Хуаняо-хуа (花鳥画, «картины цветов и птиц») – жанр китайской живописи, предметом которого являются цветы и птицы.

Хуаняо-хуа (花鳥画, «картины цветов и птиц») – жанр китайской живописи, предметом которого являются цветы и птицы. (Японской живописи в жанре «цветы и птицы» посвящена отдельная статья: «Цветы и птицы (катёга)».)

Белые розыМа Юань. «Белые розы»
Дворец Музей (Императорский Музей Гугун). Пекин

Согласно китайской традиции, жанр «цветы и птицы» имеет расширенное обозначение — «цветы, птицы, рыбы и насекомые» (花鳥魚蟲画), то есть охватывает широкий спектр природных тем (предметов) живописи, включая деревья, растения, цветы, рыб, насекомых, птиц, домашних животных (собак, кошек) и т.д.

Олени и обезьяныНеизвестный художник. «Олени и обезьяны». Южная Сун
Музей искусств Метрополитэн

Зарождение жанра «хуаняо / катёга» произошло в Китае позже прочих основных жанров, хотя изображения птиц встречаются на самых ранних сохранившихся китайских рисунках периода Сражающихся царств, на глиняной и бронзовой посуде и на изделиях из камня.

Растения в изобразительном искусстве встречаются ещё раньше — в конце периода Хань, однако они явно были заимствованы с Запада и распространялись довольно медленно. Постепенно изображения цветов стали ближе к реальной китайской флоре, и под влиянием китайской поэтической традиции художники начали передавать образы и настроение через цветы и птиц. Так, зимородки символизировали благородство, а сосна — уединение.

Серебряно-позолоченный кувшинСеребряно-позолоченный кувшин
Династия Тан (618–907)

С периода Шести династий до династии Тан в Китае хуаняо стал выделяться в самостоятельный жанр светской живописи. Известно множество несохранившихся изображений периода владычества династии Суй — «Мэйхуа и трясогузка», «Голуби и груша», «Цапля и пруд с цветами лотоса», относящихся к этому жанру. Первыми художниками, прославившимися изображением птиц, стали Сюэ Цзи (薛稷, 645-713) и Биань Луань (辺鸞), жившие в конце VIII – начале IX веков. Множество пионеров хуаняо жили на юге Китая, на территории нынешней провинции Сычуань.

К сожалению, образцы живописи хуаняо династий Суи и Тан не сохранились. Остались лишь письменные свидетельства художников и живописцев того времени об этих работах.

Серебряный кубок для винаСеребряный кубок, декорированный в жанре хуаняо
Династия Тан (618–907)

Взлёт популярности хуаняо пришёлся на период пяти династий (первая половина X века) и связан с именами художников Хуан Цюань (哳㥳, ок. 900 – 965) и Сюй Си (徐熙, 937-975). Их часто называют основателями жанра хуаняо, так как работы Сюэ Цзи и Биань Луаня до наших дней не дошли. Несомненно одно: Хуан Цюань и Сюй Си были непревзойдёнными мастерами жанра «цветы и птицы» и сформировали два его основных течения. Живописец при императорском дворе, Хуан Цюань опирался на непосредственные наблюдения природы, для его творчества характерен «контурный» метод работы кистью с акцентом на яркие цвета, заполняющие тщательно очерченный контур (гунби).

Черепахи, птицы и насекомыеХуан Цюань. «Черепахи, птицы и насекомые»
Дворец Музей (Императорский Музей Гугун). Пекин

Сюй Си, который, как пишет историк и критик искусства XI века Го Жосюй, «предавался фантазии в сельской жизни», заложил другую стилистическую разновидность жанра – рисование размывами туши, когда объект воплощается во всей полноте за счёт изображения одного определяющего свойства. Поэтому в китайской эстетике стиль Цюаня получил название «сешэн» (буквально — «писать жизнь»), а стиль Си — «сеи» (то есть «писать идею»).

Бамбук в снегу | Пейзаж с птицамиСюй Си. «Бамбук в снегу» (слева)
Сюй Си. «Пейзаж с птицами» (справа)
Шанхайский музей Пионы | Два журавля и цветущая сливаСюй Си. «Благородство, роскошь, великолепие (Пионы)» (слева)
Сюй Си. «Два журавля и цветущая слива» (справа)
Музей императорского дворца. Тайбэй Цветы и бабочкиСюй Си. «Цветы и бабочки»
Шанхайский музей Стрекоза и стебель горохаСюй Си. «Стрекоза и стебель гороха»
Дворец Музей (Императорский Музей Гугун). Пекин

В дальнейшем манера Сюй Си сеи распространилась благодаря успеху эстетики Сюй Вэя и Чэнь Даофу. Одним из сунских представителей сеи был Цуй Бо. Более поздний сунский художник, Ван Шэнь, писал как бамбук и простые монохромные пейзажи, так и монументальные красочные пейзажные картины.

Воробьи зимойЦуй Бо. «Воробьи зимой»
Дворец Музей (Императорский Музей Гугун). Пекин Заяц и куропатки | Чайка и бамбукЦуй Бо. «Заяц и куропатки» (слева)
Цуй Бо. «Чайка и бамбук» (справа)
Музей императорского дворца. Тайбэй Мушмула и павлин | Цапля и пионыЦуй Бо. «Мушмула и павлин» (слева)
Цуй Бо. «Цапля и пионы» (справа)
Музей императорского дворца. Тайбэй | Частная коллекция Двенадцать растений и стихи Сюй Вэй. «Двенадцать растений и стихи»
Галерея искусств Фрир. Вашингтон

Также среди мастеров этого времени называют Чжао Чана, работавшего в Сычуани. В целом считалось, что удачная картина-хуаняо выражает столь же много, сколько большой пейзаж, но делает это посредством ограниченного количества элементов. Художники стремились постичь «дао» природы и её саму. Поэт и каллиграф Сыкун Ту писал: «Природа немая, мёртвая для других и красноречивая для идеального поэта».

Цветущая ветка абрикосаЧжао Чан. «Цветущая ветка абрикоса»
Дворец Музей (Императорский Музей Гугун). Пекин ПтицаЧжао Чан. «Птица»
Британский Музей Бамбук и бабочки | ПионыЧжао Чан. «Бамбук и бабочки» (слева)
Чжао Чан. «Пионы» (справа)
Токийский национальный музей | Агенство императорского дома (Япония)

Популярность данного жанра увеличил, в числе прочего, подъём неоконфуцианства, содержание и характер которого удачно совпали с «цветами и птицами», а также тот факт, что интеллектуалы традиционно ассоциировали себя с «учёными» птицами, а не с «сильными» зверями.

Бабочки, кузнечик и водяные растенияЧжао Чан. «Бабочки, кузнечик и водяные растения» (фрагмент)
Дворец Музей (Императорский Музей Гугун). Пекин Жёлтые розы и пчёлы, розовые розы и осыЧжао Чан. «Розовые розы и осы» (вверху)
Чжао Чан. «Жёлтые розы и пчёлы» (внизу)
Музей искусств Метрополитэн

В период Сун (X—XIII века) происходит расцвет пейзажной живописи и живописи «цветов и птиц», усиливается литературное влияние на них. В жанре хуаняо работали известные художники Академии Художеств династии Сун: император Хуэй-цзун (徽宗), Лянь Чжон (李安忠) и Ли Ди (李廸). Выдающимся примером служит картина Хуэй-цзуна «Ветка персика и голубь».

Цветущая ветка персика и голубьХуэй-цзун. «Цветущая ветка персика и голубь»
Художественный музей Уолтерса. Балтимор Попугай на цветущей ветке абрикосаХуэй-цзун. «Длиннохвостый попугай на цветущей ветке абрикоса»
Бостонский музей изящных искусств Зяблики и бамбукХуэй-цзун. «Зяблики и бамбук»
Музей искусств Метрополитэн

Сунских художников привлекала крупная форма, они создавали на горизонтальных свитках огромные многометровые произведения, однако многие пейзажисты также обращались к «малой форме» — хуаняо. Так, Ма Юань и Ся Гуй, работавшие в разных формах, обобщили в своих картинах тщательные наблюдения за природой, сделанные их предшественниками.

Скалистый берег, цветущая слива и дикие уткиМа Юань. «Скалистый берег, цветущая слива и дикие утки»
Дворец Музей (Императорский Музей Гугун). Пекин Обезьяна, качающаяся на веткеСя Гуй. «Обезьяна, качающаяся на ветке»
Художественный музей Кливленда

С другой стороны, среди художников южнокитайского «литературного» стиля и чаньских художников дальнейшее развитие получила монохромная живопись тушью (суйбокуга). Сохранилось несколько образцов суйбокуга в жанре «цветы и птицы», приписываемых Му Ци (牧谿).

Сорока на ветке Ивы | Ласточка и лотосМу Ци. 13 век
«Сорока на ветке Ивы» (слева) | «Ласточка и лотос» (справа)
Художественный музей Кливленда Журавль | ОбезьяныМу Ци. «Журавль». «Обезьяны»
Монастырь Дайтокудзи. Киото

Однако более популярным предметом для художников суйбокуга, работавших в жанре «цветы и птицы», были орхидеи и бамбук. Во времена династии Юань известным мастером монохромных орхидей был Сюэ-Чжуан Пу-мин.

ОрхидеяСюэ-Чжуан Пу-мин. «Орхидея»
Музей Михо. Префектура Сига

 Крупнейшими юаньскими пейзажистами, обращавшимися к

хуаняо, были Чжао Мэнфу, У Чжэнь, Ли Кань, Ни Цзань и Гу Ань.

Удод и бамбукЧжао Мэнфу. «Удод и бамбук»
Шанхайский музей

Мода на хуаняо не сходит ещё долго: в период Мин (XIV—XVII столетия) он продолжал оставаться одним из излюбленных жанров. Количество художников и школ в Китае в это время необычайно выросло. Выдающимся представителем жанра «цветы и птицы» династии Мин был Люй Цзи (呂紀; приблизительно 1439 — 1505 гг.)

Ястреб и сорока | Белая цапля и орёлЛюй Цзи. «Ястреб и сорока» (слева)
Люй Цзи. «Белая цапля, орёл, и падающие цветки лотоса» (справа)
Дворец Музей (Императорский Музей Гугун). Пекин Абрикос и павлины | Цапли и гибискусЛюй Цзи. «Цветущий абрикос и павлины» (слева)
Люй Цзи. «Осенние цапли и гибискус» (справа)
Музей императорского дворца. Тайбэй Хризантемы и горные птицы | Утки-мандаринки и мальвыЛюй Цзи. «Кассия, хризантемы и горные птицы» (слева)
Люй Цзи. «Утки-мандаринки и мальвы» (справа)
Дворец Музей (Императорский Музей Гугун) | Музей искусств Метрополитэн Олени и горный потокНеизвестный художник. «Олени и горный поток». династия Мин
Музей искусств Метрополитэн

Период Цин (XVII—XIX век) стал временем, когда внимание теоретиков китайской живописи было обращено на композицию и технику реалистичного изображения тончайших элементов пейзажа. Несмотря на это, если в работах художника не было вдохновения, а лишь только техническое совершенство, то его считали мастером категории «нэн», самой низкой из четырёх (кит. 逸神妙能). В хуаняо этого времени главенствовал принцип рисования с натуры («сешэн»).

ПионыЮнь Шоупин. «Пионы»
Музей императорского дворца. Тайбэй

Юнь Шоупин, живший в XVII веке на юге Китая, оставил множество изображений мэйхуа и лотосов, он многократно обращался к одним и тем же сюжетам, интерпретируя их и стремясь передать различные способы увидеть красоту природы. Чжу Да начал осовременивать стагнировавшие образы, привнося в них новые композиционные приёмы и даже элемент гротеска; минимальными средствами он создавал ощущение трепетной недоговорённости.

Творившее в XVIII веке объединение «Восемь чудаков из Янчжоу» породило новое направление в живописи.

Птицы на веткеЧжу Да. «Птицы на ветке»
Фонд Сэнъоку Хакукокан

Во второй половине XIX и начале XX века жанр «цветы и птицы» стал пристанищем консерваторов, не желавших отступать от канонов. Новые веяния появились в произведениях Чэнь Шицзэна, У Чаншо, Жэнь Боняня. Яркие картины Чэнь Шицзэна производят свежее впечатление, так как средневековые писались в приглушённых тёплых тонах. Эти новые художники применяли европейскую линейную перспективу и расширили круг изображаемых предметов; в творчестве более поздних авторов явно заметно их влияние. Крупным мастером жанра, жившим в XX веке, был Ци Байши.

Птицы на цветущем кусте розЖэнь Бонянь. «Птицы на цветущем кусте роз»
Музей искусств Метрополитэн

Японской живописи в жанре «цветы и птицы» посвещена отдельная статья: Цветы и птицы (катёга).

 

Приглашаем на урок по суми-э: что нужно знать о японской живописи тушью

Олеся Ахмеджанова

Суми-э или японская живопись тушью — это медитативная техника рисования, которая дарит мудрость и раскрывает нашу индивидуальность. Сюжеты тут полны смысла, цвета тщательно подобраны, а каждый взмах кистью имеет значение. Выбрали несколько важных фактов, которые нужно знать о суми-э.

Белое пространство

Суми-э — японская живопись тушью

Белое пространство — составной элемент живописи тушью. Это не «излишек бумаги», остающийся, когда тема исчерпана, а важная часть картины. Белые плоскости живут своей жизнью и имеют глубину.

Источник

Представим, что полевой цветок тронул ваше сердце своей жизненной силой и вы наносите тушью сияющие мазки, напитанные вашей энергией. Тогда этот полевой цветок на вашей картине начинает дышать. А белое пространство наполняется его дыханием — как и в природе.

Птицы и цветы

В японской живописи тушью выделяют два жанра: «горы и воды» и «птицы и цветы».

Во второй группе тоже есть три главные темы: цветы, деревья и животные с птицами.

Иллюстрация из книги «Суми-э — японская живопись тушью»

Живопись всего этого направления основана на контрасте противоположностей: покой и движение, мягкость и жесткость. «Тишину» представляют цветы и деревья, «движение» — птицы и животные. Контраст между ними делает изображение живым.

Расплывшаяся тушь

Если на Западе расплывы туши как нечто неприятное, то в Японии же, напротив, видят в этом красоту. Это связано с влажным климатом в регионе — в тумане творения природы приобретают нежные, не слишком четкие очертания. Потому в Японии особенно любят изображать туманные ландшафты.

Источник

А ещё расплывы туши на бумаге у людей, живущих в Японии, вызывают ассоциацию с общим взглядом на жизнь: все преходяще, все течет и меняется.

Натюрморты

Слову «натюрморт» в Японии соответствуют два китайских иероглифа «тишина» и «предмет», и воспринимается это название как «композиция из предметов, которые лежат в тишине». Предметы на натюрмортах в живописи тушью должны выглядеть объемными, но при этом художник обходится без света и тени, которые мимолетны, изменчивы и преходящи. В натюрморте должны быть показаны предметы — без линии горизонта, без обозначенной поверхности стола и, главное, без выписанного заднего плана.

Иллюстрация из книги «Суми-э — японская живопись тушью»

Пространство натюрморта — космос, но художник не покоряет его, создавая пространство картины, скажем поверхность стола. Автор сам погружается в космос, проникая в плоскость картины. В мировом пространстве сливаются вечность и повседневность. Космос самодостаточен, самостоятелен, но не закрыт: он вокруг нас — в любом творении природы.

Пейзаж

В живописи тушью классический пейзаж занимает особое место. На японском языке пейзажи называются «сансуй-га» (что означает «картины гор и вод»). Они воплощали определенные идеи и служили примером почитания природы.

Иллюстрация из книги «Суми-э — японская живопись тушью»

Картина в стиле сансуй не просто изображает какие-то явления природы или передает личные впечатления автора — она реконструирует Вселенную через образы гор и вод.

Фудзи

Мотив Фудзи настолько популярен, что вновь и вновь повторяется в схожих формах. Сейчас он стал одним из символов Японии. Высота горы — 3776 метров, она самая высокая в стране. У нее неповторимо прекрасная правильная конусообразная форма с широким основанием. Из-за большой высоты вид Фудзи постоянно меняется — в зависимости от погоды, освещения и сезона.

Иллюстрация из книги «Суми-э — японская живопись тушью»

В современной японской эстетике Фудзи — символ прекрасного. А вместе с сосной, которая символизирует долгую жизнь, гора Фудзи считается и символом счастья.

Точки и пятнышки

Заметили, что в японской живописи часто на картинах присутствуют точки и пятнышки? Так вот они по-немецки называются «рисовые зернышки» или «моховые пятнышки».

Подобно линиям и плоскостям, это важный составной элемент живописи тушью.

• Если такие пятнышки сделаны влажной кистью на изображении камня, на скалах или на стволе дерева, они образуют темные влажные поверхности — как будто мох покрывает большие участки объекта.
• Если они разбросаны по одному — на скале или на стволе дерева, поверхность выглядит грубой и шероховатой.
• Плотно поставленные «моховые пятнышки» на переднем плане картины обычно изображают мох, на заднем плане, вдали, они могут смотреться как кусты или даже деревья.

Капельки туши позволяют изобразить древесную крону. Иногда эти точки и пятнышки позволяют создать акцент в пейзаже или украсить его. Они придают изображению живость, звучание и ритм. Иногда в них можно подмешать и цвет, например когда надо нарисовать кусты.

Источник

Начинающие художники часто ставят их не задумываясь, с полным безразличием. Но в один прекрасный момент они начинают прозревать и постигают смысл этих капелек. Ведь если каждая точка стоит в нужном месте и если их сделать ровно столько, сколько необходимо, выстроить в верном ритме и наполнить жизнью и энергией, то эффект будет потрясающий!

Цвет

В живописи тушью, на которую сильное влияние оказал дзен-буддизм, вместо цвета выступают различия в тонах туши. Мирская «пестрота», с ее красочностью, игнорируется. Однако, хотя китайские ортодоксы и утверждают, что нюансов черной туши на белой бумаге достаточно, чтобы изобразить любой цвет, люди всегда использовали краски.

Иллюстрация из книги «Суми-э — японская живопись тушью»

Если уж работать с красками, то картина должна стать еще красивее, чем при использовании одной только туши. Это значит, что цвет и черная тушь должны друг друга усиливать. И если лепестки хризантемы вы пишете желтым, то эти желтые лепестки по контрасту с черным должны сиять еще ярче, выглядеть более ароматными и прекрасными.

По материалам книги «Суми-э — японская живопись тушью».

Живопись :: Гохуа и каллиграфия :: Хуаняо («Цветы и птицы») :: Цветы и бабочка — Галерея «Синий Феникс»

Маргарита Грузинина «Цветы и бабочка»

Рисунок 25х25 см. Рамка 35х35см. Рисовая бумага «Крылья цикады», тушь, минеральные краски.
Печать «Снежинка» — авторская печать-подпись. Оформление: традиционная проклейка рисунка + сухая накатка + шёлк.
Деревянная тонированная рама. Обращаем ваше внимание, что почтой картина отправляется без рамы.

На рисунке цветущая веточка одного из деревьев Ботанического сада Санкт-Петербурга. Картина участвовала в выставке Ботанического сада Петра Великого.

Об авторе

Меня зовут Маргарита Грузинина.

Родилась и живу в любимом Санкт-Петербурге. По основной профессии — метеоролог.

Начала учиться рисовать в 2010 году (в свои 42 года) практически с нуля. Хотела рисовать… мангу.

Поэтому сначала были графика и акварель. Училась графике и акварели и на очных курсах для начинающих, и самостоятельно, и на онлайн-курсах в интернете.

Когда увлеклась и занималась японскими боевыми искусствами — учила японский язык, присматривалась к восточной живописи (и опять же к японским и китайским комиксам — очень нравились красивые персонажи рисованных историй).

А в 2013 попробовала учиться рисовать в стиле сеи на питерских курсах Виталия Близнецова, но мне свободная живопись давалась сложно, и ещё случилась травма запястья, операция, и некоторое время я совсем не могла рисовать…

Но интерес всё же не угас окончательно, и в 2016 я закупилась кисточками, красками и бумагой для гунби, нашла в интернете уроки Ли Сяомина и сама стала пробовать рисовать, но уже именно в реалистичном, неспешном и более притягательном для меня стиле гунби — вот это был просто восторг! Очень нравилось всё — от прозрачной поблёскивающей бумаги до самого процесса. И результат, конечно.

Мне очень повезло познакомиться со стилем могуфа на замечательном мастер-классе Юлии Наумовой — летом 2016 она приезжала в Питер. Я тогда смогла быть только на одном из двух дней интенсива, но стиль могуфа меня навсегда очаровал.

Потом ходила на мастер-классы гунби студии гохуа Надежды Емельяновой, в 2017 году прошла несколько курсов в московской Школе Восточной живописи, в том числе и по изображению людей — так давняя мечта научиться рисовать красивых восточных персонажей постепенно осуществилась.

Современная история развития суйбокуга в Японии

Суйбокуга с периода Мейдзи до наших дней (1868 г.- 21 век)

Все современное искусство Японии — это продолжение традиций прошлого. В каждом художнике, работающем с тушью, можно найти корни или буддистской школы, или ямато-э, или Кано, или нанга(Южной китайской школы) и т.д. Большинство художников настоящего времени конечно же эклетики( философская система сочетания различных положений, заимствованных из других философских систем), т е отсутствие одной конкретной школы, одного классического стиля, но сечетание многих стилей в одной работе.
Попадая под влияние других культур, художник не может оставаться в стороне от интернациональных идей и инноваторских приемов. Влияние извне всегда было основной частью японской культуры, японцы всегда улучшали заимствованное и придавали национальные черты, делая искусство более совершенным. Особенно соседство с Китаем и западное влияние давали глубину и силу живописи после долгой 2. 5 вековой изоляции страны. Как часть восточной культуры современная Япония как мост между древними традициями Китая и Индии и современным западным миром.
Начало эпохи Мейдзи характеризуется ярким разделением на японскую традиционную живопись нихонга и современную, заимствованную у запада, живопись йога.
Нихонга (日本画 日本 Япония + 画 картина), дословно японская картина, японский стиль рисования, т e стиль в соответствии с традиционными японскими правилами, техникой и материалами. Термин нихонга появился в эпоху Мейдзи чтобы отличить японскую живопись от западного стиля — йога (洋画), живопись маслом. Нихонга обычно выполняется кистью на васи (японской бумаге) или егину (шелк). Картина может быть монохромной (нецветной) с использованием только туши(суми) или цветной с использованием традиционных минеральных красок и даже золотых и серебряных листов.
Начиная с Мейджи эпохи достижения в живописи стали оцениваться организованными и спонсированными государством выставками. Если работы принимались к выставке, цены на картину взлетали за одну ночь в несколько раз. Приглашение на панель выставки для судейства было равносильно получению высокой должности. Чтобы получить награду и признание судей, многие художники стремились для выставок писать огромные монументальные полотна.
В то же время средства к сущестованию художники получали в основном через частные заказы на небольшие картины, здесь было больше свободы творчества. Большинство нихонга работ были небольшими по размеру, они зависели от установленных норм, чтобы сохранить репутацию стиля, они подходили не к большим залам, а небольшим комнатам и альковам

Томиока Тессай, Tomioka Tessai, 富岡 鉄斎 (1837 – 1924), последний из художников школы бундзинга. Стоял у истоков стиля нихонга. Родился в Киото. С детства он изучал японскую и китайскую литературу, конфуцианство, а также буддизм и поэзию.  
 В конце периода Эдо, из-за связей со сторонниками реставрации императорской власти, Томиока попал в опалу и бежал в Нагасаки, где он стал синтоистский священником. Он пользовался поддержкой буддийской монахини и поэтессы Отагаку Ренгецу, которая стала его другом и позволила открыть в своем доме школу живописи и писала хайку к его картинам. После 1882 года он оставил священство, вернулся в Киото и посвятил себя живописи. Несмотря на то, что западное искусство (йога) становится все более популярным, Томиока избежал влияния Запада. Он придерживался старых традиций в живописи и участвует в формировании движения национальных традиций нихонга
Тэссай работал почти во всех традиционных стилях: бундзинга, ямато-э, укиё, римпа, но выработал свою оригинальную манеру: сочетал размашистые мазки туши с яркими красками.
В своих картинах он часто обращается к религиозным образам, пытаясь объединить религиозные традиции: сочетая изображения буддийских бодхисатв с даосскими или конфуцианскими фигурами.
В 1907 году он был назначен официальным живописцем императора Мэйдзи, которому нравились его работы. Он также был назначен членом Императорской Академии художеств . Он был чрезвычайно плодовитым художником, и считается, что он нарисовал примерно 20000 картин, в ходе своей карьеры. Однажды он завершил 70 картин в течение одного дня.
«Два танцующих божества », 69 cm × 86 cм, Шелк, водяные краски нихонга, Tokyo National Museum. К теме священной горы Пэнлай (Horai-san) Тэссай возвращался на протяжении всей своей жизни. Возможно, это идеальный мир, который он наконец нашел. Стихотворение в картине «горы как Horai, люди, как отшельники», выражает чувства Тессая
«Празднование долголетия даосскими небожителиями», 545 x 1330 cм, Музей Искусств Адати (Япония)
«Священная Гора Пэнлай (обитель небожителей)», 580 x 508 см, шелк, тушь, водяные краски, Музей Искусств Адати (Япония)
«Весеннее утро», 129.5 х 50.8 см, тушь, краски, сатин, 1867г. Знаменитое своей красотой Западное озеро в Китае. Небрежные мазки, наивные и чарующие свойственны его ранним работам
«Прощальная вечеринка», 103.2 х 51.9 см, тушь, бумага, 1870г. Комический набросок характерен для раннего творчества художника в изображении фигур. Мазки выглядят неряшливо, но остроумно изображают друзей. Посвящение говорит, что шутки и пьянка приведут к меланхолии, когда они расстанутся с другом.

Цудзи Како, Tsuji Kakō, 都路 華杳 (1870 — 1931), учился живописи в Маруяма и Сидзё школах, позднее пробовал Кано, ямато-э, Ринпа и нанга, экспериментировал в стилях, сюжетах, в том числе религиозных, в начале 20 столетия много рисовал реалистических пейзажей с морем, волнами, его стиль менялся от картины к картине, был уникален среди художников Киото того времени. Как учитель Како поощрял своих учеников искать их собственный стиль, самым талантливым его учеником был Томита Кейсей, многие их работы сделаны совместно, они много экспериментировали в своём творчестве, всегда выделялись среди современников инноваторскими идеями, элементами в живописи. Участвовал ежегодно в проводимых выставках, не все его работы были поняты и оценены, судьи предпочитали установивишиеся нормы.
«Туманный лунный свет, пробивающийся через сосну», 127 х 41. 9 см, тушь, шелк, 1932г. Подобная, но большая картина была представлена на выставке и выиграла третий приз, после этого Како нарисовал картину меньшего размера, добавив слово туманная. Образ луны и сосны всегда был популярен у японцев, таким образом Како показывает уважение старым традициям, в то же время он показывает лунный свет совершенно новой техникой, естественность достигнута благодаря новым идеям работы с тушью и кистью, работа была признана уникальной.
«Доставка императорского послания», пара панелей, 111.8 х 24.9 см каждая, тушь, краски, шелк, 1902г, пример на историческую тему, рекишига «Повесть о доме Тайра», 13 век, главные герои — император Такакура; его жена императрица, дочь знатного Киёмори, лидера Тайра клана; низкого происходения придворная Кого, любовница императора Такакура; Минамото то Накакуни, верный слуга императора Такакура. Кого убегает из дворца, за ней послан Минамото то Накакуни, чтобы вернуть обратно. По возвращении Кого живет в секретных покоях дворца, у нее рождается дочь принцесса, Киёмори, отец законной императрицы узнает о случившемся, после этого Кого заставляют удалиться в монастырь.
В 1896г. мастер укиё-э Oгaтa Гeккo нарисовал подобный сюжет, но в другом японском стиле укиё-э.
«Горный водопад, 118.6 х 39 см, тушь, шелк, 1909г, горизонтальные мазки от светлых до темных передают горы и падающую воду.
«Старая криптомерия», 102.4 х 35.7 см, тушь, краска, золото на шелке, 1910г. Демонстрация нетипичного подхода, ветви дерева в лунном свете переданы незаметными размазанными с водой мазками туши, верхушка дерева покрыта размазанным с водой золотом. Сова немного добавляет юмора к сюжету.
«Берег реки в дождливый день», 103.5 х 121.6, тушь, бумага, 1920 г. Како много экспериментировал, работая тушью. Когда его спросили о разнице работы красками и тушью, он ответил, что когда он видит пейзаж, птиц или цветы, он чувствует потребность нарисовать это тушью, а порой красками. Художник должен следовать этому первому порыву, тогда результат будет замечательным. И добавил, что тушь выражает сильнее, чем краски, потому что тушь совершенна сама по себе. В данном пейзаже Како использует мокрую бумагу, размытую тушь для эффекта дождливого тумана.
«Следы заброшенного», размер неизвестен, пара 6 панельных картин, тушь, 1912г. Картина была представлена на выставку и вызвала много дискуссий. Покрытые снегом лодки. Члены жюри выставки разделились в своих мнениях, картина не отвечала принятым стандартам. Снег был нарисован совершенно незнакомой техникой. Художник был оригинален, это было отмечено, но никаких наград.
«Журавли», размер неизвестен, пара 6 панельных картин, 1914г. Картина была представлена на выставку, нарисована тушью на стандартный сюжет — птицы, но совершенно другими натуралистическими приемами. Фон картины нарисован золотой и серебряной красками, подчеркивающими небо и облака. Сочетание реализма в изображении птиц и декоративности украшения выиграло вторую премию.
«Белый дракон», 84.7 х 123.1 см, тушь, бумага, 1928г. Како продолжал свои эксперименты в живописи, в этой картине вместе с тушью он использовал алюминий, картина была закончена за месяц до его операции на рак желудка.

Томита Кэисэн, Tomita Keisen, 冨田溪仙 (1879 — 1936), один из самых замечательных художников своего поколения, ученик и последователь Цудзи Како, как и учитель использовал необычные композиции и нетрадиционные мазки. Умер, подорвав свое здоровье алкоголем.
«Демон», 64.4 х 33.2, тушь, бумага, сюжет и стиль основаны на живописи Оцу, местности недалеко от Киото, картины в этом стиле называются оцу-э, используются для разрисовывания сувениров, амулетов. Кейсен неоднократно использовал эти мотивы. Имидж Демона, одетого в буддистские одежды, считалось помогал детям, плачущим по ночам.

Хаями Гёсю, Hayami Gyoshuu, 速水御舟 (1894 — 1935). Родился в Токио, в четырнадцать лет поступил в Школу живописи, где научился основам традиционных стилей живописи: ямато-э, римпа, нанга. Его собственный стиль синтезирует японские техники, интерес к китайской живописи династии Сун и Юань и влияние западноевропейского искусства времен Северного Возрождения, которому было свойственно внимание к реалиям и точности деталей.
В 1914 году Гёсю образовал группу под названием Сэкёкай (Sekiyokai) для изучения новых стилей японской живописи. Ему ампутировали ногу после того, как он попал под поезд в 1919 году, но этот инцидент не повлиял на его художественное творчество. Он посвятил себя созданию живописных работ, участвовал в выставках. В 1930 году совершил турне по Европе. Картина «Лунная ночь над Римом» показывает его интерес к западному искусству.
Гёсю внезапно умер от брюшного тифа в 1935 году в возрасте 40 лет. Более 104 его картин находятся в музее Яматанэ в Токио.
Шедевр Гёсу «Танец Пламени» имеет статус национального достояния Японии.
К наиболее характерным его картинам относятся также нежный портрет ученицы гейши, сделанный с тщательной прорисовкой «Майко из Киото» и декоративная ширма «Камелия с опавшими цветами»

Фукуда Кододзин, Fukuda Kodojin, 福田古道人 (1865-1944), самоучка в стиле Южной китайской школы нанга, известен был под именем Харицу своими хайку, также рисовал цветы, растения, в последние 30 лет своей жизни под именем Кадодзин начал рисовать свои замечательные пейзажи, которые любил сопровождать стихами. Рисуя цветы, также сопровождал их китайскими строфами. Его композиции необычны и его мазки кисти нешаблонны. Эпоха Мейдзи была отмечена установившейся системой проводимых художественных выставок, где было принято выставлять большие полотна, некоторые художники, в том числе и Фукуда Кододзин, не признавали такие своеобразные состязания в творчестве, не выдвигали свои работы, наоборот они рисовали малого размера картины на частные заказы, которые подходили к небольшим комнатам и альковам. Их работы были успешны.
«Осенний пейзаж», 130.1 х 32.3 см, тушь, бумага, 1920г.
«Старое дерево, бамбук, камни», 144 х 26 см, тушь, краски, бумага, 1925г. Деревья и камни символизируют дух, характер, выдержанные временем испытания, которые так почитаемы в восточно-азиатских традициях. Контур сделан горизонатальными мокрыми точками.
«Два пейзажа с горными хребтами», правый называется Пейзаж тушью, 141.7 х 37.7 см, 1931г. Левый — Пезаж с горными пиками, 131.2 х 32.3 см, 1930г. Эксцентричность этих пейзажей напоминает о том времени, когда было много художников — самоучек, и хотя китайская живопись прославляла идеи дилетанства, непрофессионализма, все китайские художники или почти все владели кистью профессионально. В Японии наоборот многие и Фукуда в том числе уважали себя за простое, ‘непрофессиональное’, но энергичное использование кисти
«Пристанище в горах», 144.8 х 42.9 см, шелк, тушь, 1927г. Посвящение вверху картины гласит, что жизнь в горах подобна спонтанной поэзии. Автор использует круглые скопления точек для изображения гор и деревьев. Сюжет соответствует традиционному пейзажу, изображающему идеальное место для жизни.

Симомура Кандзан, Shimomura Kanzan 下村 観山 (1873 – 1930) — наследовал стили Римпа и Кано школ, а также буддисткий стиль, в карьере художника он знаменит за свои большие композиции, основанные на знаменитых людях и событиях в истории Японии и Китая. После двухлетней учебы в Лондоне он перенял западный стиль изображения людей.
«Хохлатая майна», 129.7 х 42 см, тушь, шелк, 1918г, птица в ветреную погоду среди бамбука.

Таномура Тёкуню, Tanomura Chokunyu (1814-1907), известен созданием больших серий картин, например 100 портретов Байсао в память о столетии смерти основателя чайной церемонии сентя в Японии. Комплект из 500 картин с изображением легендарной группы Раканов, учеников, последователей Будды. Таким образом он обычно собирал деньги на восстановление храмов, в поддержку академии художеств и т.д.
«Кансин Содзя», 108.6 х 28.8 см, тушь, краски, бумага, 1870г. Ракан Кансин Содзя, 169-ая картина из 500 в комплекте с изображением легендарной группы учеников, последователей Будды. Ракан-вегетарианец пытается поймать прыгающую рыбу.
«Три друга», 131.5 х 46.7 см, тушь и краски на шелковом сатине, 1902г. Три друга (классический сюжет сотикубай) — это сосна, бамбук и слива, самые почитаемые деревья в Японии. Сосна и бамбук вечнозеленые, а слива цветет зимой, таким образом они символизируют стойкость, выживание в тяжелых условиях.

Синтено Яманака, Shinten-o Yamanaka, 山中静逸 (1821-1885), яркая фигура в начале эпохи Мейдзи, поэт, каллиограф, художник, псевдоним альбатрос.
«Лягушка и лотос», 11.2 х 30.8 см, бумага, тушь, 1870г. Картина исполнена с юмором, нежный белый цветок лотоса притягивает внимание, и вдруг внизу под ним в поле зрение попадают выпуклые глаза лягушки

Мори Гэцудзё, Mori Getsujo, 森 月城 (1887-1961), oдин из самых знаменитых довоенных и послевоенных художников в стиле нихонга, с 1909 по 1942 г. 24 раза выставлялся на национальных выставках.
«Луна над рекой Камо», 102.4 х 35.7 см, тушь, краски, шелк, 1911г. Одно из популярных мест Киото, Понточо, вид ресторанчиков на западном берегу реки, в летнее время тут строятся платформы, где прогуливаются люди, уже наступила ночь, и никого нет на берегу.

Такеда Мокурай, Takeda Mokurai, 竹田 黙雷 (1854 — 1930), один из самых замечательных дзен буддистов и популярных дзенга мастеров начала 20 века.
«Дарума», Каннондзи храм, Киото. Бодхидха́рма или Дарума, буддистский монах, живший предположительно в 5-6 веке.

Кимура Конен, настоящее имя Каназава, Kimura Konen, 光年 木村 (1877 — ?), учился у Койти и Судзуки Сёнен, потому из уважения к наставникам взял по слогу у каждого для своего творческого псевдонима Конен, много совместных работ с Судзуки Сёнен. За свои композиции был прозван сегодняшним Шохаку. Его работы были популярны в коммерческих и политических кругах.
«Дракон и облака», 112 х 41. 6 см, тушь, золото, шелк, 1906г. Золотом, смешанным с тушью показаны спиралью скрученные облака

Хасимото Кайкан, Hashimoto Kaikan, 橋本 (1855 — 1935), из семьи художников, его отец, жена, сын, все были художнки, отличался грубыми, наивными мазками.
«Старое дерево», 163.8 х 51.9 см, тушь, краска, шелк, 1920г. Картина нарисована стремительными, как бы дилетантскими мазками в классическом стиле южной китайской школы.

Хасимото Кансэцу, Hashimoto Kasetsu, 橋本関雪 (1883–1945), сын Хасимото Кайкан, ученик Сейхо, впоследствии порвал с учителем и поклонялся китайской культуре и искусству, поддерживал милитаризм в Японии. Дважды был в Европе, но оставался верен классическому китайскому стилю.
«Туманный вечер на берегу реки», 52.6 х 53 см, тушь, немного краски, бумага, 1920г. Кансэцу был очарован китайскими пейзажами во время многочисленных посещений Китая. Четкие мазки чередуются с неясными, передающими размытую туманом атмосферу.
«Утро после дождя», 86. 1 х 101.7 см, тушь, краски, шёлк, 1937г. Был известен больше всего и достиг совершенства в изображении животных, которые получались живыми на его картинах. Некоторые животные, в том числе и обезьяны, которых он рисовал, жили в его усадьбе.

Киси Тикудо, Kishi Chikudō, 竹堂 岸 (1826 — 1897), работы Киси Тикудо в эпоху Мейдзи повлияли на развитие японской живописи, отступив от нанга, он использовал западные приемы, особенно рисунок с натуры, преспективу, низкий горизонт, рисовал пейзажи, птиц, цветы, фигуры, особенно хорошо изображал тигров.
«Цукигасе», 113.7 х 42.9 см, тушь, шелк, краски, 1880г. Цукигасе — название долины вдоль реки Набари, знаменитой красотой цветущей сливы. Многие художники и поэты воспевали красоту этого места ранней весной во время цветения сливы. Огромные вершины стоят по обе стороны реки, вдоль которой череда маленьких домиков, природа своей красотой и силой доминирует над людьми.

Мотидзуки Гёкусэн, Mochizuki Gyokusen (1834 -1913), из семьи потомственных художников, получил образование в нескольких классических стилях, очень талантливый и успешный уже в молодые годы, побеждал в национальных выставках, разработал свой собственный стиль.
«Дайгокуден», одна из 6 панельных экранов, 119.7 х 267 см, тушь, краски, золото, шелк, 1896г. В 1895 г. был 1100 летний юбилей Киото, по этому случаю был построен храм Хеньян дзингу на территории Дайгокуден. Это было центральным местом празднования еще несколько лет.

Ямамото Тикуун, Yamamoto Chikuun (1820-1888), был известным художником, знатоком во многих областях, вырезал печати для самых знаменитых художников, что делало его популярным, но характер его не отличался стабильностью, он утопился.
«Одинокая смелая сосна», 106.5 х 26 см, тушь, краски, бумага, 1887г. Два путиника смотрят на сосну, которая одиноко растет на вершине скалы, противостоя суровым ветрам.

Мурасе Таицу, Мurase Taiitsu (1804 — 1881), один из самых эксцентричных художников Мейдзи периода, развил свой собственный стиль рисования людей и животных, сочетающий простоту и юмор, приравнивающий его к Сенгай Гибону, мастеру дзенга эпохи Эдо. Таицу рисовал, как портреты великих людей, в том числе поэта Басё, так и исторические анекдоты про самураев и эротические сцены. Естественность и незамысловатость его сюжетов только помогала его успеху.
«Две черепахи», 107.5 х 41.5 см, тушь, бумага. Черепахи — одни из самых долгоживущих существ, потому их сюжет популярен не только в жизни, но и в живописи Восточной Азии. Голова, хвост, руки и ноги соединены желанием тишины и покоя, это и дает им долголетие.

Мори Кансай, Mori Kansai (1814 — 1894), был активным политиком, писал стихи, играл на музыкальных инструментах, был уважаем в кругах художников Киото. Картины его отличаются декоративностью, лиризмом, производят большое впечатление.
«Снег. Луна. Цветок.», три висячие панели на шелке, каждая 85.6 х 17.5 см, тушь, краска. В этом триптихе 3 сезона года окрестностей Киото — снегом покрытая гора в середине; осень на правой панели, Удзи река в тумане; весна на левой, район Арасияма западного Киото. Художник демонстрирует своей элегантной работой как прекрасную композицию, так и умелую работу кистью

Дерью, Deiryu, настоящее имя Kanshu Sojun (1895–1954), самый известный дзенга мастер своего времени. Будучи больным туберкулезом, Дерью был взят Дзен мастером Нантенбо в монастырь помощником, ученик и учитель много путешествовали по стране с лекциями. Путешествуя, Дерью практиковал каллиграфию, учился рисовать.
«Портрет Нантенбо», надпись сделана Нантенбо, 39.1 х 128.3 см, бумага, тушь, 1917г. Портрет учителя(80 лет), Дерью в это время было 30.
Левая картина самого Нантенбо, Nakahara Nantenbo ( 1839 — 1925), 141 х 31, тушь, бумага, 1910г. Посох Нантенбо, кторый он хранил в мешке, на мешке 12 сопровождающтх характеров имеют разное прочтение и толкование, на картине только 10 характеров, иероглифов.

Судзуки Сёнен, Suzuki Shonen, 鈴木松年 (1848 — 1918), Судзуки Сёнен называли «Сохаку сегодняшняго дня» в честь очень эксцентричного художника эпохи Эдо Сога Сохаку. смелость его подхода в живописи была очень популярна в Мейдзи эпоху. Свой стиль, умело работал с тонами туши, используя яркие черные контуры и широкую кисть хаке. Принимал участие во многих национальных художественных выставках, а также выставлялся за границей.
«Красная скала», 145. 2 х 56.8 см, тушь, краски, шелк, 1915г. Сюжет Красной скалы взят из истории битвы 208г., горящие лодки столкнулись с флотом противника, и пожар был настолько силен, что казалось горела скала, враг отступил. Это событие спустя тысячелетие и позже продолжало оставаться легендарным, отражаясь в поэзии и живописи. Скала получила название Красной.
«Два путника», 141.6 х 71.8 см, шелк, тушь, краска, 1912г. Прекрасный пейзаж, на котором величавые горы и высокие деревья. Посвящение вверху картины говорит о двух стариках, путешествующих по узкой дорожке в долине через горы.

Фудо Рицудзан, Fudo Ritsuzan, (1886-1975), работы Фудо не принимались на выставки, они были приняты и поняты только в кругу друзей, в предвоенный период все же дважды он был приглашен выставляться. Во время войны он продолжал активно рисовать для буддистских храмов на острове Авадзи, он участвовал в выставке в 1948г и больше никогда не участвовал в них. Ирония судьбы, что его ранние отвергнутые работы сейчас признаны самыми лучшими.
«Вечерняя прохлада», пара свитков, каждый 120 х 27.8 см, тушь, краска, шелк, 1924г. Известное место, центр Киото, река Камо около Сидзё моста. Летом река часто пересыхала, поэтому строились платформы и место использовалось для театральных представлений и карнавалов. Автор показывает романтичное прошлое этого места, нарядные кимоно, народ пьет и ест на платформах, поставленных поверх реки.

Оно Тиккё, Ono Chikkyo, (1889 — 1979), его творчество всю его жизнь воспевает красоту природы. Он восхищался работами своих предшественнкиов Икено Тайга, Ёса Бусон, Урагами Гёкудо, Томиока Тессай и в разные периоды творчества пытался следовать им, ища свой собственный стиль. В Тайсо период нихонга получила новое направление син нанга(новая нанга)
«Осень», 121.6 х 27.5 см, тушь, краски, шелк, нанга, идеальнальный пейзаж, очаровывающая красота

Кондо Койчиро, Kondo Koichiro (1884 — 1962), один из самых эксцентричных нихонга художников. Начинал учиться и был успешным в живописи маслом. Его работы были дважды приняты на выставку. В последующие 5 лет он становится знаменитым мастером манга, это позволяло ему содержать семью. В свободное время он начинает рисовать тушью. Практически каждый год он выдвигает свои работы тушью на выставки. Практически всю свою дальнейшую карьеру он использовал традиционную тушь суми, качественную китайскую бумагу, без красок, хотя в то время под влиянием западного стиля использование только черного цвета было рискованным. Койчиро критиковал художественные организации, что существующая система слишком коммерческая, она поощряет создание не прекрасных произведений искусств, а популярных работ, продаваемых за большие деньги.
«Зеленый Удзи», 127 х 28.5 см, бумага, тушь, 1930-е г. Койчиро отрицал копирование, необходимость изучения традиционного нихонга, став знаменитым художником нихонга, он никогда этому не учился. В данном пейзаже видны западный стиль перспективы, которому он учился, и традиционный.
примеры манги 1921г., 18 авторов, тушь, краска,бумага. Токио манга ассоциация (Токио манга-кай) была создана в 1916г. Хотя подобные сатирические наброски практиковались начиная с Нара эпохи, а может и раньше, сатира живописи получила широкое распространение именно в конце 19 века с ростом популярности и возможности печатания. В 1921г. группа художников Токио манга-кай из 18 человек наняли 6 машин и проехали 53 станции старой Токайдо дороги (Токио-Киото) + начальная Нихонбаси и конечная Сандзо Охаси, которые были в 1833г. отмечены укиё-э мастером Андо Хиросиге. Каждый художник, среди них был и Кондо Койчиро, должен был отметить несколько станций комическими зарисовками. Каждый набросок рассматривался, как отдельная картина. Успех проекта, собранные деньги позволили Токио манга-кай превратиться в 1923г. в национальную ассоциацию Нихон манга-кай. С этого времени популярность манги выросла в несколько раз.

Такеюти Сейхо, Takeuchi Seiho, 竹内 栖鳳 (1864 — 1942), рассматривается как художник, стоящий в центре современной нихонга. Практиковал зарисовки с натуры, живой природы. После путешествия по Европе, Сейхо сменил первый иероглиф на сей, что значит — запад, несколько лет рисовал в западном стиле, это привлекло к нему внимание и повысило его авторитет. Спустя несколько лет он все же вернулся к японскому стилю живописи. Любимыми объектами были пейзажи и животные.
«Деревня в бамбуковой роще», 102.2 х 34.8 см, 1880г, картина подражает стилю Ёса Бусон.

Имао Кейнен, Imao Keinen (1845-1924), начинал как укиё-э мастер. Известен своими картинами цветов и птиц, рисованием на эти темы он увлекался с самого начала своей карьеры, достиг совершенства в точности изображения и гармонии цвета. Участвовал во многих выставках и получал награды. Оставался верен восточным традициям и стилям в живописи, выступал против изображения наготы, проституции, говоря, что нихонга, японская живопись должна оставться чистой, скромной и деликатной. Пейзажи Кейнена не достигли популярности его птиц и цветов, хотя были исполнены также совершенно в последние годы его жизни.
«Мистический дождь», 136 х70 см, шелк, тушь, 1902г, мистическая атмосфера дождя, густой лес исчезает в тумане, гора на заднем плане исполнения без контуров размытыми точками, которые растворяются в воздухе. Иглы сосны исполнены нежными закругленными одинаковыми мазками и кажутся поглощающими туман. Для ствола использованы горизонтальные точки, чтобы показать неровности коры. Комбинируя различные японские и китайские приемы, Кейнен использовал несколько техник в этой картине. Он рисует скрытыми мазками, создавая атмосферу мистики.

Огава Сеньё, Оgawa Sen-yo (1882 — 1971), рисовал в нихонга стиле, увлекался живописью маслом. Сеньё восторгался поэзией, каллиграфией и стилем жизни дзенбуддистского монаха, поэта Рёкан, много его работ посвящено аспектам жизни этого человека, играющего с детьми, живущим удаленно от людей и т.д.
«Каллиограф», 26 х 23.5 см, бумага, тушь, картина датирована 1963г. Монах-поэт Рёкан занимается каллиграфией.

Sakura Kai. Photographs,images © 2012-2017 All rights reserved

Жанр китайской живописи Цветы и Птицы

Есть в китайской живописи такой жанр – Хуаняо 花鸟画, что переводится ка живопись Цветы и Птицы. Основным предметом жанра являются растения, птицы, звери либо насекомые. Этот жанр как отдельный сформировался между III и VI веками.

Рост популярности жанра Цветы и Птицы пришёлся на период пяти династий (первая половина X века). Основателями и непревзойденными мастерами хуаняо считаются художники Хуан Цюань и Сюй Си.

Хуан Цюань (黄荃, 900—981) — китайский художник. Родом из Чэнду в Сычуани. Занимал высокую придворную должность при дворе последнего правителя Поздней Шу (одного из десяти царств). Был выдающимся мастером жанра цветов и птиц, чьё творчество послужило основой для утверждения этого жанра.

Сюй Си (徐熙, 886 — 975) — один из крупнейших китайских художников времен падения династии Тан и эпохи Пяти династий, основатель жанра «цветы и птицы» (хуаняо).

Именно они заложили две основные его стилистические разновидности: рисование чистым тоном с тонкой линией, тщательным выявлением всех характерных особенностей —  «сешэн» (буквально — «писать жизнь»), и рисование размывами туши, когда объект воплощается во всей полноте за счёт изображения одного определяющего свойства — «сеи» (то есть «писать идею»).
Мастера обычно писали картины в этом жанре на вертикальных и горизонтальных свитках, также встречаются они на веерах, альбомных листах и почтовой бумаге.

Как и другие китайские жанры картины — хуаняо содержат аллегорические символы, доступные к пониманию образованным китайцам своего времени.

Журавль считается посланцем богов и ассоциируется с удачей, счастьем, верностью, свободолюбием. Так же журавль символизирует долгожительство и бессмертие.

Воробьи — это вестники, благих новостей. Это символ согласия, а также мужского начала.

Феникс символ счастливого супружества.

Павлины символизируют изящество, достоинство, бессмертие, величие, неподкупность, гордость, красоту и благородство.

Тигр символ воинской доблести.

Петух вестник солнца и духовного возрождения. Он олицетворяет мужское начало, смелость, благожелательность, достоинство и верность.

Орел символ Солнца и власти, воителя, а также символ смелости и мощи.

Ласточка символизирует приход весны.

Интересно, что каждому растению соответствует определенная птица. Например, ласточка изображается вместе с ивой; фазан, феникс, петух и павлин – вместе с пионом; утка вместе с лотосом; куропатки вместе с просом, а аист рядом с сосной.

Лотос олицетворяет совершенство, является символом духовного раскрытия, чистоты, плодородия и целомудрия.

Сосна олицетворяет долголетие.

Цветы сливы символ стойкости и чистоты помыслов.

Пионы — богатство и роскошь.

Бамбук — непреклонность и моральную стойкость.

Орхидея олицетворяет весну, честь, чистоту помыслов, благородство. Это символ женского начала и красоты.

Хризантема — это символ покоя и может быть символом ученого-отшельника.

Магнолия — это символ красоты, женственности, очарования и нежности.

Символизм в китайской живописи это одно из основных отличий от европейской живописи. Картины китайских художников надо расшифровывать и понимать. Порой чтобы правильно трактовать увиденное нужны серьезные знания языка, истории, традиций.

К тому же китайская живопись несет в себе только добрые пожелания счастья и благополучия. Китайские мастера полагают, что изображения должны приносить радость, удачу, успех и никак иначе.

Таким образом картины жанра Птицы и Цветы всегда наполнены скрытым смыслом. Особенно популярными являются такие растения, как цветущая слива мэйхуа, орхидея, бамбук и хризантема.

Существует даже интересная система, разработанная ученым Чэнь Цзижу, жившим в эпоху Мин – «Четверо благородных». Система основана всего лишь на четырех мазках. Каждый мазок имеет свое собственное название: «Бамбук», «Хризантема», «Дикая орхидея» и «Ветка сливы».

Изображая четыре растения, ученики Цзижу приобретали базовые навыки необходимые для дальнейшего обучения живописи.

Считается, что освоив эти четыре приема, можно освоить технику китайской живописи… вот только осваивание этих четырех мазков может длиться всю жизнь 😊, ведь мазок должен быть идеальным, и, чтобы достичь этой идеальности, требуется постоянная тренировка и оттачивание мастерства.

Три друга зимы

Расписание мероприятий выставки

Со 2 февраля в Центре восточной литературы Российской государственной библиотеки проходит выставка «Три друга зимы». Художественная часть выставки, посвящённой традициям празднования Нового года по восточному календарю, подготовлена Творческим Союзом художников японской живописи. Экспозицию художественных работ дополняют уникальные книжные издания из фондов ЦВЛ и коллекция новогодних открыток, предоставленных отделом изоизданий РГБ.

 

Три друга зимы. Открытка. Фото: Мария Говтвань, РГБ

 

«Три друга зимы» — слива, бамбук и сосна — ещё с древних времён входят у народов Китая, Кореи и Японии в благопожелательную систему, символизируя долголетие, стойкость, силу духа. Эти растения, в отличие от других, начинают цвести именно зимой, под снегом. В живописи сюжет «Три друга зимы» очень популярен и входит в историю искусства Восточной Азии под этим названием.

Многим из сохранившихся примет и правил этого самого главного и продолжительного праздника более тысячи лет. На выставке будут представлены как монохромные работы российских художников в традиционных стилях японской и китайской живописи, так и работы с использованием цветной туши. В экспозицию входят и предметы декоративно-прикладного творчества, связанные с новогодними традициями Японии, Китая и Кореи: открытки, каллиграфия, фонари и другие традиционные предметы, выражающие образы процветания в наступающий год Земляного Кабана.

 

Куклы кокэси. Фото: Мария Говтвань, РГБ

 

В книжном разделе выставки представлены уникальные издания с иллюстрациями китайских, корейских и японских художников. Среди них замечательный образец китайского книжного искусства — классический трактат по традиционной китайской живописи «Слово о живописи из Сада с горчичное зерно». В основу многотомного трактата, задуманного как учебное пособие, вошли рисунки художника эпохи Мин Ли Люфана (1575—1629). В создании «Слова о живописи…» приняли участие несколько человек. Шэнь Синью, написавший один из разделов и расширивший иллюстративную часть «Слова о живописи. ..», включив в неё рисунки периода династий Тан, Сун и Юань, привлёк к работе высококлассных мастеров, прекрасно владевших техникой многоцветной гравюры. Художник, поэт и каллиграф Ван Гай составил трактат о технике, теории и истории живописи. Художники Ван Юньань, Ван Ши и Ван Ни создали рисунки специально для этого издания. Все иллюстрации выполнены в технике ксилографии.

Ещё одно многотомное издание — «Образцы каллиграфии и живописи из мастерской „Десяти бамбуков“» — шедевр Ху Чжэнъяна (1584—1662), выдающегося гравёра и книгоиздателя, высокопоставленного чиновника, занимавшего пост секретаря императорской канцелярии. Первое издание вышло в 1627 году в Нанкине и стало важной вехой в истории китайского книгопечатания: это первый памятник развитой многоцветной ксилографии. В «Образцах каллиграфии…» собраны работы более тридцати художников и каллиграфов, включая самого Ху Чжэнъяна. Эта книга предназначалась для обучения каллиграфии и живописи, поэтому в неё были включены несколько «учебных» рисунков для копирования, а также давались советы по технике рисования.
 

 

 

Японскую живопись представляют преимущественно издания XIX века с иллюстрациями гравюр известных художников, выполненных в жанре «Цветы и птицы». «Картины о цветах и птицах» (катё-э) — поджанр японской гравюры укиё-э. Живопись катё-э ведёт своё происхождение из традиционного жанра китайской живописи «Цветы и птицы» (хуаняо), основным предметом которого являются растения, птицы, насекомые.

Представляют интерес книга работ художника Татибана Унга в жанре катё-э, изданная в 1882 году в Токио, альбом Сэнрюдо гафу, выполненный Такидзава Киёси, опубликованный в 1881 году, а также четырёхтомное издание Рансай гафу — собрание чёрно-белых рисунков хризантем, сливовых деревьев, растений и морских видов, выполненных тушью Мори Рансай. Издание опубликовано в 1801 году одним из учеников художника.

На выставке можно увидеть книги с гравюрами знаменитого мастера цветной ксилографии Утагавы Хиросигэ (1797—1858), выдающегося представителя направления укиё-э. Среди самых известных серий его работ — «53 станции Токайдо». Работая в жанре фукэй-га (пейзаж), художник передавал зыбкие состояния природы, атмосферные эффекты снега и тумана, особенности ландшафта в разные времена года. Под влиянием творчества Хокусая создал цикл «36 видов горы Фудзи». Помимо пейзажных мотивов Утагава Хиросигэ великолепно создавал гравюры с изображением цветов и птиц.
 

 

 

Экспозиция продолжается современными иллюстрированными корейскими изданиями, посвящёнными истории живописи в Корее и развитию национальных стилей и жанров. Считается, что живопись зародилась в Корее не позднее IV века нашей эры и развивалась на протяжении всей долгой истории страны. Большое развитие получили портретная, пейзажная и буддийская живопись, например, изображения 12 животных восточного зодиака. Тематика картин была разнообразной — религиозные сюжеты, люди и животные, пейзажи, портреты, цветы и птицы, бамбук, слива и другие растения.

В поздний период государства Чосон, начиная с XVIII века, получила широкое распространение так называемая народная живопись «минхва», произведения которой имели декоративную функцию. Одним из ярких примеров является обычай в первые дни Нового года по лунному календарю помещать на ворота или входную дверь новогоднюю картину «сехва» с целью защитить жилище от злых духов и привлечь в дом счастье. Чрезвычайной популярностью и особой любовью пользовался образ животного-охранителя тигра, которому корейцы поклонялись с древности. Подтверждением популярности этого образа служат живописные композиции на сюжет «Сорока и тигр». Считалось, что сорока — вестница добрых известий, а тигр своей силой отгоняет злых духов.
 

 

 

Отдельный раздел выставки — новогодние открытки. В основе этой экспозиции — небольшая часть замечательной коллекции японских новогодних открыток из фондов отдела изоизданий РГБ. Открытки разнообразны по сюжетам, материалу и технике исполнения. Кроме того представлены китайские, корейские и японские открытки из частных собраний.
 

---

Мероприятия выставки

Лекция
В ходе лекции посетители узнают о восточном календаре в целом и предстоящем годе в частности, к чему стоит быть готовым, а что делать не следует, о традиционных особенностях встречи Нового года, или Праздника весны в Китае, Корее и Вьетнаме.

4 февраля в 18:00 — лекция «Традиции празднования Нового года по восточному календарю» Наталии Чесноковой, преподавателя Института классического Востока и античности Высшей школы экономики.

Мастер-классы
Художники Творческого Союза японской живописи суми-э проведут бесплатные мастер-классы по монохромной живописи тушью суми-э и искусству кусудамы (разновидность изделий, выполненных в технике оригами) для всех желающих без возрастных ограничений. Единственное условие — предварительная регистрация. 

9 февраля с 14:00 до 16:00 — суми-э
14 февраля с 16:00 до 18:00 — кусудама (открыта предварительная регистрация)
15 февраля с 17:00 до 19:00 — суми-э  (открыта предварительная регистрация)

 

Новогодние открытки на выставке. Фото: Мария Говтвань, РГБ

 

 

 

 

Птицы в китайской живописи | Бесконечная Ци

Основными жанрами китайской живописи были пейзаж, «птицы-цветы» и живопись фигур. Живопись цветов, ранее связанная главным образом с буддийским искусством, вступила в свои права как отдельная отрасль живописи в период пяти династиях (907-960). Наряду с изображениями цветов стали писать птиц.

В живописи господствовали два основных стиля: гунби и сеи. В сеи преобладает цель передать «идею» или настроение предмета живописи. Деталям уделяется меньше внимания, чем в гунби.
Гунби — искусство тонкой детальной прорисовки на натуральном шелке было призвано украшать дворцы и аксессуары знатных дам (в стиле гунби часто расписывали веера). «Стиль китайской живописи гунби зародился около 2000 лет назад, в династию Хань (206 до н.э. — 220 н.э.), когда политическая стабильность Хань и её процветание благоприятствовали развитию и популяризации искусства. Пика своего развития техника гунби достигла в эпохи Тан и Сун (с VII по XIII века), когда эти утонченные картины были одобрены императорскими семьями и начали коллекционироваться в дворцовых покоях.»
В во время правления династии Сун (960-1279) стиль гунби был развит например в творчестве Цуй Бо (崔 白, ca. 1044-1088).
Императоры Северной Сун были восторженными покровителями искусств. Самым известным является Хуицзун, или Чжао Цзи (趙 佶, 1082-1135), возможно, самый знающий из всех китайских императоров об искусстве. Чжао Цзи сам был совершенным каллиграфом (он разработал уникальный и чрезвычайно элегантный стиль, известный как «тонкое золото») и писал в основном птиц и цветы в реалистической манере. Несмотря на тщательную детализацию, его работы были исполнены чувства, следовали поэтическим темам, которые были каллиграфически записаны на картине. Прекрасным примером такого рода живописи является приписываемой ему тщательно выписанный «Пятицветный попугай на цветущем абрикосовом дереве» (Музей изящных искусств, Бостон). Он требовал те же качества в работе от своих придворных живописцев и добавлял свои печати на свитки, которые он одобрил. Поэтому очень сложно отличить работу императора от работы его придворных художников.
Художник Му Ци — представитель школы Ма Ся монах, писал птиц. В Кливлендском музее хранится работа «Ласточка и лотос», приписываемая Му Ци.
Му Ци. Ласточка и лотос.

В династии Юань ограничение возможностей художников при дворе и выбор многих из них отказа служить монголам создали повышенное чувство высокой роли национального искусства. Цянь Сюань (錢 選, 1235-1305) был одним из первых, кто определил это новое направление. Родом из Усина (吳興) в Чжэцзяне он неуклонно отклонил приглашение служить при дворе, что отразилось на его стиле и темах живописи.
Цянь Сюань. «Возвращение ласточек»Чжао Менфу, «Удод на бамбук»

В период правления династии Мин, придворные художники Бянь Цзинчжао (邊 景 昭, fl., начало XV века) и его последователь Лю Чжи Lü Ji (呂 紀, 1477-?) возродили традицию рисования птиц и цветов Хуан Цюаня, Цуй Бо и императора Сун Хуйцзуна. Картины Лю Цзи демонстрируют два разных стиля. Некоторые из его работ используют яркие цвета в очень тщательном исполнении, в то время как другие менее яркие со светлыми цветами, добавленными к туши, вероятно, удовлетворяющие разные вкусы императоров, которые он обслуживал.
Лю Чжи Фазан и куст камелии
Лю Цзи, «Лавр, Хризантема и Птицы»

Бянь Цзинчжао, «Сто птиц»
За пределами придворной живописи самым выдающимся художником-литератором династии Мин является Шэнь Чжоу (沈周, 1427-1509). Шэнь Чжоу был пионером Школы живописи Ву в сегодняшнем регионе Сучжоу. Он никогда не становился официальным лицом, но вместо этого посвятил свою жизнь живописи и поэзии. Шень Чжоу владел широким спектром стилей и приемов, которые выражали сущность его теплой и энергичной личности. Он также стал первым, кто установил среди художников-литераторов традицию рисования цветов и птиц.
Шень Чжоу Две вороны на дереве

Работы Шэнь Чжоу, выполненные в стиле «живопись идей» ( xieyi 寫意) », сопровождались большей технической универсальностью. Живописью птиц продолжали заниматься Чэнь Чун (陳 淳, 1483-1544) и Сюй Вэй (徐渭, 1521-1593) в
период Мин, а затем Шитао (石濤, 1642-1707) и Чжу Да (朱 耷, 1626-1705) во времена раннего Цин. Их работа, в свою очередь, послужила основой для возрождения живописи Цветов и птиц в конце XIX и XX веков.
В картинах Чжу Да, обычно монохромных, такие существа, как птицы и рыбы, получают любопытный, сердитый, иногда даже извращенный вид. Он использовал стиль, который, хотя и обманчиво простой, захватывает саму суть цветов, растений и существ, которые он изображает. В отличие от большинства китайских художников, он не легко вписывается в какую-либо традиционную категорию, в характере и личности он был полным эксцентриком и индивидуалистом.
Чжу Да, «Бамбук, скала и мандаринские утки»

Шен Шицен Бамбук и воробей

На рубеже XX века Шанхай, который был насильственно открыт для Запада в 1842 году стал ом местом для первых инноваций в китайском искусстве. Шанхайский региональный стиль появился к 1850-м годам. Первыми художником этого стиля стали Рен Сюн (任 熊, 1823-1857), и его более популярные последователи Рен Бонян 任 伯 年, 1840-1896) и У Чаншо (吳昌碩, 1844-1927). Их вдохновил стиль ряда вышеупомянутых индивидуалистических художников эпохи Мин и Цин. Они сфокусировались на птицах, цветах и живописи фигур. В их живописи выступили декоративность, преувеличенная стилизация и сатирический юмор. Под влиянием Ву Чаншо этот стиль был перенесен в Пекин в начале XX века благодаря искусству Чэнь Шицена и Ци Байши.

Чэнь Шицэн (陳師曾, 1876-1923) произошел из семьи видных чиновников и ученых. В 1902 году Чен отправился в Японию для дальнейшего обучения. Ориентируясь на естественную историю, он продолжал практиковать традиционную китайскую живопись и изучать западное искусство. Он оставался в Японии до 1910 года. В год до образования Китайской Республики (1912) он вернулся в Китай, преподавал искусство и стал заметным в художественных кругах. Он и не был строго консервативным, одобрял эксперименты с инновационными методами и изучал западное искусство — Чэнь верил в ценность традиционной китайской живописи. На его цветочные картины влияли художники династии Мин Чэнь Чун (陈 淳) .
Чэнь Шицэн был глубоко обеспокоен судьбой традиционного китайского искусства, и он тесно сотрудничал с японским историком искусства Омурой Сейгаем, пытаясь остановить волну модернизации, которая угрожала классической традиции. Вместе они опубликовали «Исследование китайской литературной живописи» (中國 文人 畫 之 研究) в 1922 году, в котором изучалась история китайских ученых-художников, которые включили свои знания поэзии и других искусств в свою живопись.

Первыми китайскими художниками, которые отвечали на международные события в современном искусстве, были те, кто посетил Японию, где проблемы модернизации появились раньше, чем в Китае. Среди первых китайских художников, которые испытали японское влияние, были Гао Цзяньфу (高劍父, 1879-1951), его брат Гао Цифэн (高 奇峰, 1889-1933) и Чэнь Шурен (陳樹 人, 1884-1948). Гао Цзяньфу изучал искусство в течение четырех лет в Японии, начиная с 1898 года; во время второй поездки он встретил Сунь Ят-сена, а затем в Гуанчжоу (Кантон) участвовал в восстаниях, которые проложили путь к падению императорского правления и созданию республики в 1911 году. Вдохновленные Новым японским стилем , братья Гао и Чэнь положили начало движению « Новая национальная живопись », которое, в свою очередь, породило кантонский региональный стиль, который носил помимо национальных евро-японские характеристики. Хотя новый стиль не приносил удовлетворительных или долговременных решений, он был значительным предвестником и продолжал процветать в Гонконге, практикуемый такими художниками, как Чжао Шаоан (趙 少 昂, 1905-1998).

Zhao Shaoang. Цветок и птица
Гао Цифен (Gao Qifeng) Павлин расправляющий хвост

Первое учреждение западного стиля для обучения искусству возникло в этот период. Самое большое художественное отделение было открыто в Нанкине Высшая нормальная школа в 1906 году, а первая художественная академия, позже ставшая Шанхайской художественной школой была основана в 1912 году Лю Хайсу (Liu Haisu 刘海粟; 1896 – 1994)/ Все чаще в двадцатых годах молодых китайских художников влекло не только в Японию, но и в Париж, и в арт – центры Германии. Трое из этих художников привезли на родину понимание основных современных европейских традиций и стилей.
Лю Хайсу был первым, кого привлекли импрессионисты, в то время как Линь Фэнмянь (林風眠, 1900-1991), который стал директором Национальной академии искусств в Ханчжоу в 1928 году, был вдохновлен экспериментами в цвете в картинах Анри Матисса и фовистов.

Лин выступал за синтез, сочетая западные техники и китайскую выразительность. Он оставил неизгладимый след в современном китайском искусстве.

Лин Фенгмян. Вьют гнезда вместе
Еще один крупный художник, Сюй Бейхун (徐悲鴻, 1895-1953), руководитель художественного отдела Национального центрального университета в Нанкине избег влияния европейского модернизма и ориентировался на более консервативные парижские академические стили. Он разработал свой стиль рисования и технику работы маслом, а затем научился сочетать карандаш и пастель с китайской кистью. Монументальные фигурные картины, которые он создал служили основой для художников соцреализма после коммунистической революции 1949 года.

Уроженец Паню в провинции Гуандун, Гао Цифэн (1889-1933), оригинальное имя Вэн, был младшим братом Гао Цзяньфу (1879-1951), с которым он учился живописи в первые годы своей жизни, прежде чем отправиться в Японию в 1907 году, чтобы учиться у Танаки Райшо (1868-1940). Он известен как один из «Трех мастеров школы Линнань».
Гао Кифэнь.Gao Qifeng Цыплята
Эта картина является одним из лучших примеров работы Гао Кифэн. Несколько цыплят изображены в мирном убежище под ветвями дерева груши. Падающие лепестки и фон из цветов вместе с отдыхающими цыплятами создают романтическое, поэтическое и сновидческое визуальное воздействие. Искусно выполненные, птицы и листва груши яркие и красочные. Художник способен захватить переходный момент природы. Гао успешно сочетал поэтический элемент китайской живописи, японскую живопись пленэра и западные приемы, выразившиеся в уникальном стиле.

Птицы Живопись | Китайская художественная галерея

С другой стороны, первыми китайскими художниками, которые отреагировали на международное развитие современного искусства, были те, кто посетил Японию, где вопросы модернизации возникли раньше, чем в Китае. Среди первых китайских художников, вернувших японское влияние, были Гао Цзяньфу (高劍父, 1879–1951), его брат Гао Цифэн (高 奇峰, 1889–1933) и Чэнь Шурэн (陳樹 人, 1884–1948). Гао Цзяньфу четыре года изучал искусство в Японии, начиная с 1898 года; во время второй поездки туда он встретился с Сунь Ятсеном, а впоследствии в Гуанчжоу (кантон) он участвовал в восстаниях, которые проложили путь к падению имперского правления и установлению республики в 1911 году.Вдохновленные «Новым японским стилем», братья Гао и Чен открыли движение «Новой национальной живописи», которое, в свою очередь, привело к возникновению кантонского, или лингнаньского («Южный диапазон»,), регионального стиля, который включал евро-японский стиль. характеристики. Хотя новый стиль не принес удовлетворительных или долговременных решений, он был важным предвестником и продолжал процветать в Гонконге, практикуемый такими художниками, как Чжао Шаоан (‘少 昂, 1905–1998).

Первое учреждение обучения искусству в западном стиле также датируется этим периодом.Небольшое художественное отделение было открыто в Нанкинской средней школе в 1906 году, а первая художественная академия, впоследствии ставшая Шанхайской художественной школой, была основана в 1912 году 16-летним Лю Хайсу (劉海粟, 1896–1994). . К середине 1920-х молодых китайских художников все больше привлекала не только Япония, но также Париж и немецкие художественные центры. Трио этих художников вернуло некоторое понимание основных современных европейских традиций и движений. Лю Хайсу сначала привлек импрессионистское искусство, а Линь Фэнмянь (林風眠, 1900–1991), ставший директором Национальной академии искусств в Ханчжоу в 1928 году, был вдохновлен экспериментами с цветом и узором Анри Матисса и фовистов.Линь выступал за синтез, сочетающий западные методы и китайскую выразительность, и оставил неизгладимый след в современном китайском использовании кисти. Другой крупный художник, Сюй Бэйхун (徐悲鴻, 1895–1953), глава художественного факультета Национального центрального университета в Нанкине, сторонился европейских модернистских движений в пользу более консервативных парижских академических стилей. Он развил свои способности в рисовании и масле, позже научился имитировать карандаш и мел с помощью китайской кисти. Созданные им монументальные изображения фигурок послужили основой для художников-соцреалистов после коммунистической революции 1949 года.

Дизайн «Птицы и цветы» в японском искусстве

В преддверии распродажи азиатского искусства, которая состоится во вторник 19 февраля в 11:00, специалист по японскому искусству Ясуко Кидо рассказывает об истории

качо-э в японском искусстве.

Тема птиц и цветов (качо-э) имеет долгую историю в японской живописи, это один из трех жанров живописи, два других — «Пейзаж и Фигуры», которые происходят из китайской академической классификации живописи.Однако японские художники превратили изысканную китайскую традицию живописи в более изысканный, декоративный и самобытный «японский» стиль.

Средние века: распространение буддизма и китайского искусства

_{КОНО БАЙРЕЙ (1844 — 1895). Набор из трех иллюстрированных японских книг «Bairei hyakucho gafu» (изображения ста птиц Байрея). Оценка 150–200 фунтов стерлингов}

Качо-э начали появляться в Японии в 14 веке, когда буддийские монахи начали рисовать тушью бамбука, сливы и лотоса в сочетании с птицами. На эти рисунки повлияли картины китайских династий Сун и Юань, которые были импортированы в Японию.

Период раннего Нового времени: Символы богатства

^{Лот 120. Японская вышитая подвеска. Оценка: 1 200–1 500 фунтов стерлингов}

После долгой гражданской войны Япония была объединена под властью военачальника Сёгуна, который установил строгую феодальную систему. Период Эдо (16 ^{-е годы} гг.) Был временем экономического роста и процветания, в результате чего было построено множество замков, олицетворяющих власть и богатство.Эти замки часто щедро украшались придворными художниками. Птицы и цветы были типичными символами, созданными с использованием золотой фольги, характерной для японской эстетики.

Период изоляции Японии: Возрождение традиционной эстетики

_{Lot 123.ANDO HIROSHIGE (1797–1858). Три японских гравюры на дереве, формат танзаку, воробей и цветущая сакура, соловей и хризантемы. Оценка: 150–200 фунтов стерлингов}

При сёгунате Токугава и изоляционистской внешней политике Япония имела ограниченные контакты с внешним миром в течение более 220 лет (1635–1853).В этот период традиционный японский стиль был возрожден и усовершенствован, чему способствовало развитие техники цветной печати на ксилографии, ставшей знаменитой благодаря Хокусай и Хиросинье. В результате применения этих новых методов печати изображения качо-э перестали использоваться только для знати и стали доступными для более широких слоев населения.

Культурная революция и золотой век декоративного искусства

В период Мэйдзи был восстановлен император, а военное правительство сменилось классом самураев, что привело к резкому изменению роли японских художников.Традиционные кузнецы меча изменили свою профессию, создав декоративные произведения искусства, подходящие для международных художественных ярмарок и выставок. В результате реалистичное изображение птиц и цветов было представлено и популяризировано на Западе.

12 знаменитых цветочных картин, от Моне до Мондриана

На протяжении всей истории искусства цветы были одним из самых любимых предметов для художников. Яркие цветы издавна вдохновляли художников, и многие из них посвятили свою карьеру созданию натюрмортов с изображением различных ботанических красот.От голландских натюрмортов 17 века до японских гравюр на дереве , Цветочное искусство имеет долгую и легендарную историю.

Рисуя розы, ирисы или пионы в вазе или рисуя их прямо с натуры, каждый художник привносит свой неповторимый стиль в законченное произведение искусства. Фактически, просто рассматривая картины с цветами во времени, можно проследить развитие истории искусства. И даже если история искусства вас не особо интересует, нельзя отрицать, что цветочные картины обладают мощным качеством, независимо от того, из какой они эпохи.Живопись с цветами может вызвать вечное чувство радости, надежды или даже угрюмости. Есть причина, по которой некоторые картины, изображающие только цветы, вызывали отклик на протяжении десятилетий, если не столетий.

Эти знаменитых цветочных картин напоминают о том, что природа может предложить, и что лучшее вдохновение исходит от того, что вы можете найти у входной двери. Каждая картина инкапсулирует момент времени как в истории искусства, так и в жизни художника, который ее нарисовал.Взгляните на некоторые из самых запоминающихся картин с цветами, созданных за последние 500 лет, и вы, возможно, просто захотите начать рисовать свои собственные цветы.

Натюрморт с цветами — Амброзиус Босхарт (1617)

(общественное достояние через WikiCommons)

Хотите верьте, хотите нет, но когда-то натюрморты считались второстепенным видом искусства, поскольку элита отдавала предпочтение религиозным и историческим картинам. Ситуация постепенно начала меняться в течение 16-17 веков, и первыми стали голландцы.Город Антверпен был особенно важен, так как здесь художники начали рисовать монументальные натюрморты, часто с цветами. Амброзиус Босхарт — голландский художник-натюрморт, известный своей любовью к рисованию букетов цветов с почти научной точностью. Любовь к цветам была настолько глубокой в ​​его семье, что все трое его сыновей позже стали художниками-цветочными художниками. На цветочных картинах Босхарта изображены симметрично расположенные цветы, и он был одним из первых художников, которые сосредоточились на рисовании букетов.Очевидно, что его работы вызвали тенденцию, которая сохранялась на протяжении всей истории искусства.

Цветы в стеклянной вазе со сверчком в нише Рэйчел Рюйш (1700)

(общественное достояние через WikiArt)

Рэйчел Рюйш не только известна как самая известная художница голландского Золотого века, но и подняла цветочную живопись на новый уровень. Она смогла изобрести свой собственный стиль и на протяжении 60 лет занималась рисованием ботанических образов.Она отошла от традиций и создала асимметричных композиций из своих раскрашенных букетов, что сделало произведение искусства более динамичным. В то же время каждый лепесток тщательно детализирован, а ее умение складывать богато окрашенные цветы помогло ей стать на голову выше других художников-цветочников того времени.

Цветы в стеклянной вазе Джона Констебля (ок. 1814)

(Фото: WikiArt)

Английский художник-романтик Джон Констебл известен своими пейзажными картинами, запечатлевшими окрестности его дома.Но к тому времени, когда Констебль начал заниматься своим искусством, цветочная живопись стала прочно укоренившейся частью художественной традиции. Он, как и многие известные художники до и после, пробовал себя во многих разных жанрах, включая натюрморты. Его Цветы в стакане Ваза — это этюд маслом, нарисованный на картоне, и теперь он принадлежит Музею Виктории и Альберта после того, как дочь Констебля подарила музею содержимое его студии. Темная приглушенная цветовая палитра уравновешивается красными и желтыми цветами на цветах, а Констебль создает драматизм за счет контраста света и тьмы.

Гибискус Хиросигэ (ок. 1845)

(общественное достояние через WikiArt)

Цветы имеют историческое значение в японской культуре, используются ли они для создания декоративных цветочных композиций или включены в гравюры на дереве. Ukiyo-e master Hiroshige Изображение цветов гибискуса является триумфом, поскольку их смелый оранжевый цвет буквально соскакивает со страницы. На японском языке цветов, также известном как hanakotoba , слово гибискус означает «нежный».«Эти цветы дарят по общественному обычаю, чтобы приветствовать посетителей. Хиросигэ 1845 Гибискус — один из многих случаев, когда он изображал цветок на своих цветных гравюрах на дереве. Иногда он включал птиц, взаимодействующих с гибискусом; в то время как во многих случаях, подобных этому, он заполнил всю композицию растением.

Букет цветов — Эдуард Мане (1882)

(общественное достояние через WikiArt)

Влиятельный художник Эдуард Мане был любителем цветов и часто их рисовал.Нарушая традицию, он писал не только букеты в вазах, но и цветы, разбросанные по столам. Его свободные, динамичные мазки, которые сделали его центральной фигурой между реализмом и импрессионизмом, придают нарисованным цветам неотразимый, эфемерный вид. Цветочная живопись была настолько важна для Мане, что последние полгода своей жизни он писал только цветочные натюрморты. По словам Christie’s, Мане часто использовал эти картины в качестве небольших подарков для друзей.

Розы и лилии Анри Фантен-Латур (1888)

(общественное достояние через WikiArt)

Французский художник Анри Фантен-Латур специализировался на рисовании цветов, придерживаясь консервативного подхода к своей работе в то время, когда импрессионизм набирал силу.Его реалистичные картины показывают его преданность великим мастерам искусства, поскольку он совершенствовал свое мастерство, копируя картины в Лувре. Создав роз и лилий , Фантен-Латур использовал длинные стебли лилий, чтобы разрезать холст, уравновешивая небольшой розово-белый букет роз, лежащих на столе. Он также продемонстрировал свое блестящее использование цвета, обыгрывая романтизм картины через румянец розовых лепестков роз, которые создают мягкий контраст с темно-коричневым деревянным столом.

Натюрморт с ирисами Винсента Ван Гога (1890)

(общественное достояние через WikiArt)

Есть много известных цветочных картин Винсента Ван Гога на выбор, в том числе его знаменитая серия Подсолнухи . Но мы неравнодушны к Натюрморт с ирисами , который подчеркивает интересное использование художником цвета. Этот натюрморт, написанный в то время, когда он был пациентом психиатрической больницы в Сен-Реми, мастерски использует смелые контрастные цвета.Картина — одна из двух версий. Один, который сейчас находится в Метрополитен-музее, был нарисован на потускневшем розовом фоне, чтобы создать «мягкую и гармоничную» атмосферу. Вместо этого Ван Гог имел совсем другие намерения по поводу этой версии, о чем он писал в письме своему брату Тео. «Другая фиолетовая гроздь (от кармина до чистого берлинского синего) выделяется на поразительном цитрусовом фоне с другими желтыми тонами в вазе и подставке, на которой она стоит, так что это эффект чрезвычайно разрозненных дополнительных элементов, которые усиливают каждую из них. другие по их сопоставлению.”

Букет роз — Пьер Огюст Ренуар (ок. 1890 — 1900)

(общественное достояние через WikiArt)

Ренуар Букет роз — чувственная работа маслом на холсте, в которой мастер импрессионистов заполняет раму пышными пухлыми бутонами роз, выполненными в различных ярких оттенках красного и розового. Еще один художник, который позже обратился к цветочной живописи, Ренуар часто рисовал розы, чаще всего красные.В это время Ренуар был более свободен в своем искусстве, просто желая вызвать ощущение объекта, а не сосредотачиваться на мельчайших деталях. Это позволило ему создавать цветочные картины, которые обладают тактильными качествами и энергией, которые исходят от холста.

Цветочный сад Густав Климт (1905)

(общественное достояние через WikiArt)

Очарованный пейзажами, которые он видел летом в Литцльберге, Набор картин Густава Климта , изображающих поля цветов, является ярким примером работы во время его Золотой фазы. Цветочный сад , или Bauerngarten , считается одним из лучших пейзажей Климта и изображает множество цветов, выпадающих из кадра. Работа, проданная на аукционе в 2017 году за 59,3 миллиона долларов, воспевает деревенское очарование сада, не полагаясь на реализм. Каталог аукциона Sotheby’s прекрасно резюмирует его прекрасное качество, заявляя: «Этот замечательный пейзаж уходит корнями в мир природы, но одновременно тянется к символическому декоративному авангарду.Именно этот синтез естественной красоты и гармоничной регулярности придает работе глубоко трогательное качество ».

Водяные лилии Клода Моне (1908)

(общественное достояние через WikiArt)

Это не был бы правильный список цветочных картин без Клода Моне Кувшинки . В этой культовой серии гений импрессионистов проводит мастер-класс по живописи на пленэре . Моне был настолько предан сериалу, что позаботился о том, чтобы его личный сад в Giverny всегда был в отличной форме, чтобы давать ему необходимое вдохновение. Моне написал более 205 работ для этой серии за последние 30 лет своей жизни, и его свободные мазки часто делают композиции граничащими с абстракцией. Самое главное, он никогда не терял внимания, воплощая в жизнь дух нежных кувшинок, передавая их в насыщенных цветах и ​​показывая их красоту в различных типах света.

Амариллис Пита Мондриана (1910)

(общественное достояние через WikiArt)

Пит Мондриан , голландец, вырос из давних культурных традиций цветочного искусства.Но он не боялся привнести в свой натюрморт свой современный штрих. Этот ранний натюрморт, Amaryllis , , намного опередил самые известные абстрактные картины Мондриана, основанные на геометрии. Написанный в стиле фовизма , мы видим, как он разбивает композицию на смелые цветные блоки, которые сводят цветы к их элементарной форме. Акварель представляет собой прекрасный баланс между живописными качествами и цветом, отрываясь от импрессионизма.

Белая ваза с цветами Одилон Редон (1916)

(общественное достояние через WikiArt)

Этот яркий цветочный натюрморт , выполненный в пастельных тонах, , художник-символист. Одилон Редон, — это взгляд в будущее. Ушли в прошлое точная сервировка стола и фона, столь заметные в ранних голландских натюрмортах. Вместо этого Редон создает пространство, используя градиенты пастельных тонов. Его цветы переходят от точных, детальных изображений к более абстрактным лепесткам, которые делают всю картину динамичной.Интересно, что Редон не обращался к цветочной живописи, пока ему не исполнилось 60 лет, и тогда он посвятил их созданию большую часть своего времени. Живопись цветов была для Редона серьезным делом, и он безмерно наслаждался этим. «Я представляю себе одну из хороших вещей, которые я нарисовал, — эту вазу с цветами, которая оставалась для меня мечтой», — сказал он однажды. «Я не знаю ничего, что доставило бы мне больше удовольствия, чем такое восхищение простыми цветами в их вазе, дышащих воздухом».

Статьи по теме:

Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства

25+ цветущих произведений искусства из настоящих цветов

Прекрасное искусство цветущих цветов

Как вышивальщицы вышивают цветы для создания цветущих букетов на ткани

Из собраний Гарвардского художественного музея Павлин и пионы

Кано Хироюки, изд., Маруяма Окё гашу (Киото, Япония, 1999 г.), № 68, стр. 48

Токийский столичный музей Эдо-Токио, Маруяма Окё: shaseiga sozo e no selected: tokubetsuten , exh. кат., Майнити Синбун Ша. (Токио, 2003), # 2, стр. 24

Расцвет живописи периода Эдо: японские шедевры из коллекции Файнберга , exh. кат., Йомиури Синбунша (Токио, 2013), стр. 104, кат. 44 год

Musée Cernuschi, Le Japon au fil des saisons: Коллекция Роберта и Бетси Файнберг, , exh. кат., Paris-Musées (Париж, 2014), стр. 82-83

Женевьева Невежан, Встреча: Бетси и Роберт Файнберг, La Gazette Drouot (Париж, январь 2016 г.), No.54, с. 86-89, с. 87, ил.

Рэйчел Сондерс и Юкио Липпит, Живопись Эдо: Избранные из коллекции японского искусства Файнберга , exh. Кот. (Кембридж, Массачусетс, 2020), обложка; п. 72, рис. 60

Специальная выставка Маруяма Окё: Сасейга — вызов новым рубежам , Токийский музей Метрополитен Эдо-Токио, 02. 03.2004 — 21.03.2004

Расцвет живописи периода Эдо: японские шедевры из коллекции Фейнберга , Токийский музей Метрополитен Эдо-Токио, 21.05.2013 — 15.07.2013; Музей Михо, 20.07.2013 — 18.08.2013; Музей префектуры Тоттори, 10.05.2013 — 10.11.2013

32Q: 2600 Восточноазиатский, японский, китайский и корейский , Гарвардские художественные музеи, Кембридж, 04.06.2015 — 29.11.2015

Живопись Эдо: японское искусство из коллекции Файнберга , Гарвардские художественные музеи, Кембридж, 14.02.2020 — 06.06.2021

Полезный учитель рисования: О рисовании птиц

Научитесь рисовать акварельный пейзаж с птицами.Нарисуйте фотографию птицы крупным планом. Используйте традиционные японские и китайские техники кисти.

Первый шаг, который я сделал при планировании этого урока, — это посмотреть на

Винсент Ван Гог любил разнообразные мазки кисти Sumi-e. Техника . Признаки японского влияния особенно это заметно в его более поздних рисунках и картинах. Нажмите здесь , чтобы более подробный отчет о влиянии японского искусства на творчество Винсента Ван Гога. картина.



Эпоха Эдо Японский Техника суми-э Живопись кистью и тушью из Ньюаркского музея, Ньюарк, Нью-Джерси

Я посоветовал своим ученикам попробовать заполнить свои акварельные картины линиями, точками, интересными мазками и текстурами, вместо того, чтобы просто обводить и раскрашивать.

Нажмите на ссылку ниже, чтобы узнать больше фактов и подробностей (и несколько отличных ссылок на онлайн-музеи) о традиционном искусстве японской живописи:

Нарисуйте птиц в пейзаже, используя технику японской кисти от Рэйчел Винтемберг на Vimeo.

Я использовал чувствительный к давлению стилус, чтобы создать серию быстрых контурных эскизов птиц. На начальном этапе практики я не стирал и не исправлял. Вместо этого я извлекла уроки из процесса и применила новые знания к каждому последующему рисунку. Моей целью было раскрыть для моих учеников творческий процесс, связанный с развитием, методом проб и ошибок.

Материалы, использованные для создания этого видео: iPad 3, сенсорный стилус Jot, Sketchbook Pro и приложение iMovie

.

Музыка из саундтрека Fantasia


Изучив японские и китайские рисунки тушью, мои ученики также нарисовали крупным планом портреты птиц, уделяя особое внимание текстуре, жестам и движениям.

техники живописи Винсента Ван Гога:

Пока студенты рисовали свои пейзажи с птицами, я показал им отрывки из видео Ван Гога и попросил их описать, как он заполнял пространства на своих картинах. Затем ученикам было предложено поэкспериментировать с текстурированными мазками кисти вместо того, чтобы использовать подход «плоской книжки-раскраски». Мы обсудили, чем процесс создания картины отличается от раскрашивания комнаты и как при рисовании картины иногда желательно показать свои мазки.

Вот таблица, которая поможет вам начать изобретать
свои собственные пейзажи:

Слои пейзажа, лист для печати Полезный учитель искусств, авторское право Рэйчел Винтемберг, 2013 г.

Вот полезный рабочий лист, который поможет вам начать рисовать птиц:

Рабочий лист для печати от Helpful Art Teacher; Как рисовать птиц. Шаг 1) Понаблюдайте за птицами на фотографиях, на пленке, в реальной жизни и в искусстве. Шаг 2) Определите лежащую в основе слезоточивую форму тела птицы и круглую голову. Шаг 3) Нарисуйте эти простые базовые формы в различных положениях и позах на основе ваших наблюдений. Шаг 4) Добавьте клювы, крылья, глаза и ноги, чтобы завершить ваши рисунки птиц. Шаг 5) Не забывайте наблюдать за птицами с длинными ногами, длинные шеи и другие варианты. Шаг 6) Добавьте текстуру, перья, цвет и другие детали по желанию. Шаг 6) Нарисуйте птиц, которые плавают, летают, едят и садятся, чтобы создать ощущение динамичного движения.

Если вы внимательно посмотрите на изображения птиц, вы начнете замечать их тела в форме капли слезы. Попробуйте скопировать эти формы, а затем добавить клювы, крылья и ноги.

К концу раздела каждый ученик создал как изображение птицы в пейзаже (с крайним передним планом, передним планом, средним планом, фоном, линией горизонта и перекрытиями), так и картину птицы крупным планом (с динамической композицией и фактурные мазки).

Еще полезные ресурсы:

Смотрели рисунки птиц по

художник Дебби Каспари

Однотонный танагер прихорашивается от Дебби Каспари

Вот блог Дебби Каспари:

Мы практиковали определение и отрисовку андерлаинга

фигур, из которых состоят все птицы.

Мы обсуждали, ПОЧЕМУ форма слезы для тела птицы распространена повсеместно. Изучение формы крыльев летящей птицы дало нам ключ к разгадке того, КАК птицы летают:

Две фотографии выше взяты из The Naturalist’s Miscellany, copyright 2011, Heather Hinam

Альбрехт Дюрер, Крыло синего ролика

В результате внимательного наблюдения студенты узнали, что каждая часть птицы имеет разные

.

размер, цвет и текстура пера, и что перья расположены в определенных узорах.

Каждый ребенок выбирал ссылки, которые им нравились, из большого набора фотографий и картин.

При рисовании эскизов птиц крупным планом ученики использовали приведенные ниже рабочие листы в качестве руководства.

До начала обучения большинство студентов либо пытались создать точную копию картины мастера, либо помещали свой предмет (в данном случае птицу) в центр страницы. Используя приведенные ниже листы для печати, я научил своих учеников создавать оригинальные, уникальные картинки с увлекательными композициями.

Используйте асимметричный баланс, чтобы создавать привлекательные фотографии и картины.Рабочий лист, созданный The Helpful Art Teacher, 2013 г., с использованием иллюстрации японской гравюры на дереве из цифровой библиотеки Метрополитен-музея.

Используйте «правило третей» (также иногда называемое «правилом трех») для создания динамичных фотографий и картин. Рабочий лист, созданный The Helpful Art Teacher, 2013 г., с использованием иллюстрации японской гравюры на дереве из цифровой библиотеки Музея искусств Метрополитен. Вот изображение иллюстрации в более высоком разрешении. Попробуйте распечатать его и добавить свои собственные линии сетки. Проанализируйте распечатки ваших любимых картин, чтобы увидеть, какие из них следуют «правилу третей», а какие нет. Распечатайте черно-белые версии известных картинок с низким разрешением и нарисуйте сетку прямо на изображении. Убедитесь, что изображение, которое вы используете, не было обрезано! Щелкните ссылку ниже, чтобы открыть замечательный веб-сайт с исключительными учебными пособиями и пошаговыми инструкциями, которые можно распечатать, о том, как рисовать реалистичных птиц; http: // www.johnmuirlaws.com/drawing-birds/attachment/how-to-draw-birds-2

Некоторые идеи для последующих уроков рисования:

Анимация птицы в полете.

Чтобы узнать, как создавать свои собственные анимации, щелкните здесь.

Студенты имели возможность внимательно изучить различные текстуры перьев птиц, используя мои фотографии:

Дикая птица на мгновение останавливается, Северный Нью-Джерси, фото предоставлено; Лайл Бут

Одна из замечательных особенностей искусства заключается в том, что нет единственно правильного способа нарисовать картину.Если бы группа одинаково талантливых художников села бы вместе и скопировала один и тот же рисунок птицы, каждый рисунок выглядел бы совершенно иначе. Чтобы увидеть удивительно разнообразную коллекцию изображений птиц разных художников, нажмите на ссылку ниже:

Джон Гулд (1804 — 1881) был английским орнитологом и птицей. художник. Он опубликовал много иллюстрированных книг о птицах. Он считался отец изучения птиц в Австралии. Его идентификация птиц сейчас по прозвищу «зяблики Дарвина» сыграли роль в зарождении Теория эволюции Дарвина путем естественного отбора.Ссылки на работу Гулда в книге Чарльза Дарвина «Происхождение видов». Источник: Ниже приведены некоторые образцы иллюстраций Джона Гулда:

Приведенные выше иллюстрации были взяты из его серии книг о колибри.

Ниже приведены ссылки на всю серию книг о колибри. Для того, чтобы скачать

или просмотрите конкретную иллюстрацию, просто нажмите на миниатюру:

Сравните работы современного художника Яяна Макартура…

… к рисункам из древнего Китая:

Обратите внимание, как художники разработали стилизованный словарь линий и узоров, наблюдая за настоящими птицами. Каждая часть тела имеет разный тип пера, представленный разным типом линий и текстурой.

Нажмите на ссылку ниже, чтобы получить доступ к коллекции раскрасок с птицами, которую вы можете использовать в качестве справочника для своих рисунков:

Мои собственные работы: Картины с птицами Рэйчел Винтемберг, «Полезный учитель искусств»

«Древо жизни» Рэйчел Винтемберг
Фрагмент из «Древа жизни»
«Райская птица» Рэйчел Винтемберг

Студент Художественная галерея

Студент 7 класса Акрил

Живопись

Детская галерея

Этот урок искусства подходит для детей от 7 лет до взрослых.

Эти акварельные картины были созданы в июле 2012 года детьми 7 и 8 лет в лагере «Горизонты» в Ливингстоне, штат Нью-Джерси.

Акварельная живопись 7-летнего ребенка в летнем лагере Camp Horizons, 2012 год. Эскиз птицы крупным планом. Этот ученик использовал технику акварели сухой кистью, чтобы воссоздать текстуру перьев. Она использовала асимметричный баланс, а также положительное и отрицательное пространство (notan), чтобы создать динамическое ощущение композиции в своей картине.Небо создано в технике мокрое по мокрому.

Акварельная живопись 7-летнего ребенка в летнем лагере Camp Horizons, Ливингстон, Нью-Джерси, 2012

Эта незаконченная картина была создана одним из моих учеников средней школы:

Незаконченная картина.

Эта ученица использовала технику сухой кисти, чтобы создать ощущение текстуры своего пейзажа.она использовала изогнутые мазки кисти, чтобы создать ощущение трехмерного объема в своем дереве, и наложения, чтобы создать ощущение глубины в ее ландшафте.

Этот незаконченный рисунок был создан одним из моих учеников средней школы.

Прекрасное чувство линии:

Основные стандарты содержания учебной программы штата Нью-Джерси, которые могут быть применены к этому уроку искусства:

1.1.5.D.1 Определять элементы искусства и принципы дизайна, очевидные в повседневной жизни.

1.1.8.D.2 Сравните и сопоставьте различные шедевры искусства из разных культур и определите элементы произведений, которые относятся к конкретному культурному наследию.

1.3.8.D.1 Включение различных элементов искусства и принципов баланса, гармонии, единства, акцента, пропорций и ритма / движения в создание двух- и трехмерных произведений искусства с использованием широкого спектра художественных средств массовой информации и искусства. средства для выражения творческих идей

Научные стандарты:

NJCCCS: 5.1 A-D, 5.2 E

NGSS: PS2A: Силы и движение; PS2B: Типы взаимодействий

Чтобы участвовать каждый 8 апреля в Международном дне рисования птиц (и узнать, как началась традиция рисования птиц 8 апреля), нажмите на ссылку ниже:

Щелкните ссылку ниже, чтобы узнать все о птицах и их идентификации от Корнельского университета:

Лучшие наборы кистей суми-э для начинающих для рисования тушью и каллиграфии — ARTnews.com

Равновесие, ясность, гармония, простота. Эти идеалы являются ключевыми в искусстве рисования суми-э. Эта древняя практика, японское название которой переводится как «рисование черными тушью», основана на принципе «меньше значит больше». Этот стиль появился во времена династии Тан (618–907 гг.) В Китае и заменил более ранние, более реалистичные стили в качестве предпочтительной техники. Он получил широкое распространение в династии Сун (960–1279) и в Японии XIV века после того, как был введен дзен-буддийскими монахами.Образы в картинах суми-э призваны раскрыть дух (называемый ци) природных форм, а не их буквальное подобие. Ученые сравнивают эту заботу о сущности над сходством с эстетическими идеалами импрессионизма. Для рисования суми-э требуются специальные кисти, сделанные из полностью натуральных материалов, и эти кисти сами могут быть произведениями искусства. Многие из них также подходят для тесно связанного с этим вида искусства сёдо или японской каллиграфии. Выберите подходящий набор, просмотрев наш обзор ниже.

1. Китайская кисть Diandiandidi для профессиональной каллиграфии и рисования суми-э

Набор кистей для рисования китайской тушью

Diandiandidi из восьми кистей — отличный универсальный выбор, который включает в себя бамбуковую обертку, чтобы держать ваши кисти в порядке и для удобства переноски. Гибкая и тонкая щетина состоит из шерсти ласки и козла, а также усов мыши, которые не линяют. Эти кисти — отличный выбор как для новичков, так и для профессионалов, они подходят для рисования листьев бамбука, пейзажей, рыб, цветов и птиц.

Купить: Китайская кисть Diandiandidi для профессионалов… 21,99 доллара США

2. Кисть для письма Corciosy Shanlian Hubi, кисть для каллиграфии, набор кистей для рисования Sumi

Эта линейка из 10 щеток от Corciosy включает в себя щетку для волос медведя, щетку для шерсти, три щетки для волос ласки и пять щеток из козьего и волчьего волос различных размеров. Разнообразные материалы щетины позволяют использовать различные стили нанесения маркировки. Как и продукт Diandiandidi, этот набор поставляется с бамбуковой оберткой, чтобы ваши кисти были организованы и портативны.Этот набор кистей идеально подходит для начинающих или профессиональных художников и каллиграфов.

Купить: Corciosy Shanlian Hubi Кисть для письма, каллиграфия… 25,99 долл. США

3. Кисть для китайской каллиграфии I-MART и Кисть для рисования / рисования Sumi-E

Эти универсальные кисти от I-MART идеально подходят для начинающих и преподавателей. В набор из трех кистей входят малая, средняя и большая кисть, поэтому вы можете наносить отметки разной плотности. При надлежащем уходе щетина не распускается и не осыпается.

Купить: Кисть для китайской каллиграфии I-MART и Sumi-E… 6,99 долл. США

4. Набор кистей суми для китайской каллиграфии Teagas

Элегантный набор кистей суми

Teagas — отличный вариант для начинающих мастеров суми-э и среднего уровня подготовки. Этот полный набор для рисования включает четыре кисти для каллиграфии, один чернильный камень, одну китайскую печать, одну подушечку из киновари для печати, чернильную палочку, подставку для кисти, фарфоровую чашу и небольшую ложку. Все эти материалы находятся в мягком футляре с защелкой, что делает его отличной подарочной коробкой или чемоданом для переноски.Создавайте аутентичные работы суми-э с красной печатью с помощью этого универсального набора для рисования.

Купить: Набор кистей суми для китайской каллиграфии Teagas 19,99 долл. США

5. Кисти для каллиграфии и суми от художника Хмаярта

Набор из трех комбинированных щеток для волос

Hmayart создан специально для рисования пионов суми-э и цветов, но маленькие, средние и большие кисти оставляют самые разные отметины. Как и другие рекомендуемые наборы, этот поставляется с бамбуковой пленкой, поэтому вы можете хранить свои кисти в безопасности и организовывать.

Купить: Кисти для каллиграфии и суми от художника Hmayart 49,99 долл. США

Что такое икебана? Возрождение японского искусства

В 15 веке, с внезапным распространением токонома и учений Сенденсё, практики икебаны начали процветать. Сначала возникла школа Икенобо, название которой относится к длинной череде священников в Киото, которые следовали буддийской традиции преподносить цветочные подношения в храме. За это время Икенобо Сенкей прославился своими искусными цветочными композициями; сегодня он считается первым мастером икебаны.

Светский стиль, который практиковал Сенкей, стал известен как Rikka , что означает «стоячие цветы». Этот тип икебаны состоит из семи основных элементов (а иногда и девяти), которые представляют собой смесь ветвей деревьев и двух или трех цветов — обычно используются сосна, хризантема, ирисы и самшит. Эти элементы традиционно объединены в декоративной китайской вазе для создания разрывающихся треугольных форм с высокими элементами в центре и более короткими, выступающими наружу. Чтобы основные элементы стояли вертикально без опоры, требуется высокий уровень технических навыков.Композиции Рикки считаются самыми грандиозными, но в то же время и самыми жесткими (даже по сегодняшним меркам). Первоначально они предназначались для храмов, а затем были обнаружены в королевских дворцах и величественных домах богатых.

В то же время, более скромный подход к цветочной композиции также набирал популярность как расширение дзен-буддизма и эстетики ваби-саби и чайной церемонии, которая выросла из его основных принципов. Самый известный чайный мастер Японии Сен-но Рикю привнес признание несовершенной и скромной эстетики в свои чайные церемонии, в том числе с использованием цветов.Вместо того, чтобы создавать чрезмерные аранжировки в стиле Рикка, Рикю предпочитал минималистичные одностебельные композиции, такие как утренняя слава, помещенная в простую вазу, сделанную местным ремесленником.