Техника рисования акварелью: методики художники картины

Натуральный состав акварелей — это растертый пигмент с природными клеящими веществами – гуммиарабиком, казеином или фосфопротеином молока, декстрином, медом, фенолом. Краску наносят с водой кистью на поверхности бумаги. Этот термин обозначает работы, выполненный в этой среде. Пигменты обычно прозрачны, но могут быть сделаны непрозрачными путем смешивания с белилами – в таком виде краски известны как гуашь.

Акварель отличается от других видов живописи многообразием технических приемов.
Невесомая легкая краска дает свежесть и светимость в каллиграфических мазках, что придает работам атмосферность и невесомость. Существует одна принципиальная разница между акварелью и другими средами живописи — ее прозрачность.

Художник наносит маслом один непрозрачный цвет на другой, пока не достигнет желаемого результата. Акварель – универсальное средство рисования, поскольку дает возможность воспроизводить все жанры, так как водная основа позволяет получать уникальные и непредсказуемые эффекты. Для абстрактного стиля случайные разбросанные акварельные мазки по мокрой бумаге помогают получить эффект размытия.

Акварельные краски на бумаге могут плавиться, растекаться, а смеси создают красивое сочетание цветов в живописи разных стилей.

Методики работы

Акварель является самой свободной формой живописи, благодаря ее прозрачной водной природе. Существуют определенные методики живописи для работы с акварельными красками, но самые популярные из них:

Дифференцированное размытие

Это основной способ работы художников, который достигается путем смачивания бумаги в определенной области и нанесения пигмента на поверхность сверху вниз. Применяется методика для массированного изображения неба, воды, луга и позволяет экспериментировать с различными оттенками. Бумага поднимается почти вертикально, и на влажной поверхности цвета растекаются во всех направлениях. Техника требует высыхания естественным путем.

Остекление

Это метод похож на размытие, но требует использования пигмента, который наносится на сухой лист. Метод фактически регулирует цвет и тон, идеальные цвета и переходы. Сушат каждый цвет отдельно, прежде чем применить следующий.

«Мокрым по мокрому»

Метод «A la Prima» представляет собой процесс смачивания бумаги перед нанесением пигмента. Для этого используют большую кисть или губку, чтобы равномерно распределить воду по листу акварельной бумаги. Техника создает прекрасные размытые формы и цвета, мягкие оттенки и переходы краски в работах.

«Сухая кисть»

Для рисования используется едва влажная жестковатая кисть с большим количеством краски по сухой бумаге. На неровной поверхности получается четкий жесткий выделенный след, гранулированные эффекты, аналогичные карандашному рисунку. Целые композиции делают таким способом, используя также для оживления тусклого фона.

Смывание

Процесс удаления краски после нанесения и полного высыхания. Область, которую необходимо изменить, сделать глубже цвет или придать объем, смачивают водой, промокают краску тканью. Техника создает сложные формы, линии, особенно, если применить полоски бумаги для маскировки областей с удаленным пигментом на картине.

Воздействие водой на краску

Когда нанесенная акварель на рисунке высыхает, можно чистой мокрой кистью капнуть воду на нужный участок для получения эффектов слоистости, растрескивания округлости, объема.

Лессировка

Это способ многослойного нанесения акварели от светлого тона в основе к более темному оттенку поверху. Акварель наносят прозрачными тончайшими мазками после высыхания предыдущего слоя работы. Результатом становится объемное изображение, где цвета не перемешиваются, а дополняют друг друга и позволяют видеть границу каждого слоя.

Автор Наталия Шевченко 

Процарапывание

Процарапыванием или удалением некоторых участком окрашенной сухой поверхности создают более светлые области одного тона.

Маскировка

Если требуется в процессе работы сохранить некоторые участки белыми, пользуются резерважем, то есть закрывают необходимые места маскировкой из парафина или воска, которые после полного высыхания работы убираю кисточкой или скатывают в шарик руками.

Добавление

Добавления другого цвета к влажной области живописи позволяет сливаться и разветвляться, создавая интересные иллюзии. Метод дает интересные и яркие цветовые градации, которые невозможно получить путем смешивания пигмента на палитре.

Известные художники

Некоторые известные художники, работающие с акварелью, часто применяли подобные эффекты в работы:

• Рафаэль Санти (1483-1520),
• Альбрехт Дюрер (1471-1528),
• Ван Дейк (1599-1641),
• Томас Гейнсборо (1727-1788),
• Джон Констебл (1776-1837),
• Пол Сандби (1725-1809).

Акварелисты учились пользоваться неожиданными результатами рисования. Величайшие мастера живописи практиковали спонтанность. Художники импровизировали, чтобы эффективно применять возможности акварели.

Английская школа

Классическая техника живописи была доведена до совершенства в Англии в восемнадцатом и девятнадцатом веках:

• Акварели применялись в серии прозрачных промывок, которые позволили свету отражаться от поверхности бумаги через слои цвета.
• Гуашь является еще одной формой водорастворимых пигментов. Пигменты смешивают с цинковыми белилами и получают непрозрачные слои при нанесении на поверхность.
• В качестве альтернативы, темпера включает соединение пигментов с казеином, производным молока, или яичным желтком в качестве связующего вещества.
• Еще одной формой водорастворимого пигмента являются синтетические полимерные краски, широко известный, как акрил – может использоваться как масляная краска. Но художники используют его в манере, повторяющей традиции акварели.

Акварель является традицией, имеющей собственную хронику в истории. Первобытный человек использовали пигменты, смешанные с водой для наскальных рисунков и наносил их пальцами, палками и костями. Древние египтяне использовали краски на водной основе для украшения стен храмов и гробниц и создали первые рисунки на папирусе.

Восточная школа

На Дальнем и Среднем Востоке первые акварельные школы имели индивидуальный стиль — китайские и японские мастера рисования на шелке и изысканной рисовой бумаге ручной работы. Их искусство было наполнено литературной аллюзией и каллиграфией. Но основной образ оставался типично созерцательным пейзажем, который стал центральным аспектом акварельных традиций в последующие века. В Индии и Персии применяли непрозрачные гуаши для религиозных изображений.

Средние века

В средние века, монахи Европы пользовались темперой для рисования манускриптов — книги считались важнейшей формой искусства и эквивалентом станковой живописи. Монахи переписывали святые тексты от руки на листах пергамента, изготовленных из овчины, телячьей кожи. Иногда целые страницы были украшены искусно подобранным завитками и символических образов.

Художники на протяжении веков готовили акварели, темперу, гуашь сами и тщательно хранили рецепты. Но поверхность в акварельной живописи играет немаловажную роль. Текстура является очевидным и важным элементом в работе.

Физическую текстуру можно чувствовать рукой. Слои краски, скользкая гладкость мягкой пастели, наслоение коллажей изменяют фактуру поверхности бумаги.

Иллюзия текстуры

Визуальная текстура – это иллюзия физической текстуры, созданная материалами для рисования. Краска создает впечатление текстуры, в то время как поверхность бумаги остается гладкой и ровной.

Традиционная прозрачная акварель создает физическую и визуальную текстуру, кроме шероховатости на бумаге — иллюзии получают вид японской рисовой бумаги, гипса, грубых мазков пастели, полотняных переплетений. Текстурированная акварельная бумага влияет на картину, поэтому необходимо связывать сюжет и тип поверхности. Лакирование защищает картину и сохраняет для будущих поколений.

4. Базовые техники акварели. — carminum — LiveJournal

Я хотела бы тему сегодня посвятить базовым техникам акварели. Может быть, с этого стоило и начинать, хотя, думаю, большую часть того, о чем пойдет сегодня речь. Вы уже интуитивно нащупали. Но все же давайте поговорим о

Вообще, акварель – краска своенравная, и все равно, как ни старайся, после высыхания она будет выглядеть не так, как до. Наверное, именно этим она и интересна.

Вы уже обращали внимание, что при заливке пятна краска стремится собраться по краям, создавая контуры. Эти контуры после высыхания краски исправлять крайне нежелательно, они порождают грязь и разводы. Что делать? Регулировать количество воды, в зависимости от поставленной вами задачи. Кстати, если краска еще не высохла, излишки можно снять, легко прикоснувшись еле влажной кистью, салфеткой, смягчить водой.

В результате нанесения заливки можно сформировать на всей поверхности бумаги непрерывный, бледный тон, который действует в качестве объединяющего цвета заднего фона для последующих накладываемых заливок. С другой стороны, заливка может содержать тональные градации — от светлых до темных или от темных до светлых — для обозначения, например, постепенно светлеющей тональности небосвода в направлении линии горизонта. Заливки могут модифицироваться в результате добавления чистой воды с помощью губки или удаления краски различными способами, а также нанесения красок поверх замаскированных участков. Внешние характеристики заливки зависят от нескольких факторов, таких, как тип пигмента, способ нанесения, природа и свойства бумажной поверхности и, кроме того, степени влажности основы перед нанесением заливки.

Потренируйтесь выполнить заливки. Для этого возьмите лист бумаги А4 (альбомная), можно самую простую, разведите краску (очень важно краски разводить даже с запасом, если вдруг заканчивается нужный замес, подобрать очень точный крайне сложно), широкой кистью покройте все пространство листа одним цветом. Постарайтесь добиться ровного цвета, без полосок. (Практическое задание 1).

Помните, что при высыхании тональность заливки слегка осветляется по сравнению с ее тоном в момент нанесения. Глубину тона можно оценить непосредственно перед нанесением заливки на рабочую поверхность: просто обработайте краской небольшой кусок бумаги и быстро высушите его с помощью фена.

Другая не менее интересная техника акварели — рисование мокрым по мокрому. Для этого возьмите лист бумаги А4, влажной губкой легко смочите его (равномерно) и попробуйте выполнить заливку всего листа. Так уже интереснее, правда? Теперь попробуйте капнуть где-нибудь каплю краски другого цвета, посмотрите, как она себя ведет. Помогите ей кистью, постарайтесь ее аккуратно смешать с фоновой краской. Этот метод вполне приемлем в рисовании, зачастую мы смешиваем краски уже непосредственно на рисунке.

Такой способ работы позволяет получить легкие, прозрачные цветовые оттенки с мягкими переходами. Особенно успешно этот метод используется в пейзажной живописи.

Техника A la Prima. Это живопись по-сырому, написанная быстро, в один сеанс, при которой создаются неповторимые эффекты разводов, переливов и перетеканий краски.

Попадая на влажную поверхность бумаги, краска растекается по ней неповторимым образом, делая картину легкой, воздушной, прозрачной, дышащей. Не случайно, работу, выполненную в такой технике, практически нельзя скопировать, так как каждый мазок по мокрому листу уникален и неповторим. Сочетая различные цветовые комбинации с многообразием тональных решений, можно добиться удивительных переливов и переходов между тончайшими оттенками. Метод а-ля прима позволяет сохранить максимальную свежесть и сочность рисунка.

Интересен способ работы по фрагментарно увлажненному листу, когда он смачивается не полностью, а лишь в некоторых конкретных местах. Длинный мазок, захватывающий как сухие, так и влажные области бумаги, приобретет неповторимые очертания, соединив, при своей общей непрерывности, четкие контуры в сухих местах с «растекшимися» в увлажненных. В будущем я обязательно сделаю обзор по мастеру такой акварели, Константину Куземе.

Источник

Посмотрите, пожалуйста, как он работает:

Просачивание воды в заливку. Поле завершения заливки добавляется небольшой объем воды с помощью чистой кисти. Вода оказывает немедленное и непосредственное воздействие на характер заливки по мере проникновения в структуру ее краски. В результате появляются эффекты, похожие на облака. Очень желательно делать этот эффект, когда заливка уже подсохла, но еще не высохла окончательно.

Многослойная акварель (лессировка). Лессировками называется способ нанесения акварели прозрачными мазками (как правило, более темные поверх более светлых), один слой поверх другого, при этом нижний всякий раз должен быть сухим. Таким образом, краска в разных слоях не смешивается, а работает на просвет, и цвет каждого фрагмента складывается из цветов в его слоях. При работе в этой технике можно увидеть границы мазков. Но, так как те прозрачны, это не портит живопись, а придает ей своеобразную фактуру. Мазки выполняются аккуратно, чтобы не повредить и не размыть уже высохшие живописные участки.

Смывание
Мы можем создать целый ряд выразительных эффектов, используя технику смывания (смывки) высохшей краски, нанесенной на поверхность бумаги ранее. Большинство видов бумаги, как и. собственно, сами краски, по разному отзываются на технику смывания.

Смывание часто используется в течение процесса живописи для формирования дополнительных тонов и создания в акварельной работе ощущения пространственной глубины. Смывание, как правило, выполняется на относительно тяжелых видах бумаги, способных противостоять процессам повторного увлажнения, выскабливания и очередного нанесения краски.

Попробуйте на листе А4 (третье учебное задание) сделать однородную заливку (достаточно густо), дождитесь высыхания. Далее быстро смочите лист, и крупной, желательно жесткой, едва влажной кистью, попробуйте смыть часть краски, чтобы сделать рисунок облака.

Очень важно использовать эту технику только при работе с очень хорошей бумагой, плотной и качественной. Хотя для учебной работы можете хорошую бумагу, конечно пожалеть.

Процарапывание. Зачастую на залитом пространстве нужно создать более светлые области, мы можем использовать эффект процарапывания – когда ножом процарапываются (очень аккуратно!) нужные местах.

Резерваж – это часть листа, которая сохраняется белой в процессе живописи. Добиться этого в акварели мы можем двумя путями – либо изначально помечаем эти места и в процессе старательно обходим их, либо заполняем их специальной маскирующей жидкостью, а после завершения работы – удаляем ее. Маскирующие жидкости могут использоваться практически на любой стадии развития картины, препятствуя попаданию краски на закрытые ими участки. Крайне важно при их использовании работать ненужной кистью – они очень быстро убивают кисти, и дождаться полного их высыхания на листе. По окончании работа резерваж просто скатывается пальцем. В качестве маскирующей жидкости можно использовать воск, парафин, восковые мелки, но они уже с работы не снимаются.

Домашнее задание.
1. Выполните три практических задания, указанные в тексте.
2. Сделайте таблицу смешивания красок. Для этого расчертите большой лист бумаги сеткой, в которой будет столько же столбцов и строк, сколько есть красок в Вашем наборе, и поочередно заполните столбцы и строки по очереди всеми красками из вашего набора. В результате Вы получите что-то похожее. Это упражнение выполнять не обязательно, но крайне желательно, оно важно для изучения свойств ваших красок.

3. Учебное. Найдите три красных предмета и кусочек ткани красного цвета (либо любого другого цвета, но чтобы и предметы, и ткань и ткань одновременно), поставьте натюрморт с драпировкой – так, чтобы ткань легла складками, а предметы частично перекрывали один другой и нарисуйте этот натюрморт.
4. Творческое. Нарисуйте рисунок по выбранной творческой теме.

Прошу показывать мне только учебное задание и творческую работу. Рисуйте несколько вариантов, но выкладывайте, пожалуйста, мне только один – самый лучший на ваш взгляд.

18 акварельных техник, которые пригодятся каждому художнику

Акварель позволяет получить множество различных результатов. Акварель – это техника живописи, в которой используются краски, образующие взвесь из пигмента при растворении в воде. 

Несмотря на то, что эта техника используется уже почти тысячу лет, освоить ее не так уж и просто. Однако, есть множество секретов, которые могут вам помочь. Картина, созданная при помощи акварельных красок, как бы «светится», поскольку акварель позволяет свету отражаться от бумаги. 

Попробуйте улучшить свое мастерство, используя описанные ниже советы.

1. Купите разные кисти

Запаситесь разными кисточками. Ваш выбор будет зависеть от размера площади рисунка, который необходимо закрасить. Те, кто работает с небольшими элементами, используют кисти от 000 до 6. Поэкспериментируйте с разными размерами кисточек, чтобы выбрать наиболее удобные, но всегда имейте в запасе кисти поменьше. Они пригодятся для небольших деталей в процессе создания рисунка. 

2. Приобретайте качественные краски

Покупайте качественные акварельные краски. Они будут дольше храниться и не пожелтеют со временем. В специализированных магазинах для художников и в Интернете представлено множество различных марок. Очень популярны краски Holbien и Winsor&Newton. Но лучше приобретите несколько цветов разных фирм и выберите, какая вам больше понравится. Не покупайте слишком много: получить различные оттенки можно, используя ограниченную палитру.

3. Попробуйте рисовать сухими и разбавленными красками

Акварельные краски подразумевают использование воды. Однако, рисовать можно как разведенными водой красками, так и «сухими». В зависимости от количества воды, которое вы добавляете в краску, можно регулировать насыщенность цвета.
Способы рисования акварелью делятся на «сухие» и мокрые». Вы можете поэкспериментировать с каждым из них и выбрать, какой вам больше понравится. К примеру, рисование «сухим» по «мокрому» позволяет добиться большего контроля над краской.

4. Начинайте работу с нанесения светлых тонов

Еще один важный момент в акварельной технике заключается в том, что начинать работать следует с покрытия светлых участков. Это означает, что все светлые или белые оттенки на протяжении последующей работы остаются нетронутыми. Применение такой техники требует тщательного продумывания, но полученный результат того стоит. 

5. Используйте бумажные полотенца

В этой технике важным инструментом работы является бумажное полотенце. Нанесите краску, а затем смажьте ее бумажным полотенцем: так вы получите плавный цветовой градиент и добавите слоистость. Также, бумажные полотенца хорошо использовать для исправления ошибок.

6. Используйте технику разбрызгивания акварели

Еще один интересный трюк, чтобы добавить немного жизни в работу – разбрызгивать акварель кистью. С помощью этой техники можно изобразить водные брызги или пыль.

Держите кисть между большим и средним пальцами. Используя указательный палец, проведите им по кисточке снизу вверх. Обязательно попробуйте этот способ нанесения краски, хотя результат зачастую бывает непредсказуем. 

7. Смешивайте цвета на бумаге

Хороший способ смешивания оттенков на бумаге — градиентная размывка. Добавьте большое количество воды в краску и нанесите на бумагу. Пока она не высохла, добавьте другой цвет с таким же количеством воды. Перемешивайте цвета в необходимом вам порядке. После того, как краски высохнут, вы сможете заметить плавный переход цветов.

8. Работайте с текстурами

Можно отметить, что использование грубой бумаги при рисовании акварелью имеет свои преимущества. Одним из очевидных плюсов является минимум усилий при передаче текстуры. Тем не менее, необходимо научиться передавать текстуры объектов, используя светлые и темные оттенки, а также сухую и влажную кисть.

9. Используйте цветовую растяжку

С помощью техники растяжки цвета можно придать рисунку форму или указать на направление света. Нанесите насыщенную цветом краску сухой кистью. Пока краска не высохла, возьмите влажную кисть и размажьте по бумаге. Площадь закрашенной области будет зависеть от насыщенности начального мазка. 

10. Используйте наложение цветов

Поскольку акварельные краски достаточно прозрачны, чтобы добиться нужной насыщенности, необходимо наложить несколько слоев. вам нужно постепенно наращивать цвет. С использованием наслаивания краски можно смешивать разные цвета прямо на бумаге. 

Нанесите на бумагу один цвет. Позвольте ему высохнуть, а затем нанесите поверх краску другого оттенка. В месте наложения красок вы увидите совсем другой тон. 

11. Лессировка

Лессировка — это акварельная техника, также используемая в масляной живописи для создания постепенных цветовых переходов. Наносите краску в несколько слоев, добиваясь нужного оттенка. Не перестарайтесь, иначе получится мутное пятно. 

12. Стирайте краску

Иногда может понадобиться «стереть» акварель. Полностью удалить краску и получить белую бумагу не получится, но вы можете исправить ошибку или отрегулировать освещение. Нанесите немного воды на уже высохший рисунок и оставьте ее на минуту. Затем удалите воду бумажным полотенцем. Вы увидите, как участок стал намного светлее.

13. Соль для создания текстуры

Акварель характеризуется многослойностью и различными текстурами. С помощью обычной соли можно получить очень интересную эффект с минимумом усилий. Кристаллы соли поглощают воду и пигменты краски, оставляя при этом различные узоры. Посыпьте рисунок солью, пока краска все еще влажная. Оставьте до полного высыхания и стряхните соль. Такая техника применяется для получения натуральных текстур, таких как камни или кора деревьев. 

14. Используйте губку

Еще один помощник для нанесения акварельной краски – губка. Просто смешайте краску в плоской тарелке, опустите губку в краску и прижмите к бумагеС помощью изменения влажности краски, можно добиться различных эффектов. Более сухая смесь подходит для изображения чешуйчатой кожи или растений, в то время как влажная используется для рисования водных пейзажей или облаков.

15. Используйте негативное пространство

Продумывайте свой рисунок заранее. Перед тем, как наносить краску, подумайте о том, где будут располагаться белые и светлые предметы. Контролируйте кисть, когда будете заполнять контур негативного пространства. Возьмите кистью не слишком жидкую акварель и сделайте мазок на границе области, которая останется незакрашенной. Затем растяните цвет.

16. Используйте клейкую ленту

Вы можете использовать скотч для маскировки областей, которые вы хотите оставить белыми. Этот метод используется при наличии в рисунке элементов с четкими краями: машины или архитектура. Просто приклейте кусок скотча туда, где хотите оставить бумагу белой или создать четкий контур. 

Используйте строительный скотч или скотч для художников, иначе есть риск повредить лист бумаги. Закрашивайте область вокруг скотча, можете также рисовать по нему. Когда краска подсохнет, просто медленно снимите скотч. На рисунке останется ровная и прямая линия. 

17. Для набросков используйте карандаш твердостью 2Т

Используйте карандаш твердостью 2Т для эскизов: так его контуры не размоет водой. для обеспечения того, чтобы мой рисунок рисования выдержал воду от живописи. Кладите краску слоями светлого оттенка кистью среднего размера. Если краски сильно разбавлены водой, то нужный оттенок получится не сразу.

18. Используйте темные оттенки для мелких деталей

Не поддавайтесь искушению использовать темные краски, пока не дойдете до завершения картины. Поскольку акварельная живопись довольно прозрачная, убедитесь, что вы не слишком затемняете светлые участки. 

Автор: Brynn Metheney

 

Поделиться статьей:

 

8 способов акварельной живописи

Чаще всего многослойная акварельная живопись — это живопись с предварительным общим или моделирующим тоном, в некоторых случаях называемым подмалевком, поверх которого художник постепенно накладывает прозрачные слои краски, достигая определенной световой силы. В такой традиционной для русского искусства ХVIII-XIX веков манере работали и мастера Италии, Франции, Германии, Испании и, конечно, Англии, а в последствии и советские художники.

Способ М. А. Врубеля

Этим способом пользовались многие мастера конца ХIX века. Это — П. П. Чистяков, И. Е. Репин, В. И. Суриков и многие другие. Но свое наиболее полное и последовательное воплощение он нашел в работах М. А. Врубеля. Как правило, это акварели небольшого формата, по словам самого М. А. Врубеля, размер «с почтовую открытку», а также 20х30 см, 30х40 см и очень редко большого размера. Некоторые работы П. П. Чистякова и И. Е. Репина имеют приблизительный размер современного листа ватмана. Попробуем теперь на основе воспоминаний, исследований, писем М. А. Врубеля и, конечно, самих акварелей представить возможную

Последовательность работы этим способом.

1. Твердым карандашом на хорошо проклеенной бумаге средней или мелкой зернистости в зависимости от размеров работы выполнить подробный, строгий рисунок с изображением внешних и внутренних контуров объектов, а также бликов, полутонов, теней как собственных, так и падающих, границ цветовых пятен, складок тканей, орнаментов и т.д. Примером может служить незавершенный портрет Н. И. Забелы-Врубель 1904 года, на котором М. А. Врубель успел сделать несколько мазков на прическе и головном уборе, предоставив таким неожиданным образом возможность увидеть практически целиком этот удивительный подготовительный рисунок.

2. Изображаемые объекты прокрыть общим локальным цветовым тоном в 1/3,½, цветовой силы, светлоты. Оставить непокрытыми блики и другие светлые места. Подчеркнуть разницу в цвете между предметами или их частями.

3. По высохшему предварительному слою нанести отдельные цветовые плоскости изображаемого объекта в полную силу, создавая некую цветовую мозаику, переходя от более крупных заливок к более мелким. Там, где цветового тона недостаточно, покрыть последующие цветовые слои по высохшим предыдущим. И так до завершении работы, которая должна представлять собой объект, состоящий как бы из граней, площадок, по-разному расположенных в пространстве.

4. На данном этапе возможны некоторые размывки кистью, смягчающие резкие края некоторых заливок. Размывки могут обобщить отдельные участки работы, а также ослабить цветовой перегруз в случае ошибки. После высыхания данного участка на него можно нанести нужный цветовой тон. Иногда используются в качестве приема мелкие точки и штрихи, чтобы довести до нужного тона небольшие цветовые участки. Таким образом заполняются и мелкие промежутки между отдельными заливками. Образцами такой последовательности работы акварелью являются ранние работы М. А. Врубеля: «Натурщица в обстановке Ренессанса» 1883 года, «Портрет старушки Кнорре за вязанием» 1883 года, натюрморт «Ткани» 1884 года, незаконченный портрет В. Е. Ершовой 1880-х годов, в котором благодаря незаконченности можно многое увидеть.

К сказанному следует добавить, что этот способ можно дополнить еще одним приемом в начале работы после выполнения рисунка. На лист бумаги нужно нанести слабый цветовой тон акварели, соответствующий общему тону изображаемой постановки, что придает работе особый цветовой настрой и обобщает ее.

Способ П. Сезанна.

Название способа указывает на его происхождение. Известно что, Поль Сезанн, помимо масленой живописи, охотно и очень успешно писал акварельными красками. Сохранились очень интересные акварели художника. Одни написаны двумя цветами: сине-пепельными и охрой красной. В других он немного расширяет свою палитру до трех цветов — зеленого, охры, красной и желтой, оставляя как основу сине-пепельный цвет.

В своих работах Сезанн опирался на один из трех принципов Поля Синьяка, который заключался в том, чтобы никогда не накладывать одну краску на другую, так как любой положенный поверх другого тон выцветает. Но в последние годы П. Сезанн, продолжая страстно увлекаться акварелью, писал совершенно по — другому. Он перекрывал один цвет другим, затем третьим и так далее, используя при этом основные цвета — синий, красный, зеленый и желтый, примешивая к ним в небольшом количестве черный цвет, с помощью которого делал незначительные штриховые акценты поверх мазков.

Самое главное, что П.Сезанн не смешивал основные цвета между собой, а использовал как бы принцип наложения друг на друга цветовых стекол. Вот что писал об этом Эмиль Бернар в 1904 году: «Он начал с легкой тени, наносил пятно, покрывал его другим, большим пятном, затем третьим, пока все эти цветовые градации, перекрывая друг друга, не вылепливали цветом форму предметов». Художник работал над всей композицией, касаясь то первого, то второго плана, то неба, а когда возвращался к тому или иному участку, новое положение краски не смывало предыдущий слой. Прозрачность акварели сохранялась.

Трудно сейчас сказать с уверенностью, кто наряду с П. Сезанном мог использовать этот способ, так как многие его современники работали, стараясь не перекрывать один чистый цвет другим. Так или иначе, описанный способ просматривается в работах художников конца XX века.

Поль Сезанн. Акварельный автопортрет

Последовательность работы этим способом следующая.

1. На лист бумаги нанести свободный рисунок графитным карандашом средней мягкости без использования ластика. Ошибочные линии, если они не столь интенсивны, можно оставить на бумаге, они дополнят будущий цветовой слой некоторой игрой линий.

2. Нанести цвет, начиная с синего, на тех участках, где он может присутствовать в той или иной степени. Мазки следует делать небольшие, по форме предмета, прозрачные, легкие. Затем нужно нанести остальные цвета один за другим в любой последовательности, например красный, зеленый, желтый. Важно, что переход от более светлых тонов к более темным был постепенным. К чистым цветам в небольшом количестве можно добавить черный цвет. Перекрывание одного цветового пятна другим может быть неполным, т. е. чтобы предыдущий цвет кое-где просматривался в чистом виде. В этом приеме заключается особая цветовая прелесть способа.

3. На данном этапе нужно сделать цветовые акценты с использованием черного цвета, подчеркивающие форму изображаемого предмета или объекта. В работе этим способом можно использовать вместо чистых ярких цветов земельные цвета, например охру светлую, охру красную, а к ним добавить окись хрома, голубую ФЦ и черную. Интересная работа может получится, если карандашный рисунок сделать каким — нибудь цветным карандашом, например синим, зеленым или любым другим; важно, чтобы он был хорошо заметен на бумаге.

Классический способ

Классический способ, который в некоторых искусствоведческих работах называют «нарочитым», не свойственным акварельной живописи, активно применялся акварелистами ХIХ века в портретной живописи при моделировке лица, при изображении тканей, интерьеров, на отдельных участках фона и иногда в пейзаже.

В настоящее время этот способ никто практически не применяет, очевидно из-за его трудоемкости. В начале ХIХ века способ широко применяли такие мастера, как П. Ф. Соколов, К. П. Брюллов, В. И. Гау, и многие известные и неизвестные художники. Данным способом в основном выполнялись миниатюрные акварельные портреты, но есть также и сюжетные сцены, и интерьеры.

Последовательность работы можно представить таким образом.

1. На лист акварельной хорошо проклеенной бумаги с небольшой зернистостью нанесли строгий неяркий рисунок твердым карандашом достаточно подробно.

2. На изображаемый предмет или объект нанести общий цветовой фон, соответствующий светлым участкам, за исключением бликов и светлых пятен, где бумага должна оставаться пока не тронутой цветом.

3. После высыхания первого слоя нанести последовательно друг на друга следующие слои-заливки, начиная со светлых полутонов и заканчивая самыми темными участками, собственными и падающими тенями. Края отдельных слоев — заливок не должны быть размыты. Каждый последующий слой нужно наносить на хорошо просушенный предыдущий. Таким образом, изображение доводится до неполной степени законченности, когда можно еще нанести примерно 1-2 слоя.

4. Острым кончиком тонкой кисти (возможно это современные №1, 2) на поверхность просохшего изображения или какой то его части нанести штриховой слой акварели, аналогичный карандашному или первому рисунку. Этот слой смягчает резкие края отдельных заливок, моделирует форму, доводит изображение до законченного состояния по светлоте и цветовой насыщенности и создает ощущение материальности изображаемого. Наносимый штриховой слой, в котором штрихи могут пересекаться, накладывая друг на друга, может быть как одного цвета (обобщающего), так и разных цветов, в зависимости от состоящих перед художником задач. Например, художники XIX века при моделировке лица на предварительный золотистый тон в светлых местах наносили розоватые штрихи, а в теневых — синеватые.

Достоинство такого приема заключалось в его особой пластической выразительности, что позволяло «не замылить» форму и не сделать ее грубой. Это требовало большого мастерства.

Способ А. В. Фонвизина

Рассматриваемый способ акварельной живописи назван по имени замечательного художника Артура Владимировича Фонвизина, работавшего в удивительной, неповторимой манере. И хотя существует мнение, что Фонвизин традиционен в своих работах, его скорее всего можно отнести к тому обстоятельству, что художник не пользовался белилами, не примешивал к акварели гуашь, т. е. был традиционен в чистой акварели. В остальном его работы носят глубоко индивидуальный характер.

Можно было бы именно по этой причине не рассматривать его способ акварельной живописи, если бы не множество последователей, а точнее подражателей среди последующих поколений художников, особенно современных молодых акварелистов. Некоторые художники и искусствоведы считают, что Фонвизин исполнял свои акварели по влажной поверхности бумаги. Это неверно. Художник не работает на предварительно смоченной бумаге, когда он целиком зависит от капризов растекающейся по мокрой бумаге краски. Сохранились воспоминания современников художника, его моделей, наблюдавших за работой мастера. Можно внимательно посмотреть, и не один раз, на его работы в Третьяковской галерее и на различных выставках.

А. В. Фонвизин писал на ватманских листах ГОЗНАК ручной работы с небольшой зернистостью, прикрепляя бумагу к планшету кнопками, след от которых так и остался на работах. Похоже, автор не делал подготовительного рисунка карандашом, а начинал рисовать тоненьким кончиком кисти, намечая только незначительные контуры изображаемого, о чем свидетельствуют незаконченные работы. В прочем, эта незаконченность скорее производит впечатление особой лаконичности, присущей его работам. Затем, набрав крупной кистью большое количество воды с краской, он мягко втирал ее в поверхность бумаги, добавляя другие цвета для получения необходимого сложного тона, т. е. получалась своеобразная палитра на самой работе.

С большим мастерством художник управлял широкими цветовыми потеками с помощью кисти, чередуя темные и светлые участки, оставляя порой почти нетронутой бумагу. Кое-где художник вносил цветовые акценты на высохшей поверхности предыдущего слоя, порой совсем незначительные, почти точки, чтобы подчеркнуть форму или цветовое пятно. В портретах чаще всего акцентируются глаза и губы.

В некоторых работах видно, как художник, взяв активный цвет, который на первый взгляд выбивается из общего тона листа, наносил на его поверхность широкий мазок трепетным движением кисти.

В поздних работах А. В. Фонвизин слегка размывал некоторые цветовые участки, сочетая их с четкими заливками, а также накладывал несколько слоев цвета друг на друга. Однако его работы не производят впечатления многослойной акварели, они сохраняют удивительную свежесть, прозрачность и светоносность.

Артур Фонвизин «Букет»

Способ К.П. Брюллова

Основой способа является подмалёвок, выполненный в холодный тонах. Название способа говорит само за себя.

Как известно, К. П. Брюллов был виртуозным акварелистом, овладевшим в совершенстве этой техникой, использовавшим в своих работах разные изобразительные приемы. Мастерство художника можно видеть в его однотонных и многоцветных сюжетных работах. Тем не менее во многих портретах просматривается способ, в котором он ограничивает свою красочную палитру, выполняя в начале с помощью синей и черной красок подмалевок, расцвечиваемый затем с помощью охры желтой и охры красной.

Надо отметить, что похожим приемом пользовались и другие русские художники. Вспомним пейзажные работы М. Н. Воробьева и особенно большую группу акварелей А. А. Иванова, в которых он прокладывает по сути дела одни голубые холодные тени, решая таким образом задачу передачи пространства и воздушной перспективы. Подробнее работы можно встретить у П. Сезанна, который спустя шесть десятилетий так сформулировал свою позицию в письме к Э. Бернару от 15 апреля 1904 года: «…природа для нас, людей, — это скорее глубина, чем плоскость: отсюда необходимость ввести в наши световые ощущения, передаваемые красными и желтыми цветами, достаточное количество голубого для того, чтобы чувствовался воздух«.

По-видимому, те же задачи ставил перед собой К. П. Брюллов еще в начале ХIX века, добиваясь передачи воздушной среды и пространства в сюжетной и портретной акварельной живописи и приходя к еще более цельному цветовому решению. Мы имеем удивительную, редкую возможность увидеть в начале XXI века замечательный портрет Г. Н. и В. А. Олениных среди атрибутов архитектуры на фоне римского пейзажа, а также женских портретов, выполненных мастером способом, о котором идет речь.

Из сказанного можно заключить, что этот способ применим в пейзаже, а также в портретных работах. Им можно писать натюрморт, когда натурная постановка составлена из предметов классической формы в сочетании с гипсовыми слепками на фоне драпировок холодного тона, т.е. когда предметы имеют не яркую цветовую насыщенность, когда можно передать пространство и воздушную среду. Способ можно также использовать для изображения интерьера.

Идеальный курс для новичков!

Учимся работать сразу с 5-ю художественными материалами,

Попробуем представить последовательность работы данным способом.

1. На лист хорошо проклеенной бумаги с фактурой средней или мелкой зернистости нанести строгий, подробный рисунок твердым карандашом таким образом, чтобы на бумаге было четкое изображение. Однако не должно быть углублений, которые может оставить твердый карандаш и которые будут видны сквозь слой акварели.

2. С помощью синей (в нашем случае это голубая ФЦ) и черной красок выполнить подмалевок в технике гризайли, доведя работу до некоторого незавершенности. Красочные слои накладывать друг на друга по высохшей поверхности последовательно от светлых к темным.

3. Используя охру светлую и охрану красную (можно также сиену жженую и английскую красную), довести работу до законченного состояния. При этом желтая краска, перекрывая синюю, дает зеленоватые оттенки, красная — фиолетовые, желтая и красная — оранжевые, а вместе все дают коричневые оттенки. На участках, где нет синего цвета, желтый и красный «звучат» в полную силу. При этом в незначительном количестве можно подмешивать черную краску.

4. На данном этапе в работу можно внести цветовые и тональные акценты (с небольшим количеством черного цвета), а также незначительные исправления в виде легких размывок. Впрочем, лучше к этому в данном случае не прибегать. В современной акварельной живописи этот способ практически не встречается.

Иллюстративно-декоративный способ

Этот способ, часто применяемый в современной иллюстративной графике, а также при выполнении декоративных работ, основан на одноразовом нанесении акварельного красочного слоя на определенный участок изображения со строго обозначенными границами. Все цветовые оттенки на данном участке должны плавно перетекать один в другой.

Такие работы выполняются в условиях мастерской на основе собранного этюдного материала с натуры с предварительным карандашным эскизом в натуральную величину. Прекрасной темой для данного способа кроме иллюстрации являются композиции из цветов, всевозможных овощей и фруктов, словом, все то, что принято называть дарами природы, в сочетании с предметами быта.

Гораздо реже это способ используется в пейзаже и практически не применим в портрете из-за своеобразных, порой неожиданных, цветовых заливок.

Последовательность работы иллюстративно-декоративным способом:

1. Необходимо хорошо продумать и выполнить в натуральную величину графитным карандашом эскиз предстоящей работы. На эскизе четко обозначить все будущие цветовые участки, определяемые характером композиционного построения изображения. При этом цветовыми участками могут быть как отдельные предметы, так и их части, на которые затем можно нанести акварель в полную силу с одного раза.

2. На данном этапе выполняется основная цветовая часть работы. Насыщенным красочным слоем, вводя в него последовательно все необходимые цветовые оттенки, плавно переходящие друг в друга, нужно покрыть прорисованный по контуру участок изображения. Заливку следует выполнять кистью мягко, с достаточным количеством воды по всей поверхности участка, не допуская высыхающих пятен. Вторичные нанесения краски всевозможные исправления не желательны, а порой и не допустимы, так как полученный цветовой участок должен выглядеть свежо, сочно, переливчато. В этом заключается весь смысл данного способа. После того как прописанный участок полностью просохнет к нему приписывается другой и так далее до полного завершения работы. При этом планшет также можно отклонить в разные стороны, направляя красочный слой в нужном направлении.

3. Изображенная композиция хорошо воспринимается декоративным силуэтом на фоне белого листа бумаги. Но, по желанию, можно ввести цветовой фон — как темный, так и светлый. Для этого необходимо выбранным в качестве фона цветом с помощью небольшой кисти обвести изображение контуром толщиной от 0,5 до 1 см. Мелкие промежутки фона следует запомнить целиком.

4. Расположить работу горизонтально и большой кистью покрыть фон вокруг обозначенного контура, добавляя активно краску и воду, размывая четкость контура с наружной стороны. Красящий слой может растекаться неравномерно, меняя свою интенсивность, плавно сходя на нет в некоторых местах, образуя своеобразные перламутровые заливки. После этого работа должна находиться в горизонтальном положении до полного высыхания.

Иллюстративно-декоративный способ можно назвать современным, поскольку в настоящее время этим способом работают многие художники — иллюстраторы и станковисты, желающие придать своим работам декоративный характер. Впрочем, отдельные признаки способа можно заменить в иллюстрациях таких мастеров прошлого, как В.М.Васнецов и И.Я. Билибин, а также в некоторых станковых работах В.М. Конашевича. Очень ярко, полно, наглядно технические приемы этого способа нашли выражение в декоративных работах эстонской художницы М.В. Лейс, выполненных в конце ХХ века. Ее работы удивляют своей оригинальной динамичной композицией, цветовой культурой и графической изысканностью. И не случайно иллюстративно-декоративный способ акварельной живописи нашел отклик в творчестве молодых художников-акварелистов.

Работа по сухой поверхности бумаги.

При этом способе поверхность бумаги не смачивается перед началом работы цветом, как при первом способе. Живопись ведется отдельными участками или, как говорят художники, «от куска».

Участки приписываются друг к другу. Бумага для работы может иметь как ярко выраженную зернистую структуру, так и не очень заметную. Хорошо подходят листы не сильно проклеенные. Художники-акварелисты называют эту бумагу «мягкой». Такой способ акварельной живописи очень хорошо подходит для учебных краткосрочных заданий. Он используется также многими профессиональными художниками для решения творческих задач. Прекрасным примером применения этого способа живописи являются работы замечательного мастера акварели А.П. Остроумовой-Лебедевой, которые можно видеть в собрании Государственной Третьяковской галереи и в различных учебниках по акварельной живописи.

Последовательность работы по сухой поверхности бумаги такова:

На лист бумаги нанести более подробный рисунок, чем при первом способе. Если работа не с натуры на природе, желательно сделать рисунок с предварительно выполненного эскиза, чтобы не испортить ластиком поверхность бумаги, исправляя ошибки.

Затем лист прикрепить к планшету. Акварельную краску взять кистью большого размера в полную цветовую силу с некоторым запасом на пожухание, с активным набором воды и нанести на поверхность бумаги, заполняя цветом определенный «кусок» и добавляя, где это необходимо, дополнительные цветовые оттенки.

К законченному «куску» приписать следующий и так далее до полного заполнения листа. Размеры «кусков» могут быть различными, они определяются характером изображаемого. Не совсем просохшие края отдельных соседних «кусков» в некоторых местах могут слегка перетекать друг в друга, образуя цветовые переливы, не требующие исправления и придающие работе своеобразную цветовую выразительность.

После того как прописана практически вся поверхность листа, нанести дополнительные цветовые акценты, а также незначительные смягчающие размывки, которые не должны испортить свежесть работы. Кроме того, нужно заполнить цветом мелкие участки бумаги, остающиеся, как правило, между отдельными «кусками» в процессе работы.

Впрочем некоторые художники сознательно оставляют участки чистой бумаги, используя это как своеобразный живописный прием. Планшет с листом бумаги в процессе работы можно наклонять под разными углами в разные стороны, направляя в нужном направлении текущий красочный слой.

Акварельно — графический способ

Этот способ сочетает в себе графические и акварельные приемы. Он берет начало от подкрашенных гравюр и рисунка ХVIII — ХIХ века. Но если в них преобладающим было графическое начало, то в рассматриваемом способе рисунок и акварель выступают как бы равных, дополняя друг друга, когда штрих карандаша играет столь же важную роль, что и цвет, когда графическое и живописное начала оказываются слиты.

Это очень хорошо просматриваются в акварелях П. Синьяка начала 30-х годов ХХ века, в которых он, активно используя основные цвета — желтый, красный, синий и зеленый, добавляя немного черный, следует одному из трех своих принципов: «…первоначальный карандашный набросок не должен исчезнуть под пятнами акварели, напротив, он должен быть отчетливо виден, чтобы «создать игру линий в пустотах, разграничивающих те пространства, которые надлежит расцветить«.

Поль Синьяк, Мост Фёйе в Лионе

В начале ХХ века, сочетая акварель с графическими приемами, работали А.П. Остроумова — Лебедева, акварели которой носили более строгий цветовой характер, и позднее Д. И. Митрохин. Его работы отличаются выразительным линейным рисунком, поддержанным штриховкой в тенях и по форме предметов, и энергичным использованием акварели и даже в ряде случаев цветного карандаша.

Акварельно — графический способ может быть успешно применен как в иллюстративных, так и в станковых работах, пейзаже, натюрморте и даже портрете. Им можно пользоваться и в тех случаях, когда за сравнительно небольшое время нужно сделать максимально выразительный этюд, чтобы зафиксировать увиденное, который затем может использовался в последующей работе.

Последовательность работы акварельно-графическим способом.

1. На лист бумаги, фактура которой может иметь различный характер (в зависимости от желания исполнителя), нанести свободный интенсивный рисунок мягким графитным или черным карандашом. Можно использовать черный карандаш из набора обычных цветных карандашей или стержень «негро». Формы предметов можно моделировать штрихами. Там, где необходимо, штрихами может быть заполнен и фон. При этом пользоваться ластиком не обязательно, предварительные легкие линии придают работе некоторую живость.

2. Используя текучесть акварели, на законченный рисунок нанести в полную силу цвета красящий слой, где один цвет может плавно переходить в другой.

3. На данном этапе можно усилить тени, вводя в работу дополнительные цветовые пятна, наносимые на просохший основной слой.

К сказанному следует добавить, что для рисунка могут быть использованы угольный карандаш и акварельный, который слегка размываясь наносимым слоем каски, придает работе некоторую мягкость. Можно также применять и различные цветовые карандаши, подчеркивающие фактуру.

Назаров А. К «Основные способы акварельной живописи»

Понравилась статья? Поделитесь с друзьями.

Твитнуть

Поделиться

Поделиться

Отправить

Класснуть

Линкануть

Техника акварельной живописи

Как мы знаем в наборах акварельных красок отсутствует белая краска (нужно оставить без внимания белую китайскую и белую в наборах для детей).

В акварели белые и светлые участки живописи создаются за счет количественного  соотношения воды и пигмента на кисти и также прозрачности акварельных красок.

«Pезерваж» (белые и светлые участки в акварельной живописи)

Чтобы оставить светлые участки незаписанными применяется «Обходка » светлого темным. Умение выполнять эту сложную задачу приходит с опытом и определяет класс акварелиста. Резерважем в акварели называется незаписанная белая или самая светлая часть листа. В акварельной живописи «по — сырому» сделать это  гораздо сложнее чем по — сухому» и «полупросохшему»  листу.

Акварелисты, не владеющие в полной мере техникой  «Обходки» решают эту задачу другими способами. В частности выполняют резерважи с помощью скотча, парафина, восковых карандашей и т.п.. А также используют обработку уже высохшего, красочного слоя различными «механическими» способами (выскребание, удаление красочного слоя с помощью лезвия бритвы и пр.). Все эти способы точно не добавят мастерства акварелисту. Возможно высветление необходимых мест с помощью отжатой кисти, или например салфетки по непросохшему или высохшему слою. Но при этом способе не достигается чистота цвета светлого пятна, как это возможно при «Обходке». Способ применения парафина, для создания резерважа я попробовал на одном из моих ранних этюдов.

Способ применения парафина для создания резерважа.

«Обходка» светлых просветов в небе и лужицах на примере акварельного этюда.

При работе над подобным этюдом нужно успеть нанести плотный красочный слой (например, в пашне) до высыхания нижнего светлого слоя и вовремя «состыковать» эти слои при обходке. Здесь нужна практика и опыт. Если не успеть провести «Обходку»  вовремя, стыки получатся резкими. «Обходка»  «по-сырому» заключается в умении чувствовать необходимое соотношение количества воды на бумаге и кисти одновременно, с тем, чтобы краска не затекала за предполагаемую границу. Приобретается с опытом.

Во время «обходки» кисть должна идти на нужном расстоянии от предполагаемого резерважа, с учётом последующего растекания краски. Здесь нужно учитывать влажность бумаги и количество пигмента на кисти. Если произошла ошибка и краска растекается быстрее, чем нужно можно подуть на опасно ссужающийся резерваж или остановить его границу феном.

«Обходка» светлых участков на этюде «Весна. Мокрое поле»

 

О красках.

Наиболее важными техническими свойствами всяких красок являются их структура, прозрачность, светлота, насыщенность и долговечность. Все краски состоят из красочного и связующего вещества. Красочное вещество красок — акварельных, масляных, темперы и др.— одно и то же; различие видов краски определяется различным происхождением и составом связующего вещества, которое выполняет конструктивную работу связи частиц краски между собой и картинной плоскостью. Связующее вещество определяет основные технические свойства красок и влияет на приемы и способы их применения в живописи.

Краски различного цвета не вполне одинаковы по своим техническим свойствам из-за различия структуры их красочного вещества; существуют краски крупнозернистые и мелкозернистые.

В акварели одни краски (мелкозернистые) полностью растворяются в воде и покрывают бумагу тонкой пленкой, другие (крупнозернистые) в воде находятся во взвешенном состоянии и покрывают бумагу слоем мелких крупинок. Их смесь неоднородна и при нанесении не может дать ровного тона. Соединение разнородных красок возможно в том случае, когда работа делается сразу, без повторных покрытий, или когда нужно дать разнообразные цветовые переходы. При повторном нанесении смеси следует быть очень осторожным. Тонкие краски соединяются с бумагой прочно. Грубые же, размокая, снимаются кистью. В результате получается грязь. Если работа ведется в течение длительного времени и сложный цвет постепенно доводится до нужной силы, то, чтобы избежать грязи, необходимо начинать с более тонких красок, которые прочно соединяются с бумагой и не размываются последующими красками. Заканчивать нужно крупнозернистыми, которые не допускают последующих покрытий.

Со структурностью красок связана их прозрачность. Крупнозернистые краски — мало прозрачны; тонкие обладают значительной прозрачностью.

Прозрачные, или лессировочные, краски просвечивают, под ними хорошо чувствуется светлое основание; малопрозрачные краски просвечивают плохо. Они скрывают свое основание и называются кроющими, или корпусными. Цвет прозрачных красок заметен больше всего тогда, когда они видны на просвет и когда свет сильно отражается основанием. Если, например, прозрачной изумрудно-зеленой краской покрыть белую бумагу, цвет будет хорошо заметен; на черной — почти исчезает. Если взять кроющую краску — кадмий желтый, то цвет краски будет виден и на белой, и на черной бумаге. Кроющие (крупнозернистые) краски хорошо воспроизводят освещенные части предметов, а прозрачные (тонкие) краски хорошо передают тени. К наиболее кроющим краскам относятся некоторые охры, зеленая хромовая, кобальт, ультрамарин и др.; к наиболее прозрачным краскам — сажа, краплак, изумрудная зелень, берлинская лазурь и др..

При построении красочного слоя в акварели целесообразно придерживаться следующих правил.

Следует начинать с наиболее прозрачных лессировочных красок. Они лучше просвечивают, прочнее соединяются с основанием. Красочный слой в акварели, построенный от наиболее прозрачных к менее прозрачным краскам, всегда будет прочнее, чище по цвету и приятнее по фактуре. Краски, положенные в обратном порядке, образуют перемешанный, непрозрачный грязный цвет.

Долговечность акварельных красок зависит от многих обстоятельств: от красящего вещества, связующего и от их смесей. Главные причины недолговечности акварели: во-первых, свет, разрушающий некоторые красящие вещества, особенно искусственного происхождения, вследствие чего краски выгорают; во-вторых, сырость, от которой клей, входящий в состав бумаги и акварельной краски, загнивает и краски разрушаются; в-третьих, взаимное химическое влияние смешанных красок.

Акварельные миниатюры в старинных рукописях, хранившихся столетиями в темных и сухих библиотеках, полностью сохранили первоначальную свежесть красок. Напротив, акварели, висящие в светлом и сыром месте, меняются до неузнаваемости.

Чтобы составить палитру из прочных красок, нужно самому проверить каждую краску на свет, на сырость и на смесь. Такую проверку нужно вести непрерывно по мере поступления непроверенного материала, имея в виду сохранность будущих работ. Для этого нужно взять небольшой лист бумаги и покрыть его горизонтальными полосами испытуемых красок, разрезать на три вертикальные полоски одну — вложить в книгу, которую следует спрятать в сухое место, другую — прикрепить на окне, где часто светит солнце, а третью положить в какое-нибудь сырое место. По истечении некоторого времени разрезанные полоски нужно соединить и тогда будет выявлена прочность каждой краски и ее смесей. По результатам проверки и нужно составлять палитру надежных красок.

При составлении палитры следует приобрести несколько наборов красок, проверив их технические свойства, выбрать из них лучшие краски, составить самому одну большую палитру устойчивых красок, где они будут сгруппированы по цвету, прозрачности и другим техническим свойствам.

Организация рабочего места. Подсобные инструменты и оборудование.

Изобразительная работа начинается с подбора инструментов. От того, как оборудовано рабочее место, во многом зависит не только технический, но и творческий успех.

Палитра служит важным инструментом художника. На ней подбираются краски, смешиваются и подбираются искомые тона, на ней в продолжение всей работы хранятся заготовленные краски.

Чтобы отвечать своему назначению, палитра для акварели, во-первых, должна быть белой и непрозрачной. Белизна палитры, как и белизна бумаги, нужна для того, чтобы видеть краску на просвет, видеть ее такой, какой она будет выглядеть на бумаге. Во-вторых, палитра должна иметь разнообразные углубления для хранения разведенных красок в больших и малых количествах, места для смешения красок, места для приклеивания красок в плитках или выдавливания красок из тюбиков, место для влажной губки, тряпки или пропускной бумаги. Если палитра предназначена для мастерской, то хорошо, если она будет белой фарфоровой или светлой фаянсовой, достаточно большого размера. Палитру для работы на натуре целесообразно делать металлической, эмалированной, складной, белой внутри и черной снаружи.

Акварельный бачок с двумя отделениями предназначен для мытья кистей и хранения чистой воды для разведения красок. Для мастерской удобен бачок прозрачный, стеклянный; такой бачок позволяет видеть степень загрязнения воды. В походной обстановке нужен бачок металлический эмалированный либо сделанный из светлой резины, складной. Такой же удобный и небьющийся бачок можно сделать из пластмассы.

При работе акварелью всегда необходима губка. Умение всесторонне использовать ее технические возможности указывает на хороший технический уровень акварелиста.

Губка предназначается для смачивания бумаги перед натяжкой ее на подрамник или планшет, а также для увлажнения бумаги в начале работы, чтобы краски ложились легко, с мягкими очертаниями мазков. Губка предназначается также для осушения кистей, когда на кисти может оказаться много лишней воды или краски. Мокрую кисть иногда стряхивают на землю или, что еще хуже, берут в рот. Но стряхивание кисти загрязняет пол и иногда портит отставленные работы. Наиболее правильно удалять лишнюю воду прикосновением к губке. Так, не делая лишних движений, можно снять необходимое количество воды или краски, поправить конец кисти, сосредоточеннее работать.

Губка нужна на палитре также для того, чтобы подобрать случайно текущую краску, которая может угрожать всему изображению. Губкой смачивают неудачные места для их переделки. И, наконец, губка нужна для того, чтобы по окончании работы смыть добела палитру. Ее могут заменить чистая полотняная тряпка, вата или пропускная бумага.

Мольберт для акварельной живописи делается особой конструкции. Кроме всех остальных требований, которые предъявляются ко всем мольбертам, он должен давать возможность ставить подрамник под разными наклонами, начиная от горизонтального и кончая почти вертикальным положением.  Главное для работы с акварелью — мобильность рабочей плоскости, потому что в процессе работы внезапно может понадобиться различный наклон планшета с живописью.

Мольберт для натурных зарисовок должен быть легким, портативным и вместе с тем достаточно устойчивым при ветреной погоде. Если нет удобного мольберта или этюдника для работы стоя, то можно работать сидя на складном стульчике, планшет для этюда держать на коленях, материалы расположить прямо на земле, постелив вниз клеенку, чтобы ничего не растерять и не испачкать.

В мастерской необходимо оборудовать специальный стол для палитры, кистей, воды, бумаги, красок и других инструментов. Хорошо оборудованный стол освобождает от нервной суматохи, от поисков нужных инструментов и материалов, способствует спокойной и сосредоточенной работе.

Стул нужен лишь для временного отдыха и, самое большее, для детализации изображения. Когда акварелист садится на стул, ставит на колени подрамник, берет в руки палитру с красками и т. д., тогда у него начинает пропадать желание двигаться, отходить, чтобы видеть свою работу на расстоянии. Его невольно начинают увлекать детали, второстепенные подробности колорита, и вскоре он по своему творческому состоянию начинает переходить от живописи к рукоделию. Ответственная работа живописца требует непрерывных отходов, оценки каждого мазка как нанесенного, так и предполагаемого к нанесению, с многих, различно удаленных точек зрения. Чем крупнее размер листа с живописью, тем чаще нужно отходить и смотреть на нее с расстояния. Лишь только для того, чтобы нанести мелкую деталь и не держать в это время руку на весу, может понадобиться стул.

Подбор инструментов и оборудования мастерской оказывают значительное влияние на ход работы как в техническом, так и в творческом отношении. Однако нельзя сваливать неудачи в работе целиком на неудовлетворительную обстановку, материалы, инструменты. Решает успех целеустремленный, творческий труд художника. Но нужно всячески стремиться приспособить существующую обстановку для улучшения работы; сколько позволяют условия, оборудовать рабочее место лучшими материалами и инструментами.

Продуманный подбор материалов и инструментов — начало успешной работы.

Подготовка бумаги к живописи.

Лучше всего натягивать бумагу на планшет. Бумага должна быть всегда хорошо натянутой и гладкой. Если бумагу нужно укрепить на планшете надолго, то это лучше сделать клеем. Если же основанием бумаги служит временный планшет, то прикреплять бумагу проще и быстрее небольшим числом хороших кнопок.

В том и другом случаях бумагу нужно смачивать с двух сторон, что дает равномерное увеличение ее при размачивании и медленное, равномерное уменьшение при высыхании. Намоченная с двух сторон бумага сохнет медленно, клей схватывается до того момента, когда бумага начинает подсыхать и тянуть. При смачивании бумаги сначала влажной губкой, без избытка воды, протирается внутренняя сторона так, чтобы не замочить краев, предназначенных для клея. Затем бумага переворачивается, и ее внешняя сторона смачивается полностью вместе с краями. Если бумага прикрепляется на кнопках, то тогда она смачивается целиком с двух сторон.

Исключением могут служить работы очень больших размеров. В них появляется опасность разрывов от перекоса планшета при переноске или от прогиба планшета во время работы. Бумагу для таких работ лучше наклеить сухой и смочить только тогда, когда клей хорошо просохнет. Осадка при высыхании большого листа бывает достаточной для того, чтобы без риска разрыва натянуть бумагу. Кроме того, большие работы обычно ведутся по проработанным эскизам и по частям, что позволяет избежать большого коробления бумаги от намокания.

Прикрепляя влажную бумагу к планшету, нужно так направлять растягивающие усилия, чтобы сначала бумага натянулась между серединами длинных сторон, потом между серединами коротких, затем в углах по одной диагонали, потом по другой. Промежуточные точки натягиваются в последнюю очередь, равномерно и не очень сильно.

Существует другой способ подготовки бумаги к работе. Этот способ применялся в английской акварели XIX века. Акварельная живопись по сырой бумаге с применением стиратора и мокрой ткани. Благодаря этому способу бумага держит воду в течение длительного времени, что дает большие возможности в живописи акварелью.

Стиратор — это деревянная рисовальная доска, на поверхность которой накладывается смоченный водою лист акварельной бумаги. Края бумаги загибаются на тыльную сторону доски, на которую потом надевают рамку, которая плотно прижимает бумагу к ребрам доски. Бумага, высыхая, равномерно натягивается. Преимущество стиратора перед планшетом в том, что благодаря снимающейся рамке, он более практичен и легок в использовании.

Живопись акварелью «по сырому» с помощью влажной ткани.

На пластик (органическое стекло) ровно укладывается мокрая тонкая хлопчатобумажная (лучше марлевая) ткань. Затем на ткань помещается смоченный с двух сторон лист бумаги и разглаживается, чтобы не было воздуха под бумагой.

Рабочая поверхность при таком способе остается влажной и ровной в течение длительного времени.

Таким способом можно делать большие акварельные пейзажи и натюрморты.

Для работы на пленере годится простой способ. Намочить лист бумаги поролоном или широкой кистью, и положить его на, какую либо гладкую поверхность. Например, лист пластика, изготовленный в размер этюдника для акварели.

Подготовка бумаги к живописи

Подготовительный рисунок.

Прозрачная акварель не терпит никаких исправлений. Одновременно акварель исключает контур, ибо он сквозит из-под красочного слоя и делает работу грязной, жесткой; но вместе с тем требует контура, сокращающего число ошибок до минимума. Поэтому контур в акварельной технике занимает видное место и заслуживает самого тщательного изучения в качестве начальной стадии работы.

Контура в природе нет: край одной формы, обрываясь, непосредственно переходит в другую форму. Отсутствуя в природе, в изображении контур служит условной границей формы. Выраженный не в меру, он удаляет рисунок от реального изображения. В живописи контур играет роль вспомогательного построения, редко оставаясь необходимым в законченной работе. Он наносится слегка и к концу работы исчезает совсем, освобождая рисунок от условностей. Излишне заметный контур придает работе черты стилизации.

В изобразительной практике бывают случаи, когда контур выступает как единственное средство передачи натуры. В набросках, в подготовительном рисунке форма предмета изображается одним очертанием; линии служат единственным средством выражения. Но линейный набросок всегда будет неполным, условным изображением и в работе мастера имеет обычно подсобное значение.

Как определенная стадия работы контур нужен художнику тогда, когда перед ним стоит задача изображения сложной формы, требующей точного и детального построения. В изображении же простых форм можно обойтись без контура.

В натюрмортах, составленных из простых по форме предметов, в пейзажах, не сложных по рисунку, можно обойтись без контура; тут полезно сразу работать красками. Такие упражнения будут несколько усложнять работу, но зато разовьют способность и умение сразу строить предмет по форме и по цвету, а при постепенном переходе от простых к более сложным задачам — сокращать стадии до необходимого минимума.

Рисунок для живописи акварелью наносится легкими линиями, которые являются только подсказкой, и определением композиционных составляющих. Необходимо хорошо чувствовать нажим карандаша, потому что твердым карандашом можно поцарапать бумагу, оставить вдавленный след, а мягким карандашом можно перегрузить ее графитом, так что он будет размазываться рукой во время работы и пачкать бумагу, к тому же грубые линии трудно стираются ластиком.

Иногда во время живописи легкие линии рисунка исчезают под красочным слоем. В этом случае нужно хорошо чувствовать рисунок и композицию. Рисунок — это подготовительный этап для ведения акварельной живописи. Для того чтобы определится: как и где поставить цветовые и тональные переходы, показать материальность предметов, линию горизонта и контуры заднего и переднего планов в пейзаже следует нанести тонкие линии. Затем в акварельной живописи уже нужно рисовать кистью и цветом, а не раскрашивать контуры цветом.

Последовательность ведения работы.

С чего лучше начать писать акварель, с фона или изображения предметов, с первого плана или со второго? Если в работе решается задача передачи пространства, то неизбежно придется выстраивать изображение в свето-воздушной перспективе, используя изобразительные планы. Пример этого — пейзажная живопись. Обычно в пейзаже работа начинается с живописи третьего, дальнего, плана, и тогда пишется небо, плавно переходящее через линию горизонта к земле, ко второму плану. Затем разрабатывается тонально насыщенный первый план, и начинается работа над деталями.

Смотрите: Акварельный пейзаж «по сырому». Последовательность.

В данной статье использовались некоторые моменты из статьи: Е. Базанова. Стихия воды и краски. О технике акварельной живописи.

 

 

Онлайн мини-курс «Техники рисования неба в акварели»

Мини-курс «Техники рисования неба в акварели» — это несколько онлайн-уроков, на которых Вы научитесь передавать различные состояния неба, писать реалистичные объемные облака и изображать эффекты пробивающихся сквозь тучи лучей света.

Посмотреть

Понравилась статья? Поделитесь с друзьями.

Твитнуть

Поделиться

Поделиться

Отправить

Класснуть

Линкануть

Смотрите по теме:

Чем уникальна акварель и как с ней совладать. Часть 1: акварельная история

Обычно я рассказываю про акварельную технику на моих занятиях с учениками. И тут подумала, а почему бы мне не поделиться с вами некоторыми мыслями, наблюдениями и рассказать, чем уникальна акварель и как с ней совладать! Да-да, именно совладать, чуть ниже расскажу, почему именно так.

С одной стороны, мы все знаем акварель, скорее всего, из детства. Может быть поэтому у многих сформировалось мнение, что акварель — простой и не такой «крутой» материал, как, например, масло. А на деле оказывается, что акварельная техника — одна из самых сложных, и чтобы достичь в ней мастерства, нужно учиться, и только со временем она открывает перед художником свои неограниченные возможности и красоту. Чтобы ее понять, почувствовать, нужно время, смелость, терпение и много бумаги 🙂 И оно того стоит!

Не буду с головой погружаться в историю акварели, но про ключевые моменты с удовольствием расскажу.

Акварель — (от франц. aquarelle — водяной, от лат. aqua — вода). Состоит из мелко растертого пигмента, гуммиарабика и декстрина. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу. Еще одна составляющая красок — это бычья желчь. Кстати, некоторые компоненты можно дополнительно добавлять в уже готовые краски, тем самым придавая им определенные свойства.
Как нетрудно догадаться, акварельная живопись появилась с появлением бумаги, а бумага — это изобретение китайцев начала II века нашей эры. Сами же акварельные краски были еще известны в Древнем Египте.

Китайские акварели традиционно пишутся не только на бумаге, но и на шелке или иной ткани. Наиболее часто встречающиеся жанры акварельной китайской живописи — это пейзажи, цветы, животные. Китайскую живопись узнаешь сразу — по легкости и точности мазка, совершенной гармонии.

Поэтому такие рисунки-свитки можно не только вешать на стену, но и сворачивать в рулон и хранить в специальных футлярах, что сохраняет краски в первозданном виде. Традиционные жанры китайской акварели: пейзаж, цветы и птицы, портрет, анималистический жанр.

А это работы современного китайского акварелиста Chen YuLian, не очень у нас известного.

В Европе акварельная техника вошла в употребление в XV веке, одни из самых примечательных художников периода Возрождения, использующие акварель, — это Альбрехт Дюрер и Антонис ван Дейк. «Заяц» стал хрестоматийной работой, а вот, собственно, и он.

Акварель поначалу не была по достоинству оценена живописцами того времени. Долгое время акварель считалась пригодной только для вспомогательных задач, художники писали ею как темперой или маслом, а ее преимущества воспринимались как недостатки. Зато акварель использовали картографы, путешественники, ботаники, те, кому нужно было делать зарисовки без каких-либо специальных приспособлений, имея под рукой только воду и краску.

И вот пара таких ботанических иллюстраций, созданных итальянским художником Жерардо Кибо в 16 веке.

Расцвет акварельной живописи в Европе, а также в России пришелся на на рубеж XVIII—XIX веков. Многие русские художники использовали акварель, часто для зарисовок, эскизов. Постепенно акварель становилась самостоятельным видом искусства.

Пейзаж Левитана.

Особенно популярна акварельная живопись была в Великобритании, где в 1804 году было создано Общество акварелистов. Акварель стала одной из ведущих техник, дав возможность художникам заниматься исключительно акварелью.

Художник Эдвард Вессан.

Не могу не поделиться замечательными работами современного английского художника Ричарда Торна.

С тех пор акварель расцветала и развивалась. Заняла свое место также и в американском искусстве. Один из любимых художников 20 в. — Эндрю Уайет.

«Не важно, что именно ты делаешь, важно, чтобы все, к чему ты прикасаешься, меняло форму, становилось не таким, как раньше, чтобы в нем оставалась частица тебя» (Э. Уайет).

Я почти не касаюсь современной акварели, так как это длинная и очень интересная история, заслуживающая отдельной главы.
Один из мастеров современной акварели — австралийский художник Джозеф Збуквич.

«Делать все самому — большая ошибка. То, что делаю я — только детали, основное творит сама акварель. Масляная живопись — это словно езда не лимузине, а акварель — на феррари. Не та респектабельность — но это, и правда, круто.
Вся моя философия — в одной простой фразе. Просто рисуй» (Д. Збуквич)

Переходя от истории к более практической части, расскажу о том как акварель ворвалась в мою жизнь. Акварель была в детстве, в юности, но даже на первом курсе университета особого понимания ее возможностей не было. Потом мы уже писали другими материалами, почти не трогая водную красочку. Иногда попадались акварели других художников и заставляли останавливаться. Столько природы, какой-то естественной красоты может дать эта краска.

Можно сказать, что акварель вернулась в мою жизнь после рождения первого ребенка, как ни странно. Дефицит времени заставлял использовать каждую свободную минуту с пользой. И акварель позволяла уйти в такой отрыв, она в этом плане очень хороша, нужна всего лишь бумага, кисть, вода и краска. Нет запаха растворителей, краска сохнет быстро, работы легко хранить. Это не в обиду другим материалом, при желании с детьми можно писать и маслом и горячие батики ваять, если есть потребность найдется и время и все остальное. Иногда бывает очень трудно, часто в ущерб другим вроде бы тоже важным делам и сну, но иначе никак. Если именно сейчас в руки хочется взять бумагу или другой любимый материал, то лучше найти время, ведь желание что-то сделать уже дорого стоит и не известно появится ли оно завтра.

А теперь переходим к тому, с чего начинается акварель. И чтобы было понятнее, разберем, в чем ее особенности и отличие от других красок.

Акварель часто называют самой непредсказуемой техникой. И в этом есть и ее преимущество и сложность. Получить желаемый результат бывает не просто, исправлений акварель не любит, а порой они и вовсе невозможны. Акварель — краска настоящего момента — как положил, направил, так и будет.

Иногда оказывается, что это непредсказуемость и живая природа краски и есть ее самая большая ценность. Поэтому можно сказать, что акварель — это соавторство воды и человека.

Главная особенность акварели — прозрачность красок. И ключевую роль тут играет вода, а это значит, что многие эффекты и приемы строятся на ее свойствах. Притягательна способность акварели плавно растекаться, смешиваясь с другими оттенками, образуя удивительные цветовые переходы. Акварель позволяет получить тончайшие нюансы полутонов, недоступные никакой другой технике.

Акварель бывает многослойная — такой способ нанесения краски называют лессировка и а-ля-прима, когда краска наносится в один слой. Краской можно работать как по-сухому, так и по-мокрому, предварительно увлажнив бумагу. Большую роль в этом деле играют материалы, особенно бумага. Они должны быть хорошими. На бумаге низкого качества может просто ничего не получиться. Поэтому для укрощения этой самой акварели в первую очередь нужны соответствующие материалы. Если вы только начинаете писать акварелью, выбирайте пусть не самые дорогие, но профессиональные краски, кисти, бумагу. Иначе легко разочароваться, а ведь акварель стоит того, чтобы ее попробовать и получать массу положительных эмоций беря в руки кисть!

Следующая часть моего рассказа будет именно об этом. Подробно расскажу о красках, марках, кистях, бумаге и как в них не запутаться и выбрать необходимый минимум. И перейду к технике и к ее тонкостям.

Спасибо, что уделили свое время началу этой акварельной истории.

И напоследок еще один наш современник, возможно, многим знакомый — Аруш Воцмуш.

Техники акварельной живописи: пишем на сухой и влажной бумаге

Прованс — для меня это желтые домики и бескрайние поля лаванды.
Один сюжет, выполненный на разных бумагах и в разной технике — технике акварельной живописи.
В один момент после прочтения очередной (к сожалению, не очень толковой) книги об акварели я сидела с кашей в голове.

Одни акварелисты советуют только хлопок, другие только ватман.

Одни начинают рисовать с самого светлого тона, другие совершенно противоположно — с теней.

Кто-то говорит, что ни в коем случае нельзя использовать черный, другие вовсю им рисуют.
А так как ум у меня изначально математический, и каша в голове меня не устраивает, решила я все упорядочить и разложить по полочкам.

Самое первое в акварели — это рисунок карандашом и подготовка бумаги, если с рисунком все просто — он либо есть, либо его нет, то с бумагой есть три основных различных варианта:

ПЕРВЫЙ — бумага «мокрая» с двух сторон.

Бумага смачивается с двух сторон равномерно губкой, флейцом или кисточкой. Иногда даже «купается» в воде и выкладывается на оргстекло, пластиковый планшет или другую водопроницаемую поверхность.
Также дополнительно для увлажнения бумаги с обратной стороны между поверхностью и бумагой прокладывают слой влажной ткани или марли.

Основная цель, на мой взгляд, у этого способа — это поддержание бумаги в процессе рисования в ровном положение, ведь если бумага коробится, то краска течет куда хочет, а не куда надо. Второе преимущество: именно на увлажненной с двух сторон бумаге получаются ровные заливки и красивые эффекты от вливания краски или воды в красочный слой.

Сложность данной техники в том, что нужно очень хорошо чувствовать степень увлажнения поверхностного слоя бумаги и понимать, когда нужно, чтобы она почти высохла, или только «подвялилась», или оставалась влажной. Второй минус — использование на плэнере или в других походных условиях затруднительно, хорошо подходит для студийной работы.
Из современных признанных мастеров приверженец данного способа — Елена Базанова. Ее акварели отличаются сочным реализмом и грамотной композицией.

Ниже фотография Елены в работе над картиной с гранатами.

ВТОРОЙ — бумага «мокрая» с одной стороны.

Бумага натягивается и фиксируется на планшете с помощью малярного скотча или другого способа, затем поверхность бумаги равномерно смачивается полностью или частично. Здесь, конечно, желательна бумага плотностью 300г/кв.м и более, особенно начинающему художнику, пока еще не обладающему навыком контроля увлажненности листа, он легко может переборщить воды, и даже достаточно плотная бумага слегка заволнится.

Такой способ идеален для пленэрных пейзажей и зарисовок — градиентные заливки по влажному листу позволяют показать воздушность и перспективу, добавленные акценты сверху по сухому придадут живость и настроение. Этим способом виртуозно владеет мой земляк, мастер пейзажа Сергей Курбатов.

Ниже его работа на Алтайском пленере, 2017 год.

ТРЕТИЙ — бумага сухая.

Бумага натягивается и крепится к планшету тем или иным способом, рисунок зачастую формируется из отдельных прозрачных мазков. В основном, данный вид применяется при академическом обучении, планшет крепится вертикально на мольберт — вертикальное расположение листа на уровне глаз и расстоянии вытянутой руки, позволяет максимально избежать искажений при рисование с натуры. С так называемой станковой живописью акварели можно познакомиться на видеоуроках народного художника Сергея Андрияки.

Как красиво накладывать акварели

Разве не досадно?

Как и многие начинающие акварелисты, я не понимал наслоения краски.

Когда я начинал рисовать, я использовал слишком много воды и возился с влажной краской кистью. Я помню, как с энтузиазмом писал слой за слоем краски, пока конечный результат не выглядел мутным и перегруженным! Вы когда-нибудь замечали, что делаете это?

Прозрачность акварелей — одно из основных качеств, которые делают акварельную живопись такой красивой! И именно прозрачная природа акварельных красок позволяет художникам создавать картины, используя несколько слоев.Этот метод многие акварелисты называют « остекление ».

Что такое глазирование в акварельной живописи?

Наслоение акварельными мазками также известно как глазирование. Техника остекления может показаться сложной, но на самом деле она очень проста. Остекление — это, по сути, несколько слоев краски, нанесенных друг на друга. Каждому слою краски дают высохнуть перед нанесением следующего.

Остекление добавляет глубины и насыщенности цвета. Когда будете глазировать, нужно дождаться полного высыхания каждого слоя.Если вы нанесете новый слой краски слишком быстро, вы легко сможете снять предыдущий слой, и пигменты смешаются.

(По сути, остекление — это метод мокрое по сухому в отличие от мокрого по мокрому , когда краска наносится на влажную поверхность).

Акварельные картины, в которых используется глазурь, имеют характерный внешний вид по сравнению с картинами, созданными методом «мокрый по мокрому».Глазурование — прекрасная техника, которая придает визуального интереса картине и превращает плоских форм в яркие и красочные формы .

Наслоение также делает некоторые типы рисования более управляемыми. , потому что вы можете сосредоточиться только на тоне и формировать , а не думать о смешивании именно правильного оттенка. Например, многие художники делают это, накладывая основные цвета друг на друга — желтый, затем красный, затем синий.

Остекление также является ключевым методом добавления детали к акварельной картине.Вы можете использовать эту технику для придания резкости и четкости участкам вашей работы.

Наслоение краски путем лессировки также является очень полезным методом для управления цветом , тон и интенсивностью ваших картин.

Но учтите, что эта техника не для нетерпеливых! На самом деле это требует определенного хладнокровия. Это займет больше времени, потому что вам нужно дождаться высыхания слоев . (Вот почему многие акварелисты держат под рукой фен, чтобы ускорить процесс сушки).

Тем не менее, обучение правильному рисованию слоями может быть важной техникой, которая способствует успеху вашей картины.

Схема остекления с использованием основных цветов

Техники и преимущества нанесения акварельных слоев

Глазурование акварелью — это техника, которая дает вам различных уровней контроля над вашей картиной. А хорошее понимание того, как контролировать свою технику рисования, означает, что вы будете более уверены в своих способностях рисования.

Вот некоторые из самых важных вещей, которые вы должны знать об остеклении.

1 — Наслоение для управления и смешивания цветов.

Один из аспектов, который изменяет остекление — цвет .

В большинстве случаев акварелисты смешивают цвета в палитре перед нанесением краски. Как все мы знаем, сочетание двух цветных красок дает третий цвет.

Но то же самое и с глазурью. Это очень похоже на другую форму смешения цветов. Каждый новый слой краски создает новый цвет .

Допустим, вы рисуете лист. Вы можете легко смешать синий и желтый в своей палитре, чтобы получить различные оттенки зеленого. Но вы также можете начать рисовать лист в желтый цвет, а затем добавить вторую глазурь синей краской. В результате получился зеленый лист с большим разнообразием цветов и интересом.

Таким способом большинство акварельных картин создается в технике лессировки. Вы начинаете с того, что наносите большую часть цвета в виде плоской смывки, затем возвращаетесь и тратите время на глазирование.

Чтобы полностью контролировать свои результаты, вы должны знать о потенциале смешивания цветов прозрачных глазурей.Я считаю хорошей практикой сделать образцов для проверки цветов палитры и результатов, которые вы получаете при наложении слоев.

Очень полезно увидеть, как ваши цвета сочетаются друг с другом.

2 — Наслоение для управления тоном и значением

Значение — один из наиболее важных компонентов вашего произведения искусства. Глазурование дает вам контролируемый метод постепенного добавления значений тона, а также коррекции тона, если часть вашей картины слишком светлая.

Чтобы узнать больше о ценности и тоне в искусстве, прочтите это: Что такое тон в искусстве — руководство акварелиста

Вы можете легко контролировать значения с помощью лессировки. Этот метод позволяет добавлять тени или усиливать тон картины, постепенно накладывая новые цвета. Чем больше глазури вы добавите, тем темнее станут оттенки.

Это работает путем добавления последовательных промывок прозрачного цвета для достижения определенного значения. В начале каждой картины важно соотношение пигмента и воды.Вы хотите начать со светлых тонов, это означает, что сначала нужно нарисовать разбавленную краску и светлые тона. Каждый новый слой краски делает отрывок, над которым вы работаете, немного темнее.

Ключ к работе от светлого к темному. , поскольку удаление ценности в акварельной живописи невозможно (вероятно, поэтому мы в конечном итоге используем так много бумаги!) Начните с большого количества воды и не так много краски.

Остекление слоев краски также дает еще одно преимущество .

Вы, наверное, догадались, что когда акварельная краска высыхает, она кажется светлее мокрой краски. Позволяя каждому последующему слою краски высохнуть между проходами, вы можете более точно оценить тональное значение вашей картины, и вы можете всего лишь добавить дополнительные слои, чтобы увеличить значение определенной области вашей картины.

3 — Наслоение для управления интенсивностью

Остекление также является хорошим методом регулировки интенсивности цветов картины.

Вы можете эффективно нейтрализовать цвет, нанеся второй слой краски.

Допустим, вы нарисовали желтую фигуру и обнаружили, что цвет слишком насыщенный. Вы можете приглушить исходный цвет , добавив прозрачную глазурь другого основного цвета или дополнительного цвета.

Например, добавление лака основного синего цвета поможет цветам исчезнуть. А глазурь основного красного цвета согреет область, которую вы рисуете. Остекление с дополнительным цветом (в данном случае пурпурным) компенсирует интенсивность исходного цвета, создавая нейтральный коричневый цвет.

Вы можете получить коричневый цвет, смешав любые два дополнительных цвета. Например, оранжевый можно смягчить дополнительным синим, зеленый можно смягчить прозрачным дополнительным красным и т. Д.

.

стоковых иллюстраций многослойной акварели — 1584 фондовых иллюстраций, векторных изображений и клипарт многослойной акварели

Наборы разноцветных слоеных радужных тортов, украшенных красной клубникой и вишней. Акварельные иллюстрации, изолированные на белом. Фон

Бумажный акварельный цветок пиона. Многослойная бумага акварель cotral цветок с листьями, изолированные на белом фоне

Текстурированный, многослойный, сложный цветочный фон из сада в Мексике.Цифровая акварель. Текстурированный, многослойный, сложный цветочный фон из сада в Мексике

Акварельный горный пейзаж. Многослойный акварельный горный пейзаж с текстурой, подходящий для фона, изображающего сухой сезон или пустынный пейзаж

Акварель розовый прозрачный слоистый Цветок розовый лотос на белом фоне.

Синий акварельный фон с синими и зелеными пузырями или светлыми кругами боке, наслоенными случайным абстрактным узором.В вычурном дизайне

Многослойный торт, расписанный вручную акварелью, с начинкой из манго и малины и красным бантом. Изолированные на белом фоне

Акварель розовый прозрачный слоистый цветок анемона на белом фоне. Акварель розовый прозрачный многослойный цветок на белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью с вишневой начинкой.На белом фоне

Многослойный торт, расписанный вручную акварелью, украшенный малиной и манго. Кусочки, изолированные на белом фоне

Абстрактная акварель фон на бумаге текстуры. Абстрактный акварельный фон с красными и синими слоями на текстуре бумаги

Ручная роспись акварелью слоеный десерт из кофе и сливок в стакане с кремовой начинкой и кофейными зернами.Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварельной радуги с изолированной кремовой начинкой. На белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный слоеный пирог с радугой и вишней. На белом фоне

Раскрашенный вручную слоистый торт акварель радуга с двумя изолированными розовыми сердечками.На белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварельной радуги с розовыми сердечками и красным бантом. Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную слоистый торт акварельной радуги с кремовым завитком и красным бантом. На белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью, украшенный двумя изолированными розовыми сердечками.На белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварельной радуги с кремовой начинкой и двумя изолированными розовыми сердечками. На белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью, украшенный розовым кремом и двумя изолированными сердечками. На белом фоне

Трехслойный торт с вишней и красным бантом, расписанный вручную акварелью.Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью с вишневой начинкой и красным бантом

Акварельная композиция с чайками и неоновыми многослойными цветами. Ручная роспись элементы, изолированные на белом. Идеально подходит для печати, изготовления открыток и веб-дизайна

Раскрашенный вручную акварельный радужный слоеный торт с ягодами, цветами и листом мяты, вишней, клубникой и малиной. Изолированные на белом фоне

Ручная роспись акварелью трехслойный торт с кремовой начинкой, двумя сердечками и красным бантом.Раскрашенный вручную слоеный торт акварель с кремовой начинкой, два сердца

Многослойный торт, расписанный вручную акварелью, украшенный ягодами, цветами и листом мяты, вишни, клубники, малины. Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный радужный слоеный торт с фруктово-ягодной начинкой, сливками, апельсином, листом мяты и черникой. Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный радужный слоеный торт с шоколадом, ягодами, цветами и листом мяты, вишней, клубникой и малиной.Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный радужный слоеный торт с шоколадом, ягодами, цветами и листом мяты, вишней, клубникой и малиной. Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный слоистый торт с радугой, фруктово-ягодной начинкой, малиной и манго. На белом фоне

Раскрашенный вручную акварельный слоеный торт с радугой, украшенный ягодами, цветами и листьями мяты, вишни, клубники, малины.Изолированные на белом фоне

Раскрашенный вручную слоеный торт акварелью, украшенный кремовой начинкой, черникой, листьями мяты, изолированными дольками апельсина. На белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный Цветок. На белом фоне

Акварель голубой прозрачный многослойный розовый цветок орхидеи на белом фоне.Акварель синий прозрачный многослойный цветок орхидеи на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок розы или пиона на белом фоне. Акварель розовый прозрачный слоистый цветок роза или пион на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок на белом фоне.

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок на белом фоне.Акварель розовый прозрачный многослойный цветок на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок на белом фоне.

Акварель ярко-розовый волнистый многослойный фон. Абстрактная акварель светлый и темно-розовый волнистый слоистый фон вырезки из бумаги. Ручной обращается горизонтальная красная акварель

Акварель ярко-синий волнистый многослойный фон.Абстрактная акварель светло и темно-синий волнистый слоистый фон вырезки из бумаги. Ручной обращается горизонтальный бирюзовый

Силуэт акварельных гор. Слоистые светлые, фиолетовые и ярко-синие горные хребты. Декоративный бордюрный элемент для страницы. Дизайн. Градиент от темного до

Акварель розовый прозрачный многослойный цветок тюльпан на белом фоне.

Акварель розовая прозрачная слоистая Цветочная роза на белом фоне.Акварель розовый прозрачный многослойный цветок роза пион на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок на белом фоне.

Акварель розовый прозрачный слоистый цветок анемона на белом фоне.

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок орхидеи на белом фоне. Акварель розовый прозрачный многослойный цветок орхидеи на белом фоне

Акварель розовый прозрачный многослойный розовый цветок пион роза на белом фоне.Акварель розовый прозрачный многослойный цветок роза пион на белом фоне

.