О реализме, фотореализме и стиле вообще

«Я знаю, что анатомия неправильная, но таков мой стиль», «У этого рисунка нет стиля», «Мне нравится ваш стиль». Мы часто используем слово «стиль», не до конца понимая его значение. Мы понимаем его на подсознательном уровне, как «любовь» или «искусство», но не так уж легко конкретно определиться, что это.

В этой статье я попыталась проанализировать стиль: что это? Можно ли его осуждать? Все ли стили одинаково хороши? Может ли стиль скрыть недостаток таланта? Что делает стиль реалистичным? Что неправильного в копировании чужого стиля? И, самое важное, как мы можем развить наш собственный стиль?

Ответы на эти вопросы заложены в самом рисовании. Если вы никогда не пытались понять что такое рисование, выводы могут удивить вас!

Стиль? Что это? Я даже рисовать не могу!

Или можете? Леди и джентльмены, с удовольствием представляю вам урок по тому, как рисовать!

Шаг 1

Возьмите что-нибудь, что красится, когда на него надавливают (карандаш, например).

Шаг 2

Надавите этой вещью на материал (что-нибудь твердое типа бумаги, дерева и т.д.).

1 –надавливание

Шаг 3

Передвиньте ту штуку с силой, чтобы оставить след.

1 – надавливание, 2 – перемещение

Звучит абсурдно? Но это на самом деле рисование! В основном определении нет ничего о красоте или реализме. К сожаленью, каждый может рисовать – даже слепой!

Это рисунок!

Однако, полное и объективное определение рисования связано с кое-чем более туманным – стилем. Рисование даже чаще ассоциируется с одним конкретным стилем: реализмом. Каким-то образом ценность рисования была связана с тем, насколько оно реалистично. Когда ребенок слышит, что у него есть талант к рисованию, это не, потому что его линии аккуратные, или ему удалось закончить картину без резинки – это только потому, что люди могут понять, что он нарисовал!

Возможно, это талант. Возможно – упорство

Когда кто-то говорит «Я не умею рисовать», он, скорее всего, говорит не о неумении держать карандаш, недостатке времени или еще о чем-нибудь, он подразумевает «Я не знаю, как отобразить реальность на листе бумаги». Если он это осознает, проблема этого человека станет легко решаемой: если ты не знаешь, как сделать что-то, найди того, кто умеет, и научись этому от него! Однако выражение «Я не умею рисовать!» используется не равнозначно «Я не умею плавать/говорить на китайском/играть в шахматы (пока)». Это сигнал безнадежной неспособности: «кто-то там умеет рисовать, а я нет». Откуда взялось это отчаяние?

Как мы говорили, есть 2 определения рисования: оставление следов на материале и создание этих следов, но уже похожих на что-то реальное. Смешение этих значений может стать фатальным для начинающего художника. Вы знаете, как легко рисовать (ведение карандашом по листу бумаги), но в то же время вы не можете это сделать (нарисовать дракона, например). Как еще вы можете это объяснить, если только те люди, которые умеют рисовать, не обладают секретной магией?

Базовый рисунок и рисунок со стилем

Только что вы сделали первый шаг к пониманию того, что такое «талант». Талантливый человек не тот, кто «родился с уже готовыми навыками». Талант – это предрасположенность к чему-нибудь, не ограничиваясь только искусством.

Давайте приведем пример. Управление самолетом это легко, так? Вам всего лишь нужно сидеть, передвигать рычажки и нажимать кнопки время от времени.… Нет, конечно, никто так не скажет. Мы все можем догадаться, что чтобы управлять самолетом нужно, обладать огромными знаниями. Талантливый пилот не родился с этим – однако, он мог родиться с чем-то меньшим: хорошими рефлексами или хладнокровием. Эти маленькие вещи могут помочь ему во многих профессиях, и если он станет пилотом, они хорошо послужат ему.

Талант в практический профессиях проще ассоциируется с изучаемыми навыками. Даже когда вы говорите, что пилот или водитель имеет талант, вы подразумеваете это, как вишенку на торте, что-то, что делает их хорошими пилотами и водителями. Но для художественных профессий… ну, тут другая ситуация. «Ваши работы прекрасны, вы так талантливы!» говорят люди каждому хорошему художнику, подразумевая, что талант – это обязательно хорошо рисовать. И если вы не можете хорошо рисовать, это, наверно, потому что у вас нет таланта – вы обречены, как художник. Хорошая причина чтобы отчаяться, не так ли?

А – водитель, В – художник; 1 – плохой, 2 – хороший, 3 – талантливый.

Давайте повторим еще раз – нет такой вещи, как «талант к рисованию». Как в примере с пилотом, вы можете родиться с маленькими, общими качествами, такими как терпение, чувствительность, любопытство, перфекционизм или упрямство. Их может быть и больше, но объединяет их только одно – они не специфичны, не разработаны для одного конкретного навыка, но влияют на различные области деятельности. Вы можете использовать их, чтобы стать хорошим художником – но они не необходимы. Вы можете стать программистом или часовщиком, и никогда не касаться карандаша.

Я верю, что большинство этих качеств, применимых к рисованию, могут использоваться и по-другому. Что важно вам понять: рисование должно активно изучаться – это не магия, это навык, которому учиться надо так же, как и управлять самолетом. Я серьезно! Вам нужно научиться основам не только дизайна, но и медицины, архитектуры, математики и физики. Но прежде того, как мы поймем, что на самом деле такое рисование, давайте перейдем к тому, чего вы прежде делать, вероятно, не могли – реалистичному рисованию.

Реализм

Вообще, реализм — это стиль создания чего-то в нашем мозгу, что определяется как «реальное» или близкое к реальному. Мы легко можем назвать скульптуру реалистичной, но что насчет плоского листа с чем-то расплывшемся на нем? Как это может быть опознано, как что-то реальное? Я описала это здесь, но сейчас я бы хотела уточнить эту тему.

Наш мозг создает реальность, которую мы воспринимаем, как серию двухмерных снимков, создающихся каждую долю секунды. Глубина же создается сравнением 2 снимков, взятых в один и тот же момент времени, но немного с разной позиции (это не единственный способ создать глубину, ведь, даже с одним глазом, мы можем справится с этим очень хорошо). Поэтому, рисунок может считаться «мозговым снимком», выставленным всем на обозрение.

Отсюда несколько проблем:

• Хоть все «снимки» и сохраняются в нашем мозгу, наше сознание недостаточно быстро, чтобы процессировать их все. Как мы не видим отдельного кадра в фильме, мы не можем заметить и один «снимок» – мы видим только движение, создаваемое изменениями между ними.

• Реальность, которую мы видим, состоит из многих различных «снимков», которые постоянно меняются. Одно движение головы и ты понимаешь, насколько большим будет предмет, если подойдешь ближе (даже если он выглядит маленьким сейчас). Перспектива – неотъемлемая часть нашей реальности – мы не можем вообразить мир без нее. Даже если перспектива существует только в нашем мозгу!

• Невозможно нарисовать реальность – один «снимок» не сделает этого. Следовательно, каждый рисунок это какой-то компромисс и симуляция реальности – обычно несколько снимков объединяются в один, чтобы сделать наше видение полным.

• Вы не можете двигать ваши глаза в одном «снимке». Вы можете только смотреть на что-то, находящееся в вашем фокусе (предмет входит в фокус, когда вы посмотрите на него, изменяя всю сцену). Поэтому рисунок – замороженный «снимок», и когда вы смотрите на это, вы не можете видеть то, что видел рисовальщик.

Существует много уровней реализма. Наш мозг хорошо адаптирован для наблюдения шаблонов, так что мы можем видеть вещи, которых на самом деле здесь нет, как, например, лицо на Марсе или знаки, нарисованными чайными листьями. Вот почему сравнительно легко достичь базового уровня реализма без слишком долгого обучения – наш мозг простит это. Одним из признаков «таланта к рисованию» может быть возможность создавать эти шаблоны очень эффективно – но это не навык, это только догадки. Если вы нажимаете случайно несколько кнопок и заставляете этим машину заработать, это не значит, что вы управляете ею!

Разницу между талантом к созданию шаблонов и реальным навыком легко обнаружить – если вы привязаны к каждому симпатичному рисунку и боитесь, что никогда не нарисуете так больше – это результат таланта. Мастерство не берет удачу за основу!

Линии слева были полностью случайными!

Уровни реализма создаются разными элементами, за которые цепляется наш мозг, ища что-то, чтобы распознать это. Некоторые из них важнее других, и они могут отличаться у разных людей.

Контуры

Линии – значение рисунка. Однако, они не то же самое, что и контуры – контур это линия, которая означает разделение между чем-то «внутри» и «снаружи». Мы очень хороши в видении контуров, даже если их не существует в природе в виде линий. Они полностью произвольны, каждый художник может использовать разные контры для одного объекта.

Это первый этап, на котором появляется стиль. Если что-то произвольно, каждый может создать свою версию этого предмета – и ни одна их них не будет более или менее правильна. Нужно добавить другой стандарт, чтобы судить по нему. Это мы и делаем обычно – мы используем ярлыки, на подобии «реалистично» (очень напоминающий что-то реальное), «мультяшно» (немного линий, символичные фигуры) или «манга» (характерный японский стиль).

Если различие между реальностью и мультфильмом настолько велико, почему каждый не-реалистичный стиль выглядит правильным и приятным глазу?

Каждый стиль приходит от искажения Реализма

Если вы хотите нарисовать кота, вы не можете нарисовать что-то совершенно новое и сказать, что это кот (если только вы не сюрреалист – но даже в этом случае вашей целью должно быть не нарисовать кота). Вам нужно взять все специфичные черты котов и скомбинировать их, чтобы создать новую версию животного. И вам нужно знать правила, чтобы разрушить их. Если вы никогда не рисовали кота прежде, и никогда не изучали его анатомии и пропорции, не ждите, что ваш рисунок будет правильным. Это, как с моделью машины – если вы не можете построить оригинал в первую очередь, вы не можете сделать и свою версию.

Каждый стиль основан на Правилах

Все должно иметь замысел – вы не должны случайно передвигать элементы. Вот почему начинающие художники обычно имеют проблемы с перерисовыванием их персонажей – первый рисунок – результат догадки, и даже если он выглядит хорошо, художник не понимает почему!

Если ваш «стиль» не основан на правилах, это не стиль. Стиль можно описать – и если ваш не имеет правил, как вы можете описать его? «Стиль Х характеризуется… ну, на самом деле это было нарисовано Х». Здесь не больше смысла, чем в характеристике  машины Y: «это выглядит, как машина Y». «Спонтанность», «случайность» или «безумие» не совсем хорошие слова для описания стиля. Здесь должно быть больше определений – рецепт, который вы можете использовать снова и снова – даже если вы единственный человек, знающий все о своем стиле.

Правила делают стиль повторяемым; именно на его основании. Одна картинка не создает стиль, их должно быть больше. Это приносит нам следующую проблему:

Стиль сознателен

Вы можете подумать «ты говорила стиль приходит из реализма, но что насчет абстракционизма?»

Во-первых, искусство не равно стилю. Это гораздо обширнее и мы не будем говорить о нем здесь..Что важно для стиля – он может быть описан на многих уровнях детализации. Образец «Дерево» можете выглядеть как: рисунок – черное и белое – манга – (сюда поместите конкретные правила). То же самое с абстрактным искусством: рисование – цветное – абстрактное – (сюда поместите конкретные правила).

Во-вторых, это может прозвучать спорно, но я считаю, что и абстракции произошли от реализма – это его отрицание. Чтобы создать что-нибудь абстрактное, вы нуждаетесь в знаниях о том, что такое неабстрактное. Если вы хотите нарисовать темную картину, вам нужно знать, какие цвета вам нужны – вам нужно знать, что не темное. Кот не выглядит котом, потому что вы не научились рисовать не абстрактно – это просто ошибка. Когда финальная картинка полностью отличается от того, что в вашей голове, и вы притворяетесь, что этого вы и хотели, вы только обманываете себя.

Может, я выхожу из своей компетенции здесь: определение искусства настолько неуловимо, что кто-то может назвать это пятном, состоящим из красок, брошенных на стену (это потому что искусство настолько случайно и непреднамеренно). До тех пор, я не назову случайность стилем – и даже если я делаю это, определение стилем будет «рисунок, который не был намерением художника». Не хотите ли вы поделиться своим стилем с 2-х летним?

Это мама, папа и Бади. Возможно, вы не можете распознать их, но это мой стиль.

Золотое сечение – мера красоты

Это большая тема, но определенно стоящая изучения. В основном, это пропорции, которые заставят ваши предметы выглядеть хорошо – и наоборот, предметы выглядят плохо, без конкретных пропорций. Наш мозг как-то подстроен под золотое сечение – вы не можете изменить его. Чистая математика имеется в каждом цветке и листочке, и та же математика должна быть применена ко всему, что вы создаете, чтобы ваш мозг распознал это, как верное, даже если ваш рисунок не реалистичен.

Конечно, могут и должны быть маленькие различия (идеальная красота скучная, а небольшие дефекты могут быть приятными). Но основное «тело» вашего объекта должно следовать этим правилами, хотя бы примерно. Так что даже когда вы меняете голову, чтобы нарисовать ее в мультяшном стиле, есть некоторые размеры, которые должны всегда выглядеть хорошо, а некоторые нет – возможность видеть их без измерений может быть еще одним признаком «таланта», но этот приходит и с практикой.

Пропорции между А и В такие же, как между А+В и А

Адаптация

Есть одна вещь, которая может сохранить ваш стиль, неважно насколько он безумен и далек от реализма. Это зовется адаптацией – когда вы смотрите на что-то необычное часто, это становится нормальным для вас (но не для других). Так что если вы показываете ваши рисунки одним и тем же друзьям на протяжении долгого времени, они могут начать понимать их. Их оценка  может привести к ложному предположению о наличии у вас стиля, но он до сих пор не понятен другим. Не запирайте себя в зоне комфорта, но, вместо этого, слушайте мнения других людей, не только ваших фанатов. Это единственный путь развиться, как художнику.

Есть и другая сторона адаптации. Мы, как правило, учитываем только те вещи, с которыми мы знакомы как с «нормальными». Вот почему даже правильно нарисованный, но малоизвестный динозавр может выглядеть анатомически неправильным, и анатомия кошки по отношению к лемуру может пройти незамеченной. Забавный факт: те же 4 ноги, те же уши, размещенные в верхней части головы более оправданы, чем три ноги и уши на макушке – это только потому что подобное часто встречается в нашем мире и, таким образом, воспринимается как естественное.

Длинный полосатый хвост? Есть! Черная маска на голове? Есть! Круглые глаза? Есть! Тонкое тело? Есть! Все верно – это должен быть лемур

Свет и тень

Первой целью видения была способность различать свет и тень. Мы до сих пор чувствительным к этому. И нам не нужны контуры, чтобы видеть форму, если даны свет и тень. Это может быть новой стадией рисунка (затемнение с помощью линий) или первой стадией живописи.

Мы заметили, что есть несколько элементов, которые могут относиться к «таланту к рисованию», как терпение, перфекционизм, способность создавать шаблоны и распознавать пропорции. Талант к живописи встречается гораздо реже. Его основой будет «глаз для наблюдений». Идея о том, что мир создан из контуров, настолько закреплена в нашем мозгу, что очень трудно увидеть фигуры, созданные светом и тенью. Вам нужно приложить реальные усилия, чтобы визуализировать мир таким, какой он на самом деле – покрытый светом и тенью. И даже тогда попытка живописи может привести к боли в мозгу (у меня, по крайней мере). Однако это того стоит – рисунок со светом и тенью выглядит гораздо реалистичнее для наших глаз, чем сложный и изысканный шедевр, состоящий только из контуров.

Свет и тень, и формы, которые они создают, так же открыты для стиля, как и контуры. Размер и форма кисти обводки дают вам шанс создать бесконечное число полностью различающихся интерпретаций увиденного. Когда вы добавляете ваше собственное видение света и тени, вам не нужно бояться не быть понятым. Прочитайте больше о свете и тени здесь— и удивитесь, как вы можете использовать эти правила для создания вашего собственного стиля.

Цвет

Цвет это отличное добавление к зрению, приносящая много новой информации. Сейчас, помимо освещенности, мы получаем оттенок, насыщенность и яркость. Чем больше элементов составляют картинку, тем больше возможностей для создания индивидуального стиля.

Вы можете быть реалистичным – но не обязаны. Я часто вижу художников, которые хороши в реалистичном рисовании (контуры) и потом берут самые реалистичные цвета – все так, как на самом деле. Это не необходимо, даже больше, это приносит вас ближе к скучному фотореализму! И проблема с фотореализмом (давайте поговорим о нем попозже) – это стиль, который выглядит одинаково, независимо от того, кто его использует. Если вы хотите свой отличительный стиль, чтобы он был полностью вашим, экспериментируйте с правилами. Вам нужно знать их, конечно, изучайте природу и объекты вокруг вас, но потом поменяйте то, чему вы научились. Создайте собственные правила!

Apofiss – стиль этого художника великолепный пример игры с реальностью

Детали

Это может быть удивительно, но детали не важны для реалистичного рисования. Поскольку мы действительно не видим картинки в нашем мозгу, и картина – всего лишь симуляция предполагаемой сцены, мы можем по-разному создавать ее. Рисование всего так, как это выглядит в одну долю секунды, только лишает вас чувства ситуации. Значение распределено на несколько снимков. И, если вы хотите нарисовать картину, не создавай кино или анимацию, вам нужно использовать несколько трюков.

Способность передавать движение в неподвижной картине может быть еще одной частью таланта. А детали могут помешать вам достигнуть этот цели. Когда мы видим, прежде всего вы замечаем некоторые нематериальные ощущения – мы видим движение, борьбу, свет на мече, красную кровь – но не каждый волосок в бороде воина или его мастерские украшенные доспехи.

Здесь только пятна света и тени. То, что вы видите здесь, зависит только от вас!

Столько пространства для стиля, между бесформенностью тени и детализированностью какой-либо сцены. Бесконечное количество путей достичь «чувства». И когда вы жертвуете деталями, вы можете очень легко найти свой стиль. Есть только один способ рисовать детали реалистично – и бесконечное число способов создать только их ощущение.

Фотореализм

В чем разница между реализмом и фотореализмом? До сих пор мы обсуждали снимки в мозгу. Что если кто-нибудь сделает их реальной камерой? Фотографии стали полностью нормальными для нас. Мы воспринимаем их как реальное представление реальности, не понимая, что камера не работает точно так же как наши глаза и мозг. Мы настолько привыкли к фотографиям, что они иногда становятся более реалистичными для нас, чем реальность, сама по себе!

Фотореализм не высшая форма реализма. Это только создание вещей настолько тщательное, что они могут быть перепутаны с фотографией. Но, давайте повторим еще раз, фотография – не то же самое, что снимок в нашем мозгу – камера не ловит иллюзию и не устроена так, как мы привыкли думать. Как часто вы уставали фотографировать что-то, не получая в результате того, что вы видите это (луна, закат)? С небольшими знаниями фотографа вы можете зафиксировать это, но сейчас можно пойти дальше и создать расширенную реальность – что-то, что воспринимается лучше, чем просто глазами! И я не говорю о фото манипуляциях – камера сама по себе может быть настроена видеть мир разными способами. И когда вы добавляете собственный свет, не встречающийся в природе, вы получается привлекательный, но нереалистичный эффект. Обучение на фотографиях может и не приблизить вас к реализму.

1 – реализм, 2 – фотореализм

Вы можете сказать «но фотографии такие реалистичные, так что это одно и то же». Неправильно – вы только думаете, что они реалистичны. Сделайте снимок, а потом просто смотрите на это место – разница бросится в глаза. Это технические различия, такие как блики (это не происходит в наших глазах так, как в фотоаппарате), или форма зоны вне фокуса (мы смотрим двумя глазами, поэтому эта область не только размыта, но так же состоит из двух изображений). Но так же более неуловимые – камера ловит только то, что есть, но наш мозг может сделать это гораздо реалистичнее. В не сможете сфотографировать что-либо глазом, полным слезами, или глазом напуганного человека, бегущего через темный лес ночью. Мы не только видим, мы так же чувствуем – а фотографии игнорируют последнее.

Еще одна вещь: я говорила раньше, что невозможно нарисовать реальность. В то же время, камера пытается идеально передать реальность. Это не делает фотографии более реальными, чем то, что мы видим – они слишком объективны и лишены очень важной части реальности. Как будто поход в ресторан это только путешествие в дорогое место, чтобы утолить голод, реальность состоит не только из визуальных сигналов.

Местность под небом на самом деле не такая темная, и цвета могут быть не такими яркими

Конечно, это не значит, что фотореализм неправильный. Я просто хочу противостоять тому убеждению, что реалистичный художник должен быть настолько близко к качеству фотографии, насколько это вообще возможно. Это два разных стиля, и не один из не «лучше» или «выше». Очень важно наблюдать мир просто глазами и не полагаться только на фотографии. Я знаю, их проще найти, но иногда собирание листьев и создание эффекта поверхностного рассеивания света вашими силами, может научить вас большему, намного большему. Учась и на реальности, и на фотографиях вы сможете создать полностью новый и уникальный стиль.

Рисование из головы

А что насчет вещей, которые не существует на самом деле? Возможно, нарисовать их реалистично или в любом другом стиле, происходящим от реализма? Да, но вам нужно нарисовать их так, как если бы в нашем мире они были бы реальными. Вы скажете: «но я хочу использовать нереалистичный стиль, например, дракон с тонкими ножками, как спички, и большой круглой головой. Хорошо, но заметьте, что вы используете «ноги» и «голова». Это вещи из нашего мира, с точным определением. Это отправная точка для ваших созданий. Вам необходимо знать, как рисуется голова, даже, если вы хотите создать новый вид головы.

Между прочим, я хотела бы уточнить один вопрос: почему вы не можете нарисовать, что-то реалистично, даже, если вы знаете, как это выглядит? Вы можете очень четко представить лошадь, но на бумаге она выглядит полностью неправильной. Не это ли недостаток таланта.

Нет, здесь мы снова смешиваем два разных процесса: выявление и создание. Давайте посмотрим на этот псевдо-код:

Идентификация:

1

2     если (ноги == «длинные, тонкие, к копытами»

3    И

4     тело == «большое, сильное»

5     И

6     голова == «вытянутая»

7     И

8     хвост == «длинный»)

9     тогда

10    животное = лошадь

Когда вы видите животное с набором качеств, которые хранятся в вашем мозгу, как принадлежащие лошади, вы узнаете лошадь. Просто, не так ли? Вам не нужно знать каждую деталь лошади, чтобы понять, кто это – лишь некоторых достаточно. То же самое происходит, и когда вы визуализируете лошадь в вашем воображении – вы не видите каждую деталь, о которой вы даже понятия не имеете, а ваш мозг скрывает этот недостаток.

Создание

1 если (животное == лошадь)

2 тогда

3 ноги = х;

4 если (х == «с копытами»)

5 тогда

6 ширина копыта = ?;

7 высота копыта = ?;

8 закругленность копыта = ?;

9 длина ног = ?;

10 ширина ног = ?;

11 высота ног =?;

12 длина тела = ?;

13 ширина тела = ?;

14 высота тела = ?;

15 длина головы = ?;

16 ширина головы = ?;

17 высота головы = ?;

18     …

Совершенно другая ситуация, когда вы ходите создать лошадь сами. Внезапно вам нужно знать значение всех этих переменных и даже больше! Вы начинаете рисовать копыто и понимаете, что не знаете как оно выглядит – даже если вы можете распознать его, если увидите.

1 – идентификация, 2 – создание

Все проблемы с созданием исходят из плохой базы знаний о реальности. Слишком часто мы только думаем, что мы знаем, как та или иная вещь выглядит, но когда дело доходит до деталей, их просто нет у нас в памяти. Когда вы читаете книгу, вы не видите каждую травинку, под ногой главного героя, на самом деле, вы даже не задумываетесь о том, какое у него лицо (до тех пор, пока вы не увидите его в кино). Вы под впечатлением от видения законченного мира в книге, но когда кто-то рисует это и показывает вам, окажется, что у вас много пробелов. Если вы хотите создать ваш собственный стиль, начните с изучения реализма – соберите все, что вы видите в вашу базу знаний.

Стиль и осуждение

Комментатор: «Я думаю, эти ноги не должны быть такими длинными, это животное такое мускулистое, и выглядит так, будто сейчас же упадет»

Художник: «Мне нравится так рисовать, это мой стиль, ты не можешь осуждать это!»

Комментатор: «Я обожаю эту картину! Его хрупкие ноги такие милые!»

Художник: «Спасибо!»

Не замечает чего-то странного? Критика это не только негативные или позитивные отзывы. Это и то, и то. В тот момент, когда вы выкладываете ваш рисунок куда-нибудь (или показываете его кому-то), вы ставите его на обсуждение. Когда вы это делаете, но ожидаете только позитив, выглядит так:

Художник (готовит что-то и ставит на стол): Вот!

Гость 1: Мм… Вкусно!

Художник: Спасибо! А что ты думаешь, Гость 2?

Гость 2: Честно говоря, мне нравится, слишком солоно.

Художник: Но это МОЙ рецепт! Ты не можешь говорить нравится тебе или нет!

Нелогично? Да, но когда вы публикуете вашу работы в ожидании только похвал, вы так же не думаете логично. Каждый может судить вас, вы не можете лишить их этого права. Но их осуждение ничего не меняет в объекте.

Представьте, у вас есть камень, который вы любите, может напоминание о каком-то важном событии в вашей жизни. Вы выкладывает миллион фоток этого камня на вашем профиле и когда друзья начинают ворчать, вы агрессивно отвечаете: «но это МОЙ камень!Вы не можете осуждать его! Вы не знаете, как он важен для меня!». Да, они не знают и никогда не узнают – тогда зачем вы опубликовали эти фотографии? Если этот камень/стиль можете понимать только вы, почему другие должны это увидеть? Вы хотите, чтобы они не осуждали это? Вы не можете залезть к ним голову. Если вы хотите, чтобы ваш стиль приняли и рассматривали, как настоящий, сделайте его понятным (используйте советы из предыдущих пунктов). Если вы не хотите – ну и зачем вы их выложили?

Стиль, как и все на свете, может быть осужден. Когда человек говорит, что ему или ей не нравится стиль Короля Льва, это не значит, что он не прав, потому что существует множество людей, которым он нравится – это просто мнение! Оправдание « это мой стиль, ты не можешь судить его!» это на самом деле отчаянная мольба «не говори, что это неправильно, не говори, не говори…».

Чтобы ответить на вопрос поставленный во введении, нет никаких «лучше» или «хуже» стилей, пока у вас нет определенного стандарта. Стиль не «уродливый», он «не достаточно реалистичный для меня». Однако, стили могут быть более или менее развитыми, так что будьте осторожны и не используйте «стиль» в качестве щита от критики.

Копирование стиля

Я думаю, большинство художников начинает с этого, сразу после детских каракулей. Они комфортно себя чувствуют с карандашом в руке (они «хороши в рисовании» в самом общем смысле), но в то же время их прогресс не такой быстрый, как бы им хотелось. Так что вместо обучения у других, они начинают полностью их копировать. Неожиданно их картины выглядят идеально, и каждый любит их. Это обычно начинается с обводки картины, затем художник копирует ее глазами, и в конце концов изучает правила стиля, чтобы создать собственного персонажа и получить немного независимости. Настолько ли это плохо? Давайте посмотрим:

Плюсы:

• Вы хорошо владеете карандашом и линиями

• Ваше координация типа глаз-рука хорошо развита

• Подсознательно вы учитесь золотому сечению

• Вы учитесь, как получать удовольствие от рисования

• Вы без давления рисуете, чтобы стать лучше, потому что вы уже хороши

• Вы чувствуете, как хорошо, когда ваши навыки хвалят

Минусы:

• Вы хорошо чувствуете себя в рисовании и вам не нужно изучать что-то еще – так, вы останавливаете свое развитие

• Ваше креативность не так развита

• Вы относитесь к стилизации, как к чему-то нормальному и верному, чему-то реальному

• В отличие от настоящего художника, вы игнорируете все правила, которые приводят к созданию стиля, так что вы никогда не достигнете вершины

• Стиль становится вашей частью и вы не можете выйти из него, даже если пытаетесь создать собственный стиль (это серьезно!)

• Вы не способны судить свой рисунок объективно, вы – и другие тоже, — рассматриваете его только с той стороны, насколько он близок к оригиналу

• Вы строите свою зону комфорта, из которой трудно выйти

• Вы становитесь зависимым от похвалы и боитесь пробовать что-то новое, потому что оно может быть не таким хорошим

Но что насчет манги? Разве рисование манги не «копирование стиля»? Не совсем. Манга (или «особый стиль японских комиксов») это набор других стилей. Как, например «Дисней стиль», может дать вам направляющие, кучу всего полезного о пропорциях, но все равно останется пространство для развития чего-то вашего. Другая ситуация, когда вы концентрируетесь на каком-то конкретном стиле (определенного комикса/мультфильма), но это все равно не полностью ограничивает вас правилами, созданными кем-то другим.

Если последний абзац прозвучал для вас стимулом, есть несколько плохих новостей: каждый хороший художник в манге имеет свой собственный стиль, как и любой другой хороший художник. Будьте уверены, у них много опыта в реализме, и они просто выбрали мангу, как основу их стиля. Если у вас нет. выбора, кроме как рисования в чьем-то стиле, можете ли вы рисовать? До тех пор пока вы не поймете, на чем основан стиль (реализм), вы никогда не сможете менять его свободно. Вы просто не будете знать как изменить что-то, не разрушив всего остального!

Заключение

Рисование намного сложнее, чем мы привыкли думать. Настолько простое в основании и такое невообразимо сложное, когда дело доходит до драконов и воинов… Я думаю, большинство этих проблем начинающих происходят от непонимания их хобби – это не помещение линии на бумагу, согласно какому-то мистическому процессу в голове. Когда вы поймете, как много аспектов имеет рисование, станет очевидно, что каждый из них может быть изменен, для создания нового стиля. И раз все стили произошли от реализма, начните с его понимания – наблюдайте, будьте осторожными, сделайте реальность единственным стилем, который вы копируете.

Посмотрите на других художников – найдите в их работах реализм, посмотрите, что они изменили, решите как вы можете использовать это знание. Вы не развиваетесь как художник, только когда держите карандаш – всегда, когда вы делаете попытку внимательно смотреть и понимать что-нибудь, ваш опыт растет!

Наблюдайте, удивляйтесь, задавайте вопросы – и тогда сделайте то, что хотите с линиями, светом и цветами, чтобы донести ваши наблюдения до других.

Оригинал статьи: Realism, Photorealism and Style

Автор статьи: Monika Zagrobelna

Эмоциональный реализм. Рисунки карандашом. Kelvin Okafor

Эстель Ловат описывает его работу как «эмоциональный реализм» и говорит, что его портреты выходят за рамки «фотореалистичных» рисунков
Келвин Окафор (Kelvin Okafor) — британский художник. Родился 1 ноября 1985 года в Лондоне, Великобритания. Изучал Базовый курс по искусству и дизайну в школе «City & Guilds Art School» и окончил «Middlesex University» с дипломом по специальности «Изобразительное искусство».

С тех пор, как Кельвин Окафор себя помнит, он всегда был эмоциональным и очень чувствительным человеком. Кельвина вдохновляло, волновало и пленяло, практически, всё, что его окружало. Когда ему было 8 лет Окафор, по его воспоминаниям, сильно увлёкся рисованием карандашами. Он считает инструмент «скромным» и, чтобы описать его техническую и сентиментальную ценность, использует выражение «живость».

Больше всего в карандашах его очаровывало то, что с помощью различных оттенков графита в рисунках можно создавать тона и текстуры, столь определенные и абстрактные, что у зрителя перед ними формируется иллюзия цвета. Художника так сильно вдохновило понимание этого свойства графита, что большую часть детства и нности он провел, пытаясь лучше изучить рисование карандашом.

Стиль, в котором Окафор создает свои чёрно-белые портреты, известен как гиперреализм. Искусствовед Эстель Ловат описывает его работу как «эмоциональный реализм». Она упоминает, что произведения Окафора выходят за рамки «фотореалистичных» рисунков, и вместо этого использует термин эмоциональный реализм для описания аффективной природы его работ.

Окафор понимает, что создаёт произведения искусства, которые вызывают эмоциональный отклик у зрителей. Отклик, который пробуждает чувства очарования, тишины и осознанности.

Эмоциональный реализм. Рисунки карандашом. Kelvin Okaforkelvinokaforart.com

Как рисовать: Реализм • Makusha

Голова

Смотрим третью часть обучающей программы по рисованию головы человека карандашом. Все дальнейшие уроки вы

DC

Как рисовать Человека из Стали, Супермен на подиуме! Здравствуйте! Бьюсь об заклад, вы уже

Как рисовать глаза

На прошлом видеоуроке мы узнали как рисовать женские губы. Теперь же посмотрим еще один

Корабли

Очередной видеоурок рисования. Сегодня я хочу, чтобы вы увидели как рисовать в реалистичном стиле

Драконы

Если бы мы сопровождали свои уроками своеобразными слоганами, то этот имел бы такой: «Всем

Драконы

Я очень люблю драконов и мы их рисовали много раз (дракон раз, два, три,

3D

Невероятная иллюзия крокодила на бумаге. Удивительный рисунок на бумаге. Это анаморфная иллюзия и урок,

Домашние

Этот видеоурок сегодняшнего дня расскажет вам об одной из техник рисования карандашом на примере

3D

Урока пригодится всем начинающим художникам, стремящимся стать профессионалами. Или даже новичкам в искусстве рисования,

Реализм

Мы рисуем волков регулярно и несмотря на это я продолжаю любить эту тему и

Ландшафт, места

Замечательный и подробнейший урок рисования леса. Давайте окунемся в наше прекрасное, хоть и слегка

Реализм

Вашему вниманию видеоурок на тему, как легко и просто нарисовать карандашом сексуальные женские губы.

3D

Видеоурок о том, как рисовать реалистичную мятую бумагу карандашом поэтапно. Автор прилагает максимум усилий,

Реализм

Посмотрим с вами сегодня как нарисовать натюрморт карандашом поэтапно. Видео длиной всего 18 минут,

Новый Год

Новый Год не за горами и мы должны готовиться к этому уже в разгар

Общие уроки

Мы еще не злоупотребляли рисованием натюрмортов и можем с вами потренироваться рисовать натюрморт с

Реализм

Мы уже неплохо разбираемся в анатомии и рисовании частей тела людей, но временами стоит

Голова

Мы кое-что понимаем уже о набросках и пропорциях головы человека и сейчас можем посмотреть

Реализм

Давайте еще раз коснемся интересной темы, как рисовать красивые женские губы реалистично и поэтапно.

Голова

На этом уроке покажу вам первое видео из серьезного цикла уроков на русском языке.

Портреты

Прекрасный портрет девушки на заказ, нарисованный для салона красоты высокого уровня. Картина получилась масштабной

Затенение

Посмотрим теперь немного более сложный натюрморт (продолжение урока рисования натюрморта чуть ранее), для которого

Знаменитости

Сегодня вашему вниманию мы представляем урок рисования с серьезным замахом на творчество, а именно,

DC

Я решил облениться окончательно и собрать ваши улыбки понимания. Но Роршаха выложу в виде

Зачем нужен реализм в рисовании? – Shtukensia Gallery

Почти все классические художественные учебные заведения основаны на том, что учеников и студентов учат воспроизводить реальность. Академический рисунок — основная дисциплина, без знания которой вы вообще не можете считаться художником. Когда люди оценивают чьи-то рисунки и художественные работы в 21 веке (ну хотя бы сегодня, в 2019 году в России), то первое, на что смотрят, это “похоже / не похоже”. То есть до сих пор картины и рисунки де-факто играют роль “фотографирования”, то есть копирования действительности с некоторым художественным приукрашательством.

Не будем искать причины столь узкой трактовки художественных работ массами, лучше давайте задумаемся о том, насколько необходимо художнику все-таки уметь рисовать в классическом смысле, стоит ли потратить время и силы на развитие навыков академического рисунка? Раньше я задавалась вопросом — “есть ли известные художники, которые “не умели рисовать”, и оказалось, что таких можно встретить. А сегодня я задаюсь вопросом, на что мне тратить свою жизнь — на реализм или на что-то иное? Ведь для чего еще изучать академический рисунок, если не стремиться делать искусство в реалистичном стиле?

Можно подумать, как это часто бывает, что человек ленив или не способен к реалистичному рисованию, и он просто решил оправдать себя тем, что его дескать это и не нужно. Так можно сказать про пианиста, который не хочет выучить ноты, но сочиняет музыку и вообще называется себя музыкантом. Почему бы не овладеть навыками, изучить правила, чтобы потом со спокойной душой и знанием дела их нарушать. Ведь не зря же многолетний опыт художественного образования подсказывает, что человека учат рисовать с реальных объектов — натюрмортов и гипсовых голов. Дает ли такое образование больше возможностей творчества или оно закабаляет мозг и обрубает воображение, загоняя личность в рамки общепринятого?

Я изучаю рисунок самостоятельно, но не скажу, что делаю это очень усердно. Я больше люблю рисовать от души, хотя на начальном этапе мне очень хотелось рисовать “похоже”. Постепенно я стала понимать объем времени и сил, который мне нужно затратить на то, чтобы освоить реализм, и я задалась вопросом — стоит ли игра свеч? Мне уже 32, я в своей жизни огромное количество времени потратила на разные вещи, которые мне казались важными, но потом я понимала, что то, что я считала нужным раньше, позже оказывалось не тем, что делало меня счастливой. Я приобрела не так много реально полезных для меня инструментов и скиллов за жизнь, а большая часть тех вещей, которые я научилась делать, лежит в моем чемоданчике мертвым грузом.

И все эти малополезные скиллы были связаны с общепринятыми полезными навыками, с тем самым “правильным” образованием, с тем, что называется “так люди делали многие годы, и ты делай”. И вот сейчас я художник, пусть и самопровозглашенный. И я думаю, стоит ли мне еще потратить несколько лет своей жизни на изучение того, что мне не то что бы очень интересно, но вроде бы нужно, чтобы быть профессионалом. А нужно ли? Я рисую то, что мне нравится. Кайфую от самого процесса и от результата. У меня есть какие-то свои стили и любимые приемы, которые я нигде не подсмотрела, а придумала сама путем проб и экспериментов. Мне нравится, что мои работы имеют оттенок реализма в том смысле, что можно узнать, где человек, а где дерево. Но мне не интересно создавать правильные и аккуратные работы, ведь уже есть множество людей на Земле, делающих то же самое.

Даже если я потрачу несколько лет упорного труда и освою академический рисунок и все правила масляной и другой живописи, то в итоге что я получу? Я просто стану таким же художников, каких сейчас уже рисует сотни тысяч по всему миру. То есть я опять вложу много сил и времени в то, что не приносит мне счастья в процессе, а по результату я не получу ровно никакого преимущества. Не лучше ли эти годы просто рисовать?! Ясное дело, что реализм просто более понятен людям, за него проще платят, легче найти работу / проект и так далее. Но у меня нет такой задачи, чтобы доказать кому-то, что я художник. Я художник и все. Я создаю картины. Я делаю это, когда у меня руки чешутся. Я к тому, что нет какого-то правильно единого пути для всех, каждый сам определяет, что ему нужно для своего дела.

Когда мне нужно было изучить что-то, я открывала интернет, смотрела видео и читала книги. Мой уровень рисунка сейчас достаточен для того, чтобы меня это больше не бередило. У меня иногда бывают вопросы, тогда я открываю книгу и делаю упражнения. Но я не скажу, что сейчас для меня это приоритет. Намного больше сейчас меня волнует состояние современного искусства. Я все больше понимаю, что реализм это просто одно из очень древних направлений, имеющих большую историю и до сих пор востребованное. Но есть еще очень много других направлений, в которых важны совсем другие навыки, идеи, мысли. Я бы не стала даже противопоставлять их друг другу, все сильно переплетается.

В идеале, конечно, владеть всем! Уметь создавать реализм, кубизм, постмодернизм и прочее. Одно не предшествует другому, все развивается параллельно. Хотя есть направление, зародившиеся чуть раньше, но я бы не сказала, что все направления следуют из реализма, как многие думают. Как будто все современное искусство, начиная с импрессионизма, это просто исковерканный реализм. Как будто раньше люди умели рисовать, а сегодня разучились и поэтому рисуют что попало. А вот если бы умели и могли, то каждый бы точно рисовал как на фото и даже лучше, но 100% узнаваемо. Разве в этом есть хоть какой-то смысл? Всем рисовать то, что видишь. Зачем это? Есть фото, видео, 3D голограммы, стереоснимки… и еще все художники мира рисуют реализм.

Я думаю, что искусство и люди, его создающие, это что-то большее, чем зеркало жизни, это еще и коммуникация на других уровнях, кроме буквального. Не зря люди понимают юмор, аллегории, умеют ощущать множество чувств и эмоций, имеют мощный разум. Высокоразвитые организмы, люди, способны на большее, чем только смотреть на копию себя в отражение картины. У меня, например, имеются потребности к новому, неизведанному, к чему-то неясному, интуитивному. Мне интересно знакомиться со своим подсознанием, ведь многие мои рисунки — это как сон на яву, эксперимент, новаторство. Я думаю, что художник — это не тот, кто окончил художественную школу и институт; художник — это тот, кто отражает в своих работах никому не видимую часть себя. А уж как именно он это делает, роли не играет 🙂

Тату в стиле Реализм: фото, эскизы

Реализм – один из самых популярных стилей тату. Рисунки, выполненные в такой технике, – натуралистичные, «живые», проработанные до мельчайших деталей. Очень часто их воспроизводят по фотографиям.

История возникновения

Реалистичные рисунки начали набивать на тело более ста лет назад. Основоположником этого направления называют профессора, изучавшего такие тату и собравшего внушительную коллекцию их копий. Однако пика популярности эта техника достигла сравнительно недавно. Это объясняется тем, что мастера набрали опыт, а их инструменты модифицировались, расширив возможности дизайна.

Характерные черты реализма

Татуировки в стиле реализм завораживают вживую и на фото. Однако чтобы они были именно такими, нужен опытный талантливый мастер. Сделать фотографичный рисунок трудно даже на бумаге или холсте, а его нанесение на кожу – это еще более сложная задача из-за неоднородного рельефа.

Обычно работа над такой татуировкой проходит в несколько этапов, потому что специалист тщательно прорабатывает каждую деталь и штрих.

Специфических особенностей по размерам и цветам нет. Тату в стиле реализм могут быть цветными или ч/б, на руке («рукав», предплечье, запястье) или во всю спину.

Черно-белые рисунки – одни из самых эффектных. Разные оттенки черного и серого позволяют очень красиво прорисовать теневые части, некоторые детали, плавные переходы.

Важно, чтобы в цветной или черно-белой реалистичной татуировке было не слишком много белого красителя – его избыток снижает долговечность.

В этой технике выполняют также не просто «живые» тату, а трехмерные – самые натуралистичные и красивые.

Еще одна особенность реализма – тяжелые последствия ошибок. Достаточно вспомнить интернет-мем, на котором человек демонстрирует эскиз с изображением тигра и результат – не роскошное реалистик-тату, а как будто рисунок дошкольника. Однако этот стиль не прощает даже очень мелких неточностей – из-за них утрачивается сходство с оригиналом.

Популярные сюжеты

В технике реализм можно выполнить любое изображение: животное, птицу, насекомое, цветок, дерево, архитектурную форму. Однако самыми популярными остаются портреты любимых, родных, кумиров, знаковых исторических персон. Изображения почивших людей чаще всего делают черно-белыми. В таком стиле можно сделать даже портрет супергероя или суперзлодея, например Джокера.

Кому подойдет стиль?

Это один из универсальных стилей, который любят и мужчины, и женщины. Он подойдет каждому желающему.

Преимущества Art Of Pain

У нас работают мастера высокого уровня, с большим опытом создания тату реализм. Эскизы разрабатываются индивидуально либо возможен перенос рисунка на тело с фотографии. Применяется современная аппаратура. Наш мастер создаст на вашем теле уникальное изображение с высокой детализацией, которое будет радовать вас всю жизнь.

Тату в стиле Реализм, значение, фото, татуировки реализм (realism)

Среди множества стилей, в которых представлены нательные рисунки, выделяется реализм. Он может быть менее декоративным, чем остальные, но однозначно самый эффектный. Люди, желающие посадить себе на плечо «живого» паука и бабочку или имитировать при помощи иллюстрации шрам либо показать через тату строение организма человека, обращаются к мастерам, работающим в этом стиле. Кроме того, именно реализм — та техника, которая позволяет заиметь на теле изображение любимого идола, родственника, животного.

Baraka — тату салон в СПб!

Хотите сделать тату в стиле реализм? Приходите в наши тату салоны в СПб!

На данный момент «BARAKA» — это четыре тату студии в Санкт-Петербурге, объединяющие более тридцати разноплановых мастеров татуировки. Но в каком бы стиле не работали наши мастера, их непременно отличает высокий художественный уровень и уникальный подход к каждой работе!

Стиль реализм в настоящее время относится к самым востребованным. Желающих получить на теле изображение рок-идола или роскошной девушки сегодня не меньше, чем тех, кто хочет обзавестись татуировкой-орнаментом или надписью. Причем иногда тату в стиле реализма — это нечто больше, чем картинка. Работы самых даровитых мастеров с большим опытом практически невозможно отличить от фотографии.

Тату в стиле реализм отличается своей молодостью. Если полинезийские нательные рисунки существовали на протяжении тысячелетий, успешно дойдя до нашего времени, то история реалистичных изображений едва ли насчитывает век-другой.

Такое фотографическое искусство нательной живописи стало возможным лишь с появлением современных тату машинок. И отчасти оно становится все более совершенным вслед за их усовершенствованием.

Отметим, что первая — еще механическая — тату машинка была разработана в конце девятнадцатого века. И планомерное развитие искусства татуировки Realism началось где-то с первой половины двадцатого века.

Отличительные черты

Среди характеристик реализма стоит отметить его сложность. Только опытный и талантливый мастер сможет создать качественное тату. Поэтому лучше смотреть примеры работ татуировщиков перед тем, как приходить к ним с фотографией. Печальные опыты обращения не по адресу в большом количестве можно найти в Интернете. Это те случаи, когда амурский тигр на плече больше похож на нарисованного семилетним ребенком кота, а изображение любимой женщины заказчика при переносе со снимка на кожу трансформировалось в карикатуру.

Тату в стиле реализм трудно выполнять и из-за нюансов техники. Тонкостей тут предостаточно. Например, мастер должен будет уметь подобрать цветовую палитру так, чтобы белого цвета не было много. Это обеспечит долговечность татуировки.

   

Помимо сложности нанесения рисунка, работа в целом характеризуется трудоемкостью. В процессе приходится скрупулезно прорисовывать каждую мельчайшую деталь. Это влияет и на цену рисунка. В тату-салонах именно работа с такими нательными изображениями обычно рассчитывается по высшему тарифу. Но оно того стоит.

Основные черты тату в стиле реализм — их «живой вид», яркость и высокое качество, если вы не ошиблись в выборе мастера.

Современные реалистичные татуировки могут быть как традиционными, так и трехмерными. Самые «живые» изображения вы получите во втором случае. В этой технике можно перенести как портрет, так и изображение птицы, насекомого, животного и т. д. Обычно это реалистичные трехмерные тату.

 

В.А. Фаворский. Реализм детского рисунка

На опыте детского рисунка нам становятся ясными самые простые, но и самые насущные цели изобразительного искусства.

Освоение действительности вообще и освоение действительности при помощи ее изображения — вот что стоит перед ребенком, всегда деятельным и творчески активным. Отсюда детский рисунок, как правило, отличается реалистическим отношением к действительности и — к тому материалу, с которым ребенок сталкивается при изображении.

Ребенок становится как бы актером и всем своим существом изображает воспринимаемый предмет. Руки, ноги, торс, голова, поверхность тела, функциональная цельность движения, бега, прыжка, чувство равновесия, чувство своего профиля по преимуществу и в редких случаях фаса — все это дает образный материал восприятию, придает его результатам материальную, осязаемую конкретность.

У ребят это можно считать типичным методом восприятия природы. На этой почве у них развивается игра в себя — он и паровоз, он и вагон, и автомобиль, и всяческий зверь с непосредственным ощущением, что чему в изображаемом и изображающем соответствует.

Для ребенка характерно вживание в предмет, актерское изображение предмета собой, понимание функций предмета через свою функциональность и уподобление себя предмету и отсюда особое пространственное восприятие предмета.

Мальчик, подражая взрослым, пытается рисовать с натуры игрушку. Он кладет перед собой бумагу, садится перед ней с карандашом в руке, а игрушку, то есть объект изображения, берет под мышку, как близкого приятеля, и, поглядывая на нее, изображает ее, конечно, в профиль. Перед другим ребенком я ставлю игрушечную лошадь относительно него в ракурсе. Он, глядя на нее, изображает ее в профиль. Девочка рисует с натуры картонный дом и рисует его с тремя видимыми стенами. Я ее убеждаю, что она не видит со своего места всех трех сторон сразу, а только две. Тогда она, в угоду мне, начинает прыгать с одного места на другое и продолжает рисовать с двух точек зрения. Все это указывает на особенности детского восприятия действительности и, как следствие этого, на особенности детского изображения.

Ребенок, воспринимая действительность, ощущает ее всем своим телом и тем самым ярко и образно представляет форму предмета, его функциональность, не учитывая при этом точки зрения и всех значительных моментов восприятия, как-то: ракурсов, сокращений, загораживания предметов друг другом и т. п. Поэтому ребенок воспринимает вещь как бы сразу, со всех сторон. Совсем не важно, ´как, какой стороной повернута к нему вещь. Он изображает ее в профиль, так она наиболее типична и, кроме того, функционально профиль выразительнее.

Конечно, ребенок растет и от предметного и функционального восприятия действительности постепенно переходит к зрительному восприятию, которое должно ему дать цельность пространства и отношение вещей друг к другу. Но тут же нужно отметить, что он теряет. Он теряет функциональность и прежде всего свободное обращение со временем — его изображение становится единовременным.

Обычно говорят, дети рисуют по представлению, но это может ввести в заблуждение. Представление может быть очень отвлеченным у взрослого, здесь же мы имеем дело не с отвлеченностью, а с конкретным актерским и функционально осмысленным образом. Поэтому рисование у детей есть большая и серьезная их работа по пути восприятия и освоения пространственного мира. Как художественное изображение, оно имеет часто очень большое достоинство, несмотря на техническую немощь, и всегда бывает чрезвычайно реалистическим.

Но, кроме отношения к действительности, в ребячьем изображении мы можем наблюдать встречу ребенка с материалом, и рассматривание этого момента можно внести еще черту в реалистический характер детского изображения.

Мальчик трех лет начинает рисовать. Он черкает карандашом по бумаге, и у него выходят длинные, несколько изогнутые линии, они получаются, как следы непосредственного жеста. Я спрашиваю его: «Что ты рисуешь?» Он со скучающим видом отвечает: «Нитки». И видно, что нитки ему ни к чему и его не радуют. Я даю ему краску и кисть, и он тем же жестом чертит уже толстые полосы и радостно говорит: «Змеи». Он же находит отбитую ручку фарфоровой чашки и говорит: «Гусь», — и играет в нее. Дети в своей игре всегда берут какую-либо вещь, палку, цветок, желудь и другое, и эти вещи своими формами и качествами изображают людей и животных. Так же и в рисунке пятно, определенный цвет, линия, круг, овал и другое не подгоняются в своем буквальном оптическом соответствии с натурой, а их качества используются, как метафора в изображении. Это обусловливается конкретным или реалистическим отношением ребенка к материалу, который он изображает. Вначале какой-либо ритмический жест ребенка получает название, затем уже ребенок различными материалами изображает то, что он хочет, но всегда метафорично. Иногда в этой метафоре ребенок заходит очень далеко. Девочка, усвоив изображение человеческого лица, рисует с таким же лицом и лошадь. Когда я отращиваю: «Что это за пятна под глазами?» — она, не слушая, говорит: «Розовые щечки».

В детском изображении как бы сходятся два реализма — реализм материала и возможный для ребенка реализм идеи, и на этом создается образ. Отсюда, например, яркость цвета в детском рисунке. Мальчик, неоднократно посещавший зоологический сад и видевший там слона, рисует его светло-голубым, и мне приходит в голову, что при взгляде на слона видишь громадность, но забываешь о тяжести, и это делает цвет, а легкость голубого передает это. Поэтому то, что обычно называется условным в детском изображении, есть, собственно, безусловное реалистическое отношение к материалу.

Когда ребенок обращается к искусству, ему дают обычно только бумагу, карандаш и краску. Это, несомненно, ошибка. Необходимо ребенку дать всевозможные материалы. Пускай он рисует и на бумаге, пускай он рисует и на стене, делает рисунки к занавеске в своей комнате, рисунок для своего платья, пусть он гравирует и печатает, пусть режет из дерева и лепит, пусть учится отливать из олова и формовать из гипса, пусть рядится, делает для себя костюмы из газеты и т. д.

Мы часто можем наблюдать у подрастающих детей печальное явление, когда ребенок перестает изображать и говорит: «Я не умею». Это происходит оттого, что вдруг на него обрушивается зрительный метод восприятия и изображения и он начинает от изображения требовать не предметного соответствия, а соответствия оптического, и ребенок говорит: «Так не бывает». Происходит замена действительности оптикой. Как с этим бороться? Было бы чрезвычайно радостно, если бы удавалось детское творчество, не ломая и не отрывая, но и не консервируя его, а постепенно усложняя, переводить в творчество взрослых, не теряя богатств, завоеванных ребенком. И это, по-видимому, возможно. Здесь может помочь, с одной стороны, осторожный подход к зрительному восприятию, с другой стороны, возможно более широкое использование материалов.

Из книги В.А.Фаворского «Об искусстве, о книге, о гравюре» P.S.

На данный момент ни одного комментария не добавлено, будьте первым!

Что это значит и почему это важно для практикующих художников

Источник изображения подсказки По сценарию Маккеллы Сойер Раскрытие информации: этот пост может содержать партнерские ссылки. Это означает, что если вы что-то покупаете, мы получаем небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас (подробнее)

Реализм — это художественный стиль, который направлен на то, чтобы предметы выглядели максимально реалистично и реалистично.

Подумайте о реалистичных портретах, пейзажах и натюрмортах.Все это формы реализма, которые стремятся запечатлеть объект в реалистичном стиле и, возможно, изобразить объект таким образом, чтобы уловить реалии жизни.

Хотя предметы могут иногда казаться несколько стилизованными, реализм стремится представить предметы такими, какими они выглядят в реальной жизни .

Чтобы увидеть несколько прекрасных примеров реализма, обратитесь к таким художникам, как Гюстав Курбе, Уинслоу Гомер, Эдуард Мане и Рембрандт.

Это популярный стиль, который либо пренебрегают (зачем делать что-то так, как в реальной жизни, а не делать что-то оригинальное?), Либо хвалят как «хорошее» искусство (вау, это выглядит так реально! Вы такой хороший художник .)

Но реализм часто является почвой для обучения художников любого жанра, поскольку практика от жизни является ключом к тому, чтобы стать по-настоящему квалифицированным.

Почему художники изучают реализм

В цифровом искусстве мы тратим много времени на создание фантастических миров, существ и персонажей. Другими словами, мы практикуем создание вещей, которых не существует.

Так почему же концепт-художникам, цифровым художникам и ЛЮБЫМ художникам важно изучать реализм?

Вы, наверное, слышали старую поговорку о том, что нужно выучить правила, чтобы их нарушать, и здесь это абсолютно справедливо.

Источник изображения создан Clark Graves Antiques

. Когда вы научитесь копировать вещи с натуры, вы можете начать играть с ними. По мере того, как вы станете лучше, вы научитесь работать быстрее и, возможно, заметите, что ваши линии становятся туже, а формы ложатся быстрее.

Все это происходит от занятий основами искусства.

Но требуется время и практика, чтобы понять и усвоить, что это за основные.

Когда вы начнете учиться рисовать или начнете курсы в художественной школе, вы почти всегда начнете с изучения реализма или копирования того, что видите.

Это потому, что намного сложнее нарисовать что-то из головы, чем то, что находится прямо перед вами.

Кроме того, научившись реалистично рисовать предметы, например человеческое тело, вы научитесь стилизовать их позже.

Подумайте о любимом художнике, который рисует фигуры в своем собственном стиле. Их стиль может показаться простым, но он, вероятно, демонстрирует высокий уровень понимания анатомии человека.

Даже если форма сильно уменьшена или сильно преувеличена, художник, вероятно, не добавляет мышцы и кости в тех местах, где их на самом деле не существует — если только они не создают новое существо, но даже тогда это все равно намеренно со знанием дела. анатомических деталей.

Реализм заключается в том, чтобы придерживаться базовой, реалистичной формы и в первую очередь заставить ее работать.

Источник изображения

Это все равно что построить дом. Прежде чем думать о ковровых покрытиях, цветах красок и стилях дверных ручек, нужно заложить фундамент и построить прочные стены.

Чтобы стать хорошим художником, нужно развивать технические навыки , и нет лучшего способа сделать это, чем изучая и практикуя реализм.

Возможно, это не то, что вы хотели бы услышать, особенно если вы только начинаете заниматься концепт-артом.Скорее всего, вы захотите начать создавать удивительные произведения искусства, развивать свой стиль, изучать лучшие программы рисования и создавать произведения искусства, которые вы хотите создать.

Но чтобы сделать это хорошо, вы должны знать, что делаете. Чтобы хорошо разбираться в чем-либо, сначала нужно овладеть основами.

Вот почему танцоры начинают с классического балета, почему великие музыканты изучают классическую музыку, почему пианисты начинают с гамм и почему художники начинают с обучения реалистичному рисованию.

Многие художники предпочитают придерживаться реализма , и все их работы следуют реалистичному стилю.Это прекрасно, и вы увидите эти произведения в музеях по всему миру.

Но каждый художник должен тратить время на работу с реалистическими произведениями. Это поможет вам научиться правильно видеть и в конечном итоге поможет вам разработать стиль, основанный на реальном мире.

Реализм в концепт-арте и иллюстрации

Все стилизованное искусство хоть в какой-то мере основано на реальности. Фэнтезийные пейзажи и здания имеют много общего с реальными пейзажами и зданиями, в то время как стилизованные персонажи-гуманоиды обычно основаны на человеческих фигурах.

Большинство фантастических существ имеют некоторое сходство с реальными существами.

И независимо от того, какие вымышленные персонажи или настройки вы создадите, вам нужно знать, как это сделать. Как работает перспектива, как передавать свет и текстуры, такие как дерево и вода, как одежда складывается через чью-то руку.

Эти можно изучить все из жизни, и практика реализма очень помогает в создании правдоподобных работ.

Хорошая новость в том, что если вы действительно любите искусство, изучение основ может быть интересным! Приятно поправляться и следить за своим прогрессом с течением времени.Да, учиться — это тяжелый труд, и заниматься одним и тем же может быть скучно.

Но тяжелая работа находится на грани «комфорта» и «дискомфорта». Пройдите немного дальше этой точки и — вот где вы выучите . Все самое лучшее происходит, когда вы выходите за пределы своей зоны комфорта и действительно пытаетесь стать лучше.

И вы можете быть удивлены, насколько быстро вы станете лучше, если сделаете реалистичность частью своей обычной практики.

Источник изображения создан Clark Graves Antiques

. Вы научитесь лучше рисовать позы и объекты, которых никогда раньше не видели, потому что у вас будет тонна опыта реализма, из которого можно рисовать.

Вы поймете, как работают тело и предметы, чтобы вы могли расположить их в разных положениях при разном освещении.

Это весело экспериментировать, играть и заполнять альбомы практическими рисунками. Все это часть процесса становления мастером-иллюстратором.

Настоящие мастера любят процесс так же, как конечный результат.

Стоит отметить, что аниматоры могут не воспринимать как в реалистичности, однако они сочтут целесообразным практиковаться на практике.

Анимация должна быть быстрой, чтобы вы получали больше пользы от быстрых рисунков и жестов. Аниматоры хотят запечатлеть вес, форму, движение, позу — все, что делает процесс рисования реалистичным. Это не требует излишней детализации, но никогда не повредит практиковаться!

Стоит ли практиковать реализм?

Может быть!

Вот несколько знаков, на которые стоит обратить внимание. Если вы недовольны своей работой или если вы обнаружите, что какой-либо из этих признаков часто появляется, возможно, вы захотите потратить больше времени на практику реализма:

• Ваши фигуры не выглядят «правильными» или пропорции кажутся неправильными, и вы не знаете, почему
• Ваши формы и фигуры выглядят так, как будто они не имеют веса, или они кажутся «плавающими» или не заземленными в сцене
• Для некоторых объектов перспектива никогда не бывает правильной
• Кажется, что невозможно передать детали должным образом и получить действительно правдоподобное сочетание света и тени

Все это не требует практики от жизни, и вы всегда можете решить проблемы индивидуально с помощью упражнений.

Но любой нестабильный рисунок можно исправить, устранив основную причину, и эта причина может заключаться в отсутствии фундаментальных знаний. Угадай, как это исправить!

Являетесь ли вы опытным художником или только начинаете рисовать карандашом, изучение реализма может помочь развить ваши навыки и развить свой стиль быстрее, чем что-либо еще, что вы можете сделать.

Если вам немного неудобно начинать с нуля, обязательно посмотрите серию видеороликов Proko. Все его курсы сосредоточены на реализме, и они нацелены на то, чтобы научить начинающих художников тому, как правильно видеть, как практиковать работу с фигурой и как стратегически улучшить свою жизнь, рисование убивает.

Для практики рисования в живую я особенно рекомендую курс рисунка и курс анатомии.

Оба курса работают с живыми моделями, и оба обучают только реализму. , так что это как учебные курсы для быстрого улучшения ваших навыков.

Мы написали подробные обзоры как серии рисунков, так и серии анатомии, поэтому ознакомьтесь с этими статьями, если вы не знаете, как начать с реализма, и, возможно, захотите несколько видеокурсов для руководства.

---

Автор: МакКелла Сойер

Маккелла — художник и писатель-фрилансер из Солт-Лейк-Сити, штат Юта.Когда она не рисует и не пишет для клиентов, она любит писать художественную литературу, путешествовать и исследовать горы возле своего дома пешком, верхом на лошади или на горном велосипеде. Вы можете просмотреть ее работы на Etsy и ее услуги по написанию на TheCafeWordsmith.com.

---

Пошаговый портретный рисунок: сила линии и света

Одна линия, сужающаяся от толстой к тонкой, может управлять весом, движением и эмоциями в композиции.Посмотрите, как это делается в этой пошаговой демонстрации рисования портретов от Джереми Канильи.

Джереми Канилья, «Просветление снов, шепчущихся на распростертых крыльях», 2019, бумага, уголь и мел, 11 x 14 дюймов.

Пошаговый портретный рисунок: сила линии и света

ДЖЕРЕМИ КАНИЛЬЯ

Одна линия, сужающаяся от толстой к тонкой, может управлять весом, движением и эмоциями в композиции. В эпоху Возрождения во Флоренции рисунок (рисунок) из жизни был центральным в развитии художника и повседневной деятельностью мастеров и учеников.Фактически, большая часть моделирования в академии выполнялась учениками студии, изображающими из себя мифологических богов или религиозных святых, грешников или мучеников. Во время обучения в Норвегии у мастера Одда Нердрума я продолжил эту традицию, создав несколько рисунков и картин.

К сожалению, академическое обучение рисунку, живописи и композиции на основе навыков практически потеряно в средних школах США. Несколько академий, например, Академия художеств в Санкт-Петербурге.Пол, Миннесота, и организация DaVinci Initiative в Джерси-Сити, штат Нью-Джерси, сохранили факел обучения на основе навыков для следующего поколения молодежи. Эти школы охватывают традиции старых мастеров Да Винчи, Микеланджело и Рафаэля. Хотя их немного, они предлагают незаменимое руководство по распространению обучения художественным техникам как набору навыков.

«В 1563 году Козимо, великий герцог Тосканы, историк Джорджо Вазари и Микеланджело руководили созданием Академии делла Арти дель Дисеньо во Флоренции. (1) В Академии обучение сначала рисованию с мастер-копий, а затем с греко-римских статуй и поз, постепенно прививает художнику способность сочинять с натуры. Школа изящных искусств создала похожую модель, которая берет свое начало в 1648 году. Основная цель Школы состояла в том, чтобы сохранить душу, гений древности. «На рисунках Энгра из Школы изящных искусств можно увидеть, что человеческое тело, нарисованное по модели, мраморной скульптуре или гипсовой повязке, кажется, колеблется в свете, ища равновесия движения.Обучение основывалось на античном идеале анатомии, света, перспективы и анализа, в сочетании с греческой мыслью и экспериментальной наукой ». ( 1)

В студии рисовальщик обнаружит, что путь, по которому они идут с каждой строкой, — это путешествие, в которое они отправляются в одиночку. Базовая подготовка, предшествующая этому времени, была важна для развития их рук и их подхода к началу рисования, так же как влияние прошлых мастеров сливается с их подходом и психикой.Обладая техническими инструментами, художник может войти в творческий цикл, где мы останемся одни, чтобы понять, насколько живым может быть рисунок.

Связь между моделью и художником — это момент времени, которому позволено говорить вечно. Перед чертежником есть множество вариантов. Они решат, на каких характеристиках акцентировать внимание натурщика и насколько ценным и тоном придать произведение. Они придут к выводу, что иногда меньше может быть больше и что упущенные части являются такой же неотъемлемой частью части, как и включенные в нее.Аристотелевская идея золотой середины, в которой желаемая середина находится между двумя крайностями, является ключом к равновесию, сохраняемому в мастерском рисунке. Художник не может недооценивать композицию, но должен воздерживаться от ее переутомления, пока она не потеряет свою эмоциональность и красоту.

Статья по теме> Исторические подходы к современной портретной практике

Мне кажется, что сегодня в академическом мире существует неправильное представление о том, что рисунки — это всего лишь этюды для более крупных, повествовательных картин.Я нахожу такое же восприятие и в современных галереях, которые, как правило, демонстрируют картины перед рисунками. Они считают, что рисунки не имеют ценности и веса картины. Даже многие художники сегодня считают, что живопись выше рисунка. Я бы сказал, что многим из самых талантливых художников не хватает тонкого, чувствительного прикосновения, необходимого для придания мастерскому рисунку широты и глубины.

Для меня портретный рисунок — это не просто предварительная проработка для окончательной картины.Когда все сделано хорошо, рисунки представляют собой мощные повествования и композиции, которые не уступают тому, что часто называют «законченными» работами. Они даже в разы живее картин. Рисунки с натуры имеют драматизм и пафос. Они могут эмоционально вовлечь зрителя, приглашая нас задуматься о красоте, любви и ужасах нашего мира. Одна непрерывная линия несет в себе шепот и хрупкость портрета натурщика и связывает нас с вневременным взглядом и жизнью, которая есть или когда-то проявлялась в нем. Даже когда художник и натурщик давно ушли, временная капсула рисунка живет.Он вдыхает жизнь в следующего зрителя, который принимает композицию.

Леонардо да Винчи (1452–1519) заявил, что, «Хотя человеческая изобретательность может создавать различные изобретения, которые с помощью различных машин, отвечающих одной и той же цели, он никогда не сможет изобрести никаких изобретений более красивых, более простых и более подходящих. цель, чем делает Природа; потому что в ее изобретениях нет ничего лишнего и ничего лишнего » (2)

Да Винчи через бесчисленные часы наблюдений и зарисовок понял, что природа является ключом к красоте.Для тех, кто избавился от слоев предубеждений и открыл свой разум для простых замыслов, которые нам даны, формальное совершенство мира природы было самоочевидным.

Леонардо был мастером пера, туши, мела, акварели и металлической иглы, но его самое большое достижение — утонченная простота его набросков и рисунков. Я бы даже сказал, что его рисунки более сильны, чем его законченные картины. В рисунках да Винчи мы видим его творческий процесс в его самом искреннем и сокровенном виде.Его рисунки для меня — это лучшая актерская импровизация. Мы видим быстрые, точные линии, поставленные с целеустремленностью, артикуляцией, грубой силой и спонтанностью. Его картины, которые можно сравнить с игрой актера в пьесе после долгого труда по запоминанию строк и пантомим, имеют внешнюю красоту, но им не хватает чистых эмоций, сочувствия и энергии, которые проявляются в рисунках.

Я бы также сказал, что есть причина, по которой почти 4000 работ да Винчи на хрупкой бумаге сохранились до наших дней, по сравнению с 15 его картинами.Покровители и коллекционеры понимали силу рисунков да Винчи. Дисеньо был жизненной силой его творческого процесса, позволяя ему понимать и формулировать эмоциональную красоту, воображать битвы, изобретать миры и проводить точные, наблюдательные научные исследования человеческой фигуры. Леонардо создал обширные заметки, наброски и рисунки, исследующие природу света и тени, и каждый из них изобилует жизнью.

Связанные> Часы: Совет по рисованию портретов эксперта

Кете Кольвиц (1867–1945), которую я считаю одной из самых глубоких художников всех времен, оказала огромное влияние на мою личную тематику и мое понимание рисунка.Ее фраза — это одновременно шепот и молот. Он бьет с силой, но деликатно связывает нас вместе в своем выражении сочувствия к человеческому положению. Нам нужно только потратить немного времени на ее работу, чтобы понять, что мы смотрим на что-то настолько глубокое, что оно выходит за рамки времени и места. Понимание Коллвиц человеческой фигуры и объема делает ее рисунки живыми, словно они отрываются от поверхности бумаги в том же духе, в каком светотень Караваджо вдохнул жизнь в его картины.

Каждая строчка на ее рисунках, как мне часто напоминал Одд Нердрам, повторяет выражение боли потери ребенка и внука на войне. Коллвиц написал работы, в которых говорилось о войне, бедности, материнстве и тяжелом положении рабочего класса. Она была первой женщиной, избранной в уважаемую Прусскую Академию художеств в 1933 году, но была исключена во время прихода к власти Гитлера, и нацисты окрестили ее работу «дегенеративной».

Жизнь Колльвиц была глубоко затронута трагедией, что отражено в ее рисунках и гравюрах.Она пережила Первую мировую войну, в которой она потеряла сына Петра, и Вторую мировую войну, унесшую жизнь ее внука Петра. Образы, созданные Коллвицем, обладают невероятной интенсивностью, отображая состояние человека на эмоциональной глубине и уровне, достигнутом немногими рассказчиками. Ее рисунки стоят в отдельном царстве как шедевры, а не как этюды для картин. Ее работа обращается ко всем нам, уважая нашу общую человечность. Это находит отклик у многих людей во всем мире, потому что оно одновременно интенсивное и личное.

В моей работе я развил любовь к интенсивно атмосферному рисунку в моих têtes d’expression (экспрессивные исследования головы). В каждом портретном рисунке я изо всех сил стараюсь передать выражение и жизнь модели, а не их точное сходство. Специфика человека, которого я рисую, и моя способность уловить идиосинкразии в том, как они передают эмоции, имеют решающее значение в этом процессе. Важно, чтобы у каждого удара была цель.

Портретный рисунок представляет собой сочетание мягких и жестких краев, смешанное с тщательным наблюдением, чтобы передать различные тонкие эмоции модели.Я не пытаюсь определить каждую деталь и линию. Скорее, я ищу баланс. Может быть очень сложно объединить технику «меньше значит больше» с богатыми тональными эффектами, которых я пытаюсь достичь. Рисование — это терпение и тщательно рассчитанный баланс нанесения оценок. Я обнаружил в своем ритуале подготовки и планирования позы, которая говорит со мной, чувство мелодичной меланхолии. С каждым рисунком я начинаю творческий цикл портретной живописи с представлением о том, что может быть и что будет, когда я закончу.Я использую комбинацию мелков разного цвета и угля для создания вечного портрета.

Рисование портретов: демонстрация

Шаг 1
(Фотографии для этой статьи были сделаны Дэвидом М. Вайсом и использованы с его разрешения)

Шаг 1) Для моих портретных рисунков я использую бумагу Canson, а для рисунков, которые займут несколько недель, я предпочитаю использовать газета Фабриано Рома. Я проверяю, что все мои угли Nitram и тонированные угольные карандаши Derwent заточены до тонких, длинных, сужающихся точек с помощью наждачной бумаги.

Первое, что я делаю, это то, что я называю ручной тонировкой бумаги. Я наношу красивую, ровную пыль на бумагу, используя наждачную бумагу с зернистостью 180 и меловую палочку Prismacolor NuPastel. Я использую комбинацию terre de sienna и raw sienna, когда протираю поверхность.

Шаг 2

Шаг 2) Затем я беру замшу, мягкую податливую кожаную ткань, сглаживаю и смешиваю цвет до равномерного тона по всей поверхности бумаги. Я изучил ряд рисунков старых мастеров, а также работы Кете Коллвиц, и мне кажется, что теплые оттенки создают приятный, унифицированный мрачный субстрат, который может проткнуть участки непрозрачного угля, чтобы сбалансировать композицию.

Для равномерного смешивания бумаги может потребоваться 2 прохода по горизонтали и вертикали.

Шаг 3

Шаг 3) Я начинаю с захвата структуры черепа и крупных ориентиров на лице. Никаких деталей, только большие тени. Я использую Nitram H, затем HB, а затем B для темных теней. Важно запечатлеть общие геометрические формы и начать строить на светлых линиях, с более взвешенными линиями, которые появятся, когда у вас будет форма и фундамент.

Шаг 4

Шаг 4) Я оставляю нижнюю пудру тонированной бумаги видимой через лицо с теплыми элементами и богатой игрой тепла и охлаждения по мере продвижения работы.Затем я буду использовать тени и блики, чтобы усилить драматизм в этом натуралистическом изображении женщины с бабочкой.

Шаг 5

Шаг 5) Затем я займусь портретом своими тонированными угольными карандашами Derwent. Одно важное качество, о котором часто забывают, — это вес лески. Я не могу не подчеркнуть, что рисунок оживает, когда вы меняете интенсивность и жирность мазка от толстого к тонкому. Затем я использую пальцы и блендеры, чтобы слегка смешать темные края с полутонами.

Шаг 6

Шаг 6) Затем я снова создаю свои тени и сбиваю их мягкой кистью. Это помогает создать в моих портретах непередаваемую эмоциональную силу. Игра резких и мягких краев помогает размыть реализм в портрете, который выходит за рамки идеи простого наброска и улавливает вечное.

Шаг 7

Шаг 7) Я буду рисовать без перерыва около 90 минут с перерывами для моей ситтера каждые 30 минут. Обычно для полного захвата модели требуется три 90-минутных сеанса.

Шаг 8

Шаг 8) Когда я почувствую, что у меня есть общее представление о композиции, я добавлю белый мел для света и бликов. Белые цвета выступают над фоном, создавая красивый эффект светотени. Затем я изменю текстуру и толщину мазков черным мелом, чтобы создать ряд эффектов. На левой стороне листа, например, масса меловых линий очерчивает бабочку и край волос женщины. Затем я использовал уголь Nitram, чтобы добавить различные линии по краю ее подбородка, создавая впечатление тонких волос, которые переходят в углубления на шее и щеках.Желто-землистый тон бумаги служит средним тоном между черными контурами и белым отблеском на шее, скуле и ухе женщины.

Шаг 9

Шаг 9) Заканчивая рисунок, я убеждаюсь, что линия, значение и общая композиция демонстрируют сбалансированный, контролируемый переход тона и настроения. Конечный результат должен подчеркнуть и усилить внутреннюю драматичность, красоту и вневременность формы.

В конце процесса рисования портрета я сделаю тонкие правки пальцами и растушевкой в ​​готовых областях, чтобы объединить их в цельный эффект сфумато, который придаст рисунку сказочное ощущение.Я проверяю, есть ли что-нибудь, что я могу добавить или убрать из композиции, чтобы сделать их более сильными и сбалансированными. Я моделирую от внешних контуров до внутренних теней. Я привержен идее, чтобы каждый портрет отображал тонкое напряжение в позе. Бабочка используется в моей работе как метафора и символ, представляя изменение, трансформацию, смерть, возрождение и жизнь. В этой серии портретов бабочек я искренне стремлюсь запечатлеть неземную, нежно-чувственную красоту и меланхоличную грацию этих сильных женщин, запечатленных в мгновение ока.

Джереми Канилья, «Икрами и ланьими полевыми», 2019 г., бумага, уголь и мел, 11 x 14 дюймов. Джереми Канилья, «Место, где трепещут сердце и душа и ведут нас домой», 2019 г. бумага, уголь, мел, 11 x 14 дюймов

О художнике: Джереми Канилья (род. 1970) из Омахи, штат Северная Каролина.

Канилья известен своей эмоционально заряженной и часто тревожной работой, в которой основное внимание уделяется условиям жизни человека. Успешный художник, его работы выставлены в частных коллекциях по всему миру.Его работы регулярно публикуются по всему миру, и он участвовал как в совместных, так и в персональных выставках изобразительного искусства в музеях и галереях, включая Общество иллюстраторов (Нью-Йорк), Художественный музей Аллентауна, Художественный музей Уолтерса, Салмагунди, Абенд / Галерея 1261, Галерея последних обрядов Пола Бута и Художественный музей Джослин.

Канилья имеет степень бакалавра искусств Университета штата Айова, степень магистра искусств Колледжа искусств Института искусств Мэриленда и степень магистра медицины. из Крейтонского университета. Канилья также учился в школе Nerdrum в Норвегии у Odd Nerdrum.

Искусство

Caniglia было показано в различных журналах и публикациях, включая Washington Post, CNN, Spectrum Fantastic Art Annuals, IlluXcon Art Annuals. Он работал с такими авторами и группами, как Стивен Кинг, Рэй Брэдбери, Макс Брукс, Питер Штрауб, Уильям Питер Блатти, Майкл Муркок, Sigur Ros и Blink 182.

Его работы появлялись во многих книгах и фильмах, выпущенных Random House, Pyr Publishing, Cemetery Dance Publications, Dorchester Publishing, Easton Press, IDW Publishing, Anchor Bay Entertainment, IDT Entertainment, Showtime Networks и Warner Brothers среди других.Канилья получил в 2004 году премию Международной гильдии ужасов как лучший художник в области темного фэнтези, премию IlluXCon 2012 Artist, награду Колледжа искусств и дизайна Университета штата Айова 2015 года и награду NC Wyeth Merit Award 2018 от галереи Салмагунди в Нью-Йорке.

Caniglia продолжает раздвигать границы; его преданность и защита фигуры и человеческого состояния — это ощутимая реальность, полная символизма и метафор, выходящих за пределы времени и места.

Веб-сайт | Instagram

(1) Боги и герои: шедевры Школы изящных искусств, Париж, Издатель: Американская федерация искусств и D Giles Limited, 2014

(2) Дневники Леонардо да Винчи — О происхождении души (отрывок 837), под редакцией Жана Поля Рихтера, 1880 г.

---

реализма | История, определение и характеристики

Реализм , в искусстве, точное, детальное, неукрашенное изображение природы или современной жизни. Реализм отвергает образную идеализацию в пользу пристального наблюдения за внешними проявлениями. Таким образом, реализм в широком смысле охватил множество художественных течений в разных цивилизациях. В изобразительном искусстве, например, реализм можно найти в древнегреческих эллинистических скульптурах, точно изображающих боксеров и дряхлых старух.Реалистичны работы таких художников XVII века, как Караваджо, голландских жанристов, испанских художников Хосе де Рибера, Диего Веласкеса и Франсиско де Сурбарана, а также братьев Ленен во Франции. Реалистическими можно назвать также произведения английских романистов XVIII века Даниэля Дефо, Генри Филдинга и Тобиаса Смоллетта.

Гюстав Курбе: Мастерская художника

Мастерская художника , с изображением Гюстава Курбе за мольбертом, холст, масло Курбе, 1854–1855; в Музее Орсе, Париж.

© AISA — Everett / Shutterstock.com

Однако реализм сознательно не принимался как эстетическая программа до середины 19 века во Франции. Действительно, реализм можно рассматривать как главную тенденцию во французских романах и картинах между 1850 и 1880 годами. Одно из первых упоминаний термина реализм было в Mercure français du XIX ^e siècle в 1826 году. , в котором это слово используется для описания доктрины, основанной не на имитации прошлых художественных достижений, а на правдивом и точном изображении моделей, которые природа и современная жизнь предлагают художнику.Французские сторонники реализма были согласны в своем отрицании искусственности как классицизма, так и романтизма академий и необходимости современности в эффективном произведении искусства. Они пытались изобразить жизнь, внешность, проблемы, обычаи и нравы среднего и низшего классов, простых, обычных, скромных и лишенных украшений. Более того, они сознательно поставили перед собой задачу воспроизвести все аспекты современной жизни и общества, которые до сих пор игнорировались, — его ментальные установки, физические параметры и материальные условия.

Реализм был стимулирован несколькими интеллектуальными разработками в первой половине XIX века. Среди них были антиромантические движения в Германии, делавшие упор на простого человека как на художественный объект; Позитивистская философия Огюста Конта, в которой подчеркивалась важность социологии как научного исследования общества; рост профессиональной журналистики с ее точной и беспристрастной записью текущих событий; и развитие фотографии с ее способностью механически воспроизводить визуальные образы с исключительной точностью.Все эти события стимулировали интерес к точной записи современной жизни и общества.

Гюстав Курбе был первым художником, который сознательно провозгласил и практиковал эстетику реализма. После того, как его огромное полотно «Студия » (1854–55) было отклонено Вселенской выставкой 1855 года, художник выставил его и другие работы под маркой «Реализм, Ж. Курбе» в специально построенном павильоне. Курбе был категорически против идеализации в своем искусстве и призывал других художников вместо этого делать обычное и современное центром своего искусства.Он рассматривал откровенное изображение сцен из повседневной жизни как истинно демократическое искусство. Такие картины, как его Похороны в Орнане (1849) и Stone Breakers (1849), которые он выставил в Салоне 1850–51, уже шокировали публику и критиков своей откровенной и неприукрашенной фактичностью. изображены простые крестьяне и чернорабочие. Тот факт, что Курбе не прославлял своих крестьян, а представлял их смело и резко, вызвал бурную реакцию в мире искусства.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишись сейчас

Стиль и тематика работ Курбе были построены на основе, уже заложенной художниками барбизонской школы. Теодор Руссо, Шарль-Франсуа Добиньи, Жан-Франсуа Милле и другие в начале 1830-х годов поселились во французской деревне Барбизон с целью точного воспроизведения местного характера ландшафта. Хотя у каждого барбизонского художника был свой стиль и особые интересы, все они подчеркивали в своих работах простые и обыденные, а не грандиозные и монументальные аспекты природы.Они отворачивались от мелодраматической живописности и рисовали твердые, детализированные формы, которые были результатом внимательного наблюдения. В таких произведениях, как «Подснежник » (1848), Милле был одним из первых художников, которые изобразили крестьянских рабочих с величием и монументальностью, которые до сих пор оставались достоянием более важных людей.

Другой крупный французский художник, часто связанный с реалистической традицией, Оноре Домье рисовал сатирические карикатуры на французское общество и политику. Он нашел своих героев и героинь из рабочего класса, своих подлых адвокатов и политиков в трущобах и на улицах Парижа.Как и Курбе, он был ярым демократом и использовал свое искусство карикатуриста непосредственно для достижения политических целей. Домье использовал энергичный линейный стиль, смело подчеркивая реалистичные детали и почти скульптурную обработку формы, чтобы критиковать безнравственность и уродство, которые он видел во французском обществе.

Оноре Домье: Во Дворце правосудия

Во Дворце правосудия перо и тушь, тушь, черный мел, акварель и гуашь на бумаге Оноре Домье, ок.1850; в Музее изящных искусств де ла Виль де Пари, Пети Палас, Париж.

Giraudon / Art Resource, Нью-Йорк

Живописный реализм за пределами Франции, пожалуй, лучше всего был представлен в 19 веке в Соединенных Штатах. Здесь мощные и выразительные картины Уинслоу Гомера с морскими сюжетами, портреты Томаса Икинса, сцены катания на лодках и другие работы являются откровенными, несентиментальными и тщательно наблюдаемыми записями современной жизни.

Реализм был отдельным направлением в искусстве 20-го века и обычно проистекал либо из желания художников представить более честные, поисковые и неидеализированные взгляды на повседневную жизнь, либо из их попыток использовать искусство в качестве средства социальной и политической критики.Грубые, отрывочные, почти журналистские сцены изнаночной городской жизни, созданные группой американских художников, известной как «Восьмерка», относятся к первой категории. Немецкое художественное движение, известное как Neue Sachlichkeit (Новая объективность), с другой стороны, работало в реалистическом стиле, чтобы выразить цинизм и разочарование периода после Первой мировой войны в Германии. Движение эпохи депрессии, известное как соцреализм, приняло такой же суровый и прямой реализм в своих изображениях несправедливости и зла американского общества в тот период.

Социалистический реализм, который был официально спонсируемой марксистской эстетикой в ​​Советском Союзе с начала 1930-х годов до распада этой страны в 1991 году, на самом деле имел мало общего с реализмом, хотя претендовал на то, чтобы быть верным и объективным зеркалом жизни. Его «правдивость» была необходима для обслуживания идеологии и пропагандистских нужд государства. Социалистический реализм обычно использовал методы натуралистической идеализации для создания портретов бесстрашных рабочих и инженеров, которые были поразительно похожи как в своем героическом позитивизме, так и в отсутствии правдоподобия.

Картины в стиле реализм на продажу: купить картины в стиле реализм онлайн

История реалистической живописи

Реализм — это направление искусства , которое было очень популярно в 19 веке в Европе. Он состоял из изображений обычных людей из повседневной жизни. Мы также говорим о реалистичной живописи , чтобы определить работы, которые нарисованы настолько реалистично, что напоминают фотографии. Реалистическое искусство зародилось в середине 19 века во Франции.Оно было начато как радикальное противостояние романтизму, движению, которое реалисты считали чрезмерным в плане возбуждения эмоций. Реалистическая живопись также считалась реакцией на институционализированные традиции в мире живописи и на иерархию жанров, поддерживаемую академией. Самая известная реалистическая работа , несомненно, принадлежит художнику-реалисту Гюставу Курбе, , который в своей картине «Происхождение мира» представил то, что тогда было неприемлемо для академического искусства. Реалистическое искусство стремится представить мир таким, какой он есть на самом деле, , не приукрашивая его. Сюда входили изображения рабочих или крестьян, работающих на полях. Движение реалистов имело прочные основы в Германии , но также и в Соединенных Штатах, особенно со школой Ашкан в 20 веке.

Купите реалистичную картину на Singulart

В Singulart наш международный выбор признанных молодых художников раскрывает невероятное разнообразия реализма в современном искусстве. Французский художник Ален Понтекорво создает реалистичную фигуративную картину с точностью почти фотографических деталей. Испанский художник Хесус Ньето Пантоха пишет современных городских реалистических картин , вдохновленных реальностью повседневной жизни в городской среде. Воспользуйтесь невероятной универсальностью наших начинающих и признанных художников, чтобы купить современную реалистическую картину на Singulart.

---

Как рисовать волосы в манге и полуреалистичных стилях

Индекс

1. Введение
2. Манга

• • 2.1 Рисование волос
  • 2.2 Тени и блики
  • 2.3 Слои коррекции

3. Полуреалистичный

• • 3.1 Рисование волос
  • 3.2 Окраска всей формы
  • 3.3 Добавление деталей
  • 3.4 Предпосылки и последние штрихи

4. Заключение

Всем привет!

Я бельгийский иллюстратор, известный как Эссейли.Моя специальность — смешать мир реализма с миром манги и сделать его своим собственным стилем, оставаясь при этом визуально последовательным. Я проиллюстрировал персонажей в стилях манги, а также частично реалистично, с фонами для их постановки. Иногда я даже рисую гиперреалистичные портреты.

1. Введение

Когда вы начинаете рисовать, одна из самых сложных вещей — это прическа.

Либо он не пропорционален, либо окрашен плохо, несмотря на все часы, потраченные на него, результат может быть плачевным.И хотя некоторые могут прекрасно рисовать в стиле манга, другие с трудом переходят от манги к реализму, не зная почему. Сегодня мы попытаемся разобраться во всем этом, сравнив два стиля с помощью Clip Studio Paint, программного обеспечения для создания иллюстраций и анимации. Вы увидите, что во время процесса нужно помнить о некоторых вещах, чтобы избежать ошибок!

2. Манга

Давайте сразу начнем со стиля манга! Чтобы уточнить, я использую «Жесткий» аэрограф, который является хорошим эквивалентом традиционной кисти, которую можно найти в другом программном обеспечении.

2.1 Эскиз волос

Сначала я открываю новый слой, чтобы нарисовать волосы.

Форма эскиза должна быть как можно более симметричной, тем более что портрет находится лицом к лицу. В противном случае это будет выглядеть как деформированный череп.

Поскольку мы не стремимся к реализму, могу немного преувеличить пропорции. Как правило, в манге череп больше настоящего черепа, как и глаза.Но в зависимости от вашего стиля, вам решать, как вы хотите сориентировать вещи.

Наконец, контурная линия учитывает череп и толщину волос. Если вы вообще не уверены в стрижке, лучше создать еще один слой, чтобы не испортить лицо, когда все, что вам нужно сделать, это поправить волосы.

После того, как я уменьшил масштаб, я понял, что всего эскиза недостаточно, поэтому я решил выбрать с помощью инструмента «лассо» (клавиша L), затем Ctrl + T, чтобы выбрать опцию «Свободное преобразование», что позволит мне удлинять, перемещать и искажать эскиз.

Когда я доволен эскизом, я создаю новый слой, который помещается чуть ниже слоя эскиза, чтобы я мог его раскрасить. Чтобы ускорить процесс, я нажимаю клавишу [G] (сочетание клавиш для инструмента «заливка») и одним щелчком заполняю всю область внутри эскиза.

Я часто объединяю все свои слои вместо того, чтобы оставлять несколько, поскольку я предпочитаю рисовать таким образом, но лучше всего держать все слои отдельно.Их разделение сделает вас более методичным и, что более важно, позволит вам вернуться, если вы почувствуете, что допустили ошибки в процессе. Люди часто предпочитают, чтобы на каждом слое была определенная часть рисунка. Например, слой с готовыми линиями чуть ниже слоя с основными цветами, слой для тени, слой для света и т. Д. Выберите метод, который вам удобнее всего.

Здесь я замечаю, что мне все еще не очень нравится форма волос.Чтобы настроить его, я возвращаюсь к инструменту « лассо », копирую и вставляю область, которую хочу изменить, и с помощью инструмента « Mesh Transformation » я играю с формой выбранной области, чтобы довести ее до точки. что я считаю правильным. Затем я стираю ненужные части перед тем, как объединить слой с волосами со слоем основной части рисунка, содержащего лицо.

«Преобразование сетки» можно найти в: [ Edit ]> [ Transform ]> [ Mesh Transformation… ].

2.2 Тени и блики

Когда вы будете довольны общей формой, пора добавить несколько бликов и теней.

Мне нравится начинать с теней. Сначала я создаю новый слой, который переключаю в режим наложения «Умножение» из раскрывающегося списка, и закрашиваю область, в которой должны появиться тени. Это лучший способ затемнить рисунок, потому что при рисовании он не скрывает рисунок под ним, как это было бы с обычным слоем. Это связано с тем, что в режиме «Умножение» цвета накладываются друг на друга, затемняя их.

С помощью инструмента « Auto select » я выделяю область, которую хочу закрасить, так, чтобы она не выходила за пределы линий. Я также стираю передние пряди, потому что они будут освещены светом.

Подсказка. Я хочу нарисовать тени на лбу персонажа, образованные челкой. Как мне это сделать? Я создаю слой прямо над ним и выбираю более темный цвет. Инструментом «Заливка» я закрашиваю волосы.Затем я избавляюсь от цветной части внизу и перемещаю фигуру вниз. Затем я делаю слой «Multiply» невидимым, чтобы я мог выделить все волосы, не используя инструмент выделения, который автоматически выделит область. Я делаю слой «Умножение» видимым и стираю все внутри выделения.

И тут я понимаю, что мне не очень нравится цвет тени. Без проблем! Я блокирую слой, чтобы он не выходил за пределы кадра, и накладываю на него другой цвет.

Теперь, в отличие от слоя Multiply, на этот раз мы будем использовать слой «Overlay», который будет служить для осветления части. Я использую светло-желтый цвет и осветляю верхнюю часть, потому что решил, что основной источник света будет сверху.

Перед тем, как начать рисовать, всегда важно знать, откуда будет исходить основной источник света, потому что, если мы это знаем, мы сможем разместить тень и свет таким образом, который имеет логический смысл и не имеет никакого смысла. это делает рисунок странным.

Я подчеркиваю выделение с помощью маленьких белых квадратов, которые вы часто видите в манге, и стираю несколько областей внизу, чтобы волосы выглядели менее густыми.

На данный момент мне кажется, что прическа слишком проста, и думаю, добавление большего количества прядей сделает прическу более интересной. Я рисую только один, но затем, чтобы сэкономить время, копирую и вставляю только что нарисованный фрагмент и использую «Отразить по горизонтали», чтобы разместить его справа от рисунка.Я делаю преобразование сетки, чтобы разбить симметрию и сделать ее более динамичной.

Отличие реалистичного или полуреалистичного стиля в контрастах. Рисуя в стиле манга, мы часто избегаем слишком близких к черному оттенков.

Потому что чем выше контраст, тем больше создается впечатление фотореализма на рисунке. С другой стороны, искусство в стиле манга более терпимо к очень насыщенным цветам — ярким, «кричащим» цветам.Эти цвета, как правило, нежелательны при рисовании в полуреалистичном или реалистичном стиле.

2.3 Слои коррекции

Если вам кажется, что ваши цвета тусклые, перейдите в [Слой]> [Новый слой коррекции] и выберите параметр «Коррекция уровня». Затем, с помощью слайда в новом окне, вы можете насыщать цвета настолько, насколько захотите.

Затем, если вы измените режим наложения слоя на «Цвет», вы уменьшите непрозрачность, чтобы рисунок был менее насыщенным, что позволило получить более яркие цвета.

Второй трюк — это « Цветовой баланс », который находится в [ Layer ]> [ New Correction Layer ]> [ Color balance… ] и позволяет настраивать голубые, пурпурные и желтые тона. с ползунками. Я провожу время, играя с настройками, пока не найду баланс, подходящий для иллюстрации.

Даже если вы чувствуете, что уже довольны рисунком, всегда интересно повозиться со слоями коррекции.Часто это дает довольно неожиданные результаты. Однако будьте осторожны с ним, потому что он может быстро исказить вашу иллюстрацию до неузнаваемости, поэтому убедитесь, что вы используете его в умеренных количествах.

3. Полуреалистичный

3.1 Эскиз волос

Перейдем к полуреалистичному стилю. Как и в случае со стилем манга, я начинаю с создания нового слоя поверх основного рисунка и прорисовываю контур волос.

На этот раз я потрачу меньше времени на уточнение линий эскиза, поскольку они исчезнут, когда я начну рисовать волосы.В отличие от стиля манга, я не хочу, чтобы линии были видны всегда. Когда я закончу, я меняю цвет наброска на темно-оранжевый. Это позволит контуру легче смешиваться с желтыми тонами волос, в отличие от исходных черных линий.

Я окрашиваю в бледно-желтый цвет и постепенно начинаю рисовать оттенки света и тени, используя слои multiply и overlay.

3.2 Покраска общей формы

Ошибка, которую часто допускают новички, заключается в том, что на начальных этапах рисуется детали волос, увеличивая масштаб очень близко к рисунку и расширяя рабочую область по ходу движения, как и в случае с традиционным дизайном. Это, на мой взгляд, основная причина, по которой не всегда все получается хорошо. Это может показаться нелогичным, потому что, когда мы думаем о волосах, мы думаем о небольших прядях. Но сначала вы должны нарисовать общую форму. Фактически, когда я это делаю, я полностью отключаю чувствительность пера к давлению, чтобы рисовать как можно более равномерно.

Так как я рисую на другом слое и не хочу перетекать на рисунок ниже, я использую функцию «Обрезать на слой ниже», щелкая значок, и я убеждаюсь, что загорелся маленький красный свет, указывающий, что слой по сути обрезано.

Итак, сначала я рисую общую форму, а затем постепенно уменьшаю размер кисти, чтобы внести более точные изменения. Думай как скульптор! Вырежьте общую структуру вашей скульптуры с помощью большого молотка, а затем постепенно начните улучшать детали с помощью все меньших и меньших инструментов.Здесь точно так же!

Волосы создают волны и, следовательно, участки света и тени. И именно благодаря этой волне появляются пряди волос. Мы воспринимаем различные объекты с помощью вариаций света и тени, потому что они выделяются на своем фоне.

В то время как в стиле манга именно линии, штрихи отличают объекты друг от друга, нет необходимости так сильно выделять предметы цветом.Основная причина, по которой я заставил исчезнуть исходный контур эскиза, просто потому, что он мне не нужен. Но на самом деле мне нравится добавлять строки, потому что это создает впечатление, будто это что-то среднее между мангой и реализмом — это золотая середина полуреализма.

На этом этапе я иногда корректирую лицо. Теперь у нас есть волосы, чтобы завершить рисунок, я получил более четкое представление всего портрета и заметил, что некоторые части не совсем подходят друг другу и нуждаются в корректировке.Для целей урока я уже нарисовал лица, поэтому мы можем сосредоточиться только на волосах, но наиболее логичный способ — нарисовать весь портрет вместе с самого начала.

3.3 Добавление деталей

Вот краткий обходной путь, чтобы показать вам, как я рисую детали. Я всегда создаю слой, иногда даже по одному для каждой пряди волос, что позволяет мне стирать его, чтобы сделать его более плавным, или размывать, чтобы придать небольшой фотореалистичный эффект, или исказить его. Я полностью контролирую каждую прядь, поскольку меня не беспокоят другие пряди волос.Я также добавляю светлые точки в определенных местах, чтобы выделить их и выделить определенные пряди.

Большинство людей думают, что рисование деталей — самая сложная часть, но я не думаю, что это действительно так. На это нужно время, но само по себе это не так уж и сложно. Если, несмотря на потраченное на это время, вы чувствуете, что детали выглядят не так хорошо, как вы надеялись, это, вероятно, связано с какой-то проблемой с основой, которую вы нарисовали на предыдущих шагах, а не с самими деталями.Другими словами, обычно это происходит потому, что вы не уделили время определению источника света, тени плохо прорисованы или форма волос недостаточно светлая и т. Д.

Вы должны уметь позаботиться об этих деталях, прежде чем приступить к рисованию деталей. Можно даже остановиться на деталях и получить очень интересный рисунок! Детали могут сделать хорошую иллюстрацию еще красивее, но не могут скрыть уже имеющиеся дефекты.

3.4 Предпосылки и последние штрихи

Раньше я создавал фон для портрета. Это позволило мне, например, нарисовать небольшие светлые белые пряди вокруг волос, которые не отображались бы на белом фоне. Но в конце концов я решил убрать фон, потому что считаю, что портрет без него лучше работает. Фактически, это произошло потому, что лицо было светлее фона, и они не очень хорошо сочетались друг с другом. Вместо того, чтобы затемнять весь портрет, я просто решил оставить фон белым.Однако из-за белого фона все волоски исчезли, поэтому я беру слегка темный цвет и снова перерисовываю их, чтобы вернуть их обратно.

Поговорив с другими людьми, я решил выпрямить волосы и переделать форму, чтобы дополнить ее. Это просто говорит о том, что вы всегда должны спрашивать совета у окружающих!

4 Заключение

Вот мы и подошли к концу с двумя рисунками рядом друг с другом.Здесь мы можем ясно понять сходства и различия между ними, такие как форма, пропорции, контраст, детали и так далее.

Должны ли мы следовать этим правилам, несмотря ни на что? Конечно, нет, все зависит от того, чего вы хотите — я первый, кто нарушил правила, смешав два стиля. Но вы должны иметь в виду, что для того, чтобы нарушить правила, вы должны сначала изучить и освоить их.

Надеюсь, я научил вас чему-то полезному о программе Clip Studio Paint.Он действительно полон функций и помогает очень быстро прогрессировать после того, как вы изучите все инструменты.

Прежде всего, я надеюсь, что я заставил вас захотеть рисовать! Не волнуйтесь, если вы сразу не примените мой совет на практике, не забудьте дать себе время, чтобы научиться!

Удачи!

https://twitter.com/esseyli
https://www.instagram.com/esseyli

Художников по направлениям: Фотореализм (Суперреализм, Гиперреализм)

Художественное движение

Фотореализм — это жанр искусства, который включает в себя живопись, рисунок и другие графические средства, в которых художник изучает фотографию, а затем пытается воспроизвести изображение как можно более реалистично в другом средстве.Хотя этот термин можно широко использовать для описания произведений искусства во многих различных средствах массовой информации, он также используется для обозначения группы картин и художников американского художественного движения, начавшегося в конце 1960-х — начале 1970-х годов.

Как полноценное художественное движение, фотореализм развился из поп-арта и в противовес абстрактному экспрессионизму, а также минималистским художественным движениям в конце 1960-х — начале 1970-х годов в Соединенных Штатах. Фотореалисты используют фотографию или несколько фотографий для сбора информации для создания своих картин, и можно утверждать, что использование камеры и фотографий — это принятие модернизма.Однако допуск к использованию фотографий в фотореализме был встречен интенсивной критикой, когда движение начало набирать обороты в конце 1960-х годов, несмотря на тот факт, что визуальные устройства использовались с пятнадцатого века для помощи художникам в их работе.

Изобретение фотографии в девятнадцатом веке оказало на искусство три эффекта: художники-портретисты и художники-живописцы были признаны хуже фотографа, и многие обратились к фотографии в качестве профессии; В рамках художественных движений девятнадцатого и двадцатого веков хорошо задокументировано, что художники использовали фотографию как исходный материал и как вспомогательное средство — однако они пошли на все, чтобы отрицать этот факт, опасаясь, что их работы будут неправильно истолкованы как подделки; и благодаря изобретению фотографии художники были открыты для множества новых экспериментов.Таким образом, кульминацией изобретения фотографии стал прорыв в истории искусства к задаче, стоящей перед художником — с самых ранних известных наскальных рисунков — попыткой воспроизвести просмотренные им сцены.

К тому времени, когда фотореалисты начали создавать свои работы, фотография стала ведущим средством воспроизведения реальности, а абстракция была в центре внимания мира искусства. Реализм продолжал оставаться постоянным художественным движением, даже переживая возрождение в 1930-х годах, но к 1950-м модернистские критики и абстрактный экспрессионизм минимизировали реализм как серьезное художественное начинание.Хотя фотореалисты разделяют некоторые черты американских реалистов, таких как Эдвард Хоппер, они пытались отделить себя от традиционных реалистов так же сильно, как и абстрактных экспрессионистов. Фотореалисты находились под гораздо большим влиянием творчества художников поп-музыки и выступали против абстрактного экспрессионизма.

Поп-арт и фотореализм были реакционными движениями, проистекающими из постоянно растущего и подавляющего изобилия фотографических средств массовой информации, которые к середине 20-го века превратились в такое массовое явление, что угрожало снизить ценность изображений в искусстве.Однако, в то время как художники поп-музыки в первую очередь указывали на абсурдность большей части изображений (особенно в коммерческом использовании), фотореалисты пытались вернуть и возвеличить ценность изображения.

Ассоциация фотореализма с Trompe L’oeil — это ошибочно приписываемое сравнение, ошибка в наблюдении или интерпретации, сделанная многими критиками 1970-х и 1980-х годов. Картины Trompe L’oeil пытаются «обмануть глаз» и заставить зрителя думать, что он видит реальный объект, а не нарисованный.Наблюдая за картиной фотореализма, зритель всегда осознает, что он смотрит на картину.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Википедия: https: // ru.wikipedia.org/wiki/Фотореализм

Рисование Реализма Homeschool Art Course

Подробнее о рисовании с реализмом, наш курс рисования реализма в домашней школе

Пытался ли учащийся домашнего обучения нарисовать объект, который он не мог заставить выглядеть так, как они хотели, или, может быть, знал, куда они пытались пойти с рисунком, но просто не знал, как это сделать, этот рисунок уроки для них!

Большинство развивающихся художников обладают большими художественными способностями, чем они думают, но необработанный талант требует руководства, практики и поощрения, чтобы преуспеть. Рисование с реализмом дает ученику домашнего обучения рисованию все три. Многие творческие люди являются визуальными учениками, поэтому просмотр пошаговой видео-демонстрации советов по реалистичности рисования, когда они рисуют вместе с инструктором, — прекрасный способ научиться и развиваться, чтобы по-настоящему понять методы, которые могут помочь им рисовать с потрясающими результатами.

Каждый модуль предлагает студенту задание из четырех частей, показывающее, как создавать реалистичные рисунки, где каждый новый объект представляет собой объект или существо с интересной текстурой (например,грамм. пушистые, светоотражающие, колючие, кожистые, скользкие и т. д.). Ученик домашнего обучения рисованию может загрузить изображение для рисования, но он также может применить полученные методы к объектам с аналогичной текстурой по своему выбору. Каждое видео позволяет ученику вернуться и посмотреть любую часть урока рисования на дому столько раз, сколько они хотят, чтобы увидеть, как достичь желаемого результата.

Студенты никогда не пожалеют о том, что они взяли на себя задачу научиться хорошо рисовать. Некоторые вообще пропускают уроки рисования (часто из-за страха, думая, что не могут даже нарисовать фигурку из палочек) и хотят сразу перейти к «забавным» вещам.Но рисование — это очень весело — невероятно весело, если художник хорошо постигает секреты рисования . Подростки, обучающиеся на дому, не захотят скрывать свою работу от любопытных глаз; они обретут уверенность в своей способности рисовать безупречно. Навыки рисования могут быть незаменимым инструментом в художественном наборе учащихся, занимающихся рисованием на дому, который будет продолжать улучшать их работу во всех других средах на протяжении всей их художественной карьеры.

Каждая единица реализма рисования — это отдельный проект, хотя четыре еженедельных урока рисования на дому должны проводиться в соответствии с выбранной единицей (ами).

Развивайте художественные навыки и понимание с помощью углубленного DVD-курса Яна Бауэра « Drawing Success ». Этот систематический прогресс из 36 уроков дает потрясающее представление о создании прекрасного искусства, которое мощно коммуницирует. Drawing Success содержит более 1200 минут видеоинструкций на 10 DVD, подробный учебник и многое другое. Просмотрите короткий видеоролик о Drawing Success ниже или насладитесь художественными молитвами Яна Бауэра (под названием Drawing Closer ) на сайте www.