Grisaille – это картина, выполненная полностью в оттенках серого или другого нейтрального сероватого цвета. Он особенно используется в больших декоративных схемах для имитации скульптуры. Многие гриасилы включают в себя несколько более широкий цветовой диапазон, как показано на фреской Андреа дель Сарто. Картины, выполненные в коричневом цвете, называются brunaille, а картины, выполненные зеленым цветом, называются verdaille.

Гризайль может быть выполнена сама по себе, как подкраска для масляной живописи (для подготовки к остеклению слоев цвета над ней), или как модель для гравера для работы. «Рубенс и его школа иногда используют монохромные методы в набросках композиций для граверов». Полная окраска предмета предъявляет гораздо больше требований художника, а работа в гризайле часто выбирается как более быстрая и дешевая, хотя эффект иногда преднамеренно выбирается по эстетическим соображениям. Картины Грисайла напоминают рисунки, как правило, в монохромном, что художники эпохи Возрождения были обучены производить; как и рисунки, они также могут выдавать руку менее талантливого помощника легче, чем полностью окрашенная живопись.

Джотто использовал гризайль в нижних регистрах своих фресок в Часовне Скровеньи, а Роберт Кампин, Ян ван Эйк и их преемники рисовали гризайльные фигуры на внешних крыльях триптихов, в том числе Гентский алтарь. Первоначально это были стороны, демонстрирующие большую часть времени, так как двери обычно закрывались, за исключением праздничных дней или по (оплачиваемой) просьбе туристов. Однако сегодня эти изображения часто невидимы в музеях, когда триптих отображается открытым и плоским против стены. В этих случаях предполагалось подражать скульптуре; скульптура была еще дороже, чем живопись даже топ-мастером.

Освещенные манускрипты часто выпускались в ручке и стирались с очень ограниченным цветовым диапазоном, и многие художники, такие как Жан Пуселл и Мэтью Париж, специализировались на такой работе, которая особенно распространена в Англии с англосаксонских времен. Художники эпохи Возрождения, такие как Мантенья и Полидоро-да-Караваджо, часто использовали гризайль в качестве классифицирующего эффекта, как в подражании эффекту классического скульптурного рельефа, так и римской живописи.

В Низких Странах непрерывная традиция картин гризайи прослеживается от ранне-нидерландской живописи до Мартина Хемскерка, Питера Брейгеля Старшего (Христа и Женщину, принятой в прелюбодеянии) и Хендрика Гольциуса, и через обильный выход Адриана ван де Венна, чтобы круг Рембрандта и Ян ван Гойен.

На потолковых фресках Сикстинской капеллы есть части дизайна в гризайле, а также нижняя часть декорации большой лестницы Антонио Веррио в Хэмптон-Корте.

Grisaille – это техника, которая использовалась, в частности, для средневековой окраски панелей. Примером этого является алтарь Хеллера, написанный Маттиасом Грюневальдом и Альбрехтом Дюрером. Фон Грюневальд производит крылья с крыльями, на которых святые, написанные в Грисайле, выглядят как скульптуры в стенных нишах.

В технике остекления первый слой метода гризайля используется для описания и захвата фигур и света в живописи независимо от более поздней цветовой схемы. После высыхания этого первого слоя слой grisaille окрашивается в прозрачные слои, так что свет от форм и цветов производится отдельно друг от друга. Чтобы воспроизвести более реалистичные оттенки человеческой кожи, ренессансная живопись в образных изображениях также использовала монохромный светло-зеленый первый слой краски, который дал этому варианту название Verdaccio. Таким образом, эта техника окраски соответствует типичному тону кожи.

Известным примером рисования гризайла является проповедь Иоанна Крестителя Рембрандта в Staatliche Museen zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz, написанная около 1634/35. В XX веке Герника Герцога Пабло Пикассо и Герхард Рихтер 18 октября 1977 года продемонстрировали современное использование этой формы живописи.

В эпоху барокко картина гризэйла была типичной для декоративного украшения реформатских церквей, поскольку, в отличие от полихромной живописи или штукатурки, она соответствует требованию Zwinglian простоты. Известными примерами этого являются церковь Грянихен или церковь Беттеркинден. Кроме того, в католических церквях и монастырях были также распространены мраморные арабески и другие орнаментальные или фигурные мотивы.

Техника Грисайла в живописи с акварелью и гуашью также использовалась в конце 19-го и начале 20-го веков; особенно в пейзажной живописи, в качестве шаблона для черно-белой печати с надписью, поскольку цветная печать для этого не была или не только литографией. Например, для фотографий в ежегодниках Alpenvereins и журналах, таких как Illustrierte Welt. Исполнители были известными художниками, такими как Зено Димер и Э. Т. Комтон.

Grisaille, менее распространенный в 20-м веке, продолжается как художественная техника. Картина Пабло Пикассо Герника – один из современных примеров.

Хьюго Бастидас – современный американский художник, известный черными и белыми картинами, которые имитируют эффект гризайла и часто напоминают черно-белые фотографии. Картины Бастидаса часто ссылаются на архитектуру, воду, растительность и историю искусства и отражают его заботу о состоянии человека, глобализации и их влиянии на благополучие Земли. Вернувшись в Нью-Йорк из Fulbright Fellowship в своем родном Эквадоре в начале 1990-х годов, Бастидас начал использовать ограниченную цветовую палитру черно-белого. Его средне- и крупномасштабные картины ссылаются на черно-белую фотографию и характеризуются контрастными зонами высокой и низкой детализации. Сделав тысячи меток с щеткой для щетины размером № 1 на белье, заправленной кроличьим клеем, Bastidas достигает высокого уровня определения изображения. Он также работает в области цифровой фотографии, которая информирует его предмет без рендеринга фотореалистичного эффекта.

С акцентом 20-го века на прямую (алла-приму) живопись техника гризайла потеряла пользу у художников того периода. Этот исторический метод все еще включен в учебную программу некоторых частных ателье.

Этот термин также применяется для монохромной окраски в других средах, таких как эмали, где может быть предусмотрен эффект, подобный рельефу в серебре.

Error 404 — Сайт о культурологии. Полезная информация для студентов при подготовке и сдаче экзаменов.

Что такое культорология?

Культурология – это инновационная междисциплинарная область исследований и преподавания, которая исследует способы, которыми «культура» создает и трансформирует индивидуальный опыт, повседневную жизнь, социальные отношения и власть. Исследования и преподавание в этой области исследуют отношения между культурой, понимаемой как выразительная и символическая деятельность человека, и культурой, понимаемой как особый образ жизни. Объединяя сильные стороны социальных и гуманитарных наук, культурология опирается на методы и теории из литературоведения, социологии, коммуникационных исследований, истории, культурной антропологии и экономики. Работая через границы между этими областями, культурология изучает новые вопросы и проблемы современного мира. Вместо того, чтобы искать ответы, которые будут иметь место на все времена, культурология разрабатывает гибкие инструменты, которые адаптируются к этому быстро меняющемуся миру.

Основные культурологические школы

Культурная жизнь связана не только с символическим общением, но и с той областью, в которой мы сами ставим перед собой коллективные задачи и начинаем бороться с ними как с изменяющимися сообществами. Культурные исследования посвящены пониманию процессов, посредством которых общества и различные группы в них приходят к согласию с историей, общественной жизнью и проблемами будущего.

Культурология прослеживает связь между эстетическими, антропологическими и политико-экономическими аспектами культурного производства и воспроизводства. Ученые и практики в области культурологии часто начинают свои исследования с того, что подвергают сомнению общее понимание, убеждения и истории, которые формируют наш мир. Этот тип исследования предполагает, что культура не факт, который нужно понимать и объяснять. Что требует внимания, так это то, как культура представляет собой разнообразные миры и как ее можно мобилизовать для изменения этих миров.

Теоретические подходы к пониманию природы культуры

Культурология опирается на междисциплинарные исследования по формированию знаний, власти и различий. Ученые и практики-исследователи в области культуры изучают особенности расы, класса, способностей, гражданства, пола и сексуальности, пытаясь понять структуры и практики господства и сопротивления, которые формируют современные общества. В рамках этого исследования появляется много разных тем: повседневные практики, которые структурируют создание и получение культурных артефактов; отношения между производителями и потребителями при обращении мировых товаров; претензии на членство в отдельных общинах по мере их трансформации.

Далее … УЧЕБНЫЕ МАТЕРИАЛЫ

Роспись в стиле Гризайль

Техника гризайль известна с античности, получила широкое развитие в периоды Средневековья, Готики, а также Северного Возрождения. Гризайль является видом живописи, выполняемой одним цветом, чаще всего серым. Основа – это тональные градации, игра цвета и тени, достигаемые при помощи полутонов, а также сочетания с белым цветом. Фактически в гризайли  важен только тон предмета, а не его цвет.

Изначально данный вид живописи использовался для имитации скульптурных рельефов на стенах, применялся при разноплановом декоре интерьера. При этом очень важна была точность исполнения для достижения эффекта объемного изображения. Данные архитектурные детали в сочетании с многоцветной росписью обеспечивали невероятную красоту. При этом было практически невозможно отличить скульптуру от живописи.

Со временем техника гризайль стала использоваться в качестве дополнительного метода при создании эскизов и написании полотен, ее стали применять в станковой живописи. Позже данная техника  переросла в самостоятельный вид живописи.

Сегодня помимо живописи и архитектуры, техника гризайль широко используется в декоративно-прикладном искусстве, производстве витражей. С ее помощью печатают рисунки на тканях и других материалах (набивка), часто применяют в гравюрах.

Использование техники гризайль в живописи

Данная техника достаточно сложна, но позволяет получать удивительные картины с применением всего одного цвета за счет сочетания света, полутонов и тени. Данный вид монохромной живописи использовал Пабло Пикассо, Рембрандт и многие другие известные художники.

Художник, владеющий техникой гризайль, способен используя основной цвет с белым создать очень точные тональные отношения, обыграв при этом все нюансы произведения. В итоге ощущается не только неповторимый колорит, но и окраска каждого предмета. Более того, произведения в стиле гризайль позволяют дать волю фантазии, представляя изображение в индивидуальной цветовой интерпретации.

Использование техники гризайль в архитектуре

Благодаря использованию данной методики живописи, в том числе в сочетании с многоцветной росписью, возможно создание элементов архитектурной иллюзии, которые практически невозможно отличить от настоящих скульптур или арок. Например, в некоторых залах Эрмитажа потолки и стены выполнены в технике гризайль, что позволяет визуально наблюдать полностью реалистичные скульптуры под сводами, атриумы и резные стены.

Данная техника позволяет имитировать следующие архитектурные элементы и детали:

• скульптуру;
• барельефы;
• лепнину;
• колонны;
• кессоны;
• бордюры;
• арки.

Как и на картине, в архитектуре особо важна передача света, полутонов, теней, рефлексов. Именно данные факторы обеспечивают иллюзию подлинности. С другой стороны, профессионально выполненное произведение в гризайли не позволяет забыть, что перед  нами живопись, орнаментная роспись, а не скульптура.

Когда создается архитектурная гризайль, используется всего несколько колеров (заготовленных тонов), каждый из которых соответствует строго определенной градации света. Кроме того, при создании каждого колера учитывается, какой тип материала имитируется, как создаваемая композиция соотноситься со всем архитектурным ансамблем. И самое важное – учитывается расстояние, с которого законченное произведение будет представлено вниманию.

Уникальность произведений, созданных по технике гризайль

В итоге всегда получается шедевр, очаровывающий кажущейся простотой. На самом деле передача ощущения цветного изображения с использованием удивительного сочетания оттенков одного цвета — это сложная задача, но результат стоит затраченных усилий, он всегда просто завораживает. Данный вид живописи позволяет фантазировать, додумывая изображение, представляя его в собственной цветовой гамме.

Примеры работ в стиле Гризайль

Похожие публикации:

Классификация произведений изобразительного искусства в зависимости от носителя. | by Дмитрий Некрасов

Аннотация: Статья посвящена структурированию и систематизации современных художественных произведений искусства в зависимости от среды их создания, технологий и материалов. Приводится сравнение возможностей и особенностей традиционного и цифрового искусства, а также их различных гибридных сочетаний.

Ключевые слова: Цифровое, традиционное, гибридное, пространственное, интерактивное, плоскостное, графика, живопись, скульптура.

Сегодня в результате стремительного развития компьютерных технологий в профессиональной художественной среде возникают проблемы в определении технологии создания художественного произведения и его эстетической оценки. Часто оцениваются технологические аспекты создания работы, а не созданный художником образ, а также идея, положенная в основу произведения.

Появляются похожие друг на друга термины: «цифровое», «компьютерное», «нематериальное», «классическое» «традиционное», происходит путаница в классификации комплексных художественных работ, совмещающих в себе как традиционные, так и цифровые техники.

Я предлагаю классифицировать виды современного искусства по принципу использования или совмещения материалов и техник при их создании.

Изобразительные виды искусства — это исторически сложившиеся формы творческой деятельности, реализующие визуально–концептуальные образы и различающиеся способами их материального воплощения.

Сложившаяся сегодня система классификации изобразительного искусства, построенная на принципах традиционных, академических художественных техник, с трудом включает в себя новые виды творчества, созданные при помощи современных технологических средств.

Прежде чем перейти к описанию каждого раздела классификации, хочу подчеркнуть, что вне зависимости от технологии создания в любом случае задача для художника остается неизменной — донести до зрителя идею произведения с помощью создания художественного образа. Использованный в процессе работы материал может диктовать определенную стилистику и нести дополнительную информацию, но не влияет на финальный смысл произведения.

​

Общее деление современного изобразительного искусства на три основные группы.

1.1 Традиционное — это произведение искусства, подлинник которого был изначально создан как материальный физический объект, не изменяющийся во времени и пространстве, и не являющийся интерактивным. Традиционное искусство всецело основывается на художественных академических традициях классической школы живописи, скульптуры, графики, наследует их инструментарий, методики, технические приемы.

Сегодня по отношению к цифровым искусствам традиционное также называют «аналоговым».

1.2 Цифровое — это произведение искусства, подлинник которого изначально был создан полностью в цифровой среде.

Цифровое искусство использует новые, нематериальные, гибкие инструменты, но все так же базируется на принципах традиционного искусства, используя все те же художественные законы. Цифровая живопись остаётся сложной системой цвето–тональных отношений; к эскизу, созданному цифровым способом, применяются все те же требования композиции и перспективы.

Кроме того, что оно нематериально, цифровое искусство обладает главными и уникальными отличиями от традиционного искусства — возможностью меняться во времени и быть интерактивным — изменяться при участии зрителя.

Цифровое искусство это наиболее открытая система, развивающаяся в контексте всего искусства и активно взаимодействующая с аналоговым искусством, оказывая на него большое влияние. Открываются и становятся доступными почти любые материалы и достижения техники и науки, художники могут экспериментировать и не ограничиваться временными и пространственными рамками, есть возможность поместить свои работы в новую виртуальную среду, где нет ограничений. В первую очередь подверглись влиянию цифровых искусств наиболее традиционные виды изобразительного искусства — живопись, графика, скульптура. В цифровом искусстве появляется проблема определения подлинника произведения и авторства, учитывая легкую возможность копирования произведения в виртуальной среде.

1.3 Гибридное — это произведение искусства, созданное с помощью совмещения цифровых и материальных технологий, современных и традиционных техник. На разных этапах создания, произведение может быть нематериальным, находясь в цифровой среде, потом может быть переведено в физический объект (быть напечатано) и доработано материальными художественными инструментами, аналогично смешанным техникам в традиционной живописи или графике, как, например, доработка пастелью и карадашами акварельной подложки или сочетание фотографии и масляной живописи.

Фотография помогала художникам с начала XX века в сборе материала к живописным работам, а цифровые технологии сегодня позволяют с легкостью экспериментировать и искать новые способы выражения своих замыслов.

Гибридное искусство, аналогично традиционному, имеет предметную плоскостную форму, не изменяющуюся во времени и пространстве.

Три основных современных способа воплощения произведений искусства я предлагаю разделить на второстепенные и третьестепенные группы, основываясь на принципах их создания.

​

Традиционное искусство я обобщаю и разделяю на плоскостные и пространственные произведения.

2.1 Плоскостное традиционное искусство

— группа видов художественного творчества, воспроизводящих изображение и художественный образ на плоскости (на бумаге, холсте, стене и т.д.). К категории плоскостного искусства относятся живопись, графика, фотография .

Графика — (в переводе с греческого «графо» — «пишу, рисую») это, прежде всего изображение с помощью линий, штрихов, тональных пятен и цвета на плоскости. В понятие «графика» включаются также художественные печатные произведения — гравюра, литография, книжная иллюстрация, оригинал которых специально был создан для последующего копирования. В графике тон и цвет бумаги может играть важную роль при создании произведения. Графическое решение произведения может быть цветным или монохромным.

Существует широкий ассортимент художественных инструментов для создания графических работ. Пастель и уголь, графитные карандаши, перья и кисти, акварель, фломастеры позволяют добиться различных визуальных результатов.

Живопись — изображение образа на плоскости при помощи масляных, акриловых, темперных, гуашевых красок. В живописи делается упор на использования цвета, как драматического инструмента. Технология масляной живописи дает возможность точного подбора цвета,

Существуют два основных вида живописи: монументально–декоративная (фреска, мозаика, витраж) и станковая.

К станковой живописи относят произведения, существующие независимо от места создания. Картины пишутся на специально подготовленном холсте, натянутом на раму или наклеенном на картон; на прогрунтованном картоне; в прошлом широко применялись деревянные доски.

Есть также прикладные техники, когда живопись взаимодействует с другими искусствами — театрально–декорационное искусство. Особыми видами живописи являются: иконопись, миниатюра.

В конце XIX века академические тенденции живописи подверглись переосмыслению, появились новые направления, такие как импрессионизм, использующий декоративные приемы.

В XX веке характер живописи меняется под влиянием средств технического прогресса (появление фотографии и кино аппаратуры), что впоследствии приводит к появлению новых форм искусства — например, мультимедийному искусству.

Фотография — Слово образовано от греческих слов Phos (photos) — свет+ grafo — пишу. Это искусство основывается на техническом прогрессе, посредством фотоаппарата воспроизводит на плоскости контур и форму предмета, используя свет и тени.

Творческий процесс создания художественной фотографии заключается в поиске и выборе темы, композиции, освещения и момента (или моментов) фотоснимка, и последующей обработки готового кадра.

Специфика фотоискусства — в изобразительном образе документального значения. Фотография запечатлевает динамический момент времени в качестве статичного, плоскостного изображения.

2.2 Пространственное традиционное искусство

— существуют две основные его разновидности: объемная трехмерная (круговая) скульптура и рельеф (а также барельеф).

Круглая скульптура — изобразительное искусство, оперирующее пластическими образами, которые существуют в пространстве, не меняясь и не развиваясь во времени, имеют предметный характер, выполняется путём обработки вещественного материала, имеют осязательную силу и воспринимается зрителем непосредственно и визуально.

Специфика скульптуры отражается в ее содержании и выразительных средствах — в выборе материала для ее исполнения. Основными материалами, применяемыми в скульптуре, являются камень, бронза, мрамор, дерево, гипс. Новые технологии позволяют позволяют использовать сталь, пластик, бетон и другие материалы.

Наряду с термином “скульптура” (от латинского sculpere — вырезать, высекать), употребляется, как равнозначное, слово “пластика”, происходящее от греческого pladzein, что значит «лепить». Первоначально, в узком смысле слова, под скульптурой понимали ваяние, высекание, рубку — потому что процесс создания скульптуры фактически заключается в отсечении всей лишней массы от выбранного материала; остается только необходимая форма.

Под пластикой понимают противоположный ваянию путь создания скульптурного произведения — лепку из глины или воска, при которойавтор не убавляет, а, наоборот, наращивает объем и форму.

У скульптуры своя особая специфическая задача, чем-то схожая с архитектурой — организация пространства вокруг себя. Скульптура должна «смотреться» с любой точки: форма заворачивается при смене ракурса и взгляд следует дальше и дальше по поверхности работы. Скевоморфизм тоже имеет место: в скульптуре возможны подражания текстурам и другим материалам за счет воспроизведения их фактуры и даже тактильных ощущений.

Рельеф (а также горельеф и барельеф) включает в себя все свойства трехмерной скульптуры, компонуя их на плоскости с различными степенями объемности. Рельеф подразумевает определенную точку обзора.

​

Цифровая среда предоставляет произведениям искусства гибкие возможности для копирования, изменения во времени, сочетания пространственных и плоскостных техник, интерактивности. Именно поэтому цифровое искусство имеет так много третьестепенных и даже четверостепенных групп.

Произведения цифрового искусства представлены в материальном мире как плоскостные, так как отображаются на плоскости мониторов, но статичное и пространственное цифровое искусство может быть впоследствии воспроизведено как материальный объект, в качестве копии, отпечатанной на бумаге, или трехмерной модели, отпечатанной на 3D принтере. (Ерохин С.В. Цифровое компьютерное искусство. / С.В. Ерохин — Алетейя, 2011. — С. 19–25, Erohin S.V. Cifrovoe komp’juternoe iskusstvo. [Computer digital art] Aletejja, 2011. pp. 19–25)

3.1 Статичное цифровое

произведение искусства классифицируется по методу создания:

3.1.1 Растровая графика — является цифровым аналогом традиционной живописи и имеет технологические возможности для работы с цветом, тоном, композицией. Инструментарий растровых цифровых редакторов имеет много аналогий с реальными традиционными инструментами художника. Цифровая растровая живопись работает по всем тем же законам композиции, цвета и тона, что и традиционный аналог.

Растровая графика состоит из сетки пикселей, количество которых влияет на четкость и качество изображения. (David Hockney’s iPad Paintings Take Over Major Museum Exhibition / Huffington post, интернет газета, 2013. URL: (дата обращения 12.10.2014)

​

3.1.2 Векторная графика является цифровым аналогом традиционной графики и состоит из точек и соединяющих их линий, залитых областей. Четкость рисунка, геометричность, плавность линий позволяют создавать цифровые чертежи, офорты, зарисовки.

Векторная графика не теряет четкости и качества при масштабировании, может быть без потерь материализована на бумаге.

3.1.3 Фрактальная графика не основывается на классических художественных традициях. Управление созданием фрактальной графики происходит за счет построению формулы с помощью привычного графического интерфейса. Графику, полученную таким образом, можно сравнить с традиционными беспредметными орнаментами. Также фрактальную графику можно назвать аналогом беспредметной, абстрактной живописи.

Фрактальную графику, в отличие от растровой и векторной, можно назвать менее вещественной, более самобытной и существующей изначально как вид искусства исключительно в цифровой среде, обладая особым и важным свойством — он непредсказуем для создателя.

3.1.4 Фотография с постобработкой в цифровой среде. Подлинник такой работы изначально может быть создан в цифровой среде, с помощью цифрового фотоаппарата или быть отсканированным с бумаги или пленки аналоговым снимком, созданным механическим фотоаппаратом.

С помощью цифрового редактирования снимка, можно усилить нужные драматические черты, скорректировать тон, цвет и композицию снимка, добиться нужного образного решения.

3.2 Динамическое цифровое искусство

— включает в себя все элементы статичного цифрового искусства, оперирует ими во времени и предлагает зрителю возможность изменять произведение.

3.2.1 Интерактивное динамическое

Интерактивная живопись/графика берет за основу статичное цифровое искусство, и реагирует на зрителя, изменяясь в зависимости от его действий (изменение точки перспективы в зависимости от положения зрителя, использование дополнительных звуковых эффектов, возможности масштабирования, редактирования произведения зрителем.) При этом произведение отображается на плоском жидкокристаллическом мониторе или проецируется посредством проектора, используя камеры, микрофоны, датчики движения для отслеживания зрителя.

Интерактивное кино/видео произведение

— это искусство воспроизведения на экране движущихся изображений, создающих впечатление живой действительности но при этом меняющих последовательность сюжета в зависимости от действий зрителя. К классическому кино — синтетическому произведению искусства, включающему в себя литературу (сценарий), живопись и графику (декорации, цветовое решение, композицию), театральному искусству (игра актеров), музыке, добавляется вариативность сюжетной линии, где выборы в развилках сюжета осуществляет зритель.

При этом произведение отображается на плоском жидкокристаллическом мониторе или проецируется на стену, реагируя на команды зрителя.

Интерактивная 3D скульптура с элементами анимации — Трехмерная цифровая модель демонстрируется на плоском мониторе или проецируется, реагируя на зрителя, перемещением в трехмерном цифровом пространстве, таким образом делая зрителя участником экспозиции. Это может быть скульптурный трехмерный цифровой портрет, который зритель может поворачивать, изменять, запускать циклы анимации.

3.2.2 Динамическое временное искусство

— существует в определенных временных рамках и может быть зациклено. В эту категорию входит цифровая покадровая, перекладочная или трехмерная анимация. Включает в себя и синтезирует все принципы традиционного искусства.

Цифровая живопись/графика с элементами анимации

— берет за основу статичное цифровое художественное, и добавляет к нему короткие зацикленные элементы анимации. Таким образом можно добится нового художественного эффекта, «оживить” элементы статичного изображения, развивать его во временном отрезке.

Цифровая перекладочная / покадровая / 3D анимация

— основывается на художественном и стилистическом видении художника, добавляя драматическую составляющую и развиваясь, изменяясь во времени. Фактически, стилизованная иллюстрация оживает, обретает свой собственный мир и историю. Учитывая современные технологии, анимация может быть воплощена в цифровом виде в покадровой, перекладочной технике, используя растровую или векторную графику, а также полностью или частично в трехмерной графике.

Цифровой анимационный фильм может иметь интерактивные элементы, изменяясь во времени при участии зрителя.

3.2.3 Пространственное временное.

Трехмерные цифровые архитектурные макеты и модели

Цифровые трехмерные модели архитектурных объектов являются аналогами традиционных объемных макетов, использующихся в творческом процессе архитекторов, дизайнеров интерьеров. Цифровая модель позволяет искать нужный объем и форму, а также высчитывать точные размеры и отношения. Трехмерная модель находится в пространстве, и является динамически интерактивной, не имея четко уставленных ракурсов. Трехмерный макет, созданный в цифровой среде, может быть отпечатан на 3Д принтере и тем самым быть переведенным в физический формат.

Трехмерная цифровая круглая скульптура

Процесс создания трехмерной цифровой скульптуры по методике приближен к традиционному — из общей, грубой формы моделируется объект, убирается все лишнее.

Инструментарий для создания цифровой скульптуры позволяет имитировать различные фактуры материалов, выставлять освещение объекта для лучшего понимания рельефности, имеет различные инструменты для воздействия на форму — сжатие, разрезание, вдавливание, сглаживание. Учитывается сила нажатия пера на графический планшет для определения силы увеличения или уменьшения объема. Фактически художник рисует объем на плоскости экрана.

Трехмерная скульптура находится в пространстве, и является динамически интерактивной, не имея четко уставленных ракурсов, она может быть отпечатана на 3Д принтере и тем самым быть переведена в физический формат.

Трехмерный цифровой рельеф

— включает в себя все свойства трехмерной цифровой круглой скульптуры, компонуя их на плоскости с различными степенями объемности. Рельеф подразумевает определенную точку обзора. Цифровой рельеф может быть отпечатан на 3Д принтере и тем самым быть переведен в физический формат.

​

Для произведений искусства, совмещающих традиционные и цифровые способы создания в начале 90-х годов художником Юдифом Монкрифом был предложен термин «tradigital», совмещающий в себе термины «traditional» и «digital». Эта категория — связующее звено между традиционным, академическим и цифровым техническим искусством.

Совмещение цифрового и материального искусства стоит рассматривать как смешанные техники в традиционном искусстве, которые предполагают использование разных материалов (акварельные работы с доработкой пастелью или карандашами, совмещение туши и гуаши и т.д.) для достижения определенного эстетического эффекта. Категория «гибридное» так же имеет предметную форму, не изменяющуюся во времени и пространстве.

Появление масляной живописи дало широкие технические возможности и способствовало развитию искусства; как фотография помогала художникам с начала XX века в сборе материала к картинам, так и цифровые технологии помогают современным художникам в выполнении работ и в поиске новых материалов и способов выражения своих замыслов.

Гибридное искусство подразделяется на плоскостное и пространственное.

4.1 Плоскостное

— группа видов художественного творчества, воспроизводящих изображение и художественный образ на плоскости (на бумаге, холсте, стене, мониторе, экране и т.д.).

​

4.1.1 Традиционная, классическая живопись или графика, в процессе создания которой частично используются цифровые средства

— Художник может создать подмалевок для живописного произведения на компьютере, обозначив композицию, тональные пятна, и отпечатав подмалевок на холсте, продолжить работу поверх него масляными красками.

Существует возможность проецирования цифрового наброска на физический холст с помощью проектора, перенося и дорабатывая изображение на холсте красками. Такая техника является аналогом камеры Обскура, использованной Вермеером при создании своих полотен. Также художник может использовать цифровые фотографии как тематический материал при создании традиционного произведения искусства.

4.1.2 Цифровая живопись или графика, в процессе создания которой частично используются традиционные художественные техники

— Произведение может быть начато на бумаге или холсте с помощью традиционных инструментов, потом сфотографировано или отсканировано, перенесено в цифровую среду и доделано цифровыми средствами. В дальнейшем произведение может существовать как полностью в цифровой среде, так и быть отпечатанным на бумаге или холсте.

Цифровое произведение искусства, при создании которого были использованы фотографии реальных физических объектов, материальные фактуры или текстуры также считается гибридным.

4.1.3 «Жикле» — цифровая репродукция традиционного произведения, напечатанная на принтере, и обработанная традиционными художественными методиками, для имитации «материальности». На цифровом отпечатке создается имитация красочного слоя, кракелюров, мазков. «Жикле» изначально позиционируется как высококачественная репродукция, выпущенная ограниченном тиражом, для печати подбирается материал, максимально приближенный к оригиналу (плоттерные холсты разной зернистости, фактурная бумага).

4.1.4 «Псевдоцифровое»

— С появлением медийного и веб пространства появилась возможность экспонировать работы в цифровой среде. Так появилась категория «псевдоцифровое искусство». Как правило это традиционная графика или живопись изначально созданная на материальном носителе для последующей публикации в цифровой сети.

4.2 Пространственное гибридное

— в итоге может существовать как материальное или как цифровое произведение искусства.

4.2.1 Трехмерная модель, созданная в цифровой среде и переведенная в материальный объект с помощью печати на 3Д принтере — такое произведение становится материальным, пространственным, но созданным изначально с помощью цифровых технологий.

4.2.2 Материальный пространственный объект, оцифрованный с помощью 3D сканера и переведенный в цифровой формат, является цифровым пространственным произведением, созданным изначально как материальный объект.

4.2.3 Интерактивная скульптура или инсталляция — Материальный скульптурный объект реагирует и изменяется, отслеживая информацию о действиях зрителя с помощью электронных датчиков движения, камер.

Вывод:

Многообразие техник и возможностей их сочетания предоставляет множество способов для реализации творческих идей. Современный художник должен владеть как цифровыми, так и традиционными инструментами, технологически упрощая процесс создания произведения, и обогащая его информационно. Нужно понимать особенности и преимущества каждого творческого метода, для поиска эффективных сочетаний.

Компьютер не способен создать художественный образ, а традиционные техники не обладают многими возможностями и точностью цифровой среды, но именно их сочетание может дать неожиданный и богатый эстетический результат.

Я надеюсь, что классификация, приведенная мной, поможет более адекватно определять место произведения искусства в современной медиа среде, оценивая эстетические качества вне зависимости от художественных техник.

3.Скульптура

 1.Жи́вопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на твёрдую или гибкую основу; созданием изображения с помощью цифровых технологий; а также произведения искусства, выполненные такими способами.Наиболее распространены произведения живописи, выполненные на плоских или почти плоских поверхностях, таких как натянутый на подрамник холст, дерево, картон, бумага, обработанные поверхности стен и т. д. В том числе к живописи относят и выполненные красками изображения на декоративных и церемониальных сосудах, поверхности которых могут иметь сложную форму. Техники живописи практически неисчерпаемы. Всё, что оставляет какой-либо след на чём-то, строго говоря, является живописью: живопись создаётся природой, временем и человеком. Это уже отметил Леонардо да Винчи.Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная (с яйцом), настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной живопись масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Краски могут приготовляться из натуральных и искусственных пигментов.Гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи.Живопись может быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе на теле животного или человека — татуировки), на металле, на асфальте, бетоне и т. д., и т. п.Живопись встречается и соседствует с пластическими искусствами, в том числе с архитектурой, скульптурой; она может участвовать в формировании искусственной и природной среды.Живопись, как и другие изобразительные искусства, иллюзорна: она — это имитация трёхмерного пространства в плоскости, достигаемая посредством линейной и цветовой перспективы. Но её визуальный и к тому же цветовой аспект (глаз воспринимает в одно мгновение практически бесконечную информацию) обуславливает исключительное место живописи среди всех изобразительных искусств. Жанры живописиАрхитектурная живопись;Анималистическая живопись;Декоративные: декорационная живопись, аллегорическая живопись, монументальная живопись и др.;Исторические: историческая живопись, батальная живопись, документальная живопись и др.;Культовые: религиозная живопись, мифологическая живопись и др.;Бытовые: бытовая живопись, натюрморт, пейзажная живопись, портретная живопись и др;Абстрактная живопись, беспредметность .

2.Графика— вид изобразительного искусства, использующий в качестве основных изобразительных средств линии, штрихи, пятна и точки. обычно используют не больше одного цвета (кроме основного черного), в редких случаях — два). Кроме контурной линии в графическом искусстве широко используется штрих и пятно, также контрастирующие с белой поверхностью бумаги — главной основой для графических работ. Наиболее общий отличительный признак графики — особое отношение изображаемого предмета к пространству, роль которого в значительной мере выполняет фон бумаги. Наиболее древний и традиционный вид графического искусства — рисунок, истоки которого можно видеть в первобытных наскальных изображениях и в античной вазописи, где основу изображения составляют линия и силуэт. В задачах рисунка немало общего с живописью, а границы между ними подвижны и в значительной мере условны: акварель, гуашь, пастель и темпера могут использоваться как для создания собственно графических, так и живописных по стилю и характеру произведений. Графическое искусство включает в себя как собственно рисунок, так и печатные художественные произведения (гравюру, литографию и др.), основывающиеся на искусстве рисунка, но обладающие собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями. В графике наряду с завершёнными композициями самостоятельную художественную ценность имеют и натурные наброски, эскизы к произведениям живописи, скульптуры, архитектуры (рисунки Микеланджело, Л. Бернини в Италии, О. Родена во Франции, Рембрандта в Голландии, В. И. Баженова в России). В зависимости от предназначения графика подразделяется на несколько видов.Станковая графика (станковый рисунок, эстамп)Книжная графика (иллюстрации, виньетки, заставки, буквицы, обложка, суперобложка и т. п.)Журнальная и газетная графикаКомпьютерная графикаПрикладная графика (художественное оформление предметов быта, плакат)Промышленная графика.в станковой печатной графике — лубок, а в газетно-журнальной — карикатура. Относительно молодой областью графики является также плакат.

 — вид изобразительного искусства, произведения которого имеют материальный трехмерный объем. Сами эти произведения {статуи, бюсты, рельефы и т.  п.) также называют скульптурой.Скульптура делится на два вида: круглая, свободно размещающаяся в реальном пространстве, и рельеф (барельеф и горельеф), в котором объемные изображения располагаются на плоскости. Скульптура бывает по своему назначению станковой, монументальной, монументально-декоративной. Отдельно выделяется скульптура малых форм.По жанрам скульптура разделяется на портретную, бытовую (жанровую), анималистическую, историческую и др. Скульптурными средствами могут быть воссозданы пейзаж и натюрморт. Но главным объектом для скульптора является человек, который может быть воплощен в разнообразных формах (голова, бюст, статуя, скульптурная группа).Технология изготовления скульптуры обычно сложная и многоэтапная, сопряжена с большим физическим трудом. Скульптор вырезает или высекает свое произведение из твердого материала (камня, дерева и др.) путем удаления лишней массы. Другой процесс создания объема за счет прибавления пластической массы (пластилина, глины, воска и др.) называется лепкой (пластикой). Скульптуры создают также свое произведение с помощью отливки из веществ, способных переходить из жидкого состояния в твердое (различных материалов, гипса, бетона, пластмассы и т. п.)- Нерасплавленный металл для создания скульптуры обрабатывается путем ковки, чеканки, сварки и резки.Скульптура — одна из самых лучшим живописцем Венеции. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты. Прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и Папы Римские, кардиналы, герцоги, князья и платили огромные деньги. Тициан был очень богат. Современники упрекали его в жадности и любви к деньгам. Талант художника он сочетал с деятельностью купца и пускал свои деньги в торговый оборот. Ведь он жил в Венеции, которая славилась купцами и банкирами еще больше, чем живописцами. Настоящее имя и фамилия Тинторетто — Якопо Робусти. Тинторетто — прозвище, в переводе с итальянского оно значит «красильщик». Тинторетто был сыном бедного красильщика. С детских лет мальчик мечтал о живописи. Он начал учиться в мастерской уже признанного тогда Тициана. Учение продлилось недолго. Согласно легенде, Тициан испугался, что талантливый юноша превзойдет учителя, и не захотел держать его в своей мастерской. Это не остановило Тинторетто. Первая крупная работа поставила его наравне с самыми знаменитыми венецианскими художниками. Тинторетто отдавал живописи всего себя, она была для него смыслом и целью жизни. Он работал, забывая о сне и еде, днями и ночами. Когда у него выдавалось свободное время, он не мог удержаться, опять брался за кисть, писал картины и бесплатно раздавал их друзьям. Тинторетто принял участие в создании новых росписей стен Дворца дожей, в котором заседало правительство Венеции. Старые фрески уничтожил пожар. Для зала Большого совета Тинторетто написал картину «Рай». Это самая большая картина в мире — ее ширина двадцать два метра, высота семь метров. Картины Тинторетто наполнены многочисленными персонажами. Они восхищают темпераментом, движением — кажется, что работа была для их создателя неистовой страстью.

4.Жанр —это несколько особенных признаков, присущих произведениям искусства, по которым мы отличаем одни из них от других.Художник-живописец пишет красками, и приёмов, способов работы ими очень много, они сложны и разнообразны, это целая наука. Но в зависимости от того, что изображено на картине, можно определить её жанр. аВТОПОРТРЕТ — портрет, написанный с самого себя. АЛЛЕГОРИЯ — изображение отвлеченных понятий через ассоциативно близкие конкретные образы, существа и предметы, обычно наделяются поясняющими их содержание атрибутами.АНИМАЛИСТИЧЕСКИЙ — связанный с изображением животных в живописи, скульптуре и графике; сочетает естественно-научные и художественные начала.БАТАЛЬНЫЙ — посвященный изображению войны и военной жизни. В произведениях батального жанра главное место занимают сцены сражений и военных походов современности или прошлого.БЫТОВОЙ — связанный с изображением повседневной частной и общественной жизни человека.ИСТОРИЧЕСКИЙ — один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный историческим событиям прошлого и современности, социально значимым явлениям в истории народов.КАРИКАТУРА — жанр изобразительного искусства, использующий средства сатиры и юмора, гротеска, шаржа, художественной гиперболы; изображение, в котором комический эффект создается преувеличением и заострением характерных черт.МИФОЛОГИЧЕСКИЙ — посвящен событиям и героям, о которых рассказывают мифы.НАТЮРМОРТ — жанр изобразительного искусства, показывающий неодушевленные предметы, размещенные в реальной бытовой среде и организованные в определенную группу; картина с изображением предметов обихода, цветов, плодов, битой дичи, выловленной рыбы.НЮ — жанр изобразительного искусства, посвященный обнаженному телу, его художественной интерпретации.ПАСТОРАЛЬ — изображение идиллической мирной жизни пастухов и пастушек на лоне природы.ПЕЙЗАЖ — изображение какой-либо местности, картин природы: рек, гор, полей, лесов, сельского или городского ландшафта; по предмету изображения выделяют архитектурно-городской, индустриальный пейзаж, ведуту, марину (изображает море), исторический,  фантастический (футурологический), лирический, эпический пейзаж.ПОРТРЕТ парсуна.ШАРЖ

5.АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ Направление американской живописи, возникшее в Нью-Йорке в 1940-х годах. Художники этого направления использовали большие холсты, накладывая краску быстро и энергично с помощью широкой кисти, а иногда расплескивая ее или бросая прямо на холст. Авангард — условное название всех новейших, экспериментальных взглядов, концепций, течений, школ, творчества отдельных художников XX в. Авангардизм — тенденция отрицания традиций и экспериментальный поиск новых форм и путей творчества, проявляющихся в самых различных художественных течениях, понятие, противоположное академизму. АНТИЧНОЕ ИСКУССТВО . Барокко — исторический художественный стиль, получивший распространение первоначально в Италии в середине XVI-XVII столетиях, а затем частично во Франции, а также в Испании, Фландрии и Германии XVII-XVIII вв. Стиль Барокко замечателен тем, что впервые в истории мирового искусства в нем соединились, казалось бы, несоединимые компоненты: Классицизм и Романтизм. До XVI-XVII столетий Классицизм и Романтизм существовали как два независимых, во всем противоположных художественных направления, две тенденции художественного мышления. Готический стиль (лат. Gothi — готы) — исторический художественный стиль, господствовавший в западноевропейском искусстве в XIII-XV веках. Он возник на основе народных традиций готов, достижений романского искусства, главным образом архитектуры, и христианского мировозрения. Готика характеризует третий, заключительный этап развития средневекового искусства Западной Европы. КУБИЗМ . Этот новаторский метод создания живописного образа был изобретен Пабло Пикассо и Жоржем Браком в первом десятилетии XX века. Абстрактное и геометрическое, на первый взгляд, искусство кубизма передает однако реальные объекты. Они лишь «расплющены» на холсте так что разные грани одного и того же предмета показаны с разных точек зрения. Вместо того, чтобы создавать иллюзию предмета в пространстве, как это пытались делать художники начиная с периода возрождения, кубизм воспроизводил объекты в категориях двухмерной плоскости. Создание кубизма привело к радикальному переосмыслению взаимоотношений формы и пространства и навсегда изменило развитие западного искусства. ИМПРЕССИОНИЗМ Направление в живописи, возникшее во Франции в 1860-х годах. Импрессионистов занимала проблеме взаимоотношения цвета и света, свои картины они писали отдельными мазками чистых, несмешанных красок. Они совершили также переворот в области сюжетов, отказавшись от традиционных исторических, религиозных или литературных композиций и обратившись к изображению сцен повсе-дневной жизни. Название направления, данное вначале в насмешку неким журналистом, обязано своим происхож-дением картине Клода Моне Впечатление. восход солнца (от французского impression — впечатление), поздней серией Водяные лилии с ее самостоятельной декоративной игрой колорита Моне проложил дорогу абстрактной живописи.

6..Уже с ранних времен искусство Древнего Египта было достаточно развитым. Ведущее значение в нем занимала архитектура Древнего Египта, многие творения которой дожили до современности. По своей монументальности ничто в древнем мире не может сравниться с гробницами царей и знати, причем для фараонов строились особые усыпальницы — пирамиды Древнего ЕгиптаОдна из самых древних культур возникла на берегах Нила за три тысячи лет до нашей эры. Мы знаем ее, прежде всего, как страну пирамид и фараонов. Пирамиды Древнего Египта в Гизе, которые и сегодня поражают наше воображение, построены 4500 лет назад; это места захоронения фараонов Древнего Царства. Гробницы-пирамиды строили фараоны многих династий.Искусство Древнего Египта — живопись. В живописи и рельефах, прежде всего, бросается в глаза то обстоятельство, что голова, руки и ноги человеческой фигуры изображены в профиль, а тело — анфас. Это наиболее характерный силуэт древне­египетского искусства. Древние египтяне не знали законов перспективы, и  в многокомпонентных изображениях фигуры часто перекрывают одна другую.Скульптурные изображения так же достаточно условны по пластике и представляют собой вид предмета спереди. Изобразительное искусство тесно связано с архитектурой. Его произведения хорошо вписываются в строгую церемониальность зданий.Архитектура Древнего Египта — храмы. Помимо пирамид, памятниками египетской архитектуры являются также храмы и дворцы. Главная часть храма — алтарь. К алтарю, где стояла скульптура божества, нужно было идти по длинному коридору через залы и дворики. Непосред­ственно перед алтарём находился колонный зал, так называемый «ипостиль».Мощные колонны стояли друг к другу почти вплотную, так как расстояние между ними определялось прочностью каменных блоков горизонтального перекрытия. Украшением колонн являлся растительный орнамент (лотос и пальма), вырезанный в камне с почти натуралистической точностью.У входа в храм располагались два каменных соору­жения — пилоны. К храму вела дорога — дромос. По обеим сторонам дороги возвышались скульптурные изображения лежащих зверей с человеческими головами. (знаменитые храмы Амона-Ра в Карнаке и Луксоре) Пещерный храм Рамсеса II в Абу-Симбеле представляет собой заключительную вспышку египетского монументального гения. Наземные храмы-втянутый в плане прямоугольник, окружённый высокой массивной стеной, к воротам которой вела от Нила широкая дорога, украшенная по обеим сторонам статуями сфинксов.( оба храма Амона в Фивах — Карнакский и Луксорский.) Скальные храмовые комплексы представляют собой перевёрнутую букву «Т». Скульптура Древнего Египта имела ритуальное значение и была связана с культом мертвых. В статуях поражает техника изготовления глаз. Египтяне фиксировали на них особое внимание путём сильного подкрашивания пастой, в которую добавляли толчёный малахит.

7.Искусство древней Греции: Архитектура Древние греки прославились своим искусством во всём мире. Но храмы, стадионы и другие общественные здания, где свободный грек проводил большую часть своего времени, строились красивыми и величественными, именно религиозные строения являются самым занимательными памятниками искусства древней Греции. К сожалению, время не пощадило архитектурные памятники Древней Греции. Однако и в таком виде они поражают своей красотой и совершенством пропорций.Греки были хорошими математиками. Сооружая храмы, они придерживались правила «ничего чрезмерного», или правила «золотой середины». Греческие храмы не высокие и не низкие. Архитекторы выбирали такие пропорции, которые особенно радуют глаз. Храмы строились всегда на каком-нибудь возвышении, на горе или искусственном основании. Прямоугольное строение храма со всех сторон окружали мраморной колоннадой — портиком. Портик делал храм прозрачным и лёгким на вид, а кроме того, защищал людей от солнца.Греки использовали колонны трех типов (ордеров): дорические, ионические, коринфские. Нередко греки вместо колонн изготовляли специальные каменные статуи, которые своими руками или головами подпирали крышу или карниз. Такие статуи в виде мужских фигур называются атлантами, а в виде женских — кариатидами.Все три типа колонн — дорические, ионические и коринфские, а также атланты и кариатиды широко используются в архитектуре всего мира. Скульптура — важная составляющая часть искусства древней Греции. В Греции жили знаменитые скульпторы — Фидий, Мирон, Поликлет и многие другие. Они воспевали красоту человеческого тела, красота воспевалась почти во всех произведениях искусства древней Греции. Богов и людей изображали одинаково — молодыми, сильными, прекрасными. Греки считали, что человек подобен богам. Статуи отливали из бронзы или высекали из белого мрамора. Мраморные статуи нередко раскрашивали. В храмах, на площадях и улицах греческих городов стояли бронзовые и мраморные статуи богов, спортсменов, философов, трагиков и знаменитых людей.После победы над персами в греко-персидских войнах древние греки воспевали в искусстве мужество, отвагу и силу воинов, это отразилось на большинстве произведений искусства древней Греции. Скульпторы увековечивали также победителей в спортивных состязаниях. Атлетов изображали сильными и красивыми. Статуи победителей заказывали на средства города, от которого выступал спортсмен, или на его собственные деньги. Статуи атлетов ставили там, где он одержал победу, или в его родном городе.Греки никогда не изображали уродливых людей; они считали, что воспевать стоит лишь красоту.Скульптор Поликлет установил особые правила, согласно которым следовало ваять статуи. Пропорции тела должны быть такими: голова человека семь раз укладывается в высоту фигуры, профиль головы приближается к квадрату, а лоб и нос составляют одну линию.Наиболее известны такие статуи: «Дискобол» («Метатель диска») Мирона, «Афродита» (богиня красоты и любви) Прак-сителя, «Афродита Мил осекая» неизвестного скульптора, «Аполлон Бельведерский» Леохара и «Геракл со львом» Лисиппа.

8.Иск .Девнего Рима

Руины Древнего Рима впечатляют иным: размерами, массивностью, смелостью замысла.

 Святилище Фортуны Перворожденной (Примигении). Построенное римлянами святилище относится к началу первого века до нашей эры. Колизей, огромном амфитеатре, построенном в центре Рима для боев гладиаторов Его сооружение было завершено в 80 г. н. э. Это одно из самых массивных когда-либо созданных руками человека отдельно стоящих зданий; до того как Колизей был частично разрушен, он вмещал свыше 50 тысяч зрителей. Это настоящий шедевр инженерной мысли. Пантеон в Риме, огромный круглый храм, построенный в начале П в. н. э. Круглые храмы существовали задолго до Пантеона, но столь сильно отличались от него по форме, что он не может быть поставлен в один ряд с ними. Базилика Константина. У построенной в начале IV в. н. э. базилики Константина тоже были предшественники. Первые такие здания появились в Греции периода эллинизма. Это были предназначенные для различных целей общественные сооружения с довольно длинным прямоугольным залом внутри. При римском владычестве такие постройки стали типичными для каждого крупного города; они использовались преимущественно для проведения судебных .

Скульптурный портрет произошел от очень древнего патриархального римского обычая: после смерти главы семьи с его лица снималась восковая маска, хранившаяся затем в особом шкафу,- своего рода семейном алтаре. Статуя Августа из Примапорты. По мере приближения к эпохе принципата Октавиана Августа (27 г. до н. э. — 14 г. н. э.) в древнеримских скульптурных портретах все более явно прослеживается новое направление. Его отличительные черты наиболее полно проявились в великолепной статуе Августа из Примапорты (илл. 92). При беглом взгляде на нее нельзя сказать с уверенностью, бог это или человек. Древний Рим дал огромное количество скульптурных портретов самых различных типов и стилей; их разнообразие отражает сложный и многогранный характер римского общества. Конные статуи.Такая тенденция ощутима в статуе,

изображающей Марка Аврелия на коне (илл. 93), которая примечательна не только как единственный из дошедших до нас конных памятников императорам, но и как одна из немногих древнеримских статуй, остававшихся доступными для всеобщего обозрения на протяжении всего средневековья. Традиция придавать восседавшему на коне императору образ непобедимого владыки мира укоренилась еще со времен Юлия Цезаря, когда он дозволил воздвигнуть себе подобный памятник на Юлианском форуме. Портретные Бюсты некоторых из них, такие как портрет Филиппа Аравитянина (илл. 94), правившего с 244 по 249 г., принадлежат к наиболее сильным произведениям в этом жанре искусства. скульптор ставит перед собой задачу более сложную, чем просто передать портретное сходство: все темные страсти человеческой души — страх, подозрительность, жестокость — внезапно находят здесь свое воплощение с почти невероятною прямотой. Рельефные изображения.Мозаичная картина из Помпеи, изображающая «Битву при Иссе» (см. илл. 59), по-видимому, воспроизводит созданную около 315 г. до н. э. знаменитую работу греческого мастера, изображающую победу Александра Македонского над персидским царем Дарием. Римский иллюзионизмПримером преобладавшего в те времена стиля служит роспись украшающая один из углов «комнаты Иксиона» в раскопанной в Помпее «доме Веттиев» (илл. 98)— Здесь все иллюзорно: и стены, раскрашенные под мраморные плиты, и окантованные, как бы заключенные в рамы, мифологические сцены, создающие впечатление вставленных в стену картин, написанных на деревянных досках, и открывающийся за нарисованными окнами вид на фантастические архитектурные сооружения — все это напоминает несколько нестройное слияние тем, исполняемых разными музыкальными инструментами. Архитектурные фрагменты тоже отличаются какой-то странной и нереальной живописностью, воспроизводящей, по-видимому, театральные задники того времени. Искусная имитация различных материалов и отдаленных пейзажей

9.Искусство западноевропейского Средневековья неравнозначно по своей художественной ценности и имеет свою специфику, присущую определенному историческому периоду. Согласно традиционной периодизации, в нем различают три периода: • дороманское искусство (V—Хвв.), • романское искусство (XI—XII вв.), • готическое искусство (XIM—XV вв.). Средневековья присущи общие характерные черты: религиозный характер (• синтез различных видов искусства, • ориентированность художественного языка на условность, • эмоциональное начало,; • народность, • иперсональность » романский стиль» Церковь была главным заказчиком произведений искусства. Сцены страшного суда и апокалипсиса — ведущий сюжет в оформлении церквей, скульптуры и рельефов. Ведущим видом искусства в средние века была архитектура. Церковная романская архитектура опиралась на достижения каролинкского периода и развивалась под сильным воздействием в зависимости от местных условий от античного или византийского или арабского искусства. Основной архитектурной задачей было создание каменного, по большей части монастырского храма, отвечающего требованиям церковной службы. Главным его типом является тип базилики. Суровость и мощь романских храмов были порождены заботами об их прочности.( — базилику Святого Петра в Риме. ( 187 метров против 120 метров в длину) Готическое искусство Строительство осуществляется не только церковью , но и общиной Динамичность, легкость и живописность соборов определяет характер городского пейзажа. Вслед за собором устремлялись вверх и городские постройки. В замысле городского, а не монастырского собора проявились и новые идеи католической церкви, возросшее самосознание горожан, новые преставления о мире. Динамическая устремленность ввысь всех форм храма была порождена идеалистическим устремлением души к небу. Готический собор по сравнению с романским новая ступень в развитии базиликального типа постройки, в которой все элементы стали подчиняться единообразной системе. Главное отличие готического собора — устойчивая каркасная система, в которой конструктивную роль выполняют крестово-реберные стрельчатые своды, провезенные сетью выступающих ребер, выложенных из камня, арки стрельчатой формы, определяющие во многом внутренний и внешний облик соборы. Классическое выражение готический стиль получил во Франции. Величайшее сооружение — собор Парижской богоматери Главные черты, характеризующие готическую скульптуру, могут быть сведены к следующему: во-первых, на смену господству в художественных концепциях абстрактного начала приходит интерес к явлениям реального мира, религиозная тематика сохраняет свое доминирующее положение, но ее образы меняются, наделяются чертами глубокой человечности. Одновременно усиливается роль светских сюжетов, и важное место, хотя не сразу, начинает занимать сюжет, Во-вторых — появляется и играет доминирующую роль круглая пластика, хотя рельеф существует также. Одним из самых распространенных сюжетов в готике остался «Страшный суд»,

11.Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Искусство Высокого Возрождения представляет собой живой и сложный художественный процесс с ослепительно яркими взлётами и последующим кризисом. В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи. В картине учителя «Крещение Христа» фигура одухотворённого белокурого ангела принадлежит кисти молодого Леонардо. Среди его ранних работ картина «Мадонна с цветком Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине. Не все грандиозные замыслы, в ртом числе и архитектурные проекты, Леонардо удавалось осуществить. Выполнение конной статуи Франческо Сфорца, отца Лодовико Моро, Первой алтарной композицией Высокого Возрождения стала «Мадонна в гроте» (1483- 1494 гг.). Живописец отошёл от традиций XV столетия, в религиозных картинах которого преобладала торжественная скованностьсоздал полотно «Мадонна с Младенцем».роспись Леонардо «Тайная вечеря», исполненную им в 1495-1497 гг. по заказу Лодовико Моро для трапезной церкви СантаМария делла Грацие в Милане. он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джоконде (около 1503 г.). Портрет, известный как «Джоконда», стал одним из самых прославленных произведений мировой живописи. С творчеством Рафаэля (1483 1520) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Воз рождения, в котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеланджело — мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Рафаэля называли Мастером Мадонн. «Мадонна Конестабиле»»Обручение Марии»»Мадонна в зелени»В истории искусства «Сикстинская Мадонна» — образ совершенной красоты. Эта большая алтарная картина изображает не просто Божественную Мать с Божественным Младенцем, а чудо явления Небесной Царицы, несущей людям своего Сына как искупительную жертву. Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко про явилось его безупречное, лёгкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внёс и в архитектуру. Само имя Рафаэля — Божественного Санцио — в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделённого божественным даром художника. Микеланджело Буонарроти (1475- 1564) — величайший мастер Высокого Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры, живописи и архитектуры. статуй до нас дошли «Скованный раб» — сильный, коренастый юноша, который тщетно стремится освободиться от оков, и «Умирающий раб» — прекрасный юноша, который ожидает смерти как избавления от мукна торцевой стене Сикстинской капеллы знаменитую фреску «Страшный суд»

12.Возрождение в Венеции. Достаточно вспомнить имена Джорджоне и Тициана, Веронезе и Тинторетто, и становится понятно, какой яркой и прекрасной страницей в искусстве Возрождения была живопись Венеции. Но все же подлинная стихия венецианской живописи – цвет, способный передать мир во всем его великолепии и радостной красоте, чувственном очаровании и материальном разнообразии, что как нельзя лучше отвечало светскому мироощущению венецианцев. Cудьба живописи Венеции иная, нежели остальной Италии. Полный расцвет, высший творческий энтузиазм не заменились здесь сразу общим упадком и унынием. Здесь искусство барокко можно считать не антитезой «золотого века», а изумительным его «послесловием», временами даже почти превосходящим в своей значительности и красоте самые славные моменты настоящего Возрождения. Венецианская школа – это прежде всего великие колористы. Венецианская школа живописи дала миру имена великих художников — Джорджоне, Тициана, Веронезе и Тинторетто. Джорджоне в юности встречался с Леонардо да Винчи и многому научился у него. Он не пополнил ряды многочисленных последователей великого флорентийца, а пошел своей дорогой. Джорджоне одним из первых начал писать на картинах с библейским или мифологическим сюжетом настоящий итальянский пейзаж. Его «Спящая Венера» стала классической. Под впечатлением от нее художники многих поколений создавали своих Венер, прославляя красота обнаженного женского тела. Джорджоне умер совсем молодым. Часть картин, начатых им, закончил его ученик Тициан. Имя Тициана стоит в одном ряду с гениями Возрождения Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэлем. Ему не исполнилось и тридцати лет, когда его признали характерный силуэт древне­египетского искусства. Древние египтяне не знали законов перспективы, и  в многокомпонентных изображениях фигуры часто перекрывают одна другую.Скульптурные изображения так же достаточно условны по пластике и представляют собой вид предмета спереди. Изобразительное искусство тесно связано с архитектурой. Его произведения хорошо вписываются в строгую церемониальность зданий.Архитектура Древнего Египта — храмы. Помимо пирамид, памятниками египетской архитектуры являются также храмы и дворцы. Главная часть храма — алтарь. К алтарю, где стояла скульптура божества, нужно было идти по длинному коридору через залы и дворики. Непосред­ственно перед алтарём находился колонный зал, так называемый «ипостиль».Мощные колонны стояли друг к другу почти вплотную, так как расстояние между ними определялось прочностью каменных блоков горизонтального перекрытия. Украшением колонн являлся растительный орнамент (лотос и пальма), вырезанный в камне с почти натуралистической точностью.У входа в храм располагались два каменных соору­жения — пилоны. К храму вела дорога — дромос. По обеим сторонам дороги возвышались скульптурные изображения лежащих зверей с человеческими головами. (знаменитые храмы Амона-Ра в Карнаке и Луксоре) Пещерный храм Рамсеса II в Абу-Симбеле представляет собой заключительную вспышку египетского монументального гения. Наземные храмы-втянутый в плане прямоугольник, окружённый высокой массивной стеной, к воротам которой вела от Нила широкая

дорога, украшенная по обеим сторонам статуями сфинксов.( оба храма Амона в Фивах — Карнакский и Луксорский.) Скальные храмовые комплексы представляют собой перевёрнутую букву «Т». Скульптура Древнего Египта имела ритуальное значение и была связана с культом мертвых. В статуях поражает техника изготовления глаз. Египтяне фиксировали на них особое внимание путём сильного подкрашивания пастой, в которую добавляли толчёный малахит.

13.Северное Возрождение — термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающе — во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий.

Как таковое, Северное Возрождение не являлось однородным: в каждой стране оно имело определённые специфические черты. Так, культурология разделяет немецкое, нидерландское, французское, испанское, английское Возрождение и др.

Одной из главных особенностей, характерных для искусства Возрождения в странах этого региона, является его связь с поздней готикой и взаимодействие местных традиций с искусством ренессансной Италии. В развитии искусства этих стран нет синхронности, как нет единства в эволюции разных его видов (архитектура, отчасти скульптура и декоративно-прикладное искусство отставали в своём развитии от миниатюры и живописи).

7 современных художников, которые исследуют технологии

Несмотря на пугающий возраст традиционных видов искусства, современные художники, скульпторы и фотографы продолжают работать в их рамках. Но при этом они объединяют живопись и скульптуру с трендами и инновациями сегодняшнего дня. Вот семь художников, о которых вы должны знать:

7 современных художников, которые исследуют технологии

Петра Кортрайт

Петра Кортрайт (род. в 1986 г.). «Маскарад вампиров», 2013. Цифровой рисунок на алюминии.

Петра Кортрайт использует цифровые и аналоговые инструменты для создания своих картин, изучая таким образом проблемы онлайн-потребления. Вышеуказанная картина, выполненная на алюминии, была полностью создана на компьютере. «Такой подход позволяет художникам бесконечно изменять картину, до тех пор пока цифровой файл не превратится в реальный объект», — пишет Artsy. Прошлые проекты Кортрайт связаны с YouTube, пародиями на мемы и домашние видео.

Израель Лунд

Израель Лунд (род. в 1980 г.), картина без названия (47), холст, акрил.

Израель Лунд использует трафаретную печать, грубые холсты и технику с применением резинового скребка для создания пиксельных изображений, которые похожи на увеличенные фотокопии — хотя на самом деле создаются они не так. Увлечённый изучением пространства, в цифровом контексте которого сходятся воедино графика и живопись, он часто использует палитру основных цветов субтрактивного синтеза, которые есть в современных картриджах для принтера.

Майкл Маннинг

Майкл Маннинг (род. в 1985 г.). Картина «Отпусти её», 2014 год. Акрил, цифровая печать на холсте.

Каждую свою работу Майкл Маннинг начинает в компьютерной программе (либо на планшете с тачскрином, либо используя Photoshop), которая имитирует технику рисования масляными красками. Когда он распечатывает получившееся изображение на холсте, то накладывает на него слои акриловых мазков, чтобы картина походила на настоящую живопись. В своих шутливых работах Маннинг иронизирует над тонкой гранью между виртуальным и материальным миром. А еще у него есть несколько потрясающих нет-арт-проектов. Например, «Плавающая форма», mirrrroring.net и livewithout.me.

Кай Гуо-Кьянг

Кай Гуо-Кьянг (род. в 1957). «Ночная прогулка», 2014. Порох на бумаге. Фото: Лидия Охл.

Кай Гуо-Кьянг любит экспериментировать с порохом, рисуя «воспламеняющиеся события» (то есть взрывы), которые оставляют следы на картине, как в «Ночной прогулке». Его выставка с серией «Век грибных облаков: проект для 20 века» (1995—96) проходила в символичных местах США. Как говорит Гуо-Кьянг, они «изображают лицо ядерной бомбы, которое представляет технологии современности».

Роберт Хейнекен

Роберт Хейнекен (1931—2006). «Сибилл Шепард/Cекс по телефону». Фотоотпечаток по технике dye bleach на пенокартоне с деревянной основой.

Роберт Хейнекен — это «парафотограф». Он известен своими нестандартными дерзкими способами создания картин. Его интересуют картонные фигуры в натуральную величину, символизирующие поп-культуру, а также другие виды художественной фотографии и рекламы, с помощью которых он высмеивает тему консьюмеризма. Отсюда и появилась картина «Сибилл Шепард/Секс по телефону».

Паркер Ито

Паркер Ито (род. в 1986 г.). «Агония и Экстаз» (Картина #10), 2012. Винил на эмали, светоотражающий материал 3M.

Хотите любопытный факт о работах Паркера Ито? Благодаря светоотражающим качествам материала Scotchlite 3M, его работы не поддаются фотографической документации. На самом деле, они часто приобретают новую форму и вид, когда попадают в пространство галереи или транслируются на экране компьютера. «Я обожаю интернет, поэтому создавать работы о влиянии интернета на традиционные объекты — это самое честное, что я могу сделать», — говорит Ито.

Марк Флад

Марк Флад (род. в 1957 г.). «Apple 6», 2013. Архивные чернила на холсте.

Марк Флад известен своими картинами с логотипами. Он просто пикселирует и изображает в абстрактном виде знакомые всем корпоративные бренды, изменившиеся почти до неузнаваемости. Флада описывают как «пранкстера», привыкшего издеваться над американской культурой, но также отмечают, что работы вроде «кружевной живописи» доказывают мастерство его техники, на основе которой он создаёт свои работы.

Источник.

Повторение в искусстве — быть точно таким же снова и снова

Без сомнения, ритм в искусстве можно считать одним из фундаментальных принципов искусства и его производства. Заинтересованные в более глубоком изучении и глубоком понимании еще одного его элемента, повторение в искусстве , возможно, является одним из самых интересных методов, которые художники применяют для создания определенного механизма , неподвижности , дизайна , путаница , , чтобы восстать против понятия традиции , переопределить идею оригинала и копий , или сосредоточить внимание на одной части произведения искусства, которая либо делает произведение более видимым, либо намеренно невидимым.Считается одним из наиболее важных методов для редукции , повторение используется в равной степени как в музыке, так и в изобразительном искусстве ^[1] и рассматривается как эстетический и поэтический прием ^[2] .

Зачем повторять? Используют ли художники-повторения одни и те же мотивы снова и снова для достижения совершенства, или есть что-то еще в искусстве повторения? Это и многое другое мы исследовали для вас, поэтому, пожалуйста, продолжайте читать.

Определение повторения в искусстве

Прежде чем мы вернемся к некоторым из самых запоминающихся повторений в искусстве и сосредоточимся на его истории, нам нужно сделать шаг назад и упомянуть определение повторения в визуальном производстве. Повторение, рассматриваемое как одна из основ творчества, подобно ритму, помогает создать ощущение движения в произведении искусства. В визуальном производстве это повторение определенной линии , образца , формы или других визуальных элементов в одной или части серии ^[3] .Производство чего-то повторяющегося, но в то же время захватывающего — это вызов, так как многие считают повторение скучным, а все же. Элемент повторения в искусстве многие авторы специально использовали, чтобы прокомментировать состояние мира вокруг нас и призвать общественность замедлить гонку за достижением богов потребления и идолов. Иногда повторение используется для создания ощущения напряжения, если никакие вариации не реализованы, и часто ключ к пониманию таких произведений лежит в тонких деталях. ^[4] .

Существует множество способов повторения в искусстве. Это может быть даже или неравномерный , обычный или нерегулярный , он может образовывать излучение , возникающее, когда повторение элементов распространяется от центральной точки, или форма градуировки , где детали постепенно становятся меньше или больше ^[5] . Работая с повторяющимися узорами, и это высоко ценилось в период модерна и его изготовления узоров, поверхность работы улучшена , что делает ее более интересной для публики и в то же время создает ощущение . Заказ добавлен в состав .Как инструмент, повторение в искусстве помогает построить не только визуальную часть работы, но часто придает более глубокий смысл произведению , скрывая более философскую и концептуальную идентичность.

История повторения искусства

Если мы отворачиваемся от определения повторения в искусстве и избегаем комментировать каждую повторяющуюся линию, поверхность, цвет, узор или изображение в визуальном творчестве, сегодня с помощью компьютерных изображений, наше внимание, несомненно, будет обращено на концепция и внутренняя работа художника или конкретный период производства, а также решение о том, почему они использовали повторение.Мы входим в мир, который говорит о повторении в выборе сюжета , очевидном в постановке Клода Моне , Василия Кандинского , Казимира Малевича , которые сформировали одни из самых влиятельных авангардных движений. , или мир, который использует повторение в искусстве как инструмент комментария к потреблению и массовому производству, украшающий творчество Энди Уорхола или различных художников Минимализм .

Смотрите другие работы Энди Уорхола на нашей торговой площадке!

Определение повторения в искусстве менялось с годами.Немногие из основных проблем, которые возникают, когда говорят о повторении, несомненно, касаются оригинальности , подлинности и присвоения . Это основная проблема для философии постмодернизма , и готовые модели Дада отмечены как важные изображения, которые высмеивают необходимость традиции для придания особого значения производству и выбору материалов. Поп-художники, минималисты, перформанс и концептуальные авторы приняли концепцию , подрывая подлинность и ценность . Присвоение в искусстве , основанное на повторном использовании и повторении существующих изображений, вызывает опасения по поводу авторских прав, поскольку многие современные художники используют доступные изображения с небольшими изменениями или без изменений оригинала. Такие тонкие изменения вызывают вопросы об идентичности и упрощают ли новые детали оригинальный ^[5] .

Известные исполнители повторений

В течение последних двух тысячелетий многие художники прошлого и настоящего сосредоточились на постоянном изображении одних и тех же предметов и мотивов в своих работах, поскольку это повторение закодировано в самой ДНК творчества — практика делает совершенство.Поскольку древние художники и скульпторы создавали одни и те же произведения снова и снова, пока не овладели своим мастерством, эта практика была перенесена во времена Ренессанса и барокко. Однако художники раннего авангарда были первыми, кто начал повторять одни и те же мотивы, не акцентируя внимание на цели повышения мастерства в живописи, а вместо этого стремясь к другим намерениям. С тех пор повторение стало концепцией, благодаря которой улучшение не было тем результатом, к которому стремился художник. Это радикальное концептуальное изменение оказалось отличным сочетанием с анти-традиционными формами искусства 20-го века, когда многие люди полагались на постоянное представление одних и тех же предметов и мотивов для достижения желаемой цели. Теперь мы представим вам список наиболее интересных художников, которые работали или продолжают работать в рамках концептуальных границ повторения в художественной практике, и все они стремятся к разным результатам с помощью таких творческих стратегий.

Клод Моне

Кто может лучше возглавить этот список, чем тот самый человек, который установил современную концепцию повторения без намерения просто стать более квалифицированным? Клод Моне был легендарным французским художником, который был ведущей фигурой во времена импрессионизма, возможно, первого авангардного движения, хотя это утверждение часто оспаривается.Однако подход импрессионистов к визуализации настолько радикально отличался от классического искусства, что все движение, включая Моне, можно смело отнести к категории авангарда без особых проблем. Клод стремился рисовать один и тот же вид снова и снова , чтобы запечатлеть различное состояние вида в зависимости от времени дня, в которое их рисовал Моне. Посредством этого повторения он создавал серию таких картин, из которых самые известные — это изображения водяных лилий, вокзалов, зерновых стогов и соборов.Ориентируясь на естественный свет, Моне не менял ни перспектив, ни оборудования, а только время, в котором он будет рисовать. Эти произведения не только важны для феномена импрессионизма, но также являются знаковыми благодаря своей роли в представлении авангардного мировоззрения художника, который хотел разорвать связи с традиционными формами.

Пит Мондриан

Другой художник-авангардист в нашем списке, Пит Мондриан , был художником, теоретиком и писателем, который считал, что искусство должно отражать лежащую в основе духовность окружающей нас природы .Чтобы как-то заставить его эстетику отражать такое мнение, он упростил сюжеты своих картин до самых основных элементов, раскрывая сущность мистической энергии в балансе сил, управляющих природой и вселенной. Благодаря таким стратегиям Мондриан в конечном итоге создал строгий визуальный словарь квадратов и линий, представляющих предметы в базовой вертикальной и горизонтальной манере. Этот методический прогресс его художественного стиля от традиционного представления до полной абстракции не произошел в одночасье, но после того, как он был установлен, весь результат Пита состоял из повторяющихся изображений квадратов разного цвета, разделенных строгими жирными линиями.Дисциплина Мондриана в представлении квадратов — одна из самых известных повторяющихся концепций в искусстве, а стоящая за ними теория неопластизма была ключевым моментом абстракции в живописи.

Энди Уорхол

Неофициальный король искусства повторений, Энди Уорхол — легенда феномена поп-арта и одно из самых коммерциализированных имен 20-го века. Вдохновленный образами популярной культуры, Уорхол одновременно прославлял и критиковал вариантов потребления и массовое (повторное) производство , эффективно превращая свои работы в повторяющийся вихрь и создавая основу для самого успешного художественного движения после Второй мировой войны.Работая в широком спектре средств массовой информации, включая эстамп, живопись, рисование от руки, шелкографию, скульптуру, фотографию, музыку и кино, Уорхол прославился и повлиял на его повторяющиеся изображения банок с супом, бутылок из-под содовой, долларовых банкнот и культовых портретов знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Мик Джаггер, Элвис Пресли, Джимми Картер, Принц и Элизабет Тейлор. Энди часто вставлял идентичные картинки в одно целое, собирая их дисциплинированно и различая только по цвету. Эти иллюстрации, гравюры и плакаты на одну и ту же тему, повторяющиеся регулярными рядами, являются одними из самых знаковых изображений 20-го века, которым приписывают переопределение многих концепций и установление новых стандартов в современном искусстве.

Яёи Кусама

Хотя японская художница Яёи Кусама создает в разнообразной области, которая состоит из всего, от живописи до скульптуры, каждое произведение, которое она когда-либо создавала, имеет один и тот же мотив — бесконечные точки. Эти, казалось бы, бесконечных повторяющихся мотивов являются торговой маркой искусства Яёи Кусамы и в конечном итоге стали мгновенным признаком того, что вы наблюдаете за одним из ее произведений.Своим искусством пятен Кусама доказала, что можно работать в смешанных концепциях феминизма, минимализма, сюрреализма, Art Brut, поп-арта и абстрактного экспрессионизма, не подвергая опасности какой-либо один стиль. Кроме того, уровень повторения психоделических цветов стал самым постоянным в истории современного азиатского искусства, поскольку Яёи был активен более шестидесяти лет. Благодаря своему уникальному художественному словарю, эта провокационная авангардистка из Японии стала одной из самых выдающихся фигур в современной культуре своей страны и великолепно продемонстрировала последовательность в современном искусстве.

Юэ Миньцзюнь

Юэ Миньцзюнь можно смело назвать одним из самых юмористических артистов в этом списке. Этот пекинский художник и скульптор использует один и тот же мотив в каждом отдельном произведении, которое он создает — его собственное лицо, обычно застывшее в состоянии истерического смеха. Независимо от того, в какой среде работает Минджун, его самоиллюстрации расположены в различных условиях, некоторые из которых иронично обычны, а некоторые далеки от обычных, все они полагаются на лицо Юэ как на центр внимания.С уникальными композициями, такими как сцена, расположенная посреди юрского периода, когда два Джу смеются рядом с BMW, или группа хихикающих Минджунов, снимающих еще одну группу Минджунов, у которых также есть широкие улыбки на лицах, легко понять, почему этот китайский художник пользуется таким большим уважением и имеет широкую базу фанатов. Непревзойденное чувство юмора Минджуна действительно является сильнейшим аспектом его работы, но тот факт, что он помещает один и тот же мотив на каждую картину и скульптуру, которые он создал, обеспечил ему место в этом списке.

Риусуке Фукахори

Сочетая в своей работе области искусства и магии, Риусуке Фукахори — японский художник, наиболее известный своими трехмерными картинами с золотыми рыбками , созданными путем заливки смолы. Фукахори оживляет этих очаровательных существ, изображая их до такой степени, что буквально невозможно понять, смотрите ли вы на фотографию или на настоящее животное, не говоря уже о картине с золотой рыбкой.Эти невероятные примеры являются результатом долгой карьеры, посвященной и последовательному изображению этих животных — все, что делает Фукахори, — это рисует золотых рыбок, и это главное и конечная цель его работы. Ключевым аспектом его униформы является тот факт, что Риусуке основывает свое искусство на повторении заливки жидкой смолой и акриловой живописи , что дает желаемый трехмерный эффект. Сказать, что эти рыбы изображены реалистично, было бы преуменьшением, поскольку предметы работ Фукахори достигли впечатляющего уровня, который лучше описать как оптическую иллюзию.Кроме того, Риусуке утверждает, что никогда не использует фотографии моделей для своей работы, утверждая, что все, что он рисует, исходит непосредственно из его памяти и воображения.

Дэвид Бегби

Один из самых необычных художников в нашем списке, чей стиль совершенно уникален и не имеет себе равных, Дэвид Бегби — шотландский скульптор, который использует проволочную металлическую сетку для изображения человеческих фигур и мимики .Такая техника привела к появлению множества похожих предметов, большинство из которых представляет нам туловище человека, которое можно с уверенностью назвать продуктом прекрасной скульптуры. Эти мощные, эротические, тактильные и интимные произведения уникальны и удивительны только потому, что Бегби был достаточно предан своему делу, чтобы посвятить всю свою карьеру созданию одних и тех же предметов одним и тем же методом. Это еще более впечатляет, когда вы понимаете, насколько сложной может быть работа с проволочной сеткой, особенно когда вы уделяете столько внимания деталям, как Дэвид.Другими словами, Дэвид добился того, что до него удавалось очень немногим художникам — скульптурного совершенства формы. И если собрать его вместе, то его изображения явно представляют собой последовательный результат, непохожий на все, что вы когда-либо видели.

Узор и повторение в фотографии

Поскольку закономерности и повторения можно найти повсюду вокруг нас, фотографии довольно легко запечатлеть их. «Честно», потому что даже если фотографу не нужно изобретать что-то с нуля, как это нужно художникам, он все же должен внимательно следить за деталями и уметь правильно интегрировать их в свою композицию.Успокаивающее ощущение рутины, которое повторение создает для любого вида искусства, лучше всего выражается через контрасты, цвета и структуру на фотографиях, позволяя изображению вызывать чувство единства, согласованности и непрерывности, ритма, гармонии, яркости и общей организации ^[7] . Немногие фотографы намеренно преследуют закономерности и повторы, обнаруживаемые в их непосредственном окружении; скорее, это часто случайная встреча с природными или архитектурными элементами, оказавшимися в их кадре, иногда даже непроизвольно.Здесь мы говорим о художниках, работающих с природой и созданием абстрактных изображений, хотя натюрморты и аэрофотосъемки также известны тем, что создают потрясающие изображения повторений в искусстве.

Фотографирование повторяющегося

Еще в истории фотографии есть новаторские изображения Идверда Мейбриджа , который был первым, кто создал исследование движения.В 1878 году он был нанят владельцем скаковой лошади, чтобы дать ответ на спор о том, были ли все четыре ноги лошади оторваны от земли одновременно во время бега рысью. Его серия изображений показывает одну и ту же движущуюся фигуру снова и снова, и хотя это не было точным повторением, вероятно, это была первая презентация таких изображений с момента изобретения камеры, и Мейбридж действительно неоднократно фотографировал одни и те же предметы. Соответственно, Берндт и Хилла Бехер задокументировали сельский пейзаж Германии на протяжении всего 20 века; на их фотографиях газовых баллонов и извилистых башен либо изображена одна и та же конструкция, снятая под разными углами, либо сгруппированы похожие фотографии вместе ^[8] .

Случайные повторяющиеся элементы также можно найти в продукции Gordon Parks , André Kertész и László Moholy-Nagy . В то время как Паркс занимался портретной живописью и использовал узоры в групповых фотографиях, таких как 1963 Этель Шариф в Чикаго , Кертес и Мохоли-Надь также были уличными фотографами, которые часто фотографировали линии, контрасты и геометрические узоры в городской среде. В 1930-х годах Margaret Bourke-White также использовала несколько снимков рабочих и радиопередатчиков, которые представили прерывистое повторение как еще одну форму творчества, которая нарушает непрерывность элементов и делает изображение еще более динамичным.Больше изображений с повторением фотографий можно найти среди изображений Гарри Каллахана , Брюса Дэвидсона , Эд Руша и Анселя Адамса , которые во время своих путешествий натолкнулись на множество закономерностей в природе. Совсем недавно мы можем говорить о творчестве Эдварда Буртынского и, иногда, Андреаса Гурски , которые подчеркивают понятие массовых повторений.

Советы — Как создавать интересные узоры и повторения в фотографии

В бесконечность и дальше — где повторение в искусстве сегодня?

Ушло ли повторение в искусстве? Маловероятно, что это когда-либо произойдет.Это довольно просто: его способность выражать бесконечные, безупречные, захватывающие образы — это то, что никогда не выйдет из моды . Помимо обширного наследия, оставленного современными и ранними современными художниками, упомянутыми выше, многие творческие работники, работающие сегодня, заинтересованы в достижении идеальных, сжатых изображений с помощью повторения, поэтому мы до сих пор видим такое большое количество таких изображений в самых разных средствах массовой информации. , жанры и стили ^[9] . Вспомните сложные картины Чака Клоуз , который буквально создает большую картину, используя более мелкие повторяющиеся элементы, или многочисленные световые инсталляции Олафура Элиассона , которые также приходят на ум.Вдохновленный мозаикой Эшера, художник Бен Паркер использует бумагу для создания завораживающих произведений искусства, а защитник окружающей среды Энди Голдсуорти объединяется с природой для создания радиальных скульптур и инсталляций. Повторение также охватило движение стрит-арта , в частности, те, кто работает с макетами и плакатами, например Shepard Fairey . С момента появления компьютеров и рождения Digital art для создания шаблонов использовалось много программного обеспечения, хотя, возможно, лучшим отображением повторения в этой области является изобретение.гифки. В заключение, искусство повторения предлагает определенный вид вечного вдохновения, которое привлекает как художников, так и публику, и сам факт заставляет нас поверить в то, что концепция воспроизведения обязательно повторится и в будущем.

Автор Силка П , Андрей В . и Angie Kordic .

Совет редакции: О повторении: письмо, перформанс и искусство

Исследуя атмосферу нашего настоящего, где повторение рассматривается как признак скуки и отчуждения труда, автор книги добавляет поворот и предлагает идею о том, что повторение — это момент блаженства и отдыха.Книга On Repetition: Writing, Performance and Art предлагает новое лицо и оригинальность междисциплинарному исследованию повторения в современной культуре, исследуя повторение в различных дисциплинах, таких как современное перформанс, танцевальные практики, ремесло и письмо. в то же время опираясь на психоанализ, философию, лингвистику, социологию и исследования производительности.

Источники:

1. Аноним, Повтор , Уголок [22 августа 2016 г.]
2. Конова, Ю., Повторение , Чикагская школа теории медиа [22 августа 2016 г.]
3. Аноним, Что такое повторение в искусстве? , Ссылка [22 августа 2016 г.]
4. Кук, А. (2005), Повторение , Роберт Хенке [22 августа 2016 г.]
5. Аноним (2013), Принцип повторения , Дизайн визуальной коммуникации [22 августа 2016]
6. Сориано, Дж. Г., Лопес Альберт, К. (2014), Построение повторений в истории — мотивы и последствия , Mas Context [22 августа 2016 г.]
7. Аноним (2011), Повторение в фотографии , таттахара [23 августа 2016 г.]
8. Хорн, К., Введение в фотографию 4: Повторение , Academia [23 августа 2016 г.]
9. Аноним, Повторение, ритм и узор , flyeschool [23 августа 2016 г.]

Все изображения использованы только в иллюстративных целях. Лучшее изображение в слайдере: Дэмиен Херст — Точечная живопись. Изображение с сайта whatartdoes.wordpress.com; Яёи Кусама — Кусама с тыквой. Изображение через anothermag.com; Энди Уорхол — Знак доллара; Фотография Андре-Кертеса; Маргарет Бурк-Уайт — радиопередающая башня WOR, 1935 г .; Гордон Паркс — Этель Шарифф в Чикаго, 1963 год.Изображение с сайта the-vu.com

Цвет и техника в живописи эпохи Возрождения

В эпоху Возрождения существовало три основных метода живописи: фреска, темпера и масло. Во всех этих техниках цвет был важной частью арсенала художников, позволяя им создавать изображения, вызывающие признание и вызывающие у зрителя вздохи трепета. В то время как многие художники владели всеми тремя техниками, в эпоху Возрождения фреска использовалась для потолков, темпера для небольших религиозных панно и масло для деревянных панелей или холстов, иногда очень больших.Масла допускали гораздо большую тонкость исполнения и стали излюбленным средством большинства мастеров позднего Возрождения, что сохранится и в последующие столетия.

Цветная деталь Мадонны с каноном ван дер Паэле

, авторство «Наследие Брюгге» (общественное достояние)

Цвета Возрождения

Художнику эпохи Возрождения был доступен широкий диапазон цветов, но качество и яркость зависели от размера его кошелька или, точнее, от его покровителя.Цвета были сделаны из земли и минералов. Озера были цвета, сделанные из органических материалов, таких как растения, цветы и ягоды, и были относительно дешевыми и доступными. Пигменты на металлической и минеральной основе были дороже. Свинец использовался для изготовления белого и красного, олова или олова для желтого, азурит для синего и малахит для зеленого. Художнику или его поставщику, возможно, придется посетить такие порты, как Антверпен, Брюгге или Венеция, которые имеют торговые связи через Средиземное море и Азию, чтобы приобрести более редкие и самые лучшие пигменты.Единственным источником ультрамарина, например, был лазурит из Афганистана. По этой причине в договорах комиссии часто указываются ограничения на определенные материалы, чтобы законченное произведение искусства оставалось в пределах возможностей покровителя.

Смешивание пигментов с нужным количеством жидкой среды для достижения яркости и текстуры, необходимых художнику, было задачей, требующей опыта.

красителей можно было приобрести у торговцев, аптекарей и монастырей. Цены также варьировались в зависимости от сорта и цвета сырья, но у нас есть много бухгалтерских книг художников, чтобы определить, сколько, где и когда стоили.Для сравнения цветов и материалов: 28 г (1 унция) ультрамарина (иногда называемого лазурным акром) стоили четыре франка в Дижоне в 1389 году нашей эры, что было достаточно, чтобы купить 3,6 кг (8 фунтов) вермиллиона, 7,2 кг (16 фунтов) вермиллиона. свинцовый белый или 300 листов очень тонкого сусального золота. Возможно, поэтому понятно, что многие художники вместо ультрамарина использовали азурит, который был в десять раз дешевле (но менее интенсивен). Еще одним дорогим дополнением к палитре художника были очень глубокие или насыщенные красные тона. Они были сделаны из измельченных чешуек насекомых, таких как жук кермес.Опять же, была доступна гораздо более дешевая, но менее красочная альтернатива, на этот раз корень марены молотого.

Возможно, неудивительно, что эти дорогие товары были одним из основных активов мастерской. Действительно, художники часто оставляли свои пигменты родственникам в своем завещании. Многие гильдии художников также настаивали на том, чтобы определенные пигменты не использовались в определенных средах. Это обеспечивало, например, высокое качество панелей и означало, что переписчик не мог выдавать окрашенный кусок ткани как равный по стоимости панно; у этих двоих была бы разная окраска.Кроме того, это также зарезервировало некоторые из лучших материалов для тех произведений искусства, которые предназначены для более высокой цели, таких как алтари и другие произведения искусства, предназначенные для церквей.

Чудо Святого Марка по Тинторетто

по Дидье Дескуэнсу (CC BY-SA)

После приобретения пигменты растирались на каменной плите — предпочтительно на чем-нибудь непористом, например, мраморе — с помощью камня конической формы, известного как мюллер. Производство тонкого порошка было трудоемкой задачей, но не без некоторого умения.Слишком малое или слишком большое измельчение определенных пигментов не приводит к их оптимальной окраске. Затем смешивание пигментов с правильным количеством жидкой среды для достижения яркости и текстуры, необходимых художнику, было еще одной задачей, требующей опыта. Как письменные записи, так и изображения сцен мастерской свидетельствуют о том, что составители красок были специализированными членами мастерской, а не молодыми учениками, как часто утверждают.

История любви?

Подпишитесь на нашу еженедельную рассылку по электронной почте!

Использование ярких цветов стало особенно популярным в Венеции, где была популярна техника colore (также известная как colorito ), то есть использование сопоставления цветов для определения композиции, а не линий.Тициан (ок. 1487–1576 гг. Н. Э.) И Тинторетто (ок. 1518–1594 гг. Н. Э.) Были известными представителями этой техники. Однако некоторые художники и, вероятно, поэтому клиенты предпочитали более приглушенные цвета для определенных предметов, например, картины, изображающей смерть Иисуса Христа или святого.

Жан Лемер де Бельж написал следующий стих в своем La Couronne Margaritique (около 1505 г. н.э.), описывающий типичные атрибуты мастерской художника:

Их студия полна панелей

Некоторые раскрашенные, некоторые под роспись, и много благородных инструментов.

Уголь, мелки, ручки, мелкие кисти

Щетки щетинные, ворсистые

Silverpoint, наносящий множество тонких отметин

Полированный мрамор, сияющий, как берилл.

(Нэш, 157)

Полированный мрамор — это, конечно, окрашенные мраморные плиты, используемые для измельчения пигментов. Описанные выше раковины, обычно раковины мидий и устриц, использовались для хранения измельченного порошка до тех пор, пока художник не потребовал их. Кисти либо делались художником, либо покупались в готовом виде разных размеров.Существовали две категории щеток для волос: свинья / кабанчик или белка / лисица. Размер варьировался в зависимости от задачи, но варьировался от мелких точек в несколько миллиметров до широких кистей в три сантиметра (1,2 дюйма).

Гентский алтарь Яна ван Эйка

Веб-галерея искусства (общественное достояние)

Наконец, золото, серебро и оловянный лист использовались в изделиях для богатых клиентов или важных церквей. Позднее художники эпохи Возрождения смогли воспроизвести металлические эффекты с помощью масел, но в любом случае драгоценные материалы иногда требовались для создания престижных предметов.Базовая панель была приготовлена ​​из гладкого слоя измельченного мела, а затем из слоя жирной коричневой глины, поверх которого были нанесены сверхтонкие кусочки битого золота, серебра или олова. Подготовительная поверхность высыхала очень быстро, поэтому добавить на изделие металлический лист и на конце не было пузырей и морщин — задача для человека с большим опытом и очень устойчивой рукой. Затем лист можно было отполировать с помощью зуба или небольшого гладкого камня. Иногда листы перфорировались для создания узоров или окрашивались, а затем области соскабливались, чтобы обнажить металл под ними, снова для создания узоров.

Поддержите нашу некоммерческую организацию

С вашей помощью мы создаем бесплатный контент, который помогает миллионам людей изучать историю по всему миру.

Фреска

Техника фрески использовалась художниками со времен античности, и в эпоху Возрождения она продолжала оставаться самым популярным методом росписи больших поверхностей, таких как внутренние стены в церквях, общественных зданиях и частных домах. Однако по мере того, как масляные картины на больших холстах становились все более популярными в 16 веке нашей эры, фрески часто ограничивались верхними частями стен и потолков.

Настоящая фреска (также известная как buon fresco ) включала сначала покрытие области стены слоем влажной штукатурки ( arriccio ), имеющей достаточно грубую консистенцию, чтобы действовать как связующее для второго, более тонкого слоя штукатурки ( intonaco ). Затем на штукатурке был нарисован примерный рисунок, либо с помощью такого материала, как уголь, либо путем размещения на стене большого бумажного эскиза («карикатуры») с пробитыми в нем отверстиями, а затем выдувания угольной пыли через отверстия (удары).Древесный уголь был полезным материалом, поскольку его можно было легко стереть пальцем или куском мягкого хлеба. Как вариант, контур рисунка можно нанести на гипс с помощью стилуса.

Бог, создающий солнце, луну и планеты, Сикстинская капелла

Микеланджело (общественное достояние)

Затем художник решил, над какой частью стены он будет работать в этот конкретный день — обычно они работали от верха стены вниз — и покрыл ее очень тонким слоем свежей штукатурки, достаточно прозрачной, чтобы увидеть рисунок. за ним или переделав этот участок рисунка углем.Художник тогда был в гонке со временем, прежде чем штукатурка высохла, обычно за один рабочий день. В результате этого процесса историки искусства могут определить последовательность, в которой были нарисованы части стены, и примерно сколько дней они потратили на покраску.

Проблемы с фресками включали необходимость работать быстро и отсутствие возможности смешивать цвета.

Затем были использованы цветные пигменты на водной основе для окраски финальных изображений. Цвета и штукатурка высыхали вместе, сцепляясь друг с другом и позволяя фреске сохраняться веками.Это связано с химическим процессом, при котором высыхающая штукатурка образует слой карбоната из кристаллов извести. Именно эти кристаллы покрывают краску, не только защищая ее, но и делая цвета ярче по мере высыхания поверхности. По этой причине художнику приходилось рисовать более темными тонами, чем действительно требовалось. Наконец, мелкие детали или исправления могут быть добавлены с помощью «сухих» красок ( fresco secco ). Ярким примером успеха фрески является потолок Сикстинской капеллы Микеланджело (1475-1564 гг. Н. Э.), Завершенный в 1512 г. н. Э.

Некоторые художники пытались экспериментировать с этой проверенной техникой, но без особого успеха. Проблемы с фресками заключались в необходимости работать быстро, в необходимости соскрести область и начинать с нуля, если была допущена ошибка, а также в отсутствии возможности смешивать цвета, как в масляной живописи. Другой недостаток заключался в том, что фрески имели тенденцию сильно портиться во влажном климате. Самый печально известный пример того, как художник использовал только «сухие» краски на фреске, — это Тайная вечеря , которую Леонардо да Винчи (1452-1519 гг. Н.э.) написал в Милане (городе с высокой влажностью), но который начал рассыпаться в течение десятилетий. его завершения c.1498 г. н.э.

Темпера

Темпера — это техника рисования, восходящая к глубокой древности, когда ее особенно использовали художники в Древнем Египте. Он включает в себя смешивание красителей в форме мелкого порошка с жидкостью, которая действует как связующий агент, чаще всего яичный желток, смешанный с водой (яичный белок может обесцвечиваться, а желток теряет свой цвет). Альтернативой было добавление масла в раствор, которое ускоряло высыхание и позволяло наносить на более мягкие поверхности, такие как холст. В третьем рецепте вместо яичного желтка использовался белый творог, а в смесь добавлялся разбавленный сок лайма.

Преимущество создания цветов таким способом заключается в том, что они становятся намного ярче и имеют качество полупрозрачности, полезное для создания слоев цвета, чтобы придать изображению глубину и текстуру. Недостатком было то, что цвета нельзя было смешивать при нанесении на рабочую поверхность. Следовательно, художник обычно сначала наносил самый темный оттенок цвета, а затем добавлял последовательные слои или области более светлых оттенков.

Бичевание Христа Пьеро делла Франческа

Пьеро делла Франческа (общественное достояние)

Темпера чаще всего наносили на левкас или деревянные панели.В качестве древесины использовалась в основном сосна или тополь в южной Европе и балтийский дуб в северной Европе. Деревянные панели обычно изготавливались специалистом, а затем покупались художником; то же самое было и с рамками для картин. Дерево сначала покрывали слоем тонкого полотна, а затем смесью мела и клея. Как и в случае с фреской, художник может создать грубый набросок на панели, затем покрыть его гладким полупрозрачным слоем в основном маслом, а затем заполнить рисунок темперными цветами. Бичевание Христа Пьеро делла Франческа (ок.1420-1492 гг. Н.э.), созданный ок. 1455 г. н.э., является примером темперы на панно, хотя Пьеро был в некотором роде экспериментатором и иногда смешивал цвета темпера с масляными красками.

Картина маслом

Масляные краски были сделаны из порошковых пигментов, добавленных в масло, чаще всего льняное масло, но иногда и другие, например масло грецкого ореха, которое особенно хорошо делало белый цвет более ярким. Некоторые художники нагревали масло перед использованием, так как это уменьшало вероятность усадки и растрескивания краски при высыхании.

Голландскому художнику Яну ван Эйку (ок. 1390–1441 н. Э.) Традиционно приписывают изобретение техники масляной живописи, но на самом деле это был гораздо более старый метод, который просто потерял популярность у художников. Ван Эйк был удостоен этой чести, вероятно, потому, что он был несомненным мастером масляной живописи и был одним из первых художников эпохи Возрождения, которые регулярно использовали масляные краски в своих работах. К концу 15 века н.э. большинство крупных художников эпохи Возрождения в Нидерландах и Италии, особенно, использовали масляные краски при работе за мольбертом, а не темперу.

Богородица канцлера Ролина, Ян ван Эйк

, Веб-галерея искусства (общественное достояние)

Масляные краски были универсальными и могли наноситься на подготовленные деревянные панели, холст, бумагу, ткань или поверхность стен. Слой грунтовки белого или светло-серого цвета обычно наносился на поверхность перед тем, как приступить к покраске. Затем были нанесены различные слои с художником, обычно начиная с фона, затем периферийных элементов, затем одежды и драпировок, и, наконец, рук и лиц.Предлагаемые масляные краски насыщенных цветов идеально подходили для парчовой одежды, плюшевых драпировок и сверкающих драгоценностей, которые были модными в то время. Таковы были возможности масел, что, как упоминалось выше, даже металлические материалы, сделанные с использованием золота и серебра, можно было обрабатывать без необходимости использования сусального золота и серебра.

Масла позволили добиться гораздо большей утонченности цветов, поскольку полупрозрачные цвета могут быть многослойными, а цветные области могут состоять из слоев краски различной толщины, создавая, таким образом, очень широкий диапазон цветовых тонов.Анализ картин эпохи Возрождения показал, что часто в одной области бывает до семи различных слоев краски. Кроме того, мазки кистью с использованием масла могут стать невидимыми или их можно использовать для создания эффекта, художник намеренно меняет их размер, форму и направление. Следствием этого наслоения и разнообразия манер письма стало достижение в картине реальной глубины, с которой не могли сравниться темперные панели или расписанные фресками стены. Точно так же детали, такие как текстура кожи, волосы и морщины, а также оптические эффекты, такие как отражения, теперь могут быть представлены как никогда раньше.Еще одним большим преимуществом является то, что масло может высохнуть в течение нескольких дней, и это позволяет художнику смешивать, смешивать, корректировать или полностью переделывать область своей картины (даже используя для этого пальцы). Кроме того, любые ошибки могут быть покрыты дополнительными слоями краски после того, как исходные слои высохнут. Поэтому неудивительно, что живопись маслом по-прежнему является первым выбором художников. После завершения масляной живописи эпохи Возрождения обычно наносили тонкий слой защитного лака, чтобы гарантировать, что работа продлится намного дольше жизни ее создателя.

Перед публикацией эта статья была проверена на предмет точности, надежности и соответствия академическим стандартам.

Имитация и арт-маркетинг: как имитировать свой путь к успеху

Дэн в Art Business Advice> Советы по арт-маркетингу

В детстве мы изучаем почти все , подражая другим.

Мы начинаем говорить, имитируя звуки, издаваемые нашими родителями; мы выясняем, как общаться со сверстниками, наблюдая за своими братьями и сестрами; и таким же образом мы изучаем бесчисленное множество других задач.

С моей точки зрения, имитация — один из самых естественных способов обучения, поэтому, когда дело доходит до маркетинга вашего искусства, я могу дать один из лучших советов — найти несколько успешных художников, которым можно подражать.

Кому нам следует подражать?

Ищите артистов, чьи имена постоянно всплывают — вы знаете, тех, кто, кажется, всегда в центре каждого события, будь то организатор, ведущий или берущий интервью.Это художники, которые действительно знают, как себя продвигать.

Поищите в Google художников в вашем районе и обратите внимание на художников в верхней части списка. В зависимости от вашего местоположения это может быть другое указание.

Посетите галереи. Постарайтесь найти художников, которые на самом деле продают свое искусство. Посетите онлайн-галереи или веб-сайты отдельных художников и поищите то же самое (большинство из них поставят слово «продано» рядом со своими работами). Те, что продают, — это те, которым можно подражать.

Другой вариант — просмотреть архив избранных художников EmptyEasel или просмотреть список ваших любимых арт-блогов. Некоторые из них будут хорошими кандидатами.

Имейте в виду, что вы не должны быть ТОЛЬКО художниками, которым вы подражаете.

Если продажа произведений искусства — это ваш бизнес (или вы хотите, чтобы это было ), вам также следует взглянуть на свой круг друзей, знакомых и знакомых, чтобы найти владельцев малого бизнеса или предпринимателей, которые хорошо себя чувствуют.Им тоже стоит подражать.

Если вы выполните одно или все из вышеперечисленных предложений, вы должны составить список людей, которым можно подражать. Если это длинный список, выберите для начала пять, а затем переходите к пяти новым каждую неделю или месяц. Если это небольшой список, посмотрите, что вы можете почерпнуть из всех.

Что нам подражать?

Конечно, не их искусство. И не их стиль или ниша. У вас уже есть собственное искусство и собственный стиль. Если вы выберете их, вы станете менее аутентичным.

Но их маркетинговые приемы — да. Изучите, как они продают свое искусство. В Интернете это довольно легко узнать. У них есть блог? Сайт? Где демонстрируется их искусство? (Подсказка: ищите их имя, а также «галерея» или «выставка»)

Вы можете даже подумать о том, чтобы написать им по электронной почте, чтобы попросить совета. Уважение и вежливость имеют большое значение, если вы это сделаете.

Посмотрите нижний колонтитул их веб-сайта (если он у них есть) и посмотрите, кто его разработал. Если вы нашли их в галерее, перейдите к их открытию или закрытию и поговорите с ними напрямую.

Обсудите, кого они используют для обрамления; какая типография выпускает их буклеты и т. д. . Успешные художники — это кладезь информации, и в большинстве случаев они, вероятно, будут достаточно любезны, чтобы ответить на несколько вопросов коллеги-художника.

Не все, что они делают, подойдет вам, но некоторые из их ответов должны дать вам возможность улучшить свой собственный процесс создания произведений искусства или арт-маркетинга.

Когда мы перестаем имитировать?

Может, никогда. Хорошие идеи всегда рядом.

Конечно, в какой-то момент (и в этом прелесть подражания) вы начнете понимать больше и начнете самостоятельно внедрять новые идеи и методы.

Тогда, хотите верьте, хотите нет, другие начнут вам подражать.

Так что, возможно, вопрос не в том, «когда мы остановимся», а в том, «когда мы начнем делиться тем, что узнали, с другими?» На мой взгляд, чем раньше, тем лучше.

Где провести черту?

Важно иметь границы с подражанием, потому что не все дается честно.

Никогда не стоит доверять чужой идее. И никогда не копирует работы других художников, письма, дизайн, веб-сайты и т. Д. И т. Д. Это не имитация, это воровство.

На мой взгляд, имитация означает моделирование ваших действий за действиями других и использование их опыта для информирования ваших собственных решений — это не означает принятие того, что они создали, как вашего собственного.

Однако честная имитация работает. . . и я гарантирую, что кто-то рядом с вами ответит на несколько вопросов, которые вам нужны.

Так что изучайте других художников и владельцев бизнеса. Сделайте их своими наставниками, осознают они это или нет. Может быть, позже вы сможете поделиться с ними тем, насколько они вас вдохновили.

Вот как вы имитируете свой путь к успеху.

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников.Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Ways of See: Imitationalism — Yr 10 Visual Arts

Ранние работы Эдварда Хоппера оказались копиями других художников

Большинство студентов, изучающих историю искусств, мечтают открыть для себя неизвестную работу какого-нибудь великого художника, которого они изучают.Луи Шедвик добился прямо противоположного: исследуя свою докторскую степень по Эдварду Хопперу для легендарного Института Курто в Лондоне, г-н Шедвик обнаружил, что три из самых ранних масляных картин великого американца 1890-х годов едва ли могут считаться его оригиналами. изображений. Две копии картин, которые мистер Шедвик нашел, воспроизведены в журнале для художников-любителей, изданном за годы до картин Хоппера. Репродукции даже шли с подробными инструкциями по изготовлению копий.

Г-н Шедвик излагает свое открытие в октябрьском выпуске журнала The Burlington Magazine, авторитетного историко-художественного журнала. «Это была настоящая детективная работа», — объяснил г-н Шедвик, перемещаясь из своей солнечной квартиры в Лондоне. В 30 лет он старше большинства своих сверстников из аспирантуры из-за длинного заклинания перед трио альт-рока (Белый коршун), прошлое, которое не раскрывается в синей пуговице, которую он носил, когда мы разговаривали, и его коротко остриженном темном волосы. Г-н Шедвик разработал самые ранние влияния на искусство Хоппера — один из аспектов его докторской степени.Д., пока что наполовину закончен — когда он сообразил, что американский художник-тоналист Брюс Крейн (1857-1937) мог сыграть какую-то роль.

Затем, в начале этого лета, во время того, что г-н Шедвик назвал «моментом эврики» пандемического поиска в Google, он остановился на «Зимнем закате», картине Крейна из выпуска The Art Interchange за 1890 год, которая была почти идеальным совпадением. для одной из подростковых работ Хоппера, давно известной как «Старый ледяной пруд в Найаке», около 1897 года, изображающей зимний пейзаж с полосой убывающего света.(Сейчас галерея продает его по приблизительной цене 375 000 долларов; изменение ее статуса может повлиять на предложения покупателей.) Г-н Шедвик обнаружил аналогичные источники для всех масел, кроме одного из первых масел Хоппера.

Ученые говорили о тех ранних Хопперах, как о том, как они показали нам дом его детства в Найаке, штат Нью-Йорк, и как о примерах его сверхъестественного таланта как молодого художника-самоучки, «и на самом деле обе эти вещи не соответствуют действительности — ни одно из масел принадлежат Найаку, а Хоппер обладал средним талантом к рисованию маслом, пока не пошел в художественную школу », — сказал г-н.Шедвик добавил: «Даже обращение с краской довольно далеко от того, что он делал даже через пять лет после этого». Эти слабые навыки кисти теперь единственное, что есть в тех самых ранних маслах, на которые любой может претендовать как на масло Хоппера.

«Всегда приятно узнать что-то новое о крупном художнике», — сказал Картер Фостер, заместитель директора Художественного музея Блэнтона в Остине и эксперт Хоппера, организовавший знаковую выставку его рисунков в Музее Уитни в 2013.Он познакомился с работой г-на Шедвика после встречи с ним на симпозиуме Хоппера и восхищается глубиной проводимых архивных исследований. Он также признал, что открытие не стало для него большой неожиданностью, учитывая, что до появления современного искусства и его свобод художники почти всегда начинали с копирования.

Для Ким Конати, куратора рисунков и гравюр в Музее Уитни в Нью-Йорке, где она работает над большим шоу Хоппера, копирование, которое показал г-н Шедвик, имеет более важные последствия: «Оно проходит сквозь широко распространенные восприятие Хоппера как американского оригинала », — сказала она — как художника, чей врожденный гений позволил ему выйти на сцену без долга перед другими.«Единственным реальным влиянием, которое я когда-либо оказывал, был я сам», — однажды заявил он.

Г-жа Конати сказала, что открытие г-на Шедвика обещает стать «значком в гораздо более широком споре о том, как смотреть на Хоппера». Мистер Шедвик строит именно такой аргумент в своей докторской диссертации; части, которые я прочитал, выглядят многообещающими.

По словам Майкла Холла, редактора журнала, мистер Шедвик представил свое открытие о ранних маслах Хоппера в журнал Burlington Magazine для экспертной оценки. Это было частью более крупного проекта, призванного описать культурный контекст, из которого развился художник — «то, что он видел, что читал, газеты, полученные его семьей, журналы», — сказал г-н.- сказал Шедвик.

Лондонец, он особенно хочет понять понятие «американскость», вокруг которого вырос Хоппер, а затем выросло вокруг Хоппера, когда его репутация стала более зрелой; это все еще управляет большей частью разговоров о нем. Но мы с большей вероятностью предполагаем или утверждаем, что Хоппер и его искусство являются типично американскими, чем спрашивать себя, что это значило для него и его аудитории или что это может значить для нас сегодня.

В нашем новом столетии, когда место страны в мире с каждым днем ​​кажется менее уверенным, и когда даже американцы разделились по поводу состояния своей нации — нужно ли ее снова делать великим или ей нужно смотреть в лицо прошлому? неудачи? — такое «национальное» сокровище, как Хоппер, похоже, просит свежего подхода.

«Что это за американскость, которую люди идентифицируют? Откуда это взялось, полезно ли это как термин? » — Мистер Шедвик сказал, что эти вопросы лежат в основе его изучения Хоппера. Может быть, нужен кто-то откуда-то еще, чтобы осознать, насколько искусственной и своеобразной была американская идентичность и насколько непосредственно Хоппер был вовлечен в создание ее в своей персоне и своей работе.

«Да, есть много таланта, красоты и всего такого, — сказал г-н Шедвик, который остается большим поклонником Хоппера, — но есть также очень сознательное осознание его места в истории и предполагаемой американскости этой страны. сцены, которые он писал.

Отойдя от копирования, молодой Хоппер провел долгое время в художественных школах Нью-Йорка, а затем некоторое время флиртовал с современными французскими стилями и предметами. Но когда выставка его французских картин в 1915 году была раскритикована, а один-единственный городской пейзаж Нью-Йорка заслужил похвалу, Хоппер знал, куда двигаться дальше: «Он уточняет, уточняет и уточняет эти идеи о том, что значит быть американским художником», — сказал г-н Хоппер. — сказал Шедвик.

Когда Соединенные Штаты замкнулись в себе в период между мировыми войнами, «американистская» тенденция укоренилась в высокой культуре страны сильнее, чем когда-либо.Шедвик объяснил: «И Хоппер подыгрывал этому. Хоппер точно знал, что он делал для рынка своей работы ». Как пишет г-н Шедвик в тезисе, «сосредоточение Хоппера на опыте белых англосаксонских американцев, его регионалистские симпатии к Новой Англии и его возможное отвращение к модернизму европейского стиля» — все это может быть связано с мыслями и чувствами. о Соединенных Штатах, которые были широко распространены в его время.

Один из аспектов этой «американскости» заключался в образе одинокого мужчины — высокого, неразговорчивого, отстраненного, совсем как Хоппер, — смело прокладывающего свой собственный путь.Это был именно образ самого себя, который Хоппер помогал распространять; даже после его смерти это продолжало формировать историю, которая теперь оказалась мифом, о чудесных ранних маслах, которые, как предполагается, Хоппер придумал сам. Открытие г-ном Шедвиком этих первых картин может также пролить свет на гораздо более поздние, самые знаковые шедевры Хоппера. Критики и ученые всегда были заинтригованы неловкостью, которую Хоппер позволял себе во многих своих классических картинах: моря, которые выглядят скорее нарисованными, чем жидкими, в его знаменитом «Вихре земли»; неловкая анатомия его обнаженной женщины в «Утро в городе» или каменные лица посетителей в «Ночных ястребах».

Теперь, когда мы знаем, что Хоппер никогда не был вундеркиндом, мы можем думать о его более поздних картинах как о преднамеренном пересмотре ограничений его юности и обретении в них добродетели и силы. Это классический ход американской культуры: видеть необразованных и домотканых людей более аутентичными — и особенно более подлинно американскими — чем софизмы тех декадентских старых европейцев.

В представлении своих новаторских взглядов на повседневную жизнь в средней Америке (или, как сказал мистер Ф.Шедвик сказал бы, что в «Америке» Хоппер помог определить как средний), Хоппер выбрал повседневный стиль, который приближает его к скромной коммерческой иллюстрации его эпохи, чем к сертифицированным старым мастерам. Как будто для того, чтобы быть по-настоящему в своем времени и месте и полностью «американскими», картины простых городских витрин или простых женщин в простых комнатах должны были быть выполнены в простой манере, достойной их подданных, или столь же недостойны как их.

Если Хоппер утверждал, что является абсолютным оригиналом, не подверженным влиянию других, его величайшие картины усердно трудятся, чтобы передать другой образ их создателя: их изученная неловкость просит нас представить его как человека, который действительно мог бы начать свою карьеру, копируя кого-то другого … как только что ваш средний американец, работающий трудно сделать хорошо.

Блейк Гопник — автор «Уорхола», биографии поп-артиста, опубликованной Ecco в HarperCollins.

Освойте революционный метод визуализации глубины и имитации жизни: Никельсен, Алена: 9780385346276: Amazon.com: Книги

«Эта книга должна быть у всех художников, работающих с цветными карандашами — не только тех, кто интересуется портретной живописью, но и тех, кто хочет по-настоящему понять и овладеть искусством цветных карандашей. .»
— Айвор Харрисон, The Art Gear Guide

» Цветной карандаш для рисования портретов — это обширная информация и инструкции, и приятно наблюдать, как Алена воплощает в жизнь свои богатые, красивые портреты ».
—Австралийская ассоциация цветных карандашей

АЛИОНА НИКЕЛЬСЕН — писатель для журнала Цветной карандаш и автор Библии для рисования цветным карандашом . Ее работы были представлены в многочисленных публикациях, в том числе American Artist , The Artist’s Magazine и American Art Collector .Картины Никельсена выставлялись и получали награды на престижных национальных и международных выставках, таких как Salmagundi Club, American Artist Professional League, Audubon Artists и Американское общество цветного карандаша. Она является создателем и инструктором Учебного центра рисования цветным карандашом, размещенного на ее веб-сайте www.brushandpencil.com.

Выдержка. © Печатается с разрешения автора. Все права защищены.

Цветные карандаши в моей студии удивительно устойчивы.Они успешно пережили многие соблазны, представленные красками, пастелью, чернилами и т. Д., И, спустя много лет, все еще занимают предпочтительное положение на моем рабочем столе. Я использовал огромное количество накопленных знаний о свойствах других средств и включил более полезные из них, чтобы продвинуть и расширить преимущества процесса рисования цветным карандашом.

Благодаря постоянным исследованиям, экспериментам и испытаниям мне стала очевидна исключительность цветных карандашей.Их точность и гибкость позволяют художникам добиться практически любого желаемого эффекта. Нам просто нужно понять их свойства, на которые часто не обращают внимания, и использовать их в своих интересах. В результате даже иногда утомительная задача по покрытию большого фона больше не является рутинной. Если вы знаете, как это сделать, вы сможете преодолеть такие трудности всего за долю того времени, на которое вы могли рассчитывать.

В этой книге мы продолжаем обсуждение, начатое в Библии рисования цветным карандашом, о процессе рисования цветным карандашом.Однако на этот раз он будет построен на примере портретного жанра. С момента публикации моей первой книги некоторые методы, которые я использую сегодня, были обновлены или изменены, некоторые инструменты были добавлены, а другие заброшены, а некоторые идеи были приняты или отклонены. Но основы моего подхода остаются прежними. Я продолжаю накладывать цветные карандаши на белую поверхность, создавая законченное произведение искусства, которое больше напоминает картину, чем рисунок. Мы будем подробно обсуждать все аспекты этих практик на страницах этой работы.

Учебный ресурс Роя Лихтенштейна | Национальные галереи Шотландии

В 1957 году Лихтенштейн и его молодая семья вернулись в Нью-Йорк, где он стал доцентом Государственного университета Нью-Йорка в Освего, преподавая промышленный дизайн. В этот период он начал рисовать мультяшные изображения, такие как Микки Маус и Дональд Дак, сначала сочетая их в картинах с абстрактным экспрессионистским мазком. В 1960 году он принял должность доцента по искусству в Дуглас-Колледж, Рутгерс, Государственный университет Нью-Джерси, где он познакомился с Алланом Капроу.Лихтенштейн посетил несколько «мероприятий», организованных Капроу, которые вдохновили его сконцентрироваться на изображениях из комиксов.

Лихтенштейн написал свою первую картину в стиле поп-арт, Look Mickey (Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия, США), в 1961 году. В том же году влиятельный арт-дилер Лео Кастелли начал представлять Лихтенштейна и включил одну из своих картин в группу. выставка. Он впервые использовал перфорированный металлический экран в 1962 году, чтобы нарисовать точки Бендея, которые он ранее рисовал вручную.В следующем году Лихтенштейн был включен в важную выставку « Шесть художников и объект » в Музее Соломона Р. Гуггенхайма, которую курировал Лоуренс Аллоуэй вместе с такими художниками, как Энди Уорхол, Джим Дайн и Джаспер Джонс.

В 1966 году Лихтенштейн был одним из пяти художников, выбранных для представления США на Венецианской биеннале, и его первая персональная выставка состоялась в Кливлендском художественном музее. В 1967 году у него была первая европейская ретроспектива в Stedelijk Museum, Амстердам.Позже выставка отправится в три других музея, включая галерею Тейт, которая приобрела картину Whaam! 1963 в 1968 году. Лихтенштейн начал работу над своей первой серией гравюр, Стога сена (см., Например, Стога сена № 1 1969, Тейт, Лондон) и Руанский собор (оба основаны на работах Клода. Моне) работает с Gemini GEL в Лос-Анжелес. У него была ретроспективная выставка в Нью-Йорке в музее Гуггенхайма в 1969 году, на которой были представлены картины и скульптуры.

В 1970-е годы он продолжал создавать гравюры и картины, посвященные основным движениям и фигурам в современном искусстве. Его серия гравюр начала 1970-х годов включает Entablatures (см., Например, Entablature V 1976, Тейт, Лондон), серию ссылок на неоклассические здания. Его серия картин включает натюрморт, , многие из которых содержат отсылки к художникам-кубистам и, в частности, к Пабло Пикассо. Он также снял фильм и создал свою первую крупномасштабную скульптуру на открытом воздухе, Modern Head 1974, в Аркадии, Калифорния.В 1977 году он начал серию картин, основанных на работах художников-сюрреалистов, в том числе Макса Эрнста и Сальвадора Дали, и сюрреалистических работ Пикассо.