Картины акварелью известных художников современности и интересные факты

Share this article with friends

Акварель — краска на основе растительного клея и воды. Одноименное название имеет вид станковой живописи, который известен в Европе еще с XII века. Однако техника остается популярной вплоть до сегодняшнего дня. Одной из важнейших задач современных художников является ее интеграция в окружающие реалии.

История и картины акварелью великих художников

Как пишет источник https://kyiv.gallery/ru/kartiny/akvarely, впервые термин был употреблен Ч. Ченнини в «Трактате о живописи» в 1437 г. Он описывал разновидность краски, основанной на растительном клее гумми, которая растворяется в воде. Художественный материал был изобретен в Др. Китае во II веке до н. э., когда там распространилась каллиграфическая письменность на бумаге.

Акварельная живопись делится на 2 основные техники:

1. Рисование по сухому грунту.
2. Письмо по влажной бумажной поверхности.

В европейском изобразительном искусстве акварель стала популярной значительно позже других разновидностей живописи. В эпоху Ренессанса внушительный вклад в ее развитие внес А. Дюрер. Его картина «Заяц» — традиционный образец для всех, кто постигает данную технику.

В XIX в. на Британских островах распространилась манера нанесения краски на мокрый грунт. Акварельная школа английских мастеров отличается особой глубиной и утонченностью.

В XIX в. популярность акварели дошла до США. К концу века появление более долговечных красок привело к некоторому спаду интереса к акварели во всем мире. Однако на рубеже веков и в первой половине XX в. в этой технике работали некоторые популярные художники: П. Синьяк, П. Сезанн, В. Кандинский, М. Прендергаст и Э. Шиле.

Сегодня произведения, нарисованные акварелью, очень востребованы. Многочисленные выставки, арт-галереи, аукционы и знаменитые художники этому подтверждение.

Акварелью пишут самые разные картины:

• городской пейзаж;
• натюрморты;
• портреты;
• пейзажи;
• абстракция;
• реализм;
• гиперреализм.

Из-под кисти опытных художников произведения приобретают особый шарм. Рисунки наполняются легкостью, свойственной акварели.

Интересные факты об акварельной живописи

В истории есть немало занимательных фактов, связанных с акварельной техникой рисования:

1. В составе краски присутствует бычья желчь, благодаря которой она не скатывается в капли во время написания картины. Без нее не получается делать плавные переходы и перетекания одного цвета в другой.
2. В краску добавляется мед, который делает ее полужидкой и позволяет сохранять такую консистенцию в течение долгого времени.
3. Каждый год 23 ноября отмечается Международный день акварели. Праздник был учрежден мексиканским художником А. Г. Рохо в 2001 году.
4. Водянистый эффект и размытие, свойственные акварельным краскам, стремительно набирают популярность в тату-индустрии. Создателем направления считается мастер Аманда Вачоб из Нью-Йорка. Стиль приобрел спрос преимущественно среди представительниц прекрасного пола, поскольку ее татуировки обладают нежностью и легкостью.
5. Вплоть до XVIII в. каноном в акварельной технике считалась четкая прорисовка деталей переднего плана картины. Лишь в новое время классический подход начинает меняться в сторону размытия и легкости.

Особняком в акварельной живописи стоит стиль прованс. Отличительной чертой является уклон на изображение фруктов, цветов на окне и в вазе, овощей, осени, озер, цветение маков и других характерных пейзажей и культурно-городских элементов, характерных французскому Провансу.

Современные украинские художники-акварелисты

Украинский арт-рынок развит относительно слабо, но в последние годы усилиями комьюнити, местных авторов и бизнеса, работающего в сфере искусства, начался постепенный рост.

Сегодня в Украине есть большое количество, набирающих популярность, молодых авторов, многие из которых работают в акварельной технике:

1. Альберт Десятничук — молодой художник из Киева. Родился 22.09.1993. Он окончил Республиканскую художественную школу и Академию искусств и архитектуры. Существенную долю в его творчестве занимают пейзажи старых кварталов, скульптур и достопримечательностей столицы Украины. Также он пишет портреты и городские пейзажи других городов.
2. Ирина Столярова родилась в 1982 году в г. Житомире. С ранних лет она начала познавать азы изобразительного  искусства. Училась в одесском университете К.Д.Ушинского на художественно-графическом факультете. Сейчас Ирина активно выставляет свои работы в Украине и за рубежом. Начиная с 2010 г. она вошла в житомирский отдел Союза Художников Украины. В 2012 г. ее картина «Сон» заняла первое место в категории «Жанровая живопись» в крупном арт-конкурсе Ukrainian Art Week 2012. Ее произведения хранятся и экспонируются во многих частных галереях современного искусства по всему миру. Она работает в разных стилях: от пейзажа и натюрморта до абстракционизма и портрета.
3. Захар Шевчук — молодой живописец, закончивший Одесское художественное училище. Сейчас обучается в Украинской академии искусств (НАОМА). Работает в разных стилях и техниках, в том числе и акварелью. В творчестве отдает предпочтение портретам, пейзажам и натюрмортам.
4. Марина Лянце в 2000 г. окончила дизайнерский факультет в Львовской национальной академии искусств. Проживает в Львове. С начала нулевых занимается разработкой дизайна интерьеров и пишет акварельные картины. В основном на своих полотнах изображает овощи, цветы и фрукты. В 2017 г. была организована персональная выставка мастера под названием «Maryna Lyantse Watercolor».
5. Олег Колесников — художник с многолетним опытом. Родился в 1954 г. в городе Кременчуге. Получил диплом Харьковской академии дизайна и искусств (ХГАДИ). По специальности является промышленным дизайнером, поэтому долгое время работал на предприятии ХК «АвтоКрАЗ».
   Сейчас является членом Союза дизайнеров Украины и ведет собственный бизнес в сфере дизайна. После долгого перерыва в творчестве в 2012 г. снова вернулся к живописи. Пишет преимущественно пейзажи природы акварелью.
6. Алексей Маслов родился в 1967 г. в городе Остер Черниговской области. Рисованием увлекся в раннем детстве. Окончил художественную школу и архитектурный факультет в университете. Сейчас проживает в небольшом городке Ирпень неподалеку от Киева. В творчестве отдает предпочтение акварельной технике. Преимущественно изображает городские пейзажи. Каждая картина обладает собственной атмосферой и характером, что передается единой цветовой гаммой.
7. Виктор Микитенко родился в 1979 г. Получил образование в КНУСА. Работает в акварельной технике, отдавая предпочтение рисованию на бумаге. В творчестве преобладают городские пейзажи и изображения диких животных. Также есть морские пейзажи, портреты и сюжетные картины.

Акварельные картины в последние годы вновь набирают популярность. Неповторимые оттенки, эффект размытия помогают создать легкие, «воздушные» образы, которые пробуждают множество чувств и эмоций у смотрящего на картину. 

© elibrary.com.ua

Permanent link to this publication:

https://elibrary.com.ua/m/articles/view/%d0%9a%d0%b0%d1%80%d1%82%d0%b8%d0%bd%d1%8b-%d0%b0%d0%ba%d0%b2%d0%b0%d1%80%d0%b5%d0%bb%d1%8c%d1%8e-%d0%b8%d0%b7%d0%b2%d0%b5%d1%81%d1%82%d0%bd%d1%8b%d1%85-%d1%85%d1%83%d0%b4%d0%be%d0%b6%d0%bd%d0%b8%d0%ba%d0%be%d0%b2-%d1%81%d0%be%d0%b2%d1%80%d0%b5%d0%bc%d0%b5%d0%bd%d0%bd%d0%be%d1%81%d1%82%d0%b8-%d0%b8-%d0%b8%d0%bd%d1%82%d0%b5%d1%80%d0%b5%d1%81%d0%bd%d1%8b%d0%b5-%d1%84%d0%b0%d0%ba%d1%82%d1%8b

Similar publications: L^RussiaL^WorldY G

Publisher:

Україна Онлайн → Contacts and other materials (articles, photo, files etc)

Author’s official page at Libmonster: https://elibrary. com.ua/Libmonster

Find other author’s materials at: Libmonster (all the World) • Google • Yandex

Permanent link for scientific papers (for citations):

Картины акварелью известных художников современности и интересные факты // Kiev: Library of Ukraine (ELIBRARY.COM.UA). Updated: 14.08.2019. URL: https://elibrary.com.ua/m/articles/view/Картины-акварелью-известных-художников-современности-и-интересные-факты (date of access: 11.04.2021).

Боровиковского, Брюллова, Кустодиева и других.

Мы знаем их в лицо и любуемся красотой в расцвете молодости. Но как жили эти женщины дальше, после того, как картина была закончена? Иногда их судьба оказывается удивительной. Вспоминаем с Софьей Багдасаровой.

Сарра Фермор

И.Я. Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. Около 1749–1750. Русский музей

Картина Вишнякова — один из самых прелестных образцов русского рококо и один из самых знаменитых портретов эпохи императрицы Елизаветы Петровны. Особенно эффектен контраст между ребяческой прелестью 10-летней девочки и тем, что она все пытается делать «как взрослая»: принимает правильную позу, держит веер согласно этикету, старательно сохраняет осанку в корсете придворного платья.

Сарра — дочь генерала Виллима Фермора, обрусевшего шотландца на русской службе. Это он взял нам Кёнигсберг и всю Восточную Пруссию, а на гражданской службе после пожара отстроил классицистическую Тверь в том виде, который восхищает нас сейчас. Мать Сарры тоже была из шотландского рода — из Брюсов, причем приходилась племянницей знаменитому Якову Брюсу, «колдуну с Сухаревой башни».

Сарра была выдана замуж по тем временам поздно, в 20 лет, за своего ровесника Якоба Понтуса Стенбока — представителя графской шведской семьи (из нее даже вышла одна шведская королева). Стенбоки к тому времени перебрались в российскую Эстляндию. Супруги жили, скажем прямо, неплохо: достаточно сказать, что это в их дворце в Таллине сейчас размещаются помещения эстонского премьер-министра и зал заседаний правительства. Сарра, по некоторым указаниям, стала матерью девяти детей и скончалась уже при императоре Александре I — то ли в 1805 году, то ли вообще в 1824-м.

Мария Лопухина

В.Л. Боровиковский. Портрет М.И. Лопухиной. 1797. Третьяковская галерея

Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот — самый чарующий. В нем все приемы мастера применены так искусно, что мы и не замечаем, каким именно способом нас околдовывают, как создается очарование этой барышни, которой почти сто лет спустя Яков Полонский посвящал стихи («…но красоту ее Боровиковский спас»).

Лопухиной на портрете 18 лет. Ее непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Но каким на самом деле был ее характер, мы не знаем. При этом Мария, оказывается, была родной сестрой Федора Толстого (Американца), известного своим вызывающим поведением. Удивительно, но если взглянуть на портрет ее брата в молодости (Государственный музей Л.Н. Толстого), то мы увидим ту же вальяжность и расслабленность.

Влюбиться в Третьяковке

Портрет был заказан ее мужем, Степаном Лопухиным, вскоре после свадьбы. Лопухин был старше Марии на 10 лет и происходил из богатого и знатного рода. Через шесть лет после написания картины девушка умерла — от чахотки. Через 10 лет умер и ее муж. Поскольку они были бездетными, картину унаследовала единственная выжившая дочь Федора Толстого, у которой в 1880-х годах ее и купил Третьяков.

Джованнина Пачини

К.П. Брюллов. Всадница. 1832. Третьяковская галерея

«Всадница» Брюллова — блистательный парадный портрет, в котором роскошно все — и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. Русскому академизму есть чем гордиться.

На нем написаны две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованнина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Но имели ли они право на эту фамилию, до сих пор не ясно. Картину Карлу Брюллову — своему многолетнему возлюбленному — заказала их приемная мать, графиня Юлия Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния Скавронских, Литта и Потемкина. Бросив первого мужа, Самойлова уехала жить в Италию, где в ее салоне бывали и Россини, и Беллини. Своих детей у графини не было, хотя она еще дважды выходила замуж, один раз — за молодого и красивого итальянского певца Пери.

Лекция. Археология масонского взгляда: «Последний день Помпеи» Карла Брюллова

По официальной версии, Джованнина и Амацилия были родными сестрами — дочерьми автора оперы «Последний день Помпеи», композитора Джованни Пачини, друга (и, по слухам, возлюбленного) графини. Она забрала их в свой дом после его смерти. Однако, судя по документам, у Пачини была только одна дочь —младшая из девочек. Кто была старшая? Есть версия, что ее вне брака родила сестра того самого тенора Пери, второго мужа Самойловой. А может, у графини с девочкой была и более тесная родственная связь… Недаром «Всадницу» сначала считали портретом самой графини. Повзрослев, Джованнина вышла замуж за австрийского офицера, капитана гусарского полка Людвига Ашбаха, и уехала с ним в Прагу. Самойлова гарантировала ей большое приданое. Однако, поскольку к старости графиня разорилась (ей пришлось выплачивать третьему мужу, французскому аристократу, огромные алименты), обе «дочери» взыскивали со старухи «матери» обещанные деньги через адвоката. Самойлова скончалась в бедности в Париже, дальнейшая же судьба ее воспитанниц неизвестна.

Елизавета Мартынова

К.А. Сомов. Дама в голубом. 1897–1900. Третьяковская галерея

«Дама в голубом» Сомова — один из символов живописи Серебряного века, по выражению искусствоведа Игоря Грабаря — «Джоконда современности». Как и в картинах Борисова-Мусатова, здесь не только наслаждение красотой, но и любование уходящим очарованием помещичьей России.

Читайте также:

Елизавета Мартынова, которая позировала Сомову на портрете, была, видимо, одной из немногочисленных женских симпатий художника. Художник познакомился с ней, дочерью врача, во время учебы в Императорской Академии художеств — она была в числе учеников набора 1890 года, когда женщинам впервые разрешили поступать в это учебное заведение. Удивительно, но произведений самой Мартыновой, кажется, не сохранилось. Однако ее портреты писали не только Сомов, но и Филипп Малявин и Осип Браз. Вместе с ней училась Анна Остроумова-Лебедева, которая в своих мемуарах мимоходом отметила, что, хотя Мартынову писали всегда высокой статной красавицей, на самом деле она была маленького роста. Характер у художницы был эмоциональный, гордый и легкоранимый.

Сомов писал ее несколько раз: в 1893 году акварелью в профиль, через два года — карандашом, а в 1897 году он создал ее небольшой портрет маслом на фоне весеннего пейзажа (Астраханская художественная галерея). Эту же картину он создавал с перерывами три года: из них художник два провел в Париже, а Мартынова для лечения болезни легких на долгое время поселилась в Тироле. Лечение не помогло: примерно через четыре года после окончания полотна она скончалась от чахотки в возрасте около 36 лет. Семьи у нее, видимо, не было

Галина Адеркас

Б.М. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918. Русский музей

Хотя «Купчиха за чаем» Кустодиева написана в послереволюционном 1918 году, для нас она — настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Впрочем, Кустодиев после революции своим любимым сюжетам не изменял: для человека, до конца жизни прикованного к инвалидному креслу, это стало формой эскапизма.

Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Адеркас — натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XIII века. Одна из баронесс фон Адеркас даже была воспитательницей Анны Леопольдовны.

В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода, студентка-первокурсница медицинского факультета. И честно говоря, на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше и не такой внушительной. Изучала она, как говорят, хирургию, но увлечения музыкой увели ее в другую сферу. Обладательница интересного меццо-сопрано, в советские годы Адеркас пела в составе русского хора в Управлении музыкального радиовещания Всесоюзного радиокомитета, участвовала в озвучивании фильмов, но большого успеха не добилась. Вышла замуж она, судя по всему, за некоего Богуславского и, возможно, стала выступать в цирке. В Рукописном отделе Пушкинского Дома даже хранятся рукописные воспоминания за авторством Г.В. Адеркас, озаглавленные «Цирк — это мой мир…». Как сложилась ее судьба в 30-е и 40-е годы — неизвестно.

900 Картин самых известных русских художников 900 Classic russian paintings  

Русская живопись. Русские художники

Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы. Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном. Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров. Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.

Русскую живопись по праву выделяют из мирового художественного искусства. Дело в том, что до семнадцатого столетия, отечественная живопись была связана исключительно с религиозной темой. Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления. Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи. В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина. Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь. Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард. Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире.

Их картины стали предшественниками абстракционизма. Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россию

Акварельный портрет. Видео-экскурсии смотрите на канале в YouTube

28 июня — 01 апреля

Дорогие гости!

Рады вам представить видео- экскурсии на нашем канале в YouTube: 

https://www.youtube.com/channel/UCKslr-3G6HsXRjqXpax7VzQ/

О ПРОЕКТЕ:

«Музей В.А. Тропинина и московских художников его времени» представляет акварельные работы из собственного собрания и частной коллекции Сергея и Татьяны Подстаницких. Экспозиция охватывает творчество известных мастеров этого жанра. Многие из акварельных листов ранее находились в известных аристократических собраниях: наследников герцогини Беррийской, князей Голицыных, Куракиных, Талызиных, Урусовых, а также в коллекции знаменитого искусствоведа Степана Яремича. Некоторые из работ экспонируются впервые.

Из истории акварельного портрета

В России расцвет жанра акварельного портрета приходится на первую половину XIX века. Наряду с миниатюрой акварельные портреты составляли предметный ряд малых форм, которые окружали аристократию того времени, создавая ансамбли в интерьерах гостиных, кабинетов, будуаров. Малоформатные акварели размещались и в папках-альбомах, предназначенных для близкого окружения, их брали с собой в путешествия.

Для 1820-х – 1830-х годов характерны камерные композиции, где нет перегруженности деталями, внимание акцентировано на портретной характеристике модели. Начиная с 1840-х годов, эстетика акварельных портретов меняется: появляется больше декоративности, включается интерьерная среда, предметы. Композиции становятся сложнее по задаче, они воспроизводят в малом формате каноны «большого» парадного жанра.

Тенденции к реализму, точности портретного изображения определяют развитие акварельного портрета в 1860-х – 1870-х годах, пока этот жанр не был вытеснен более доступной фотографией.

Представители жанра

Основоположником акварельного портрета в России был Петр Соколов. Развивая технику, он одним из первых перешел к чистой акварели, отказавшись от применения плотных белил.  В начале 1820-х годов художник получает заказы от императорского двора, что, безусловно, влияет на его популярность.  В большом творческом наследии мастера – портреты представителей императорской фамилии, высшей аристократии, военных, а также галерея поэтов, музыкантов, артистов пушкинской эпохи.

К числу младших современников Соколова принадлежит другой выдающийся акварелист – Владимир Гау.  В течение тридцати лет он работал при дворе Николая I, Александра II, был удостоен звания академика акварельной живописи.

Вершиной развития акварельного портрета стало творчество Карла Брюллова. Хотя акварель не составляла магистральной линии в его многообразном творческом наследии, но и в этом малом жанре прослеживается выразительный художественный почерк. Известным мастером акварельного портрета был и старший брат Карла Брюллова – Александр Брюллов. Работы братьев Брюлловых относятся к их первой поездке в Италию, когда таланты художников были признаны не только отечественными, но и европейскими ценителями.

Особенно интересна может быть для зрителей пара портретов графа Ивана Григорьевича Ностица, который вошел в русскую историю не только как выдающийся военный деятель, но и как один из первых пропагандистов фотографического искусства в России. На акварели работы Ивана Нечаева он запечатлен совсем юным воспитанником Пажеского корпуса, а на работе Гау  –  уже офицером лейб-гвардии Конного полка.

 

Для посетителей экспозиция доступна до 1 апреля 2020 г.

 

Возрастной ценз: 0+

 

кружок изобразительного искусства «Акварель»

Знакомство с видами искусства.

Знакомство с живописью. Техники живописи. Способы работы в этих техниках. Произведения известных художников Знакомство с графикой, ее отличие от живописи. Средства выразительности (линии разной толщины, штрихи разного характер. Цветной ветер. Разноцветные ёжики. Техника работы цветными карандашами. Создание многочисленных оттенков. Дом, в котором ты хотел бы жить.Составление «проекта» придуманного здания.Знакомство с архитектурой, зданиями разного назначения. Архитектура известных зданий Москвы, Санкт-Петербурга и их архитектурные детали. Дом, в котором ты хотел бы жить.

Натюрморт.

Путешествие в страну предметов. Составление несложных композиций, подбор предметов по форме, замыслу, под цвет драпировки. Знакомство с репродукциями картин художников, выполненных в жанре натюрморта. Фитодизайн в технике аппликации. Определение разных видов крупы на ощупь. Дифференциация и вычленение из рисунков художников знакомых образов форм. Порадуем глазки (ваза с цветами). Рисование с натуры. Плоские и объемные предметы. Форма предмета. Высота, ширина, глубина предмета. Свет и тень. Блик. Принцип тепло-холодных отношений. Характер света. Различие и сходство в композиции, в сочетании цветов, в манере письма художников.

Пейзаж.

Путешествие в страну пейзажа. Сельский пейзаж. Основные законы в рисовании пейзажа. Просмотр репродукций картин художников. Ожившие картинки. Лирический пейзаж. Составление композиций в технике аппликации.Фитодизайн. Прием «вхождения» в картину. Слушание шума ветра, шелеста опавшей листвы под ногами. Имитация раскачивания веток деревьев от ветра.

Портрет. В стране портретов. Строение головы и частей лица (канон лица). Мимика лица. Составление схем настроения, зарисовка. Характер, настроение человека в репродукциях портретного жанра художников.

Автопортрет. Ориентировка в местонахождении разных частей лица. Изучение разных деталей своего лица перед зеркалом. Использовать разный нажим карандаша, штрихи разного характера.

Портрет сказочного героя. Создание образа, передача внешнего вида, характерных признаков. Голова человека (лепка). Понятие об объемном изображении головы, лица человека – бюсте.

Сказочно – былинный. Орнамент. Создание композиции из симметричного узора в технике декоративной аппликации. Знакомство с русской национальной культурой, фольклором, традициями и обычаями. Мир народных образов. Богатырь.

Анималистический. Путешествие в зоопарк. История анималистического жанра. Отработка технических приемов рисования. В гостях у дятла. Пропорции тела, цвет оперения, форма клюва, хвоста. Приемы рисования карандашом. Птица в полете (сорока, ворона). Передача изменений в форме крыльев и хвоста у летящей птицы. Что за служба у собак. Породы собак. Пропорции тела. Тематическое рисование. Пушистое животное. Графические техники. Чувство выразительности.

 

Графика российских художников конца XIX–XX вв.

Коллекция отечественной графики конца XIX–XX веков в Сергиево-Посадском музее-заповеднике невелика по объёму, менее систематична и целостна, чем его живописное собрание этого периода. Но она обладает своей художественной значимостью в общем музейном комплексе.
Спецификой графической коллекции музея (так же, как и живописной) является преобладание в ней работ местных художников и определённая тематическая направленность, связанная с иконографией Троице-Сергиевой лавры и города. Особую её часть составляют отдельные листы (редко – циклы работ) известных мастеров отечественного изобразительного искусства – И.И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, К.С. Петрова-Водкина, В.А. Фаворского, Т.А. Мавриной и других (около 80 работ).

Первые шаги к формированию коллекции были сделаны в самом начале деятельности музея – в 1920–1921 годах: с «Выставки архитектурных мотивов ТСЛ» было закуплено более 30-ти графических произведений местных художников.
Наиболее ценная часть собрания – это приобретение в дар и закупка графических работ у частных лиц. Таким путём поступили в музей работы И. И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, В.А. Фаворского, Л.С. Бакста. «Имена» (И.Репин, В.Маковский, И.Шишкин, К. Коровин и др.) «названы», но представлены единичными работами. «Персоналия» российского графического искусства в музейном собрании по сути одна – Т.А. Маврина (коллекция СПМЗ позволяет на примере лучших произведений показать её творчество в развитии – с 1940 х до 1970 х годов). Тем не менее, для «провинциального» собрания искусства конца XIX- XX веков и отдельные работы художников-классиков необычайно ценны.

Наиболее ранние образцы печатной графики в рассматриваемом нами комплексе произведений относятся к 80 м годам XIX в. Связаны они с одной «персоналией» – знаковой и значимой в истории русской гравюры этого периода – И.И. Шишкиным (1832 1898).
Напомним, что 1870-е годы – период переходный и «проходной» для русской печатной графики, время главенствования тоновой гравюры. Но и в этот не самый творческий период были подлинные виртуозы ксилографии (В.В. Матэ) и офорта (И.И. Шишкин). В нашем собрании имеются четыре офорта художника, созданные им в 1880 е годы (период, особенно плодотворный в творчестве Шишкина). Это блестящие по мастерству исполнения и тонкости передачи состояния природы листы «Гурзуф» (1885), «Чернолесье» (1885), «Апрель» (1885), «Болото на Варшавской железной дороге» (1886). В собрании музея также есть рисунки известных русских живописцев, таких как художник-передвижник Владимир Егорович Маковский (1846- 1920) и Валентин Александрович Серов (1865 — 1911). Портреты В.Е. Маковского, выполненные в рисунке, так же безукоризненны по композиции и завершённости, как и его работы маслом. Будучи мастером портрета, В.Е. Маковский обладал талантом верно передать не только внешнее сходство портретируемого, но и особенности его душевных движений, выделяя те главные черты характера, которые определяют поступки человека, его мысли и чувства. Валентин Серов, как и всякий настоящий художник, замечательно работал не только в масляной живописи, но виртуозно владел техникой рисунка. Многочисленные его работы карандашом и углем обладают такой же живостью и точностью в передаче характера изображаемых людей, таким же совершенством исполнения, как и его картины маслом.
В собрании музея есть несколько работ известных русских художников конца XIX – начала XX вв. Это, прежде всего рисунок Михаила Врубеля (1856–1910), крупнейшего представителя символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Наряду с листами Л.С. Бакста и М.А. Врубеля период расцвета русской графики рубежа XIX–XX веков и 1910-х годов представлен работой К.А. Коровина (1861–1939) – эскизом декорации 1917 г. к опере Н.А. Римского Корсакова «Садко». Этот эскиз является единственным «уцелевшим» образцом театрально-декорационной графики. Стилистически наш лист близок целому ряду театральных работ К. Коровина конца 1900-х–1910-х годов. Эскизы К. Коровина к «Садко» 1906, 1914 годов отличает более сложное композиционное построение, они включают в себя не только изображение «Хором», но и открытой террасы, сквозь пролёты которой виден пейзаж – «морская синь». Наш лист имеет камерное звучание: он представляет интерьер палаты с высоким сводом, небольшими окнами, изразцовой печью и лавками.
Коллекция графики музея обладает и небольшим рисунком Ильи Ефимовича Репина «Портрет писателя Леонтьева-Щеглова». И.Л. Леонтьев-Щеглов (1856—1911) — талантливый русский писатель и драматург
Графические листы Б.М. Кустодиева в собрании Сергиево-Посадского музея-заповедника – это три линогравюры 1926 г. (подписные, датированные автором), поступившие в 1928 г. из частной коллекции. В творчестве художника графика занимала большое место, хотя он и был, по преимуществу, живописцем. В 1920-е годы Кустодиев много занимался книжной иллюстрацией, плакатом и станковой гравюрой (ксилографией, литографией, линогравюрой). В 1926 г. Б.М. Кустодиевым было создано несколько композиций с «Купальщицами» в техниках линогравюры, ксилографии и акварели. В дневниковых записях за 1926 г. первого биографа Кустодиева В.В. Воинова (художника-графика, историка искусства, художественного критика) постоянно звучит тема работы Бориса Михайловича над линогравюрами «Купальщица» и «Купальщицы». Постоянной моделью в последние годы жизни Б.М. Кустодиева «для портретов, персонажей картин, обложек, гравюр, иллюстраций» служила его дочь Ирина. Она позировала отцу и для гравюры «Купальщица».
Над серией «Купальщиц» Б.М. Кустодиев работал, в буквальном смысле слова, до последних дней своей жизни: последняя гравюра этого цикла была сделана им 4 мая 1927 г. (а 26 мая художника не стало).
Творчество одного из выдающихся деятелей отечественного искусства XX в., классика гравюры на дереве В.А. Фаворского (1886–1964) представлено в музейной коллекции шестнадцатью графическими листами разных периодов: это и станковые работы, и книжные иллюстрации, и образцы его «шрифтовой графики».
Подбор листов во многом случаен, не все из них являются первоклассными или знаковыми работами мастера. В 1919 1939 гг. члены этой семьи (в том числе и Владимир Андреевич Фаворский) проживали в Сергиеве Загорске, были укоренены в его духовной и культурной жизни, создавали здесь многие свои произведения, а тесть В.А. Фаворского был одним из организаторов нашего музея.
Среди них – одно из самых известных, значительных произведений этого периода творчества мастера – станковая гравюра «Октябрь 1917» 1928 г. Эта ксилография была создана по первому государственному заказу Совнаркома к 10-летию Октябрьской революции. Тогда Фаворским была задумана серия «Годы Революции», где «расположенные в хронологическом порядке рисунки должны были год за годом воссоздавать всю историю Советского государства за первые 10 лет». Ксилография «Октябрь 1917» представляет собой развёрнутую сюжетно-повествовательную и, одновременно, знаковую, метафорическую композицию со множеством действующих лиц и нескольких эпизодов, достаточно органически слитых воедино.
Поздний период творчества В.А. Фаворского в нашей коллекции представляют гравюры из его лучших, самых известных циклов 1950-х годов, за которые в 1962 г. художник был удостоен Ленинской премии, – иллюстрации 1950 г. к «Слову о полку Игореве» и к «Борису Годунову» 1955 г., подаренные в музей в 1965 г.
Они прекрасно демонстрируют «поздний стиль» ксилографий Фаворского, где больше внимания уделяется внешнему облику героев, обстановке, костюму, где закономерно изменяются изобразительные средства: на смену аскетизму графических решений с выделением контуров и открытой штриховкой приходит определённая «живописность». Былинная торжественность, эпичность «Слова» полновесно звучат в многофигурной композиции («Перед битвой»), в которую Фаворский включает изображения русских воинов под боевым стягом и Гусляра. Из многообразия графических циклов В.А. Фаворского 50-х годов к драматургии А.С. Пушкина («Борис Годунов», «Маленькие трагедии») в коллекции музея представлена только одна иллюстрация к трагедии «Борис Годунов» – «Пимен и Григорий» 1955 г.

Коллекция произведений выдающегося отечественного графика и живописца Татьяны Алексеевны Мавриной в Сергиево-Посадском музее-заповеднике по своему объёму, уровню работ, их жанровому разнообразию может быть сопоставлена только с крупнейшими музейными собраниями страны, имеющими коллекции графики XX в. (ГМИИИ, ГТГ, ГРМ). Это шестьдесят два листа, поступившие к нам в 1977 1978 годах после проведения в музее персональной выставки автора. Сорок пять произведений были переданы Т.А. Мавриной в дар.
Хронологически коллекция мавринских работ охватывает большой период творчества художника (крайние даты – 1944 и 1976 годы; причём примерно равное количество листов относится к периодам 40 х, 50 х, 60 х и 70 х годов). Она представляет достаточное разнообразие графических техник, в которых плодотворно работала Маврина: это акварели, гуаши, листы, выполненные в смешанной технике (темпера, гуашь или темпера, гуашь, акварель), карандашные рисунки, рисунки тушью.

«Загорский цикл» Т.А. Мавриной, ярко выражающий её мироощущение, приоритеты в искусстве, её неповторимый стиль, часто и справедливо называемый «мавринским», начал складываться в 1940-е годы. «Сюжетный ряд» мавринских работ 50-х годов – «сказочно увиденный» ансамбль Лавры, Пятницкий монастырь, старый город и жизнь его обитателей – повседневная и праздничная, воплощённые в её особом, метафорически-поэтическом ключе, связанном с образностью народного искусства, фольклора. Столь же выразительны и свободны, смелы в рисунке, композиции, цвете листы 1960–1970-х годов. В их тематическом составе по-прежнему превалируют жанровые пейзажи, в самих названиях которых подчёркнут действенно-бытовой аспект. Классический образец «мавринского портрета» в нашем собрании – «Демидова» 1973 г. «Демидова» – замечательный пример органичного соединения двух жанров – «портрет в пейзаже»: крупное, фронтальное, поясное изображение «русской старушки» в белом платке на фоне летнего деревенского пейзажа, где по старинной традиции народных росписей и лубка надписи даются на самих изображениях.

«Портрет кошки» покажут в Союзе художников

Экспозиция займет все пять залов знаменитого выставочного центра Санкт-Петербургского Союза художников на Большой Морской. Посетители увидят работы мастеров из разных городов России, а также из Великобритании, Швеции, Финляндии, Германии, Швейцарии, США, Израиля, Украины, Казахстана, Новой Зеландии, Греции, Бельгии, Эстонии. Более 1000 предметов искусства — классического и прикладного — самых разных видов, техник и стилей: живопись, скульптура, графика, акварель, витражи и коллекционные игрушки.

Среди авторов заслуженный деятель культуры Российской Федерации скульптор Владимир Петровичев, заслуженный художник России Латиф Казбеков, признанные в нашей стране и за рубежом мастера акварели – Елена Базанова, Константин Стерхов, Ольга Ивлева, график и живописец Андрей Ветрогонский, известный художник и скульптор-монументалист Михаил Едомский, заслуженный художник России, мастер живописи, станковой и книжной графики Олег Яхнин и многие, многие другие выдающиеся современные художники России, ближнего и дальнего зарубежья.

Часть экспозиции будет отведено выставке-памяти талантливому, ироничному, удивительному и доброму художнику Владимиру Румянцеву, ушедшему год назад. Всегда безошибочно узнаваемые, румянцевские коты беседуют с ангелами, танцуют на крышах, дружат с Пушкиным, прогуливаются по петербургским набережным, пьют чай, улыбаются и мечтают. Лиричные, утонченные, поэтичные, каким был и сам автор, они заражают любовью к жизни и оптимизмом.

Особое место на выставке займут и работы Татьяны Порфирьевны Капустиной, к сожалению, ее не стало этой весной. У посетителей «Портрета кошки» будет возможность еще раз увидеть ее чудесные иллюстрации к детским книгам, на которых выросло не одно поколение советских и российских детей.

Помимо экспозиции в рамках выставки-фестиваля будут проходить различные творческие мероприятия для взрослых и детей: мастер-классы, открытые уроки живописи, лекции и творческие встречи. Для посетителей также будет работать сувенирный магазин: желающие смогут приобрести открытки и магниты с изображением картин из экспозиции, авторские постеры, жикле, небольшие акварели, художественные альбомы, изделия из стекла и фарфора, оригинальные сувениры и украшения.

Выставка «Портрет кошки» адресована самой широкой аудитории, здесь будет интересно и искушенному специалисту, коллекционеру, художнику и всем посетителям – и детям и взрослым. Организаторы смогли объединить представителей самых разных направлений — от реалистов до абстракционистов — чтобы предложить зрителю увидеть современное изобразительное искусство во всем его многообразии. Без сомнения фестиваль «Портрет кошки» – самое ожидаемое событие осеннего выставочного сезона.

Подробнее – на официальном сайте

Место проведения: Выставочный центр Санкт-Петербургского Союза художников (Санкт-Петербург, Большая Морская ул., 38).
Время проведения: с 9 по 25 октября 2020 года
С 9 октября выставка работает в обычном режиме: с 12:00 до 19:00 ежедневно, кроме понедельника.

 

 

 

Фото: vk.com/catportraitspb. Холст, масло, 60х80 см, 2018 год. Художник Татьяна Мацик (Санкт-Петербург).

20 самых известных художников-акварелистов, которые вас вдохновят

Когда дело доходит до акварельной живописи, знакомство и черпание вдохновения у самого известного художника-акварелиста позволяет вам черпать вдохновение и мотивировать вас становиться лучше со временем. Как новичок, вы можете быть одновременно вдохновлены и напуганы. Это нормально, так как большинство художников были там, эксперт когда-то был новичком, как и вы, и эта статья написана для того, чтобы вдохновить вас и начать ваше творческое путешествие.

Как самые известные художники-акварелисты вдохновляют вас, как новичка, улучшать свои навыки и изучать новые техники? Есть ли простые техники, которые можно практиковать, чтобы стать одним из самых известных художников-акварелистов этого поколения? В какие материалы вам следует инвестировать, начиная с этой живописной среды? Сложно ли рисовать акварелью?

Кто самые известные художники-акварелисты всех времен?

Для кого-то рисовать акварелью легко и доступно.Скорее всего, каждый художник рисовал акварелью свой холст или бумагу. Если вы новичок в этой живописной среде, этот список самых известных художников-акварелистов вдохновит вас на создание своих следующих работ в ближайшее время. Мы включили краткий обзор того, как началось их путешествие по акварельной живописи, который в какой-то момент вдохновит вас на большее.

Давайте познакомимся с людьми, стоящими за уникальным и ярким миром акварели:

Джон Сингер Сарджент

Джон Сингер Сарджент (12 января 1856 г. — 14 апреля 1925 г.)
Он — американский художник, который, как считается, возглавлял портретную живопись на протяжении всего своего поколения.С более чем 2000 акварельными картинами и более чем 900 картинами маслом, ненумерованными рисунками углем и эскизами под своим именем он путешествовал по разным местам, чтобы продемонстрировать свои работы и одновременно вдохновить других.

Его работы отличает высокая техника, особенно его уникальные техники рисования кистью. Однако это умение подвергалось критике и поддержке. Его методы были последовательны, когда дело касалось портретной живописи и импрессионизма. Позже он начал создавать фрески и работы «на пленэре».”

Самые известные художники-акварелисты

Его акварельные картины до сих пор черпают вдохновение у новичков и продвинутых художников-акварелистов. Они переехали из английской сельской местности в Тироль, Венецию, Корфу, Монтану, Ближний Восток, Флориду и Мэн. Каждое направление предлагает живописные сокровища и развлечения. Живопись была способом Сарджента избежать напряжения и досуга, он рисовал с беспокойной интенсивностью с утра сегодня вечером.

Он один из самых известных художников-акварелистов, его работы включают:

• Сиеста гондольера (1904)
• Шахматная партия (1906)
• Грязные аллигаторы (1917)
• Поль Сезар Хеллеу (1882–1885)
• Никола Д’Инверно (1892)

Рода Холмс Николлс

Рекомендуется

Набор из 24 цветов ShinHan Профессиональные корейские цвета Акварельные краски ShinHan созданы из материалов и пигментов высшего качества.Этот 24-цветный набор акварельных красок уровня художника доступен по цене, многофункциональн и предлагает точный состав, который держится годами и не выцветает.

Пигменты на водной основе позволяют улучшить свои навыки и технику рисования на профессиональном уровне. Индивидуально помечены для удобства использования и организованы, когда вам нужно создавать произведения искусства.

Характеристики:

• Художественная акварель высшего качества
• 24-цветный набор стойких пигментов
• Гарантия отсутствия выцветания
• Краски на водной основе помогают улучшить ваши навыки
• Индивидуальная маркировка
• Простота использования и организации

Зачем покупать этот продукт:

Этот акварельный набор сделан из аутентичных корейских высококачественных пигментов, которые помогут улучшить ваши навыки и технику в кратчайшие сроки.Богатый, яркий и простой в использовании набор для художников.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Рода Холмс Николлс (28 марта 1854 г. — 7 сентября 1930 г.)

Она — американо-английский художник маслом и акварелью, родившаяся в Англии. Ее работы просматриваются, награждаются и публикуются в различных журналах и выставляются в различных известных учреждениях, которые приносят ей известность в родных странах, США и Великобритании.

Как успешный художник, преподаватель искусства и писатель, она вдохновляет это поколение и новичков в чудесном мире акварельной живописи.

Ее известные акварельные картины включают:

• Рома (1880)
• Лагерь возле Маунт-Кок, Южная Африка (1881-1884)
• Сбор полевых цветов (1990)

Винсент Ван Гог

Винсент Виллем Ван Гог (30 марта 1853 г. — 29 июля 1890 г.)

Ван Гог считается самым влиятельным и одним из самых известных художников-акварелистов в мире искусства и истории. Антон Мауве, двоюродный брат, познакомил его с акварелью и преподает ему эту прекрасную живопись.

Художник акварели

Это открывает Ван Гогу путь к созданию 150 произведений акварелью. Большинство его творений основано на крупномасштабных произведениях искусства, которые помогают усовершенствовать его техники и навыки рисования. Несмотря на то, что он был неправильно понят гением, все его работы считаются самыми дорогими произведениями искусства в мире.

Его известные акварельные картины включают:

• Женщина-шитье (1881-1882)
• Цветущее персиковое дерево (1888)
• Мальчик косит траву серпом (1881)
• Пляж с гуляющими людьми и лодками (1882)
• Церковная скамья с прихожанами (1882)

Поль Сезанн

Поль Сезанн (19 января 1839 — 22 октября 1906)

Постимпрессионисты и французские художники / живописцы, которые исследовали различные возможности использования акварели.Его работы часто использовались для понимания этой уникальной среды, но при этом предлагали эстетику, которой невозможно быстро достичь, но которая вдохновляет других на создание.

Поль Сезанн создал мост между постимпрессионизмом 19 века и кубизмом 20 века. Он отличается повторяющимися и авантюрными мазками кисти на большинстве своих картин. Он также использовал мелкие мазки и плоские цвета, которые создают сложные поля.

Его знаменитая акварель включает:

• Около, автопортрет (1895)
• Зеленый кувшин (1887)
• Листья в зеленом горшке (1902)
• Цветочные горшки (1887)
• Натюрморт с зеленой дыней (1906)

Уинслоу Гомер

Уинслоу Гомер (24 февраля 1836 г. — 29 сентября 1910 г.)

Один из самых известных художников-акварелистов, который вас вдохновит, — Уинслоу Гомер, американский гравер и пейзажист, известный своими морскими концепциями, — считается одной из выдающихся фигур американского искусства.

Художник-самоучка, который работал коммерческим иллюстратором, занялся сложной масляной живописью, а позже создал студийные работы, характеризующиеся плотностью и весом, заимствованными из этого материала.

Первые акварельные творения

Гомер также интенсивно работал с акварелью и создал плодовитое творчество, в основном записывая свои каникулы во время работы. Хотя первые акварельные работы не нравятся большинству критиков, он улучшил свои навыки и начал продавать подготовительные эскизы и оригинальные произведения искусства.

Его знаменитая акварель включает:

• Зеленый холм (1878)
• Бермудские острова (1901)
• Три девушки-рыболова (1881)
• Мальчики в дори (1873)
• Два мальчика смотрят на шхуны (1880)

Рекомендуется

Kuretake GANSAI TAMBI Professional-Grade 36 Premium Color Pan Set Нетоксичный смешиваемый
Этот 36-цветный набор непрозрачных и ярких пигментов профессионального уровня обязательно создаст потрясающие произведения искусства на основе традиционных японских акварелей.Эта краска тщательно изготовлена, чтобы обеспечить гладкую текстуру во время нанесения.

Нетоксичен и идеально подходит как для начинающих, так и для опытных акварелистов. Благодаря сертификации ACMI, гарантирующей, что все цвета панелей безопасны для ваших художественных сессий.

Характеристики:

• 36-Многоцветный художественный уровень
• Сертификат ACMI, нетоксичный
• Включает таблицу цветов и палитр
• Обладает гладкой негранулированной текстурой.
• Легко использовать и наносить на поверхность
• Пигменты на водной основе в картонной коробке

Зачем покупать этот продукт:
Этот набор для акварели предлагает богатые пигменты, которые позволяют накладывать, смешивать и улучшать ваши работы.Он поставляется с образцом цвета, диаграммой и палитрой для руководства.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Элизабет Мюррей

Элизабет Мюррей (1815-8 декабря 1882)

Она считалась одним из самых известных художников-акварелистов своего поколения. Британский художник-акварелист, урожденная Элизабет Хифи, в основном создавала пейзажи и портреты там, где она жила.

Мюррей был одним из членов Королевского института художников по акварели и основал Общество женщин-художников в Великобритании.Поскольку она провела десять лет своей жизни на Канарских островах, большинство ее творений черпают вдохновение в этих местах, а также в Андалусии и Марокко.

Вдохновленная своим отцом Томасом Хипи, она развивает замечательный стиль. Она использует типичный английский метод наложения тонких слоев детализированных смешанных цветов для создания глубины и цветовых эффектов.

Ее известные акварельные картины включают:

• Marruecos — Марокко пейзажная живопись (1849)
• Dotty Simple (1869)
• Акварельный портрет Альфреда Дистона (1854 г.)
• Пифферари, играющая со сценой Богородицы в роме / Черно-белая акварель (1859)
• Крестьянин (1834)

Джон Констебл

Джон Констебл (11 июня 1776 г. — 31 марта 1837 г.)

Английский художник-пейзажист, известный своей революцией в концепции ландшафта.У Констебля есть множество известных картин, которые по сей день продолжают вдохновлять новичков в мире акварели.

Самые известные художники-акварелисты

После 1829 года он предпочитал использовать акварель для своих работ, поскольку работал масляными красками. Позже он создал торговую марку, которая демонстрирует традиции и изображает особый интерес к атмосфере неба. В этой технике он обычно использует непрозрачные цвета и толстые мазки, чтобы передать более темное окружение.

Его известные акварельные картины включают:

• Стоунхендж (1835)
• Тиллингтонская церковь (1834)
• Коттеджи и ветряная мельница (1834)
• Дом среди деревьев (1832)
• Мельница недалеко от Колчестера (1833)

Уильям Блейк

Уильям Блейк (28 ноября 1757 г. — 12 августа 1827 г.)

Уильям Блейк был известен как английский поэт, гравер и известный художник-акварелист.Обладая нетрадиционными навыками рисования, которые отличаются от любых традиционных техник, используемых современными художниками в 19 веке.

Его техника рисования включает рисование тушью, пером или графитом, а затем нанесение акварели. Он написал множество акварельных картин, но самая популярная из них была датирована 1826 годом — это незавершенная акварельная иллюстрация «Божественная комедия».

Хотя современники считали его безумным художником, его идиосинкразическая техника была отмечена критиками как творческая и очень выразительная.Будь то поэзия или живопись, его работы были охарактеризованы как принадлежность к домантийскому и романтическому направлениям.

Рекомендуется

Дэниел Смит-Джейн Хейнс 10 шт. Тубы для акварели мастера-художника Этот акварельный набор, выбранный мастером-художником Жаном Хейнсом, поможет превратить ваши работы в потрясающие. Каждый набор пигментов в этом наборе из 10 предметов гарантирует яркие и стойкие цвета, которые должен попробовать каждый акварелист.

Характеристики:

• Полностью натуральные и органические высококачественные пигменты / li>
• Многоцветные, красивые, стойкие, не выцветающие, стойкие цвета
• Индивидуальная маркировка для удобства использования и хранения
• Доступная коллекция акварелей

Зачем покупать этот продукт:

Этот бренд акварелей профессионального уровня — отличная покупка для улучшения ваших навыков рисования. Это очень важно, учитывая высокое качество и сделанные из органических материалов.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Его известные акварельные картины включают:

• Ангел откровения (1803)
• Ангелы, парящие над телом Христа в гробнице (1805)
• Ветхий днями (1794)
• Ньютон (1805)
• Танец Альбиона (1796)

J.M.W. Токарь

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (23 апреля 1775 — 19 декабря 1851)

Также известен как Уильям Тернер, английский акварелист, гравер и художник-романтик.Его картины известны своей колористической выразительностью, бурными и образными пейзажами, часто суровыми морскими картинами.

С более чем 2000 акварельными картинами, 550 картинами маслом и 30 тысячами бумажных работ. Многие из его акварельных картин запечатлевают душу определенных мест по сравнению с точным изображением. Одна из многих причин, по которым он стал одним из самых известных художников-акварелистов и самых любимых художников Великобритании.

Тернер выставил свои первые произведения искусства, когда ему было 15 лет, а также работал опытным чертежником.В 1804 году он открыл свою первую галерею и стал будущим профессором своей академии.

Его знаменитая акварель включает:

• Клэр Хэл и часовня Королевского колледжа (1793)
• Голубая Риги, восход солнца (1842)
• Этюд спящего кота (1796)
• Преобразование на скале (1796)
• Lacy’s Court, Bath Street, Abingdon (1789)

Альбрехт Дюрер

Альбрехт Дюрер (21 мая 1471 г. — 6 апреля 1528 г.)

Дюрер был известным немецким гравером, художником и теоретиком эпохи Возрождения.Он был пионером акварельной живописи и рано осознал потенциал этой живописной среды. У него масса концепций, включая кавалеров, топографию, пейзажи, растения, животных и обнаженные тела.

Его акварельные картины предлагают впечатляющие детали и потрясающие цветовые контрасты с огромным количеством произведений искусства под его именем, включая автопортреты, портреты, алтари, книги и акварели. Его картины с использованием акварели отметили его как самого первого пейзажиста в Европе.

Некоторые из его известных акварельных картин включают:

• Заяц (1502)
• Левое крыло синего катка (1500/1512)
• Великая лужайка (1503)
• Богородица с младенцем и множеством животных и растений (1503)
• Этюд лилий (1526)

Кто был первым и самым известным художником-акварелистом?

Акварельная живопись — один из старейших видов живописи, возможно, датируемый эпохой палеолита в Европе, где впервые была обнаружена наскальная живопись.Однако, согласно истории, эта художественная среда возникла в период Возрождения. Самым первым художником, работающим с акварелью, является Альбрехт Дюрер (1471-1528) . Он написал несколько прекрасных акварелей дикой природы, пейзажей и ботанических растений. Это считается одним из первых защитников акварели.

Раньше акварель использовалась для эскизов, карикатур или копий станковистами (барокко). Некоторые из ранних акварелистов — Джованни Бенедетто, Клод Лоррен, Ван Дайк, многие фламандские и голландские художники.Самыми важными и самыми старыми акварельными картинами были иллюстрации дикой природы и ботанические иллюстрации, если мы внимательно рассмотрим.

Проверяя химические свойства акварелей, они сделаны из измельченных минеральных пигментов и окрашенного спящего порошка, связанного гуммиарабиком из деревьев акации. Эта среда для рисования передает прозрачность и яркость и обеспечивает такой же диапазон или превосходит другие среды для рисования.

Трудно ли рисовать акварелью

Многие считают, что акварель — один из простых способов освоить и улучшить свои навыки.Даже дети с раннего возраста могут легко смешивать акварели и играть. Это первое средство рисования, представленное каждому в более молодом возрасте.

Благодаря удобству, которое обеспечивает прозрачность, этот носитель по-прежнему считается одним из самых сложных в работе. На самом деле, его тонкая яркость и ясность предлагают непосредственность и свежесть, которые невозможно легко воспроизвести с помощью акриловых или масляных красок — одна из причин, почему акварель является известной и любимой средой рисования.

Работать акварелью непросто.Для опытных художников это сложно освоить, да и работать с этим довольно сложно. Акварель иногда бывает непредсказуемой и неумолимой. Если вы случайно ошиблись с акварелью, исправить ее сложнее, чем акриловыми или масляными красками.

Дело в том, что его текучая природа требует опыта, чтобы контролировать и манипулировать. Независимо от своей сложности, акварель — очаровательная среда для рисования, и многие художники влюбляются в нее. Научиться контролировать, исследовать и работать с его пигментной смесью от воды до бумаги — это непросто и в то же время полезно.

• Обладает тонким светом и прозрачностью
• Акварельные краски предлагают непосредственность и свежесть, которые невозможно воспроизвести с помощью акриловых или масляных красок.
• Это непредсказуемо и беспощадно
• Трудно исправить ошибки
• Трудно манипулировать текучей природой
• Это необычайно очаровательно, полезно и интересно.

По мере развития технологий появились упрощенные способы работы и освоения акварели.В настоящее время вы можете использовать специальную бумагу, которая идеально подходит для акварели, не беспокоясь о том, что поверхность будет деформироваться от большего количества воды.

Акварель — это простая среда для рисования, состоящая из гуммиарабика и насыщенных пигментов. Он наносится на поверхность для рисования с использованием кистей разного размера и различных техник рисования, что обеспечивает ясность и чистоту, которые не может предложить никакой другой материал для рисования. Несмотря на свою простоту, это средство рисования может быть одновременно ярко выразительным и тонким.

Простые техники акварели для начинающих

Один из важнейших элементов эффективной акварельной живописи — это работа с правильными и простыми в использовании техниками. Как новичок, вы можете испугаться множества дел, а необходимые идеи плавно улетучатся, прежде чем вы даже начнете работать.

Для большинства новичков в мире акварели эта среда рисования является фундаментальной для подготовки всех ваших материалов перед работой. Акварель — это простой способ рисования, который требует непосредственности в каждом приложении.

После подготовки эти техники рисования акварелью помогут вам улучшить свои навыки в кратчайшие сроки.

Рекомендуется

Набор цветных тюбиков Arteza 60 Нетоксичный яркий насыщенный пигмент с ящиком для хранения
Этот набор многоцветных ванн Arteza 60 гарантированно изготовлен из высококачественных пигментов, которые обязательно будут выделяться на вашей окрашиваемой поверхности. Он не токсичен, сертифицирован ACMI, безопасен и полезен для всех возрастных категорий артистов.Он поставляется с формулой сохранения, которая требует меньшего количества, которое может иметь большое значение.

Характеристики:

• 60 Высококачественный насыщенный пигмент, яркие цвета
• Нетоксичный, сертифицированный ACMI, безопасен для всех возрастов
• Индивидуальная маркировка для удобства использования и применения
• Консервационная краска
• 100% гарантия удовлетворенности клиентов

Зачем покупать этот продукт:
rteza — это известный акварельный бренд, который предлагает богатые и яркие высококачественные пигменты, которые прослужат вам долгие годы.Он сертифицирован ACMI, что означает, что он лучше всего подходит для артистов любого возраста, включая детей!

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

мокрый по мокрому

Техника свободы позволяет вам свободно наносить краску на другой цвет, что приводит к элегантным смешанным цветам различных и сложных оттенков. Результаты мокрого по мокрому удивительны.

Мойка

Типичная техника акварели, над которой вы можете эффективно поработать при создании следующего произведения искусства.В этой технике необходимо гармоничное смешение цветов и их смешение. Это позволяет получить размытый или блеклый результат на цветах.

Спирт на окрашиваемой поверхности

Не все согласятся, но раз все сделали правильно; результаты потрясающие. Это похоже на жир и мыло, где химическая реакция оказывает успокаивающее действие, поскольку цвета растворяются сразу после нанесения спирта.

Остекление

Акварельное глазирование — это техника, которая позволяет вашей среде рисования создать яркий и устойчивый характер, который можно быстро определить невооруженным глазом.Это дает потрясающий эффект от вашей поверхности, что приводит к динамичной, но полупрозрачной форме. Процесс заключается в наложении цветов друг на друга, чтобы создать более заметный, полный и резкий эффект смешанных цветов.

Эффект соскабливания

Техника соскабливания требует от вас наложения цветов и использования осколка для большей эффективности. Настоятельно рекомендуется использовать этот метод, пока ваши цвета молодые или еще влажные. Поцарапанная поверхность заживет полые части, что придаст более темную, детализированную текстуру и внешний вид, который появляется поверх произведения искусства.

Мокрая по сушке

Хотя акварельная живопись — это все о освещении и прозрачности, эта техника должна быть разработана как новичками, так и продвинутыми акварелистами. Требуется нанести дополнительный слой краски на уже высохшую поверхность.

Градуированная стирка

Техника градуированной стирки требует использования полупрозрачных пигментов путем добавления воды после получения темного цвета. Это приводит к большему перекрытию слоя, чтобы помочь получить более светлые цвета значений.Попробуйте сначала поработать с интенсивными цветами и меньше воды. Следующий процесс требует противоположного подхода, и вы позволяете цветам сливаться. Результаты тоже удивительно ошеломляющие.

Рекомендуется

Arches Cold-Press 140LB Подушечки для акварельной бумаги
Этот блокнот для акварельной бумаги холодного прессования от Aches — незаменимый помощник для каждого акварелиста, который поможет улучшить свои навыки и создать потрясающие произведения искусства. Он имеет легкую текстуру и отражает свет, сохраняя при этом прозрачность акварели.

Характеристики:

• Подушечки для бумаги холодного отжима легкой текстуры
• Цилиндрическая формовка длинных волокон в стабильных листах
• Упругий, прочный и чистый органический желатин
• Высушенный на воздухе для дополнительной прочности и прочности
• Высокое качество, испытанное в индивидуальном порядке для обеспечения качества
• 300 GSM, 140 фунтов
• Многоцелевой

Зачем покупать этот продукт:
Этот блокнот для акварельной бумаги является многофункциональным, долговечным, эластичным и изготовлен из высококачественных материалов.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Грубый эффект

Шероховатый эффект может быть достигнут с минимальным использованием воды или нанесением акварели с кисти. Это дает неравномерное развитие при нанесении цветов на окрашиваемую поверхность. В результате получается более текстурированная поверхность, которая зависит от того, какую текстуру вы предпочитаете.

Соль как песочный эффект

Если вы хотите создать эффект песка на поверхности для рисования, лучше всего использовать соль.Наносите соль, пока поверхность еще влажная, и это позволит элементу впитывать влагу, прежде чем она проникнет в ощущение.

Позволяет соли оставаться на поверхности картины на ночь для достижения максимального эффекта. Удалите его после этого, и вы заметите легкую текстуру песка как на взгляд, так и на ощупь.

Подъем краски

Поднятие краски — отличный метод для начинающих. Это позволяет вам экспериментировать, воображать и практиковаться по мере продвижения вперед.Поднимать акварельные краски можно с помощью различных элементов, таких как полиэтиленовая пленка или пузырчатая пленка.

Результаты зависят от того, какие предметы доступны в вашей рабочей зоне. Мятый пластик может стать отличной заменой. Эта техника требует добавления воды и пигментов на поверхность для рисования и позволяет пластику окунуться в цвет до того, как тело высохнет.

Защита каждого барьера

Акварельная живопись — это стойкость и стойкость к любой влажности и цветам, окружающим малярную ленту.Лучший способ защитить края или создать барьер — это наклеить малярный скотч на участки, которые нужно защитить от акварели. Работайте так, как хотите, и дайте краске полностью высохнуть, прежде чем снимать малярный скотч. В результате ваша акварельная бумага приобретет нюдовый оттенок.

Дождеватель

Техника разбрызгивания — это интересный способ поработать акварелью, приложив немного силы. В этом процессе используются большой, заостренный и средний пальцы. Этот процесс позволяет вам снимать цвета на окрашиваемой поверхности, прикрепляя их прямо к бумаге с кисти.

Пенная краска

Использование пены — это простая и легкая техника акварели, идеально подходящая для начинающих. Это отлично подходит для создания облаков. Используйте пену или губку, чтобы обработать цвета, нанеся их на акварельную бумагу. Этот метод обеспечивает богатый и яркий результат, если вы нанесете его на подставку.

Кровоточащая

Эта техника рисования вольным стилем требует меньшего количества деталей на поверхности для рисования. Вы позволяете каждому цвету сливаться друг с другом, создавая элегантный результат.Другие называют это ошибкой, так как несколько художников намеренно используют его на своей живописной поверхности.

Факторы, которые следует учитывать при покупке акварели

Прежде чем покупать все необходимое для акварели, всегда следует учесть несколько важных факторов. Это включает стойкости, цвета, прозрачности, качества, типов, окрашивания или отсутствия пятен, а также брендов.

Рекомендуется

WA Профессиональный синтетический набор кистей и мастихина из 38 предметов в дорожном холщовом футляре Этот универсальный набор кистей и мастихин — отличная покупка для начинающих и опытных художников.Каждый совет создан для различных средств рисования, с которыми вы работаете. Изготовлен из нейлоновых волос разных форм и размеров, их можно брать с собой куда угодно.

Характеристики:

• 38 универсальный набор кистей и мастихина
• Идеально для всех художников возрастом
• Мастихин высшего качества
• Простой в использовании и хранении брезентовый чемодан
• Портативный, прочный и надежный
• Гарантированное удовлетворение

Зачем покупать этот продукт:

Это полная палитра ножей и наборов кистей, идеально подходящих как для начинающих, так и для опытных художников.Лучше всего подходит для всех средств рисования.

КУПИТЬ СЕЙЧАС!

Акварельные бренды

Характеристики и качество варьируются в зависимости от производителя и бренда акварели. Однако это не должно мешать вам смешивать цвета для достижения желаемых результатов. Вы также заметите, что некоторые бренды или производители выделяются определенными цветами.

Качество

Как и большинство других средств рисования, вы можете покупать акварели между студентами и художниками.Художественные или профессиональные акварели имеют более концентрированные мелкозернистые цвета с более высокими показателями стойкости. В то же время пигменты студенческого класса более доступны по цене и содержат больше наполнителей и наполнителей.

Дело в том, что вы можете купить оценку студента или художника в зависимости от вашего текущего бюджета или суммы, которую вы готовы потратить. Хотя акварели художников более дорогие, они обеспечивают превосходную прозрачность, интенсивность цвета и высокую стойкость.

Для начинающих вы можете сначала использовать акварельные краски для учеников, а затем переходить к рангам художников по мере того, как вы совершенствуете свои навыки рисования.Стоит отметить, что акварель художественного качества держится дольше и не тускнеет по сравнению с более дешевыми.

Стойкость

Стойкость — это способность акварели выдерживать прямое воздействие света или влажности, не беспокоясь о том, что цвета выцветут, станут желтоватыми, смещаются или потемнеют. Это также относится к светостойкости цветов.

Это жизненно важный фактор, особенно когда вы не работаете с окрашиваемой поверхностью. Это гарантирует, что качество ваших работ не ухудшится и их можно будет передать следующим поколениям.

Проверьте упаковку акварели и убедитесь, что она «очень хорошо» или «отлично» светостойкость.

Цвет

Акварели бывают разных цветов и различаются в зависимости от производителя. Технически получение большего количества цветов происходит, когда вы смешиваете основные и второстепенные цвета. Это дает вам широкий выбор цветов на выбор. Единственный недостаток — цвета могут быть тусклыми или безжизненными.

Одиночные цвета более насыщенные и яркие.Если вы не можете купить все необходимые цвета, попробуйте создать свою ограниченную, но универсальную палитру. Не нужно спешить и искать лучшее, ведь с точки зрения художника все идеально.

Несколько факторов, которые вы, возможно, захотите принять во внимание, — это прозрачность и постоянство . Важно, чтобы у вас были основные цвета для начала вашего пути к рисованию. По мере накопления опыта вы сможете быстро определить, что вам нужно и что лучше всего подходит для вас.

Если вы впервые покупаете акварели, покупайте у надежного бренда с отличными отзывами, чтобы убедиться, что вы вкладываете средства в правильные материалы, которые помогут улучшить свои навыки.

Типы

Несмотря на то, что существует множество видов акварели, наиболее популярными из них являются тюбики и сковороды. Выберите тип акварели, который вам удобнее всего использовать, и тот, который позволит вам достичь желаемых результатов

Окрашивание или неокрашивание

Некоторые акварели сохнут на поверхности, которую можно легко удалить или соскрести губкой.Другие проникают в бумажное волокно и окрашивают его. Важным аспектом является то, что все цвета находятся между окрашиванием и не окрашиванием.

Этот фактор может показаться неважным для новичков, пока вы не начнете работать с подтяжкой цветов или техникой наслоения.

Прозрачность Основная ценность акварели

— ее прозрачность или способность пропускать свет через картину и отражаться на поверхности ( белый, ) вашей бумаги. Это создает потрясающий люминесцентный эффект на ваших произведениях искусства.

Прозрачность цвета жизненно важна, особенно если вы будете работать с техникой наслоения. Спланируйте свои работы и наложите прозрачные цвета на слои для полной гармонии.

Вердикт:

Наш лучший выбор:

Тубы для акварели Daniel Smith-Jane Haines из 10 предметов

Этот акварельный набор, выбранный мастером-художником Жаном Хейнсом, может помочь превратить ваши работы в потрясающие.Каждый набор пигментов в этом наборе из 10 предметов гарантирует яркие и стойкие цвета, которые должен попробовать каждый акварелист. Это отличная покупка, чтобы улучшить свои навыки рисования. Это очень важно, учитывая высокое качество и сделанные из органических материалов.

КУПИТЬ

Финалист:

Набор из 24 цветов ShinHan Professional Korean Colors

Акварели ShinHan созданы из высококачественных материалов и пигментов.Этот 24-цветный набор акварельных красок уровня художника доступен по цене, многофункциональн и предлагает точный состав, который держится годами и не выцветает. Этот акварельный набор сделан из подлинных корейских высококачественных пигментов, которые помогут вам быстро улучшить свои навыки и технику. Богатый, яркий и простой в использовании набор для художников.

КУПИТЬ

Хорошая сделка:

Набор посуды для курятаке GANSAI TAMBI Professional-Grade 36 Premium Color Нетоксичный смешиваемый

Этот 36-цветный набор непрозрачных и ярких пигментов профессионального уровня обязательно создаст потрясающие произведения искусства на основе традиционных японских акварелей.Эта краска тщательно изготовлена, чтобы обеспечить гладкую текстуру во время нанесения. Он нетоксичен и идеально подходит как для начинающих, так и для опытных акварелистов. Благодаря сертификации ACMI, гарантирующей, что все цвета панелей безопасны для ваших художественных сессий.

КУПИТЬ

Последнее слово

Что вы думаете об акварели? С кем вы черпаете вдохновение? У вас есть вопросы или вы хотите чем-то поделиться с нами? Пожалуйста, оставьте нам сообщение, и мы свяжемся с вами в ближайшее время!

— Реклама —

Современные художники-акварелисты, которым стоит следовать

Angie Kordic
Увлеченный искусством, частый гость выставок, специалист по фотографии Widewalls и главный редактор.
Знаете ли вы, что одно из самых известных произведений искусства в мире — это АКВАРЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО? Он восходит к 1502 году и был создан немецким художником Альбрехтом Дюрером. Молодой Заяц содержится в Альбертине в Вене, и только недавно я написал о том, что его нельзя выставлять на обозрение так часто из-за его редкости. Правда в том, что АКВАРЕЛИ довольно чувствительны, а также являются одними из старейших медиумов и произведений искусства в мире, берущим свое начало от наскальных рисунков палеолитической Европы.После рисования это, пожалуй, самый распространенный и «самый простой» метод создания, с точки зрения того, что вам нужно для этого — поддерживающая основа, обычно бумага, кисть, краски и, конечно же, вода.

Как признанная форма искусства, акварель начала свой путь в эпоху Возрождения, оставаясь существующей на протяжении последующих веков. Сегодня мы знаем об известных акварельных работах великих художников, таких как Уильям Блейк, Дж. М. У. Например, Тернер, Джеймс Уистлер, Джон Сингер Сарджент, Пол Клее, Джорджия О’Киф и Эдвард Хоппер.Эта форма ЖИВОПИСИ нашла свое отражение и в авангардных движениях, таких как неоэкспрессионизм, в творчестве Франческо Клементе, Герхарда Рихтера, Эрика Фишля и Ансельма Кифера и других. С развитием характеристик среды акварели стали такими же прочными и красочными, как масляные или акриловые краски, и многие современные художники продолжают практиковать искусство как основное или одно из своих увлечений.

Акварель: Картины современных художников — это место, где вы найдете портфолио более 20 лучших художников-акварелистов со всех уголков мира, многие из которых также включены в наш список ниже! Акварель штурмом берет мир искусства, моды и домашнего декора.С профилями художников, информативной историей СМИ и вдохновляющим предисловием Суджана Рима DailyCandy, это руководство к прекрасной революции. От ярких визуальных журналов Дэнни Грегори и Фабриса Муаро до модных портретов Саманты Хан и Вирджинии Джонсон и инди-арта Джейн Маунт и Бекки Штадтландер — Акварель потрясающе демонстрирует живописное мастерство.

7 известных художников-акварелистов, о которых вы должны знать

Акварельная живопись — отличительная среда и одна из самых доступных форм искусства.В конце концов, многие из нас выросли, создавая акварельные рисунки на школьных уроках рисования. Хотя это может быть доступно и визуально восхитительно, этим видом искусства, безусловно, нелегко овладеть.

Акварельная живопись, известная своей врожденной тонкостью и тонкостью, имеет богатую историю. Корни акварельной живописи можно найти в палеолитической Европе, но она приобрела известность в средние века. Один из самых ранних примеров акварелей как изобразительного искусства был замечен в величественной росписи Сикстинской капеллы.Потолок этой знаменитой часовни в Ватикане был расписан выдающимся художником Микеланджело между 1508 и 1512 годами и до сих пор считается его лучшей работой.

На протяжении всей истории было несколько удивительных художников-акварелистов, чьи работы сделали эту среду популярной. В то время как акварельная живопись изначально использовалась в основном для рисования по мокрой штукатурке, работы влиятельных художников помогли превратить платформу в искусство, которое могло отображать мощные, потрясающие изображения при нанесении на бумагу.Чтобы полностью понять очарование акварельной живописи сегодня, мы должны оглянуться на некоторых из самых популярных художников-акварелистов на протяжении всей истории. Их работы и сегодня продолжают вдохновлять начинающих художников.

1. Джон Сингер Сарджент (1856–1925)

«Сиеста гондольеров», 1904 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

В то время как Джон Сингер Сарджент прославился своими самобытными портретами, акварельные работы отражали другой оттенок талантливого художника.Его масляные портреты были созданы с особой тщательностью, на их темном и грандиозном фоне присутствовали приглушенные цвета. Однако его акварельные картины были гораздо более расслабленными, и Сарджент использовал в них свободные и яркие мазки. Многие его акварельные картины изображали пейзажи, которые он посетил, и выглядели эстетично с их простыми и игривыми оттенками. Изображения кораблей и берега были регулярной чертой его картин, выполненных в ярких, светлых или темных тонах, что резко контрастировало с его масляными портретами, которые были четко переданы.В целом акварельные работы Сарджента можно узнать по крупным цветным формам с темными, но простыми акцентами. Они также показали невероятный контроль и точность художника.

«Грязные аллигаторы», 1917 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

2. Уинслоу Гомер (1836 — 1910)

«Мальчики в Дори», 1873 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

« Вы увидите, в будущем я буду жить своей акварелью .Так однажды сказал Уинслоу Гомер одному из своих дилеров. Тогда никто не предвидел, что его слова сбудутся. В свои лучшие годы Гомер считался величайшим художником-маринистом Америки. Однако художник-самоучка стал мастером акварели.

«Три девушки-рыбаки», 1881 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Гомер начал серию акварелей в 1881 году, основанную на его опыте пребывания в прибрежной рыбацкой деревне Каллеркоутс, Англия, в течение двух лет.Он предпочитал сосредотачиваться на старом стиле в большинстве своих акварельных картин, где он плавно изображал сцены из повседневной жизни простых людей. Гомер специализировался на рисовании идиллических, тихих сцен с детьми и женщинами, занятыми своими повседневными делами. В акварелях Гомера была трезвая и благородная простота, которая выделяла их и делала его одним из лучших художников в этой области.

«Гольфстрим», 1899 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

3.Джон Джеймс Одюбон (1785 — 1851)

Изображение рябчика в книге Джона Джеймса Одюбона «Птицы Америки». (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Джон Джеймс Одюбон наиболее известен благодаря книге « Птицы Америки », которая до сих пор считается одной из лучших когда-либо выпущенных книг по орнитологии. В новаторской книге представлена ​​серия из 435 великолепных акварельных картин в натуральную величину, раскрашенных вручную, изображающих лучшую орнитологическую фауну Америки.Хотя он не был обученным натуралистом, любовь Одюбона к птицам подтолкнула его к совершенствованию своего искусства. Во многих отношениях его новаторская книга положила начало практике натуралистических изображений в акварельных формах. Птицы Америки до сих пор считаются «вехой в естественной истории девятнадцатого века».

Колпица розовая из птиц Америки (1827 г.). (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Отличительной чертой картин Одюбона были замысловатые детали предметов.Интересно, что он использовал систему проводов и булавок, чтобы привести каждый образец в естественную позу, а затем продолжил рисовать их на бумаге. На выставке его работ в Нью-Йоркском историческом обществе в 2014 году аннотация гласила: « акварели обладают поразительной непосредственностью и свежестью, которые подчеркивают его гениальность в соединении естествознания и искусства, а также уважение к окружающей среде. ».

Красношеей поганка из птиц Америки (1827 г.). (Источник изображения — Wikimedia Commons)

4.Томас Моран (1837-1926)

«Йеллоустонский каньон», 1902 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Томас Моран был известен своими блестящими пейзажными акварельными красками. Его неземные картины Йеллоустонского национального парка, в частности, вызвали высокую оценку. Фактически, именно его блестящие изображения гейзеров, водопадов и горячих источников этого региона в 1870-х годах убедили Конгресс США официально создать первый национальный парк страны и назвать его Йеллоустонским в 1892 году.

«Большой каньон Йеллоустона», 1872 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Моран проявлял большой интерес к исследованиям дикой природы, которые он перевел на акварели в своей студии. Его основной целью было передать непередаваемый свет и захватывающую дух красоту различных ландшафтов страны. Некоторые из других выдающихся акварельных работ Морана включают яркие панорамы Гранд-Каньона и национального парка Йосемити. Эти картины стали настолько популярными, что изображения американского пейзажа XIX века стали синонимами работ Томаса Морана.

«Москитная тропа», 1874 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

5. Реджинальд Марш (1898 — 1954)

«Локомотив», 1932 год. (Источник изображения — My Modern Met)

Реджинальд Марш был наиболее известен своими картинами повседневной жизни Нью-Йорка 1930-40-х годов. В его работах регулярно фигурировали паровозы, лодки, бурлеск-шоу, Кони-Айленд, Бауэри, кинотеатры и безработные.Кони-Айленд, в частности, был его любимым убежищем, и Марш проводил там часы, внимательно наблюдая за повседневной жизнью на улицах, пляжах и в общественном транспорте и заполняя свой альбом зарисовок людей в разных позах.

«Буксиры, Нью-Йорк», 1938 год. (Источник изображения — My Modern Met)

Марш работал иллюстратором в The Daily News в Нью-Йорке в 1920-х годах, и именно здесь он понял, что может превратить сюжеты своих рисунков в искусство.« Акварель, которую я взял и хорошо освоил, без введения », — однажды сказал он.

Картины

Марша имели уникальный и полностью реализованный стиль. Хотя он также писал яичной темперой, маслом и тушью, наибольшее признание получили его акварельные работы.

«Разгрузка почты», 1936 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

6. J.M.W. Тернер (1775 — 1851)

«Нант с острова Фейдо», 1829-1830 гг. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

В период расцвета Джозеф Мэллорд Уильям Тернер считался одним из самых выдающихся британских художников. За шесть десятилетий своей выдающейся карьеры Тернер своими работами оказал большое влияние на общественное мнение о пейзаже и акварельной живописи. В свое время он был одним из первых, кто расширил вклад света, цвета и цветового ключа в живопись. Свободными мазками и яркими цветами Тернер шокировал своих современников, представив художественный стиль, который не был распространен в те дни.Некоторые из его лучших работ включали великолепные изображения штормов и атмосферных, повествовательных пейзажей. Его привлекали пейзажи, особенно там, где земля встречается с водой. Прекрасные эффекты, вызванные светом и погодой, во многом вдохновили его картины.

«Гавань Грейт-Ярмут, Норфолк», 1840 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Возвышенные изображения Венеции также широко используются в работах Тернера. Но более чем точные изображения венецианской сцены, художник попытался передать дух этого места.Однажды он сказал: « Моя задача — рисовать то, что я вижу, а не то, что я знаю, есть ».

Тернер также любил отображать литературу, мифологию и историю в своих произведениях. Он настолько преуспел в своем искусстве, что на пике своей карьеры был признан одаренным топографическим акварелистом.

7. Уильям Блейк (1757–1827)

«Жалость», 1795 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Он более известен как один из величайших поэтов английского языка.Однако Уильям Блейк был также дальновидным художником, который часто публиковал свои собственные книги с раскрашенными вручную иллюстрациями. В свои 20 лет он семь лет учился у гравера и довольно хорошо овладел искусством гравировки текстов. Но вскоре он увлекся акварельной живописью и овладел техникой, получившей название «фреска». По сути, это была монотипная печать, когда Блейк сначала рисовал на плоской поверхности, а затем наносил ее на бумагу. Затем он заполнял каждую из них отдельно чернилами, чтобы каждое изображение было различимо.

«Сатана, поражающий Иова язвой», 1826 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

Глубоко религиозный человек, Блейк вдохновлялся религиозными и мифическими историями, и эти темы часто были ясны в темах его картин. Фактически, многие его акварельные работы были основаны на «Божественной комедии » Данте Алигьери. Аспекты Микеланджело и искусства маньеризма также отчетливо видны в произведениях Блейка.

«Ночь радости Энитармона», 1795 г. (Источник изображения — Wikimedia Commons)

5 влиятельных женщин-акварелистов — американская акварель

МЭРИ КАССАТТ (американка, 1844-1926)

Портрет художника (1878 г .; акварель, гуашь на плетеной бумаге, наложенной на древесно-целлюлозную бумагу желтого цвета, 23 5/8 x 16 3/16 дюйма) Мэри Кассат

Мэри Кассат провела свою взрослую жизнь во Франции, где она стала неотъемлемой частью группы импрессионистов. Кассат родилась в богатой семье, которая сначала протестовала против своего желания стать художником.В конце концов, она бросила художественную школу после того, как ее расстроило отдельное отношение к студенткам — они не могли использовать живые модели и им пришлось рисовать по слепкам.

Переехав в Париж в возрасте 22 лет, Кассат пошла на частное ученичество и в свободное время копировала картины старых мастеров в Лувре. Карьера Кассат уже начала развиваться, когда она присоединилась к импрессионистам и на всю жизнь подружилась с Дега. В то же время она откровенно высказывала свое недовольство формальной системой искусства, которая, по ее мнению, требовала от художников-женщин флирта или дружбы с покровителями-мужчинами, чтобы двигаться вперед.Она создала свой собственный карьерный путь с импрессионистами, создавая работы, в которых часто подчеркиваются женщины, выполняющие обязанности смотрителей. На протяжении всей своей жизни Кассат продолжала поддерживать равенство женщин, даже участвуя в выставке в поддержку избирательного права женщин.

Кассат написала этот автопортрет, один из двух известных, через год после того, как Эдгар Дега пригласил ее на выставку с импрессионистами. Его влияние проявляется в необычном темно-зеленом фоне, внимании к контрастирующим дополнительным цветам и смелой и непринужденной асимметричной позе фигуры.Луизин Элдер (позже миссис Х.О. Хавмейер), молодая американская студентка-искусствовед, с которой Кассат познакомилась в Париже в 1874 году, приобрела эту работу к 1879 году. Хавмейер станет большим другом Кассат и американским покровителем, пожертвовав большую часть своей коллекции импрессионистов Музею искусств Метрополитен.

BERTHE MORISOT (французский, Бурж 1841–1895)

Женщина, сидящая на скамейке на авеню дю Буа (1885 г .; акварель по следам графита, 7 7/8 x 11 дюймов), автор Берта Моризо

Берта Моризо, считающаяся одной из великих женщин-импрессионисток, имела искусство, пронизывающее ее вены.Она родилась в аристократической французской семье и была внучатой ​​племянницей знаменитого художника в стиле рококо Жана-Оноре Фрагонара. Сначала она выставляла свои работы в уважаемом Парижском салоне, а затем присоединилась к первой выставке импрессионистов с Моне, Сезанном, Ренуаром и Дега. У Моризо особенно близкие отношения с Эдуардом Мане, который написал несколько ее портретов, и в конце концов она вышла замуж за его брата.

Ее искусство часто было сосредоточено на домашних сценах, и она предпочитала работать пастелью, акварелью и углем.Работая в основном в небольших масштабах, ее легкие и воздушные работы часто критиковались как слишком «женственные». Моризо написала в своем дневнике о том, как ее боролись за то, чтобы к ней относились серьезно как к художнице, заявив: «Я не думаю, что когда-либо был мужчина, который относился бы к женщине как к равному, и это все, о чем я бы попросил, потому что я знаю, что стою столько же, сколько они ».

ДЖОРДЖИЯ О’КИФФ (американка, 1887–1986 гг.)

«Восход солнца и маленькие облака» (1916, акварель) Джорджии О’Киф

Джорджия О’Кифф, будучи авангардистом американского модернизма, является одной из самых знаменитых женщин-художников в истории.Ее ранние рисунки и картины привели к смелым экспериментам с абстракцией, когда она сосредоточилась на живописи, чтобы выразить свои чувства, открывая эру «искусства ради искусства». При жизни ее карьера была связана с ее мужем Альфредом Штиглицем. В то время как известный фотограф поддерживал идеи о том, что американское искусство может быть равным европейскому и что художницы могут создавать искусство столь же мощное, как и мужчины, он также препятствовал интерпретации ее работ.

Штиглиц рассматривал творчество как выражение сексуальности, и эти мысли, вкупе с его интимными портретами О’Киф, выдвинули идею о том, что ее изображения цветов крупным планом были метафорой женских гениталий.Это концепция, которую художница всегда отрицала, хотя ее работы, несомненно, чувственны. О’Кифф провела большую часть своей карьеры, борясь с интерпретацией своего искусства исключительно как отражения ее пола. На протяжении всей своей жизни она отказывалась участвовать в женских художественных выставках, желая, чтобы ее определяли просто как художницу, свободную от пола.

FIDELIA BRIDGES (американская, 1834-1923)

Ирисы вдоль реки (до 1923 года, акварель на бумаге на доске, 9 1/2 x 24 3/4 дюйма) от Фиделии Бриджес

Фиделия Бриджес была одной из немногих женщин, сделавших успешную карьеру в искусстве в конце XIX века. известен тонко детализированными картинами, на которых запечатлены цветы, растения и птицы в их естественной среде обитания.Хотя она начинала как художник маслом, позже она приобрела репутацию эксперта в акварельной живописи. Она была единственной женщиной среди семи художников в первые годы существования Американского общества акварелистов. Некоторые из ее работ были опубликованы в виде иллюстраций в книгах и журналах, а также на поздравительных открытках.

КЕЙТ ГРИНАВЭЙ (Великобритания, 1846–1901)

Женщина и ребенок (1883, графит с элементами акварели, 4 1/8 x 3 7/8 дюйма) Кейт Гринуэй

Кэтрин Гринуэй была английской викторианской художницей и писателем, известной своими детскими книжными иллюстрациями.Она получила образование в области графического дизайна и искусства в период с 1858 по 1871 год в Художественной школе Южного Кенсингтона, Королевской женской школе искусств и Школе изящных искусств Слейда. Она начала свою карьеру с дизайна для растущего рынка праздничных открыток, с производства рождественских и валентинских открыток. В 1879 году гравер и печатник по дереву Эдмунд Эванс напечатал «Под окном», мгновенный бестселлер, который укрепил ее репутацию. Ее сотрудничество с Эвансом продолжалось на протяжении 1880-х и 1890-х годов.

Изображения детей в воображаемых костюмах 18-го века в стиле королевы Анны были чрезвычайно популярны в Англии и во всем мире, что породило стиль Кейт Гринуэй. Через несколько лет после публикации «Под окном» работы Гринуэя стали копировать в Англии, Германии и США.

Чтобы получить больше вдохновляющих историй, подобных этой, подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную электронную рассылку .

Черный клей и акварель Портреты Пикассо — Заинтересованный родитель

За последние несколько месяцев мы с дочерью много узнали об известных артистах.Они очаровали ее. На этой неделе она посещала художественный лагерь. В свой первый день она пришла домой с глиняным портретом Пикассо и много новых знаний о знаменитом художнике. В тот вечер она нарисовала несколько портретов, вдохновленных Пикассо. Они были чудесны. Ее рисунки вдохновили на создание этих портретов Пикассо.

* Заинтересованный родитель является участником программы Amazon Services LLC Associates, партнерской рекламной программы, предназначенной для предоставления сайтам средств зарабатывать рекламные сборы за счет рекламы и ссылок на Amazon.com. Кроме того, текстовые и графические ссылки в этом сообщении могут быть партнерскими / реферальными ссылками, что означает, что мы можем получить компенсацию, если вы совершите покупку после перехода по этим конкретным ссылкам * См. Политику полного раскрытия информации .

Мой друг по адресу I Heart Crafty Things познакомил меня с черным клеем арт , и мы с дочерью влюбились в него. Если вы еще не пробовали, я рекомендую попробовать. Это вызывает привыкание.

Что вам понадобится:

Акварельная бумага

Клей школьный

Краска акриловая черная

Акварельные краски

Карандаш

Направления:

Прежде всего, вам нужно приготовить клей, который представляет собой смесь черной акриловой краски и белого клея.Мы добавили столько краски, чтобы клей стал черным. Это было примерно 3 части клея и 1 часть краски, но поэкспериментируйте с ней, чтобы найти наилучшую консистенцию. Хорошо встряхните или размешайте клей.

Нарисуйте свой портрет, вдохновленный Пикассо, на лист акварельной бумаги. Нарисуйте форму головы и проведите линии, волнистые линии или зигзаги по центру лица. Добавьте проушины с каждой стороны разделителя. Сделайте глаза разной формы или размера или сделайте их неровными. В портретах Пикассо самое замечательное то, что вы можете быть настолько эксцентричным, насколько захотите.Получайте удовольствие от этого.

Моя пятилетняя дочь решила превратить своего отца в портрет Пикассо. Здесь она зарисовывает абстрактную версию своего отца.

Возьмите приготовленную бутылку с черным клеем. Убедитесь, что ваше сопло для клея чистое и на нем нет мусора. Выдавите клей по линиям вашего рисунка. Вы можете сначала потренироваться на клочке бумаги, чтобы проверить ход.

Когда вы закончите рисовать рисунок с помощью клея, отложите его для высыхания на ровной поверхности.Это может занять несколько часов.

После высыхания клея можно приступать к покраске.

Моя дочь была очень взволнована своим абстрактным портретом своего папы. Он тоже любил это.

Я тоже немного повеселился с этими портретами Пикассо. Хорошо, я очень повеселился. Это было здорово. Я так полюбил их, что сделал два.

Спасибо, что заглянули. Пожалуйста, подпишитесь на нас также на Facebook .

10 известных портретных картин из истории искусства

Картины — это не просто произведение искусства, которое хорошо выглядит, картина вызывает эмоции изнутри. Эмоции изливаются из души художника в его картину и трогают сердце зрителя. Среди различных типов картин, таких как пейзажи, абстрактные картины и т. Д., Портретная живопись является одним из самых популярных жанров в живописи, где основное внимание уделяется человеческому объекту.Лицо, выражения, внутренняя сущность и личность модели запечатлены художником.

Эти знаменитых портретных картин известны людям всех возрастов и культур, поскольку они представляют величайшее произведение искусства из когда-либо созданных, и они будут продолжать находить отклик в умах любителей искусства на протяжении многих веков. Вот некоторые из знаменитых портретных картин из истории искусств, созданных величайшими художниками всех времен.

Мона Лиза

• Автор: Леонардо да Винчи
• Год: 1503-1506
• Материал: Масло на панели из тополя
• Местонахождение: Лувр, Париж
• Период: итальянское Возрождение

Мона Лиза — это поясной портретный портрет итальянского художника Леонардо да Винчи , он начал работу над этим портретом в октябре 1503 года и оставил его незаконченным в 1516 году, потому что правая рука Леонардо да Винчи была парализована примерно в 1571 году.Картина Моны Лизы — одна из самых ценных картин в мире. Это картина года в стиле итальянского Возрождения , которая считается шедевром. Он также занесен в Книгу рекордов Гиннеса за самую высокую известную страховую оценку. Он описывается как самый известный, самый посещаемый, самый известный, самый популярный, самый пародируемый произведение искусства в мире. Картина написана маслом на белом панно из ломбардского тополя. Считается, что женщиной на картине является итальянская нобелевка Лиза Герардини, жена Франческо Дель Джокондо.Кажется, что женщины без бровей и ресниц следуют за зрителем, куда бы они ни пошли! В настоящее время картина является собственностью Французской Республики и постоянно экспонируется в Лувре в Париже .

Девушка с жемчужной сережкой

• Автор: Йоханнес Вермеер
• Год: 1665
• Тип: Tronie
• Материал: холст, масло
• Местонахождение: Музей Маурицхейс, Нидерланды
• Период: Золотой век Голландии

Девушка с жемчужной сережкой — это картина маслом Йоханнеса Вермеера , голландского художника Золотого века, 1665 год.Это самая известная работа Вермеера, на которой изображена молодая европейская женщина в экзотическом платье, восточном тюрбане и большой жемчужной серьге. Работа находится в музее Маурицхейс в Гааге . Картина изображает молодую женщину в темном неглубоком пространстве, привлекающем к себе внимание зрителя. Она поворачивает голову, смотрит через плечо и переводит взгляд зрителя на нее. Эта картина — не портрет, а образец голландского жанра под названием «Трони», голландский термин для обозначения персонажа или типа человека.Голландская публика признала его самой красивой картиной в Нидерландах. В 1999 году американская писательница Трейси Шевалье опубликовала одноименный роман, вдохновленный знаменитой картиной.

Портрет Адели Блох-Бауэр I

• Автор: Густав Климт
• Год: 1907
• Тип: Холст, масло, серебро, золото
• Расположение: Neue Galerie, Нью-Йорк
• Период: модерн

Эту картину еще называют «Дама в золоте».Это картина Густава Климта . На создание этой картины ушло три года с 1903 по 1907 год. Портрет был заказан мужем натурщицы, промышленником Фердинандом Блох-Бауэром. Он выполнен масляными красками и нанесен на холст сусальным серебром и золотом. В 1941 году картина была украдена нацистами и затем выставлена ​​в Osterreichische Galerie Belvedere . На портрете изображена Адель Блох-Бауэр, сидящая на золотом троне, в обтягивающем золотом платье треугольной формы.

Портрет Арнольфини

• Автор: Ян ван Эйк
• Год: 1434
• Материал: масляная краска
• Местонахождение: Национальная галерея, Лондон
• Период: Северное Возрождение

Портрет Джованни Арнольфини и его жены — картина маслом на дубовой панели, написанная Ян ван Эйком , ранним нидерландским художником в 1434 году. Это двойной портрет в полный рост, изображающий итальянского купца Джованни ди Николао Арнольфини. и его жена в их резиденции во фламандском городе Брюгге.Считается самой оригинальной картиной в западном искусстве с величайшими загадками. Пара стоит в прекрасно обставленной комнате, женщина кладет руку на левую руку мужчины, они одеты в тяжелые ткани и меха. Странное выпуклое зеркало на стене позади пары отражает всю сцену обратно на зрителя. Сияющие цвета подчеркивают реалистичность картины. Некоторые искусствоведы всю свою карьеру пытались расшифровать символы, руки и пару и считали это уникальной формой брачного контракта.В 1842 году картина была куплена Национальной галереей в Лондоне . Его красота, сложная иконография, богатые детали и использование зеркала делают его одним из лучших произведений истории искусства.

Герника

• Автор: Пабло Пикассо
• Год: 1937
• Материал: холст, масло
• Местонахождение: Музей королевы Софии, Испания
• Период: сюрреализм

Герника — это большая картина маслом 1937 года, написанная Пабло Пикассо , испанским художником.Это серая, черно-белая картина высотой 3,50 метра и шириной 7,76 метра. На нем изображены страдания людей и животных, причиненные насилием и хаосом. Эта самая известная картина Пикассо года считается одной из самых мощных антивоенных картин в истории. Герника была написана в его доме в Париже в ответ на бомбардировку Герники, городка в Стране Басков на севере Испании. После завершения работы над картиной она была выставлена ​​на испанской выставке на Парижской международной выставке 1937 года и выставлена ​​по всему миру, что привлекло внимание всего мира к гражданской войне в Испании.Герника была написана на холсте матовой краской для дома. Это произведение приобрело монументальный статус, напоминая о трагедиях войны и воплощая мир. По словам Патрисии Фейлинг, историка искусства, бык и лошадь являются важными персонажами в испанской культуре, и художник использовал этих персонажей, чтобы сыграть множество разных ролей.

Тайная вечеря

• Автор: Леонардо да Винчи
• Год: 1495-1498
• Средний: Темпера, левкас
• Расположение: монастырь Санта-Мария-делле-Грация, Милан
• Период: итальянское Возрождение

Тайная вечеря — это фреска конца 15 века, написанная Леонардо да Винчи между 1495 и 1498 годами для доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане.Он стал одним из самых влиятельных произведений искусства в истории. Картина представляет собой визуальную интерпретацию последней вечери Иисуса с его двенадцатью апостолами, когда Иисус открыл, что один из них предаст его, и реакцию каждого апостола с различной степенью гнева и шока, как это сказано в Евангелии от Иоанна. . Тайная вечеря — одна из самых знаковых картин, постоянно находящаяся в монастыре в Милане, Италия. Леонардо нарисовал сцену насухо на стене трапезной двойным слоем левкаса, смолы и мастики.Он отказался от традиционного метода фресковой росписи. Тайная вечеря — одна из самых известных картин в западном мире.

Поцелуй

• Автор: Густав Климт
• Год: 1907-1908
• Материал: холст, масло
• Местонахождение: Бельведерский музей, Вена
• Период: модерн

Поцелуй — картина маслом на холсте австрийского символиста Густава Климта .Это самое известное произведение искусства Климта , его мощное присутствие доносится от стены, как фигуры в натуральную величину, обернутые в золото. «Поцелуй» очаровывает зрителей с 1908 года мерцающими золотыми тонами, сентиментальной иконографией и стилизованными формами. Он был написан в 1907 и 1908 годах, в его светлый «Золотой период». В 1908 году он был выставлен под названием Liebespaar.

На картине изображены два лица и тела, обнимающие друг друга, скрытые за большим золотым плащом, который окружает пару, подтверждая бессмертие их любви.Мужская сила обозначена мощным слоем мужских черных и серых блоков и цветами женщины, отражающими образы женственности и материнства.

Мать Уистлера

• Автор: Джеймс Эбботт Макнил Уистлер
• Год: 1871
• Средний: Масляная краска
• Расположение: Лувр Абу-Даби
• Период: Реализм

Мать Уистлера широко известна как «Композиция в сером и черном №1 ’. Ее создал американский художник № Джеймс Эббот Макнил Уистлер № в 1871 году. На картине изображена мать Уистлера, Анна Макнил Уистлер. Размер картины 56,8 на 64,2 дюйма, почти в натуральную величину в рамке. Он был написан маслом на холсте и выставлен в специальной рамке, разработанной Уистлером. Знаменитая картина была представлена ​​во многих произведениях художественной литературы и поп-культуры, в том числе в фильмах. Он находится в Музее Орсе в Париже с тех пор, как в 1891 году его приобрело французское государство.

Американская готика

• Автор: Grant Wood
• Год: 1930
• Материал: биверборд, масло
• Местонахождение: Чикагский институт искусств
• Период: модернизм

Эта картина Гранта Вуда — одно из самых известных произведений 20 века, которое широко пародировалось в известной американской культуре. Модели на картине — сестра художника и дантист.На картине изображен фермер, стоящий рядом со своей дочерью, которую часто ошибочно принимают за его жену. На женщине фартук с колониальным принтом, мужчина держит вилы. Вилы соединены с красным амбаром с жестяной крышей на заднем плане картины.

Vertumnus, Арчимбольдо

• Автор: Джузеппе Арчимбольдо
• Год: 1590-1591
• Средний: Панельная живопись
• Место: Замок Скоклостер, Швеция
• Период: маньеризм, поздний ренессанс

Вертумн — это картина Джузеппе Арчимбольдо, художника-маньериста.Это портрет императора Священной Римской империи, Рудольфа II, переосмысленного как римского бога Метаморфоз в природе и жизни. Портрет создан из овощей, цветов и фруктов, которые символизируют изобилие Золотого века и совершенный баланс и гармонию с природой во времена правления Императора. Картина является самым известным произведением искусства Арчимбольдо.

Понравится ли девушке ее портрет, нарисованный в подарок?

Конечно, есть, но большинство подарков длятся всего пару дней или недель, прежде чем интерес пропадет.Однако всякий раз, когда получатель видит свой набросок, он испытывает те же эмоции, что и после первого просмотра своего эскиза.

Зачем дарить портреты из истории искусства?

Исторические картины определяются скорее предметом, чем художественным стилем. Они изображают момент в повествовательной истории, а не конкретный и статичный предмет, как на портрете.

Какие портреты из истории искусства самые лучшие?

«Мона Лиза», «Звездная ночь», «Девушка с жемчужным ухом», «Поцелуй» — одни из лучших портретных картин из истории искусства.

[показать модуль id = 129038]

Нравится:

Нравится Загрузка …

Новые «8-битные» акварельные картины, вдохновленные известными произведениями искусства и иконами поп-культуры Адама Листера

Изобразительное искусство

#картина #поп культура #Звездные войны #акварель

4 января 2016 г.

Кейт Серзпутовски

Бар в отеле Folies Bergere

Адам Листер (ранее здесь и здесь) воссоздает известные произведения искусства с помощью акварельных рисунков, которые выглядят так, как будто они были взяты непосредственно из Atari 1980-х годов.Модулированная техника делает каждое изображение футуристическим, даже если работа представляет собой переосмысление произведения Жоржа Сёра конца XIX века «Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат ».

Помимо воссоздания известных картин в этом почти кубистском стиле, Листер также пишет портреты известных поп-икон, более ранних работ, включая Попая и Дарта Вейдера. В сентябре этого года Листер провел персональную выставку в White Walls в Сан-Франциско под названием «Разъяснение.На выставке были представлены многие из его работ обычного размера, а также несколько миниатюрных картин, на которых изображены предметы, от досок «Монополия» до знаменитой тигровой акулы Дэмиена Херста, взвешенной в формальдегиде («. .

Вы можете просмотреть его печатные издания ограниченного тиража и новые выпуски на его веб-сайте здесь.

Великая волна, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Афинская школа, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Олимпия имени Мане

Дама с горностаем по да Винчи

La velata по Рафаэлю

bb8, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Боба Фетт и Дарт Вейдер, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Херст, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Монополия, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Папай, изображение предоставлено White Walls San Francisco

#картина #поп культура #Звездные войны #акварель

Имеют ли для вас значение такие рассказы и художники? Станьте колоссальным членом и поддержите независимые публикации в области искусства.Присоединяйтесь к сообществу читателей-единомышленников, увлеченных современным искусством, помогите поддержать нашу серию интервью, получите доступ к партнерским скидкам и многое другое. Присоединяйся сейчас!

.