Пейзажи в живописи: кратко о жанре

Рада приветствовать вас, любители живописи, в нашей дружной творческой компании!

В этой статье я хотела бы повести разговор об истории пейзажа в живописи, о его видах и особенностях. И приглашаю вас присоединиться к обсуждению этой темы в комментариях, ведь тема близка всем без исключения!

Недаром великий Сальвадор Дали, гений сюрреализма сказал: «Пейзаж – это состояние души»

Вот одна из картин, которая находится в музее Сальвадора Дали в штате Флорида/ США. Посмотреть мою экскурсию в этот сюрреалистический музей вы можете на Ютуб канале.  В картине показано слияние природы и человека воедино.. сюрреалистический пейзаж с Тремя жидкими Грациями

Картина Сальвадора Дали «Три жидкие грации» Штат Флорида/США

Вы только вспомните, с чего начинается рисование в глубоком детстве: с солнышка в углу белого листа бумаги, зеленой травки и дерева, а значит, с пейзажа! И это неудивительно, потому что человечество уже несколько тысячелетий рисует пейзажи!

Если посмотреть древние наскальные росписи, мы в них обязательно увидим природу: деревья, цветы, горы. Хотя основными персонажами, несомненно, являются фигуры людей и животных.

Только вот пейзаж как жанр живописи появился
намного позже, а вначале живописцы использовали пейзаж как дополнительный фон для изображения портретов, исторических событий или тематических сцен.

«Мона Лиза» на фоне пейзажа

Множество примеров таких картин мы можем найти в живописи, начиная со времен античности и средневековья.

Например портрет известной Моны Лизы написан на фоновом пейзаже с горами.

В 2006 году я видела оригинал картины, которая, как жемчужина, хранится в Парижском музее Лувр.

Скажу, что мало кто обращает внимание на фон в картине, но он не менее таинственен, чем часто обсуждаемая улыбка Джоконды! Как вы считаете?

История пейзажа в живописи интересна и необычна тем, что в некоторых странах, например, в Китае, пейзаж появился аж в 6 веке! 

Причем это был самостоятельный, и даже ведущий жанр живописи.

Так произошло потому, что восточная философия и религия благоприятствовали развитию духовной жизни, созерцанию красот природы и единению с ее законами. Это все помогло развитию жанра пейзажа. Китайская пейзажная живопись стала основой для развития этого жанра в изобразительном искусстве юго-восточных стран, в том числе и Японии.

Китайский пейзаж

А в европейской живописи пейзаж как отдельный жанр стал популярным в конце 19 века с развитием импрессионизма. К этому времени в изобразительном искусстве появилась пленэрная живопись, которая дала возможность приблизиться к природе, ощутить глубину открытого пространства и ярко выразить свое впечатление от увиденного на картине.

Надо заметить, что встречаются картины в жанре пейзажа и более ранних эпох, например, голландского художника Якоба ван Рейсдала «Пейзаж с водопадом» Картина большая, 143 x 196 см и написана во второй половине 17 века. Но

большую популярность жанр пейзажа приобрел только во времена импрессионизма.

Картина Якоба ван Рейсдала «Пейзаж с водопадом»

Внизу пример пейзажа в стиле импрессионизм французского живописца Клода Моне, где он изобразил угол своего сада с яркими цветами. Кстати, а знаете ли вы, что означает слово импрессионизм и кто такие импрессионисты? Почитать о самом популярном стиле в живописи можно в ⇒ отдельной статье ⇐

Картина Клода Моне

Интересный факт: до середины 19 века живописцы не выходили на пленэр, а знаете почему? Да потому что не было художественных красок в тюбиках! Рисовать на природе, пользуясь красками в баночках, было просто неудобно.

Именно пленэр и возможность рисовать природу с натуры, послужили зарождению и развитию импрессионизма в живописи. Только на природе, в постоянно меняющемся освещении, можно «поймать» красивейшие моменты и выплеснуть свои впечатления на холст. Так зародился одухотворенный, эмоциональный и чувственный жанр живописи – пейзаж!

Кажется все так просто – картина с изображением частички природы… Но почему из всей живописи маслом — пейзаж считается наиболее популярным жанром у любителей искусства? Может потому, что пейзаж несет определенную энергетику природы и художника?

Горный, вымышленный пейзаж в процессе рождения

А еще живописная природа замечательным образом может «оживить» интерьер комнаты, придать ему свежесть, так сказать, «повеет свежестью воздуха природы» в замкнутом пространстве помещения…

Таким образом, мы чувствуем себя лучше, как бы ближе к природе, а значит свободнее

А знаете ли вы, почему многие художники любят писать пейзажи? Вероятно, чтобы: поймать мимолетность, изобразить на холсте любовь, радость, почувствовать себя лучше, общаясь с природой, получить вдохновения или… перечислять можно бесконечно, согласитесь!

Ведь у каждого из нас будет своя причина, по которой он любит пейзажи, причем не важно, пишите вы их или просто любите на них смотреть в картинах! Все мы являемся частичкой природы, и нас влечет самый главный ее закон – закон гармонии!

Французская художница на пленэре

Разнообразие природы нашей матушки Земли породило разные виды пейзажа в живописи:

• Сельский
• Городской
• Природный
• Морской
• Футуристический или фантастический
• Романтический

Как говорится, на любой вкус: можно написать только природный, можно с элементами архитектуры и других построек, можно морской, средиземноморский, например.

Надо сказать, что  такое деление по видам пейзажа, весьма условное, потому что мы можем выделить и отдельные группы, например, горные, парковые, лесные или речные пейзажи. Но в основном их принято считать природными.

Картина, на которой художник Клод Моне пишет природный пейзаж

На заметку: одним из видов городского пейзажа является Ведута. Это живописная картина -пейзаж, с документальной точностью изображающая местность. Ведуту можно назвать прообразом панорамы.

А для написания таких достоверно точных пейзажей использовалось специальное оптическое приспособление, камера-обскура. Кстати, это чудо-оптику использовал и Леонардо да Винчи, о чем писал в своих трактатах. Ведущим пейзажистом, преуспевшем в этом жанре, был итальянский художник Каналетто.

Картины Каналетто в стиле Ведута

Как не странно, но на особенности пейзажа оказывает влияние и сам стиль, в котором написана картина, и целостность определенной эпохи:

• Академический пейзаж максимально достоверный, чаще всего он выполнен в природных цветах и оттенках.
• Пейзаж в стиле барокко будет отличаться преувеличенной пышностью природы.
• Пейзажи художников-импрессионистов наполнены чувственностью и динамикой, особой передачей цвета и перспективы.
• В пейзажах постимпрессионистов природа чаще изображается в виде контрастных ярких пятен, которые несут эмоции к зрителю.

Например, все картины внизу на фото, написаны по одной теме — Пейзаж, но посмотрите какие они разные по стилю!

Виды пейзажа в живописи

1. Морской пейзаж в стиле кубизм Пабло Пикассо
2. Пейзаж в стиле сюрреализм
3. Сельский пейзаж в стиле постимпрессионизм Винсента Ван Гога
4. Фоновый пейзаж в стиле барокко французского живописца Антуана Кийара, начало 18 века
5. Пейзаж в стиле сюрреализм
6. Академический пейзаж

Сегодня, многие художники предпочитают писать пейзажи с натуры, чтобы запечатлеть особенности, например, удивительного заката. Ведь это такое неповторимое зрелище, меняющиеся каждую минуту цвета и оттенки неба! Главное, успеть это написать!

А есть художники, которые любят работать только в мастерской. Они тоже пишут прекрасные пейзажи масляными, акриловыми красками или в смешанной технике живописи. Как написать пейзаж в мастерской? Очень просто: по памяти, по фотографии, по картинке из интернета, придумать сюжет самостоятельно или можно воспользоваться мотивирующим видео.
На фото я пишу городской пейзаж в сумерках.

Живопись маслом городской пейзаж

Думаю, вы согласитесь со мной, дорогие друзья, что пейзажи очень разнообразны не только по составной и стилю,  но и своего видения в целом! А задумывались ли вы, каково же значение слова «пейзаж»? В переводе с французского языка пейзаж (Paysage) –означает местность.

Но как жанр живописи пейзаж представляет собой намного больше! Пейзаж – это отзвук души художника, отражение его внутреннего мира.

Итог: как видите, пейзаж в живописи имеет свое место в жизни художников и любителей искусства природы. Есть художники, которые только пишут природные моменты, их называют пейзажистами, есть художники, которые используют природные мотивы как дополнение к основной теме картины. В любом случае, нам нравятся красоты нашей земли, ведь поэтому чаще всего они висят в наших домах!

На десерт: в этом видео смотрите, как написать картину маслом «Пейзаж в индивидуальном стиле». Я демонстрирую разные идеи для написания горных и городских пейзажей, и надеюсь, что это поможет вам вдохновиться на творчество!

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множество других статей в интернете, сохраните ее в закладках. Она всегда будет под рукой, если вы захотите к ней вернуться!

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

441 лучшая пейзажная картина в истории живописи

Пейзаж — это жанр изобразительного искусства, где главным объектом картины становится живописный вид. Это могут быть сцены полей, лесов, гористой местности, морского побережья. Также к пейзажной живописи относится городской ландшафт, изображения поверхностей других планет и фантазийной природы. Если на полотнах и есть люди, то они выступают второстепенными элементами композиции. Главная же роль отводится природному миру.

Виды пейзажей

У каждого мастера есть неповторимый стиль написания, но существует несколько видов классификации ландшафтной живописи в зависимости от изображенной местности.

Пейзажи бывают:

• сельскими,
• морскими,
• природными,
• урбанистическими,
• парковыми,
• архитектурными,
• индустриальными.

Сельский пейзаж

Привлекал многих известных живописцев, вдохновляемых простотой деревенского быта. Художники изображали повседневную жизнь, бескрайние поля, домашних животных, нехитрый крестьянский быт. Яркий представитель деревенского пейзажа — произведение русского живописца Алексея Саврасова «Грачи прилетели».

Маринизм

Как отдельное направление искусства возник еще в эпоху Ренессанса и был особенно популярен в Голландии. Художники любили изображать огромные волны, бьющиеся о скалы, передавая бурю страстей. Из русских маринистов наиболее известен Иван Айвазовский, написавший «Буря на море ночью».

Природный пейзаж

Характеризуется изображением лесов, полей, гор в разное время года. Красоту окружающего мира использовали в своих произведениях многие профессионалы. Один из наиболее запоминающихся художников, увлекающихся природным жанром, — Иван Шишкин. Картины великого мастера можно рассматривать бесконечно, настолько детально прорисована каждая веточка, колосок, травинка. Полотно «Утро в сосновом бору», которое находится в Третьяковской галерее, известно во всем мире.

Урбанистические пейзажи

Написаны в городской черте. Это могут быть интересные здания, тротуары, кафе, площади. Произведения урбанистов со временем приобретают и историческую ценность. По картинам можно узнать, как выглядели улицы старинных городов. Ярким примером урбанизации служит полотно Константина Коровина «Ночной Париж».

Парковый пейзаж

Возвеличивает красоту природы и архитектурных сооружений садов, скверов. Пример таких картин — «Царскосельский парк» Андрея Мартынова.

Архитектурный пейзаж

К ней относятся произведения, изображающие различные строения: храмы, мосты, небоскребы, старинные здания. Основателем считается голландец Ганс Вредеман де Врис. Самое известное произведение художника «Дворцовая архитектура с прогуливающимися».

Индустриальный пейзаж

Относительно новый вид пейзажа. Особенно много индустриалов появилось в годы советской власти. Заводы, фабрики, электростанции, крупные стройки стали объектом вдохновения многих живописцев во времена социализма. Но и в западном искусстве можно найти картины известных пейзажистов, выполненных в индустриальном стиле. Такой пример —произведение Клода Моне «Угольщики».

Пейзажи по временам года

В ландшафтной живописи особенно заметна смена времен года. Художники изображают просыпающуюся природу весной, цветущие красоты лета, увядание осени, заснеженную белизну зимы.

Больше всего живописцы любят писать осенние пейзажи с буйством ярких красок. Одним из самых известных изображений листопада является шедевр Исаака Левитана «Золотая осень».

Зимние пейзажи характеризуются монохромностью с преобладанием белых и голубых оттенков. Мастера отображают в своих творениях заснеженные леса, поля, городские улицы. Несмотря на преобладание светлых тонов каждая из картин зимнего пейзажа отличается неповторимым колоритом и сочностью красок, приводящих к умиротворению. Например, на полотне Никифора Крылова «Русская зима» изображена сценка из деревенской жизни на фоне белой равнины с виднеющейся вдали полосой леса.

Весенняя природа на картинах пейзажистов отличается обилием голубого цвета. Изображение ярко-лазурного неба на фоне расцветающих деревьев — излюбленный прием импрессионистов, что можно наблюдать в работе Винсента Ван Гога «Фруктовый сад в цвету».

Летний пейзаж поражает зрителя разнообразием палитры. Сочно-зеленые травы и листья, яркие цветущие растения, насыщенные оттенки плодов, обилие солнечных бликов, небесная голубизна — все эти тона умело сочетают пейзажисты в одном произведении, что особенно заметно в полотне Клода Моне «Скала в Дьеппе».

Стили пейзажей

Ландшафтная живопись также делится на категории по стилю написания картин. Каждое направление характеризуется уникальными элементами, которые достигаются использованием специальных техник нанесения красок, игрой цвета, применением дополнительных материалов, искажением проекции.

Реализм

Многие пейзажисты работают в реалистичном стиле. Красота природы настолько совершенна, что достаточно мастерски запечатлеть ее на холсте до последнего листочка. При этом даже появление фотографии не уменьшило популярность реализма в изобразительном искусстве. Только настоящие мастера могут так красиво перенести на холст окружающий мир, что на картине природа будет выглядеть более восхитительно, чем в реальности.

Настоящим мастером, работавшим в стиле реализма, считается Иван Шишкин. Он с такой тщательной точностью выписывал каждую былинку, что был прозван фотографом. Зато благодаря бессмертным творениям мастера можно любоваться первозданной красотой природы прошлого, как на картине «Рожь».

Импрессионизм

Это самый узнаваемый стиль пейзажной живописи.

Новое течение в изобразительном искусстве появилось во второй половине XIX века во Франции, когда художники решили писать картины природы на пленэре без студийной доработки.

Большой вклад в популяризацию импрессионизма внес Ван Гог, который увлекся новой техникой написания. При этом автор придумал свой способ нанесения краски на холст густыми мазками, который используется многими мастерами живописи и сейчас. Одно из самых известных полотен Ван Гога «Вид на Арль с ирисами» написано в ставшей уже классической технике импрессионизма.

Абстракционизм

Это относительно новое художественное течение, появившееся в начале XX века. Абстракционизм — полная противоположность реализма, он искажает предметы до неузнаваемости. Художник своим произведением делает вызов обществу. Далеко не каждый способен понять концептуальное искусство, и абстракция в живописи долгое время не находила отклика в обществе.

Основателем абстракционизма считается Василий Кандинский, которого вдохновили на создание нового направления произведения Клода Моне. Долгое время автор не находил своих почитателей. Теперь же полотна Василия Кандинского уходят на аукционах за баснословные суммы. Так, абстракция «Марнау. Пейзаж с зеленым домом» была продана более чем за 40 миллионов долларов.

Новое направление в изобразительном искусстве привлекло и Каземира Малевича, который работал в то время в стиле импрессионизм. Художник взял за основу принцип абстракционизма, соединил с кубизмом и создал свое течение — супрематизм. Это можно наблюдать в «Утро после грозы».

Сюрреализм

Творческое течение характеризуется большим, чем определенная техника нанесения красок, использование проекций, игра со светом. В сюрреализме особенно ярко проявляется внутренний духовный мир автора, доставая на поверхность глубинные мысли разума. Ярким представителем сюрреалистического направления является Сальвадор Дали. «Постоянство памяти» можно рассматривать бесконечно и каждый раз находить новый смысл.

Пейзажи, выполненные в стиле сюрреализма, отражают сверхъестественные неуловимые образы снов, мифов, фантазий. В произведениях часто отсутствуют узнаваемые геологические элементы, такие как горы, реки, впадины.

Изображения противоречат традиционным представлениям о пейзажном жанре и предполагают, что внутренний мир за пределами нашего тела важнее и подлежит изучению. Это особенно заметно в картине известного сюрреалиста Марка Эрнста «Превращение огня».

История возникновения жанра

В России слово «пейзаж» было заимствовано из французского языка. Paysage означает «сельские виды». Но и для Франции это слово не исконно родное, а образовано от латинских: pays, что означает «местность», и суффикса pagus — «сельская жизнь».

Живописцы пишут пейзажи с древних времен. Греки и римляне создавали настенные изображения с природой, навеянной мифами. Но в те времена нельзя было выделить жанр пейзаж в отдельный вид искусства, так как основной акцент уделялся не природе, а сюжету. После падения Римской империи живопись пришла в упадок, и картины пейзажей воспринимались как декорации для религиозных сцен.

Только в середине XVI века художники стали проявлять интерес к природному миру. В эпоху Ренессанса классификационная система, созданная великими европейскими академиями, выделяла 5 основных жанров изобразительного искусства по иерархии:

1. Историческая живопись.
2. Портрет.
3. Сцены повседневной жизни.
4. Пейзаж.
5. Натюрморт.

Хотя пейзажные картины и стояли на одной из низших ступеней иерархической лестницы, все чаще живописцы эпохи Возрождения стали писать произведения, где главным элементом были красивые природные виды.

Пейзаж в России

В отечественной живописи к ландшафтному искусству всегда был большой интерес. Художники не могли не замечать красоты окружающей среды — бескрайние луга, густые леса, цветущие поля, морскую гладь. Природа России прекрасна в любое время года, что и запечатлено на полотнах великих отечественных мастеров.

Первые пейзажные моменты замечены еще в иконописи Древней Руси, где живописцы писали лики святых на фоне красивой природы. И хотя это нельзя отнести к классическому жанру — основной акцент иконописцы делали не на природном ландшафте, а на святых, все же это время считается зарождением пейзажной живописи в России.

Рассвет начался в XVIII веке, когда придворные художники стали писать картины дворцовых парков с топографической точностью, что нужно было для географического атласа. Основоположником российского ландшафтного искусства считается Семен Щедрин — живописец при императорском дворе.

Художник основал школу изобразительного искусства, где обучались многие ставшие впоследствии знаменитыми мастера: М. Воробьев, Н. Мартынов и пр. Чаще всего пейзажисты воспроизводили красоты Санкт-Петербурга и его окрестностей с великолепными дворцами, мостами, парками. Поэтому до сих пор сохранилось так много свидетельств архитектуры и ландшафтного дизайна того времени.

В XIX веке становится популярен морской пейзаж, где особенно прославился Иван Айвазовский. Также получает развитие тема романтической живописи. В этом направлении начинают работать многие художники — Саврасов, Левитан, Каменев. Михаил Клодт объединяет тему классического с лирическим стилем и создает эпическое искусство.

Вторая половина XIX века стала поистине золотой вехой развития российского пейзажа. В это время работали такие великие мастера, имена которых на слуху до сих пор, — Иван Шишкин, Архип Куинджи, Илья Репин, Константин Коровин. Живопись перестает быть пафосной, и мастера начинают воспевать красоту русской земли, углубляясь в провинцию.

В XX веке к классическому пейзажному жанру добавляется течение импрессионизм, которым начинают увлекаться многие российские художники. С приходом фотографии реализм считается устаревшим, и мастера ищут новые подходы — импрессионизм, кубизм, авангардизм. Это время ассоциируется с такими именами, как Кандинский, Малевич, Шагал.

Во времена правления Сталина развивается индустриальный пейзаж. Художники создают плакаты, призывающие на стройки века, воспевают красоту фабричных труб, опор линий электропередач.

В оттепель вновь входит в моду импрессионизм. Советские авторы получают возможность более свободно выражать свои мысли через произведения искусства. Но чтобы получать премии, устраивать персональные выставки, живописцам приходится писать на советскую тематику. Многие устремляются на север, чтобы работать в любимом жанре и при этом не идти в конфликт с советской властью.

В это же время становятся популярными художники из союзных республик, воспевающих национальный колорит. Также развивается народный пейзаж в исконно русском лубочном стиле, что можно заметить на картине Татьяны Яблонской «Лето».

Используемые материалы

С течение времени менялся не только стиль написания, но и художественные принадлежности. С развитием технологий появлялись новые краски, которые помогали художникам создавать свои шедевры. Кто-то оставался верен традициям и старался использовать те же материалы, что и мастера времен Леонардо да Винчи, но многие были не против экспериментировать с новыми текстурами.

Масляная краска

Один из самых часто используемых материалов для написания пейзажей — это масляная краска. Цветные пигменты смешиваются с маслом, в результате получается материал по консистенции, удобной в использовании художником, когда нужно наложить несколько слоев. Масляная краска долго сохнет, что позволяет вносить исправления в процессе работы.

Пейзажи великих мастеров не выцветают с течением времени, что позволило сохранить шедевры мирового изобразительного искусства. Такая краска используется для написания уже много веков, и неизвестно точно, кому пришла в голову гениальная мысль добавить цветные пигменты в масляную основу. Одна из знаменитых пейзажных картин маслом — «Маленькая улица» Иоганна Вермеера, написанная в 1658 году.

Акриловая краска

Акрил — это современный материал, который отличается экономичностью и быстрым высыханием. Краска изготавливается на водной основе. Когда влага испаряется, красящие пигменты остаются на бумаге. Акрил относится к довольно стойким материалам, не подверженным влиянию света, но для особой прочности, необходимо картину покрывать лаком. Одним из самых известных художников в стиле поп-арт, который использовал такую краску, был Дэвид Хокни с его известным пейзажем акрилом «Большой всплеск».

Акварель

Акварельные краски изготавливаются из пигментов, взвешенных в водном растворе, что создает особую прозрачность на бумаге. Акварель остается растворимой даже после высыхания, достаточно смочить ее кисточкой. Это помогает художникам вносить изменения в работу.

Первая акварель использовалась еще древними египтянами на папирусе. Этот материал остается популярным и сейчас, особенно при создании морских пейзажей, когда нужно показать прозрачную красоту водной глади, как на картине «Белые корабли» Джона Сингера Сарджента.

Гуашь

По свойствам гуашь близка к акриловым краскам и акварели, но отличается более тяжелыми непрозрачными мазками. Краска растворима в воде, поэтому готовые картины для сохранности покрываются лаком. Одним из известных художников, использовавших в своем творчестве гуашь, был Сальвадор Дали, что можно увидеть в рисунке «Отрочество».

Пастель

Сухая живопись, как называют использование пастели, берет свое начало с XVI века. Художники пишут цветными мелками и не тратят время на смешивание палитры и высыхание. Цвета пастели отличаются мягкостью, отсутствием ярких красок.

Картины особенно подвержены воздействию окружающей среды, поэтому хранятся под стеклом. Пример пейзажа пастелью — произведение Исаака Левитана «Луг на опушке леса».

Карандашная живопись

Хотя для монументальных картин используются только краски, художники применяли и карандаши для написания набросков, эскизов, небольших рисунков. Многие пейзажи карандашом известных мастеров сохранились до сих пор. Как, например, произведение Винсента Ван Гога «Ферма в пшеничном поле».

Известные зарубежные пейзажисты

Хотя ландшафтная живопись долгое время не считалась отдельным жанром, практически в каждой стране есть великие художники, увековечивавшие красоту природы.

Леонардо да Винчи — настоящий гений эпохи Возрождения. «Пейзаж долины реки Арно» — самый ранний сохранившийся рисунок автора считается основоположником ландшафтной живописи. Хотя природа в то время присутствовала в полотнах многих мастеров, у Леонардо да Винчи впервые окружающая среда стала главным героем вместо фона, где разворачивается действие.

Тициан — знаменитый художник эпохи Ренессанса был известен универсальностью и мастерским изображением природы в религиозных сюжетах. Пример — картина Тициана «Орфей и Эвридика». Автор ввел для тех лет новую концепцию — оживил природный ландшафт светом так, что он больше не служил фоном для главных героев, а выступал отдельным персонажем.

Якоб Ван Рейсдал — великий голландский живописец, творивший в XVII веке, знаменит тем, что придал пейзажному искусству новое измерение, отобразив природу как метафору темных аспектов человеческой психологии. Простые лесные сцены были любимыми сюжетами пейзажиста, и он особенно известен вдохновенным изображением деревьев и облаков, что можно увидеть на полотне «Вид на Харлем с белеющими полями».

Клод Лоррен — французский художник XVII века воссоздавал пейзажи классических Греции и Рима. Лоррен был новатором в направлении, где главными действующими лицами выступали не люди или мифические герои, а элементы окружающей природы, как можно заметить на картине «Пасторальный пейзаж».

Жан-Батист-Камиль Коро — французский живописец XVIII века один из первых, кто начал работать на пленэре задолго до импрессионизма. Художник мастерски использовал естественный свет, делал наброски на природе и дорабатывал свои произведения в студии. «Воспоминания о Мортефонтене» до сих пор служит ученикам пособием по правильной прорисовке деталей.

Питер Брейгель Старший считался самым значительным художником XVI века в Нидерландах. Автор известен колоритными пейзажами и изображением сцен повседневной жизни крестьян и рабочих. Брейгель старший первым в Голландии перестал писать на библейские сюжеты и стал реалистом. Один из основных шедевров живописи автора — картина «Жатва».

Французский художник Клод Моне был основателем импрессионизма. Он руководил созданным им движением, отстаивал свои убеждения о правильном восприятии человеком природы. «Водяные лилии» — самая известная серия произведений Моне было описана как «Сикстинская капелла импрессионизма». Клод Моне считается одним из величайших мастеров во всем мире.

Винсент Ван Гог относится к постимпрессионистам. Мастер расширил течение добавлением ярких цветов, искажением форм и проекций. У Ван Гога была трудная жизнь, омраченная психическим заболеванием. Знаменитым художник стал уже после смерти. Его картина «Звездная ночь» признана шедевром современного искусства.

Поль Сезанн знаменит тем, что связал импрессионизм с кубизмом и оказал влияние на многих известных мастеров. Сезанн писал пейзажи хорошо знакомой ему местности. Автору не нужно было выезжать на пленэр. Многие картины являются игрой воображения и воспоминаниями о знакомых местах, как произведение изобразительного искусства «Тополя».

Хаяо Миядзаки — один из современных художников, создатель всемирно известных аниме. Но японский режиссер прославился также и великолепными яркими пейзажами, который сам пишет для своих мультфильмов. Это можно наблюдать, например, в аниме «Ходячий замок Хаула».

Известные русские пейзажисты

Удивительная местная природа не могла оставить без внимания российских художников. Поэтому так много в нашей стране великих мастеров ландшафтной живописи, знаменитых во всем мире.

Федор Алексеев получил образование в императорской школе художеств. Знаменит мастер тем, что стал основателем в России городского пейзажа. Живописец в своих произведениях увековечил красоты тех лет Петербурга, Москвы, провинциальных городов. Одна из известных картин автора «Вид на Михайловский Замок и площадь Коннетабля в Петербурге».

Иван Айвазовский считается лучшим мастером морского пейзажа. После обучения в петербургской школе искусств он несколько лет прожил в Крыму, чтобы научиться тонко чувствовать море, которое стало главным объектом его творчества. Среди многочисленных морских шедевров «Буря на Северном море» является одной из наиболее узнаваемых работ Айвазовского.

Иван Шишкин относится к самым величественным живописцам, восславлявшим русскую землю. Его полотна пронизаны любовью к родной природе. Картина Шишкина «Среди долины ровныя…» олицетворяет одиночество и трагические переживания автора, потерявшего любимую супругу.

Исаак Левитан считается одним из наиболее выдающихся отечественных пейзажистов. Живописец обладал бесспорным талантом умело отображать красоту простой природы без приукрашенной реальности и аллегорий. Это можно наблюдать на полотне великого мастера «Вечер. Золотой Плес».

Алексей Саврасов долгое время не был популярным художником и умер в нищете. Считалось, что живописец не написал ничего стоящего кроме «грачей». Но настоящий успех пейзажисту принесла картина «Лосиный остров в Сокольниках». Сейчас на этом месте раскинулся мегаполис и трудно представить, какая была дикая природа во времена жизни автора.

Василий Поленов считается мастером городского пейзажа, хотя автор писал много произведений на деревенские и даже эпические темы. Но знаменитый «Московский дворик» известен даже каждому школьнику. Благодаря этому полотну Поленова и относят к категории городских пейзажистов.

Архип Куинджи настолько поэтично воспроизводил красоты родного края, что его картины стали началом нового течения — романтический реализм. Яркие солнечные лучи, пробивающиеся сквозь густые деревья лесной чащи, лунный свет, выхвативший отдельные объекты ландшафта — никто раньше не играл так мастерски со светом и тенью. «Лунная ночь на Днепре» написана настолько реалистично и в то же время с ощущением мистики, что автора даже обвиняли в использовании таинственных неизвестных никому красок.

Илья Репин — великий русский живописец, работающий в стиле реализма. Хотя художник больше считается портретистом, он писал в разных жанрах, в том числе и в пейзажном. Картина Репина «Шторм на Волге» является ярким тому подтверждением.

Виктор Васнецов знаменит как основатель фольклорной живописи. В каждое произведение автора окунаешься словно в настоящий эпос.

Константин Коровин — известный русский импрессионист, написавшей немало пейзажных картин в стиле, заимствованном у французских мастеров. После изучения новой для того времени техники написания полотен в Европе, художник отправился в длительное путешествие на север, о чем осталось воспоминание в виде картины «Зима в Лапландии».

Шедевры пейзажей

«Охотники на снегу» Питера Брейгеля Старшего — произведение маслом, выполненное на дереве, запечатлевает сцену трех мужчин, возвращающихся домой из леса. Глядя на рисунок, можно понять, что промысел не был удачным. Охотники идут понуро, и даже собаки выглядят несчастными.

Картина «Вид на Толедо» Эль Греко словно заряжена мощной энергией. Хотя полотно написано в стиле реализма, оно кажется призрачным виденьем. Автор тонко сравнивает в произведении унылый и мрачный горизонт с пышной растительностью и роскошно холмистой местностью Толедо.

«Гора Фудзи в ясную погоду» японского автора Кацусика Хокусай относится к шедеврам азиатской живописи. Автор создал 36 видов любимой японцами горы в разную погоду. Но самым знаменитым полотном автора стало изображение Фудзиямы в ясный день, выполненное в голубых и красных тонах.

«Девятый вал» Айвазовского вызывает у наблюдателя чувство амбивалентности. Картина олицетворяет одновременно трагедию и надежду. Искусство призвано вызывать эмоции, даже если они противоречивы, и произведение, написанное маслом на холсте, делает именно это.

«Впечатление. Восход солнца» Клода Моне. Картина, выполненная в стиле импрессионизма, проецирует впечатления, а не пытается воспроизвести саму сцену. К тому же на полотне запечатлен гаврский порт, который считается символом возвращения Франции к процветанию после поражения в войне.

«Мон Сент-Виктуар» Поля Сезанна относится к постимпрессионизму. Изображение горы сделано с использованием комбинации геометрии и цветов, чтобы подчеркнуть глубину и расстояние. Говорят, что данный труд Сезанна вдохновил на создание шедевров Пабло Пикассо.

«Пшеничное поле с воронами» Винсента Ван Гога — картина, которую многие критики считают посланием. Произведение создано ближе к концу жизни автора и кажется зрителю зловещим предзнаменованием, поскольку уже тогда Ваг Гог знал, что скоро покончит с собой. Независимо от интерпретации, важным остается тот факт, что картина — это настоящий шедевр, который будет оставаться актуальным на протяжении многих веков.

Полотно «Заморские гости» Николая Рериха изображает первых путешественников, прибывших на Русь из-за моря. Выполненная в стиле импрессионизма картина производит огромное впечатление на зрителей. Эта работа считается отражением прихода варягов на Русь в далеком прошлом.

«Петербург при заходе солнца» входит в сокровищницу мирового искусства. Великий пейзажист Алексей Боголюбов изобразил закат солнца на Неве. Автор настолько тонко передал атмосферу питерской жизни тех лет, что полотно стало настоящим шедевром.

«Москва» Василия Кандинского — яркий результат творчества известного мастера. Картина выполнена в технике абстрактного рисунка с использованием широкой гаммы цветов. В. Кандинский считается пионером абстрактного искусства, и произведение —яркое тому подтверждение.

Природный пейзаж в живописи

Когда-то французский художник Жан Батист Шарден сказал, что в живописи краски лишь используют, а пишут чувствами. А сколько необъяснимых чувств вызывают у человека красивые природные пейзажи! Вне зависимости от времени года каждого из нас посещают то грусть, то спокойствие, то радость, то уныние. И далеко не всегда наше настроение зависит от отношений с близкими. Поэтов, композиторов и, конечно, художников всегда вдохновляла природа. Именно поэтому настолько популярны картины с изображением моря, неба или колосящегося поля с бегущим табуном лошадей. Так какую же роль играет природный пейзаж в живописи?

Происхождение

Впервые этот жанр появился в Китае еще в начале нашей эры. Уже тогда стены культовых сооружений и домов обычных людей украшали подобные картины. Ведь у китайцев есть определенная вера, где любование природой – одна из возможностей познать истину. В Европе страсть к пейзажной живописи проявилась гораздо позже, когда стремительно начала развиваться промышленность. Люди массово переезжали жить в города, тем самым разрывая связь с природой, которой со временем стало не хватать. Но возвращаться в деревни никто не хотел. Поэтому дома понемногу стали заполонять картины природного пейзажа. Для написания в основном использовалось масло, которое до сих пор является главным орудием труда истинных пейзажистов.

Примеры произведений русских художников

Такая живопись чем-то напоминает лирическую поэзию. Ведь она также тонко способна передавать чувства и настроения художника. К примеру, И. И. Шукшин на картине «Зима» отобразил не только могущество величественных заснеженных деревьев. Здесь наравне с холодным спокойствием наблюдается ощущение праздника и торжества. Маленькие молодые елочки, стоящие среди гигантов, готовы начать стремительно расти вместе с первыми лучами солнца. Художник чувствует красоту зимнего леса и умело воспевает ее. Видно, что картину писал талантливый мастер – пейзажист по призванию.

Но есть и другие художники, которые отображают в своих произведениях не только красоту природы, но и ее мощь и разрушительность. В 1850 году знаменитый пейзажист И. К. Айвазовский написал одну из своих знаменитейших картин «Девятый вал». На ней показано, что люди не в силах противостоять стихии. Несколько человек еле держаться на воде среди громадных волн после кораблекрушения. И только солнце, едва пробивающееся из-за грозных туч, дает надежду на спасение. Быть может, автор хотел показать всю мощь природы, а, может, под картиной подразумевается определенный отрезок жизни самого мастера.

Пейзаж маслом на холсте в интерьере

Природная живопись сегодня является одним из самых популярных жанров в изобразительном искусстве. Любое, даже самое невзрачное жилище моментально преобразится, если стену украсит полотно с изображением леса, горной реки или ветхой деревенской избушки.

Данное направление включает в себя много разных стилей, среди которых:

• морской;
• деревенский;
• городской;
• футуристический и др.

Каждый из них отличается не только тематикой, но и техникой написания, принадлежащей каждому отдельному художнику. Природный пейзаж в живописи – это возможность прикоснуться к чему-то далекому, может даже незнакомому.

Интерьер, который украшает красивый рисунок, всегда будет интересен и приятен. Тем не менее, прежде чем приобрести произведение искусства, стоит обратить внимание на дизайн помещения и место, где будет висеть картина. Пейзажный масляный холст не должен находиться под воздействием прямых солнечных лучей, так как краска может выгореть, а само полотно пересохнуть и потрескаться.

Картина с изображением природы сможет стать достопримечательностью не только квартиры или дома. Подобные произведения искусства часто украшают рестораны, отели, офисы и различные учреждения. Но чаще всего полотна, где изображен красивый пейзаж, встречаются в интерьерах спален и гостиных. Ведь этот жанр позволяет выбрать каждому ценителю живописи тот земной уголок, который близок по духу и позволяет поднять настроение или успокоиться.

Чтобы интерьер был гармоничным, желательно правильно подобрать само изображение и цветовое решение, чтобы они сочетались с мебелью и отделкой помещения. Не стоит вешать слишком мрачные пейзажи в спальне или гостиной. Такие картины могут плохо влиять на настроение и создавать ощущение тяжести. Подобные изображения лучше всего разместить в рабочем кабинете или библиотеке, где необходимо сосредоточиться.

Цветовое решение тоже имеет большое значение. К примеру, красный возбуждает, а зеленый успокаивает. Поэтому картина, как элемент декора, должна быть подобрана так, чтобы дополнять помещение красотой, а дух художника был близок владельцам дома. Подобрать картину с природным пейзажем можно в специализированном магазине Артворлд (https://artworld.ru/catalog/?fields_filter%5Bgenre%5D=1037)

Пейзаж – HiSoUR История культуры

Пейзажная живопись, также известная как ландшафтное искусство, представляет собой изображение в искусстве пейзажей – таких природных ландшафтов, как горы, долины, деревья, реки и леса, особенно там, где основной объект – широкий вид – с его элементами, расположенными в виде когерентной композиции , В других работах пейзажные фоны для фигур все еще могут составлять важную часть работы. Небо почти всегда включено в представление, и погода часто является элементом композиции. Подробные пейзажи как отдельный субъект не встречаются во всех художественных традициях и развиваются, когда уже существует сложная традиция представлять другие предметы.

Две основные традиции проистекают из западной живописи и китайского искусства, и в обоих случаях прошло более тысячи лет. Признание духовного элемента в ландшафтном искусстве присутствует от его истоков в восточноазиатском искусстве, опираясь на даосизм и другие философские традиции, но на Западе становится явным с романтизмом.

Пейзажные виды в искусстве могут быть полностью мнимыми или копироваться из реальности с различной степенью точности. Если основной целью изображения является отображение фактического, конкретного места, особенно в том числе зданий заметно, оно называется топографическим видом. Такие взгляды, чрезвычайно распространенные как печатные издания на Западе, часто воспринимаются как уступающие ландшафтам изобразительного искусства, хотя различие не всегда имеет смысл; Подобные предрассудки существовали в китайском искусстве, где литературная живопись обычно изображала воображаемые взгляды, в то время как профессиональные художники-придворные рисовали реальные взгляды, часто включавшие дворцы и города.

Типы ландшафтов:
Из-за того, как обрабатывается тема ландшафта, можно выделить три основных типа:

«Космический» или «возвышенный» пейзаж, в котором природа представлена ​​диким образом, огромные ландшафты, которые не обязательно представляют действительно существующие места и в которых человек чувствует себя потерянным. Внутри этой линии будет «натуралистический ландшафт», отражающий грандиозную, обильную и дикую природу, в которой атмосферные явления появляются как бури. Это типично для художников из Северной Европы, особенно немецкой живописи, таких как Дюрер, Эльсхаймер или Фридрих.

Природа «доминирует» человеком, как в случае с фламандским или голландским пейзажем. Присутствие человека заставляет природу не казаться угрожающей. Часто это становится «топографическим ландшафтом», который обязательно представляет собой точное и идентифицируемое место с природой, представленной самым скромным образом. В этой строке можно привести Патинира, Питера Брейгеля Старшего или голландских мастеров семнадцатого века.

Природа «колонизирована» человеком, что характерно для итальянского пейзажа. Они представляют собой возделываемые поля рельефа, холмы, долины и равнины с домами, каналами, дорогами и другими человеческими сооружениями; Природа уже не является угрозой, но человек также сделал ее своей. В этом ландшафте можно говорить о «классическом пейзаже», где представлена ​​идеальная грандиозная природа. Представление не заслуживает доверия, но рекоммендуется сублимировать природу и представить ее совершенным. В этом типе пейзажа история обычно скрыта. Актуально наличие элементов римской архитектуры в сочетании с горой или холмом и с водным планом. Этот тип «идеального пейзажа» был создан Аннибале Карраччи, а затем Доменикино и француза Пуссена. В течение столетий итальянский пейзаж был академической моделью, являющейся также Италией, страной, к которой пришли художники со всей Европы.

С другой стороны, ссылаясь на субъект, который представлен и не столько на способ его обработки, можно различать:

Марины в композициях, которые показывают океаны, моря или пляжи.
Флювиальные ландшафтные композиции с реками или ручьями.

Природные ландшафты представляют собой ландшафты, такие как леса, джунгли, пустыни, рощи и другие состояния территории без присутствия человека.
Ландшафты Costumbristas – это те, которые символизируют обычаи и традиции определенных мест, например, типичные ландшафты колумбийских городов, которые представлены в популярной живописи.

Звездные ландшафты или облачные ландшафты представляют собой изображения облаков, климатических образований и атмосферных условий.
Лунные пейзажи показывают пейзажи видения луны на земле.

Городские пейзажи показывают города.
Тяжёлые пейзажи или твердые ландшафты, в которых представлены такие области, как мощеные улицы и крупные комплексы предприятий или отраслей.

Воздушный или воздушный ландшафт, показывающий наземную поверхность, видимую сверху, особенно с самолетов или космических аппаратов. Когда точка зрения очень выражена вниз, небо не ценится. Этот жанр можно сочетать с другими, как в облачном эфире грузинского О’Киффе, эфирного лунного пейзажа Нэнси Грейвс или эфирного городского пейзажа Ивон Жакет.

Мечтальный пейзаж, в композициях, подобных пейзажам (как правило, сюрреалистическим или абстрактным), которые стремятся выразить психоаналитическое видение ума как трехмерного пространства.

история
Самые ранние формы искусства во всем мире изображают мало, что действительно можно назвать ландшафтом, хотя включены наземные линии, а иногда и указания на горы, деревья или другие природные объекты. Самые ранние «чистые ландшафты» без человеческих фигур – фрески из Минойской Греции около 1500 г. до нашей эры.

Охотничьи сцены, особенно те, которые установлены в закрытой перспективе тростниковых слоев Дельты Нила из Древнего Египта, могут дать сильное чувство места, но акцент делается на отдельных растительных формах и фигурах человека и животных, а не на общей обстановке ландшафта. Знаменитый пример – фрески из Могилы Небамуна, ныне находящиеся в Британском музее (около 1350 года до нашей эры).

Для согласованного описания целого ландшафта необходима какая-то грубая система перспективы или масштабирование для расстояния, и из литературных доказательств кажется, что сначала они были разработаны в Древней Греции в эллинистический период, хотя массовые примеры не сохранились. Более древние римские пейзажи выживают, начиная с 1-го века до нашей эры, особенно в фресках, украшающих комнаты, сохранившиеся на археологических памятниках Помпеи, Геркуланума и в других местах, и мозаики.

Традиция китайской чернильной краски Шань-шуй («горная вода») или «чистый» пейзаж, в которой единственным признаком человеческой жизни обычно является мудрец или мельком хижины, использует сложные пейзажи для рисования предметов, и ландшафтное искусство этого периода сохраняет классический и сильно имитируемый статус в китайской традиции.

Как римская, так и китайская традиции типично показывают грандиозные панорамы воображаемых ландшафтов, как правило, поддерживаемые множеством захватывающих гор – в Китае часто с водопадами и в Риме часто включаются море, озера или реки. Они часто использовались, как показано в примере, для преодоления разрыва между сценой переднего плана с фигурами и далекой панорамной перспективой, постоянной проблемой для пейзажных художников. Китайский стиль обычно показывал только отдаленный вид, или использовал мертвую землю или туман, чтобы избежать этой трудности.

Основной контраст между пейзажной живописью на Западе и Восточной Азии состоял в том, что, хотя на Западе до XIX века он занимал низкую позицию в принятой иерархии жанров, в Восточной Азии классическая китайская картина с горными чернилами была традиционно самой престижная форма визуального искусства. Эстетические теории в обоих регионах дали наивысший статус работам, которые, как считается, требовали наибольшего воображения от художника. На Западе это была живопись истории, но в Восточной Азии это был мнимый ландшафт, где известные практикующие были, по крайней мере теоретически, любительскими литераторами, в том числе несколькими Императорами Китая и Японии. Они часто были поэтами, линии и изображения которых иллюстрировали друг друга.

Однако на Западе картина истории пришла к необходимости обширного ландшафтного фона, где это уместно, поэтому теория не полностью работала против развития пейзажной живописи – на протяжении нескольких веков ландшафты регулярно продвигались к статусу истории, добавляя небольшие чтобы сделать повествовательную сцену, как правило, религиозную или мифологическую.

Западная Пейзажная живопись:

Средневековая пейзажная живопись
В раннем западном средневековом искусстве интерес к пейзажу исчезает почти полностью, сохранился только в копиях позднеантичных произведений, таких как Утрехтский псалтырь; последняя переработка этого источника в ранней готической версии уменьшает ранее обширные ландшафты до нескольких деревьев, заполняя пробелы в композиции, без ощущения общего пространства. Возрождение в интересе к природе первоначально в основном проявлялось в изображениях небольших садов, таких как Hortus Conclusus, или в гобеленах millefleur. Фрески фигур на работе или игре на фоне плотных деревьев во Дворце пап, Авиньон, вероятно, являются уникальным выживанием того, что было общим предметом. Несколько фресок садов сохранились из римских домов, таких как Вилла Ливии.

В течение 14-ого столетия Джотто ди Бондоне и его последователи стали признавать природу в своей работе, все чаще вводя элементы ландшафта в качестве фона для действия фигур в их картинах. В начале 15 века пейзажная живопись была создана как жанр в Европе, как установка для человеческой деятельности, часто выражаемая в религиозном предмете, например, темы «Отдых на полет в Египет», «Путешествие волхвов» или Святой Иероним в пустыне. Роскошные осветительные рукописи были очень важны в раннем развитии ландшафта, особенно серии «Мелодии месяцев», таких как «Très Riches Heures du Duc de Berry», которые традиционно показывали небольшие жанровые фигуры во все более широких ландшафтных условиях. Особый прогресс проявляется в менее известных Турин-Миланских часах, которые в настоящее время в значительной степени разрушены огнем, чьи события отразились на ранней голландской живописи в течение остальной части столетия. Художник, известный как «Рука G», вероятно, один из братьев Ван Эйка, был особенно успешным в воспроизведении эффектов света и в естественном представлении от переднего плана до далекого. Это было то, что другие художники находили трудными в течение столетия или более, часто решая проблему, показывая пейзаж из-за верхней части парапета или подоконника, как будто на значительной высоте.

Ренессансная пейзажная живопись
Пейзажные фоны для различных видов живописи стали более заметными и искусными в течение 15-го века. Период около конца 15-го века видел чистые пейзажные рисунки и акварели от Леонардо да Винчи, Альбрехта Дюрера, Фра Бартоломео и других, но чистые пейзажные предметы в живописи и печати, все еще небольшие, были впервые созданы Альбрехтом Альтдорфером и другими Немецкая Дунайская школа в начале 16 века. В то же время Йоахим Патинир в Нидерландах разработал «мировой пейзаж» в стиле панорамного пейзажа с маленькими фигурами и с использованием высокой воздушной точки зрения, которая оставалась влиятельной на протяжении столетия, использовалась и совершенствовалась Питером Брейгелем Старшим. Итальянское развитие тщательной системы графической перспективы было теперь известно во всей Европе, что позволило очень красиво раскрасить большие и сложные виды.

В эту эпоху ландшафт служил для выражения городских утопий и новой политики. Часто «воспринимаемый» через рамку окон на фотографиях, которые представляли внутренние сцены, он становился все более важной ролью, пока не занимал всю поверхность холста. В то же время персонажи религиозных сцен снаружи «сжимались», пока их не только символизировали элементы пейзажа (например, Иисус из Назарета для горы). Но в синтезе пейзаж оставался лишь частью картины истории или портрета.

Ландшафты были идеализированы, в основном отражающие пасторальный идеал, сделанный из классической поэзии, который впервые был полностью выражен Джорджоне и молодым Тицианом, и оставался связанным прежде всего с холмистым лесистым итальянским ландшафтом, который был изображен художниками из Северной Европы, которые никогда не бывали в Италии, так же, как простые литераторы в Китае и Японии рисовали головокружительные горы. Хотя часто молодых художников приглашали посетить Италию, чтобы испытать итальянский свет, многие художники из Северной Европы могли бы зарабатывать на жизнь итальянскими пейзажами, даже не утруждая себя поездкой. Действительно, некоторые стили были настолько популярны, что стали формулами, которые можно было копировать снова и снова.

Публикация в Антверпене в 1559 и 1561 годах двух серий из 48 отпечатков (Малые пейзажи) после рисунков анонимного художника, называемого Мастером малых ландшафтов, означала переход от мнимых далеких ландшафтов с религиозным содержанием мирового ландшафта в сторону крупномасштабных визуализаций на уровне глаз идентифицируемых загородных имений и деревень, населенных фигурами, занятыми повседневной деятельностью. Отказавшись от панорамной точки зрения мирового ландшафта и сосредоточив внимание на скромных, сельских и даже топографических, Малые Пейзажи поставили почву для пейзажной живописи Нидерландов в 17 веке. После публикации «Маленьких пейзажей» художники-пейзажисты в Низких странах либо продолжили свой мировой пейзаж, либо следовали новому режиму, представленному Малыми пейзажами.

Барочная пейзажная живопись
В начале эпохи Барокко пейзаж все еще мало культивировался. Только немецкий Адам Элсхаймер выделяется для рассмотрения историй, как правило, священных, как аутентичных ландшафтов, в которых он часто делает захватывающие исследования по атмосферным эффектам, исследованиям света или рассвета и сумерек.

Именно в барокко пейзажная живопись была окончательно установлена ​​как жанр в Европе, с развитием коллекционирования, как развлечение для человеческой деятельности. Это типичное для Северной Европы явление, которое в значительной степени объясняется протестантской реформой и развитием капитализма в Нидерландах. Благородство и духовенство, до тех пор являвшиеся главными клиентами художников, утратили актуальность, были заменены купеческой буржуазией. Предпочтения этого не шли к сложным картинам истории, предметам классической античности, мифологии или Священной истории, а также к сложным аллегориям, но они предпочитали простые и повседневные предметы, причины, по которым они достигли независимости, до тех пор жанры, такие как натюрморт, пейзаж или жанровая сцена. Была такая специализация, что каждый художник был посвящен определенному типу ландшафта. Таким образом, были художники, которые воспринимали их как «низшие страны», то есть земли, которые были ниже уровня моря, с их каналами, польдерами и ветряными мельницами; выделялся в этом парне ван Гойен, Якоб Рюйшдал и Меиндерт Хоббема. Хендрик Аверкамп специализировался на зимних принтах с замороженными прудами и фигуристами.

Хотя на севере Европы разрабатывались все виды чистых ландшафтов, религиозный, мифический или исторический анекдот по-прежнему необходим на юге в качестве предлога для рисования пейзажей. Это был пейзаж под названием «классический», «классический» или «героический», идиллический характер, который не соответствовал какому-либо конкретному, который действительно существовал, но построен из разных элементов (деревья, руины, архитектуры, горы …). Название картины и маленькие персонажи, потерянные в природе, дают ключ к истории, представленной в том, что на первый взгляд кажется только пейзажем. Этот тип был создан римско-болонским классицизмом и, в частности, самым выдающимся из его живописцев Аннибале Карраччи, в Полет в Египет священные персонажи имеют меньшее значение, чем окружающий их пейзаж.

Живопись 17-го и 18-го веков
Популярность экзотических пейзажных сцен можно увидеть в успехе живописца Франса Поста, который всю оставшуюся жизнь рисовал бразильские пейзажи после поездки туда в 1636-1644 годах. Другие художники, которые никогда не пересекали Альпы, могли зарабатывать деньги на пейзажах Рейнланд, а третьи – на создание фантастических сцен для конкретной комиссии, таких как взгляд Корнелиса де Мена на Смейеренбург в 1639 году.

Были разработаны композиционные формулы с использованием таких элементов, как repoussoir, которые остаются влиятельными в современной фотографии и живописи, в частности Пуссена и Клода Лоррена, как французских художников, живущих в Риме 17 века, так и живописи в основном классической тематики, или библейских сцен, установленных в тех же ландшафтах. В отличие от своих голландских современников, итальянские и французские художники-пейзажисты по-прежнему чаще всего хотели сохранить свою классификацию в иерархии жанров как живопись истории, включив в нее небольшие фигуры, представляющие сцену из классической мифологии или Библии. Сальватор Роза дал живописное волнение своим пейзажам, показав более дикую южно-итальянскую страну, часто населенную бандитами.

Голландская золотая эпоха живописи XVII века ознаменовала резкий рост пейзажной живописи, в которой специализировались многие художники, а также разработка чрезвычайно тонких реалистичных методов изображения света и погоды. Существуют разные стили и периоды, а также поджанры морской и животной живописи, а также особый стиль итальянского ландшафта. Большинство голландских ландшафтов были относительно небольшими, но пейзажи на фламинской барочной живописи, которые обычно были населены, часто были очень большими, прежде всего в серии работ, которые Петр Пол Рубенс писал для своих домов. Ландшафтные отпечатки были также популярны, и те, что были у Рембрандта, и экспериментальные работы Геркулеса Сегера, как правило, считаются лучшими.

Голландцы, как правило, делали небольшие картины для небольших домов. Некоторые голландские ландшафтные специальности, названные в инвентаре периода, включают в себя Batalje или боевую сцену; Манештийнье, или сцену лунного света; Bosjes, или лесная сцена; Бодерия, или фермерскую сцену, и сцену Дорпье или деревни. Несмотря на то, что в то время не назывался особым жанром, популярность римских руин вдохновляла многих голландских пейзажистов того времени на краску руин своего региона, таких как монастыри и церкви, разрушенные после битвы.

В Англии пейзажи первоначально были в основном фоном для портретов, как правило, предлагая парки или поместья помещика, хотя в основном они рисовались в Лондоне художником, который никогда не посещал скаты. Английская традиция была основана Энтони ван Дейком и другими преимущественно фламандскими художниками, работающими в Англии, но в 18 веке работы Клода Лоррена были тщательно собраны и повлияли не только на картины пейзажей, но и на английские ландшафтные сады Capability Brown и другие.

18-й век также был большим возрастом для топографического отпечатка, изображающего более или менее точно реальный вид в том виде, в котором пейзажная живопись редко делала. Первоначально они были в основном сосредоточены на здании, но в течение века, с ростом романтического движения, стали более распространены чистые пейзажи. Топографический шрифт, часто предназначенный для обрамления и зависания на стене, оставался очень популярной средой в XX веке, но часто классифицировался как более низкая форма искусства, чем воображаемый пейзаж.

Пейзажи в аквареле на бумаге стали особым специализмом, прежде всего в Англии, где развилась особая традиция талантливых художников, которые только или почти полностью рисовали пейзажные акварели, как это было не в других странах. Это были очень часто реальные взгляды, хотя иногда композиции были приспособлены для художественного эффекта. Картины продавались относительно дешево, но их было гораздо быстрее производить. Эти профессионалы могли увеличить свой доход, обучая «армию любителей», которые также рисовали.

Пейзажная живопись XIX-XX веков
Романтическое движение усилило существующий интерес к ландшафтному искусству, а отдаленные и дикие пейзажи, которые были одним из повторяющихся элементов в более раннем ландшафтном искусстве, стали более заметными. Немецкий каспар Дэвид Фридрих отличался особым стилем, под влиянием его датского обучения, где развился особый национальный стиль, основанный на голландском примере 17-го века. К этому он добавил квазимистический романтизм. Французские художники были медленнее разрабатывать пейзажную живопись, но примерно с 1830-х годов Жан-Батист-Камиль Коро и другие художники в школе Барбизона создали французскую традицию пейзажа, которая станет самой влиятельной в Европе на протяжении столетия, с импрессионистами и пост- Импрессионисты впервые заставляют пейзаж рисовать главный источник общих стилистических нововведений во всех видах живописи.

Все, что обязательно ведет к пейзажу, пейзажной живописи было великим художественным творением девятнадцатого века. Люди «могли предположить, что оценка естественной красоты и пейзажной живописи является нормальной и постоянной частью нашей духовной деятельности. Основными европейскими способами преобразования сложности ландшафта в идею были четыре фундаментальных подхода: принятие описательных символов, любопытством к фактам природы, созданием фантазий, чтобы облегчить мечты о глубоких корнях в природе и верой в золотой век, гармонии и порядка, которые можно было бы восстановить.

В романтическую эпоху пейзаж становится актером или производителем эмоций и субъективных переживаний. Живописные и возвышенные тогда выглядят как два способа увидеть пейзаж. Первые туристические гиды Истории собирают эти точки зрения, чтобы сделать популярную память об объектах и ​​их ландшафтах. Английский Джон Констебль открыл путь, который был посвящен живописи ландшафтов сельской Англии, не затронутых Промышленной революцией, в том числе тех мест, которые были ему известны с детства, таких как Долина Дедхэм. Он делал это с помощью техники разложения цвета малыми штрихами, что делает ее предшественником импрессионизма; Он изучал атмосферные явления, особенно облака. Выставка его работ в Парижском салоне 1824 года была очень успешной среди французских художников, начиная с Делакруа. Англичанин Уильям Тернер, его современник, но с более продолжительной художественной жизнью, отражал современность, как и в своей самой известной работе: «Дождь, пар и скорость», в котором появился по-настоящему новый предмет, железная дорога и мост Мейденхед, вундеркинда техники в то время. С Тернером формы ландшафта, растворенные в вихрях цвета, которые не всегда позволяли распознавать то, что отражено в живописи.

В Германии Блехен продолжал отражать традиционный ландшафт по преимуществу итальянский, но совсем по-другому, чем раньше. Он представил Италию, которая была не очень живописной, а не идиллической, которая подвергалась критике. Филипп Отто Рунге и Каспар Давид Фридрих, два выдающихся художника немецкой романтической живописи, посвятили себя пейзажу своей страны. Воодушевленные пиетистским духом, они пытались создавать религиозные картины, но не представляли сцены с такой темой, а отражали величие ландшафтов таким образом, чтобы они перешли к набожности.

Переход от «классического пейзажа» к реалистическому ландшафту дает Камиль Корот, который, подобно Блечену или Тернеру, прошел свою стадию становления в Италии. С ним начался другой способ лечения пейзажа, отличный от пейзажа. Как и после школы Барбизона, а затем и импрессионизма, он придавал пейзажу совершенно другую роль, чем у романтиков. Они наблюдали это с тщательным и относительным образом с точки зрения света и цвета, с целью создания представления, верного восприятию, которое может иметь наблюдатель. Эта преданность, которая испытывается, например, в контрастах и ​​затрагивает «ярким» способом.

Страсть пост-импрессиониста Винсента Ван Гога к работе его предшественников привела его к рисованию провансальского пейзажа с 1888 года. Его работа, интенсивных цветов, в которых фигуры деформированы и изогнуты, отходит от реализма, является прецедентом экспрессионистских тенденций.

В Северной Америке национальные школы живописи в значительной степени возникли у огородников, которые рисовали землю. В Соединенных Штатах Фредерик Эдвин, художник великих панорам, сделал обширные композиции, которые символизируют величие и необъятность американского континента (Ниагарский водопад, 1857). Школа реки Гудзон во второй половине девятнадцатого века, вероятно, является самым известным проявлением коренных народов. Его живописцы создавали произведения колоссального размера, пытаясь захватить эпический масштаб ландшафтов, которые их вдохновляли. Работа Томаса Коула, который в целом признан основателем школы, имеет много общего с философскими идеалами европейской пейзажной живописи, своего рода светской верой в духовные блага, которые можно получить от созерцания красоты. естественно. Некоторые из более поздних художников Школы реки Гудзон, такие как Альберт Бирстадт, создали произведения романтического характера, которые подчеркивали более суровые, даже ужасные, силы природы.

Национализм новых Объединенных провинций был фактором популярности пейзажной живописи голландского 17-го века и в XIX веке, когда другие народы пытались развить отличительные национальные школы живописи, попытка выразить особый характер пейзажа родина стала общей тенденцией. В России, как и в Америке, гигантские размеры картин были сами собой националистическим заявлением.

В Соединенных Штатах школа реки Гудзон, известная в середине-конце 19-го века, является, вероятно, самым известным отечественным развитием ландшафтного искусства. Эти художники создали произведения мамонтового масштаба, которые пытались захватить эпический масштаб ландшафтов, которые вдохновляли их. Работа Томаса Коула, общепризнанного основателя школы, имеет много общего с философскими идеалами европейских пейзажных картин – своего рода светской верой в духовные выгоды, которые можно получить от созерцания естественной красоты. Некоторые из более поздних художников школы реки Гудзон, такие как Альберт Бирстадт, создали менее утешительные работы, которые делали больший акцент (с большим романтическим преувеличением) на сырой, даже ужасающей силе природы. Лучшие примеры канадского ландшафтного искусства можно найти в работах «Семерки», известных в 1920-х годах.

Исследователи, натуралисты, моряки, торговцы, которые колонизировали побережье Атлантики, оставили ряд наблюдений, иногда научных, иногда фантастических или экстравагантных, задокументированных на их картах и ​​картинах.

Несмотря на то, что в период после Первой мировой войны они были менее доминирующими, многие значимые художники все еще рисовали пейзажи в самых разных стилях, например Чарльз Берклифилд, Нил Велливер, Алекс Кац, Милтон Эйвери, Питер Дойг, Эндрю Уайет, Дэвид Хокни и Сидней Нолан.

Современная пейзажная живопись
Современная пейзажная живопись распустила существование жанров, но в разных авангардистских «измах» мы можем различать картины, в которых представленный пейзаж, всегда с собственным стилем автора. Сезанн, «отец современной живописи», посвятил целую серию картин на гору Сент-Виктуар. Дерен, Дюфи, Вламинк и Маркет рисовали пейзажи, а Брек, один из основателей кубизма, неоднократно пробовал пейзаж Л’Эстака. В Вене в начале века произведения такого рода производили модернист Густав Климт и экспрессионист Эгон Шиле.

Экспрессионисты передавали свои чувства и хроматические ощущения также через ландшафты, как и Эрих Хеккель или Карл Шмидт-Роттлуфф в своих картинах, написанных в рыбацкой деревне Дангаст.

Различные формы абстракции в конечном итоге подавляли важность ландшафта, ограничивая объем реализма и представления. Тем не менее, термин «абстрактная пейзажная живопись» часто используется в отношении нескольких нефигуративных художников (Bazaine, Le Moal или Manessier). Сицилийский пейзаж вдохновил творчество художника-реалиста Ренато Гуттузо.

В последние годы аргентинский художник Хельмут Дич выделялся картинами, вдохновленными экстремальными точками природы. Его работа называется Ярким реализмом, утверждая, что живопись Дича не подлежит никакому изобразительному, натуралистическому или реалистическому представлению, но рождается из виталистического и мистического опыта природы.

Ориентальная живопись:

Китайская пейзажная живопись
Пейзажная живопись была названа «величайшим вкладом Китая в искусство мира» и обязана своим особым характером традиции даосского языка (даосской) в китайской культуре. Уильям Уотсон отмечает, что «Было сказано, что роль ландшафтного искусства в китайской живописи соответствует роли обнаженной на западе, как самой темы, неизменной само по себе, но создавшего средство бесконечных нюансов зрения и чувства».

Все более изощренные пейзажные фоны, чтобы изобразить предметы, показывающие охоту, фермерство или животных из династии Хань и далее, с сохранившимися примерами в основном из каменных или глиняных рельефов из гробниц, которые, как предполагается, следуют преобладающим стилям в живописи, без сомнения, не захватывая полный эффект оригинальных картин. Точный статус более поздних копий известных произведений известных художников (многие из которых записаны в литературе) до 10 века неясен. Одним из примеров является знаменитая картина 8-го века из Имперской коллекции под названием «Император Мин Хуан», путешествующий по Шу. Это показывает окружение верхом через головокружительные горы типа, характерного для более поздних картин, но в полном цвете «создает общую картину, которая почти персидская», в том, что было очевидно популярным и модным придворным стилем.

Решающий переход к монохромному пейзажному стилю, почти лишенному фигур, приписывается Ван Вэй (699-759), также известному как поэт; в основном остаются только копии его произведений. С 10-го века все большее число оригинальных картин сохранилось, и лучшие произведения южной школы династии Сун (960-1279) остаются одними из самых уважаемых в том, что было непрерывной традицией и по сей день. Китайская конвенция ценила картины любительского ученого-джентльмена, часто и поэта, над произведениями профессионалов, хотя ситуация была более сложной. Если они включают в себя какие-либо цифры, они очень часто такие люди, или мудрецы, созерцающие горы. Знаменитые произведения накопили множество красных «благодарственных печатей», и часто стихи, добавленные более поздними владельцами – Император Цяньлун (1711-1799), были плодовитым сумматором его собственных стихов, следуя за ранее Императорами.

Традиция шан-шуй никогда не предназначалась для представления фактических мест, даже если их назвали в честь них, как в конвенции «Восемь представлений». Другой стиль, созданный мастерскими профессиональных придворных художников, расписал официальные взгляды на императорские гастроли и церемонии, причем основное внимание уделялось высоко детализированным сценам переполненных городов и торжественных церемоний с высокой точки зрения. Они были нарисованы на свитках огромной длины ярким цветом.

Китайская скульптура также достигает трудного подвига создания эффективных ландшафтов в трех измерениях. Существует давняя традиция оценки «смотровых камней» – естественно сформированные валуны, как правило, известняк с берегов горных рек, размытых в фантастические формы, были доставлены во дворы и сады литераторов. Вероятно, это связано с традицией вырезать гораздо более мелкие валуны нефрита или какого-либо другого полудрагоценного камня в форме горы, включая крошечные фигуры монахов или мудрецов. Китайские сады также разработали очень сложную эстетику гораздо раньше, чем на Западе; каренсансуйский или японский сухие сады дзен-буддизма забирает сад еще ближе к тому, чтобы быть скульптурой, представляющей собой сильно абстрагированный пейзаж.

Япония пейзажная живопись
Японское искусство первоначально адаптировало китайские стили, чтобы отразить их интерес к повествовательным темам в искусстве, со сценами, установленными в пейзажах, смешавшихся с теми, которые показывают дворцовые или городские сцены, используя ту же самую высокую точку зрения, отрезая крыши по мере необходимости. Они появились в очень длинных ямато-е свитках сцен, иллюстрирующих «Сказку о Гэндзи» и других предметах, в основном с XII и XIII веков. Концепция джентльменско-любительского живописца имела небольшой резонанс в феодальной Японии, где художники обычно были профессионалами с сильной связью с их мастером и его школой, а не с классическими художниками из далекого прошлого, из которых китайские художники имели тенденцию черпать вдохновение , Живопись изначально была полностью окрашена, часто ярко, поэтому пейзаж никогда не переполняет фигуры, которые часто довольно крупны.

С 15-го века сохранилось еще много чистых пейзажных предметов; несколько ключевых художников – дзэн-буддийское духовенство и работали в монохромном стиле с большим вниманием к мазкам кисти в китайской манере. Некоторые школы приняли менее изысканный стиль, с меньшими взглядами, придающими больший акцент на передний план. Тип изображения, имевший непреклонную привлекательность для японских художников и получивший название «японский стиль», на самом деле впервые встречается в Китае. Это сочетает в себе одну или несколько крупных птиц, животных или деревьев на переднем плане, обычно с одной стороны в горизонтальной композиции, с более широким ландшафтом за пределами, часто только покрывающим части фона. Более поздние версии этого стиля часто обходились без ландшафта.

Стиль ukiyo-e, который развивался с 16-го века, сначала в живописи, а затем в цветных гравюрах, которые были дешевыми и широко доступными, первоначально концентрировался на человеческой фигуре, индивидуально и в группах. Но с конца 18 века ландшафт ukiyo-e развился под Hokusai и Hiroshige, чтобы стать самым известным типом японского ландшафтного искусства.

Техника пейзажной живописи
Большинство ранних ландшафтов явно мнимы, хотя с самого раннего возраста городские пейзажи явно предназначены для представления реальных городов с разной степенью точности. Различные методы были использованы для моделирования случайности естественных форм в изобретенных композициях: средневековый совет Ценнино Ценнини, чтобы скопировать обшарпанные скалы из мелких необработанных пород, по-видимому, сопровождался как Пуссеном, так и Томасом Гейнсборо, в то время как Дега копировал облачные формы из смятого носового платка против света. Система Александра Козена использовала случайные чернильные пятна, чтобы придать основную форму изобретенного пейзажа, который будет разработан художником.

Отличительный фоновой вид на Женевское озеро до пика Le Môle в «Чудесном проекте рыб» Конрада Вица (1444) часто упоминается как первый западный сельский пейзаж, чтобы показать конкретную сцену. Ландшафтные исследования Дюрера четко представляют собой реальные сцены, которые можно идентифицировать во многих случаях и, по крайней мере, частично были сделаны на месте; рисунки Фра Бартоломео также кажутся явно нарисованными с натуры. Готовые работы Дюрера, похоже, обычно используют изобретенные ландшафты, хотя захватывающий вид с высоты птичьего полета в его гравировке Немезида показывает реальный вид в Альпах с дополнительными элементами. Известно, что некоторые ландшафтные художники сделали рисунки и акварельные эскизы с натуры, но доказательства ранней масляной живописи, сделанные снаружи, ограничены. Братство Pre-Raphaelite предприняло особые усилия в этом направлении, но только после введения готовых масляных красок в пробирках в 1870-х годах, за которым последовал переносной «коробчатый мольберт», широко использовалась живопись в плену.

Занавес гор в задней части пейзажа является стандартным в широких римских взглядах и тем более в китайских пейзажах. Относительно мало места уделяется небу в ранних работах в любой традиции; китайцы часто использовали туман или облака между горами, а также иногда показывают облака в небе гораздо раньше, чем западные художники, которые изначально в основном используют облака в качестве подставок или обложки для божественных фигур или небес. Как в картинах, так и в миниатюрах в рукописях обычно имелось узорчатое или золотое «небо» или фон над горизонтом до 1400 года, но фрески Джотто и других итальянских художников долго показывали простые голубые небеса. Единственный сохранившийся алтарь Мельхиора Бродерлама, законченный для Чаммола в 1399 году, имеет золотое небо, населенное не только Богом и ангелами, но и летающей птицей. На прибрежной сцене в Турине-Милан-часах небо пасмурно с тщательно наблюдаемыми облаками. В гравюрах на дереве большое пустое пространство может вызвать провисание бумаги во время печати, поэтому Дюрер и другие художники часто включают облака или squiggles, представляющие птиц, чтобы избежать этого.

Монохромная китайская традиция с самого начала использовала чернила на шелке или бумаге с большим вниманием к индивидуальному мазку, чтобы определить цюань или «морщины» в горных боках и другие особенности ландшафта. Западная акварель – более тональная среда, даже с видимым снижением.

Русский пейзаж в 6 вопросах • Arzamas

4 июля 2018Искусство, История

Шишкин, Саврасов, Левитан: как пейзаж стал метафорой русской жизни

Автор Галина Ельшевская

1. Когда и почему природа становится объектом русской живописи

Первые живописные пейзажи появляются в России во второй половине XVIII века — после того, как в 1757 году в Петербурге открывается Император­ская академия художеств, устроенная по образцу европейских академий, где в числе других жанровых классов есть и класс ландшафтной живописи. Тут же случается и спрос на «снятие видов» памятных и архитектурно значимых мест. Классицизм — а это время его господства — настраивает глаз на восприятие лишь того, что вызывает высокие ассоциации: величественные строения, могучие деревья, панорамы, напоминающие об античной героике. И природа, и городская ведута  Жанром ведуты (от итальянского veduta — вид) называли изображение города с особен­но выгодной для обзора точки. должны быть представлены в идеальном обличье — такими, какими им надлежит быть.

1 / 4

Вид на Гатчинский дворец с Длинного острова. Картина Семена Щедрина. 1796 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 4

Мельница и башня Пиль в Павловске. Картина Семена Щедрина. 1792 годСамарский областной художественный музей

3 / 4

Красная площадь в Москве. Картина Федора Алексеева. 1801 годГосударственная Третьяковская галерея

4 / 4

Вид на Биржу и Адмиралтейство от Петропавловской крепости. Картина Федора Алексеева. 1810 годГосударственная Третьяковская галерея

Пейзажи пишутся с натуры, но непременно дорабатываются в мастерской: пространство делится на три внятных плана, перспектива оживляется людскими фигурами — так называемым стаффажем, — а ком­позицион­ный порядок подкрепляется условным цветом. Так, Семен Щедрин изображает Гатчину и Павловск, а Федор Алексеев — московские площади и петербургские набережные; кстати, оба завершали свое художественное образование в Ита­лии.

2. Почему русские художники пишут итальянские пейзажи

В еще большей степени с Италией будет связана следующая стадия в развитии русского пейзажа — романтическая. Отправляясь туда в качестве пенсионеров, то есть на стажировку после успешного окончания Академии, художники пер­вой половины XIX века, как правило, не спешат обратно. Сам южный климат кажется им приметой отсутствующей на родине вольности, а внимание к кли­мату — это и стремление его изобразить: конкретные свет и воздух теплого свободного края, где всегда длится лето. Это открывает возможности освоения пленэрной живописи — умения строить цветовую гамму в зависимости от реаль­ного освещения и атмосферы. Прежний, классицистический пейзаж требовал героических декораций, сосредотачивался на значительном, вечном. Теперь природа становится средой, в которой живут люди. Конечно, романти­че­ский пейзаж (как и любой другой) тоже предполагает отбор — в кадр попа­дает лишь то, что кажется прекрасным: только это уже другое прекрасное. Ландшафты, существующие независимо от человека, но благосклонные к нему — такое представление о «правильной» природе совпадает с итальян­ской реальностью.

1 / 4

Лунная ночь в Неаполе. Картина Сильвестра Щедрина. 1828 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 4

Грот Матроманио на острове Капри. Картина Сильвестра Щедрина. 1827 годГосударственная Третьяковская галерея

3 / 4

Водопады в Тиволи. Картина Сильвестра Щедрина. Начало 1820-х годовГосударственная Третьяковская галерея

4 / 4

Веранда, обвитая виноградом. Картина Сильвестра Щедрина. 1828 годГосударственная Третьяковская галерея

Сильвестр Щедрин прожил в Италии 12 лет и за это время успел создать своего рода тематический словарь романтических пейзажных мотивов: лунная ночь, море и грот, откуда море открывается взгляду, водопады и террасы. Его при­рода сочетает в себе всемирное и интимное, простор и возможность укрыться от него в тени виноградной перголы. Эти перголы или тер­расы — как интерьер­ные выгородки в бесконечности, где с видом на Неаполитанский залив преда­ются блаженному ничегонеделанию бродяги лаццарони. Они как бы входят в сам состав пейзажа — свободные дети дикорастущей природы. Щедрин, как положено, дорабатывал свои картины в мастерской, однако его живописная манера демонстрирует романтиче­скую взволнованность: откры­тый мазок лепит формы и фактуры вещей как бы в темпе их мгновенного постижения и эмоционального отклика.

1 / 4

Явление Мессии (Явление Христа народу). Картина Александра Иванова. 1837–1857 годыГосударственная Третьяковская галерея

2 / 4

Явление Христа народу. Первоначальный эскиз. 1834 годГосударственный Русский музей

3 / 4

Явление Христа народу. Эскиз, написанный после поездки в Венецию. 1839 годГосударственная Третьяковская галерея

4 / 4

Явление Христа народу. «Строгановский» эскиз. 1830-е годыГосударственная Третьяковская галерея

А вот Александр Иванов, младший современник Щедрина, открывает иную природу — не связанную с человеческими чувствами. Более 20 лет он работал над картиной «Явление Мессии», и пейзажи, как и все прочее, создавались в косвенной связи с ней: собственно, они часто и мыслились автором как этюды, но выполнялись с картинной тщательностью. С одной стороны, это безлюдные панорамы итальянских равнин и болот (мир, еще не очеловеченный христианством), с другой — крупные планы элементов натуры: одна ветка, камни в ручье и даже просто сухая земля, тоже данная панорамно, бесконеч­ным горизонтальным фризом  Например, на картине «Почва около ворот церкви Св. Павла в Альбано», написанной в 1840-е годы.. Внимание к деталям чревато и вниманием к пленэрным эффектам: к тому, как небо отражается в воде, а бугристая почва ловит рефлексы от солнца, — но вся эта точность оборачивается чем-то фунда­ментальным, образом вечной природы в ее перво­основах. Предполагает­ся, что Иванов пользовался камерой-люцидой — устрой­ством, помогающим фрагмен­тировать видимое. Ею, вероятно, пользовался и Щедрин, однако с иным результатом.

3. Как появился первый русский пейзаж 

До поры природа есть прекрасное и оттого чужое: своему в красоте отказано. «Русских итальянцев» не вдохновляет холодная Россия: ее климат связывается с несвободой, с оцепенелостью жизни. Но в ином кругу таких ассоциаций не возникает. Никифор Крылов, ученик Алексея Гавриловича Венецианова, не выезжавший за пределы отечества и далекий от романти­ческого мироощу­щения, вероятно, не знал слов Карла Брюллова о невозмож­ности написать снег и зиму («все выйдет пролитое молоко»). И в 1827 году создал первый нацио­наль­­ный пейзаж — как раз зимний.

Зимний пейзаж (Русская зима). Картина Никифора Крылова. 1827 годГосударственный Русский музей

В школе, открытой им в деревне Сафонко­во  Сейчас Венецианово., Венецианов учил «ничего не изобра­жать иначе, чем в натуре является, и повиноваться ей одной» (в Академии, напротив, учили ориентироваться на образцы, на апробированное и идеальное). С высокого берега Тосны натура открывалась панорамно — в широ­кой перспективе. Панорама ритмически обжита, и фигуры людей не теряются в просторе, они ему соприродны. Много позже именно такие типажи «счастливого народа» — мужик, ведущий коня, крестьянка с коро­мыс­лом — обретут в живописи несколько сувенирный акцент, но пока что это их первый выход и отрисованы они с тщательностью ближнего зрения. Ровный свет снега и неба, голубые тени и прозрачные деревья представляют мир как идиллию, как средоточие покоя и правильного порядка. Еще острее это миро­восприятие воплотится в пейзажах другого ученика Венецианова, Григория Сороки.

Крепостной художник (Венецианов, друживший с его «владельцем», так и не смог выхлопотать любимому ученику вольную) Сорока — самый талант­ливый представитель так называемого русского бидермейера (так называют искусство питомцев школы Венецианова). Всю жизнь он писал интерьеры и окрестности имения, а после реформы 1861 года сделался крестьянским активистом, за что подвергся краткому аресту и, возможно, телесному наказа­нию, а после этого повесился. Другие подробности его биографии неизвестны, работ сохранилось немного.

Рыбаки. Вид в Спасском. Картина Григория Сороки. Вторая половина 1840-х годов Государственный Русский музей

Его «Рыбаки», кажется, самая «тихая» картина во всем корпусе русской живо­писи. И самая «равновесная». Все отражается во всем и со всем рифмуется: озеро, небо, строения и деревья, тени и блики, люди в домотканых белых одеж­дах. Опущенное в воду весло не вызывает ни всплеска, ни даже колыханья на водной глади. Жемчужные оттенки в холщовой белизне и темной зелени превращают цвет в свет — возможно, предвечерний, но в большей степени запредельный, райский: в разлитое спокойное сияние. Вроде бы ловля рыбы подразумевает действие, но его нет: недвижные фигуры не вносят в простран­ство жанрового элемента. И сами эти фигуры в крестьянских портах и рубахах выглядят не крестьянами, а персонажами эпического сказания или песни. Конкретный пейзаж с озером в селе Спасское превращается в идеальный образ природы, беззвучный и слегка сновидческий.

4. Как русский пейзаж фиксирует русскую жизнь

Живопись венециановцев в общем поле российского искусства занимала скром­ное место и в мейнстрим не попадала. Вплоть до начала 1870-х годов пейзаж развивался в русле романтической традиции, наращивающей эффекты и пышность; в нем преобладали итальянские памятники и руины, виды моря на закате и лунные ночи (такие пейзажи можно найти, например, у Айвазов­ского, а позже — у Куинджи). А на рубеже 1860–70-х случается резкий пе­ре­лом. Во-первых, он связан с выходом на сцену отечественной натуры, а во-вторых, с тем, что эта натура декларативно лишена всех признаков роман­ти­че­ской красоты. В 1871 году Федор Васильев написал «Оттепель», которую Павел Михайлович Третьяков немедленно приобрел для коллекции; в том же году Алексей Саврасов показал на первой передвижнической выставке своих впослед­ствии знаменитых «Грачей» (тогда картина называлась «Вот приле­тели грачи»).

Оттепель. Картина Федора Васильева. 1871 год Государственная Третьяковская галерея

И в «Оттепели», и в «Грачах» время года не определено: уже не зима, еще не весна. Критик Стасов восторгался тем, как у Саврасова «зиму слышишь», другие же зрители «слышали» как раз весну. Переходное, колеблющееся состояние природы давало возможность насытить живопись тонкими атмосферными рефлексами, сделать ее динамичной. Но в остальном эти ландшафты — о разном.

Грачи прилетели. Картина Алексея Саврасова. 1871 год Государственная Третьяковская галерея

У Васильева распутица концептуали­зируется — проецируется на совре­менную социальную жизнь: то же безвременье, унылое и безнадежное. Вся отечествен­ная литература, от революционно-демократических сочинений Василия Слеп­цова до антинигилистических романов Николая Лескова (название одного из этих романов — «Некуда» — могло бы стать названием картины), фиксиро­вала невозможность пути — ту тупиковую ситуацию, в которой оказываются затерянные в пейзаже мужчина и мальчик. Да и в пейза­же ли? Пространство лишено пейзажных координат, если не считать таковыми убогие заснеженные избы, древесный хлам, увязающий в слякоти, да покоси­вшиеся деревья на го­ри­­зонте. Оно панорамное, но придавленное серым небом, не заслужи­ваю­щее света и цвета, — простор, в котором нет порядка. Иное у Саврасова. Он вроде бы тоже подчеркивает прозаизм мотива: церковь, которая могла бы стать объектом «видописи», уступила авансцену кривым березам, ноздрева­тому снегу и лужам талой воды. «Русское» означает «бедное», неказистое: «скудная природа», как у Тютчева. Но тот же Тютчев, воспевая «край родной долготер­пенья», писал: «Не поймет и не заметит / Гордый взор иноплеменный, / Что сквозит и тайно светит /В наготе твоей смиренной», — и в «Грачах» этот тайный свет есть. Небо занимает половину холста, и отсюда идет на землю вполне романтический «небесный луч», освещая стену храма, забор, воду пруда, — он знаменует первые шаги весны и дарит пейзажу его эмоционально-лирическую окраску. Впрочем, и у Васильева оттепель обещает весну, и этот оттенок смысла тоже возможно здесь при желании увидеть — или сюда вчитать.

5. Как развивалась русская пейзажная школа

1 / 2

Проселок. Картина Алексея Саврасова. 1873 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 2

Вечер. Перелет птиц. Картина Алексея Саврасова. 1874 годОдеський художній музей

Саврасов — один из лучших русских колористов и один из самых «многоязыч­ных»: он равно умел написать интенсивным и праздничным цветом дорожную грязь («Проселок») или выстроить тончайшую минималистскую гармонию в ланд­шафте, состоящем только из земли и неба («Вечер. Перелет птиц»). Пре­пода­ватель Московского училища живописи, ваяния и зодчества, он повлиял на многих; его виртуозная и открытая живописная манера продол­жится у По­ле­нова и Левитана, а мотивы отзовутся у Серова, Коровина и даже у Шишкина (большие дубы). Но как раз Шишкин воплощает другую идеоло­гию отече­ст­вен­ного пейзажа. Это представление о богатырстве (слегка былин­ного толка), о торжественном величии, силе и славе «национального» и «народного». В своем роде патриоти­ческий пафос: могучие сосны, одинако­вые в любое время года (пленэрная изменчивость была Шишкину решительно чужда, и он предпочитал писать хвойные деревья), собираются в лесное множество, и травы, выписанные со всей тщательностью, тоже образуют множество похожих трав, не представ­ляю­щих ботанического разнообразия. Характерно, что, например, в картине «Рожь» деревья заднего плана, умень­шаясь в разме­рах согласно линейной перспективе, не теряют отчетливости контуров, что было бы неизбежно при учете перспективы воздушной, но художнику важна незыблемость форм. Не удивительно, что его первая попытка изобразить световоздушную среду в картине «Утро в сосновом лесу» (написанной в соав­торстве с Константином Савицким — медведи его кисти) вызвала газетную эпиграмму: «Иван Иваныч, это вы ли? Какого, батюшка, тумана напустили».

1 / 2

Рожь. Картина Ивана Шишкина. 1878 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 2

Утро в сосновом лесу. Картина Ивана Шишкина и Константина Савицкого. 1889 годГосударственная Третьяковская галерея

У Шишкина не было последователей, и в целом русская пейзажная школа разви­валась, условно говоря, по саврасовской линии. То есть испытывая инте­рес к атмосферной динамике и культивируя этюдную свежесть и откры­тую манеру письма. На это накладывалось еще и увлечение импрессионизмом, почти всеобщее в 1890-е годы, и в целом жажда раскрепощенности — хотя бы раскрепощенности цвета и кистевой техники. Например, у Поленова — и не у не­го одного — разница между этюдом и картиной почти отсутствует. Ученики Саврасова, а затем и Левитана, сменившего Саврасова в руководстве пейзажным классом Московского училища, по-импрес­сионисти­чески остро реагировали на моментальные состояния природы, на случайный свет и вне­зап­ную перемену погоды — и эта острота и скорость реакции выражались в обнажении приемов, в том, как сквозь мотив и поверх мотива становился внятен сам процесс создания картины и воля художника, выбирающего те или иные выразительные средства. Пейзаж переставал быть вполне объек­тив­ным, личность автора претендовала на утверждение своей самостоятель­ной пози­ции — пока что в равновесии с видовой данностью. Обозначить эту пози­цию в полноте предстояло Левитану.

6. Чем закончилось пейзажное столетие

Исаак Левитан считается создателем «пейзажа настроения», то есть худож­ником, который в значительной мере проецирует на природу собственные чувства. И действи­тельно, в работах Левитана эта степень высока и диапазон эмоций проигрывается по всей клавиатуре, от тихой печали до торжествую­щего ликования.

Замыкая историю русского пейзажа XIX века, Левитан, кажется, синтезирует все ее движения, являя их напоследок со всей отчетливостью. В его живописи можно встретить и виртуозно написанные быстрые этюды, и эпические пано­рамы. Он в равной степени владел как импрессиони­ст­ской техникой лепки объема отдельными цветными мазками (подчас пре­восходя в дробности фак­ту­ры импрессионист­скую «норму)», так и постимпрес­сио­нист­ским методом пастозной красочной кладки широкими пластами. Умел видеть камерные ракурсы, интимную природу — но обнаруживал и любовь к открытым про­странствам (возможно, так компенсировалась память о черте оседлости — унизительная вероятность выселения из Москвы дамокло­вым мечом висела над художником и в пору известности, дважды вынуждая его к скоропали­тельному бегству из города).

1 / 5

Свежий ветер. Волга. Картина Исаака Левитана. 1895 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 5

Владимирка. Картина Исаака Левитана. 1892 годГосударственная Третьяковская галерея

3 / 5

Тихая обитель. Картина Исаака Левитана. 1890 годГосударственная Третьяковская галерея

4 / 5

Над вечным покоем. Картина Исаака Левитана. 1894 годГосударственная Третьяковская галерея

5 / 5

Вечерний звон. Картина Исаака Левитана. 1892 годГосударственная Третьяковская галерея

«Далевые виды» могли связыва­ться как с патриотически окрашенным ощу­щением раздолья («Свежий ветер. Волга»), так и выражать заунывную тоску — как в картине «Владимирка», где драматическая память места (по этому каторжному тракту вели в Сибирь конвойных) считывается без допол­нитель­ного антуража в самом изображении дороги, расхлябанной дождями или бы­лыми шествиями, под сумрач­ным небом. И, наконец, своего рода открытие Левитана — пейзажные элегии фило­софического толка, где природа становит­ся поводом для размыш­лений о круге бытия и о взыскании недостижимой гармонии: «Тихая обитель», «Над вечным покоем», «Вечерний звон».

Вероятно, последняя его картина, «Озеро. Русь», могла бы принадлежать этому ряду. Она и была задумана как целостный образ российской природы  Левитан хотел назвать ее «Русь», но остано­вился на более нейтральном варианте; двой­ное название прижилось позже., однако осталась незавершенной. Возможно, отчасти поэтому в ней оказались совме­щены противоречащие друг другу позиции: русский пейзаж в его вечном пре­бы­­вании и импрессионис­тическая техник​а, внимательная к «мимолетно­стям».

Озеро. Русь. Картина Исаака Левитана. 1899–1900 годы Государственный Русский музей

Мы не можем знать, остались бы в окончательном варианте эта романтиче­ская форсированность цвета и кистевой размах. Но это промежуточное состоя­ние являет синтез в одной картине. Эпическая панорама, вечная и незыблемая природная данность, но внутри нее все движется — облака, ветер, рябь, тени и отражения. Широкие мазки фиксируют не ставшее, но становящееся, меняю­щееся — словно пытаясь успеть. С одной стороны, полнота летнего расцвета, торжественная мажорная трубность, с другой же — интенсивность жизни, готовой к переменам. Лето 1900 года; наступает новый век, в котором пейзаж­ная живопись — и не только пейзажная — будет выглядеть совершенно иначе.

Источники

• Богемская К. История жанров. Пейзаж.

  М., 2002. 

• Федоров-Давыдов А. А. Русский пейзаж XVIII — начала XX века.

  М., 1986.

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Архив

Образ и стиль в современной пейзажной живописи Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

УДК 75.047:7.013

ОБРАЗ И СТИЛЬ В СОВРЕМЕННОЙ ПЕЙЗАЖНОЙ ЖИВОПИСИ

Дрозд Андрей Николаевич, доцент, профессор кафедры дизайна, Кемеровский государственный университет культуры и искусств, член ВТОО «Союз художников России» (г. Кемерово, РФ). E-mail: [email protected]

Данная статья посвящается характеристике некоторых творческих формалистских подходов к современной пейзажной живописи, постепенно возникающих в результате переосмысления художниками ведущих стилевых направлений ХХ века. Исследуемые подходы в жанре «пейзаж» не исключают, а, напротив, основываются и на опыте мирового художественного наследия в целом, и на принципах академизма в частности.

Задача этой статьи не ограничивается искусствоведческим анализом конкретных примеров из современной пейзажной практики. Специфика осуществляемого анализа заключается в характеристике образов и сюжетов произведений живописи, а также вариаций художественного языка, используемых при их визуализации.

В статье уточняется понимание термина «образ» в пейзаже, осуществляется дифференциация понятия стиля в искусстве на исторический стиль (в широком смысле) и стилевое направление (в узком).

В статье делается вывод о том, что формалистский подход к современной пейзажной живописи, при определенных условиях может стать частью фундамента нового значимого стиля в изобразительном искусстве. В данном подходе форму (в качестве изображения) необходимо рассматривать не как самоценную категорию произведения, а как структуру, создаваемую художником в соответствии с задуманным образом.

Ключевые слова: живопись, исторический стиль, натура, образ, пейзаж, пейзажная живопись, стилевые направления, тенденции.

IMAGE AND STYLE IN A MODERN LANDSCAPE PAINTING

Drozd Andrey Nikolaevich, Associate Professor, Professor of Chair of Design, Kemerovo State University of Culture and Arts, Member of Union of Arts of Russia (Kemerovo, Russian Federation). E-mail: [email protected]

Contemporary art progresses in two directions. On the one hand, in the narrow vein, it makes the creation of new objects without accumulating the artistic experience. In a broader sense, the basis of landscape painting, for example, are the images of the world’s artistic heritage. This is interpreted in the spirit of contemporary creative perception of form. The visual appearance of forms corresponds to the chain and the relations of subordinating the elements: «style-image-composition-color-image.»

The purpose of this article is to characterize the certain painting approach to the «landscape» genre. These approaches are based on the inseparable connection of concepts of image and style, resulting in the formation of their synthesis of a special artistic language.

The article features images of the natural world in different periods of the landscape painting. It could be medieval China, early Renaissance, European painting of the XVI-XVIII centuries, Russian landscape painting of the XVIII-XIX centuries. And in the areas of impressionism, avant-garde, symbolism, socialist realism et al is characterized by creativity of European and Russian landscape painters of the XX century also. The emphasis in this synthesis study is not on the characteristic features of the style of painting, but in a meaningful way in the artwork.

The analysis of specific examples of artistic practice in the article concludes the possibility of forming under certain conditions, a new style of modern landscape painting, visual arts in general. The basis of this

style can be based on the following approaches: full-scale landscape made in a decorative manner, allegorical associative landscape, decorative landscape made in monochrome.

Keywords: painting, historical style, nature, image, landscape, landscape painting, style trends, trends.

Современное искусство и его различные формы (видеоарт, инсталляция, перфоманс, аэрография, граффити, боди-арт и пр.), восходящие к модернизму, на первый взгляд, воспринимаются зрителем как новационные объекты, не имеющие под собой определенной традиционной основы. Пространство современного искусства в таком ключе становится сферой отказа художников от накопленного творческого опыта, принципов академизма, сложившихся художественных приемов и жанров. Однако в процессе более детального исследования формирующейся проблемы возникновения новых изобразительных подходов, например в живописи (пейзажной живописи), можно увидеть, что в основе современного искусства лежат образы мирового художественного наследия. Это обстоятельство связано с тем, что в искусстве новая форма не рождается исключительно по прихоти художника, она вырастает из старой, ранее не виданная оболочка которой создается в процессе творчества [3, с. 58]. Наличие узкого взгляда на обозначенную проблему можно объяснить дифференциацией классического искусства в эпоху модернизма на массовое, авангардное, репродуцируемое и пр. искусство. Так, живопись, как вид изобразительного искусства индивидуального восприятия, по мнению В. Беньямина, «в силу особых обстоятельств и в определенном смысле вопреки своей природе вынуждена к прямому взаимодействию с массами» [5, с. 152].

В конце XVIII века в Париже, а впоследствии во всей Европе и в России, была предпринята попытка представлять через салоны произведения живописи широкой аудитории. При этом отсутствовал путь к их быстрому массовому признанию всеми без исключения социальными слоями, этот путь был постепенным. В эпоху интенсивного распространения образов путем репродуцирования процессы их переосмысления и отбора зрителями сопровождаются замещением ранее актуальных средств художественной выразительности другими. По А. Л. Андрееву, такое явление связано с движением художественного сознания в плоскости саморефлексии. Он рассуждает о необ-

ходимости критического осмысления собственного опыта для самоопределения искусства в новой исторической ситуации [2, с. 42]. Происходящие перемены создают художнику почву для отступления от академических основ реалистического пейзажа, например, к его новому прочтению через формалистский подход. В его основе лежит невидимая глазу зрителя выстроенная художником гармоничная структура (композиция работы). При этом интерпретация образа в пейзажной живописи осуществляется не только через форму, как основу произведения, важным является содержание. В такой манере еще в последней трети ХХ века формировался целый пласт произведений современного искусства, в том числе и в России. В начале XXI века в пейзажной живописи продолжает расширяться стилевой диапазон, хотя принято считать, что категория стиля к искусству этого периода не всегда применима. Разнообразными становятся стилевые тенденции развития жанра «пейзаж». Поэтому основная задача статьи заключается в характеристике нескольких ведущих подходов к современной пейзажной живописи. Важно то, что эти подходы основываются на совокупности таких элементов в пейзаже, как образ сюжета и стиль изображения, их исторической подвижности, которая приобретает визуальное выражение в особом художественном языке.

Мир природы и особенности его изображения в пейзажной живописи различных периодов связаны с изменением взглядов человека на окружающую действительность, на место человека в ней. По мнению В. Н. Пилипенко, осознание роли человека в процессе исторического развития неотделимо от факта существования определенных внутренних связей «между логикой исследователя природы и эстетическим чувством ценителя красоты» [10, с. 5]. В целом природа предстает перед взором художника, впоследствии и зрителя не только как видимая сторона (деревья, опушка, горы, равнина, река и пр.), но и в качестве окружающей среды, например сельская или городская местность с учетом всех изменений, привнесенных людьми. В этой своеобразной «природе», ее образе протекает жизнь человека [13, с. 3].

В изображении пейзажа перед художником стоит задача связать те или иные явления природы с определенными переживаниями с помощью композиции и важного выразительного средства в живописи — колорита. Например, как в книге А. В. Розенталя «Основное об искусстве»: «Так, ясный свет солнца вызывает у нас радостные чувства. При виде низко нависшей темной тучи мы переживаем ощущение какого-то гнета» [11, с. 34-35]. Ценность пейзажа заключается не только в прекрасном виде натуры, но и в образе величественной, медленно пробуждающейся, тревожной или нетронутой, спокойной природы. Поэтому значительный интерес в рамках темы статьи представляет уточнение понимания термина «образ» в искусстве в целом, в пейзажной живописи в частности.

Образ в ракурсе искусствоведения сравнивается с формой воспроизведения, осмысления и переживания явлений жизни путем создания эстетически воздействующих объектов [7, с. 247]. Поэтично интерпретирует образ Й. Геррес в статье «Афоризмы об искусстве». По мнению этого автора, образ — это некая «красивая душа», обретающая в прекрасной форме произведений живописи, например, великолепное органическое строение [6, с. 559]. В подобной телесной оболочке образ, созданный художником, предстает перед взором главного критика — зрителя. Образ в жанре живописи «пейзаж» можно интерпретировать как форму выражения определенного драматического начала, мотива конкретного произведения о нетронутой или преобразованной человеком природе. Именно восприятие натуры пейзажа побуждает художника к сложному творческому синтезу, а визуализация ее образа на полотне вызывает у зрителя эмоциональный отклик и сопереживание. Так образ становится важной частью структуры произведения, его композиционно-изобразительным акцентом, с его помощью произведение отличается связностью всего изображенного [11, с. 22].

В изобразительном искусстве различных стран и культур складывается свое индивидуальное отношение к природе. Через какие грани изображения ни раскрывалось бы это отношение к природе, его основой является определенный образ, соответствующий конкретной исторической

эпохе. Например, романтический образ, образ гуманизма, а также сентиментализма, символизма и пр., свойственные эпохе Просвещения, наблюдающиеся в искусстве классицизма, модерна и др. В рамках данной статьи не ставится задача дать наиболее полную характеристику, прежде всего, больших художественных стилей, указать их характерные черты в живописи. Ограничимся пониманием того, что понятия образа и стиля (стиля в искусстве) неразрывно связаны на протяжении истории изобразительного искусства. Синтез этих явлений образует целую тематическую цепочку в пейзажной живописи — «стиль — образ — композиция — колорит-изображение».

В древнеегипетских изображениях, например, образ природы раскрывается через равнозначные элементы пейзажа, в основном тростника и лотоса. Эти изображения лишены глубокого содержательного смысла, их назначение имеет скорее утилитарное начало, не лишенное художественной выразительности. В средневековом Китае, напротив, в искусстве пейзажа переплетены моменты философии и религии, поэтому художник той эпохи создает не просто произведение, а «величественную поэму вселенной». Это обстоятельство связано с тем, что в Китае созерцание природы — неотъемлемая часть духовной жизни. В Европе мастера раннего Возрождения впервые начинают включать в общую композицию фресок изображение природы в различных ее стилизованных вариациях в соответствии с основным живописным направлением данной эпохи. Так, например фигура и пейзаж объединены во фреске Мазаччо «Изгнание из рая». Работы С. Боттичелли «Рождение Венеры», «Весна» за счет включения пейзажа исполнены лирикой, поэзией, эмоциональностью и безмятежностью. Декоративно-вспомогательная роль пейзажа становится менее актуальной в живописи Европейских художников XVI века. В произведениях Тициана, Эль Греко, Веласкеса и др. главным персонажем полотна является собственно природа, ее субъективная оценка художником.

В самостоятельный обособленный жанр живописи пейзаж постепенно выделяется в XVII веке. Это явление наиболее отчетливо проявилось в полотнах голландских, фландрийских, французских художников (П. П. Рубенс, К. Лоррен,

Я. Вермеер и др.). Их произведениям свойственен приглушенный колорит, схожий с естественными красками природы. В итальянском искусстве XVIII века в пейзажной живописи появляются произведения, в образе которых с географической точностью передан вид определенной местности (это пейзажи-ведута).

Отдельного внимания заслуживает русская пейзажная живопись. В середине XVIII века пейзаж присутствует в искусстве еще не в станковом варианте. Этот зарождающийся в России жанр живописи сложно сравнивать с итальянской ве-дутой или художественно интерпретированными изображениями конкретной натуры европейских мастеров. Работы в этом направлении, с одной стороны, представлены как большие панно пейзажного характера, архитектурные элементы в де-сюдепортах, задники в театральных декорациях [9, с. 121]. Бенуа А. Н. определяет такие пейзажные работы как архитектурные и топографические съемки [4, с. 93]. С другой стороны, уже в конце XVIII — первой трети XIX веков природа становится объектом живописного воплощения в полотнах художников, пишущих городские пейзажи (парки, ансамбли, водоемы). Так, например С. Ф. Щедрин видит русскую натуру сквозь общеевропейскую призму [9, с. 150]. В этот период в жанре пейзажа наблюдается формирование образа, по-своему индивидуального, идеального, достойного восхищения. В русской пейзажной живописи актуальными становятся идеи совершенного сходства с природой, ее «портре-тирования», особом проявлении ее «страстей» и т. д. [10, с. 15-16] Наиболее яркими представителями этого направления были И. К. Айвазовский, М. К. Клодт, И. И. Шишкин, А. И. Куинджи, В. Д. Поленов, А. К. Саврасов, И. И. Левитан и др.

Творчество европейских и русских художников-пейзажистов ХХ века связано с переходом от крупных стилей в искусстве к различным стилевым направлениям. Среди наиболее выдающихся направлений можно назвать импрессионизм. Это полотна К. Моне (серия «Стога», серия «Кувшинки», «Пруд с лилиями»), О. Ренуара («Пруд с утками», «Розарий», «Луговая тропинка»), В. Ван Гога («Вид Арля с ирисами», «Пейзаж в Овере после дождя», «Звездная ночь», «Виноградники в Арле»). Актуализация искусства, в том числе и в

пейзажной живописи, связана с явлением авангардизма (Европейские страны, Россия). Среди представителей его разнообразных течений (фовизм, абстракционизм, сюрреализм и пр.) можно выделить А. Матисса («Бербер», «Арабская кофейня»), В. Кандинского («Пейзаж с красными пятнами», «Пейзаж с дождем», «Осенний пейзаж»), С. Дали («Пейзаж с девушкой со скакалкой», «Аптекарь из Ампурдана», «Пейзаж с ангелами»). Формирование в русском искусстве ХХ века культурного пласта образов и стилистических направлений связано, в первую очередь, с символистским искусством, эпическими пейзажами. Это произведения М. А. Врубеля («К ночи», «Сирень»), А. М. Васнецова («Днепр перед бурей», «Покинутая усадьба», «Элегия»). Велико и неоценимо значение художников-пейзажистов направления социалистического реализма, а также различных школ живописи (московская, владимирская, ленинградская, уфимская, сибирская, дальневосточная и др.).

Согласимся с мнением Д. В. Сарабьянова, что стиль в широком смысле «является единственным выразителем формально-образной закономерности той или иной эпохи и определенного круга национальных художественных школ» [12, с. 192]. Каждый стиль в искусстве имеет свое название, ему свойственны конкретные формально-эстетические характеристики. Он является основополагающим для таких характеристик, как время и пространство. По мнению О. А. Кривцуна, в понятии стиля (художественного стиля) «заключено единство интеллектуально-смыслового и эмоционально психологического» [8, с. 28]. Через интересующее нас понятие стиля могут быть выявлены формы переживания и осмысления специфического ядра конкретного типа культуры, ее глубинных истоков. Также понимание стиля соответствует совокупности отдельных приемов, например изобразительных. В этой связи конкретный стиль черпает свои истоки из определенных устойчивых характеристик культуры, а его природа подтверждается анализом способов художественного выражения (натуры пейзажа, портрета и пр.) разными художниками одной эпохи [8, с. 28-29].

В узком смысле стиль или его наиболее достоверная интерпретация — стилевое направле-

ние — в качестве понятия вводится в том случае, «когда одновременного в одних и тех же географических условиях существует две или несколько стилевых тенденций» [12, с. 192]. Эта ситуация наиболее отчетливо проявляется в современных полотнах художников, в том числе и мастеров пейзажной живописи новейшего искусства рубежа ХХ-ХХ1 веков. В данный период, а также в настоящее время стиль развивается, реализуя себя в причудливых, абстрактных и пр. формах, но в его сфере часто происходят переломы. Стиль становится, как правило, фрагментарным, постепенно исчезает понимание стилевой общности искусства в целом [12, с. 179]. При этом, если на пороге Х1Х-ХХ веков из множества живописных художественных направлений в качестве выразителей концепции стиля можно выделить модерн и импрессионизм, а впоследствии и авангардное искусство, то в первое десятилетие XXI века эта задача осложнена различными причинами. С одной стороны, наблюдается возросший интерес к накопленному в традиционной классической академической живописи опыту, не только в различных регионах России, но и других странах, например Китае. С другой стороны, современному художнику-пейзажисту дается возможность выбора формы подачи своего произведения. Это может быть не только холст, картон, бумага, но и фото, видеоинсталляции, слайд-презентации и др.

Обсуждение тематики о проблеме возникновения новых изобразительных подходов в пейзажной живописи не ограничивается проведенной дифференциацией понятия «стиль», его связью с образом. Поставленной в данной статье задачей предусматривается анализ конкретных примеров из художественной практики (рис. 1, 2, 3) [1, с. 3, 34-35]. Выбор этих примеров обоснован возможностью характеристики нескольких различных подходов к изображению в современной пейзажной живописи.

Подход № 1. На примере пейзажа «о. Мальорка, г. Вальдемосса», выполненного автором настоящей статьи.

Выбор изобразительного сюжета в пейзаже «о. Мальорка, г. Вальдемосса» связан с историческим значением испанского города (рис. 1). Этот город посещали многие известные деятели культуры и искусства. Фредерик Шопен и Жорж Санд жили в нем продолжительное время. Сегодня многие известные киноактеры, философы и художники имеют здесь свои дома и мастерские. Исторический дух этих мест благотворно влияет на профессиональную сферу деятельности этих людей. Поэтому в городе Вальдемосса, окруженном горами, царит дух творчества. Личные впечатления художника, необыкновенное состояние замкнутости и явилось основой изобразительного сюжета (образа) пейзажа.

Рисунок 1. Создание изобразительного ряда в пленэрной живописи на примере пейзажа А. Дрозда «о. Мальорка, г. Вальдемосса»: 1 — создание формальной композиции для пейзажа, формирование образа;

2 — визуализация созданного образа в материале

При создании композиции пейзажа «о. Мальорка, г. Вальдемосса» была выбрана определенная видовая точка, наиболее полно характеризующая и раскрывающая стилистику города. Композиция рассматриваемого пейзажа состоит из нескольких планов, имеющих наклон по диагонали. Поле с остатками разрушившихся стен на переднем плане картины изображено под острым углом. Динамикой первого плана подчеркивается статичность форм второго — с изображением городской архитектуры. Третий план формальной схемы создан для изображения гор, возвышающихся над городом. Этот план очень плотный по тону. Небо в пейзаже также выполнено в динамичной манере, что подчеркнуто цветовой гаммой. Композиционным центром пейзажа является возвышающееся над постройками здание ратуши. Архитектурные сооружения разделены акцентными точками в виде ряда темных окон и вертикалей деревьев на несколько композиционных блоков. Использование в пейзаже динамичной декоративной манеры пластического языка и пастозной техники исполнения определено поставленной художником задачей — передать чистоту средневековой архитектуры, ее образность.

В пейзаже «о. Мальорка, г. Вальдемосса» все планы общей композиционной структуры строятся по горизонтали. Для создания изобразительного ряда этой композиции, во-первых, используются локальные пятна фона, ритмически разбитые линиями. Это наиболее отчетливо выражено в вер-

тикально выполненной декоративной пластике гор за счет распределения темных и светлых тональных масс. С помощью таких форм акцент поставлен на средневековой архитектуре. Во-вторых, динамичная композиция сюжета в пейзаже подчеркнута напряженной цветовой гаммой неба, декоративное решение которого усиливает впечатление зрителя от визуальной передачи художником исторического духа города.

Подход № 2. На примере пейзажа «Вид на реку Томь из окна мастерской».

Образ и сюжет произведения «Вид на реку Томь из окна мастерской» основывается на значимости данной реки для Сибири, как в культурном, так и историческом плане (рис. 2). На берегах реки Томь были обнаружены петроглифы — первые графические композиции, изображающие животный и растительный мир древних. В рассматриваемой декоративной композиции художник проводит историческую параллель с современным видом на реку и тем состоянием, которое могло иметь место в далеком прошлом. По замыслу художника, в далеком прошлом под окнами его мастерской могли ходить древние люди, охотившиеся на животных, чьи изображения присутствуют в петроглифах Томской Писаницы, например.

Образ реки в работе иносказательный, поскольку отсутствует ее изображение. В этом пейзаже важным является отражение большой массы горы, на которую нашими предками и были нанесены петроглифы. В целом в пейзаже «Вид на

Рисунок 2. Создание изобразительного ряда в пейзажной живописи на примере работы А. Дрозда «Вид на реку Томь из окна мастерской»: 1 — создание формальной композиции для пейзажа, формирование образа; 2 — визуализация созданного образа в материале

реку Томь из окна мастерской» образ единства человека и природы визуально выражен через аллегоричное изображение водной поверхности и фигур охотников, несущих оленя, а также бегущей впереди собаки. Эти стилизованные фигуры, стоящие на краю плоскости, являются свидетелями далекого прошлого, в котором охота и собирательство были основой жизненного уклада.

Композиция пейзажа «Вид на реку Томь из окна мастерской» выполнена таким образом, что взгляд зрителя заключен в треугольник. Его основания — акцентные точки, фиксирующие этот взгляд на трех составляющих работы: фигуры собаки, охотников и отражение в воде горы. Передний план композиции строится на перечисленных выше фигуративных изображениях. Персонажи в пейзаже передвигаются по камням, покрытым снегом. Это состояние своеобразного зимнего безмолвия передает зрителю все ощущения от пред-

ставлений художника о сложности быта и жизни древних людей. Такой подход к работе позволяет достичь состояния рефлексии в складывающемся диалоге между художником и зрителем через ключевое звено — образ произведения.

Подход № 3. На примере триптиха «Река Томь».

Сюжет триптиха «Река Томь» связан с тем, что эта река разделяет город Кемерово на левый и правый берега (рис. 3). Между берегами находится остров — любимое место отдыха жителей и гостей города. В рассматриваемой графической работе художник попытался выразить свое видение этой ситуации. Поэтому для построения композиции триптиха «Река Томь» выбрано три листа. Это правый и левый берега реки (их авторское восприятие) и находящийся посередине остров.

Визуализация образа в триптихе «Река Томь» осуществляется в декоративной манере аква-

Рисунок 3. Создание изобразительного ряда в пейзажной живописи на примере триптиха А. Дрозда «Река Томь»: 1 — создание формальной композиции для пейзажа, формирование образа; 2 — визуализация созданного образа в материале

релью по сырой бумаге в технике, схожей с китайской графикой «Гун-би» («Быстрая кисть»). Художник выбрал такую декоративную манеру исполнения для того, чтобы более образно передать свой замысел. Так, в правом и левом листах триптиха изображение реки Томь выполнено темной массой по вертикали. Эта манера изображения позволяет усилить динамику движения воды. Деревья, размещенные на всех трех листах, не имеют четкой формы. Изображения их стволов и ветвей позволяют художнику создать определенный ритм, характерный для природы Кузбасса. Использование белой бумаги в работе, просвечивающей сквозь краску, не случайно. Ее наличие создает ощущение первого выпавшего снега или переходного периода от осени к зиме, когда природа замирает. В пейзаже на левом и центральном листах присутствуют изображения двух птиц, чьи позы статичны. Динамика движения реки и неподвижность птиц в триптихе «Река Томь» являются основой контраста не только «светлого и темного», «большого и маленького», но и выражением «статики и динамики», переданным через «форму и ритм».

Рассмотренными подходами современная пейзажная живопись не ограничивается. На взгляд автора, представленными примерами наиболее образно характеризуются ведущие направления в изобразительном искусстве формалистского плана. Эти направления в той или иной форме могут лечь в основу нового стиля в изобразительном

искусстве в целом. Этот процесс может стать возможным при условии, что форма (изображение) будет являться не самоценной категорией произведения, а структурой, создаваемой художником в соответствии с задуманным образом.

Таким образом, на этих примерах можно выделить следующие стилевые направления, которые могут присутствовать в современной пейзажной живописи:

— натурный пейзаж, выполненный в декоративной манере. Этот живописный подход не предполагает развития по законам световоздушной перспективы. Используемая в пейзаже (картине) цветовая гамма более условна, чем в изображаемой натуре, и нацелена на выполнение поставленных художником определенных задач;

— аллегорический, ассоциативный пейзаж. В этом нереальном пейзаже выражен взгляд художника на волнующую его проблему или тему. Взгляд автора раскрывается средствами реалистичного ассоциативного ряда. Примеры таких пейзажей можно наблюдать в работах Г. Д. Фридриха, А. Бёклина и др.

— декоративный пейзаж, выполненный монохромно. В основе данного подхода находится определенное авторское видение того, как можно интерпретировать наследие графиков Китая в собственном творчестве. Подобное видение сформировалось в процессе неоднократного посещения Китая и знакомства с его культурой и искусством.

Литература

1. Андрей Дрозд. Живопись. Графика: творческая моногр. / сост. И. В. Никитина. — Кемерово, 2012. — 72 с.

2. Андреев А. Л. Актуальные проблемы развития советской художественной культуры. — М., 1987. — 64 с.

3. Безклубенко С. Д. Природа искусства: о некоторых сторонах художественного творчества. — М.: Изд-во полит. лит., 1982. — 166 с.

4. Бенуа А. Н. История русской живописи в XIX веке. — М.: Республика, 1995. — 488 с.

5. Беньямин В. Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости // Культурология: хрестоматия. — М.: Гарадарики, 2000. — С. 151-161.

6. Геррес Й. Афоризмы об искусстве // Культурология: хрестоматия. — М.: Гардарики, 2000. — С. 558-559.

7. Искусство: энцикл. / под ред. А. П. Горкина. — М.: Росмэн, 2007. — Ч. 4. — 312 с.

8. Кривцун О. А. Ценности культуры и судьбы искусства. — М.: Знание, 1989. — 64 с.

9. Очерки русской культуры XVIII века / под ред. Б. А. Рыбакова. — М.: МГУ, 1990. — Т. 4. — 382 с.

10. Пилипенко В. Н. Пейзажная живопись. — СПб.: Художник России, 1993. — 208 с.

11. Розенталь А. В. Основное об искусстве. — Огиз: Изогиз, 1937. — 132 с.

12. Сарабьянов Д. В. Стиль и индивидуальность русской живописи конца XIX — начала ХХ века // Русская живопись. Пробуждение памяти. — М.: Искусство, 1998. — С. 179-192.

13. Чиварди Д. Рисунок. Пейзаж: методы, техника, композиция. — М., 2002. — 64 с., ил.

References

1. Andrei Drozd. Zhivopis’. Grafika. Tvorcheskaia monografiia [Andrey Drozd. Painting. Graphic. Creative monograph]. Compiled by I.V. Nikitina. Kemerovo, 2012. 72 p. (In Russ.).

2. Andreev A.L. Aktualnye problemy razvitiia sovetskoi khudozhestvennoi kul’tury [Actual problems of development of Soviet art and culture]. Moscow, 1987. 64 p. (In Russ.).

3. Bezklubenko S.D. Priroda iskusstva: o nekotorykh storonakh khudozhestvennogo tvorchestva [The nature of art: about certain aspects of artistic creation]. Moscow, Izdatel’stvo politicheskoi literatury Publ., 1982. 166 p. (In Russ.).

4. Benua A.N. Istoriia russkoi zhivopisi v XIX veke [History of Russian painting in the nineteenth century]. Moscow, Respublika Publ., 1995. 488 p. (In Russ.).

5. Beniamin V. Proizvedenie iskusstva v epokhu ego tekhnicheskoi vosproizvodimosti [Composition of art in the age of mechanical reproduction]. Kul’turologiia [Culturology], 2000, pp. 151-161. (In Russ.).

6. Gerres I. Aforizmy ob iskusstve [Aphorisms about art]. Kul’turologiia [Culturology], 2000, pp. 558-559. (In Russ.).

7. Iskusstvo. Entsiklopediia [Art. Encyclopedia]. Edited by A.P. Gork’in. Moscow, Rosmen Publ., 2007, vol. 4. 312 p. (In Russ).

8. Krivtsun O.A. Tsennosti kul’tury i sud’by iskusstva [The value of culture and art of destiny]. Moscow, Znanie Publ., 1989. 64 p. (In Russ.).

9. Ocherki russkoi kul’tury XVIII veka [Essays on Russian culture of the XVIII century]. Edited by B.A. Rybakov. Moscow, MGU Publ., 1990, vol. 4. 382 p. (In Russ.).

10. Pilipenko V.N. Peizazhnaia zhivopis’ [Landscape painting]. St. Petersburg, Khudozhnik Rossii Publ., 1993. 208 p. (In Russ.).

11. Rozental’ A.V. Osnovnoe ob iskusstve [Main about art]. Ogiz, Izoogiz Publ., 1937. 132 p. (In Russ.).

12. Sarabianov D.V. Stil’ i individual’nost’ russkoi zhivopisi kontsa XIX — nachala XX vekov [The style and personality of Russian painting of the late XIX — early XX centuries]. Russkaia zhivopis’. Probuzhdeniepamiati [Russianpaintings. The awakening of memory], 1998, pp. 179-192. (In Russ.).

13. Chivardi D. Risunok. Peizazh: metody, tekhnika, kompozitsiia [Drawing. Landscape: methods, techniques, composition]. Moscow, 2002. 64 p. (In Russ.).

«Мастера русского пейзажа» — Культурно-выставочный центр «Радуга». Йошкар-Ола

В очарованьи русского пейзажа
Есть подлинная радость, но она
Открыта не для каждого и даже
Не каждому художнику видна
Николай Заболоцкий. Вечер на Оке

Пейзаж в русском искусстве был сферой проявления духовной жизни общества. Художники размышляли в пейзаже о предназначении России, о судьбах нации, о судьбах народа. В пейзаже раскрывались трепетная душа личности и волнения эпохи. И, наконец, пейзаж понимался как сфера эстетического познания, как наслаждение от созерцания красоты природы.
На выставке «Мастера русского пейзажа» представлены репродукции картин русских пейзажистовXIX– начала XX веков.
XIX век – время небывалого расцвета пейзажной живописи, выдвинувшей на арену художественной жизни целую плеяду замечательных мастеров – А.К. Саврасова, Ф. Васильева, И.И. Шишкина, А.И. Куинджи, Ап. Васнецова, В.Д. Поленова, И.И. Левитана, К.А. Коровина и других. Выступление пейзажистов на 1-ой Передвижной выставке Твоварищества передвижников в 1871 году свидетельствовало о больших успехах русской реалистической пейзажной живописи. «Грачи прилетели» Саврасова, «Сосновый бор» Шишкина, «На пашне» Клодта, «Ночь на реке» Каменева – все это были картины, которые открывали красоту русской природы, в противовес канонам идеалистической эстетики академизма.
Лирический пейзаж, основоположником которого являлся А.К. Саврасов, получил широкое распространение в России во второй половине XIX века. К мастерам лирического пейзажа принадлежит Л.Л. Каменев, художник интимно-лирического склада дарования, с большой задушевностью рисующий картины крестьянского быта, мотивы деревенского пейзажа. Обладая повышенной эмоциональностью восприятия природы, тонко чувствуя ее волнующую прелесть, Федор Васильев в своих лучших произведениях достигал подлинной значительности пейзажного образа, он верил в безграничные возможности искусства, преображающую силу его воздействия на человека.
Традиции романтического пейзажа в более прямом и непосредственном виде донес до конца XIX века И.К. Айвазовский. Айвазовский был певцом морской стихии. Он прославился своими маринами в 1840-50-х годах. Художник творил легко и вдохновенно фантазия его была неисчерпаема. Он утверждал, что не тот художник, кто не обладает абсолютной памятью. Свое последнее грандиозное полотно «Среди волн» Айвазовский создал за 10 дней, последняя персональная выставка художника открылась в 1899 году. В 1900 году его не стало.
Крупнейшим представителем эпического пейзажа в русской живописи второй половины XIX века был И.И. Шишкин. В противовес Саврасову, Васильеву и другим пейзажистам лирического склада, он стремился к предельно объективному воспроизведению картин природы, которые обретали под его кистью как бы полноту своего бытия. Свою высшую определенность. Шишкин – художник «с на редкость подметчивым глазом, видящим отдельно каждую ветку и каждую травинку, и трудолюбивою рукой воспроизводящий кропотливо и бережно все видимое». Шишкина, как и Айвазовского, можно считать художником одной темы. У Шишкина это – тема леса, могучих, кряжистых дубов, сосен, елей, в сочетании с широко раскинувшимся полем ржи или бескрайними далями.
Художником, близким к Шишкину по своему подходу к природе, был М. Клодт. Он добивался правдивого изображения пейзажного мотива, тщательности проработки деталей, увлекался панорамными видами. Но его природе не хватает величия и мощи пейзажных образов Шишкина, а его пейзажи отличает известная измельченность форм, их суховатая выписанность.
Особое место в русской пейзажной живописи занимает В.Д. Поленов. Он был человеком разносторонних творческих интересов, пробуя себя в различных видах искусства – в исторической и жанровой живописи, в картинах цикла «Из жизни Христа», в театрально-декорационном искусстве. Занятия пейзажем Поленов не рассматривал как основное дело своей жизни. И все таки в историю русского искусства он вошел прежде всего как пейзажист, создатель пейзажей, по словам И.С. Остроухова, «правдой, тонким музыкальным лиризмом и изящнейшей техникой». Поленову-мастеру пейзажа была суждена долгая творческая жизнь. Особенно плодотворными были для него конец 70-х годов и 90-е годы – два этапа его творческой деятельности: первый в области пейзажно-бытового жанра (картины «Московский дворик», «Бабушкин сад», «Заросший пруд»), второй – в создании широких панорамных видов окрестностей Оки. Поленов умел ценить в жизни ее светлое разумное начало, видя в нем высокий смысл и поэзию. Утверждение красоты жизни в произведениях пейзажно-бытового жанра – вот что определило особое место Поленова в русском искусстве второй половины 70-х годов, когда господствовало критическое направление передвижников, вот что сделало художника предшественником «отрадной» живописи 80-90-х годов, с проповедью которой выступили В.А. Серов и К.А. Коровин.
И.И. Левитан – ученик Поленова – крупнейший представитель русской пейзажной живописи второй половины XIX века. Продолжая линию лирического пейзажа Саврасова. Левитан достиг высокого совершенства в искусстве изображения природы. Он обладал удивительной способностью тонко чувствовать состояние природы и в нем выражать созвучные, навеянные им человеческие чувства и переживания. «Левитан показал нам то скромное и сокровенное, что таится в каждом русском пейзаже, — его душу, его очарование», — писал его современник, художник М.В. Нестеров.
Передовые художники XIX века, решая художественные задачи, всегда стремились наполнить образ природы гуманистическим философским содержанием. Взгляд на природу у русских художников был связан с определенными демократическими идеалами красоты, вызванными размышлениями о Родине, о жизни нарда, его настоящем и будущем.
В России пейзаж особенно близок поэзии. В нем ярко проявился национальный склад души, тонко чувствующей природу и склонной к созерцанию. В таких, ставших хрестоматийными, произведениях, как например, «Грачи прилетели» Саврасова, «Утро в сосновом лесу» Шишкина, «Березовая роща» Куинджи, «Московский дворик» Поленова или «Март» Левитана, запечатлены не только внешние приметы скромного средне-русского ландшафта, но и его волнующее душу настроение. Пожалуй, именно в пейзаже с особой полнотой сказалось своеобразие русской художественной школы, а среди мастеров, чьи имена составляют славу и гордость отечественной живописи, так много пейзажистов.

Как интерпретировать пейзаж в краске

«

Самым важным союзником в изучении живописи является искусство мышления », — заявил Эдгар Пейн, знаменитый художник и писатель.

Одна из моих любимых книг в моей библиотеке — Эдгар Пейн, «Композиция из уличной живописи». Эта маленькая книга наполнена знаниями, накопленными за всю жизнь известным американским художником-пейзажистом. Это необходимо каждому серьезному художнику-пейзажисту.
Я узнал, что интерпретация пейзажа красками — это вопрос того, чтобы позволить влияниям воображения и эмоций направлять вас, сохраняя при этом бдительность всех художественных способностей.При рисовании пейзажа следует уважать художественное суждение и фундаментальные принципы композиции и выбора.

Концепция удачной пейзажной живописи должна иметь ритм, разнообразие, повторение, единство, равновесие и гармонию .

Художник должен полагаться на вкус и рассудительность при выборе, удалении и компоновке пейзажа. Природа дает нам неограниченные, а иногда и подавляющие предложения. Работа художника — перенести трехмерный пейзаж в двухмерную композицию, сделав ее правдоподобной.
Камера может помочь в этой задаче, однако на нее нельзя полностью полагаться. К сожалению, фотографии теряют большую часть точности цвета, глубины и ощущений, которые художник может передать с натуры.
Многие художники, включая меня, работают над полевыми исследованиями, также известными как картины на пленэре, а также фотографии. Камера служит инструментом записи, а полевые исследования служат справочным материалом для точных цветовых заметок и оценочных суждений, которые чаще всего теряются в фотографии.
Следующий список вещей, о которых стоит подумать, поможет вам максимально использовать свои фотографии:
композиция

• размещение горизонта
• укладка деревьев
• ознакомьтесь с «правилом третей»

Каждая хорошая композиция содержит три или четыре основных значения

• одна из этих масс в самом темном
• одна самая легкая
• остальные полутона с штриховкой

выбор палитры

гармония цветов

• тепло против холода
• противоположных цветов на колесе
• ощущение или время
• мазки
• спокойствие или разнообразие
• эмоциональность или реализм
• настроение
• атмосферные воздействия
• тихий или грандиозный

Я вообще стремлюсь создать поэтичный, упрощенный и элегантный пейзаж.Тот, который вызывает спокойное созерцательное настроение, приятное для глаз и души. Ниже приведены несколько примеров того, как я использовал фотографию, а затем интерпретировал пейзаж красками.

Я сделал это фото во время пленэра в Юте.

«Одуванчики и весенние дожди» © 2010 Лори Макни

Фотография, которую я сделал в центре Айдахо.

«Снежный поток над большим потерянным» © 2010 Lori McNee

Надеюсь, мне понравилось смотреть, как я интерпретирую пейзаж.Есть бесконечное количество способов, и это то, что делает всех нас уникальными как художников! Спасибо за визит, Лори

шт. Встречаемся в Твиттере и Фейсбуке!

Пожалуйста, найдите время, чтобы ознакомиться с другими интересными статьями:

Как изобразить Мона Лизу в собственном произведении искусства!

Как использовать хорошие справочные фотографии для пейзажной живописи

Любимая книга: книга пейзажной живописи Карлсона

10 мотивирующих советов для художника-пленэра

Йеллоустонское семейство медведей гризли: слишком близко для комфорта!

Как подготовить студию к посещению коллекционера произведений искусства

Советы по продаже произведений искусства на Facebook: история успеха

7 способов получить мотивацию в студии, чтобы продавать больше произведений искусства

10 самых известных пейзажных картин известных художников

A пейзажная живопись относится к произведению искусства, которого в первую очередь сосредоточено на природных пейзажах .Пейзаж был основным жанром в восточной художественной традиции к 4 веку нашей эры . Однако на западе, с по 17 век , пейзаж в основном ограничивался фоном портретов или картин, имеющих отношение в основном к религиозным, мифологическим или историческим предметам. Художники Золотого века Голландии ; и французские художники Клод Лотарингия и Николас Пуссен ; были первыми, кто исследовал пейзажное искусство как самостоятельный жанр .Британские художники Джон Констебл и J.M.W. Тернер внес ключевой вклад в создание пейзажного жанра , который до того времени занимал четвертое место по важности из пяти жанров. В 19 веке Французский импрессионизм штурмовал мир искусства, и многие из его художников посвятили большую часть своей карьеры изучению и написанию пейзажа . С тех пор пейзаж продолжает оставаться главной темой в вестерне арт .Здесь представлены 10 самых известных пейзажных картин всех времен, в том числе «Повозка для сена » Констебля, «Большая волна» Хокусая, «Звездная ночь» Ван Гога и «Водяные лилии» Моне.

---

# 10 Вид на Толедо

Автор: Эль Греко

Год: 1596-1600

Вид Толедо (1600 г.) — Эль Греко

Эль Греко был художником греческого происхождения , который работал в Испании и был среди ведущих деятелей испанского Возрождения 15-16 веков .Пейзажная живопись была редкостью в западном искусстве того времени, и пейзажи обычно служили просто фоном для человеческой деятельности. Вид Толедо считается единственным однозначным пейзажем 16 века и первой испанской пейзажной живописью своего времени . На нем изображен город Толедо в Испании, но художник позволил себе вольность с фактической планировкой этого места. Среди самых заветных шедевров Эль Греко «Вид Толедо» известен своей загадочной символикой и величественным контрастом между темным небом наверху и светящимся зеленым светом внизу .Наряду с «Звездной ночью» Ван Гога он остается одним из самых известных изображений неба в западном искусстве .

---

# 9 Ирисы

Автор: Винсент Ван Гог

Год: 1889

Ирисы (1889) — Винсент Ван Гог

Ван Гог , один из самых известных художников в истории, имел трудную жизнь, омраченную психической нестабильностью. В конце концов он выстрелил себе в грудь из револьвера и умер через два дня.Среди самых известных работ Ван Гога — его картина и гравюра «Ирисы », и эта картина является самой известной из них . Он нарисовал его за год до своей смерти и назвал его «громоотводом моей болезни» , так как он чувствовал, что его работа была его надеждой против того, чтобы сойти с ума. В сентябре 1987 года , Ирисы были проданы за 53,9 миллиона долларов , что сделало его самой дорогой картиной, когда-либо проданной . Его рекорд составлял около за два с половиной года и по состоянию на 2018 год занимает 2 5-е место в списке самых дорогих картин, когда-либо проданных, с учетом инфляции.Ван Гог считается великим мастером пейзажного жанра , а Ирисы — одним из самых известных его пейзажей .

---

# 8 The Fighting Temeraire

Полное имя: «Боевой Темерар» потянул к своему последнему причалу, чтобы разбить его

Автор: J.M.W. Тернер

Год: 1839

« Боевой Темерэр » отошел к последнему причалу, чтобы разбить его (1839 г.) — Дж.MW Turner

HMS Temeraire был второсортным военным кораблем с 98 орудиями из Королевского флота , который известен своими героическими действиями в битве при Трафальгаре между Великобританией и объединенными флотами французского и испанского флотов. . J.M.W. Тернер изображает военный корабль, спустя годы после его славных дней, который буксир тянет, чтобы разбить на куски. Картина отдает дань уважения парусным кораблям , которые собирались заменить судами с паровыми двигателями.Тернер использует символы, такие как заходящее солнце, чтобы предположить кончину объекта и его смертность, несмотря на его героическое прошлое. J.M.W. Многие считают Тернера величайшим художником-пейзажистом в истории. The Fighting Temeraire — это его самая известная картина и та, которую он называл своей «дорогой» . В 2005 году в опросе, организованном BBC, было человек, признанный фаворитом Великобритании картина .

---

---

# 7 Тележка для сена

Автор: Джон Констебл

Год: 18 21

Телега для сена (1821) — Джон Констебл

Английские художники во время движения романтизма отдавали предпочтение пейзажу, и самым влиятельным среди них был Джон Констебл . Тележка для сена изображает сельскую местность на реке Стоур между английскими графствами Суффолк и Эссекс . Это район, где родился Констебль; который изображен в его самых знаменитых шедеврах; и которая стала известна как Страна констеблей . В центре картины — деревянная повозка, или большая телега, которую тянут через реку три лошади. Действие происходит около Flatford Mill , которая принадлежала отцу Констебля.Левый берег находится в Саффолке, а пейзаж на правом берегу — в Эссексе. Телега для сена считается одной из величайших пейзажных романтических картин , а также одной из лучших когда-либо созданных английским художником. По результатам опроса 2005 года , организованного BBC , картина заняла второе место по популярности в любой британской галерее после «Боевого Темерара». Однако в опросе 2017 года, проведенном Samsung, он оказался выше шедевра Тернера.

---

# 6 Impression, восход солнца

Автор: Клод Моне

Год: 1872

Впечатление, восход солнца (1872 г.) — Клод Моне

Импрессионизм — направление в искусстве, зародившееся во Франции в середине XIX века.Помимо прочего, он отличается точной прорисовкой света, откровенными позами и яркими цветами. Эта картина известна тем, что дает название движению импрессионистов , и теперь стала его типичным символом . Критики не очень хорошо его восприняли, и термин «импрессионист» был придуман Луи Леруа в сатирическом обзоре « ». Однако вскоре импрессионистское движение стало настолько популярным, что распространилось также на музыку и литературу.Сюжет картины — гавань Гавра во Франции. Impression, восход солнца отличается очень свободными мазками, которые скорее предполагают, чем определяют его . Моне использует цвет как главный фактор, чтобы передать самую суть сцены. Картина с ее туманной сценой оторвалась от традиционной пейзажной живописи и классической идеализированной красоты. Впечатление, восход солнца, таким образом, является одной из самых влиятельных картин в истории пейзажного искусства.

---

# 5 Странник над морем тумана

Автор: Каспар Давид Фридрих

Год: 181 8

Странник над морем тумана (1818) — Каспар Давид Фридрих

Каспар Давид Фридрих считается самым важным немецким художником-романтиком .Он наиболее известен своими работами, в которых люди помещаются в ночное небо, утренний туман, бесплодные деревья и т. Д., демонстрируя уменьшенную силу человека в более широком масштабе жизни . На этой картине официально одетый мужчина с тростью в руках стоит на выступе скалы спиной к зрителю. Таким образом, зритель может увидеть пейзаж, покрытый густым морем тумана; на которую мужчина смотрит задумчиво. Использование пространства Фридрихом иллюстрирует крохотное место человека в природе.На картине изображены различные достопримечательности из красивых Эльбских песчаниковых гор в Саксонии в юго-восточной Германии . Странник над морем тумана — это самая известная работа Каспара Давида Фридриха . Она стала синонимом эпохи романтизма и является самой известной пейзажной картиной движения .

---

# 4 Мир Кристины

Автор: Эндрю Уайет

Год: 1948

Мир Кристины (1948) — Эндрю Уайет

Эндрю Уайет h был одним из самых известных U.С. Художники середины 20 века. Его точные реалистические взгляды на сельскую жизнь стали иконой американской культуры и бросили вызов природе современного искусства в стране , которое было в первую очередь абстрактным. Его шедевр, Мир Кристины, , среди самых известных американских картин 20 века . На нем изображена женщина, лежащая на поле и смотрящая на серый дом на горизонте. Женщина на картине — Анна Кристина Олсон .Она была соседкой Уайета в Южный Кушинг, штат Мэн, , и страдала дегенеративным мышечным заболеванием, которое не позволяло ей ходить. Уайет был вдохновлен на создание шедевра, когда увидел, как она ползет по полю из своего окна. Несмотря на то, что во время первого показа ему не уделялось должного внимания, популярность Christina’s World с годами росла. Сейчас получил культовый статус , и это самый известный пейзаж американца .

---

---

# 3 Большая волна у Канагавы

Автор: Кацусика Хокусай

Год: 1829-1833

Великая волна у Канагавы (1833) — Кацусика Хокусай

Кацусика Хокусай считается одним из величайших художников в истории Японии и его работы оказали влияние на многих западных художников.Он также сыграл ключевую роль в популяризации пейзажного жанра благодаря своей знаменитой серии пейзажных гравюр «Тридцать шесть видов на гору Фудзи». На этих гравюрах горы изображены с разных мест, в разное время года и погодных условий. Эта картина, также известная как The Great Wave или просто The Wave , является первым оттиском из серии ; самая известная работа Хокусая ; и , пожалуй, самое узнаваемое произведение японского искусства в мире .На нем изображена огромная волна, угрожающая лодкам у берегов японского города Канагава . Гору Фудзи можно увидеть на фоне гравюры . Великая волна у Канагавы была источником вдохновения для художников многих жанров, особенно для импрессионистов. Это одно из самых воспроизводимых и известных произведений искусства в мире.

---

# 2 Кувшинки

Французский Название: Нимфеи

Автор: Клод Моне

Год: 1896-1926

Одна из картин из серии «Водяные лилии» Клода Моне

Импрессионизм был самым важным движением в развитии ландшафтного искусства, а серия «Нимфеи» или «Водяные лилии» Клода Моне была описана как «Сикстинская капелла. импрессионизма ». Состоит из примерно 250 картин маслом , созданных Моне за последние 30 лет его жизни. Сейчас они выставлены в музеях по всему миру. Ослепительная сложность цвета и света в панно открывает взору зрителя невероятное разнообразие природы, глубину и загадочность жизни, которую она поддерживает. В этих работах удивительно то, что зрение Моне сильно ухудшилось из-за катаракты, когда он писал большую часть этих шедевров .Картины Клода Моне с водяными лилиями входят в число самых узнаваемых и знаменитых произведений 20 века искусство и оказали огромное влияние на следующие поколения художников.

---

# 1 Звездная ночь

Автор: Винсент Ван Гог

Год: 1889

Звездная ночь (1889) — Винсент Ван Гог

Ван Гог , который боролся с психическим заболеванием, поступил в приют Сен-Поль в Сен-Реми-де-Прованс во Франции 8 мая. 1889 .Хотя этот шедевр был написан днем, этот шедевр изображает ночной вид из окна комнаты Ван Гога в приюте. «Звездная ночь» демонстрирует интерес художника к астрономии, а исследование, проведенное обсерваторией Гриффит-Парк, показало, что Винсент представляет Луну, Венеру и несколько звезд в точном положении, которое они занимали в ту ясную ночь . Картина подвергалась тщательному анализу, и различные историки искусства находили в ней разные символические элементы. Звездная ночь одна из самых узнаваемых картин в истории западного искусства .Это широко упоминается в массовой культуре, в том числе в известной песне Дона Маклина под названием «Винсент» . Это считается шедевром Винсент Ван Гог , и это самая известная пейзажная картина, когда-либо созданная .

произведений по жанрам: Пейзаж — WikiArt.org

Жанр

Пейзаж как жанр — это изображение естественной сцены, не подчиненное описанию рассказа.Художники писали природу с древних времен, но в западном искусстве эта тема считалась второстепенной до Золотого века Голландии.

На протяжении веков художники использовали различные техники для изображения ландшафта, чтобы удовлетворить самые разнообразные коммуникативные потребности. В египетском, а затем и в греческом искусстве были примеры пейзажа или элементы, взятые из него, например, в нилотском пейзаже на Папирусе , найденном в Гробнице Менны (ок. 1420 г. до н. Э.), Или фресках Акротири (ок. 1500 г. до н. Э.) ) также с речной тематикой.

В римском искусстве этот жанр стал приобретать автономный характер. Римляне рисовали пейзажи, чтобы украсить стены дома domus (тип домов, занимаемых высшим классом) яркими цветами и сценами, полными реалистичных деталей, как на фресках Виллы Ливии (до 79 г. н.э.), расположенной в Помпеи, которые представляют собой цветущий сад.

В раннехристианском искусстве вплоть до средневековья не было примеров автономных ландшафтов. В восточном и византийском искусстве природные элементы были почти устранены, заменены сусальным золотом в качестве фона сцен, а в западном искусстве пейзажи стали нереалистичным фоном.Природа рассматривалась только с символической точки зрения; пейзажи были абстрактными, плоскими и лишенными перспективного пространства, как это видно на мозаиках Сант-Аполлинаре в Классе (середина VI века) в Равенне.

Развитие ландшафта Востока пошло другим путем. Между X и XI веками в китайской живописи тема пейзажа превратилась в настоящий жанр: горы, долины, реки писались часто, на разных материалах и в разных форматах, от декоративных валиков до реальной живописи, как мы видим. in Осеннее небо над горами и долинами (1072) Го Си.

На Западе, в XIV веке, в Тоскане изображение пейзажа снова стало реалистичным, под влиянием фигуры Святого Франциска и его стихотворения Il Cantico delle Creature (1224). Это стихотворение было одой Богу, в которой святой восхвалял его за все, что он создал, например, природные стихии, животных, растения, плоды земли. Это стихотворение было настолько известным, что оказало влияние на итальянское и западное искусство, вернув реальность природы в глазах художников, которые начали представлять ее более реалистично.

В интернациональной готике эта тенденция распространилась по Европе. Пейзаж оставался фоном, но он был богат деталями и выдержан в размерах. Он взял на себя фундаментальную роль показа работы человека и его господства над природой, образа творческой деятельности Бога, Который в начале Книги Бытия создал природную реальность и Эдемский сад. Средневековые пейзажи изображали жизнь в городах и работу в сельской местности, как в «Эффекты хорошего правительства в городе», (1338–39) и «Эффекты хорошего правительства в сельской местности», (1338–39) Амброджо Лоренцетти.

В эпоху Возрождения изображение ландшафта приобрело новые технические и формальные характеристики. Художники улучшили реалистичность изображения природы, используя технологические инновации. Изобретение Филиппо Брунеллески линейной геометрической перспективы сделало пейзажи ближе к реальному миру, как на фресках, написанных Мазаччо в капелле Бранкаччи (1424-28). Пейзаж стал неотъемлемой частью картин. Художники использовали его как место для символического языка: Пьеро делла Франческа в Воскресении Сан-Сеполькро (1450-63) сообщает о победе Христа над смертью с переходом между голыми деревьями и цветущими деревьями.

Затем воздушная перспектива, изученная Леонардо да Винчи, ввела в искусство восприятие атмосферы, влажности воздуха и постепенного удаления и размытия цветов. Его Мадонна с младенцем и Святой Анной (около 1503) — один из шедевров, где он превосходно применил эту технику, чтобы нарисовать горный хребет на заднем плане. Благодаря Джорджоне и его книге The Tempest (около 1506) итальянское искусство обнаружило возможность «изображать живые и естественные вещи без рисования перспективы», как писал Джорджо Вазари.

В то же время в Центральной и Северной Европе такие фламандские мастера, как Ян Ван Эйк ( Поклонение ягненку, , 1432) или Иоахим Патинир ( Пейзаж со Святым Кристофером, , ок. 1520), взяли новый курс в изображение пейзажа. Они могли за минуту запечатлеть детали яркими цветами с помощью нового изобретения: масляной живописи.

В 16 веке пейзаж постепенно стал главным героем представлений, но только в 17 веке он превратился в самостоятельный жанр.Строгие правила Контрреформации повлияли на искусство, осудив его декоративные и антиморальные аспекты. Великие астрономические открытия, начиная с Галилея, изменили представление о человеке и его отношениях с миром и вселенной, показав величие космоса. Затем произошел взрыв пейзажа: этот жанр был нейтральным по своему содержанию и служил для демонстрации новых знаний. Даже в библейских сценах священный сюжет стал небольшой частью картин, давая место изображению природы и вселенной, наблюдаемых и раскрашенных в ее ярких деталях, как в произведении Адама Эльшаймера в Бегство в Египет. (ок.1609), запечатлел на холсте первое видение Млечного Пути.

Однако официальное признание пейзажной живописи в Академии художеств произошло благодаря французу Пьеру-Анри де Валансьену. В 1800 году он опубликовал книгу « Элементы практической перспективы », в которой преследовал эстетический идеал исторического пейзажа, который должен был быть основан на изучении реальной природы. Следующие поколения французских художников посвятили свое искусство пейзажу: наиболее ярким примером был Жан-Батист-Камиль Коро.Среди его выдающихся пейзажей — Мост в Нарни (1826) или Вид на лес Фонтенбло , (1830).

В начале 19 века, с распространением романтизма, жанр пейзажа передавал романтическое видение природы, запечатленное в соответствии с идеей природного «возвышенного». Он рассматривал природу как силу, превосходящую человека, во всем его величии, которая вызывает удивление, трепет и влечение к своей силе. Мы можем наблюдать это на картинах Каспара Давида Фридриха, таких как Аббатство в Дубовом лесу, , (1809), или Меловые скалы на Рюген, (1818).

В это же время в Англии Уильям Тернер выставил свои картины и представил их в Королевской академии. В таких полотнах, как Snow Storm , (c. 1842) или The Lake, Petworth, Sunset; Образец этюда (ок. 1827–28). Подход Тернера к свету и цвету был настолько революционным, что художника теперь помнят как «Художника света».

В последние 30 лет 19 века изобретения промышленной революции нашли отражение в культурных движениях того времени.Рождение фотографии позволило точно воспроизвести реальность и соединило живопись как новую художественную технику. Изобретение цвета в трубе позволило художникам работать на пленэре . Городская застройка изменила ландшафт, создав новые виды. Таким образом, пейзажная живопись стала одним из самых популярных жанров, особенно среди импрессионистов, таких как Моне, Мане, Писсарро, Ренуар, Сислей. Они исповедовали прямое наблюдение за ландшафтом и использовали быстрые техники, чтобы запечатлеть смену света днем ​​и ночью.Одним из самых известных пейзажей группы был «Впечатление , Восход солнца » (1872 г.) Моне, который и стал источником названия движения. Их работы открыли путь революционным постимпрессионистским пейзажным взглядам Ван Гога, Гогена и Сезанна.

В начале 20 века изображение пейзажа в искусстве снова изменилось с появлением авангардных движений, которые стремились нарушить традиции и технические правила. В кубизме пейзаж был одним из главных предметов.Наряду с натюрмортами и портретами пейзаж подвергся процессу визуального анализа и синтеза. Художники, такие как Брак в его доме на эстаке , (1908) или Пикассо в его доме на холме (1909), одновременно изображали все углы, с которых они наблюдали объект картины. Понятие времени как хронологии событий также было преодолено. Таким образом, изображения были структурированными и геометрическими, внимание художника было сосредоточено на форме. Цвета, как правило, были не очень живыми, а перспектива наблюдения была свободной и не отображалась напрямую.

Абстрактное искусство отошло от представления объективной реальности и передается через элементарные формы и цвета. Некоторые художники, однако, вызвали воспоминания о природе, которую можно увидеть среди форм и цветов, как, например, в картине Пауля Клее «Пейзаж с флагом » (ок. 1915 г.) или в «Импровизации 9 » Василия Кандинского (1910 г.).

В сюрреализме пейзаж отделился от того, что можно наблюдать, и стал местом значений, связанных с видением мира бессознательного, где все кажется приостановленным во времени, как на картине Магритта Область Арнхейма (1962) или Сальватора Дали Без названия.Пейзаж (1948).

В современном искусстве наиболее ландшафтным направлением является ленд-арт, где природа стала единственным главным действующим лицом, произведением искусства. Он трактуется по-новому и нетрадиционно: художники как Христо в The Floating Piers (2016) или Роберт Смитсон в Spiral Jetty (1970) вмешиваются непосредственно в ландшафт, изменяя его навсегда или временно, с помощью огромных инсталляций. Эти работы нельзя назвать пейзажами в традиционном понимании этого слова, но они, безусловно, являются началом нового взгляда на него.

Автор: Маддалена Монгера,

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Landscape

Натурализм и реализм — Пейзаж и жизнь во французском искусстве XIX века

About-France.com — тематический справочник по Франция

► Вы здесь: Франция ›

Натурализм и реализм

Арт во Франции -: 1820 — 1890

Навстречу новое определение живописи

Терминология: In Английский, термин натурализм широко используется для обозначения пейзажного искусства, написанного прямо с натуры, без идеализации и без морального осуждения.По-французски le naturalisme — это используется более узко для обозначения художественного и литературного движения в позднее 19 века, представленные на картинах Бастьен-Лепаж и романы Золя или Флобера.

Истоки пейзажной живописи

Клод Лоррен — Пасторальная сцена с классическими руинами. Гренобль — Музей изящных искусств Пейзаж присутствует в искусстве много веков. Еще в начале Эпохи Возрождения, многие художники уделяли большое внимание пейзажу. фон их религиозного или исторического искусства; но пейзажи на время были случайными массовками, редко, если вообще когда-либо была главной темой произведение искусства.
К семнадцатому веку художники стали получать больше заказов от гражданских, а не от религиозных покровителей, пейзаж приобретал все большее значение. Религиозные ордена заказал искусство, чтобы прославлять святых или рассказывать истории из Священные Писания. Гражданские меценаты заказывали искусство рассказывать истории, ибо портретная живопись, или просто для украшение.
Таким образом, если раньше пейзажи были случайным фоном к фотографиям, рассказывающим историю, религиозные, моральные или исторические, начиная с 17 века, с некоторыми художники, такие как Клод Лоррен в Франция, роли поменялись местами.С Клодом, религиозным или мифологические рассказы стали случайным поводом для картин, были по сути пейзажами; и действительно, на некоторых картинах пейзаж стал темой самой картины, а не декорацией для рассказ.

Еще с Клодом Лорреном и французским пейзажем художники семнадцатого и восемнадцатого веков, пейзаж, le paysage, не значит реализм. Пейзажи Клода, Пуссена, Ланкре или Клод-Жозеф Верне, были идеализированными местами, вдохновленными природа, не нарисованная из природа.Пейзажи в основном были воображаемыми, и если бы они были вдохновленные реальными местами, места, которые они изображали, часто не были упомянул.
Это было даже в случае с голландские пейзажисты-жанристы, такие в виде Хоббема или Рейсдал, которые специализировались на пейзажных сценах, близок к жизни людей в Нидерландах; иногда они бы рисовать сцены таких мест, как знаменитый проспект Хоббемы в Мидделхарнисе; но чаще писали работы под названием «пейзаж» или «водяная мельница», в которой локация, пусть даже нарисованная с натуры, не была указано..

Джон Констебл — Флэтфорд Милл (Галерея Тейт, Лондон). Влияние Констебль о французском ландшафтном искусстве нельзя недооценивать Промышленная революция в Великобритании открыла открылись двери для садово-паркового искусства. К середине 18 века возникло новое искусство закупки произведений искусства. Общественность зарождалась в Великобритании, первой индустриально развитой стране. Промышленность создавала богатство (а также большую часть крайней нищеты), и новые богатые и новый средний класс хотели искусства. И они хотели много этого.Работая акварелью, английские художники того времени, как Козенс и Сэндби вдохновили многих подражателей. В отличие от классического масла картины, акварели можно было производить быстро и дешево, а в открытую, и мода завоевала популярность. К концу 18 века пейзаж стал культовым английским жанром, будь то акварель или маслом, и величайшие британские художники того времени, Джон Констебл и Уильям Мэлфорд Тернер, приобрели международную известность. Нигде это не было так, как в Франция, где некоторые пейзажи Констебля демонстрировались на Парижской выставке 1824 г. «Салон».
А с приходом нового поколения художников-пейзажистов локация была часто — хотя и не всегда — объявляется в заголовке картина: Flatford Mill, или Wivenhoe Park, или Петворт-хаус, например: реальные места, а не воображаемые.

Пейзажная живопись во Франции — Барбизонская школа

Теодор Руссо — Пейзаж с деревьями Пейзаж живопись непосредственно с натуры развивалась во Франции с 1820-х гг. вперед. К 1822 году постоялый двор в деревне Барбизон, в лесу Фонтенбло, в 50 милях к югу от Парижа, становилось место встречи художников, ищущих вдохновения напрямую с натуры и живописи на природе, а не только в студии.
«Барбизонская школа» должна была доминировать во французском пейзажном искусстве. для полвека, объединив большую часть лучших пейзажей Франции художники середины девятнадцатого века. Два художника-пионера время, Теодор Руссо и Жан-Франсуа Милле, даже переехали жить в Барбизон, где их регулярно навещали из Коро, Диаса, Юэ и много других. Даже такие артисты, как Гюстав Время от времени появлялся Курбе.
Но пока Курбе был художником-пейзажистом, и тот, кто рисовал под открытым небом, его стиль несколько отличался от стиля художников Барбизона.
Коро: телега сена В Барбизонская школа рисовала природу ради нее самой, раскрашивая его как есть, или (как это часто бывает с классически обученными Коро) через какие-то очки бледно-зеленого оттенка. Природа мог быть местом для человеческой деятельности, но это были деревья, озера, реки, холмы, которые составляли основной предмет, а не люди.

Просо, Курбе и реализм

Жан-Франсуа Милле — Собиратели. Париж, Музей Орсе

Гюстав Курбе — Камнедробители.Курбе показывает реальность трудовая жизнь, на фоне сцены из родного Юры горы.

Милле и Курбе, в частности, взяли другой подход. В то время как художники Барбизона были по существу натуралистов в широком смысле этого слова, Милле и Курбе видели себя как реалистов, термин, используемый Курбе для определения своей работы во введении к 1855 г. выставка в Париже.
Как пейзажисты они часто помещали природу — скалы, олени, водопады — в основе их произведений.Действительно, и Курбе, и Милле писали пейзажи без какой-либо человеческой деятельности; но даже в картинах без человеческих фигур нет идеализации природа. Это реально, а иногда мрачно и угрожающе.
Ведь в то время, когда подавляющее большинство населения Франция по-прежнему жила сельской жизнью и возделывала землю, природу, на открытом воздухе, было в первую очередь местом работы, а не местом для отдыха. Жизнь была на открытом воздухе — смерть, как в культовых произведениях Курбе. захоронение под открытым небом в Орнанс; и в его изображении человеческой жизни и смерть, как и во всем остальном, Курбе был революционный.

Пейзажный натурализм и реализм были частью одного и того же континуум и между ними не было четкой границы. Действительно, условия регулярно путаются; но реалисты, в первую очередь Курбе, Просо и Оноре Домье, были не просто художниками-пейзажистами. Даже если шедевры Милле les Glaneuses (Собиратели) или l’Angélus, как и многие из величайших работ Курбе, используйте пейзаж в качестве фона, Реалисты были не просто пейзажистами.Их ассортимент предмета был намного шире.
.
Реалист Курбе 1855 г. Манифест не всем понравился, как раз наоборот. В середины 19 века большинство французских художников все еще живопись по канонам академического искусства, в стилях, которые идеализировал как людей, так и декорации. Борьба между классицизмом и романтизм

Эдуард Manet — Игра в крокет — Stadel Museum, Франкфурт. Темный пейзажный фон перекликается с барбизонской школой; но манера письма импрессионистская все еще господствовал в мире французского искусства, а пейзаж художники и новые реалисты все еще оставались второстепенными.Даже великое искусство критикам того времени, Бодлеру и Готье, было трудно согласиться с с революционным разрывом Курбе с традициями; и даже если они оба признали Курбе талантливым художником, ни один из них не мог ценить то, как реализм может показать уродство и пятна того, чем они были.
А другие могли. Молодой и подающий надежды реалист Который очень восхищался Курбе, был Эдуард Мане. Сегодня наиболее известен как один из импрессионистов. Точнее, Мане был реалистом, которым очень восхищались младшие. Импрессионисты, но никогда не выставлялись в импрессионистах. выставки
Благодаря этой линии Курбе и Мане пришли к быть признанными отцами-основателями современного искусства.

Многие французские художники 19 века были плодовитыми продюсерами — Среди них Курбе и Коро — и большинство провинциальных музеев Франции. иметь репрезентативную выставку искусства этого периода. Основные работы Курбе выставлены в Музее изящных искусств в Безансоне, а поблизости, в музее Курбе в Орнане, маленьком городке во Франш-Конте. где он родился.
Лучшая общая коллекция французских натуралистов и реалистическое искусство можно увидеть в Музее Орсе в Париже.



История искусства во Франции About-France.com:

Веб-сайт Copyright © About-France.com 2003 — 2021

Фото: все фото на этой странице находятся в открытом доступе.

Путешествие по ручьям и горам: пейзажная живопись в Восточной Азии

Эта двухчастная инсталляция, посвященная Японии и Китаю, посвящена пейзажной живописи, одному из важнейших видов искусства Восточной Азии. Хотя слово «пейзаж» лучше всего передает содержание представленных работ, такого слова не существовало в традиционном японском или китайском дискурсе.На обоих языках этот жанр называется «гора и вода» (японский: sansui, китайский: shanshui 山水, вызывая ключевые компоненты изображения природы в восточноазиатской живописи.
Два разных направления пейзажной живописи, появившиеся в Японии к XIV веку. Один из них последовал примеру преимущественно монохромных пейзажей китайской династии Сун (960–1279). Созданные на основе китайской традиции, эти изображения, тем не менее, содержат множество формальных новшеств, в том числе резко обрезанные сосны и густой клубящийся туман.Другая пейзажная традиция в Японии сосредоточена на ярко раскрашенных сценах, весьма отличных от современных китайских работ. В этих картинах больше орнаментальных, чем топографических, часто использовались толстые слои краски или сусальное золото. Последняя техника видна в паре демонстрируемых экранов «Тигры и бамбук», на которых величественные тигры выходят из бамбуковой рощи в атмосферной дымке, которая ослепляет и мерцает на золотом фоне.
Японские художники, работающие в обеих пейзажных традициях, были вдохновлены самобытными сезонами своей родины.Часто переход весны к лету или осени к зиме изображался на одном изображении или на нескольких экранах. Любимые живописные места, такие как изображенная на реке Хозу слева от вас, также были популярными объектами для пейзажистов — и остаются таковыми по сей день.

Пейзажи в Китае часто предназначались для приглашения зрителя мысленно путешествовать по сцене. Была предусмотрена точка входа в пейзаж, часто с помощью тропинки или участка земли на переднем плане.По мере того как сцена продолжается вверх (в виде свитка) или влево (при свитке руками), перспектива и масштаб могут изменяться, и зритель отправляется в путешествие по горам и воде, времени и пространству.
Пейзаж возник как самостоятельный жанр в китайской живописи в последние бурные годы правления династии Тан (618–906). Когда династия распалась, элиты стремились уйти в сельскую местность своих загородных имений. Художники отреагировали на это созданием изображений, отражающих идеализированные уединения, представленные их покровителями.Во времена династии Северная Сун (960–1127) придворные художники создавали монументальные пейзажи, чьи внушительные горы, замысловато расположенные ручьи и деревья стали рассматриваться как визуальные метафоры упорядоченного государства. Династия также увидела рост художников, взятых из нового класса ученых-чиновников. Эти талантливые любители еще больше изменили жанр, создав пейзажи, нацеленные на выражение их собственного художественного видения.
После династии Сун художники начали перенимать и переосмысливать стили и образы более ранних художников до такой степени, что пейзажная живопись в Китае стала в значительной степени художественным диалогом с мастерами прошлого.Таким образом, окончательное вдохновение для естественных форм пейзажиста лежит не обязательно в личном опыте художника с сельскими пейзажами, но в истории самой пейзажной живописи.

Почему мы любим пейзаж?

На протяжении тысячелетий человечество было увлечено пейзажным искусством независимо от его среды, хотя оно стало признанным жанром искусства только в конце 15 ^{-х годов} века. В пейзажных картинах есть что-то особенное; они каким-то образом дают нам эмоциональный опыт, отличный от других предметов.Почему это? И что такого особенного в этом ландшафте, что нас удерживает почти потусторонний мир? Почему эта тема настолько сильна, что продолжает привлекать художников и зрителей независимо от возраста, расы, пола и национальности?

Определение

«Пейзажное искусство» — это изображение природного ландшафта, обычно с акцентом на горы, деревья, реки, леса, долины, береговую линию и другие живописные места. Часто в нем нет гуманистического элемента, поэтому он настолько интересен, что оказывает такое влияние на нас, как на зрителя; Сказав это, есть много изображений, на которых изображены лодки, разрушенные замки, мосты и т. д.

Анри Жак Дельпи — Вечер на реке

Реалистичные изображения ландшафта обычно складываются в связные композиции; однако пейзаж также вдохновил художников-абстракционистов, в первую очередь Анри Матисса, Сезанна и, конечно же, Тернера, чьи работы, по общему признанию, не совсем абстрактны, но более авангардны и выразительны.

J.M.W Turner — Rain, Steam and Speed ​​ — National Gallery London

Настроение и эмоции

Пейзажи часто создают определенное настроение или эмоции — они являются прекрасным инструментом для создания атмосферы.Например, глядя на картину с закатом, вы часто чувствуете это согревающее чувство и чувство удивления: почему? Что ж, дело в том, что мы все пережили этот момент в реальности, поэтому у нас такая сильная эмоциональная связь с пейзажным искусством — мы все можем это понять.

Терри Уоттс — Зимний полдень Лайм Регис

Погода также играет важную роль; например, угрюмая атмосфера с бурным морем создаст мрачную, драматическую и безумную атмосферу.Погода для людей ежедневно влияет на нашу жизнь, поэтому она, безусловно, сильно влияет на наше настроение и эмоции. В нашем предыдущем блоге The Connotations of Weather in Art мы подробно исследуем это.

Сильная тема

Пейзаж — это мощный предмет, который может воплощать широкий спектр эмоций, однако он также используется в чисто декоративном жанре, где художники могут продемонстрировать свои навыки. Пейзажное искусство также может быть связано с запечатлением прекрасного момента и документированием природных явлений, которые другие, возможно, никогда не увидят, особенно когда речь идет о фотографии.

У всех нас есть доступ к внешней среде, и это одна из причин, почему это одна из самых доступных и универсальных форм искусства. Примеры ландшафтного искусства можно найти от Британии до Парижа и Китая, и тот факт, что оно по-прежнему чрезвычайно популярно сегодня; как для художников, так и для зрителей просто показывает, что пейзаж как сюжет всегда будет актуален.

О Марке Митчелле

Продавцы британских и континентальных произведений искусства XIX-XX веков

11 изображений деревьев в пейзажах

Николай Дубовик, «Марш», масло (Пленэр, апрель / май 2018, Лучший пленэр)

Если вы художник-пленэр, который живет в пышной местности, изобилующей деревьями, у вас, вероятно, есть несколько композиций, в которых их нет.Так как же красить деревья? Конечно, небо — предел, поэтому начните с обзора этих 11 пейзажных картин, в которых деревья являются элементом.

Каждая из представленных здесь пейзажных картин получила награду пленэра. Если вы готовы представить свою лучшую работу и потенциально выиграть до 15 000 долларов, посетите PleinAirSalon.