Стилизация. Декоративный натюрморт

План-конспект урока изобразительного искусства по теме:

«Стилизация. Декоративный натюрморт»

Класс: 6 «б»

Вид занятия: Рисование с натуры.

Тип урока: Совершенствование знаний, умений, навыков.

Методы:

1. Словесный;

2. Наглядный;

3. Практический.

4. Проблемно-поисковый метод.

Технологии:

1.Технология развивающего обучения;

2.Личностно-ориентированная;

3.Здоровьесберегающая.

Тип: Комбинированный.

Цель урока: Развитие фантазии и умения творчески преображать формы в декоративное изображение.

Задачи:

Закрепить понятие «натюрморт».

Познакомить с понятием декоративного натюрморта и некоторых приемах стилизации.

Научить применять ограниченную цветовую гамму в натюрморте для гармонизации композиции.

Развивать творческую фантазию и авторскую активность, воображение.

Воспитывать художественный вкус и творческую позицию при выполнении натюрморта.

Оборудование:

—для педагога — интерактивная доска, презентация «Декоративный натюрморт» (слайды), муляжи фруктов, драпировка, керамическая ваза;

—для обучающихся — гуашь, простые карандаши, кисти, бумага ф. А-3, баночка с водой.

План урока

1.Организационная часть (2мин.)

2.Сообщение темы и задачи урока (3 мин.)

3.Объяснение нового материала, показ презентации (5 мин).

4.Практическая работа (25мин.)

5.Подведение итогов (5мин.)

Ход урока

1. Организационная часть.

Проверка готовности к уроку, проверить материалы и принадлежности;

Инструктаж техники безопасности.

2.Сообщение темы и цели урока.

Здравствуйте ребята! Тема нашего урока сегодня «Декоративный натюрморт». Используя метод эвристической беседы, мы с обучающимися вспоминаем жанры изобразительного искусства. Используя интерактивную доску и объяснительно-иллюстративный метод, демонстрирую слайды «Жанры изобразительного искусства». В ходе показа идет коллективное обсуждение, обобщение и учащиеся формулируют основные направления жанров изобразительного искусства.

Используя ранее полученные знания, ставлю перед учащимися задачу: «Дать определение – «Натюрморт»».

Используя частично-поисковый метод, метод сравнения и анализа, учащиеся приходят к заключительным выводам:

натюрморт с французского переводится буквально как — мёртвая природа, тихая или неподвижная жизнь;

жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), который посвящен изображению вещей, размещенных в единой среде и организованных в группу;

натюрмортом принято считать композицию из неодушевленных предметов, включая плоды и цветы.

Затем мы переходим к обсуждению видов изобразительного искусства. Показывая слайды, учащиеся вспоминают основные виды изобразительного искусства. Такие как:

Живопись Графика

Фотография

Прошу выделить учащихся характерные особенности для обозначения формы, объема, тени. Ребята выдвигают версии форм передачи пространственного изображения.

3. Объяснение нового материала.

Напоминаю учащимся цель нашего занятия: познакомиться с еще одним видом изобразительного искусства это «Декоративная живопись».

При помощи наводящих вопросов подвожу обучающихся к выводу, что такое декор.

Посмотрите, чем отличается изображение декоративного натюрморта от академического?

Ребята, подумайте, как вы покажете объем формы?

Кто же сможет сформулировать тему нашего урока?

Используя словесный метод, рассказываю о принципах и правилах выполнения декоративного натюрморта.

Слово «декор» в переводе с латинского означает – украшать. Декоративный натюрморт характерен условным изображением реальной постановки и исключает ряд постановочных задач реалистического изображения, таких, как: отображение воздушного пространства и материальности. Условностью так же является плановость изображения.

В декоративном натюрморте на первый план выступают следующие задачи: цветовая композиция, в которой цвета не столько отражают реальныевзаимосвязи предметов постановки, сколько условную задачу заранее продуманного колорита, то есть колорита, построенного на нюансе, контрасте, монохромии. Причём надо отметить, что в декоративном натюрморте главное – гармония цвета. Обычно художники используют не более 3-х цветов. Путём смешивания этих цветов, можно получить множество оттенков.

В декоративном натюрморте важным является такжекомпозиционное построение линий, контуров, их движение и взаимодействие с пятном. Допустимым является также использование орнаментов, узоров, как аппликативной составляющей части декоративного натюрморта. Благодаря этим новым задачам появляется возможность развития композиционных навыков, цветового построения. Основной задачей в декоративном натюрморте является задача стилизации как предметов, их формы, характера, так и цвета, тонов.   В зависимости от такой стилизации возможно применение различных декоративных материалов, например, аппликации.

Таким образом, мы видим, что в отличие от реального натюрморта по стилизации в декоративном натюрморте предметы могут принципиально изменять свой характер, цвет, перспективу. 

Ставлю перед учащимися практическое задание: Ребята, ваша задача построить натюрморт, где должно присутствовать не менее 3-х предметов. Обратите внимание на компоновку листа и характер предметов. Приступая к рисунку, помните, что основное внимание нужно сосредоточить на прорисовке предметов и других особенностей поверхности, а передачей объема, светотени можно пренебречь, отказаться от них, тогда изображение получится плоским, прозрачным. Для работы необходимо взять белую или цветную бумагу. После построения композиции, не забывайте, что начальный рисунок выполняем легким нажатием карандаша.

Задаю наводящий вопрос: вспомните, с чего мы начинаем работу?

Замысел;

Композиция;

Построение;

Работа в цвете;

Самоконтроль.

Итак, давайте вместе разберем выполнение поэтапно.

Идет демонстрация и обсуждение видео-слайдов.

Простым карандашом на формате А-3 нарисуем линию стола, на котором будет стоять натюрморт, и «скелет» для вазы.

Далее соединяем точки построенного нами «скелета» вазы.

Скругляем острые углы.

4. Прорисовываем эллипсы. Чем ближе эллипс к линии горизонта – тем менее он раскрыт, а чем дальше от нее – тем он круглее.

5.Дорисовываем другие элементы натюрморта – это фрукты (яблоки) и драпировка на дальнем плане.

6. Ненужные линии стареть, чтобы дальше не запутаться в них (например, к ним относятся невидимые дальние линии эллипсов).

7. Разделить все предметы будущего декоративного натюрморта на плоскости по следующему принципу: свет – полутень – тень – рефлекс.

8. Набросок рисунка на ткани.

9. Работа гуашью: Нет плавных переходов цвета. Писать по плоскостям, на которые мы ранее разделили предметы.Пишем с дальней драпировки.

10.Для вазы будем использовать оттенки коричневого цвета (темно-коричневый цвет и охра). Пишем вазу так же по плоскостям.

11. Далее готовим набор оттенков кораллового (или алого), для написания драпировки:

12. Яблоки будут написаны желтыми, зелеными, красными оттенками.

13. После того, как работа гуашью завершена, осталось добавить ярких линий в наш декоративный натюрморт – контурную обводку.

4.Физкультурная минутка.

5. Обобщение изученного материала по вопросам:

И так, скажите, что нового вы увидели в технике выполнения натюрморта?

Какими способами вы будете этого достигать?

А кто из вас отметил для себя, какая цветовая палитра используется? (Теплые цвета)

Какова ваша задача на урок?

Можно приступать к работе.

6.Практическая работа учащихся.

Учащиеся выполняют изображение декоративного натюрморта. Работа выполняется индивидуально.

После каждого этапа проводится анализ работ. В течение практической работы провожу    индивидуальную работу с учащимися.

7.Итог урока. Закрепление изученного материала.

Что входит в понятие натюрморт?

В чём же отличие между декоративным и живописным натюрмортом?

Какие материалы можно использовать для выполнения декоративного натюрморта?

8. Рефлексия.

Ребята, скажите с какой техникой изобразительного искусства вы сегодня познакомились?

Чем отличается работа в декоративной технике?

Вам понравилось работать в данной технике?

Были ли трудности в выполнении данной работы?

Вы все хорошо сегодня справились с поставленными задачами на занятии. Благодарю всех!

9. Домашнее задание: Попробуйте дома изобразить предметы домашнего быта в технике «Декоративное рисование».

10. Выставка и анализ работ:

Адрес публикации: https://www.prodlenka.org/metodicheskie-razrabotki/308084-stilizacija-dekorativnyj-natjurmort

Декоративный натюрморт — стилизация формы и цвета

Впервые словосочетание «декоративный натюрморт» стало употребляться в начале 20-го века, именно в те времена, когда наблюдался процесс появления большого количества разных новых направлений в искусстве, в том числе и в живописи. Последние годы уходящего 19-го столетия и начало 20-го века вообще стали периодом поиска всевозможных новых фактур, отчаянных экспериментов над пространством, цветом и формой.

В понятие «декоративный натюрморт» сегодня принято включать все произведения, выполненные в соответствующем стиле и предназначенные для украшения интерьера. Это вполне закономерно — ведь натюрморт по самому своему определению предполагает возможность декоративной стилизации. Несмотря на то, что многие художники этой эпохи писали в разной манере, все их произведения можно в одинаковой степени считать декоративными.

Взять хотя бы произведения известного художника-экспрессиониста Матисса, в которых автор сделал главное ударение на фактуру и цвет. Декоративность его великолепных натюрмортов не вызывает никакого сомнения. Повышенное внимание к цвету и его акцентирование характерно и для произведений Фалька, Кончаловского, Грабаря, Антиповой.

Полностью соответствуют термину «декоративный натюрморт» изображения простых геометрических форм на картинах яркого представителя кубизма Пабло Пикассо. Не вызывает сомнения и декоративность работ Петрова-Водкина, который посредством натюрморта стремился передать зрителю сложные образы и понятия.

Характерная особенность, которой отличается декоративный натюрморт — это допустимость условного отображения реальных предметов, он не требует безоговорочного выполнения некоторых постановочных задач, таких, к примеру, как отображение материальности, пространства, формы. Весьма ограниченные требования предъявляются и к плановости изображения. Из первоочередных задач произведений этого жанра следует отметить цветовую композицию, которая построена на монохромии, контрасте, нюансе. Ее главная цель — создание задуманного колорита. Декоративный натюрморт гуашью, акварелью или маслом — это акцент на красоту линии и контура изображенного предмета.

Создание подобных произведений — это удивительный процесс стилизации формы предметов, их тона и цвета. Под стилизацией здесь подразумевается объединение предметов при помощи условных приемов. К ним относятся упрощение или усложнение форм и деталей, цвета, иногда наблюдается полный отказ от передачи объема изображаемых предметов. Но упрощение формы не означает сведение ее к примитивности, упущенные незначительные детали помогают подчеркнуть наиболее значимые качества изображаемого.

Для усложнения формы обычно используются элементы декоративного орнамента. Автор имеет возможность стилизовать предмет на свое усмотрение, иногда используется прием значительного отхода от натуры. Более того, объемные формы — фрукты, цветы, вазы, кувшины — могут сохранять свои плавные реальные линии или же доходить до геометрических начертаний, тяготеющих к абстрактным изображениям.

Декоративный натюрморт в технике гуашь Стилизация растений

Декоративный натюрморт в технике гуашь Стилизация растений

Декоративный натюрморт § Декоративный натюрморт расширяет рамки творческих задач и опирается на индивидуальные способности учащихся подмечать и доводить самое характерное в натюрморте до максимальной цветовой, композиционной и пластической выразительности. § Для декоративного натюрморта характерно условное изображение реальной постановки, он исключает ряд постановочных задач реалистического изображения, таких как: отображение воздушного пространства, формы, материальности. Условностью также является плановость изображения. В декоративном натюрморте на первый план выступают следующие задачи: цветовая композиция, в которой цвета решают условную задачу заранее продуманного колорита, построенного на нюансе, контрасте, монохромии. § В декоративном натюрморте важная роль отводится линии, контуру, их движению и взаимодействию с пятном. Допустимым является также использование орнаментов, узоров как аппликативной составляющей декоративного натюрморта.

Главная задача в декоративном натюрморте и этапы работы над ним: § стилизация предметов, их формы, цвета, тона. § отсутствие реалистического пространства, предметы обведены черным контуром, форма решена не реалистически, цвет взят декоративно и ярко, введено много орнаментов § 1. Анализ постановки, выбор формата; § 2. Выполнение краткосрочного эскиза; § 3. Выполнение общего карандашного рисунка; § 4. Детальная прорисовка с учетом стилизации форм; § 5. Выполнение работы черной гуашью;

Что такое стилизация ? § Это декоративное объединение предметов с помощью ряда условных приемов. Можно упростить или усложнить форму, цвет, детали объекта, а также отказаться от передачи объема. Однако упростить форму вовсе не означает обеднить ее, а опустив малозначащие детали, подчеркнуть самые выразительные качества предмета. § В декоративной композиции важную роль играет то, насколько творчески художник может переработать окружающую действительность и внести в нее свои мысли и чувства, индивидуальные оттенки. Это и называется стилизацией. § Стилизация как процесс работы представляет собой декоративное обобщение изображаемых объектов (фигур, предметов) с помощью ряда условных приемов изменения формы, объемных и цветовых отношений. § В декоративном искусстве стилизация – метод ритмической организации целого, благодаря которому изображение приобретает признаки повышенной декоративности и воспринимается своеобразным мотивом узора (тогда мы говорим о декоративной стилизации в композиции).

Стилизация природных форм § Стилизацию природных форм можно начать с изображения растений.

Это могут быть цветы, травы, деревья, мхи, лишайники в сочетании с насекомыми и птицами. § чем интересна стилизация, так это тем, что вы можете образно передать «портрет» растения, как бы пропустить рисунок через призму собственных ощущений и придать ему лаконичности, поэтичности, неповторимости. стилизованный рисунок- это плод игры вашего воображения § В процессе декоративной стилизации природных мотивов можно изначально выполнять зарисовки объектов с натуры, а в дальнейшем перерабатывать их в сторону выявления декоративных качеств § необходимо тщательное рисование деталей и постепенное изучение форм по ходу работы

Выделим основные требования к зарисовкам растительных форм: §. Начиная работу, важно выявить наиболее ярко выраженные особенности формы растения, его силуэта. §. При компоновке мотивов необходимо обратить внимание на их пластическую направленность (вертикальную, горизонтальную, диагональную) и соответственно ей располагать рисунок. §. Обратить внимание на характер линий, из которых складывается абрис изображаемых элементов: от того, прямолинейные или мягкие, обтекаемые конфигурации он будет иметь, может зависеть и состояние композиции в целом (статическое или динамическое).

§. Важно не просто зарисовать увиденное, а найти ритм и интересные группировки форм (стеблей, листьев), делая отбор видимых деталей в изображаемой на листе среде. §. При зарисовке цветов необходимо детально изучить строение цветка, расположение и форму лепестков, их группировку и окраску, ибо это и будут те природные особенности объекта, которые дают возможность их декоративного преобразования.

Этапы стилизации: На варианте а) представлено реалистическое изображение. на варианте б) стилизация изображения происходит за счет упрощения (декоративного обобщения) объема и формы предметов

Этапы стилизации: на варианте в) – условный цвет, плоскостное решение, полное отсутствие материальности; на варианте г) – усложнение формы строится за счет введения декоративного орнамента, отсутствующего в натуре

Этапы стилизации: § Один и тот же мотив может быть трансформирован поразному: близко к натуре или в виде намека на нее, ассоциативно; однако следует избегать слишком натуралистической трактовки или крайнего схематизма, лишая узнаваемости.

Этапы стилизации: § Предварительная эскизная работа – очень важный этап в создании рисунка стилизованной композиции, так как, выполняя натурные зарисовки, художник глубже изучает природу, выявляя пластику форм, ритм, внутреннее строение и текстуру природных объектов

Стилизация в орнаменте § Любые орнаментальные композиции представляют собой упорядоченные и закономерные построения; большую роль в них играют разрабатываемые мотивы, из которых выстраиваются орнаменты.

Стилизация в орнаменте § Рассмотрим орнамент из растительных форм. Определившись, какой будет композиция – статичной или динамичной – начнем работать над изображением мотивов, из которых она выстраивается.

Стилизация в орнаменте § При работе над эскизными зарисовками мотива (например, цветка) необходимо обратить внимание на характерные, наиболее яркие его особенности, отказавшись от второстепенных деталей. При этом характерные особенности цветка могут быть максимально утрированы и доведены до знаковости.

Стилизация в орнаменте § В процессе декоративного изображения мотива возможно свободное обращение не только с размерами элементов, но и с изменением пропорций, если данная деформация оправдана композиционной целью, придает выразительность и остроту.

Стилизация в орнаменте § При декоративной трансформации изображаемого мотива важнейшее значение имеют те участки формы, где есть изгибы и изломы. Именно они будут являться местами для преобразования, особенно при достижении эффекта статики и динамики в орнаментальном построении

Шаблоны цветов и деталей растений

Варианты орнаментов

Орнаментальное решение растений в полосе

Орнаментальное решение растений в полосе

Варианты графических переработок цветов

Работы художников

Прежде чем приступить к изображению декоративного натюрморта, выполняется задание на стилизацию растения Задание: 1.

Выполнить графическую зарисовку с натуры любого природного объекта (растения, насекомые, животные, птицы, рыбы и т. д. ) 2. Выполнить декоративную стилизацию выбранного объекта (представить графические поиски стилизации объекта для выполнения в разных техниках – для росписи, для аппликации, для мозаики, для вышивки и т. д. ) Выполнить эскиз орнаментальной композиции с использованием стилизованного элемента (материалы – бумага формата А 3, гуашь). Обязательное условие – орнаментальная композиция выполняется на цветном фоне. Тип орнамента (замкнутый, незамкнутый, в круге, в квадрате и т. д. ) на выбор автора.

Цвет и колорит орнаментальной композиции §. Он может быть условным, совершенно отвлеченным от натурального варианта или заранее задуманным. § При разработке орнаментального мотива объемнопространственную форму целесообразно превращать в плоскостную; при необходимости же объемного изображения обязательно использовать обобщения, условности.

Декоративный натюрморт черно белый. Шахматная стилизация натюрморта

На наших занятиях живописью особое внимание уделяется натюрмортам, выполненным в декоративной живописной технике .

Декоративная живопись представляет собой разноплановую и обширную тему. В разработанной нашими педагогами, существует серия уроков по изучению декоративной техники работы с красками. Для примеров подготовлены специальные натюрморты, на которых можно наглядно показать различные приемы и особенности декоративного стиля.

Цель задания декоративный натюрморт.

• Научиться изображать объекты используя средства декоративной живописи.
• Освоить навыки трансформации, деления и раскладки цветов по форме.
• Попробовать различные техники декоративной живописи.

Существует распространенное мнение, что декоративные живописные стили не вписываются в академическую программу и противоречат основным живописным правилам. На самом деле, это глубокое заблуждение. Все методики и принципы декоративного стиля вытекают непосредственно из академической программы и являются дальнейшим ее развитием и непрекращающейся эволюцией всего академического искусства.

На первый взгляд, упрощенная моделировка и отсутствие реалистичного изображения может представить неверный образ. Декоративное исполнение работы ставит множество других, более сложных, задач.

Декоративная живопись предполагает глубокое изучение локального цвета, композиции цветовых пятен, поиск выразительных акцентов и эффектных пространственных решений.

От художника требуется максимально четко, используя минимум средств, передать образ, впечатление от реальной модели. Необходимо показать объем предмета, материал, фактуру, не прибегая к классической моделировке. Увеличивается значение анализа формы предмета, необходимо подобрать и смоделировать стилизованный образ, который из реалистичного изображения переносит предмет в цветовую плоскость.

В декоративной живописи большее значение приобретает линия, которая становится полноправным участником картины и наравне с цветом и тоном участвует в формировании общей композиции. Изменение толщины и выразительности линии более ярко подчеркивает объем и пластику предмета.

Также большое разнообразие может принести изменение формы и частота нанесения мазка, что сразу превратит поверхность холста в декоративное панно или мозаику.

На первом этапе знакомства с возможностями декоративной живописи мы рекомендует написать серию натюрмортов, так как в натюрморте есть возможность подобрать сочетания предметов и тканей, чтобы ярко продемонстрировать приемы декоративного стиля.

Виды декоративного натюрморта.

Существует несколько распространенных техник, хорошо зарекомендовавших себя на практике и в процессе обучения. Названия подобраны условно, так как в современной живописи не существует четкой, международной классификации стилей и единых названий.

Живопись из лоскутов. Все цветовые сочетания в этой технологии изображаются в виде отдельных сегментов, подчеркивают структуру предметов и проявляющей их наиболее выразительные свойства. Часто используются чистые цвета и плоскостное отображение пространства.

Живопись с четко выделенным контуром. Для усиления формы и цветовых соотношений используется так называемый «метод витража», когда все предметы и места преломления формы обводятся черными или темными линиями, создавая четкие абрисы и границы между цветами. Работы, выполненные в такой технике, получаются очень зрелищным и яркими.

Другие декоративные приемы основаны на сочетаниях чистых цветов, различных видах изменения мазков, использовании мастихина, широких кистей и других инструментов. Формат статьи не позволяет описать каждую технику и способ нанесения краски. Подробнее вы сможете узнать, посетив наши занятия.

Декоративный натюрморт в художественном училище студенты выполняют по следующей методике:

1. Компоновка предметов в листе.
2. Трансформация (стилизация формы).
3. Наложение или заплетение силуэтов между собой.
4. Заполнение силуэтов текстурой и декоративным решением.

Как известно, натюрморт — это постановка из неодушевлённых предметов. В станковой живописи натюрморты пишут традиционно: лепят объём предметов, передают светотень, линейную и воздушную перспективу, пространство… В декоративном же натюрморте это становится неважным. Форма изображаемых предметов становится плоской и условной. Светотень отсутствует. Вместо неё каждый силуэт прорабатывается декоративно.

На трансформации формы нужно остановиться отдельно. Её суть заключается в преобразовании изначальной формы предмета в условную. Т. е. рисунок упрощается, лишается ненужных деталей. Форма приводится к условно-геометрической, т. е. основывается на простых геометрических фигурах (круг, прямоугольник, треугольник…). Например, кувшин можно составить из круга и цилиндра, а сверху и с низу завершить окружностями или эллипсами. Таким образом, остаётся лишь характер предмета. Он должен быть узнаваем. А контуры уже будут трансформированы и приведены к общему стилю.

Наложение или заплетение силуэтов — это прием в декоративном искусстве и дизайнерском деле. Наложение силуэтов друг на друга понятно по определению — это когда предметы заслоняют друг друга и изображение становится как бы многослойным. А вот заплетение сложнее. Например, когда часть кувшина загораживается яблоком, то пересекающиеся части кувшина и яблока могут быть отображены художником совершенно другим цветом. Предметы становятся как бы «прозрачными» и их пересекающиеся части видны зрителю. Силуэты предметов переплетаются настолько замысловатым образом, что в итоге, их порой бывает трудно различить. И это придает декоративной работе особую привлекательность.

Заполнение контуров предметов текстурой — не представляет особой сложности. Можно делать набрызг краски, можно укладывать краску хаотичными мазками и т. д. Но заполнить силуэт декоративным решением сложнее. Художник придумывает некий «орнамент», хотя это слово здесь не совсем подходит. Этим «орнаментом» он заполняет силуэт. Создается же этот «орнамент» на основе образующей линии. Образующая линия — это линия, которая образует контур предмета. Например, контур греческой амфоры будет грациозно изогнутым. Поэтому и внутреннее декорирование силуэта будет основано на изогнутых подобным образом линиях. Отдельные части такого декорирования предметов, также как и сами предметы могут быть заплетены. Также, между ними можно пропустить буквальный орнамент. Поэтому, такое декорирование — это не просто заполнение силуэтов только текстурой или открашиванием. Это более сложный процесс. Но и более эффектный, на котором основана суть декоративного натюрморта.

Как и любой другой жанр фотографии, натюрморт невозможен без композиции. Более того, натюрморт — именно тот жанр, где композиция играет первостепенную роль и требует самого пристального внимания со стороны фотографа. Ведь репортажному кадру можно многое простить, если автор поймал действительно удачный момент. А домашние снимки — вы замечали, как умиляются мамочки, увидев на фотографии, пусть и бездарной, свое чадо? Вряд ли мы дождемся такого же снисхождения от зрителей, сфотографировав апельсинку с бутылочкой. Чтобы был положительный эффект, придется постараться. И начинать, конечно же, следует с композиции задуманного кадра.

Условно говоря, композиция в натюрморте — это гармоничное сочетание и взаимодействие объектов в кадре. Посредством композиции можно последовательно показать зрителю все, что вы хотели, создать настроение, передать идею и даже рассказать историю.

Композицию в натюрморте условно можно разделить на несколько типов:

• геометрическая
  
• пространственная
  
• цветовая

Геометрическая композиция

Не секрет, что все объекты имеют геометрическую (или приближенную к геометрической) форму. Также не секрет, что человеку свойственно ассоциировать каждую фигуру с чем-то, характерным именно для нее. Так, например, углы подсознательно ассоциируются с указателями. Когда долго смотришь на квадрат или прямоугольник, возникает ощущение стабильности (может быть, потому что наше подсознание дорисовывает устойчивое здание). А круг создает чувство уюта и успокаивает. Стоит помнить и о том, что горизонтальные линии (лежащий человек) гораздо спокойнее вертикальных (человек стоящий). Что же касается диагоналей, то восходящие линии — ведущие из левого нижнего угла в правый верхний — выглядят напряженнее нисходящих: читаем мы все-таки слева направо, и нашему взгляду приходится «вскарабкиваться» по картинке, чтобы добраться до самого верха. Но в этом скрыто и определенное чувство победы, не так ли?! Нисходящие же линии, идущие из левого верхнего угла к правому нижнему, наоборот, традиционно ассоциируются с расслабленностью, грустью или даже упадком.

Все эти маленькие хитрости можно и нужно использовать в своих целях — в целях передачи концепта, идеи снимка.

Выделение пространством

Если есть необходимость выделить некий предмет в натюрморте, отведя ему роль главного героя, здесь можно сыграть и на пространственной композиции. Например, поставить главный объект на передний план, впереди всех остальных. Или настроить свет так, чтобы ведущий элемент был освещен ярче всех, а те объекты, которые оказались за и перед ним, были освещены слабее. А можно сделать хитрее — зажечь палочку благовоний или выпустить сигаретный дым, нарисовав таким образом в кадре воздушную перспективу: основное внимание будет акцентировано на передних объектах, поскольку дальние утонут в романтической дымке.

Также сыграть можно и на технических аспектах работы фотокамеры: если хочется детально показать каждый предмет, включая задник или драпировки, то съемка должна проводиться при закрытой диафрагме. Но если важно выделить какой-то один предмет, то диафрагму нужно раскрыть максимально. Не стоит игнорировать и возможности оптики: на кадрах, сделанных с помощью широкоугольных объективов, предметы сильно искажены, и чем ближе к камере объект, тем более крупным он будет казаться по отношению к отдаленным. И наоборот, большие фокусные расстояния «собирают» перспективу, пространство делается гораздо более плоским.

Цветовая композиция

Если фотосъемка ведется в ч/б, нам не пригодятся знания о свойствах цветового воздействия. Но в случае, если фоторабота запланирована в цвете — не стоит игнорировать эту сферу исследований. Обратив свой взгляд к психологии цвета, мы увидим, что каждый из цветов имеет, помимо своей оригинальной окраски, собственную смысловую нагрузку. Теплые цвета (оранжевый, желтый, красный, терракотовый) напоминают нам о лете, солнце, тепле. Это первая ассоциация, возникающая при взгляде на фотографию, решенную в этих тонах. Кроме этого, из курса живописи можно узнать, что такие предметы кажутся визуально ближе. Чего не скажешь о холодных цветах: синем, зеленом, розовом, фиолетовом — эти цвета немного отдаляют объект от зрителя, а ассоциируются как правило с зимой, холодом, водой.

Важно помнить и о контрасте, иногда на нем можно сыграть, но часто непродуманные цветовые сочетания отталкивают или искажают смысл всей постановки. Если вы решите фотографировать огурец на оранжевом фоне, подумайте, не будет ли фон перетягивать внимание на себя? И действительно ли этого вы хотели добиться? Также нужно помнить о том, что любой предмет обладает способностью отражения или поглощения цветовых оттенков предметов, находящихся рядом, и даже два одинаковых по цвету предмета на одном фоне могут выглядеть по-разному именно из-за различия их фактур.

Влияние на зрителя оказывает и насыщенность цвета: композиции в мягких пастельных тонах будут создавать ощущение покоя и ностальгии, а яркие, кричащие краски, наоборот, годятся для привлечения внимания, передачи экспрессии, напористости. Именно поэтому яркие цвета так любимы рекламными фотографами, в то время как арт-фотография нередко тяготеет к приглушенному, спокойному тону.

Конечно же, любая композиция целиком должна подчиняться общему колориту, закону внутри картины — иначе она будет разваливаться. Именно поэтому следует быть осторожным с цветовыми контрастами, они могут оказать серьезное влияние — как сделать работу интереснее, так и разрушить ее, расставив ненужные акценты.

Черное и белое

Несмотря на отсутствие цвета, в черно-белом натюрморте царствуют свои законы, и контраст тут также играет немаловажную роль. Сам же цвет в этом случае сменяется тоном — другая игра, но в ней тоже есть правила!

Наверняка вы замечали, что полные женщины очень редко ходят в белом. Дело в том, что белый цвет кажется объемнее черного. На черно-белом снимке глаз в первую очередь схватывает самые светлые пятна и только потом перебирается к темным. На этом эффекте построено множество визуальных картинок-обманок: если посмотреть на лист в ровную черно-белую полоску, непременно будет казаться, что белые полосы шире. Нужно всегда принимать во внимание это правило при постановке композиции, а также учитывать, что ярко-белый предмет, будет он на переднем или заднем плане, обязательно покажется в этой композиции главным, и взгляд будет падать в первую очередь на него.

Контрасты

Как уже говорилось, контрасты играют особую роль. Существуя в рамках одной композиции в изображении, они могут как выделять предметы, так и, наоборот, скрывать их. Произведение, построенное на еле заметных колебаниях света и тени без акцентирующих внимание зрителя пятен, кажется однообразным, монотонным, невыразительным. Резкие же контрасты создают напряжение, динамику.

Правило третей

Конечно же, в разговоре о композиции нельзя не упомянуть и правило третей. Проведя в уме через кадр четыре линии — две, делящие его на три равные части по горизонтали, и две, проведенные по вертикали, — можно вычислить наиболее эффективные зоны кадра: они находятся в точках пересечения четырех линий друг с другом. В этих зонах лучше всего размещать главный объект композиции.

В действительности правило третей — это упрощенное правило золотого сечения, получить которое будет несколько сложнее. Для этого кадр нужно разбить на восемь частей по горизонтали и вертикали. А затем провести справа и слева, а также снизу и сверху, линии на расстоянии 3/8. На пересечении этих линий и будут находиться точки золотого сечения. Но разбиение на три части гораздо удобнее, чем на восемь частей, поэтому оно используется в композиции чаще: разница зрителю не столь заметна, а гармония в кадре при соблюдении любого из этих правил — очевидна.

Ритм

Ритм, то есть повторение одинаковых или похожих линий — очень мощный композиционный инструмент, позволяющий манипулировать взглядом зрителя. По «дорожке» из чередующихся объектов можно увести очень далеко. Но не стоит переигрывать — ритм может и убить всю композицию, лишив ее динамики и сделав монотонной.

Внутренние связи

При создании постановки для фотосъемки необходимо следить, чтобы между предметами в кадре обязательно была связь. Предметы могут быть связаны по форме (яйцо и луковица), по цвету (помидор и красный перец), по смыслу (яблоко и палочки корицы). Предметы должны обязательно сообщаться, увлекать зрителя, переводящего взгляд с одного предмета в натюрморте на другой. Такой подход придает целостность композиции, делает ее интересной, понятной и одновременно загадочной — вовсе не обязательно раскрывать все внутренние связи сразу, самое интересное можно спрятать внутри композиции или ненадолго скрыть от зрителя, например, светом.

О композиции можно говорить бесконечно долго, но главное, на чем строится натюрморт (как, впрочем, и фотография в любом другом жанре) — это идея, сюжет и душа снимка. А композиция — такой же инструмент в руках фотографа, как и сам фотоаппарат. Помните о том, что вы хотите донести до зрителя! И используйте все имеющиеся композиционные приемы в своих целях.

Шахматная стилизация натюрморта. Мастер-класс с фото

Елена Алексеевна Надеенская, учитель изобразительного искусства МОУ «Арсеньевская СОШ», п.Арсеньево, Тульская область.
Описание : материал будет интересен учителям изобразительного искусства, воспитателям, педагогам дополнительного образования, творческим детям 10-12 лет.
Назначение : использование на уроках изобразительного искусства, работа может служить украшением интерьера, отличным подарком или выставочным экспонатом.
Цель: выполнение натюрморта с использованием членения изображения на части (клетки)
Задачи:
-знакомить с разнообразием техник декоративного изображения натюрморта;
— развить чувство композиции, воображения, развить творческие способности;
— совершенствовать навыки работы гуашью; упражнение в умении работать с кистью различного размера в соответствии с поставленной задачей,
— воспитывать интерес к основам изобразительной грамоты.
-воспитать аккуратность, любвь к изобразительному творчеству.
Материалы:
-гуашь черная (можно использовать тушь)
-кисти №2, №5
-карандаш
-линейка
-ластик
-лист А3

Натюрморт — это жанр изобразительного искусства, посвященный изображению предметов быта, фруктов, овощей, цветов и т.д.
Как самостоятельный жанр, натюрморт получил свое развитие в 17 в. в творчестве голландских художников. И в настоящее время жанр довольно широко используется современными художниками и дизайнерами. Наряду с реалистичным изображением очень часто можно встретиться с понятием «декоративный натюрморт».
Для декоративного натюрморта характерно условное, упрощенное изображение форм, стилизация.
Очень большое внимание уделяется цветовому решению, колориту –цветовому сочетанию, используемому в композиции. Частым является использование контрастных цветов. Самым гармоничным контрастным сочетанием является соотношение черного и белого цвета. Это сочетание активно используется в графике, одежде, интерьере и т.д.
Нашу сегодняшнюю композицию натюрморта мы попробуем выполнить используя сочетание черного и белого цвета, но к цвету, мы добавим еще и понятие членения плоскости на части – клетки. Вспомним расположение цветовых клеток-полей на шахматной доске, обратим внимание, что одноименные по цвету поля никогда не объединяются общей стороной, они касаются друг друга только в одной точке. Эту особенность мы и попробуем использовать в работе над композицией натюрморта.

Ход работы
1. Продумав композицию, выбираем расположение листа. Намечаем местоположение предметов. Если в данной технике вы работаете впервые — старайтесь не усложнять композицию наложением формы одного предмета на другую.

2. Намечаем конструкцию предметов ломаными линиями. Так как натюрморт будет декоративным — не нужно стремиться к передаче объема, достаточно будет плоскостного построения.

3. Уточняем контуры формы предметов. Более плавными линиями обводим контуры вазы, чашки, прорисовываем стебли цветов, фрукты. Удаляем линии построения.

4. Намечаем падающие тени. Разделяем плоскость листа на одинаковые по величине клетки с помощью линейки. Оптимальной величиной клетки для альбомного листа (А4) – 3 см, если лист большего размера (А3), то можно увеличить длину стороны клетки до 5 см. Если опыта в подобном изображении натюрморта нет — старайтесь не усложнять задачу уменьшая величину клеток.

5. Начинаем закрашивание клеток гуашью черного цвета. Краску стараемся брать густую, чтобы слой краски был достаточно плотным и однородным. Если в пределы клетки попадает форма предметов, то ее оставляем не окрашенной. Начинать вести работу лучше с крайних клеток, постепенно продвигаясь в середину композиции.

6. Переходим к закрашиванию клеток в середине композиции, не заходя за контуры предметов.

7. После завершения окрашивания фона, начинаем проработку цветом частей предметов, которые попали на белые клетки.

8. Продолжая работать над окрашиванием отдельных элементов подходим к завершению работы. Уточняем линии формы предметов, исправляем неточности и неаккуратные контуры клеток.

Работа готова.

Спасибо за внимание! Желаю всем творческих успехов!

Декоративная композиция.

МБУДО «Тульская детская художественная школа им. В. Д. Поленова»

Методическая разработка преподавателя Соломатина Владимира Николаевича.

Учебный предмет «Композиция станковая» Дополнительная предпрофессиональная общеобразовательная программа «Живопись» Рабочая программа. Второй год обучения, II полугодие. Раздел 3 «Декоративная композиция». Аудиторные занятия — 34 часа Самостоятельная работа — 51 час

3.1    Плоскостная стилизация в декоративном искусстве, общие принципы её выполнения.

Аудиторные занятия — 4 час.

Самостоятельная работа — 6  час.

Цель:  изучение общих принципов создания декоративной композиции.    

Задача:  приобретение навыков перехода на условную плоскость.

Аудиторное задание:  создание плоскостных изображений предметов быта, плоскостное цветовое решение «большой тени» и «большого света», понятие «силуэт предмета».  Материал: акварель, гуашь по выбору.

Самостоятельная работа: создание плоскостных изображений предметов Материал: акварель, гуашь по выбору. Вырезание изображений предметов по контуру. (Рисунок 1)

3.2    Составление аппликативных композиций.

Аудиторные занятия — 10 час.

Самостоятельная работа — 15  час.

Цель:  закрепление понятий «целостность композиции», «виды и формы ритма», «выделение главного», «равновесие в композиции».

Задача:  овладение способами составления простых композиционных сюжетов из нескольких предметов.

Аудиторное задание:  составление из отдельных элементов простых композиций на белом фоне и фотофиксация их.

Самостоятельная работа: составление из отдельных элементов простых композиций на белом фоне и фотофиксация их. (Рисунок 2)

3.3    Стилизация изображения животных.

Аудиторные занятия — 4 час.

Самостоятельная работа — 6  час.

Цель:  изучение зооморфных мотивов в орнаментальном творчестве.

Задача:  приобретение практического опыта в копировании зооморфных орнаментов.

Аудиторное задание:  копирование зооморфных орнаментов.

Материал: акварель, гуашь по выбору.

Самостоятельная работа:  копирование зооморфных орнаментов.

Материал: акварель, гуашь по выбору. (Рисунок 3) 

3.4    Декоративная композиция натюрморта с использованием зооморфного орнамента. Контрольная работа.

Аудиторные занятия — 16 час.

Самостоятельная работа — 24  час.

Цель:  изучение декоративных графических и цветовых выразительных средств.

Задача:  научить использовать графические и цветовые изобразительные средства для силуэтного обобщения формы и целостного композиционного решения.

Аудиторное задание:  создание эскизов плоскостного декоративного натюрморта и исполнение в размер А2.  Материал: акварель, гуашь по выбору. (Рисунок 4)

Самостоятельная работа:  эскизы плоскостных декоративных натюрмортов с ограниченным использованием цветов (3 — 5 цветов).

В декоративном натюрморте главной задачей является выявление декоративных качеств натуры. Основной принцип решения декоративного натюрморта является превращение пространственной глубины изображения     в условное плоскостное пространство. Декоративный натюрморт дает возможность развития у будущих художников чувство цветовой гармонии, ритма, в целом активизирует творческие способности учащегося. В декоративном натюрморте на первый план выступают следующие задачи: цветовая композиция, в которой цвета решают условную задачу заранее продуманного колорита, построенного на нюансе и контрасте. В декоративном натюрморте важная роль отводится линии, контуру, их движению и взаимодействию с пятном. Допустимым является также использование орнаментов, узоров как  аппликативной составляющей декоративного натюрморта. Декоративный натюрморт не есть точное изображение натуры, а размышление по поводу данной натуры: это отбор и запечатление самого характерного, отказ от всего случайного, подчинение строя натюрморта конкретной задаче художника.   В тоже время, возможно использование нескольких планов, которые необходимо располагать в пределах небольшой глубины. Учебная задача, стоящая перед учащимся в процессе работы над декоративным натюрмортом, состоит в том, чтобы выявить характерное, наиболее выразительное качество и усилить его в декоративной переработке, в декоративном решении натюрморта, постараться увидеть характерное и на этом построить переработку.  

Контрольно-измерительный материал по теме «Декоративный натюрморт».

 Основные задачи:

 1. грамотно выбрать формат бумаги в зависимости от содержания выбранной темы.

 2. грамотно выбрать масштаб изображения.

3. грамотно разместить изображение на картинной плоскости.

4. грамотно выбрать схему построения композиции натюрморта.

5. выделять главное (композиционный центр) пятном, размером, цветом, используя прием контрастов.

6. подчинить главное второстепенному. Выстроить планы композиции.

7. применять навыки рисунка и живописи в композиции.

8. самостоятельно выбирать основной вариант эскиза.

9. грамотно и последовательно вести работу над композицией.

10. применять на практике основные законы и правила композиции.

11. самостоятельно анализировать свою работу.

12. владеть различными материалами и применять их в соответствии с замыслом.

 Критерии оценки качества знаний, умений и навыков обучающихся:

Отметка «5» (100 — 81 бал. ) — при условии выполнения учащимися всех требований к учебной работе.

Отметка «4» (80 — 61 бал.)  — при невыполнении двух-трех пунктов критерия оценки.

Отметка «3» (60 — 41 бал.)  — при невыполнении четырех-пяти пунктов критерия оценки.

 Отметка «2» (40 — 0 бал.)  — при невыполнении шести и более пунктов вышеперечисленных требований к учебной работе.

 

 

 

 

 

 

                                                                                                             

 

Летний интенсив по рисунку и живописи (второй уровень)

Занятия проходят три раза в неделю по будням.
Вы можете приступить к занятиям в любое время.
День • Вечер • Группа выходного дня.
Записаться на первое занятие по тел 8-495-201-13-00

Вы рисуете самостоятельно, но вам хотелось бы делать это профессионально?
Вы уже умеете построить перспективу или натюрморт, но вам хочется большего?
Вы много рисовали в детстве, а сейчас на это нет времени, и вам этого не хватает?
Вы хотите поступать в художественное училище или институт и вам необходима практика?
Тогда наши курсы для вас – курсы продвинутого рисования и живописи! Университет Дизайна и Технологии предлагает вам посетить двухмесячный летний интенсив по рисунку и живописи. С планами занятий вы можете ознакомится ниже.

Живопись.

Акварель.

1. Этюд натюрморта на сближенных тоновых отношениях. Колорит в живописи.
2. Этюд натюрморта — контрастные цветовые сочетания. Цветовые и тоновые отношения.
3. Натюрморт с цветами . Акварель. Методы работы с акварелью.
4. Натюрморт с гипсовой головой человека. Акварель.
5. Рисуем и пишем цветы разными материалами. Акварель, пастель, гуашь, акрил.

Темпера или гуашь.

6. Натюрморт с орнаментированными драпировками.
7. Декоративный натюрморт. Стилизация методы и принципы.
8. Декоративный натюрморт с цветами.
9. Стилизованный декоративный натюрморт с элементами интерьера.
10. Этюд пейзажа и принципы построения пейзажного изображения.
11. Декоративный пейзаж в контрастных цветовых сочетаниях.

56 часов.

Рисунок.

1. Рисунок натюрморта. ( соус, сангина , пастель)
2. Рисунок пейзажа. ( соус, сангина, пастель)
3. Растительные мотивы в рисунке и графике. Методы изображения растительных мотивов. Букет с цветами и ветвями . Карандаш, уголь, пастель, тушь.
4. Особенности анатомического строения форм черепа и мышц головы. Рисунок черепа в трех ракурсах.
5. Конструктивно-пластическая схема построения форм головы. Рисунок обрубовки в двух ракурсах.
6. Анатомические особенности частей лица. Рисунок гипсовой головы.
7. Портрет с натуры. Этюд головы натурщика. Карандаш.
8. Портрет с натуры. Пастель.
9. Графическое изображение натюрморта с орнаментированными драпировками.
10. Стилизация в натюрморте . Черно-белое графическое решение. Последовательность работы над графическим изображением.
11. Пейзаж в черно белой графике. Стилизация. Орнаментальность в графическом изображении.
12. Различные образы графического изображения фигуры человека. Фигура человека в графике. Последовательность работы над изображением.

52 часа.
Всего 108 часов

Натюрморт гуашью крупными мазками | Изотика

Не всегда в рисунке или картине нужно стремиться к детальности и четкости. За обилием мелочей может потеряться настроение работы и отклик, который она могла бы порождать у зрителя. Стоит научиться отказываться от чего-то в пользу главного. Попробуем получить этот навык, нарисовав гуашью небрежными мазками натюрморт с букетом цветов.Натура для нашей работы выглядит вот так:

Оригинал фотографии находится на сайте:  http://www.photosight.ru/photos/4057004/

Нам понадобится: картон или лист чертежной бумаги формата А4, набор гуаши, баночка с водой, палитра, тряпочка для протирания кистей, различные кисти. Для подобной работы лучше использовать жесткие кисти, например, щетину. Я использую щетину плоские №10 и №4, а также пару более мягких кистей для отдельных деталей, у меня это синтетика плоская №4 и круглая №3.

Поскольку работа “грубая”, будем рисовать без предварительного наброска. Начинаем с нанесения фона крупной жесткой кистью (щетина №10). Покрываем примерно 2/3 верхней части листа, используя краплак красный (цвет близкий к бордовому), коричневый и белила, добиваясь по возможности плавных переходов между различными цветами. Мазки наносим горизонтально, слева направо и обратно. Углы затемнены сильнее, туда добавляем больше коричневого цвета, ближе к правой стороне листа есть освещенный участок, туда добавляем больше белил. Фон не должен быть однородного цвета. На фотографии он кажется почти черным, но черный цвет я не рекомендую сильно использовать в рисунках. Получается примерно так:

Теперь наносим основной цвет стола коричневым и белилами, можно в отдельных местах смешать коричневый с небольшим количеством красного. Если работать полусухой кистью, то за счет жестких щетинок она будет оставлять неровный след, имитируя поверхность стола. Только наносите мазки горизонтально в одном направлении.

Основной цвет ткани близок к розовому. Используем смесь белил и красного, а на некоторых участках можно добавить более холодный розовый, смешав белила и краплак. Позже мы проработаем ткань более детально, но уже на этом этапе хорошо обозначить более темные и светлые участки. Здесь уже мазки лучше наносить в направлении основных складок ткани и использовать полусухую кисть с большим количеством краски, добавляя воды совсем чуть-чуть.

Теперь можно расположить на рисунке основные предмета нашего натюрморта. Белилами и тонкой мягкой кистью обозначаем очертания графина и подноса со стаканом и айвой. Если совсем трудно, то можно предварительно нанести очертания предметов простым карандашом.

Внутри стеклянного графина с водой просматриваются листья и стебли цветов. Обозначим их крупными мазками, используя зеленую краску, охру и фиолетовую.

Теперь можно приступить к цветам. Короткими и широкими мазками в разных направлениях, с помощью кисти щетина №4 рисуем желтые цветы. Набираем побольше краски на кисть, почти как на лопаточку, чтобы мазки были рельефными. Сиреневые цветы рисуем тонкими и длинными мазками, используя фиолетовую краску, смешанную с белилами. Не забудем добавить зелени между бутонами цветов, можно немного осветлить зеленую краску, добавив в нее желтой.

Уточняем форму и размер подноса, стакана и фруктов и наносим их основные цвета. Я их немного увеличила. Не нужно волноваться если где-то ошиблись, гуашь такая краска, которая легко перекрывает предыдущие слои, поэтому всегда можно подправить что-то, если вам не понравилось. Для металлического подноса используем серый цвет (белила+черный) с небольшим количеством синего. Обозначаем участки света и тени, разбавляя краску необходимым количеством белил. Для айвы используем желтый цвет, на светлых участках разведенный белилами, в затемненных местах добавим в краску немного зеленого. Опять же всё делаем крупными мазками, используя много краски и жесткую кисть среднего размера.

Основные предметы и цвета нашего натюрморта нанесены. Теперь будем проходить еще раз всю работу по кругу, уточняя и детализируя. Всегда старайтесь работать над рисунком в целом, постепенно доводя его до нужной точности. Итак, начинаем уточнять складки ткани. Для этого ищем участки теней (можно посмотреть на натуру немного прищурившись) и прорабатываем их фиолетовой краской, варьируя оттенки добавлением белил и краплака. Следите за направлением мазков, старайтесь наносить их по направлению складок.

И уточняем светлые участки ткани розовым и белилами, сухой кистью. Можно пройтись немного по темным участкам сухой кистью почти без краски, чтобы оставались только едва заметные следы.

Переходим к графину. Здесь я использую более мягкую кисть (синтетика плоская №4). Обозначаем уровень воды в графине белой линией, где-то потолще, где-то потоньше. Обратите внимание, что линия не прямая, она изгибается по эллипсу, повторяя форму и объем графина. Вода в графине немного мутная, поэтому нанесем туда немного белил. Кисть при этом должна быть почти сухой и краски на ней немного, чтобы сквозь мазки проглядывал цвет фона и листьев. Нанесем на графин и его ручку блики с помощью белил.

Уточняем цветы. Для желтых используя охру и белила с желтой краской. Смешивайте краски в разных пропорциях, пусть у вас получаются разные оттенки. Для сиреневых цветов используем белила, фиолетовую и можно еще краплак. Добавим еще желтые серединки, там где они видны. Уточняем зелень, добавляя оттенков потемнее и посветлее.

Теперь проделываем то же самое со стаканом, подносом и айвой.  Уточняем цвета, добавляем оттенков, бликов на стакан. Воду в стакане рисуем белилами с небольшим количеством синего. К цветам айвы добавляем охры, зеленого, блики делаем более яркими с помощью белил, рисуем “попки” зеленым и коричневым. На подносе обозначаем поярче тени.

Остались последние штрихи. Тонкой мягкой кистью рисуем тень от подноса на столе смесью черной и коричневой краски. Делаем потемнее участок за графином. На подносе можно нанести желтым цветом небольшие отражения от айвы. Уточняем углы на складках ткани. Вот так выглядит мой готовый рисунок.

А ваш?

Метки: гуашь, живопись, как рисовать гуашью, натюрморт, уроки рисования

Художественная терминология — глоссарий — ModernArts

РЕЗЮМЕ

Нереалистично, хотя намерение часто основывается на реальном предмете, месте или чувстве. Чистую абстракцию можно интерпретировать как любое искусство, в котором полностью отказались от изображения реальных объектов и эстетическое содержание которого выражается в формальном узоре или структуре форм, линий и цветов. Когда изображение реальных объектов полностью отсутствует, такое искусство можно назвать беспредметным.

АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ

Нью-йоркское движение живописи 1940-х годов, основанное на абстрактном искусстве. Этот тип живописи часто называют живописью действия.

ACCENT

Особое внимание уделяется определенным элементам картины, что делает их привлекательными. Детали, определяющие объект или произведение искусства.

АКРИЛОВЫЙ

Быстросохнущая краска, легко удаляемая уайт-спиритом; пластичное вещество, обычно используемое в качестве связующего для красок.

ЖИВОПИСЬ

Любой стиль рисования, требующий больших физических нагрузок; в частности, абстрактный экспрессионизм. Примеры включают движение искусства Нью-Йоркской школы и работы Джексона Поллока.

АЭРИАЛЬНАЯ ПЕРСПЕКТИВА

Захват атмосферы Земли с помощью техники рисования, при которой далекие объекты кажутся менее яркими, текстурными и различимыми.

ЭСТЕТИКА

Относится к прекрасному в отличие от полезного, научного или эмоционального.Эстетический отклик — это признание такой красоты.

ALKYD

Синтетическая смола, используемая в красках и средах. Как среда действует как связующее, которое инкапсулирует пигмент и ускоряет время высыхания.

ALLA PRIMA

Техника, при которой окончательная обработка поверхности картины выполняется за один присест, без подкраски. Итальянский для «у первых».

АНАЛОГОВЫЕ ЦВЕТА

Цвета, которые тесно связаны или находятся рядом друг с другом в цветовом спектре.Особенно те, в которых мы видим общие оттенки.

AQUATINT

Отпечаток, полученный по той же технологии, что и травление, за исключением того, что области между протравленными линиями покрыты порошковой смолой, которая защищает поверхность от процесса прикусывания в кислотной ванне. Гранулированный внешний вид, который дает отпечаток, приближает эффекты и оттенки серого к акварельному рисунку.

АРХИВ

Относится к материалам, которые соответствуют определенным критериям стойкости, таким как отсутствие лигнина, нейтральный pH, щелочной буфер, устойчивость к свету и т. Д.

АРМАТУРА

Жесткий каркас, часто из дерева или стали, используемый для поддержки скульптуры или другой большой работы во время ее изготовления.

ART DECO

Художественный стиль 1920-1930-х годов, основанный на современных материалах (сталь, хром, стекло). Стиль, характеризующийся повторяющимися геометрическими узорами из кривых и линий.

ART NOUVEAU

Художественный стиль конца 1800-х годов с изогнутыми, часто закрученными формами, основанными на органических формах.

ДОКАЗАТЕЛЬСТВО ХУДОЖНИКА

Доказательство художника не входит в стандартное издание. По обычаю, художник сохраняет A / P для личного использования или продажи.

СБОРКА

Техника создания скульптуры путем соединения отдельных частей или сегментов, иногда «найденных» объектов, которые изначально служили другой цели.

ATELIER

Французский термин для «мастерской художника».»

ATMOSPHERIC PERSPECTIVE

Устройство для демонстрации трехмерной глубины на двумерной поверхности. Формы, которые должны восприниматься как удаленные от зрителя, размыты, нечеткие, туманные и часто более голубые.

AVANT-GARDE

Группа, активно занимающаяся изобретением и применением новых идей и методов оригинальным или экспериментальным способом. Группу практиков и / или сторонников нового вида искусства также можно назвать авангардом.Некоторые авангардные работы призваны шокировать тех, кто привык к традиционным, устоявшимся стилям.

БАРОККО

Театральный стиль, обычно связанный с европейским искусством и архитектурой ок. 1550-1750 гг., Характеризовался большим количеством орнаментов и скорее изогнутыми, чем прямыми линиями; ярко богато украшенный.

БАРЕЛЬЕФ

Скульптура, в которой фигуры лишь слегка выступают из фона, как на монете. Также известна как барельефная скульптура.

BAUHAUS

Школа дизайна, основанная Вальтером Гропиусом в 1919 году в Германии. Баухаус попытался достичь примирения между эстетикой дизайна и коммерческими требованиями массового промышленного производства. Художники: Клее, Кандинский и Фейнингер.

BEAUX-ARTS

Школа изящных искусств, расположенная в Париже, которая подчеркнула необходимость академической живописи.

BINDER

Вещество в красках, которое заставляет частицы пигмента прилипать друг к другу и к подложке

, такой как масло или акрил.

БРОНЗА

Сплав меди и олова, иногда содержащий в небольших количествах другие элементы, такие как цинк или фосфор. Он прочнее, тверже и долговечнее, чем латунь, и с древних времен наиболее широко использовался для литой скульптуры. Бронзовые сплавы различаются по цвету от серебристого до насыщенного медно-красного цвета. Стандартная бронза США состоит из 90% меди, 7% олова и 3% цинка.

BRUSHWORK

Характерный способ, которым каждый художник наносит краску на основу.

ПОЛИРОВКА

Процесс протирания зелени (глины) любым гладким инструментом для полировки и уплотнения поверхности.

КАЛЛИГРАФИЯ

При печати и рисовании свободное и ритмичное использование линий для подчеркивания дизайна. Лучше всего это видно на японских гравюрах на дереве и китайских свитках. Также тонкий стилизованный почерк с использованием перьев, кистей или ручек с тушью.

CANVAS

Ткань плотного плетения, используемая в качестве основы для картин.

CARTOON

1. Простой рисунок с юмористическим или сатирическим содержанием.

2. Предварительный чертеж любой большой работы, такой как фреска или гобелен.

ЛИТЬЕ

Процесс изготовления скульптуры или другого объекта путем заливки жидкого материала, такого как глина, металл или пластик, в форму и ее затвердевания, принимая форму ограничивающей формы.

КЕРАМИКА

Искусство изготовления предметов из глины и обжига их в печи.Изделия из фаянса и фарфора, а также скульптура изготавливаются керамистами. Эмаль — это тоже керамическая техника. Керамические материалы могут быть декорированы шликером, ангобом, глазурью, нанесены любым количеством техник. Скульптура обычно выполняется катушкой, плиткой или другой ручной техникой.

CHIAROSCURO

В рисунке, живописи и графике светотень (ke-ära-skooro) относится к передаче форм посредством сбалансированного контраста между светлыми и темными областями.Техника, которая была внедрена в эпоху Возрождения, эффективна для создания иллюзии глубины и пространства вокруг основных фигур в композиции. Леонардо да Винчи и Рембрандт были художниками, которые преуспели в использовании этой техники.

КЛАССИЧЕСКИЙ СТИЛЬ

В греческом искусстве стиль V века до нашей эры. В широком смысле термин «классический» часто применяется ко всему искусству Древней Греции и Рима, а также к любому искусству, основанному на логических, рациональных принципах и продуманной композиции.

ОБРАБОТКА

Метод формования керамических изделий или скульптур из рулонов глины, которые сглаживаются вместе, чтобы сформировать стороны кувшина или горшка.

КОЛЛАЖ

Произведение искусства, созданное путем наклеивания различных материалов, таких как кусочки бумаги, ткани и т. Д., На лист бумаги, картон или холст.

ЦВЕТНАЯ ПОЛЯ ЖИВОПИСЬ

Стиль живописи, известный с 1950-х по 1970-е годы, с большими «полями» или областями цвета, призванный вызвать эстетический или эмоциональный отклик только с помощью цвета.

ЦВЕТНОЕ КОЛЕСО

Круглая сетка, представляющая цвета на основе теории цвета. Эта сетка ясно показывает отношения цветов друг с другом (комплементарные, противоположные и т. Д.).

ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ ЦВЕТА

Оттенки прямо противоположны друг другу на цветовом круге и поэтому предполагается, что они максимально отличаются друг от друга. При размещении рядом дополнительные цвета усиливаются; при смешивании они дают нейтральный (или серый) цвет.

СОСТАВ

Организация, дизайн или размещение отдельных элементов в произведении искусства. Цель — добиться баланса и соразмерности. Обычно применяется к двухмерному искусству.

КОНЦЕПТУАЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Форма искусства, в которой основная идея или концепция и процесс, с помощью которого она достигается, более важны, чем любой материальный продукт.

СТРОИТЕЛЬСТВО

Произведение искусства, которое фактически монтируется или строится в помещении, где оно будет показано.Многие постройки рассчитаны на временный характер и демонтируются по окончании выставки.

CONTE

Изначально это было торговое название марки французских мелков, сделанных из уникального соединения пигментов с меловой связкой. Мелки Conte не содержат смазки, что делает их пригодными для литографических рисунков.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО

Обычно определяется как искусство, создаваемое со второй половины двадцатого века.

СОДЕРЖАНИЕ

Сообщение, передаваемое произведением искусства — его предмет и все, что художник надеется передать этим предметом.

КОНТУР

Линия, которая создает границу, отделяющую область пространства или объекта от пространства вокруг него.

CONTRAPPOSTO

Буквально «противовес». Метод изображения человеческой фигуры, особенно в скульптуре, часто достигается путем переноса веса на одну ногу и поворота плеча, чтобы фигура выглядела расслабленной и подвижной.В результате часто получается изящная S-образная кривая.

ПРЕОБРАЗОВАНИЕ

Линии, ведущие к одной и той же точке.

COOL COLORS

Те, которые предполагают ощущение прохлады. Синий, Зеленый, Фиолетовый

МАСТЕРСТВО

Способность, навыки и ловкость рук при использовании инструментов и материалов.

ПЕРЕСЕЧЕНИЕ

Область близко расположенных линий, пересекающих друг друга, используется для создания ощущения трехмерности на плоской поверхности, особенно при рисовании и печати.См. Также штриховка, пунктирная линия.

КУБИЗМ

Стиль искусства, заложенный в начале 20 века Пабло Пикассо и Жоржем Браком. В наиболее развитой форме кубизма формы дробятся на плоскости или геометрические грани, как грани алмаза; эти планы перестроены, чтобы способствовать живописной, но не натуралистической реальности; формы можно рассматривать одновременно с нескольких точек зрения; фигура и фон имеют одинаковое значение; и цвета намеренно ограничены диапазоном нейтральных оттенков.

КРИВОЛИНЕЙНЫЕ

Подчеркивается использование изогнутых линий в отличие от прямолинейных, которые подчеркивают прямые линии.

DADA

Движение, возникшее во время Первой мировой войны в Европе, которое претендовало на то, чтобы выступать против всего, даже против искусства. Дада подшучивал над всеми устоявшимися традициями и вкусами в искусстве своими произведениями, которые преднамеренно шокировали, вульгарно и бессмысленно.

DECOUPAGE

Акт вырезания бумажных рисунков и их нанесения на поверхность для создания сплошного коллажа.

ДИЗАЙН

Запланированная организация линий, форм, масс, цветов, текстур и пространства в произведении искусства. В двухмерном искусстве это часто называют композицией.

ИСКАЖЕНИЕ

Любое изменение, сделанное художником в размере, положении или общем характере форм на основе визуального восприятия, когда эти формы организованы в графическое изображение. Любая личная или субъективная интерпретация естественных форм обязательно должна включать определенную степень искажения.

ДОМИНИРОВАНИЕ

Принцип визуальной организации, который предполагает, что определенные элементы должны иметь большее значение, чем другие в той же композиции. Он способствует органическому единству, подчеркивая тот факт, что есть одна главная черта, а другие элементы ей подчинены.

DRYPOINT

Техника глубокой печати, похожая на гравировку, при которой острая игла используется для рисования на металлической пластине, поднимая тонкий выступ металла, который создает мягкую линию при печати на пластине.Также результирующий print.

DYNAMIC

Дает эффект движения, жизненной силы или энергии.

ЗЕМЛЯ

Керамическая посуда, обычно грубая и красноватого цвета, обожженная при самых низких температурах. Применяется для глазурованной и неглазурованной посуды для дома.

ИЗДАНИЕ

В бронзовой скульптуре и гравюре — количество частей / изображений, изготовленных из одной формы / пластины и утвержденное художником.

ENCAUSTIC

Буквально для прижигания. Техника окраски, при которой пигмент смешивается с расплавленным воском и смолой, а затем наносится на горячую поверхность.

ГРАВИРОВКА

Метод печати, при котором острый инструмент (резец) используется для царапания линий на твердой поверхности, такой как металл или дерево.

ЭКОЛОГИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО

1. Искусство, достаточно большое, чтобы зрители могли войти и передвигаться.

2. Искусство, предназначенное для демонстрации на открытом воздухе.

3. Искусство, которое действительно преображает природный ландшафт.

ТРАВЛЕНИЕ

Техника воспроизведения рисунка путем покрытия металлической пластины воском и рисования острым инструментом, называемым стилусом, сквозь воск до металла. Пластина помещается в кислотную ванну, которая разъедает надрезанные линии; затем его нагревают для растворения воска и, наконец, наносят чернила и печатают на бумаге. Полученный отпечаток называется травлением.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ

Любое искусство, которое подчеркивает эмоциональную и психологическую реакцию художника на предмет, часто с яркими цветами и искажениями формы. В частности, художественный стиль начала 20 века, которого придерживались в основном некоторые немецкие художники.

FAUVISM

Недолговечный стиль живописи во Франции начала 20 века, в котором использовались смелые, конфликтующие, произвольные цвета — цвета, не связанные с появлением форм в мире природы.Анри Матисс был самым известным ее практикующим. Слово fauve означает «дикий зверь».

РИСУНОК — ЗЕМЛЯ

В двумерном искусстве — взаимосвязь между основными формами и фоном. Неоднозначность рисунка и фона предполагает одинаковую важность для обоих.

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Форма искусства, созданная в первую очередь как эстетическое выражение, которым можно наслаждаться ради самого себя. Зритель должен быть готов к поиску замысла художника как важнейшего первого шага к общению и активному участию.

ОБЖИГ

Нагревание керамики или скульптуры в печи или на открытом огне для доведения глины до созревания. Температура, необходимая для созревания глины, зависит от типа тела. Кроме того, можно нагреть глазурованную посуду до необходимой температуры, чтобы глазурь созрела.

FIXATIVE

Раствор, обычно из шеллака и спирта, распыляемый на рисунки, чтобы предотвратить их размазывание или осыпание основы.

НАРОДНОЕ ИСКУССТВО

Первобытное искусство, выполненное неподготовленным художником, который рисует в общих традициях своего сообщества и отражает образ жизни людей.Также называется «Аутсайдерское искусство» и «Арт-брют».

ЗАКРЕПЛЕНИЕ

Метод изображения форм на двумерной поверхности так, что они кажутся выступающими или удаляющимися от плоскости изображения.

ПОВКОВКА

Формовка металла молотками в горячем состоянии; способ изготовления кованого железа.

ФОРМА

1. Внешний вид произведения искусства — его материалы, стиль и композиция.

2. Любая идентифицируемая форма или масса как «геометрическая форма».

FRESCO

Техника окраски, при которой пигменты диспергируются в простой воде и наносятся на влажную штукатурку стены. Стена становится связующим звеном, а также опорой.

FUTURISM

Художественное движение, основанное в Италии в 1909 году и просуществовавшее всего несколько лет. Футуризм сосредоточен на динамическом качестве современной технологической жизни, делая упор на скорость и движение.

ЖАНР

Искусство, изображающее случайные моменты повседневной жизни и ее окружения.

ГЕОМЕТРИЧЕСКИЕ ФОРМЫ

Формы, созданные по точному математическому закону.

GESSO

Белый шлифованный материал для подготовки жестких опор под покраску. изготовлен из смеси мела, белого пигмента и клея. То же название применяется к акриловому мелу и пигменту, используемым как на жестких, так и на гибких опорах.

СТЕКЛО

Очень тонкая прозрачная цветная краска, наносимая на ранее окрашенную поверхность для изменения внешнего вида и цвета поверхности. В керамике на глиняное тело наносится смывка, которая при обжиге при высокой температуре стекловывается с образованием тонкого, обычно окрашенного, слоя стекла.

ГОТИКА

Стиль архитектуры и искусства, преобладавший в Европе с 12 по 15 век. Готическая архитектура отличается остроконечными арками, ребристыми сводами и часто большими витражами.

GOUACHE

Непрозрачная акварель, используемая для иллюстраций.

ЗЕМЛЯ

1. Вещество, наносимое на основу для рисования или рисунка при подготовке к пигментированному материалу.

2. Подготовительное вещество, используемое в качестве покрытия для печатной формы.

3. Фон в произведении двухмерного искусства.

GREENWARE

Необожженная керамика или скульптура.

ЖЕСТКАЯ ЖИВОПИСЬ

Недавнее нововведение, зародившееся в Нью-Йорке и принятое некоторыми современными художниками. Формы изображаются четкими геометрическими линиями и краями.

ГАРМОНИЯ

Единство всех визуальных элементов композиции достигается повторением одних и тех же характеристик.

НАШИВКА

Техника моделирования, указание тона и наведение света и тени при рисовании или темперной живописи с использованием близко расположенных параллельных линий.

HORS COMMERCE

(«До коммерции») традиционно представляли собой скульптуру / графику, которые использовались в обычном издании, но были отмечены художником только для коммерческого использования. Эти изделия использовались для выставок и конкурсов, но сегодня они, как правило, разрешены к распространению через обычные каналы.

ОТТЕНОК

Воспринимаемый цвет объекта, определяемый общим именем, таким как красный, оранжевый, синий.

ИКОНОГРАФИЯ

В общих чертах «история», изображенная в произведении искусства; люди, места, события и другие изображения в произведении, а также символика и условности, связанные с этими изображениями определенной религией или культурой.

ИЛЛЮМИНАЦИЯ

Рисованное украшение или иллюстрация в рукописи, особенно распространенные в средневековом искусстве.

IMPASTO

Густое, сочное нанесение краски на холст или другую основу; подчеркивает текстуру, отличаясь от гладкой ровной поверхности.

ИМПРЕССИОНИЗМ

Техника рисования, в которой художник концентрируется на меняющихся эффектах света и цвета. Часто этот стиль можно характеризовать использованием прерывистых мазков и сильного импасто.

INLAY

В деревообработке — техника, при которой небольшие кусочки дерева, часто разной текстуры и цвета, склеиваются вместе, образуя узор.

ИНТЕНСИВНОСТЬ

Степень чистоты или яркости цвета.Также известен как цветность или насыщенность.

КИНЕТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО

Кинетическое искусство — это искусство, которое включает движение как часть своего выражения — механически, вручную или под действием сил природы.

ПЕЧЬ

Печь или печь из жаропрочных материалов для обжига керамики, стекла и скульптуры.

ПЕЙЗАЖ

Обобщение для изображения природных пейзажей любым художником.Рисунки и другие предметы должны иметь второстепенное значение по отношению к композиции и второстепенное по отношению к содержанию.

LINE

Отметка, сделанная инструментом при нанесении на поверхность.

ЛИНЕЙНАЯ ПЕРСПЕКТИВА

Метод изображения трехмерной глубины на плоской или двухмерной поверхности. Линейная перспектива имеет два основных правила: 1. Формы, которые должны восприниматься как можно дальше от зрителя, должны быть меньше тех, которые должны восприниматься как можно ближе 2.Уходящие вдаль параллельные линии сходятся в точке на линии горизонта, известной как точка схода.

ЛИТОГРАФИЯ — ЛИТОГРАФ

Процесс печати, при котором поверхность, такая как камень или листовой алюминий, обрабатывается таким образом, чтобы краска прилипала только к тем участкам, которые должны быть напечатаны. Полученное изображение представляет собой литографию или литографический отпечаток

LOST WAX

Метод создания восковой формы для скульптуры с последующим нагревом формы для расплавления воска и замены его расплавленным металлом или смолой. (см. нашу страницу на Bronze Casting ).

МАНИФЕСТ

В искусстве — публичное заявление или изложение в печати теорий и направлений движения. Манифесты, выпущенные отдельными художниками или группами художников в первой половине двадцатого века, служили для раскрытия их мотивов и причин существования и стимулировали поддержку или реакцию против них.

МАННЕРИЗМ

Термин, который иногда применяют к искусству Европы конца XVI — начала XVII века, для которого характерно драматическое использование пространства и света и тенденция к удлинению фигур.

MAQUETTE

В скульптуре — небольшая модель из воска или глины, сделанная в качестве предварительного эскиза, представляемая заказчику для утверждения предлагаемой работы или для участия в конкурсе. Итальянский эквивалент этого термина — bozzetto, что означает небольшой набросок.

МАССА

Трехмерная форма, часто подразумевающая объем, плотность и вес.

МАТОВЫЙ

Плоский, не глянцевый; имеющий тусклый внешний вид.

СРЕДНЕВЕКОВОЕ ИСКУССТВО

Искусство средневековья ок. С 500 г. н.э. по 14 век. Искусство, произведенное непосредственно до эпохи Возрождения.

MEDIUM

1. Материал, используемый для создания произведения искусства. 2. Связующее для краски, например масляное. 3. Выразительный вид искусства, такой как живопись, рисунок или скульптура.

МИНИМАЛИЗМ

Стиль живописи и скульптуры середины 20 века, в котором элементы искусства визуализируются с минимумом линий, форм, а иногда и цвета.Работы могут выглядеть скудными, скудными, ограниченными или пустыми.

СМЕШАННЫЕ МАТЕРИАЛЫ

Описание искусства, в котором задействовано более одной среды — например, работа, сочетающая в себе краску, природные материалы (дерево, галька, кости) и искусственные предметы (стекло, пластик, металлы) в отдельное изображение или произведение искусства.

МОБИЛЬНЫЙ / СТАБИЛЬНЫЙ

Термины, придуманные для описания работ, созданных Александром Колдером. Мобиль представляет собой висящую подвижную скульптуру, и он опирается на землю, но также может иметь движущиеся части.

МОДЕЛИРОВАНИЕ

1. В скульптуре — формирование формы из пластического материала, такого как глина, воск или гипс. 2. В рисовании, живописи или гравюре — иллюзия трехмерности на плоской поверхности, созданная путем имитации эффектов света и тени.

МОНОХРОМАТИЧЕСКИЙ

Имеет только один цвет. Описание работы, в которой преобладает один оттенок — возможно, с вариациями ценности и интенсивности.

MONOTYPE

Единственный в своем роде отпечаток, сделанный путем рисования на листе или пластине стекла и переноса еще влажного рисунка на лист бумаги, прочно удерживаемый на стекле, протирая его обратной стороной. бумагу гладким предметом, например большой деревянной ложкой.Роспись также может быть выполнена на полированной пластине, и в этом случае ее можно либо напечатать вручную, либо перенести на бумагу, пропустив пластину и бумагу через травильный пресс.

MONTAGE

Картинка, состоящая из других существующих иллюстраций, картинок, фотографий, вырезок из газет и т. Д., Которые скомпонованы так, что они объединяются для создания нового или исходного изображения. Коллаж.

МОЗАИКА

Форма искусства, в которой небольшие кусочки плитки, стекла или камня соединяются вместе и встраиваются в фон для создания узора или изображения.

MURAL

Любая крупномасштабная отделка стен, выполненная в живописи, фреске, мозаике или другом носителе.

МУЗЕЙ

Здание, место или учреждение, предназначенное для приобретения, сохранения, изучения, демонстрации и образовательной интерпретации предметов, имеющих научную, историческую или художественную ценность. Слово «музей» происходит от латинского слова muses, что означает «источник вдохновения» или «возможность погрузиться в свои мысли».»

НАРРАТИВНАЯ ЖИВОПИСЬ

Картина, в которой сюжетная линия является доминирующей чертой.

NATURALISTIC

Описывает произведение искусства, которое очень похоже на формы в естественном мире.

ОТРИЦАТЕЛЬНОЕ ПРОСТРАНСТВО

Пространство на картине вокруг изображенных объектов.

НЕОКЛАССИЦИЗМ

— «Новый» классицизм — стиль западного искусства XIX века, отсылающий к классическим стилям Греции и Рим.Картины неоклассицизма отличаются резкими очертаниями, сдержанными эмоциями, продуманной (часто математической) композицией и холодными цветами.

НЕО-ЭКСПРЕССИОНИЗМ

— «Новый» экспрессионизм — термин, первоначально применяемый к работам, выполненным в основном немецкими и итальянскими мастерами, достигшими зрелости в послевоенную эпоху; а позже расширился (в 1980-х), включив в него некоторых американских художников. Работы неоэкспрессионистов изображают сильные эмоции и символизм, иногда с использованием нетрадиционных материалов и ярких цветов с бурными композициями и предметами.

НЕЙТРАЛЬНО

Без оттенка — черный, белый или серый; иногда загар достигается за счет смешивания двух дополнительных цветов.

НЕОБЪЕКТИВНЫЙ

Совершенно непредставительный; чистый дизайн; полностью абстрактный.

OP ART

Сокращение от оптического искусства, популярного в 1960-х годах стиля, основанного на оптических принципах и оптической иллюзии. Op Art имеет дело со сложными цветовыми взаимодействиями, до такой степени, что цвета и линии кажутся вибрирующими перед глазами

ОПТИЧЕСКАЯ СМЕСЬ ЦВЕТОВ

Тенденция глаз смешивать пятна отдельных цветов, расположенных рядом друг с другом, чтобы воспринимать другой, комбинированный цвет.Кроме того, любой художественный стиль, использующий эту тенденцию, особенно пуантилизм Жоржа Сёра.

ORGANIC

Изображение, которое показывает отношение к природе в отличие от изображений, созданных руками человека. Любая форма, которая напоминает естественную форму или предполагает естественный процесс роста или расширения.

ОРГАНИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО

Форма искусства, которая подчеркивает объект, живой сам по себе, а не надуманный.

ЭФФЕКТ НАКЛАДКИ

Пространственные отношения достигаются путем размещения одного объекта перед другим.Ближайший к зрителю объект блокирует обзор любой части любого другого объекта, расположенного за ним (или, если два объекта перекрываются, скрывается тот, что находится сзади).

ЖИВОПИСЬ

Описание картин, в которых формы определяются в основном цветовыми областями, а не линиями или краями. Где заметны мазки художника. Любое изображение, которое выглядит так, как будто оно могло быть создано с использованием стиля или техник, используемых художником.

ПАСТЕЛЬ

Цветной мелок, состоящий из пигмента, смешанного с достаточным количеством связующего на водной основе, чтобы удерживать их вместе; произведение искусства, выполненное пастельными мелками; сама техника.Пастели различаются в зависимости от объема содержащегося мела … самые глубокие тона — это чистый пигмент. Пастель — это самый простой и чистый метод рисования, поскольку используется чистый цвет без жидкой среды, а мелки наносятся непосредственно на пастельную бумагу.

PATINA

Пленка или налет, часто зеленый, который образуется на меди и бронзе после определенного периода выветривания и в результате окисления меди. Различные виды химической обработки также вызовут появление бесчисленных цветных патинов на новых бронзовых изделиях.Бронзы могут быть дополнительно окрашены акрилом и лаком.

PENTIMENTO

Состояние старых полотен, в которых свинцовые пигменты со временем стали более прозрачными, обнажая более ранние слои.

«Картина с Джоном» представляет собой ворчливый путеводитель по искусству и жизни: NPR

Джон Лурье ворчит об искусстве и жизни, рисуя акварелью, пока квакают древесные лягушки в тропической ночи.Это странно успокаивает. HBO скрыть подпись

переключить подпись HBO

Джон Лурье ворчит об искусстве и жизни, рисуя акварелью, пока квакают древесные лягушки в тропической ночи. Это странно успокаивает.

HBO

«Боб Росс ошибался», — ворчит музыкант / актер Джон Лурье голосом, который стал таким хриплым, что это все равно что слушать рок-тумблер. Поздняя ночь, он склонился над акварелью, которую рисует в своем доме на том, что он называет только «крошечным островом в Карибском море». Между каждым предложением, которое он произносит на камеру, вновь проявляется ритмичный писк древесных лягушек за окном.

«Все не могут рисовать », — продолжает он.»Это неправда.»

Далее он несколько изменяет эту позицию — он признает, что все дети — художники, пока жизнь не выбьет из них это. Однако позже, когда он рисует тонкие ветви некоторых деревьев, вроде тех, что изобилуют в его пышном тропическом дворе, он с радостью объяснит нам, что ни одно из деревьев, которые он рисует, не счастливы. «Они все жалкие », — хихикает он.

К тому времени, когда закончится странно интригующий новый сериал HBO Картина с Джоном (всего после шести необычных 20-минутных эпизодов), он придет к обширной инклюзивности Росса:

«Знаешь, — говорит он, — взглянув от картины на камеру: «, вы, , должны попробовать это.Возьмите немного красок и кистей. И немного бумаги. То есть акварель не дорогая. Вам просто понадобится небольшая прокладка. Но приобретите приличную бумагу, а также краски и кисти. И просто возитесь с этим. Посмотрите, что это вам даст. … Это так приятно ».

То, что простирается между беззаботным увольнением Лурье всеми любимого ведущего PBS с головой чиа (Эпизод 1) и этим моментом великодушия (Эпизод 6), представляет собой смесь историй (тогда он действительно дул в шкаф с метлой с Риком Джеймсом и Стивом из Studio 54). Рубелл! В этот раз он хладнокровно убил угря!), Детские выходки (он катит шины с холма, чтобы посмотреть, как они подпрыгивают! Он находит ветку, похожую на хобот слона, и топает по своему заднему двору, трубя прочь!) -комментарий (он ведет бесцельный разговор со своей домработницей и бизнес-менеджером, а затем воспроизводит его, добавляя смех!) и бесславные смерти множества дронов, которые Лурье пытается использовать, чтобы снять установочный кадр каждого эпизода (серьезно Дроны присутствуют на этом шоу, как барабанщики на Spinal Tap.)

Однако объединение всех этих разрозненных историй и самосознательной фишки — это многие кадры живописи Лурье. Кинематографист / редактор Эрик Мокус снимает кончик кисти Лурье очень крупным планом, и мы наблюдаем, как цветные пигменты вымываются на бумагу и проникают внутрь, а затем внезапно растекаются по текстуре ее переплетения; мы наблюдаем, как один цвет падает на другой, выделяя каждый из них с потрясающим контрастом. Это гипнотический, успокаивающий, удовлетворяющий и глубоко медитативный эффект — эффект, который либо усиливается, либо ослабляется вездесущей партитурой Лурье, в зависимости от вашего личного отношения к безвкусному, настойчивому джазовому саксофону.

Благодаря группе Лурье The Lounge Lizards и его статусу одного из главных исполнителей кинорежиссера Джима Джармуша он достиг того своеобразного статуса андеграундной славы, который был возможен только в Нью-Йорке в конце 80-х — начале 90-х годов. Но двадцать лет назад болезнь Лайма заставила его отказаться от музыки и актерского мастерства и заняться живописью. В заключительном эпизоде ​​сериала он откровенно говорит об этом, поскольку он говорит о затяжных эффектах болезни — постоянной усталости, усугубляемой недостатком сна, из-за которой он настолько истощен, что он может снимать сериал только час или два в день. .

Он говорит о дружбе, которую завел на своем пышном острове самоизгнания, и иногда выражает свои мысли с беспечной уверенностью и отсутствием сочувствия, которые характерны для многих представителей его поколения. Вы будете прощены за то, что услышите в скупых гномических высказываниях этой главной фигуры нью-йоркского андеграунда родство с тем вашим седым дядей, у которого есть вся эта странность, скажем, с толстыми людьми.

Здесь присутствует вычурно-фартовское потакание своим слабостям, но есть также самооценка и самоистязание юмора, которые стремятся держать это баловство под контролем.Как своего рода продолжение культовой серии «Рыбалка с Джоном », в которой начинающий рыбак Лурье заманил друзей, таких как Том Уэйтс, Виллем Дефо и Деннис Хоппер, на лодке, чтобы порыбачить в различных экзотических местах, Painting with John более приглушен, менее стилизован. Исчезла склонность того первого сериала к сюрреалистическому и потребность в том, чтобы приглашенные звезды мучили его. Картина с Джоном — это как раз о Лурье — его ярком искусстве, его необычных воспоминаниях, его новой жизни среди пальм и древесных лягушек и, в конечном счете, его болезни.

Он не говорит об этом аспекте своей жизни до последнего эпизода, но когда он это делает, это заставляет вас задним числом пересмотреть предыдущие эпизоды в новом свете. Живопись с Джоном становится попыткой человека, у которого слабое здоровье, дотянуться до среды, которую он перформативно презирает (телевидение), и проповедовать евангелие среды, которую он искренне любит (живопись). Эта искренность и картины, которые она сообщает — кропотливое создание которых составляет основу этой серии — вместе ощущаются чем-то свободно данным, предложением именно того вида спокойного размышления, о котором взывал наш бурный культурный момент.

картина | История, художники, элементы, методы, типы и факты

Живопись , выражение идей и эмоций с созданием определенных эстетических качеств на двухмерном визуальном языке. Элементы этого языка — его формы, линии, цвета, тона и текстуры — используются различными способами для создания ощущений объема, пространства, движения и света на плоской поверхности. Эти элементы объединяются в выразительные паттерны для представления реальных или сверхъестественных явлений, интерпретации темы повествования или создания полностью абстрактных визуальных отношений.Решение художника использовать определенную среду, такую ​​как темпера, фреска, масло, акрил, акварель или другие краски на водной основе, чернила, гуашь, энкаустика или казеин, а также выбор определенной формы, такой как фреска, мольберт, панно, миниатюра, иллюминация рукописи, свиток, экран или веер, панорама или любая из множества современных форм основаны на чувственных качествах и выразительных возможностях и ограничениях этих опций. Выбор средства и формы, а также собственная техника художника объединяются для создания уникального визуального образа.

Британская викторина

Викторина «Еще искусство и цвета»

Какой кислотный желто-зеленый оттенок назван так же, как ликер, дистиллированный французскими картезианскими монахами? Кто сделал первую цветную фотографию, сделанную трехцветным методом? Проверьте свои знания. Пройдите викторину.

Ранние культурные традиции — племен, религий, гильдий, королевских дворов и государств — в значительной степени контролировали ремесло, форму, образы и предметы живописи и определяли ее функции, будь то ритуальные, религиозные, декоративные, развлекательные или образовательные.Художники работали скорее как искусные ремесленники, чем как творческие художники. Позже понятие «прекрасный художник» развилось в Азии и Европе эпохи Возрождения. Выдающимся художникам был предоставлен социальный статус ученых и придворных; они подписали свои работы, определились с их дизайном, а зачастую и с темой и изображениями, и установили более личные — если не всегда дружеские — отношения со своими покровителями.

В 19 веке художники в западных обществах начали терять свое социальное положение и получать покровительство.Некоторые художники противодействовали снижению поддержки со стороны патронажа, проводя собственные выставки и взимая плату за вход. Другие получали доход от передвижных выставок своих работ. Необходимость обращения к рынку заменила аналогичные (хотя и менее безличные) требования покровительства, и ее влияние на само искусство, вероятно, также было аналогичным. Как правило, художники ХХ века могли достучаться до публики только через коммерческие галереи и государственные музеи, хотя их работы, возможно, время от времени воспроизводились в периодических изданиях по искусству.Им также могли помочь финансовые награды или комиссионные от промышленности и государства. Однако они получили свободу изобретать собственный визуальный язык и экспериментировать с новыми формами, нетрадиционными материалами и методами. Например, некоторые художники сочетали другие медиа, такие как скульптура, с живописью для создания трехмерных абстрактных дизайнов. Другие художники прикрепляли к холсту реальные объекты в виде коллажей или использовали электричество для работы с цветными кинетическими панелями и коробками.Художники-концептуалисты часто выражали свои идеи в форме предложения о несбыточном проекте, а художники-перформансы были неотъемлемой частью их собственных композиций. Неугомонное стремление расширить границы выражения в искусстве привело к постоянным международным стилистическим изменениям. Часто ошеломляющая последовательность новых движений в живописи была дополнительно стимулирована быстрым обменом идеями посредством международных журналов по искусству, передвижных выставок и художественных центров.Такие обмены ускорились в 21 веке с появлением международных художественных ярмарок и социальных сетей, последние из которых предлагали не только новые средства выражения, но и прямое общение между художниками и их последователями. Хотя стилистические движения было трудно идентифицировать, некоторые художники обращались к общим социальным проблемам, включая широкие темы расизма, прав ЛГБТК и изменения климата.

Эта статья посвящена элементам и принципам дизайна в живописи, а также различным средствам, формам, изображениям, предметам и символам, используемым, принятым или созданным художником.По истории живописи в Древнем Египте, см. египетского искусства и архитектуры. Развитию живописи в разных регионах посвящен ряд статей: западная живопись; Африканское искусство; Центральноазиатское искусство; Китайская живопись; Исламское искусство; Японское искусство; Корейское искусство; Искусство коренных американцев; Океаническое искусство и архитектура; Искусство Южной Азии; Искусство Юго-Восточной Азии. По вопросам консервации и реставрации картин, см. консервация и реставрация произведений искусства. Для обсуждения подделки произведений искусства, см. подделка.Для обсуждения роли живописи и других искусств в религии, а также использования религиозных символов в искусстве, см. религиозный символизм и иконография. Для получения информации о других искусствах, связанных с живописью, см. статей, таких как рисунок; народное искусство; эстамп.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Элементы и принципы дизайна

Дизайн картины — это ее визуальный формат: расположение линий, форм, цветов, тонов и текстур в выразительный узор.Именно ощущение неизбежности в этой формальной организации придает великой живописи самодостаточность и присутствие.

Фредерик Р. Спенсер: Семейная группа

Семейная группа , холст, масло Фредерика Р. Спенсера, 1840; в Бруклинском музее, Нью-Йорк. 74 × 91,4.

Фотография Триш Мэйо. Бруклинский музей, Нью-Йорк, Фонд Дика С. Рамзи, 57.68

Цвета и размещение основных изображений в дизайне иногда могут в значительной степени определяться репрезентативными и символическими соображениями.Тем не менее, только формальная игра цветов и форм способна передать определенное настроение, произвести оптические ощущения пространства, объема, движения и света и создать силы как гармонии, так и напряжения, даже когда повествовательный символизм картины неясен.

Акварель и Гуашь — Страница 24 — Линии и цвета

Карл Эверс был немецко-американским художником 20 века, известным, в частности, своими морскими картинами. Его обычно считают одним из выдающихся американских художников-маринистов века.Его воспоминание о действии воды, особенно взволнованной штормами и высокими волнами, просто чудесно.

Эверс был также опытным иллюстратором; его работы появлялись в таких публикациях, как The Saturday Evening Post , Argosy , Yachting и The Readers Digest , а также в рекламе компаний, занимающихся морским транспортом, таких как Cunard, Grace Line, Farrell Lines. , United Fruit and Moran Towing (биографические заметки Дж.Russell Jinishian Gallery). Почему-то Эверс редко упоминается в сборниках американской иллюстрации.

Насколько я восхищаюсь морскими картинами Эверса, мне особенно нравятся его иллюстрации. В частности, как давний житель Филадельфии, я просто обожаю его серию потрясающих изображений нашего прекрасного и слишком часто игнорируемого города. Это было сделано для серии рекламных объявлений Philadelphia Electric Company в начале 1950-х годов.

Эверс был мастером выбранных им средств акварели и гуаши, продемонстрировав их пригодность для создания замысловатых деталей в удивительно сложных изображениях, особенно в крупномасштабных панорамах Филадельфии, которые, несмотря на их уровень детализации, никогда не кажутся вынужденными или жесткими.

Джеймс Герни сегодня утром в своем всегда увлекательном блоге Gurney Journey опубликовал статью «Пять советов от Карла Эверса», которая и подтолкнула меня к этой публикации.

Лучший источник, который я нашел для работы Эверса, — это потрясающий пост Робина Бенсона на PastPrint , в котором есть много больших изображений, особенно серии Philadelphia Electric.

Также хороши две статьи о Today’s Inspiration: «Карл Г. Эверс:« удивительный размах и талант »» и «Карл Г.Эверс: способный изобразить «океан почти бесконечных настроений». Автор приглашенного автора Чарли Аллена, дополненный набором Flickr Лиф Пенг. В галерее Дж. Рассела Джинишяна есть коллекция доступных оригиналов Карла Эверса.

На аукционах Heritage Auctions есть три изображения, которые имеют немного увеличенные версии на пролистывании. Те, у кого есть бесплатная учетная запись HA, могут получить доступ к версиям с высоким разрешением. Те, у кого есть логин в Pinterest, могут найти здесь работы Эверса; аналогично FB здесь.

Существует давно переиздавшаяся коллекция работ Эвера 1975 года, Морские картины Карла Г.Evers , который доступен на Amazon (также здесь).

[Предложение любезно Джеймса Герни]

Как я узнал о смешивании цветов. Мой первый опыт обучения… | Джулия Лундман

Мой первый опыт в изучении цвета вообще был в создании цветовых диаграмм в Американской академии искусств. В то время я был очень расстроен и хотел просто перейти к рисованию, но, оглядываясь назад, я понял, что это было прекрасное введение.Смешивая диаграммы, мы узнали о том, как обрабатывается краска, что происходит, когда один цвет взаимодействует с другим, и как значение связано с цветностью. После этого мы какое-то время перешли к рисованию монотонных образцов, затем с ограниченными палитрами и, наконец, в полном цвете, обычно это разные задания: от натюрмортов, иллюстраций и фигур. Мы всегда использовали гуашь для рисования, за исключением специализированных занятий, таких как масляная живопись или акварель, где мы всегда рисовали с модели.

Тем не менее, настоящий прорыв для меня произошел в результате постоянной практики в течение многих лет работы в качестве фонового художника по окружению и цветовых сценариев в Calabash Animation в Чикаго в сочетании с наблюдательной живописью в моей домашней студии и Лиге палитры и зубила, где Ричард Шмид нарисовал.

В моей работе по рисованию фона обычно приходилось 7–12 воображаемых пейзажей и внутренних картин на рекламу, которые мне приходилось планировать и раскрашивать. Из-за того, что я учился в художественной школе по программе изобразительного искусства, мы редко работали с воображением. Тогда я мог только догадываться, как создавать убедительные картины без ссылок, — это применять принципы, о которых я узнал из «Руководства Карлсона по пейзажной живописи», которое я держал за своим столом и постоянно ссылался на . Это заставило меня по-настоящему понять концепции атмосферной перспективы, поведение цвета в ландшафте и другие принципы освещения, которые вызывают изменения локального цвета объектов.Работая в обратном направлении, изучая свет и атмосферную перспективу, я мог затем применить эти принципы на практике на воображаемом стилизованном ландшафте.

Коммерческий фон панорамы Lucky Charms Я нарисовал гуашью на доске для иллюстраций размером примерно 3 фута x 14 дюймов, примерно в 1994 году

Однако просто работать на основе того, что я узнал из «Руководства Карлсона по пейзажной живописи», было недостаточно. также копался в книгах с работами других художников, очень и очень внимательно изучая картины.Если бы у меня не было идей о цветовых схемах для таких, казалось бы, обыденных вещей, как тротуар или скучные внутренние стены, я бы посмотрел, как художники Диснея на заднем плане обрабатывали эти предметы — обычно с интересным освещением, цветностью и контрастом, и узнал, как освещение и цвет могут быть важный композиционный элемент в направлении взгляда. Я прочесал книжные магазины и библиотеку, чтобы найти художников, которые работали с воображением; Я практически запомнил каждый дюйм книги Джеймса Герни «Динотопия», чтобы найти примеры великолепных цветов.

«Лилли», 11х14, бумага, гуашь, 1992

Но работа только с воображением, я считаю, неэффективна, если художник не работает еще и с натуры. Один стремится информировать другого. В течение моих лет в Чикаго я регулярно рисовал натюрморты, фигуры и портреты с натуры с помощью палитры и зубила, что помогло мне развить чувство того, как смешивать краски, видеть цвет, упрощать его и наносить на холст. Я научился у Ричарда Шмида принципу «холодный свет — теплые тени, теплый свет — прохладные тени» — что-то совершенно новое для меня в то время.Именно там я узнал, насколько важны отношения между ценностями для цвета и насколько важно сохранять цвет чистым. Интересно, что я также узнал, раскрашивая фигуру и натюрморт, как кажется, что большинство цветов в любом заданном объекте кажутся более серыми, чем я обычно думаю вначале, и как обычно присутствуют немногих действительно истинных цветов с высоким уровнем насыщенности. Позже, когда мне нужно было переключиться на рисование в Photoshop на работе, система цветов Манселла в программе дала мне возможность визуализировать, насколько взаимосвязаны отношения между оттенком, цветностью и значением.Получив такой опыт, я считаю, что изучение цвета — это не просто изучение одного компонента, такого как цветовое колесо или цветовые диаграммы. Я считаю, что это должна быть комбинация методов плюс неустанное стремление научить свой ум см. и точно переводят цвет . Я все еще учусь и оттачиваю свой цвет и чувство ценностей, и надеюсь, что, сделав еще один согласованный рывок в моей жизни, я смогу вырваться из плато, которое испытывал последние несколько лет.Документируя свой опыт и записывая то, что я знаю, а также читая новые исследования и методы, а также рисуя с натуры, я надеюсь внести некоторые улучшения. ********************************

Смешивание цветов — это один навык из набора навыков, который художник должен развить. для окраски в цвет.

Как говорилось ранее, впервые я смешал цвета в первый год обучения в художественной школе, где мы смешивали цветные диаграммы. Позже я сделал гораздо более обширные диаграммы по рекомендации, которую Ричард Шмид сделал во время лекции в Palette and Chisel.Когда он, в конце концов, написал свою книгу «Алла Прима», он включил точно такой же совет, который вы можете найти, чтобы составить свои собственные диаграммы.

Цель создания цветовых таблиц заключается не в том, чтобы у вас были «рецепты» смешивания цветов. Эти диаграммы не предназначены для использования в качестве сокращений, рецептов или формул цвета. В то время, когда я делал их, я не знал, что делает каждый масляный цвет в сочетании с другим в палитре, которую я использовал. Когда у меня были проблемы с запоминанием того, что, например, делает желтый кадмий глубокий в сочетании с терра роза, просмотр этих диаграмм помог мне сориентироваться.Когда мне нужно было выяснить, какой цвет я смотрю на натюрморт, если я обращался к этим таблицам, это помогало моему глазу понять, что он видит с точки зрения цветности и ценности — обычно я смешивал этот цвет и переходил от туда, добавив немного трети.

Прохождение процесса смешивания цветов для подобных диаграмм важно для изучения многих полезных вещей о том, как обращаться с краской, как физически смешивать ее, наносить, преобразовывать ее в значения, наблюдать, что происходит с ее температурой, и замечать, как важно содержать его в чистоте.Создание подобных диаграмм также полезно, когда вы добавляете новый цвет в свою базовую палитру или для экспериментов с набором цветов, чтобы выяснить, как он взаимодействует с другими цветами в вашей палитре.

*******************************

Иногда, когда я впервые учился рисовать, я использовал небольшой кусок белой бумаги с пробитыми в ней дырочками. Когда я застревал, я просматривал этот лист бумаги, выравнивая его по цвету, который пытался определить. Очень часто меня удивляло то, что я находил — цвет, который был либо более серым, либо менее насыщенным, и совсем не тем, что я думал.Часто я смешивал то, что видел через отверстие, и наносил небольшой образец на белый лист бумаги. Я бы продолжал это делать, пока не получил правильный цвет.

Чтобы лучше понять, что я имею в виду, я сделал пример из недавно сделанной фотографии. Хотя вода имеет несколько зеленовато-голубой оттенок, ее бывает очень сложно идентифицировать. Здесь, вызывая образцы, вы можете увидеть, насколько зеленый вода и какова ее ценность. Наш разум может сказать нам, что горы вдали, покрытые соснами, тоже должны быть зелеными, однако, вызвав образец, мы можем увидеть, что холмы не зеленые, а серо-голубые.

Поскольку я использовал Photoshop для создания этого примера, я также поместил туда цветовое колесо, чтобы вы могли видеть, где зеленый цвет воды находится внутри этого конкретного оттенка.

Выделение цветов с помощью белой карты, перфорированной дыроколом, может помочь разбить символы того, что наш разум «думает», на то, что он видит на самом деле. Со временем этот простой инструмент помог мне понять, насколько насыщенным или ненасыщенным может быть цвет.

*******************************

После просмотра нескольких веб-сайтов я наконец нашел два отличных сайта, которые объясняют цвет и как художник его использует.На этих двух сайтах можно найти практически все, что нужно знать художнику о физических свойствах цвета и света.

Другие инструменты, помогающие визуализировать и объяснять, как работает цвет, представлены в виде диаграммы. В сообществе реалистической живописи широко признано, что система цветов Манселла, возможно, является наиболее точным способом понимания цвета и идентификации его в контексте с другими цветами. Система определяет три термина: оттенок, цветность и значение.

значение: черно-белая шкала, яркость, насколько темным или светлым является объект

оттенок: локальный цвет объекта

цветность: степень насыщенности или серости этого локального цвета

Еще одна полезная визуализация цветовой системы Манселла — это то, как ее представляет программа Adobe Photoshop.В Photoshop есть отличная палитра цветов, которая вызывает цветовое колесо. Однако я предпочитаю использовать расширенное расширение Magic Picker, отличное цветовое колесо для Photoshop, используемое многими профессиональными цифровыми художниками. Если у вас есть копия Photoshop, откройте программу и поэкспериментируйте с образцами рисования с помощью цветового круга. Игра с ползунками и регуляторами действительно помогла мне увидеть, как работает цвет в этой системе. Это та же диаграмма, изображенная выше, но представленная иначе.

Компания Adobe опубликовала техническое руководство по системе цветов Munsell Color System. Вы можете найти это здесь. Чтобы узнать больше о цветовом круге, прочтите серию статей Джеймса Герни «Цветовое колесо», части 1–7 в его блоге Gurneyjourney.blogspot.com. У Гурни другой, но родственный подход, основанный на его многолетних исследованиях цветового круга. Отличная информация, которую стоит прочитать, включая комментарии. Художник Грейдон Пэрриш каждое лето проводит трехнедельный семинар по использованию цветовой системы Манселла в Академии искусств Grand Central в Нью-Йорке.Полезность изучения цветовой системы Манселла заключается в том, что она может помочь любому художнику определить любой цвет и использовать этот цвет для изображения всего, что он или она пожелает. Сначала это сложно понять, что требует некоторого изучения и практики. Я надеюсь, что Грейдон продолжит преподавать — его уроки в моем списке в первую очередь! Вот как Пэрриш описывает способ, которым он определяет цвет в своих картинах:

«Моя система отличает то, что я делаю цепочки из отдельных цветов в сочетании с отдельными оттенками.Я анализирую то, что собираюсь нарисовать, нахожу обозначения, затем смешиваю строки, чтобы охватить диапазон. В методе Рейли использовался кадмий, вне пределов досягаемости плоти. Нить када-апельсина с обожженной умброй / малиновым ализарином меняет не только стоимость, но и оттенок и цветность, что затрудняет прогнозирование. Рейли также рекомендовал добавить нейтральные оттенки серого, чтобы убить цветность, но это также приводит к смещению оттенков. Это то, о чем Рейли никогда не упоминал. Сказанное выше — это только начало. Можно проанализировать, а затем воплотить в красках так много эффектов природы.У меня есть фотография рисунка Бугро, на котором он написал различные цвета своей модели: зелено-серый, желто-серый, розово-серый и т. Д. С Манселлом обозначения могут быть намного ближе. Больше никаких расплывчатых терминов. (Сколько серого, например, в зелено-сером?) Лучше сказать 7,5 YR 6/3 или 7,5 R 5/4, для средней мякоти и красных. Затем с помощью микширования и планирования можно создать целую палитру плоти Бугро для каждого изменения значения и спрогнозировать подъем и падение цветности. Точно так же можно было изучить и нарисовать Пэрис Хилтон во всем ее загорелом великолепии.Скорее всего, это цветность 5. Когда вы затем узнаете, где цветность повышается и где она падает, почему одни цвета притягивают желтый к свету, а другие нет, и как различные прозрачные объекты имеют более хроматический цвет по краям, тогда у вас есть начало целого репертуара визуальных явлений, из которых можно творить ». — цитата с форумов wetcanvas.com, ЗДЕСЬ .

*******************************

Помимо изучения системы Манселла, обучение смешиванию и Чтобы определить цвет, важно также понимать принципы света и то, как он влияет на цвет.Соответствие цвета любому предмету — важный навык в развитии глаза, чтобы правильно видеть цвет, и помогает определить вашу палитру и выбор пигмента. Однако понимание причин , которые заставляют цвет проявляться определенным образом в конкретной ситуации, не менее важно. Самые лучшие книги, которые я могу порекомендовать, это: Руководство Карлсона по пейзажной живописи Эндрю Лумис, Творческая иллюстрация Джеймса Герни, Цвет и свет Ричард Шмид, Алла Прима Вот краткое изложение некоторых важных моментов, которые я узнал из этих книг о том, как свет и цвет работают вместе. :

• холодный свет создает теплые тени; теплый свет создает прохладные тени.(Алла Прима)
• наиболее насыщенный цвет в определенной области находится на переходе между светлой стороной и темной тенью, а также на краях объектов. (Цвет и свет)
• Значения в ландшафте часто такие, как показано ниже, источник света, небо, чаще всего (даже ночью), является самым светлым значением в ландшафте, земля — ​​вторым, наклонным. самолеты третьи, а вертикальные плоскости обычно самые темные. (Руководство Карлсона по пейзажной живописи)
• Ценность — самый важный фактор в картине, затем идут оттенок и цветность.Если значения правильные, оттенок и цветность по-прежнему будут считываться. (Цвет и свет)
• цвет будет изменять свой внешний вид в зависимости от контекста этого цвета в свете или от изменения других цветов вокруг него. (Алла Прима, Цвет и свет)
• Ограничения пигментов не позволяют нам отображать широкий диапазон яркости окружающего нас мира, поэтому мы должны внести коррективы, чтобы приблизиться к тому, что мы видим. (Алла Прима, Цвет и свет)

стр. 34, Руководство Карлсона по пейзажной живописи Джона Ф.Карлсон В «Творческой иллюстрации» Эндрю Лумиса он целиком посвящает главу великому Говарду Пайлу. Лумис включил эту главу для прямой передачи в печатном виде информации, которая была сделана в виде заметок во время занятий, которые проводил Пайл, относительно его общей теории относительно света и цвета. «Все объекты природы становятся видимыми благодаря свету и падающему на них солнцу. В результате мы видим цвета и текстуры различных объектов природы. Из этого видно, что цвет и текстура являются свойством света и не входят в свойство тени. Ибо тень есть тьма, а во тьме нет ни формы, ни цвета. Следовательно, форма и цвет явно принадлежат свету. Тень — поскольку объект, освещаемый солнцем, более или менее непрозрачен, поэтому, когда солнечный свет затемняется этим объектом, полученная тень становится более или менее черной и непрозрачной, освещаясь только светом, отраженным в нее. окружающие предметы. Благодаря тени все объекты природы принимают форму или форму, потому что, если бы не было тени, все было бы плоскими бликами света, цвета и текстуры … Но когда появляется тень, объект принимает форму и форму. Если края объекта скруглены, края тени становятся более мягкими; если края объекта резкие, то тени соответственно четкие. Итак, проявляется мягкость или резкость твердого объекта. Отсюда следует, что задача тени — создавать форму и форму, и что сама по себе она не обладает способностью передавать впечатление цвета или текстуры ».

— Говард Пайл, цитата Эндрю Лумиса, Creative Illustration, стр. 136 *******************************

Картина пейзажа гуашью или маслом. Трехдневный семинар 19-21 сентября 2020 г. — склад 521

19-21 сентября
суббота-понедельник
9: 30-16: 30

Калифорнийский художник Майк Эрнандес — эксперт по гуашью, масляной и акриловой живописи.На этом семинаре он раскроет важные основы композиции, цветовых отношений, освещения, атмосферной перспективы, упрощения и дизайна форм с использованием гуаши. Это отличный семинар для любого художника, который хотел бы узнать, как передать ощущение естественного или стилизованного освещения / цвета в своей работе. Многие художники-пленэры находят, что путешествовать с гошей проще и удобнее, чем с маслом, при этом не жертвуя возможностью запечатлеть прекрасный пленэрный этюд.В этой мастерской приглашаются художники-масляники, которые могут рисовать маслом или гуашью.

Майк начнет трехдневный семинар с лекции в студии в субботу утром. Лекция также будет транслироваться в прямом эфире на Zoom для тех студентов, которым неудобно встречаться лично. Лекция будет включать неподвижные цифровые изображения и информацию об использовании гуаши на месте. Во второй половине дня Майк проведет демонстрации гуашью, охватывающие цвет, дизайн композиции, дизайн освещения, упрощение и атмосферную перспективу..

Чтобы обеспечить социальное дистанцирование во время пандемии covid-19, этот семинар будет пленэром.

www.mikehernandez-art.com

Биография:

Уроженец Ангелено Майк Эрнандес — пленэрный художник, владеющий гуашью, маслом и акрилом, его работы были представлены в нескольких онлайн-публикациях, а также в галереях. . Его процесс начался еще в раннем детстве, он рисовал натюрморты. Под влиянием таких людей, как Эдгар Пейн, Соролья и Франц Бишофф, Майк вскоре исследовал основы цвета и света на открытом воздухе, стремясь найти красоту в обыденном.Благодаря палитре, находящейся на перекрестке между индустрией и пейзажем, он находит вдохновение где угодно, от хребта Восточной Сьерры до илистых бетонных берегов реки Лос-Анджелес. Майк учился в Art Center College of Design в Пасадене, получив степень бакалавра. в 1998 году. В настоящее время он работает художником-постановщиком в Dreamworks Animation, а также является востребованным инструктором семинаров по всей стране. Его работы можно найти в нескольких частных коллекциях по всему миру.

Как красить камни — ценность и форма для минералов. Сделано правильно

Как рисовать камни на суше и в море

Джули Гилберт Поллард

Ценность и форма — два самых важных элемента для правильно сделанных минералов.Художник и инструктор по акварели Джули Гилберт Поллард показывает, как успешно рисовать камни с помощью этих основных факторов. Таким образом, вы можете уверенно рисовать различные гальки, камни и валуны, с которыми вы можете столкнуться в своих пейзажных приключениях.

Джули всегда стремится к свободной живописной интерпретации сцены, как в Creek at Briar Patch (акварель на бумаге, 11 x 14). Это не значит, что нужно проявлять небрежность при создании форм; это означает научиться улавливать точность самых важных форм.

Ключи к реалистичным камням

Скалы тяжелые! Шутя в сторону, рисование и раскрашивание гальки, камней и валунов может быть удивительно трудным — и чрезвычайно важным — для пейзажиста. Камни сложно изобразить реалистично по нескольким причинам, но в первую очередь потому, что мы склонны полагать, что будет легко просто «бросить» несколько камней в пейзажную картину. Из-за этого мы не уделяем им должного внимания, и в итоге они выглядят неуместно.

Простые формы

Вот первый ключ к рисованию камней: как и любой другой предмет, который мы рисуем, они состоят из простых форм. Обращайтесь с ними, держите их и ощущайте их вес, плоскость и твердые поверхности, чтобы лучше познакомиться с их свойствами.

Для Осенний переулок (акварель на бумаге, 11 × 14) Джули решила «заблокировать» некоторые щели между камнями разбавленной акриловой жидкостью. Она использовала это как акварель, чтобы не потерять свой рисунок, когда наносит очень влажную акварель.

Второй ключ? Когда мы рисуем эти формы, нашей основной задачей должно быть отображение их с использованием подходящих значений. Форма и стоимость — два самых важных элемента для реалистично выглядящих камней. Естественно, мы собираемся добавить цвет, но цвет, хотя и чрезвычайно важен, вторичен по отношению к форме и ценности.

Скалистое исследование

Итак, давайте посмотрим на формы. Сначала соберите несколько камней для изучения.

Начни с поиска

Выберите камень интересной формы и плоскости.Поместите этот камень перед собой, расположив его, если возможно, так, чтобы вы видели освещенную сторону, сторону вне света и отбрасываемую тень. Теперь проверьте его на наличие следующих характеристик:

• форма внешнего контура

• внутри самолетов

• светотени, или значение

• текстура и трещины

Рисунок

Нарисуйте камень и его тень.

Работа с несколькими камнями

Соберите несколько камней разных размеров и форм в натюрморт.Убедитесь, что с вашей точки зрения скалы перекрывают друг друга.

Усовершенствуйте свою композицию

Изучите несколько камней так же, как и один камень.

Начните с простого наброска, а затем переходите к более тщательной передаче композиции. Может быть полезно сфотографировать вашу композицию, распечатать ее, а затем обвести ее, чтобы вам было легче увидеть, где формы падают на картинной плоскости и где различные формы пересекаются друг с другом. Часто бывает сложно преобразовать трехмерный объект в плоский двухмерный формат.Справочная фотография с последующим отслеживанием может быть эффективным средством обучения.

Закрасьте кабинет

Закрасьте карандашный набросок или рок-этюд.

Рок-этюд Джули Гилберт Поллард, бумага, акварель

Совершите экскурсию

Теперь в полевую поездку. Если возможно, найдите каменистую местность на природе и примените то, что вы узнали. Если вы рисуете по фотографиям, вы тоже можете применить эти уроки.

Сосредоточьтесь на камнях и валунах, окруженных очень маленькой листвой или другими отвлекающими элементами, для нескольких картин.Постепенно найдите баланс между рисованием, достаточным для того, чтобы передать характер и индивидуальность камня, и вложением каждой маленькой трещинки и детали.

Слишком стилизованный и неиндивидуализированный, и камни начинают походить на картошку и попкорн. Слишком реалистично, вы потеряете рыхлую живописность. Работайте, чтобы запечатлеть формы, углы, плоскости, текстуры, перекрывающиеся формы, цвета и трещины. Узнайте все, что вы можете о своем предмете.

Не рисуй целиком

Кажется, что большинству людей нужно нарисовать всю скалу, как будто они имеют рентгеновское зрение и могут видеть сквозь землю и другие камни.Если это поможет вам в обучении, вы можете позже стереть ненужные линии, чтобы показать только ту часть камня, которая находится над землей. Ключ состоит в том, чтобы сделать все, что вам нужно, чтобы камни нарисовали так, чтобы они перекрывали друг друга и частично погружались в почву.

На этой иллюстрации показаны две целые породы, не перекрывающиеся друг другом, другими камнями или почвой. Пунктирная линия показывает, насколько глубоко они могут быть закопаны в землю или песок. Эта линия также могла быть ватерлинией.

На этой иллюстрации показано, насколько реалистичнее они выглядят и какой глубины достигается, когда один камень помещается перед другим.Они частично засыпаны песком, а нижний край прорисован так, чтобы предполагать, что впереди могут быть другие камни.

По мере того, как вы освоитесь с предметом, вы научитесь изображать каменистую почву, переходя от полностью нарисованных камней и валунов к свободному намеку на «каменистость», как показано здесь.

Научившись рисовать камни, вы начинаете понимать, что, хотя они могут быть довольно округлыми по своей природе, они могут не выглядеть твердыми и «каменистыми», если мы визуализируем их в точности такими, какими мы их видим.Если у вас есть округлый камень в образце, «сбрите» некоторую округлость, чтобы придать камню немного большую угловатость.

Это позволяет сохранить большую часть характера камня, придав ему «менее мягкий» вид. Точно так же вам часто нужно стилизовать или проявить некоторую художественную лицензию, когда камни имеют странную форму.

DEMO: Как красить камни | Седона Редс

Шаг 1

Шаг 1

На этом рисунке сцены, состоящей в основном из камней и валунов, я уделил много внимания контурам каждого из них, сделав их асимметричными, даже если это не так.Это помогает создавать интересные камни.

Кроме того, вы можете увидеть, где используется принцип «перекрытия». Когда одна форма накладывается на другую, достигается глубина — важная особенность скал в ландшафте. Без достаточного перекрытия скалы больше походили бы на стену, чем на каменный слой.

Шаг 2

Шаг 2

Чтобы нарисовать эти камни, я использовала технику, которую она называет «акриловая основа». Она еще больше использует разбавленную акриловую жидкость, чтобы она выглядела как традиционная акварель.

Акрил, используемый прозрачно, как акварель, не растворяется при последующих смывах. Если бы она начала рисовать традиционной акварелью в темных тонах, она бы получила мутные цвета.

Шаг 3

Шаг 3

Подумайте об использовании акриловой основы для закрепления темных акцентов и композиции, поскольку мы используем жидкую маску для закрепления белых. Оказавшись на месте, эти основы ценности позволили вам рисовать свободно и свободно, используя влажные стирки, которые не должны «оставаться между линиями», потому что композиция светлого и темного «заблокирована».”

Шаг 4

Шаг 4

На этом этапе работы я использовал традиционные акварельные методы, преувеличивая цвет, атмосферу и солнце, падающее на вершины скал. Она считает эффективным сохранить вершины скал в основном белыми от бумаги, ломая края кое-где светлым цветом, средними тонами для основной части скал и очень темными трещинами под ними и между ними.

Шаг 5: Заключительная работа

Sedona Reds, Джули Гилберт Поллард, бумага, акварель

Во многих случаях я считаю, что лучше применить некоторую художественную лицензию для улучшения цвета камней, как это было в случае с красными камнями в Sedona Reds (акварель на бумаге, 11 x 14).

Rock On!

Теперь, когда у вас есть все ноу-хау, как рисовать камни, вы готовы принимать все формы пейзажа.

Бонус!

Посмотрите, как Джули Гилберт Поллард покажет вам, как рисовать камни среди каскадных вод внизу: