Египте. Это же было очень и очень давно. Вспомните например наскальную живопись в пещерах — похоже. На самом деле писать реалистичные картины в Египте умели.

Самый известный пример античной живописи – фаюмские портреты I-III веков н.э. Многие историки и искусствоведы ломают копья над вопросами искусственного примитивизма египетской живописи.

И вот какие идеи предлагаются …

Погребальный портрет юноши. Египет, II век н.э.

1. В то время еще не изобрели «трехмерность» изображения

Все рисунки Древнего Египта сделаны «плоскими», но с мелкими деталями. Возможно, большинство художников было просто не способно к созданию сложных композиций с людьми в реалистичных позах. Поэтому приняли типовые каноны: головы и ноги всех людей и богов изображены в профиль. Плечи, наоборот, развернуты прямо. Руки сидящих всегда покоятся на коленях.

Египетские боги на стенах гробницы Нефертари.

2. Умышленное упрощение как социальный аспект

Египтяне изобрели отличный способ избавиться от третьего измерения и использовали это для представления социальной роли изображенных людей. Как представляли в те годы, на картине не могли быть рядом изображены фараон, бог и простой человек, ведь это возвеличивало последнего.

Поэтому все фигуры делали разного размера: фараоны — самые крупные, сановники – меньше, рабочие и рабы – самые мелкие. Но тогда, реалистично рисуя двух человек разного статуса рядом, один из них выглядел бы ребенком. Лучше уж изображать людей схематично.

Должностное лицо во время охоты на птиц.

3. Вызовом считается прямой взгляд.

В царстве животных: звери избегают смотреть друг другу в глаза. Вызовом считается прямой взгляд. Посмотрите, как дерутся собаки. Слабая — обращена к сильному сопернику в профиль, или подставляет шею. Боги — так высоки и священны, что человек, даже художник, имеет право лишь искоса наблюдать за жизнью всесильных. Прямо в глаза смотрит только Смерть, равно разгневанный бог. Поэтому человек может только наблюдать, и уж никак не участвовать в таинствах божественных литургий.

Второй ответ мог бы объяснить технологию изображения.
Раскрашенные , или вытесанные в камне фигуры весьма схожи с дагеротипами, и даже театром теней, который дожил до наших дней с глубокой древности.

Вспомним, как все мы с детства любили играть тенями рук. Дагеротипы легче воспринимаются именно в профиль. Древние мастера для шаблонов использовали тени, отброшенные на стены пирамид от факела или заходящего солнца. Такая технология заметно облегчала им изображение величественных гигантских фигур. Поэтому художники были исключительно жрецами, египтянами элитных кругов. Не использовать же для контуров божества тени презренного раба?

Освоив технику дагеротипа, египтяне, возможно, пошли дальше. Как красиво и естественно изображено движение на фресках. Откуда умение передачи шага, направления? Не существовало ли в прошлом непрочных аналогий с сегодняшним кинопрокатом, мультяшками или хотя бы Театром Теней? Возможно мы не все знаем о времяпровождении молодых фараонов, их праздниках почитания божеств и посвящений. Символично, что боги Египта не смотрят нам в лицо. Или мы не смотрим в их лица.

4. Религиозная версия

Согласно еще одной версии, египтяне умышленно делали рисунки людей двухмерными, «плоскими». Особенно это заметно на картинах, где присутствуют животные. Их древние мастера красочно выписывали, придавая реалистичные и элегантные позы.

Древние египтяне с их поклонением загробной жизни считали, что душа человека может путешествовать. А поскольку рисунки в основном выполнялись в гробницах и усыпальницах, то они могли бы «оживить» трехмерное живописное изображение умершего человека. Во избежание этого фигуры людей рисовали плоскими и в профиль. Так человеческое лицо более выразительно и его проще изобразить похожим.

Дабы не оживить изображение иудеи пошли еще дальше. Они вообще запретили человеческие изображения и потому в последующем многие евреиские художники (не все) рисовали людеи с искаженными пропорциями. Пример картины Шагала. В последствии этот запрет у иудеев заимствовали и мусульмане.

Некоторые версии конечно пересекаются между собой, но какая вам кажется наиболее вероятной? Или вы знаете другую версию?

Загробный мир Древнего Египта.

Как Древний Египет повлиял на наше понимание красоты

• Аластер Сук
• BBC Culture

26 лютого 2016

Автор фото, Two Temple PlaceMacclesfield Museum

Современная популярная культура изобилует образами черноглазых фараонов и их цариц. Были ли древние египтяне настолько тщеславными — или мы просто переносим на них собственные ценности? Ответ ищет арт-критик The Daily Telegraph Алистер Сук.

Осматривая новую выставку «За гранью красоты», которая проводится благотворительным фондом Bulldog Trust в неоготическом дворце Two Temple Place в центре Лондона, вы вряд ли избежите мысли о том, что древние египтяне были невыносимо тщеславными и самовлюбленными.

Среди 350 экспонатов, собранных из неприметных коллекций региональных британских музеев, представлены модные аксессуары и косметическая продукция.

Здесь есть изящные гребни и зеркальца на длинных ручках, сделанные из медного сплава или, реже, из серебра. Есть алевритовые палитры в форме различных животных, предназначенные для перетирания и смешивания минералов, таких как зеленый малахит и стибнит, из которых изготавливалась сурьма для глаз.

Есть также банки и склянки из светлого кальцита, в которых, вероятно, хранились косметические средства, мази и духи. Наконец, есть комплект человеческих волос, который позволяет предположить, что древние египтяне пользовались шиньонами и париками.

И, конечно же, здесь есть множество впечатляющих образцов египетских ювелирных изделий, включая ожерелье, украшенное карнеоловыми подвесками в форме головок мака, которое нашли завернутым в рогожку в могиле маленького ребенка.

Словом, древние египтяне и египтянки не жалели усилий, чтобы выглядеть как можно лучше.

Более того — это касалось не только жизни, но и смерти. Посмотрите на гладкие и беззаботные лица с правильными чертами, на выразительные глаза с драматическими черными контурами, какие обычно рисовали на посмертных масках мумий и на деревянных надгробиях.

Автор фото, Courtesy Two Temple PlaceMacclesfield Museum

Это зеркальце из медного сплава изготовлено во II тысячелетии до нашей эры; его ручка сделана из камня и выточена в форме стебля папируса

Впрочем, древнеегипетская любовь к косметике и украшениям является загадкой для современных археологов.

С одной стороны, возможно, что древние египтяне действительно чрезмерно увлекались всем поверхностным и внешним, как и мы сегодня. Возможно, они даже заложили представление о красоте, служащее нам идеалом и по сей день.

С другой стороны, есть риск, что мы проектируем свои нарциссические ценности на принципиально иную культуру. Может ли быть, что косметические артефакты Древнего Египта были важны для своих владельцев и по другим причинам, кроме простого желания быть привлекательными?

Практическая сексапильность

Именно так сейчас думают многие археологи. Например, вспомним насурьмленные глаза древних египтян — вдохновение для современной техники макияжа «Смоуки айз». Последние научные исследования показывают, что токсичный свинцовистый минерал в основе сурьмы, наверное, имел антибактериальные свойства, когда смешивался с глазной влагой.

К тому же, густой макияж глаз частично отражал ослепительный солнечный свет. Иначе говоря, существовали простые, практические причины, почему древние египтяне и египтянки красили глаза.

То же самое можно сказать и о других «модных традициях». Парики сдерживали распространение вшей. Ювелирные изделия имели мощный символический и религиозный смысл.

На выставке «За гранью красоты» экспонируется статуэтка из огнеупорной глины, найденная на раскопках в городе Абидоса в Верхнем Египте, — танцовщица, исполняющая эротический танец. Она украшена насечками, которые символизируют татуировки. Конечно, татуировки в Древнем Египте имели декоративную функцию.

Автор фото, Two Temple PlaceMacclesfield Museum

Лицо с расписных саркофагов имеет густо насурьмленные глаза — но макияж древних египтян имел не только эстетическую, но и практическую функцию

Впрочем, возможно, что в этих узорах видели и защитное средство. Есть данные о том, что в эпоху Нового царства танцовщицы и проститутки наносили на бедра татуировки карликового божества Беса, которые должны были защитить их от зла и сглаза, а также от венерических заболеваний.

«Чем больше я пытаюсь понять, что считали «красотой» сами египтяне, тем больше запутываюсь, — говорит египтолог Джойс Тилдесли. — Похоже, что у всего было двойное назначение. Когда мы говорим о Древнем Египте, я не уверена, что «красота» — это правильный термин».

Еще больше усложняют дело поразительные исключения из общего правила, согласно которому благородные древние египтяне изображались стереотипно «прекрасными».

Вспомним скульптурные изображения фараона Среднего царства Сенусерта ІІІ. Хотя его обнаженный торс атлетический и молодой, — то есть идеализированный, по традиции, — его лицо — изможденное заботами и изрезанное морщинами. Кроме того, у него комично большие уши, по крайней мере на современный взгляд — вряд ли они соответствуют идеалу мужской красоты.

Впрочем, древним египтянам это вряд ли казалось смешным. «В Древнем царстве цари были богами, — объясняет Тилдесли, которая занимает должность доцента в Манчестерском университете. — Но в эпоху Среднего царства царя (такого как Сенусерт) уже понимали, что дела могут идти плохо, поэтому их лица несколько озабочены».

Автор фото, Two Temple PlaceIpswich Museum

В этих косметических баночках сохранялась сурьма, которой египтяне подводили глаза, — возможно, чтобы в них попадало меньше солнечного света

«Большие уши говорят о том, что этот царь прислушивался к своему народу, — добавляет она. — Было бы неправильно воспринимать эту скульптуру буквально и считать, что именно так он и выглядел».

Царица Нила

Почему же тогда мы упорно связываем древний Египет с красотой и блеском? «Египетская цивилизация все равно кажется нам очень привлекательной», — соглашается г-жа Тилдесли, которая считает, что это наследство двух знаменитых египетских цариц: Клеопатры и Нефертити.

Клеопатра считалась образцом красоты еще с античных времен, после завоевания Египта римлянами. А в 1912 году был найден знаменитый раскрашенный бюст Нефертити, ныне хранящийся в Берлинском египетском музее и выведший малоизвестную жену фараона Эхнатона на место «пин-ап модели» Древнего мира.

Впрочем, г-жа Тилдесли, автор биографии Клеопатры, которая и сейчас собирает материал для книги о Нефертити, видит определенную иронию в том, что эти две египетские царицы по сей день воспринимаются как секс-символы.

Во-первых, объясняет она, «Клеопатра дала нам представление, что все древние египтянки были прекрасны, но нам действительно очень мало известно о ее подлинной внешности».

На монетах с изображением, рассказывает Тилдесли, «у Клеопатры большой нос, выступающий подбородок и морщины — а это совсем не то, что большинство людей назвало бы признаками красоты. Можно возразить, что это был сознательный имидж для монет, где она хотела казаться суровой и не особенно женственной. Но даже Плутарх — который тоже никогда не видел ее живьем — пишет, что ее красота была в живости и в голосе, а не в чертах лица. Тем не менее, мы запомнили, что она красавица, похожая на воплотившую ее образ актрису Элизабет Тейлор. Думаю, на нас больше повлияли наши представления о Клеопатре, чем она сама».

Автор фото, 20th Century Fox

Представление о красоте древних египтян связано преимущественно с образом Клеопатры, чьи чары заворожили Цезаря — Элизабет Тейлор не стала разрушать это представление

Что касается Нефертити, г-жа Тилдесли объясняет, что ее бюст нетипичен для древнеегипетского искусства: «Это очень необычная статуя. Она покрыта слоем гипсовой штукатурки и ярко разрисована — другие художественные изделия, которые до нас дошли, более стереотипны и не так подробно передают характер персонажа».

Кроме того, слава этого бюста сильно связана с тем периодом времени, когда он впервые был выставлен в Берлине. В 1923 году «египтомания» витала в воздухе — ведь годом раньше была найдена гробница Тутанхамона; к тому же, заостренные, почти геометрические черты лица Нефертити были созвучны с тогдашними вкусами. «Она выглядела очень современно, в духе ар-деко, — говорит Тилдесли. — Поэтому она всем понравилась. Трудно найти человека, который бы не считал Нефертити красивой».

Еще одна причина того, что царица быстро стала звездой, — распространение влияния средств массовой информации в 1920-е годы. «На сотню лет раньше, без кино и почти без газет, этого бы не произошло, — добавляет Тилдесли. — Нефертити отправилась бы в музей без всех этих восторженных возгласов».

Автор фото, Philip PikartWikipediaCC BYSA 3.0

Бюст Нефертити был найден в 1912 году, и царица мгновенно стала секс-символом Древнего мира

Она делает паузу. «Возможно, тот факт, что ее выставили в Берлине и назвали грандиозной находкой, повлиял и на наше восприятие. В конце концов, как известно, красота рождается в глазах смотрящего».

Как Тутанхамон вышел из гробницы, свел человечество с ума, начал Вторую мировую, объездил весь мир и вернулся домой – Weekend – Коммерсантъ

В начале осени произошло историческое событие, которое почти никто не заметил: сокровища из гробницы Тутанхамона, преждевременно завершив мировое турне, вернулись на родину — по всей видимости, навсегда. Гастроли выставки «Тутанхамон: сокровища золотого фараона», включавшей 150 предметов, 60 из которых никогда прежде не покидали Египет, должны были продлиться до конца 2021 года, после чего все экспонаты планировалось навсегда поместить в специально отстроенный для них музей. Планы нарушила пандемия, заставшая гастроли в середине пути — в лондонской галерее Saatchi, которая в результате и стала последним пунктом программы. Сейчас все экспонаты возвращены в Египет, где будут ждать открытия Большого Египетского музея, тоже перенесенного из-за коронавируса. Тихий и незаметный конец последнего мирового турне Тутанхамона — событие, не лишенное иронии: когда-то именно Тутанхамон познакомил музеи с жанром выставки-блокбастера. На протяжении всего XX века, с момента открытия его гробницы в 1922 году, Тутанхамон был предметом массового помешательства: он задавал моду, начинал войны и революции, ссорил и мирил государства, дарил славу и грозил проклятьем. К завершению его земных странствий составили летопись приключений Тутанхамона в загробном мире

Текст: Никита Солдатов

Как Тутанхамон вышел из гробницы и поразил мир

Говард Картер у саркофага Тутанхамона, 1925

Фото: Apic/Getty Images

«При нынешнем состоянии наших знаний мы можем с уверенностью сказать, что единственным примечательным событием его жизни было то, что он умер и был похоронен»,— писал в 1923 году о фараоне Тутанхамоне археолог Говард Картер. Тутанхамон стал правителем Египта в 1335 году до нашей эры, когда ему было всего девять. За десять лет у власти он не совершил ничего достойного учебников истории и умер в 19, не оставив наследников. Его похоронили в Долине царей, некрополе египетских фараонов, в самой маленькой гробнице. Верящие в загробную жизнь египтяне доверху заполнили гробницу всем необходимым, включая семена арбуза и миндаль, сандалии, ткани, музыкальные трубы, разобранную колесницу, лук со стрелами, весла, чтобы плавать по рекам подземного мира, набедренные повязки, золотой трон и многочисленные драгоценности. Все это действительно пригодилось Тутанхамону, когда спустя почти три с половиной тысячи лет началась его настоящая загробная жизнь.

Своей славой Тутанхамон обязан Говарду Картеру. Картер был одиннадцатым ребенком в семье газетного иллюстратора и с детства обожал Египет. Соответствующего образования отец ему дать не мог, зато научил рисовать. Художественный талант юноши привлек лондонского мецената, владевшего коллекцией египетских древностей. В 1891 году он помог семнадцатилетнему Картеру устроиться рисовальщиком на раскопки в Египет: учась на практике у главных археологов мира, Картер не только восполнил пробелы в образовании, но вскоре и сам стал одним из главных специалистов по Древнему Египту. На протяжении шести лет он даже работал инспектором памятников в Службе древностей, департаменте при египетском Минкульте, отвечающем за археологические находки. В 1907 году, уйдя со службы, Картер познакомился с 40-летним лордом Карнарвоном — одним из самых богатых людей Великобритании, в чьем замке Хайклер в Беркшире впоследствии будут снимать «Аббатство Даунтон». В Египет Карнарвон приехал по рекомендации врачей — в 1901 году он, заядлый автомобилист, попал в аварию, и холодный климат Великобритании не способствовал восстановлению после травм. Поправляя здоровье, Карнарвон заинтересовался археологией и даже начал свои раскопки, но за пару лет нашел только древнюю мумию кошки. Не добившись быстрого результата, но по-прежнему увлеченный идеей раскопать сокровища фараонов, Карнарвон решил воспользоваться помощью специалиста и нанял Картера, который убедил его, что сдаваться не надо.

К этому времени Долина царей считалась уже изученной вдоль и поперек. Начал копать там еще Наполеон, в конце XVIII века завезший в Египет французских археологов. Вскоре обнаружилось, что почти все гробницы — и фараонов, и обычных египтян — были разграблены еще в древности. Те немногие драгоценности, амулеты, мебель, папирусы и, конечно, мумии, которые сохранились с древних времен, к началу XX века были раскопаны либо учеными, либо новыми мародерами. Однако Картер был уверен, что где-то в Долине царей еще лежит нетронутой гробница загадочного фараона Тутанхамона, от которого в истории осталось практически одно имя. На это указывали найденные им фаянсовая чаша, кусок золотой фольги и тайник с погребальными предметами, которые носили имя Тутанхамона. Предъявив свои находки и соображения Карнарвону, он убедил его начать новые раскопки.

За следующие 15 лет Картер раскопал 13 кувшинов из кальцита и две хижины древних строителей, работавших на другой гробнице. В 1921 году Карнарвон, давно вылечившийся от последствий аварии и уже почти перебравшийся обратно в Англию, твердо решил прекратить убыточную миссию, однако Картер убедил его остаться еще на один сезон.

В ноябре 1922 года, через три дня после начала нового сезона раскопок, нанятый Картером мальчик-водонос, снимая глиняные кувшины с осла, обнаружил в песке ступеньку. Спустя еще месяц Картер уже заглядывал через дырку в стене в шестьдесят шестую по счету гробницу в Долине царей, принадлежавшую тому самому Тутанхамону: «Детали комнаты медленно выходили из темноты… странные животные, статуи и золото — везде блеск золота». Картер и Карнарвон тут же созвали пресс-конференцию, где объявили о главном открытии в истории археологии — обнаружении единственной неразграбленной гробницы египетского фараона, сохранившейся в первозданном виде. Оказалось, что хижины древнеегипетских рабочих, которые обнаружил Картер, развалившись, когда-то прикрыли собой гробницу и таким образом защитили ее от грабителей. С фараоном поважнее такой халатности не допустили бы, другое дело Тутанхамон. Прижизненная заурядность принесла ему звание самого известного фараона в истории.

Новость о небывалом открытии разлетелась по миру, и в Египет хлынули туристы. Ждать появления самого фараона пришлось еще полтора года. Картер скрупулезно очищал, фотографировал, описывал, каталогизировал все, что было в гробнице: «Это было как игра в бирюльки, как вынести одну вещь, не задев другую и не повалив все в кучу. Настоящий кошмар». Кульминация наступила 28 октября 1925 года, когда Картер наконец добрался до инкрустированного бирюзой золотого саркофага, в котором лежала мумия Тутанхамона в погребальной маске из чистого золота. Ничего подобного прежде археологи не находили. Изучив мумию, они объявили, что Тутанхамон умер совсем молодым и что в его теле были обнаружены множественные травмы. Хотя ученые до сих спорят о точной причине смерти фараона, тогда новости были восприняты однозначно, и в массовом сознании юный покалеченный фараон в бинтах стал ассоциироваться с не вернувшимися с войны солдатами. Как писала об этом The New York Times: «Когда перевязанные с такой нежностью останки выносили на носилках из гробницы, они напоминали мертвых солдат, выносимых из окопов».

Молодого фараона мир встречал и как героя, и как жертву, и как новую звезду. Единственным, кто не смог насладиться триумфом Тутанхамона, оказался лорд Карнарвон: спустя несколько месяцев после открытия гробницы он умер от воспаления легких, развившегося на фоне заражения крови, вызванного укусом комара.

Как Тутанхамон стал жертвой папарацци и всех проклял

The New York Times, 17 февраля 1923

Фото: New York Times

Незадолго до смерти лорд Карнарвон успел совершить сделку, сыгравшую роковую роль в посмертной судьбе Тутанхамона. В 1922 году из-за недостатка средств для продолжения раскопок он продал первый в истории эксклюзив, передав газете The Times за £250 тыс. по нынешнему курсу исключительный доступ к новостям и фотографиям с раскопок, а также право за деньги снабжать остальную прессу этими материалами. Это раззадорило публику и разозлило конкурентов, готовых скорее потратиться на командировки корреспондентов, чем заплатить The Times. В Египет со всего мира бросились газетчики в надежде урвать собственный эксклюзив.

Наплыв людей был такой, что между Долиной царей и Каиром в срочном порядке пришлось построить три новые телеграфные линии, местную станцию скорой помощи переформатировали под пресс-центр, а в двух крупнейших в районе гостиницах выставили в саду палатки и армейские койки для тех, кому не хватило мест в номерах. Картер писал в дневнике: «Журналисты сидят вокруг нас целыми днями, болтают, фотографируют гробницу и друг друга и страшно надеются что-нибудь увидеть. Я очень боюсь, как бы стены не обрушились и эта толпа не грохнулась в гробницу».

Новостей, чтобы прокормить такую ораву журналистов, раскопки предоставляли недостаточно (да и те принадлежали The Times), и довольно быстро от освещения события века газеты перешли к его оценке. «Только представьте,— писала London Times,— что году, скажем, в 5923-м гробницу королевы Виктории захватили иностранцы, разграбили содержимое и вытащили тело монархини всем на обозрение. Понравилось бы нам такое?» Ответ давала The New York Times: «Никому больше не приходит в голову бояться осквернения могил. Наука, упразднившая Всевышнего и наделившая атом всеведением, ставит себе отвратительные цели и с легкостью их достигает». Беспокойство относительно того, не навлекло ли человечество на себя беду, вторгшись во владения фараона, быстро распространялось. Автор приключенческих романов Генри Райдер Хаггард предложил собрать все древнеегипетские мумии внутри Великой пирамиды в Гизе и от греха подальше залить бетоном. Лорд Карнарвон в интервью The Times заявлял, что он тоже против того, чтобы мумии выставлялись под стеклом в музеях, «удовлетворяя чей-то больной интерес». Именно Карнарвону, однако, предстояло перевести панику на новый уровень: когда спустя несколько месяцев он умер, журналисты в один голос заявили, что это месть мумии за кощунственные раскопки.

Миф о проклятии мумии не был новым: к этому времени он уже давно кочевал по готическим страшилкам, впервые появившись в 1828 году в романе Джейн Лаудон «Мумия!». Однажды Лаудон посетила модную в высшем лондонском свете забаву — сеанс разворачивания мумии (с привезенной из Египта мумии прилюдно один за другим снимали бинты), и под впечатлением от увиденного, а также от вышедшего незадолго до этого «Франкенштейна», написала первый роман, в котором древнеегипетский покойник был представлен в роли злобного ходячего мертвеца, проклинающего потревоживших его покой. На протяжении следующих ста лет проклятие мумии обитало в художественной литературе, но с открытием гробницы Тутанхамона превратилось в настоящую городскую легенду.

Не последнюю роль в этом сыграла Мария Корелли — самая читаемая английская писательница рубежа веков. Хотя критики называли ее «посредственностью с воображением Эдгара По и талантом детской няни», незамысловатые мистические романы Корелли о сделках с дьяволом и реинкарнации издавались тиражом большим, чем Киплинг, Конан Дойль и Уэллс, вместе взятые. Когда после смерти Карнарвона Корелли в интервью заявила журналистам, что лично предупреждала его о проклятии мумии, новость перепечатали все (хотя древнеегипетскую книгу, в которой Корелли якобы вычитала о проклятии, так никому найти и не удалось).

После интервью Корелли в газетах началась настоящая битва экстрасенсов: выяснилось, что только ленивый не предупреждал Карнарвона об опасности. Один самопровозглашенный некромант винил Картера в том, что он уничтожил глиняную табличку на входе в гробницу с предупреждением, что «смерть на быстрых крыльях придет к каждому, кто потревожит фараона». Знаменитый последователь спиритуализма Артур Конан Дойль, напротив, говорил, что виноваты не неаккуратные люди, а злые духи: «О силах древних египтян ходит множество легенд, и я не стал бы дурачиться с их могилами. А утверждать, что злые духи не существуют только потому, что они не убивают всех подряд, такая же глупость, как утверждать, что бульдоги не существуют потому, что они не кусают всех подряд». Общей истерии поддался даже сын покойного Карнарвона, который заявил, что в ту самую секунду, когда умер его отец, во всем Каире погас свет, а в замке Хайклер в Беркшире умер любимый терьер Карнарвона Сьюзи.

Уверения египтологов, что проклятия не были распространены в Древнем Египте, не работали. На проклятие Тутанхамона уже сваливали все подряд, от гибели туриста, сбитого такси в Каире, до смерти 80-летнего египтолога из Лувра, никакого отношения к Тутанхамону не имевшего. В Великобритании смерть Карнарвона вызвала панику среди коллекционеров египетских древностей, которые, боясь проклятия, стали отправлять в Британский музей все предметы египетской старины. В Америке один политик призвал проверить все местные музеи на наличие проклятых мумий. Как отличить проклятую мумию от непроклятой, не сообщалось.

Говард Картер объяснял всеобщее помешательство скукой: «После Первой мировой люди так устали от однообразных новостей о репарациях, конференциях и мандатах, что готовы были поверить в любую увлекательную чушь». Самого Картера, впрочем, ажиотаж вокруг проклятия прославил не меньше, чем Тутанхамона. Почти как Индиана Джонс, он получал мешки писем от поклонников со всего мира и ездил с лекциями по Европе и Америке, собирая огромные залы вроде Ковент-Гардена, куда было не достать билетов. Журнал Art And Archeology с гордостью писал, что благодаря Картеру «археология стала вызывать такой же ажиотаж, как бейсбол, международная политика и загадочные убийства».

Как Тутанхамон стал символом новой роскоши, съездил в Голливуд и поучаствовал в начале Второй мировой

Говард Картер с объектами из гробницы, 1920-е

Фото: Alamy/ТАСС

«Тутанхамон, хотя и мертв, царствует над нами прямо сейчас. От имени Тутанхамона не спрятаться нигде. Его кричат на улицах, шепчут в отелях, с ним засыпают и просыпаются. В магазинах продают пепельницы с Тутанхамоном, шляпы с Тутанхамоном и фотографии с Тутанхамоном, а скоро, вероятно, будут продаваться и настоящие сокровища Тутанхамона»,— писала еще в 1923 году The New York Times. Тутанхамон оказался героем нового времени — ревущих 1920-х с их демонстративным потреблением и культом роскоши. Молодой, окруженный богатством, не уступающий по известности даже кайзеру Вильгельму и Генри Форду, Тутанхамон, как великий Гэтсби, при этом оставался загадкой: среди найденных в его гробнице сокровищ — почти 6 тыс. предметов — не оказалось ни одного документа, проливающего свет на личность и судьбу фараона. О Тутанхамоне слышали все, но никто ничего о нем не знал, что делало его идеальным объектом для разнообразных сплетен — и одновременно пустой оболочкой, которую можно заполнить чем угодно.

Картера заваливали предложениями о сотрудничестве со всех сторон: кинопродюсеры просили сценарий фильма, дизайнеры — эскизы фараоновых туфель, а повара, уверенные, что мумии делали не только из людей, но и продуктов,— рецепты мумификации мяса и овощей. В продаже появились лимоны фирмы «Король Тут», пудра «Королева Нила» и книга предсказаний Тутанхамона. Shell рекламировала изображением Тутанхамона бензин, Singer — швейные машинки, а табачная компания W.D. & H.O. Wills — сигареты. В Нью-Йорке танцевали тутанхамонский фокстрот под джазовый хит «Old King Tut», а в Лондоне всерьез обсуждали переименование ветки метро в честь Тутанхамона. Говорят, даже были попытки зарегистрировать имя Тутанхамона как товарный знак, но безуспешные.

Во многом на волне этой египтомании сформировался стиль ар-деко: Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств 1925 года (от сокращенного названия которой — Arts Decoratifs — и получил свое название стиль ар-деко) сплошь была уставлена вариациями на египетские темы. Оттуда наследие Тутанхамона в виде скарабеев, иероглифов, лотосов, змей и пирамид перекочевало в костюмы Эрте и Бакста, лампы Джакометти, броши Картье, на фасады Крайслер-Билдинг и кинотеатров по всему миру.

Когда кинотеатры начали превращаться в древнеегипетские храмы с папирусами на колоннах и фигурами богов с головами животных, на Тутанхамона обратил внимание Голливуд. Первый фильм о Тутанхамоне задумал еще лорд Карнарвон. Вместе со студией MGM он готовил настоящий блокбастер, где показали бы и торжественное погребение Тутанхамона в древности, и не менее торжественное открытие гробницы уже в XX веке. Продюсеры были уверены, что фильм станет самым прибыльным в истории, но смерть Карнарвона разрушила планы. Без Тутанхамона Голливуд, впрочем, не остался: в том же 1923 году вышли фильмы о мошеннике, спрятавшемся в саркофаге Тутанхамона, которого приняли за мумию и пытались оживить электричеством («О, Мумия!»), о страстном романе будущей жены Тутанхамона («Танцовщица Нила») и, кончено, о проклятии Тутанхамона («Восьмая жена Тутанхамона»). Закрыл тему фильм «Мумия» (1932), снятый по сценарию бывшего журналиста Джона Балдерстона, ездившего на открытие гробницы Тутанхамона и с тех пор уже поработавшего над сценариями «Дракулы» и «Франкенштейна». Вместо Тутанхамона в фильме зверствует оживший жрец Имхотеп, но отсылки к Тутанхамону остались: первой жертвой проклятия мумии тоже становится британский лорд, ее откопавший.

Финальный аккорд первой волны тутомании прозвучал по радио. В 1939 году журналист BBC, один из пионеров радиодокументалистики и египтолог-любитель Рекс Китинг предложил руководству Египетского музея в Каире устроить радиотрансляцию игры на 3000-летних трубах из гробницы Тутанхамона: «Только так мы сможем вдохнуть жизнь в мертвые кости и, преодолев границы времени, по-настоящему ощутить себя в Древнем Египте». Удивительно, но в музее безумную затею поддержали — вероятно, рассчитывая привлечь туристов. Чтобы послушать, как британский трубач Джеймс Тапперн играет по очереди на двух военных трубах Тутанхамона, радиоприемники 19 апреля 1939 года включили 150 миллионов человек.

Джеймс Тапперн играет на трубах Тутанхамона, 1939

Фото: BBC

Возможно, концерт придал бы новый импульс и без того не сдававшей позиций тутомании, но началась Вторая мировая война. В ней, разумеется, тоже обвинили Тутанхамона, а точнее — Рекса Китинга, решившегося осквернить фараоновские трубы и навлекшего на человечество очередное проклятие. Впоследствии будут говорить, что в эти же трубы дули и в 1967-м перед Шестидневной войной, и в 1990-м перед войной в Персидском заливе, и в 2011-м перед «арабской весной».

Как Тутанхамон оказался жертвой заговора, отправился в мировое турне и наладил отношения США и Египта

Очередь на выставку «Сокровища Тутанхамона» в Национальной галерее Вашингтона, 1976

Фото: National Gallery of Art, Washington, Gallery Archives

«Это в пределах нормы,— говорил профессор анатомии Рональд Харрисон в 1969 году, указывая на небольшое пятно на рентгеновском снимке черепа Тутанхамона.— Однако это может быть и кровоизлияние, причиной которого мог быть удар по затылку, что, в свою очередь, могло привести к смерти». В эпизоде «Тутанхамон: посмертный снимок» популярного документального сериала BBC «Хроники», запущенного Дэвидом Аттенборо, Харрисон делился результатами нового исследования мумии. Тогда впервые с середины 1920-х британские ученые получили доступ к Тутанхамону, провели внешний осмотр и сделали рентгеновские снимки. Ничего интересного на них ученые не увидели, в отличие от 1,5 млн зрителей BBC, пораженных новостью: Тутанхамона могли убить. Харрисон потом пытался объясниться: «Убийство крайне маловероятно, мгновенная смерть после такой травмы точно не наступит, вряд ли кто рискнул бы пытаться убить фараона таким ненадежным способом. Я склоняюсь к теории, что врожденная аневризма прикончила Тутанхамона». Но больше его не слушали: газеты по всему миру уже писали о том, что фараона убили предатели, затеявшие военный переворот. Интерес к юноше-фараону вспыхнул с новой силой, но на этот раз правительство Египта решило не пускать прибыльное дело на самотек: вместо того чтобы ждать в гости туристов, оно отправило фараона на гастроли. Сокровища, обнаруженные в гробнице Тутанхамона, с середины 1920-х так и хранились в Египетском музее Каира и почти не выставлялись за его пределами. Поэтому выставка с 50 объектами из гробницы должна была произвести фурор — тем более что среди них была и знаменитая золотая погребальная маска Тутанхамона.

Первым пунктом гастролей стал Лондон. В 1972 году, к 50-летию открытия гробницы, в Британском музее открылась выставка «Сокровища Тутанхамона» — открыла ее лично Елизавета II. За полгода посмотреть ее пришло более полутора миллионов человек. Репортеры со всего мира отмечали прежде невиданную вещь: очереди в музей. И это при том, что работал он с 9 утра до 10 вечера без выходных, чего не было ни до, ни после. Та же история повторилась на следующий год во время гастролей по СССР, где выставка была показана в трех крупнейших музеях: Пушкинском (с декабря 1973-го по май 1974-го), Эрмитаже (с июля по октябрь 1974-го) и Государственном музее изобразительного искусства в Киеве (до весны 1975-го). Часы работы музеев были продлены, выходные отменены, но это не помогло избежать многочасовых очередей, тем более что для советского человека, ограниченного в своих перемещениях по миру, Египет был куда большей экзотикой, чем для среднестатистического британца. Сообщения о предстоящей выставке вызвали неоднозначную реакцию в советской прессе, вплоть до опасений, что памятники из гробницы могут содержать вредные микробы и привести к эпидемии в Советском Союзе. Не обошлось и без дурных предзнаменований: в тот момент, когда упаковка экспонатов для отправки в СССР была почти завершена, началась война Судного дня — Каир оказался на военном положении, а выставку пришлось перенести. Эта же война, однако, обеспечила Тутанхамону и его сокровищам еще один пункт назначения, где его слава достигнет апогея.

Директоры двух главных американских музеев — Национальной галереи в Вашингтоне и Метрополитен-музея в Нью-Йорке — несколько раз пытались договориться об отправке «Сокровищ Тутанхамона» в США, но в Египте вести дела с американцами отказывались. Виной была политика: в 1967 году, после поражения в Шестидневной войне, Египет разорвал дипломатические отношения с США, выступавшими союзниками израильтян, и американское посольство в Каире было закрыто. Во время войны Судного дня американские дипломаты вернулись в Каир, чтобы выступить посредниками в мирных переговорах. В составе делегации был и госсекретарь Генри Киссинджер, которому удалось не только договориться о перемирии, но и подружиться с президентом Египта Анваром Садатом. Садат был недоволен Советским Союзом, не поддержавшим его должным образом в конфликте с Израилем, и был готов наладить отношения с США. На следующий год укреплять новую дружбу в Египет отправился уже сам президент Ричард Никсон. В Египте Никсона — погрязшего в Уотергейтском скандале и растерявшего на родине поддержку (до его отставки оставалась пара месяцев) — встречали как героя: толпа скандировала: «Да здравствует Никсон!», а Садат официально заявлял, что импичмент американского президента станет настоящей трагедией. По законам дипломатии новый этап в отношениях между странами полагалось скреплять подписанием какого-нибудь договора: желательно, как говорили американские дипломаты, такого, который не вызовет споров и в честь которого можно устроить прием. Тут-то и пригодилась выставка Тутанхамона: Никсон с Садатом подписали договор об американском туре «Сокровищ» с посещением большего количества городов, чем во время тура по СССР.

Директор Музея Метрополитен Томас Ховинг, которому поручили заняться выставкой, был уже не слишком рад: «Когда в офисе Киссинджера нам сообщили, что к нам могут привезти Тутанхамона и мы обязаны гарантировать его безопасность, мы испугались ответственности и были готовы отказаться. Тогда Киссинджер лично сказал, что выставка является жизненно важной для ближневосточного мирного процесса и будущих отношений с Египтом — и если Метрополитен со всеми своими ресурсами не станет главным организатором, федеральное правительство будет „обеспокоено»». Беспокойство правительства грозило отказом в грантах, и Ховинг согласился.

Ожидая не меньшего наплыва посетителей, чем в Великобритании и СССР, Ховинг подошел к подготовке со всей серьезностью и даже отправил сотрудников в Диснейленд учиться работать с толпой. От очередей, растянувшихся на несколько кварталов, это, конечно, не спасло. The New York Times писала о женщине, мужу которой стало плохо, когда они уже почти отстояли очередь: сесть с супругом в машину скорой она согласилась только тогда, когда сотрудники музей пообещали, что второй раз им стоять в очереди не придется. Билеты на Тутанхамона достать было сложнее, чем когда-то на Элвиса: спрос был такой, что спекулянты перепродавали двухдолларовые билеты по $45, а в VIP-очередь в музей выстраивались Шер, Энди Уорхол, Элизабет Тейлор и жены бывших и будущих президентов. Associated Press писало, что «поход на Тутанхамона — теперь главный показатель статуса, даже больше, чем секс», а The New York Times — что «египетская лихорадка распространяется быстрее, чем азиатский грипп». Сувенирные магазины выручали на Тутанхамоне в среднем по $100 тыс. в неделю — и это только в музеях. Как и в 1920-х, Тутанхамон стал появляться везде — от мебели и обоев до спальных мешков и нижнего белья. Комик Стив Мартин даже записал пародийную песню о том, как «юный фараон принес себя в жертву туризму»,— и продал более миллиона пластинок.

Элизабет Тейлор с мужем, сенатором Джоном Уорнером, на выставке «Сокровища Тутанхамона», 1977

Фото: National Gallery of Art, Washington, Gallery Archives

Тутанхамон привел в музей людей, которые никогда туда не ходили (по опросам, 25% посетителей выставки побывали в музее впервые), и, по словам самого Ховинга, превратил его из «переполненного склада для возвышенных любителей искусства» в модное место. Впредь, чтобы поддерживать этот статус, музеи по всему миру станут делать ставку на выставки-блокбастеры: те же «Сокровища Тутанхамона» принесли в бюджет Нью-Йорка $111 млн, потраченных посетителями на отели, рестораны, сувениры и транспорт.

Египет тоже заработал на выставке, получая большую часть прибыли от продаж в музейных магазинах — только из Метрополитена в Египет уехало около $5 млн, а в США Тутанхамон побывал еще в пяти музеях. После такого успеха выставка каталась по миру еще несколько лет — до 1981 года, когда Анвар Садат стал жертвой военного переворота. Говорят, выстреливший в Садата солдат крикнул: «Я убил фараона!» Впоследствии Тутанхамона еще не раз вспомнят во время восстаний.

Как Тутанхамон стал национальным героем и навсегда вернулся на родину

Обложка книги «Стены свободы: уличное искусство Египетской революции», 2014

Фото: From Here to Fame Publishing

Споры о том, кому — только Египту или всему миру — принадлежат сокровища фараонов, начались еще в 1922 году. Открытие гробницы Тутанхамона совпало с провозглашением независимости Египта от Великобритании. Хотя де-факто страна будет находиться под британским контролем вплоть до окончания Второй мировой, египтяне уже тогда принялись защищать свои национальные интересы, начав как раз с археологических памятников. Прежде по закону иностранные археологи могли оставить себе половину всего найденного на территории Египта, кроме самих мумий и саркофагов. Когда появились первые новости об открытии гробницы Тутанхамона, стало понятно, что закон нужно менять. Еще до официального открытия гробницы стали распространяться слухи, что Картер с Карнарвоном на трех самолетах втайне уже переправили чуть ли не все сокровища и планируют похитить даже мумию. После открытия гробницы слухи были развеяны, но египтяне уже были настроены против археологов. Одни считали, что погребенных царей вообще нельзя трогать: гробницу следует запереть, а мумию оставить в покое. Другие — что сокровища надо выставить перед всем народом в Египетском музее. И те и другие, впрочем, были против того, чтобы делиться сокровищами с «оккупантами».

На фоне роста националистических настроений в Египте зародился фараонизм. Последователи этой идеологии вдохновлялись доисламским Египтом и пропагандировали египетский ренессанс, возрождающий Древний Египет. Тутанхамон играл здесь не последнюю роль: идеологи фараонизма сравнивали его пробуждение с пробуждением Египта от многолетнего сна, а его изображение даже появилось на египетских банкнотах. На этом фоне заявления Картера, что сокровища Тутанхамона принадлежат не Египту, а всему человечеству, встречались враждебно и не способствовали взаимопониманию.

В 1923 году отношения между египетскими властями и британским археологом окончательно испортились. Началось все с того, что Картеру запретили провести частную экскурсию по гробнице до ее официального открытия, то есть до того, как ее смогут посетить египтяне. Возмущенный Картер устроил забастовку: закрыл гробницу, остановил раскопки и уехал в Англию. Египтяне в ответ поменяли на гробнице замки и запретили Картеру въезд в страну. В марте 1924 года премьер-министр Египта Саад Заглул официально открыл гробницу Тутанхамона для египетской публики. Торжественная церемония вылилась в антибританскую демонстрацию, а сам Тутанхамон мгновенно стал символом египетских националистов. Пошли слухи, что в гробнице нашли папирусы с новой — взрывоопасной — информацией об исходе евреев из Египта. Картер прекрасно знал, что никаких секретных папирусов не существует, но пригрозил опубликовать их, если его не впустят обратно в страну. Шантаж вернуться в Египет ему не помог, зато помогли обстоятельства.

19 ноября 1924 года сэр Ли Стек, британский командующий египетской армией и генерал-губернатор Судана, был застрелен на улицах Каира группой террористов. Британия ввела войска, правительство Заглула ушло в отставку, а на его место был посажен пробританский политик и старый друг Картера Ахмад Зивар. Зивар разрешил Картеру вернуться в Египет, но с условием, что работы на раскопках будут носить исключительно научный характер и ни о каком вывозе сокровищ Тутанхамона из страны не может быть и речи. Сокровища, за исключением мелких объектов, вывезенных контрабандой, остались в Египте, но вопрос о том, кому они принадлежат, закрыт не был.

Когда в 1976–1979 годах в США гастролировала выставка «Сокровища Тутанхамона», афроамериканский журнал Sepia жаловался: «Большинство зрителей, которые часами ждут возможности взглянуть с восхищением на бесценную коллекцию, не осознают, что Тутанхамон был черным!» Борцы за права чернокожих ругали организаторов выставки, которые сознательно «украли их героя», скрыв от публики информацию о расе фараона. В ответ американские ультраправые группировки стали заявлять, что Тутанхамон был белым (основываясь на информации о мумии из соседней гробницы). Так начался многолетний спор о расе знаменитого фараона. В начале 2000-х годов японский египтолог Сакудзи Ёсимура решил положить спорам конец и провести ДНК-исследование мумии Тутанхамона, но египетские власти в последний момент отказались от этой идеи. Говорят, они опасались, что Тутанхамон может оказаться евреем, что позволит Израилю претендовать на египетские земли. Так это или нет, но иностранные ученые к исследованию ДНК Тутанхамона с тех пор больше не допускались.

О Тутанхамоне как национальном герое снова вспомнили во время египетской революции 2011 года. Недовольные 30-летним правлением Хосни Мубарака, бывшего соратника президента Садата, пришедшего к власти после его убийства, протестующие рисовали по всему Каиру граффити с Тутанхамоном в маске Гая Фокса, а когда мародеры напали на каирский Египетский музей, выстроились в живую цепь вокруг него, чтобы защитить сокровища Тутанхамона.

В 2016 году министерство древностей Египта решило организовать новое турне сокровищ из гробницы Тутанхамона. Вырученные средства предполагалось направить на строительство нового Большого Египетского музея в Гизе, в который затем поместить сокровища Тутанхамона, с тем чтобы они больше никогда не покидали Египет. Музей планировалось открыть в этом году, но из-за пандемии открытие перенесли на 2021 год. Она же положила конец последнему мировому турне Тутанхамона: успев посетить Лос-Анджелес, Париж и Лондон, но так и не доехав до Австралии, он вернулся в Египет — возможно, теперь навсегда.

Читайте также:

• Приключения Конан-Дойля до и после Шерлока Холмса

Как в течение веков менялась мода на брови

Современные девушки готовы пойти на многое ради густых бровей: кто-то старательно втирает в них касторовое масло, а кто-то давно отчаялся и сделал татуаж. Если вы считаете заботу о бровях излишней, то напоминаем: вот уже несколько лет ни одна приличная девушка не выходит на улицу, не нарисовав на лице две широкие дуги. А о том, на какие жертвы ради красивых бровей шли древние красавицы, — в подборке «Газеты.Ru».

Казалось бы, мы уже видели все: бьюти-блогеры красили брови в разные цвета, сбривали их, рисовали волнистые дуги и брови-молнии. Но фантазии визажистов нет предела, поэтому в инстаграме возник очередной тренд: брови в виде рыбьего хвоста. Фотографию с макияжем, где брови разделены на две части, напоминая плавник, выложила в сеть блогер-визажист Худа Каттан. Пока девушку подозревали в том, что раздвоенную бровь она нарисовала при помощи фотошопа, преданные подписчицы уже успели повторить странный макияж. «Рыбьи» брови можно увидеть в социальных сетях по хэштэгу #fishtailbrows.

Сегодня существует огромное количество способов сделать брови выразительнее — от старого доброго карандаша, туши для бровей и до татуажа с микроблейдингом. А вот в XVIII веке был распространен миф о том, что модницы из Англии и Франции клеили себе накладные брови из мышиной кожи.

Однако если девушку, которая использовала накладные волосы, белила или вставные зубы, брали замуж, по закону этот брак могли объявить недействительным: считалось, что такая невеста очаровала жениха обманом, ложной красотой.

И все же на протяжении веков женщины прибегали к обману, чтобы быть красивыми. Если, конечно, макияж можно считать обманом.

Древний Египет

close

100%

Древнюю подводку — кохль (более распространено индийское название «кайал») — придумали египтяне. Ее делали из сурьмы, которая известна своими целебными свойствами — она защищает от бактерий и снимает раздражение. Поэтому в Древнем Египте глаза и брови сурьмой красили все, независимо от возраста или пола.

Женщины и мужчины рисовали себе длинные изогнутые брови. Считалось, что яркий макияж — это знак уважения к богу Гору, позволяющий отвадить от себя несчастья, болезни и злых духов.

Если верить древнегреческому историку Геродоту, у египтян также существовала интересная традиция, связанная с бровями и священным животным в Древнем Египте — кошкой. Историк писал, что когда в египетской семье умирала кошка, все домочадцы в знак траура сбривали брови.

Древняя Греция

В древнегреческом обществе, напротив, чернобровые красавицы популярны не были. Некоторые историки утверждают, что яркие брови считались признаком легкого поведения. Но поскольку идеалом красоты были брови, сросшиеся на переносице, незамужние девушки подкрашивали волоски смесью из козьего молока и древесной смолы или черным ладаном. Красить брови для женщин, состоящих в браке, было дурным тоном.

Древний Китай

В Китае поиски идеальной формы бровей были настоящей проблемой. При одних династиях чтили узкие и длинные брови, при других, напротив, — широкие и короткие. Например, в династии Хань женщинам, предстающим пред императором Ву, нужно было красить брови в насыщенный сине-зеленый цвет. Такой оттенок давала персидская краска индиго, которая стоила очень дорого и подчеркивала состоятельность дамы. Некоторые китайские воины ярко красили брови, чтобы казаться более устрашающими.

В эпоху династий Ци и Лян был популярен макияж под названием «бессмертный мотылек»: длинные брови тянулись к вискам, напоминая хвост мотылька.

Но такие необычные брови быстро пропали с лиц китайских красавиц, и на большинстве древних портретов вновь стали чаще изображать дам с короткими густыми бровями. Вероятно, им надоело каждое утро вставать на полчаса раньше, чтобы вырисовывать такие дуги.

Древняя Персия

У древних персов был свой культ красоты. У них тоже были идеалы, которые воспевались в литературе. Идеальная женщина выглядела так: «Ее щеки цвета гранатов, глаза — формы миндаля, губы красные, как кораллы, брови изогнуты, а зубы — белоснежны».

В реальности все было не так красочно. После заключения брака невесте специальной нитью удаляли все лишние волосы, в том числе и брови.

close

100%

Фрида Кало. Автопортрет

Этот странный обычай являлся признаком вступления во взрослую жизнь для древнеперсидской женщины. Но при династии Каджар идеалы красоты стали лояльнее к дамам, и любые женщины получили право носить густые брови и даже тонкие усы. Особо красивой считалась моно-бровь, как у мексиканской художницы Фриды Кало.

Древняя Япония

close

100%

По-своему подчеркивали брови и в Японии. С древности японцы воспевают равномерно-бледный цвет лица и черные волосы. В период Хэйан девушки выбеливали лицо порошком, губы красили красным, а брови сбривали и рисовали высоко на лбу черным цветом. Этот идеал красоты стал частью восточного стиля «шинуазри», который за пределами Японии нигде не прижился.

Пигментов сквозь века — Античность

Техника рисования

Считается, что минойцы изобрели фрески путем нанесения пигментов непосредственно на свежую известковую поверхность. Пигменты, которые они использовали, были землистыми, потому что на них не действовали щелочи.

Египетские художники покрыли известняковые стены гробниц тонким слоем штукатурки, на которой они нарисовали различные сцены. Художники использовали в основном черный, красный, желтый, коричневый, синий и зеленый пигменты.Они смешали свои краски в связующем, чтобы они приклеились к сухой штукатурке. Краски изготавливались с использованием измельченного пигмента с деснами или животным клеем, что делало их работоспособными и закрепляло их на декорируемой поверхности.

Техника энкаустики широко использовалась в Греции и Риме для станковых картин. В этой технике связующим веществом для пигмента является воск или воск и смола. Использовались воск и яйца. в Древнем Египте и Риме в качестве носителя для пигментов. Примеры энкаустических портретов гробниц из римского Египта свидетельствуют о прочности материала, который, как считается, широко использовался в древние времена.

Египетская шестицветная палитра

Палитра Меритатена из слоновой кости

Эта палитра была найдена в Сокровищнице между лап шакала, установленного на алтаре. Эта палитра, подаренная Тутанхамону принцессой Меритатон, не может быть палитрой обычного писца. Вместо этого с шестью полостями для краски это была палитра художника.

Палитра

Египтяне

Использование цвета в египетских картинах было в высшей степени символичным и строго регламентированным.Египетские художники использовали в своей палитре шесть цветов: красный, зеленый, синий, желтый, белый и черный.

Марена и индиго были известны в основном как текстильные красители, но, возможно, также использовались в форме чернил в качестве пигментов художников.

Пигменты оксида железа (красная охра, желтая охра и умбра) составляли основную палитру египетских ремесленников. Среди различных артефактов, найденных в гробнице Тутанхамона (предназначенных для сопровождения Тутанхамона в его путешествии в загробную жизнь), была небольшая коробка с краской.В коробке с краской были обнаружены порошки арипимента, красной охры и малахита.

Египтяне начали серьезное производство красок примерно с 4000 г. до н.э. Они ввели смывку пигментов для увеличения прочности и чистоты пигментов. Они также произвели новые материалы, самым известным из которых был египетский синий, сделанный около 3000 г. до н.э. Египтяне также использовали азурит и реальгар. Также были разработаны растительные красители, и египтяне первыми зафиксировали красителей на прозрачной белой порошковой основе для производства пигментов (марена, карминное озеро).Это процесс, известный как создание озера. Растворы органических красителей, экстрагированных из частей растений, смешивали с гидратированной глиной или танином для образования нерастворимого пигмента. Старые мастера использовали для этой цели мел или квасцы.

Редкая греческая настенная живопись

Могила ныряльщика, 470 г. до н.э., Пестум

Фреска из гробницы ныряльщика, датируемая 470 годом до нашей эры. Он был найден в районе Темпа дель Прете в Пестуме. Эти фрески являются единственным сохранившимся полностью сохранившимся образцом греческой настенной живописи с фигурными сценами архаического или классического периодов.Внимательный осмотр картин показывает, как работали художники. Технически они похожи на работы художников этрусских гробниц того периода. Дайвер может сослаться на момент смерти, и симпозиум, возможно, был предназначен для создания приветливой сцены, чтобы окружить мертвого человека в гробнице.

Греки

Вклад греков в живопись заключался в производстве свинцового белила, который оставался наиболее часто используемым белым пигментом, доступным художникам до XIX века.Греки также разработали использование красного свинца.

Дом Веттиев; Помпеи энкаустика живопись

Наказание Иксиона, Дом Веттиев, Помпеи

В 79 г. до н. Э. Художники Геркуланума и Помпеи расписывали большую часть своих фресок воском, используя процесс, называемый восковой эмульсией или пуническим воском. Плиний описал процесс как кипячение пчелиного воска с соленой водой и карбонатом калия, а затем отбеливание на солнце, в результате чего воск стал пастообразной консистенцией

Римлянам

Римляне использовали пигменты, разработанные египтянами и греками.Киноварь добывали в Альмадене в Испании, чтобы снабдить римлян пигментом. Он широко использовался для украшения стен в домах богатых Помпеи; Им рисовали гладиаторов и статуи, а римские женщины использовали его в качестве губной помады. Киноварь использовался в 19 веке благодаря своей яркости цвета.

Художник в Древнем Египте

Древние египетские настенные росписи позволяют заглянуть в прошлое. В гробницах задачей художника было сохранить дух умершего.Большая часть надгробного искусства, как правило, следовала последовательным правилам и имела особое значение для древних египтян.

Вид спереди и профиль, изображенный на одной человеческой фигуре, — одна из наиболее характерных черт египетского искусства. Это напоминает тот факт, что древние египтяне видели мир с точки зрения двойственности: жизнь и смерть, наводнение и засуха, добро и зло. Эти составные изображения наиболее узнаваемых частей человеческого тела были более подробными, чем реалистичная поза, и помогли ka (духу) владельца гробницы распознать его тело.

Размер имеет значение

Перспектива и статус фигур были показаны в системе полос, которая очень похожа на серию комиксов или графический роман. Использование перспективы с точкой схода не использовалось в египетском искусстве. Нижняя граница регистра была линией земли, а глубина показывалась перекрытием цифр или цифрами, расположенными одна над другой. Размер фигуры указывал на ее относительную важность на изображении. Короли изображались крупнее жизни, чтобы символизировать их богоподобные силы.Владельцы гробниц, как важнейший объект оформления, также были изображены с размахом. Напротив, жены и дети, слуги и животные были нарисованы меньше, что указывает на их меньшее значение.

Сетка

Создание точных копий фигур было критичным. Одним из способов обеспечения правильных пропорций было использование системы сетки — набора вертикальных и горизонтальных линий, нанесенных на голую стену. Эта система позволяла первоначальному рисовальщику точно копировать и увеличивать дизайн, также наложенный сеткой.Шнуры, пропитанные красными чернилами, протягивали между двумя кусками дерева, а затем прикрепляли к стене, создавая идеально прямые линии. Эти линии иногда все еще видны на недостроенных стенах.

Божественная палитра

Древние египтяне использовали цвет не только из-за его эстетической привлекательности, но и из-за его воспринимаемого значения. Используются как теплые, так и холодные цвета, что придает глубину и интерес их искусству, а также является знаками их богам. Египтяне считали, что определенные цвета были не просто символами, но наделены определенными силами или атрибутами, связанными с различными богами.В результате великая сила могла быть заключена в объекте, если он был сделан или окрашен в значимые цвета.

Пигменты, используемые для создания различных цветов, в основном состояли из минералов, которые встречаются в природе в Египте и его окрестностях. Минералы измельчали ​​в каменном растворе и смешивали в горшках с водой и клеем, таким как древесная резинка или яичный белок. Изготовленная таким образом краска получила название «темпера».

Цвета — их источник и значение

• Белый цвет был изготовлен из карбоната кальция (известь) или сульфата кальция (гипс) и равной чистоты.Также использовался кальцит (также называемый египетским алебастром).
• Желтый был сделан из охры, а яркий золотисто-желтый — из орпимента. Бледно-желтый был сделан из ярозита. Желтый использовался для изображения женской плоти, в то время как золотисто-желтый и само золото использовались для обозначения солнца и плоти богов, в частности, бога солнца Ра. Золото считалось божественным металлом, потому что оно никогда не тускнеет.
• Серебро было очень редко в Египте — оно могло быть даже дороже золота.Считалось, что из него сделаны кости богов.
• Синий был сделан из азурита (карбоната меди) и олицетворял небеса, растительность, молодость, воду и реку Нил. Цвет, известный как египетский синий, был получен из нагреваемого кварца, измельченного малахита и карбоната кальция вместе. Чем мельче зернистость, тем бледнее синий цвет.
• Зеленый цвет был создан из меди или измельчения малахита и символизировал Осириса, вечную жизнь, процветание и воскресение.Он также символизировал возрождение и плодородие, поэтому этот цвет был священным для богини Хатор и использовался для изображения плоти Нефтиды — богини возрождения.
• Красный выполнен с охрой, как и желтый. Охра дает цвет от желтого до красного и темно-коричневого, в зависимости от количества использованной воды. Также часто использовался оксид железа. Во времена Нового Королевства реалгар использовался для красного цвета, но со временем он тускнеет до желтого. Красный цвет использовался для окраски тонов мужской кожи. Он также олицетворял солнце, зло, силу, кровь и жизненную силу.
• Черный был сделан из сажи или древесного угля и означал древнее название Египта «Кемет» или «черная земля» и питаемая илом почва вокруг Нила. Черный также использовался для обозначения подземного мира и Осириса.

Древнеегипетское искусство | Мировая цивилизация

Цель обучения

• Изучите развитие египетского искусства в период Древнего царства

Ключевые моменты

• Древнеегипетское искусство включает живопись, скульптуру, архитектуру и другие виды искусства, такие как рисунки на папирусе, созданные между 3000 г. до н.э. и 100 г. н.э.
• Большая часть этого искусства была стилизована и символична. Многие из сохранившихся форм происходят из гробниц и памятников и, таким образом, сосредоточены на жизни после смерти и сохранении знаний.
• Символизм означал порядок, выраженный в регалиях фараона или в использовании определенных цветов.
• В египетском искусстве размер фигуры указывает на ее относительную важность.
• Картины часто делались на камне и изображали приятные сцены загробной жизни в гробницах.
• Древние египтяне создавали монументальные скульптуры и скульптуры меньшего размера, используя технику утопленного рельефа.
• Статуи Ка, которые должны были служить местом отдыха части души Ка, часто делались из дерева и помещались в гробницы.
• Фаянс — это спеченная кварцевая керамика с остеклованием поверхности, используемая для создания относительно дешевых небольших предметов разных цветов. Стекло изначально было предметом роскоши, но стало более распространенным и использовалось для изготовления небольших сосудов для духов и других жидкостей, которые помещались в гробницы.Из стеатита изготавливались резные вазы, амулеты, изображения божеств и животных. Керамика иногда покрывалась эмалью, особенно синего цвета.
• Папирус использовался для письма и рисования, а также для записи всех аспектов египетской жизни.
• Архитекторы тщательно спланировали здания, согласовав их с астрономически значимыми событиями, такими как солнцестояния и равноденствия. В основном они использовали обожженный на солнце сырцовый кирпич, известняк, песчаник и гранит.
• Период Амарны (1353–1336 гг. До н.э.) представляет собой перерыв в древнеегипетском художественном стиле, предметы были представлены более реалистично, а сцены включали изображение привязанности среди королевской семьи.

Условия

скарабеи

Древнеегипетский самоцвет в огранке в виде жука-скарабея.

Фаянс

Посуда керамическая глазированная.

ушабти

Древнеегипетская надгробная фигура.

Ка

Предполагаемая духовная часть отдельного человека или бога, которая выжила после смерти и могла находиться в статуе этого человека.

затопленный рельеф

Скульптурная техника, при которой очертания моделируемых форм вырезаются на плоской поверхности, за которую формы не выступают.

регалии

Эмблемы или знаки королевской власти.

папирус

Материал, приготовленный в Древнем Египте из стебля водного растения, который использовался в листах для письма или рисования.

Древнеегипетское искусство включает живопись, скульптуру, архитектуру и другие виды искусства, такие как рисунки на папирусе, созданные между 3000 г. до н.э. и 100 г. н.э. Большая часть этого искусства была сильно стилизована и символична. Многие из сохранившихся форм происходят из гробниц и памятников и, таким образом, сосредоточены на жизни после смерти и сохранении знаний.

Символизм в древнеегипетском искусстве передавал ощущение порядка и влияния природных элементов. Регалии фараона символизировали его или ее власть править и поддерживать порядок во вселенной. Синий и золотой указывали на божественность, потому что они были редкими и ассоциировались с драгоценными материалами, в то время как черный цвет выражал плодородие реки Нил.

В египетском искусстве размер фигуры указывает на ее относительную важность. Это означало, что боги или фараон обычно были крупнее других фигур, за которыми следовали фигуры высокопоставленных чиновников или владельца гробницы; самыми маленькими фигурами были слуги, артисты, животные, деревья и архитектурные детали.

Перед тем, как покрасить каменную поверхность, ее побелили, а иногда и покрывали глиняной штукатуркой. Пигменты были сделаны из минералов и могли противостоять сильному солнечному свету с минимальным выцветанием. Связывающая среда неизвестна; краска была нанесена на высохшую штукатурку в стиле «фрески а секко». Затем в качестве защитного покрытия был нанесен лак или смола, которые, наряду с сухим климатом Египта, очень хорошо защищали картину. Целью рисунков на гробницах было создание приятной загробной жизни для умершего с такими темами, как путешествие по загробному миру или божества, обеспечивающие защиту.Обычно изображался вид человека или животного сбоку, а картины часто выполнялись в красном, синем, зеленом, золотом, черном и желтом цветах.

Настенная живопись Нефертари. На этой настенной росписи Нефертари виден сбоку.

Древние египтяне создавали монументальные скульптуры и скульптуры меньшего размера, используя технику утопленного рельефа. В этой технике изображение создается путем вырезания рельефной скульптуры на плоской поверхности в углублении вокруг изображения. При сильном солнечном свете эта техника очень заметна, подчеркивая очертания и формы тенью.Фигуры показаны торсом вперед, головой сбоку и раздвинутыми ногами, причем самцы иногда темнее самок. Большие статуи божеств (кроме фараона) не были обычным явлением, хотя божества часто изображались на картинах и рельефах.

Колоссальная скульптура в масштабе Великого Сфинкса Гизы не повторялась, но более мелкие сфинксы и животные были обнаружены в храмовых комплексах. Считается, что самый священный культовый образ храмового бога хранился в наосах в небольших лодках, вырезанных из драгоценного металла, но ни один из них не сохранился.

статуи ка, которые должны были служить местом упокоения части души ка, присутствовали в гробницах во времена IV династии (2680-2565 гг. До н.э.). Их часто делали из дерева и называли запасными головами, которые были простыми, безволосыми и натуралистичными. В ранних гробницах были небольшие модели рабов, животных, зданий и предметов, которые обеспечивали жизнь умершим в загробном мире. Позже фигуры ушебти присутствовали в качестве погребальных фигур, чтобы действовать в качестве слуг умершего, если он или она будет призван выполнять ручной труд в загробной жизни.

Статуя Ка. Статуя ка была помещена в гробницу, чтобы обеспечить физическое место для проявления ка. Эта статуя находится в Египетском музее Каира.

Было обнаружено много небольших резных предметов, от игрушек до посуды, а для изготовления более дорогих предметов использовался алебастр. При создании любых скульптур соблюдались строгие условности и рейтинговая система. Это привело к довольно вневременному качеству, поскольку за тысячи лет было внесено мало изменений.

Фаянс — это спеченная кварцевая керамика со стеклованием поверхности, используемая для создания относительно дешевых небольших предметов многих цветов, но чаще всего сине-зеленых. Его часто использовали для изготовления украшений, скарабеев и статуэток. Стекло изначально было предметом роскоши, но стало более распространенным и использовалось для изготовления небольших сосудов с духами и другими жидкостями для размещения в гробницах. Из стеатита изготавливались резные вазы, амулеты, изображения божеств и животных. Керамика иногда покрывалась эмалью, особенно синего цвета.В гробницах керамика использовалась для изображения органов тела, удаленных во время бальзамирования, или для создания конусов высотой около десяти дюймов, на которых выгравированы легенды об умерших.

Папирус очень хрупкий, его использовали для письма и рисования; он выжил в течение долгого времени только тогда, когда захоронен в гробницах. Все аспекты египетской жизни записаны на папирусе, от литературных до административных документов.

Архитекторы тщательно спланировали здания, выровняв их с астрономически значимыми событиями, такими как солнцестояния и равноденствия, и использовали в основном обожженный на солнце глиняный кирпич, известняк, песчаник и гранит.Камень использовался для гробниц и храмов, в то время как другие здания, такие как дворцы и крепости, были построены из кирпича. Дома были сделаны из грязи реки Нил, затвердевающей на солнце. Многие из этих домов были разрушены наводнением или разобраны; Примеры сохранившихся построек включают деревню Дейр аль-Медина и крепость Бухен.

Некрополь Гизы, построенный во времена Четвертой династии, включает пирамиду Хуфу (также известную как Великая пирамида или пирамида Хеопса), пирамида Хефрена и пирамида Менкаура, а также меньшие пирамиды «королевы» и Большой сфинкс.

Пирамиды Гизы. Пирамида Хуфу (Великая пирамида) — самая большая из пирамид, изображенных здесь.

Карнакский храм был построен в 16 веке до нашей эры. Около 30 фараонов внесли свой вклад в строительство зданий, создав чрезвычайно большой и разнообразный комплекс. Он включает в себя районы Амон-Ре, Монту и Мут, а также Храм Амехотепа IV (разобран).

Карнакский храм. Здесь показан гипостильный зал Карнакского храма.

Луксорский храм был построен в 14 веке до нашей эры Аменхотепом III в древнем городе Фивы, ныне Луксор, с большим расширением Рамсесом II в 13 веке до нашей эры.Он включает в себя Первый пилон высотой 79 футов, фризы, статуи и колонны.

В этот период, который представляет собой перерыв в стиле древнеегипетского искусства, предметы были представлены более реалистично, а сцены включали в себя изображения привязанности королевской семьи. В изображениях было ощущение движения с перекрывающимися фигурами и большими толпами. Стиль отражает движение Эхнатона к монотеизму, но он исчез после его смерти.

Источники

Древний Египет для детей — Ремесленники и художники

Древние египтяне создавали искусство не просто для того, чтобы творить. что-то красивое Их искусство было функциональным.Это было прекрасно, но у этого была цель. Художники и мастера считались обладают одним и тем же талантом — все они были мастерами. Египтянин искусство было озабочено главным образом продолжением жизни. Египтянин мастера создавали защитные амулеты, росписи надгробий, магические чары на папирусе, погребальные кувшины, расписная керамика для хранения питание, глиняные фигурки, расписные сцены, картуши, иероглифы, надгробный инвентарь из слоновой кости, защитное оружие, лодки и лай и другие товары, которые помогли защитить и продолжить жизнь, как в этом мир и в загробной жизни.

Древние египтяне использовали юмор в своих рисунках животных. занимается деятельностью человеческого типа, такой как вождение колесницы или избиение пленника. Эти рисунки обычно делались на папирус. Некоторые были найдены археологами. Но юмор был никогда не использовался в искусстве для рисования людей.

Художники по-особому рисовали или раскрашивали людей. Вам будет очень неудобно, если вы попытаетесь стоять в той же позе, в которой художники рисовали людей.Египтяне рисовали головы, глаза, ноги и ступни, как если бы вы смотрели на них сбоку. Они нарисовали плечи и грудь, как если бы вы смотрели на них спереди. (Вы можете увидеть это на картинке вверху этой страницы.) Это было уникально египетское, и очень своеобразное. Мужчин обычно рисовали темными цветами, а женщин — светлыми.

В Древнем Египте ценили хороших мастеров. Обычно они жили комфортной жизнью. Ремесленникам не разрешалось подписывать свои работы.Тем не менее, ходят слухи, что у кого-то есть талант.

Сделки (сюжетные и игровые)

Художники и мастера

Ремесленники Древнего Египта

Магические амулеты

Святилища из коры

Музей древних — Древнеегипетское искусство

Это вопросы, которые мы создали о Древний Египет , который, как мы полагаем, вы можете найти на домашнее задание, тест на единицу или экзамен. Попробуй себя.Видишь ли, если вы помните ответ (или угадаете ответ), затем нажмите кнопку «Показать «Ответить» под каждым вопросом, чтобы убедиться, что вы правы!

Вопросы о Древний Египет …

Искусство и архитектура Древнего Египта

Портретная живопись в Древнем Египте

[Страница 70]

СЦЕНА ПУХА.

III.

ПОРТРЕТ-ЖИВОПИСЬ В ДРЕВНЕМ ЕГИПТЕ.

САМЫЕ древние скульптуры и самые старые картины, дошедшие до нашего времени, — это работы древнеегипетских художников, живших примерно за четыре тысячи лет до христианской эры. Это выглядело бы так, как если бы скульптура и живопись были близнецами-близнецами, рожденными плодородным Нилом и, следовательно, параллельной древностью.Но искусство рисования в первую очередь подразумевает искусство рисования; и искусство рисования бесконечно древнее, чем скульптура. Он древнее, чем извечная цивилизация Египта. Он почти такой же старый, как сам человек.

Ребенок на берегу моря, вычерчивающий грубые фигуры людей и животных на мокром песке, и пещерный обитатель в глубокой древности, обрисовывающий формы мамонта и мастодонта на фрагменте полированной кости, подчиняются тому же самому подражанию. склонность к подражанию — следствие одного из основных инстинктов нашей расы.Вырезанный контур на кости — это не скульптура. Это рисунок – рисунок с точкой. Он предшествует попытке лепить из глины или вырезать изображения из дерева или камня. Одним словом, это самый ранний вид изобразительного искусства в мире.

От доисторического пещерного жителя мы переходим на один шаг к [Стр.71] древнеегипетский рисовальщик. В истории искусства между ними все пусто. Мы не можем измерить бездну времени, отделяющую одно от другого. Известно только, что за это время произошли самые разные изменения — потрясения и опускания земли и воды; исчезновение некоторых форм животного и растительного мира; и тому подобное.Мы не знаем — мы даже не можем догадаться — сколько времени понадобилось древнему египтянину, чтобы продвинуться от первобытного варварства к той стадии развитой культуры, к которой он пришел, когда мы впервые познакомились с ним на его родной земле. Это примерно время постройки Великой пирамиды, или почти шесть тысяч лет назад, считая до этого милостивого года, 1890 года. Он уже был непревзойденным строителем, геометром и математиком. У него уже была очень древняя религиозная литература.Он владел очень сложной системой письма; он довел искусство скульптуры из самых твердых материалов до настолько высокой степени совершенства, насколько это было возможно с инструментами, находящимися в его распоряжении; и он нарисовал человеческую фигуру лучше — намного лучше, чем в те более поздние дни, когда Геродот, Платон и Страбон посетили долину Нила.

Самые ранние египетские рисунки, которым можно назначить дату, выполнены темперой на стенах некоторых гробниц, сделанных для знатных личностей, которые были современниками короля Хуфу (более известного как Хеопс), строителя Великой пирамиды. .На этих картинах мы видим пастухов, управляющих стадами коз, быков и ослов; виноделы, работающие с прессом для вина; сцены пахоты, пиршества, танцев, катания на лодке и так далее. Нет никаких попыток пейзажа или фона. Головы даны в профиль, а глаза даны так, как если бы они смотрели спереди.

Если голова находится в профиль, можно ожидать увидеть тело в профиль; но это не соответствовало древнеегипетским представлениям. Художник хотел максимально использовать своего натурщика — отдать ему должное за ширину его груди и ширину плеч и показать, что у него есть обычные руки и ноги; так он [Стр. 72] представлял туловище спереди.Но таким образом он попал в серьезную трудность. Нарисовать пару ног и ступней на виде спереди отнюдь не просто. Это требует знания ракурса, а египетский художник не знал ни ракурса, ни перспективы. Он, однако, встретил эту трудность, смело вернувшись к той точке, с которой он впервые начал, и нарисовал ноги и ступни в профиль, как лицо. И это еще не все. Не имея представления о перспективе, он поместил все части своего предмета в одну плоскость; иными словами, у идущего или стоящего человека одна ступня ставится так точно перед другой, что линия, проведенная от среднего пальца передней ноги, точно пересекает подошвы обеих.Иногда я задавался вопросом, приходило ли в голову древнему египетскому художнику когда-нибудь попытаться поставить себя в положение, в котором он решил изображать своих собратьев, а именно, с его телом под прямым углом к ​​его ногам и его профилю. Он нашел бы это крайне неудобным, если не сказать невозможным. И все же в этой нелепой манере он изображал князей и крестьян, священников и королей и даже армии в походе. Как ни странно, эффект не так уродлив и нелеп, как кажется.Очертания нарисованы с такой свободой, а формы, взятые по отдельности, настолько изящны, что, несмотря на наше здравое суждение, мы принимаем условное уродство и даже забываем, что это уродство.

Когда древнеегипетский художник нарисовал лицо и фигуру своей няни, он приступил к заполнению контура цветом. Если бы это был портрет человека, то он покрыл бы лицо, тело, руки и ноги тонким слоем темного, красновато-коричневого; если это был портрет женщины, он заменил его желтовато-коричневым.Не то чтобы мужчины на самом деле были красно-коричневыми, а женщины — желтыми, а потому, что это были обычные оттенки, используемые для различения цвета лица двух полов. Затем он указал на бровь черной линией одинаковой толщины; и для глаза он нарисовал черный диск на белом фоне. Одежды и бордюрные узоры на одежде, ожерелья, браслеты, богатые пояса, эластичные ткани. [Стр. 73] Все головные уборы были обработаны с особой тщательностью и в одинаковых тонах.

При такой его цветовой системе наш египтянин, конечно, не мог передать свет и тень, текстуру материи или поток драпировки. Фактически, его искусство нельзя назвать живописью в нашем понимании этого слова. Он не рисовал; он засветился. (17) Таким образом, поскольку он преуспел в методах освещения, он был исключительно искусным мастером; но поскольку его никогда не превзошли ни чистотой, ни точностью, ни размахом очертаний, ни верностью, с которой здесь были воспроизведены расовые характеристики чужих народов, ни правдой и духом, с которыми он изображал все разновидности животной жизни, он был несомненно и бесспорно художник.Рисуя только в профиль, а рисовая только плоскими красками, он не мог и не пытался показать меняющееся выражение человеческого лица в радости, горе или гневе. Вдова, оплакивающая мумию своего мужа, фараон, убивающий свои тысячи на поле битвы, смотрит в космос с безмятежной улыбкой херувима на надгробной плите. Но пусть Рамсес вернется в Фивы после победоносной кампании в Эфиопии или Малой Азии, привезя с собой череду иностранных пленников, привязанных к колесам его колесницы, и тогда посмотрим, на что способен наш египетский художник! Не используя ничего, кроме тростникового пера и разноцветных мазков, он создает серию портретов сирийцев, ливийцев, негров и азиатских греков, которых ни один английский, французский или американский художник не может превзойти в плане живой и говорящей индивидуальности, и которые, вероятно, не могут быть ни одним из них. половина из них могла бы сделать так хорошо, если бы была вынуждена использовать те же методы.

Однако есть один момент, на котором необходимо настаивать в этой связи. Даже среди тех, кто очень заботится и много знает об искусстве, преобладает впечатление, что искусство египтян было феноменально жестким и неправильным, и что египетские художники совершали более вопиющие ошибки в своем обращении с «божественной формой человека», чем ранние художники. других народов. Это серьезное заблуждение. Начала изобразительного искусства у всех народов, [стр. 74] во все периоды, как ни странно, похожи.Архаичный новичок пробует свою «руку помощи» на тех же предметах; он сталкивается с теми же трудностями; он встречает эти трудности таким же образом; он совершает те же самые грубые ошибки. Египетский, ассирийский, этрусский, греческий повторяют друг друга. Все они рисуют лицо в профиль, а глаз как бы вид спереди. Все они представляют собой ступни, стоящие на одной и той же линии. Все они окрашены в плоские оттенки и одинаково игнорируют свет и тень, ракурс и перспективу.

Греческая живопись — все тело греческой живописи, от ее ранней до последней стадии, за одним исключением искусства росписи ваз — безвозвратно потеряно.Из шедевров греческой скульптуры несколько бесценных реликвий уцелели после общего крушения; но от знаменитых творений великих греческих художников осталось лишь отзвук на страницах Павсания и Плиния. Стены, украшенные их бессмертными фресками, панно, на которых они писали свои несравненные станковые картины, давно превратились в пыль. Но, как сияние, которое струится с запада после захода солнца, великолепие их славы все же освещает горизонт и отражается на холмах Афин.

Как ни странно, несмотря на руины, обрушившиеся на их работы, мы знаем об этих умерших и ушедших художниках двух-трех тысяч лет назад почти столько же, сколько мы знаем о художниках наших дней. У нас есть подробные описания их изображений, заметки об их методах, критика их стилей и множество анекдотов их высказываний и поступков. Мы знаем, что Полигнот, преуспевший в боевых искусствах, был назван «самым этичным из художников»; что Ксевксис довел реализм до реальной иллюзии; что Протогенес (более ранний Альберт Дюрер) закончил свои картины с микроскопической точностью; и что Апеллес превосходил всех остальных идеальной красотой и изяществом.

Цены, которые эти художники получали за свои картины, отнюдь не были низкими. Говорят, Никиас отказался продать одну из своих работ Птолемею Лагусу за шестьдесят талантов, что эквивалентно сумме, эквивалентной шестидесяти тысячам долларов, или двенадцати тысячам долларов. [Стр. 75] фунтов стерлингов. Когда Аристидес получил задание нарисовать батальную фигуру, содержащую сто фигур, он торговался за двести долларов или сорок фунтов стерлингов за фигурку; и Александр за свой портрет в образе Зевса, бросающего молнию, дал Апеллесу не менее двадцати талантов золота, то есть пятьдесят тысяч фунтов стерлингов, или двести пятьдесят тысяч долларов.Что же до художников, которые установили эти необычайные цены, то они соперничали друг с другом в показухе и тщеславии. Они облачились в пурпур королевской власти; они носили золотые венки на головах и золотые пряжки на сандалиях; и они обеими руками растратили свое богатство. (18)

Однако искусство, достигшее этой вершины славы, началось с более скромных начал, чем все, что дошло до нас в форме древнеегипетской живописи. Картины греков, как я уже сказал, утеряны, и остались только их вазы-картины.Но как картины на вазах самого прекрасного периода отражают искусство самого прекрасного периода, так и картины на вазах архаического периода отражают искусство архаического периода; и они показывают, какой детской рукой были начерчены первые попытки греческого рисовальщика. Ничто в способе рисования, которое еще не было обнаружено в Египте, не является настолько смехотворно слабым, как рисунок на так называемых протогомеровских вазах, найденных в Афинах. Предполагается, что эти вазы датируются X веком до нашей эры и, следовательно, являются современниками Двадцатой египетской династии — династии Рамзеса III.и его преемники.

Но Двадцатая египетская династия, если она отмечает зарождение искусства в самом центре Эллады, знаменует свою старость и упадок в Египте. Плиний насмехался над египтянами, когда они заявляли о своем приоритете как художники.

«Относительно происхождения искусства художника, — говорит он, — мне известно, что египтяне хвастались этим, подтверждая, что оно было изобретено ими и практиковалось за шестьсот лет до того, как в Греции появились какие-либо талки или знания о них. их тщетное хвастовство и выставление напоказ, как может видеть весь мир.(19) Но недоверие Плиния было [Стр. 76] недоверие незнания. Сам он жил в эпоху, когда египтяне говорили только на коптском или греческом языках, и когда секрет древнеегипетской письменности был утерян, ни у него, ни у его современников, ни у самих египтян-коптов не осталось никаких стандартов, по которым можно было бы измерить историю своего народа. великая африканская провинция. В этом споре египтяне должны были заявить о приоритете не шестьсот лет, а приоритет более трех тысяч.Раскрашенным гробницам на плато Пирамиды уже было около четырех тысяч лет во времена Плиния.

Но есть еще один факт, имеющий отношение к этому вопросу — факт, о котором никто из нас не подозревал, пока не были расшифрованы таинственные записи, высеченные на камне и написанные на папирусе, — а именно, что так называемые греки-пеласги, самые ранние греки Архипелага и побережье Малой Азии было известно египтянам, и они сражались с ними, и были побеждены ими, и были доставлены в плен в Фивы еще во времена царя Санкхары из одиннадцатой династии.Об этом царе записано в современной надписи, высеченной в скале в долине Хамамат, что «он сломил силу Ханебу». Как я объясняю в главе V этого тома, «Ханебу» — это имя, под которым греки были впервые известны египтянам. Позднее в надписях времен Тотмеса III. из восемнадцатой династии мы встречаемся с ними как с данейцами; и еще позже, при фараонах трех последующих династий, они появляются со своими отличительными именами: ахейцы, ликийцы, дарданцы, микийцы, тевкрийцы, ионийцы и карийцы.

Однако до настоящего времени предполагалось, что эти древние греки знали Египет только как жалких пленников, трудящихся в шахтах и ​​каменоломнях, и что земля фараонов была ревниво закрыта против них, пока они не поселились в Дафне как военная колония. при Псамметихе I. и в Наукратисе в качестве торговой колонии при Амасисе II. Но совсем недавно, весной 1889 года, странный новый свет озарил горизонт к востоку от Эллады. В двух маленьких разрушенных городках, расположенных в нескольких милях друг от друга. [Стр. 77] на границах Файема, мистерПетри обнаружил следы двух отдельных колоний иностранцев, одна колония датируется периодом правления Усертесена II. из Двенадцатой династии, примерно за три тысячи лет до нашей эры; а другой — времен правления Тотмеса III. из восемнадцатой династии, примерно через полторы тысячи лет. Более ранний курган в местном масштабе известен как Телль-Кахун, а более поздний — как Телль-Гуроб. В обоих были найдены бесчисленные фрагменты керамики кипрского и архаического греческого стилей; и на сотнях этих черепков начертаны буквы, некоторые из которых могут быть финикийскими или тем самым ранним производным от финикийского, известным как кадмейский греческий; в то время как другие принадлежат к кипрскому, греко-азиатскому и курсивному алфавиту.И это еще не все. Кладбище, принадлежащее одному из этих городов, отказалось от своих мертвецов, которые оказались светлой и златовласой расой, как «золотопрядные ахейцы» Гомера.

Древние поселенцы, которые жили и умерли в Телль-Гуробе, были мумифицированы, как и коренные египтяне, очевидно принявшие религию страны; а на ящике с мумией одного из них мы читаем, что его обитателя звали Ан-Турша, и что он был «губернатором дворца». По этимологии Ан-Турша — очень примечательное имя, потому что человек, носивший его, должен был принадлежать к иностранному народу по имени Турша, который объединился с ливийцами и сардинцами в нападении на Египет во время правления Сети. Я., и были заметно побеждены. Примерно столетие спустя, во время правления Рамсеса III. из двадцатой династии они снова рискнули пересечь море на своих «полых кораблях», на этот раз объединившись с данейцами, сицилийцами, ликийцами и другими. Спустившись на берег Египта около Пелусия, они были встречены всеми военно-морскими и военными силами Рамсеса III и почти уничтожены. Кто же тогда были эти турши, которые пришли до нас сначала в компании сардинцев, а затем с сардинцев и сицилийцев — обоих народов из северных вод Средиземного моря? Турши — никто иной, как примитивные правители [Стр. 78] Лацио, загадочные этруски, личность которых была убедительно установлена ​​Франсуа Ленорманом.(20) И это было на черепках Телль-Гуроба, поселения, которое было заселено светловолосыми иностранцами именно во время правления Сети I. и его непосредственных преемников (поселение, в котором жил и умер человек Ан-Турша) что были обнаружены те особые знаки, которые, несомненно, идентичны некоторым буквам этрусского алфавита. Не решаясь делать какие-либо выводы из этих фактов, я хочу особо обратить внимание на продолжение, в котором они следуют друг за другом.

Около 3000 г. до н. Э. Санкхара покоряет племена Греческого архипелага. Примерно три поколения спустя, во время правления Усертесена II, колония иностранных рабочих, которые, вероятно, были заняты транспортировкой камня, из которого была построена пирамида фараона, поселилась рядом с ней, на краю пустыни. Они украшают свою домашнюю керамику узорами, неизвестными египетским гончарам, и наносят на них надписи, очень похожие на архаические алфавиты Финикии и Кипра.Разве нельзя задаться вопросом, не могут ли эти иностранцы быть потомками пленников, которых Санкхара привела домой?

Пятнадцать столетий спустя Тотмес III. празднует свои победы над Дардани-Дардани, используемым здесь, как и Гомер, для обозначения азиатских греков в целом. И это во времена правления Тотмеса III. что еще одна инопланетная колония основана, возможно, не совсем случайно, в нескольких милях от заброшенного места, которое пятнадцать веков назад было занято более ранними поселенцами.Новый город, Телль Гуроб, продолжает быть населенным почти сто лет, а затем заброшен, как и его предшественник. В течение этого столетия Египет снова и снова подвергается нападениям не только со стороны греков Малой Азии и Эгейского моря, но и со стороны прибрежных жителей и островитян Тирренского моря. Примечательно, что знаки, начертанные на черепках новой колонии, состоят из букв, принадлежащих архаическим алфавитам тех самых племен, которые напрасно бросались против обученных людей. [Стр. 79] батальоны Сети I и Рамсеса II.; а именно леку или ликийцы; айуна, или ионийцы; акайуши или ахеи; и турши, или этруски. (21) Именно к этой более поздней колонии принадлежал человек Ан-Турша. Именно на керамике этой колонии мы находим этрусские буквы; и именно на кладбище, принадлежащем этой колонии, были найдены мумии с желтыми волосами.

Итак, эти факты, посмотрите на них с какой бы точки зрения мы ни смотрели, являются весьма необычными. Мистер Петри обнаружил самые ранние из обнаруженных греческих алфавитных знаков; Самыми древними образцами греческой письменности, ранее известными, являются надписи, высеченные в скалах и лаве, найденные на очень древних кладбищах Санторина и Теры, и знаменитая греческая надпись, вырезанная на ноге одного из колоссов в Абу-Симбеле.Надпись Абу-Симбел является современником Сорок седьмой Олимпиады, а Ленорман относит самую старую из теранских надписей к девятому веку до нашей эры. Но черепки, найденные г-ном Петри в Файуме, переносят историю алфавита на период, предшествующий дате Исхода, и на шесть веков раньше, чем любые известные греческие надписи.

Но если они проливают новый и удивительный свет на историю письма и языка, они проливают не менее ценный свет на историю искусства.Раскрывая удивительный факт, что в Египте были поселения ранних греческих и итальянских племен, существовавшие намного раньше той самой ранней даты, когда у этих людей были свои собственные истории или памятники, они показывают, в какой художественной школе изучали эти народы. Таким образом, сразу же объясняется ярко выраженный египетский характер архаической живописи и скульптуры Греции и Этрурии.

Однако нельзя ни на минуту предполагать, что именно поселенцы в этих двух маленьких городках в Файуме передали искусство Египта своим собратьям-варварам за морем.Результаты раскопок этих мест представляют собой образцы — простые образцы — того, что небольшие курганы Египта хранят в запасе для исследователя. Вероятно, есть [Стр. 80] сотни таких стоянок в Египте — стоянки настолько незначительные по виду, что никто не считает, что они стоят труда раскопок. Фараоны собрали в Египет огромное количество пленников. Они нуждались в людях для своих гигантских общественных работ, которые можно было осуществить только путем безрассудных человеческих жертв.Именно с этой целью, как и ради простой добычи, они совершали непрекращающиеся набеги на Эфиопию и Сирию. Поэтому, когда орды варваров южной Европы и Малой Азии напали на Египет с суши или моря, они бросились не только на поражение и смерть, но и на рабство. В период Девятнадцатой и Двадцатой династий в Египте, должно быть, были десятки тысяч, возможно, сотни тысяч этих иностранцев; снова и снова во время правления Рамсеса II. и Рамзес III., они пришли к тому же отчаянному поручению и с тем же результатом. Огромное количество людей было отправлено в шахты и карьеры, и, подобно детям Израиля, на кирпичные поля. Но тем, кто был искусен в ремеслах, досталась бы менее невыносимая участь. Их использовали скорее как ремесленников, чем как вьючных животных. Греческие символы начертаны на оборотной стороне некоторых энкаустических плиток, найденных в руинах здания, построенного Рамзесом III. в Телль-эль-Яхудие вполне может быть работой некоторых из этих военнопленных.Иностранцы, естественно, собирались вместе вплотную к пирамиде, храму или каналу, где надсмотрщики держали их на работе; и именно в маленьких безымянных, незамеченных курганах, разбросанных вверх и вниз по долине Нила, будут найдены реликвии их присутствия.

Это открытие мистера Петри проливает совершенно новый свет на синхронную историю Египта, Кипра, Малой Азии и Этрурии. Он возвращает литературную историю этих народов к дате, о которой раньше не могли и мечтать ни классические историки, ни мы сами, и обещает прояснить множество очень неясных проблем, касающихся происхождения и развития греческого и этрусского искусства.(22)

А теперь будет интересно подробно разобрать [Стр. 81] принципы, на которых рисовалась человеческая фигура художниками Древнего Египта; отмечать умение, с которым они уловили и очертили этнические характеристики чужих народов; и проследить влияние Египта на школы Ассирии, Этрурии и Греции.

ТУМ.
Также называется Туму и Атму. Он носит «пшент», или двойную корону, обозначающую его господство над Верхним и Нижним Египтом.Иероглифическая надпись пересчитывает его имя и титулы: «Туму, Повелитель Двух Земель, Великий Бог Он, Божественный Правитель Сущности Богов».

ТИПИЧНЫЙ СИРИЙСКИЙ ИСКУССТВО ЕГИПЕТА.
Из фотографии г-на В. М. Флиндерса Петри.

Эту энергичную голову сирийского вождя сфотографировал г-н.Петри с настенной росписи гробницы Рамзеса III. Следовательно, он датируется примерно 1100 г. до н. Э. Стена повреждена, штукатурка местами отслоилась, но голова, к счастью, не пострада. Превосходно пойман азиатский тип. Этот человек, вероятно, был ханаанеем. У него есть все этнические особенности расы. Глаз, как обычно, нарисован ложно, но поставлен под семитский угол, а на лице есть [Стр. 83] яркий вид, говорящий о настоящих портретах. Он носит головной убор из какого-то пятнистого материала, перевязанный сирийским филе, который все еще используется.Одеяние с бахромой и узором, шапка и галстук — все соответствует сирийскому костюму трехтысячелетней давности. (24)

ТИПИЧНЫЙ ЛИВИЙСКИЙ ИСКУССТВО ЕГИПЕТА.
Из фотографии г-на В. М. Флиндерса Петри.

Весьма различается типичный египтянин, изображенный на портретах Ра-Хотепа, Хуфу-Анха, Семнефера и Ра-эм-ка. волосы угольно-черные.Угол лица сильно отличается от угла лица азиатов. Это угол лица европейской расы, и поэтому он имеет определенное сходство с лицом типичного ливийца. Типичными ливийцами древнеегипетского искусства были расы светлокожих, рыжеволосых и голубоглазых, потомки которых сохранились до наших дней к востоку от Алжира. Мы [Стр. 84] они неизменно выделяются массивным боковым замком, показанным на иллюстрации. К сожалению, кусок штукатурки выбит из щеки, но в остальном лицо идеальное.Очень интересное лицо, нежное и умное, нарисованное, можно сказать, из жизни. Эти прекрасные ливийцы, несомненно, были эмигрантами из Европы или Азии и, скорее всего, имели пеласгическое происхождение. Боковой замок был модой, свойственной ливийцам и Машуаша за пределами Египта; и Геродот утверждает, что максиане (которые, по всей вероятности, идентичны Машуаше из египетских надписей), позволяли своим волосам отрастать длинной прядью на правой стороне головы, но брили это слева.(25) Боковой замок также был особой модой, которую соблюдали египетские принцы в детстве и юности, и его до сих пор носят маленькие мальчики в Египте и Нубии.

«Безупречный эфиоп» был очень знакомой фигурой на земле фараонов, и поэтому неудивительно, что египетские художники преуспели в изображении его домашних качеств. Иллюстрация на странице 85 взята из серии фотографий настенных росписей г-на Петри в гробнице фиванского дворянина по имени Хуэй, который был губернатором Эфиопии при одном из фараонов восемнадцатой династии.Раскрашенные гробницы Египта сильно пострадали от рук туристов и арабов, а могила Хуэя не избежала повреждений. Тем не менее, когда это возможно, иллюстрации непосредственно с поврежденных оригиналов предпочтительнее копий, сделанных пятьдесят или шестьдесят лет назад, когда картины были сравнительно безупречными. Копия, хотя и более приятная, может ошибаться; но фотография — верный свидетель. В данной теме мы видим процессию эфиопских вождей, одного из которых сопровождают жена и дети.Негритянские типы даны превосходно, но следует признать, что темноволосая дама, замыкающая тыл, некрасива. На ней разноцветная одежда с богатым рисунком, а младшего ребенка она носит на плече в сумке в форме воронки.

Последним в процессии (для которой здесь нет места, так как она занимает большое пространство в стене гробницы) идет эфиопский народ. [Стр. 85] сама королева пианино в колеснице, запряженной пятнистыми быками. Ее лицо сильно повреждено, а голова мальчика-жениха, стоящего перед волами, была вырезана из стены каким-то беспринципным путешественником; но колесничий Ее Величества и сопровождающие ее вожди находятся в прекрасной сохранности.Руки королевы увешаны браслетами, а на шее она носит великолепное ожерелье, состоящее из множества рядов бус и кулонов. Ее головной убор — грандиозное произведение искусства, состоящее из каркаса, украшенного страусиными перьями, закрепленного на золотой короне. Негры с перьями, несущие подносы с золотыми кольцами и мешками с золотой пылью, и другие, несущие дань из слоновьих бивней, бревен из черного дерева и других товаров Судана, идут сзади. *

Обработка негров.
С настенной росписи гробницы Хуэй в Эль-Кабе, воспроизведенной по фотографии г-на В. М. Флиндерса Петри.

САРДИНИЯ ЕГИПЕТСКОГО ИСКУССТВА.

Этнические характеристики этих древних сардинцев очень не похожи на нынешних сардинцев. Типаж почти такой же, как у современного англичанина, это сходство усиливается аккуратно подстриженными бакенбардами королевского телохранителя. Как ни странно, однако, сардинский вождь изображен на пилоне павильона Рамсеса III. в Мединет-Хабу принадлежит отчетливо семитскому типу. Это выглядело бы так, как если бы Сардиния во времена двадцатой династии попала под власть иностранных завоевателей; или как [Стр. 87] если коренные сардинские войска в то время управлялись семитами.В предыдущей главе, как и в головах всех сардинских телохранителей Рамсеса II. в великой картине Абу-Симбела мы, во всяком случае, имеем чисто европейский тип; Следует помнить, что этот тип датируется примерно на восемьдесят лет раньше, чем скульптуры Мединет-Хабу.

ГРЕЧЕСКИЙ КАРИОТЕР.
Из «догомеровской» вазы.

Теперь перейдем к Греции. Как уже было сказано, единственные образцы графического искусства Греции, пощадившие время, находятся на расписных вазах, самые ранние из которых — так называемые «догомеровские» вазы Афин, которые не могут быть менее древними, чем 1000 г. до н.э. .C., а может быть и старше. Дизайн абсурдно архаичен; но они в любом случае показывают нам, насколько варварскими были истоки греческого искусства, когда они были изолированы от чужеземных влияний.

Здесь мы видим пример самого раннего греческого рисования, дошедшего до нашего времени. Сюжет взят из «догомеровской» вазы, фигурирующей в книге Вольтмана «История живописи», т. я. Подопытный — возничий, управляющий парой животных, которые могут быть лошадьми, жирафами или и тем, и другим. Ранние греки, конечно, не имели представления о перспективе; поэтому колеса колесницы, хотя и должны быть по одному с каждой стороны колесницы, расположены в линию.Ни шест колесницы, ни колеса не имеют никакой связи с телом колесницы. Что касается выразительного лица и классических драпировок благородного афинянина, то вряд ли нужно указывать, что они неизмеримо уступают самым бедным известным образцам египетского рисунка фигур, сравнимыми только с точечными перформансами нашего детства.

Следующая погребальная сцена также взята из вазы догомеровского типа, иллюстрация которой дана в книге Коллиньона Archéologie Grecque. На рисунке-чертеже этого [Стр. 88] Во фрагменте есть заметное улучшение, которое, казалось бы, связано с изучением египетских моделей. У этих персонажей есть лица или, во всяком случае, носы и подбородки; кроме того, у них очень сильно развиты ноги. Как и на египетских картинах, их тела от пояса вверх показаны спереди, а ноги и лица — в профиль. Стопы также ставятся в линию. Центральный объект — носилки, на которых лежит тело мертвого героя, покрытое покрывалом.Двое плакальщиц усыпают его пальмовыми ветвями; остальные сжимают руки над головами в знак горя. Женщины сидят на полу рядом с носилками в грустных позах. Перспективы художник не имел ни малейшего представления. Носилки стоят на четырех толстых ножках, поставленных в ряд, как шпильки. Цифры стоят в одну линию. Это сцена из двухмерного мира, в котором все имеет длину и ширину, но не толщину.

ОБЯЗАТЕЛЬСТВА ГЕРОЯ.

Фрагмент архаической расписной посуды, найденной г-ном Петри в руинах дворца-форта Псамметиха I. в Дафне, в Восточной Дельте, украшен следующей фигурой греческой танцующей девушки. Дафно был основан этим фараоном для размещения своих карийских и ионийских наемных войск примерно в середине седьмого века до нашей эры, и это место было заброшено девяносто лет спустя, во время правления Амасиса II. У нас есть [Стр. 89] следовательно, это достаточно точная дата для этого рисунка танцующей женщины; Другими словами, мы можем считать само собой разумеющимся, что греческие колонисты, поселившиеся по соседству с лагерем, вряд ли построили бы свой город и развили свои ремесла в качестве гончаров и ювелиров, пока не прошло по крайней мере десять лет.Следовательно, этот продукт их индустрии будет находиться в пределах восьмидесяти лет. Наши греки к этому времени значительно улучшили свое отношение к человеческой фигуре. Но для старого фальшивого рисунка переднего глаза на лице в профиль черты даны естественно. И это чисто греческое лицо, что очень интересно. Филе, серьга и длинный завиток по бокам — все это характерно для архаичного греческого костюма. Однако в этой фигуре все египетские условности сильно преувеличены: тело показано спереди до талии, а ноги и ступни расположены боком, ширина плеч и длина рук до смешного несоразмерны.

ГРЕЧЕСКАЯ ТАНЦОВЩИЦА.
Из фрагмента древнегреческой вазы, найденной в Дафне.

На другом фрагменте того же времени и из того же места у нас есть следующий стандартный сюжет греческих художников-вазописцев; а именно Эдип и Сфинкс. Вероятно, это самый ранний из сохранившихся примеров предмета. Этот рисунок, опять же, лучше прорисован, чем предыдущий. Если бы не впечатляющая длина его волос и изумительный изгиб бороды, Эдип выглядел очень респектабельным персонажем.Здесь безошибочно угадывается египетский элемент. Сфинкс — чисто египетское чудовище с незапамятных времен, Великий Сфинкс Гизе, вероятно, самый старый памятник в Египте. [Стр. 90]

ЭДИП И СФИНКС.
Из фрагмента древнегреческой вазы, найденной в Дафне.

Большой прогресс в свободе рисования характеризует наш следующий объект — прекрасную расписную тарелку, обнаруженную г-ном Петри в руинах Наукратиса. На самом деле это мемориальная доска: два маленьких отверстия, проделанных в краю пластины, показывают, что она предназначалась для подвешивания на стене. Орнамент лотоса внизу, как и сфинкс, заимствован из египетских образцов. Работа художника по вазе выполнена с особой деликатностью и свободой, используются только четыре цвета, а именно желтый, коричневый, пурпурный и белый — типичные четыре цвета древнейшей школы греческой живописи.Это были четыре [Стр. 91] цвета палитры Полигнота и его современников; и по гармонии, с которой они использованы в этой очаровательной росписи на мемориальной доске, которую удачно сравнивают (26) с панно ранних греческих художников, мы можем составить некоторое представление о стиле и обращении самых ранних мастеров. Как образец техники утраченной художественной школы, эта тарелка Naukratis бесценна. Это определенно не позднее 500 г. до н. Э., И более вероятно, что это уже 600 г. до н. Э.C. *

ТАРЕЛКА С КРЫЛАТЫМ СФИНКСОМ, НАЙДЕНА В НАУКРАТИСЕ.

Рассмотрев эти несколько примеров доминирующего египетского влияния в ранней греческой живописи, мы теперь рассмотрим, как это влияние повлияло на искусство Этрурии.

Этрурианцы — самый загадочный народ древности. [Стр. 92] Мы встречаемся с ними в скульптурных хрониках Древнего Египта как Турша и на страницах самых ранних греческих писателей, таких как Тиррен или Турсени.(27) Согласно древней традиции, они пришли из Лидии в доисторические времена и колонизировали Лацио. Некоторые детали их костюмов и обычаев кажутся идентичными Лидии, и легенда, вероятно, основана на фактах. Но пока надписи Этрурии не будут прочитаны, мы вряд ли решим эту проблему. Этрусские символы очень похожи на архаические алфавиты Малой Азии; но ни одному ученому пока не удалось определить больше, чем имена собственные и имена божеств.

Вырезанные в скале гробницы Этрурии имеют особый египетский стиль, а настенные росписи, которыми они украшены, несут безошибочный отпечаток египетского учения. Очень интересная серия этрусских картин на терракотовых плитах из гробницы, обнаруженной в Черветри, была приобретена Британским музеем в 1889 году. Две из этих плит расписаны фантастическими сфинксами, крылатыми, как у Дафно и Наукратиса, и чисто декоративными. . Эти плиты сфинкса были размещены, по-видимому, по обе стороны от входа в гробницу.В остальных фигурах, казалось бы, идущих в погребальной процессии. У некоторых есть растения лотоса с опущенными бутонами лотоса, а у одного — что-то вроде закрытой вазы или кувшина для духов. Женщины носят куртки, а мужчины — поножи, и у обоих длинные волосы. Глаза расположены, как на египетских картинах, спереди в профиль лица; и ступни, как обычно, ставятся одна перед другой.

Прилагаемый пример воспроизведен с хромолитографической пластины в журнале Journal of Helenic Studies, 1890.

Мужчины окрашены в красный цвет, как в египетской школе, и носят заостренные бороды, как у Эдипа из черепка Дафно. Телесный оттенок женщины белый. Штандарт с бычьим гребнем, который несет средняя фигура, является чисто египетским, и у нас есть бесчисленные примеры этого типа на египетских картинах и барельефах восемнадцатой династии. [Стр. 93] вниз. Эта этрусская гробница, очевидно, была гробницей героя. Женщина несет его копье и венок победы; первый человек в белой тунике несет знамя или скипетр; второй человек, который, кажется, декламирует, кладет на носилки пальмовую ветвь.Египетское влияние во всей этой серии расписных плит совершенно безошибочно.

ЭТРУСКАНСКАЯ КРАСНАЯ ПЛИТА, НАЙДЕННАЯ В CERVETRI.

На египетском военном штандарте обычно изображалась фигура льва из позолоченной бронзы, иногда льва увенчивалась веерообразным орнаментом. Итак, если этруски позаимствовали свои военные знаки отличия у Египта, то римляне, как мы знаем, позаимствовали свои знаки триумфа и славы. [Стр.94] королевство Этрурии, знамя из слоновой кости или скипетр на длинном ноже, увенчанный орлом, неизменно несли в их триумфальных шествиях.Таким образом, орлы, заимствованные первым Наполеоном у классических Цезарей, по сей день являются прямыми представителями знаков отличия Рима, Этрурии и Древнего Египта.

Теперь мы бросили беглый взгляд на несколько примеров трех самых ранних школ живописи — египетской, греческой и этрусской; мы проследили влияние египетского учения на два молодых народа; и мы видели, как ученики начинали с воспроизведения и даже преувеличения общепринятых ошибок своих учителей.Однако, в отличие от египтян, они не повторяли эти ошибки из века в век, из цикла в цикл. Они научились смотреть на природу собственными глазами и рисовать не то, чему их учили, а то, что они видели на самом деле. Они обнаружили, например, что объекты уменьшаются с расстоянием; что трава на солнце не того цвета, как трава в тени; что нос мужчины, потому что он выступает, улавливает свет. Они обнаружили, что можно, просто имитируя естественные эффекты света и тени, получить подобие рельефа на идеально ровной поверхности.Одним словом, они открыли законы светотени, а вместе с ними и искусство ракурса, которое, по сути, является перспективой, примененной к человеческой фигуре.

Греческая традиция приписывает эти великие открытия афинянину по имени Аполлодор (28), который процветал примерно за четыреста тридцать лет до нашей эры; и именно с этой даты, можно сказать, началось настоящее искусство живописи. Мы уже видели, как быстро развивалась великая греческая школа и до какого величия она достигла в конечном итоге.

Тем временем египтяне шли по старым канавам еще на несколько столетий. Но даже египтяне наконец обратились; и свидетельство их обращения происходит, как ни странно, с кладбища того, что когда-то было городком пятого разряда в Файуме. Город занимал один угол огромной четырехугольной платформы, искусственно возведенной. [Стр. 95]

САЙТ ЛАБИРИНТА.
Из фотографии г-на В. М. Флиндерса Петри.На переднем плане виден ровный песок пустыни и огромная платформа из осколков, обозначающая положение здания. Кирпичный фундамент на поверхности платформы показывает линии улиц греко-римского города.

В городе, по-видимому, проживало смешанное население, состоящее из египтян, греков, сирийцев и римлян, причем египтяне были по большей части мелкими торговцами, ремесленниками, слугами и рабами; тогда как натурализованные иностранцы — некоторые из которых были постоянными римскими чиновниками, а другие — потомками птолемеевских греков — представляли аристократию этого места.Такова, во всяком случае, история, рассказанная их могилами; богатые футляры для мумий, покрытые позолотой, в основном содержат греческие и римские имена, такие как Артемидор, Деметрий, Тит и другие.

Город продолжал быть населенным, а кладбище использовалось в течение нескольких поколений, за это время погребальные обычаи этих людей претерпели множество изменений. На самом деле кажется, что они меняли свою моду на мертвых почти так же часто, как мы меняем моду на живых.Одно время они закутывали их в искусные повязки и закрывали головы и ноги своего рода частичными доспехами из жесткого полотна, лепными, раскрашенными и позолоченными. Этот частичный доспех состоял из головного убора, нагрудника и футляра для ног, причем на головном уборе было тщательно смоделированное лицо, представляющее черты умершего. Позже отказались от золочения лиц и заменили цвет, одновременно вставив искусственные глаза и даже имитируя волосы, так как они были черными или коричневыми, волнистыми или вьющимися.Когда реалистическая обработка лепной лепнины была продвинута настолько, насколько это было возможно, мода снова изменилась, и портрет, нарисованный на гибком холсте, был наложен на лицо мумии. Таким образом, было достигнуто определенное облегчение благодаря заметным перевязанным чертам лица внизу. [Стр. 97]

От гибкого холста это был лишь один смелый, последний шаг к портрету на плоской панели, подобие рельефа создавалось светом, тенью и ракурсом.Этот смелый, последний шаг знаменует собой первое появление искусства настоящей живописи в Египте. Это знаменует переход от восточной школы к западной; он подписывает смертный приговор старой традиционной египетской системы; и он совпадает по времени с визитом императора Адриана в Египет в 130 году нашей эры. Этот визит принес западную культуру и западное искусство к самым воротам Фив. Таким образом, через триста лет после того, как Аполлодор, как сказал Плиний, «открыл ту дверь, через которую вошли все великие греческие художники», Египет — лучше поздно, чем никогда — переступил магический порог.Как бы египтяне ни были скованы традициями своих школ, они вряд ли осознали бы свойства света и тени или значение цвета в переходном периоде, если бы их глаза не были открыты учителями извне. Однако Греция вполне могла позволить себе выплатить эту единственную часть своего огромного долга Египту; и Египет мог позволить себе принять этот дар от Греции, которая была обязана ей всем остальным.

МОЛОДОЙ ГРЕЧЕСКИЙ.