Индийские художники — национальные особенности живописи

Здравствуйте, дорогие читатели – искатели знаний и истины!

Предлагаем вам прикоснуться к прекрасному – к искусству. Такая богатая в культурном плане страна, как Индия, славится своей живописью, начиная с древних времен и заканчивая современностью. Сегодня мы хотим рассказать, какие индийские художники были известны миру в истории и сейчас, как они жили, как творили и чем прославились.

Будет интересно, а главное – познавательно.

Содержание:
Живопись древности
Средневековье
Новое время
Современность
Заключение

Живопись древности

Древняя индийская живопись ассоциируется в первую очередь с пещерами Аджанты и их фресками. Приблизительно со 2 столетия до нашей эры тут жили буддийские монахи. К 5 столетию нашей эры буддизм в Индии, вытесненный индуизмом, пришел в упадок, и монахи покинули территорию.

Чудеса, скрытые за стенами пещеры, были открыты много лет спустя – лишь в 19 веке. В 1819 году охотники из Англии случайно наткнулись на бывшие святыни и обнаружили внутри удивительные по красоте настенные фрески. Они изображали фрагменты жизни главного учителя буддизма, его приближенных, а также правителей Древней Индии и представителей царского двора.

Пещерные фрески Анжанты

В 1920-е годы ставшие знаменитыми фрески пещер Аджанты отреставрировали. Впоследствии их признали гордостью Индии, культурным наследием древних художников, имен которых, увы, не осталось.

Средневековье

Уход монахов буддизма означал окончание эпохи пещерной росписи, но не исчезновение индийского живописного искусства в целом. Напротив, подобные события повлекли за собой новый виток развития, а именно – книжную миниатюру.

Направление миниатюр появилось к 10-му столетию, а пика достигло благодаря так называемой гуджаратской школе в 13-15 веках. По большей части миниатюры использовались в джайнистской литературе, в частности, в «Калпасутре».

Особенность изображений состояла в том, что лица имели немного искаженный вид: оба глаза писались в анфас, нос был острым и длинным настолько, что выходил за щеки. Грудная клетка тоже была нарочито выдающейся.

Древняя индийская книжная миниатюра

16-17 столетия характеризуются развитием раджпутской живописи и могольской миниатюры. Последняя стала особенно популярна при дворе Великих Моголов во время правления Джахангира в 17 веке – с 1605 по 1627 год.

Про Джахангира говорили, что он был пристрастен к алкоголю, опиуму, праздной жизни и женщинам. Отчасти это правда – среди других падишахов империи Моголов он был более склонен к такому образу жизни. Но при этом он считался большим ценителем искусства, взрастил выдающихся художников при дворе, да и сам обладал бесспорным талантом художника.

Могольская миниатюра

До наших дней сохранилось несколько портретов Джахангира.

Одним из самых великих художников – современников и протеже Джахангира был Бичитр. Времена его творчества датируются 1610—1660 годами.

Воспитанный при дворе, он был неплохо образован, знал персидский язык как иностранный. Учителем по рисованию был Абу-ль-Хасан. Художественная карьера началась в придворной мастерской, которая именовалась как китабхана. 

Первой работой считается картина, написанная в 1615 году, и уже тогда прослеживается индивидуальный стиль художника. Годом позже он написал портрет падишаха Джахангира, а также собственный автопортрет. Бичитр изобразил себя как молодого человека в районе тридцати лет в одеянии придворного.

Среди остальных художников двора Бичитр отличался отточенной техникой, в  основе которой лежала реалистичность и точная передача эмоций на лице. Он стал известен как выдающийся портретист – картины Бичитра изображали главные события в истории империи, правителей, членов императорской семьи, знать, духовников, а иногда даже животных.

Бичитр. Картина «Акбар передаёт императорскую корону Шах Джахану». Альбом Минто, 1631 г.

Большую известность художник приобрел при царствовании Шаха Джахана – последователя Джахангира. В работах можно проследить некоторое влияние европейских канонов живописи того времени: герои изображались боком или полубоком, в ¾ фигуры, а каждая картина венчалась индивидуальным орнаментом. Позже, в 30-е годы, можно увидеть изменение стиля от некоего романтизма до лаконичности, сдержанности.

Новое время

В 18 веке усиливалась колонизация, и к 19 столетию Индия, претерпевшая века правления мусульман, а затем – европейских колонизаторов, почти полностью утратила свою самобытность. Индийская живопись во многом переняла стиль художников Европы, в первую очередь – Англии. Но 19-20 века богаты замечательными мастерами кисти, и мы хотим рассказать о главных из них.

Раджа Рави Варма

Раджа Рави Варма считается первым индийским художником, всерьез увлекшимся картинами на холсте. Он жил и творил во второй половине 19 века по большей части в Бомбее – нынешнем Мумбаи.

Художник родился в 1848 году на территории современной Кералы в благополучной и довольно богатой семье, знакомой с наукой и искусством: отец – ученый, мать – литератор и поэт, а также трое братьев и сестер.

Раджа Рави Варма

Будучи начинающим художником, Раджа Рави Варма нашел покровительство местного махараджи. Благодаря ему он обучался у известных учителей:

• Рама Найду Свами – раскрывал тайны картин, написанных акварелью;
• Теодор Дженсон – выходец из Европы, специализировался на портретах маслом.

Навыки, способности, знания, привитые учителями, способствовали созданию индивидуального стиля Рави Вармы. Он вобрал черты английского аристократизма и индийской самобытности. Картины художника многие называют очень чувственными, иногда даже слишком, но именно это привлекает сентиментальных индийцев, поэтому до сих пор во многих домах можно увидеть репродукции его работ.

Мотивы картин тоже были самыми разными, порой даже противоположными:

• портреты;
• исторические события;
• мифические сюжеты;
• представители викторианской эпохи;
• быт простого индийского народа;
• сцены из «Махабхараты»;
• индийские мужчины и женщины в сари;
• боги индуистского пантеона.

Любой сюжет давался мастеру одинаково хорошо. Реалистичности бытовому жанру придавал тот факт, что он путешествовал по всей Индии в поисках идей, лиц и видел все своими глазами.

В 1873 году Раджа Рави Варма устраивал собственную выставку в Вене, за что был удостоен премии. Спустя двадцать лет он участвовал во Всемирной выставке в Чикаго и заслужил два «золота».

Амрита Шер-Гил

Амрита – первая знаменитая женщина в индийской живописи. Она творила в 20 веке, а ее работы удостоены звания национального достояния Индии.

Амриту Шер-Гил также часто называют индийской Фридой Кало. Действительно, у девушек много общего: во внешности, образе жизни, судьбе. Обе с ярким внешним видом, темными волосами и густыми бровями, они своим поведением порождали слухи о множестве любовников и любовниц, а в итоге обеих ждала скоропостижная смерть.

Девушка родилась в начале 1913 года в венгерской столице – в Будапеште. Семья отличалась статусом и образованием: отец был из сикхской аристократии, преподавал санскрит и персидский, мать – еврейка из Венгрии, пела в опере. Также у Амриты была сестра Индира, с которой они с самого детства были близки, вместе устраивали детские показательные выступления.

Амрита Шер-Гил (справа) и ее сестра Индира

Семья жила в Будапеште. Амрита была очень творческой девочкой: играла на фортепиано и скрипке, но лучше всего ей давалось рисование, которым она занималась с пятилетнего возраста.

В 10 лет девочка с матерью переехала во Флоренцию, где поступила в школу искусств, но скоро они вынуждены были уехать в Индию. В 16 лет Амрита снова приехала в Европу, на этот раз в Париж, где стала еще ближе искусству живописи.

Сама Амрита, повзрослев, писала в своем дневнике, что Европа принадлежит многим художникам, а Индия принадлежит только ей.

В начальных творениях девушки заметен европейский стиль, что неудивительно. Первой достойной работойой можно назвать картину «Юные девушки», написанную в 1932 году. Позже Амриту начали узнавать в художественных кругах и приняли в парижское сообщество, чем не могла похвастаться ни одна азиатка прежде.

Амриту Шер-Гил называют самой дорогой художницей в истории Индии.

В середине 30-х годов девушка чувствовала, что ей хочется вернуться на родину. Там она много путешествовала и нашла, наконец, свое призвание – показывать в картинах быт индийского народа, граничащий с нищетой и угнетением. Ярким примером реалистичного взгляда на жизнь индийцев является работа-трилогия, состоящая из картин:

• «Туалет невесты»;
• «Брахмачари»;
• «Крестьяне Южной Индии».

В 1938 году Амриту взял в жены ее двоюродный брат из Венгрии, а тремя годами спустя они перебрались в Лахор, бывший тогда культурной столицей Индии. Юная художница планировала устроить собственную выставку, но неожиданная болезнь, которая перешла в кому, забрала ее жизнь. Это случилось 6 декабря 1941 года. Нет официальной причины ее смерти, но одна из версий – последствия аборта.

Сегодня многие работы Шер-Гил хранятся в Галерее современного искусства в индийской столице. Там же названа улица в ее честь. Племянник Амриты, сын Индиры, впоследствии тоже стал художником и один свой проект, посвященный творчеству тети, выставлял в Лондоне.

Современность

Художественный талант Индии достиг своего пика, пожалуй, в современном мире. Подтверждение тому – большое количество художников нашего времени: пейзажистов, портретистов, абстракционистов, сюрреалистов и других современных направлений. В последнее время Болливуд часто радует своих зрителей фильмами, где главные герои – люди, влюбленные в изобразительное искусство.

Приведем список самых ярких представителей этой творческой профессии среди наших современников.

• Джаганнатх Пол

Наследственный художник, родился в 1976 году. Учился в Калькуттском колледже искусств, сейчас живет в Мумбаи. Главная тема работ – взаимоотношения полов. Воплощает идеи с помощью контрастных цветов акрилом, а также углем.

Появился на свет в 1973 году в Западной Бенгалии. Малая родина с ее первозданной природой, простой пасторалью, а также чтение книг во многом оказали влияние на будущую профессию мальчика. Рисует акварелью, акцентируя внимания на игре светотени.

• Бхаскар Лахири

Земляк Амита Бхара, но родился раньше – в 1961 году. Получил высшее художественное образование в Калькутте, был учеником другого мастера – Бхаттачарджи.

Бхаскар Лахири. Триратна

Вся ее жизнь связана с Бангалором. Создает удивительные картины на национальные мотивы, а также делает упор на язык телодвижений. Еще удивительнее то, что она училась художеству самостоятельно.

Родившись в 1963 году, в молодости он получил степень бакалавра в области изобразительного искусства. Впоследствии выставлял свои проекты на множестве выставок, в том числе за границей. Любимый материал – акрил.

• Винита Дасгупта

35-летняя художница считается одной из самых влиятельных и дорогостоящих женщин в сфере живописи 21 века. Сама себя называет «рассказчиком».

Молодой человек рисует исключительно углем. Это трудно и просто одновременно, но всегда невероятно красиво. Всего один цвет, черный, может передать целый спектр чувств.

Уроженец столицы, Арчан прославился благодаря так называемым цифровым работам. Это его собственный стиль, в основе которого лежит абстракционизм, поп-арт и недюжинный талант.

Живет и творит в Мумбаи. Виды родного города, его жители позволяют творцу черпать вдохновение. В основе – жизнь обычных людей, раскрашенная контрастной палитрой. Абид не раз участвовал в выставках в родной стране, в Сингапуре, а также создавал персональные экспозиции.

Заключение

Изобразительное искусство Индии имеет многовековую историю, зародившись на стенах пещер. С течением времени художники меняли свое видение мира, в том числе под влиянием представителей других культур – отсюда знаменитая раджпутская живопись, могольские миниатюры и их творцы.

Имена индийских художников известны миру только начиная с 17 века, но это было только начало. Новое время подарило Индии и человечеству в целом много выдающихся живописцев, и в нашем веке их число только растет.

Древняя индийская фреска

Большое спасибо за внимание, дорогие читатели! Надеемся, статья помогла вам стать ближе индийскому искусству и познакомила с интересными художниками. Если вам понравилась статья, поддержите нас, делитесь статьей в социальных сетях, оставляйте комментарии, чтобы искать истину вместе – мы будем очень рады.

Индийская живопись — Indian painting

Индийская живопись имеет очень давние традиции и историю в индийском искусстве , хотя из-за климатических условий сохранилось очень мало ранних примеров. Самыми ранними индийскими картинами были наскальные рисунки доисторических времен, такие как петроглифы, найденные в таких местах, как скальные убежища Бхимбетка . Некоторым из наскальных рисунков каменного века, найденных среди скальных убежищ Бхимбетки, приблизительно 10 000 лет.

В древней индуистской и буддийской литературе Индии есть много упоминаний о дворцах и других зданиях, украшенных картинами, но картины пещер Аджанты являются наиболее значительными из немногих сохранившихся. Роспись в рукописях в меньшем масштабе, вероятно, также практиковалась в этот период, хотя самые ранние сохранившиеся остатки относятся к средневековому периоду. Новый стиль был представлен с живописью Великих Моголов , представляющей слияние персидской миниатюры с более древними индийскими традициями, а с 17 века его стиль распространился по индийским княжеским дворам всех религий, каждая из которых развивала местный стиль. Картины компании создавались для британских клиентов при британском правлении , которое с 19 века также ввело художественные школы по западному образцу. Это привело к современной индийской живописи, которая все чаще возвращается к своим индийским корням.

Индийские картины можно в целом разделить на фрески, миниатюры и картины на ткани. Фрески — это большие работы, выполненные на стенах массивных сооружений, как в пещерах Аджанты и храме Кайлашнатх. Миниатюрные картины выполняются в очень маленьком масштабе для книг или альбомов на скоропортящемся материале, таком как бумага и ткань. Следы фресок, выполненные в технике, напоминающей фрески , сохранились в ряде мест с индийской архитектурой , высеченной в скалах , возрастом не менее 2000 лет, но останки 1-го и 5-го веков в пещерах Аджанты являются наиболее значительными.

Картины на ткани часто производится в более популярном контексте, часто народного искусства , используется, например , при путешествии чтецов эпической поэзии, такие как Bhopas из Раджастана и Chitrakathi в других местах, а также приобрести в качестве сувениров паломничеств. Очень немногие из пережитков старше 200 лет, но очевидно, что традиции намного старше. Некоторые региональные традиции все еще создают произведения.

Обзор основных жанров

Кажется очевидным, что миниатюрная живопись, часто иллюстрирующая рукописи, имеет очень долгую историю, но джайнские миниатюры примерно 12-го века, в основном из Западной Индии, и немного более ранние буддийские из Империи Пала на востоке являются самыми древними из сохранившихся. Подобные индуистские иллюстрации сохранились примерно с 15 века на западе и с 16 века в Восточной Индии, к тому времени миниатюра Моголов под руководством Акбара также иногда иллюстрировала переводы на персидский язык индуистских эпосов и других предметов.

Великий период придворной живописи Великих Моголов начинается с возвращения Хумаюна из изгнания в Персии в 1555 году, когда он привел с собой персидских художников. Он заканчивается во время правления Аурангзеба, который довольно не одобрял живопись по религиозным причинам и распустил большую имперскую мастерскую, возможно, к 1670 году. Художники рассредоточились по меньшим княжеским дворам, как мусульманским, так и индуистским, и стиль «пост-Моголов» развился в много местных вариантов. Сюда входили различные школы живописи Раджастхани, такие как Бунди, Кишангарх, Джайпур, Марвар и Мевар. Картины Рагамалы также принадлежат этой школе, как и более поздние картины Компании, созданные для британских клиентов с середины 18 века.

В современном индийском искусстве в 1930-х годах возникла бенгальская художественная школа, за которой последовало множество экспериментов в европейском и индийском стилях. После обретения Индией независимости многие новые жанры искусства разработали такие известные художники, как Джамини Рой, М. Ф. Хусейн , Фрэнсис Ньютон Соуза и Васудео С. Гайтонде . С развитием экономики формы и стили искусства также претерпели множество изменений. В 1990-х годах индийская экономика была либерализована и интегрирована в мировую экономику, что привело к свободному потоку культурной информации внутри и снаружи. Среди художников — Субодх Гупта , Атул Додия , Деваджьоти Рэй , Босе Кришнамачари и Джитиш Каллат, чьи работы выставлялись на аукционах на международных рынках. Бхарти Дайал решила обращаться с традиционной росписью Митхилы самым современным способом и создала свой собственный стиль с помощью упражнений собственного воображения, они кажутся свежими и необычными.

История индийской живописи

Доисторическое наскальное искусство

Доисторические рисунки обычно выполнялись на скалах, и эти наскальные рисунки назывались петроглифами . Эти картины обычно изображают животных, таких как бизоны, пиво, тигры и т. Д. Самые старые индийские рисунки — это наскальные рисунки в пещерах, которым около 30 000 лет, такие как наскальные рисунки Бхимбетка .

Фрески

История индийских фресках начинается в древних и раннесредневековых времен, от века до нашей эры 2 — го до 8 — го — 10 -го века нашей эры. В Индии известно более 20 мест с фресками того периода, в основном это естественные пещеры и высеченные в скалах камеры. Наивысшими достижениями этого времени являются пещеры Аджанта , Баг , Ситтанавасал , пещера Армамалаи (Тамил Наду), каменное убежище Раван Чхая , храм Кайласанатха в пещерах Эллора .

Фрески этого периода изображают в основном религиозные темы буддийской, джайнской и индуистской религий. Однако есть также места, где были написаны картины для украшения мирских помещений, например, древний театральный зал в пещере Джогимара и, возможно, королевский охотничий домик около 7 века нашей эры — скальное убежище Раван Чхая.

Фреска королевского двора в Аджанте

Образец крупномасштабной настенной живописи, который доминировал в этой сцене, стал свидетелем появления миниатюрных картин в XI и XII веках. Этот новый стиль впервые проявился в виде иллюстраций, выгравированных на рукописях на пальмовых листах. В содержание этих рукописей входила литература по буддизму и джайнизму. В восточной Индии основными центрами художественной и интеллектуальной деятельности буддийской религии были Наланда, Одантапури, Викрамшила и Сомарпура, расположенные в королевстве Пала (Бенгалия и Бихар).

Миниатюры до Великих Моголов

Ранние пережитки переносных индийских картин представляют собой миниатюры текстов (подавляющее большинство) или нарисованных предметов, таких как коробки. Несмотря на значительные доказательства того, что существовали более крупные картины на ткани (известные как пата ), и действительно сохранившиеся тексты, в которых обсуждается, как их создавать, известно, что ни одна средневековая индийская картина на ткани не сохранилась, если только некоторые буддийские картины не были взяты как тибетские или из Центральная Азия. На некоторых изображениях, обнаруженных сэром Аурелем Штайном, изображены индуистские божества (большинство из которых буддийские).

Восточная Индия

В восточной Индии миниатюрная живопись сохранилась с 10 века. Эти миниатюры, изображающие буддийских божеств и сцены из жизни Будды, были нарисованы на листьях (примерно 2,25 на 3 дюйма) рукописей на пальмовых листьях, а также на их деревянных обложках. Наиболее распространенные буддийский проиллюстрирована рукописи включают тексты Astasahasrika Праджняпарамите , Pancharaksa , Karandavyuha и Калачакра Тантры . Самые ранние из сохранившихся миниатюр находятся в рукописи Астасахасрика Праджняпарамита, датируемой шестым годом правления Махипалы (ок. 993 г.), в настоящее время принадлежащей Азиатскому обществу , Калькутта. Этот стиль исчез из Индии в конце 12 века.

Влияние восточно-индийских картин можно увидеть в различных буддийских храмах Багана , Мьянма, особенно в храме Абейадана, который был назван в честь супруги королевы Мьянмы, Абейаданы, которая сама имела индийские корни, и храма Губьяукгьи . Влияние восточно-индийской живописи также можно отчетливо наблюдать в картинах тибетской тханки .

Западная Индия

Сохранившиеся иллюстрированные рукописи из Западной Индии, в основном из Гуджарата , датируются примерно 11 веком, но в основном относятся к 13 веку и далее. Первоначально сохранившиеся примеры — все джайны . К 15 веку они становились все более щедрыми, с большим использованием золота.

Наиболее часто иллюстрированным рукописным текстом является Кальпа-сутра , содержащая биографии тиртханкаров , особенно Паршванатха и Махавиры . Иллюстрации представляют собой квадратные панели, расположенные в тексте, с «жестким рисунком» и «блестящим, даже подобным драгоценному камню цветом». Фигуры всегда видны в трех четвертях обзора с характерными «длинными заостренными носами и выпученными глазами». Существует соглашение, согласно которому более удаленная сторона лица выступает вперед, так что видны оба глаза.

Шаданга индийской живописи

Древние тексты определили шесть важных аспектов живописи. Эти «Шесть конечностей» были переведены следующим образом:

1. Рупабхеда . Знание явлений.
2. Праманам Правильное восприятие, мера и структура.
3. Бхава Действие чувств на формы.
4. Лаванья Йоджанам Влияние изящества, художественное воплощение .
5. Sadrisyam Similitude.
6. Варникабханга Художественная манера использования кисти и красок. (Тагор.)

Последующее развитие живописи буддистами указывает на то, что эти «Шесть конечностей» применялись на практике индийскими художниками и являются основными принципами, на которых основывалось их искусство.

Ранний современный период (1526–1857 гг. Н. Э.)

Могольская живопись

Живопись Великих Моголов — это стиль индийской живописи, обычно ограниченный иллюстрациями к книге и выполненный в миниатюрах, который возник, развился и сформировался в период Империи Великих Моголов между 16 и 19 веками. Стиль Моголов находился под сильным влиянием персидских миниатюр и, в свою очередь, оказал влияние на несколько индийских стилей, включая стили живописи Раджпут , Пахари и Декан .

Картины Моголов представляли собой уникальное сочетание индийского, персидского и исламского стилей. Поскольку короли Великих Моголов хотели наглядно отражать свои действия в качестве охотников и завоевателей, их художники сопровождали их в военных экспедициях или государственных миссиях, или записывали их доблесть как убийцы животных, или изображали их в великих династических церемониях бракосочетания.

Правление Акбара (1556–1605) открыло новую эру в индийской миниатюрной живописи. После того, как он укрепил свою политическую власть, он построил новую столицу в Фатехпур-Сикри, где собрал художников из Индии и Персии. Он был первым монархом, который основал в Индии ателье под руководством двух персидских мастеров-художников, Мир Сайеда Али и Абдуса Самада . Раньше они оба служили под покровительством Хумаюна в Кабуле и сопровождали его в Индию, когда он вновь занял свой трон в 1555 году. На работу было нанято более сотни художников, большинство из которых были из Гуджарата, Гвалиора и Кашмира, от которых родились в новую школу живописи, широко известную как Школа миниатюрных картин Моголов.

Одним из первых произведений этой школы миниатюрной живописи была серия « Хамзанама », которая, по словам придворного историка Бадаюни, была начата в 1567 году и завершена в 1582 году. Были иллюстрированы « Хамзанама» , рассказы Амира Хамзы, дяди Пророка. на Мир Сеида Али . Картины Хамзанамы большого размера, 20 x 27 дюймов, написаны на ткани. Они выполнены в стиле персидского сафави. Преобладают ярко-красный, синий и зеленый цвета; розовые, размытые скалы и растительность, плоскости и цветущая слива. персиковые деревья напоминают Персию, однако индийские тона появляются в более поздних работах, когда работали индийские художники.

После него Джахангир поощрял художников рисовать портреты и сцены дурбаров. Его самыми талантливыми портретистами были Устад Мансур , Абул Хасан и Бишандас .

Шах Джахан (1627–1658) продолжил покровительство живописи. Некоторыми из известных художников того периода были Мохаммад Факирулла Хан, Мир Хашим, Мухаммад Надир, Бичитр , Читарман, Анупчхатар, Манохар и Хонхар.

Аурангзеб не любил изящные искусства, вероятно, из-за его исламского консерватизма. Из-за отсутствия покровительства художники мигрировали в Деканский и индуистский дворы Раджпутаны , что сильно повлияло на стили в этих центрах.

Деканская живопись

Живопись Декана создавалась в регионе Декан в Центральной Индии , в различных мусульманских столицах султанатов Декана , возникших в результате распада султаната Бахмани к 1520 году. Это были Биджапур , Голконда , Ахмаднагар , Бидар и Берар . Основной период был между концом 16 и серединой 17 века, с некоторым возрождением в середине 18 века, к тому времени сосредоточившимся в Хайдарабаде .

По сравнению с ранней живописью Великих Моголов, развивающейся в то же время на севере, живопись Декана превосходит «яркость цвета, изысканность и артистичность композиции, а также общую атмосферу декадентской роскоши». Другие отличия включают рисование лиц, не очень искусно смоделированных, в трехчетвертном виде, а не в основном в профиль в стиле Великих Моголов, и «высоких женщин с маленькими головами» в сари. Есть много королевских портретов, хотя они не имеют точного сходства с их эквивалентами Моголов. Здания изображаются как «полностью плоские панели, похожие на экран».

Картины рага , декорации, иллюстрирующие (вызывая их настроение) различные музыкальные формы рага , по-видимому, были нововведением Декана. Помимо обычных портретов и иллюстраций к литературным произведениям, иногда встречаются иллюстрированные летописи, например, Тузук-и-Асафия . Особенность Декана (также иногда встречающаяся в других средах, таких как слоновая кость ) — это «составное животное», большое животное, состоящее из множества меньших изображений других животных.

Раджпутская живопись

Несколько различных стилей живописи раджпутов развились с конца 16 века и далее в индуистских королевских дворах Раджпутаны . Каждое королевство раджпутов развивало свой стиль, но с некоторыми общими чертами. Картины раджпутов изображают ряд тем, такие эпические события, как Рамаяна и Махабхарата , жизнь Кришны, красивые пейзажи и людей. Многие миниатюры входили в состав отдельных альбомов, но есть и иллюстрированные книги, и в то же время существовали фрески на стенах дворцов, фортов и хавели . Это особенно характерно для региона Шехавати , где бизнесмены Марвари , в основном работающие в крупных городах, соревновались за ярко окрашенные экстерьеры домов, которые они содержали в своем родном регионе.

Живопись раджпутов состоит из четырех основных групп:

1. Школа Мевар, которая включает стили живописи Чаванд , Натхдвара , Девгарх , Удайпур и Савар.
2. Marwar школа , содержащая Kishangarh , стиль Биканер живописи из Биканера , Джодхпур , Nagaur , Пали и Ghanerao стилей
3. Школа Хадоти с стилями Кота , Бунди и Джалавар и
4. Dhundar школа Амбер , Джайпур , Shekhawati живописи и Uniara стилей живописи.

Живопись пахари является самым северным продолжением стиля раджпут, но обычно рассматривается отдельно.

Пахари живопись

Стиль пахари разработаны и процветала в течение 17 — го по 19 века , простирающейся от Джамму до Алморы и Гарвале , в суб — Гималайской Индии , через Химачал — Прадеш . Картины Пахари можно разделить на две группы: школа Джамму или Догра; школа Башоли и Кангра. Каждый создавал резкие вариации в рамках жанра, начиная от смелой интенсивной живописи Басоли , происходящей из Басоли в Джамму и Кашмире , до тонких и лирических картин Кангра , которые стали синонимами стиля до того, как появились другие школы живописи.

Малва и джаунпур

Новую тенденцию в иллюстрировании рукописей задала рукопись Ниматнамы, написанная в Манду во время правления Насир-шаха (1500–1510). Это представляет собой синтез местного и покровительственного персидского стиля, хотя именно последний преобладал в рукописях манду. Был еще один стиль живописи, известный как Лоди Хуладар, который процветал во владениях султаната в Северной Индии, простираясь от Дели до Джаунпура.

Майсурская живопись

Живопись Майсура — важная форма классической южно-индийской живописи, которая зародилась в городе Майсур в штате Карнатака. Эти картины известны своей элегантностью, приглушенными цветами и вниманием к деталям. Темами большинства этих картин являются индуистские боги и богини, а также сцены из индуистской мифологии . В наше время эти картины стали очень популярным сувениром на праздниках в Южной Индии.

Процесс создания майсурской картины включает в себя много этапов. На первом этапе делается предварительный набросок изображения на основе. Основа состоит из патронной бумаги, наклеенной на деревянную основу. Паста из оксида цинка и гуммиарабика называется «гипсовая паста». Тонкой кистью закрашиваются все украшения и детали трона или арки, имеющие некоторый рельеф, для придания эффекта резьбы чуть приподнятым. Этому дают высохнуть. На это наклеена тонкая золотая фольга. Остальная часть рисунка раскрашивается акварелью. Используются только приглушенные цвета.

Живопись Танджора

Живопись Танджора — важная форма классической южноиндийской живописи, родом из города Танджор в Тамил Наду. Этот вид искусства восходит к началу 9 века, когда доминировали правители Чола , которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темами большинства этих картин являются индуистские боги и богини, а также сцены из индуистской мифологии . В наше время эти картины стали очень популярным сувениром на праздниках в Южной Индии.

Процесс создания картины Танджора включает в себя много этапов. На первом этапе делается предварительный набросок изображения на основе. Основа состоит из ткани, наклеенной на деревянную основу. Затем порошок мела или оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят его на основу. Чтобы сделать основу более гладкой, иногда используют мягкий абразив . После того, как рисунок нанесен, украшение и одежда на изображении декорируются полудрагоценными камнями. Также для украшения украшения использованы шнурки или нитки. Сверху наклеивается золотая фольга. Наконец, красители используются для окраски фигур на картинах.

Паттачитра

Паттачитра относится к классической живописи Одиши и Западной Бенгалии в восточном регионе Индии. «Патта» на санскрите означает «Вастра» или «одежда», а «читра» означает картины.

Патачитра села Ная

Патачитра села Ная

Богиня Дурга и ее семья в Мединпур-Патачитре

Манаса в Калигхат Патачитре

Бенгальская патачитра

Бенгальская патачитра относится к живописи Западной Бенгалии . Это традиционное и мифологическое наследие Западной Бенгалии . Бенгальская Патачитра делится на несколько различных аспектов, таких как Дурга Пат , Чалчитра , Племенная Патачитра , Мединипур Патачитра , Калигхат Патачитра и т.д. Калигхат-патачитра, последняя традиция бенгальской патачитры, разработана Джамини Роем . Художника бенгальской Патачитры зовут Патуа .

Традиция Ориша Паттачитры тесно связана с поклонением Господу Джаганнатхе . Помимо отрывочных свидетельств росписей пещер Кхандагири и Удаягири и фресок Ситабхинджи шестого века нашей эры, самые ранние картины коренных народов Одиши — это Паттачитра, выполненная Читракарами (художников называют Читракарами). Тема живописи ории сосредоточена вокруг секты вайшнавов . С момента зарождения культуры Паттачитры Господь Джаганнатх, который был воплощением Господа Кришны, был главным источником вдохновения. Тематика Патта Читра — это в основном мифологические, религиозные истории и фольклор. Темы в основном на Господа Джаганнатха и Радхи — Кришны , разные «Vesas» из Джаганнатха , Балабхадры и Субхадры , храмовых деятельности, десять воплощений из Вишну базировании на « Гита Говинда » из Jayadev , Кама Kujara Наба Gunjara, Рамаяны , Махабхараты . Также расписываются отдельные картины богов и богинь. Художники используют растительные и минеральные цвета, не прибегая к заводским цветам плакатов. Они готовят свои собственные цвета. Белый цвет получается из раковин путем измельчения, кипячения и фильтрации в очень опасном процессе. Это требует большого терпения. Но этот процесс дает блеск и premanence к оттенку . «Hingula», минеральный цвет, используется для красного цвета. «Харитала», король каменных ингредиентов для желтого, «Рамараджа», своего рода индиго для синего. Используются чистые ламповые или черные, приготовленные путем сжигания скорлупы кокосовых орехов. Кисти, которые используют эти Читракары, также являются местными и сделаны из шерсти домашних животных. Пучок волос, привязанных к концу бамбуковой палочки, делает кисть. Действительно удивительно, как эти художники создают такие точные линии и завершают их с помощью этих грубых кистей. Эта старая традиция Ория живописи до сих пор сохраняется в день в опытных руках Chitrakaras (традиционные художники) в Пури , Raghurajpur , Паралакхемундите , Chikiti и Сонепур .

Другие региональные стили

Живопись Мадхубани — это стиль живописи, практикуемый в регионе Митхила в штате Бихар. Темы вращаются вокруг индуистских богов и мифологии, наряду со сценами из королевского двора и общественных мероприятий, таких как свадьбы. Обычно пустого места не остается; пробелы заполнены картинами с изображением цветов, животных, птиц и даже геометрическими узорами. В этих картинах художники используют листья, травы и цветы, чтобы создать цвет, который используется для рисования картин.

Британский колониальный период (1757–1947 гг. Н. Э.)

Фирменный стиль

Когда компания правила в Индии началась в 18 веке, большое количество европейцев мигрировало в Индию. Стиль компании — это термин для гибридного индоевропейского стиля картин, созданных в Индии индийскими и европейскими художниками, многие из которых работали на европейских покровителей в Британской Ост-Индской компании или других иностранных компаниях в 18 и 19 веках. Стиль сочетал в себе традиционные элементы живописи раджпута и великих моголов с более западной трактовкой перспективы, объема и рецессии.

Ранняя современная индийская живопись

Радха и Кришна по М. Dhurandhar , холст , масло.

В начале 18 века масляная и станковая живопись началась в Индии, и многие европейские художники, такие как Зоффани , Кеттл , Ходжес , Томас и Уильям Даниелл , Джошуа Рейнольдс , Эмили Иден и Джордж Чиннери, приехали в Индию в поисках творчества. слава и удача. Дворы княжеских штатов Индии привлекали внимание европейских художников из-за их покровительства изобразительному и исполнительскому искусству. Для индийских художников это западное влияние, в значительной степени результат колониализма, рассматривалось как «средство самосовершенствования», и эти западные академические художники, посетившие Индию, послужили образцом. Однако они не проводили обучение. По словам Р. Шивы Кумара, «Эта задача, которая выпала на долю различных художественных школ, основанных в 1850-х годах, дала институциональную основу вестернизации индийского искусства».

Были открыты первые формальные художественные школы в Индии, а именно Государственный колледж изящных искусств в Мадрасе (1850 г.), Государственный колледж искусств и ремесел в Калькутте (1854 г.) и Школа искусств сэра Дж. Дж. В Бомбее (1857 г.).

Раджа Рави Варма был пионером современной индийской живописи. Он опирался на западные традиции и техники, включая масляную краску и станковую живопись, причем его предметы были чисто индийскими, такими как индуистские божества и эпизоды из эпосов и пуран . Некоторые другие выдающиеся индийские художники, родившиеся в 19 веке, — это Махадев Вишванат Дхурандхар (1867–1944), AX Trindade (1870–1935), MF Pithawalla (1872–1937), Савларам Лакшман Халданкар (1882–1968) и Хемен Маджумдар (1894–1894). 1948 г.).

В XIX веке, по словам Р. Шивы Кумара, «выборочная вестернизация для самосовершенствования уступила место националистической культурной противоположности на рубеже веков — повсеместно, это первый шаг к политическому сопротивлению колониальному правлению». На практике это материализовалось как ассимиляция «разнообразных азиатских элементов», расширение традиции больше, чем ее возрождение. Ведущий художник того времени Абаниндранат Тагор (1871–1951) использовал как западный реализм, так и азиатские элементы, которые приблизили его «близко к раннему модернизму».

Реакция на западное влияние привела к возрождению исторического и более националистического индийского искусства, называемого бенгальской школой искусства , которое черпало из богатого культурного наследия Индии.

Бенгальская школа

Бенгальская школа искусств была влиятельный стилем искусства , которое процветало в Индии во время британского владычества в начале 20 — го века. Это было связано с индийским национализмом, но также продвигалось и поддерживалось многими британскими администраторами искусств.

Бенгальская школа возникла как авангардное и националистическое движение, выступающее против академических художественных стилей, которые ранее продвигались в Индии как индийскими художниками, такими как Рави Варма, так и в британских художественных школах. После широкого влияния индийских духовных идей на Запад, британский учитель искусства Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств , побуждая студентов подражать миниатюрам Моголов . Это вызвало огромные споры, вызвавшие забастовку студентов и жалобы местной прессы, в том числе националистов, которые считали это регрессивным шагом. Поддержку Гавела оказал художник Абаниндранат Тагор , племянник поэта и художника Рабиндраната Тагора . Абаниндранатх написал ряд работ под влиянием искусства Великих Моголов, стиля, который он и Гавел считали выражением особых духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Его самая известная картина, Бхарат Мата (Мать Индия), изображала молодую женщину, изображенную с четырьмя руками в манере индуистских божеств, держащую предметы, символизирующие национальные устремления Индии.

Позже Тагор попытался наладить связи с дальневосточными художниками в рамках своего стремления построить паназиатскую модель искусства. К этой индо-дальневосточной модели относились Нандалал Босе , Мукул Дей , Калипада Гошал , Беноде Бехари Мукхерджи , Винаяк Шиварам Масоджи, BC Саньял , Беохар Рамманохар Синха , а затем их ученики А. Рамачандран , Тан Юань Чамели, Рамананда Бандопадхьяй и др. несколько других.

Влияние бенгальской школы на индийскую художественную сцену постепенно начало ослабевать с распространением модернистских идей после обретения независимости. К.Г. Субраманян играет в этом движении значительную роль.

Контекстуальный модернизм

Термин « контекстуальный модернизм», который Шива Кумар использовал в каталоге выставки, стал постколониальным критическим инструментом в понимании искусства, которое практиковали художники Шантиникета.

Некоторые термины , в том числе Пол Гилрой «s контркультуры современности и Tani Barlow » s Colonial современности , были использованы для описания своего рода альтернативной современности , которая возникла в неевропейских контекстах. Профессор Галл утверждает, что «контекстуальный модернизм» — более подходящий термин, потому что «колониальное в колониальной современности не приспосабливает отказ многих людей в колонизированных ситуациях усвоить неполноценность. Отказ учителей-художников Сантиникетана от подчинения включал в себя противоположное видение современности, которое стремилось исправить расовый и культурный эссенциализм, который руководил и характеризовал имперскую западную современность и модернизм. Те европейские современности, спроецированные через торжествующую британскую колониальную мощь, вызвали националистическую реакцию, столь же проблематичную, когда они включали аналогичные эссенциализмы ».

По словам Р. Шивы Кумара, «художники Шантиникета были одними из первых, кто сознательно бросил вызов этой идее модернизма, отказавшись как от интернационалистского модернизма, так и от историцистской самобытности, и попытался создать контекстно-зависимый модернизм». Он изучал творчество шантиникетских мастеров и размышлял об их подходе к искусству с начала 80-х годов. По словам Шивы Кумара, практика включения Нандалала Боса , Рабиндраната Тагора , Рама Кинкера Байджа и Беноде Бехари Мукерджи в Бенгальскую школу искусств вводила в заблуждение. Это произошло потому, что первые писатели руководствовались генеалогией ученичества, а не своим стилем, мировоззрением и взглядами на художественную практику .

Литературный критик Ранджит Хоскоте , анализируя работы современного художника Атула Додия, пишет: «Знакомство с Сантинкетаном через литературный обходной путь открыло Додии глаза на исторические обстоятельства развития того, что историк искусства Р Сива Кумар назвал« контекстуальным модернизмом ». в восточной Индии в 1930-40-х годах в бурные десятилетия глобальной депрессии, освободительной борьбы Ганди, тагорского культурного возрождения и Второй мировой войны ».

Контекстуальный модернизм в недавнем прошлом нашел свое применение в других смежных областях исследований, особенно в архитектуре .

Пост Независимости (1947– настоящее время)

В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, в котором использовались западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, как Джамини Рой , сознательно черпали вдохновение в народном творчестве. Бхарти Дайал решила использовать традиционную Живопись Митхилы самым современным способом и использует в своих работах как реализм, так и абстракционизм, с большим количеством фантазии, смешанной с обоими. В ее работах безупречное чувство баланса, гармонии и изящества.

Ко времени провозглашения независимости в 1947 году несколько школ искусств в Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.

Группа прогрессивных художников , созданная вскоре после обретения Индией независимости в 1947 году, была призвана установить новые способы выражения Индии в постколониальную эпоху. Основателями были шесть выдающихся художников — К. Х. Ара , С. К. Бакре , Х. А. Гаде , М. Ф. Хусейн , С. Г. Раза и Ф. Н. Соуза , хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала огромное влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все ведущие художники Индии 1950-х годов были связаны с группой. Некоторые из тех, кто сегодня хорошо известен, — это Бал Чабда , Маниши Дей , В.С. Гайтонде , Кришен Кханна , Рам Кумар , Тайеб Мехта , Беохар Рамманохар Синха и Акбар Падамси . Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта , Прокаш Кармакар , Джон Уилкинс и Биджон Чоудхури, обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконой современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна , также упоминали те произведения современных художников, которые отражают индийский дух.

Кроме того, рост дискурса об индийском искусстве как на английском, так и на традиционных индийских языках привел к присвоению того, как искусство воспринималось в художественных школах. Критический подход стал строгим, такие критики, как Гита Капур , Р. Шива Кумар способствовал переосмыслению практики современного искусства в Индии. Их голоса представляли индийское искусство не только в Индии, но и во всем мире. Критики также сыграли важную роль в качестве кураторов важных выставок, переосмыслив модернизм и индийское искусство.

Индийское искусство получило подъем с экономической либерализацией страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали использовать разные стили работы. Таким образом, индийское искусство после либерализации работает не только в рамках академических традиций, но и за их пределами. На этом этапе художники представили еще более новые концепции, которые до сих пор не встречались в индийском искусстве. Деваджьоти Рэй представил новый жанр искусства под названием псевдореализм . Псевдореалистическое искусство — это оригинальный художественный стиль, полностью разработанный на индийской земле. Псевдореализм учитывает индийскую концепцию абстракции и использует ее для преобразования обычных сцен индийской жизни в фантастические образы.

Народная индийская живопись

Народное искусство — это живое искусство (современное искусство), основанное на прошлом (мифы, традиции и религия) и созданное определенными группами. Народное искусство основано на коллективной памяти этой группы.

Примеры народной индийской живописи:

Племенная живопись:

Сельская живопись:

Галерея

Некоторые известные индийские картины

Смотрите также

Примечания

Рекомендации

• Блартон, Т. Ричард, индуистское искусство , 1994, British Museum Press, ISBN   0 7141 1442 1
• Чакраверти, Анджан, Индийская миниатюрная живопись , 2005, Lustre Press, ISBN   8174363343 , 9788174363343
• Крейвен, Рой С. , Индийское искусство: краткая история , 1987, Темза и Гудзон (Прегер в США), ISBN   0500201463
• Харле, Дж. К., Искусство и архитектура Индийского субконтинента , 2-е изд. 1994, Йельский университет Press Pelican History of Art, ISBN   0300062176
• Сардар, Марика. «Исламское искусство Декана» . Метрополитен-музей . Дата обращения 3 февраля 2019 .
• «Миниатюрная живопись», Центр культурных ресурсов и обучения , правительство Индии
• «Современная индийская живопись», Центр культурных ресурсов и обучения , Правительство Индии
• «Настенные росписи», Центр культурных ресурсов и обучения , правительство Индии

дальнейшее чтение

• Хавелл, Э.Б. (1908). Индийская скульптура и живопись . Джон Мюррей, Лондон.
• Кумарасвами, Ананда К. (1914). Вишвакарма; образцы индийской архитектуры, скульптуры, живописи, ремесел . Лондон.
• Хавелл, Е.Б. (1920). Справочник индийского искусства . Джон Мюррей, Лондон.
• Индийская живопись , от Percy Браун . Издано издательством YMCA, 1960 г.
• Индийская живопись Филипа С. Роусона. Опубликовано П. Тисне, 1961 г.
• Индийская живопись: сцена, темы и легенды , Мохиндар Сингх Рандхава, Джон Кеннет Гэлбрейт. Опубликовано Houghton Mifflin, 1968.
• Индийская живопись , Дуглас Э. Барретт, Бэзил Грей . Опубликовано Скирой, 1978 г. ISBN   0-8478-0160-8 .
• Коссак, Стивен. (1997). Индийская придворная живопись XVI – XIX веков. Метрополитен-музей. ISBN   0-87099-783-1
• Лернер, Мартин (1984). Пламя и лотос: искусство Индии и Юго-Восточной Азии из коллекций Кроноса . Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. ISBN   0-87099-374-7 .
• История индийской живописи: современный период Кришны Чайтаньи. Опубликовано Abhinav Publications, 1994. ISBN   81-7017-310-8 .
• Рамаяна Валмики, иллюстрированная индийскими миниатюрами XVI-XIX веков , Diane de Selliers Publisher, 2011, ISBN   978-2-903656-76-8
• Уэлч, Стюарт Кэри (1985). Индия: искусство и культура, 1300-1900 гг. . Нью-Йорк: Музей искусств Метрополитен. ISBN   978-0-944142-13-4 .

внешняя ссылка

Онлайн-выставки

Современная индийская живопись – HiSoUR История культуры

Современное индийское художественное движение в индийской живописи считается начатым в Калькутта в конце девятнадцатого века. Старые традиции живописи более или менее вымерли в Бенгалия и новые школы искусства были начаты англичанами. Первоначально главные герои индийского искусства, такие как Раджа Рави Варма, использовали западные традиции и техники, включая масляную краску и станковую живопись. Реакция на влияние Запада привела к возрождению в примитивизме, названному Бенгальской школой искусств, которая была основана на богатом культурном наследии Индия , Это преуспело в школе Сантиникет, возглавляемой Рабиндранатом Тагором, возвращаясь к идиллической сельской народной и сельской жизни. Несмотря на свое влияние в масштабах всей страны в первые годы, значение школы сократилось на 40-е годы, и теперь она так же хороша, как и мертвая.

Британские художественные школы
Масло и станковая живопись В Индии началось восемнадцатое столетие, в котором многие европейские художники, такие как Зофаны, Чайник, Ходжес, Томас и Уильям Даниэлл, Джошуа Рейнольдс, Эмили Иден и Джордж Чиннери вышли на Индия в поисках славы и удачи. Суды княжеских штатов Индии были важной ничья для европейских художников из-за их покровительства зрительного и исполнительского искусства, а также их потребности в европейском стиле портретов

Торговцы Ост-Индской компании также предоставили большой рынок для местного искусства. Четкий жанр, созданный акварельной живописью на бумаге и слюде в поздней половине XVIII века, изображающий сцены повседневной жизни, регалии княжеских дворов и местные праздники и ритуалы. Называется как «стиль компании» или «стиль компании», Патна стиль », он сначала процветал в Муршидабаде и распространился на другие города британского сюзеренитета. Стиль считается властью« гибридного стиля и неповторимого качества ».

Пост-1857, Джон Гриффитс и Джон Локвуд Киплинг (отец Редьярда Киплинга) вышли в Индию вместе; Гриффит, возглавляющий школу искусств Сэра Дж. Дж. И считающийся одним из лучших викторианских художников, приезжающих в Индию, и Киплинг продолжал возглавлять как Художественную школу JJ, так и Школу искусств Майо, основанную в Лахоре в 1878 году.

Просвещенное отношение восемнадцатого века, показанное более ранним поколением англичан к индийской истории, памятникам, литературе, культуре и искусству, отвратилось в середине девятнадцатого века. Предыдущие проявления индийского искусства были отброшены как «мертвые» и вещи музеев; «с официальной британской точки зрения, Индия не имело живого искусства ». Чтобы пропагандировать западные ценности в художественном образовании и колониальной повестке дня, британские школы искусств Калькутта а также хлопчатобумажная ткань в полоску в 1854 году и в Бомбей в 1857 году.

Раджа Ravi Варма
Раджа Рави Варма (1848-1906) был замечательным индийским художником-самоучкой из княжеского штата Траванкор. Его выступление на западе произошло, когда он выиграл первый приз на Венской художественной выставке в 1873 году. Картины Вармы также были отправлены на Всемирную выставку в Колумбии, Чикаго в 1893 году, а его работа была отмечена двумя золотыми медалями. Он считается первым из модернистов и вместе с Амритой Шер-гил (1913-1941) – главными представителями западных технологий для разработки новой эстетики в субъективной интерпретации индийской культуры с «обещанием материальности в среде масел и реалистической парадигмы зеркального / оконного формата станковой живописи ». Некоторые другие выдающиеся индийские художники, родившиеся в 19 веке, – Махадев Вишванатх Дурандхар (1867-1944), Антонио Ксавье Триндаде (1870-1935), Маншерхо Факиржи Питхалла (1872-1937), Савларам Лакшман Халданкар (1882-1968) и Хемен Маджумдар ( 1894-1948).

Работа Вармы считалась одним из лучших примеров слияния индийских традиций с методами европейского академического искусства, в колониально-националистических рамках XIX века. Его больше всего помнят за его картины красивых сари-одетых женщин, которые были изображены как стройные и изящные. Варма стала самым известным аллегористом индийских подданных в его изображении сцен из эпосов Махабхараты и Рамаяны.

Раджа Рави Варма считал свою работу «установлением новой цивилизационной идентичности в терминах Индии XIX века»: 147 Он стремился сформировать индийский кантон искусства в стиле классической греческой и римской цивилизаций. Искусство Вармы сыграло важную роль в развитии индийского национального сознания. Варма приобрела печатный станок, в котором были сняты олеографические копии его картин, которые украшали дома среднего класса Индия , спустя много десятилетий после его смерти. Считая гения в своем гефее, в течение нескольких лет его прохождения, картины Вармы подвергались суровым ограничениям для имитации западного искусства.

Раджа Рави Варма умер в 1906 году в возрасте 58 лет. Он считается одним из величайших художников в истории индийского искусства.

Г-н Вайбхав С. Адхав

Пикассо из Индии попал в молодежное лицо г-на Вайбхава С. Адхава. Вайбхав С. Адхав – индийский современный художник. И он создал новую художественную форму, название которой – современное искусство Indo-Euro. Это уникальное искусство в мире. Он основан в Индия , Он развил там искусство в современном, современном, индийском, европейском, warli, ландшафте и т. Д. Теперь он является будущим индийского искусства, основанного на глобальной платформе.

Бенгалия Школа
В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, который использовал западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем, среди которых видна Раджа Рави Варма. Бенгальская школа возникла как авангард и националистическое движение, реагирующее на стили академического искусства, ранее пропагандировавшиеся в Индия , как индийскими художниками, такими как Varma, так и в британских художественных школах.

После широко распространенного влияния индийских духовных идей на Западе британский учитель искусства Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств, поощряя учеников подражать миниатюрам Моголов. Это вызвало огромные споры, что привело к забастовке со стороны студентов и жалобы местной прессы, в том числе от националистов, считавших это регрессивным шагом. Гавел был поддержан художником Абаниндранатом Тагором, племянником поэта Рабиндраната Тагора.

Абаниндранат написал ряд работ под влиянием искусства Моголов, стиль, который он и Гавел считали выразительными Индия в отличие от «материализма» Запада. Его самая известная живопись, Бхарат Мата (Мать Индия), изображала молодую женщину, изображаемую четырьмя руками в образе индуистских божеств, содержащая объекты, символизирующие Индия национальные устремления. Другими выдающимися деятелями Бенгальской школы искусства были Гаганендранат Тагор, старший брат Абаниндраната, Джамини Рой, Мукул Ди, Маниши Дей и Рам Кинкер Байдж, который более известен как пионер современной индийской скульптуры. Другой важной фигурой этой эпохи был Читтапросад Бхаттачарья, который отверг классицизм Бенгалия Школа и его духовные заботы. Его книга «Голодная Бенгалия»: экскурсия по Миднапурскому району включала множество эскизов Бенгальского голода, извлеченных из жизни, а также документацию изображенных лиц. Книга была немедленно запрещена британцами, и 5000 экземпляров были изъяты и уничтожены. Только одна копия была скрыта семьей Читтапросада и теперь находится во владении Дели Изобразительное искусство Галерея ,

В течение первых 20-х годов прошлого века Абаниндранатх установил связи с японскими деятелями культуры, такими как историк искусства Окакура Какуз и художник Йокояма Тайкан в рамках глобализованной модернистской инициативы с пан-азиатскими тенденциями.

Те, кто связан с этой моделью Индо-Дальнего Востока, включали Нандалала Босе, Беноде Бехари Мукерджи, Винаяка Шиварама Мазоджи, БК Саньяла, Бехара Рамманохара Синха, а затем их учеников А. Рамачандрана, Тан Юань Шамели и некоторых других. Бенгалия влияние школы на индийскую художественную сцену постепенно начало ослабевать с распространением модернистских идей после независимости.

Шантиникетан
Мантия Бенгалия Школа был поднят, когда Рабиндранат Тагор создал провидца Университет из Шантиникетан , университет сосредоточил внимание на сохранении и поднятии индийской культуры, ценностей и наследия. Он включал художественную школу «Кала Бхаван», основанную в 1920-21 годах. Хотя сам Рабиндранат приступил к своей живописи в своей долгой, продуктивной жизни, его идеи сильно повлияли на индийский модернизм. В частном плане Тагор сделал небольшие рисунки, окрашенные чернилами, за которые он черпал вдохновение для своего примитивизма из своего бессознательного. В общественной жизни примитивизм Рабиндраната может быть непосредственно отнесен к антиколониальному сопротивлению, сродни тому, что принадлежит Махатме Ганди.

Одним из ранних учеников Абаниндраната Тагора был Нандалал Бозе, который впоследствии стал учителем, а затем директором по искусству. Нандалал привел школу к позиции превосходства в националистической идеологии, появившейся сейчас в индийской культуре. Школа мышления Шантиникетта подчеркнула, что «эстетика была также этакой, что роль искусства была больше, чем улучшение жизни, это было мирообразование». Он установил индийскую версию натурализма, отличную от восточных и западных школ, одним из примеров которой является отказ от масла и станковой живописи для работы на бумаге, нарисованной / окрашенной с использованием акварелей, мытья, темперы и чернил. Мечта Рабиндраната Тагора о почитании старых ценностей, типичных для таких мотивов, как сельские люди, особенно племена Сантхал, была реализована в школах Вишва-Бхарати в Сантиникете, связанных с искусством. Некоторые видные художники школы Сантиникета – Бенедек Бехари Мукерджи, Рамкинкар Байдж, Шанко Чоудхури, Динкар Ковшик, К.Г. Субраманян, Бехар Рамманохар Синха, Кришна Редди, Рамачандран, Шобха Брхма, Рамананда Бандхападхай, Дхарма Нараян Дасгупта, Сушен Гоз, Джанак Джанкар Назары.

Контекстуальный модернизм
Идея контекстуального модернизма возникла в 1997 году у Сантиникетана Р. Шивы Кумара: «Создание контекстуального модернизма» как постколониального критического инструмента в понимании альтернативного модернизма в изобразительном искусстве бывших колоний, таких как Индия , в частности, сантиникетских художников.

Несколько терминов, включая противостоящую культуру современности Пола Гилроя и колониальную современность Тани Барлоу, были использованы для описания такого альтернативного модернизма, который возник в неевропейских контекстах. Профессор Галл утверждает, что «контекстуальный модернизм» является более подходящим термином, потому что «колониальный колониальный модернизм не учитывает отказ многих в колонизированных ситуациях интернализировать неполноценность. Отказ учителя Учителя Сантиникетана заключался в встречном видении современности, который стремился чтобы исправить расовый и культурный эссенциализм, который управлял и характеризовал имперскую западную современность и модернизм. Эти европейские современности, спроектированные через триумфальную британскую колониальную власть, спровоцировали националистические реакции, одинаково проблематичные, когда они включали сходные аспекты ».

По словам Р. Шивы Кумара «Художники Сантиникета были одним из первых, кто сознательно оспаривал эту идею модернизма, отказавшись от интернационалистического модернизма и историцизма и попытался создать контекстно-чувствительный модернизм». Он изучал работу мастеров сантиникетов и думал о своем подходе к искусству с начала 80-х годов. По словам Шивы Кумара, практика включения Нандалала Босе, Рабиндраната Тагора, Рама Кинкера Байя и Бенода Бехари Мукерджи под Бенгальскую школу искусств была введена в заблуждение. Это произошло потому, что ранние авторы руководствуются генеалогиями ученичества, а не их стилями, мировоззрением и перспективами художественной практики.

Контекстуальный модернизм в недавнем прошлом нашел свое применение в других смежных областях исследований, особенно в архитектуре.

После обретения независимости
К моменту независимость в 1947 году несколько Индия обеспечил доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно показывает влияние западных стилей, но часто вдохновлено индийскими темами и изображениями. Крупные художники начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также среди неиндийских зрителей.

Группа прогрессивных художников, созданная вскоре после Индия стал независимым в 1947 году, был намерен установить новые способы выражения Индия в постколониальную эпоху. Его основателем были Фрэнсис Ньютон Соуза и Ш-Раза, М. Ф. Хусейн и Маниши Дей были ранними участниками. Это оказало глубокое влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все крупные художники Индия в 1950-х годах были связаны с группой. Среди них были Акбар Падамзее, Садананд Бакр, Рам Кумар, Тайб Мехта, К. Х. Ара, Х. А. Гаде и Бэл Чабда. В 1950 году к группе присоединились В. С. Гайтонд, Кришен Ханна и Мохан Самант. Группа распалась в 1956 году.

Другие известные художники, такие как Нарайан Шридхар Бендре, К.Х.Беббар, К.К. Паникер, Санкхо Чаудхури, Антонио Пьедад да-Крус, К.Г. Субраманьян, Бехар Рамманохар Синха, Сатиш Гуджраль, Бикаш Бхаттачарджи, Джехангир Сабавала, Шакти Бурман, А. Рамачандран, Ганеш Пайн, Нирод Мазумдар, Гулам Мохаммед Шейх, Джахар Дасгупта, Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс, Виван Сундарам, Йоген Чоудхури, Джагдиш Сваминатан, Джойти Бхатт, Бхупен Хахар, Джерам Пател, Нараянан Рамачандран, Параджит Сингх, Пранаб Баруа, Дом Мартин (сюрреалистический художник из Гоа) и Биджон Чудхури обогатил художественную культуру Индии, и они стали иконами современного индийского искусства. Женщины-художники, такие как Б. Прабха, Шану Лахири, Арпита Сингх, Анжоли Эла Менон и Лалита Ладжми внесли огромный вклад в современное индийское искусство и живопись. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна, также упомянули о тех работах современных художников, которые отражают индийский дух. Некоторые из известных современных индийских художников включают Нагасами Рамачандрана, Джитиша Каллата, Атула Додию и Гиты Вадхеры, которые получили признание в переводе сложных индийских духовных тем на холст, как суфийская мысль, Упанишады и Бхагвад Гита.

Индийское искусство получило импульс экономической либерализации страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей начали приносить разнообразные стили работы. Пост-либерализация Индийское искусство работает не только в рамках академических традиций, но и вне его. Художники ввели новые концепции, которые до сих пор не были замечены в индийском искусстве. Devajyoti Ray представила новый жанр искусства под названием Pseudorealism. Pseudorealist Art – это оригинальный стиль искусства, который был полностью разработан на индийской земле. Псевдореализм учитывает индийскую концепцию абстракции и использует ее для превращения обычных сцен индийской жизни в фантастические образы.

В пост-либерализации Индия многие художники зарекомендовали себя на международном рынке искусства, как абстрактный художник Натвар Бхавсар, художник-абстракционист Набакишоре Чанда и скульптор Аниш Капур, чьи маминные постминималистские произведения стали привлекать внимание к их огромным размерам. Многие художественные дома и галереи также открылись в США а также Европа для демонстрации индийских работ.

Искусствоведы, такие как Вайбхав С. Адхав, Сиварамамурти, Ананд Кришна, Р. Шива Кумар и Гита Капур приняли индийское искусство на глобальную платформу.

Индийская живопись – HiSoUR История культуры

Индийская живопись имеет очень давнюю традицию и историю в индийском искусстве. Самые ранние индийские картины были наскальными рисунками доисторических времен, петроглифы, найденные в таких местах, как скальные приюты Бхимбетки, некоторые из скальных картин каменного века, найденные среди скальных приютов Бхимбетки, составляют приблизительно 30 000 лет. Буддийская литература Индии изобилует примерами текстов, в которых описываются дворцы армии и аристократический класс, украшенный картинами, но картины пещеры Аджанты являются наиболее значительными из немногих переживаний. Маломасштабная живопись в рукописях, вероятно, также практиковалась в этот период, хотя самые ранние пережитки происходят из средневекового периода. Живопись Моголов представляла собой сплав персидской миниатюры со старыми индийскими традициями, а с 17-го века ее стиль был распространен среди индийских княжеских дворов всех религий, каждый из которых развивался в местном стиле. Картины художников были сделаны для британских клиентов под британским раджем, который с 19-го века также ввел художественные школы по западным линиям, что привело к современной индийской живописи, которая все чаще возвращается к своим индийским корням.

Индийские картины создают эстетический континуум, который простирается от ранней цивилизации до наших дней. Начиная с того, что вначале было по существу религиозным, индийская живопись эволюционировала на протяжении многих лет, чтобы стать сплавом различных культур и традиций.

Шаданга индийской живописи
Вокруг 1-го века до н.э. были сформированы Шаданга или шесть конечности индийской живописи, серия канонов, излагающая основные принципы искусства. Ватсяяна, живший в третьем веке нашей эры, перечисляет их в своем Камасутре, извлекая их из еще более древних произведений.

Эти «шесть конечности» были переведены следующим образом:

Рупабеда Знание внешности.
Праманам Правильное восприятие, измерение и структура.
Бхава Действие чувств на формы.
Лаванья Йоджанам Внушение благодати, художественное представление.
Садрисям.
Varnikabhanga Художественная манера использования кисти и цветов. (Тагор.)
Последующее развитие живописи буддистами указывает на то, что эти «шесть конечности» были воплощены в жизнь индийскими художниками и являются основными принципами, на которых было основано их искусство.

Жанры индийской живописи
Индийские картины можно широко классифицировать как фрески и миниатюры. Фрески – большие работы, выполненные на стенах твердых сооружений, как в пещерах Аджанты и храме Кайлашнатх. Миниатюрные картины выполнены в очень небольшом масштабе для книг или альбомов на скоропортящемся материале, таком как бумага и ткань. Дворы Бенгалии были пионерами миниатюрной живописи в Индии. Искусство миниатюрной живописи достигло своей славы в период Моголов. Традицию миниатюрных картин выдвигали художники разных школ рисования Раджастхани, такие как Бунди, Кишангарх, Джайпур, Марвар и Мевар. В эту школу также входят картины Рагамала, также как и роспись компании для британских клиентов под британским раджем.

Древнеиндийское искусство увидело появление Бенгальской школы искусств в 1930-х годах, за которой последовало множество форм экспериментов в европейском и индийском стиле. После независимости Индии многие новые жанры искусства были разработаны такими важными художниками, как Джамини Рой, М. Ф. Хусейн, Фрэнсис Ньютон Соуза и Васудео С. Гайтонде. С развитием экономики формы и стили искусства также претерпели много изменений. В 1990-х годах индийская экономика была либерализована и интегрирована в мировую экономику, что привело к свободному распространению культурной информации внутри и снаружи. Художники включают Субодх Гупта, Атул Додия, Деваджоти Рэй, Босе Кришнамачари и Джитиш Кахллат, чьи работы пошли на аукцион на международных рынках. Bharti Dayal решил обработать традиционную живопись Митхилы самым современным способом и создал свой собственный стиль благодаря упражнениям своего воображения, они кажутся свежими и необычными.

Фрески
История индийских фресок начинается в древние и ранние средневековые времена, начиная с 2-го века до нашей эры до 8-10 века нашей эры. В настоящее время известно более 20 мест вокруг Индии, содержащих фрески этого периода, в основном естественные пещеры и каменные камеры. Наивысшими достижениями этого времени являются пещеры Аджанты, Бага, Ситтанавасаляла, Армамалайской пещеры (Тамилнад), Раван Чхайя, убежища Кайласанатхи в пещерах Эллоры.

Фрески из этого периода изображают в основном религиозные темы буддийских, джайнских и индуистских религий. Есть, однако, и места, где были сделаны картины, чтобы украсить мирские помещения, например, старинную театральную комнату в пещере Джогимара и возможный королевский охотничий домик около 7-го века н.э. – убежище Равана Чхайя.

Картина крупномасштабной настенной живописи, которая доминировала на сцене, стала свидетелем появления миниатюрных картин в XI и XII веках. Этот новый стиль фигурировал сначала в виде иллюстраций, выгравированных на рукописях из пальмового листа. Содержание этих рукописей включало литературу о буддизме и джайнизме. В восточной Индии основными центрами художественной и интеллектуальной деятельности буддийской религии были Наланда, Одантапури, Викрамшила и Сомарпура, расположенные в королевстве Пала (Бенгалия и Бихар).

Восточная Индия
В восточной Индии миниатюрная живопись развилась в 10 веке. Эти миниатюры, изображающие буддийские божества и сцены из жизни Будды, были нарисованы на листьях (около 2,25 на 3 дюйма) рукописей пальмовых листьев, а также их деревянных чехлов. Наиболее распространенные буддийские иллюстрированные рукописи включают в себя тексты Астасахастрика Прайнапарамита, Панчаракша, Карандавюха и Калачакра Тантра. Самые ранние сохранившиеся миниатюры встречаются в рукописи Астасахасрии Праджнапарамиты, датированной в шестой регальный год Махипалы (около 993 года), в настоящее время обладание Азиатским обществом, Калькуттой. Этот стиль исчез из Индии в конце XII века.

Средневековая миниатюрная живопись
Миниатюрные картины – это красивые картины ручной работы, которые довольно красочные, но небольшие по размеру. Изюминкой этих картин является сложная и тонкая малярная работа, которая придает им уникальную индивидуальность. Цвета изготовлены вручную, из минералов, овощей, драгоценных камней, индиго, раковин, чистого золота и серебра. Эволюция картин индийских миниатюр началась в Западных Гималаях, около 17 века

Субъекты этих миниатюрных картин относятся к предметам рукописей, в основном религиозных и литературных. Многие картины из санскрита и народной литературы. Речь идет о любовных историях. Некоторые картины из секты Вайшнава индуистской религии, а некоторые – из секты джайн. Картины секты Вайшнава касаются различных случаев жизни Господа Кришны и Гопи. Вайшнавские картины «Гиты Говинды» посвящены Господу Кришне. Картины секты джайнов относятся к джайнистским лордам и религиозным предметам.

Эти картины были созданы на «Таадпатре», что означает лист пальмы и Бумагу. В этот период более ранние рукописи были созданы из листа пальмы, а затем из бумаги.

В этих картинах очень мало человеческих персонажей с лицевой стороны. Большинство человеческих персонажей видны с боковым профилем. Черные глаза, заостренный нос и тонкая талия – вот черты этих картин. Цвет кожи человека – Браун и справедливый. Цвет кожи Господа Кришны – Синий. Цвет волос и глаз черный. У женских персонажей длинные волосы. Человеческие персонажи носили украшения на руке, носу, шее, волосах, талии и лодыжках. Мужчины и женщины носят традиционное индийское платье, тапочки и обувь. Мужчины носят тюрбаны на голове. В этих картинах были расписаны деревья, реки, цветы, птицы, земля, небо, дома, традиционные стулья, подушки, шторы, лампы и человеческие персонажи.

В этих картинах использовались натуральные цвета. Для украшения картин используются черный, красный, белый, коричневый, синий и желтый цвета.

Короли, придворные королей, богатые бизнесмены и религиозные лидеры того времени были промоутерами этих миниатюрных картин.

Художники этих картин были из местного общества. «Ваачхак» был известным художником того времени. Пациенты попытались сделать объект рукописи живым этими фотографиями, чтобы читатели рукописи могли наслаждаться чтением.

Малва, Декан и Яунпур школы живописи
Новая тенденция в рукописной иллюстрации была установлена ​​рукописью Ниматнамы, написанной в Манду, во время правления Насир-шаха (1500-1510). Это представляет собой синтез коренного и покровительственного персидского стиля, хотя именно последний доминировал над рукописями Манду. Был еще один стиль живописи, известный как Лоди Хуладар, который процветал в господстве султаната Северной Индии, простирающемся от Дели до Яунпура.

Стиль миниатюрной живописи, который вначале процветал в суде Бахмани, а затем в судах Ахмаднагара, Биджапура и Голконды, широко известен как Школа живописи Декана. Одна из самых ранних сохранившихся картин представлена ​​в качестве иллюстраций рукописи Тариф-и-Хусейна Шахи (c.1565), которая сейчас находится в Бхарате Итихасе Самшодхака Мандала, Пуна. Около 400 миниатюрных картин найдены в рукописи Нуджум-уль-Улума (Звезды науки) (1570 г.), хранящейся в библиотеке Честер Битти, Дублин.

Живопись Моголов
Живопись Моголов – особый стиль индийской живописи, как правило, ограничиваясь иллюстрациями к книге и выполненными в миниатюрах, которые возникли, развились и сложились в период империи Великих Моголов 16-19 веков.

Картины Моголов были уникальным сочетанием индийского, персидского и исламского стилей. Поскольку короли-могалы хотели визуальных записей о своих деяниях в качестве охотников и завоевателей, их художники сопровождали их в военных экспедициях или государственных миссиях или записывали свое мастерство как животных-убийц или изображали их в великих династических церемониях браков.

Правление Акбара (1556-1605) открыло новую эру в индийской миниатюрной живописи. После того, как он укрепил свою политическую власть, он построил новую столицу в Фатехпуре Сикри, где он собрал художников из Индии и Персии. Он был первым монархом, который основал в Индии ателье под руководством двух персидских художников-художников, Мир Сайед Али и Абдуса Самада. Ранее оба они служили под патронажем Хумаюна в Кабуле и сопровождали его в Индию, когда он вернулся на трон в 1555 году. Было занято более ста живописцев, большинство из которых были индусами из Гуджарата, Гвалиора и Кашмира, которые дали рождение новой школы живописи, широко известной как Школа миниатюрных картин Великих Моголов.

Одним из первых произведений этой миниатюрной школы была серия Хамзанама, которая, по словам историка суда, Бадаюни, была начата в 1567 году и окончена в 1582. Хамзанама, рассказы об Амире Хамзе, дяде Пророка, были проиллюстрированы Мир Саид Али. Картины Хамзанамы имеют большие размеры, 20 х 27 дюймов и окрашены в ткань. Они находятся в персидском стиле сафави. Преобладают яркие красные, синие и зеленые цвета: розовые, эрозионные скалы и растительность, самолеты и цветущая слива и персиковые деревья напоминают Персию. Однако индийские оттенки появляются в более поздних работах, когда нанимались индийские художники.

После него Джахангир поощрял художников рисовать портреты и сцены в драматургах. Его самыми талантливыми портретистами были Устад Мансур, Абул Хасан и Бишандас.

Шах Джахан (1627-1658) продолжил патронаж живописи. Некоторые из известных художников того времени были Мухаммед Факируллах Хан, Мир Хашим, Мухаммад Надир, Бичитр, Читарман, Анупчатар, Манохар и Хонхар.

Аурангзеб не имел вкуса к изобразительному искусству. Из-за отсутствия покровительства художники мигрировали в Хайдарабад в Декан и в индуистские штаты Раджастхан в поисках новых покровителей.

Раджпутская живопись
Раджпутская живопись, стиль индийской живописи, развивалась и процветала, в 18 веке, в королевских судах Раджпутаны, Индия. Каждое королевство Раджпут развивалось в определенном стиле, но с некоторыми общими чертами. Раджпутские картины изображают ряд тем, события эпопей, таких как Рамаяна и Махабхарата, жизнь Кришны, красивые пейзажи и люди. Миниатюры были предпочтительной средой раджпутской живописи, но в нескольких рукописях также были представлены картины Раджпута, а картины были сделаны даже на стенах дворцов, внутренних палат крепостей, бухт, в частности, шеве Шехавати.

Использовались цвета, извлеченные из определенных минералов, растительных источников, раковин и даже полученные путем обработки драгоценных камней, золота и серебра. Подготовка желаемых цветов была длительным процессом, иногда занимающим недели. Использованные кисти были очень хорошими.

Майсурская живопись
Живопись Майсура – важная форма классической южноиндийской живописи, которая возникла в городе Майсур в Карнатаке. Эти картины известны своей элегантностью, приглушенными цветами и вниманием к деталям. Темы для большинства из этих картин – индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали востребованным сувениром во время праздничных мероприятий в Южной Индии.

Процесс создания картины Майсура включает в себя множество этапов. Первый этап включает в себя создание предварительного эскиза изображения на базе. Основание состоит из патронной бумаги, наклеенной на деревянную основу. Пасту из оксида цинка и аравийской камеди изготавливают под названием «гессовая паста». С помощью тонкой кисти все драгоценности и части трона или арки, которые имеют некоторое облегчение, окрашены, чтобы придать слегка приподнятый эффект резьбы. Это позволяет высохнуть. На эту тонкую золотую фольгу наклеивают. Затем оставшуюся часть рисунка рисуют с использованием акварелей. Используются только приглушенные цвета.

Танджорская живопись
Танджорская живопись – важная форма классической южно-индийской живописи, родной для города Танджор в Тамил-Наду. Художественная форма восходит к началу девятнадцатого века, период, в котором доминируют правители Чолы, которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темы для большинства из этих картин – индуистские боги и богини и сцены из индуистской мифологии. В наше время эти картины стали востребованным сувениром во время праздничных мероприятий в Южной Индии.

Процесс создания картины Танджоре включает в себя множество этапов. Первый этап включает в себя создание предварительного эскиза изображения на базе. Основание состоит из ткани, наклеенной на деревянную основу. Затем меловой порошок или оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят его на основание. Чтобы сделать основу более гладкой, иногда используется мягкий абразив. После того, как рисунок сделан, украшение ювелирных изделий и одежды на изображении выполнено из полудрагоценных камней. Кружева или нитки также используются для украшения ювелирных изделий. Кроме того, золотые фольги наклеены. Наконец, красители используются, чтобы добавить цвета к фигурам в картинах.

Картина Кангра
Этот стиль возник в государстве Гюлер, в первой половине 18 века и достиг своего зенита во время правления Махараджи Сансара Чанда Катоха.

Мадхубани
Живопись Мадхубани – это стиль живописи, практикуемый в регионе Митхила штата Бихар. Темы вращаются вокруг индуистских богов и мифологии, а также сцены из королевского двора и социальных мероприятий, таких как свадьбы. Как правило, пустое место не остается пустым; пробелы заполнены картинами цветов, животных, птиц и даже геометрическими рисунками. В этих картинах художники используют листья, травы и цветы, чтобы сделать цвет, который используется для рисования картин.

Pattachitra
Паттахитра относится к классической живописи Западной Бенгалии и Одиши в восточном регионе Индии. «Патта» на санскрите означает «Вастра» или «одежда», а «читра» – картины.

Бенгальский Патахитра относится к живописи Западной Бенгалии. Это традиционное и мифологическое наследие Западной Бенгалии. Бенгальский Патахитра разделен на несколько различных аспектов, таких как Дурга Пэт, Хальчитра, Племенной Патахитра, Мединипур Патахитра, Калигат Патахитра и т. Д. Предмет Бенгальской Патахитры – в основном мифологические, религиозные истории, фольклорные и социальные. Калигат Патахитра, последняя традиция Бенгальской Патахитры, разработана Джамини Роем. Художник Бенгальской Патахитры называется Патуа.

Традиция Ориши Паттахитра тесно связана с поклонением Господу Джаганнатху. Помимо фрагментарных свидетельств росписей в пещерах Хандагири и Удайагири и ситабхиндзиских фресок шестого века нашей эры, самые ранние местные картины из Одиши – это Паттачитра, сделанная Читракарами (художники называются Читракарами). Тема рисования Орией вокруг секты Вайшнава. С начала культуры Паттахитры Господь Джаганнатх, который был воплощением Господа Кришны, был основным источником вдохновения. Тема Патта-Читры – это в основном мифологические, религиозные истории и народные знания. Темы в основном посвящены лорду Джаганнатху и Радха-Кришне, различным «Весам» Джаганнатха, Балабхадры и Субхадры, храмовым действиям, десяти воплощениям Вишну на основе «Гиты Говинды» Джаядева, Кама Куджары Набы Ганджары, Рамаяны, Махабхараты. Отдельные картины богов и богинь также окрашиваются. Художники используют растительные и минеральные цвета, не выходя за фабричные цвета плаката. Они готовят свои собственные цвета. Белый цвет производится из раковин-оболочек путем напыления, кипения и фильтрации в очень опасном процессе. Это требует большого терпения. Но этот процесс дает блеск и преданность оттенку. «Хингула», минеральный цвет, используется для красного. «Харитала», король каменных ингредиентов для желтого, «Рамараджа» используется для индиго для синего. Используются чистая лампа-черная или черная, приготовленная при сжигании кокосовых орехов. Щетки, которые используются этими «Читракарами», также являются коренными и сделаны из волос домашних животных. Куча волос, привязанная к концу бамбуковой палочки, делает кисть. На самом деле удивительно, как эти художники выстраивают линии такой точности и отделки с помощью этих сырых кистей. Эта старая традиция живописи Ории до сих пор сохранилась в искусных руках Читракараса (традиционных живописцев) в Пури, Рагхураджпуре, Паралакемунди, Чикити и Сонепуре.

Бенгальская школа
Бенгальская школа искусств была влиятельным стилем искусства, который процветал в Индии во времена Британского Раджа в начале 20-го века. Это было связано с индийским национализмом, но также поддерживалось и поддерживалось многими британскими администраторами искусств.

Бенгальская школа возникла как авангард и националистическое движение, реагирующее на стили академического искусства, ранее продвигавшиеся в Индии, как индийскими художниками, такими как Рави Варма, так и в британских художественных школах. После широко распространенного влияния индийских духовных идей на Западе британский учитель искусства Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств, поощряя учеников подражать миниатюрам Моголов. Это вызвало огромные споры, что привело к забастовке со стороны студентов и жалобы местной прессы, в том числе от националистов, считавших это регрессивным шагом. Гавел поддержал художник Абаниндранат Тагор, племянник поэта Рабиндраната Тагора. Тагор написал ряд работ под влиянием искусства Моголов, стиль, который он и Гавел считали выразительными в отношении отдельных духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. Самая известная живопись Абаниндраната Тагора, Бхарат Мата (Мать Индия), изображала молодую женщину, изображаемую четырьмя руками в образе индуистских божеств, держащих объекты, символизирующие национальные устремления Индии. Позднее Тагор попытался наладить связи с дальневосточными художниками в рамках стремления построить пан-азиатскую модель искусства. Те, кто ассоциировался с этой моделью Индо-Дальнего Востока, включали Нандалал Бозе, Мукул Дей, Калипаду Гошал, Беноде Бехари Мукерджи, Винаяка Шиварама Мазоджи, Бона Саньяла, Беохара Рамманохара Синьху, а затем их учеников А. Рамачандрана, Тан Юань Чамели, Рамананду Бандопадхай и нескольких другие.

Влияние Бенгальской школы на индийскую художественную сцену постепенно начало ослабевать с распространением постмодернистских идей. КГ Субраманян играет важную роль в этом движении. Сегодня Академия искусств имени Реднова в Банкуре, Индия, также известна художественной академией, созданной художником Аширлялом.

Контекстуальный модернизм
Термин «Контекстуальный модернизм», который использовал Шива Кумар в каталоге выставки, стал постколониальным критическим инструментом в понимании искусства, которое практиковали художники-сантиникеты.

Несколько терминов, включая противостоящую культуру современности Пола Гилроя и колониальную современность Тани Барлоу, были использованы для описания такого альтернативного модернизма, который возник в неевропейских контекстах. Профессор Галл утверждает, что «контекстуальный модернизм» является более подходящим термином, поскольку «колониальный колониальный модернизм не учитывает отказ многих в колонизированных ситуациях интернализировать неполноценность. Отказ учителей художника Сантиникетана заключался в встречном видении современности, который стремился исправить расовый и культурный эссенциализм, который управлял и характеризовал имперскую западную современность и модернизм. Те европейские современности, которые проецировались через триумфальную британскую колониальную власть, спровоцировали националистические реакции, одинаково проблематичные, когда они включали сходные аспекты ».

По словам Р. Шивы Кумара «Художники Сантиникета были одним из первых, кто сознательно оспаривал эту идею модернизма, отказавшись от интернационалистического модернизма и историцизма и попытался создать контекстно-чувствительный модернизм». Он изучал работу мастеров сантиникетов и думал о своем подходе к искусству с начала 80-х годов. По словам Шивы Кумара, практика включения Нандалала Босе, Рабиндраната Тагора, Рама Кинкера Байя и Бенода Бехари Мукерджи под Бенгальскую школу искусств была введена в заблуждение. Это произошло потому, что ранние авторы руководствуются генеалогиями ученичества, а не их стилями, мировоззрением и перспективами художественной практики.

Литературный критик Ранджит Хоскоте, рассматривая работы современного художника Атула Додиа, пишет: «Воздействие Сантинкетана через литературный обход открыл глаза Додии на исторические обстоятельства того, что искусствовед Р. Шива Кумар назвал« контекстуальным модернизмом », разработанным в Восточной Индии в 1930-х и 40-х годах в бурные десятилетия глобальной депрессии, освободительной борьбы Гандиха, культурного возрождения в Тагоре и Второй мировой войны ».

Контекстуальный модернизм в недавнем прошлом нашел свое применение в других смежных областях исследований, особенно в архитектуре.

Народная индийская живопись
Народное искусство – это искусство живое (современное искусство), основанное на прошлом (мифы, традиции и религия) и сделанное определенными группами. Народное искусство основано на коллективной памяти этой группы.

Примеры народной индийской живописи:

Племенная живопись:
Живопись Бхиля
Картина Варли
Гондовочная живопись
Картина Сантхала
Живопись Saora
Картина Курумбы

Сельская живопись:
Картина Паттахитра
Мадхубани
Картина Каламкари
Живопись Колама
Картина Калама
Картины Манданы

Современная индийская живопись
В колониальную эпоху западные влияния начали оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, который использовал западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, такие как Джамини Рой, сознательно черпали вдохновение из народного искусства. Барти Дейал решил использовать традиционную живопись Митхилы самым современным способом и использует как реализм, так и абстракционизм в своей работе с множеством фантазий, смешанных с ними. безупречное чувство равновесия, гармонии и благодати.

Ко времени Независимости в 1947 году несколько индийских школ искусств обеспечили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно показывает влияние западных стилей, но часто вдохновлено индийскими темами и изображениями. Крупные художники начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также среди неиндийских зрителей.

Группа прогрессивных художников, созданная вскоре после того, как Индия стала независимой в 1947 году, была нацелена на создание новых способов выражения Индии в постколониальную эпоху. Учредителями были шесть выдающихся художников – К. Х. Ара, С. К. Бакр, Г. А. Гаде, М. Ф. Хусейн, С. Р. Раза и Ф. Н. Соуза, хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала глубокое влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все индийские крупные художники в 1950-х годах были связаны с группой. Некоторые из тех, кто хорошо известен сегодня, – Бэл Чабда, Маниши Дей, В.С. Гайтонд, Кришен Ханна, Рам Кумар, Тайб Мехта, Беохар Рамманохар Синха и Акбар Падамзее. Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта, Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс и Биджон Чудхури обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконой современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна, также упомянули о тех работах современных художников, которые отражают индийский дух.

Кроме того, увеличение дискурса об индийском искусстве на английском языке, а также на народных языках Индии, означало, что искусство воспринималось в художественных школах. Критический подход стал строгим, критики, такие как Гита Капур, R. Шива Кумар, способствовал переосмыслению современной художественной практики в Индии. Их голоса представляли индийское искусство не только в Индии, но и во всем мире. Критики также сыграли важную роль в качестве кураторов важных выставок, переориентации модернизма и индийского искусства.

Индийское искусство получило импульс экономической либерализации страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей начали приносить разнообразные стили работы. Таким образом, после либерализации индийское искусство работает не только в рамках академических традиций, но и вне его. На этом этапе художники представили еще более новые концепции, которые до сих пор не были замечены в индийском искусстве. Devajyoti Ray представила новый жанр искусства под названием Pseudorealism. Pseudorealist Art – это оригинальный стиль искусства, который был полностью разработан на индийской земле. Псевдореализм учитывает индийскую концепцию абстракции и использует ее, чтобы превратить обычные сцены индийской жизни в фантастические образы.

В пост-либерализации Индии многие художники зарекомендовали себя на международном арт-рынке, таком как Аниш Капур и Чинтан, чьи мамонтовые произведения привлекли внимание к их огромным размерам. Многие художественные здания и галереи также открылись в США и Европе, чтобы продемонстрировать индийские произведения. Некоторые художники, такие как химан дэнги (художник, гравюре) Бхупат Дуди, Субодх Гупта, Пиу Саркар, Вагарам Чоудхари, Амитава Сенгупта и многие другие совершили магию во всем мире. Чхайя Гош – талантливый художник и довольно активен в галерее Triveni Art Gallery, Нью-Дели.

Источник высокого качества Индийских Художников Картины Маслом производителя и Индийских Художников Картины Маслом на Alibaba.com

О продукте и поставщиках:

Alibaba.com предлагает вам широкий выбор. индийских художников картины маслом от проверенных поставщиков, чтобы дополнить ваше пространство в соответствии с вашими предпочтениями. индийских художников картины маслом являются важными элементами добавления последних штрихов в ваше пространство, чтобы улучшить его функциональность и эстетический штрих. Столько же. индийских художников картины маслом помогают в организации вещей, они также играют ключевую роль в создании уюта в вашем пространстве, а также добавляют изысканный контраст и узор. 
В зависимости от вашего стиля, пространства, места проживания или сезона существует множество вариантов. индийских художников картины маслом на выбор. Получите точный или индивидуальный продукт на Alibaba.com. Есть светильники, такие как настольные лампы, которые являются важными предметами. индийских художников картины маслом, поскольку они могут легко создать желаемое настроение или атмосферу. Фактически, в последнее время. индийских художников картины маслом и сопутствующие товары стали неотъемлемой частью комфортного образа жизни, оставаясь верным личности. 
индийских художников картины маслом может превратить простую комнату в уникальное и уютное пространство, всего лишь с потолка. Дизайн индийских художников картины маслом варьируется от простого до роскошного. Персонализируйте область с помощью великолепного. индийских художников картины маслом элементы, которые соответствуют вашему персонажу и превращают пространство в действительно ваше. 
Выбираете ли вы простой и элегантный или чрезмерно гламурный, Alibaba.com предоставит вам самое лучшее. индийских художников картины маслом и предложения. индийских художников картины маслом поставщики и оптовики также могут найти безупречные изделия и невероятные предложения, особенно при оптовых закупках. Поторопитесь, прежде чем упустите эту возможность!

Индия | Живопись

Индийская живопись Традиция живописи на Индийском субконтиненте уходит корнями в далекое прошлое. Доказательствами высокого мастерства индийских художников служат сохранившиеся до нашего времени фрески в пещерах Аджанты и Эллоры, буддистские манускрипты на пальмовых листьях, миниатюрная живопись могольской и раджпутской школы и многое др. Посредством рисунка индийское классическое живописное искусство  выражает радостность жизни, щедрость ее даров, религиозные чувства и торжество духовного совершенства. Характерной чертой индийской живописи является отсутствие в ней, в отличии от европейской, темы трагичности. Индийское классическое изобразительное искусство можно условно разделить на два вида:  на настенную живопись (фрески) и на миниатюру. Со временем эти виды развились в смесь различных  стилей, влиявших один на другой. К примеру, от пещерной настенной живописи впоследствии возникает индийская храмовая настенная роспись. Пещерные (наскальные) фрески История наскальной живописи Индийского полуострова восходит ко II тысячелетию до н. э. Ярким примером этого могут служить пещерные  фрески Багха, Ситтанавасала. Отдельного внимания заслуживают фрески Аджанты и Эллоры, занесенные в список Всемирного наследия ЮНЕСКО, являющие собой сокровищницу древнего художественного искусства. Пещеры Аджанты (Ajanta), датируемые II в. до н.э. — V в. н.э., когда-то были обителью буддистских монахов. Позже, покинутые, как считается, во времена расцвета Эллоры, они были забыты вплоть до 1819 г. Обнаруженные по случайности британским охотничьим отрядом, пещеры открыли миру высшее художественное мастерство древней Индии. В пещерах находится множество великолепных фресок, написанных темперой. Отреставрированные в 20-х годах ХХ столетия фрески Аджанты демонстрируют истории из жизни Будды, а также царственных персон и окружения. Сегодня наскальная живопись Аджанты  признана историческим наследием и  культурным достоянием  Индии. Настенная роспись Аджанты Падмапани Бодхисаттва (Аджанта) В пещерном храмовом комплексе Эллоры (Ellora) наскальные фрески сохранились в основном в храме Кайласа.  Одни из них изображают бога  Вишну и его супругу Лакшми,  другие — небесных куртизанок  апсар,  а также риши — святых мудрецов. Фрески Эллоры Высеченные в скале пещеры Багх (Bagh), расположенные в штате Мадхья-Прадеш, славятся своей настенной живописью. Согласно легенде, эти пещеры были основаны буддистским монахом Датакой. Ранее считалось, что пещеры Багх датируются VII в. н. э., но найденные в них настенные  надписи указывают на то, что пещеры были созданы в период с IV по VI в. н.э. В X в. с упадком буддизма пещеры были заброшены, но в 1982 г. их отреставрировали. Самые знаменитые фрески Багха выполнены темперой. Багх Фрески Багха Пещера Ситтанавасал (Sittanavasal/Chithannavasal) — это прекрасный пример наскальной живописи средневековой Индии, расположенный в штате Тамил-Наду. Пещера представляет собой вырезанный в скале джайнийский храм-монастырь, известный как Аривар Койл (Arivar Koil), датируемый VII-IX вв. н.тэ. Он примечателен своими фресками, которые были написаны растительными и минеральными красками на нанесённой тонким слоем мокрой штукатурке. На стенах изображены прекрасный лотосовый пруд, танцующие фигуры людей, животные, птицы. Ситтанавасала Фрески Ситтанавасала Фрески Ситтанавасала   Индийская миниатюра Миниатюра — это изящный вид живописи Индийского субконтинента. Изюминкой этого искусства является сложная и деликатная манера письма. Краски для написания миниатюр традиционно делали из натуральных  материалов: минералов, растений, драгоценных камней, золота, серебра, раковин моллюсков. Написание миниатюрных картин является очень сложным, кропотливым искусством, где без внимания не остается ни одна из деталей. Восточно-индийская школа миниатюрной живописи XI—XII вв. Школа живописи Пала Самые ранние экземпляры индийской миниатюры относятся к периоду правления буддистской империи Пала, охватывавшей территории современных  Зап. Бенгалии, Бангладеша и Бихара. Миниатюры Пала представляют собой  иллюстрации к религиозным буддистским манускриптам, датируемым XI-XII вв. Стиль школы Пала — это искусные изящные линии, приглушенные тона, умелое моделирование фигур, использование натуральных красок. Этот натуралистический стиль напоминает идеально отлитые формы бронзовых скульптур и перекликается с фресками Аджанты. Школа Пала уделяет особое внимание символическому использованию цвета в картинах, заимствованному  из  тантризма. Бодхисаттва Майтрея (Пала) Мамаки (Пала) Херука (Пала)   Западно-индийская школа миниатюрной живописи  XII—XVIвв. Джайнская миниатюра Западно-индийский стиль миниатюрной живописи развился и доминировал на территориях Гуджарата, Раджастана и Мальвы.  Одной из движущих сил творчества в этом регионе, на тот  период времени, был джайнизм, покровительствовали которому с середины X в. до конца XIII в. правители династии Чалукьев. Огромное количество религиозной джайнийской литературы широко использовалось среди знати и богатых купцов того времени. Множество из этих манускриптов хранятся сегодня в джайнийских книгохранилищах (Бхандара/Bhandara) во многих местах Западной Индии. Рисунки в этих рукописях сильно стилизованны и искаженны. Акцент в джайнской миниатюре делается на несоразмерность частей тела, глаз, бедер и груди, на их существенное  преувеличение.  Джайнская школа мниатюрной живописи уделяет особое внимание чистым цветам, тяжелым золотым контурам и минимизации одежды. Начиная с  XV в. на западно-индийскую школу живописи начинает оказывать влияние персидский стиль изобразительного искусства. Об этом свидетельствуют присущие персидской живописи типы лиц на картинах, формы цветущих деревьев, присутствие сцен охоты, трава растущая пучками, небеса и облака. Особенно заметно это влияние в использовании ультрамаринового и золотого цветов, преобладающих в изобразительном искусстве Персии. Ранними  примерами персидской живописи в Индии являлись иллюстрированные манускрипты, многие из которых  копировались и постепенно распространялись по всему Индостану. Бахубали (Джайнская миниатюра)   Могольская школа миниатюрной живописи Могольская миниатюрная живопись отражает сочетание индийского и персидского стилей. Как искусство она возникла в период правления могольского императора Хумаюна (1530-1540 гг.; 1555-1556 гг.). Вернувшийся в Индию из Персии, где он находился в изгнании, Хумаюн привез с собой двух персидских художников, положивших начало развитию могольской миниатюрной живописи. Со временем персидская живопись, впитавшая  местные традиций, сформировала свой характерный стиль. Основной тематикой могольской миниатюры являются сцены охоты, боя, сцены из придворной жизни, моменты из легендарных историй, природный ландшафт, изображения животных и портреты. Джахангир   Под покровительством императоров Акбара, Джахангира и Шах Джахана  могольская школа живописи поднимается на новую ступень своего развития. Во времена правления Акбара Великого (1556—1605 гг.) отмечался большой рост художественных мастерских. Сотни художников работали при дворе, следуя стилю, основанному двумя персидскими живописцами, прибывшими некогда с Хумаюном в Индию. Поскольку император Акбар обожал  легенды и истории, главными темами в этот период были сцены из Махабхараты, Рамаяны и персидских эпосов. Во время правления императора Джахангира (1605-1627 гг.) искусство получает огромную поддержку, особенно живопись. В этот период манера письма картин становится более утонченной, цвета более легкими и приглушенными. Наряду с портретами, изображениями животных, птиц и природы, главными темами картин становятся события из жизни самого Джахангира. Ярким примером являются иллюстрации к «Джахангир-наме» (автобиографический дневник императора). В период правления Шах Джахана (1628-1658 гг.) чувствительность в картинах постепенно была заменена холодностью и строгостью. Тематика картин вращалась вокруг музыкальных произведений, влюбленных пар, святых подвижников. Тенденция развития живописи, отмечавшаяся в периоды правления Акбара, Джахангира и Шах Джахана, постепенно стала снижаться, когда к власти пришел император Аурангзеб (1658-1707 гг.). Не оказывая должной поддержки художникам, император положил начало упадку могольской живописи. И уже к середине XVIII в. в период правления Шаха Алама II (1759-1806 гг.) искусство живописи Великих Моголов почти исчезло, оставив после себя лишь одну ветвь, известную как раджпутская школа живописи. Император Акбар   Раджпутская школа миниатюрной живописи Со времен правления Аурангзеба придворные художники, оставшиеся без покровительства императорского двора и средств к существованию, были вынуждены искать прибежища в других землях.  Постепенно переселившись в Раджастан, мастера могольской живописи стали возрождать могольскую миниатюру, но уже под особым влиянием местного изобразительного искусства. Так в каждом из раджпутских княжеств  зародился собственный стиль. Тем не менее, все они имеют схожие черты, развившиеся еще при дворе Великих моголов. Со временем раджпутская миниатюра стала боле масштабной, переместившись на внутренние стены дворцов и фортов. Основными темами раджпутской живописи становятся истории из Махабхараты и Рамаяны, местные пейзажи и повседневная жизнь людей, а также истории из Бхагавата Пураны, Кришна-лилы и Рагамалы. Краски для живописи местные художники получали из природных материалов. Поклонение трезубцу Шивы Махараджа Санграм Сингх II Новая девушка в гареме Кришна и гопи   Рагамала (букв. «гирлянда раг (мелодий)») эмоционально-музыкальное настроение переданное языком рисунка  – классический пример слияния живописи, поэзии и музыки, воплощенный в прекрасных миниатюрах. Это живопись, в основу которой легли различные индийские музыкальные мотивы из раг. Общей темой рагамал является любовь между мужчиной и женщиной. Абсолютно все рагамалы изображаются в конкретных цветовых гаммах, в зависимости от времени суток или сезона, в которые исполняют те или иные раги. Делается это с целью передачи эмоции и настроения  вызываемых  рагами.   Школа живописи Пахари Считается, что живопись Пахари – это отражение раджпутской миниатюры, которая развивалась и процветала в период с XVII по XIX вв. на землях, подвластных раджпутским князьям  (области современных  штатов Химачал-Прадеш и Джамму и Кашмир). Живопись пахари можно классифицировать в пределах двух стилистических школ, а именно басоли и гюлер-кангра. С незапамятных времен провинция Джамму была разделена на независимые княжества, среди которых Басоли всегда занимало важное место, где и возник знаменитый центр искусства. Зародившись в Басоли (Basohli/Basholi) этот одноименный стиль широко распространился, постепенно преобразовавшись в другие известные стили живописи пахари, а именно чамба, гюлер, кулу и манди. Живопись басоли легко распознать по энергичным, смелым линиям и ярким цветам (красным, горчичным и синим). Она также характеризуется геометрическими узорами, глянцевой эмалью, поразительными лицами с высокими лбами и выразительными глазами, подобными лепесткам лотоса, а также одеждой в могольском стиле. Излюбленными темами художников того времени были сцены из «Гита Говинды», «Бхагавата Пураны», а так же Рагамалы. Басоли С постепенным исчезновением стиля басоли в середине XVIII в. на арене Индийского изобразительного искусства появился cтиль кангра или гюлер-кангра, названный так в честь области Кангра, где он возник. Развиваясь и обретая популярность, школа мастеров живописи кангра, стала заметно выделятся в горном регионе. Данный стиль возник в небольшом княжестве Гюлер (Guler), расположенном на территории современного округа Кангра в Химачал Прадеше. Особенностью стиля кангра является широкое использование оттенков зеленого. Этот стиль более чем натуралистический, так как огромное внимание в нём уделяется деталям окружающей природы: цветущим растениям, лианам, ручьям, природным стихиям. В своих работах художники используют основные цвета, разбавляя их  нежными, свежими оттенками. Композиции многих картин состоят из сложных ландшафтов. Но особое внимание мастера стиля кангра уделяют женственности, изображая женщин изящными и утонченными. Вдохновлённые  культом  бхакти,  распространившемся к тому времени в этих местах, художники, изображали на своих картинах истории из» Гита Говинды» и «Бхагавата Пураны». Кангра   Деканская школа живописи Деканская школа, развивавшаяся на территории Деканского плоскогорья с XVI в., поглощала в себя традиции живописи  Малавского султаната, а также южноиндийские традиции Виджаянагарской школы живописи. Выдающимся примером живописи Малавсого султаната является иллюстрированная рукопись «Кальпа-сутры», датируемая 1439 г., а также трактат об искусстве приготовления пищи «Нимат Нама». Иллюстрация к Нимат Наме Деканская школа живописи характеризуется сочными и яркими цветами, что ставит ее в противовес школам севера. Основными цветами в деканской миниатюре являются синий, красный и розовый. Главную роль здесь играет симметрия. Фигуры людей, архитектурные сооружения, деревья, цветы, подушки, складки на одежде и даже положение различных частей тела размещены на полотне так, чтобы во всем было соблюдено равновесие. Деканская миниютюра Многие из примеров деканской живописи XVI в. выдержаны в персидском стиле, поскольку местные художники являлись потомками приглашенных в Индию живописцев из Персии. Однако с течением времени персидские элементы были в значительной степени заменены на местные. Позже, когда могольский стиль живописи с приходом к власти императора Аурангзеба стал проникать на территорию деканских султанатов  Ахмаднагара, Биджапура и Голконды, деканская школа преобразилась, вобрав в себя его особые черты. Наиболее известным примером живописи Ахмаднагара (Ahmadnagar) является иллюстрированная рукопись поэмы «Тариф-и-Хуссэйн Шахи» (Tarif-i-Hussain Shahi) на персидском языке, летопись правление Хуссейна Низам Шаха  (Husain Nizam Shah) 1565-1569 гг.   Живопись Биджапура (Bijapur) известна своими иллюстрациями к  книге «Звезды наук» (Nujum-al-ulum) с многочисленными миниатюрами, выполненными в характерном персидском стиле. Отличительной особенностью данного стиля является  обилие золотого цвета и многочисленных цветущих растений, поскольку при дворе Али Адил Шаха  (Ali Adil Shah), правившего в период с  1558 по 1580 гг., работали персидские мастера живописи. Иллюстрация к книге «Звезды наук» Иллюстрация к книге «Звезды наук»   Голкондский  (Golkonda) стиль также схож с персидским. Голкондская миниатюра Мигрирация художников из могольского государства способствовала возникновению новых центров живописи на Деканском плато, таких как Хайдерабад. Хайдерабадская (Hyderabad) школа живописи стала развиваться после становления династии Асаф Джахи (Asaf Jahi) в 1724 г. Основными характеристиками хайдерабадского стиля живописи являются, подобно деканскому, сочные и выразительные цвета. Хайдарабадская миниатюра Традиции деканской школы живописи оказались настолько прочными, что даже несмотря на упадок деканских султанатов, они продолжают жить и радовать взоры.   Южноиндийская живопись Танджорская живопись Танджорская живопись — одна из самых популярных форм классической южноиндийской живописи. Плотное заполнение, обилие элементов роскоши, яркие цвета, а также использование инкрустации полудрагоценными камнями, жемчугом и разноцветным стеклом отличают танджорский стиль от других видов живописи. Такая рельефная работа придает картинам трехмерный эффект. Танджорская живопись зародилось в XI в. во времена правления тамильской династии Чола. Этому искусству также покровительствовали князья династии Наяков. Падение Виджаянагарской империи привело к  массовой миграции виджаянагарских художников в Танджор (Танджавур), что привело к смешению художественных стилей и вывело уникальную танджорскую школу живописи на новый виток развития. Во времена правления монархов династии Чола ранняя танджорская живопись встречалась лишь в виде фресок на стенах храмов и дворцов. Позже, с преобладанием влияния династии Наяков фрески стали уступать свое место картинам. Ярким примером танджорской живописи времен Чола и Наяков являются фрески храма Брихадишвара в Танджавуре.  Картины танджорской школы могут быть как довольно огромными, так и очень миниатюрными.  Главными сюжетами танджорского стиля являются изображения богов, богинь, святых личностей, сцены дворцовой и общественной жизни. Центральный персонаж картин всегда детально прорисовывается. Фигуры в танджорской живописи обладают округлыми формами и довольно массивны. Классический традиционный рисунок наносился  природными красителями на деревянные дощечки, известные как Palagai Padam (Palagai означает деревянная дощечка, Padam — рисунок), для которых использовали древесину джекфрута (Artocarpus heterophyllus) или тика (Tectona grandis). Современные же художники применяют обычные краски и фанеру, на которую натягивается холст. Майсурская живопись Майсурский стиль так же как и танджорский  считается классической формой южноиндийской школы живописи, которая является ответвлением Виджаянагарской школы. Она развилась в княжестве Майсур (Карнатака), подчинённом Виджаянагарской Империи. С 1399 г. Майсуром правила династия Вадьяров, покровительствовавшая развитию искусства, в частности живописи, которая в этот период достигла наивысшего расцвета. Художники Майсура расписывали своими картинами стены и потолки храмов и дворцов. Наглядным примером ранней майсурской живописи является все еще действующий храм Вирупакши в Хампи, датируемый VII в. н.э. Фрагменты храмовой росписи в Хампи Схожий с танджорским стилем майсурский завораживает своей красотой и сложностью исполнения. Приглушенные тона, изысканность и тончайшая детализация предметов — основные характеристики майсурской живописи. Основная тематика майсурской живописи — это изображения богов и богинь, а так же сцен из индуистских и джайнийских эпосов. Майсурская живопись выполняется на плотной бумаге, наклеенной на деревянную дощечку. Ранее для создания картин использовали природные красители и золотую фольгу, сегодня же вместо природных красок художники используют акварель. В наше время  картины, выполненные в майсурском стиле, жители южной Индии преподносят в качестве памятного подарка. Другие стили индийского изобразительного искусства Мадхубани Согласно легенде, роспись мадхубани (madhubani), или как ее еще называют майтхили/митхила, зародилась как искусство во времена правления легендарного правителя страны  Видеха, царя Джанаки.  Дворец  Джанаки, отца принцессы Ситы, находился в  городе Митхила. К свадебной церемонии единственной, а потому любимой дочери Ситы и царевича Рамы, царь и распорядился украсить  свой  дворец. С той-то поры ни одна из свадеб не обходится без украшения внутренних стен домов прекрасной живописью. Изначально картины рисовали на внутренних стенах домов по свежей штукатурке. Штукатурный раствор готовили  из земли, смешанной с коровьим навозом.  Росписью занимались исключительно  женщины и лишь по случаю свадьбы. Так настенная живопись, называемая местными жителями Бхитта Читра (Bhitta Chitra), переросла в культурную традицию,  чтимую на протяжении веков. Тематика митхильской живописи вращается вокруг индуистских божеств, небесных светил, Солнца и Луны, священных растений, а также сцен из жизни, связанных с  всевозможными  торжествами, в основном свадебными. Эта традиционная живопись имеет пять отличительных стилей: Бхарни, Качни, Тантрик, Годна и Гобар (Bharni, Katchni, Tantrik, Godna и Gobar). Первые три стиля основали и применяют женщины из высшего сословия (брахманов). Основной направленностью  этих стилей являются религиозные темы, изображающие  богов и богинь. Другие два стиля включают аспекты повседневной жизни, а также божественную символику (без изображения богов и богинь) и исполняются представительницами  низших  сословий (шудры).   Для создания красок используют только натуральные красители, полученные из растений или других природных веществ. Для черного цвета применяют древесный уголь или сажу, для белого — рисовую муку. Желтый цвет получают из корня куркумы, синий — из индигоферы красильной (Indigofera tinctoria), красный — из цветков гибискуса (кусама/kusam) или красного сандала, зеленый — из листьев.  Картины пишут либо кистью, либо палочками, иногда просто пальцами. Вплоть до 1934 года митхильская живопись была недоступна  для внешнего мира. Только лишь после сильнейшего землетрясения 1934 г., потрясшего штат Бихар, живопись мадхубани стала всеобщим достоянием. Во время осмотра повреждений домов британский офицер Уильм Г. Арчер был ошеломлен и очарован красотой и незаурядностью, найденных им изображений, украшавших внутренние стены сооружений. В результате этого открытия митхильское изобразительное искусство взошло на очередную ступень своего  развития.  Во время засухи 1966-68 гг., повлекшей за собой голод в регионе, преследующая цель популяризации митхильской живописи, а так же  оказания  помощи бедствующему населению,  г-жа Пупул Джайакар (Pupul Jayakar) (позднее глава Всеиндийского совета по ремеслам), рекомендовала субсидировать местных умелец, предложив им рисовать свои картины на бумаге и холсте. Сегодня роспись мадхубани широко известна по всей Индии, а также и за ее пределами. Паттачитра Паттачитра — это традиционная народная живопись жителей Ориссы. Патта означает «ткань», читра – «картина». Роспись производят на шёлке или хлопке, который клеят на бумагу. Основной тематикой паттачитры является сюжеты из «Бхагавата-пураны» и гаудия-вайшнавский культ. Местные мастера, известные как читракары (chitrakar), придерживаются классических традиций, применяя в работе природные красители. Существует также разновидность паттачитры, известная как тала паттачитра (Tala Pattachitra), т.е. роспись на пальмовых листьях.   Бенгальская живопись пата В Западной Бенгалии существует свой аналог паттачитры — это традиционная живопись пата (pata). Роспись выполняют на хлопке, шелке или любой другой ткани. Для красителей используют только природный материал. Сюжетами картин могут служить как индуистские религиозные мотивы вайшнавского (вишнуиты) толка,  так и связанные с буддизмом истории.  Также весьма популярной  является природная тематика (животные, морские обитатели и растения).   Каламкари (kalamkari) — это особая техника росписи или штамповки  по хлопковой ткани или шелку органическими красителями. Этот вид искусства пришел в средние века на территорию Индии  из Персии.  В переводе с  фарси  калам — это «перо, палочка для письма», а кари означает «мастерство/искусство». Каламкари подразделяется на два стиля: стиль Шрикалахасти и стиль Мачилипатнам. В Шрикалахасти каламкари (shrikalahasti kalamkari) роспись выполняется вручную при помощи калам – палочки из бамбука или финиковой пальмы, которую наполняют органическими красителями. Вначале рисуют контур традиционных узоров, а затем раскрашивают цветными красками. Основной тематикой этого стиля являются истории из «Рамаяны», «Махабхараты» и пуран, а также жизнь Будды. В старину разноцветные панно с изображениями богов в стиле шрикалахасти каламкари украшали стены храмов. Бродячие артисты устраивали представления,  используя  огромные холсты, демонстрирующие истории из пуран (древнеиндийские писания),  выполненных в этой технике. Мачилипатнам каламкари (machilapatnam kalamkari) — это роспись по ткани при помощи деревянных штампов. Этот стиль развился во времена правления Великих Моголов и обрел особое покровительство Султаната Голконда. Отличительной особенностью  этого  стиля являются персидские цветочные мотивы. В технике каламкари выполняются различные текстильные изделия, такие как настенные панно, занавески, покрывала, подушки, сумки, а также сари и накидки. Сегодня, как и много веков  назад, каламкари является основным источником дохода многих семей Андхра-Прадеша.   Живопись Гонд (gond)  является одной из форм индийского народного  искусства, практикуемого  племенем гонд, бывшем некогда самым крупным племенным сообществом Центральной Индии. Термин гонд происходит от дравидского конд, что означает «холм». Хотя живопись гонд относится преимущественно к  племенному искусству Мадхья-Прадеша и его окрестностям, эта форма изобразительного искусства довольно широко распространена в Андхра-Прадеше, Махараштре, Чадисгархе и Ориссе. Согласно древним поверьям  племени гонд, красивые изображения, несомненно, приносят удачу и отгоняют злых духов. Поэтому традиция украшать стены и полы жилищ стилизованными рисунками сохранилась до сих пор.  Гонды,  хотя и исповедуют индуизм, остаются приверженцами анимизма, поэтому их картины наделены почтением ко всему окружающему их миру, будь то горы, лес или реки. Некоторые изображения рассказывают историю народа, а также индийские легенды и мифы. Художники рисуют свои картины короткими штрихами и точками. Цвета, используемые в живописи гонд яркие, наполненные живостью. Для красок традиционно используют только натуральные красители, такие как древесный уголь, земля, коровий навоз, сок растертых листьев и цветов. Однако последнее время активно используются бумага, чернила и акриловые краски, что придает картинам долговечность. Благодаря своей уникальности живопись гонд заняла прочное место на мировом рынке. Сегодня спросом пользуются не только настенные панно, но и сувениры (ручки, чашки и всякие безделушки), расписанные  в этой технике.   Автор статьи: участник проекта Бхаратия.ру Ишвари Абани

Искусство Индии

ПАТА ЧИТРА

племенная живопись штата Орисса 

Пата-читра — это коренной вид живописи портового штата Орисса, расположенного на востоке Индии.

 

Живопись Ориссы выполняется на ткани и имеет свои строгие правила, не поддающиеся изменениям: лица изображаются в профиль, по краю используется красная кайма, набор красок всегда один — белый, розовый, голубой, зеленый, красный, черный. Кришна всегда изображается синим цветом, Баларама — белым, Радха, Субхатра и гопи — желтым, Рама — зеленым. По краю рисунка обязательна двойная кайма, внутренний бордюр, внешний бордюр широкий. Внутренний украшен листьями и завитками, внешний — цветочными мотивами.

 

Как правило, в пата-читре изображаются боги Джаннагатха, Радха и Кришна.

 

Бог Джаннагатха

 

Боги Кришна и Радха

Краски изготавливаются художником самостоятельно из природных материалов. Причем художник обычно принадлежит одной из двух каст: касте художников читракар либо дута махапатра.

Каста читракар относится к непальским кастам, но происходит из индоариев.

Радж Ман Сингх Читракар (1797–1865) непальский художник, живший в середине 19-го века.   Радж Ман Сингх Читракар работал в британских и непальских судах, создавая большое количество картин. Он особенно способствовал иллюстрации предметов естественной истории, особенно птиц, и в своей акварельной живописи он ввел европейские стили в традиционную сцену, в которой доминирует вотивное искусство. Радж Ман Сингх был первым, кто применил западные концепции освещения и перспективы, и ему приписывают появление трехмерных эффектов в непальской живописи. Ученые описали его как пионера в непальском искусстве.

Испокон веков эта каста занимается живописью и проживает в долине Катманду. Это их родина, она является самой развитой в плане культуры областью Непала. Там находится сто тридцать памятников культуры, имеющих мировое значение, а также семь объектов, включенных в список всемирного наследия ЮНЕСКО.

Каста дута махапатра проживает в Ориссе и принадлежит к большой касте брахманов, которая стоит на самом верху кастовой иерархии. Эта каста брахманов, которая, согласно изданиям индийской прессы стала неприкасаемой. Люди боятся представителей данной касты из-за того, что они приходят в дома, когда в какую-то семью приходит горе. Каста Махапатра — это фамилия многих людей на индийском субконтиненте. Определение касты Махапатры — это подразделение деградировавших брахманов, которые принимают похоронные дары. Почетный титул Танапати и Урия Брахманов. Подкаста Бхата.

 

 Штат Орисса, где живет каста Махапатра

БЕНГАЛЬСКИЙ ПАТ

Бенгальский пат зародился в Бенгалии — территории, которая раньше была отдельным государством с бенгальским языком. В настоящее время Бенгалия разделена между Индией и государством Бангладеш. До XVI века Бенгалия была самым богатым регионом Индийского субконтинента. Предположительно название Бенгалия происходит от дравидийского племени банг, осевшего в этом регионе около 1000 лет до н. э.

 

Бенгальский пат выполняется с помощью красителей из специй, земли, сажи. Традиционные цвета для этого вида живописи — индиго, красный, зеленый, черный и охра. На многих картинах как бы высмеиваются негативные практики, распространенные в обществе. То есть данный вид живописи имеет помимо всего прочего воспитательную функцию. 

ИНДИЙСКАЯ МИНИАТЮРНАЯ ЖИВОПИСЬ

Индийская миниатюрная живопись получила мировую известность. Выполняется в традициях персидской книжной миниатюры, требует участия нескольких художников — специалистов в области деталей архитектуры, пейзажа, костюмов.

 

Это очень тонкая техника. Выполняется не обычными красками, а яичной, сверху покрываемой золотыми и серебряными красками. Основные черты, присущие данному виду живописи: четкость рисунка, использование художественных сюжетов, изображение нескольких фигур на одном рисунке, богатство оттенков.

Существует несколько видов традиций этого искусства: раджастханская, лакхорская, гуджаратская.

 

Раджпутская живопись. Свадьба Рамы и Ситы. Роспись стены дворца Бунди, 18в.

Все началось с могольского хана Акбара, который был неграмотен, но стремился к знаниям и уважал искусство.

 

 На рисунке Хан Акбар

 Хан Акбар

Именно с Акбаром в Индию пришло европейское искусство. Это произошло так: Акбару подарили полиграфическую версию Библии, всю в иллюстрациях европейского стиля. Акбар заставил индийских художников изучить этот стиль. Таким образом в Индии появилась европейская школа.

После Акбара традицию продолжили Джахангир и Шаджахом, которые больше поощряли создание картин размером с книгу. Таким образом в Индии возникла миниатюрная живопись.

Некоторые из миниатюр были представлены Рембрандту, великому художнику, представителю золотого века голландской живописи, жившему в XVII веке в Европе. Рембрандт высоко оценил детали и яркость цветов миниатюр.

Аурангзеб, последний из могольских правителей, не поддерживал искусство и вообще был жестоким императором. В результате в конце XVII века мастера живописи покинули территорию дворца императора моголов и уехали в Раджастан, в раджпутские дворы. После чего раджпутская живопись расцвела и стала гордостью Раджастана.

Кишингарская миниатюрная живопись получила расцвет в XVIII веке в Кишингаре, недалеко от Джайпура.

 

Радха и Кришна

Она была основана на традициях могольских художников миниатюрной живописи. Ее основными чертами являются использование золотой пудры, ярких цветов, воздушности фигур. Существует также вашолийская миниатюрная школа, не менее популярная в Индии среди художников и почитателей искусства.

ГОНДСКАЯ ЖИВОПИСЬ

Дравидийский народ Гонды и их древняя живопись

Живопись Гонда зародилась в центральной Индии. Гонд на дравидийском языке означает «горы».

 

Гонды — это дравидийские народы, живущие в горах и лесах центральной Индии, у них свой диалект языка гонди дравидийской языковой семьи. Однажды семнадцатилетний юноша из маленькой деревни Патангарх, что в штате Мадхья-Прадеш, был замечен знаменитым индийским художником Джеем Сваминатханом. Юноша расписал стены своей хижины особым видом живописи. Он называется «золотая живопись». Поскольку гонды проживают в горах и лесах, то и живопись их отличается изображением флоры и фауны центральной Индии.

Их рисунки выполняются на стенах домов и символизируют связь человека и природы. Характерной чертой живописи гондов является обилие точек, тире, линий. В Индии считается, что живопись Гонда приносит удачу.

 

Поскольку природа Индии богата тропическими птицами и экзотическими животными, рисунки поражают воображение богатством красок и оттенков. Вот таким интересным образом украшают свои хижины горные народы центральной Индии.

Эти картины тесно связаны с их повседневной жизнью. Картины сделаны путем размещения точек над точками вверх, вниз и в сторону. Тема картин взята из сказок и мифологии.

 Они не просто украшения, но и выражения их религиозных чувств и преданности. Картины племенных мастеров народного искусства, основанные на местных индийских фестивалях, таких как Карва Чаут, Дипавали, Ахой Аштами, Наг Панчми, Санджи и др., выполнены женщинами с использованием простых самодельных красок. Лошади, слоны, тигры, птицы, боги, люди и предметы повседневной жизни окрашены в яркие и разноцветные оттенки.

ТАНДЖОР

Живопись Танджор (Танджавур) 

Живопись Танджор возникла на юге Индии в штате Тамилнад, в городе Танджавур, который еще называют Танджор.

Этот вид живописи является классикой индийского изобразительного искусства, его гордостью. Основным видом деятельности Танджавура является ювелирное дело и ковроткачество. Когда-то этот город был столицей тамильского государства Чола, которое существовало в период со II по XIII века нашей эры. Это была эпоха расцвета культуры, тамильской литературы, невероятной красоты архитектуры. В XVI веке возникла живопись Танджор. Позднее государство Чола распалось. Но от этого величия человечеству в наследство досталась живопись, которая существует до сих пор и даже развивается. Например, художники Танджора рассказывают, что если раньше они изображали только богов, то теперь все зависит от желания заказчика. Основной особенностью живописи Танджор является трехмерное изображение рисунка с помощью ювелирных изделий. То есть используются полудрагоценные камни, жемчуг, кристаллы, золото.

 

Окруженный зелеными плодородными равнинами, Танджор известен как «Рисовая чаша» Тамилнада. Здесь находится множество древних храмовых чудес Южной Индии. Танджор в штате Тамилнад также известен своими изысканными изделиями ручной работы, бронзовыми отливками статуй, моделями пробковых храмов и южно-индийскими музыкальными инструментами, такими как вина и мридангам. Его также называют «художественной столицей Южной Индии» и чаще всего упоминают под названием Танджавур. Храм, форт и дворцы Танджора были молчаливым свидетелем великого культурного и артистического пробуждения, которое когда-то пережил город.

Танджор назван в честь демона по имени Танджан-асура. Есть легенды, в которых говорится, что последнее желание демона состояло в том, чтобы город был назван в его честь, что было исполнено Шри Анандавалли Амманом и Шри Ниламегаперумалом.

 Темы чаще всего иллюстрируются из Рамаяны и Бхагавадовой Пураны (обе эти эпопеи высоко ценятся. Общими темами были различные изображения Кришны, коронация Рамы и вариации Вишну.

 

Чтобы удовлетворить запросы клиентов, появилась тема Shaivite. Композиция: композиция характеризует статичность и, как правило, состоит из одной основы, то есть божества, расположенного в центре. Божество обычно размещается внутри ограждения дворца или храмового павильона. Даже когда нет архитектурного фона, такого как ограждение, созданное с помощью штор или арки. Таким образом, композиция такова, что ограничивает движение. Твердые четкие контуры кисти, вмещающие формы, еще больше увеличивают его массивность. Божество всегда изображено анфас, никогда не в профиль. Показаны все десять пальцев рук и ног. Гирлянды в основном с открытым концом. Фон может быть темно-синим, красным или темно-зеленым, в то время как основные пластины имеют белый, зеленый или синий цвет. Красные и синие или красные и зеленые композиции часто доминируют над композициями. Цвета отображаются плоскими с минимальной штриховкой.

Начав рисовать для комнаты пуджи, при изготовлении росписи Танджавур соблюдаются определенные нормы. Во время рисования художники работают босиком. Кроме того, картина завершается за исключением глаз.  Это «открытие глаз», то есть окраска глазного яблока выполняется в особое время, в благоприятные часы. Изначально эти картины делали только мужчины. Женщинам не разрешалось работать над этим, так как во время менструального цикла их считали нечистыми и им не разрешалось входить в комнату для пуджи, чтобы заниматься какой-либо религиозной работой.

Картины на стекле: Идея росписи на стекле, кажется, возникла в результате попыток местных художников создать дорогие картины для художников. Используемая техника похожа на акварель. Это искусство требует гораздо большего мастерства, поскольку включает в себя рендеринг сильно отполированной поверхности. Это искусство было в основном распространено в британскую эпоху. Слюдяная живопись: также, сделанная во время британской эры. Она менее хрупка, чем стекло. Также было обнаружено, что картины Танджавур были сделаны на Игральных картах. 

КАЛАМКАРИ

Каламкари — искусство родом из Южной Индии, которое заключается в нанесения рисунка на хлопковую ткань.

 

 Калам означает «ручка».

 В Индии используется ручная техника росписи ткани, а в Иране применяют специальные штампы.

 

Родина каламкари — штат Андхра-Прадеш.

Каламкари имеет два метода: масули патнам и шрикалахасти.

 

ШРИКАЛАХАСТИ

Если шрикалахасти — исконно индийское направление каламкари, то масули патнам несет в себе черты искусства голконда и персидских мотивов.

  

Масули патнам

В Индии чрезвычайно популярны kalamkari saree, то есть женский наряд сари с нанесенным вручную на ткань рисунком.

 

Каламкари сари

Рисунок должен быть нанесен исключительно ручкой. Изделия с нанесенным рисунком каламкари безопасны для здоровья человека благодаря краске, которую получают из растений. Никакие химические вещества не используются в процессе приготовления краски для каламкари. Процесс нанесения краски состоит из четырех-пяти стадий. Рисунок, как правило, содержит в себе сюжеты из индийских старинных преданий и мифов. В 2012 году индийское правительство выпустило GI tag — зарегистрированное географическое указание каламкари с целью защитить национальный вид искусства от копирования и исчезновения.

 

 Сначала на ткань наносят эскиз рисунка тамариндовой веточкой и молоком. Потом бамбуковой палочкой быстрыми мазками наносятся органические красители. Затем ткань украшают золотой и серебряной краской, расшивают нитями люрекса.

12 известных шедевров искусства, которые должен признать каждый индиец

«Искусство смывает с души пыль повседневной жизни».
— Пабло Пикассо

Хотя мы изо дня в день наводнены искусством, есть несколько особых произведений, которые вышли за рамки времени и культуры и заняли свое законное место в истории искусства. В течение многих лет эти картины привлекали внимание ценителей искусства не только потому, что они красивы, но и потому, что они хранят в себе историю.Каждый мазок кисти и каждая используемая капля цвета — это слово, написанное на холсте.

индийских художников также создали несколько великолепных произведений искусства, которые покорили мир. В произвольном порядке вот список из 12 самых известных индийских картин всех времен — узнаваемых произведений веков, которые никогда не будут забыты.

1. Автопортрет — Амрита Шер-Гил

Источник фото

Это автопортрет Амриты Шер-Гил 1931 года, на котором изображен 18-летний один из самых известных современных художников Индии.Это также первая картина художника, когда-либо выставленная на Christie’s в Лондоне, и одно из восьми полотен Шер-Гила, выставленных на аукционах по всему миру. Автопортреты Шер-Гиля написаны с почти гипнотической интенсивностью, погружая зрителя в сокровенную душу художника, где открывается море меланхолии.

2. Бхарат Мата — Абаниндранат Тагор

Источник фото

Одна из самых знаковых картин Абаниндраната Тагора (основателя Бенгальской школы искусств), Бхарат Мата, изображает одетую в шафран женщину, одетую как садхви, держащую книгу, снопы рисового дерева, кусок белой ткани и гирлянду. в ее четырех руках.Чрезвычайно важная из-за своей эмоциональной и исторической ценности, картина стала чрезвычайно популярной среди националистов в те дни, особенно после плана лорда Керзона по раздвоению Бенгалии. Интересно, что сестра Ниведита, поклонница картины, хотела перевезти ее из Кашмира в Каньякумари, чтобы распространить националистический пыл среди жителей страны

3. Шакунтала — Раджа Рави Верма

Источник фото

Шакунтала — эпическая картина известного индийского художника Раджи Рави Вармы.Рави Варма изображает Шакунталу, важный персонаж Махабаратхи, которая притворяется, что снимает шип со своей ноги, в то время как на самом деле ищет своего мужа / любовника, Душьянту, в то время как ее друзья называют ее блефом. Тапати Гуха Тхакурта, историк искусства, написал;

«Этот жест — поворот головы и тела — вовлекает зрителя в повествование, приглашая поместить эту сцену в воображаемую последовательность образов и событий. Сама по себе картина стоит как застывшая картина (как кадр из движущегося фильма), вырванная из непрерывного зрелища эпизодов.”

4. Бапуджи — Нандлал Бозе

Источник фото

Все знают о Махатме Ганди как об одном из величайших борцов за свободу, которых когда-либо видел мир. Но многие ли из нас знают, что Бапу был музой для многих своих современных художников как в Индии, так и за рубежом? Легендарный Нандалал Бозе, художник Шантиникетана при жизни Ганди, заявил, что Бапу был источником вдохновения для всех художников. Его знаменитый портрет Махатмы с линогравюрой под названием «Марш Данди» (с надписью «Бапуджи, 1930»), созданный в 1930 году, отражает его уважение к Ганди и находится в постоянной экспозиции Национальной галереи современного искусства в Дели.

---

Также читайте: Дань памяти художнику, который нарисовал и осветил национальный герб Индии

---

5. Mahishasura — Tyeb Mehta

Источник фото

Самая важная работа лучшего современного художника Индии, Махишасура Тайеба Мехты — переосмысление одноименной истории о демоне — была первой индийской картиной, перешагнувшей отметку в миллион долларов и проданной на Christie’s в 2005 году за колоссальные 1,584 миллиона долларов. .Картина написана после визита Тайба в Шантиникетан, где он был вдохновлен легендой о Махишасуре. Мехта сочетает древние образы с простотой формы, цвета и линий, создавая мощную современную работу, полную свежей жизненной силы.

6. Автопортрет — Рабиндранат Тагор

Источник фото

Нобелевский лауреат Рабиндранат Тагор начал рисовать в 1924 году в возрасте 63 лет, хотя задолго до этого в его рукописях можно было заметить элемент усилий.К концу своей карьеры Тагор, стремясь создать общедоступное искусство, более последовательно занялся живописью. Он сделал тысячи набросков и рисунков кистью, карандашом и пером, самый известный из которых — автопортрет. На этой картине изображен автопортрет бородатого художника в анфас, подчеркнутый отсутствием цвета, необработанным фоном и примитивными карандашными линиями.

7. Три Пуджарина — Джамини Рой

Источник фото

Джамини Рой, выдающийся бенгальский художник, причисленный к ранним модернистам индийского искусства двадцатого века, создал шедевр, нарисовав трех миндалоглазых жриц для своей работы под названием «Три пуджарина».Вдохновленный традициями народного искусства Бенгалии, Рой экспериментировал с яркими цветами и разработал свой собственный индивидуальный стиль рисования, в результате чего произведения искусства были визуальным праздником.

8. Лошади — M F Husain

Источник фото

В начале своей живописной карьеры и до самой смерти Макбул Фида Хусейн, один из самых плодовитых художников Индии, любил изображать живой и свободный дух лошадей во многих своих работах. Эта картина маэстро передает мощь и энергию трех лошадей через смелые очертания, подчеркивающие мощных зверей, несущихся на полном скаку.Эта картина, одна из лучших работ Хусейна и мечта коллекционера, была выставлена ​​на аукционе Christie’s в 2008 году за 1 крор индийских рупий.

9. Кришна (Весна в Кулу) — Николай Рерих

Источник фото

Нельзя обойти вниманием заявление известного русского художника Николая Рериха о Кришне (Весна в Кулу) о знаменитых произведениях индийского искусства. На картине, которая находится в постоянной экспозиции в Музее Николая Рериха, Нью-Йорк, Кришна играет на флейте под цветущим деревом на фоне величественных заснеженных гор на заднем плане.Рерих, который после путешествия по миру сделал Кулу своим домом и умер там. В 1979 году он был объявлен ASI одним из девяти художников, чьи работы считаются национальным достоянием искусства.

10. Бинду — С. Х. Раза

Источник фото

Легендарный современный художник, популяризировавший индийскую иконографию во всем мире, Сайед Хайдер Раза никогда не уставал от bindu ‘или shunya , которые стали центром энергии в его творчестве. На протяжении его долгой и плодотворной карьеры — его первая персональная выставка состоялась в 1946 году — искусство Разы постоянно развивалось.Но к 70-м годам он нашел мотив, который сделал его легендой: bindu . Раза однажды заявил, что « Bindu — это источник энергии, источник жизни. Жизнь начинается здесь, здесь достигает бесконечности ». Помимо bindu , его мгновенно узнаваемые геометрические абстрактные работы торговой марки также исследовали такие темы, как пракрити (природа), кундалини (первичная энергия) и tribhuj ( треугольник ).

11. Сияние надежды — S L Haldankar

Источник фото

Семьдесят лет назад молодая скромная девушка три часа стояла с лампой в руке.Она позировала произведению искусства, создаваемому ее отцом С. Л. Халданкаром. Этот акварельный шедевр, широко известный как «Дама с лампой» или «Сияние надежды», уже почти 60 лет является главной достопримечательностью Художественной галереи Шри Джаячамараджендры во дворце Джаганмохан в Майсоре. Чувствительность, простота, мягкие и тонкие цвета, а также воздушное изображение света, отражающегося от пальцев, сделали эту картину высоко оцененной работой, известной во всем мире.

12.Тамильские девушки со своими попугаями — S elayaraja

Источник фото

Картины С. Элаяраджи известны своей гиперреальностью, почти фотографией, поскольку он изображает «дравидийских девушек» в своем широко признанном и неподражаемом стиле. На картине девушка сидит со своими попугаями и тонко улыбается в рамку со знающим взглядом в глазах. Элаяраджа старательно вдыхает жизнь в каждую деталь, от складок платья девушки до сияющих узоров с золотой нитью и краев ее юбки, симпатичных попугаев, сидящих на подоконнике позади нее, коричневой деревянной рамы позади нее и цементного пола.Залитая почти ангельским золотым светом картина демонстрирует глубокую связь художника с его культурным прошлым, выросшим в храмовом городе в Тамил Наду.

---

Также читайте: Познакомьтесь с художниками, живущими среди племен байга, и отобразите их богатую культуру в искусстве

---

Нравится эта история? Есть чем поделиться? Электронная почта: contact @ thebetterindia.

com, или присоединяйтесь к нам в Facebook и Twitter (@thebetterindia).
НОВИНКА! Войдите на сайт www.gettbi.com, чтобы получать положительные новости о Whatsapp.

Купить индийское искусство | Купить оригинальные картины / принты индийского искусства онлайн

Нам повезло, что мы живем в период «возрождения» современного индийского искусства, когда по всей стране процветают новые художественные движения, а также при постоянной поддержке индийских коллекционеров произведений искусства. Легендарные индийские художники, такие как Тота Вайкунтам и А. Рамачандран , все еще живут и работают сегодня, в то время как появляются новые художники, такие как Нишант Данге и Свати Пасари .Многие художники также придерживаются более традиционных индийских методов живописи, таких как искусство Каламкари и Мадхубани (Митхила) . Как опытные коллекционеры, так и начинающие покупатели могут просматривать индийское искусство в Интернете, посещать местные индийские художественные галереи и даже ездить на ярмарки индийского искусства по всему миру. Существует множество возможностей коллекционировать индийское искусство по разным ценам и в различных средах.

Таким образом, покупка индийского искусства никогда не была такой простой, но еще и запутанной.Один из вариантов, конечно же, — купить индийское искусство в Интернете. Тысячи индийских картин выставлены на продажу онлайн, в том числе множество вариантов на нашем собственном веб-сайте Laasya Art, что означает, что вы почти гарантированно найдете картину, которая соответствует вашему эстетическому вкусу, требованиям к размерам и диапазону цен. Просмотр и покупка индийского искусства в Интернете также означает, что вы не ограничены тем, что доступно поблизости — вы можете отправлять картины из Индии, США или любого другого места.

Однако покупка оригинального индийского искусства в Интернете имеет ряд недостатков.Если не увидеть работу лично, картина может оказаться не такой, какой вы ожидали, — она ​​может быть другого цвета, чем показано на фотографиях, или же она может не вписаться в ваш дом. Вам также нужно будет заняться транспортировкой картины, от организации курьеров и оплаты страховки до таможенного оформления и растяжки холста по прибытии. Для неопытного покупателя это может привести к разного рода логистическим сбоям.

Это приводит нас к покупке оригинального индийского искусства «офлайн» или к покупке индийского искусства в авторитетной индийской картинной галерее, будь то здесь, в районе залива Сан-Франциско, или где-либо еще в Соединенных Штатах от Нью-Йорка или Лос-Анджелеса до Сиэтла или Далласа.Во многих американских городах есть яркие индейские общины и, следовательно, процветающие индийские арт-сцены. Хотя ваши варианты покупки оригинального индийского искусства лично могут быть более ограниченными, чем обширные возможности в Интернете, основными преимуществами покупки оригинальной индийской картины в художественной галерее являются знания и уверенность. Вы можете не только лично увидеть цвет, текстуру и размер картины, но и авторитетный галерист может рассказать о способностях, вдохновении и методах художника. Очень важно познакомиться с произведениями искусства из первых рук, а образование художника и живописи повысит вашу оценку вашей коллекции на всю жизнь.

Здесь, в Художественной галерее Лаасья, мы стараемся объединить лучшее из обоих миров: большинство наших оригинальных картин для продажи физически находятся в нашем пространстве Пало-Альто (район залива Сан-Франциско), но мы также можем помочь вам получить картину из Индия и ориентироваться в процессе перевозки. Кроме того, мы предлагаем консультационные услуги по искусству , предоставляя вам доступ к эксперту в области индийского искусства. Наш постоянный советник по искусству Индии может порекомендовать оригинальные картины, которые дополнят ваш дом, или помочь вам заказать , чтобы заказать произведений искусства от признанного индийского художника.Одна из миссий Laasya Art — сделать индийское искусство более доступным, поэтому мы предоставляем квалифицированное руководство для всех коллекционеров на протяжении всего процесса покупки и предлагаем картины по разным ценам. Мы полностью привержены тому, чтобы предоставить всем клиентам информативный, легкий и приятный опыт.

Это захватывающее время для всех, кто увлечен искусством Индии, будь то традиционное или народное, современное или современное. Если вы чувствуете, что готовы совершить скачок и начать свою коллекцию индийского искусства, мы приглашаем вас заказать посещение художественной галереи Лаасья (только по предварительной записи) и совершить экскурсию по тщательно отобранной коллекции индийского искусства здесь, в Пало-Альто.

Индийское искусство — 10 самых известных типов картин в Индии

Богатое культурное разнообразие Индии хорошо отражено в ярком, самобытном и очаровательном народном искусстве и ремеслах. В разных регионах преобладают различные стили живописи, каждый из которых представляет традиции, обычаи и идеологии, передаваемые от одного поколения к другому. Традиционно большинство стилей индийской живописи существовало в виде настенных росписей или фресок. Со временем урбанизация принесла эти живописные формы на бумагу, холст, ткань и т. Д.Стили индийской живописи — это не просто отражение образа жизни коренных жителей, но прекрасный пример художественного выражения посредством простых, но отличных композиций.
Вот некоторые из популярных стилей индийской народной живописи —

1. Картины Мадхубани

Без названия Baua Devi

Один из самых знаменитых стилей народной живописи в Индии — Мадхубани, зародившийся в районе Митхила в Бихаре как форма настенного искусства.Этот впечатляющий художественный стиль был неизвестен внешнему миру до тех пор, пока в 1934 году не был обнаружен британским колониальным Уильямом Дж. Арчером во время осмотра повреждений после мощного землетрясения в Бихаре. Арчер был поражен красивыми иллюстрациями на открытых внутренних стенах домов … Красота Мадхубани заключается в его простом и запоминающемся изображении культуры и традиций. В дизайне использованы эффектные геометрические узоры, символические изображения и сюжеты из мифологии. Баланс между яркостью цветов и простотой узоров отличает Мадхубани от других стилей живописи.Бхарни, Качни, Тантрик, Годна и Кохбар — пять различных стилей живописи Мадхубани.

2. Картины Варли

Варли Искусство неизвестного художника

2500-летняя традиция живописи Варли в областях Тане и Насик в Махараштре тесно связана с природой и социальными ритуалами этого племени. Картины Варли демонстрируют повседневную деятельность местных жителей этого сообщества, такие как сельское хозяйство, танцы, охота, молитва и т. Д.Традиционно женщины использовали веточки, чтобы рисовать рисовой пастой яркие рисунки на глиняных стенах домов племен, чтобы отметить праздники урожая или свадьбы. Простые геометрические узоры белого цвета на красной или желтой поверхности используются для изображения сцен повседневной жизни. Warli art своими линейными и монохромными оттенками напоминает исполнение доисторических наскальных рисунков.

3. Живопись Калигхат или бенгальский патент

Калигхат Картина неизвестного художника

Стиль живописи Калигхат был разработан примерно в середине 19, ^и годах в окрестностях храма Кали в Калькутте.Эти рисунки на бумаге были сделаны группой, известной как «патуас», отсюда и название Калигхата Пата. Они изображали сцены повседневной жизни и мифологических божеств в простой, но увлекательной манере и развились в популярный стиль живописи калигхат. Художники Калигхата преимущественно используют землистые индийские цвета, такие как индиго, охра, индийский красный, серый, синий и белый. Стремительный, цельный, плавный контур — отличительная черта живописного стиля Калигхат. Этот стиль живописи вдохновил многих художников, самым известным из которых был Джамини Рой.

4. Phad

История Пабуджи, автор Калян Джоши

Пхад — это повествовательная традиция рисования свитков из Раджастана, насчитывающая тысячу лет. Истории о местных божествах и героях написаны на горизонтальных свитках ткани в красных, желтых и оранжевых тонах. Свитки Фад изображают поля сражений, приключенческие истории, легендарные романы и богатство индийских княжеств. Стиль живописи Фад оставляет очарование того, как народные художники объединяют несколько историй в единую композицию, сохраняя при этом эстетику художественного выражения.

5. Каламкари

Искусство Каламкари неизвестного художника

Это органическое искусство ручной и блочной печати, которому более 3000 лет, традиционно использовалось для создания повествовательных свитков и панно. Это изысканное народное искусство тесно связано с персидскими мотивами. Каламкари получил свое название от калам или пера и является наследием, которое передавалось из поколения в поколение в Андхра-Прадеше. Стилизованные формы животных, цветочные мотивы и рисунки мехрабов, преобладающие в картинах Каламкари, также нашли свое место в тканях Каламкари.Искусство Каламкари в основном состоит из землистых цветов, таких как индиго, зеленый, ржавый, черный и горчичный.

6. Миниатюрная живопись

Миниатюра неизвестного художника

Стиль миниатюрной живописи пришел в Индию вместе с Моголами в 16, ^и веках и считается важной вехой в истории индийского искусства. Он превратился в особый стиль с сочетанием исламских, персидских и индийских элементов.Картина выполнена красками натурального камня на бумажной «васли». В миниатюрах использованы минеральные цвета, драгоценные камни, ракушки, золото и серебро. Тонкая манера письма, замысловатость, детализация и стилизация — уникальные атрибуты миниатюрной живописи. По всей Индии стиль миниатюрной живописи превратился в отдельные школы миниатюрных картин, таких как Кангра, Раджастхан, Малва, Пахади, Могол, Декан и т. Д. И т. Д. И т. Д.

7. Живопись на гондоле

Без названия Венкат Раман Сингх

Эти яркие картины, созданные из ряда замысловатых точек и тире, были созданы племенем гонди в центральной Индии.Племена воссоздают мифологические сказки и устные истории с использованием традиционных песен, природы, важных событий и ритуалов с большой замысловатостью, богатой детализацией и яркими цветами. Традиционно цвета получали из природных ресурсов, таких как коровий навоз, сок растений, древесный уголь, цветная почва, грязь, цветы, листья и т. Д. Художники Гонда теперь используют коммерческие краски на водной основе для рисования на бумаге и холсте. В наши дни искусство Гонда вышло за рамки племенного стиля искусства с участием безымянных художников и превратилось в всемирно известных художников, таких как Джангарх Сингх Шьям, Венкат Шьям, Бхаджу Шьям, Дурга Бай Вям и многие другие.

8. Фрески Кералы

Фреска Керала неизвестного художника

Яркие фрески Кералы являются одними из самых известных фресок в мире и имеют глубокие духовные корни, изображающие темы индуистской мифологии, эпосов, классических шуток Кришны, а также мистические формы Шивы и Шакти. Они также рассказывают о некоторых легендарных героях ушедшей эпохи. Этот традиционный художественный стиль восходит к седьмому и восьмому векам нашей эры и отличается яркими образами, смелыми мазками и яркими цветами.В росписи Кералы преимущественно используются охристо-красный, желто-охристый, голубовато-зеленый, белый и чистый цвета.

9. Patachitra

Odisha Patachitra работы неизвестного художника

Patachitra — это традиция росписи тканевых свитков от Odisha, посвященная мифологической и религиозной тематике. Смелые, четкие очертания, яркие цвета, такие как белый, красно-желтый и черный с декоративными краями, — вот некоторые из характеристик стиля живописи патачитра, которым восхищаются любители искусства во всем мире.

10. Picchwai

Пичваи Картина неизвестного художника

Искусство Пикчваи зародилось как гобелены позади главного божества в храмах Кришны в Натхдваре. Они рассказывают истории, связанные с Господом Кришной. Постепенно с коммерциализацией светские темы также включаются в стиль живописи Пикчваи. Picchwais — красочные и замысловатые произведения искусства со скрытой символикой в ​​художественных мотивах.Эта особая практика религиозного искусства передавалась из поколения в поколение и являлась прекрасным примером духовности в искусстве.

См. Также: Продажа картин

19 произведений искусства, которые мы полюбили на выставке India Art Fair 2020 — Artisera

12-я выставка India Art Fair проходила в Нью-Дели с 30 января по 2 февраля 2020 года, и это было визуальное наслаждение, превзошедшее ожидания. От современных мастеров до современных стойких приверженцев и новых имен в мире искусства, ярмарка объединила лучшее в области живописи, скульптуры, фотографии, инсталляции и традиционных форм искусства от индийских и всемирно известных художников со всего мира.Вот выбор Artisera из 19 работ (в произвольном порядке), которые нам понравились на Индийской художественной ярмарке 2020 года!

1. Laaga Chunari Mein Daag, автор — Гирджеш Кумар Сингх

Это трогательное и эмоциональное собрание работ посвящено проблемам идентичности, миграции и перемещения. Созданные из обломков кирпичей и раствора старых разрушенных стен, работы демонстрировали «свежую изломанность» — красивые на вид, но обнажающие борьбу прошлого. Художник Гирджеш Кумар Сингх считает, что хорошие воспоминания иногда вызывают печаль из-за осознания их отсутствия, в то время как плохие воспоминания создают удовольствие, поскольку их больше нет.

2. Ритика Мерчантз Бумажные произведения искусства

Бумага и коллаж Ритики Мерчант из серии «Воздушные женщины» привлекли наше внимание ненасыщенными цветовыми тонами и интригующими концепциями. Вдохновленный идеей могущественных и свободных женщин, художник изобразил женщин похожими на птиц, что связано с древними изображениями крылатых женщин. Две небольшие работы в центре представляют собой разнообразные ландшафты, которые женщинам приходится постоянно пересекать или летать в мире, определяемом ограничительной серьезностью мужских желаний и желаний.

3. Лица Дхананджая Сингха

Серия изящных скульптур под названием «Лица» Дхананджая Сингха исследовала идею того, как природа присутствует в человеке, а люди — в природе. Потрясающие и огромные скульптуры из нержавеющей стали и бронзы иллюстрируют, как растения и деревья создают сильный образ в нашем сознании не потому, что они являются источником выживания, а потому, что мы видим, как в них отражается наша собственная жизнь.

4.Смешанная техника Анжана Модака

Начинающий художник Анджан Модак в своих сатирических и вызывающих воспоминания произведениях подчеркнул конфликт, существующий между людьми. Работы Аньяна, выполненные на бумаге акварелью и графитом, говорят о брендах, статусе и разрыве между богатыми и бедными. Взаимоотношения между классами общества, переход из сельской местности в городские и поверхностные капризы общества — все это играло роль в фактурных и фантастических произведениях многообещающего художника.

5. Бремя доказывания Пунам Джайн

Уникальный и увлекательный экспонат, серия рисунков Пунам Джайна, сложенных вместе, чтобы выглядеть как дверь и окно. На каждом кирпичике изображены нормальные люди, погруженные в однообразие своей жизни. Это произведение искусства с измерительной шкалой на телах фигур подчеркивало нашу навязчивую потребность в количественной оценке всего в жизни и то, как числа и измерения управляют нами, даже когда мы пытаемся освободиться от «бремени доказательства».

6. Бронзы 4 мастеров

Третье измерение придало мастерам 2D-искусства блестящая выставка бронзовых скульптур четырех самых выдающихся художников Индии — Джогена Чоудхури, Кришен Кханна, Рама Кумара и Тхота Вайкунтам. Вся коллекция скульптур, созданная в известной Лондонской литейной мастерской, была поразительно детализирована и поразительно похожа на культовые стили, которыми четыре художника стали так знамениты своими картинами.

7. Без названия (Драупади Вастрахаран) М.В. Дхурандхара, 1934 г.

Первый директор престижного сэра Дж. Дж. Художественная школа М. В. Дхурандхара (1867-1944) была почти так же популярна своими мифологическими картинами, как и его предшественник, Раджа Рави Варма. Эта блестящая работа 1934 года, представленная на стенде DAG, изображает вастрахаран Драупади, начало войны Махабхараты, с необычной и освежающе реалистичной остротой для того периода времени, когда она была написана.

8. Fusion, Виджай Пичумани

Это драматическое произведение Виджая Пичумани отражает глубокую связь человека с природой. Человеческая фигура вырезана из цельного куска дерева джекфрутового дерева, а множество корней, на которых фигура опирается и утешается, художник подобрал с улиц своей деревни.

9. Путешествие по Ганге — Картина Мадхубани

Это впечатляющее произведение искусства известного мадхубанского художника А. Кумара Джха, эта огромная картина была изысканно детализирована и прекрасно скомпонована.На картине изображен путь священной реки Ганга от ее истока в Ганготри до устья в Бенгалии, а также подчеркивается меняющийся ландшафт и культуры этой яркой и разнообразной страны.

10. Мать Бхарти Кхер

Скульптура Бхарти Кхер под названием «Мать» сделала яркое заявление. Изображая женщину с кляпом во рту и обеспокоенную, с коровьей головой, покрытой фирменным «bindis» Кхера, картина проливает свет на многие эмоции и смятения матери и, возможно, «родины».

11. Без названия Работа Джаганнатха Панды

Великолепный шедевр Джаганнатха Панды, получивший широкое признание за свои впечатляющие работы, изображающие перемещение людей и животных, выделялся своей многослойной текстурой и яркими изображениями.

12. Мартин, Ай Вэйвэй

Отливка из корней гигантских деревьев, выращенных в Бразилии, впечатляющая гигантская скульптура всемирно известного художника из железа, представленная немецкой галереей neugerriemschneider, раздвинула границы процесса литья.Полностью рукотворный, он выглядел удивительно реалистично с его детализированными деталями. Элементы корней древних деревьев были отлиты вручную с использованием традиционной техники выплавляемого воска, а более мелкие детали были тщательно вырезаны из железа. Это произведение вдохновлено стихотворением отца Вэйвэя, Ай Цин, в котором говорится о том, как деревья общаются друг с другом под землей.

13. Вишну на Шешнаге Раджа Рави Варма

Crayon Art Gallery подарила посетителям незабываемые впечатления, представив лишь один оригинальный шедевр отца современной индийской живописи Раджи Рави Вармы.На картине изображен Господь Вишну с его женами, Богиней Лакшми и Богиней Бхуми, по обе стороны, и все они сидят на Шешнаге, короле змей. На одной стороне смотровой комнаты в галерее также была изображена олеография (печать) картины, посвященная стремлению Рави Вармы сделать свое искусство более доступным.

14. Бронзовые скульптуры К.С. Радхакришнан

На выставке бронзовых скульптур одного из самых выдающихся скульпторов Индии К.С. Радхакришнан, мы изо всех сил пытались выбрать, какое из произведений нам нравится больше всего.От маленьких и интимных предметов до больших и высоких, Радхакришнан использовал две фигуры Майи и Мусуи — женщину и мужчину, — через которые его видение мира развивалось бесчисленным множеством способов. Скульптуры выделялись как необычными движениями фигур, так и искусной лепкой из бронзы.

15. Без названия Работа Пунита Кошика

Пунит Кошик, проницательный художник, использовал кораллы и стеклянные бусины для создания этого прекрасного произведения искусства, демонстрирующего связь между болью и исцелением, представленного Культурным центром итальянского посольства.Пунит использует красный цвет, который, по его мнению, объединяет всех нас, потому что это цвет крови, который остается одинаковым у всех людей и животных. Вдумчивое произведение искусства изображало рану, которая причиняет нам боль, но она тщательно сделана с использованием благоприятных тибетских бусин, которые символизируют исцеление.

16. Эскизы и рисунки Манджита Бавы

Один из самых известных и любимых художников Индии, покойный Манджит Бава наиболее известен своими яркими картинами, изображающими мифологических персонажей.Но на персональной выставке Бавы в галерее также были представлены некоторые изысканные и менее распространенные эскизы и рисунки мастера-художника, которые привлекли наше внимание тонкостью деталей и точностью.

17. Сладкие дни лета, Тапасья Гупта

Это произведение, которое вызовет улыбку у каждого зрителя на ярмарке! Эта счастливая скульптура высотой 70 дюймов была создана художником Тапасьей Гуптой. Сделанный из стекловолокна и металла, он изображал девушку, наслаждающуюся простыми радостями жизни — качелями и красочными воздушными шарами.Что удивительно в этом произведении, так это то, что вес всей скульптуры приходится на правую ступню девушки!

18. Фрагменты шуньи по Дхасану

Вдохновленный тишиной и фрагментацией мира, «Шунья» означает тишину перед звуком и ноль перед числами. Работая с бумагой на холсте и создавая замысловатые и сложные композиции, Дхасан, художник из Ченнаи, сосредоточился на идее создания баланса между расходящимися тенденциями.Поскольку наше общество сталкивается со все большими и большими потрясениями, нам всем нужно найти способ мирно ориентироваться, и именно к этой идее Дхасан обратился с помощью своих тонких и успокаивающих работ.

19. Фото скульптуры Рохита Чавлы

Ace фотограф Рохит Чавла постоянно расширяет границы традиционной фотографии, и он ничем не отличался от его демонстрации «фото скульптур». Добавляя физическое измерение к 2D-форме искусства, фотографии Рохита изображали иконы из Индии, такие как Закир Хуссейн, играющий на фоне Тадж-Махала, а также другие произведения, которые были воссозданием культовых картин.В творчестве Рохита наше внимание привлекла креативность идеи расширить фотографию до третьего измерения.

Познакомьтесь с известными художниками Индии | IndianArtIdeas

Поэзия есть в жизни каждого художника, в его борьбе, в его падениях, в их побуждении, в их достижениях, в их неудачах, в их отчаянии, в их манерах и в их рассказах.Быть артистом — это выбор, который делает он сам, и он имеет свои последствия и последствия, а также награды и победы. Тем не менее, выбор делают Храбрые Сердца, которые осмеливаются выйти из толпы, потому что верят, что могут сформировать свое воображение в виде слов, картин, песен, видео, танцев и т. Д. Путь художника может быть полон взлетов и падений. , успехи и неудачи, хорошие и плохие решения, но это не может быть одно; однообразно или скучно.

Каждый во всем этом мире хотел в какой-то момент своей жизни стать художником любого жанра (а может быть, вы все еще хотите), однако походить на Пикассо и Моне — это не кубок команды.Печально то, что не каждый художник становится известным, и очень немногие, кто может сделать себе имя, часто забываются в песках времени. Сегодня я собираюсь поговорить о некоторых выдающихся художниках, которых Индия работала на протяжении всей истории своего времени. Но прежде чем мы начнем обсуждение, давайте взглянем на связь между Индией и искусством:

Индия и искусство

Спектр искусства в Индии столь же обширен, как и история этой великой нации. Индия, гигант Юго-Восточной Азии, славится богатством и разнообразием своего культурного наследия.Изысканное искусство пещер и фрески Аджанты и Эллоры рассказывают историю мастерства, которая существовала в Индии около 2 тысяч лет назад. Хотите пойти дальше в прошлое? Обратите внимание на наскальные рисунки наскальных убежищ Бхимбетка (Мадхья-Прадеш), в которых хранится более 500 древних и до древних произведений искусства. Некоторым изображениям в этих пещерах около 15000 лет. Это просто ожидание.

Начиная с древнего периода, фрески, наскальные рисунки и фрески были разработаны в разных регионах Индии.Школа скульптуры Гандхара и школа буддизма Махаяна существовали примерно между 50 г. до н. Э. и 500 г. н.э. Наряду с этим школа искусств Матхура также сыграла выдающуюся роль в укреплении статуса индийского искусства. Затем было искусство Гупта (известное во времена правления Маурьев). После этого с 600 по 900 год нашей эры господствовала эра искусства раджпутов.Некоторые другие художественные чары процветали в Ориссе, Кхаджурахо, Раджастане и Мадхья Бхарате, Гуджарате и Катхиаваре, Чоле и Хойсале в Декане и Вриндаване.

Средневековая эпоха ознаменовалась возвышением Великих Моголов в Индии. Хотя многие великие художественные памятники были разрушены, когда Моголы вторглись в Индию, искусство сохранилось. Сами Моголы очень любили живопись, и именно они соединили индийское и персидское искусство. Фрески и миниатюры процветали в Индии в то время и продолжали процветать до британского правления.

К сожалению, никакие имена великих художников не появлялись и не популяризировались в эти периоды времени.Это произошло потому, что традиционное искусство было доступно только элите общества, а художники никогда не получали должных похвал.

С промышленной революцией во Франции дела художников и мир искусства во всем мире начали меняться. Даже Индия не избежала этой трансформации, и внезапно появилось несколько художников, которые внесли большой вклад в сектор искусства. Некоторые из этих художников были активны в 19, ^и веках, в то время как большинство из них сияли в 20, ^и веках.Теперь, если вы хотите посмотреть на известных индийских художников и их картины, это займет у вас максимум 5-10 минут (в сети).

Но есть несколько художников, которые заложили прочный фундамент, на котором с комфортом стоит сегодняшнее искусство Индии.

Вот несколько мастеров живописи, которыми Индия гордится своим мастерством и талантом:

1. Раджа Рави Варма

Когда мы говорим о знаменитых художниках Индии, Раджа Рави Варма возглавляет список.Варма, которого также называют «отцом современного индийского искусства», был первым художником из этой великой страны, который заслужил заметный авторитет и признание на мировом уровне.

Раджа Рави Варма

Изображение предоставлено

Будучи ребенком писательницы по матери и отца-ученого, неудивительно, что Варма проявлял большой интерес к живописи с юных лет. Он родился у Умамбы Тампуратти и Нилакантана Бхаттатирипада в княжеском штате Килиманур (Керала) в 1948 году.Ему было семь лет, только когда он указал, что внутри него живет энергичный художник.

Молодой Варма начал рисовать изысканные изображения обыденных предметов, таких как животные, повседневные дела людей и т. Д. На стенах своего дома. Когда ему было всего 14 лет, он переехал в Тируванантапурам, чтобы обучаться рисованию водой у Рамы Найду, его дворцового художника.

Во время обучения он останавливался во дворце Килиманур, где и расцвел как художник. Первоначально Варма отказался от традиционных красок и создал свое искусство, используя натуральные ингредиенты из листьев, цветов, коры деревьев и т. Д., Но вскоре он начал использовать масляные краски.

Период времени 1870–1878 гг. Стал свидетелем ряда эстетических творений Вармы, в том числе портретов элитарных деятелей и британских чиновников. Это был период, когда Раджа Рави Варма приобрел статус известного портретиста. В 1873 году его картины были выставлены на знаменитой выставке в Вене, где он получил три награды, что сделало его первым индийским художником, добившимся такого успеха. К вашему удивлению, произведение Вармы «Радха в лунном свете» было продано на аукционе за 24 крор индийских рупий.Картина создана Вармой в 1890 году.

«Шакунтала» Раджи Рави Варма

Варма в большинстве своих работ сосредоточен на красоте южноиндийских женщин, и значительная часть темы его картин вращалась вокруг того же самого. Однако именно работы Вармы на религиозные темы снискали ему признание на мировом уровне. Варма получил свой первый приз на выставке живописи в Мадрасе, а в 1893 году работы этого безупречного художника были проданы на Всемирной Колумбийской выставке в Чикаго.Раджа Рави Варма был одним из самых известных художников Индии и первым в своем роде, получившим мировую известность. За вклад в искусство вице-король лорд Керзон наградил его золотой медалью Кайсар-и-Хинд.

Многие люди в то время, особенно представители Бенгальской школы искусств, выступали против Раджи Рави
Варма из-за его вдохновения западными стилями искусства. На самом деле Варма изучил и перенял европейские техники, но каждая из его картин была чистым изображением индийской души и наследия.На самом деле, я лично восхищаюсь Вармой больше всего, потому что он был первым индийским художником, который приблизил искусство к массам, а не только к избранной части общества. Большинство ранних творений Вармы были ориентированы на простых людей, и даже на более позднем этапе его жизни все его творения были предназначены для того, чтобы простые люди осознали сущность искусства. Индия, без сомнения, будет в долгу перед Раджей Рави Вармой за его вклад и знания в искусство.

2. Амрита Шер-Гил

Индейцы всегда в числе тех, кто что-то меняет.В список добавляется одна из пионеров современного искусства, которая за свою короткую карьеру и жизнь оказала влияние на миллионы любителей искусства по всему миру и даже продолжает делать то же самое сегодня. Ее зовут Амрита Шер-Гил. Яркая, светлая, смелая, мыслитель, воплощение чистого таланта и та, которая стала первой женщиной-художницей (и единственной азиатской художницей до настоящего времени) во всем мире, получившей золотую медаль в Париже.

Амрита Шер-Гил

Амрита-Шер Гиль, родившаяся в 1913 году в Будапеште, Венгрия, в семье сикхской аристократки (которая также была ученым), работавшей в венгерско-еврейской оперной певице (ее матери) в Будапеште, Венгрия, провела большую часть своего детства только там.Но судьба написала для нее кое-что еще. Ее семья переехала в Шимлу, Индия, в 1921 году, где Амрита завершила свое образование.

В детстве, когда Амрите было всего 5 лет, она взяла кисть и начала формальный урок рисования в возрасте восьми лет. Без сомнения, искусство было душой Амриты, и чтобы восполнить эту пустоту, она вместе с матерью переехала в Париж на Гранд Шомьер под руководством Пьера Вайяна и Люсьена Симона, а затем в Школу изящных искусств. Амрита была озадачена работами европейских художников, таких как Поль Сезанн и Поль Гоген.

«Молодые девушки» Амриты Шер-э-Гил

Изображение предоставлено

Это был 1932 год, когда она отмахнулась от одного из своих лучших творений под названием «Молодые девушки», что привело ее к номинации на членство в Большом салоне в Париже в 1933 году. Амрита до сих пор является самой молодой художницей и только Азиат, завоевавший эту честь. Как свободную птицу, которую нельзя запереть в клетке от своего гнезда, Амриту постоянно преследовали мысли вернуться в Индию.Мистическая интуиция Амриты заключалась в том, что ее судьба ждет ее в Индии и больше нигде. Согласно Амрите, Европа принадлежала таким выдающимся именам, как Матисс, Пикассо, Брак и т. Д., Тогда как она принадлежала Индии.

В возрасте 28 лет Амрита покинула этот мир. Ее смерть была довольно загадочной, и причины ее смерти пока неизвестны.

На творчество Амриты сильно повлиял реализм, и в основном они касались людей, живущих в ее сообществе. Она была одержима настенными произведениями искусства Индии и была поклонницей ярких техник масляной живописи.В ее картинах отразилось приятное слияние западной и восточной культуры и художественных стилей.

Из-за своего богатого семейного происхождения она была весьма эмоциональна по поводу угнетающего положения женщин в Индии. Она всегда хотела побудить женщин играть жизненно важную роль в искусстве и обладать духом бунтарей против социального зла. Ее картины в основном изображали повседневную жизнь индийских женщин, отражая чувство отчаяния и одиночества.

За свою недолгую, но влиятельную жизнь Амрита считается одной из выдающихся женщин-художников 20, ^и века и известна как «Фрида Кало из Индии».Ее автопортрет без названия был продан на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке (2015) за 21 крор индийских рупий.

3. В.С. Гайтонде

Есть артисты, которые любят выходить на сцену и кланяться толпе, которые одинаково выразительны в своих диалогах и в своем искусстве, которые известны всему миру и чьи имена значатся во всех выдающихся списках богатых личностей и там это В.С.Гайтонд, чья картина без названия была продана на Christie’s за 29 крор индийских рупий (рекорд для самых дорогих проданных работ индийского художника), и до сих пор люди мало что знают о нем.

В.С. Гайтонде, которого часто называют художником тишины, несомненно, является «козой» индийского движения современного искусства. Все мы знаем знаменитых индийских художников и их картины, но все мы очень мало знаем о Гайтонде.

В.С. Гайтонд

Источник: Christie’s

Васудео С. Гайтонде родился в Нагпуре, штат Махараштра, в 1924 году. Один из величайших художников-абстракционистов Индии, получивший Падма Шри, Гайтонде окончил школу J.J. Школа искусств, Бомбей (Мумбаи). Он также был одним из первых шести членов Группы прогрессивных художников Индии. Гайтонде не нравились слова. Это было очевидно в его работах, поскольку большинство его картин без названия.

В отличие от других художников, которые боролись трудно добиться известности, Gaitonde был простым человеком. Его сильной стороной было искусство, а не последовавшая за ним слава. Он никогда не жил в бунгало, на вилле или в роскошных апартаментах, хотя мог. Создавая свои самые восторженные и эксклюзивные работы, Гайтонде предпочитал снимать однокомнатную квартиру в районе Низамуддин Восток Дели.

Васудео С. Гайтонде (1924-2001), Без названия, 1996

Источник: Christie’s

Последователь дзен-буддизма, Гайтонде в своих мыслях не был обычным человеком. Он был невысоким человеком, но в то же время обладал непоколебимой уверенностью и ни намека на эго. Его коллеги и друзья часто описывают Гайтонда как человека немногословного, но максимально выразительного. Он отделился от своей семьи в молодом возрасте и был глубоко очарован дзен-буддизмом.

Эта часть его интервью с журналистом Притишем Нанди в 1991 году многое рассказывает о нем,

«Все начинается с тишины. Молчание кисти. Тишина холста. Тишина малярного ножа. Художник начинает с того, что впитывает все эти молчания. Вы не пристрастны в том смысле, что ни одна из вас не работает. Все ваше существо. »

Именно его смелость и новое мышление побудили его отойти от националистической темы 1950-х годов и стать чистым абстрактным художником.

Как ни удивительно, хотя он был индейцем, из-за его молчаливого подхода немногие здесь знали о нем. Однако в западных странах Гайтонда начала привлекать внимание. В 1959 году он провел персональную выставку в известной галерее Грэма, а в 1965 году — в Уилларде. В то же время Гайтонде был активным участником нескольких художественных конвенций и выставок в Нью-Йорке и Венецианской биеннале (1962). В 1964 году он был гордым получателем гранта от фонда Рокфеллера, и в том же году его работа «Картина №4 ’предоставлен Музеем современного искусства и включен в выставку недавно приобретенных произведений искусства.

Кончина Gaitonde произошла в то время (2001 г.), когда западный мир, наконец, проявил энтузиазм в отношении азиатских произведений искусства. Он был незаурядной душой и, по сути, современным абстракционистом. Его потеря будет ощущаться навсегда, и пустота, которую он оставил, вероятно, не найдет себе другой подобной ему, чтобы снова заполнить мир индийского искусства.

4. С.Х. Раза

Сайед Хайдер Раза родился в Бабарии (ныне Мадхья-Прадеш) в 1922 году. Он был одним из столпов индийского современного искусства.С 1950 года он прожил большую часть жизни во Франции, поддерживая тесные отношения с Индией.

Сайед Хайдер Раза

Изображение предоставлено

В молодости Раза переехал в Бомбей (Мумбаи), чтобы поступить в Школу искусств Дж. Дж., Но не смог. Чтобы заработать на жизнь, Раза присоединился к студии производителя блоков. Именно здесь Раза начал писать необычные картины, изображающие сцены, которые были видны из его окна. Он был молод, он был новичком, но его картины всегда отражали зрелость в понимании искусства.Блаженство и очарование его работы были таковы, что довольно скоро люди начали обращать внимание на этого первоклассного художника. Он был одним из основателей группы прогрессивных художников вместе с некоторыми выдающимися личностями.

Разделение Индии и Пакистана оказало глубокое влияние на Разу. Его семья уехала в Пакистан, но сердце Разы и его видение оставались более синкретичными. Итак, он остался в Индии. Это оставило кратер в его сердце, который иногда можно было увидеть на его работах.Духовная глубина и своеобразное выражение, которое он вкладывал в свои картины, всегда отражали его бессмертную верность Индии.

Раза переехал во Францию ​​в 1950 году и собирался изучать искусство в Мекке, но судьба решила для него другое. Вместо этого он остался во Франции на несколько десятилетий. Он женился на художнице Джанин Монжиллат и довольно скоро начал отмечать свое беспрецедентное присутствие на международном рынке искусства.

К 1970-м годам Раза не был так доволен своими творениями и стремился к свежему и глубокому подходу к созданию искусства.Раза не был большим поклонником так называемого «пластического искусства», которое демонстрирует его кристальное понимание искусства. Чтобы исследовать разнообразие и повысить доверие к своим творениям, Раза совершил несколько поездок в такие места, как Аджанта, Эллора, Банарас, Раджастан и Гуджарат. Он обнаружил, что глубокое понимание индийской культуры вращается вокруг «бинду». Это был поворотный момент в карьере Разы, и в нем родился новый художник.

В своей работе Раза вращался вокруг идеи «бинду» (точки), которую он считал источником всей энергии и созидания.Бинду придерживается обширных индийских философских взглядов, которые вращаются вокруг принципов, которым тысячи лет. Раза всегда был очарован корнями своей нации, культурой и верованиями. Его картины после открытия и принятия «Бинду» были сделаны в новых измерениях, которые принесли неторопливую жизнь его ограниченным предметам и тематическому корпусу работ. Раза также создал несколько завораживающих картин на тему Трибхуджа или Треугольника. Эти работы были в основном сосредоточены на закреплении индийских религиозных теорий пространства и времени и концепции мужской и женской энергии.Это полностью превращает жанр Раза из экспрессиониста в фигуру абстракции и мудрости.

«Саураштра» С.Х. Раза

Источник: WIKIART

После смерти жены в 2010 году Раза вернулся в Индию в 2011 году. Он поселился в Нью-Дели и, несмотря на все невзгоды, связанные со здоровьем, Раза продолжал рисовать изысканные произведения искусства. Одна из самых эксклюзивных работ Разы, «Саураштра», была продана на аукционе Christie’s в Южном Кенсингтоне за колоссальные 25 крор индийских рупий.Раза написал эту картину в 1983 году. Он покинул этот мир в 2016 году в возрасте 94 лет.

Раза получил Падма Шри, Падма Вибхушан и Падма Бхушан, вторую, третью и четвертую по величине гражданскую награду в Индии. В дополнение к этому, Раза был также награжден Commandeur de la Legion d’honneur (Почетный легион), высшей французской гражданской наградой в 2015 году.

5. Тайеб Мехта

Если вы спросите известных современных индийских художников об их вдохновении, большинство из них взяли бы имя Тайба.Имя Тайеба Мехты, известного как индийский бекон, выделяется среди самых известных индийских художников 20, ^и века. Он был обычным человеком с незаурядными художественными способностями и талантом. Когда в 2009 году умер Мехта, тогдашний премьер-министр Индии г-н Манмохан Сингх выразил соболезнование, сказав: «Это большая потеря для мира искусства».

Тайеб Мехта

Источник: Wiki

Тайеб Мехта родился в 1925 году в Кападвандже, Гуджарат, и большую часть детства провел на рынке Кроуфорд в Бомбее (Мумбаи).Будучи молодым парнем (22 года), Мехта видел беспорядки из-за раздела в Индии. Он был свидетелем того, как в Бомбее толпа забросала человека камнями до смерти, что оказало на него непоправимое воздействие. Его картины довольно выразительно и смело показали катастрофу. По какой-то причине картины этого лауреата «Падма Бхушан» были довольно удручающими с эстетической точки зрения.

Будучи разносторонним человеком, Тайб в молодости работал редактором в кинолаборатории Famous Studios (Бомбей). Как и другие выдающиеся личности в сфере индийского искусства, Тайб также окончил школу J.J.School of Art (1952) и был одним из основателей Бомбейской группы прогрессивных художников. Свою первую персональную выставку он провел в 1959 году. Вскоре после этого он уехал в Лондон и оставался там до 1964 года.

Те, кто знал Тайба, говорили о нем как о тихом и приземленном человеке. Он вел простую жизнь в Бомбее. Одним из лучших произведений Мехты был «Махисасура», изображение мифологического индуистского демона-буйвола, побежденного богиней Дургой. Это произведение всколыхнуло ценителей индийского искусства и было продано на аукционе Christie’s за 11 крор индийских рупий в 2005 году.Покупка была исторической, потому что это был первый раз, когда какое-либо произведение современного индийского искусства перешагнуло отметку в миллион долларов. Это также было объявлением о растущем интересе жителей Запада к произведениям индийского искусства.

«Махисасура» Тайеба Мехты

Кредит изображения

Не будет ошибкой сказать, что эта покупка сделала его спасителем и героем индийского мира искусства. Мехта стала национальной знаменитостью. Настоящая красота картин Тайба заключалась в выражении разговора, который каждая работа пыталась продвигать.Он сам верил в то, что нужно меньше говорить и больше слышать, и это же отражалось в каждом из его шедевров. В отличие от многих известных художников Индии, которые создавали стопки работ за год, Тайб верил в совершенство. Его медленные, скрупулезные и соблазнительные картины были созданы не с одной попытки. Он был сам себе критиком. Прежде чем завершить одну работу, он разрывал множество частей, чтобы убедиться, что он достиг такого счастья в создании чего-то удивительного.

Критики всегда говорили, что работа Тайба была сосредоточена на изображении мучеников, благодаря которым он смог достичь высочайшего уровня славы.ИМХО, даже если бы он принял такой подход, конечный результат, которого он достиг, был не чем иным, как чистым представлением абстракции, практичности и рассудительности, которые сделали его заслуживающим славы. Его главным источником вдохновения стали произведения Фрэнсиса Бэкона.

Более вдохновляющим было то, что большую часть своей жизни он зарабатывал лишь средний доход, а его жене приходилось работать, чтобы содержать семью. Но по их словам, золотые монеты нельзя игнорировать слишком долго. В 1968 году Тайеб выиграл свою первую золотую медаль на первой триеннале в Нью-Дели и престижную национальную премию на Международном фестивале живописи в Кань-сюр-Мер, Франция.

«Я всегда был одиночкой и до сих пор немножко затворник. Самые счастливые моменты я провожу с собой и своим искусством ».

Тайеб Мехта в интервью в 2006 году

6. Рам Кумар

Судьба загадочна, потусторонна и двусмысленна, несмотря на определенность, которую она хранит внутри. Ваша судьба может увести вас в такие места, о которых вы даже не догадывались. Именно это случилось с Падмашри и Падма Бхушан, лауреатом премии, художником Рамом Кумаром. Он был банкиром и писателем, но, прежде всего, он был первоклассным абстрактным художником глубокого оккультного мышления.

Рам Кумар

Кредит изображения

Рам Кумар родился в 1924 году в городе Шимла, штат Химачал-Прадеш, и получил экономическое образование. Его первое знакомство с искусством произошло, когда он получал степень магистра экономики в колледже Сент-Стивенс в Нью-Дели, и он оказался на художественной выставке недалеко от Коннот-плейс в 1945 году. Это первое знакомство с произведениями искусства навсегда изменило его жизнь. Он не мог не возвращаться к такого рода художественным выставкам снова и снова.

Он устроился на солидную работу в банке, который оставил в 1948 году. Учился в художественной школе Шарда Укил. Жизнь Рама Кумара была предопределена, поскольку однажды на художественной выставке он встретил С.Х. Раза и подружись с ним. Именно Раза на самом деле убедил отца Рама отправить его в Париж под руководством Андре Лохте и Фернана Леже. Оттуда Рам Кумар никогда не оглядывался.

В то время Париж был наполнен голосом тихоокеанского движения за мир, которое безмерно очаровывало Рам Кумара.Итак, Рам вступил во Французскую коммунистическую партию.

В 1952 году Рам Кумар вернулся к своим корням, в Индию. Он был прекрасным наблюдателем. Это было время, когда Индия завоевала независимость, и новая нация медленно училась снова стоять на ногах. В прошлый раз, когда Индия была свободной, демография сильно отличалась от этого периода. Рам Кумар запечатлел неровные городские пейзажи, мрачные ночи одиночества, которые молодежь проводит в городе. Его картины отражали безысходное выражение юности с мрачным отражением и мрачными глазами, которые выражали абсолютные эмоции простолюдинов того времени.

Однако экстаз этих работ заключается не в остроте, а в мастерстве, с которым Рам размещал фигуры в своих произведениях. На его картинах отчетливо видны плохо построенные дома с кривыми улицами и свисающими тросами, символизирующими лишения простолюдинов. Он также посетил Варанаси и изобразил город с тонкой артистичностью.

«Бродяга» Рама Кумара

Источник: Christie’s

Но опять же судьба сыграла свою роль, и Рам Кумар перешел от фигуративного искусства к абстракции.Это было время, когда он превратился в очень развитого художника, поскольку не было ограничений и ограничений, в которых он должен был работать. Он понял, что эпический уровень свободы, который он может применить к композициям, может превратить его воображение в нечто более художественное.

Рам Кумар, всемирно известный современный художник-эстетик, был также писателем. Но можно сказать, что чем больше он погружался в мир искусства, тем меньше он ощущал потребность в словах, чтобы выразить свои эмоции.Рам Кумар был не только превосходным наблюдателем, но и чутким человеком, который чувствовал боль и агонию простых людей и довольно тщательно отражал их на холсте. Одно из его величественных творений «Бродяга» было продано на Christie’s за 1,1 миллиона долларов.

7. Фрэнсис Ньютон Соуза

В то время как большинство художников сосредотачиваются на демонстрации красоты предметов в своих творениях, очень немногие имеют смелость отразить уродство общества. Познакомьтесь с богемным фанатом, антагонистом (для многих), неприкрытым лицом и замечательным софистом 20, ^-го, -го века, г.Фрэнсис Ньютон Соуза.

Фрэнсис Ньютон Соуза

Источник: гравировка

Фрэнсис Ньютон Соуза родился в Салигао, Гоа, в 1924 году. Он принадлежал к римско-католической семье. Он был одним из основателей Бомбейской группы прогрессивных художников. Он был беспокойным человеком, который всегда считал, что обязанность художника — не только отражать безмятежную красоту и эстетические черты нашего мира, но и изображать уродства и чудовища, которые сохраняются в нашем обществе.

Когда ему было 5 лет, его семья переехала в Бомбей (Мумбаи), где Соуза тяжело заболел от свирепой оспы. Соуза выжил, но испугался на всю жизнь. Его мать добавила имя Франциск в честь Святого Франциска после инцидента.

Будучи студентом, Соуза не была овцой в стаде. Он был странным, неудачником, тем, кто не хочет подчиняться законам, и единственным настоящим гением.

Он учился в колледже Святого Ксавьера и был исключен из него за рисование граффити в туалете.Соуза утверждал, что он просто переделывал граффити, но никто не слышал его предложения.

Соуза также посещал школу искусств Дж. Дж. В Бомбее, из которой он был исключен за активное участие в Движении за выход из Индии. Ну, Соуза никогда не был марионеткой, он был режиссером.

В результате, в 1947 году Соуза, чтобы побудить индийских художников проявлять свой талант на международной арене, основал Бомбейскую группу прогрессивных художников. Фактически, Соуза был первым индийским художником после обретения независимости, чьи работы были представлены на западных выставках.После того, как его картины были представлены на выставке в лондонском Burlington House в 1948 году, он переехал в Лондон в 1949 году.

Начальный период Соузы для художника был непростым, поэтому ему приходилось зарабатывать, используя свой другой талант; письмо. Он начал работать журналистом. Соуза была сокровищницей таланта и артистической компетентности, трудно было долго игнорировать такую ​​жемчужину.

В 1954 году работы Соузы были показаны на выставке в Институте современного искусства.Но Соуза было нелегко довольствоваться. Он написал отличное автобиографическое эссе под названием «Нирвана личинки» в журнале «Encounter Magzine» Стивена Спендера, которое снискало Соузу огромное внимание и признание в Лондоне. История величия была на правильном пути. Вскоре Спендер заставил Соузу познакомиться с владельцем первой галереи Виктором Масгрейвом.
Выставка работ Соузы проводилась в 1955 году, и, что удивительно, все его картины были раскуплены.

Не будет ошибкой сказать, что лишь несколько индийских художников имели влияние на европейское арт-сообщество, и Соуза возглавляет этот список.Мало кто знал, но именно Соуза объединил таких людей, как Раза, Хусейн, Бакре, Мехта, Рам Кумар, Кришен Кханна, К.Х. Ара и Акбар Падамси, чтобы сформировать знаменитую группу прогрессивных художников Бомбея.

«Рождение» Ф.Н. Соуза

Изображение предоставлено

В 1967 году Соуза переехал в Нью-Йорк, но пока он путешествовал из одной страны в другую, его любовь и привязанность к Индии никогда не ослабевали. С первых дней Соуза не был ярым приверженцем уже существовавших условностей.Он всегда считал, что как художник не может быть никаких установленных правил для создания картин. Его картины беспокоили одних и открывали глаза другим. Но ничто не могло отвлечь Соузу от разработки одних из лучших современных абстрактных работ 20, ^-го, -го века. Будучи последователем Пикассо, его картины были абстрактными, но все же довольно легко воспринимались большинством людей. И, может быть, поэтому многие действительно обиделись на его работы. Особенно его изображение искаженных голов и дезориентированных портретов было единственным в своем роде.Его творения были вдохновлены народным творчеством Гоа.

Соуза — единственный индийский художник, у которого есть отдельная комната только для своих картин в лондонской галерее Тейт Модерн. Известный искусствовед Джон Бергер всегда любил Соузу. Соуза был художником, который переплывает реки разных религий, но не останавливался ни на чем. Ни одну из картин Соузы нельзя было назвать изящной, но уровень его воображения и творческого видения был просто феноменальным.

Одна из лучших работ Соузы «Рождение» была продана за 11 индийских рупий.3 крор на Christie’s в 2008 году и в 2015 году были перепроданы по ошеломляющей цене в 28,76 крор индийских рупий.

8. М.Ф. Хусейн

Лучшее я приберег напоследок. Если кто-то заслуживает того, чтобы называться «крестным отцом современного индийского искусства», мне на ум приходит не что иное, как потрясающее, сенсационное, sui-generis и отважный Maqbool Фида Хусейн. Он был совершенным художником, который осмелился выйти из образа «хорошего художника» и раскрыл едкую, смешную, серьезную и мрачную привлекательность своих картин.

М.Ф. Хусейн

Изображение предоставлено

Если вы откроете Google знаменитые картины индийских художников, то работы Хусейна будут представлены чаще всего в цифрах.

М.Ф. Хусейн родился в Пандарпуре, в семье Сулаямани, в 1915 году. Его детство было не таким легким, как у любого из известных художников Индии, упомянутых выше. Он был из бедной семьи и потерял мать, когда ему было всего 2 года. С небольшой помощью он фактически научился рисовать.В детстве, когда он брал уроки в медресе в Бароде, он глубоко увлекся каллиграфией. Он закончил J.J. Школа искусств Бомбея (Мумбаи). Он был свободной душой, который был полон решимости самостоятельно найти выход из обычной жизни к яркой и наполненной славой жизни. В начале своей карьеры он начал свою артистическую карьеру с рисования афиш для кинотеатров в Бомбее. Он также работал в компании по производству игрушек, чтобы заработать дополнительные деньги. Хусейн часто ездил в Гуджарат рисовать ландшафты, когда ему позволял карман.

В 1930-х годах он развивал свои навыки рисования, когда рисовал рекламные щиты для индустрии Болливуда. Хусейн, как и Соуза, был подрывником, который хотел освободить художников от националистических конвенций, которые были приняты Бенгальской школой искусств, и хотел вывести индийских художников на международную арену. Раздел Индии и независимость оказали глубокое влияние на душу Хусейна, хотя он рассматривал это как возможность стимулировать современное искусство в стране.Внезапно стиль и мышление Хусейна перестали быть расплывчатым и грубым, вместо этого его идеология стала приветствоваться. Его работы находились под сильным влиянием кубизма. Несколько юридических и физических лиц попросили его поселиться за пределами Индии, но он отказался это сделать. Хусейн был настоящим индейцем, который всегда любил и уважал традиции, культуру, верования и загадки индийской земли.

Самым большим стремлением Хусейна было быть более распространенным, чем Пикассо. Его идея картин заключалась в том, чтобы быть чем-то похожим на транскрипцию, желанием утолить жажду изливания внутренних видений на холст с использованием цветов и узоров.Его работы во многом были вдохновлены религиозными эпосами, такими как Рамаяна и Махабхарата. Художественное мастерство Хусейна можно увидеть в одном из его самых легендарных изображений «Ганга и Джамуна», безупречном творении, которое было продано на аукционе Christie’s за 11,5 крор индийских рупий.

«Пять лошадей» М.Ф. Хусейна

Источник: Магазин Tal lenge

Хусейн был не меньшим индейцем, чем мы с вами. Просто его современный взгляд на индуистские божества был ошибочно воспринят консервативными массами, которые критиковали его работу.Критика и протесты были таковы, что Хусейн был вынужден покинуть Индию и бежать в Катар.

Среди всех споров и заголовков жизнь Хусейна была адской поездкой. Его творения демонстрировались и привлекали внимание на нескольких международных сценах. Несколько его картин были проданы более чем за миллион долларов. Европейские и американские СМИ даже назвали Хусейна «Пикассо из Индии». ИМХО, он был «Хусейном Индии». Он был уникален, он был патриотом, он думал иначе, он видел вещи с разных точек зрения, и он был глубоко привязан к нашим корням.

Индийское художественное сообщество относится к картинам Хусейна наравне с работами Матисса, Пикассо и Сезанна. У него была смелая и жизнерадостная личность, в его творениях отчетливо просматривались энергичные цвета и свободомыслие мазки кистью. Люди пытались сковать его в соответствии со своими условностями и манерами, но Хусейн сломал оковы и разработал собственный уникальный и увлекательный стиль. По иронии судьбы, хотя Хусейн сильно любил Индию, в свои последние годы он был вынужден жить в изгнании.Пусть его душа сегодня упокоится с миром, поскольку индийское искусство всегда будет помнить сагу о художнике-патриоте, которого заставили покинуть свою страну, потому что люди не были способны понять то, что он пытался показать.

Оставляйте свои комментарии.

Спасибо!

Купить картины индийского искусства | Продам Арт

Условия и положения по регистрации, загрузке и перепродаже произведений искусства через IndianArtIdeas:

Путем регистрации, загрузки и продажи произведений искусства, созданных не вами, на сайте www.indianartideas.in («Веб-сайт») вы признаете, что вы связаны положениями и условиями, перечисленными ниже:

Принятие в качестве реселлера: IndianArtIdeas оставляет за собой право принять или отклонить вашу заявку на продвижение и продажу произведений искусства через нас. Ваша заявка также включает в себя ваше согласие с настоящими условиями и положениями, и вы гарантируете, что вся предоставленная Нам информация является точной и актуальной. Соглашаясь с тем, что Ваши произведения искусства и соответствующая информация будут отображаться на Сайте, Вы будете сообщать Нам обо всех изменениях в информации, предоставленной Нам, включая имя, адрес и контактные данные, детали произведений искусства и продажу произведений искусства.

Для произведений искусства, которые вы хотите продать, вы должны нажать «Загрузить искусство» в разделе «перепродать свои произведения» и загрузить изображение и детали произведения искусства, копию сертификата подлинности.

Повторная продажа произведений искусства: Размещение ваших работ для продажи на сайте www.indianartideas.in означает безотзывное принятие данных положений и условий. Договор купли-продажи заключается между IndianArtIdeas (действующим как агент покупателя) и торговым посредником. Торговый посредник будет проинформирован о продаже его / ее произведений искусства по электронной почте и по телефону.Если не будет аннулировано / отменено IndianArtIdeas из-за просрочки платежа покупателем, такое принятие приводит к вступлению в законную силу договора купли-продажи.

Принятие произведений искусства: Мы оставляем за собой право принять или отклонить вашу заявку на продажу любых произведений искусства через нас по любой причине. Мы оставляем за собой право отклонить произведение искусства, если загруженное Вами изображение не соответствует установленным Нами стандартам или если оно не содержит полных или четких деталей. Сюда входит сертификат аутентификации, заднее изображение картины, история, цена, категория, условия доставки, размер и носитель произведения искусства.Мы оставляем за собой право отклонить загруженное вами произведение искусства, если указанная вами цена не справедлива или не соответствует текущим рыночным ценам.

После того, как загруженное Вами произведение искусства принято Нами, предоставленная Вами информация не может быть изменена. Однако в любой момент Вы можете удалить загруженное Вами произведение искусства. Если Вы не желаете продавать произведение искусства, загруженное Вами ранее и принятое Нами, Вы можете удалить его с продажи в любое время до того, как оно будет продано.

Цены, авторские права и подлинность произведений искусства: Вы устанавливаете цену на произведение искусства, которая должна включать НДС (если применимо), а также ваши расходы на доставку и страхование, а также нашу комиссию.После принятия вы соглашаетесь продать произведение по принятой цене.

Вы гарантируете, что вся работа, проданная через Нас, свободна от каких-либо ограничений авторских прав или споров об интеллектуальной собственности. Вы гарантируете, что Работа находится в вашем физическом владении и имеете законное право продать ее. Вы гарантируете, что произведение искусства является подлинным произведением искусства, созданным художником, которому оно приписывается. В случае возникновения сомнений в подлинности произведения искусства IndianArtIdeas будет нести ограниченную ответственность.Покупатель может предпринять соответствующие действия против вас как торгового посредника, включая, помимо прочего, гражданские и уголовные иски.

Продажа произведений искусства: В случае совершения продажи Вы заключаете с Нами юридически обязывающий договор на завершение продажи и отправку произведений искусства в течение 3 рабочих дней. В случае покупки вашего произведения искусства, оно будет доставлено / отправлено Покупателю непосредственно вами через курьера с хорошей репутацией. Доставка работы будет вашей ответственностью, и IndianArtIdeas предоставит вам полную информацию, чтобы закрыть транзакция успешно.

Доставка, упаковка и страхование: Вы несете единоличную ответственность за все расходы, связанные с материалами, упаковкой, доставкой и страховкой произведения искусства. Эти расходы не могут быть взысканы с Нас ни при каких обстоятельствах и должны быть приняты во внимание при установлении цены на Ваши работы. Вы гарантируете, что Произведения искусства надежно упакованы, промаркированы и надлежащим образом застрахованы для безопасной доставки Покупателю.

Вы также гарантируете, что не будете указывать свои контактные данные на упаковке художественного произведения, которая побудила бы клиента иметь дело с Вами напрямую.Вы упакуетесь и организуете доставку произведений искусства Покупателю в согласованные сроки.

Оплата произведений искусства, проданных через IndianArtIdeas: IndianArtIdeas произведет Ваш платеж после того, как Покупатель сообщит Нам о получении произведения искусства в надлежащем состоянии, а также вместе с сертификатом аутентификации и подтвердит свое удовлетворение покупкой. Оплата будет произведена на ваш банковский счет, реквизиты которого будут предоставлены вами.

Выплата, произведенная Нами, будет произведена после вычета Нашей комиссии в размере 15% от цены листинга.Неисключительность: вы можете продавать свои произведения искусства по другим каналам одновременно с маркетингом через Нас, при условии, что:

Это не влияет на вашу способность доставить произведение искусства Покупателю в течение указанного времени.

Вы не предлагаете Ваши Произведения искусства по цене ниже той, которую Вы предлагаете через Нас.

Если произведение искусства продается через другой канал, Вы немедленно снимаете его с продажи на Сайте.

Возврат и повреждение товара: В случае доставки Художественного произведения Покупателю с повреждением, Вы несете ответственность за расходы на получение Художественного произведения у покупателя.Вы возьмете на себя все расходы, связанные с получением Произведения искусства, за счет страховки, предоставленной выбранным Вами курьером. Мы не принимаем претензии о возмещении ущерба в случае повреждения Произведений ни при каких обстоятельствах. Вы соглашаетесь с тем, что, если Вы не застраховали себя надлежащим образом, Вы будете нести ответственность за расходы на получение Произведения искусства.

. Вы соглашаетесь с тем, что Покупатель может вернуть произведение искусства только в случае его повреждения (а не иначе), и это будет означать отмену заказа. В этом случае мы не несем ответственности за ваши расходы по доставке.

В случае претензии Покупателя о возврате поврежденного товара, покупатель вернет произведение искусства на адреса IndianArtCollectors, и мы оценим ущерб, чтобы подготовить претензию и вернуть вам произведение искусства.

Право собственности на отношения с Клиентом: Вы соглашаетесь с тем, что деловые отношения между Клиентом и Нами полностью принадлежат Нам. Вы не будете связываться с Клиентом напрямую или вести переписку с ним каким-либо образом, кроме как с явного письменного разрешения от Нас.Вы не будете продавать напрямую Клиенту или допускать развитие прямых отношений между вами и Клиентом, которые могут нанести нам ущерб. Вы не будете передавать Заказчику Ваши контактные данные, в том числе в упаковке Художественного произведения.

Прекращение действия: Мы можем заблокировать, приостановить или прекратить использование вами Сайта, Контента или Услуг в любое время по любой причине.

Изменения к настоящему Соглашению: Мы оставляем за собой право в любое время полностью или частично пересматривать настоящее Соглашение.Использование вами Сайта или любого Контента или Услуг после любого конкретного пересмотра настоящего Соглашения будет означать ваше согласие с пересмотренным Соглашением.

См. Положения и условия продажи, Заявление об отказе от ответственности и условия нашей Политики конфиденциальности, которые вместе с настоящими условиями регулируют использование вами веб-сайта.

Споры, если таковые имеются, подлежат только юрисдикции UP.

MyIndianArt: Художественная онлайн-галерея | Купить индийские оригинальные картины, произведения искусства и скульптуры по доступным ценам

Интернет-галерея современного индийского искусства

Masters Collection насчитывает более десяти лет. Indian Art. Галерея, расположенная в Калькутте, Индия.Основная цель галереи — обеспечивать, консультировать и продвигать эксклюзивный ассортимент индийского современного искусства, индийского современного искусства и всех других жанров индийской живописи путем изучения и оценки художников со всей Индии.

За последние несколько лет Indian Art приобрели огромную известность не только на национальном, но и на международном уровне. И именно с целью сохранить уважение и очарование, эта галерея в настоящее время демонстрирует одни из лучших коллекций индийских произведений искусства и индийских картин выдающихся и известных художников Бенгалии и остальной Индии.

Поднимая современное индийское искусство к более высокому признанию

Профессионально управляемая галерея провела несколько индивидуальных и групповых выставок искусства, сотрудничая с несколькими известными корпорациями, такими как Seagrams, Taj Bengal, ABN Amro Bank и HSBC, которые разделяют убеждение в том, что продвижение искусства является частью своей корпоративной социальной ответственности.

Помимо работ известных и признанных художников, эта галерея также предоставляет платформу и продвижение произведений искусства для молодых начинающих художников.

MyIndianArt Просмотр и покупка индийского искусства в Интернете

MyIndianArt.com — официальный сайт, принадлежащий художественной галерее Master’s Collection, — отображает в Интернете широкий спектр индийского современного и современного искусства и индийской живописи. Каждое произведение индийской живописи на сайте является оригиналом Indian Art , которое тщательно проверено и выбрано нашей командой для размещения на сайте вместе с профилем / резюме художника. Эти эксклюзивные произведения искусства обязательно привлекут внимание и оценят взыскательный коллекционер произведений искусства или даже тех, кто впервые покупает произведения искусства.

Оригинальные картины выполнены в различных средах, например — масляные картины, акриловые картины, акварельные рисунки и рисунки углем.

MyIndianArt.com демонстрирует произведения искусства в различных стилях и тематиках, таких как абстрактные картины, пейзажи, портреты, натюрморты, фигуративная живопись и мифологические картины.

MyIndianArt.com был сделан очень удобным сайтом, где покупатель может искать конкретного индийского художника или выполнять расширенный поиск по цене, размеру, формату или стилю, чтобы отобрать индийские оригинальные картины по своему выбору.Купить Indian Art онлайн очень легко с сайта через простой запрос.

Сайт регулярно обновляется галереей с информацией о новых добавлениях: Indian Art , Indian Painting & Indian Artists, которая периодически доводится до наших уважаемых покупателей и коллекционеров произведений искусства.

Приобретайте произведения искусства и вносите свой вклад в улучшение мира

В качестве ответственности перед обществом, часть каждой продажи, вырученной с этого сайта, направляется на лечение рака у детей в Институте исследования рака Нетаджи (NCRI), Калькутта.