Акварельный мир

Акварельный мир. Часть 1

В этом посте представляю Вашему вниманию акварельные работы разных художников — современных и не очень, российских и зарубежных, — и совершенно разлчной тематики: здесь и пейзажи, и архитектура, и натюрморты, и анималистика. Горные высоты и глубины океанов, морские просторы и тихие улочки — все разнообразие нашего мира.

 

Акварель приобрела популярность в Европе только в 19 веке, а до этого ее считали уделом любителей. Отношение к акварели как к «несерьезному» искусству вызывалось тем, что на создание готовой картины обычно уходит меньше времени, чем при работе масляными красками. Рисунки водяными красками долгове время воспринимались как наброски.

 

Но в «быстроте» акварели как раз и кроется ее сложность. Акварель не терпит исправлений. Здесь нельзя наносить краску слоей за слоем, уточняя контуры и цвета. Нужно сразу почувствовать и передать верный оттенок. Воздушность и красочность акварельных работ — результат совершенного владения техникой рисования и особого художественного «умения видеть».

 

Все авторы, представленные в галерее, — настоящие мастера. Даже если их имена не слишком известны, их работы говорят сами за себя.

 

 

Charles L. Peterson

Известный современный американский художник-акварелист. Вторая акварель — из «Коллекции воспоминаний», цикла работ, на которых на фоне пейзажей как будто возникают бледные призраки прошлого.

Современный сербский художник.

BRANISLAV MARKOVIĆ UMBRA

Американская художница-акварелист. Трудно поверить, но ее художественное образование — всего лишь две недели уроков у известного художника Эдгара Уитни. Все началось с желания украсить свой дом после свадьбы и переезда в Дэлавэр. Сейчас Кэролин является членом американского Акварельного Общества, американской Лиги профессиональных художников и Союза художников Америки.

Carolyn Blish

Современный английский художник. Специализируется в ботанической живописи. На его картинах — необычайно яркие, но реалистичные цветы.

Christopher Ryland

Современная американская художница. Известна своими фотореалистичными изображениями цветов.

Deborah Rubin

Detlev Nitschke

Современный немецкий художник. 

Американский художник и иллюстратор. Рисует дикую природу Америки, ковбоев и лошадей.

Don Weller

Художник-самоучка из Испании. На его картинах — залитые солнцем южные города.

Duart Acuarelas 

Молодая польская художница. Работает акварелью, тушью и карандашами. Вдохновение находит работах старых мастеров.

Duart Acuarelas 

Elwira Pawlikowska

Испанский художник

Faustino Martin Gonzalez

Австрийский художник (1860-1931). Очарование старых городов: Петербурга и Вены.

Franz Kopallik

Американский художник и путешественник, член Национального Акварельного Общества. Рисует величественные пейзажи.

Gary Spetz

Современный китайский художник-акварелист. Пишет в основном портреты, но есть и пейзажи.

Guan Weixing

Нидерландский художник-маринист. Пишет маслом и акварелью.

Hans Breeman

Таиландский акварелист.

Kitipong Ti​

Британская художница-анималист.

Lucy Newton

Польский художник, архитектор по образованию. Очень много интересных работ

Michal Suffczynski

Американский художник-акварелист. Пишет удивительно реалистичные и яркие картины самой разной тематики — пейзаж, портрет, архитектура, натюрморт. Вы не поверите, но это не фотографии, это акварель!

Paul Jackson​

Польский художник. Пишет городские пейзажи

Rafal Rudko

Австрийский художник (1874-1924). Акварельные виды старой Вены.

Richard Moser

Английский художник и иллюстратор. 

Robert Goldsmith

Американский акварелист. Пейзажи юго-западной Америки и сцены из европейской сельской жизни. Совершенно не использует в своей работе белую, черную и непрозрачные краски.

Roland Lee

Американский акварелист, после 20 лет работы в качестве архитектора посвящает все свое время живописи

Thomas W Schaller

Норвежский художник. Холодные краски севера

Torgeir Schjolberg

Китайский художник. Традиционные для китайской живописи мотивы — цветы и птицы — в реалистичной манере.

Zeng Xiao Lian

Алия Нуракишева

Родилась в Москве. Пишет удивительные лирические пейзажи и портреты.

Акварельные краски Севера.

Анна Михайлова

Владимир Тупоршин

Акварельная Москва

Нежные акварельные натюрморты

Елена Базанова

Русский художник-акварелист, мастер интерьерной живописи (1818-1879). Более 50 акварелей Ухтомского хранятся в Эрмитаже в Петербурге.

Константин Ухтомский

Живет и работает в Петербурге. Изображает свой город, используя необычно яркие, светлые тона.

Ольга Литвиненко

Молодая художница из Волгограда

Маликова Дарья

Польский художник

Михаил Орловски

Модест Гаврилов

Родился в 1966 году в городе Чебоксары. На его акварелях — улицы Чебоксар и Нижнего Новгорода.

Решетова Светлана

Русский художник (1807-1887). Интерьеры дворцов Москвы, Петербурга, Гатчины.

Эдуард Гау

Улицы и церкви Москвы, Дубны, Костромы, Суздаля и других городов 

Возможно, Вас заинтересуют другие галереи из Архива, где тоже представлены работы современных художников, включая акварели:

Акварели известных художников цветы. Лучшие акварелисты мира: произведения, техника рисования, фото

Акварель – (от франц. aquarelle – водяной, от лат. aqua – вода) краска для живописи. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения – гуммиарабик и декстрин.

Мед, сахар и глицерин удерживают влагу.

Акварель – легка, прозрачна, вместе с тем сложна. Не терпит исправлении. Краска эта известна с древнейших времен. Их применяли в древнем Египте, древнем Китае и в странах античного мира.Акварель нуждается в особой, пористой бумаге. Она была изобретена в Китае. Краска легко впитывается в нее. Но сложность в прозрачности — нельзя перекрыть один цвет другим — смешаются. Испоравить ошибку невозможно, разве что обыграть нечаянно появившееся пятно. Различают акварель «по-мокрому» и акварель «сухой кистью». Я люблю первый прием. Он носит еще название «а ля прима». Она легче, прозрачнее.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Одним из художников Ренессанса, добившихся больших успехов в акварельной живописи был Альбрехт Дюрер . Примером тому может послужить его работа «Заяц».

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Заяц

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Примула обыкновенная, 1503. Вашингтон, Национальная Галерея Искусств

В XVIII-XIX века благодаря Томасу Гёртину и Джозефу Тёрнеру акварель стала одним из важнейших видов английской живописи.

Томас Гёртин (Thomas Girtin), английский художник (1775-1802) Руины замка Савой

Томас Гертин – молодой художник, умер в возрасте 27 лет, но его по праву называют выдающимся художником. Он очень быстро выработал свой стиль: отметая некоторые старые каноны, убирая ограниченное в рисунке, стал отказываться от разработки переднего плана, стремился запечатлеть незамкнутое пространство, стремясь к панорамности.

Тёрнер. Внутренний двор церкви Kirkby Lonsdale

Акварелист также постоянно совершенствовал свою технику, изучал природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве и художников-пейзажистов.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

Акварельная живопись Петербурга и России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. Во времена, когда ещё не было фотографий, быстрота исполнения, минимальное количество утомительных сеансов позирования, воздушность колорита – во всем этом нуждалось русское общество. И поэтому, именно акварель пользовалась успехом в высших и средних его слоях.

Эдуард Петрович Гау . Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин , Михаил Врубель , Валентин Серов , Иван Билибин .

Врубель

В.Серов Портрет И.Репина

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942). На берегу реки. Карандаш, акварель

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896-1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

Задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов», несомненно, выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870-1960), Льва Бакста (1866-1924), Ивана Билибина (1876-1942), Константина Сомова (1869-1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871-1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877-1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица. 1910. Акварель.

Иван Билибин

К.Сомов. Купальщицы. 1904. Бумага, акварель.

Александровский дворец в Детском Селе (акварель) П А Остроймова-Лебедева

Волошин

Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Тырса Н.А. Портрет Анны Ахматовой. 1928 Бумага, черная акварель

А.А.Дейнека

Дата публикации: 23.12.2016

Есть в акварельной технике какое-то особое – хрупкое очарование, легкость и невесомость, способность удивительно точно передать стремительность и мимолетность момента. Современные живописцы любят акварель. Эта техника идеально подходит для динамичного, стремительно меняющегося на наших глазах мира. В этом обзоре предлагаем вам подборку самых известных художников-акварелистов, добившихся больших высот в искусстве акварели и завоевавших всемирную популярность.

Самый известный австралийский художник, работающий в технике акварели. В Загребе есть музей, названный в его честь. Дело в том, что родился художник в Хорватии (в 1952 г.), но в возрасте 18 лет с семьей эмигрировал в Австралию.

В университете Мельбурна он изучал промышленный дизайн, а позже получил свои первые награды и всемирное признание. Хорваты очень гордятся своим именитым земляком. Во многих художественных магазинах Европы в продаже можно найти кисти, маркированные его именем.

Секрет успеха художника, по его собственному признанию, в том, что он никогда не делает картин для продажи, а творит исключительно для собственного удовольствия. Работы Д. Збуквича можно видеть в ведущих галереях по всему миру (в США, Великобритании, Австралии, Китае).

Его фирменный знак – “Z” (первая буква его фамилии). Своих студентов он учит свободе, а акварель сравнивает с дикой необузданной лошадью, которую никогда нельзя приручить по-настоящему. Признается в любви к ней, как к самой любимой женщине, и эта любовь длится уже 40 лет.

Художник не любит чистый черный цвет, говоря, что черный – это не цвет, а его отсутствие. Любимая тема – морской пейзаж и городские виды. Одна из самых необычных акварелей, которые создал мастер, написана всего одной краской – и краской этой является быстрорастворимый кофе.

Этот художник просто обожает писать красивых женщин и маленьких детей, окруженных солнечным светом. Его картины чувственны, иногда неприкрыто сексуальны, полны гармонии и очень реалистичны.

Подчас они напоминают искусные фотоснимки. Он любит писать женщин на фоне водных пейзажей, особенно реалистично получается у художника водная стихия.

Стив Хэнкс родился в 1949 г. в Калифорнии и с детства полюбил океан, ведь на его побережье он проводил довольно много времени. Закончил с отличием художественную Академию в Сан-Франциско.

Свой собственный стиль художник называет «эмоциональным реализмом». Входит в 10-ку самых известных американских художников. Про себя говорит, что пишет людей, но не портреты.

Он обожает писать солнечный свет, который является одним из главных действующих лиц его акварелей. Вначале художник пробовал работать с разными техниками – маслом, акрилом. Но позже был вынужден перейти на работу только с акварелью, так как у него выявилась аллергия на краски.

В конце концов, он добился такого мастерства в акварельной живописи, что сделал эту технику очень похожей на живопись маслом.

Родилась в 1953 г. в Огайо. Живописи училась в Филадельфии в художественной школе. Конек этой художницы – портреты.

Она рисует потрясающие акварельные портреты самых разных людей – бедняков, рабочих, детей, старух и стариков, красивых афроамериканских девушек на цветущих, залитых солнцем лугах.

Целая галерея лиц современной Америки. Очень яркие, сочные и солнечные акварели, полные глубокого смысла. На них изображены люди в самых обычных ситуациях, занятые повседневными делами.

Главным в работе художница считает способность точно передать эмоции. Просто мастерски копировать вещи и людей недостаточно.

Художница работает в двух техниках – в масле и акварелью. Именно акварель принесла ей славу и признание по всему миру. Мэри Уайт также с успехом занимается иллюстрированием детских книг.

Его называют французским реалистом. Художник родился в 1962 г. в Париже. В настоящий момент работает иллюстратором в одном из издательств. Получил образование в области декоративно-прикладного искусства.

Рисует исключительно акварелью, пользуясь собственной техникой многослойного нанесения красок, за счет чего добивается неимоверной реалистичности работ. Любит работать над отдельными акцентами.

Тщательная проработка деталей – любимый прием художника, его фирменный знак. Любимая тема – городской пейзаж. Художник обожает писать свой родной Париж и Венецию. Его акварели пронизаны романтизмом и очарованием. Своим учителем в живописи считает Эжена Делакруа.

Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Акварель часто называют самой непослушной, самой капризной краской. С ней трудно работать, ее трудно хранить, она непредсказуема и требует от художника максимальной сосредоточенности. Зато те, кому удалось ее покорить и приручить, знают секрет создания по-настоящему потрясающих работ, глядя на которые задаешься единственным вопросом: «Кому они продали душу, чтобы так рисовать?»

сайт приглашает вас в галерею по-настоящему атмосферных, ярких и талантливых работ. Это именно то современное искусство, которому не стыдно признаться в любви.

Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, — к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Среди призёров Международного конкурса художников-акварелистов в 2014 году были два представителя России,работы которых мы сегодня посмотрим.

Елена Базанова — художник с мировым именем, работающий в технике акварели.

Родилась в 1968 в городе Сланцы Ленинградской области.
Закончила Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В. Иогансона и Государственную Академию живописи, скульптуры и архитектуры им И.Е.Репина (мастерскую книжной графики).
С 1989 года активно работает с издательствами Санкт-Петербурга, c 1996-го иллюстрирует издания для детей.
С 1995 года — член Союза Художников России.
С 2006 года — член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Работы находятся в галереях и частных коллекциях России, Германии, США, Франции, Англии, Швеции, Исландии, Финляндии, Нидерландов, Казахстана.

На конкурс были выставлены работы.

Зима. Яблоки.

Сейчас Елена — член Общества акварелистов Санкт-Петербурга, регулярно участвующий в сезонных выставках Союза художников, активно выставляющийся как в России, так и заграницей (в Великобритании, Германии, США, Ирландии). На ее счету семь персональных и участие в более чем пятидесяти коллективных выставках в России.

С 2006 года — член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Три яблока.

Елена Базанова так рассказывает о своем творчестве.

— Почему выбрали именно акварель?

Как мне кажется, я чувствую этот материал, это позволяет мне раскрывать его особенности в очень сложных живописных задачах. Именно это напряжение в работе мне кажется привлекательным, управлять стихией воды и краски — самое захватывающее и интригующее в акварельной живописи.

Букет земляники .

Натюрморт с кукурузой

В каких техниках еще работаете?

Благодаря полученному образованию, я владею самыми разными техниками. Не всеми, конечно, постоянно пользуюсь, нельзя объять необъятное, к сожалению. Люблю делать рисунки мягкими материалами, при иллюстрировании книг часто использую рисование тушью, пером и цветными карандашами.

Лилейники .

Три яблока .

Подсолнухи

Климатисы

— Ваш любимый жанр натюрморт? А как же пейзажи и портреты?

Да, последнее время я много работаю именно в жанре натюрморта. Также пишу портреты животных. Очень хочется сделать новую серию пейзажей и поработать с портретами людей. Так что в моих планах расширение границ жанра.

Этюд с клубникой .

Натюрморт

Вы проиллюстрировали «Алису в стране чуде с». Эти работы совсем не похожи на Ваши натюрморты.

Я не отношу себя к художникам, которые постоянно навязывают свою манеру изображаемой теме, иллюстрируемой книге. Я двигаюсь по пути создания образа, исходя из сути того, что является предметом изображения или иллюстрирования. От этого появляются и разные пластические решения. Иллюстрация не должна создавать барьера для восприятия текста, особенно в детской книге.

Мой опыт работы в книжной иллюстрации достаточно большой. Начиная со студенческих проектов, я старалась достигать максимального единства иллюстраций с текстом и идеей автора.

Натюрморт с красной смородиной .

Горох.

Натюрморт с персиками

Вишня

Дуся
:

Дмитрий Родзин родился в 1969 году в г. Краснодаре.

В 1988 г. закончил Краснодарское художественное училище.

1991-1997 — учился в Российской Академии живописи, ваяния и зодчества в мастерской исторической живописи (дипломная работа — «Изгнание торгующих из храма»).

Среди произведений — исторические и жанровые композиции, портреты, пейзажи, натюрморты, оформление интерьеров, книжная графика.

Участник выставок с 1993 г.

Персональная выставка «После традиции» состоялась в 2002 г. в филиале ГЦТМ им. А.А. Бахрушина (Москва).

В настоящее время живет и работает в Москве.

На конкурсе была представлена работа.

Лето. Ксения и Сонечка.

Живые лилии, сухие розы и нецкэ

Соня.

Отдых.

Детские образы — одна из любимых тем в творчестве Дмитрия. На его картинах — мысли и эмоции маленького человека, его взросление, начало познавания мира. В ряде акварелей художник развивает тему отражений. В них создается двойная иллюзия: иллюзия трехмерности в двухмерном зеркале и иллюзия трехмерности на двухмерном листе бумаги.

Осень

Любопытство.

Windows

Крестик.

День рождения

Петуния.

Просто этюд.

Из тени в свет.

Измайловский парк. Февраль

Арбат.

Черниговский переулок.

Дмитрий Родзин много работает в жанре монументальной живописи. Его росписи находятся, в частности, в резиденции Президента Российской Федерации, Доме Приемов Президента Российской Федерации, резиденции премьер-министра Российской Федерации и Свято-Троицком Серафимо-Дивеевском женском монастыре.

Источники.

http://cleargallery.ru/gallery/open/aid-223

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, – к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Солнечная живопись Абе Тошиюки

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Француз Кристиан Гранью (

Поделись статьей:

Похожие статьи

Акварели Ирины Ломановой |

Акварель в наши дни переживает расцвет популярности. Она обладает богатыми возможностями в передаче тончайших цветовых нюансов, отличается мягкостью и прозрачностью колорита. К тому же, бумага и краски на водной основе вполне доступны как профессионалам, так и самому широкому кругу любителей живописи. Однако, кажущиеся простота и легкость, с которыми опытный художник создает работы в этой технике, обманчивы. Акварельная живопись требует безукоризненного умения «чувствовать» и наносить краску, виртуозного владения всеми приемами – от штриховки и широкой заливки «по-мокрому», до четкого мазка и работы в технике сухой кисти. Современные акварелисты, в большинстве своем, предпочитают работать по сырой бумаге в технике a la prima (в один прием), смело пользуясь заливками и оперируя стремительными мазками плоской кистью с последующей проработкой мелких деталей. Такая техника требует мастерства, сноровки и быстроты исполнения. Но наиболее сложной, с технической точки зрения, является классическая многослойная акварель, которая сегодня находится практически на грани забвения. Между тем, отличаясь силой тона, она по своим изобразительным возможностям во многом превосходит тяжеловесную и несколько прямолинейную живопись маслом.

В основе многослойной акварельной живописи лежит техника лессировочного письма, известного еще по произведениям голландских и фламандских художников XV-XVII веков. При лессировке важно соблюдать, чтобы нижний слой акварели оставался сухим, поскольку краски наносятся друг на друга поэтапно, прозрачными мазками. Таким образом, красочные слои не смешиваются, а работают на просвет, а цвет каждого живописного участка состоит из нескольких полупрозрачных слоев акварели. Конечно, при работе в лессировочной технике можно увидеть границы мазков, но обычно те настолько незаметны, что не портят живопись, а придают ей своеобразную фактуру. Основным достоинством такого способа письма является возможность создания реалистических картин, максимально точно воспроизводящих тот или иной фрагмент окружающей среды. Они если и напоминают отчасти масляную живопись, то компенсируют это сходство прозрачностью и звонкостью колорита. Лессировка незаменима в изображении нежнейших градаций перспективных планов, затененных интерьеров, предметов со множеством рефлексов, она хорошо передает мягкость светотени в спокойном рассеянном свете, то есть во всех тех случаях, где недопустимы корпусные приемы. При письме в многослойной технике художник относительно независим во временных рамках: ведь работу над картиной можно поделить на несколько сеансов, в зависимости от необходимости и желания автора. Это особенно важно при работе с крупноформатными изображениями, когда выполнять различные фрагменты будущей картины приходится поэтапно. Благодаря тому, что лессировка наносится по сухой бумаге, художнику удается лучше контролировать точность мазков, правильнее подбирать необходимый оттенок для каждого элемента в рисунке и получать нужное цветовое решение.

До нас дошли замечательные образцы многослойной акварельной живописи кисти А. Дюрера, П. Рубенса, Г. Гольбейна. Во второй половине XVIII века началось мощное развитие английской школы акварели, которая и по сей день считается наиболее выдающейся. Достаточно вспомнить такие имена как У. Тёрнер, Дж. С. Котмен, Р. Бонингтон, У. Кэллоу. В России в этой манере работали Карл и Александр Брюлловы, А. Иванов, И. Репин, В. Суриков, М. Врубель, А. Бенуа, М. Добужинский, К. Сомов, И. Билибин. К сожалению, в XX веке традиция многослойной акварели стала постепенно угасать. Причина отчасти в том, что многие новые краски, введенные в широкое употребление акварелистами середины века, оказались быстро выцветающими и весьма недолговечными. С другой стороны, при работе в этой технике очень важен и профессиональный уровень художника, ведь лессировка требует филигранного мастерства, большой концентрации, терпения и сосредоточенности художника. Исправить погрешности многослойной акварельной картины практически невозможно, и лишь немногие живописцы осмеливаются работать в этой сложной и кропотливой технике. В сегодняшней России наследие русской многослойной акварели пытается возродить известный художник и педагог Сергей Николаевич Андрияка, из творческих мастерских которого вышло немало талантливых акварелистов, профессионально работающих в этой непростой технике. Российская художница Ирина Витальевна Ломанова из их числа.

Ирина Ломанова родилась в 1962 году в городе Херсоне, с отличием окончила московский Центр подготовки художников-оформителей «Росмаркетинг» по специальности «художник-оформитель в рекламе» (1990 г.), работала искусствоведом в Художественном фонде СССР, закончила Государственную специализированную школу акварели Сергея Андрияки (преподаватель А. И. Каргина), участвовала в ряде выставок («Весенней выставке работ школы Сергея Андрияки», Манеж, 2011 г., «IV Международной выставке-конкурсе современного искусства «Классическая живопись. Натюрморты в классическом стиле», Санкт-Петербург, 2012 г., «Арт-Ростов 2014», Ростов-на-Дону). В настоящее время художница живет и работает в Подмосковье, поэтому тема природы средней полосы России для нее особенно близка и любима. Пейзажные мотивы Ирины Ломановой обычно неброски и гармоничны, их отличает сдержанная цветовая палитра, в которой преобладают жемчужно-серые, палевые и охристые оттенки. В этих акварелях чувствуется умение добиваться выразительности при помощи тонкой игры полутонов и грамотно выстроенной композиции («Зеленый холм», «Осенние краски», «Ветлы на Оке»). Художница старается избегать дешевой «картинности» и ярких эффектов, обычно отличающие художников, стремящихся понравится невзыскательному зрителю. Напротив, многие пейзажи Ирины проникнуты светлым поэтическим настроением, со слегка элегической ноткой.

Особое место в творчестве Ирины Ломановой занимают натюрморты. В этом жанре она написала множество акварелей, которые условно можно подразделить на несколько циклов: «цветочные букеты», «деревенский натюрморт», «жизнь игрушки». Стилистически художница придерживается традиций русской реалистической школы живописи, о чем более чем красноречиво свидетельствует даже выбор натуры для ее работ: краюхи простого домашнего хлеба, сушки и бублики, растения и ягоды, скомпонованные с предметами деревенского обихода. В ноябре 2013 года акварель Ирины Ломановой «Натюрморт с бубликом» украсила иллюстрированное издание «Традиции Ярославского Края. Дом и быт. Семейные обычаи». Книга была выпущена издательством «Медиарост» (г. Рыбинск), и богато иллюстрирована репродукциями таких знаменитых художников как В.Тропинин, В. Стожаров, А. Пластов, Б. Кустодиев, Ф. Сычков, К. Маковский, А. Венецианов, Н. Богданов-Бельский, А. Корзухин. Серия «Жизнь игрушки» вызывает особую теплоту у зрителя, поскольку обращается непосредственно к затаенным образам и воспоминаниям раннего детства. Чувства, вызываемые этими трогательными, зачастую лукавыми или смешными акварельными композициями из детских игрушек трудно передать словами. Достаточно упомянуть, что в апреле 2013 года Ирина Ломанова приняла активное участие в акции «Художники Москвы детям Костромы», подарив четыре акварели из этой серии Первомайскому детскому дому-интернату, а еще двадцатью работами художницы оформлен Центр Матери и Ребенка в Костроме.

Кстати, именно в этом городе состоялось уже две персональных выставки художницы (в сентябрь 2012 года на арт-площадке «Станция», и в марте-апреле 2014 года в Муниципальной художественной галерее города Костромы). Еще одна персональная выставка прошла во Владимире в «Центре пропаганды изобразительного искусства» с 21 февраля по 9 марта 2014 года. В настоящее время работы Ирины Ломановой находятся в собраниях Костромского Государственного историко-архитектурного и художественноого музея-заповедника, в Фонде Областного Центра пропаганды изобразительного искусства Департамента по культуре Владимирской области (г. Владимир), в частных коллекциях России и Чехии. С другими произведениями этой замечательной художницы вы можете познакомиться здесь.

От автора | nazart.ru

Занимаюсь акварельной живописью с двенадцати лет. И несмотря на то, что впоследствии много и охотно писал маслом, гуашью и даже темперой, отдаю предпочтение акварельным краскам. Ни в коей мере не умоляя достоинств других видов живописи, считаю, что ученик, хорошо овладевший акварелью, легче осваивает другие живописные материалы.

Для меня в акварельных работах, в коробочке с акварельными красками всегда есть что-то таинственно-притягательное. Видимо, сказались определенные обстоятельства, при которых состоялось мое знакомство с акварелью. Это и подаренные в детстве старшей сестрой акварельные краски в деревянной коробочке, и мой первый учитель рисования в общеобразовательной школе А.Н. Букинич — старый русский интеллигент, и мои преподаватели акварельной живописи в Московской средней художественной школе при институте им. В.И. Сурикова: А.П. Сергеева — представительница русской акварельной школы, ученица Валентна Серова и Константина Коровина, А.И. Балашова — талантливый педагог более позднего поколения, и наконец знакомство с акварелями великого Врубеля в Третьяковской галерее в конце 1956 года. Все это сформировало на всю жизнь мое особое отношение к акварельной живописи.

Принято считать, особенно в последние десятилетия, что настоящая акварельная живопись — это живопись практически однослойная, написанная, как правило, по сырой поверхности бумаги за один сеанс. И действительно, акварельная краска — краска водяная, прозрачная, в чем ее особый смысл, красота и отличие от других живописных материалов. Становится понятным стремление художников, работающих к технике акварели, к идеалу текучести. Вспомним некоторые акварельные работы К. А. Сомова пли известный автопортрет В. А. Серова 1901 года с папироской во рту, написанный, правда, акварелью в сочетании с гуашью, но в чисто акварельной текучей манере.

В. А. Серов. Автопортрет. 1901 К. А. Сомов. Радуга. 1908 

Начиная с 60-х годов XX века однослойная акварель, или как ее еще называют alla prima, начинает занимать господствующее положение. Ее удивительные возможности показали художники России, Прибалтики, особенно Литвы, стран Западной Европы. При этом камерные возможности акварели расширили свои рамки как в прямом, так и в переносном смысле. С одной стороны, увеличение размеров работ, с другой — появление новых технических приемов, когда случайное, соединяясь с управляемыми процессами и чаще всего доминируя над ними, придавали работам особое цветовое и смысловое звучание. Все это было, безусловно, интересно, но не надо забывать, что возможности акварели только этим не исчерпываются — они гораздо шире.

Здесь уместно, на мой взгляд, привести два высказывания о работе с акварелью. Одно принадлежит замечательному мастеру акварельной живописи А. П. Остроумовой-Лебедевой. Вот что она пишет в своих «Автобиографических записках»: «…акварелью нельзя долго и упорно вырабатывать картину ввиду быстрой утомляемости бумаги…<…> Красота и привлекательность акварельной живописи заключается в легкости и стремительности мазка, в быстром беге кисти, в прозрачности и яркости красок. Акварелью не подходит работать спокойно, методично, не торопясь — это для нее не характерно» (Цит. по кн.: Акварель. Советы начинающим. M., 1991. С. 32.). А вот высказывание М. А. Врубеля, который был блестящим акварелистом: «Подталкиваемый действительно удачно, прелестно скомпонованным мотивом модели, <…> я прильнул, если можно так выразиться, к работе; переделывал по десяти раз одно и то же место, и вот с неделю тому назад вышел первый живой кусок, который меня привел в восторг…» (Врубель. Переписка. Воспоминания о художнике. Л., 1976. С. 43.). Так писал Врубель в письме к своей сестре о работе акварелью над «Натурщицей в обстановке Ренессанса». Или, говоря о совсем маленьком акварельном портрете старушки Кнорре, он сообщает своей сестре: «…работа четырехмесячная аккуратно часа по 3-4 в сутки» (Врубель. Переписка. Воспоминания о художнике. Л., 1976. С. 44.). На первый взгляд, приведенные высказывания исключают друг друга, но это только на первый взгляд. Они говорят прежде всего о том, что возможности акварельной живописи необычайно широки.

Мне посчастливилось увидеть большое количество акварельных работ, принадлежащих мастерам разных времен. Это — классическая английская, русская, испанская, американская акварель, а также замечательные работы советских художников. Сколько школ, направлений, сколько ярких индивидуальностей! И все это можно отнести по большей части к акварели многослойной. Здесь нужно отметить, что в акварельной живописи уже давно существуют два больших направления — однослойная и многослойная акварель. Различия между ними носят порой условный характер, поскольку приемы того и другого вида акварели часто проникают друг в друга. В данном случае на лицо наличие основного свойства акварельных красок — их прозрачности, сохранить которую в многослойной акварельной живописи намного сложнее, чем в однослойной.

Как правило, каждый художник-акварелист по мере приобретения опыта работы с акварелью выбирает наиболее близкое ему направление в акварельной живописи, используя свои изобразительные приемы, которые становятся собственностью художника, определяя его индивидуальность. Но есть мастера, достижения которых в акварельной живописи были столь значительны, что становились достоянием других художников, оказывая влияние на их работы и способствуя становлению индивидуальности. Таким образом, создавались целые направления и школы в акварельной живописи. Вот пример: акварели известного испанца Мариано Фортуни, которыми восхищались такие русские художники, как П. П. Чистяков и И. Е. Репин, вдохновили М. А. Врубеля на создание удивительнейших акварелей, своеобразных миниатюрных шедевров, а акварельные работы Врубеля в свою очередь оказали огромное влияние как на его современников, так и на формирование творчества многих ярких художников-акварелистов советского времени. В этом просматривается естественный процесс обогащения акварельной живописи.

Нет необходимости доказывать, что современный художник-акварелист может, а скорее всего должен опираться на опыт прошлого, который может быть полезен не только с точки зрения ознакомления с лучшими работами и техникой живописи мастеров, но также поможет ему на основе полученных знаний найти свой путь в акварельной живописи. Особенно это важно для учащейся молодежи, для подготовки последующих поколений художников-акварелистов.

Задача данного пособия и заключается в том, чтобы ознакомить учащихся детских художественных школ и изостудий с основными способами акварельной живописи, которые достались нам от мастеров прошлого. Пособие предназначено для учащихся старших классов, имеющих определенные, пусть даже небольшие, навыки в работе с акварельными красками.

Предлагаемая работа сформировалась на основе трех источников. Во-первых, это — акварельные работы различных мастеров, которые мне довелось увидеть во многих музеях и выставочных залах как в нашей стране, так и за рубежом, а также всевозможные иллюстративные материалы: книги, альбомы, отдельные репродукции, фотографии и т. д. Во-вторых, это — различные литературные источники: воспоминания художников, их письма, воспоминания о художниках их современников, книги по искусству, искусствоведческие исследования, статьи, учебные пособия. И в-третьих, это — знания, полученные во время обучения в художественной школе, а затем в институте в сочетании с моим личным опытом художника, много лет работающего в технике акварельной живописи.

Не останавливаясь подробно на материалах акварельной живописи, тем не менее хочу коснуться некоторых моментов.

В данном пособии речь пойдет об акварели «чистой», т. е. без применения белил. Акварельные работы могут выполняться как на специальной плотной бумаге белого цвета, хорошо проклеенной, с ярко выраженной фактурой, так и на бумаге других сортов без жировой пленки, которые помогают художнику максимально выразить ту или иную идею (задачу). При этом лучше всего работать на листе бумаги, натянутом на планшет.

Кисти рекомендуются круглые, как правило, беличьи, но хорошо также использовать кисти из ушного волоса, колонковые, барсучьи. Они обладают большей упругостью, что бывает необходимо в работе. На мой взгляд, лучше всего сочетание кистей нескольких видов. Иногда (в последнее время особенно часто) акварелисты с успехом используют и плоские кисти, которые, по-видимому, имеют право на существование, хотя мне кажется, что традиционная круглая кисть больше подходит к особенностям акварельной живописи.

Что касается палитры, то могу с уверенностью сказать, что являюсь противником кусков бумаги в качестве палитры, активно рекомендуемых некоторыми преподавателями не только художественных школ и училищ, но и вузов. Дело в том, на мой взгляд, что все самые лучшие качества красящего вещества акварельных красок, вся так называемая живопись, остается на бумажных палитрах, а на работу переходят бледные остатки цвета.

Говоря о красках, могу отметить, что из всех акварельных красок, которыми мне пришлось пользоваться, а это была французская, английская, немецкая, австрийская, японская, китайская, американская акварель, отдаю предпочтение отечественному набору «Ленинград №1», состоящему из 24 цветов. Эти краски имеют высокое качество и удобны в использовании.

Но прежде чем перейти к описанию отдельных способов акварельной живописи, хочу напомнить об основных технических приемах, которыми пользовались и пользуются художники-акварелисты. Они будут встречаться в тексте при ознакомлении с этими способами.

1. Большие, широкие заливки, наносимые кистью большого размера часто по увлажненной поверхности бумаги с плавным переходом, где необходимо, одного цвета в другой. Чаще всего используются при изображении неба и воды.
2. Всевозможные по размеру заливки-лужицы, наносимые на сухую поверхность бумаги, изображающие отдельные цветовые плоскости. Могут состоять как из одного цветового тона, так и нескольких оттенков, плавно переходящих друг в друга.
3. Мазки, наносимые в разных направлениях, в одних случаях мягкие, с размытыми краями, когда бумага влажная, в других — резкие, возможно со срывом на конце, придающие изображению определенную динамику и графическую выразительность.
4. Всевозможные точки (так любимые М. А. Врубелем и вызывавшие недоумение у почтенных обывателей), штрихи, выполняемые тонкой кистью по форме предмета, наподобие карандашных штрихов или перовых тушью, так часто используемые для лепки формы цветом в портретах XIX века. Применяются также при заполнении мелких промежутков бумаги между цветовыми пятнами и для усложнения или усиления цветового тона на определенном участке изображения, т. е. для корректировки.
5. Смывания и размывки губкой или кистью, проскребывания стальным ножичком, протирки ластиком. И хотя эти приемы могут выглядеть очень странно для современного акварелиста, тем не менее они применимы в акварельной живописи (достаточно посмотреть акварели И. Н. Крамского и Ф. А. Васильева).

В заключение следует добавить, что пособие проиллюстрировано акварелями как выдающихся мастеров русского, зарубежного искусства, художников советского периода, так и учебными работами учащихся Детской художественной школы и изостудии города Троицка, а также акварелями автора.

Теперь мы можем перейти к знакомству с отдельными способами работы акварелью. Названия некоторых способов придуманы автором и носят несколько условный характер. Рассмотрим вначале несколько способов однослойной живописи. Их определилось пять.

10 художников, которые покорили цвет

Яркие пятна, брызги света, искрящийся воздух — эти художники видят мир трогательно красивым и восхитительно цветным.
AdMe.ru предлагает взглянуть на мир глазами этих волшебников. Вашему вниманию подборка картин современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом.

Работы болгарского художника Цвиатко Кинчева в стиле импрессионизма — это цифровая живопись: они выполнены на компьютере, в программе Photoshop. Невероятно сочные творения художника подчеркивают красоту и яркость окружающего мира.

Голландский художник Вильям Хенритс работает акварелью, акрилом и пастелью. Его творения — это удивительная нежность, звенящий воздух, которым дышат его краски, его изящные линии. Работы Вильяма известны во всем мире в виде высококачественных постеров и литографий.

Юрий Петренко родился в Сочи. Профессионально занимается живописью около 20 лет. Сочные цвета, милые домики, корабли и море. От его картин веет жарким солнцем и соленым ветерком. Работы находятся в частных коллекциях практически во всех странах мира.

Армянский художник Овик Зограбян появился на свет в семье известного художника и скульптора Никогоса Зограбяна. За характерными для импрессионизма штрихами проступает уникальный стиль самого художника. Его уютные цветные города, яркие домики наполнены солнцем и счастьем.
 

Линда Вайлдер — канадская художница. Линда обожает писать пейзажи, а мастихин — один из любимых ее инструментов. Яркие, точные мазки, тонко подмеченные оттенки и линии — картины Линды есть в корпоративных и частных коллекциях в Канаде и по всему миру.

Китайско-американский художник Кен Хонг Лунг тонко чувствует цвет и умеет передать магию покоя.  Его рыбацкие деревни и пейзажи берегов стали сенсацией в художественных кругах Гонконга. Кен считается одним из лучших мировых художников-неоимпрессионистов. Его называют хозяином заколдованных пейзажей, мечтательных настроений и магических отражений света и цвета.

Йохан Мессели живет и работает в Бельгии. Его картины отражают уютный мир тенистых провинциальных двориков, старинных калиточек и добрых окошек. Йохан умеет передать небрежными штрихами умиротворение и тихое счастье. Работает художник маслом и пастелями.

Джилл Чарук — современная канадская художница. Двадцать лет творила в индустрии одежды и интерьера. Она обожает утрировать цвета, усиливать контрасты. Ее яркие картины получили международное признание, они есть в коллекциях современного искусства в Северной Америке, Мексике и Европе. Джилл пишет в основном маслом и акрилом.

Леонид Афремов — всемирно признанный художник-импрессионист. Уроженец города Витебска, Республика Беларусь. Художник использует мастихин, работает в основном масляными красками. Вдохновение, по его собственным словам, черпает из многочисленных путешествий. Леонид видит мир ярким, сочным и умеет поделиться своим чудесным видением.

Эжен Джей Папроски родился в Чикаго. Большинство картин импрессиониста написаны на пленэре. Он любит быстро уловить суть, поймать настроение города и выплеснуть точно подмеченную эмоцию на холст. Некоторые картины художника находятся в стенах Белого дома, американских посольствах в Кувейте и Уругвае.

20 восхитительных картин — INMYROOM

Как декоратору в наше время создать интерьер в классическом стиле? Во времена реплик, пластика, инноваций и минимализма, когда даже Большой театр кажется копией самого себя. Черпать вдохновение нужно в оригиналах, которые наилучшим образом запечатлены в живописи.

Сегодня мы рассмотрим изящные интерьеры на примере работ таких известных художников, как Ignacio de Leon y Escosura, Knut Ekwall, Karen Stene, Carl Herpfer, Giovanni Boldini, Константин Ухтомский и Николай Тихобразов.

Эти художники жили в разное время, но их объединяет одно…

…они тонко чувствовали всю привлекательность помещений и их отдельных элементов. Например, испанский художник Ignacio de Leon y Escosura больше всего любил изображать сцены, которые проходили в садах и закрытых помещениях. Фигурами его произведений нередко становились исторические особы, такие как Лукреция Борджиа, Карл V, Филипп IV.

Нарядные интерьеры, присущие для XVII-XVIII веков…

…обставленные роскошной массивной мебелью, с избытком золотых деталей и цветочных узоров, в его картинах – главные объекты наравне с людьми. Особенно привлекает внимание его работа «Romantic Scene». 

Здесь мы наблюдаем большую кровать с красивым красным балдахином из тяжелой ткани. Стены украшены фресками и картинами. Лепнина, покрытая позолотой, на стенах и потолке подчеркивает шик того времени? перекликаясь с резными узорами на деревянном комоде, кровати и пуфиках.

Немецкий живописец Carl Herpfer также имел слабость к изображению интерьеров на своих картинах. 

С помощью его работ мы можем изучать историю, наблюдая за тем, какие приемы использовали в оформлении интерьеров дизайнеры и архитекторы того времени. Нельзя не заметить, что уделялось большое внимание текстилю: богато расшитые шторы, стулья с тонкой ручной вышивкой, ковры ярких оттенков, шелковые скатерти.

Необыкновенное изящество присуще работам итальянского художника Giovanni Boldini, который жил и творил на стыке XIX и XX веков. 

В некоторых его работах интерьер выходит даже на первый план, а люди остаются позади, в тени. Деревянные круглые столы с золотой фурнитурой, массивные стулья с обивкой желтого цвета, квадратные паркетные модули – во всем этом заложена целая эпоха, которая раскрывается перед нами благодаря творениям Giovanni Boldini. 

Синтез великолепия и домашнего уюта…

…это картина «Петербургский интерьер» русского художника Николая Тихобразова, который жил и творил в самый разгар XIX века. 

На его полотне мы видим интерьер, в котором изобилуют цветочные узоры. Они повсюду – на шторах, стульях, коврах и даже стенах. Этот прием создает в помещении романтичную и умиротворяющую атмосферу.

Еще один известный русский художник Константин Ухтомский тоже был неравнодушен к изображению интерьеров в своих произведениях. 

Можно сказать больше, он специализировался на них, так как по образованию был архитектором. На его картинах, написанных акварелью, можно наблюдать европейские и российские интерьеры периода 1838-1858 годов, которые пришлись на основную трудовую деятельность живописца.

Картина «Предложение» шведского художника Knut Ekwall переносит нас в XIX век с его романтичной привлекательностью. 

Интерьер, изображенный на полотне, изобилует мелкими деталями, такими как небольшие гипсовые бюсты, чайный сервиз, расписные тарелки на стене рядом с миниатюрными портретами. Уют придают ковер и штора на двери, выполненная из приятной ткани с колоритными узорами.

И напоследок…

…хочется отметить работы современной художницы Karen Stene из Канады. Она любит путешествовать и от каждой своей поездки получает двойную пользу. В первую очередь отдыхает, а во-вторых – пишет великолепные картины, изображая внутренние дворики, интерьеры красивых помещений, беседки в садах.

В Перми открылась выставка известных художников-акварелистов

Картины по обмену. В пермский Дом художника из музейно-выставочного центра города Когалым прибыли работы двух известных авторов-акварелистов. В обмен на произведения наших художников. 

Евгения КАРАКСИНА, КОРРЕСПОНДЕНТ ТСН:

— Выставка из когалымского музея — обменная, к нам в Пермь приехали работы двух мастеров акварели — Германа Травникова и Анатолия Ильиных. Кстати, работы Травникова находятся и в Третьяковской галерее, и даже в частных коллекциях Мстислава Ростроповича.

Герман Травников — один из самых известных художников второй половины 20-го века, заслуживший звание «народного». Часть его работ приобрел молодой музейно-выставочный центр Когалыма, а теперь они гостят у нас. Произведения акварелистов пришли в обмен на выставку четырех пермских художников — Равиля Исмагилова, Леонида Лемехова, Айрата Гайнанова и Любови Малышевой. Большинство представленных картин Травникова — пейзажи и портреты, выполненные в светлой гамме, реалистично и вдохновенно, тонкой, почти прозрачной акварелью.

Равиль ИСМАГИЛОВ, ПРЕДСЕДАТЕЛЬ ПЕРМСКОГО ОТДЕЛЕНИЯ СОЮЗА ХУДОЖНИКОВ РОССИИ:

— «По-сухому» это все будет сухо и некрасиво, надо «по-сырому «делать, а «по-сырому» надо так вовремя остановиться, чтобы не убежало далеко. А даже если убежит, иногда так красиво убежит,  как будто тушь потекла.

Обаяние акварели — в отсутствии четких контуров, отчего возникает какая-то особая реалистичность. Как здесь, в работе Травникова «Метель». Зритель, вглядываясь в краски, будто погружается в эту стихию. Большинство представленных картин написаны в 70-80-е годы. Еще один автор — Анатолий Ильиных — в это время находился в творческих командировках в суровых северных краях. Эпоха освоения «большой нефти» отразилась в его пейзажах — вечные дожди и туманы, тайга и болота. Кстати, с французского «акварель» переводится как «водянистая».

Равиль ИСМАГИЛОВ, ПРЕДСЕДАТЕЛЬ ПЕРМСКОГО ОТДЕЛЕНИЯ СОЮЗА ХУДОЖНИКОВ РОССИИ:

— В этой технике вроде бы легко, даже в детской художественной школе обучают с акварели, но самое интересное, что это очень сложная техника и совершенства в ней могут достичь только единицы. Вроде все понимают, как, куда течет эта акварель, как ложить краски, но в результате остаются только единицы.

Работы акварелистов будут выставлены в Доме художника до 6-го апреля.

Евгения Караксина, Степан Пепеляев, Телевизионная служба новостей

Известных художников-акварелистов — Университетское искусство

АЛЬБРЕХТ ДЮРЕ

Акварель существует с самого зарождения живописи, но не получила широкого распространения до эпохи Возрождения. Немецкий гравер Альбрехт Дюрер был одним из первых практиков и нашел этот материал идеальным для небольших подробных исследований.

Альбрехт Дюрер, Заяц, 1502

УИЛЬЯМ БЛЕЙК

Акварель оставалась второстепенной дисциплиной в мире живописи в течение некоторого времени, пока английский гравер и поэт Уильям Блейк заново не открыл ее иллюстративную силу, когда он использовал ее для раскрашивания гравюр вручную.

Уильям Блейк, Древний днями, 1794

J.M.W. ОБОРОТНИК

Немного более молодой современник Блейка, Дж. М. У. Тернер также обнаружил, что акварель является идеальным средством для пленэра. живописи. Поразительно атмосферные и выразительные картины европейской сельской местности и морских пейзажей Тернера предвосхитили импрессионистское движение более чем на 50 лет и превратили пейзажную живопись в жизненно важную дисциплину там, где раньше она была уделом любителей-натуралистов и любителей.

Дж. М. В. Тернер, Замок Долбадарн, 1799

Дж. М. У. Тернер, Венеция, глядя на восток с Гайдекки, восход солнца, 1819

ТОМАН МОРАН

В то же время в Соединенных Штатах британец Томас Моран писал пейзажи еще малоизвестных западных Скалистых гор. Он даже был включен в одну из первых экспедиций в то, что впоследствии стало Йеллоустонским национальным парком. Акварель была одним из многих инструментов его ремесла.

Томас Моран, Castle Geyser, Верхний бассейн Гейзера, 1871

ДЖЕЙМС МАКНИЛ УИСТЛЕР

Хотя вы, возможно, знаете его работы по знаменитой картине его матери, которую он написал, Джеймс Макнил Уистлер был еще одним британцем, который довольно умело рисовал акварелью. Чрезвычайная портативность носителя сделала его полезным для быстрых набросков, где бы Уистлер ни находился. Его энергичные, сокращенные мазки и экономичные мазки цвета контрастируют с гораздо более мрачной палитрой и сдержанным нанесением знаков на его картинах маслом.

Джеймс Эббот Макнил Уистлер, Цветочный рынок, 1885

WINSLOW HOMER

Пожалуй, самым известным акварелистом XIX века был Уинслоу Гомер. Гомер был художником-самоучкой, который так тщательно использовал акварель для своих многочисленных пейзажей, морских пейзажей и сцен повседневной жизни в Америке 19-го века. Уважение Гомера к возможностям акварели побудило многих его современников тоже попробовать ее.

Уинслоу Гомер, Голубая лодка, 1892

ДЖОН СИНГЕР САРЖЕНТ

Джон Сингер Сарджент родился в Америке, но работал в основном в Англии.Он был известен своими портретами маслом, но во время своих многочисленных путешествий он задокументировал большую часть своего окружения акварелью, изображая предметы, которые он никогда не пытался рисовать маслом, например эту церковь в Венеции, Италия.

Джон Сингер Сарджент, Санта-Мария-делла-Салюте, 1904 г.

ПОЛ КЛИ

В то же время в живописи произошел значительный сдвиг в сторону абстракции в начале 20-го века, и многие движения, последовавшие за импрессионизмом, привели к другим направлениям для исследования акварели.Работы швейцарца Пауля Клее варьировались от экспрессионизма до кубизма, и акварель играла роль в его абстрактных исследованиях.

Пауль Клее, Красные и белые купола, 1914

ГРУЗИЯ O’KEEFFE

В США Джорджия О’Кифф использовала акварель как средство исследования ярких цветов и света, свидетелем которых она стала после переезда в сельскую местность Нью-Мексико.

Джорджия О’Кифф, Санрайз, 1916

ЭДВАРД ХОППЕР

Эдвард Хоппер интересовался более тонкими качествами света и тем, как они могут быть полезны при изображении мест, пережитых американцами.

Эдвард Хоппер, Адамс Хаус, 1928

ДЖЕЙМИ УАЙТ

Американский художник Джейми Уайет часто писал акварельными красками drypoint , в которых используется очень мало воды. Преемник отца Эндрю и деда Н.К. Уайета, оба восхищались американскими художниками, Джейми большую часть своей карьеры посвятил изображению сельских пейзажей Новой Англии и продолжает активно работать по сей день.

Джейми Уайет, Слейтон Хаус, 1968

Сегодня современная акварельная сцена так же жизнеспособна и активна, как и когда-либо, и многие художники со всего мира посвятили себя этой драгоценной среде.Как вы примете участие в формировании этого развития акварели?

Лучшие 10 современных художников-акварелистов

То, что делает акварельное искусство таким уникальным, — это его неумолимая природа: линии, отметки, цвета и формы должны быть нанесены до совершенства с первого раза, поскольку любая попытка закрашивания просто делает весь эффект размытым. Сделанный из пигментов, взвешенных в растворе на водной основе, отличительный материал акварели может быть нанесен практически на все — холст или бумагу, ткань или даже дерево.Крошечные пигменты взаимодействуют захватывающим образом, создавая магические эффекты, которые часто невозможно воспроизвести. Нет, чудо, акварельные портреты и пейзажи просто захватывают дух. Кроме того, акварель, пожалуй, самый распространенный после рисунка и самый простой метод создания с точки зрения того, что вам нужно — поддерживающая основа, обычно бумага, пара кистей, некоторые краски и, конечно же, вода!

Одно из самых ранних известных средств живописи и искусства в мире, акварель, как говорят, возникла около 1 года.4 миллиона лет назад как наскальные рисунки палеолитической Европы. Тем не менее, он начал свой путь как признанная форма искусства с эпохи Возрождения, найдя свое существование на протяжении последующих веков, с серьезным ударом в своем статусе в 19 веке. Сегодня мы знакомы со знаменитыми акварельными портретами и другими произведениями великих художников, таких как Альбрехт Дюрер, Джон Джеймс Одюбон, Уильям Блейк, Дж. М. У. Тернер, Элизабет Мюррей, Джеймс Уистлер, Джон Сингер Сарджент, Пол Клее, Джорджия О’Киф и Эдвард Хоппер.Этот стиль живописи нашел свое отражение и в авангардных движениях, таких как поздний модернистский неоэкспрессионизм, с талантливыми художниками Франческо Клементе, Джулианом Шнабелем, Герхардом Рихтером, Эриком Фишлем и Ансельмом Кифером у руля. Со временем характеристики материала значительно улучшились, акварель теперь такая же долговечная и красочная, как и универсальные масляные или акриловые краски, что позволяет современным художникам-акварелистам играть и принимать более активное участие.Многие художники 21 века продолжают практиковать акварельное искусство в качестве основного или одного из своих художественных интересов. Вездесущая в каждой студии и галерее, где продаются картины в Интернете, акварель штурмом захватывает не только искусство, но и моду, и мир домашнего декора.

Мы составили список лучших художников-акварелистов сегодня со всех уголков мира.

Самый известный своими стеклянными коробками и крупномасштабными минималистскими иллюзионистскими скульптурами, Ларри Белл также создает замысловатые произведения искусства на бумажном холсте, используя смешанную технику и акварель.В первую очередь вдохновленный его склонностью к художественному движению абстрактного экспрессионизма после Второй мировой войны, его работы изображают геометрические композиции и представляют собой куб, объединенный в трехмерную стеклянную форму, известную как кубические скульптуры. Белл также известен как пионер «паровых рисунков» и «работ миражей», которые включают использование техники осаждения тонких пленок и окрашивания листов из различных бумажных материалов, полос полиэфирной смолы, ПЭТ и даже ламинатной пленки. . Очень часто он создавал коллаж из этих материалов, в котором рисунок занимал небольшую часть их поверхности.

Сексуальные изображения, скорее всего, являются наиболее изученной темой в истории искусства, но в случае канадской художницы Надин Фарадж они превращаются в банальные акварельные картины с более гуманным элементом. Эта техника является основным направлением Фараджа, когда разлитые акварели плавают по поверхности бумаги, образуя обнаженные тела, погруженные в эротическую близость. Их провокационная нота заканчивается фоном, а яркие акварельные пятна представляют собой весь рассказ с некоторой чувствительностью, чувственностью.Эти работы Фараджа теперь можно увидеть по всему миру и в галереях, продающих картины в Интернете, известных своей отличительной визуальной амбивалентностью изображения секса и сексуальности. Некоторые из ее недавних работ затрагивают вопросы прав человека, дискриминации ЛГБТКИ, феминизма и даже бодипозитива.

Шукран Мораль — самая интересная фигура современного турецкого искусства сегодня. С областями ее интересов, охватывающими все, что не в порядке, или нормы приемлемого, такие как психически больные, отчуждение и изоляция перемещенных иммигрантов, транссексуалов и проституток, Мораль — женщина, которая бесстрашна, высказывая свое мнение среди консерваторов. .Хотя ее акварельные картины, возможно, не играют значительной роли в ее практике, они чрезвычайно сильны и провокационны, часто нарушая границы, как и ее бескомпромиссные перформансы, инсталляции, видео и стихи. Ее художественные идеи глубоко уходят корнями в концепцию феминизма, где она решительно бросает вызов патриархальным традициям, многие из ее работ также исследуют то, как религия влияет на женщин в ее стране, и на нее в частности.

Отчетливо абстрактные и репрезентативные одновременно, работы Сесили Браун включают акварельные портреты — обнаженные тела, фрагментированные тела и фигуры (часто в эротических позах), погруженные в насыщенные цвета и очень выразительные мазки.Пропитанный постоянным потоком цветов, форм, знаков и линий, зрителю обычно требуется время, чтобы понять эстетику того, что он переживает. Хотя ее работы отражают влияние различных художников, ее акварельное искусство, кажется, больше сосредоточено на природе, цветах, животных, зайцах. Возможно, вдохновленные работами Альберта Дюрера, акварельные картины Брауна имеют тенденцию быть более тонкими и простыми по цвету, но менее образными в изображении, демонстрируя чувство двусмысленности — хаоса, который нашел свое существование в гармонии цветов.В первую очередь художник, работающий на холсте и бумаге, Браун также создает принты, к которым могут легко получить доступ те, кто хочет покупать произведения искусства в Интернете.

Имя Дона Бачарди является синонимом крупнейшей киноиндустрии в мире, это связано с его самой известной коллекцией акварельной портретной живописи, в которой изображены самые знакомые лица Голливуда. Начав свою художественную карьеру в разгар художественного движения абстрактного экспрессионизма 20-го века, в его портретной живописи были сильные элементы фигуративного искусства.С тех пор, как Бачарди умудрялся выражать сильные эмоции через лица многих, кто хотел быть его натурщиком, часто это была боль, страдание, даже тоска, в том числе музыканты, артисты и обычные люди. Все эти чувства представлены смелым использованием акварели таким образом, что он считается одним из лучших в изображении внутреннего состояния своих героев.

Молодой художник, родившийся в России, Дима Ребус создает акварельные картины, которые парят где-то между реальностью и сюрреалистичностью.Часто тревожные, его картины изображают людей и их жуткие ситуации, сопровождаемые дерзкими названиями, которые ставят под сомнение современные времена и общества, в которых мы живем. Ребус также создает иллюстрации для нескольких журналов и издательств, одна из его работ стала изображением фильма Saints & Strangers, который транслировался на канале National Geographic и премьера состоялась в 2015 году. Иногда вдохновленный своими русскими корнями, с безупречной техникой он создает чрезвычайно подробные и заставляющие задуматься произведения искусства, отражающие его уникальное видение современного мира.

Лурдес Санчес — еще один блестящий поэтический художник. Работы этого кубинского художника, который в настоящее время проживает в Бруклине, лучше всего описать так: рой цветов, некоторые из которых напоминают ретро-дизайн обоев, некоторые напоминают чернильные пятна, а другие выглядят как цветные узоры, насыщенные полосы, капли и круги. . Согласно ее профилю на ее веб-сайте, она сосредоточена на живописи изобразительного искусства, хотя ее акварельные работы — это те, которые поражают воображение всех, отчаянно желающих повесить на стены.Несомненно, Санчес красиво поэтичен, безмятежен и невероятно способен все это часто изображать через довольно узкую палитру.

Известная своими тщательно проработанными и совершенными крупномасштабными акварельными картинами, изображающими культовую архитектуру, Эми работает исключительно по фотографиям. Ее сюжеты включают строения Дональда Джадда в Марфе, экспериментально спроектированные дома в Калифорнии, популярные иконы модернистской архитектуры, архитектурные фотографии Юлиуса Шульмана, городской пейзаж Нью-Йорка и многое другое.Ее акварельные картины основаны на ее собственных фотографиях этих основных достопримечательностей, построек и небоскребов, и просто очаровывает то, как ей удается рисовать их с такой точностью, используя интенсивно насыщенные оттенки.

Антонио Кальдерара, художник-самоучка-модернист, также работал рисовальщиком и графическим дизайнером. Этот итальянский художник известен своей нефигуративной образностью, вдохновленной работами русского художника-авангардиста Казимира Малевича, голландского художника Пита Мондриана, одного из величайших художников 20 века.Следовательно, большинство его работ основано на геометрическом абстрактном искусстве, а также использует силу живописи цветового поля. После участия в художественной выставке Венецианской биеннале в 1959 году он ограничил свою художественную практику использованием двумерных квадратов и шелкографии сериграфических работ. Как художник-акварелист Кальдерара использует те же визуальные идеи и техники, создавая изображения на бумаге и картоне.

Художник-акварелист Екатерины Смирновой вдохновлен пространством и положением человека в такой обширной пустоте.Она известна тем, что рисует большими аппаратными кистями на грубой фактурной бумаге, используя техники разбрызгивания, распыления, протирания и стирки. Большинство ее работ представляют собой огромные рулоны бумаги, часто высотой 2,5 метра, что позволяет ей выходить за пределы физических границ. Согласно веб-сайту Смирновой, недавно она начала внедрять электронику в свои акварельные картины благодаря сотрудничеству с известными учеными, музыкантами и инженерами. Несомненно, ее работы — прекрасный пример того, как этот вид искусства может стать как никогда современным.

Создавая трансцендентные композиции, каждый из этих художников переопределяет современное искусство в своем собственном неповторимом стиле!

Три мастера акварели — объективный стандарт

Акварель может быть самым требовательным из всех изобразительных искусств. Он оставляет мало места для ошибок и требует внимательного отношения к цвету и исключительной дисциплины в затенении.Но это также уникально полезно, потому что, будучи более прозрачной, чем масляная краска, акварель может создавать более нежные, беззаботные эффекты. Это дает медиуму импровизированное ощущение, которое, как музыкальный экспромт, противоречит необходимой концентрации и практике.

Вот что делает работы фотореалистов-акварелистов такими замечательными. За последние пятьдесят лет эти художники — в первую очередь Кэролин Брэди, Пол Джексон и Стив Хэнкс — внесли новое измерение в акварель, продемонстрировав, что то, что некоторые считают искусством простых набросков и впечатлений, способно оказать самое ошеломляющее эмоциональное воздействие. .

Брэди начал привлекать внимание в 1970-х годах натюрмортами с цветами, которые ошеломляли публику своей реалистичностью и яркой палитрой. Ее картины, наполненные виртуозными эффектами, такими как преломления в волнистых оконных стеклах и скрученные стебли цветов, погрузили зрителей в мир света и энергии. Некоторые, такие как «Сентябрьский обед: дневная почта , », казалось, существуют просто ради демонстрации ее потрясающих технических навыков. Но ее лучшие работы изображали несколько более простые сцены, такие как «Изумрудный свет (Черный стол для Золя)», спокойное размышление о красоте света; или «Амариллис: этюд в красном», который кажется живым от признательности за тепло.И, бросая вызов стереотипу об акварели как о благородном виде искусства для любителей, картины Брэди часто были огромными. Например, «The Day’s Mail» имеет площадь около пятнадцати квадратных футов. Перед своей смертью в 2005 году в возрасте шестидесяти семи лет Брэди помог возродить интерес к акварели и убедить критиков и коллег-художников в ее глубоком художественном потенциале.

Амариллис: этюд в красном Кэролайн Брэди

В то время как Брэди сосредоточила свои навыки на натюрмортах, художник из Миссури Пол Джексон применил свои удивительные способности к архитектурной, фигурной живописи и живописи животных.Такие работы, как «Люсе ди Фиренце», «Плавучий дворец» и «Взгляд у ворот», отличаются сложностью деталей, которая поразила бы любую среду, но в то, что они акварельные, почти невозможно поверить. Однако реализм Джексона не сводится к простой каталогизации. Его картины остроумны — как в «Кардинале», который каламбурно использует церковный термин, чтобы оценить красоту птицы, или волшебны, как в «Объезд», в котором живость залитой дождем улицы Нью-Йорка подчеркнута пеликан нелепо прячется на виду.Джексону нравятся световые эффекты, и его многочисленные картины бутылок или отражения на музыкальных инструментах — это бравурные демонстрации мастерства, которые также передают чувство удивления в чувственном опыте. Работа Джексона производит впечатление гениального ребенка, восхищенного миром замысловатых чудес.

Кардинал Пол Джексон

Но, наверное, величайшим из фотореалистов-акварелистов является покойный Стив Хэнкс. Вундеркинд, который начинал как художник-плакатист, Хэнкс переключился на рисование фигур после окончания художественной школы и занялся акварелью из-за своей аллергии на масляную краску.К 1980-м годам он создавал потрясающе детализированные картины, выражавшие чувство безмятежности и благодарности за жизнь — то, что он называл «эмоциональным реализмом». Его юношеская работа была основана на страданиях и напряжении, но брак и отцовство изменили его взгляды. «Когда [моя жена] была беременна, она была самой красивой женщиной, которую я когда-либо видел», — вспоминал он. «Я никогда не сталкивался с рождением ребенка, и это оказало на меня огромное влияние». ¹

Подобно Брэди и Джексону, Хэнкс был художником с ошеломляющим мастерством, и он любил сложные задачи, такие как тени на смятых лоскутных одеялах и улавливание выражений лиц младенцев (как в его двойных фильмах «Все подряд» и « Все испортилось »).Но он также использовал эти навыки, чтобы передать отчетливое ощущение жизни. Его лучшими достижениями были его картины с женскими фигурами, которые поражают идеальными нотками эротизма и спокойствия. Рассмотрим торжественное восхищение «После душа», «Когда ее голубые глаза закрываются» или «Солнце Санта-Фе» — свидетельство силы технического мастерства (гениальные отражения в оконных стеклах), которое выражает совершенный тон спокойствия. .

Santa Fe Sun Стива Хэнкса.

«Я обнаружил, что мне легче выражать свои эмоции через женскую форму», — объяснил он.«Через некоторое время я вообще не рисовал женщин, а просто выражал эмоции». ² Достаточно взглянуть на «Отражение», «Искать внутри» или «Несущий вес мира», чтобы оценить это. У Хэнкса, умершего в 2015 году, была четкая миссия. По его словам, он хотел «распространить в мире позитивные образы» и «принести комфорт, удовольствие и понимание жизни людей». ³

В своем стихотворении «Апрельский Обад» Сильвия Плат описала, как «этот мир акварельного настроения» может заставить нас почувствовать, «что мы каким-то образом моложе, чем были. ⁴ Яркие и восхитительные видения Кэролайн Брэди, Пола Джексона и Стива Хэнкса, безусловно, достигают этого.

Кэролайн Брэди, Пол Джексон и Стив Хэнкс представили акварели новое измерение, продемонстрировав, что то, что некоторые считают искусством простых набросков и впечатлений, способно оказать самое ошеломляющее эмоциональное воздействие.
Нажмите, чтобы написать твит

О Тимоти Сандефуре

Тимоти Сандефур занимает должность Дункана в отделе конституционного управления в Институте Голдуотера и является редактором The Objective Standard .

Просмотреть все сообщения Тимоти Сандефура →

Примечания

1. Кейт Г. Олсон, Искусство Стива Хэнкса: равновесие между биениями сердца
(Блумингтон, Миннесота: Hadley House, 1994), 15.

2..Olson, Искусство Стива Хэнкса , 14.

3 .. «Стив Хэнкс. Биография художника: акварелист из Нью-Мексико»,
https://stevehanks.info/pages/steve-hanks-artist-biography-new-mexico-
акварелист.

4. Сильвия Плат, Сборник стихов , под редакцией Теда Хьюза (Нью-Йорк: Harper
Perennial Classics, 2008), 312.

Впечатляющих акварельных картин известных достопримечательностей Старой Европы

Водопад Кейла-Йоа. Эстония

Древняя европейская архитектура прекрасно сочетается с акварельным искусством и по сей день вдохновляет бесчисленное количество художников. Но чтобы передать дух определенного места, необходим не только талант, зрение так же важно, как и способность точно нарисовать определенное место.

На мой взгляд, российский графический дизайнер и художник-акварелист Элеонора Милль обладает исключительным талантом понимать и преобразовывать дух определенного места на бумаге. Элеонора путешествует по миру, делая несколько живых набросков на каждый предмет, а затем создает финальную картину в своей студии. Милл в основном специализируется на европейской архитектуре, и в этой коллекции произведений искусства я продемонстрирую работы Милля в разных местах по всей Европе.

Подробнее: Instagram

В Таллинне мерцает солнце

«Перемирие под сенью золотого века» Аахен.Германия

Oteppe, Льеж, Бельгия

Прекрасный Франкфурт с глинтвейном и рождественской ярмаркой

Брюгге, Бельгия

Бельгия

Выборг, Россия

Бернкастель-Кус, Германия

Санкт-Петербург, Россия

Хаапсалу, Эстония

Амстердам, Нидерланды

Ботанический сад Санкт-Петербурга

Город Хвар, остров Хвар, Хорватия

Цитадель Намюра, Бельгия

Замок Рейнхардштайн, Бельгия

Тарту, Эстония

Моншау, Германия

Левен, Бельгия

Бельгия

Намюр, Бельгия

(Посещали 1 раз, Посещали сегодня 2)

Официальный веб-сайт штата Нью-Джерси

Художники-пейзажисты

В колониальные времена художники Нью-Джерси в основном писали портреты, следуя художественным тенденциям того времени.Однако в начале девятнадцатого века житель Нью-Джерси оказался в авангарде нового стиля живописи.

Ашер Браун Дюранд из Мейплвуда считался лидером Художественной школы реки Гудзон. Эти художники сосредоточились на пейзажной живописи. Их целью было нарисовать природу так, как она выглядит на самом деле.

Дюран был одним из первых американских художников, которые покинули студию и начали работать на открытом воздухе. Летом он ездил в Адирондак, Катскилл и Белые горы, чтобы делать наброски своих пейзажей, а затем рисовал маслом в студии, основываясь на своих набросках.

После работы гравером на фирме в Ньюарке Дюран начал писать портреты в конце 1820-х годов. Его любовь к природе и дружба с Томасом Коулом, первоначальным лидером Школы реки Гудзон, вскоре заставили его сосредоточиться на пейзажном искусстве. Дюран внимательно изучал камни, деревья и растения, которые позже использовал в своих картинах. В дополнение к своим произведениям искусства, он служил президентом Национальной академии дизайна с 1845 по 1861 год.

За год до того, как Дюран стал президентом, молодой житель Ньюарка впервые выставил свои работы в Национальной академии дизайна. Джордж Иннесс станет следующим выдающимся пейзажистом, связанным с Нью-Джерси.

Иннесс родился в Ньюбурге, штат Нью-Йорк, но его семья переехала в Ньюарк, когда ему было четыре года. Как и Дюран, Джордж начинал как гравер. Он проучился рисовать пару месяцев, а затем начал создавать свои собственные работы. Иннесс изучала произведения Дюрана и Томаса Коула. Его ранние работы детализированы и реалистичны, как искусство школы реки Гудзон.

В 1853 году Иннесс отправился во Францию.Там он испытал влияние художников Барбизона. Десять лет спустя он вернулся живым в Иглсвуд. Отражая французское влияние, его работы расходились с школой реки Гудзон. Иннесс теперь изображает природу в более широком смысле, уделяя меньше внимания деталям. Он хотел показать духовность природы.

Через некоторое время в Нью-Йорке и Италии Иннесс поселился в Монтклере, который служил декорацией для многих его картин на протяжении всей его оставшейся жизни. Взгляните на некоторые картины Иннесса, в том числе изображения Монклера.

Нитин Сингх лучшие акварельные картины на продажу

ЗАЯВЛЕНИЕ ХУДОЖНИКА

Мы ощущаем то, что нас окружает; мы видим, потребляем и отвечаем. По мере прохождения жизни мы развиваем паттерн переживания. Эти паттерны и мое понимание их влияют на мое художественное выражение на различных эмоциональных уровнях. В своем искусстве я пытаюсь уловить суть переживаний и заново открыть для себя ценности. Проворная среда «акварель» как раз подходит для всего, что я хочу выразить.

Нитин Сингх — Художник-акварелист

Свяжитесь со мной

Лучший способ узнать, чем я работаю сегодня!

Если вы любитель акварельного искусства или коллекционер произведений искусства, я сердечно приветствую вас в моей онлайн-галерее изобразительного искусства, написанной акварелью. Во всех этих водных картинах есть захватывающее выражение места, людей и веры. Рисуя, я старался уловить суть этих мест, которая должна отражать и оправдывать истинные ценности конкретного места.В моих акварельных работах преобладает влияние индийских мест, культуры и ценностей, которые демонстрируют яркое искусство, культурное наследие и духовность этого божественного пейзажа.

Покупатели произведений искусства могут просмотреть мои акварельные картины, выставленные на продажу в Интернете. Если вы хотите купить акварельные картины, свяжитесь со мной по электронной почте.

Акварельная живопись Праяг Гхат

Бумага, акварель | 15 x 22 дюйма | Доступность: Продано

Акварельная живопись Праяг Гхат 2

Бумага, акварель | 15 x 22 дюйма | Доступность: Продано

The Divine Energy

Акварельная живопись на бумаге | 15 x 22 дюйма | Отправить запрос

Наличие: Доступен

Узкий путь Варанаси

Акварельная живопись на бумаге | 30 x 18 дюймов | Отправить запрос | Наличие: В наличии

Ожидание

Бумага, акварель | 20 x 30 дюймов | Доступность: Продано

The Flying Bird

Акварельная живопись на бумаге | 20 x 30 дюймов | Наличие: Есть в наличии | Отправить запрос

Улица колкота

Акварель на бумаге | 20 x 30 дюймов | Отправить запрос

Наличие: В наличии

Блестящая улица

Бумага, акварель | 22 x 30 дюймов |

Картина была украдена в результате киберфишинга.

Гудящая улица

Акварельная живопись на бумаге | 20 x 30 дюймов |

Наличие: Продано

Продавец цветов

Акварельные краски для продажи на бумаге | 20 x 30 дюймов |

Наличие: Есть. | Отправить запрос

Гаты Варанаси

Бумага, акварель | 22 x 30 дюймов |

Картина была украдена в результате киберфишинга.

Оживленная улица

Акварель на бумаге для продажи | 20 x 30 дюймов |

Наличие: Есть в наличии | Отправить запрос

City Street

Акварельные краски для продажи на бумаге | 20 x 30 дюймов

Наличие: Есть в наличии | Отправить запрос

Гаты Варанаси

Онлайн продажа акварелей на бумаге | 20 x 30 дюймов | Наличие: Есть в наличии | Отправить запрос

Prayag Ghat, Varanasi

Акварель на бумаге для продажи | 20 x 30 дюймов |

Наличие: Есть.| Отправить запрос

Храм Падманабхасвами, Керала

Акварель на бумаге | 15 x 22 дюйма |

Наличие: Есть. | Отправить запрос

Храм Падманабхасвами, Керала

Продажа акварелей онлайн | 20 x 30 дюймов | Наличие: Есть в наличии. | Отправить запрос

Харидвар Гхат

Оригинальная картина акварелью на бумаге | 20 x 30 дюймов | Наличие: Есть в наличии. | Отправить запрос

The Roof — Kochi street

Онлайн арт вид на улицу Кочи | 20 x 30 дюймов | Наличие: Есть в наличии.| Отправить запрос

Улицы Колкоты

Акварельная живопись онлайн художественная галерея | 20 x 30 дюймов | Наличие: Есть в наличии. | Отправить запрос

Howrah Bridge, Kolkota

Акварель на бумаге для продажи | 20 x 30 дюймов |

Наличие: Есть. | Отправить запрос

через Гхат, Варанаси

Интернет-галерея изобразительного искусства акварельного искусства | 15 x 22 дюйма Наличие: Доступно. | Отправить запрос

Кеши Гхат, Вриндаван

Продажа произведений искусства акварелью | 22 x 30 дюймов | Наличие: Есть в наличии.| Отправить запрос

Варанаси

акварели для продажи варанаси гхат | 22 x 30 дюймов | Наличие: Есть в наличии. | Отправить запрос

Абстрактное акварельное искусство, которое вы просто не можете пропустить!

Blog Home

20 марта, 2020

Обожаемый за его непревзойденные качества — уникальную прозрачность, непостоянство и яркость — акварельное искусство долго не получало признания или славы, присущей таким техникам, как живопись маслом. Хотя его история восходит к самому раннему палеолитическому искусству, его современное использование было изгнано на самые окраины области искусства, принижено как техника, подходящая только для эскизов или хобби-рисования.Однако абстрактная акварель должна была изменить это! Печально известные Василий Кандинский, Пол Клее, Джорджия О’Киф и Артур Дав — все использовали акварельную живопись, чтобы выразить свой собственный голос, сделав ее техникой, одновременно актуальной и уважительной. Большие атмосферные акварельные полотна Марка Ротко или интимные абстрактные акварельные пейзажи Джона Марина излучали двусмысленность и беспорядочный характер акварельного искусства, его прозрачную и тонкую сущность, а также его внутреннее аксиологическое измерение.Семь самых увлекательных акварельных работ, которые нельзя пропустить — ждем ниже!

Питер Сориано — Колби 10

Сориано, который, по его собственным словам, скульптор, который больше не занимается скульптурами, широко известен своими крупномасштабными настенными росписями, напоминающими граффити. Colby 10 является частью его первоначальных рисунков для Постоянного обслуживания — крупнейшего настенного рисунка Сориано на сегодняшний день, заказанного Музеем Колби — и чертежа его культовой настенной живописи. Это произведение из смешанной техники с его замечательными акварельными сегментами выполнено на сложенной в несколько раз бумаге, которая приобретает скульптурный характер.В «Колби 10» Сориано применяет множество техник, чтобы собрать и упорядочить свой визуальный опыт в предварительной картине, стиль, созданный так, чтобы выглядеть непринужденно и незавершенно. Colby 10 полон смысла и полон наблюдений, что делает общую конструкцию забавно сложной и заумной. Сориано — французско-американский художник-абстракционист, родившийся на Филиппинах, живущий в Нью-Йорке и Пенобскоте, штат Мэн. Он известен своими смелыми росписями на стенах и более интимными работами на бумаге.

Питер Сориано — Colby 10, 2015. Бумага, аэрозольная краска, карандаш, тушь, акварель. 94 х 125,5 см.

Лаура Ньюман — Рамки

Рамки, наряду со Свупом и Свервом, являются частью незавершенных картин на бумаге Васли ручной работы, которую Ньюман обнаружил во время путешествия по Индии. Вдохновленная необъятностью открытого неба, видимого из окна ее студии, и сопоставлением его с ограниченностью городского пейзажа, Фреймс разъясняет переплетение свободы и всех окружающих ограничений — как пространственных, так и метафорических.Ее геометрические очертания пространства и эфемерные цветовые поля подчеркиваются одновременным использованием акварели и акрила, которые выражают горизонт интерпретации ее атмосферных образов. Ньюман — американский художник-абстракционист, создающий яркие, динамичные картины, в которых гармонично сочетаются жестикуляция, резкие геометрические пространственные композиции и многослойные архитектурные композиции. Ньюман родился в Кливленде, штат Огайо, в настоящее время живет и работает в Бруклине, штат Нью-Йорк.

Лаура Ньюман — Оправы, 2016.Бумага Васли ручной работы, акрил, акварель. 56 х 38 см.

Мелисса Мейер — Яддо B

Абстрактная экспрессионистка в третьем поколении, Мейер хорошо разбирается в большом разнообразии техник и ее разнообразное творчество охватывает акварель, масляные картины, рисунки, гравюры и крупномасштабные заказы. Ее лирическое и тонкое выражение воплощено в полупрозрачных акварельных красках или разбавленной масляной краске, раскрывающих неопределенную, тревожную и самоуничтожающуюся реальность. Яддо Би раскрывает свои грациозные прикосновения и нежные мазки, подчеркивающие ее визуальный словарный запас, на который сильно влияют цвет и линия.Мейер наносит акварельные краски на ацетатные листы и пропускает их через пресс, часто перенося несколько слоев на бумагу, создавая резкий визуальный диссонанс. Мейер — американский художник-абстракционист и гравер. Ее энергичные, красочные композиции выражают эмоции и преходящую суть действительности. Она живет и работает в Нью-Йорке.

Мелисса Мейер — Яддо Б., 2005. Акварель на 100% тряпичной бумаге для горячего прессования. 50,8 x 81,2 см.

Холли Миллер — Голубые водные точки

Это интуитивно понятное и игривое произведение создано с помощью акварели и ниток; нанося краску кистью, проведите иглой и нитью с повторением рисунка.необычный выбор Миллера для резьбы резонирует с ее прочным увлечением для тактильного и скульптурных свойств и его интерпретации убедительности среды, что в его простоту и неприхотливость смеси рисования, живописи и скульптуры. Голубые водные точки заключают в себе дихотомию присутствия / отсутствия и совершенства / несовершенства, поскольку физичность проколотых отверстий и монохроматических мазков кисти контрастирует с смелым и тонким, иллюзией и реальностью. Миллер — американский художник-абстракционист, чьи картины стремятся соединить оптическое и тактильное через язык абстракции.Она живет и работает в Бруклине, штат Нью-Йорк.

Холли Миллер — Голубые водные точки, 2005. Бумага, акварель, нити. 22,9 х 30,5 см.

Kim Uchiyama — Chord

Chord — это увлекательная акварель на бумаге Arches, которая отражает исключительный талант Учиямы передавать свою эмоциональную сущность и глубоко личные мысли с помощью цвета. Ее путешествие начинается с первоначального оттенка на чистой поверхности, и по мере того, как она продолжает их наносить, она приближается к линейному горизонтальному узору из уникальных слоев.Ее выбор акварелей отражает саму природу таинственного света, излучаемого ее картинами. Она использует насыщенные цвета, чтобы подчеркнуть достаточность и самореференциальную силу своих цветов, поскольку каждая полоса сама по себе несет в себе свое значение. Учияма — американский художник-абстракционист, чьи работы используют цвет для создания света и формы, которые активируют метафизический потенциал живописного пространства. Она живет и работает в Нью-Йорке.

Ким Учияма — Аккорд, 2018.Бумага Arches, акварель. 40,6 х 30,5 см.

Фиероза Дорсен — Без названия (Id. 1297)

Голубая акварельная краска преобладает над Untitled (Id. 1297) (пере) определяя все визуальные элементы диалектики отношений Doorsen. Она искусно противопоставляет структуру интуиции, исследуя точки соприкосновения органического и геометрического, организованного и случайного. Она действует как посредник между своими материалами и узорами, формами и цветами, которые они раскрывают, используя обветренные листы бумаги, чтобы подчеркнуть ее растворяющееся «я», глубоко погруженное в ее картины.Без названия (Id. 1297), поскольку большая часть ее работ колеблется между загадочным смыслом, открытым для созерцания и зрительской интерпретации, и понятным кодом, который, однако, неубедителен. Зритель остается с чувством неуверенности, поскольку ее визуальный словарь изобилует двусмысленностью. Доорсен — английский художник-абстракционист, которая разработала свой собственный язык с акцентом на узоры и цветные формы. Живет и работает в Лондоне.

Фиероза Дорсен — Без названия (ид.1297), 2017. Бумага, акварель. 19 х 27 см.

Джессика Сноу — Fling 3

Серия Fling демонстрирует яркость и четкую артикуляцию работ Сноу с уникальными жестами в ее исследовании форм. Fling 3 очаровательно исследует пересечение рационального и эмоционального, сочетая игривые формы с яркими цветами, органичными линиями жестов, геометрическими и линейными формами. Она применяет полную палитру с непонятным диссонансом и соответствием оттенков, определяющих форму и излучающих свет.Интуитивный подход Сноу, при котором мазки инстинктивно исчезают, а слои становятся неразличимыми, передает ее легкий и плавный характер. Сноу — американский художник-абстракционист, чьи картины и рисунки отличаются красочной игривой геометрией. Она живет в Сан-Франциско.

Джессика Сноу — Fling 3, 2015. Бумага, акварель. 36,9 х 25,4 см.

Featured image: Melissa Meyer — Yaddo B, 2005, вид установки.