Если вы мечтаете рисовать, но боитесь сделать первый шаг к своей мечте, попробуйте выполнить небольшой практикум.

Для начала – немного вдохновляющей теории. Я преподаю живопись студентам, детям, взрослым – всем желающим. Могу зарядить годовой курс с углубленным изучением рисунка и перспективы, могу преподать «курсик» на тему рисования чего–то конкретного. Например, цветов или пейзажа.

Дети сами принимают решение: решение рисовать или не рисовать. Их не заставишь, чаще наоборот. 
Источник фото: Рixabay

Знали бы мои профессора, чем я занимаюсь, их возмущению не было бы предела 🙂

Даже не возмущению, а молчаливому презрению: «Как так можно?! Что значит: «Курсик по рисованию пейзажа»? Можно только так, как мы вас учили, как учили нас – и никак иначе».

Сначала кубик, потом шар, потом натюрморт из простых предметов. Потом части лица, голова и только потом фигура. Одной только живописи натюрморта нужно уделить не меньше года, чтобы перейти к пейзажу. Акварелью тоже нужно заниматься не меньше года, чтобы перейти к маслу. Так учит нас старая школа, отработанная годами, десятилетиями, если не столетиями.

До конца доходят не все. Многие заканчивают институт и больше никогда не берутся за кисть. Ну так что же? Не всем дано. Тем более, сейчас в моду все больше входят новые веяния: дизайн, веб–дизайн – все туда идут. А старая школа забывается. Обидно, когда талантливый человек – и не художник, но рынок диктует свои условия.

Рынок диктует свое. Эта фраза из уст наших профессоров звучала безнадежно, как приговор. Так ли это плохо? Рынок – это люди. Их что-то цепляет, а что-то перестает быть актуальным. Может быть, стоит прислушаться: что же он диктует на самом деле? И обнулить настройки, перевернуть песочные часы, чтобы узреть клад под вековыми догмами.

Высокий уровень харьковской школы живописи не вызывает у меня сомнений. Но если попробовать оттолкнуться не от старых традиций, а от жажды человеческой души?

Я стала задумываться об этом, когда начала преподавать детям. Своих студентов я тоже называю детьми. Велика ли разница между ними? Тем не менее, она есть. Причем, не столько в возрасте, сколько в самой системе, которая предлагает детям одно, а студентам – другое.

Основные отличия

• С желанием ребенка рисовать нужно обращаться как с хрупким предметом. И чем сильнее желание, тем бережней нужно его нести. Не вести ребенка за собой, а ходить за ним. Это не значит, что учитель должен идти на поводу у ребенка. Просто он должен быть хвостом корабля, а не носом.
  Его задача заключается в том, чтобы ребенок удивлялся тому, что он может сделать, а не с пиететом смотрел на недосягаемого учителя, осознавая отделяющую их дистанцию. Ребенку не нужны звезды с неба, он сам хочет быть звездочкой.
  Студенту академическая школа предлагает именно ведение за собой. По другому и быть не может, потому что она транслирует многовековой опыт в весьма сжатые сроки, чтобы человеку не приходилось изобретать велосипед. Ни профессор, ни студент не хотят ждать, пока оно само дойдет. Как в школе учат формулы, открытые состоявшимися учеными, так и тут – студенту сообщают знание, открытое маститыми художниками.

• Дети занимаются рисованием как хобби. Они сами попросили родителей привести их в кружок рисования. Если им что–то не понравится, они просто расхотят заниматься в этом кружке.
  Студент выбрал рисование как профессию. Он «попал» на ближайшие пять лет и никуда от вас не денется (если его, не дай Бог, не выгоняет за неуспеваемость). Студента можно прессовать двойками, угрозами пересдачи и отчисления. Выбрав институт, учителей он уже не выбирает. Хорошо, если с этим повезет, но так бывает не всегда. Таким образом, вся ответственность за результат институтского обучения – только на нем.

Поэтому…

С детьми нянчатся не только из любви к ним, но и потому, что дети ежедневно сами принимают решение рисовать или не рисовать. Их не заставишь, чаще наоборот. Родитель видит, что его ребенок далек от Микеланджело, и опускает руки, не хочет возиться с «безнадежным». Даже коммерческая сторона вопроса не способна его мотивировать.
В искусстве, как в спорте: либо ты олимпийский чемпион, либо учитель физкультуры в школе. Либо ты Херст, Ротко или Бенкси, либо школьный учитель рисования. Золотая середина в нашем деле – не факт. Можно, конечно, заниматься росписями храмов, ресторанов и общественных зданий, иллюстрацией, графикой и портретами, но все эти искусства постепенно отписываются веку минувшему. Им на смену приходят высокие технологии, автоматически выдающие весьма достойные результаты. Значит, не стоит и вкладываться в ремесло, которое стоит на грани вымирания.
Студент может изменить это решение только с ущербом для себя. Он может бунтовать, но цена этого бунта – отсутствие высшего образования.

– Может быть, это правильно? – скажет кто–то. – Институт – это путевка во взрослую жизнь. Да, ответственность, стресс, но ведь в жизни почти всегда так. Взрослым быть еще труднее. Потом будет семья, дети, придется брать ответственность не только за себя, но и за них.

Конечно, все так. Но до каких пор мы будем отождествлять опыт с количеством синяков? Не затем ли человечество эволюционировало, чтобы нашим детям не пришлось изобретать колесо? Может быть, взрослея, мы по этой причине боимся признаться в своем незнании каких-то вопросов?

Зачастую, когда нужно нарисовать что нибудь простое, схему проезда или фасон платья, мы первым делом начинаем оправдываться: мол, я не художник, последний раз рисовал в школе, и оценки у меня были не очень. Однако, подсчитывая сдачу в магазине, мы не переживаем, что мы – не математики. И школьные оценки не дают продавцу права обсчитать нас. Когда мы учим уроки с детьми, не говорим: я – не учитель. Когда готовим еду, не говорим: я – не повар. Почему же так страшно рисовать?

Потому что рисование – это всегда личное. Ошибиться в математическом примере тоже неприятно, но рисование – это всегда автопортрет. Человек понимает, что нарисованное им дерево – его собственное. Он сам – это дерево, и несовершенство рисунка его пугает.

В этом случае главным показателем профессионализма педагога должна быть эмпатия. В  традиционной системе образования ставка делается на дисциплину. Она тоже важна, но надо  правильно расставить приоритеты. Дисциплина не должна становиться самоцелью. Она может быть полезной для достижения результата, но по возможности лучше заменить ее на личную мотивацию.

Не существует жестких требований «как надо рисовать». Рынок не жалует вниманием Шишкина, Айвазовского и сюжетные картины вроде «Бурлаки на Волге» или «Сватовство майора», написанные тем способом, которому нас учат в институтах.

Современный художник выражается не в технике. Владение ею сделает вам честь, но она вторична. Куда важнее смотреть на мир так, будто живешь однажды. Видеть в нем парадоксы и делиться впечатлениями.

Не обязательно ограничивать себя плоскостью бумаги, можно выходить за рамки – делать декупажи, аппликации, оригами, лепить скульптуры, рисовать мультики, устраивать акции. В конце концов, писать сценарии. Все тоже самое можно делать на холсте.

Процитировать в Твиттере

Рисование – это не штрихование, это жизнь в отдельно взятой двухмерной плоскости.

Для художника НЕ обязательно:

• рисовать кувшин;
• с раннего детства ходить в художественную студию;
• заканчивать художественный институт;
• родиться в семье художников;
• рисовать каждый день, ни дня без строчки;
• быть странным;
• пить, курить, питаться кофе, не спать по ночам и вести богемный образ жизни.

Чтобы стать художником, важно делать следующее:

• не бойтесь, просто начните;
• интересуйтесь творчеством и биографиями успешных художников, но не сравнивайте себя с ними;
• знайте, что рисовать умеют все, кто имеет желание;
• ничего не происходит по взмаху волшебной палочки, талант нужно взращивать, как росток, который лишь спустя годы превращается в могучее дерево;
• даже росток прекрасен;
• не ставьте себя в зависимость от мнения зевак – в отличие от вас, они даже не попробовали;
• рисуйте для себя, а не ради чужой похвалы;
• учитесь, берите мастер–классы, экспериментируйте, фиксируйте приобретенный опыт и не останавливайтесь на достигнутом.

Как выбрать учителя?

Помню ироничное утверждение наших профессоров: «Вкус нужно прививать насильственно». Я и сейчас готова с ним согласиться. Знаете, почему? Потому что плохое всегда легче выбрать. Оно всегда под рукой.

Легче написать или нарисовать что–то вульгарное и примитивное, чем что–то со вкусом. Скульптор должен отсечь от мраморной глыбы все лишнее, чтобы «достать» оттуда скульптуру. Перед художником – белый лист, и он должен себя ограничить, чтобы не нарисовать лишнего.

Бумага не все стерпит. Нужно определиться с рисунком и композицией, расставить смысловые приоритеты, определить камертоны светов, теней и цветовой палитры. И только после этого приступать к работе.

Только в процессе постижения ремесла можно обнаружить талант. Это как в музыке: никто не узнает есть ли у тебя музыкальный слух, если ты не поешь и не играешь.

Искусство учителя в том, чтобы преподнести материал тем способом, который позволит взять из него хорошее. И как же я ликую, когда мои ученицы просят своих родителей, Деда Мороза и св. Николая дарить им краски на День рожденья, на Новый год и на Рождество!

Кстати, о некоторых новых художественных материалах я узнаю только от своих студентов. И при этом не боюсь признать, что я чего–то не знаю. Мы все чего–то не знаем, затем мы и нужны друг другу.

Продолжение

Прошли те времена, когда учитель = авторитет, а ученик = последователь. Эффективное обучение возможно только во взаимодействии. Я постоянно видоизменяю курс, прислушиваюсь к своим студентам и формирую продолжение курса, принимая во внимание их отзывы.

Это не означает идти на поводу у аудитории и удовлетворять ее капризы. Это значит, давать те знания, которые дадут плоды. Не всегда плодами является победа на живописном конкурсе. Иногда это необходимая релаксация, поиски ответов не только живописных, но и психологических.

Вот отзывы некоторых моих учеников:

***
Если я не уверена, что сделаю что–то отлично, я не делаю это вовсе. Знаю заранее, что не умею рисовать, а еще знаю, что мой рисунок никто не увидит и не осудит и прочее. Значит, я могу отбросить все свои страхи и комплексы и сделать как получится – это знание будто освобождает меня.

***
Рисование  – это единственное занятие, во время которого я не думаю ни о чем, кроме процесса. Голова отдыхает от больных мыслей, будто выздоравливаешь.

***
Процесс раскрашивания как будто вводит в транс, и ты, сфокусировавшись на какой–то пришедшей в голову мысли, сама того не осознавая, находишь ответ. Или начинаешь по–другому смотреть на что–то. Можно параллельно слушать какую–то лекцию – так она хорошо воспринимается и запоминается.

Процесс раскрашивания – каким презренным считался он в наших профессиональных кругах. В детской студии не поощрялись «разукрашки», потому что это не творчество.

В институте, на занятиях станковой живописью, раскрашивание было ругательным словом. Нужно было, чтобы читалась форма, было внимание к освещению, глубокие тени, сияющие блики и звенящие рефлексы. Декоративный (плоский) подход считался лубочным и низкопробным.

Может быть, с точки зрения реалистической живописи, так оно и есть. Отчасти, я даже согласна с тем, что детям лучше рисовать от себя, чем копировать мультипликационных героев, но нельзя же мерить все одной меркой.

Это пример академической живописи (бумага, акварель 40/50).

Это более декоративный подход:

Это пастель, но то же самое можно выполнить и акварелью, и маслом. Может быть, натюрморт с чайником более правильный, но в этой работе больше настроения.

Человек, который любит разукрашивать, талантливо и усидчиво выполнит перегородчатую эмаль, финифть, аппликацию, декупаж и декоративную роспись. Художников-примитивистов и мастеров народных помыслов тоже можно уличить в страсти к разукрашиванию.

Человеку, любящему плоские изображения легче развить в себе графика, чем живописца. Что в этом плохого? И это я перечислила только профессиональные выходы данного стиля. А где же психологические – спросите вы? А вот!

Декоративный подход проще реалистичного, он не может не получиться. Изобилие народных промыслов у всех национальностей доказывает: для такого подхода не нужно специальное образования – это медитация. Ты настраиваешься на определенный ритм и планомерно рисуешь орнамент. Иногда очень важно сделать что–то такое, что на сто процентов получится. Когда ты сам о себе можешь сказать: «Я могу! Я умею!»

Порой мы сталкиваемся с проигрышными ситуациями, которые заставляют нас фиксировать поражения. Бывают периоды, когда поражения следуют одно за другим, воспитывая в нас комплекс неудачника. Какое–то время мы им сопротивляемся, потом стараемся смириться и умерить ожидания. Потом и вовсе учимся ожидать худшего, ошибочно полагая, что таким способом защитим себя от разочарований.

Хорошо, если получится умерить ожидания от жизни. Плохо, когда мы снижаем планку ожиданий от себя и говорим: «У меня все равно не получится, не стоит и браться».

Здесь нам на помощь приходит искусство маленьких шагов: нарисовать птичку, цветочек или пейзажик. Ты делаешь это впервые в жизни, еще не придумав уровень соответствия и планку, ниже которой не опускаются. Значит, твой результат превзойдет твои ожидания. И это не будет иметь никакого отношения к твоему бизнесу или проблемам с окружающими.

Процитировать в Твиттере

Творчество – твое автономное пространство. Твоя альтернативная реальность, из которой ты выходишь с новым дыханием.

Один мой наставник говорил: «Сначала ты делаешь картину, а потом картина делает тебя». Это утверждение на сто процентов правильное. И я предлагаю вам попробовать это на себе.

Облака и одуванчики

Предлагаю поэкспериментировать с акварелью и понять, на какие эффекты она способна. Акварель наиболее доступна из профессиональных живописных техник. Тем более, что для пробы пера нам понадобится всего лишь две краски, лист акварельной бумаги, кисть для акварели и капля шампуня, разведенная в ста граммах воды.

Смачиваем водой приклеенный/приколотый к планшету лист акварельной бумаги. Выбираем любой понравившийся цвет. Я выберу синий или зеленый. Выкрашиваем его акварелью так, чтобы сверху был более светлый цвет, сгущающийся к низу. Должна получиться растяжка от светлого к темному. Используем только один цвет. В светлые оттенки добавляем больше воды, в темные – меньше.

Как закончили, берем чистую сухую кисть или отжимаем от воды ту, которой только что пользовались. Макаем ее в шампунь и капаем на наш лист. Заметили эффект? Сделайте несколько таких капель.

Теперь немного посыпьте солью в некоторых местах. Дождитесь, пока бумага высохнет. Смахните соль. Смотрите, что получилось!

На что это похоже? Может быть, это похоже на облака или облетающие одуванчики? Если увидели облака, можете дорисовать в них птичек. Тогда все остальные тоже увидят облака на вашем рисунке. Если увидели одуванчики, дорисуйте им стебли и травинки, тогда одуванчики на листе увидите не только вы.

Такого эффекта не добьешься кистью. Его качество зависит от концентрации шампуня, которую вы можете регулировать. Теперь вы знаете при помощи какого эффекта можно нарисовать фейерверк, пух, свечение, размытие, мех.

Можете попробовать капнуть на мокрую акварель каплю спирта при помощи пипетки или кисточки. Спирт тоже создает свой неповторимый эффект. На что это похоже? Луна? Звезда? Медуза?

Пейзаж с рекой и лесом

Язык акварели – это метафоры. Помните?

Луга мутило жаром лиловатым,
В лесу клубился кафедральный мрак.
Что оставалось в мире целовать им?
Он весь был их, как воск на пальцах мяк.
Борис Пастернак

Сразу чувствуется палящий зной, стоящий на лугах. Прохлада, которая окутывает тебя, когда попадаешь в лес. «В лесу клубился кафедральный мрак» – и мы сразу представляем себе лучи солнца, пробивающиеся в храм из окон под куполом, в них клубится пыль.

Текли лучи. Текли жуки с отливом,
Стекло стрекоз сновало по щекам.
Был полон лес мерцаньем кропотливым,
Как под щипцами у часовщика.

А ведь можно было бы написать так: «Была страшная жара, солнце жгло луговую траву. В лесу было прохладней, солнце пробивалось сквозь листву лучами, в которых летала пыль. Всюду стрекотали насекомые». Это вполне правдивое описание, но непонятно – зачем оно? В нем нет отношения автора к происходящему. Нет интерпретации.

Я хочу показать вам, как метафора может быть применена в живописи. Например, мы говорим: «стена леса», «стекло реки» или «полоса неба». Стена возвышается, стекло блестит, полоса виднеется, именно эти слова являются ключевыми. Чтобы показать стену леса, не нужно прорисовывать в нем все деревья с ветками и листьями. Чтобы показать блеск стекла, не нужно использовать блестки.

Здесь я предложу использовать синие цвета. Пусть это будет голубой и темно–синий. Из материалов, кроме необходимых, нам понадобится шампунь и две кисти: одна для шампуня, другая для акварели. Их не следует мыть в одной банке.

Смачиваем водой верхние 2/3 бумаги. Вверху рисуем светло–голубым полоску неба, затем берем темно–синий и густо закрашиваем им более широкую полосу до того места, где мы закончили смачивать бумагу. Это и будет стена леса.

Подбираем отжатой от воды кистью капли акварели, чтобы они не засохли, и капаем небольшую капельку шампуня на пересечение неба и леса. Это будет солнце, заходящее за эту стену. Еще пару крошечных капелек мы ставим внутри синей полосы. Это солнце, которое пробивается сквозь гущу леса.

Чтобы шампунь не стекал, планшет можно на время положить горизонтально. Чистой, отжатой от воды кистью, протираем облака в небе, придаем им силуэт.

Тем временем вода и шампунь немного размыли нам верхушку леса. В этих местах мы тонкой кисточкой рисуем верхушки деревьев, не более трех или пяти. Пусть это будут ели. В этот момент становиться понятно, что это именно лес, а не просто выкраска. А голубая полоска над ним – не что иное как небо. Размытия – это солнце и облака. Верхушки елей стали тем условным обозначением, которое наполнило смыслом нашу картину.

Теперь светло–синим цветом проводим полосу под лесом. Потом ниже еще одну, более светлую полосу. На полосе под лесом рисуем домик, который превращает полосу в берег. На нижней полосе рисуем лодку с лодочником, которая превращает полосу в реку.

На берегу реки можно нарисовать камыши и их отражение в воде. У лодки тоже есть отражение. Рябь можно изобразить горизонтальными штрихами. Отражения на воде сделают реку блестящей.

Вы можете взять большой лист и большой планшет и экспериментировать с отражением: лес и солнце тоже могут отражаться в воде, а технически это все те же полосы, штрихи и шампунь.

Можно добавлять другие цвета, можно размывать границу леса и неба шампунем. Аккуратность и твердость рук придут с опытом.

Саморазвитие #рисование 

Ознакомьтесь с этими секретами для создания убедительных отражений на воде

Вода — один из самых востребованных сюжетов в живописи. В этом мини-уроке вы узнаете ценные советы по рисованию отражений на воде.

Тип воды

Вы можете найти несколько состояний воды в природе, которые важно учитывать при планировании пейзажной картины:

• Тихая вода (часто встречается в прудах и небольших озерах при отсутствии ветра)
• Вода движется лениво (наиболее подходит для картин, когда требуются отражения от воды)
• Водная рябь с повышенной подвижностью (часто встречается в реках и ручьях)
• Вода настолько нарушена, что невозможно увидеть отражения (большие водоемы, такие как озера и морские пейзажи в ветреный день)

Если вода не бежит по спуску, то ветер мешает ей, создавая разнообразные отражения и отклонения, перечисленные выше.

Слева: Ветер не влияет на эту неподвижную воду. Справа: Вода движется в медленном движении.

Многие профессиональные художники изображают лениво движущуюся воду (вверху справа). Вы часто увидите это на картинах с озерами. Художники стараются избегать зеркального эффекта стоячей воды, потому что она слишком сильно конкурирует с другими областями произведения искусства. Обратите внимание, что формы не разбиваются примерно на две трети пути вниз. Этот эффект разрушения очень приятен, если с ним не перестараться.

Эта вода так взволнована, что не видно отражений.

Ссылка на фотографию выше будет немного скучной на картине, потому что многие квадратные дюймы повторяют одну и ту же визуальную информацию. Рисовать воду в этой обстановке не удастся в большинстве картин, если не используются специальные эффекты, такие как блестящий солнечный свет, падающий на часть поверхности воды, или добавление визуального интереса, например, лодки.

Правила рисования отражений на воде

Вы можете увидеть, как эти принципы применяются к этой картине Струнного озера.

• Все, что темно на суше, будет светлее в воде.
• Все, что светится на суше, темнее в воде.
• Цвета становятся менее насыщенными при отражении от воды. Даже белый цвет нужно будет затемнить в воде.
• Детали опущены. Требуются только основные цветные пятна.
• Избегайте отражения от воды всех твердых кромок.
• Поскольку вода плотнее воздуха, она поглощает свет. Поэтому не повторяйте одно и то же значение неба в отражениях воды.Вода почти всегда будет темнее, чем небо, которое она отражает.

Хотите больше советов по рисованию водой? Посмотрите мой видео-мастер-класс «Все основы рисования воды». Вы также можете зарегистрироваться на мои онлайн-курсы по искусству и ознакомиться с прошлыми курсами здесь.

Как рисовать отражения в акварели шаг за шагом

Нарисовать акварельные пейзажи с отражениями на воде довольно легко. Это забавный предмет для рисования, и он играет одну из самых сильных сторон акварели.Рыхлая, спонтанная влажная живопись.

В этом посте я шаг за шагом продемонстрирую, как рисовать отражения акварелью с демонстрацией сцены, в которой деревья и листва отражаются в спокойных водах мягко текущей реки.

Этот вид живописи отлично подходит для начинающих. Можно получить отличный результат за несколько попыток, это не требует от вас сверхчеловеческих навыков рисования, и это прекрасный способ изучить технику «мокро-мокрое».

Список материалов

Краски

Я связался с тем, где вы можете купить краски и другие художественные материалы, которые я использовал, на Amazon .

Церулеан синий: Winsor & Newto n | Дэниел Смит
Ультрамарин синий: Winsor & Newton | Дэниел Смит
Сырая Сиена: Винзор и Ньютон | Дэниел Смит
Прусский синий: Винзор и Ньютон | Дэниэл Смит
Кадмий желтый: Винзор и Ньютон | Дэниел Смит
Ализарин Багровый: Винзор и Ньютон | Дэниел Смит
Диоксазин Пурпурный: Винзор и Ньютон | Daniel Smith

Кисти

Winsor & Newton No. 6 Круглая бамбуковая кисть (отлично подходит для листвы) Купить на Amazon
Кисть Swordliner (для тонких веток деревьев и т. Д.) Купить на Amazon
Плоская кисть для мытья 1 ″ Купить на Amazon

Бумага

Arches Блок бумаги для акварели, холодный пресс, 9 ″ x 12 ″, 140 фунтов Купить на Amazon

Разное

Малярная лента Easy Release Painters Купить на Amazon
Pebeo Нож для рисования Купить на Amazon
Палитра акварели Купить на Amazon

Щелкните здесь, чтобы увидеть полный список рекомендуемых мной расходных материалов .

Шаг 1. Фоновые деревья и небо

При рисовании мокрым по мокрому особенно важно наклонять бумагу под углом примерно 30 градусов. Это гарантирует, что цвет течет в предсказуемом направлении, хотя половина удовольствия от этой техники заключается в том, что результаты никогда не будут полностью предсказуемыми.

Я начал с верхней половины листа, рисуя смыв из чистой воды плоской кистью хорошего размера и продвигаясь вниз до линии, где листва пересекается с краем озера.

Сначала я нарисую фон. Мокрый в мокрый. т.е. рисование мокрой краской на мокрой бумаге. Это означает, что нужно работать довольно быстро, поскольку бумага должна быть блестящей влажной, а не только влажной. Чтобы ускорить работу, у меня уже есть начальные цвета, смешанные и готовые к работе.

Я использую бамбуковую кисть для 90% этой картины. Распущенные волоски бамбуковой кисти идеально подходят для рисования рыхлой неровной листвы. Я мог бы также использовать хек. Я считаю, что круглая кисть слишком упругая и аккуратная.Вы можете перетащить круглую кисть в сторону, чтобы получить более грубый след кисти, но все равно придется немного потрудиться, чтобы получить неровности, которые предлагает бамбуковая кисть.

Я хочу предложить туманные осенние деревья на заднем плане. Итак, после того, как я взял кисть и слегка вымылся в бледном небе с несколькими мазками Cerulean Blue, я собираюсь быстро очистить кисть и нарисовать деревья, используя Raw Sienna для красивого золотисто-желтого и фиолетового (Ultramarine и Alizarin Crimson, вы можно просто использовать предварительно смешанный цвет для пробирок, например, диоксазин фиолетовый).

Поскольку желтый и фиолетовый являются дополнительными цветами, они, как правило, очень хорошо сочетаются друг с другом в картине (подробнее об этом см. Этот пост).

Шаг 2: Рисование переднего плана

Важно дать фону полностью высохнуть перед тем, как рисовать передний план. Потому что деревья на переднем плане будут рисоваться мокрым по сухому. Мокрое по сухому создает мазки с жесткими краями, которые красиво контрастируют с мягким туманным фоном.

Зеленый цвет может быть проблемой.Смешивание зелени вручную обычно дает более естественный цвет, чем использование предварительно смешанной зелени прямо из тюбика. Мне также нравится делать большую часть смешивания на бумаге, а не на моей палитре, чтобы создать пестрый оттенок зеленого, содержащий множество оттенков и тонов.

Процесс выглядит следующим образом. Я помещаю на свою палитру соседние капли кадмия-желтого, ультрамарина, берлинской лазурной и жженой умбры и обрызгиваю их чистой водой из бутылки с туманом. Я просто окунаю кисть в желтый цвет и рисую на бумаге, затем перехожу от одного цвета к другому и позволяю им смешиваться и свободно смешиваться.

Как только деревья переднего плана были готовы. Я взял свой мастихин / малярный нож и поскреб несколько тонких веток. При этом очень важен выбор времени, а также консистенция краски.

Если краска слишком мокрая или слишком тонкая, соскобленная область просто заполнится, оставив темную полосу. На самом деле моя краска была немного тоньше и влажнее, чем должна была быть, но мне это почти сошло с рук.

В акварельной живописи много таких моментов, иногда они идут вам на пользу, а иногда нет!

Я нарисовал несколько тонких веток деревьев кистью Swordliner, которая идеально подходит для этого. Многие художники использовали бы вместо этого риггер. Я предпочитаю Swordliner, но подойдет то, что вам больше всего подходит.

Шаг 3: Рисуем отражения

Это самое интересное! Когда все высохло. Я намочил нижнюю половину бумаги и начал рисовать отражение дерева на переднем плане, добавив зелень бамбуковой кистью.

Когда отражение на переднем плане было закрашено, но пока бумага была еще влажной, я добавил немного пурпурной и сырой сиены и позволил ей растянуться.

Я снова взял подкладку для меча и притащил ее, как намек на ветви деревьев.

Последним штрихом было окунуть плоскую кисть в чистую воду. Высушите его на чистой ткани, чтобы он оставался влажным, но не мокрым. Проведите плоским краем кисти по бумаге и выделите несколько цветных полос. Это создает впечатление небольшого волнения на поверхности воды.

Надеюсь, вы нашли это руководство полезным. Попробуйте!

Посмотреть видео на YouTube