by : alexxlab Акварель

Акварель википедия: Акварель — Википедия

Акварель — Википедия

Акваре́ль (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной поверхности)[1].

Техника

Акварельные краски

Основой для акварели является, как правило, бумага.

Бумага, предназначенная для акварели, должна быть слегка шероховатой. При смачивании бумаги вода должна равномерно и не слишком быстро впитываться по всей поверхности. Большей популярностью пользуется сорт, называемый ватманом.

Обычно бумагу предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями, можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечно-штриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.

Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи, барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта, употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра, терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лак-гаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная, кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия» (Энциклопедия Брокгауза и Ефрона).

Работа акварельными красками на природе, с натуры, требует быстроты и отработанной техники. Вместе с тем, под рукой должен быть сосуд с чистой водой и губка, которая, как правило, участвует в процессе наравне с кистями.

Современные художники достаточно успешно используют сравнительно недавно появившиеся в продаже акварельные карандаши, а также другие материалы, позволяющие «дорабатывать» акварель, к примеру: пастель, восковые мелки, гелиевые чернила, и т. д.

История

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии.

Дж. Тёрнер, Фирвальдштетское озеро, 1802, Акварель, Тейт Британ, Лондон

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски. В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Люси Мэдокс Браун, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс, Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

По инициативе мексиканского художника Альфредо Гуати Рохо в 2001 году день 23 ноября был провозглашен Международным днем акварели.

Акварель в России

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Лагорио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие. Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

В XX веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400 художников[2]. Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Её особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие школы и академии акварели Сергея Андрияки[источник не указан 135 дней].

Примечания

  1. ↑ Акварель // Большая советская энциклопедия : [в 30 т.] / гл. ред. А. М. Прохоров. — 3-е изд. — М. : Советская энциклопедия, 1969—1978.
  2. ↑ Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983. С.3.

Источники

  • Клюнинг А. Материалы акварельной живописи // Художник. 1975, № 9. С.60-62.
  • Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983.

Ссылки

Акварель — Википедия

Акваре́ль (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной поверхности)[1].

Техника

Акварельные краски

Основой для акварели является, как правило, бумага.

Бумага, предназначенная для акварели, должна быть слегка шероховатой. При смачивании бумаги вода должна равномерно и не слишком быстро впитываться по всей поверхности. Большей популярностью пользуется сорт, называемый ватманом.

Обычно бумагу предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями, можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечно-штриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.

Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи, барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта, употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра, терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лак-гаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная, кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия» (Энциклопедия Брокгауза и Ефрона).

Работа акварельными красками на природе, с натуры, требует быстроты и отработанной техники. Вместе с тем, под рукой должен быть сосуд с чистой водой и губка, которая, как правило, участвует в процессе наравне с кистями.

Современные художники достаточно успешно используют сравнительно недавно появившиеся в продаже акварельные карандаши, а также другие материалы, позволяющие «дорабатывать» акварель, к примеру: пастель, восковые мелки, гелиевые чернила, и т. д.

История

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии.

Дж. Тёрнер, Фирвальдштетское озеро, 1802, Акварель, Тейт Британ, Лондон

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски. В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Люси Мэдокс Браун, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс, Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

По инициативе мексиканского художника Альфредо Гуати Рохо в 2001 году день 23 ноября был провозглашен Международным днем акварели.

Акварель в России

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Лагорио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие. Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

В XX веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400 художников[2]. Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Её особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие школы и академии акварели Сергея Андрияки[источник не указан 135 дней].

Примечания

  1. ↑ Акварель // Большая советская энциклопедия : [в 30 т.] / гл. ред. А. М. Прохоров. — 3-е изд. — М. : Советская энциклопедия, 1969—1978.
  2. ↑ Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983. С.3.

Источники

  • Клюнинг А. Материалы акварельной живописи // Художник. 1975, № 9. С.60-62.
  • Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983.

Ссылки

Акварель — Википедия

Акваре́ль (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной поверхности)[1].

Техника

Акварельные краски

Основой для акварели является, как правило, бумага.

Бумага, предназначенная для акварели, должна быть слегка шероховатой. При смачивании бумаги вода должна равномерно и не слишком быстро впитываться по всей поверхности. Большей популярностью пользуется сорт, называемый ватманом.

Обычно бумагу предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями, можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечно-штриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.

Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи, барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта, употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра, терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лак-гаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная, кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия» (Энциклопедия Брокгауза и Ефрона).

Работа акварельными красками на природе, с натуры, требует быстроты и отработанной техники. Вместе с тем, под рукой должен быть сосуд с чистой водой и губка, которая, как правило, участвует в процессе наравне с кистями.

Современные художники достаточно успешно используют сравнительно недавно появившиеся в продаже акварельные карандаши, а также другие материалы, позволяющие «дорабатывать» акварель, к примеру: пастель, восковые мелки, гелиевые чернила, и т. д.

История

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии.

Дж. Тёрнер, Фирвальдштетское озеро, 1802, Акварель, Тейт Британ, Лондон

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски. В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Люси Мэдокс Браун, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс, Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

По инициативе мексиканского художника Альфредо Гуати Рохо в 2001 году день 23 ноября был провозглашен Международным днем акварели.

Акварель в России

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Лагорио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие. Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

В XX веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400 художников[2]. Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Её особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие школы и академии акварели Сергея Андрияки[источник не указан 135 дней].

Примечания

  1. ↑ Акварель // Большая советская энциклопедия : [в 30 т.] / гл. ред. А. М. Прохоров. — 3-е изд. — М. : Советская энциклопедия, 1969—1978.
  2. ↑ Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983. С.3.

Источники

  • Клюнинг А. Материалы акварельной живописи // Художник. 1975, № 9. С.60-62.
  • Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983.

Ссылки

Акварель — Википедия. Что такое Акварель

Акваре́ль (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной поверхности)[1].

Техника

Акварельные краски

Основой для акварели является, как правило, бумага.

Бумага, предназначенная для акварели, должна быть слегка шероховатой. При смачивании бумаги вода должна равномерно и не слишком быстро впитываться по всей поверхности. Большей популярностью пользуется сорт, называемый ватманом.

Обычно бумагу предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями, можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечно-штриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.

Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи, барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта, употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра, терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лак-гаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная, кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия» (Энциклопедия Брокгауза и Ефрона).

Работа акварельными красками на природе, с натуры, требует быстроты и отработанной техники. Вместе с тем, под рукой должен быть сосуд с чистой водой и губка, которая, как правило, участвует в процессе наравне с кистями.

Современные художники достаточно успешно используют сравнительно недавно появившиеся в продаже акварельные карандаши, а также другие материалы, позволяющие «дорабатывать» акварель, к примеру: пастель, восковые мелки, гелиевые чернила, и т. д.

История

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии.

Дж. Тёрнер, Фирвальдштетское озеро, 1802, Акварель, Тейт Британ, Лондон

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски. В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Люси Мэдокс Браун, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс, Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

По инициативе мексиканского художника Альфредо Гуати Рохо в 2001 году день 23 ноября был провозглашен Международным днем акварели.

Акварель в России

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Лагорио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие. Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

В XX веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400 художников[2]. Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Её особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие школы и академии акварели Сергея Андрияки[источник не указан 135 дней].

Примечания

  1. ↑ Акварель // Большая советская энциклопедия : [в 30 т.] / гл. ред. А. М. Прохоров. — 3-е изд. — М. : Советская энциклопедия, 1969—1978.
  2. ↑ Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983. С.3.

Источники

  • Клюнинг А. Материалы акварельной живописи // Художник. 1975, № 9. С.60-62.
  • Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983.

Ссылки

Акварель — это… Что такое Акварель?

У этого термина существуют и другие значения. См. Акварель (значения).

Акваре́ль (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной поверхности) [1].

Техника

Евгений Рындин. Тишина. Акварель с использованием восковых мелков, 2002 Евгений Рындин. Пион. Акварель с использованием акварельных карандашей, 2001 Акварельные краски

Основой для акварели является, как правило, бумага, которую часто предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями, можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Собственно говоря, именно в этом заключается наиболее распространённое современное понимание акварельной техники. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечно-штриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.

Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи, барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта, употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра, терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лак-гаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная, кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия» (Энциклопедия Брокгауза и Ефрона).

Работа акварельными красками на природе, с натуры, требует быстроты и отработанной техники. Вместе с тем, под рукой должен быть сосуд с чистой водой и губка, которая, как правило, участвует в процессе наравне с кистями. Качество акварельной бумаги является очень важным для работы, но самая дорогая и лучшая бумага не всегда доступна начинающим художникам, и потому вполне можно приспособиться к уже имеющейся — настолько, что даже на самой хорошей, но непривычной бумаге результат может оказаться слабее.

Современные художники достаточно успешно используют сравнительно недавно появившиеся в продаже акварельные карандаши, а также другие материалы, позволяющие «дорабатывать» акварель, к примеру: пастель, восковые мелки, гелевые чернила, и т.д.

История

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии. Предшественницей и акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволявшая получать сходные эффекты.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски. В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс, Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

Акварель в России

акварелист на природе
В этой статье не хватает ссылок на источники информации. Информация должна быть проверяема, иначе она может быть поставлена под сомнение и удалена.
Вы можете отредактировать эту статью, добавив ссылки на авторитетные источники.
Эта отметка установлена 16 сентября 2011.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие. Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

В ХХ веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400 художников[2]. Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Ее особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие специализированной школы акварели Сергея Андрияки.

Примечания

  1. ↑ Популярная художественная энциклопедия. Т. 1. «Советская энциклопедия». Москва. 1986. С. 21 — В отдельных случаях произведения, созданные в этой технике вообще относят к графике — не случайно в профессиональной среде принято говорить: «рисовать акварелью»
  2. ↑ Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983. С.3.

Источники

  • Клюнинг А. Материалы акварельной живописи // Художник. 1975, № 9. С.60-62.
  • Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983.

Ссылки

Акварель — Википедия. Что такое Акварель

Акваре́ль (фр. Aquarelle — водянистая; итал. acquarello) — живописная техника, использующая специальные акварельные краски, при растворении в воде образующие прозрачную взвесь тонкого пигмента, и позволяющая за счёт этого создавать эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов. Акварель совмещает особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерной для живописной поверхности)[1].

Техника

Акварельные краски

Основой для акварели является, как правило, бумага.

Бумага, предназначенная для акварели, должна быть слегка шероховатой. При смачивании бумаги вода должна равномерно и не слишком быстро впитываться по всей поверхности. Большей популярностью пользуется сорт, называемый ватманом.

Обычно бумагу предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого могут служить особые рамки — стираторы — на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально. Сообразуясь с собственными манерными возможностями, можно допускать, чтобы вода на листе бумаги выступала в виде лужи или глубоко впитывалась и создавала лишь отдельный влажный участок. Краска в таких случаях играет по-разному, чем создает желаемый эффект. Кроме того, в акварели могут использоваться работа заливками и точечно-штриховая техника. Именно для таких приёмов используется натягивание листа бумаги на планшет, а также так называемые акварельные блоки.

Связующим веществом для акварельных красок служат легко растворимые водой прозрачные растительные клеи — гуммиарабик и декстрин. В качестве пластификатора в них вводят глицерин и инвертированный сахар, удерживающие влагу. Без этого краски бы легко пересыхали и становились хрупкими. Другая добавка к акварельным краскам, служащая поверхностно-активным веществом — бычья желчь. Она препятствует скатыванию красок в капли, облегчая рисование. Для защиты от плесени вводится антисептик — фенол.

По мнению специалистов XIX века, «для акварельной живописи употребляется или бристольский картон, ватманская бумага, или торшон, кисти беличьи, куньи, барсука или хорьковые. Однотонные рисунки делаются или по способу Губерта, употребляя сепию, или нейтральтинтом. Для цветных акварелей наиболее употребительные краски следующие: гуммигут, индийская жёлтая, жёлтая охра, терр де Сиена натуральная, таковая же жжёная, киноварь, кармин гаранс, лак-гаранс, кармин жжёный, охра красная, венецианская красная, индийская красная, кобальт, ультрамарин, берлинская лазурь, индиго, нейтральтинт и сепия» (Энциклопедия Брокгауза и Ефрона).

Работа акварельными красками на природе, с натуры, требует быстроты и отработанной техники. Вместе с тем, под рукой должен быть сосуд с чистой водой и губка, которая, как правило, участвует в процессе наравне с кистями.

Современные художники достаточно успешно используют сравнительно недавно появившиеся в продаже акварельные карандаши, а также другие материалы, позволяющие «дорабатывать» акварель, к примеру: пастель, восковые мелки, гелиевые чернила, и т. д.

История

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии.

Дж. Тёрнер, Фирвальдштетское озеро, 1802, Акварель, Тейт Британ, Лондон

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски. В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ. Society of Painters in Water Colours).

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Люси Мэдокс Браун, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как Уильям Трост Ричардс, Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

По инициативе мексиканского художника Альфредо Гуати Рохо в 2001 году день 23 ноября был провозглашен Международным днем акварели.

Акварель в России

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Лагорио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие. Общество прекратило свою деятельность в 1918 году. В 1998 году общество было возрождено как «Общество акварелистов Санкт-Петербурга».

В XX веке круг русских советских художников, работавших в технике акварели значительно расширился. Об этом интересе свидетельствуют Всесоюзные выставки акварели, регулярно проводившиеся начиная с 1965 года. Например, в VI Всесоюзной выставке акварели в 1981 году в Москве приняло участие около 400 художников[2]. Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Её особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие школы и академии акварели Сергея Андрияки[источник не указан 135 дней].

Примечания

  1. ↑ Акварель // Большая советская энциклопедия : [в 30 т.] / гл. ред. А. М. Прохоров. — 3-е изд. — М. : Советская энциклопедия, 1969—1978.
  2. ↑ Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983. С.3.

Источники

  • Клюнинг А. Материалы акварельной живописи // Художник. 1975, № 9. С.60-62.
  • Современная советская акварель. Автор вступ. ст. В. И. Володин, составитель Н. А. Володина. М., Советский художник, 1983.

Ссылки

акварель — Викисловарь

Морфологические и синтаксические свойства

падежед. ч.мн. ч.
Им.акваре́льакваре́ли
Р.акваре́лиакваре́лей
Д.акваре́лиакваре́лям
В.акваре́льакваре́ли
Тв.акваре́льюакваре́лями
Пр.акваре́лиакваре́лях

ак-ва-ре́ль

Существительное, неодушевлённое, женский род, 3-е склонение (тип склонения 8a по классификации А. А. Зализняка).

Корень: -акварель- [Тихонов, 1996].

Произношение

  • МФА: ед. ч. [ɐkvɐˈrʲelʲ], мн. ч. [ɐkvɐˈrʲelʲɪ]

Семантические свойства

Значение
  1. то же, что акварельная краска; краска, растворимая в воде ◆ Отсутствует пример употребления (см. рекомендации).
  2. техника живописи с использованием акварельных красок ◆ Отсутствует пример употребления (см. рекомендации).
  3. произведение живописи, созданное с помощью акварельных красок ◆ Поднесут какую-нибудь дрянную акварель или статуэтку — а им по знакомству и плати втридорога. И. С. Тургенев, «Вечер в Сорренте», 1852 г.
Синонимы
  1. акварельная краска
  2. —
  3. —
Антонимы
  1. —
  2. —
  3. —
Гиперонимы
  1. краска
  2. живопись
  3. картина, произведение
Гипонимы

Родственные слова

Этимология

Происходит от франц. aquarelle (c 1791 г.), из итал. acquarello, acquerello; изначально — acquarella, acquerella (с конца XIV века). Далее из лат. aquarius «водяной», из aqua «вода» (восходит к праиндоевр. *akwa-) Русск. акварель — с; заимств. через нем. Aquarell или прямо из франц. Использованы данные словаря М. Фасмера. См. Список литературы.

Фразеологизмы и устойчивые сочетания

Перевод

Анаграммы

Библиография

Для улучшения этой статьи желательно:
  • Добавить примеры словоупотребления для всех значений с помощью {{пример}}
  • Добавить все семантические связи (отсутствие можно указать прочерком, а неизвестность — символом вопроса)
  • Добавить хотя бы один перевод для каждого значения в секцию «Перевод»

Морфологические и синтаксические свойства

ак-ва-рель

Существительное, неодушевлённое, женский род.

Корень: -акварелʲ-.

Произношение

Семантические свойства

Значение
  1. акварель (во всех значениях) ◆ Отсутствует пример употребления (см. рекомендации).
Синонимы
Антонимы
Гиперонимы
Гипонимы

Родственные слова

Этимология

Происходит от франц. aquarelle (c 1791 г.), из итал. acquarello, acquerello; изначально — acquarella, acquerella (с конца XIV века). Далее из лат. aquarius «водяной», из aqua «вода» (восходит к праиндоевр. *akwa-)

акварель — Викисловарь

Содержание

  • 1 Английский
    • 1.1 Альтернативные формы
    • 1.2 Этимология
    • 1.3 Произношение
    • 1.4 существительное
      • 1.4.1 Переводы
    • 1.5 Прилагательное
      • 1.5.1 Переводы

Английский [править]

Картина акварелью.

Альтернативные формы [править]

  • акварель ( в основном UK )

Этимология [править]

вода + цвет

Произношение [править]

  • Аудио (США) (файл)

Существительное [править]

В английской Википедии есть статья о: акварель Википедия

акварель ( счётное и бесчисленное , множественное число акварели )

  1. (искусство) Техника рисования краской из суспендированных или растворенных в воде красителей.
  2. (art) Любые произведения искусства, созданные этим методом.
  3. (арт) Любая краска, используемая в этом методе.
Переводы [править]
техника живописи — см. акварель. произведение искусства — см. акварель любая краска, использованная в этом методе — см. акварель

Прилагательное [править]

акварель ( не сопоставимо )

  1. Относящиеся к методам или продуктам акварели.
Переводы [править]
относящиеся к методам или продуктам акварели — см. акварель .

определение акварели от The Free Dictionary

На стене был изображен лорд Нельсон, раскрашенный пылающими акварельными красками; а там, с другой стороны, был портрет последнего флагмана адмирала Бартрама в полном парусе по сланцевому морю, с лососевым небом, дополняющим иллюзию. ПРЕССВИР M2-12 августа 2019 г.-: Global Watercolour Market 2019 Downstream Покупатели, промышленные изменения, производство и стратегия поиска поставщиков к 2025 году Брюэр — местный художник, входивший в совет гильдии художников Эльмхерста, а в настоящее время является директором Общества акварелистов Иллинойса и председателем членского состава Общества прозрачной акварели Америки.Сводка: С помощью «Руководства и рабочей тетради по акварельному карандашу» Мэдисон Смольски начинающие художники откроют свои художественные таланты с помощью этого руководства по практике и расширению своих техник акварельного карандаша. Я хотел, чтобы мой класс в старшей школе сначала работал с высокими ценностями в акварели, а закончил с Мероприятие организовано Филиппинской гильдией акварелистов и Международным акварельным обществом Филиппин при спонсорской поддержке GSIS. Он выразил эти взгляды, выступая в качестве главного гостя по случаю 1-й Международной выставки акварели, которая состоялась в Пешаварском университете в понедельник.Чтобы возглавить историческую Палестину с помощью повествований и искусства, я намерен приступить к созданию новой коллекции произведений и акварелей, которые напрямую заимствованы из воспоминаний и рассказов палестинцев. Акварельные картины нескольких тайваньских художников представлены на международной выставке проводится Всеиндийским обществом изящных искусств и ремесел (AIFACS) в Нью-Дели. Годфри использует различные материалы, включая акварельные и акриловые краски, карандаши, коллаж, тушь и левкас. Подпись: Предыдущая страница: ELSE BOSTELMANN, Submerged Beach, 1400 Fathoms , Бермуды, 1931, Бумага, акварель.Народный художник Федерико Агилар Алькуас и современный художник Эрвин Маллари выставляют работы, изображающие разные предметы, но объединенные в своей акварели. .

акварель Википедия

Метод окраски с использованием водных растворов

Художник работает над акварелью круглой кистью

Акварель (американский английский) или акварель (британский английский; см. Различия в написании), также акварель (французский, уменьшительное от итальянского латинского aqua «вода»), [1] — это метод окраски, при котором краски изготавливаются из пигментов, взвешенных в растворе на водной основе. Акварель относится как к материалу, так и к конечному произведению искусства. Акварели, написанные водорастворимыми цветными чернилами вместо современных акварельных красок, специалисты называют «акварелью атраменто» (латинское слово «акварель, сделанная чернилами»). Однако этот термин все больше и больше выходит из употребления. [2] [3]

Традиционной и наиболее распространенной опорой — материалом, на который наносится краска — для акварельных картин является акварельная бумага. Другие вспомогательные материалы включают папирус, бумагу из коры, пластик, пергамент, кожу, ткань, дерево и акварельный холст (покрытый левкасом, специально созданным для использования с акварелью).Акварельная бумага часто полностью или частично изготавливается из хлопка. [4] Придает поверхности соответствующую текстуру и сводит к минимуму искажения при намокании. [5] Акварельная бумага — это, как правило, бумага холодного отжима, она дает лучшую текстуру и внешний вид с GSM от 200 до 300. Акварельные краски обычно полупрозрачны и кажутся светящимися, потому что пигменты наносятся в чистом виде с небольшим количеством наполнителей, затемняющих пигмент. цвета. Акварель также можно сделать непрозрачной, добавив китайскую белку.

Акварельные краски — древний вид живописи. В Восточной Азии акварельная живопись чернилами называется рисованием кистью или прокруткой. В китайской, корейской и японской живописи он был доминирующим средством, часто в монохромном черном или коричневом цвете, часто с использованием чернил или других пигментов. Индия, Эфиопия и другие страны также имеют давние традиции акварельной живописи.

Американские художники начала 19 века, казалось, рассматривали акварель в первую очередь как инструмент для создания набросков при подготовке к «законченной» работе маслом или гравюре. [6]

История []

Акварельная живопись чрезвычайно древняя, возможно, восходящая к наскальным рисункам палеолитической Европы, и использовалась для иллюстрации рукописей, по крайней мере, с египетских времен, но особенно в европейское средневековье. Однако его непрерывная история как художественной среды начинается с эпохи Возрождения. Немецкий художник Северного Возрождения Альбрехт Дюрер (1471–1528), который нарисовал несколько прекрасных акварелей ботанических, дикой природы и пейзажей, обычно считается одним из первых представителей акварели.Важную школу акварельной живописи в Германии возглавил Ганс Бол (1534–1593) в рамках эпохи Возрождения Дюрера.

Несмотря на это раннее начало, акварель обычно использовалась станковистами в стиле барокко только для эскизов, копий или карикатур (полномасштабных дизайнерских рисунков). Известными ранними практиками акварельной живописи были Ван Дайк (во время его пребывания в Англии), Клод Лоррен, Джованни Бенедетто Кастильоне и многие голландские и фламандские художники. Тем не менее, ботанические иллюстрации и иллюстрации дикой природы, возможно, являются старейшими и наиболее важными традициями акварельной живописи.Ботанические иллюстрации стали популярными в эпоху Возрождения, как в виде раскрашенных вручную ксилографических иллюстраций в книгах или листах, так и в виде рисунков тонированными тушью на пергаменте или бумаге. Художники-ботаники традиционно были одними из самых требовательных и опытных художников-акварелистов, и даже сегодня акварели — с их уникальной способностью резюмировать, прояснять и идеализировать в полном цвете — используются для иллюстрации научных и музейных публикаций. Иллюстрация дикой природы достигла своего пика в 19 веке с такими художниками, как Джон Джеймс Одубон, и сегодня многие полевые гиды-натуралисты все еще иллюстрированы акварельными картинами.

Школа английского языка []

Несколько факторов способствовали распространению акварельной живописи в 18 веке, особенно в Англии. Среди элиты и аристократии акварельная живопись была одним из случайных украшений хорошего образования; картографы, офицеры и инженеры использовали его из-за его полезности при изображении собственности, ландшафта, укреплений, полевой геологии, а также для иллюстрации общественных работ или заказанных проектов. Художников-акварелистов обычно привлекали с геологическими или археологическими исследованиями, финансируемыми Обществом дилетантов (основанным в 1733 году), для документирования открытий в Мерриане, Азии и Новом Свете.Эти экспозиции стимулировали спрос на художников-топографов, которые производили картины на память об известных местах (и достопримечательностях) во время Гранд-тура в Италию, который предпринимал каждый модный молодой человек того времени.

В конце 18 века английский священнослужитель Уильям Гилпин написал серию чрезвычайно популярных книг, описывающих свои живописные путешествия по сельской Англии, и проиллюстрировал их самодельными сентиментальными монохромными акварелями речных долин, древних замков и заброшенных церквей.Этот пример популяризировал акварель как форму личного туристического журнала. Слияние этих культурных, инженерных, научных, туристических и любительских интересов привело к прославлению и продвижению акварели как явно английского «национального искусства». Уильям Блейк опубликовал несколько книг с гравированными вручную стихами, обеспечил иллюстрации к Данте Inferno , а также экспериментировал с большими монотипными работами акварелью. Среди многих других значительных акварелистов этого периода были Томас Гейнсборо, Джон Роберт Козенс, Фрэнсис Таун, Майкл Анджело Рукер, Уильям Парс, Томас Хирн и Джон Уорвик Смит.

С конца 18 по 19 век рынок печатных книг и предметов домашнего искусства в значительной степени способствовал развитию этого средства массовой информации. Акварели использовались в качестве основного документа, на основе которого создавались коллекционные пейзажные или туристические гравюры, а ручные акварельные оригиналы или копии известных картин способствовали созданию многих художественных портфелей высшего класса. Сатирические речи Томаса Роулендсона, многие из которых были опубликованы Рудольфом Акерманом, также были чрезвычайно популярны.

Три английских художника, которым приписывают создание акварели как независимого зрелого живописного средства, — это Пол Сэндби (1730–1809), которого часто называют «отцом английской акварели»; Томас Гиртин (1775–1802), который первым применил его для широкоформатной, романтической или живописной пейзажной живописи; и Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775–1851), который довел акварельную живопись до высочайшего уровня силы и утонченности и создал сотни превосходных исторических, топографических, архитектурных и мифологических акварельных картин.Его метод поэтапной разработки акварельной живописи, начиная с больших расплывчатых цветовых областей, нанесенных на влажную бумагу, а затем уточняя изображение с помощью последовательности смывок и глазури, позволил ему создать большое количество картин с «мастерской эффективностью» и заставил его мультимиллионер, отчасти благодаря продажам в своей личной картинной галерее, первой в своем роде. Среди важных и очень талантливых современников Тернера и Гиртина были Джон Варли, Джон Селл Котман, Энтони Копли Филдинг, Сэмюэл Палмер, Уильям Хавелл и Сэмюэл Праут.Швейцарский художник Абрахам-Луи-Родольф Дюкро также был широко известен своими крупноформатными романтическими картинами акварелью.

Незавершенная акварель Уильяма Берримана, созданная между 1808 и 1816 годами с использованием акварели, туши и карандаша. Использование частичной пигментации привлекает внимание к центральной теме.

Слияние любительской деятельности, издательских рынков, коллекционирования произведений искусства среднего класса и техники 19-го века привело к образованию английских обществ акварельной живописи: Общество художников акварели (1804, ныне известное как Королевское акварельное общество) и Новое Общество акварели (1832, ныне известный как Королевский институт художников акварели).(Шотландское общество художников акварели было основано в 1878 году, ныне известное как Королевское шотландское общество художников акварели.) Эти общества ежегодно устраивали выставки и направляли покупателей для многих художников. Они также участвовали в мелких состязаниях по статусу и эстетических дебатах, особенно между сторонниками традиционной («прозрачной») акварели и первыми приверженцами более плотного цвета, возможного с помощью цвета тела или гуаши («непрозрачной» акварели). Поздний грузинский и викторианский периоды привели к зениту британской акварели, одной из самых впечатляющих работ 19 века на бумаге, [7] благодаря художникам Тернеру, Варли, Котману, Дэвиду Коксу, Питеру де Винту, Уильяму Генри Ханту, Джон Фредерик Льюис, Майлз Биркет Фостер, Фредерик Уокер, Томас Коллиер, Артур Мелвилл и многие другие.В частности, изящные, лапидарные и атмосферные акварели («жанровые картины») Ричарда Паркса Бонингтона создали международную причуду акварельной живописи, особенно в Англии и Франции 1820-х годов.

Популярность акварели стимулировала множество инноваций, включая более плотную и размерную бумагу, а также кисти (так называемые «карандаши»), изготовленные специально для акварели. Уроки акварели были впервые опубликованы в этот период Варли, Коксом и другими, устанавливая пошаговые инструкции по рисованию, которые все еще характеризуют жанр сегодня; Элементы рисования , учебник по акварели английского искусствоведа Джона Раскина, был распродан только один раз с момента его первой публикации в 1857 году.Продавались коммерческие марки акварели, а краски расфасовывались в металлические тубы или в виде сухих лепешек, которые можно было «стереть» (растворить) в студийном фарфоре или использовать в переносных металлических ящиках для красок в полевых условиях. Благодаря достижениям в химии стало доступно множество новых пигментов, включая синтетический синий ультрамарин, синий кобальт, виридиан, фиолетовый кобальт, желтый кадмий, ауреолин (кобальтинитрит калия), белила цинка и широкий спектр озер кармина и марены. Эти пигменты, в свою очередь, стимулировали более широкое использование цвета во всех живописных средах, но в английской акварели, особенно в Братстве прерафаэлитов.

США []

Акварельная живопись также стала популярной в Соединенных Штатах в 19 веке; Среди выдающихся ранних практиков были Джон Джеймс Одюбон, а также ранние художники Школы реки Гудзон, такие как Уильям Х. Бартлетт и Джордж Харви. К середине века влияние Джона Раскина привело к возрастанию интереса к акварели, особенно к использованию детализированного «рускинского» стиля такими художниками, как Джон У. Хилл Генри, Уильям Трост Ричардс, Родерик Ньюман и Фиделия Бриджес. Американское общество художников акварели (ныне Американское общество акварелистов) было основано в 1866 году. Среди американских представителей этого средства в конце XIX века были Томас Моран, Томас Икинс, Джон ЛаФардж, Джон Сингер Сарджент, Чайльд Хассам и в первую очередь Уинслоу Гомер.

Европа []

Акварель была менее популярна в континентальной Европе. В 18 веке гуашь была важным средством для итальянских художников Марко Риччи и Франческо Зуккарелли, чьи пейзажи были широко собраны. [8] Гуашь использовали также многие художники во Франции. В XIX веке влияние английской школы помогло популяризировать «прозрачную» акварель во Франции, и она стала важным средством для Эжена Делакруа, Франсуа Мариуса Гране, Анри-Жозефа Гарпиньи и сатирика Оноре Домье. Другими европейскими художниками, которые часто работали с акварелью, были Адольф Менцель в Германии и Станислав Масловский в Польше.

К сожалению, неосторожное и чрезмерное использование ярко окрашенных анилиновых красителей нефтяного происхождения (и пигментов на их основе), которые быстро тускнеют под воздействием света, и попытки должным образом сохранить двадцать тысяч Дж.Картины М. В. Тернера, унаследованные Британским музеем в 1857 году, привели к проверке и отрицательной переоценке стойкости пигментов в акварели. [ необходима ссылка ] Это привело к резкому снижению их статуса и рыночной стоимости. Тем не менее, изолированные практикующие продолжали отдавать предпочтение и развивать среду в 20 веке. Великолепные пейзажи и морские акварели были выполнены Полем Синьяком, а Поль Сезанн разработал стиль акварельной живописи, состоящий полностью из перекрывающихся небольших слоев чистой цветной глазури.

20 и 21 века []

Среди многих художников ХХ века, создавших важные акварельные работы, следует упомянуть Василия Кандинского, Эмиля Нольде, Пауля Клее, Эгона Шиле и Рауля Дюфи. В Америке основными экспонентами были Чарльз Берчфилд, Эдвард Хоппер, Джорджия О’Киф, Чарльз Демут и Джон Марин (80% его работ — акварель). В этот период американская акварельная живопись часто имитировала европейский импрессионизм и постимпрессионизм, но значительный индивидуализм процветал в «региональных» стилях акварельной живописи с 1920-х по 1940-е годы.В частности, «Кливлендская школа» или «Школа Огайо» художников сосредоточилась вокруг Кливлендского художественного музея, а художники Калифорнийской сцены часто были связаны с голливудскими анимационными студиями или Художественным институтом Чуинарда (ныне Калифорнийский институт искусств). Художники из Калифорнии использовали разнообразную географию своего штата, мерзлотовый климат и «автомобили», чтобы возродить уличную традицию или традицию «пленэра». Наиболее влиятельными среди них были Фил Дайк, Миллард Шитс, Рекс Брандт, Донг Кингман и Милфорд Зорнес.Калифорнийское общество акварели, основанное в 1921 году и позднее переименованное в Национальное акварельное общество, спонсировало важные выставки их работ. Самая большая акварель в мире на данный момент (9 футов (3 м) в высоту и 16 футов (5 м) в ширину) — это Корпус 6 Портрет: Интерьер. [9] Произведено американской художницей Барбарой Эрнст Прей по заказу MASS MoCA, [10] Работу можно увидеть в здании Роберта Уилсона MASS MoCA. [11]

Хотя рост абстрактного экспрессионизма и тривиализирующее влияние художников-любителей и стилей живописи под влиянием рекламы или мастерских привели к временному снижению популярности акварельной живописи после ок.1950 год: акварелью продолжают пользоваться такие художники, как Марта Берчфилд, Джозеф Рафаэль, Эндрю Уайет, Филип Перлштейн, Эрик Фишл, Герхард Рихтер, Ансельм Кифер и Франческо Клементе. В Испании Сефери Оливе создал новаторский стиль, которому последовали его ученики, такие как Рафаэль Алонсо Лопес-Монтеро и Франческ Торне Гавальда. В Мексике главными экспонентами являются Игнасио Барриос, Эдгардо Коглан, Анхель Мауро, Висенте Мендиола и пастор Веласкес. На Канарских островах, где у этой живописной техники есть много последователей, есть выдающиеся художники, такие как Франсиско Боннин Герин, Хосе Комас Кесада и Альберто Манрике.

Акварельная краска []

Акварельная краска состоит из четырех основных ингредиентов: пигмента; гуммиарабик как связующее, удерживающее пигмент в суспензии; добавки, такие как глицерин, бычья желчь, мед и консерванты для изменения вязкости, укрывистости, стойкости или цвета смеси пигмента и носителя; и испаряющаяся вода в качестве растворителя, используемого для разбавления краски перед нанесением.

Более общий термин watermedia относится к любой среде для рисования, в которой в качестве растворителя используется вода и которую можно наносить кистью, ручкой или распылителем.Это включает большинство чернил, акварелей, темпер, казеинов, гуашей и современных акриловых красок.

Термин «акварель» относится к краскам, в которых в качестве связующего используются водорастворимые сложные углеводы. Первоначально (в 16-18 веках) связующими для акварели были сахара и / или клеи для кожи, но с 19 века предпочтительным связующим является натуральный гуммиарабик с глицерином и / или медом в качестве добавок для улучшения пластичности и растворимости связующего. , а также с другими химическими веществами, добавленными для увеличения срока годности продукта.

Термин «цвет кузова» относится к непрозрачной, а не прозрачной краске. Обычно это относится к непрозрачной акварели, известной как гуашь. [12] В современных акриловых красках в качестве связующего используется дисперсия акриловой смолы.

Коммерческие акварели []

До начала XVIII века художникам-акварелистам приходилось делать краски самостоятельно, используя пигменты, купленные у аптекаря или специализированного «колормена», и смешивая их с гуммиарабиком или другим связующим. Самые ранние коммерческие краски представляли собой небольшие смолистые блоки, которые нужно было смачивать и тщательно «стирать» в воде, чтобы получить приемлемую интенсивность цвета.Уильям Ривз начал свой бизнес в качестве цветного мастера около 1766 года. В 1781 году он и его брат Томас Ривз были награждены Серебряной палитрой Общества искусств за изобретение влажной акварельной краски . удобство, введенное в «золотой век» английской акварельной живописи. «Пирог» сразу растворялся при прикосновении к нему влажной кистью.

Современные коммерческие акварельные краски доступны в двух формах: тюбики или сковороды. Большинство красок, продаваемых сегодня, находятся в складных небольших металлических тюбиках стандартных размеров, состав которых аналогичен консистенции зубной пасты, поскольку они уже смешаны с определенным водным компонентом.Для использования эту пасту необходимо дополнительно разбавить водой. Краски для сковороды (на самом деле маленькие засохшие лепешки или кусочки краски в открытом пластиковом контейнере) обычно продаются в двух размерах: полные и половинные.

Благодаря современной промышленной органической химии разнообразие, насыщенность и постоянство цветов художников, доступных сегодня, значительно улучшились. С 2014 года Golden Artist Colors производит сильно пигментированную линию под названием QoR watercolors («Качество результатов»), в которой в качестве связующего используется аквазол.Правильные и нетоксичные основные цвета теперь присутствуют благодаря введению желтого ханса, синего фталоида и хинакридона (PV 122). Из такого набора из трех цветов в принципе можно смешивать все остальные, так как в классической технике белый не используется. Современное развитие пигментов не было обусловлено художественными требованиями. Индустрия художественных материалов слишком мала, чтобы оказывать влияние на глобальное производство красителей или пигментов. За редкими исключениями, такими как ауреолин, во всех современных акварельных красках используются пигменты, которые имеют более широкое промышленное применение.Производители красок закупают, по промышленным меркам, очень небольшие запасы этих пигментов, измельчают их с транспортным средством, растворителем и добавками и упаковывают. Процесс измельчения с неорганическими пигментами более дорогих брендов уменьшает размер частиц для улучшения цветопередачи при нанесении краски с водой.

Прозрачность []

В партийных дебатах в мире английского искусства XIX века гуашь решительно противопоставлялась традиционной акварели и критиковалась за ее высокую укрывистость или отсутствие «прозрачности»; Возвышались «прозрачные» акварели.Отвращение к непрозрачным краскам произошло из-за того, что еще в 19 веке свинцово-белила использовались для улучшения качества покрытия. Этот пигмент имел тенденцию быстро обесцвечиваться в черный под воздействием сернистого загрязнения воздуха, полностью разрушая произведение искусства. [13] Традиционное утверждение, что «прозрачные» акварели обретают «яркость», потому что они действуют как оконное стекло, положенное на бумагу — цвет усиливается, потому что свет проходит через пигмент, отражается от бумаги и проходит секунду. время через пигмент на пути к зрителю — ложно.Акварельные краски обычно не образуют связного красочного слоя, как акриловые или масляные краски, а просто разбрасывают частицы пигмента случайным образом по поверхности бумаги; прозрачность обусловлена ​​тем, что бумага видна между частицами. [14] Акварель может казаться более яркой, чем акрил или масло, потому что пигменты наносятся в более чистой форме, с небольшим количеством наполнителей (таких как каолин) или без них, затемняющих цвета пигментов. Обычно большая часть или все связующее для жевательной резинки будет абсорбировано бумагой, не позволяя связующему изменять видимость пигмента. [14] Поглощение жевательной резинки увеличивает адгезию пигмента к бумаге, и частицы пигмента будут легче проникать в волокна. Фактически, важная функция жевательной резинки — облегчить «подъем» (удаление) цвета, если художник хочет создать более светлое пятно на окрашенной области. [14] Кроме того, камедь предотвращает флокуляцию частиц пигмента. [14]

См. Также []

Примечания []

  1. ^ «акварель, н. a b c d D. Kraaijpoel & C. Herenius. (2007) Het kunstschilderboek — Handboek voor materialen en technieken , Cantecleer, p. 183

Ссылки []

История []

  • Эндрю Уилтон и Энн Лайлс. Великий век британской акварели (1750–1880) . Престел, 1993.ISBN 3-7913-1254-5
  • Энн Лайлс и Робин Хэмлин. английских акварелей из коллекции Oppé . Издательство галереи Тейт, 1997. ISBN 1-85437-240-8
  • Кристофер Финч. Американские акварели . Abbeville Press, 1991. ASIN B000IBDWGK
  • Кристофер Финч. Акварель девятнадцатого века . Abbeville Press, 1991. ISBN 1-55859-019-6
  • Кристофер Финч. Акварели ХХ века . Abbeville Press, 1988.ISBN 0-89659-811-X
  • Эрик Шейнс. Тернер: Великие акварели . Королевская академия художеств, 2001. ISBN 0-8109-6634-4
  • Мартин Харди. Акварельная живопись в Великобритании (3 тома: I. Восемнадцатый век; II. Романтический период; III. Викторианский период.). Бэтсфорд, 1966–1968. ISBN 1-131-84131-X
  • Майкл Кларк. Заманчивый проспект: социальная история английской акварели . Публикации Британского музея, 1981. ASIN B000UCV0XO
  • Мур, Шон. Максимальный визуальный словарь . Дорлинг Киндерсли, 1994. ISBN 0-7513-1050-6

Учебные пособия и методика []

  • Рекс Брандт. Победные способы акварели: основные приемы и методы прозрачной акварели за двадцать уроков . Ван Ностранд Рейнхольд, 1973 г. ISBN 0-442-21404-9
  • Дэвид Дьюи. Акварельная книга: материалы и техники для современного художника . Watson-Guptill, 1995. ISBN 0-8230-5641-4
  • Донна Селдин Янис. Сарджент за рубежом: фигуры и пейзажи . Abbeville Press; 1-й ион (октябрь 1997 г.). ISBN 978-0-7892-0384-7.
  • Шарль Леклер. Искусство акварели (Исправленное и расширенное издание). Watson-Guptill, 1999. ISBN 0-8230-0292-6
  • Королевское акварельное общество. Мастер акварели . Cassell Illustrated, 2004. ISBN 1-84403-149-7
  • Джон Раскин. Элементы рисунка [1857]. Watson-Guptill, 1991. ISBN 0-8230-1602-1 (Также доступны репринты других издателей.)
  • Пип Сеймур. Акварельная живопись: Справочник для художников . Ли Пресс, 1997. ISBN 0-9524727-4-0
  • Стэн Смит. Акварель: полный курс . Ридерз Дайджест, 1995. ISBN 0-89577-653-7
  • Кертис Таппенден. Базовый курс: акварель . Cassell Illustrated, 2003. ISBN 1-84403-082-2
  • Эдгар А. Уитни. Полное руководство по акварельной живописи . Watson-Guptill, 1974. [Dover Edition ISBN 0-486-41742-5]

Материалы []

  • Ян Боковой. Справочник по бумаге для художников-акварелистов . North Light, 2000. ISBN 1-58180-034-7
  • Жак Тернер. Кисти: Справочник для художников и ремесленников . Design Press, 1992. ISBN 0-8306-3975-6
  • Сильви Тернер. Книга о тонкой бумаге . Thames & Hudson, 1998. ISBN 0-500-01871-5
  • Майкл Уилкокс. Руководство Уилкокса по лучшим акварельным краскам . Школа публикаций цвета, 2000. ISBN 978-0-9679628-0-1

Внешние ссылки []

.
Leave a comment
by : alexxlab Акварель

Акварельные краски для художников: 10 лучших акварельных красок для художников – рейтинг 2020

Выбираем акварель. Виды красок, материалы

На первый взгляд, выбор кажется большим, особенно если учитывать количество красок – голова кругом идёт! Но на самом деле всё не так сложно. Акварель бывает в таких видах: твёрдая (в плитках), полутвёрдая или пастообразная (в тубах и кюветах), жидкая (в пузырьках и баночках от 29 до 35 мл) и перламутровая. Что ж, давайте рассмотрим каждый из них:

Твердая акварель в плитках

Абсолютно любая твёрдая акварель является экономным вариантом, и отлично подходит для начинающих. Согласитесь, нет смысла покупать дорогие краски, о которых мы поговорим ниже, если ученик впервые берется за кисть. Такие краски имеют довольно неплохое качество, так как времена пересохших красок уже прошли.

Сколько красок должно быть в наборе?

В наборах может быть от 12 до 36 красок, однако далеко не все из них будут использованы. Большое количество красок в наборе иметь совершенно не обязательно, более того, это просто неудобно. Желательно перепробовать все возможные комбинации красок, чтобы знать, какие сочетания дают грязь, а какие — необычные цвета, отсутствующие в наборе. Выбираются для работы не более десяти наиболее употребимых красок. Чаще всего, это голубая, кадмий желтый, красный и оранжевый, охры, умбра, изумрудно-зеленая, нейтральная черная.

Полутвердая акварель в кюветах

Полутвердые акварельные краски в кюветах дают яркие цветовые тона и хорошо ложатся на бумагу. Демократическая цена, компактность и длительный срок хранения делает этот тип акварельных красок незаменимым инструментом для каждого художника. Они хорошо смешиваются и дают спокойные цветовые тона.

Могут выпускаться (в зависимости от производителя) в картонной или пластмассовой коробке. Активисты, которые смешивают краски прямо в ванночках, скорее всего, поймут все преимущества именно пластмассовой коробочки. Ведь картонная коробка довольно быстро пачкается.
Такая акварель удобна для работ небольших объемов и с целью экономии времени на замесы.

Красками в кюветах обычно выполняются небольшие работы, например, на пленэре при выполнении набросков. Так как бывает, и довольно часто, что на замесы уходит времени больше, чем на само письмо и не очень удобно вымывать краски из кювет для больших форматов. Полутвердые акварельные краски в кюветах должны содержать достаточное количество глицерина, меда, сахара или патоки, но не избыточное, иначе краски плохо и неровно ложатся на бумагу.

Пастообразная акварель в тубах

Ну, это, как правило классика живописи. Если вы работаете над работами больших форматов, то использование мягкой пастообразной акварельной краски в тубах поможет вам в случае её интенсивных расходов. Этот вариант конечно не для экономных людей, зато краски не пачкаются между собой.

Любой набор должен содержать в себе все базовые цвета. Разводится обычно водой в ванночке палитры, малюсенькой каплей полужидкой краски. Может «жить» десятки лет. А если повезёт, найдёте их в магазине поштучно.

В общем, если вы чётко понимаете для чего они вам, то можно их брать как второй набор. Особенно, будет полезно, если вы без проблем можете манипулировать смешиванием красок.

Посоветую еще взять складную пластиковую палитру отдельно, в которую удобно будет выдавливать краски.

Кстати, когда они высохнут, ими можно пользоваться как и сухими. Таким же образом можно заполнять израсходованные кюветы.

Жидкие акварели

Работать с ними очень просто, ими можно писать как с емкости сразу, так и разводя водой. Плюсы – шикарный яркий цвет, насыщенность, множество разнообразных оттенков и красивых сочетаний. На пробке в маленьких пузырьках есть капельница. Она удобна для того, чтобы точно выдерживать необходимые пропорции.

Где используется? При работе с аэрографом, жидкая акварель – наше всё. То же самое касается и традиционных акварельных работ. Профи используют дистиллированную воду.

Что касается перламутровых акварелей, их цветные пигменты отлично ложатся на поверхности дерева, ткани, гипса, бумаги и картона.

Акварельные карандаши

Растворимые в воде карандаши доступны в широком диапазоне цветов, так же как и простые карандаши. Акварельные карандашами не различаются как карандаши графита — (от 9B, самое мягкое, к 9H, самое твердое), но их мягкость действительно изменяется между марками, таким образом иногда стоит купить типовой карандаш от различных марок, чтобы увидеть, кому отдать предпочтение прежде, чем купить набор. Чем мягче акварельный карандаш, тем легче он оставляет след на бумаге.

Акварельные карандаши выглядят так же как и простые, но если внимательно рассмотреть надпись, напечатанную на них, то можно увидеть небольшой символ, означающий что карандаши можно размывать водой. Обычно это маленькая капелька, кисточка или слово «акварель». Ну и конечно их всегда можно проверить на клочке бумаги.

Перламутовая акварель

В различных художественных работах могут использоваться перламутровые акварельные краски – новый вид акварели, созданной на основе цветных перламутровых пигментов. Краски легко разводятся водой, набираются на кисть и ложатся на бумагу ровным слоем. При высыхании слой краски светлеет, при этом усиливается перламутровый блеск. Основой для рисования могут быть бумага, картон, дерево, ткань, гипс и другие материалы.

Это важно знать

Краски делятся на две группы — теплые и холодные. К теплым относятся желтые, оранжевые, красные,коричневые, то есть все краски, которые в основе своей содержат то или иное количество красного или желтого цвета.
К группе холодных — голубые, синие, зеленые, фиолетовые, если в них преобладают холодновато-синие оттенки. Зеленые, фиолетовые, серые и черные цвета могут быть как холодными, так и теплыми в зависимости от особенностей колера и влияния окружения.
Цвета синий, желтый, красный — основные, остальные, полученные путем смешения, считаются производными — теплыми или холодными в зависимости от состава красок.

Светостойкость красок на этикетках обозначена звездочками
*** — светостойкие краски
** — среднесветостойкие краски
* — малосветостойкие краски

Ну а теперь конкретно по производителям

Самая популярная и близкая к профессиональной — акварель Ленинград и «Санкт-Петербург». Я пользуюсь такой много лет — вернее, она спокойно лежит лет 15, а цвета столь же свежи. К тому же у нее демократическая цена. В такой коробке 16 цветов, хватит на все; их можно докупать отдельно. Профессиональные краски, самые дорогие и качественные, пигменты натуральные, мономолекулярные, то есть чистое вещество одного состава, а не смеси нескольких веществ для получения нужного тона (смесь — это плохо) и насколько я понимаю, нерастворимые в воде, перетёртые до мельчайшего состояния частиц, химически инертные. Краски очень хорошо ложатся на бумагу, прекрасно смешиваются, дают спокойные цветовые тона (кстати, возможно кому-то это и не понравится, Сонет — ярче), имеют самую длительную стойкость к воздействию света и не выцветают со временем (большинство красок). Наборы бывают в картонных коробках и пластиковых, которые увеличивают цену, но более долговечны и позволяют разводить краски на внутренней стороне крышки набора, используя её как палитру.

Рембрандт Акварельные Краски

Акварель REMBRANDT («Рембрандт») производится в городе Апелдорн голландской компанией «ROYAL TALENS». Основал её Мартин Таленс (Marten Talens) в 1899 году. Титул «Royal»(Ройал, королевский) компания получила в 1949 году от королевской четы за высокое качество продукции и следование традициям. «ROYAL TALENS» производит все виды художественных красок и является одним из ведущих производителей в своей отрасли.

REMBRANDT – уникальная по своим свойствам профессиональная акварель. В ней совмещены лучшие традиции прошлого и современные технологии. Акварель REMBRANDT изготавливается из качественных пигментов сверхтонкого помола и чистого гуммиарабика. Благодаря мелкому помолу пигмента краска имеет высокую степень светостойкости, прозрачности и при этом обеспечивает отличную цветопередачу. Она хорошо ложится на поверхность, позволяя художнику контролировать расход краски на бумаге с любой сложной фактурой. Я сама с удовольствием пользуюсь материалами этого производителя.

«Winsor And Newton»

считается в мире родоначальником акварельных красок, компания с древней и знатной историей. Выпускает акварельные краски для студентов и опытных художников подешевле и краски для мастеров высокого уровня. Скажу только одно — очень дорого. Небольшой студенческий набор с 16 красками потянет на 50 долларов легко. И сопоставимо по качеству с продукцией ЗКХ «Невская палитра», Коробка отличных красок отечественного производства на 24 или 36 цветов с полноценными кюветами, а W&N ещё и кюветы с красками кладут половинного размера, обойдётся вам как скромный студенческий набор W&N, Выводы делайте сами.

Краски «Сонет» , «Невская палитра» — серединка и для начинающих, и для опытных художников по соотношению цена/качество. Они и из натуральных и синтетических пигментов, за счёт чего достигается оптимальная цена. Хорошо, дают качественные цветовые тона.

Акварельные краски «Студия» («Гамма», Москва), в своё время, привлекли меня наличием церулеума и виридоновой красок, а так же розничной продажей туб. К сожалению (о тубах), качество не всегда удовлетворительное или нестабильное, даже для опробованных цветов. Золотистая охра, которую я активно использовал, при разведении водой вдруг стала «пузыриться», хуже смешиваться в уже опробованных сочетаниях и давать «грязь» на листах, особенно крупнофактурных.

Существует уже акварель флюоресцентных цветов

Насыщенные неоновые цвета, которые реагируют при воздействии ультрафиолетового света, быстро приобрели популярность. Флуоресцентная акварель может использоваться как самостоятельный продукт, и при нанесении может показаться немного прозрачной при дневном освещении или при освещении лампы накаливания, а так же может быть использована при наложении на другие акварели для усиления цвета и придания насыщенности при ультрафиолетовом освещении.

Кисти:

Основная кисть синтетика плоская №16 или 14, Гамма или Киров. Поначалу можно обойтись только такой кистью. Синтетика — современный искусственный материал. Аналог колонка, но более долговечный, также чуть более упругий. Недостаток — в синтетическую кисть меньше набирается воды. Волос кисти должен быть тонким, на кончике хорошей кисти он становится ещё тоньше.

выбираем лучшие из лучших (+20 фото)

Самые первые краски, с которыми знакомятся наши дети, далеки от гордого звания «акварельных». Наш ребёнок получает небольшую симпатичную пластиковую коробочку с 6-8-ю яркими цветами под прозрачной крышкой и кошмарной пластиковой кисточкой внутри, которой проще размазывать клей по картонке, чем творить шедевры. А между тем, акварельные краски были известны и в Древнем Китае, и в Египте, и в Риме и Греции, правда, использовались они по большой части не по назначению, а для письма и графических иллюстраций к тексту, потом – для макияжа, и уж только после – для рисования.

Живопись акварелью

Живопись акварельными красками, как таковая, возникла гораздо позже, лишь в конце XVIII века. В начале XIX века она окончательно оформилась, как самостоятельный вид искусства и стала считаться предметом увлечения для избранных особ, которые могли позволить себе часами овладевать этой сложной техникой рисования.

Техники рисования акварелью

Название техники находится в прямой зависимости от влажности бумаги, на которую наносится рисунок. Так, техника «английской акварели» выполняется на мокрой бумаге, «итальянская» – «по-сухому». Комбинация этих техник даёт воистину прекрасные произведения, где мягкие цветовые переходы очерчены строгими рамками другого полупрозрачного тона.

Картина акварелью

A la Prima – быстрое письмо по мокрому полю, создание неповторимых эффектов разводов, перетекание одного цвета в другой, с разноцветными переливами и прозрачным «стеклянным» фоном. Эта техника требует отточенности чувства цвета и композиционного решения, т.к. пишется за один сеанс – возможность каких-либо исправлений исключена. Это однослойная техника.

Рисунок акварелью

Многослойная предполагает искусство лессировки – способ нанесения акварельных красок полупрозрачными мазками, более тёмных на более светлые (и наоборот), уже высохшие слои. В лессировке мазки редко смешиваются, часто даже видны границы самого мазка, но просвет бумаги должен оставаться обязательно и верхний цвет совершенно необязательно того же оттенка, что предыдущий.

Рисунок акварелью

Это лишь общие понятия о множестве техник и «подтехник», доступные и понятные для художников, избравших для своей музы художественную краску акварель. Но пока это всё ещё не доступно для юного «Микеланджело» — вашего ребёнка, ему только предстоит узнать, как смешивать цвета для выбранного рисунка, как выбрать подходящую кисть и технику, как обрести свою собственную манеру письма, чтобы его работы узнавали «по руке мастера», а картины знали «в лицо».

Со временем он начнёт разбираться в красках и холстах, тональностях разных мазков по степени влажности разных частей бумаги и пр. и пр., а для начала ему надо просто купить хорошие акварельные краски 12 цветов любой понравившейся вам марки.

На видео: проверка акварельных красок на качество.

Акварель отечественного производства

Отложим в сторону художественные краски для детей с 6-ю кюветами и топорщащейся во все стороны щёткой, без зазрения совести именуемой «кисточкой для рисования». Присмотримся к продукции ОАО «Гамма» (Москва) и ЗХК (Завод художественных красок) «Невская палитра» (Санкт-Петербурга).

«Гамма» – очень неплохая акварель для первых шагов в мир искусства, но до уровня профессиональных красок она всё-таки не дотягивает, хотя и значится таковой.

Акварель Гамма

А вот Питерские акварели – настоящая легенда со времён СССР. Такие названия, как «Сонет», «Нева», «Ладога», «Белые ночи» музыкой звучат для ушей художников-акварелистов, знакомых с детства с яркими, красивыми цветами в мини-контейнерах. Это не только широчайшая гамма цветовой палитры, это – высочайшее качество продукции!

Акварель Сонет

Акварели в наборе «Ладога» – маркированы, как краски профессиональные, и для профессионального обучения.

Акварели Ладога

«Сонет» и «Белые ночи» подойдут как крутым акулам кисти, так и ребёнку для знакомства с канонами акварельной живописи. Краски отличаются отличной смешиваемостью, экономичностью использования.

Акварель Белые ночи

Сами кюветы-контейнеры заполнены полностью, сверху наложена плёнка с правильными названиями цветов на двух языках, что поможет ребёнку сразу выучить название краски на русском и английском. 12 или 16 цветов вполне достаточно для первых уроков, 36 – много и дорого, но лучше всего приобрести набор из 24-х кювет. Конечно, и из 12-ти цветов можно получить достаточно большое количество красивых смешиваемых цветов с различными оттенками, но выбор 24-х будет оптимальным, да и цена по карману не ударит.

В принципе, какой бы из питерских наборов вам ни приглянулся, вы не прогадаете: все они похожи между собой, у всех цвета яркие, декоративные, а пигменты вообще одинаковые. Разница лишь в цене. Удобен и тот факт, что любую из использованных кюветок легко заменить, докупив точно такую же отдельно от набора, и вставив в освободившееся гнездо.

Совет! Не выбрасывайте опустошённые ванночки-кюветы! Они ещё не раз пригодятся вашему юному художнику для хранения смешанных красок, которые он научится составлять сам.

Акварель

Зарубежные аналоги

Есть ли альтернатива питерской акварели? Есть. Поскольку с российским производителем мы определились, посмотрим, какие акварели нам предлагают «забугорные друзья»:

Знаменита не только своими тюльпанами, но и изумительной акварелью Van Gogh (Ван Гог), выпускаемой заводом Royal Talens. Имя этого художника должно знаменовать высокое качество краски, и это полностью оправдывает её название. Учитывая солидный возраст бренда и его непоколебимость на рынке художественных изделий, можно не сомневаться в качестве этих живописных красок.

Под маркой «VG» выпускаются пастели, бумага, холсты, кисти и карандаши. Все краски могут быть как в кюветах, так и в тубах (тюбиках).

Акварель Van Gogh

Голландия может предложить и другую линейку Royal Talens – акварельные, масляные и акриловые краски Rembrandt (Рембрандт). Это самый старый бренд, известный с 1899 г, как вино – чем старше, тем лучше вкус (качество). Это воистину культовый бренд!

Выпускает Royal Talens и жидкую акварель Ecoline в фирменных квадратных бутылочках.

Акварель Ecoline

Славится брендом «флорентийского производства» — акварелью, маслом, акрилом натурального и синтетического состава Da Vinci (Да Винчи). Краски выпускаются в двух наборах: для профессионалов и начинающих художников – study. Но особое признание получили немецкие кисти, которые изготавливаются вручную из меха колонка, соболя, песца и щетины вола. Есть и синтетические аналоги. Если есть возможность выбрать кисти, то остановитесь именно на них. Это – лучшие из лучших!

Среди немецких брендов явно лидируют краски фирмы Schmincke – акварельные краски AKADEMIE® Aquarell (премиум класса). Они созданы по старинным, можно сказать, семейным рецептам. Но мы не будем останавливаться на них – цена в 130$ за одну кювету не отпугивает только профессионалов.

Акварель AKADEMIE Aquarell

Представлена компанией Sennelier, основанной Гюставом Сеннельѐ в 1887 г. Красками Sennelier вполне могли пользоваться и Пикассо, и Сезанн, Гоген и сам Ван Гог. Компания выпускает профессиональные художественные акварели Sennelier Artists для высоких профессионалов (другое название «L’aquarelle») в 98 (!) цветов и акварель классом пониже – «Raphael» (Рафаэль). Однако, независимо от класса, обе краски сделаны только на натуральных основах, в частности – на меду.

Акварель Sennelier

Конечно, не могла остаться в стороне, и с 1832 г выпускает фантастический по своему качеству товар компании Winsor&Newton – художественные краски (акварель, масло, акрил) «Winsor&Newton» (Винзор энд Ньютон). Начало триумфальному шествию продукции положило объединение профессиональных интересов художника Генри Ньютона и химика Уильяма Винзора.

Акварель Winsor&Newton

Как принято во многих других компаниях, акварельная краска winsor newton «W&N» выпускается двух классов: «Winsor&Newton cotman» — для общих работ, и «Winsor&Newton artist» — для создания высокохудожественных акварелей. Компания славится также товарами для графики и выполнения каллиграфических работ. Голова идёт кругом от разнообразия акварельных изысков!

Что лучше выбрать?

Проведём небольшой сравнительный кастинг между самыми популярными марками. В кастинге на право называться «Наилучшим акварельным набором для начинающих» участвуют:

  • «Белые ночи» — БН.

акварельные краски Белые ночи

  • «Winsor&Newton Cotman» — W&N.

Winsor&Newton Cotman

Van Gogh акриловые краски

Палитры всех наборов яркие, сочные, богатые, крупинок не заметно (качественный перемол пигментов), значит, не будет и остатка. При плотном покрытии бумаги VG поверхность краски начинает чуть поблёскивать, словно покрытая тонкой плёнкой лака. Ни БН, ни W&N такого эффекта не дают. 

Однако в наборе VG нет фиолетового цвета, зато небесный оттенок синего и голубого – выше всяких похвал! Фиолетовый придётся покупать (другого бренда) или смешивать из имеющихся цветов.

голубая краска

Вымывка применяется для удаления основного покрытия (краски) с бумаги влажной или отжатой кисточкой по непросохшему слою по желанию художника. Все три акварели удаляются легко, оставляя за собой лишь слабый оттенок – часть пигмента. 

Попробуем переход цвета в цвет. У акварели VG переход плавный и смешивание происходит легко, без резкости и грязи. БН «зависает» в структуре зернистой бумаги, то же демонстрирует и W&N. Это не катастрофа. При смене бумажного поля всё проходит, как по маслу!

У красок W&N зелёный менее насыщенный, чем у БН и VG. Чтобы получить должный цвет, приходится гуще накладывать краску – лучше заменить кювету на ванночку из другого набора.

зеленая краска

Все три претендента даже при сильном размывании водой показали высокую светостойкость (рисунок не будет выцветать), яркость красящего пигмента и хорошую прозрачность. У всех трёх оттенки мягкие и отлично взаимодействуют между собой (хорошее смешивание), высокая степень вязкости. Замечания к БН – проигрывают по мелкотёрстости состава, зато значительно опережают «соперников» по лёгкости набора на кисть и по созданию тёмных, глубоких, завораживающих оттенков в процессе смешения красок.

Выходит, процесс покупки хорошей акварели для ребёнка затягивается: каждый из претендентов хорош по своему и каждый имеет свои специфические недостатки. Так что делать? Купите ребёнку любой желаемый набор, который ему понравится. Пусть выберет он!

Проследите, чтобы в наборе обязательно присутствовали базовые цвета акварели: кадмий жёлтый, оранжевый, кадмий красный, охра, железо-окисная красная, краплак (карминовая), зелёная, голубая, ультрамарин, изумрудная и умбра жжёная (чёрная). Остальные можно докупить по отдельности, не взирая на марки и бренды.

Акварельные краски

И – бумага! Бумага очень важный момент! Она не менее важна, чем сама акварель и кисти для работы с этой краской. Те, кто пишет акварелью давно, уверяют, что 50% успеха зависит не от состава или бренда красок, а от выбранной бумаги. Выбирайте бумагу с хорошо выраженной структурой – зернистостью. Бумага для акварели не должна быть идеально гладкой. Никогда!

Сравнение акварели Белые ночи, Ван гог и Сеннелье (1 видео)

Акварель разных производителей (20 фото)

Какие краски акварельные лучше. Блог школы рисования

На демонстрационном мастер-классе Збуквича в Москве ему задали вопрос: какие краски вы предпочитаете?
На что маэстро пожал плечами и сказал: да разные, все хорошие!
Соглашусь с маэстро:)Winsor&Newton, Schmincke, Daniel Smith, Sennelier, Rembrandt, Mr Graham, Holbein
На самом деле брендов очень много и все хороши!
С тюбиками обычно не хочется связываться новичкам. Непонятно куда их выдавливать и как быть, если краска остается? Как мыть палитру? ну и вообще ради чего все это, если есть компактные наборы с кюветами?
Как только вы задумаете смелые большие заливки, возьметесь за большой формат или захотите по-настоящему насыщенного цвета — вы поймете зачем нужны тюбики!
Но я бы рекомендовала начинать с тюбиков и хорошей палитры сразу, даже если вы новичок. По крайней мере перед вами не будет стоять проблема «почему у меня все такое бледное?» 🙂 С тюбиками получается ярко и смело. И к слову, более экономично. Можете посчитать расход красок в кюветах и тюбиках по мл.
А из кювет еще и тяжело брать цвет, когда они близятся к концу. Как правило часть краски так и пропадает.
Тюбики продаются по 5, 15 и даже больше мл. Встречаются наборы, можно покупать поштучно.
Я беру самые разные марки и разные цвета. Все те, что я перечислила выше — я пробовала и осталась довольна.
Что лучше купить:
Я бы советовала начать с тех же белых ночей (у них есть такие наборы с тюбиками, поштучно не продаются) — стоить этот набор будет как один большой заграничный тюбик:)
Дальше вы уже почувствуете вкус и будете докупать конкретные цвета. Как правило, всем не хватает ярко-бирюзового в палитре белых ночей, не очень хороший кобальт синий (поэтому я его беру у шминке).
Не стоит брать сразу миллион всевозможных оттенков. Разнообразие на первых порах даже вредит.Поэтому многие задания для новичков я делаю с ограничениями по цвету.
Если средства позволяют — берите тюбики профессиональных серий. Если нет, не спешите огорчаться и пробуйте ученические.
Например Cotman (от W&N) или Van Gogh
Разница между ученическими и профессиональными красками в составе. Но дело совсем не в том. что в проф. серии все такое ути-пути натуральное, а в ученической — искусственное. Совем нет. Пигменты одни и те же.

12 лучших акварельных красок для художников

Обновлено: 26.06.2020 13:29:36

Эксперт: Елизавета Рабинович

*Обзор лучших по мнению редакции expertology.ru. О критериях отбора. Данный материал носит субъективный характер, не является рекламой и не служит руководством к покупке. Перед покупкой необходима консультация со специалистом.

Все дети любят рисовать. В будущем для кого-то это остается просто хобби, кто-то выбирает профессиональную стезю художника. Кроме развития творческого потенциала необходимы правильно подобранные инструменты и расходные материалы. Не только от таланта зависит результат. Акварельные краски – это невероятное количество оттенков, помогающих передать все фантазии автора на бумагу. Их состав довольно прост. Основные компоненты: красящий пигмент и водорастворимый клей. Дополнительно могут добавлять пластификаторы, антисептики и смачиватели.

Профессиональные художники подбирают палитры с особой тщательностью. Мы постараемся помочь начинающим аквалеристам, которым сложно определиться с выбором. В статье мы расскажем о 12 красках, которые считаются лучшими в своей области. Все их параметры получили высокий балл: концентрация пигмента, светостойкость, разносимость, цветовая устойчивость при смешивании тонов. При отборе были учтены мнения экспертов и художников, которые имеют богатый опыт в своем деле.

Рейтинг лучших акварельных красок для художников

Лучшие акварельные краски для художников 12 цветов

Набор красок акварель Winsor&Newton 12 кювет

Рейтинг: 4.9

Золотой призер – отличный вариант для путешествий и пленэров на природе. Металлическая коробка оснащена дополнительными блоками для добавления красок по своему усмотрению. Также она служит и палитрой. 12 базовых цветов отлично смешиваются между собой, давая невероятно большое количество необычных оттенков. В наборе присутствуют ализариновый кармазин, сиена жженая и натуральная,китайский белый, французский ультрамарин, кость жженая, лимонный желтый, зеленый из ягод крушины устойчивый, винзор синий/зеленоватый, желтый, красный, охра желтая.

В состав входит только экологически чистое сырье. Акварель дает глубокий цвет, обладает повышенной светоустойчивостью. Она создана для особо требовательных художников, подходит для разных техник. Профессиональная линейка разработана вместе с авторитетными экспертами, поэтому качество краски безупречно.

Покупатели ставят оценку «отлично» продукции Winsor&Newton. Бренд, ведущий свою деятельность с 1832 года, сохраняет традиции, при этом использует новейшее специализированное оборудование.

Достоинства
  • прозрачность и чистота цветов;
  • места для дополнительных 12 кювет;
  • высочайшая степень светостойкости;
  • компактный ударопрочный футляр.

Набор акварели Schmincke Horadam Urban Sketching Set 6 цв (блокнот+кисть)

Рейтинг: 4.8

На второй строчке находится профессиональная краска, известная мастерам всего мира. Полная палитра серии включает 110 цветов. Наш серебряный призер содержит 6 кювет и дополнительное место для еще двух. Это отличный дорожный вариант, куда входят блокнот для зарисовок формата А6 и складная кисть. В производстве используются пигменты, которые прошли повышенный контроль качества. Гуммиарабик закупается напрямую у производителя в южном регионе Сахары.

Краски Horadam получили профессиональную оценку 5 из 5 возможных по уровню светоустойчивости. Уникальная технология изготовления гарантирует равномерную концентрацию пигментов. Состав не менее 4 раз заливается в кюветы и высушивается в течение нескольких недель в специальных камерах. На производство уходит не менее 3 месяцев.

Компания из Германии была основана в 1881 году. Ее товары популярны среди художников различных уровней подготовки, но особенно ценятся опытными мастерами. Совершенствуя технологии, каждый раз предлагаются все более качественные составы с высокой чистотой цвета.

Достоинства
  • отборное дорогостоящее сырье;
  • запатентованная технология производства;
  • максимальная степень светостойкости;
  • удобный вариант для путешествий.

Набор красок акварель LEFRANC & BOURGEOIS Louvre 12 цветов

Рейтинг: 4.7

Третье место отдано набору, который произведен известным французским брендом. Серия Louvre оптимально подойдет для начинающих художников. В состав входят отборные, качественные материалы. Вредные токсичные добавки отсутствуют. 12 насыщенных цветов обладают высокой светоустойчивостью. После нанесения состава создается плотная эластичная пленка, которая предохраняет рисунок от растрескивания и пожелтения.

Цвета хорошо смешиваются, отдают пигмент равномерно. Переходы плавные, красивые. Тубы вмещают 10 мл готового красящего состава. Любителям и новичкам обеспечены аккуратное использование и минимальный контролируемый расход. LEFRANC & BOURGEOIS применяет проверенные рецептуры и инновационные методики, что позволяет добиться высокого качества при вполне доступной цене.

Покупатели отмечают, что благодаря приемлемой стоимости, набор активно приобретают для юных художников, которые только пробуют себя в творчестве.

Достоинства
  • проверенный производитель;
  • хорошая цветопередача;
  • равномерное распределение пигмента;
  • демократичная цена набора.

Лучшие акварельные краски для художников 24 цветов

Набор красок акварельных ShinHanArt PWC, 24 цвета

Рейтинг: 4.9

Лучший набор из 24 цветов – это продукт известного южнокорейского бренда, создающего товары для профессионального творчества. В отличие от стандартных туб объем упаковок составляет 15 мл. Это увеличивает время пользования и значительно экономит бюджет. Работы, написанные при помощи акварели ShinHanArt, радуют долгие годы своим безупречным качеством и насыщенностью тонов. В составе – только безопасные, отборные компоненты.

Стойкий пигмент соединяется с натуральным клеем гуммиарабиком, что обеспечивает глубину и яркость цветового покрытия. В палитре представлены как традиционные тона, так и необычные. При смешивании можно получить чистый уникальный оттенок без грязи. Акварель этой серии обладает повышенной устойчивостью к выцветанию. Максимальная степень прозрачности сочетается со светостойкостью.

Продукция бренда давно используется во многих техниках акварельной живописи, в архитектурном дизайне, графике. Она популярна не только среди профессионалов, но и любителей художественного творчества и хобби.

Достоинства
  • отборные мелкодисперсионные пигменты;
  • ультратонкая профессиональная краска;
  • ясность и чистота всех оттенков;
  • экономичное расходование одной упаковки.

Акварельные краски Sennelier Aquarelle Travel Box в наборе, 24 кюветы

Рейтинг: 4.8

Следующий популярный набор – разработка известной марки Sennelier. Она помогает начинающим художникам раскрывать творческий потенциал, любителям − создавать живописные рисунки с максимальной сохранностью изображений. Высокоточные пигменты передают всю глубину оттенка. Для улучшения качества они дополнительно перетираются на жерновах из гранита. В рецептуре – экологически чистые компоненты. Токсичных веществ в ней нет. В качестве связующей добавки выступает глицерин.

Компактный пластиковый пенал удобно брать с собой в путешествия, на пленэры. Внутреннюю часть крышки можно использовать как палитру. Футляр самопроизвольно не открывается, сохраняя гигиеническую чистоту содержимого. Краски быстро размачиваются, хорошо смешиваются между собой, подходят для всех видов бумаги. Нанесенное изображение быстро сохнет.

Отзывы подтверждают хорошие характеристики акварели Aquarelle Travel Box. Она медленно расходуется, служит отличным вариантом подарка на любой праздник. Цена вполне доступная. Французский набор рекомендуют и покупатели, и эксперты.

Достоинства
  • насыщенные базовые цвета;
  • прозрачность и легкость оттенков;
  • высокая разносимость пигментов;
  • удобный дорожный футляр.

Набор художественных акварельных красок в тюбиках DALER-ROWNEY Simply, 24 цвета

Рейтинг: 4.7

Третье место занимает набор, который создан для учащихся художественных школ, любителей и всех начинающих аквалеристов. С ним можно без помощи профессионалов создавать изображения в различных техниках. Основные базовые тона передают чистый цвет. При смешивании получаются разнообразные неординарные оттенки. Бренд из Великобритании является ведущим мировым производителем, который вот уже более 200 лет выпускает качественные товары для творчества. В линейках есть продукция, ориентированная на требовательных мастеров и на новичков.

Серия для начальной ступени подготовки максимально адаптирована под неопытных художников. Простота нанесения, легкость смешивания, быстрое высыхание дают возможность воплотить в реальность все задуманные идеи. Акварель ложится на любую бумажную основу.

В каждом алюминиевом тюбике содержится 12 мл готовой краски. Она аккуратно выдавливается, позволяя контролировать расход. Стоимость набора доступна для людей со скромным достатком. Получив необходимые навыки и поэкспериментировав в техниках, можно приобретать краску более высокого профессионального уровня.

Достоинства
  • известная старейшая марка;
  • насыщенные пигменты;
  • богатая палитра оттенков;
  • высокая светоустойчивость.

Лучшие акварельные краски для художников 34-36 цветов

Набор акварели Mijello Mission White 34 цвета MWC-7034

Рейтинг: 4.9

Лучшим признан набор корейского бренда, который давно известен российским художникам, благодаря высокому качеству своей премиальной продукции. Его визитная карточка – различные виды акварельных красок. Особая технология производства дает составам легкость, воздушность, равномерное точное нанесение, а также плавные переходы от интенсивного оттенка к более прозрачному.

Набор производится из смеси качественных мелкофракционных пигментов и гуммиарабика, который признан лучшим растительным клеем для производства профессиональных красок. Объем туб – 15 мл. Это в совокупности с насыщенностью состава позволяет длительно расходовать краски даже при интенсивном пользовании.

В серии Mission White представлены два основных цвета в больших тубах. Смешав черный или белый с другими оттенками, получается плотная матовая субстанция для работы в постерных техниках. Положительные отзывы оставляют и профессионалы, и только начинающие художники. Акварель быстро сохнет, рисунки не выгорают, расход экономичный.

Достоинства
  • разработка экспертов акварельных техник;
  • высокопигментированный состав;
  • соответствие стандартам безопасности;
  • повышенный объем упаковки.

Набор красок акварель Reeves 36 цветов по 10 мл в тубах

Рейтинг: 4.8

Серебро – у акварельного набора, выпущенного в тубах по 10 мл. Его производитель – старейший бренд, который был основан в 1768 году в Великобритании. Продукция производится исключительно из нетоксичных, экологически чистых материалов. Краски подходят для художников с любым опытом работы. Начинающим легко использовать акварель, опытным нравится отличная цветопередача и равномерные переходы оттенков.

Краска изготовлена из высококонцентрированных пигментов. Они быстро сохнут, легко распределяются по поверхности, подходят для любой бумажной и картонной основы. Цвета гармонично смешиваются, они необычайно яркие и насыщенные.

Товар Reeves высоко оценили многие покупатели. Краска в уже готовом виде расходуется экономично, нанесенное изображение не растрескивается, не выгорает на солнце. Доступная цена вместе с высоким качеством повышает спрос на профессиональный набор. При ограниченном бюджете он станет отличным вариантом покупки, а также подарка для художника-аквалериста.

Достоинства
  • насыщенный пигментированный состав;
  • безопасные для здоровья компоненты;
  • создание богатой палитры оттенков;
  • красивая подарочная упаковка.

Акварельные краски Невская палитра Белые ночи 36 цветов х 2,5 мл (19421244)

Рейтинг: 4.7

Далее в списке – краски известной российской марки «Невская палитра». Она работает с 1934 года, выпуская продукцию для начинающих и профессиональных художников. В наборе представлено 36 базовых цветов, необходимых для творчества. Смешивая, можно получить разнообразные нюансы, которые бы точно передали замысел автора. Краски производятся на основе водного раствора растительного клея гуммиарабика. Состав нетоксичен, что подтверждено соответствующими сертификатами безопасности.

Высокая концентрация пигмента обеспечивает глубокую интенсивность цвета, которая сохраняется при разбавлении даже большим количеством воды. Краски обладают высочайшим показателем светостойкости, что гарантирует сохранность рисунков на 100 лет и выше.

Согласно отзывам с набором «Белые ночи» полностью раскрываются приемы и техники акварельной живописи. Он удобен для применения в студии и на выезде на природу. Пластиковый пенал снабжен съемной палитрой. Защелка крепко фиксируется, поэтому при перевозке он не откроется, и содержимое сохранится в чистоте.

Достоинства
  • создание чистых цветов в смесях;
  • быстрая скорость высыхания;
  • качественный безопасный состав;
  • удобный для пленэров футляр.

Лучшие акварельные краски для художников свыше 36 цветов

Набор акварельных красок SAKURA Koi 72 кюветы

Рейтинг: 4.9

Первое место занимают краски известного японского производителя, который уже 100 лет выпускает материалы для профессиональных художников. Они отличаются безопасным составом, что подтверждено независимой организации, специализирующейся на проверке товаров и хобби на предмет токсичности. В набор включены 72 тона, 12 из них − металлизированные и флуоресцентные. Высокая концентрация пигмента обеспечивает отличную цветопередачу на все виды бумажных основ. Цвета прекрасно накладываются друг на друга.

Набор универсальный. Он подходит для студийного и домашнего использования, выездных сессий. Также он будет незаменим в путешествиях, так как в комплект включены основные необходимые инструменты для зарисовок: две круглые кисти small и medium с емкостью, губки для удаления излишек воды. Пластиковых палитр 2: одна расположена на оборотной крышке футляра, вторая отдельно вложена в набор.

Краски Koi – это профессиональный расходный материал, который отвечает требованиям опытных художников. Большое количество цветов можно еще увеличить и добиться любых оттенков.

Достоинства
  • разработка 2018 года с новыми оттенками;
  • подтвержденная безопасность по стандарту ACMI;
  • применение в студиях и на пленэрах;
  • дополнительные инструменты для работы.

Набор акварельных красок Royal Talens Van Gogh 48 кювет

Рейтинг: 4.8

Второй призер – набор, который включает 48 кювет. Он был выпущен в 2018 году и сразу завоевал популярность среди профессиональных художников. Обновленная версия представляет кроме базовых тонов металлические, с эффектом грануляции и интерферентные, меняющиеся в зависимости от угла обзора. Van Gogh впервые вышла в 1963 году, и многие уже смогли убедиться в высочайшем качестве материалов бренда.

Акварель достаточно легкая в использовании, поэтому подойдет для работы начинающим художникам. Она не расплывается на бумаге, быстро высыхает, цвета наслаиваются равномерно с хорошей передачей. Кюветы имеют объем всего 1,3 мл. Но на самом деле краски в них вмещается не меньше, чем в стандартные емкости 2,5 мл. Это обеспечивается специальной технологией запекания, в результате которой из массы выпускаются пузырьки, высушиваются и только потом уже в готовом виде вставляются в блоки.

Пользователями продукцией известного бренда становятся именитые художники и только начинающие свой путь аквалеристы. Он гарантирует отменное качество красок и безопасность для здоровья.

Достоинства
  • известная акварельная серия красок;
  • безупречные переходы от оттенков;
  • нетоксичный состав из качественного сырья;
  • компактная металлическая коробка.

Краски акварельные Superior 48 цветов, с палитрой и кистью

Рейтинг: 4.7

Третьим стал набор, который включает, как и предыдущий номинант, 48 цветов. Он может быть использован как выездной вариант, так как в комплект входит кисть, а обратная сторона крышки служит палитрой для создания необходимых оттенков. Коробка пластиковая, особо прочная, замок надежно фиксируется, поэтому при транспортировке самостоятельно не откроется.

Высококонцентрированный пигмент отлично передается на бумагу. В состав продукта Superior включены отборные компоненты. Консистенция краски легко меняется при помощи воды. Художник может играть с прозрачностью, делать оттенки интенсивные или, наоборот, воздушные, легкие.

Недорогая профессиональная краска удовлетворяет потребности начинающих художников. Хорошая адгезия позволяет использовать все виды бумаги. Цвета яркие, степень светостойкости хорошая. Благодаря красивой картонной коробке, набор может стать приятным и полезным презентом для юного аквалериста. С помощью разнообразных цветов можно экспериментировать, претворять все свои смелые фантазии в жизнь.

Достоинства
  • удобный дорожный вариант;
  • базовые и дополнительные тона;
  • оптимальная разносимость;
  • доступная стоимость.

Внимание! Данный рейтинг носит субъективный характер, не является рекламой и не служит руководством к покупке. Перед покупкой необходима консультация со специалистом.

8 лучших брендов акварельных красок 2020

В этой статье вас ждет список моих любимых производителей акварели. При выборе акварельных красок, нужно учитывать не только марку, но и форму выпуска: в тубах или кюветах.

Немалое значение имеет и предназначение, ведь акварель можно использовать не только как основное художественное средство, но и просто писать ею исключительно одни этюды. В последнем случае сгодится и обычный набор для эскизов. Но для создания профессиональных картин следует обзавестись самой качественной краской, какую только сможет позволить бюджет. (Запомните, ученическая акварель стоит дешевле не без причины: обычно она содержит больше связующего вещества, поэтому высоким качеством не отличается). В этой статье я перечислю бренды акварельных красок моего личного предпочтения.

1. Sennelier в тубах и кюветах

Состав этой французской краски был изменен в 2012, благодаря чему в ней увеличено содержание меда. Sennelier представляет собой самую высококачественную художественную акварель. Ее можно приобрести в тубах по 10 мл (0.33 унции) или 21 мл (0.71 унций), а также в половинных кюветах.

Мне нравится, что эта краска легко соединяется с водой и превращается в размывку интенсивного глубокого тона. На фотографии вы видите мой карманный набор акварели Sennelier сразу после покупки. Теперь он выглядит слегка потрепанно. Недавно я приобрела набор побольше, состоящий из 12 цветов.

2. M.Graham в тубах

Это сильно пигментированная акварель с очень насыщенными и яркими цветами. Она достаточно укрывистая и расходуется медленно.

Кроме традиционного гуммиарабика и глицерина, акварель M.Graham также изготавливается из меда. За счет этого краски не засыхают в тубе (ведь мед впитывает влагу из воздуха) и хорошо растворяются в воде, а мазки получаются очень тонкими и гладкими.

M.Graham предлагает более 70 оттенков акварели.

3. Daniel Smith в тубах и стиках

Отличная акварель лишь с одним существенным недостатком — цена. Этот бренд выпускает акварель, которая славится чистотой своих пигментов и поразительной цветовой палитрой, охватывающей более 200 оттенков. Большинство из них являются однопигментными, а значит, отлично смешиваются с другими красками. В ассортименте также несколько интригующих и специфических красок (например, радужная). Можно купить карту пробников, на которую точечно нанесено 238 пигментов. Чтобы их испытать, достаточно смочить их влажной кистью.

Раньше акварель Daniel Smith можно было купить только у самих производителей. Однако сейчас они доступны в магазинах США, Канады, Англии, Австралии а с недавнего прошлого — даже России, что позволяет художникам этих стран свободно пользоваться этими красками.

4. Schmincke в тубах и кюветах

Достойные художественные краски Schmincke выпускаются под брендом Horadam Aquarell. Их тона не самые насыщенные, но способ изготовления наделяет цвета сравнительно одинаковым характером. Эти акварели славятся очень мелким помолом, что делает их удивительно чистыми и однородными.

Цветовая линейка насчитывает более 100 тонов, плюс наборы акварели металлических оттенков в кюветах.

5. Winsor & Newton в тубах и кюветах

Это один из фаворитов на рынке художественных принадлежностей. Нельзя сказать, что популярность данного бренда отражает абсолютное качество. Скорее всего, она связана с его распространенностью и доступностью, а также сравнительно недорогой ценой (но не для России). Если вы настроены всерьез посвятить себя искусству живописи, то стоит попробовать акварель и других марок. Те, кому нужен набор красок в кюветах только для создания этюдов, могут ограничиться небольшим набором Winsor & Newton.

Бренд выпускает акварель высшей пробы под простым названием «Artist’s Water Colour» («Художественная акварель»), а ученические краски идут в серии «Cotman». Цветовая гамма в пределах 100 оттенков включает также наборы кюветов большого объема в пластиковых и металлических упаковках.

6. Daler Rowney в тубах

Мой самый первый набор акварели был именно от этого изготовителя. Я с радостью пользовалась им, вдоволь экспериментируя и не боясь извести слишком много краски. Опять же, если вы мастер-акварелист, не ограничивайтесь одной этой маркой.

Производитель предлагает 80 цветов. Линейка профессиональных красок называется «Artists’ Quality Watercolour» («Качественная художественная акварель»), а ученическую акварель можно найти под лейблом «Aqufine» (прежде «Georgian»).

7. Прочие марки

Что касается российских красок, то несомненно лучшие из них — это акварель «Белые ночи» от завода Невская палитра. Из, конечно, не назовешь лучшими акварелями в принципе, но по соотношению цена-качество в России ей нет равных.

Акварельная индустрия пестрит еще многими брендами на любой вкус. Я лично не знакома с остальными производителями, но некоторые из них обладают порядочной репутацией: Turner и Holbein, Da Vinci, Old Holland, Maimeri, Talens, Pebeo, Caran D’Ache, Lefranc and Bourgeois, Grumbacher, Utrecht..

Цвета базовой акварельной палитры

Независимо от бренда мой выбор стартового набора из 6 основных пигментов (по теплому и холодному оттенку каждого из них) содержит:

  • Кадмий желтый (Cadmium Yellow) и Азо желтый (Azo Yellow)
  • Кадмий красный (Cadmium Red) и Хинакридон красный (Quinacridone Red)
  • Церулеум cиний (Cerulean Blue) и Фталоцин синий (Phthalocyanine Blue) или Берлинская лазурь (Prussian Blue)

Однако необходимо с осторожностью использовать пигменты Кадмия (Cadmium) из-за их токсичности. Также, вы можете подобрать оттенки, основанные на других пигментах.

Автор: Marion Boddy-Evans

 

Поделиться статьей:

 

Акварельная краска

Акварельная краска состоит из пигмента и водорастворимого клея (связующего). В качестве связующего в акварели используют гуммиарабик, но в дешевых красках его могут заменять декстрином, вишневым клеем и др. Дополнительно, при производстве акварельной краски, добавляют пластификатор (глицерин, мед, патока) для эластичности пленки, консерванты (антисептики) от плесени и смачиватель (бычья желчь) для равномерного нанесения на поверхность.

 

ВИДЫ АКВАРЕЛЬНЫХ КРАСОК

Полутвердые в кюветах

Это сухая краска, изначально залитая в жидком виде в прямоугольники небольшого размера, которые расфасованы в наборы или продаются поштучно. Стандартный объем кюветы примерно 2,5 мл, но также продаются и “половинки” (half-pans), которые удобны для зарисовок вне дома.Чаще всего, такими акварельными красками работают на небольших форматах (трудно «вытащить» нужный объем краски из сухих кюветок).

Внутренняя сторона крышки набора чаще всего используется в качестве палитры. Если коробка пластиковая — краска может въедаться, а в металлические с эмалью — нет. 


Мягкие в тюбиках

Практически — жидкая краска. Самое главное отличие ее свойств от акварели в кюветах – насыщенный цвет и яркость. Хорошо подходит для заливок и больших форматов, в том числе и с точки зрения экономии. Как правило, во время работы акварель выдавливают из туб в пустые кюветы, которые лежат в коробке-палитре. Когда работа заканчивается, излишки краски так и остаются в кюветах. Коробка-палитра закрывается. Даже если краски немного подсохнут, их сбрызгивают водой и они опять готовы к употреблению. Самая популярная кисть для работы краской из тубы на больших форматах — мягкий флейц.

Жидкая “акварель”

Не является акварелью по своему составу. В первую очередь потому, что она сделана не из пигментов, а из красителей. Правильнее было бы называть ее неводостойкими чернилами, обладающими свойствами, присущими акварели. Хорошо подходит для иллюстраций и скетчей.

“Медовая” акварель

Детские акварельные краски из раствора безвредного кукурузного клея декстрина и натуральных медсодержащих добавок (патока, сахар). Несмотря на слово «детские», эту акварель также любят иллюстраторы и скетчисты.

Наборы акварели медовой

РАЗЛИЧИЯ МАРОК АКВАРЕЛЬНЫХ КРАСОК


Как и в других красках, на уровень (и цену) акварельной краски влияют:

  • Высокая концентрация пигмента. Как следствие – небольшой расход краски

  • Широкая палитра цветов (чем краска выше по уровню, тем больше оттенков она в себя включает)

  • Светостойкость

  • Показатели разносимости краски

  • Цветовая устойчивость при смешении различных цветов

Качественная профессиональная краска — это всегда невероятная красота оттенков! Это значит, что ты можешь воспользоваться уже готовым сложным цветом, что облегчает работу художника многократно. Профессиональные аквалеристы подбирают свои палитры не один год, понимая, как это важно.

 

ВСПОМОГАТЕЛЬНЫЕ СРЕДСТВА ДЛЯ АКВАРЕЛИ


Более подробно в статье Вспомогательные средства для водорастворимых красок.

Кратко можно выделить следующие вспомогательные средства:

  • Связующие для акварели и гуаши
Которые позволяют самостоятельно сделать краски, используя пигмент и связующее.
  • Разбавители для акварельных красок
Для уменьшения поверхностного натяжения воды, что позволяет наносить краску более равномерно, исключая сгущение краски или изменения ее цвета.
  • Средства для маскирования
Маскирование – временно скрытие элементов, на которые не должна попасть краска.
  • Добавки для эффектов поверхности
Различные пасты и гели для увеличения пастозности краски и создания декоративных рельефов, увеличения глянца или блеска, для создания эффекта металлик и многие другие.
  • Грунт для акварели

Таким грунтом можно загрунтовать любые поверхности (холст, дерево, бумагу), после чего на них можно работать акварельными красками.

 

БУМАГА ДЛЯ АКВАРЕЛЬНЫХ КРАСОК


Считается, что в акварельной живописи первоочередным является качество бумаги. Даже качественная краска на плохой бумаге не сможет продемонстрировать все красоту своих оттенков и прекрасные свойства. Для акварельной бумаги первостепенное значение состав и проклейка. Проклейка обеспечивает акварельную бумагу минимальной впитываемостью, прочностью при работе во влажном состоянии. 

Акварельная бумага выпускается в разных форматах — от больших рулонов до небольших блокнотов формата А5 (для зарисовок). Сейчас в моде большие форматы бумаги, поэтому самым экономичным вариантом в этом случае будет покупка рулона.

Более подробно о свойствах акварельной бумаги в статье Акварельная бумага.

Вдохновляющие акварельные работы Юлии Барминовой




Акварельные краски и их виды

Акварельные краски — это прекрасное и очень универсальное средство, которое применяется во многих сферах — на занятиях рисованием в школе, для иллюстраций, изображения пейзажей, на курсах живописи, в конце концов, для выпускных работ по курсу живопись.

Основа акварельной краски — цветной пигмент, который находится в большой концентрации в суспензии, а в процессе высыхания рассеивается по всей поверхности полотна, проникая внутрь и окрашивая его. В заводских акварельных красках, в качестве вяжущего вещества чаще всего применяют природные материалы, такие, как гуммиарабик или пропилен гликоль. У каждого производителя существуют свои секреты уникального состава суспензии — это основная (ключевая) композиция.

Акварельная краска — это водорастворимый материал, достичь такого эффекта удается благодаря находящимся в её составе вяжущим веществам и пигментам, они то и не растворяются в воде. Пигменты можно условно разделить на несколько категорий: натуральные неорганические (природные или металлические пигменты из природных месторождений), синтетические неорганические (природные или металлические пигменты, образованные путем соединения химических реактивов и руд, изготовленных на промышленном производстве), натуральные органические (пигменты, созданные на основе животных или растительных материалов), синтетические органические (пигменты — на основе углерода (чаще всего состоят из нефтяных соединений). На сегодняшний день, существует такая практика, что художники, пишущие свои полотна в основном для продажи, чаще пприменяют в работе материалы, на основе синтетических пигментов. В широком смысле именно по количеству пигмента краски можно определить разницу между шедеврами профессиональных художников и работами студентов, в полотнах живописцев можно наблюдать большее количество пигментов. Если вы хотите узнать больше по этой теме — советуем прочесть статью «Как делают акварельные краски».

Виды акварельной краски

Выделяют определенные типы акварельной краски, выпускаемой серийно: краски в металлических тюбиках, напоминающие по консистенции зубную пасту, похожие на небольшие пироги в маленькой пластиковой форме, для того, чтобы они стали пригодными для работы — нужно добавить большое количество воды и жидкие краски.

Тюбики и чаши

В 17-18 веке художники извлекали пигмент из растений, минералов и пытались изготовить его самостоятельно из гуммиарабика, гранулированного сахара и воды. Первый набор акварельных красок, был создан в конце 18 века, Томасом и Уильямом Ривсом (William and Thomas Reeves), а в 1832 он был доработан фирмой “Winsor and Newton”. Они сделали краски более влажными и решили сменить деревянную коробку на аккуратную фарфоровую чашу, обернутую фольгой, сделав краски более мобильными и облегчив тем самым работу с ними.

В 1846 году впервые появились краски в тюбиках: Уинстон и Ньютон внедрили их, как более продвинутый вариант масляных красок, которые фирма впервые представила в 1841 году. Больше информации об изобретении тюбиков для краски и о том, как это повлияло на импрессионизм, в статье «Импрессионизм и фотография».

Жидкие акварельные краски

Жидкие акварельные краски — это концентрированные жидкие субстанции, объем которых может колебаться от 1 до 8 унций (от 28 до 224 гр.) Или в еще более мелких бутылочках, в зависимости от бренда производителя. Они дарят яркий, глубокий цвет, который, при добавлении воды приобретает некую размытость и бледные оттенки. Такие краски больше подходят для работы с краскопультом, чем для стандартного способа нанесения материала, кистью на холст. Интенсивности цвета и густота краски, зависит от производителя, но исходя из их общих характеристик, можно сказать, что они скорее подойдут младшим школьникам, чем профессиональным художникам.

Автор: Lisa Marder

 

Поделиться статьей:

 

40+ бесплатных видеоуроков по рисованию акварелью для начинающих

Simple watercolor painting Источник фото Ресурсы По сценарию Маккеллы Сойер Раскрытие информации: этот пост может содержать партнерские ссылки. Это означает, что если вы что-то покупаете, мы получаем небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас (подробнее)

Акварель заставляет многих художников понервничать с первого взгляда.

Это не самый щадящий способ, поскольку вы не можете стереть или скрыть ошибки.

Акварель следует другим правилам, чем большинство других средств. Но как только вы усвоите эти правила, вы можете быстро влюбиться в акварель.

Несмотря на свою репутацию проблемного ребенка влажных медиа, акварели доставляет массу удовольствия изучать их с правильными ресурсами. Мы нашли более 40 простых видео, которые помогут вам быстро научиться рисовать акварелью, и даже разделили их по категориям, чтобы вы могли быстро найти то, что вам нужно для достижения ваших целей и уровня навыков.

Начало работы / Основные методы и материалы

4 основных навыка акварели, которые должен знать каждый новичок

Нет лучшего места, чтобы начать, не так ли?

Это видео, посвященное четырем основным навыкам, поможет вам узнать, как работает акварель, и послужит прочной основой для всех других навыков, которые вы получите из этих руководств.

Это идеальное место для начала, если вы полный новичок. К концу этого урока вы уже научитесь работать с прозрачностью акварели, чтобы ваши картины выглядели эффектно!

Что и нельзя делать для начинающих

Знать, чего НЕ делать, так же важно, как и знать, что вам следует делать!

Попробуйте эти советы по предотвращению множества распространенных проблем, с которыми сталкиваются акварелисты, таких как тонкая бумага, неравномерное цветовое покрытие и карандашные контуры, просвечивающие сквозь краску.

Как использовать акварель — Введение

Это простое руководство поможет вам выбрать подходящие материалы и познакомит вас с основными техниками акварели менее чем за семь минут.

Это идеальное видео для получения общего представления о том, как работает акварель, в рекордно короткие сроки.

7 советов по акварели (для начинающих!)

Это видео отвечает на распространенные вопросы новичков, о которых вы даже не подозревали.

Научитесь создавать плавный цветовой охват, а не пятнистый, беспорядочный цвет, где виден каждый штрих.

Также узнайте разницу между бумагой для горячего и холодного пресса (да, это так) и как правильно хранить кисти, чтобы не бегать в магазин через день.

Кисти для акварели недешево!

Учебник для начинающих

Готовы перейти к более подробному руководству?

Это видео по-прежнему великолепно для новичков, но в нем подробно рассказывается о расходных материалах и их использовании.

Узнайте о различных типах акварельной бумаги и о различиях между красками, которые поставляются в тюбиках, и красками для тортов.В этом видео также исследуются возможности использования гуаши, еще одной полупрозрачной краски, похожей на акварель.

Основы акварели для начинающих

Это довольно подробное руководство по различным техникам акварели для рисования с гладким покрытием, использования соотношений воды и краски для изменения интенсивности цвета и управления красками, чтобы они не растекались повсюду.

Да, много.

Это также демонстрирует игривую, более снисходительную сторону акварели, так что вы можете научиться расслабляться и по-настоящему играть со средой.

Цветовой круг акварели

Если вы когда-нибудь посещали уроки рисования, вы наверняка видели или даже создавали цветовое колесо.

Краткое освежение: Цветовой круг — это диаграмма цветового спектра, а создание цветового круга — это упражнение по использованию трех основных цветов (красного, желтого и синего) для смешивания каждого цвета радуги.

В этом видео показано, как настроить цветовое колесо и смешать двенадцать разных цветов с акварельными красками.

Поскольку акварель ведет себя иначе, чем масляная или акриловая краска, очень важно научиться смешивать цвета, чтобы они не стали мутными.

Опираясь на методы

Как рисовать интенсивные цвета теней

Начинающие акварелисты часто сталкиваются с проблемами при рисовании теней.

Это связано с тем, что легко использовать слишком много воды и рисовать слишком легко, а также потому, что выбор цвета для теней, которые появляются, а не выглядят мутными, может быть реальной проблемой.

Попробуйте этот урок по выбору цветов и рисованию ярких теней.

Смешанная акварельная краска мокрое по сухому

Еще одна распространенная проблема для начинающих — плавное растушевывание вместо цветных пятен с твердыми краями, особенно на сухой бумаге.

Жесткие края могут быть аккуратными и все такое. Но иногда просто хочется безупречного, плавного изменения цвета.

Что ж, это видео отлично показывает, как создавать плавные цветовые градиенты и смешивать цвета на странице, даже если они уже высохли!

Основы акварельного глазурования и наслоения

Глазурование и наслоение — отличные техники для затенения, плавного изменения цвета и создания ценностей в ваших акварельных картинах, сохраняя при этом высокий уровень контроля.

Попробуйте это видео, чтобы начать работу со всеми этими основными методами.

Вы будете удивлены, как быстро вы усвоите это в своей работе!

Как красить Flat Wash

Рисование размывкой — один из самых базовых навыков, который вы можете развить, когда только начинаете рисовать акварелью. И это удивительно сложно освоить.

Многие новички борются с пятнистыми, смешанными цветами или с переувлажненными и слишком светлыми красками.

Если вы сами боретесь с этим, попробуйте это видео, чтобы узнать, как рисовать красивые, гладкие пятна.

Как рисовать градиентными акварельными красками

После того, как вы научитесь рисовать идеальные плоские размывки, следующим шагом будет нанесение градуированных размывок одним цветом или размывки с цветовым градиентом.

Это видео поможет вам добиться гладкой смывки без пятен, которая со временем становится светлее.

Лучший гид для настоящего художника-акварелиста.

Поднятие и удаление акварельного пигмента

Распространенное заблуждение о акварели, которое отпугивает многих, — это то, что вы не можете стереть.

Как только цвет появляется на странице, он остается на нем. Правильно?

Ну… может и нет.

Посмотрите это видео, чтобы узнать, как убрать акварель со страницы, чтобы создать текстуру или ценность, или исправить крик, который вам не нравится.

Как использовать акварель: управление водой

Из этого замечательного урока вы узнаете секрет управления акварелью, а именно управление водой.

В конце концов, краска может попасть только туда, куда идет вода.Посмотрите это видео, чтобы узнать, как использовать воду в своих интересах, чтобы вы могли контролировать это , а не наоборот!

Техника разбрызгивания Тима Уилмота

Разбрызгивание краски может показаться довольно очевидным (и доставлять массу удовольствия!)

Но на самом деле это настоящая техника, которая действительно может добавить красивую текстуру вашим картинам. Если вы хотите начать с разбрызгивания, ознакомьтесь с этим уроком о том, как и когда использовать эту технику для достижения наилучшего эффекта в ваших картинах.

Демонстрация линии и промывки

Попробуйте классическое сочетание туши и акварели в этой демонстрации.

Вам понравятся уникальные текстуры и царапающие иллюстративные эффекты этих двух материалов вместе.

Перо и акварель — отличное сочетание для визуализации деталей и маленьких снимков жизни. Акварель дает прекрасное распространение цвета, а перо отлично подходит для добавления резких, плотных деталей и текстур. В результате получилось великолепное сочетание технического перьевого рисунка и свободной акварельной живописи.

Кроме того, это прекрасная возможность попрактиковаться в смывке света!

Рисование светлой листвы на темном фоне

Одно из самых больших правил акварели — рисовать темным поверх светлого, потому что из-за прозрачности акварели нельзя нарисовать светлый цвет поверх темного.

Так как же, черт возьми, можно нарисовать что-то светлое, например, желтый куст, поверх чего-то темного, например, ночного неба?

Этот видео-урок покажет вам трюк с рисованием светлой листвы, которая выглядит так, как будто она находится на темном фоне.

Подсказка: секрет в небольшом удобном веществе, называемом маскирующим флюидом.

Рисование людей

Как окрасить кожу

Готовы к чему-то более сложному?

Что ж, этот урок покажет вам не только, как смешивать великолепные тона кожи (что сложно с ЛЮБОЙ средой), но также как создать мягкую, гладкую текстуру кожи.

Вы научитесь рисовать тени и блики, которые выделяются на любом предмете.

Эти техники идеально подходят для любого стиля портрета, будь то фотореализм, рисование мультфильмов или что-то еще.

Как рисовать лица акварелью

Если у вас уже есть хорошие навыки рисования лиц и вы хотите начать рисовать их акварелью, этот урок покажет вам, как рисовать эти красивые яркие тона кожи, используя технику наслоения.

Взгляните на это руководство, потому что оно демонстрирует, как использовать объединение и твердые грани в ваших интересах.

Если все сделано правильно, можно создать потрясающие, сюрреалистические лица и волосы, которые действительно исчезают со страницы.

Натюрморт с крупным планом и детализация

Натюрморт — еще одна классическая амбиция художника в любой среде.

Это еще одна длинная демонстрация, но эта демонстрация стоит посмотреть, чтобы увидеть, как опытный художник-акварелист передает детали, тени, свет и форму.

Это одна из тех ситуаций, когда вы можете научиться на просмотре столько же, сколько и на деле.

Как красить волосы и уши

Если вы планируете рисовать акварельные портреты, скорее всего, в какой-то момент вы столкнетесь с волосами и ушами.

Если у вас хватит терпения попрактиковаться в этих предметах, посмотрите это видео. В нем показано, как использовать маскирующую жидкость, чтобы нарисовать гладкие уши, которые выглядят трехмерно, и идеальные волосы с красивой глубиной и движением.

Как нарисовать реалистичный рот

Если вы хотите рисовать портреты, обязательно посмотрите этот урок по рисованию реалистичных женских губ.

Губы на удивление привередливы и являются огромным камнем преткновения для многих начинающих художников-портретистов.

Это тоже отличный способ смешивания тонов кожи!

У вас никогда не может быть слишком много практики микширования тонов, верно?

Растения и животные

Акварельный кит за 7 простых шагов

Теперь, когда вы освоили некоторые базовые приемы, давайте приступим к некоторым проектам!

Попробуйте этот доступный урок по рисованию акварелью простого и причудливого кита.

Это ваш шанс по-настоящему повеселиться и поэкспериментировать с акварелью, чтобы создать произведения, которыми вы действительно гордитесь.

Кактус с акварелью

Когда вы почувствуете себя немного увереннее с акварелью, вы можете проверить эту демонстрацию простой картины кактуса. И вы можете даже попробовать воссоздать его для себя.

Даже если вы еще не чувствуете себя профессионалом, не забудьте надеть эти часы.

Всегда полезно видеть, как складываются чужие картины, чтобы вы могли наблюдать, как работает процесс.

Танцующие медузы

В этом видео используются методы «сухой» и «мокрый по мокрому» для создания трио рыхлых живописных медуз.

Художница также включает подписи, которые объясняют используемые ею техники и цвета, чтобы вы могли попробовать воссоздать это упражнение самостоятельно.

Простое дерево (субтитры)

О деревья.

Такой красивый, но такой сложный для рисования предмет.

Деревья состоят из тонны крошечных листьев и трещин в коре, что делает их одним из самых сложных предметов для любого художника, включая начинающих акварелистов.

Посмотрите это видео, чтобы узнать, как нарисовать дерево, которое выскакивает за пределы страницы, а не выглядит как плоское пятно.Этот метод работает без необходимости раскрашивать каждый отдельный лист и деталь коры.

Акварельные листья + венки

Как мы узнали из видео с деревом выше: листья выглядят потрясающе на акварели!

Это видео покажет вам различные техники рисования всех видов листьев и последующего объединения их в стилизованный акварельный венок.

Вы можете использовать это в личных канцелярских принадлежностях или как забавную рамку для надписей. Или что-нибудь еще, что вам может понравиться.

Как нарисовать арбуз

Как оказалось, акварель — идеальный материал для изображения фруктов, которые в основном состоят из воды. Забавно, как это работает, правда?

Шаг первый: посмотрите этот забавный урок о том, как нарисовать очаровательный арбуз.

Шаг второй: Нарисуйте себе арбуз.

Шаг 3: Съешьте арбуз. Легко!

Желтая роза (составные части)

Если вы чувствуете себя уверенно и готовы к испытаниям, попробуйте это подробное руководство по рисованию реалистичной желтой розы.

Этот образец сочетает в себе множество техник, которые вы уже изучили, поэтому это прекрасная возможность попрактиковаться в смешивании, смешивании, поднятии и контроле воды.

Рисуем и раскрашиваем болгарский перец

Независимо от того, как вы относитесь к болгарскому перцу, нельзя отрицать, что он прекрасный объект для рисования.

Кому они не понравятся с их яркими цветами, гладкой формой и блестящей поверхностью?

Ознакомьтесь с этим уроком по рисованию и рисованию пары прекрасных сладких перцев.Решите ли вы съесть перец после этого, решать вам!

Земля, море и города

Сцена в Венеции

Когда художники впервые берутся за рисование акварелью, мы часто представляем, как рисуем чудесные пейзажи или городские пейзажи в своих путевых альбомах во время отпуска.

Но когда мы на самом деле пытаемся это сделать, нас поражают все эти детали.

Если у вас есть час и вы хотите окунуться в пейзаж, посмотрите этот урок о том, как упростить то, что вы видите в сцене.

Таким образом, вы можете запечатлеть важных вещей на странице , не сводя себя с ума, раскрашивая каждый кирпич и травинку.

Сцена с прудом

Вода — еще один интересный предмет, потому что он требует много размышлений. И здесь больше цветов, чем вы думаете!

Из этого видео вы узнаете, как быстро и просто нарисовать сцену с горным прудом, передающую суть воды и окружающего ландшафта.

Опять же, уловка при рисовании пейзажей заключается в упрощении, упрощении, упрощении.

И этот туториал покажет вам, как это сделать очень хорошо.

Учебное пособие на пленэре

Одно из достоинств акварели — это то, что она удивительно портативна.

Так что вы можете выйти и рисовать на открытом воздухе, но вы можете чувствовать себя немного неловко.

Посмотрите это видео, чтобы понять, как быстро нарисовать красивый мини-пейзаж на ходу. Рисунок не требуется.

Профессиональный совет: для более портативной акварельной живописи вам может потребоваться водяная кисть, удобный инструмент кисти, который удерживает воду в ручке, поэтому вам не нужно носить с собой отдельный контейнер для воды.Аккуратно, правда?

Оконная коробка Sunny Geranium

Один из лучших способов освоить новый навык акварели — наблюдать за другими людьми, которые знают, что делают.

Наслаждайтесь этой быстрой демонстрацией цветочного рисования оконного ящика, чтобы почерпнуть несколько новых советов, если вам не хватает времени.

Это отличное видео, и есть чему поучиться, если вы обратите внимание.

Ледяной зимний пейзаж

Зимние пейзажи — отличный объект для акварели, потому что полупрозрачность отлично подходит для визуализации облачного неба и теней на снегу.

Если вы любитель зимы, то этот урок по рисованию зимней страны чудес привлечет ваше внимание. Он обучает акварельной живописи с использованием техники рыхлого, мокрого по мокрому и всего трех цветов.

Это видео также знакомит с забавным инструментом текстурирования, который, вероятно, есть у вас дома: разрезанная кредитная карта!

Раскрась деревенский почтовый ящик

Этот модный учебник даст вам забавную практику с затенением светлых предметов и сочетанием, сделанным в небесах искусства: тушью и акварелью.

Акварель обеспечивает форму, цвет и тень, а перо добавляет детали. Это идеальное сочетание!

Хотя эта демонстрация не содержит словесных инструкций, в ней перечислены цвета, используемые художником, и если вы освоили основы, методы довольно просты.

Пошаговые инструкции по реалистичным камням

Да, камни могут быть на удивление сложными для рисования.

Художники склонны относиться к изображению камней одним из двух способов: либо они думают, что их действительно сложно рисовать, либо они не думают о них много, пока не попытаются их нарисовать.

Вот отличный урок о том, как рисовать 3D-камни с яркими тенями и светами. Больше никаких бесформенных серых капель!

Базовая пейзажная живопись

Акварельные пейзажи — классика не зря! Это великолепное видео демонстрирует картину яркого панорамного пейзажа в полный рост.

Будет полезно, если у вас уже есть некоторый опыт, но я думаю, что любой может взять это в руки и двигаться вместе с ним.

Вы будете создавать свои собственные удивительные пейзажи в кратчайшие сроки!

Примечание: если вы еще не пробовали эту удлиненную форму для своих картин и рисунков, попробуйте! Он может стать вашим новым любимцем для пейзажных картин.

Бурная океанская вода

Морские пейзажи — сестра-близнец пейзажей. В этом видео показано, как рисовать детализированные океанские волны красивыми, глубокими цветами и яркими бликами, которые действительно выделяются.

Морские пейзажи могут стать вашим новым любимым занятием для рисования, когда вы попробуете.

Итальянская Vista, акварель

Если у вас есть больше свободного времени, тогда расслабьтесь и наслаждайтесь этой демонстрацией яркого рисунка горного озера с использованием цветов тюбиков.

Это запись живого видео с живыми вопросами, поэтому обязательно просмотрите все, чтобы извлечь из него максимальную пользу.

Вы можете получить ответы на некоторые вопросы, которые даже не задумывались.

Как нарисовать сельский пейзаж

Наконец, в этом видео вы найдете множество распространенных акварельных техник для создания красивой картины сельской дороги. Следуйте или просто смотрите и учитесь!

Вы не ошибетесь, и это действительно разожжет вашу страсть к рисованию.

Да, акварель поначалу может показаться привередливой и сложной. Но они удивительно снисходительны и универсальны.

Никакая другая среда не имеет такого же легкого, эфирного качества.

Акварель может быть узкой и техничной, свободной и игривой или любой комбинацией того и другого.

В качестве дополнительного бонуса обучение управлению прозрачностью — это отличная тренировка для мозга, которая поможет развить навыки, которые будут перенесены во многие другие среды. Если вы еще не пробовали рисовать акварелью, возьмите несколько расходных материалов, откройте эти видео и попробуйте их!

Автор: МакКелла Сойер

Маккелла — художник и писатель-фрилансер из Солт-Лейк-Сити, штат Юта.Когда она не рисует и не пишет для клиентов, она любит писать художественную литературу, путешествовать и исследовать горы недалеко от своего дома пешком, верхом на лошади или на горном велосипеде. Вы можете посмотреть ее работы на Etsy, а ее услуги по написанию — на TheCafeWordsmith.com.

.

Акварельные краски

(Обратите внимание: этот пост может содержать случайную партнерскую ссылку, которая может помочь мне заработать небольшую комиссию без дополнительных затрат для вас. Спасибо! . Вы можете найти полное раскрытие здесь ).

Выбрать лучшую акварельную краску непросто. На рынке существует огромное разнообразие акварельных красок, и выбор может быть подавляющим . Не только это, но вы также должны выбрать из сотен различных цветов !

В то же время очень сложно добиться хороших результатов, используя некачественную краску.Я видел, как многие начинающие художники разочаровывались, потому что не могли достичь ожидаемых результатов, хотя на самом деле их разочарование было результатом некачественной краски .

Для достижения наилучшего качества результатов большинство художников-акварелистов порекомендуют вам выбрать краски, состоящие из одного пигмента , прозрачного и светостойкого .

Я использую и НАСТОЯТЕЛЬНО рекомендую акварельные краски: Художественная акварель Дэниела Смита .

Это лучшие акварели, которые я когда-либо использовал. У них есть огромный выбор красивых цветов на выбор, и подавляющее большинство их коллекций соответствует указанным выше критериям качества. Они очень плавно перемешиваются и отлично ложатся. У них также есть эффектные гранулирующие пигменты.

Когда я только начал рисовать акварелью, я буквально целыми днями выбирал акварельные краски. Я изучил все бренды, проверил и исследовал характеристики красок и сравнил их все друг с другом.Я даже читал рекомендации и комментарии других художников, прежде чем составить свой список лучших акварельных красок.

Необязательно покупать все доступные цвета.

Если вы тщательно выбираете краски , вы можете смешивать бесчисленные красивые цвета с небольшим количеством красок !

Для тех из вас, кто ищет простой способ начать работу с акварельными красками профессионального качества, Daniel Smith впервые выпустил новый набор ручных заливок для акварели с идеальным набором для смешивания 15 цветов.Цвета, включенные в этот набор, соответствуют цветам, которые я рекомендую, начиная с (см. Список ниже) плюс несколько других для хорошей меры! Если вы не хотите мастерить сковороды из тюбиков, то это отличный способ для новичка попробовать профессиональные краски.

Моя рекомендуемая палитра акварели:

Можно купить акварели, которые уже упакованы в коробку. Проблема в том, что вы получите цветов, которые вам не нужны ! Рисование цветами, которые вы не выбрали, приведет к дурным привычкам , и я гарантирую, что если вам понадобится определенный пигмент, а у вас его нет, вы воспользуетесь тем, что доступно!

Вот почему в идеале вы должны выбрать свой col

.

7 советов по акварели для начинающих

Если вы хотите начать работать с акварелью или улучшить свои техники, ознакомьтесь с этим списком из 7 советов и основ. Акварель — забавный, а иногда и непредсказуемый материал. Учитывая количество способов его использования, это может быть очень длинный список, но мы свели его к семи основным основам, чтобы вы начали.

1. ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ МАТЕРИАЛЫ

Наличие правильных инструментов в вашем наборе инструментов имеет огромное значение.Использование качественных материалов необходимо для получения результатов, которыми вы останетесь довольны. Некачественные материалы часто просто не работают и вызывают разочарование, потерю времени и денег. Это также может отпугнуть вас от желания продолжить рисование, поскольку результаты будут не такими, как при использовании качественных материалов. Разберем по бумаге, краскам и кистям:

Бумага:
Не вся бумага создается одинаково! Если вы собираетесь рисовать акварелью, очень важно использовать настоящую акварельную бумагу.Ниже приводится сравнение акварельной промывки на обычной копировальной бумаге и другой акварельной бумаги с той же смесью красок. Копировальная бумага изготавливается не так, как акварельная бумага, и дает изгибы и волнистость. Копировальная бумага также действует в виде таблеток, что означает, что волокна на листе начинают рваться и клубиться. Бумага для акварели тяжелее и сделана с добавками, называемыми «проклейкой», которая позволяет ей надлежащим образом впитывать влагу. Он остается плоским, имеет ровный цветовой тон, не рассыпается и не рвется.

Как правило, мы рекомендуем акварельную бумагу плотностью 140 фунтов. (300 г / м2). Наша бумага для акварели серии 300 — отличное и экономичное средство для начала, которое позволит вам практиковаться, экспериментировать и создавать красивые работы.

Краска:
Акварельная краска поставляется в тубах и тубах. Любой из них работает в зависимости от ваших предпочтений, но использование качественных брендов имеет значение. Краска низкого качества может потрескаться и стать меловой, а не иметь ровный ровный цвет. Кистей:
Вам не нужно начинать с огромного ассортимента кистей, но несколько ключевых типов помогут вам в достижении разных результатов. Маленькая, средняя и большая круглая щетка, плоская щетка и щетка для швабры — отличный способ начать. Каждая кисть создана для определенной цели. Посетите страницу Princeton Artist Brush, чтобы получить хорошее представление о доступных типах кистей и их функциях.


2. РАБОТА ОТ СВЕТА ДО ТЕМНОГО

При работе с акварелью важно сначала наложить светлые тона и работать над темными.Наберитесь терпения — никуда не торопиться. Сначала мы начнем со светлых цветов, потому что, как только вы сложите темные цвета, их будет трудно отменить. Из-за прозрачности акварели ваши светлые тона не будут видны, если они скрыты темными. Кроме того, белые и светлые области вашей картины исходят от бумаги, поэтому планируйте заранее и не забывайте, какие области вы хотите оставить белыми. Маскирующая жидкость — отличный способ сохранить белые участки на картине.

Работа Стива Митчелла.Следуйте инструкциям здесь .

3. СООТНОШЕНИЕ ВОДЫ И КРАСКИ

Соотношение воды и краски будет меняться в зависимости от того, чего вы пытаетесь достичь.

Слишком много воды может привести к слишком светлым цветам. Кроме того, из-за этого краска растекается больше, чем хотелось бы, а цвета смешиваются и становятся мутными.

Слишком мало воды может привести к тому, что цвета станут густыми, которые не растекаются и не ложатся должным образом, а также могут вызвать заметные полосы на мазках кисти.

Обратите внимание на то, чего вы пытаетесь достичь. Для больших промывок требуется больше воды, а для мелких пятен — меньше воды. Обратите внимание на то, как Элеонора Милл использует больше воды для светло-желтого и розового фона и меньше воды для деталей на своем рисунке с цветком лютика ниже.

Общее практическое правило — всегда иметь под рукой МНОГО воды и палитру для смешивания красок. Используйте палитру, чтобы смешать цвета и добавить необходимое количество воды.Проверьте насыщенность цвета на листе бумаги, чтобы увидеть, нужно ли добавить больше цвета или воды, прежде чем рисовать на вашем изделии. Всегда тщательно мойте кисть между цветами, чтобы не получить мутные смеси.

4. ТЕХНИКА ВЛАЖНОГО НА СУХОМ VS. ТЕХНИКА ВЛАЖНОЕ НА ВЛАЖНОМ

Есть много техник, которые вы можете использовать при рисовании акварелью, но вот два основных, которые дадут вам разный результат в зависимости от того, что вы собираетесь делать:

Мокрый по сухому: нанесение влажной краски на сухую бумагу или влажную краску на участок с сухой краской.Этот метод позволяет добиться большего контроля и четкости контуров. Краска пойдет только туда, куда ее возьмет кисть.

Мокрая краска по мокрому: Мокрая краска наносится на влажную бумагу или добавляется к смывке свежей краски. Это создает плавный, веселый и непредсказуемый эффект. С техникой «мокрое по мокрому» меньше контроля. Чтобы попробовать, налейте на бумагу чистую воду, а затем нанесите акварельную краску на влажные участки. Вы увидите, как краска стекает по влажным участкам.

5.СУХОЙ ВРЕМЯ

Время высыхания зависит от того, чего вы пытаетесь достичь в своей картине. Если вы хотите, чтобы цвета смешивались и перетекли друг в друга, вы можете наносить слои поверх влажной краски. Будьте осторожны, не пересыпайте влажными красками, потому что цвета могут легко помутнеть.

Если вы хотите добавить новые цветные слои и детали поверх уложенной вами основы, наберитесь терпения и убедитесь, что нижний слой сначала высох, иначе цвета будут переходить друг в друга, и у вас не будет определенных краев и формы.Это требует времени, терпения и практики.

Ниже приведен пример добавления того же пурпурного цвета поверх такой же желтой обложки. В верхнем примере желтая краска все еще влажная, когда добавляется пурпурный, что позволяет цветам смешиваться и смешиваться. Внизу желтая краска уже высохла, поэтому пурпурный становится вторым слоем с четкой линией. Оба метода хорошо работают для разных типов результатов.

В приведенном ниже видео-примере художница Гей Крегер рисует акварельную страницу журнала.Она дает высохнуть каждому слою, прежде чем приступить к следующему. Ознакомьтесь с полным видеоуроком здесь .

* СОВЕТ: вы можете использовать фен, чтобы ускорить высыхание между слоями.

6. СМЕСИТЕЛЬНЫЕ КРАСКИ

В акварельной живописи много планирования и подготовки. Хорошее эмпирическое правило — всегда смешивать больше краски, чем вам нужно на палитре. Если у вас закончился цвет, может быть очень сложно снова смешать тот же оттенок, поэтому вы должны быть готовы.

7. ДРУГИЕ ОСНОВНЫЕ ПРИНАДЛЕЖНОСТИ И НАСТРОЙКА ВАШЕГО РАБОЧЕГО МЕСТА

Если вы проделаете работу по подготовке к покраске до начала работы, процесс будет намного проще.

Бумажные полотенца станут одними из ваших лучших друзей в вашем путешествии по акварельной живописи, так что держите их под рукой. Вы будете использовать его, чтобы очистить кисть, промокнуть кисть и промокнуть бумагу во время работы.

Палитра для рисования необходима для акварельной живописи, так как вы можете смешивать цвета, добавлять воду и получать нужное сочетание перед нанесением краски на бумагу.

Бумага для заметок полезна для проверки ваших оттенков и соотношения воды и краски перед тем, как перейти к окончательной работе.

Малярная лента или малярная лента — отличный инструмент, который можно использовать для заклеивания границ и создания чистых краев в обрамлении картины. Убедитесь, что ваши края плотно закрыты, чтобы краска не просачивалась.

Подготовьте рабочее место перед началом работы. Соберите все свои принадлежности и разложите их, чтобы сделать процесс более плавным.Вот полезный блог о том, как подготовиться к акварельной живописи.

.

Акварельные брызги от pstutorialsws на DeviantArt

Спасибо, что добавили это в избранное
Если вам это нравится, не забудьте добавить его в избранное — это действительно очень много для меня значит. Вы можете использовать эти материалы для любых работ без указания авторства.

Скачать бесплатно
Загрузите набор из 32 кистей для брызг с высоким разрешением! Создана акварельными красками художественного качества на акварельной бумаге холодного отжима. Включает три высоких фото текстуры.

✔ 32 кисти
✔ 675 пикселей
✔ Может использоваться для коммерческих работ
✔ Кредиты не требуются
✔ Кисти 1250px доступны в фотошопах.ws / photosho…
✔ Работает с Photoshop 7, CS, CS2, CS3, CS4, CS5, CS6 и CC

Premium Скачать (4 доллара США)
Хотите больше? Загрузите премиум-версию с кистями 5000 пикселей и 3 текстурами акварельной бумаги холодного отжима здесь:
creativemarket.com/SparkleStoc…


Покажи нам свою любовь!
………………………………………… …………………………………………………………
Хотите узнать больше? Следуйте за мной в Facebook, Twitter и Google+!

facebook.com/pstutorialsws
twitter.com/pstutorialsws
plus.google.com/u/0/1140612271…
pstutorialsws
Руководства по Photoshop: photoshoptutorials.ws
SparkleStock: www.sparklestock.com

.
Leave a comment
by : alexxlab Акварель

Многослойная акварель: 9. Акварельные техники. Часть I. — База знаний

Техника рисования акварелью: методики художники картины

Натуральный состав акварелей — это растертый пигмент с природными клеящими веществами – гуммиарабиком, казеином или фосфопротеином молока, декстрином, медом, фенолом. Краску наносят с водой кистью на поверхности бумаги. Этот термин обозначает работы, выполненный в этой среде. Пигменты обычно прозрачны, но могут быть сделаны непрозрачными путем смешивания с белилами – в таком виде краски известны как гуашь.

Акварель отличается от других видов живописи многообразием технических приемов.
Невесомая легкая краска дает свежесть и светимость в каллиграфических мазках, что придает работам атмосферность и невесомость. Существует одна принципиальная разница между акварелью и другими средами живописи — ее прозрачность.
акварель, живопись, искусство, техники живописи

Художник наносит маслом один непрозрачный цвет на другой, пока не достигнет желаемого результата. Акварель – универсальное средство рисования, поскольку дает возможность воспроизводить все жанры, так как водная основа позволяет получать уникальные и непредсказуемые эффекты. Для абстрактного стиля случайные разбросанные акварельные мазки по мокрой бумаге помогают получить эффект размытия.

Акварельные краски на бумаге могут плавиться, растекаться, а смеси создают красивое сочетание цветов в живописи разных стилей.акварель, живопись, картины, искусство

Методики работы

Акварель является самой свободной формой живописи, благодаря ее прозрачной водной природе. Существуют определенные методики живописи для работы с акварельными красками, но самые популярные из них:

Дифференцированное размытие

Это основной способ работы художников, который достигается путем смачивания бумаги в определенной области и нанесения пигмента на поверхность сверху вниз. Применяется методика для массированного изображения неба, воды, луга и позволяет экспериментировать с различными оттенками. Бумага поднимается почти вертикально, и на влажной поверхности цвета растекаются во всех направлениях. Техника требует высыхания естественным путем.

Остекление

Это метод похож на размытие, но требует использования пигмента, который наносится на сухой лист. Метод фактически регулирует цвет и тон, идеальные цвета и переходы. Сушат каждый цвет отдельно, прежде чем применить следующий.

«Мокрым по мокрому»

Метод «A la Prima» представляет собой процесс смачивания бумаги перед нанесением пигмента. Для этого используют большую кисть или губку, чтобы равномерно распределить воду по листу акварельной бумаги. Техника создает прекрасные размытые формы и цвета, мягкие оттенки и переходы краски в работах.

«Сухая кисть»

Для рисования используется едва влажная жестковатая кисть с большим количеством краски по сухой бумаге. На неровной поверхности получается четкий жесткий выделенный след, гранулированные эффекты, аналогичные карандашному рисунку. Целые композиции делают таким способом, используя также для оживления тусклого фона.живопись, акварель, искусство

Смывание

Процесс удаления краски после нанесения и полного высыхания. Область, которую необходимо изменить, сделать глубже цвет или придать объем, смачивают водой, промокают краску тканью. Техника создает сложные формы, линии, особенно, если применить полоски бумаги для маскировки областей с удаленным пигментом на картине.

Воздействие водой на краску

Когда нанесенная акварель на рисунке высыхает, можно чистой мокрой кистью капнуть воду на нужный участок для получения эффектов слоистости, растрескивания округлости, объема.

Лессировка

Это способ многослойного нанесения акварели от светлого тона в основе к более темному оттенку поверху. Акварель наносят прозрачными тончайшими мазками после высыхания предыдущего слоя работы. Результатом становится объемное изображение, где цвета не перемешиваются, а дополняют друг друга и позволяют видеть границу каждого слоя.

живопись, акварель, искусство, техники живописиАвтор Наталия Шевченко 

Процарапывание

Процарапыванием или удалением некоторых участком окрашенной сухой поверхности создают более светлые области одного тона.

Маскировка

Если требуется в процессе работы сохранить некоторые участки белыми, пользуются резерважем, то есть закрывают необходимые места маскировкой из парафина или воска, которые после полного высыхания работы убираю кисточкой или скатывают в шарик руками.

Добавление

Добавления другого цвета к влажной области живописи позволяет сливаться и разветвляться, создавая интересные иллюзии. Метод дает интересные и яркие цветовые градации, которые невозможно получить путем смешивания пигмента на палитре.

Известные художники

Некоторые известные художники, работающие с акварелью, часто применяли подобные эффекты в работы:

  • Рафаэль Санти (1483-1520),
  • Альбрехт Дюрер (1471-1528),
  • Ван Дейк (1599-1641),
  • Томас Гейнсборо (1727-1788),
  • Джон Констебл (1776-1837),
  • Пол Сандби (1725-1809).живопись, акварель

Акварелисты учились пользоваться неожиданными результатами рисования. Величайшие мастера живописи практиковали спонтанность. Художники импровизировали, чтобы эффективно применять возможности акварели.

Английская школа

Классическая техника живописи была доведена до совершенства в Англии в восемнадцатом и девятнадцатом веках:

  • Акварели применялись в серии прозрачных промывок, которые позволили свету отражаться от поверхности бумаги через слои цвета.
  • Гуашь является еще одной формой водорастворимых пигментов. Пигменты смешивают с цинковыми белилами и получают непрозрачные слои при нанесении на поверхность.
  • В качестве альтернативы, темпера включает соединение пигментов с казеином, производным молока, или яичным желтком в качестве связующего вещества.
  • Еще одной формой водорастворимого пигмента являются синакварель, живопись, искусствотетические полимерные краски, широко известный, как акрил – может использоваться как масляная краска. Но художники используют его в манере, повторяющей традиции акварели.

Акварель является традицией, имеющей собственную хронику в истории. Первобытный человек использовали пигменты, смешанные с водой для наскальных рисунков и наносил их пальцами, палками и костями. Древние египтяне использовали краски на водной основе для украшения стен храмов и гробниц и создали первые рисунки на папирусе.

Восточная школаакварель, живопись, искусство

На Дальнем и Среднем Востоке первые акварельные школы имели индивидуальный стиль — китайские и японские мастера рисования на шелке и изысканной рисовой бумаге ручной работы. Их искусство было наполнено литературной аллюзией и каллиграфией. Но основной образ оставался типично созерцательным пейзажем, который стал центральным аспектом акварельных традиций в последующие века. В Индии и Персии применяли непрозрачные гуаши для религиозных изображений.

Средние века

В средние века, монахи Европы пользовались темперой для рисования манускриптов — книги считались важнейшей формой искусства и эквивалентом станковой живописи. Монахи переписывали святые тексты от руки на листах пергамента, изготовленных из овчины, телячьей кожи. Иногда целые страницы были украшены искусно подобранным завитками и символических образов.

Художники на протяжении веков готовили акварели, темперу, гуашь сами и тщательно хранили рецепты. Но поверхность в акварельной живописи играет немаловажную роль. Текстура является очевидным и важным элементом в работе.

Физическую текстуру можно чувствовать рукой. Слои краски, скользкая гладкость мягкой пастели, наслоение коллажей изменяют фактуру поверхности бумаги.

Иллюзия текстуры


Визуальная текстура – это иллюзия физической текстуры, созданная материалами для рисования. Краска создает впечатление текстуры, в то время как поверхность бумаги остается гладкой и ровной.

Традиционная прозрачная акварель создает физическую и визуальную текстуру, кроме шероховатости на бумаге — иллюзии получают вид японской рисовой бумаги, гипса, грубых мазков пастели, полотняных переплетений. Текстурированная акварельная бумага влияет на картину, поэтому необходимо связывать сюжет и тип поверхности. Лакирование защищает картину и сохраняет для будущих поколений.

4. Базовые техники акварели. — carminum — LiveJournal

Я хотела бы тему сегодня посвятить базовым техникам акварели. Может быть, с этого стоило и начинать, хотя, думаю, большую часть того, о чем пойдет сегодня речь. Вы уже интуитивно нащупали. Но все же давайте поговорим о

Вообще, акварель – краска своенравная, и все равно, как ни старайся, после высыхания она будет выглядеть не так, как до. Наверное, именно этим она и интересна.

Вы уже обращали внимание, что при заливке пятна краска стремится собраться по краям, создавая контуры. Эти контуры после высыхания краски исправлять крайне нежелательно, они порождают грязь и разводы. Что делать? Регулировать количество воды, в зависимости от поставленной вами задачи. Кстати, если краска еще не высохла, излишки можно снять, легко прикоснувшись еле влажной кистью, салфеткой, смягчить водой.

В результате нанесения заливки можно сформировать на всей поверхности бумаги непрерывный, бледный тон, который действует в качестве объединяющего цвета заднего фона для последующих накладываемых заливок. С другой стороны, заливка может содержать тональные градации — от светлых до темных или от темных до светлых — для обозначения, например, постепенно светлеющей тональности небосвода в направлении линии горизонта. Заливки могут модифицироваться в результате добавления чистой воды с помощью губки или удаления краски различными способами, а также нанесения красок поверх замаскированных участков. Внешние характеристики заливки зависят от нескольких факторов, таких, как тип пигмента, способ нанесения, природа и свойства бумажной поверхности и, кроме того, степени влажности основы перед нанесением заливки.

Потренируйтесь выполнить заливки. Для этого возьмите лист бумаги А4 (альбомная), можно самую простую, разведите краску (очень важно краски разводить даже с запасом, если вдруг заканчивается нужный замес, подобрать очень точный крайне сложно), широкой кистью покройте все пространство листа одним цветом. Постарайтесь добиться ровного цвета, без полосок. (Практическое задание 1).

Помните, что при высыхании тональность заливки слегка осветляется по сравнению с ее тоном в момент нанесения. Глубину тона можно оценить непосредственно перед нанесением заливки на рабочую поверхность: просто обработайте краской небольшой кусок бумаги и быстро высушите его с помощью фена.

Другая не менее интересная техника акварели — рисование мокрым по мокрому. Для этого возьмите лист бумаги А4, влажной губкой легко смочите его (равномерно) и попробуйте выполнить заливку всего листа. Так уже интереснее, правда? Теперь попробуйте капнуть где-нибудь каплю краски другого цвета, посмотрите, как она себя ведет. Помогите ей кистью, постарайтесь ее аккуратно смешать с фоновой краской. Этот метод вполне приемлем в рисовании, зачастую мы смешиваем краски уже непосредственно на рисунке.

Такой способ работы позволяет получить легкие, прозрачные цветовые оттенки с мягкими переходами. Особенно успешно этот метод используется в пейзажной живописи.

Техника A la Prima. Это живопись по-сырому, написанная быстро, в один сеанс, при которой создаются неповторимые эффекты разводов, переливов и перетеканий краски.

Попадая на влажную поверхность бумаги, краска растекается по ней неповторимым образом, делая картину легкой, воздушной, прозрачной, дышащей. Не случайно, работу, выполненную в такой технике, практически нельзя скопировать, так как каждый мазок по мокрому листу уникален и неповторим. Сочетая различные цветовые комбинации с многообразием тональных решений, можно добиться удивительных переливов и переходов между тончайшими оттенками. Метод а-ля прима позволяет сохранить максимальную свежесть и сочность рисунка.

Интересен способ работы по фрагментарно увлажненному листу, когда он смачивается не полностью, а лишь в некоторых конкретных местах. Длинный мазок, захватывающий как сухие, так и влажные области бумаги, приобретет неповторимые очертания, соединив, при своей общей непрерывности, четкие контуры в сухих местах с «растекшимися» в увлажненных. В будущем я обязательно сделаю обзор по мастеру такой акварели, Константину Куземе.


Источник

Посмотрите, пожалуйста, как он работает:

Просачивание воды в заливку. Поле завершения заливки добавляется небольшой объем воды с помощью чистой кисти. Вода оказывает немедленное и непосредственное воздействие на характер заливки по мере проникновения в структуру ее краски. В результате появляются эффекты, похожие на облака. Очень желательно делать этот эффект, когда заливка уже подсохла, но еще не высохла окончательно.

Многослойная акварель (лессировка). Лессировками называется способ нанесения акварели прозрачными мазками (как правило, более темные поверх более светлых), один слой поверх другого, при этом нижний всякий раз должен быть сухим. Таким образом, краска в разных слоях не смешивается, а работает на просвет, и цвет каждого фрагмента складывается из цветов в его слоях. При работе в этой технике можно увидеть границы мазков. Но, так как те прозрачны, это не портит живопись, а придает ей своеобразную фактуру. Мазки выполняются аккуратно, чтобы не повредить и не размыть уже высохшие живописные участки.

Смывание
Мы можем создать целый ряд выразительных эффектов, используя технику смывания (смывки) высохшей краски, нанесенной на поверхность бумаги ранее. Большинство видов бумаги, как и. собственно, сами краски, по разному отзываются на технику смывания.

Смывание часто используется в течение процесса живописи для формирования дополнительных тонов и создания в акварельной работе ощущения пространственной глубины. Смывание, как правило, выполняется на относительно тяжелых видах бумаги, способных противостоять процессам повторного увлажнения, выскабливания и очередного нанесения краски.

Попробуйте на листе А4 (третье учебное задание) сделать однородную заливку (достаточно густо), дождитесь высыхания. Далее быстро смочите лист, и крупной, желательно жесткой, едва влажной кистью, попробуйте смыть часть краски, чтобы сделать рисунок облака.

Очень важно использовать эту технику только при работе с очень хорошей бумагой, плотной и качественной. Хотя для учебной работы можете хорошую бумагу, конечно пожалеть.

Процарапывание. Зачастую на залитом пространстве нужно создать более светлые области, мы можем использовать эффект процарапывания – когда ножом процарапываются (очень аккуратно!) нужные местах.

Резерваж – это часть листа, которая сохраняется белой в процессе живописи. Добиться этого в акварели мы можем двумя путями – либо изначально помечаем эти места и в процессе старательно обходим их, либо заполняем их специальной маскирующей жидкостью, а после завершения работы – удаляем ее. Маскирующие жидкости могут использоваться практически на любой стадии развития картины, препятствуя попаданию краски на закрытые ими участки. Крайне важно при их использовании работать ненужной кистью – они очень быстро убивают кисти, и дождаться полного их высыхания на листе. По окончании работа резерваж просто скатывается пальцем. В качестве маскирующей жидкости можно использовать воск, парафин, восковые мелки, но они уже с работы не снимаются.

Домашнее задание.
1. Выполните три практических задания, указанные в тексте.
2. Сделайте таблицу смешивания красок. Для этого расчертите большой лист бумаги сеткой, в которой будет столько же столбцов и строк, сколько есть красок в Вашем наборе, и поочередно заполните столбцы и строки по очереди всеми красками из вашего набора. В результате Вы получите что-то похожее. Это упражнение выполнять не обязательно, но крайне желательно, оно важно для изучения свойств ваших красок.

3. Учебное. Найдите три красных предмета и кусочек ткани красного цвета (либо любого другого цвета, но чтобы и предметы, и ткань и ткань одновременно), поставьте натюрморт с драпировкой – так, чтобы ткань легла складками, а предметы частично перекрывали один другой и нарисуйте этот натюрморт.
4. Творческое. Нарисуйте рисунок по выбранной творческой теме.

Прошу показывать мне только учебное задание и творческую работу. Рисуйте несколько вариантов, но выкладывайте, пожалуйста, мне только один – самый лучший на ваш взгляд.

18 акварельных техник, которые пригодятся каждому художнику

Акварель позволяет получить множество различных результатов. Акварель – это техника живописи, в которой используются краски, образующие взвесь из пигмента при растворении в воде. 

Несмотря на то, что эта техника используется уже почти тысячу лет, освоить ее не так уж и просто. Однако, есть множество секретов, которые могут вам помочь. Картина, созданная при помощи акварельных красок, как бы «светится», поскольку акварель позволяет свету отражаться от бумаги. 

Попробуйте улучшить свое мастерство, используя описанные ниже советы.

1. Купите разные кисти

Запаситесь разными кисточками. Ваш выбор будет зависеть от размера площади рисунка, который необходимо закрасить. Те, кто работает с небольшими элементами, используют кисти от 000 до 6. Поэкспериментируйте с разными размерами кисточек, чтобы выбрать наиболее удобные, но всегда имейте в запасе кисти поменьше. Они пригодятся для небольших деталей в процессе создания рисунка. 

2. Приобретайте качественные краски

Покупайте качественные акварельные краски. Они будут дольше храниться и не пожелтеют со временем. В специализированных магазинах для художников и в Интернете представлено множество различных марок. Очень популярны краски Holbien и Winsor&Newton. Но лучше приобретите несколько цветов разных фирм и выберите, какая вам больше понравится. Не покупайте слишком много: получить различные оттенки можно, используя ограниченную палитру.

3. Попробуйте рисовать сухими и разбавленными красками

Акварельные краски подразумевают использование воды. Однако, рисовать можно как разведенными водой красками, так и «сухими». В зависимости от количества воды, которое вы добавляете в краску, можно регулировать насыщенность цвета.
Способы рисования акварелью делятся на «сухие» и мокрые». Вы можете поэкспериментировать с каждым из них и выбрать, какой вам больше понравится. К примеру, рисование «сухим» по «мокрому» позволяет добиться большего контроля над краской.

4. Начинайте работу с нанесения светлых тонов

Еще один важный момент в акварельной технике заключается в том, что начинать работать следует с покрытия светлых участков. Это означает, что все светлые или белые оттенки на протяжении последующей работы остаются нетронутыми. Применение такой техники требует тщательного продумывания, но полученный результат того стоит. 

5. Используйте бумажные полотенца

В этой технике важным инструментом работы является бумажное полотенце. Нанесите краску, а затем смажьте ее бумажным полотенцем: так вы получите плавный цветовой градиент и добавите слоистость. Также, бумажные полотенца хорошо использовать для исправления ошибок.

6. Используйте технику разбрызгивания акварели

Еще один интересный трюк, чтобы добавить немного жизни в работу – разбрызгивать акварель кистью. С помощью этой техники можно изобразить водные брызги или пыль.

Держите кисть между большим и средним пальцами. Используя указательный палец, проведите им по кисточке снизу вверх. Обязательно попробуйте этот способ нанесения краски, хотя результат зачастую бывает непредсказуем. 

7. Смешивайте цвета на бумаге

Хороший способ смешивания оттенков на бумаге — градиентная размывка. Добавьте большое количество воды в краску и нанесите на бумагу. Пока она не высохла, добавьте другой цвет с таким же количеством воды. Перемешивайте цвета в необходимом вам порядке. После того, как краски высохнут, вы сможете заметить плавный переход цветов.

8. Работайте с текстурами

Можно отметить, что использование грубой бумаги при рисовании акварелью имеет свои преимущества. Одним из очевидных плюсов является минимум усилий при передаче текстуры. Тем не менее, необходимо научиться передавать текстуры объектов, используя светлые и темные оттенки, а также сухую и влажную кисть.

9. Используйте цветовую растяжку

С помощью техники растяжки цвета можно придать рисунку форму или указать на направление света. Нанесите насыщенную цветом краску сухой кистью. Пока краска не высохла, возьмите влажную кисть и размажьте по бумаге. Площадь закрашенной области будет зависеть от насыщенности начального мазка. 

10. Используйте наложение цветов

Поскольку акварельные краски достаточно прозрачны, чтобы добиться нужной насыщенности, необходимо наложить несколько слоев. вам нужно постепенно наращивать цвет. С использованием наслаивания краски можно смешивать разные цвета прямо на бумаге. 

Нанесите на бумагу один цвет. Позвольте ему высохнуть, а затем нанесите поверх краску другого оттенка. В месте наложения красок вы увидите совсем другой тон. 

11. Лессировка

Лессировка — это акварельная техника, также используемая в масляной живописи для создания постепенных цветовых переходов. Наносите краску в несколько слоев, добиваясь нужного оттенка. Не перестарайтесь, иначе получится мутное пятно. 

12. Стирайте краску

Иногда может понадобиться «стереть» акварель. Полностью удалить краску и получить белую бумагу не получится, но вы можете исправить ошибку или отрегулировать освещение. Нанесите немного воды на уже высохший рисунок и оставьте ее на минуту. Затем удалите воду бумажным полотенцем. Вы увидите, как участок стал намного светлее.

13. Соль для создания текстуры

Акварель характеризуется многослойностью и различными текстурами. С помощью обычной соли можно получить очень интересную эффект с минимумом усилий. Кристаллы соли поглощают воду и пигменты краски, оставляя при этом различные узоры. Посыпьте рисунок солью, пока краска все еще влажная. Оставьте до полного высыхания и стряхните соль. Такая техника применяется для получения натуральных текстур, таких как камни или кора деревьев. 

14. Используйте губку

Еще один помощник для нанесения акварельной краски – губка. Просто смешайте краску в плоской тарелке, опустите губку в краску и прижмите к бумагеС помощью изменения влажности краски, можно добиться различных эффектов. Более сухая смесь подходит для изображения чешуйчатой кожи или растений, в то время как влажная используется для рисования водных пейзажей или облаков.

15. Используйте негативное пространство

Продумывайте свой рисунок заранее. Перед тем, как наносить краску, подумайте о том, где будут располагаться белые и светлые предметы. Контролируйте кисть, когда будете заполнять контур негативного пространства. Возьмите кистью не слишком жидкую акварель и сделайте мазок на границе области, которая останется незакрашенной. Затем растяните цвет.

16. Используйте клейкую ленту

Вы можете использовать скотч для маскировки областей, которые вы хотите оставить белыми. Этот метод используется при наличии в рисунке элементов с четкими краями: машины или архитектура. Просто приклейте кусок скотча туда, где хотите оставить бумагу белой или создать четкий контур. 

Используйте строительный скотч или скотч для художников, иначе есть риск повредить лист бумаги. Закрашивайте область вокруг скотча, можете также рисовать по нему. Когда краска подсохнет, просто медленно снимите скотч. На рисунке останется ровная и прямая линия. 

17. Для набросков используйте карандаш твердостью 2Т

Используйте карандаш твердостью 2Т для эскизов: так его контуры не размоет водой. для обеспечения того, чтобы мой рисунок рисования выдержал воду от живописи. Кладите краску слоями светлого оттенка кистью среднего размера. Если краски сильно разбавлены водой, то нужный оттенок получится не сразу.

18. Используйте темные оттенки для мелких деталей

Не поддавайтесь искушению использовать темные краски, пока не дойдете до завершения картины. Поскольку акварельная живопись довольно прозрачная, убедитесь, что вы не слишком затемняете светлые участки. 

Автор: Brynn Metheney

 

Поделиться статьей:

 

8 способов акварельной живописи

Чаще всего многослойная акварельная живопись — это живопись с предварительным общим или моделирующим тоном, в некоторых случаях называемым подмалевком, поверх которого художник постепенно накладывает прозрачные слои краски, достигая определенной световой силы. В такой традиционной для русского искусства ХVIII-XIX веков манере работали и мастера Италии, Франции, Германии, Испании и, конечно, Англии, а в последствии и советские художники.

Способ М. А. Врубеля

Этим способом пользовались многие мастера конца ХIX века. Это — П. П. Чистяков, И. Е. Репин, В. И. Суриков и многие другие. Но свое наиболее полное и последовательное воплощение он нашел в работах М. А. Врубеля. Как правило, это акварели небольшого формата, по словам самого М. А. Врубеля, размер «с почтовую открытку», а также 20х30 см, 30х40 см и очень редко большого размера. Некоторые работы П. П. Чистякова и И. Е. Репина имеют приблизительный размер современного листа ватмана. Попробуем теперь на основе воспоминаний, исследований, писем М. А. Врубеля и, конечно, самих акварелей представить возможную

Последовательность работы этим способом.

1. Твердым карандашом на хорошо проклеенной бумаге средней или мелкой зернистости в зависимости от размеров работы выполнить подробный, строгий рисунок с изображением внешних и внутренних контуров объектов, а также бликов, полутонов, теней как собственных, так и падающих, границ цветовых пятен, складок тканей, орнаментов и т.д. Примером может служить незавершенный портрет Н. И. Забелы-Врубель 1904 года, на котором М. А. Врубель успел сделать несколько мазков на прическе и головном уборе, предоставив таким неожиданным образом возможность увидеть практически целиком этот удивительный подготовительный рисунок.

2. Изображаемые объекты прокрыть общим локальным цветовым тоном в 1/3,½, цветовой силы, светлоты. Оставить непокрытыми блики и другие светлые места. Подчеркнуть разницу в цвете между предметами или их частями.

3. По высохшему предварительному слою нанести отдельные цветовые плоскости изображаемого объекта в полную силу, создавая некую цветовую мозаику, переходя от более крупных заливок к более мелким. Там, где цветового тона недостаточно, покрыть последующие цветовые слои по высохшим предыдущим. И так до завершении работы, которая должна представлять собой объект, состоящий как бы из граней, площадок, по-разному расположенных в пространстве.

4. На данном этапе возможны некоторые размывки кистью, смягчающие резкие края некоторых заливок. Размывки могут обобщить отдельные участки работы, а также ослабить цветовой перегруз в случае ошибки. После высыхания данного участка на него можно нанести нужный цветовой тон. Иногда используются в качестве приема мелкие точки и штрихи, чтобы довести до нужного тона небольшие цветовые участки. Таким образом заполняются и мелкие промежутки между отдельными заливками. Образцами такой последовательности работы акварелью являются ранние работы М. А. Врубеля: «Натурщица в обстановке Ренессанса» 1883 года, «Портрет старушки Кнорре за вязанием» 1883 года, натюрморт «Ткани» 1884 года, незаконченный портрет В. Е. Ершовой 1880-х годов, в котором благодаря незаконченности можно многое увидеть.

К сказанному следует добавить, что этот способ можно дополнить еще одним приемом в начале работы после выполнения рисунка. На лист бумаги нужно нанести слабый цветовой тон акварели, соответствующий общему тону изображаемой постановки, что придает работе особый цветовой настрой и обобщает ее.

Способ П. Сезанна.

Название способа указывает на его происхождение. Известно что, Поль Сезанн, помимо масленой живописи, охотно и очень успешно писал акварельными красками. Сохранились очень интересные акварели художника. Одни написаны двумя цветами: сине-пепельными и охрой красной. В других он немного расширяет свою палитру до трех цветов — зеленого, охры, красной и желтой, оставляя как основу сине-пепельный цвет.

В своих работах Сезанн опирался на один из трех принципов Поля Синьяка, который заключался в том, чтобы никогда не накладывать одну краску на другую, так как любой положенный поверх другого тон выцветает. Но в последние годы П. Сезанн, продолжая страстно увлекаться акварелью, писал совершенно по — другому. Он перекрывал один цвет другим, затем третьим и так далее, используя при этом основные цвета — синий, красный, зеленый и желтый, примешивая к ним в небольшом количестве черный цвет, с помощью которого делал незначительные штриховые акценты поверх мазков.

Самое главное, что П.Сезанн не смешивал основные цвета между собой, а использовал как бы принцип наложения друг на друга цветовых стекол. Вот что писал об этом Эмиль Бернар в 1904 году: «Он начал с легкой тени, наносил пятно, покрывал его другим, большим пятном, затем третьим, пока все эти цветовые градации, перекрывая друг друга, не вылепливали цветом форму предметов». Художник работал над всей композицией, касаясь то первого, то второго плана, то неба, а когда возвращался к тому или иному участку, новое положение краски не смывало предыдущий слой. Прозрачность акварели сохранялась.

Трудно сейчас сказать с уверенностью, кто наряду с П. Сезанном мог использовать этот способ, так как многие его современники работали, стараясь не перекрывать один чистый цвет другим. Так или иначе, описанный способ просматривается в работах художников конца XX века.

Поль Сезанн. Акварельный автопортрет

Последовательность работы этим способом следующая.

1. На лист бумаги нанести свободный рисунок графитным карандашом средней мягкости без использования ластика. Ошибочные линии, если они не столь интенсивны, можно оставить на бумаге, они дополнят будущий цветовой слой некоторой игрой линий.

2. Нанести цвет, начиная с синего, на тех участках, где он может присутствовать в той или иной степени. Мазки следует делать небольшие, по форме предмета, прозрачные, легкие. Затем нужно нанести остальные цвета один за другим в любой последовательности, например красный, зеленый, желтый. Важно, что переход от более светлых тонов к более темным был постепенным. К чистым цветам в небольшом количестве можно добавить черный цвет. Перекрывание одного цветового пятна другим может быть неполным, т. е. чтобы предыдущий цвет кое-где просматривался в чистом виде. В этом приеме заключается особая цветовая прелесть способа.

3. На данном этапе нужно сделать цветовые акценты с использованием черного цвета, подчеркивающие форму изображаемого предмета или объекта. В работе этим способом можно использовать вместо чистых ярких цветов земельные цвета, например охру светлую, охру красную, а к ним добавить окись хрома, голубую ФЦ и черную. Интересная работа может получится, если карандашный рисунок сделать каким — нибудь цветным карандашом, например синим, зеленым или любым другим; важно, чтобы он был хорошо заметен на бумаге.

Классический способ

Классический способ, который в некоторых искусствоведческих работах называют «нарочитым», не свойственным акварельной живописи, активно применялся акварелистами ХIХ века в портретной живописи при моделировке лица, при изображении тканей, интерьеров, на отдельных участках фона и иногда в пейзаже.

В настоящее время этот способ никто практически не применяет, очевидно из-за его трудоемкости. В начале ХIХ века способ широко применяли такие мастера, как П. Ф. Соколов, К. П. Брюллов, В. И. Гау, и многие известные и неизвестные художники. Данным способом в основном выполнялись миниатюрные акварельные портреты, но есть также и сюжетные сцены, и интерьеры.

Последовательность работы можно представить таким образом.

1. На лист акварельной хорошо проклеенной бумаги с небольшой зернистостью нанесли строгий неяркий рисунок твердым карандашом достаточно подробно.

2. На изображаемый предмет или объект нанести общий цветовой фон, соответствующий светлым участкам, за исключением бликов и светлых пятен, где бумага должна оставаться пока не тронутой цветом.

3. После высыхания первого слоя нанести последовательно друг на друга следующие слои-заливки, начиная со светлых полутонов и заканчивая самыми темными участками, собственными и падающими тенями. Края отдельных слоев — заливок не должны быть размыты. Каждый последующий слой нужно наносить на хорошо просушенный предыдущий. Таким образом, изображение доводится до неполной степени законченности, когда можно еще нанести примерно 1-2 слоя.

4. Острым кончиком тонкой кисти (возможно это современные №1, 2) на поверхность просохшего изображения или какой то его части нанести штриховой слой акварели, аналогичный карандашному или первому рисунку. Этот слой смягчает резкие края отдельных заливок, моделирует форму, доводит изображение до законченного состояния по светлоте и цветовой насыщенности и создает ощущение материальности изображаемого. Наносимый штриховой слой, в котором штрихи могут пересекаться, накладывая друг на друга, может быть как одного цвета (обобщающего), так и разных цветов, в зависимости от состоящих перед художником задач. Например, художники XIX века при моделировке лица на предварительный золотистый тон в светлых местах наносили розоватые штрихи, а в теневых — синеватые.

Достоинство такого приема заключалось в его особой пластической выразительности, что позволяло «не замылить» форму и не сделать ее грубой. Это требовало большого мастерства.

Способ А. В. Фонвизина

Рассматриваемый способ акварельной живописи назван по имени замечательного художника Артура Владимировича Фонвизина, работавшего в удивительной, неповторимой манере. И хотя существует мнение, что Фонвизин традиционен в своих работах, его скорее всего можно отнести к тому обстоятельству, что художник не пользовался белилами, не примешивал к акварели гуашь, т. е. был традиционен в чистой акварели. В остальном его работы носят глубоко индивидуальный характер.

Можно было бы именно по этой причине не рассматривать его способ акварельной живописи, если бы не множество последователей, а точнее подражателей среди последующих поколений художников, особенно современных молодых акварелистов. Некоторые художники и искусствоведы считают, что Фонвизин исполнял свои акварели по влажной поверхности бумаги. Это неверно. Художник не работает на предварительно смоченной бумаге, когда он целиком зависит от капризов растекающейся по мокрой бумаге краски. Сохранились воспоминания современников художника, его моделей, наблюдавших за работой мастера. Можно внимательно посмотреть, и не один раз, на его работы в Третьяковской галерее и на различных выставках.

А. В. Фонвизин писал на ватманских листах ГОЗНАК ручной работы с небольшой зернистостью, прикрепляя бумагу к планшету кнопками, след от которых так и остался на работах. Похоже, автор не делал подготовительного рисунка карандашом, а начинал рисовать тоненьким кончиком кисти, намечая только незначительные контуры изображаемого, о чем свидетельствуют незаконченные работы. В прочем, эта незаконченность скорее производит впечатление особой лаконичности, присущей его работам. Затем, набрав крупной кистью большое количество воды с краской, он мягко втирал ее в поверхность бумаги, добавляя другие цвета для получения необходимого сложного тона, т. е. получалась своеобразная палитра на самой работе.

С большим мастерством художник управлял широкими цветовыми потеками с помощью кисти, чередуя темные и светлые участки, оставляя порой почти нетронутой бумагу. Кое-где художник вносил цветовые акценты на высохшей поверхности предыдущего слоя, порой совсем незначительные, почти точки, чтобы подчеркнуть форму или цветовое пятно. В портретах чаще всего акцентируются глаза и губы.

В некоторых работах видно, как художник, взяв активный цвет, который на первый взгляд выбивается из общего тона листа, наносил на его поверхность широкий мазок трепетным движением кисти.

В поздних работах А. В. Фонвизин слегка размывал некоторые цветовые участки, сочетая их с четкими заливками, а также накладывал несколько слоев цвета друг на друга. Однако его работы не производят впечатления многослойной акварели, они сохраняют удивительную свежесть, прозрачность и светоносность.

Артур Фонвизин «Букет»

Способ К.П. Брюллова

Основой способа является подмалёвок, выполненный в холодный тонах. Название способа говорит само за себя.

Как известно, К. П. Брюллов был виртуозным акварелистом, овладевшим в совершенстве этой техникой, использовавшим в своих работах разные изобразительные приемы. Мастерство художника можно видеть в его однотонных и многоцветных сюжетных работах. Тем не менее во многих портретах просматривается способ, в котором он ограничивает свою красочную палитру, выполняя в начале с помощью синей и черной красок подмалевок, расцвечиваемый затем с помощью охры желтой и охры красной.

Надо отметить, что похожим приемом пользовались и другие русские художники. Вспомним пейзажные работы М. Н. Воробьева и особенно большую группу акварелей А. А. Иванова, в которых он прокладывает по сути дела одни голубые холодные тени, решая таким образом задачу передачи пространства и воздушной перспективы. Подробнее работы можно встретить у П. Сезанна, который спустя шесть десятилетий так сформулировал свою позицию в письме к Э. Бернару от 15 апреля 1904 года: «…природа для нас, людей, — это скорее глубина, чем плоскость: отсюда необходимость ввести в наши световые ощущения, передаваемые красными и желтыми цветами, достаточное количество голубого для того, чтобы чувствовался воздух«.

По-видимому, те же задачи ставил перед собой К. П. Брюллов еще в начале ХIX века, добиваясь передачи воздушной среды и пространства в сюжетной и портретной акварельной живописи и приходя к еще более цельному цветовому решению. Мы имеем удивительную, редкую возможность увидеть в начале XXI века замечательный портрет Г. Н. и В. А. Олениных среди атрибутов архитектуры на фоне римского пейзажа, а также женских портретов, выполненных мастером способом, о котором идет речь.

Из сказанного можно заключить, что этот способ применим в пейзаже, а также в портретных работах. Им можно писать натюрморт, когда натурная постановка составлена из предметов классической формы в сочетании с гипсовыми слепками на фоне драпировок холодного тона, т.е. когда предметы имеют не яркую цветовую насыщенность, когда можно передать пространство и воздушную среду. Способ можно также использовать для изображения интерьера.

Идеальный курс для новичков!

Учимся работать сразу с 5-ю художественными материалами,

Попробуем представить последовательность работы данным способом.

1. На лист хорошо проклеенной бумаги с фактурой средней или мелкой зернистости нанести строгий, подробный рисунок твердым карандашом таким образом, чтобы на бумаге было четкое изображение. Однако не должно быть углублений, которые может оставить твердый карандаш и которые будут видны сквозь слой акварели.

2. С помощью синей (в нашем случае это голубая ФЦ) и черной красок выполнить подмалевок в технике гризайли, доведя работу до некоторого незавершенности. Красочные слои накладывать друг на друга по высохшей поверхности последовательно от светлых к темным.

3. Используя охру светлую и охрану красную (можно также сиену жженую и английскую красную), довести работу до законченного состояния. При этом желтая краска, перекрывая синюю, дает зеленоватые оттенки, красная — фиолетовые, желтая и красная — оранжевые, а вместе все дают коричневые оттенки. На участках, где нет синего цвета, желтый и красный «звучат» в полную силу. При этом в незначительном количестве можно подмешивать черную краску.

4. На данном этапе в работу можно внести цветовые и тональные акценты (с небольшим количеством черного цвета), а также незначительные исправления в виде легких размывок. Впрочем, лучше к этому в данном случае не прибегать. В современной акварельной живописи этот способ практически не встречается.

Иллюстративно-декоративный способ

Этот способ, часто применяемый в современной иллюстративной графике, а также при выполнении декоративных работ, основан на одноразовом нанесении акварельного красочного слоя на определенный участок изображения со строго обозначенными границами. Все цветовые оттенки на данном участке должны плавно перетекать один в другой.

Такие работы выполняются в условиях мастерской на основе собранного этюдного материала с натуры с предварительным карандашным эскизом в натуральную величину. Прекрасной темой для данного способа кроме иллюстрации являются композиции из цветов, всевозможных овощей и фруктов, словом, все то, что принято называть дарами природы, в сочетании с предметами быта.

Гораздо реже это способ используется в пейзаже и практически не применим в портрете из-за своеобразных, порой неожиданных, цветовых заливок.

Последовательность работы иллюстративно-декоративным способом:

1. Необходимо хорошо продумать и выполнить в натуральную величину графитным карандашом эскиз предстоящей работы. На эскизе четко обозначить все будущие цветовые участки, определяемые характером композиционного построения изображения. При этом цветовыми участками могут быть как отдельные предметы, так и их части, на которые затем можно нанести акварель в полную силу с одного раза.

2. На данном этапе выполняется основная цветовая часть работы. Насыщенным красочным слоем, вводя в него последовательно все необходимые цветовые оттенки, плавно переходящие друг в друга, нужно покрыть прорисованный по контуру участок изображения. Заливку следует выполнять кистью мягко, с достаточным количеством воды по всей поверхности участка, не допуская высыхающих пятен. Вторичные нанесения краски всевозможные исправления не желательны, а порой и не допустимы, так как полученный цветовой участок должен выглядеть свежо, сочно, переливчато. В этом заключается весь смысл данного способа. После того как прописанный участок полностью просохнет к нему приписывается другой и так далее до полного завершения работы. При этом планшет также можно отклонить в разные стороны, направляя красочный слой в нужном направлении.

3. Изображенная композиция хорошо воспринимается декоративным силуэтом на фоне белого листа бумаги. Но, по желанию, можно ввести цветовой фон — как темный, так и светлый. Для этого необходимо выбранным в качестве фона цветом с помощью небольшой кисти обвести изображение контуром толщиной от 0,5 до 1 см. Мелкие промежутки фона следует запомнить целиком.

4. Расположить работу горизонтально и большой кистью покрыть фон вокруг обозначенного контура, добавляя активно краску и воду, размывая четкость контура с наружной стороны. Красящий слой может растекаться неравномерно, меняя свою интенсивность, плавно сходя на нет в некоторых местах, образуя своеобразные перламутровые заливки. После этого работа должна находиться в горизонтальном положении до полного высыхания.

Иллюстративно-декоративный способ можно назвать современным, поскольку в настоящее время этим способом работают многие художники — иллюстраторы и станковисты, желающие придать своим работам декоративный характер. Впрочем, отдельные признаки способа можно заменить в иллюстрациях таких мастеров прошлого, как В.М.Васнецов и И.Я. Билибин, а также в некоторых станковых работах В.М. Конашевича. Очень ярко, полно, наглядно технические приемы этого способа нашли выражение в декоративных работах эстонской художницы М.В. Лейс, выполненных в конце ХХ века. Ее работы удивляют своей оригинальной динамичной композицией, цветовой культурой и графической изысканностью. И не случайно иллюстративно-декоративный способ акварельной живописи нашел отклик в творчестве молодых художников-акварелистов.

Работа по сухой поверхности бумаги.

При этом способе поверхность бумаги не смачивается перед началом работы цветом, как при первом способе. Живопись ведется отдельными участками или, как говорят художники, «от куска».

Участки приписываются друг к другу. Бумага для работы может иметь как ярко выраженную зернистую структуру, так и не очень заметную. Хорошо подходят листы не сильно проклеенные. Художники-акварелисты называют эту бумагу «мягкой». Такой способ акварельной живописи очень хорошо подходит для учебных краткосрочных заданий. Он используется также многими профессиональными художниками для решения творческих задач. Прекрасным примером применения этого способа живописи являются работы замечательного мастера акварели А.П. Остроумовой-Лебедевой, которые можно видеть в собрании Государственной Третьяковской галереи и в различных учебниках по акварельной живописи.

Последовательность работы по сухой поверхности бумаги такова:

На лист бумаги нанести более подробный рисунок, чем при первом способе. Если работа не с натуры на природе, желательно сделать рисунок с предварительно выполненного эскиза, чтобы не испортить ластиком поверхность бумаги, исправляя ошибки.

Затем лист прикрепить к планшету. Акварельную краску взять кистью большого размера в полную цветовую силу с некоторым запасом на пожухание, с активным набором воды и нанести на поверхность бумаги, заполняя цветом определенный «кусок» и добавляя, где это необходимо, дополнительные цветовые оттенки.

К законченному «куску» приписать следующий и так далее до полного заполнения листа. Размеры «кусков» могут быть различными, они определяются характером изображаемого. Не совсем просохшие края отдельных соседних «кусков» в некоторых местах могут слегка перетекать друг в друга, образуя цветовые переливы, не требующие исправления и придающие работе своеобразную цветовую выразительность.

После того как прописана практически вся поверхность листа, нанести дополнительные цветовые акценты, а также незначительные смягчающие размывки, которые не должны испортить свежесть работы. Кроме того, нужно заполнить цветом мелкие участки бумаги, остающиеся, как правило, между отдельными «кусками» в процессе работы.

Впрочем некоторые художники сознательно оставляют участки чистой бумаги, используя это как своеобразный живописный прием. Планшет с листом бумаги в процессе работы можно наклонять под разными углами в разные стороны, направляя в нужном направлении текущий красочный слой.

Акварельно — графический способ

Этот способ сочетает в себе графические и акварельные приемы. Он берет начало от подкрашенных гравюр и рисунка ХVIII — ХIХ века. Но если в них преобладающим было графическое начало, то в рассматриваемом способе рисунок и акварель выступают как бы равных, дополняя друг друга, когда штрих карандаша играет столь же важную роль, что и цвет, когда графическое и живописное начала оказываются слиты.

Это очень хорошо просматриваются в акварелях П. Синьяка начала 30-х годов ХХ века, в которых он, активно используя основные цвета — желтый, красный, синий и зеленый, добавляя немного черный, следует одному из трех своих принципов: «…первоначальный карандашный набросок не должен исчезнуть под пятнами акварели, напротив, он должен быть отчетливо виден, чтобы «создать игру линий в пустотах, разграничивающих те пространства, которые надлежит расцветить«.

Поль Синьяк, Мост Фёйе в Лионе

В начале ХХ века, сочетая акварель с графическими приемами, работали А.П. Остроумова — Лебедева, акварели которой носили более строгий цветовой характер, и позднее Д. И. Митрохин. Его работы отличаются выразительным линейным рисунком, поддержанным штриховкой в тенях и по форме предметов, и энергичным использованием акварели и даже в ряде случаев цветного карандаша.

Акварельно — графический способ может быть успешно применен как в иллюстративных, так и в станковых работах, пейзаже, натюрморте и даже портрете. Им можно пользоваться и в тех случаях, когда за сравнительно небольшое время нужно сделать максимально выразительный этюд, чтобы зафиксировать увиденное, который затем может использовался в последующей работе.

Последовательность работы акварельно-графическим способом.

1. На лист бумаги, фактура которой может иметь различный характер (в зависимости от желания исполнителя), нанести свободный интенсивный рисунок мягким графитным или черным карандашом. Можно использовать черный карандаш из набора обычных цветных карандашей или стержень «негро». Формы предметов можно моделировать штрихами. Там, где необходимо, штрихами может быть заполнен и фон. При этом пользоваться ластиком не обязательно, предварительные легкие линии придают работе некоторую живость.

2. Используя текучесть акварели, на законченный рисунок нанести в полную силу цвета красящий слой, где один цвет может плавно переходить в другой.

3. На данном этапе можно усилить тени, вводя в работу дополнительные цветовые пятна, наносимые на просохший основной слой.

К сказанному следует добавить, что для рисунка могут быть использованы угольный карандаш и акварельный, который слегка размываясь наносимым слоем каски, придает работе некоторую мягкость. Можно также применять и различные цветовые карандаши, подчеркивающие фактуру.

Назаров А. К «Основные способы акварельной живописи»

Понравилась статья? Поделитесь с друзьями.

Твитнуть

Поделиться

Поделиться

Отправить

Класснуть

Линкануть

Техника акварельной живописи

Как мы знаем в наборах акварельных красок отсутствует белая краска (нужно оставить без внимания белую китайскую и белую в наборах для детей).

В акварели белые и светлые участки живописи создаются за счет количественного  соотношения воды и пигмента на кисти и также прозрачности акварельных красок.

«Pезерваж» (белые и светлые участки в акварельной живописи)

Чтобы оставить светлые участки незаписанными применяется «Обходка » светлого темным. Умение выполнять эту сложную задачу приходит с опытом и определяет класс акварелиста. Резерважем в акварели называется незаписанная белая или самая светлая часть листа. В акварельной живописи «по — сырому» сделать это  гораздо сложнее чем по — сухому» и «полупросохшему»  листу.

Акварелисты, не владеющие в полной мере техникой  «Обходки» решают эту задачу другими способами. В частности выполняют резерважи с помощью скотча, парафина, восковых карандашей и т.п.. А также используют обработку уже высохшего, красочного слоя различными «механическими» способами (выскребание, удаление красочного слоя с помощью лезвия бритвы и пр.). Все эти способы точно не добавят мастерства акварелисту. Возможно высветление необходимых мест с помощью отжатой кисти, или например салфетки по непросохшему или высохшему слою. Но при этом способе не достигается чистота цвета светлого пятна, как это возможно при «Обходке». Способ применения парафина, для создания резерважа я попробовал на одном из моих ранних этюдов.

Способ применения парафина для создания резерважа.

«Обходка» светлых просветов в небе и лужицах на примере акварельного этюда.

При работе над подобным этюдом нужно успеть нанести плотный красочный слой (например, в пашне) до высыхания нижнего светлого слоя и вовремя «состыковать» эти слои при обходке. Здесь нужна практика и опыт. Если не успеть провести «Обходку»  вовремя, стыки получатся резкими. «Обходка»  «по-сырому» заключается в умении чувствовать необходимое соотношение количества воды на бумаге и кисти одновременно, с тем, чтобы краска не затекала за предполагаемую границу. Приобретается с опытом.

Во время «обходки» кисть должна идти на нужном расстоянии от предполагаемого резерважа, с учётом последующего растекания краски. Здесь нужно учитывать влажность бумаги и количество пигмента на кисти. Если произошла ошибка и краска растекается быстрее, чем нужно можно подуть на опасно ссужающийся резерваж или остановить его границу феном.

«Обходка» светлых участков на этюде «Весна. Мокрое поле»

 

О красках.

Наиболее важными техническими свойствами всяких красок являются их структура, прозрачность, светлота, насыщенность и долговечность. Все краски состоят из красочного и связующего вещества. Красочное вещество красок — акварельных, масляных, темперы и др.— одно и то же; различие видов краски определяется различным происхождением и составом связующего вещества, которое выполняет конструктивную работу связи частиц краски между собой и картинной плоскостью. Связующее вещество определяет основные технические свойства красок и влияет на приемы и способы их применения в живописи.

Краски различного цвета не вполне одинаковы по своим техническим свойствам из-за различия структуры их красочного вещества; существуют краски крупнозернистые и мелкозернистые.

В акварели одни краски (мелкозернистые) полностью растворяются в воде и покрывают бумагу тонкой пленкой, другие (крупнозернистые) в воде находятся во взвешенном состоянии и покрывают бумагу слоем мелких крупинок. Их смесь неоднородна и при нанесении не может дать ровного тона. Соединение разнородных красок возможно в том случае, когда работа делается сразу, без повторных покрытий, или когда нужно дать разнообразные цветовые переходы. При повторном нанесении смеси следует быть очень осторожным. Тонкие краски соединяются с бумагой прочно. Грубые же, размокая, снимаются кистью. В результате получается грязь. Если работа ведется в течение длительного времени и сложный цвет постепенно доводится до нужной силы, то, чтобы избежать грязи, необходимо начинать с более тонких красок, которые прочно соединяются с бумагой и не размываются последующими красками. Заканчивать нужно крупнозернистыми, которые не допускают последующих покрытий.

Со структурностью красок связана их прозрачность. Крупнозернистые краски — мало прозрачны; тонкие обладают значительной прозрачностью.

Прозрачные, или лессировочные, краски просвечивают, под ними хорошо чувствуется светлое основание; малопрозрачные краски просвечивают плохо. Они скрывают свое основание и называются кроющими, или корпусными. Цвет прозрачных красок заметен больше всего тогда, когда они видны на просвет и когда свет сильно отражается основанием. Если, например, прозрачной изумрудно-зеленой краской покрыть белую бумагу, цвет будет хорошо заметен; на черной — почти исчезает. Если взять кроющую краску — кадмий желтый, то цвет краски будет виден и на белой, и на черной бумаге. Кроющие (крупнозернистые) краски хорошо воспроизводят освещенные части предметов, а прозрачные (тонкие) краски хорошо передают тени. К наиболее кроющим краскам относятся некоторые охры, зеленая хромовая, кобальт, ультрамарин и др.; к наиболее прозрачным краскам — сажа, краплак, изумрудная зелень, берлинская лазурь и др..

При построении красочного слоя в акварели целесообразно придерживаться следующих правил.

Следует начинать с наиболее прозрачных лессировочных красок. Они лучше просвечивают, прочнее соединяются с основанием. Красочный слой в акварели, построенный от наиболее прозрачных к менее прозрачным краскам, всегда будет прочнее, чище по цвету и приятнее по фактуре. Краски, положенные в обратном порядке, образуют перемешанный, непрозрачный грязный цвет.

Долговечность акварельных красок зависит от многих обстоятельств: от красящего вещества, связующего и от их смесей. Главные причины недолговечности акварели: во-первых, свет, разрушающий некоторые красящие вещества, особенно искусственного происхождения, вследствие чего краски выгорают; во-вторых, сырость, от которой клей, входящий в состав бумаги и акварельной краски, загнивает и краски разрушаются; в-третьих, взаимное химическое влияние смешанных красок.

Акварельные миниатюры в старинных рукописях, хранившихся столетиями в темных и сухих библиотеках, полностью сохранили первоначальную свежесть красок. Напротив, акварели, висящие в светлом и сыром месте, меняются до неузнаваемости.

Чтобы составить палитру из прочных красок, нужно самому проверить каждую краску на свет, на сырость и на смесь. Такую проверку нужно вести непрерывно по мере поступления непроверенного материала, имея в виду сохранность будущих работ. Для этого нужно взять небольшой лист бумаги и покрыть его горизонтальными полосами испытуемых красок, разрезать на три вертикальные полоски одну — вложить в книгу, которую следует спрятать в сухое место, другую — прикрепить на окне, где часто светит солнце, а третью положить в какое-нибудь сырое место. По истечении некоторого времени разрезанные полоски нужно соединить и тогда будет выявлена прочность каждой краски и ее смесей. По результатам проверки и нужно составлять палитру надежных красок.

При составлении палитры следует приобрести несколько наборов красок, проверив их технические свойства, выбрать из них лучшие краски, составить самому одну большую палитру устойчивых красок, где они будут сгруппированы по цвету, прозрачности и другим техническим свойствам.

Организация рабочего места. Подсобные инструменты и оборудование.

Изобразительная работа начинается с подбора инструментов. От того, как оборудовано рабочее место, во многом зависит не только технический, но и творческий успех.

Палитра служит важным инструментом художника. На ней подбираются краски, смешиваются и подбираются искомые тона, на ней в продолжение всей работы хранятся заготовленные краски.

Чтобы отвечать своему назначению, палитра для акварели, во-первых, должна быть белой и непрозрачной. Белизна палитры, как и белизна бумаги, нужна для того, чтобы видеть краску на просвет, видеть ее такой, какой она будет выглядеть на бумаге. Во-вторых, палитра должна иметь разнообразные углубления для хранения разведенных красок в больших и малых количествах, места для смешения красок, места для приклеивания красок в плитках или выдавливания красок из тюбиков, место для влажной губки, тряпки или пропускной бумаги. Если палитра предназначена для мастерской, то хорошо, если она будет белой фарфоровой или светлой фаянсовой, достаточно большого размера. Палитру для работы на натуре целесообразно делать металлической, эмалированной, складной, белой внутри и черной снаружи.

Акварельный бачок с двумя отделениями предназначен для мытья кистей и хранения чистой воды для разведения красок. Для мастерской удобен бачок прозрачный, стеклянный; такой бачок позволяет видеть степень загрязнения воды. В походной обстановке нужен бачок металлический эмалированный либо сделанный из светлой резины, складной. Такой же удобный и небьющийся бачок можно сделать из пластмассы.

При работе акварелью всегда необходима губка. Умение всесторонне использовать ее технические возможности указывает на хороший технический уровень акварелиста.

Губка предназначается для смачивания бумаги перед натяжкой ее на подрамник или планшет, а также для увлажнения бумаги в начале работы, чтобы краски ложились легко, с мягкими очертаниями мазков. Губка предназначается также для осушения кистей, когда на кисти может оказаться много лишней воды или краски. Мокрую кисть иногда стряхивают на землю или, что еще хуже, берут в рот. Но стряхивание кисти загрязняет пол и иногда портит отставленные работы. Наиболее правильно удалять лишнюю воду прикосновением к губке. Так, не делая лишних движений, можно снять необходимое количество воды или краски, поправить конец кисти, сосредоточеннее работать.

Губка нужна на палитре также для того, чтобы подобрать случайно текущую краску, которая может угрожать всему изображению. Губкой смачивают неудачные места для их переделки. И, наконец, губка нужна для того, чтобы по окончании работы смыть добела палитру. Ее могут заменить чистая полотняная тряпка, вата или пропускная бумага.

Мольберт для акварельной живописи делается особой конструкции. Кроме всех остальных требований, которые предъявляются ко всем мольбертам, он должен давать возможность ставить подрамник под разными наклонами, начиная от горизонтального и кончая почти вертикальным положением.  Главное для работы с акварелью — мобильность рабочей плоскости, потому что в процессе работы внезапно может понадобиться различный наклон планшета с живописью.

Мольберт для натурных зарисовок должен быть легким, портативным и вместе с тем достаточно устойчивым при ветреной погоде. Если нет удобного мольберта или этюдника для работы стоя, то можно работать сидя на складном стульчике, планшет для этюда держать на коленях, материалы расположить прямо на земле, постелив вниз клеенку, чтобы ничего не растерять и не испачкать.

В мастерской необходимо оборудовать специальный стол для палитры, кистей, воды, бумаги, красок и других инструментов. Хорошо оборудованный стол освобождает от нервной суматохи, от поисков нужных инструментов и материалов, способствует спокойной и сосредоточенной работе.

Стул нужен лишь для временного отдыха и, самое большее, для детализации изображения. Когда акварелист садится на стул, ставит на колени подрамник, берет в руки палитру с красками и т. д., тогда у него начинает пропадать желание двигаться, отходить, чтобы видеть свою работу на расстоянии. Его невольно начинают увлекать детали, второстепенные подробности колорита, и вскоре он по своему творческому состоянию начинает переходить от живописи к рукоделию. Ответственная работа живописца требует непрерывных отходов, оценки каждого мазка как нанесенного, так и предполагаемого к нанесению, с многих, различно удаленных точек зрения. Чем крупнее размер листа с живописью, тем чаще нужно отходить и смотреть на нее с расстояния. Лишь только для того, чтобы нанести мелкую деталь и не держать в это время руку на весу, может понадобиться стул.

Подбор инструментов и оборудования мастерской оказывают значительное влияние на ход работы как в техническом, так и в творческом отношении. Однако нельзя сваливать неудачи в работе целиком на неудовлетворительную обстановку, материалы, инструменты. Решает успех целеустремленный, творческий труд художника. Но нужно всячески стремиться приспособить существующую обстановку для улучшения работы; сколько позволяют условия, оборудовать рабочее место лучшими материалами и инструментами.

Продуманный подбор материалов и инструментов — начало успешной работы.

Подготовка бумаги к живописи.

Лучше всего натягивать бумагу на планшет. Бумага должна быть всегда хорошо натянутой и гладкой. Если бумагу нужно укрепить на планшете надолго, то это лучше сделать клеем. Если же основанием бумаги служит временный планшет, то прикреплять бумагу проще и быстрее небольшим числом хороших кнопок.

В том и другом случаях бумагу нужно смачивать с двух сторон, что дает равномерное увеличение ее при размачивании и медленное, равномерное уменьшение при высыхании. Намоченная с двух сторон бумага сохнет медленно, клей схватывается до того момента, когда бумага начинает подсыхать и тянуть. При смачивании бумаги сначала влажной губкой, без избытка воды, протирается внутренняя сторона так, чтобы не замочить краев, предназначенных для клея. Затем бумага переворачивается, и ее внешняя сторона смачивается полностью вместе с краями. Если бумага прикрепляется на кнопках, то тогда она смачивается целиком с двух сторон.

Исключением могут служить работы очень больших размеров. В них появляется опасность разрывов от перекоса планшета при переноске или от прогиба планшета во время работы. Бумагу для таких работ лучше наклеить сухой и смочить только тогда, когда клей хорошо просохнет. Осадка при высыхании большого листа бывает достаточной для того, чтобы без риска разрыва натянуть бумагу. Кроме того, большие работы обычно ведутся по проработанным эскизам и по частям, что позволяет избежать большого коробления бумаги от намокания.

Прикрепляя влажную бумагу к планшету, нужно так направлять растягивающие усилия, чтобы сначала бумага натянулась между серединами длинных сторон, потом между серединами коротких, затем в углах по одной диагонали, потом по другой. Промежуточные точки натягиваются в последнюю очередь, равномерно и не очень сильно.

Существует другой способ подготовки бумаги к работе. Этот способ применялся в английской акварели XIX века. Акварельная живопись по сырой бумаге с применением стиратора и мокрой ткани. Благодаря этому способу бумага держит воду в течение длительного времени, что дает большие возможности в живописи акварелью.

Стиратор — это деревянная рисовальная доска, на поверхность которой накладывается смоченный водою лист акварельной бумаги. Края бумаги загибаются на тыльную сторону доски, на которую потом надевают рамку, которая плотно прижимает бумагу к ребрам доски. Бумага, высыхая, равномерно натягивается. Преимущество стиратора перед планшетом в том, что благодаря снимающейся рамке, он более практичен и легок в использовании.

Живопись акварелью «по сырому» с помощью влажной ткани.

На пластик (органическое стекло) ровно укладывается мокрая тонкая хлопчатобумажная (лучше марлевая) ткань. Затем на ткань помещается смоченный с двух сторон лист бумаги и разглаживается, чтобы не было воздуха под бумагой.

Рабочая поверхность при таком способе остается влажной и ровной в течение длительного времени.

Таким способом можно делать большие акварельные пейзажи и натюрморты.

Для работы на пленере годится простой способ. Намочить лист бумаги поролоном или широкой кистью, и положить его на, какую либо гладкую поверхность. Например, лист пластика, изготовленный в размер этюдника для акварели.

Подготовка бумаги к живописи

Подготовительный рисунок.

Прозрачная акварель не терпит никаких исправлений. Одновременно акварель исключает контур, ибо он сквозит из-под красочного слоя и делает работу грязной, жесткой; но вместе с тем требует контура, сокращающего число ошибок до минимума. Поэтому контур в акварельной технике занимает видное место и заслуживает самого тщательного изучения в качестве начальной стадии работы.

Контура в природе нет: край одной формы, обрываясь, непосредственно переходит в другую форму. Отсутствуя в природе, в изображении контур служит условной границей формы. Выраженный не в меру, он удаляет рисунок от реального изображения. В живописи контур играет роль вспомогательного построения, редко оставаясь необходимым в законченной работе. Он наносится слегка и к концу работы исчезает совсем, освобождая рисунок от условностей. Излишне заметный контур придает работе черты стилизации.

В изобразительной практике бывают случаи, когда контур выступает как единственное средство передачи натуры. В набросках, в подготовительном рисунке форма предмета изображается одним очертанием; линии служат единственным средством выражения. Но линейный набросок всегда будет неполным, условным изображением и в работе мастера имеет обычно подсобное значение.

Как определенная стадия работы контур нужен художнику тогда, когда перед ним стоит задача изображения сложной формы, требующей точного и детального построения. В изображении же простых форм можно обойтись без контура.

В натюрмортах, составленных из простых по форме предметов, в пейзажах, не сложных по рисунку, можно обойтись без контура; тут полезно сразу работать красками. Такие упражнения будут несколько усложнять работу, но зато разовьют способность и умение сразу строить предмет по форме и по цвету, а при постепенном переходе от простых к более сложным задачам — сокращать стадии до необходимого минимума.

Рисунок для живописи акварелью наносится легкими линиями, которые являются только подсказкой, и определением композиционных составляющих. Необходимо хорошо чувствовать нажим карандаша, потому что твердым карандашом можно поцарапать бумагу, оставить вдавленный след, а мягким карандашом можно перегрузить ее графитом, так что он будет размазываться рукой во время работы и пачкать бумагу, к тому же грубые линии трудно стираются ластиком.

Иногда во время живописи легкие линии рисунка исчезают под красочным слоем. В этом случае нужно хорошо чувствовать рисунок и композицию. Рисунок — это подготовительный этап для ведения акварельной живописи. Для того чтобы определится: как и где поставить цветовые и тональные переходы, показать материальность предметов, линию горизонта и контуры заднего и переднего планов в пейзаже следует нанести тонкие линии. Затем в акварельной живописи уже нужно рисовать кистью и цветом, а не раскрашивать контуры цветом.

Последовательность ведения работы.

С чего лучше начать писать акварель, с фона или изображения предметов, с первого плана или со второго? Если в работе решается задача передачи пространства, то неизбежно придется выстраивать изображение в свето-воздушной перспективе, используя изобразительные планы. Пример этого — пейзажная живопись. Обычно в пейзаже работа начинается с живописи третьего, дальнего, плана, и тогда пишется небо, плавно переходящее через линию горизонта к земле, ко второму плану. Затем разрабатывается тонально насыщенный первый план, и начинается работа над деталями.

Смотрите: Акварельный пейзаж «по сырому». Последовательность.

В данной статье использовались некоторые моменты из статьи: Е. Базанова. Стихия воды и краски. О технике акварельной живописи.

 

 

Онлайн мини-курс «Техники рисования неба в акварели»

Мини-курс «Техники рисования неба в акварели» — это несколько онлайн-уроков, на которых Вы научитесь передавать различные состояния неба, писать реалистичные объемные облака и изображать эффекты пробивающихся сквозь тучи лучей света.

Посмотреть

Понравилась статья? Поделитесь с друзьями.

Твитнуть

Поделиться

Поделиться

Отправить

Класснуть

Линкануть

Смотрите по теме:

Чем уникальна акварель и как с ней совладать. Часть 1: акварельная история

Обычно я рассказываю про акварельную технику на моих занятиях с учениками. И тут подумала, а почему бы мне не поделиться с вами некоторыми мыслями, наблюдениями и рассказать, чем уникальна акварель и как с ней совладать! Да-да, именно совладать, чуть ниже расскажу, почему именно так.

С одной стороны, мы все знаем акварель, скорее всего, из детства. Может быть поэтому у многих сформировалось мнение, что акварель — простой и не такой «крутой» материал, как, например, масло. А на деле оказывается, что акварельная техника — одна из самых сложных, и чтобы достичь в ней мастерства, нужно учиться, и только со временем она открывает перед художником свои неограниченные возможности и красоту. Чтобы ее понять, почувствовать, нужно время, смелость, терпение и много бумаги 🙂 И оно того стоит!

Не буду с головой погружаться в историю акварели, но про ключевые моменты с удовольствием расскажу.

Акварель — (от франц. aquarelle — водяной, от лат. aqua — вода). Состоит из мелко растертого пигмента, гуммиарабика и декстрина. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу. Еще одна составляющая красок — это бычья желчь. Кстати, некоторые компоненты можно дополнительно добавлять в уже готовые краски, тем самым придавая им определенные свойства.
Как нетрудно догадаться, акварельная живопись появилась с появлением бумаги, а бумага — это изобретение китайцев начала II века нашей эры. Сами же акварельные краски были еще известны в Древнем Египте.

Китайские акварели традиционно пишутся не только на бумаге, но и на шелке или иной ткани. Наиболее часто встречающиеся жанры акварельной китайской живописи — это пейзажи, цветы, животные. Китайскую живопись узнаешь сразу — по легкости и точности мазка, совершенной гармонии.

Поэтому такие рисунки-свитки можно не только вешать на стену, но и сворачивать в рулон и хранить в специальных футлярах, что сохраняет краски в первозданном виде. Традиционные жанры китайской акварели: пейзаж, цветы и птицы, портрет, анималистический жанр.

А это работы современного китайского акварелиста Chen YuLian, не очень у нас известного.

В Европе акварельная техника вошла в употребление в XV веке, одни из самых примечательных художников периода Возрождения, использующие акварель, — это Альбрехт Дюрер и Антонис ван Дейк. «Заяц» стал хрестоматийной работой, а вот, собственно, и он.

Акварель поначалу не была по достоинству оценена живописцами того времени. Долгое время акварель считалась пригодной только для вспомогательных задач, художники писали ею как темперой или маслом, а ее преимущества воспринимались как недостатки. Зато акварель использовали картографы, путешественники, ботаники, те, кому нужно было делать зарисовки без каких-либо специальных приспособлений, имея под рукой только воду и краску.

И вот пара таких ботанических иллюстраций, созданных итальянским художником Жерардо Кибо в 16 веке.

Расцвет акварельной живописи в Европе, а также в России пришелся на на рубеж XVIII—XIX веков. Многие русские художники использовали акварель, часто для зарисовок, эскизов. Постепенно акварель становилась самостоятельным видом искусства.

Пейзаж Левитана.

Особенно популярна акварельная живопись была в Великобритании, где в 1804 году было создано Общество акварелистов. Акварель стала одной из ведущих техник, дав возможность художникам заниматься исключительно акварелью.

Художник Эдвард Вессан.

Не могу не поделиться замечательными работами современного английского художника Ричарда Торна.

С тех пор акварель расцветала и развивалась. Заняла свое место также и в американском искусстве. Один из любимых художников 20 в. — Эндрю Уайет.

«Не важно, что именно ты делаешь, важно, чтобы все, к чему ты прикасаешься, меняло форму, становилось не таким, как раньше, чтобы в нем оставалась частица тебя» (Э. Уайет).

Я почти не касаюсь современной акварели, так как это длинная и очень интересная история, заслуживающая отдельной главы.
Один из мастеров современной акварели — австралийский художник Джозеф Збуквич.

«Делать все самому — большая ошибка. То, что делаю я — только детали, основное творит сама акварель. Масляная живопись — это словно езда не лимузине, а акварель — на феррари. Не та респектабельность — но это, и правда, круто.
Вся моя философия — в одной простой фразе. Просто рисуй» (Д. Збуквич)

Переходя от истории к более практической части, расскажу о том как акварель ворвалась в мою жизнь. Акварель была в детстве, в юности, но даже на первом курсе университета особого понимания ее возможностей не было. Потом мы уже писали другими материалами, почти не трогая водную красочку. Иногда попадались акварели других художников и заставляли останавливаться. Столько природы, какой-то естественной красоты может дать эта краска.

Можно сказать, что акварель вернулась в мою жизнь после рождения первого ребенка, как ни странно. Дефицит времени заставлял использовать каждую свободную минуту с пользой. И акварель позволяла уйти в такой отрыв, она в этом плане очень хороша, нужна всего лишь бумага, кисть, вода и краска. Нет запаха растворителей, краска сохнет быстро, работы легко хранить. Это не в обиду другим материалом, при желании с детьми можно писать и маслом и горячие батики ваять, если есть потребность найдется и время и все остальное. Иногда бывает очень трудно, часто в ущерб другим вроде бы тоже важным делам и сну, но иначе никак. Если именно сейчас в руки хочется взять бумагу или другой любимый материал, то лучше найти время, ведь желание что-то сделать уже дорого стоит и не известно появится ли оно завтра.

А теперь переходим к тому, с чего начинается акварель. И чтобы было понятнее, разберем, в чем ее особенности и отличие от других красок.

Акварель часто называют самой непредсказуемой техникой. И в этом есть и ее преимущество и сложность. Получить желаемый результат бывает не просто, исправлений акварель не любит, а порой они и вовсе невозможны. Акварель — краска настоящего момента — как положил, направил, так и будет.

Иногда оказывается, что это непредсказуемость и живая природа краски и есть ее самая большая ценность. Поэтому можно сказать, что акварель — это соавторство воды и человека.

Главная особенность акварели — прозрачность красок. И ключевую роль тут играет вода, а это значит, что многие эффекты и приемы строятся на ее свойствах. Притягательна способность акварели плавно растекаться, смешиваясь с другими оттенками, образуя удивительные цветовые переходы. Акварель позволяет получить тончайшие нюансы полутонов, недоступные никакой другой технике.

Акварель бывает многослойная — такой способ нанесения краски называют лессировка и а-ля-прима, когда краска наносится в один слой. Краской можно работать как по-сухому, так и по-мокрому, предварительно увлажнив бумагу. Большую роль в этом деле играют материалы, особенно бумага. Они должны быть хорошими. На бумаге низкого качества может просто ничего не получиться. Поэтому для укрощения этой самой акварели в первую очередь нужны соответствующие материалы. Если вы только начинаете писать акварелью, выбирайте пусть не самые дорогие, но профессиональные краски, кисти, бумагу. Иначе легко разочароваться, а ведь акварель стоит того, чтобы ее попробовать и получать массу положительных эмоций беря в руки кисть!

Следующая часть моего рассказа будет именно об этом. Подробно расскажу о красках, марках, кистях, бумаге и как в них не запутаться и выбрать необходимый минимум. И перейду к технике и к ее тонкостям.

Спасибо, что уделили свое время началу этой акварельной истории.

И напоследок еще один наш современник, возможно, многим знакомый — Аруш Воцмуш.

Техники акварельной живописи: пишем на сухой и влажной бумаге

Прованс — для меня это желтые домики и бескрайние поля лаванды.
Один сюжет, выполненный на разных бумагах и в разной технике — технике акварельной живописи.
В один момент после прочтения очередной (к сожалению, не очень толковой) книги об акварели я сидела с кашей в голове.

Одни акварелисты советуют только хлопок, другие только ватман.

Одни начинают рисовать с самого светлого тона, другие совершенно противоположно — с теней.

Кто-то говорит, что ни в коем случае нельзя использовать черный, другие вовсю им рисуют.
А так как ум у меня изначально математический, и каша в голове меня не устраивает, решила я все упорядочить и разложить по полочкам.

Самое первое в акварели — это рисунок карандашом и подготовка бумаги, если с рисунком все просто — он либо есть, либо его нет, то с бумагой есть три основных различных варианта:

ПЕРВЫЙ — бумага «мокрая» с двух сторон.

Бумага смачивается с двух сторон равномерно губкой, флейцом или кисточкой. Иногда даже «купается» в воде и выкладывается на оргстекло, пластиковый планшет или другую водопроницаемую поверхность.
Также дополнительно для увлажнения бумаги с обратной стороны между поверхностью и бумагой прокладывают слой влажной ткани или марли.

Основная цель, на мой взгляд, у этого способа — это поддержание бумаги в процессе рисования в ровном положение, ведь если бумага коробится, то краска течет куда хочет, а не куда надо. Второе преимущество: именно на увлажненной с двух сторон бумаге получаются ровные заливки и красивые эффекты от вливания краски или воды в красочный слой.

Сложность данной техники в том, что нужно очень хорошо чувствовать степень увлажнения поверхностного слоя бумаги и понимать, когда нужно, чтобы она почти высохла, или только «подвялилась», или оставалась влажной. Второй минус — использование на плэнере или в других походных условиях затруднительно, хорошо подходит для студийной работы.
Из современных признанных мастеров приверженец данного способа — Елена Базанова. Ее акварели отличаются сочным реализмом и грамотной композицией.

Ниже фотография Елены в работе над картиной с гранатами.

ВТОРОЙ — бумага «мокрая» с одной стороны.

Бумага натягивается и фиксируется на планшете с помощью малярного скотча или другого способа, затем поверхность бумаги равномерно смачивается полностью или частично. Здесь, конечно, желательна бумага плотностью 300г/кв.м и более, особенно начинающему художнику, пока еще не обладающему навыком контроля увлажненности листа, он легко может переборщить воды, и даже достаточно плотная бумага слегка заволнится.

Такой способ идеален для пленэрных пейзажей и зарисовок — градиентные заливки по влажному листу позволяют показать воздушность и перспективу, добавленные акценты сверху по сухому придадут живость и настроение. Этим способом виртуозно владеет мой земляк, мастер пейзажа Сергей Курбатов.

Ниже его работа на Алтайском пленере, 2017 год.

ТРЕТИЙ — бумага сухая.

Бумага натягивается и крепится к планшету тем или иным способом, рисунок зачастую формируется из отдельных прозрачных мазков. В основном, данный вид применяется при академическом обучении, планшет крепится вертикально на мольберт — вертикальное расположение листа на уровне глаз и расстоянии вытянутой руки, позволяет максимально избежать искажений при рисование с натуры. С так называемой станковой живописью акварели можно познакомиться на видеоуроках народного художника Сергея Андрияки.

Как красиво накладывать акварели

Разве не досадно?

Как и многие начинающие акварелисты, я не понимал наслоения краски.

Когда я начинал рисовать, я использовал слишком много воды и возился с влажной краской кистью. Я помню, как с энтузиазмом писал слой за слоем краски, пока конечный результат не выглядел мутным и перегруженным! Вы когда-нибудь замечали, что делаете это?

Прозрачность акварелей — одно из основных качеств, которые делают акварельную живопись такой красивой! И именно прозрачная природа акварельных красок позволяет художникам создавать картины, используя несколько слоев.Этот метод многие акварелисты называют « остекление ».

Что такое глазирование в акварельной живописи?

Наслоение акварельными мазками также известно как глазирование. Техника остекления может показаться сложной, но на самом деле она очень проста. Остекление — это, по сути, несколько слоев краски, нанесенных друг на друга. Каждому слою краски дают высохнуть перед нанесением следующего.

Остекление добавляет глубины и насыщенности цвета. Когда будете глазировать, нужно дождаться полного высыхания каждого слоя.Если вы нанесете новый слой краски слишком быстро, вы легко сможете снять предыдущий слой, и пигменты смешаются.

(По сути, остекление — это метод мокрое по сухому в отличие от мокрого по мокрому , когда краска наносится на влажную поверхность).

Акварельные картины, в которых используется глазурь, имеют характерный внешний вид по сравнению с картинами, созданными методом «мокрый по мокрому».Глазурование — прекрасная техника, которая придает визуального интереса картине и превращает плоских форм в яркие и красочные формы .

Наслоение также делает некоторые типы рисования более управляемыми. , потому что вы можете сосредоточиться только на тоне и формировать , а не думать о смешивании именно правильного оттенка. Например, многие художники делают это, накладывая основные цвета друг на друга — желтый, затем красный, затем синий.

Остекление также является ключевым методом добавления детали к акварельной картине.Вы можете использовать эту технику для придания резкости и четкости участкам вашей работы.

Наслоение краски путем лессировки также является очень полезным методом для управления цветом , тон и интенсивностью ваших картин.

Но учтите, что эта техника не для нетерпеливых! На самом деле это требует определенного хладнокровия. Это займет больше времени, потому что вам нужно дождаться высыхания слоев . (Вот почему многие акварелисты держат под рукой фен, чтобы ускорить процесс сушки).

Тем не менее, обучение правильному рисованию слоями может быть важной техникой, которая способствует успеху вашей картины.

Схема остекления с использованием основных цветов

Техники и преимущества нанесения акварельных слоев

Глазурование акварелью — это техника, которая дает вам различных уровней контроля над вашей картиной. А хорошее понимание того, как контролировать свою технику рисования, означает, что вы будете более уверены в своих способностях рисования.

Вот некоторые из самых важных вещей, которые вы должны знать об остеклении.

1 — Наслоение для управления и смешивания цветов.

Один из аспектов, который изменяет остекление — цвет .

В большинстве случаев акварелисты смешивают цвета в палитре перед нанесением краски. Как все мы знаем, сочетание двух цветных красок дает третий цвет.

Но то же самое и с глазурью. Это очень похоже на другую форму смешения цветов. Каждый новый слой краски создает новый цвет .

Допустим, вы рисуете лист. Вы можете легко смешать синий и желтый в своей палитре, чтобы получить различные оттенки зеленого. Но вы также можете начать рисовать лист в желтый цвет, а затем добавить вторую глазурь синей краской. В результате получился зеленый лист с большим разнообразием цветов и интересом.

Таким способом большинство акварельных картин создается в технике лессировки. Вы начинаете с того, что наносите большую часть цвета в виде плоской смывки, затем возвращаетесь и тратите время на глазирование.

Чтобы полностью контролировать свои результаты, вы должны знать о потенциале смешивания цветов прозрачных глазурей.Я считаю хорошей практикой сделать образцов для проверки цветов палитры и результатов, которые вы получаете при наложении слоев.

Очень полезно увидеть, как ваши цвета сочетаются друг с другом.

2 — Наслоение для управления тоном и значением

Значение — один из наиболее важных компонентов вашего произведения искусства. Глазурование дает вам контролируемый метод постепенного добавления значений тона, а также коррекции тона, если часть вашей картины слишком светлая.

Чтобы узнать больше о ценности и тоне в искусстве, прочтите это: Что такое тон в искусстве — руководство акварелиста

Вы можете легко контролировать значения с помощью лессировки. Этот метод позволяет добавлять тени или усиливать тон картины, постепенно накладывая новые цвета. Чем больше глазури вы добавите, тем темнее станут оттенки.

Это работает путем добавления последовательных промывок прозрачного цвета для достижения определенного значения. В начале каждой картины важно соотношение пигмента и воды.Вы хотите начать со светлых тонов, это означает, что сначала нужно нарисовать разбавленную краску и светлые тона. Каждый новый слой краски делает отрывок, над которым вы работаете, немного темнее.

Ключ к работе от светлого к темному. , поскольку удаление ценности в акварельной живописи невозможно (вероятно, поэтому мы в конечном итоге используем так много бумаги!) Начните с большого количества воды и не так много краски.

Остекление слоев краски также дает еще одно преимущество .

Вы, наверное, догадались, что когда акварельная краска высыхает, она кажется светлее мокрой краски. Позволяя каждому последующему слою краски высохнуть между проходами, вы можете более точно оценить тональное значение вашей картины, и вы можете всего лишь добавить дополнительные слои, чтобы увеличить значение определенной области вашей картины.

3 — Наслоение для управления интенсивностью

Остекление также является хорошим методом регулировки интенсивности цветов картины.

Вы можете эффективно нейтрализовать цвет, нанеся второй слой краски.

Допустим, вы нарисовали желтую фигуру и обнаружили, что цвет слишком насыщенный. Вы можете приглушить исходный цвет , добавив прозрачную глазурь другого основного цвета или дополнительного цвета.

Например, добавление лака основного синего цвета поможет цветам исчезнуть. А глазурь основного красного цвета согреет область, которую вы рисуете. Остекление с дополнительным цветом (в данном случае пурпурным) компенсирует интенсивность исходного цвета, создавая нейтральный коричневый цвет.

Вы можете получить коричневый цвет, смешав любые два дополнительных цвета. Например, оранжевый можно смягчить дополнительным синим, зеленый можно смягчить прозрачным дополнительным красным и т. Д.

.

стоковых иллюстраций многослойной акварели — 1584 фондовых иллюстраций, векторных изображений и клипарт многослойной акварели

Наборы разноцветных слоеных радужных тортов, украшенных красной клубникой и вишней. Акварельные иллюстрации, изолированные на белом. Фон

Бумажный акварельный цветок пиона. Многослойная бумага акварель cotral цветок с листьями, изолированные на белом фоне

Текстурированный, многослойный, сложный цветочный фон из сада в Мексике.Цифровая акварель. Текстурированный, многослойный, сложный цветочный фон из сада в Мексике

Акварельный горный пейзаж. Многослойный акварельный горный пейзаж с текстурой, подходящий для фона, изображающего сухой сезон или пустынный пейзаж

Акварель розовый прозрачный слоистый Цветок розовый лотос на белом фоне.

Синий акварельный фон с синими и зелеными пузырями или светлыми кругами боке, наслоенными случайным абстрактным узором.В вычурном дизайне

Многослойный торт, расписанный вручную акварелью, с начинкой из манго и малины и красным бантом. Изолированные на белом фоне

Акварель розовый прозрачный слоистый цветок анемона на белом фоне. Акварель розовый прозрачный многослойный цветок на белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью с вишневой начинкой.На белом фоне

Многослойный торт, расписанный вручную акварелью, украшенный малиной и манго. Кусочки, изолированные на белом фоне

Абстрактная акварель фон на бумаге текстуры. Абстрактный акварельный фон с красными и синими слоями на текстуре бумаги

Ручная роспись акварелью слоеный десерт из кофе и сливок в стакане с кремовой начинкой и кофейными зернами.Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварельной радуги с изолированной кремовой начинкой. На белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный слоеный пирог с радугой и вишней. На белом фоне

Раскрашенный вручную слоистый торт акварель радуга с двумя изолированными розовыми сердечками.На белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварельной радуги с розовыми сердечками и красным бантом. Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную слоистый торт акварельной радуги с кремовым завитком и красным бантом. На белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью, украшенный двумя изолированными розовыми сердечками.На белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварельной радуги с кремовой начинкой и двумя изолированными розовыми сердечками. На белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью, украшенный розовым кремом и двумя изолированными сердечками. На белом фоне

Трехслойный торт с вишней и красным бантом, расписанный вручную акварелью.Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью с вишневой начинкой и красным бантом

Акварельная композиция с чайками и неоновыми многослойными цветами. Ручная роспись элементы, изолированные на белом. Идеально подходит для печати, изготовления открыток и веб-дизайна

Раскрашенный вручную акварельный радужный слоеный торт с ягодами, цветами и листом мяты, вишней, клубникой и малиной. Изолированные на белом фоне

Ручная роспись акварелью трехслойный торт с кремовой начинкой, двумя сердечками и красным бантом.Раскрашенный вручную слоеный торт акварель с кремовой начинкой, два сердца

Многослойный торт, расписанный вручную акварелью, украшенный ягодами, цветами и листом мяты, вишни, клубники, малины. Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный радужный слоеный торт с фруктово-ягодной начинкой, сливками, апельсином, листом мяты и черникой. Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный радужный слоеный торт с шоколадом, ягодами, цветами и листом мяты, вишней, клубникой и малиной.Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный радужный слоеный торт с шоколадом, ягодами, цветами и листом мяты, вишней, клубникой и малиной. Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный слоистый торт с радугой, фруктово-ягодной начинкой, малиной и манго. На белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный слоеный торт с радугой, украшенный ягодами, цветами и листьями мяты, вишни, клубники, малины.Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью, украшенный кремовой начинкой, черникой, листьями мяты, изолированными дольками апельсина. На белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный Цветок. На белом фоне

Акварель голубой прозрачный многослойный розовый цветок орхидеи на белом фоне.Акварель синий прозрачный многослойный цветок орхидеи на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок розы или пиона на белом фоне. Акварель розовый прозрачный слоистый цветок роза или пион на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок на белом фоне.

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок на белом фоне.Акварель розовый прозрачный многослойный цветок на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок на белом фоне.

Акварель ярко-розовый волнистый многослойный фон. Абстрактная акварель светлый и темно-розовый волнистый слоистый фон вырезки из бумаги. Ручной обращается горизонтальная красная акварель

Акварель ярко-синий волнистый многослойный фон.Абстрактная акварель светло и темно-синий волнистый слоистый фон вырезки из бумаги. Ручной обращается горизонтальный бирюзовый

Силуэт акварельных гор. Слоистые светлые, фиолетовые и ярко-синие горные хребты. Декоративный бордюрный элемент для страницы. Дизайн. Градиент от темного до

Акварель розовый прозрачный многослойный цветок тюльпан на белом фоне.

Акварель розовая прозрачная слоистая Цветочная роза на белом фоне.Акварель розовый прозрачный многослойный цветок роза пион на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок на белом фоне.

Акварель розовый прозрачный слоистый цветок анемона на белом фоне.

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок орхидеи на белом фоне. Акварель розовый прозрачный многослойный цветок орхидеи на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок пион роза на белом фоне.Акварель розовый прозрачный многослойный цветок роза пион на белом фоне

.
Leave a comment
by : alexxlab Акварель

Цветы нарисованные акварелью: D1 86 d0 b2 d0 b5 d1 82 d1 8b d0 b0 d0 ba d0 b2 d0 b0 d1 80 d0 b5 d0 bb d1 8c картинки, стоковые фото D1 86 d0 b2 d0 b5 d1 82 d1 8b d0 b0 d0 ba d0 b2 d0 b0 d1 80 d0 b5 d0 bb d1 8c

Детские фотообои | pigu.lt

Детские фотообои | pigu.lt Проверьте статус Вашего заказа Подробнее о Ваших заказах

Выберите свой город

Заберите свой заказ в магазинах Pigu.lt

Vilnius

Kaunas

Klaipėda

Šiauliai

Panevėžys

Alytus

Marijampolė

Mažeikiai

Tauragė

Выбор других городов:

— Выберите —VilniusKaunasKlaipėdaŠiauliaiPanevėžysAlytusMarijampolėMažeikiaiTauragėTelšiaiUtenaAkmenėAkmenės r.Alytaus r.AnykščiaiAnykščių r.AriogalaBabtaiBaltoji VokėBirštonasBiržaiBiržų r.DaugaiDruskininkaiDusetosDūkštasEišiškėsElektrėnaiEžerėlisGargždaiGarliavaGelgaudiškisGrigiškėsIgnalinaIgnalinos r.JieznasJonavaJonavos r.JoniškėlisJoniškisJoniškio r.JuodupėJurbarkasJurbarko r.KaišiadorysKaišiadorių r.KalvarijaKalvarijos r.KarmėlavaKauno r.KavarskasKazlų rūdaKėdainiaiKėdainių r.KelmėKelmės r.KybartaiKlaipėdos r.KretingaKretingos r.Kudirkos NaumiestisKulautuvaKupiškisKupiškio r. KuršėnaiLazdijaiLazdijų r.LentvarisLinkuvaMarijampolės r.Mažeikių r.MolėtaiMolėtų r.N. AkmenėNemenčinėNemėžisNeringaObeliaiPabradėPagėgiaiPagėgių r.PagiriaiPakruojisPakruojo r.PalangaPandėlysPanemunėPanevėžio r.PasvalysPasvalio r.PlungėPlungės r.PriekulėPrienaiPrienų r.RadviliškisRadviliškio r.RamygalaRaseiniaiRaseinių r.RaudondvarisRietavasRietavo r.RokiškisRokiškio r.RumšiškėsRudaminaRūdiškėsSalantaiSedaSimnasSkaudvilėSkuodasSkuodo r.SmalininkaiSubačiusŠakiaiŠakių r.ŠalčininkaiŠalčininkų r.ŠeduvaŠiaulių r.ŠilalėŠilalės r.ŠilutėŠilutės r.ŠirvintosŠirvintų r.ŠvenčionėliaiŠvenčionysŠvenčionių r.Tauragės r.Telšių r.TyruliaiTytuvėnaiTrakaiTrakų r.TroškūnaiUkmergėUkmergės r.Utenos r.UžventisVabalninkasVarėnaVarėnos r.VarniaiVeisiejaiVentaViekšniaiVievisVilkaviškisVilkaviškio r.VilkijaVilniaus r.VirbalisVisaginasZarasaiZarasų r.ŽagarėŽiežmariai

Учитывая Ваш выбор, мы в первую очередь покажем наиболее подходящие для Вас пункты выдачи заказов и сроки доставки.

Сохранить

 

 

Детские фотообои — настоящая находка для оформления стен в комнате ребенка. Эти элементы декора позволяют без особых усилий оживить интерьер детской, создать в ней особое настроение, а при необходимости даже быстро скрыть неровности или другие дефекты на стенах. Изготовленные на основе бумаги или флизелина фотообои для детской обладают хорошими воздухопроницаемыми свойствами и безопасны для здоровья. А богатое разнообразие цветовой палитры позволяет выбрать декор для стен в соответствии с возрастом и интересами каждого ребенка. Купить качественные фотообои для детской комнаты предлагаем в нашем электронном магазине. Здесь в широком ассортименте вы сможете найти подходящие фотообои для комнаты мальчика и девочки, малыша и подростка, которые станут настоящим настенным украшением.

Просмотреть список товаровСамые дешевые наверхуСамые дорогие наверхуCрок доставкиHаивысшая оценка

3 € СКИДКА ОТ 33 € 408€ / мес.   7311€ 17ч. 27мин.

 

В корзину

Fototapetai — Raketa

Высота, cm: 175

Ширина: 250

Технология : Флизелина

3 € СКИДКА ОТ 33 € 408€ / мес.   7311€ 17ч. 27мин.

 

В корзину

Fototapetai — Kosmose

Высота, cm: 175

Ширина: 250

Технология : Флизелина

Идеи дизайна комнаты для девочки Всем родителям хочется, чтобы их малышки жили в более красивых комнатах — ведь здесь ребенок будет проводить большую часть своего детства. Всегда стараемся, чтобы интерьер комнаты девочки был неповторимым, и, конечно же, чтобы он нравился юной леди. Если недостаточно идей или ищете самый лучший вари Читать дальше 5 идей дизайна комнаты для мальчика Обустройство комнаты для мальчика может быть довольно сложным — ведь необходимо позаботиться не только об удобной планировке, но и подумать о дизайне, который понравится ребенку. В этом случае одних только ярких и красочных деталей может быть недостаточно: если хотите произвести большое впечатление Читать дальше Комната для младенца — идеи интерьера Обустраивая комнату для малыша, хочется, чтобы она была максимально уютной и милой. Различные картинки, высотомеры, наклейки на стенах, карусели над детской кроваткой и балдахины, украшенные в ночное время светящимися звездами. Идей столько, что можно перестараться, пытаясь создать идеальную комнату Читать дальше Как обоями декорировать комнату ребенка Один из лучших и самых простых способов декорировать комнату ребенка – обои или фотообои. При выборе обоев для детской комнаты, один из наиболее важных аспектов это качество обоев. Их стоит выбирать только высокого качества, если у Вас есть возможность – экологичные, чтобы обои были сделаны из безвр Читать дальше

Детские фотообои по интернету

Качественные детские фотообои с самыми разными сюжетами помогут сделать комнату ребенка по-настоящему уютной и красочной. Наклеивание обоев не потребует от вас больших усилий и особого умения, а результат превзойдет все ожидания. В зависимости от возраста ребенка, можно украсить стены его комнаты изображениями любимых сказочных героев, природными пейзажами, космическими или фантастическими сюжетами. В каталоге нашего электронного магазина представлены бумажные и флизелиновые фотообои для детской, отличающиеся цветовыми сочетаниями, яркостью, высотой и шириной.

Фотообои в детскую комнату — какие выбрать?

  • Фотообои для комнаты новорожденного лучше выбирать спокойных пастельных оттенков с нейтральным мелким рисунком.
  • Яркие детские фотообои с забавными персонажами из мультфильмов и сказок понравятся малышам от 2 до 5 лет.
  • Фотообои с реалистичными природными пейзажами — универсальный вариант , который одинаково хорошо подойдет для декора детской комнаты и девочки, и мальчика.
  • Фотообои в комнату подростка обычно выбирают с учетом его интересов. Это могут сюжеты на спортивную или космическую тему, впечатляющие панорамы больших городов, географические карты и т.д.

Купить фотообои для детской комнаты онлайн

Ищете, где купить красочные фотообои в детскую комнату? Зайдите в интернет — магазин Pigu. lt вы найдете большой выбор различных детских фотообоев отличного качества. Разнообразие предлагаемых фотообоев позволит найти лучший вариант для интерьера комнаты для ребенка любого возраста. Все товары доставляем по указанному адресу в любую точку Литвы. Без дополнительной платы за доставку получить товар можно в наших пунктах выдачи товаров в Вильнюсе, Каунасе, Клайпеде, Шяуляе, Паневежисе, Мажейкяй, Алитусе, Мариямполе и Таураге.

Например, если Вы возьмете кредит в размере 264,86 евро при заключении договора с SB lizingas на 24 месяца без первоначального взноса, то фиксированная процентная годовая ставка будет составлять 17%, плата за администрирование – 0,3%, налог на заключение договора – 9,44%, ПСК – 37,15%. Размер ежемесячного платежа – 15,10 евро, общая сумма платежа – 362,98 евро. После оценки риска и Вашей платежеспособности, а также в зависимости от срока кредита, Вам могут быть предложены и другие условия.

Уроки рисования акварелью цветок. Как акварелью нарисовать цветы

Р исовать цветы и просто и сложно одновременно. Большое разнообразие позволяет не особо зацикливаться на правилах передачи форм. А вот невероятная красота и насыщенность цветных гамм большая головная боль для дотошных художников. Ведь передать эту красоту очень сложно с помощью обычных красок. Поговорим о том, как рисовать цветы акварелью . Этот инструмент наиболее подходящий для передачи того очарования цветов, которое встречается в природе.

Особенности акварельных красок

Если слово «акварель» перевести с греческого на русский, то получим «водяные краски». Ключевое слово «вода» объясняет прозрачность акварельных красавиц, их неподражаемые очарование, сказочность, воздушность. В отношении них можно перефразировать известную пословицу: «Акварель водою не испортишь!». Действительно, чем больше воды, тем прекраснее акварельные произведения.

Очень популярна техника письма «по мокрому» для них. Это когда цветные мазки наносятся на влажную бумагу, соприкасаясь друг с другом. От этого они перемешиваются невообразимым образом, создавая неповторимые сочетания. Ещё одна особенность акварели — это её невероятная прозрачность. Сколько бы слоёв вы ни накладывали, всё равно будет просматриваться каждый предыдущий слой. Благодаря такому качеству, многие мастера акварельной живописи добиваются чудесных эффектов наложения разных цветовых слоёв друг на друга.

Вам уже хочется попробовать эту чаровницу в деле? Не спешите. Иначе первые неудачи могут сильно разочаровать. Хотя акварельные краски одни из самых распространённых среди начинающих живописцев, они самые сложные в освоении. Вот почему:

    Акварель не терпит ошибок. Наложив неверный мазок, его нельзя исправить, если полностью не смыть до того, как он засохнет.

    Очень сложно добиваться чистоты цвета. Для этого нужен очень большой опыт в их использовании. При смешивании более трёх цветов получается грязь, а не цветовой оттенок.


    При использовании многослойной живописи требуется много времени. Необходимо дожидаться полного высыхания последнего слоя, чтобы прописать новый. Не у всех хватает терпения на такую науку.

    Для этих красок нужна хорошая бумага и качественные кисти. К сожаленью, не у всех есть возможность их приобрести. Да и сами краски хорошего качества не так-то просто найти в некоторых обстоятельствах.

Однако, вас не должны останавливать все эти трудности. Ведь освоив азы письма акварелью, вы сможете творить любыми красками. А очарование, присущее только акварельным волшебницам, будет радовать и вас и ваших почитателей.

Рисуем цветы акварелью поэтапно

Начинать обучение письма акварелью лучше всего с цветовых упражнений с заливкой спектральных полосок. Расчертив лист бумаги на квадратики по принципу шахматной доски, закрасьте все горизонтальные линии основными цветами. После того как они высохнут, закрасьте вертикальные полоски теми же цветами. В итоге вы сразу будете знать какие оттенки дают их сочетания.

Теперь можно приступать к натюрмортам из цветов. Можете выйти на природу и писать с натуры, а можете нарвать букет и принести домой. Сразу приготовьте мольберт или этюдник, краски, кисти и специальную акварельную бумагу. Для палитры лучше использовать пластмассовую дощечку, но самый простой способ — это плотная белая бумага, лучше всего такая же, на которой вы рисуете. Итак, всё готово. Приступим:

    Намечаем рисунок. Да, да! Именно, намечаем, рисунок делается чуть заметным нажимом карандаша, чем меньше линий, тем лучше. Ластик, желательно, вообще не применять.

    Начинаем приписывать основные цвета. Для этого подбираем их на палитре. Важное замечание: начинать следует с самых светлых мест и очень важно попадать в цвет с первого раза.

    Прописываем полутени, затем теневые части цветов.

Кроме этого способа можно использовать и популярную технику «по-мокрому» для изображения цветов. При этом на втором этапе смачивают лист водой и начинают прописывать основные цвета на невысохшей бумаге. А уже после высыхания приступают к следующим шагам в приведённой последовательности.

Схема проста, но очень сложна в исполнении. Не отчаивайтесь, если у вас сразу не всё получится. Не сдавайтесь! Пробуйте ещё раз и ещё раз, чем больше будете работать с акварелью, тем послушнее она станет в ваших руках. Не забывайте о том, что любое упорство и трудолюбие вознаграждается.


Касатик, петушок, королевская лилия — это все о нем, о нежном и загадочном ирисе. Учимся рисовать любимый цветок богов и королей.

Прежде, чем приступить к рисованию, хорошо рассмотрите свою цветочную модель. Обратите внимание на расположение лепестков. Три тянутся вверх, образовывая своеобразную трубочку вокруг сердцевины. Эти лепестки называются стандарты. Три нижних, достаточно больших, лепестка с отгибом опускаются вниз. Эти лепестки называются фолы. Каждый фол имеет своеобразную бородку из густых ворсинок у основания. Для нижних лепестков ирисов характерным является и наличие темных тонких жилок.

Листья имеют мечевидную форму, плоские и длинные. Стебли ровные, высокие.

Определите для себя, какие основные геометрические фигуры (круг, овал, прямоугольник, треугольник) вы угадываете в очертаниях цветка.

Вариант #1

Попробуем нарисовать одиночный цветок.

Нарисуйте два овала, расположив их так, как показано на фото внизу. Обязательно проведите вертикальную ось симметрии. Линии должны быть тонкими и легкими, при необходимости легко стираться. Эти линии составят границы будущего рисунка.

В верхнем овале прорисуйте три стандарта. Рисование начните с прорисовывания центрального лепестка.



Прорисуйте два элемента, создающих эффект бородок.



Ориентируясь на вспомогательные линии, прорисуйте два боковых лепестка.



Нарисуйте нижний центральный лепесток, стебель и узкий лист. Сотрите вспомогательные линии. Раскрасьте рисунок по своему усмотрению.



Вариант #2

Если вы хорошо разобрали предыдущую технику рисования, значит, вполне осилите и технику, предложенную ниже. Благодаря тщательно прорисованным лепесткам, ирис выглядит более естественно.

Как нарисовать букет цветов ирисов карандашом?

Используя приведенные ниже подсказки и технику, описанную в начале статьи, вы легко нарисуете несколько ирисов, составив из них нежный букет.

Вариант #1

Продумайте будущую композицию. С помощью легких линий сделайте набросок рисунка. Работая над рисованием цветочных лепестков, не забывайте, что ирис далек от идеальной симметрии и именно в этом его прелесть.



Будьте внимательны, работая над деталями рисунка. Не забывайте о характерных для ириса бородках и жилках. Не пренебрегайте нанесением теней. Наличие затененных участков добавит рисунку глубины и контрастности, сделает его более живым и объемным.



Вариант #2

Ниже представлен еще один, достаточно простой, способ нарисовать красивые ирисы. Обратите внимание на цветовое решение рисунка, ведь для ирисов характерно постоянное движение цвета.



Как нарисовать цветок ирис акварелью поэтапно?

Ирисы и акварель созданы друг для друга. Профессиональные художники утверждают, что работать с акварелью достаточно сложно, впрочем, как и рисовать ирисы. Однако, эта статья рассчитана на тех, кто делает первые шаги в изобразительном искусстве, а значит техники, которые предлагаются читателю, не требуют высокого профессионального уровня.

Важно: для работы с акварельными красками используйте соответствующую бумагу. Обычные альбомные листы не подходят, поскольку, бумага для акварелей имеет шероховатую поверхность и лучше держит краску.



Акварель «Ирисы»

Продумайте вашу композицию. При необходимости, сделайте легкий набросок, обозначив головки цветов, стебли и листья.

Определите цветовую гамму будущего рисунка. Пятнышки на схеме внизу — идеальные, с точки зрения профессиональных художников, сочетания цветов.



Акварель любит воду! И даже специальные листы бумаги склонны к деформации в процессе рисования. Чтобы минимизировать последствия деформации, лист следует зафиксировать на поверхности малярным скотчем (по периметру).

Хорошо увлажните акварельный лист с помощью пульверизатора.



Излишки влаги удалите чистой губкой. Внимательно посмотрите на поверхность: лист не должен блестеть. Если вы заметили блеск, еще раз промокните поверхность губкой.



Приступайте к рисованию. Пишите легко, без усилия. Краска будет расходиться мягко, создавая размытый край.



Освоив технику, приступайте к созданию шедевра.



Дайте рисунку высохнуть.

Прорисуйте контуры и детали голевой ручкой или специальным линером, если видите в этом необходимость. Несколько четких линий на рисунке внизу превратили размытые акварельные кляксы в изящные цветы.



Акварель «Ирисы»

«Мокрая» техника не ограничивает полет фантазии и позволяет создавать уникальные цветочные образы.

Акварель «Ирисы»

Сочетание мокрой и сухой техники дает потрясающие, по своей реалистичности, изображения.



Акварель «Ирис»

Чтобы минимизировать последствия деформации от увлажнения и последующего высыхания, лист зафиксируйте на рабочей поверхности малярным скотчем (по периметру).

Сделайте легкий набросок, отметив для себя расположение, форму и размер цветов. С помощью воскового карандаша наведите контуры изображения. Линии должны быть толстыми и четкими. Их назначение — не дать краске растечься и сохранить границы каждого отдельного элемента.

Прорисуйте листья и стебли (карандаш восковый).

Слегка увлажните середину одного из лепестков с помощью кисточки и чистой воды. Раскрашивайте лепестки, работая с двумя сочетающимися цветами (см. схему выше). В результате вы получите красивый и естественный градиент, присущий ирисам. На фото используются фиолетовая и синяя краски.



Не закрашенные области лепестков увлажните чистой водой. Раскрасьте бледно желтой или лимонной акварелью. Ближе к основанию лепестка тонкой кистью капните краску цвета охры. Влажная акварель начнет движение, создавая интересный переход. Оттенить желтый можно также оранжевым. Раскрасьте листья. Дайте рисунку высохнуть. Прорисуйте тонкие жилки на листиках.

Аккуратно затонируйте фон. И прорисуйте тонкие жилки на лепестках.

Видео: Ирис акварелью.Подробный видеоурок.1-ое занятие.ИЗО-студия ТУТА-КА!

Рисование акварелью — достаточно сложная техника, требующая вдумчивости и аккуратности. В отличие от масла и гуаши, она не прощает промахов. Но зато как удивительно прекрасны пейзажи и картины, написанные акварелью — они словно наполнены воздухом и светом! Осваивать такую тонкую технику нужно постепенно. Научиться рисовать цветок акварелью не так уж сложно, и это будет отличным началом долгого и интересного пути.

Выбираем принадлежности

Акварельные краски лучше всего выбирать на основе пчелиного воска. Только они обеспечат красивые яркие цвета, да и стоят на самом деле недорого. Чтобы узнать их на витрине, нужно внимательно изучить обложку — на ней должна быть надпись «медовые».

Следующий шаг — выбор кистей. Это основной инструмент, от которого зависит, как краска ляжет на бумагу и насколько результат будет соответствовать задуманному. Оптимальный вариант для акварели — кисти из шерсти белок. Почему? Они очень мягкие и отлично набирают краску. Кончик кисти должен быть заостренным. Важно обратить внимание, насколько хорошо шерстинки закреплены у основания. Чтобы рисовать цветы акварелью, понадобятся кисти №1, 2, 4, 6 . Более тонкие помогут прорисовывать мелкие детали, а те, что пошире — заполнять фон и основную часть.

Палитра для смешения красок тоже пригодится — ее можно сделать из листа очень плотной бумаги. Только не забудьте подогнуть края, чтобы краска не стекала.

Бумага, на которую будет наноситься рисунок, тоже должна быть более плотной. Акварель разводят водой, поэтому тонкая основа может сильно размякнуть и расползтись. Существует специальная толстая бумага для этой техники с шершавой поверхностью.

Создание эскиза

Рассмотрим, как рисовать цветы акварелью поэтапно.

Первое, с чего нужно начать, это создание наброска простым карандашом. Сделать это можно разными способами в зависимости от навыков и умения рисовать.

Не все на начальном этапе способны нарисовать эскиз цветка сами. Проще всего найти понравившуюся картинку и обвести ее контур. Можно найти и распечатать уже готовый эскиз. Если хотите, чтобы контуры цветка были более четкими на конечном рисунке, лучше всего будет обвести их ручкой, заполненной водными или спиртовыми чернилами. Когда начнем раскрашивать цветок акварелью, в первом случае, чернила будут слегка размываться, во втором — останутся неизменными.

Тем, кто хочет все-таки сделать эскиз самостоятельно, рекомендуется очень тонко и едва уловимо разлиновать лист на сектора, то есть провести вертикальную и горизонтальную линии посередине. Это поможет соблюсти симметрию и сделать положение цветка на рисунке более гармоничным. Избегайте использовать ластик, так как после него остаются катышки.

Рисуем цветы акварелью.

Фон

После того как эскиз готов, на будущей картине нужно заполнить цветом пространство вокруг основного объекта. Если масло или гуашь наносится на холст мазками, то акварель — это слои.

Фон пишется первым, потому что он должен быть более прозрачным и холодным, акцентируя внимание на главном — цветке.

Акварели свойственно растекаться по холсту. Чтобы заполнить фон полностью, избегая наползания краски на контур цветка, применяется маскирующая жидкость (masking fluid). Если она слишком густая, ее можно разбавить водой. Маска просто наносится на изображение цветка кистью. В случае необходимости ее можно растягивать спичками в острые и мелкие уголки. Теперь нужно подождать, когда она высохнет. Не переживайте из-за мимо упавших капель, просто уберите их. А вот кисточку лучше отмыть сразу после использования, так как высохшая маска намертво прихватит шерстинки.

Сделайте фон такого цвета, какого хочется. Используйте палитру для смешивания красок, пока не получится нужный оттенок. Не нужно, чтобы слои сильно подсыхали, иначе появятся четкие границы, а здесь это лишнее.

Прорисовка лепестков

Рисуется сам цветок акварелью поэтапно слой за слоем и только после того, как высох фон, иначе краска со стеблей и лепестков будет размывать его. Не спешите сразу приступать к расписыванию, сначала потренируйтесь создавать плавные переходы.

У розы лепестки имеют отвороты более темного оттенка. Возьмите кистью густую краску и нарисуйте жирную линию на отдельном листе бумаге. Ниже проведите полоску просто водой, и такую же — посередине. Так получится плавный переход от более темного оттенка к более светлому.

Каждый лепесток нужно рисовать отдельно. Воды здесь используйте меньше, чем при заполнении фона. Самый первый слой наносится очень прозрачным желтым или красным цветом — в зависимости от лепестка. Хорошо просушите его, чтобы не было катышков. Пусть сквозь каждый слой просвечивает предыдущий, в результате итоговый рисунок будет светиться. Там, где цвет углубляется, используйте красный. Осторожно применяйте синий, его оттенки должны быть едва уловимы. Лишнюю воду с рисунка можно снимать сухой чистой кистью. Помните, что каждый слой должен быть очень прозрачным!

Стебли и листочки

Когда мы рисуем цветы акварелью, нам нужно время и терпение. После того как лепестки готовы, можно приступать к стебелькам и листьям.

Здесь соблюдается тот же принцип многослойности. Чтобы рисунок получился объемным, оттенки должны меняться и перетекать друг в друга. Не набирайте слишком много краски, так как она будет растекаться. И всегда обязательно сильно разводите ее водой. Зеленый можно смешивать с желтым, чтобы получались более светлые оттенки.

Поскольку первый слой всегда самый прозрачный, цвет должен быть очень светлый. Только конечный слой пишется темно-зеленым. Самые темные области будут под цветовым ложем и по краям.

Сначала лучше заполнить цветом стебли, после чего приступить к листьям. Все дополнительные детали прорисовываются потом. Каждый новый слой, если требуется изменение оттенка, сначала пробуйте на палитре. Рисовать цветок акварелью — довольно кропотливая работа.

Добавляем детали

Чтобы рисунок получился более реалистичным, нужно углубить цвета там, где это необходимо, и прорисовать прожилки на лепестках и листьях. Этот этап уже не столь однообразен.

Наращивание цвета на отворотах лепестков и краях листиков также осуществляется слоями. Каждый из них должен хорошо просушиваться. После того как все оттенки легли на свои места, можно идти дальше.

Чтобы нарисовать прожилки, возьмите самую тонкую кисть. Но и здесь тоже не рекомендуется использовать неразбавленную краску. Оттенок пусть будет чуть темнее основного на этом месте. Для лепестков это будет красный или желтый, для листьев — зеленый. Чем легче они будут смотреться на готовой картине, тем больше цветы будут похожи на живые. Если на вашем эскизе изначально прожилки на листочках были прорисованы чернилами, вам будет проще. Тоненькими штрихами добавьте зазубринки.

Создаем тени

Рисуя цветок акварелью, важно не только правильно наносить слои, но и уметь играть деталями, которые сильно влияют на конечный результат.

Картина будет выглядеть объемной и живой благодаря теням. Как правило, чтобы их сделать, берутся самые темные оттенки — синий и смесь черного с зеленым. Где должны быть расставлены тени? На лепестках, под ними, на листиках. Перед нанесением краски оставьте излишки на палитре, иначе тень превратится в растекшееся пятно.

Синим цветом наносим тени на лепестки, темно-зеленым — на листья. Если оттенок берется темным, это означает, что его не нужно сильно разбавлять водой. Самое главное при нанесении слоев акварелью — это их прозрачность. Тени рисуются уже ближе к завершению работы. Важно просушить все предыдущие слои.

Не торопитесь. Внимательно смотрите на рисунок, может быть, вы пропустили какую-то деталь. Верхние листья всегда отбрасывают тени на нижние, как и отвороты лепестков. Рисование цветов акварелью — тонкое искусство.

И напоследок…

Когда работа близка к завершению, прорисованы все прожилочки на лепестках и листиках, созданы тени, углублены цвета, пора снова вернуться к фону.

Там, где цветок светлее, фон должен быть темнее, и наоборот. Это придаст рисунку объем. Здесь можно дополнительно нарисовать разводы из смесей красок, которыми был нарисован цветок, и просто пятнами. Так картина будет выглядеть живее, а игра оттенков будет уравновешивать основной объект с пространством вокруг него.

Ближе к контуру цветка добавьте смеси красок зеленого, желтого, охры. Дальние листья не обязательно должны быть четкими, они могут быть просто размазаны как фон.

Чтобы придать работе вид настоящей картины, сделайте паспарту. Можно вставить в него готовую картину или отчертить рабочую область с самого начала.

Вот мы и рассмотрели, как рисовать цветы акварелью, поэтапно расписав эту технику именно из-за сложности ее выполнения. Так что, соблюдая все рекомендации, делая работу с любовью и удовольствием, вполне возможно ее освоить самостоятельно.

Рисование акварелью — достаточно сложная техника, требующая вдумчивости и аккуратности. В отличие от масла и гуаши, она не прощает промахов. Но зато как удивительно прекрасны пейзажи и картины, написанные акварелью — они словно наполнены воздухом и светом! Осваивать такую тонкую технику нужно постепенно. Научиться рисовать цветок акварелью не так уж сложно, и это будет отличным началом долгого и интересного пути.

Выбираем принадлежности

Акварельные краски лучше всего выбирать на основе пчелиного воска. Только они обеспечат красивые яркие цвета, да и стоят на самом деле недорого. Чтобы узнать их на витрине, нужно внимательно изучить обложку — на ней должна быть надпись «медовые».

Следующий шаг — выбор кистей. Это основной инструмент, от которого зависит, как краска ляжет на бумагу и насколько результат будет соответствовать задуманному. Оптимальный вариант для акварели — кисти из шерсти белок. Почему? Они очень мягкие и отлично набирают краску. Кончик кисти должен быть заостренным. Важно обратить внимание, насколько хорошо шерстинки закреплены у основания. Чтобы рисовать цветы акварелью, понадобятся кисти №1, 2, 4, 6 . Более тонкие помогут прорисовывать мелкие детали, а те, что пошире — заполнять фон и основную часть.

Палитра для смешения красок тоже пригодится — ее можно сделать из листа очень плотной бумаги. Только не забудьте подогнуть края, чтобы краска не стекала.

Бумага, на которую будет наноситься рисунок, тоже должна быть более плотной. Акварель разводят водой, поэтому тонкая основа может сильно размякнуть и расползтись. Существует специальная толстая бумага для этой техники с шершавой поверхностью.

Создание эскиза

Рассмотрим, как рисовать цветы акварелью поэтапно.

Первое, с чего нужно начать, это создание наброска простым карандашом. Сделать это можно разными способами в зависимости от навыков и умения рисовать.

Не все на начальном этапе способны нарисовать эскиз цветка сами. Проще всего найти понравившуюся картинку и обвести ее контур. Можно найти и распечатать уже готовый эскиз. Если хотите, чтобы контуры цветка были более четкими на конечном рисунке, лучше всего будет обвести их ручкой, заполненной водными или спиртовыми чернилами. Когда начнем раскрашивать цветок акварелью, в первом случае, чернила будут слегка размываться, во втором — останутся неизменными.

Тем, кто хочет все-таки сделать эскиз самостоятельно, рекомендуется очень тонко и едва уловимо разлиновать лист на сектора, то есть провести вертикальную и горизонтальную линии посередине. Это поможет соблюсти симметрию и сделать положение цветка на рисунке более гармоничным. Избегайте использовать ластик, так как после него остаются катышки.

Рисуем цветы акварелью. Фон

После того как эскиз готов, на будущей картине нужно заполнить цветом пространство вокруг основного объекта. Если масло или гуашь наносится на холст мазками, то акварель — это слои.

Фон пишется первым, потому что он должен быть более прозрачным и холодным, акцентируя внимание на главном — цветке.

Акварели свойственно растекаться по холсту. Чтобы заполнить фон полностью, избегая наползания краски на контур цветка, применяется маскирующая жидкость (masking fluid). Если она слишком густая, ее можно разбавить водой. Маска просто наносится на изображение цветка кистью. В случае необходимости ее можно растягивать спичками в острые и мелкие уголки. Теперь нужно подождать, когда она высохнет. Не переживайте из-за мимо упавших капель, просто уберите их. А вот кисточку лучше отмыть сразу после использования, так как высохшая маска намертво прихватит шерстинки.

Сделайте фон такого цвета, какого хочется. Используйте палитру для смешивания красок, пока не получится нужный оттенок. Не нужно, чтобы слои сильно подсыхали, иначе появятся четкие границы, а здесь это лишнее.

Прорисовка лепестков

Рисуется сам цветок акварелью поэтапно слой за слоем и только после того, как высох фон, иначе краска со стеблей и лепестков будет размывать его. Не спешите сразу приступать к расписыванию, сначала потренируйтесь создавать плавные переходы.

У розы лепестки имеют отвороты более темного оттенка. Возьмите кистью густую краску и нарисуйте жирную линию на отдельном листе бумаге. Ниже проведите полоску просто водой, и такую же — посередине. Так получится плавный переход от более темного оттенка к более светлому.

Каждый лепесток нужно рисовать отдельно. Воды здесь используйте меньше, чем при заполнении фона. Самый первый слой наносится очень прозрачным желтым или красным цветом — в зависимости от лепестка. Хорошо просушите его, чтобы не было катышков. Пусть сквозь каждый слой просвечивает предыдущий, в результате итоговый рисунок будет светиться. Там, где цвет углубляется, используйте красный. Осторожно применяйте синий, его оттенки должны быть едва уловимы. Лишнюю воду с рисунка можно снимать сухой чистой кистью. Помните, что каждый слой должен быть очень прозрачным!

Стебли и листочки

Когда мы рисуем цветы акварелью, нам нужно время и терпение. После того как лепестки готовы, можно приступать к стебелькам и листьям.

Здесь соблюдается тот же принцип многослойности. Чтобы рисунок получился объемным, оттенки должны меняться и перетекать друг в друга. Не набирайте слишком много краски, так как она будет растекаться. И всегда обязательно сильно разводите ее водой. Зеленый можно смешивать с желтым, чтобы получались более светлые оттенки.

Поскольку первый слой всегда самый прозрачный, цвет должен быть очень светлый. Только конечный слой пишется темно-зеленым. Самые темные области будут под цветовым ложем и по краям.

Сначала лучше заполнить цветом стебли, после чего приступить к листьям. Все дополнительные детали прорисовываются потом. Каждый новый слой, если требуется изменение оттенка, сначала пробуйте на палитре. Рисовать цветок акварелью — довольно кропотливая работа.

Добавляем детали

Чтобы рисунок получился более реалистичным, нужно углубить цвета там, где это необходимо, и прорисовать прожилки на лепестках и листьях. Этот этап уже не столь однообразен.

Наращивание цвета на отворотах лепестков и краях листиков также осуществляется слоями. Каждый из них должен хорошо просушиваться. После того как все оттенки легли на свои места, можно идти дальше.

Чтобы нарисовать прожилки, возьмите самую тонкую кисть. Но и здесь тоже не рекомендуется использовать неразбавленную краску. Оттенок пусть будет чуть темнее основного на этом месте. Для лепестков это будет красный или желтый, для листьев — зеленый. Чем легче они будут смотреться на готовой картине, тем больше цветы будут похожи на живые. Если на вашем эскизе изначально прожилки на листочках были прорисованы чернилами, вам будет проще. Тоненькими штрихами добавьте зазубринки.

Создаем тени

Рисуя цветок акварелью, важно не только правильно наносить слои, но и уметь играть деталями, которые сильно влияют на конечный результат.

Картина будет выглядеть объемной и живой благодаря теням. Как правило, чтобы их сделать, берутся самые темные оттенки — синий и смесь черного с зеленым. Где должны быть расставлены тени? На лепестках, под ними, на листиках. Перед нанесением краски оставьте излишки на палитре, иначе тень превратится в растекшееся пятно.

Синим цветом наносим тени на лепестки, темно-зеленым — на листья. Если оттенок берется темным, это означает, что его не нужно сильно разбавлять водой. Самое главное при нанесении слоев акварелью — это их прозрачность. Тени рисуются уже ближе к завершению работы. Важно просушить все предыдущие слои.

Не торопитесь. Внимательно смотрите на рисунок, может быть, вы пропустили какую-то деталь. Верхние листья всегда отбрасывают тени на нижние, как и отвороты лепестков. Рисование цветов акварелью — тонкое искусство.

И напоследок…

Когда работа близка к завершению, прорисованы все прожилочки на лепестках и листиках, созданы тени, углублены цвета, пора снова вернуться к фону.

Там, где цветок светлее, фон должен быть темнее, и наоборот. Это придаст рисунку объем. Здесь можно дополнительно нарисовать разводы из смесей красок, которыми был нарисован цветок, и просто пятнами. Так картина будет выглядеть живее, а игра оттенков будет уравновешивать основной объект с пространством вокруг него.

Ближе к контуру цветка добавьте смеси красок зеленого, желтого, охры. Дальние листья не обязательно должны быть четкими, они могут быть просто размазаны как фон.

Чтобы придать работе вид настоящей картины, сделайте паспарту. Можно вставить в него готовую картину или отчертить рабочую область с самого начала.

Вот мы и рассмотрели, как рисовать цветы акварелью, поэтапно расписав эту технику именно из-за сложности ее выполнения. Так что, соблюдая все рекомендации, делая работу с любовью и удовольствием, вполне возможно ее освоить самостоятельно.

Данный пост посвящается акварельной живописи. Речь пойдет о трех художниках и следовательно о 3-х разных историях, которых объединяют цветы нарисованные акварелью.

Их творчество оригинально, но погрузившись в глубину каждого по отдельности, в воображении невольно прорисовывается один единственный и неповторимый цветок. Это хороший знак, оставляющий сладкое послевкусие, которое желаем вам испить.

Рисунки цветов акварелью Fabio Cembranelli

Начнем с бразильского художника Fabio Cembranelli. Фабио получил образование архитектора, окончив государственный университет в Сан-Паулу, после чего решил изучить искусство рисования. Он подошел к делу основательно — отправился на курсы рисунка и фотографии. Теперь регулярно преподает мастер-классы.


бразильского художника восхищают людей со всего мира. Среди национальных художников Fabio Cembranelli считается одним из самых известных. В период с 80-х по 90-е гг. бразилец занимался саморазвитием, путешествовал по Соединенным Штатам Америки и бывал в Европе.

В настоящее время работает с акварелью, маслом и акриловыми красками. Обычно рисует из собственноручно сделанных фотографий или набросков, но использует их только в качестве отправной точки, ведь картины создает в студии, в процессе работы добавляя новые формы, цвета и идеи, которые рождаются на интуитивном уровне. Художник говорит, что ему не нужно видеть букет роз, чтобы нарисовать их. Для этого нужен только один цветок, дабы разгадать его цвет и анатомию.


Больше всего любит рисовать цветы и .

Художники, которые оказали особое влияние на Фабио – William Turner и Edward Seago.

В работе использует прозрачную акварель, ведь, по объяснению художника, именно такая краска (ее особая текучесть) позволяет получать неожиданные цветные смешения, которые подчас рисования непредсказуемо появляются на бумаге или холсте. Спонтанность для художника – это ключ, который и открыл ему дверь в мир искусства.


Fabio Cembranelli участвовал во многих художественных выставках как в Бразилии, так и за границей. Получил много премий. Его работы сегодня можно найти на выставках и в частных коллекциях. Но даже при такой популярности и известности художник продолжает жить в родном Сан-Паулу (Бразилия).

Сейчас он преподает уроки (в том числе и через популярные журналы), проводит мастер-классы, ездит на тематические встречи, работает иллюстратором, а также участвует в художественных конкурсах в качестве судьи. На выставках его картины удостаиваются престижных наград.


Fabio Cembranelli рисует только профессиональными материалами: пигменты от W&N, Holbein, Maimeri Blu, Schminke, акварельная бумага от Arches, Fontenay, Hahnem?lle, кисти использует зачастую плоские и только с синтетическими щетинами.

В январе 2013 года художник посещал Бельгию, чтобы дать свой мастер-класс. Теперь в его планах:

  • Мехико (Мексика) – 22-26 и 28-29 апреля 2013

  • Каталония (Испания) – 25-31 мая 2013

  • Тоскана (Италия) – 15-22 июня 2013

  • с конца июня и по середину августа Фабио ждут во Франции
Расписание на второе полугодие пока составляется.


Лучше всего про художника скажут авторские цветы нарисованные акварелью , а также видео, которое передает с какой непринужденной легкостью и нежностью он пишет на холсте свои шедевры. Сам художник признается, что ему очень близка.

Текучесть линий, неожиданный результат после смешивания красок, прозрачность и светлость картин вы можете посмотреть здесь и сейчас в приведенной видео трансляции.

Я рисую цветы не просто потому, что они симпатичные, я рисую цветы потому, что их очарование дает возможность человеку увидеть мир заново.

Marney Ward — канадская художница родом из провинции Онтарио. Её крупные рисунки цветов акварелью , в некотором смысле, макро живопись, отлично импонирует ярким и чистым краскам. Работы художницы показывают не только мельчайшие детали изображаемых цветков, но также её эмоционально-духовную связь с ними.


Marney Ward утверждает, что её духовная связь с цветами существует ровно столько, сколько она себя помнит. Однако в самом начале жизненной стези художницу интересовала личность Уильяма Блейка. Все свое время она посвящала творчеству английского поэта и художника, мистика и визионера. В конечном итоге, окончив Университет Британской Колумбии со степенью доктора философии, на целое десятилетие Marney отправилась в путешествие под названием трансцендентальная медитация.


Позже она стала преподавать английский язык в Университете Западного Онтарио. К этому времени у неё были две взрослых дочери. Все вернулось на круги своя — юношеская страсть к живописи начала брать верх. Около пяти лет ушло на изучение китайской школы живописи, которая пробудила в художнице безбрежный океан вдохновенной энергии. Следом в жизни художницы появился наставник — Эмили Карр, который научил Марни Вард свободно и беспристрастно выражать мироощущение.

С 2000-го года Марни участвовала в более чем 30-ти крупномасштабных выставках, и на более 10-ти из них получила награды.


Цветы всегда были источником радости и вдохновения для Marney. После изучения цветочных акварельных красок с художниками Кэреном Гейне, Энн Хантер, Элизабет Кинкэйд и другими, она продолжала разрабатывать свой собственный уникальный стиль.

В 2011 г. ее рисунки украшали журналы Art Avenue и Focus, в том же году ее работы стали гвоздем программы сразу в трех книгах.


Ориентировочные цены на ее картины варьируются в зависимости от их размеров: лист 30×37” — 1800-2800$; 21×28” — 1000-1800$, картины меньшего размера — до 1000$.

Галерея с сочными и яркими флористическими акварелями, будто бы выпорхнувшими прямо из души мастерицы, к вашему вниманию!

Картины цветов акварелью Jiang Debin

Уроженец города Чунцин, что находится на территории Китая, Jiang Debin еще с детских лет тянулся к живописи… Сегодня художник входит в состав участников Wan Fung Art Gallery, у основателя которой изначальная цель заключалась в собрании художественного достояния Китая. Изящность и неповторимая манера письма современных китайских художников — тот формат, по которому отбирались работы. Поставленная цель была достигнута и теперь галерея занимает не только весомое место в Китае, но также на территории юго-восточной Азии.

Находкой для галереи оказался сам Debin. Картины цветов акварелью от Jiang Debin»а расслабляют зрителя, погружая его в атмосферу гармонии.


Цзян Дэбинь принимал участие в групповой выставке с 26 февраля по 11 марта 2011 в Wan Fung Art Gallery. Выставка называлась Harmony of Spring («Гармония весны»), была всецело посвящена весне, как времени перерождения природы. На ней было представлено изобразительное искусство сорока известных китайских художников.


Перед экспонентами стояла задача показать не только высокий уровень профессионализма китайских живописцев, но также чудесным образом воспеть оды весне, похвалы весенним существам — птицам, животным и цветам, которые родились на полотнах художников.


С надеждой на правильный перевод с китайского (中国的 представляем вам имена некоторых талантливых художников, которые принимали участие в выставке: Cai Jianru (Цай Цзяньжу), Chen Xinquan (Чен Ксинкуэн), Chen Yongkang (Чен Йонгкэнг), Chen Zhaokang (Чен Жаокэнг), Feng Yiming (Фэн Имин), Hu Yongkai (Ху Юнкай), Huang Youwei (Хуан Ювэй), Lin Decai (Лин Декай), Liu Maoshan (Лю Маошань)… Конечно, это предложение можно продолжать и продолжать пока не наберется 40 человек, но в связи со сложностью произношения имен мы решили вас не мучить, наши дорогие читатели. Так или иначе, авторы, которые принимали участие в масштабном художественном мероприятии (пусть даже и не в полном составе), однозначно достойны внимания и похвалы, ибо все талантливы и оригинальны. Быть может, на страницах блога еще неоднократно прозвучат их имена.

Ну а теперь пришло время погрузиться в галерею цветочных картин Jiang Debin.

Надеемся, что цветы акварелью современных художников вам пришлись по вкусу, как и данная статья. Благодарим за интерес к , подписывайтесь на обновления блога и оставайтесь вместе с Арт верандой.

Фотообои Нарисованные акварелью розовые цветы и бабочки арт. dec_18137, коллекция Цветы

Оформление заказа

1. Выберите размер 2. Выберите материал

Жаккард™

888 грн

Диамант

888 грн

Видеообзор текстур

Аква

★★★★★

★★★★★

299. 00 грн/м2

3. Контактные данные

Цветы, нарисованные акварелью (три истории про современных маэстро акварельной живописи)

Данный пост посвящается акварельной живописи. Речь пойдет о трех художниках и следовательно о 3-х разных историях, которых объединяют цветы нарисованные акварелью. 

Их творчество оригинально, но погрузившись в глубину каждого по отдельности, в воображении невольно прорисовывается один единственный и неповторимый цветок. Это хороший знак, оставляющий сладкое послевкусие, которое желаем вам испить. 

Рисунки цветов акварелью Fabio Cembranelli


Начнем с бразильского художника Fabio Cembranelli. Фабио получил образование архитектора, окончив государственный университет в Сан-Паулу, после чего решил изучить искусство рисования. Он подошел к делу основательно — отправился на курсы рисунка и фотографии. Теперь регулярно преподает мастер-классы. 
Рисунки цветов акварелью бразильского художника восхищают людей со всего мира. Среди национальных художников Fabio Cembranelli считается одним из самых известных. В период с 80-х по 90-е гг. бразилец занимался саморазвитием, путешествовал по Соединенным Штатам Америки и бывал в Европе. 

В настоящее время работает с акварелью, маслом и акриловыми красками. Обычно рисует из собственноручно сделанных фотографий или набросков, но использует их только в качестве отправной точки, ведь картины создает в студии, в процессе работы добавляя новые формы, цвета и идеи, которые рождаются на интуитивном уровне. Художник говорит, что ему не нужно видеть букет роз, чтобы нарисовать их. Для этого нужен только один цветок, дабы разгадать его цвет и анатомию. 


Больше всего любит рисовать цветы и пейзажи. 

Художники, которые оказали особое влияние на Фабио – William Turner и Edward Seago. 

В работе использует прозрачную акварель, ведь, по объяснению художника, именно такая краска (ее особая текучесть) позволяет получать неожиданные цветные смешения, которые подчас рисования непредсказуемо появляются на бумаге или холсте. Спонтанность для художника – это ключ, который и открыл ему дверь в мир искусства. 


Fabio Cembranelli участвовал во многих художественных выставках как в Бразилии, так и за границей. Получил много премий. Его работы сегодня можно найти на выставках и в частных коллекциях. Но даже при такой популярности и известности художник продолжает жить в родном Сан-Паулу (Бразилия). 

Сейчас он преподает уроки (в том числе и через популярные журналы), проводит мастер-классы, ездит на тематические встречи, работает иллюстратором, а также участвует в художественных конкурсах в качестве судьи. На выставках его картины удостаиваются престижных наград. 


Fabio Cembranelli рисует только профессиональными материалами: пигменты от W&N, Holbein, Maimeri Blu, Schminke, акварельная бумага от Arches, Fontenay, Hahnem?lle, кисти использует зачастую плоские и только с синтетическими щетинами. 

В январе 2013 года художник посещал Бельгию, чтобы дать свой мастер-класс. Теперь в его планах: 

  • Мехико (Мексика) – 22-26 и 28-29 апреля 2013

  • Каталония (Испания) – 25-31 мая 2013

  • Тоскана (Италия) – 15-22 июня 2013

  • с конца июня и по середину августа Фабио ждут во Франции

Расписание на второе полугодие пока составляется. 
Лучше всего про художника скажут авторские цветы нарисованные акварелью, а также видео, которое передает с какой непринужденной легкостью и нежностью он пишет на холсте свои шедевры. Сам художник признается, что техника акварели ему очень близка. 

Текучесть линий, неожиданный результат после смешивания красок, прозрачность и светлость картин вы можете посмотреть здесь и сейчас в приведенной видео трансляции.  


Рисование цветов акварелью Marney Ward

Marney Ward — канадская художница родом из провинции Онтарио. Её крупные рисунки цветов акварелью, в некотором смысле, макро живопись, отлично импонирует ярким и чистым краскам. Работы художницы показывают не только мельчайшие детали изображаемых цветков, но также её эмоционально-духовную связь с ними. 


Marney Ward утверждает, что её духовная связь с цветами существует ровно столько, сколько она себя помнит. Однако в самом начале жизненной стези художницу интересовала личность Уильяма Блейка. Все свое время она посвящала творчеству английского поэта и художника, мистика и визионера. В конечном итоге, окончив Университет Британской Колумбии со степенью доктора философии, на целое десятилетие Marney отправилась в путешествие под названием трансцендентальная медитация. 
Позже она стала преподавать английский язык в Университете Западного Онтарио. К этому времени у неё были две взрослых дочери. Все вернулось на круги своя — юношеская страсть к живописи начала брать верх. Около пяти лет ушло на изучение китайской школы живописи, которая пробудила в художнице безбрежный океан вдохновенной энергии. Следом в жизни художницы появился наставник — Эмили Карр, который научил Марни Вард свободно и беспристрастно выражать мироощущение. 

С 2000-го года Марни участвовала в более чем 30-ти крупномасштабных выставках, и на более 10-ти из них получила награды. 


Цветы всегда были источником радости и вдохновения для Marney. После изучения цветочных акварельных красок с художниками Кэреном Гейне, Энн Хантер, Элизабет Кинкэйд и другими, она продолжала разрабатывать свой собственный уникальный стиль. 

В 2011 г. ее рисунки украшали журналы Art Avenue и Focus, в том же году ее работы стали гвоздем программы сразу в трех книгах. 


Ориентировочные цены на ее картины варьируются в зависимости от их размеров: лист 30×37” — 1800-2800$; 21×28” — 1000-1800$, картины меньшего размера — до 1000$. 

Галерея с сочными и яркими флористическими акварелями, будто бы выпорхнувшими прямо из души мастерицы, к вашему вниманию! 

Картины цветов акварелью Jiang Debin


Уроженец города Чунцин, что находится на территории Китая, Jiang Debin еще с детских лет тянулся к живописи… Сегодня художник входит в состав участников Wan Fung Art Gallery, у основателя которой изначальная цель заключалась в собрании художественного достояния Китая. Изящность и неповторимая манера письма современных китайских художников — тот формат, по которому отбирались работы. Поставленная цель была достигнута и теперь галерея занимает не только весомое место в Китае, но также на территории юго-восточной Азии. 

Находкой для галереи оказался сам Debin. Картины цветов акварелью от Jiang Debin’а расслабляют зрителя, погружая его в атмосферу гармонии. 


Цзян Дэбинь принимал участие в групповой выставке с 26 февраля по 11 марта 2011 в Wan Fung Art Gallery. Выставка называлась Harmony of Spring («Гармония весны»), была всецело посвящена весне, как времени перерождения природы. На ней было представлено изобразительное искусство сорока известных китайских художников. 
Перед экспонентами стояла задача показать не только высокий уровень профессионализма китайских живописцев, но также чудесным образом воспеть оды весне, похвалы весенним существам — птицам, животным и цветам, которые родились на полотнах художников. 
С надеждой на правильный перевод с китайского  представляем вам имена некоторых талантливых художников, которые принимали участие в выставке: Cai Jianru (Цай Цзяньжу), Chen Xinquan (Чен Ксинкуэн), Chen Yongkang (Чен Йонгкэнг), Chen Zhaokang (Чен Жаокэнг), Feng Yiming (Фэн Имин), Hu Yongkai (Ху Юнкай), Huang Youwei (Хуан Ювэй), Lin Decai (Лин Декай), Liu Maoshan (Лю Маошань)… Конечно, это предложение можно продолжать и продолжать пока не наберется 40 человек, но в связи со сложностью произношения имен мы решили вас не мучить, наши дорогие читатели.   Так или иначе, авторы, которые принимали участие в масштабном художественном мероприятии (пусть даже и не в полном составе), однозначно достойны внимания и похвалы, ибо все талантливы и оригинальны. Быть может, на страницах блога еще неоднократно прозвучат их имена. 

Цветы, нарисованные акварелью (три истории про современных маэстро акварельной живописи). Как акварелью нарисовать цветы

Акварель — техника сложная. Ее особенность в том, что цветовые переходы и смешения производятся часто не на палитре, а прямо на бумаге. Для того, чтобы этот процесс шел успешно, необходимо потратить некоторое время, наблюдая, как ведет себя краска при высыхании. Особенно следует учитывать уменьшение интенсивности цвета, примерно на треть, впрочем, это вряд ли недостаток. Нежные оттенки отличают живопись свойство оказывает успокаивающее действие на зрителя.

Для примера можно рассмотреть процесс написания цветка, например, тюльпана сорта Parrot. Тема вечная — это чудо природы всегда радует, в букете или на садовой клумбе. Столь же радостные эмоции доставит и картина акварелью, висящая в гостиной или спальне.

Важно помнить о том, что каждый мазок должен содержать оптимальное соотношение краски и воды. Если он будет сухим, то его излишне четкие очертания испортят вашу задумку, а переизбыток влаги не позволит удержать оттенок в пределах намеченного контура — элемента задающего композиционное решение произведения.

Для того чтобы написать цветок акварелью, следует либо поставить этого «натурщика» перед собой, либо запастись его фотографиями. Более светлые тона располагаются на переднем плане, а насыщенная сердцевина бутона позволяет как бы заглянуть внутрь.

Итак, шаг первый. На плотной бумаге рисуется общая композиция изображаемого цветка. Затем начинается подбор красок. В данном случае смешение теплой красной и прохладной ализариново-розовой создает эффект вытягивания плавного перехода оттенков. В тот момент, когда поверхность еще влажная, самое время добавить индийской желтой краски — она органично впишется в красный цвет.

Шаг второй. Не дожидаясь полного высыхания слоя, нужно методично работать над каждым лепестком 20-й кистью. Если краска потекла в каком-то нежелательном направлении по причине излишне смелого мазка, дело можно подправить, наклонив лист и направив ее в противоположную сторону. Вообще, изображая цветок акварелью, определенную размашистость проявлять необходимо, ведь рисунок — отображение эмоций автора, и не стоит их сдерживать.

Шаг третий. Теперь самое время дать картине просохнуть, определиться с промежуточным результатом после создания общей композиции и сравнить с оригиналом получившийся цветок. Акварелью, разведенной не очень щедро, создаются тени. Гамма — фиолетовая, с небольшим содержанием индиго, такое соотношение составляющих цвета позволит придать объемность и выпуклость, особенно если им будет позволено охватить тычинки.

Шаг четвертый. Для того чтобы подчеркнуть выразительность, стоит добавить контрастный и глубокий фон. Написать цветок акварелью и оставить его не оттенённым по краю можно, но так он будет выглядеть ярче. Ведь оттенки этой краски нежны, и картина может просто зрительно затеряться на стене.

Итак, картина готова. Настоящий художник наслаждается самим процессом творчества, а результатом он всегда недоволен. Если кому-то из друзей цветок, написанный акварелью, понравился, то стоит его порадовать таким подарком. Следующая картина получится еще лучше!

Касатик, петушок, королевская лилия — это все о нем, о нежном и загадочном ирисе. Учимся рисовать любимый цветок богов и королей.

Прежде, чем приступить к рисованию, хорошо рассмотрите свою цветочную модель. Обратите внимание на расположение лепестков. Три тянутся вверх, образовывая своеобразную трубочку вокруг сердцевины. Эти лепестки называются стандарты. Три нижних, достаточно больших, лепестка с отгибом опускаются вниз. Эти лепестки называются фолы. Каждый фол имеет своеобразную бородку из густых ворсинок у основания. Для нижних лепестков ирисов характерным является и наличие темных тонких жилок.

Листья имеют мечевидную форму, плоские и длинные. Стебли ровные, высокие.

Определите для себя, какие основные геометрические фигуры (круг, овал, прямоугольник, треугольник) вы угадываете в очертаниях цветка.

Вариант #1

Попробуем нарисовать одиночный цветок.

Нарисуйте два овала, расположив их так, как показано на фото внизу. Обязательно проведите вертикальную ось симметрии. Линии должны быть тонкими и легкими, при необходимости легко стираться. Эти линии составят границы будущего рисунка.

В верхнем овале прорисуйте три стандарта. Рисование начните с прорисовывания центрального лепестка.



Прорисуйте два элемента, создающих эффект бородок.



Ориентируясь на вспомогательные линии, прорисуйте два боковых лепестка.



Нарисуйте нижний центральный лепесток, стебель и узкий лист. Сотрите вспомогательные линии. Раскрасьте рисунок по своему усмотрению.



Вариант #2

Если вы хорошо разобрали предыдущую технику рисования, значит, вполне осилите и технику, предложенную ниже. Благодаря тщательно прорисованным лепесткам, ирис выглядит более естественно.

Как нарисовать букет цветов ирисов карандашом?

Используя приведенные ниже подсказки и технику, описанную в начале статьи, вы легко нарисуете несколько ирисов, составив из них нежный букет.

Вариант #1

Продумайте будущую композицию. С помощью легких линий сделайте набросок рисунка. Работая над рисованием цветочных лепестков, не забывайте, что ирис далек от идеальной симметрии и именно в этом его прелесть.



Будьте внимательны, работая над деталями рисунка. Не забывайте о характерных для ириса бородках и жилках. Не пренебрегайте нанесением теней. Наличие затененных участков добавит рисунку глубины и контрастности, сделает его более живым и объемным.



Вариант #2

Ниже представлен еще один, достаточно простой, способ нарисовать красивые ирисы. Обратите внимание на цветовое решение рисунка, ведь для ирисов характерно постоянное движение цвета.



Как нарисовать цветок ирис акварелью поэтапно?

Ирисы и акварель созданы друг для друга. Профессиональные художники утверждают, что работать с акварелью достаточно сложно, впрочем, как и рисовать ирисы. Однако, эта статья рассчитана на тех, кто делает первые шаги в изобразительном искусстве, а значит техники, которые предлагаются читателю, не требуют высокого профессионального уровня.

Важно: для работы с акварельными красками используйте соответствующую бумагу. Обычные альбомные листы не подходят, поскольку, бумага для акварелей имеет шероховатую поверхность и лучше держит краску.



Акварель «Ирисы»

Продумайте вашу композицию. При необходимости, сделайте легкий набросок, обозначив головки цветов, стебли и листья.

Определите цветовую гамму будущего рисунка. Пятнышки на схеме внизу — идеальные, с точки зрения профессиональных художников, сочетания цветов.



Акварель любит воду! И даже специальные листы бумаги склонны к деформации в процессе рисования. Чтобы минимизировать последствия деформации, лист следует зафиксировать на поверхности малярным скотчем (по периметру).

Хорошо увлажните акварельный лист с помощью пульверизатора.



Излишки влаги удалите чистой губкой. Внимательно посмотрите на поверхность: лист не должен блестеть. Если вы заметили блеск, еще раз промокните поверхность губкой.



Приступайте к рисованию. Пишите легко, без усилия. Краска будет расходиться мягко, создавая размытый край.



Освоив технику, приступайте к созданию шедевра.



Дайте рисунку высохнуть.

Прорисуйте контуры и детали голевой ручкой или специальным линером, если видите в этом необходимость. Несколько четких линий на рисунке внизу превратили размытые акварельные кляксы в изящные цветы.



Акварель «Ирисы»

«Мокрая» техника не ограничивает полет фантазии и позволяет создавать уникальные цветочные образы.

Акварель «Ирисы»

Сочетание мокрой и сухой техники дает потрясающие, по своей реалистичности, изображения.



Акварель «Ирис»

Чтобы минимизировать последствия деформации от увлажнения и последующего высыхания, лист зафиксируйте на рабочей поверхности малярным скотчем (по периметру).

Сделайте легкий набросок, отметив для себя расположение, форму и размер цветов. С помощью воскового карандаша наведите контуры изображения. Линии должны быть толстыми и четкими. Их назначение — не дать краске растечься и сохранить границы каждого отдельного элемента.

Прорисуйте листья и стебли (карандаш восковый).

Слегка увлажните середину одного из лепестков с помощью кисточки и чистой воды. Раскрашивайте лепестки, работая с двумя сочетающимися цветами (см. схему выше). В результате вы получите красивый и естественный градиент, присущий ирисам. На фото используются фиолетовая и синяя краски.



Не закрашенные области лепестков увлажните чистой водой. Раскрасьте бледно желтой или лимонной акварелью. Ближе к основанию лепестка тонкой кистью капните краску цвета охры. Влажная акварель начнет движение, создавая интересный переход. Оттенить желтый можно также оранжевым. Раскрасьте листья. Дайте рисунку высохнуть. Прорисуйте тонкие жилки на листиках.

Аккуратно затонируйте фон. И прорисуйте тонкие жилки на лепестках.

Видео: Ирис акварелью.Подробный видеоурок.1-ое занятие.ИЗО-студия ТУТА-КА!

Данный пост посвящается акварельной живописи. Речь пойдет о трех художниках и следовательно о 3-х разных историях, которых объединяют цветы нарисованные акварелью.

Их творчество оригинально, но погрузившись в глубину каждого по отдельности, в воображении невольно прорисовывается один единственный и неповторимый цветок. Это хороший знак, оставляющий сладкое послевкусие, которое желаем вам испить.

Рисунки цветов акварелью Fabio Cembranelli

Начнем с бразильского художника Fabio Cembranelli. Фабио получил образование архитектора, окончив государственный университет в Сан-Паулу, после чего решил изучить искусство рисования. Он подошел к делу основательно — отправился на курсы рисунка и фотографии. Теперь регулярно преподает мастер-классы.


бразильского художника восхищают людей со всего мира. Среди национальных художников Fabio Cembranelli считается одним из самых известных. В период с 80-х по 90-е гг. бразилец занимался саморазвитием, путешествовал по Соединенным Штатам Америки и бывал в Европе.

В настоящее время работает с акварелью, маслом и акриловыми красками. Обычно рисует из собственноручно сделанных фотографий или набросков, но использует их только в качестве отправной точки, ведь картины создает в студии, в процессе работы добавляя новые формы, цвета и идеи, которые рождаются на интуитивном уровне. Художник говорит, что ему не нужно видеть букет роз, чтобы нарисовать их. Для этого нужен только один цветок, дабы разгадать его цвет и анатомию.


Больше всего любит рисовать цветы и .

Художники, которые оказали особое влияние на Фабио – William Turner и Edward Seago.

В работе использует прозрачную акварель, ведь, по объяснению художника, именно такая краска (ее особая текучесть) позволяет получать неожиданные цветные смешения, которые подчас рисования непредсказуемо появляются на бумаге или холсте. Спонтанность для художника – это ключ, который и открыл ему дверь в мир искусства.


Fabio Cembranelli участвовал во многих художественных выставках как в Бразилии, так и за границей. Получил много премий. Его работы сегодня можно найти на выставках и в частных коллекциях. Но даже при такой популярности и известности художник продолжает жить в родном Сан-Паулу (Бразилия).

Сейчас он преподает уроки (в том числе и через популярные журналы), проводит мастер-классы, ездит на тематические встречи, работает иллюстратором, а также участвует в художественных конкурсах в качестве судьи. На выставках его картины удостаиваются престижных наград.


Fabio Cembranelli рисует только профессиональными материалами: пигменты от W&N, Holbein, Maimeri Blu, Schminke, акварельная бумага от Arches, Fontenay, Hahnem?lle, кисти использует зачастую плоские и только с синтетическими щетинами.

В январе 2013 года художник посещал Бельгию, чтобы дать свой мастер-класс. Теперь в его планах:

  • Мехико (Мексика) – 22-26 и 28-29 апреля 2013

  • Каталония (Испания) – 25-31 мая 2013

  • Тоскана (Италия) – 15-22 июня 2013

  • с конца июня и по середину августа Фабио ждут во Франции
Расписание на второе полугодие пока составляется.


Лучше всего про художника скажут авторские цветы нарисованные акварелью , а также видео, которое передает с какой непринужденной легкостью и нежностью он пишет на холсте свои шедевры. Сам художник признается, что ему очень близка.

Текучесть линий, неожиданный результат после смешивания красок, прозрачность и светлость картин вы можете посмотреть здесь и сейчас в приведенной видео трансляции.

Я рисую цветы не просто потому, что они симпатичные, я рисую цветы потому, что их очарование дает возможность человеку увидеть мир заново.

Marney Ward — канадская художница родом из провинции Онтарио. Её крупные рисунки цветов акварелью , в некотором смысле, макро живопись, отлично импонирует ярким и чистым краскам. Работы художницы показывают не только мельчайшие детали изображаемых цветков, но также её эмоционально-духовную связь с ними.


Marney Ward утверждает, что её духовная связь с цветами существует ровно столько, сколько она себя помнит. Однако в самом начале жизненной стези художницу интересовала личность Уильяма Блейка. Все свое время она посвящала творчеству английского поэта и художника, мистика и визионера. В конечном итоге, окончив Университет Британской Колумбии со степенью доктора философии, на целое десятилетие Marney отправилась в путешествие под названием трансцендентальная медитация.


Позже она стала преподавать английский язык в Университете Западного Онтарио. К этому времени у неё были две взрослых дочери. Все вернулось на круги своя — юношеская страсть к живописи начала брать верх. Около пяти лет ушло на изучение китайской школы живописи, которая пробудила в художнице безбрежный океан вдохновенной энергии. Следом в жизни художницы появился наставник — Эмили Карр, который научил Марни Вард свободно и беспристрастно выражать мироощущение.

С 2000-го года Марни участвовала в более чем 30-ти крупномасштабных выставках, и на более 10-ти из них получила награды.


Цветы всегда были источником радости и вдохновения для Marney. После изучения цветочных акварельных красок с художниками Кэреном Гейне, Энн Хантер, Элизабет Кинкэйд и другими, она продолжала разрабатывать свой собственный уникальный стиль.

В 2011 г. ее рисунки украшали журналы Art Avenue и Focus, в том же году ее работы стали гвоздем программы сразу в трех книгах.


Ориентировочные цены на ее картины варьируются в зависимости от их размеров: лист 30×37” — 1800-2800$; 21×28” — 1000-1800$, картины меньшего размера — до 1000$.

Галерея с сочными и яркими флористическими акварелями, будто бы выпорхнувшими прямо из души мастерицы, к вашему вниманию!

Картины цветов акварелью Jiang Debin

Уроженец города Чунцин, что находится на территории Китая, Jiang Debin еще с детских лет тянулся к живописи… Сегодня художник входит в состав участников Wan Fung Art Gallery, у основателя которой изначальная цель заключалась в собрании художественного достояния Китая. Изящность и неповторимая манера письма современных китайских художников — тот формат, по которому отбирались работы. Поставленная цель была достигнута и теперь галерея занимает не только весомое место в Китае, но также на территории юго-восточной Азии.

Находкой для галереи оказался сам Debin. Картины цветов акварелью от Jiang Debin»а расслабляют зрителя, погружая его в атмосферу гармонии.


Цзян Дэбинь принимал участие в групповой выставке с 26 февраля по 11 марта 2011 в Wan Fung Art Gallery. Выставка называлась Harmony of Spring («Гармония весны»), была всецело посвящена весне, как времени перерождения природы. На ней было представлено изобразительное искусство сорока известных китайских художников.


Перед экспонентами стояла задача показать не только высокий уровень профессионализма китайских живописцев, но также чудесным образом воспеть оды весне, похвалы весенним существам — птицам, животным и цветам, которые родились на полотнах художников.


С надеждой на правильный перевод с китайского (中国的 представляем вам имена некоторых талантливых художников, которые принимали участие в выставке: Cai Jianru (Цай Цзяньжу), Chen Xinquan (Чен Ксинкуэн), Chen Yongkang (Чен Йонгкэнг), Chen Zhaokang (Чен Жаокэнг), Feng Yiming (Фэн Имин), Hu Yongkai (Ху Юнкай), Huang Youwei (Хуан Ювэй), Lin Decai (Лин Декай), Liu Maoshan (Лю Маошань)… Конечно, это предложение можно продолжать и продолжать пока не наберется 40 человек, но в связи со сложностью произношения имен мы решили вас не мучить, наши дорогие читатели. Так или иначе, авторы, которые принимали участие в масштабном художественном мероприятии (пусть даже и не в полном составе), однозначно достойны внимания и похвалы, ибо все талантливы и оригинальны. Быть может, на страницах блога еще неоднократно прозвучат их имена.

Ну а теперь пришло время погрузиться в галерею цветочных картин Jiang Debin.

Надеемся, что цветы акварелью современных художников вам пришлись по вкусу, как и данная статья. Благодарим за интерес к , подписывайтесь на обновления блога и оставайтесь вместе с Арт верандой.

Для того чтобы нарисовать букет роз в вазочке желательно иметь перед собой наглядное пособие в виде самих роз либо их фотографии. Для начала, достаточно будет маленького букетика из 3-ех цветков, потому что розы не так уж и просты в рисовании, как могут показаться. Старайтесь не выбирать сложных композиций, из большого количества цветов. Также лучше найти такие розы, которые будут иметь четкие очертания.

После того, как Вы выбрали розы, которые будете рисовать, возьмите лист бумаги для акварелей, прикрепите его кнопками к какой ни будь доске, чтоб он не сворачивался когда намокнет. Карандашом набросайте общий контур будущих роз.

После этого, прорисуйте более мелкие детали. Не обязательно с точностью прорисовывать каждый лепесток. Главное постараться отобразить самые характерные черты цветка. Тем не менее, отнеситесь к прорисовке деталей ответственно, так как это поможет вам не запутаться в дальнейшем. Используйте для этого твердый карандаш, чтоб линии не получились слишком жирными и были не слишком заметны под краской.


После того как набросок закончен, намочите бумагу водой и сразу по мокрой бумаге можете начинать красить. Начинайте с самых светлых и чистых тонов. Вы можете полностью закрасить цветок тем цветом, который в дальнейшем останется только на светлых участках. При этом, не используйте только один цвет — чем разнообразней ваша палитра, тем живописней получиться картина. Старайтесь комбинировать 2 — 3 оттенка, рисуя один цвет.


После того как задан общий фон, дайте бумаге немного просохнуть и начинайте рисовать детали. Возьмите краску чуть потемней и нарисуйте полутени. Для того чтобы лучше их увидеть, можно прищурить глаза и тогда будет проще различить самые основные цветовые пятна. С самого начала, надо определить с какой стороны на букет падает свет – у каждого цветка есть освещенная сторона и сторона теневая. В данном случае свет падает на наши розы справа и по этому, справа освещенных участков больше.


После того, как полутень нарисована, опять прищурьте глаза и определите самые темные участки. Их не должно быть слишком много, чтобы цветы не получились монотонными. Учтите, что в акварельных красках темный цвет закрасить светлым уже нельзя. Но если Вы все таки нарисовали лишнего, это не беда – краску можно размочить и вытереть кисточкой как губкой.


Когда розы нарисованы, можно рисовать вазочку. Она рисуется гораздо проще цветов, да и к тому же, на ней не обязательно акцентировать внимание и слишком тщательно ее прорисовывать – ведь главное у нас это цветы.

Вазочка условно делится на несколько основных участков разной степени освещенности. Начиная справа налево: полутень, свет, полутень, тень, полутень. При этом, самых главных участка только 2 – свет и тень. Достаточно правильно отобразить их, сделав между ними плавный переход, и вазочка готова. В горлышке вазочки тоже есть освещенная и теневая сторона, нельзя забывать об этом.

Потом можно нарисовать тень, падающую от вазочки на стол.

Для того чтобы тень выглядела естественно, надо знать одно основное, простое правило – собственная тень (неосвещенная сторона предмета) должна быть нарисована красками более теплых тонов, а падающая тень (которую отбрасывает объект) относительно холодными.

По этому, на кувшине собственная тень тепло-коричневая, а падающая серо-голубая.


После вазочки переходите к листьям. Сначала закрасьте их полностью светло-зеленым, какими они будут на свету.


После этого, зеленым потемней, нарисуйте полутень, и некоторые участки сделайте самым темным. Не забывайте, что тень, падающая от цветков на листья, должна быть холодной. Поэтому, ее надо рисовать сине-зеленым.


Затем розам можно придать контраст, выделив их фоном. Для фона лучше использовать краски холодных оттенков, это отодвинет фон на задний план. Фон не обязательно делать равномерным, а наоборот – сделать его темней рядом со светлыми участками цветов, а там где у цветов тень, сделать его светлее. Так же, можно слегка размыть контур тех участков роз, которые находятся дальше, но при этом, те лепестки, что находятся ближе к вам, должны остаться четкими. В самом конце, очень аккуратно и так чтобы не перестараться, можно усилить контраст, затемнив самые темные участки теней в нескольких местах. Это придаст картине больший объем и четкость.


Вот и все, простой букет роз в вазочке готов.

Желаем вам удачи!

Конец мая – это та пора, когда природа уже ожила после долгого зимнего сна и теперь начинает распускаться, озаряя мир красками. В это время повсюду множество источников вдохновения, нужно запечатлеть все, что видят глаза. Ниже вы узнаете, как отображать акварелью мир таким, каким вы его видите со всеми точностями и яркостью оттенков. Учиться мы будем на таком букете тюльпанов, который можно встретить весной почти в любом доме.

Можно взять и другие цветы, которые понравятся. Главное, чтобы букет был живой и «сочный». Рисуйте всегда с натуры – так вы сможете в полной мере увидеть даже мельчайшие изменения оттенков. Из этого урока заберите в копилку своих знаний принцип работы, чтобы в будущем понимать, как творить подобные изображения.

Схема нашей работы будет разделяться на несколько этапов:
Набросок
Светотень
Акварельная проба
Сам рисунок

Набросок очень важен при рисовании акварелью, потому что именно на нем зиждется все изображение. В нашем примере использовалась акварельная бумага, которая позволяет «играть» с оттенками, из-за того, что краски высыхают дольше и можно интересно смешивать несколько разных цветов. Учимся несложной технике рисования цветов карандашом:

Размечаем на бумаге положение всех цветков из букета. Стараемся аккуратно передать хотя бы общую форму каждого из них. Пропорции сохраняем за счет метода визирования. Для этого берем карандаш, ставим его на вытянутой руке горизонтально и измеряем ширину каждого бутона. После этого ставим карандаш вертикально и смотрим, сколько раз ширина входит в длину. Таким образом, размеры бутонов сохранятся, рисунок приобретет реалистичность. Наши цветки пока представляют собой круги и овалы – не акцентируемся на деталях.

Внимательно рассмотрите цветы, посчитайте лепестки, обратите взгляд на строение чашечек. В данном случае у нас 4 красно-оранжевых тюльпана со складочками посреди гладких лепестков и 1 желтый с бахромой по краям. На красных бутончиках лепестки располагаются в один слой, накладываясь друг на друга по кругу, на желтом же они распускаются в два ряда.

Начинаем прорисовывать детали с «косточек», вокруг них выстраиваем сами лепестки. Такие бутоны у нас выглядят, как шестигранники. От «направляющих» будет зависеть, в какую сторону изогнется тот или иной листик. Все наши тюльпаны получаются разными, ведь рисуем мы каждый индивидуально. Помните, что в зависимости от времени суток и температуры цветы могут изменять свою форму, поэтому не растягивайте наведение наброска на несколько часов. Фаза цветения также немаловажна, поэтому ее нужно уметь правильно отобразить. У нашего букета весьма удачно располагаются три бутона, находящихся на разных фазах.

Нижний желтый тюльпан мы отображаем раскрытым, чтобы были видны не только лепестки, но и внутренняя часть с тычинками.

Осталось дорисовать листья. За все время работы не переусердствуйте с ластиком, чтобы в дальнейшем акварель не скатывалась в местах «подтирок».

Можно сразу начать наносить краску, но мы рекомендуем вам сначала сделать два маленьких эскиза на небольших бумажках. Первый будет отображать, как падает тень – нам будет легче распределять нужным образом краску:

Далее акварелью определяем, какие цвета подходят для нашего большого творения, а какие можно сразу отвергнуть. Для этого рисуем примерно такую картинку, без точностей и дополнительных деталей:

В цветовом наброске важно посмотреть, как будет выглядеть фон, стоит ли его сделать ярче или темнее. Определяем уровень затемнения на теневых сторонах и яркость самих цветков. После этой работы можете смело брать акварельную бумагу и приниматься за рисунок. Выбирать лучше импортную хлопковую бумагу, не выбеленную искусственно. Она имеет сероватый оттенок, по сравнению с обычным листом. На белых обоях, правда, она будет смотреться не лучшим образом, поэтому предпочтительно выбирать другой фон для своего шедевра.

Отличительные особенности акварельной бумаги в ее неоднородности и скорости высыхания влаги. Пока один слой не высох, можно намешать еще несколько тонов, что создает объем. Например, лепесток заливаем желто-зеленой смесью и аккуратно капаем сверху алой, а снизу темно-зеленой краской, чуть растушевываем.

Также заливаем каждый лепесток на цветках, растушевываем, распределяем тень. Неоднородность тонов только подчеркнет реалистичность рисунка.

Однослойная техника делает рисунок живым и ярким. Посмотрите на нераскрытый бутон – согласитесь, что такое огромное количество оттенков может создать только природа и… мы:

Пока бутоны подсыхают, пишем один листик. Смешиваем зеленые тона и экспериментируем с яркостью. Пока акварель не высохла, вы можете заметить вот такой красивый блеск:

Теперь переходим к центральному оранжево-красному цветку. Заливаем фоновым цветом – в данном случае насыщенно желтым, далее прорисовываем красные прожилки, смешиваем краски для создания переливов.

Подчеркиваем тень с правой стороны светлыми холодными оттенками. Стебель заливаем светло-зеленой краской, а темную тень проводим тонкой кисточкой.

Второй лист начинаем заливать с внешней части, затем переходим к более темной внутренней. Участки для удобства можно разделить на столько фрагментов, насколько вам будет удобно.

Приступаем к работе над левым распустившимся тюльпаном. Самую ювелирную работу – середку, оставляем напоследок.

В процессе работы ваш стол может выглядеть примерно так:

Важно определиться, где какой лепесток, чтобы индивидуализировать каждый фрагмент. Обратите внимание, где краешек более светлый, а где имеет затемнение.

Зрительно оживляем наш цветок тычинками. Да, в природе они черного цвета, но мы изображаем их умброй. Каждая тычинка относится к своему лепестку, а пестик посередине дополняет композицию – его прорисовываем особенно тщательно, оттеняем, но действуем осторожно, чтобы не получилось пятна.

Дальше на очереди самый красивый и броский – желтый цветок. Сердцевинку нижнего ряда выделяем темными оттенками – это не тень, а часть лепестка, поэтому выражаем ее особенно аккуратно и точно. Растушевываем по краям оранжевую краску так, чтобы подчеркнуть весь спектр цветов на отдельно взятом листике.

Второй ряд делаем более темным, добавляем чуть больше красноватых теплых оттенков.

Аккуратно выделяем сердцевину:

Теперь дело за листьями. Нужно изобразить их как можно точнее. Обращаем внимание на падающий свет, подчеркиваем отблески на глянцевых поверхностях аккуратными линиями. Растушевываем получившиеся части и комбинируем разные цвета.

Теперь несколько советов, подводящих итог нашему большому мастер-классу:

Больше проб. Используйте разную бумагу, кисти, комбинации цветов и марки красок, чтобы найти те, которыми вы будете пользоваться в дальнейшем всегда.

Какая бы не была бумага, творите на ней именно вы, поэтому только от вас и вашего настроения зависит, насколько оригинальным и ярким получится ваше произведение.

Начинаем рисование цветов мы всегда с набросков. Обобщаем их до простых контуров, а внутрь геометрических фигур уже вписываем детали.

Внимательно смотрим на каждый цветок в отдельности. Задача художника – изучать объект своего вдохновения, замечать мельчайшую игру света и природные переливы тонов.

Обязательно делаем теневой и акварельный эскизы, чтобы правильно «разбросать» тень по будущему «чистовику», а также не ошибиться с тонами.

Акцентируем свое внимание на строении предметов, которые рисуем. Именно «анатомические» детали часто становятся основой конструкции, как остов наших лепестков, например.

Не бойтесь неоднородности и пятен – несовершенства часто являются признаком реалистичности, а абсолютная симметрия и равномерный тон ликвидируют в рисунке живость.

Как рисовать цветы акварелью в Clip Studio Paint

Если вы хотите научиться рисовать цветы акварелью в цифровом виде, в этом уроке я покажу вам, как создать акварельный эффект в Clip Studio Paint. Я покажу вам, какие кисти использовать, как растушевывать цветы, как создать акварельную кромку и как завершить все это бумажной текстурой.

Чему вы научитесь в этом уроке рисования в Clip Studio

  • Как пользоваться Clip Studio Paint
  • Как рисовать цветы акварелью
  • Какие кисти Clip Studio Paint лучше всего подходят для создания эффекта акварели
  • Как изменить оттенок в Clip Studio Paint

1.

Как подготовить файл для эффекта акварели

Шаг 1


Открыть Clip Studio Paint. Создайте Новый документ (Control-N) с разрешением, показанным ниже:

Этап 2


Возьмите кисть (B) и перейдите на вкладку Realistic . Выберите Плоская акварельная кисть .

Этап 3


Этой кистью непросто управлять, но в том-то и дело, что ваши «акварельные» мазки будут выглядеть менее цифровыми и более убедительными.Используйте эту кисть, чтобы нарисовать пару цветов и листьев, каждый на отдельном слое . Нарисуйте каждую фигуру одним мазком, чтобы создать однородный цвет. Не беспокойтесь о том, что цвета будут слишком светлыми — мы позаботимся об этом через секунду.

Кроме того, вы можете настроить свойства кисти, чтобы иметь возможность рисовать несколькими мазками и получать более темные цвета. Измените режим наложения с на . Замените альфа-канал и уменьшите плотность текстуры . Выключите Watercolor Edge .Если вы решите выбрать этот метод, просто скройте все слои и перейдите к шагу 6.

Этап 4


Эта кисть создает полупрозрачные штрихи, поэтому давайте сделаем их немного более заметными. Выберите слой сверху, а затем, удерживая Shift , выберите последний, чтобы выделить их все. Затем Щелкните правой кнопкой мыши > Дублировать слой .

Этап 5


Теперь объедините копии с оригиналами, чтобы сделать цвета более живыми. Для этого выберите копию и нажмите Control-E — сделайте это для каждого скопированного слоя.Затем скройте все слои, щелкнув значок глаза рядом с ними.

Шаг 6


Наш венок будет иметь форму круга, поэтому давайте создадим круг, который будет нашим шаблоном. Создайте Новый слой и выберите инструмент Рисунок (U) . На вкладке Direct Draw выберите Ellipse . Отметьте Aspect Type и увеличьте размер кисти .

Шаг 7


Нажмите и перетащите на холст, чтобы нарисовать толстый круг.Используйте инструмент Move Layer (K) , чтобы расположить круг в центре холста.

Шаг 8


Перетащите слой под другие слои, уменьшите его Непрозрачность , чтобы сделать его едва заметным, и Заблокируйте .

Шаг 9


Теперь снова покажите все остальные слои и используйте инструмент Move Layer (K) , чтобы создать из них композицию. Используйте Control-C/Control-V , чтобы быстро дублировать слой, а затем объедините копии с помощью Control-E , чтобы все было в порядке.Не стесняйтесь трансформировать объекты с помощью Control-T — изменяйте их размер и поворачивайте, чтобы создать красивую естественную композицию.

В случае с листьями может быть полезно отразить их вертикально иногда. Для этого перейдите к Edit > Transform > Flip Vertical . Кроме того, не бойтесь изменять порядок слоев, чтобы отразить слоев настоящего венка. Когда вы закончите, скройте или удалите круг.

Шаг 10


Поскольку акварель не полностью непрозрачна, вы можете видеть сквозь слои.Обычно, если вы рисуете настоящей акварелью, вы должны быть осторожны, чтобы эти элементы не перекрывались, но мы работаем в цифровом формате, поэтому мы можем избавиться от этих перекрывающихся областей с помощью хитрости!

Выберите слой сверху и возьмите инструмент Автовыбор (W) . Нажмите на вне области элемента, чтобы выбрать его, а затем нажмите Control-Shift-I , чтобы инвертировать его.

Шаг 11


Теперь выберите слой ниже и нажмите Backspace или Удалить .Затем перейдите на другой слой и повторяйте, пока не дойдете до нижней части стопки. На этом этапе вы больше не должны видеть сквозь самый верхний элемент. Нажмите Control-D , чтобы отменить выбор.

Шаг 12


Повторите этот процесс со всеми остальными слоями, чтобы полностью избавиться от перекрытия.

Шаг 13


Теперь выберите все слои и заблокируйте их прозрачных пикселей . Теперь вы можете закрашивать слои, не беспокоясь о том, чтобы остаться в пределах линий!

2.Как нарисовать цветы акварелью в Clip Studio Paint

Шаг 1


Начнем с больших листьев под цветами. Возьмите кисть Rough Wash из вкладки Реалистичная акварель , выберите цвет листьев пипеткой (I) и начните рисовать. Это должно позволить вам придать листьям более неровную поверхность, характерную для акварельной штриховки. Поэкспериментируйте с Watercolor Edge в настройках кисти, чтобы создать эффект быстро прорисовывающегося пигмента.

Этап 2


Теперь перейдите на панель свойств слоя . Добавьте Border Effect и выберите Watercolor Edge . Поэкспериментируйте с настройками, чтобы создать края, характерные для акварельных мазков.

Этап 3


Проделайте то же самое с другими листьями, регулируя количество текстуры и затемнение края каждого из них по отдельности. Брызги краски будут лучше смотреться на темных тонах, чем на ярких.

Этап 4


Аналогичным образом можно закончить маленькие белые цветочки. Добавьте немного текстуры в их центр.

Этап 5


Чтобы добавить желтую серединку к цветам, создайте Новый слой и рисуйте кистью Масляная краска из вкладки Густая краска .

Шаг 6


Создание больших цветов потребует немного больше усилий. Начнем с розового. Скройте его слой или уменьшите его Opacity и создайте над ним New Layer . Затем возьмите кисть Oil Paint и нарисуйте крайние лепестки — нарисуйте их три набора, каждый на отдельном слое .

Шаг 7


Создайте еще один слой и нарисуйте еще три лепестка, создав кольцо и оставив немного места в центре.

Шаг 8


Создайте еще один слой и добавьте еще несколько маленьких лепестков, причем лепестки в центре будут самыми маленькими.

Шаг 9


Заштрихуйте лепестки так же, как и листья.Не забудьте сначала заблокировать прозрачных пикселей ! Кроме того, поскольку эти лепестки находятся на отдельных слоях, они не будут казаться объединенными, когда вы добавите к ним акварельную кромку.

Шаг 10


Таким же образом нарисуйте коричневые цветы. Сначала нарисуйте внешние лепестки на одном слое…

Шаг 11


… затем нарисуйте внутренние лепестки на новом слое .

Шаг 12


Заштрихуйте лепестки той же техникой, что и раньше.

Шаг 13


Оранжевый цветок ничем не отличается — его легко создать из двух слоев лепестков.

Шаг 14

Довольно сложно создать четкие белые области на акварельных рисунках, поэтому, чтобы сделать эффект акварели более убедительным, создайте Новый слой под цветами. Используйте кисть Rough Wash , чтобы нарисовать хаотичный фон позади каждого цветка.

3. Как завершить эффект акварели

Шаг 1


Рисунок готов, но мы можем сделать его более убедительным с помощью нескольких трюков.Создайте новый слой сверху, переключитесь на белый цвет и возьмите аэрограф (B) . Используйте кисти Spray и Droplet , чтобы добавить несколько белых точек здесь и там.

Этап 2


Создайте Новый слой и откройте вкладку Текстура на панели Материал . Выберите текстуру, которая больше всего похожа на бумагу, и перетащите ее на слой.

Этап 3


На панели Layer Property выберите Overlay Texture , чтобы сделать текстуру прозрачной.Отрегулируйте Strength текстуры и отрегулируйте ее размер.

Этап 4


Если вас не устраивает полученная цветовая схема, сейчас я покажу вам, как изменить оттенок в Clip Studio Paint.

Во-первых, вам нужно объединить слои. Для этого создайте New Layer и перейдите в Layer > Merge Visible to New Layer. Затем перейдите к Edit > Tonal Correction > Hue/Saturation/Luminosity . Теперь вы можете перетащить первый ползунок, чтобы настроить цвета.

Красиво!


Теперь вы знаете, как использовать Clip Studio Paint и как рисовать цветы акварелью в этой программе!

Хотите больше?


Если вы хотите узнать больше о создании цветочных иллюстраций, попробуйте также эти уроки:

Весенние поделки для детей: красочные акварельные цветы

Эти красочные акварельные цветы – отличное весеннее ремесло  для детей любого возраста. Зима подходит к концу, и эти цветы станут идеальным художественным проектом с использованием акварели и масляной пастели, чтобы украсить ваш дом или классную комнату!

Не забудьте подписаться на нашу доску «Весенние поделки и обучение для детей»!

 

 

Недавно я искала для детей весенние поделки, которые можно сделать с Тео и его милой маленькой подругой, мисс Б.Поскольку наши любимые арт-проекты  всегда связаны с акварелью, я решил вытащить их вместе с масляной пастелью для нашего последнего проекта. (Обязательно ознакомьтесь с другими нашими проектами, связанными с акварелью, такими как «Рисование акварелью и пипетками», «Масляная пастель» и «Акварельные пасхальные яйца».)

 

Вместе мы сделали несколько красивых цветных бумаг, используя наши материалы для творчества, а позже использовали эту бумагу для создания наших ярких цветов! (Этот пост содержит партнерские ссылки.)

 

Весенние поделки для детей: красочные акварельные цветы

Настройка для Spring Craft

Настроить акварельную живопись действительно так просто (что является одной из причин, по которой я всегда занимаюсь этим видом искусства). Дети помогают мне застелить кухонный стол нашим ковриком для творчества. (Наш коврик для творчества — это просто недорогая виниловая скатерть. Я всегда ищу сезонные распродажи и покупаю их для творчества с детьми.)

 

Затем мы идем в наш художественный кабинет и достаем акварельную бумагу, наши акварели, масляную пастель и несколько кистей. (Мы использовали жидкую акварель, но вы также можете использовать акварельные пирожные. Оба варианта подойдут!) Дети помогли мне донести наши художественные принадлежности до стола и расставить их. (Обязательно узнайте больше о наших любимых товарах для творчества для детей!)

 

Если вы используете акварельные торты, вам просто нужно принести ребенку стакан воды для рисования.Если вы используете жидкую акварель, как мы, возьмите по одному контейнеру для каждого цвета, который вы планируете использовать. Вы можете использовать жидкую акварель прямо из бутылки или добавить немного воды. (Я ОБОЖАЮ использовать эти маленькие стеклянные баночки с шариками для жидкой акварели. Они не опрокидываются, когда дети их ударяют, и в каждой прозрачной баночке легко увидеть цвета.)

Создание наших красочных цветов

Дети начали рисовать рисунки на акварельной бумаге масляной пастелью. Тео рисует всевозможные красочные линии.

 

 

Маленькая Мисс Б. нарисовала много красных фигурных линий.

 

 

После того, как дети закончили рисовать линии, они закрасили их акварелью. Тео только что добавил несколько всплесков цвета…

 

 

…в то время как мисс Б. решила закрасить всю бумагу.

 

 

Готовую картину мы отложили сушиться, а дети помогли мне убрать краски и другие материалы.

Когда бумага высохла, мы были готовы приступить к созданию цветов. Из цветной бумаги вырезаю лепестки цветов.

 

 

Затем мы склеили лепестки вместе и добавили круг в центре. Как только клей высох, мы повесили наши цветы, чтобы украсить их к весне! (Один из наших любимых материалов для подвешивания — съемная клейкая замазка. Она очень хорошо держит произведение искусства и не оставляет следов, когда вы ее снимаете.)

 

Конечно, вы также можете использовать эту бумагу для других коллажей или просто показать ее как есть!

 

Нравится использовать детские книги для поощрения любви к учебе и творчеству? Обязательно ознакомьтесь с нашей книгой «Исследуя книги через игру»!

Акварельные цветочные каракули на брызгах краски

Я люблю рисовать акварельные цветочные каракули.Когда я рисую, мне нравится держать в руке кисть вместо ручки или карандаша. Мой акварельный набор Koi и водяная кисть идеально подходят для этого. Мне трудно понять, с чего начать, когда передо мной чистый лист бумаги, поэтому мне нравится тот, на котором есть брызги акриловой краски.

Брызги краски

Иногда я трачу час и брызгаю краской на 20-25 акварельных открыток 4х6. Если у меня нет открыток, я разрезаю большой лист акварельной бумаги на карточки 4х6. Иногда я разбрызгиваю два разных вида зелени на одну и ту же карту.В других случаях я просто использую один цвет зеленого и делаю лишь несколько брызг для разнообразия. Здесь вы можете узнать, как я разбрызгиваю краску. Я даю им высохнуть, а затем храню вместе с моим портативным набором для акварели.

Этот пост содержит партнерские ссылки.

Акварельные цветочные каракули на разбрызганной краске

Когда у меня есть несколько лишних минут и я хочу поиграть с красками, я могу вытащить одну из них и нарисовать акварелью несколько цветочных каракулей. Я экспериментирую с разными цветами и видами цветов.Мне нравятся бесплатные видеоуроки по рисованию цветов от Дома, который построил Ларс. Я также смотрю на изображения Google для идей полевых цветов. Потом практикуюсь и экспериментирую. Если мне не нравится, как получается один, я не слишком много трачу и выбрасываю его. Если мне понравится готовый результат, я могу использовать его, чтобы написать записку другу или подарить.

Любимые цветы

Маки, дельфиниумы, тюльпаны и мальвы — одни из моих любимых цветов для сочетания с брызгами краски. Все они растут в природе разнообразной окраски на высоких стеблях.Иногда я использую свое воображение и создаю красивые красочные цветы, названия которых не могу назвать. Нарциссы также хорошо работают. Вы можете найти мой пошаговый мастер-класс по рисованию нарциссов здесь.

Как партнер Amazon я зарабатываю на соответствующих покупках. Многие сообщения на моем сайте содержат партнерские ссылки Amazon. Я делюсь только теми продуктами, которыми пользуюсь и которые мне нравятся. Я получаю небольшую комиссию, если вы совершаете покупку по этим ссылкам. Я помогаю поддерживать работу My Flower Journal без каких-либо дополнительных затрат для вас!

Если вы не хотите разбрызгивать зеленую акриловую краску, вы можете скачать бесплатную распечатку брызг краски, которую я сделал здесь.

Я поделюсь своей бесплатной распечаткой бабочки в пятнице Feathered Nest, Inspiration Gallery, Savvy Southern Style. Прогулка по жизни, Стоун-Гейбл, Уютный домик.

Акварельные цветы Easy Video Tutorial

Привет друзья! Весна — идеальное время для этого простого урока с акварельными цветами! Простые цветы так весело рисовать!

В сегодняшнем простом видеоуроке с акварельными цветами я делюсь двумя примерами с использованием двух совершенно разных материалов.Оба одинаково интересно использовать и рисовать 🙂

Отказ от ответственности

: партнерские ссылки были использованы без дополнительной оплаты для вас.

Используемые расходные материалы:

Вот расходные материалы, которые я использовал в видео ниже:

Учебник YouTube:

Нажмите на видео ниже, чтобы посмотреть это простое руководство по акварельным цветам, или нажмите здесь, чтобы посмотреть на YOUTUBE. Пока вы там, не забудьте подписаться на мой канал! 😉

Советы и рекомендации:

  • Для одноцветных цветов мне нравится добавлять цветной пигмент по направлению к центру цветка у основания каждого лепестка. Затем я добавляю каплю воды к кончику каждого лепестка. Эта вода смещает пигмент к центру и делает кончики светлее. Попробуйте эту технику и дайте мне знать, что вы думаете!
  • Пусть вода сделает свое дело. Это то, во что я искренне верю. Если я попытаюсь двигать цвет и возиться с ним, цветок будет только хуже, а не лучше. Чем меньше вы возитесь с акварельными цветами, тем лучше. Просто добавьте краску в форму цветка, капните несколько дополнительных капель воды и дайте ей высохнуть.Если вы все еще недовольны внешним видом, попробуйте добавить еще один слой цвета после того, как первый слой высохнет.
  • Всегда оставляйте крошечный зазор между лепестками. Или нарисуйте чередующиеся лепестки и дайте им высохнуть. Затем вернитесь и закрасьте между высохшими лепестками.
  • Всегда добавляйте листья. Сколько бы цветов вы ни рисовали, постарайтесь добавить столько же зелени в цветочную композицию.
  • Зеленый просто не зеленый. Если вы рисуете много разноцветных цветов, не забудьте разнообразить зелень, добавив немного синего, зеленого или белого.

Примечания:

  • Если вы используете ручки Tombow Dual Brush, как в этом простом руководстве по акварельным цветам, вам НЕОБХОДИМО использовать акварельную бумагу или бумагу для смешанной техники. Этот метод не будет работать на обычной более тонкой бумаге.
  • Набор акварели, который я использую в видео, — это набор Gansai Tambi. Я ЛЮБЛЮ этот, потому что краски богаты и не имеют меловой отделки. Цвета очень интенсивные, поэтому я использую вставку подкладки в качестве палитры, чтобы немного разбавить краску.Краска высыхает на этом лайнере, и я просто использую его в следующий раз.

Нравится:

Нравится Загрузка…

Смита Катти

Привет, я Смита! Я живу в Миннесоте с мужем и двумя дочерьми. Вы всегда найдете меня рисующим цветы в моем альбоме для рисования. А еще я люблю получать удовольствие от создания чего-то своими руками! Но больше всего я люблю снимать все это на камеру Читать дальше. Спасибо, что заглянули сегодня! Если вы узнали что-то из этого урока, поделитесь этим постом с другом или в социальных сетях! Отметьте меня @smithakatti Мне бы очень хотелось увидеть, что вы создаете!

.
Leave a comment
by : alexxlab Акварель

Животные поэтапно акварелью: Рисунки животных акварелью. Рисование животных акварелью в технике «по-сырому» поэтапно с фото для детей

Рисунки животных акварелью. Рисование животных акварелью в технике «по-сырому» поэтапно с фото для детей

Рисование акварелью животных в технике «по-сырому». Мастер-класс пошагово с фото.


Горбова Надежда Юрьевна, преподаватель МБОУ ДОД «Детская школа искусств» Яранского района Кировской области, город Яранск.
Описание: данный мастер-класс предназначен для детей от 9 лет и их родителей, учителей ИЗО, педагогов дополнительного образования.
Назначение: учебный материал для дальнейшего использования в композиции или просто для вдохновения.
Цель: Рисования пушистых животных в технике «по-сырому»).
Задачи:
— закрепление знаний, умений, навыков компоновки изображаемого объекта на листе;
— закрепление знаний, умений, навыков письма акварелью в технике «по-сырому»;
— применение законов цветоведения;
— развитие аккуратности и наблюдательности.
Материалы: акварельная бумага формата А4, беличьи кисти разного размера, графитный карандаш, ластик, акварельные краски, тряпочка, баночка с водой.


Ход работы:
Здравствуйте! Предлагаю Вам порисовать животных в технике «по-сырому». Данная техника очень подходит для создания образа пушистых друзей).
Первая загадка поможет понять, кто наш первый герой:

С ветки на ветку,
Быстрый, как мяч,
Скачет по лесу
Рыжий циркач.
Вот на лету он шишку сорвал,
Прыгнул на ствол
И в дупло убежал.
(Белка)

1. Располагаем лист вертикально, намечаем тонкими линиями общую композицию, где будет располагаться белка на листе. Туловище и голова животного представляют собой овал.


2. Затем начинаем прорисовывать детали. Под акварель делают подробный точный рисунок тонкими линиями. Карандаш через акварель не должен просвечивать. Ластиком пользуемся аккуратно, чтобы не повредить поверхность акварельного листа.


3. Мочим поверхность листа чистой водой, можно его подержать в ведре с водой 1-2 минуты. Перед началом письма на листе не должно быть луж с водой. Начинаем писать белочку со светлых мест. На мордочке светлые места пишем охрой (бежевый), ушки, лапки — оранжевым. В кисти должно быть мало воды и побольше краски.


4. Затем разными оттенками коричневого пишем темные места (у белки шерсть не равномерно окрашена). Хвост напишем в холодной цветовой гамме. Животик оставим белым (цвет бумаги).


5. По мере высыхания, акварель светлеет. Наберем по насыщенней цвет и пройдемся по темным, теневым местам. Мазки укладываем по форме.


6. Кисть хорошо отжимаем с помощью тряпки и рисуем усы у белки. Если поверхность листа высохла, то не получится это сделать. Во время работы нужно смачивать места, которые Вы еще не писали.


7.Делаем последние штрихи: рисуем глаз, когти, ветку дерева. Коричневый имеет множество оттенков, может быть красноватым, фиолетовым, зеленоватым……


Вторая загадка поможет понять, кто у нас следующий герой.
За деревьями, кустами,
Промелькнуло будто пламя,
Промелькнуло, пробежало…
Нет ни дыма, ни пожара.

Да.., это лиса).
1. Располагаем лист вертикально. Пусть наша героиня смотрит на нас.


2. Начинаем писать оранжевым цветом все, кроме грудки и живота.


3. По теневым местам пройдемся охрой красной. Лапы и уши у лисы темные. Пишем не чисто-черным, а с добавлением какого-то цвета, например, голубого. Черный цвет очень живописный.


4. Затем рисуем зеленого цвета глаза и красный язык.


5. В конце можно еще подрисовать какие-то детали(усы), пройтись по темным местам.


Ночью он совсем не спит,
Дом от мышек сторожит,
Молоко из миски пьет,
Ну конечно это — …

Третья загадка нам дает понять, что следующий герой — кот.
1. Но нарисуем мы только мордочку. Рисуем овал, затем намечает уши, нос, косые глаза (обратите внимание, что они располагаются под углом).


2. Мочим лист бумаги, голубым рисуем мордочку.


3. Уши и область вокруг носа и глаз рисуем серо-фиолетовым.


4. Уши и вокруг носа сделаем потемнее. Затем выжмем кисть и нарисуем на ушах длинные волоски (таким образом показываем, что кот у нас длинношерстный). По мокрым цветным местам хорошо рисовать сухой беличьей кистью, она хорошо воду с краской впитывает.


5. Продолжаем дальше «причесывать» нашего кота. Светлые места, по которым прошлись сухой кистью, можно подчеркнуть цветом потемнее.


6. Глаза нарисуем голубые, подчеркнем для выразительности. Не забудем про усы. Фактурой можно заниматься до тех пор, пока поверхность листа влажная.


7. Носик потемнее сделаем и усы подлиннее.
Вот такая мордашка получилась))).


Летом ходит без дороги
Возле сосен и берез,
А зимой он спит в берлоге,
От мороза прячет нос.

А это наш следующий герой.
1.Нарисуем мишку как будто он тянется за малиной).
Со стороны взгляда оставляем места побольше. Определяем основное направление туловища. Сначала заднюю, среднюю часть туловища и голову рисуем в виде овала, затем косолапые лапы.


2. Мочим лист чистой водой, разными оттенками коричневого закрашиваем туловище животного.


3. Более насыщенным цветом штрихами показываем фактуру шерсти.


4. Нарисуем когти, глаз, уши и…. малинку.

Чтобы нарисовать животное, требуется наблюдательность, раскрепощенная рука и умение передать характер в одном узнаваемом движении. Курс Аси Лисиной научит вас не пасовать перед грацией и пластикой живого существа и запечатлевать «собачность» собаки, «петушиность» петуха и «антилопность» антилопы.

Пещерным людям удавалось точно и образно изображать животных без пособий по анатомии, фотографий или доступа в зоопарк, где в безопасности можно хорошо рассмотреть клыки, рога и копыта. Вы последуете их примеру и будете рисовать каждое животное скорее как персонаж, чем как анатомически точную картинку для энциклопедии. Хотя базовые сведения по анатомии вы получите: именно они станут основой, которая позволяет экспериментировать со способом изображения.

Программа включает небольшой экскурс в историю рисования животных, а также блок занятий, посвященных вымышленной фауне. Вы будете создавать химер и фантастических животных, которые в современной иллюстрации востребованы едва ли не больше, чем настоящие.

Кому подойдет курс

Курс рекомендуется всем любителям животных и невероятных существ, а также иллюстраторам, аниматорам и дизайнерам, увлеченным разработкой персонажей. Слушателям не требуется быть умелыми рисовальщиками, однако необходимо крепкое желание работать, не боясь ошибок и неудач, так как большая часть набросков и зарисовок поначалу будет выглядеть не слишком метко.

Чему вы научитесь

  1. В ходе курса предстоит много рисовать животных: с натуры и по памяти.
  2. Вы будете учиться выражать характер существа линией и пятном, подмечать яркое и опускать неважное, схватывать природную суть и вносить антропоморфные черты.
  3. Вы сосредоточитесь на том, чтобы почувствовать образы, а не срисовывать детали. Такое рисование особенно полезно тем, кто ощущает зажатость в руке, страх перед бумагой и недостаток пластичности в линиях.
  4. Вы будете придумывать и убедительно изображать фантазийную авторскую фауну. Эти навыки используют в работе художники, создающие концепт-арт для фильмов и игр.

Расписание

лекция 1. Знакомство с историей изображения животных в искусстве. Введение в курс. (22:09)

лекция 2. Немного анатомии. Разбираем, как устроены млекопитающие, некоторые рептилии и земноводные на примере строения кошки или собаки. Изучаем расположение мыщц, костей и учимся искажать пропорции в зависимости от строения зверя. (18:00)

лекция 3. Наброски и как их рисовать. Работа с объемом с помощью пятен и линий. Видеоматериал из зоопарка: комментированное рисование набросков с натуры. (12:13)

лекция 4. Эмоции, психология и пластика зверей, способы передачи характеров с помощью технических средств. Поиск ассоциаций и узнаваемых черт. (10:55)

лекция 5. Способы изображения животных (условно и реалистично, в восточных и западных, религиозных и светских традициях). Сферы применения анималистики. Животное как символ. Взаимодействие со зрителем: когда необходима детализация, а когда хороша недосказанность. (25:47)

лекция 6. Антропоморфные животные и как их рисовать. (13:31)

лекция 7. О химерах и чудовищах. Знакомство с историей и веселая практика. (19:20)

лекция 8. Фактуры и формы. Условные и реалистичные способы изобразить чешую, перья и прочие виды «покрытий». (12:33)

лекция 9. Создание большой отчетной работы с животным, антропоморфным созданием или химерой: от набросков и эскизов до законченного листа. Источники вдохновения и полезная литература для самостоятельного развития. (13:18)

Необходимые материалы и инструменты

Акварель (2), колонковые или синтетические круглые кисти небольших размеров (5), круглая остроконечная кисть с резервуаром для воды (6), бумага для акварели (3), планшет или папка с прищепкой (1) для набросков с натуры, салфетка или лоскуток, чтобы собирать лишнюю воду с кисти (4), бутылочка для воды (7). По желанию, любые жидкие материалы: тушь, соус, гуашь, белила. Мягкие материалы на выбор: пастель, уголь, сангина, карандаши, масляная пастель.

Что в итоге

Курс дает возможность почувствовать себя внимательным наблюдателем параллельной жизни и смелым ее творцом. Вы примерите на себя роль художника-анималиста и создателя фантастической фауны, востребованной в иллюстрации и дизайне. Вы научитесь рисовать знакомых животных и поймете, как рисовать незнакомых. Кроме того, мы гарантируем, что за этот месяц, проведенный за вдумчивым ежедневным рисованием и наблюдением натуры, вы натренируете руку и глаз, в целом заметно улучшив рисунок.

Кто будет преподавать

Ася Лисина, иллюстратор, закончила МАХЛ РАХ и ВГИК. Сотрудничает со Студией Артемия Лебедева, журналами и ТВ, самое любимое и благодарное направление — анималистика.

Примеры работ преподавателя

Работы студентов

Мнения выпускников

Ольга Дорошенко

Курс очень понравился, спасибо вам за такого сильного преподавателя! Ася умничка, она комментировала работы очень грамотно, объясняя плюсы и минусы — это очень полезно. Я начала больше рисовать, увидела свои белые пятна — чем заниматься, на что обращать внимание.

Забавные пушистики уже на «Горизонтуме» ! Это — курс по анималистике с , в котором она рисует животных акварелью. На основе двух мастер-классов Екатерина рассказывает, как сделать изображение в стремительной манере без подготовительного рисунка, a la prima, и поэтапный подробный классический разбор: от построения рисунка — до разработки изображения в цвете.

Отправной точкой для для создания образа будет… фотография.

Кто сказал, что нельзя работать по фотографии? Художник — творец своей реальности на листе бумаги и здесь ему позволено все. Екатерина рисует животных и по своим натурным зарисовкам и по фотографии. Как это сделать грамотно, так, чтобы показать характер зверя, придать ему реалистичность и выразительность? Что рисовать: что видим на фото или что знаем? В своем видео курсе Екатерина дает ответы на эти вопросы.

Творческий подход к живописи по фото заключается в том, что художник постоянно анализирует, что видит и добавляет к этому анализу то, что знает об объекте изображения. Так получается не срисованная картинка, а совершенно самостоятельный образ, для которого фотография — лишь исходная точка для замысла.

Этот курс формально состоит из дву мастер-классов, в которых создание изображения ведется по конкретным фотографиям — зайца и медведя. Но для других животных с густым мехом: лис, волков, оленей, белок, енотов, котов и собак — методика ведения работы будет такой же. Изучив этот материал, вы сможете рисовать акварелью своих любимых зверей как по фотографиям, так и по собственным рисункам с натуры.

Для кого этот обучающий курс?
Для всех любителей акварели, для тех, кто начал практическое освоение иллюстрации, для тех, кто любит животных и хочет научиться их рисовать, кто ищет возможности совершенствоваться в жанре анималистики и в целом — в изобразительном искусстве. А уж о том, что это приятный и полезный досуг — и говорить не приходится!
Уровень Ваших умений и знаний не имеет значения, урок подходит для детей от 12 лет и даже более юных, главное, уверенно держать кисточку!

Из первого мастер-класса вы узнаете как быстро создать образ, работая по мокрой бумаге и без всякого предварительного рисунка. Все, что необхоодимо для того, чтоб «ухватить» характерные черты объекта, и, конечно, подробности о подготовки бумаги, смешивании цветов, придания объема и остальной «классики» обучения живописные премудростям. Вы увидите, как из смешной каляки на бумаге получается «настоящий» заяц. Работаем на глаз, без рисунка и опасений, что не получится. Все получится! Не забудем про «живой» блестящий глаз, пятки и хвостик. Неспешная работа, местами размашисто-небрежная, местами ювелирно-точная, позволит вам прочувствовать природу акварельной краски и овладеть некоторыми приемами работы по-мокрому. Простой и доступный урок, чтобы нарисовать своего первого (и каждого следующего) зайца.

Второй мастер-класс посвящен созданию медведя. В данном случае медведь — это та модель, на основе которой Екатерина рассказывает о методике ведения работы от создания грамотного рисунка карандашом до разработки образа в цвете акварелью. Изучив этот материал, вы сможете создавать изображения и других зверей по этому принципу.

В первой части «Работа карандашом» основны компоновки рисунка в листе и построение тела животного.

Во второй части «Работа акварелью» — о красках и их подборе, о том, как изобразить светлые и темные места. О распространенных ошибках и способах их устранения. Что делать, если бумага идет волной? Что делать, если краска потекла «не туда»? Скорая помощь в ситуациях, когда акварель вас «не слушается».

Обычно звери носят густые меховые шубы. Особое внимание художница уделила способам написания шерсти: по-мокрому и по-сухому, как показать массу шести и отдельные шерстинки, какими инструментами работать. Так, например, в отдельном уроке вы увидите приемы получения темной ворсистой поверхности каллиграфической кистью.

Эта работа многослойная, прописываем один, два и более раз одну и ту же часть изображения. В заключение помещаем зверя в условную среду. Рисовать все окружение или не рисовать? Екатерина дает советы и на эту тему.

Ждем вас на курсе!

Материалы и инструменты

Весь курс длится более часа. Процесс освоения материала можно разбить на несколько частей. Если заяц рисуется на одном дыхании, в технике a la prima (за один раз), пока не высохла бумага, то второй мастер-класс рассчитан на длительную поэтапную работу.

Материалы и инструменты для этого курса:

  • бумага акварельная фирмы «Гознак» 270 г/кв. м., одна из самых распространенных в нашей стране,
  • лист пластика или оргстекла с гладкой поверхностью,
  • бумажный скотч для фиксации бумаги на поверхности,
  • акварельные краски фирмы «Невская палитра»,
  • кисти: широкая кисть (флейц), синтетика или колонок № 5, круглая кисть белка № 7-9, плоская синтетика, каллиграфическая,
  • простые карандаши HB или 2B.

Путь Екатерины в искусство начинался также, как у многих мальчиков и девочек, увлеченных рисованием: детство с карандашами и красками, потом художественная школа. В юности следует выбор, и Екатерина сделала его в пользу профессионального художественного образования. Три года курсов при Санкт-Петербургской художественно-промышленной Академии им. А. А. Штиглица, еще пять лет обучения в Санкт-Петербургской государственной Академии сервиса и экономики на кафедре дизайна костюма под руководством известного модельера Елены Бадмаевой, дали Екатерине солидную профессиональную базу как разностороннего художника.

После Екатерина работала художником-концептером в игровой индустрии: рисовала персонажей и интерьеры-локации (части игрового мира), для компьютерных игр. Работа в этой области требует от художника профессионализма на все 100. Спектр умений концептера должен быть велик, чтобы создавать персонажей в самых разных стилях, популярных в мире гейм-индустрии: это реализм и фэнтэзи, сай фай, аниме и другие.

В холдинге ALS Group, входящем в состав международного концерна Novomatic Group, где Екатерина работала, она руководила группой художников-отрисовщиков.

Количестве умений Екатерины постепенно росло вместе с новыми увлечениями. Интерес к искусству манга, японским комиксам, популярным во всем мире, привел ее к победе в конкурсе на аниме-фестивале Animazuri 2006 года. Затем последовало увлечение акварелью, и через некоторое время Екатерина предстала как сложившийся и интересный художник-акварелист.

Знания и умения каждого из нас нанизываются как бусины на нитку, дополняя и оттеняя уже имеющиеся навыки. Так и в творчестве Екатерины опыт в рисовании цифровой реальности, несомненно, сказался в акварельных работах. Ее акварели разнообразны по темам: это и пейзажи, и зарисовки интерьеров, мир вещей и цветов. Но особенно ей удаются именно персонажи: люди и звери. Ее работы — легкие и воздушные, совсем невесомые. Они — как будто случайно полученный результат в принятом в современном искусстве стиле скетча, быстрой зарисовки, под влиянием мгновенного впечатления.

Если говорить серьезным искусствоведческим языком, в настоящее время Екатерина увлечена анималистическим жанром в акварели, а если просто — вдохновенно рисует милых пушистых зверьков: по фото и с натуры, по памяти и по воображению. Медведи, лисы, олени, коты и белки, зайцы и волки — мир диких и домашних животных представлен в ее творчестве добрым и очеловеченным. Людям вообще свойственно приписывать животным человеческие качества, это особенно ярко проявляется в детских сказках. И милые пушистики Екатерины живут по законам человеческой и всегда счастливой жизни. Мамы-медведицы обнимают своих малышей-медвежат, робкие зайцы и хитрые лисы, мужественные волки и грустные олени — все они, как герои светлых детских фантазий.

Общеизвестно, что любой творческий человек пишет биографию своим творчеством. И в работах художников обычно «просвечивают» не только настроения момента, увлечения, но и факты биографии. Легко заметить, что в жизни Екатерины главная тема сейчас — воспитание детей, и добрые пушистики — органичная часть ее жизни.

Художница ведет очные занятия в Петербурге, а теперь они доступны и онлайн на «Горизонтуме». Мы с удовольствием представляем Вам мастер-классы Екатерины Логвиненко и надеемся, что они откроют новую волну увлечения этой прекрасной техникой среди друзей «Горизонтума».

Работы Екатерины Логвиненко

(еще больше в нашей

Как рисовать животных поэтапно карандашом

В этом разделе Вы узнаете, как рисовать животных поэтапно карандашом. Каждый этап рисования животного обозначен красным карандашом, а уже нарисованный синим цветом.

В мире животных!

Как рисовать животных? Легко, быстро и красиво! Что нужно для этого сделать, вы узнаете из наших уроков поэтапного рисования.

На сегодняшний день ученые насчитывают более полутора миллионов видов животных, открывая при этом до двадцати новых видов ежедневно! При условии, что огромный животный мир до сих пор не изучен до конца, можно себе представить, сколько на самом деле обитает на нашей планете разнообразных представителей фауны!

Есть совсем экзотические животные, такие как щелезуб, циветта, проехидна, копибара, или, к примеру, галаго, или вомбат. Их названия непривычны нам, не говоря уже об облике, который даже невозможно себе представить. Их мы пока не будем учиться рисовать, однако если интересно, можно узнать о них в интернете.

Начинать рисовать лучше с обычных, известных каждому ребенку практически с рождения животных, таких как:

  • кот
  • медведь
  • пантера
  • лиса

и других знакомых по картинкам и сказкам обитателей фауны. Наши уроки рисования поэтапно постоянно пополняются все новыми и новыми изображениями, поэтому со временем любому ребенку не составит труда быстро и легко изобразить каждого из этих зверей.

Дикие, или домашние?

Пушистые белки, симпатичные зайцы, преданные собаки, грациозные лошади, очаровательные еноты, суровые волки, розовые поросятки – все эти дикие и домашние животные по-своему прекрасны. Да и может ли быть иначе? Ведь их создала сама природа! И совершенно неважно, живут ли они в лесу, или радуют человека, принося пользу в хозяйстве – каждый из них обладает своим неповторимым обликом и характером. Тем более что все домашние животные были когда-то дикими и даже всеми любимые кошки пришли к человеку из необитаемых лесов и степей! А те, кого мы считаем неукротимыми хищниками, наоборот, вполне могут приспособиться к жизни около людей. Если вы сами придумаете для них свою, может быть сказочную историю, они смогут быть какими угодно – все зависит от вашей фантазии! Поэтому смело запасайтесь бумагой и карандашом и начинайте заселять свой собственный мир нарисованных животных какими угодно представителями фауны! Немного внимания – и на листе бумаги шаг за шагом начнут появляться знакомые очертания.

Как рисовать животных? Для того чтобы получить аккуратную картинку с изображением животного не обязательно быть опытным художником, ведь здесь действительно нет ничего сложного!

Читать далее