Композиция (изобразительное искусство) — это… Что такое Композиция (изобразительное искусство)?

У этого термина существуют и другие значения, см. Композиция.

Композиция — важнейший организующий компонент художественной формы, придающий произведению единство и цельность, соподчиняющий его элементы друг другу и всему замыслу художника. Композиционное решение в изобразительном искусстве связано с распределением предметов и фигур в пространстве, установлением соотношения объемов, света и тени, пятен цвета и т. п.

Композиционные приемы

Законы композиции

• Закон целостности — вытекает из целостности мира
• Закон жизненности
• Закон контрастов
• Закон подчинённости
• Закон воздействия^[1]
• Закон новизны^[2]

Виды композиции

Типы композиции

1. Членение на слои

Пространство создают фигуры, а не располагаются в нём, перекрывая друг друга и мерой своей законченности, и располагаясь ниже или выше на холсте.

Такой тип характерен для иконы.

Ян ван Эйк

«Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк

2. Членение на планы

Берёт свои истоки в эпоху Ренессанса Картины тогда состояли из двух планов — 1 хорошо развитый план — действие — 2 слабо выраженный — архитектурный или природный пейзаж В последующее время стали появляться 3, 4, планы.

3. Построение пространства цветом

Врубель, Михаил Александрович «Сирень»

4. Интерьерное построение пространства

«Завтрак аристократа», «Сватовство майора» Павел Федотов

5. Пластическое построение пространства

это когда пространство строят фигуры Здесь можно выделить 4 подтипа

1. Фигуры надвигающиеся на зрителя

«Сдача Бреды» Диего Виласкес

«Сдача Бреды», Диего Виласкес

2. Фигуры движущиеся к зрителю или от зрителя

«Крестный ход» Прянишников

«Крестный ход» Илларион Прянишников

4. Композиция с использованием симметрии

«Афинская школа», Рафаэль

Этот тип использовался в эпоху Ренессанса

«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи, «Афинская школа» Рафаэля

См. также

Примечания

Источники

• Левандовский С. О сюжете и композиции // Художник. 1981, № 4. С.58-61.
• Гончаров А. О композиции // Художник. 1981, № 6. С.34-37.

Композиция в рисунке или секреты удачной картины / Doodle&Sketch

Чтобы научиться рисовать, важно четко понимать, что же такое композиция в рисунке и с чем ее едят. Композиция в рисунке и живописи — это расположение предметов на вашей картине. Если говорить по-научному, то композиция — это распределение предметов и фигур в пространстве, установление соотношения их объемов, света и тени, пятен цвета. Если композиция в картине правильная, то все элементы картины будут визуально органично связаны между собой. В рисунке и живописи существуют два основных вида композиции: 1. Статичная композиция — это композиция, которая передает в рисунке ощущение равновесия, состояние умиротворения. 2. Динамичная композиция — хорошо передает движение, бурные эмоции, стихию природы. Разницу этих двух видов композиции можно отчетливо увидеть на примере рисунка ракеты ниже.

На левом рисунке ракета неподвижна. Это ощущение создается за счет статичной композиции. Статичная композиция в этом рисунке возникает за счет пересечения горизонтальной оси (линия горизонта) с вертикальной осью (ровно стоящая на земле ракета) под прямым углом. Пересечение вертикальной и горизонтальной линий под прямым углом (перпендикулярные прямые) в рисунке всегда добавляет статики и монументальности. На правом рисунке есть ощущение, что ракета летит. Это ощущение для зрителя мы создали с помощью динамичной композиции за счет смещения угла наклона. Вы можете легко проделать такой же эксперимент, нарисовав, например, чашку. Когда вы нарисуете горизонтальную линию стола и ровно перпендикулярно столу нарисуете чашку — вы увидите устойчивое состояние (статичная композиция). А теперь нарисуйте чашку под углом к столу и вы увидите, что возникло ощущение момента падения, динамики (динамичная композиция).

Мы разобрались с основными видами композиции в рисунке и живописи и теперь переходим к следующему важному элементу — композиционному центру.

Композиционный центр — это объект, к которому, по задумке художника, должен стремиться глаз зрителя — центральный элемент рисунка. Художнику очень важно уметь определить композиционный центр и сделать на нем акцент в своей работе. Есть и исключения. Например, паттерны (простые повторяющиеся формы, цвета или объекты), специфические иллюстрации, поддержанные определенной концепцией, могут не содержать композиционного центра.

✔ КОНТРАСТНЫЙ КОМПОЗИЦИОННЫЙ ЦЕНТР Контраст — это яркая разница между светлым и темным. Уловка заключается в том, что необходимо противопоставить композиционный центр тональности остальной композиции. То есть сделать так, чтобы задуманный вами композиционный центр был явно темнее, или явно светлее остальных элементов на картине. Если сравнить два рисунка ниже, то вне зависимости от расположения ракеты, композиционный центр явно считывается — это, как раз, достигается за счет контраста с основным фоном. При использовании этого приема, надо учитывать некоторые моменты: темные заливки, визуально уменьшают предмет, а светлые, наоборот — увеличивают.

✔ НАПРАВЛЯЮЩИЕ ОСИ Для привлечения внимания к композиционному центру своей картины, используйте направляющие линии. Направляющие линии можно использовать как леску, на которую нанизывают бусины, только вместо бусин будут предметы, задуманные в композиции. Важно построить движение, как систему коридоров, ведущих к одной цели — композиционному центру. На левом рисунке к композиционному центру (космонавту) ведут направляющие линии с разных углов. А в правом, несмотря на насыщенность деталями композиции, за счет направляющих линий и направления движения всех элементов, композиционный центр (космонавт) также остается выделенным.

✔ РАЗМЕРНОСТЬ И МНОГОПЛАНОВОСТЬ Чем больше объект, тем больше на него внимания. Поэтому, чтобы сделать какой-то объект главным на свое картине — сделайте его большим. Но здесь есть важные исключения: если все объекты на картине крупные и лишь один маленький — он интуитивно будет играть роль «крючка», и зритель будет, неоднократно, визуально возвращаться к нему. Многоплановость — позволяет создать пространство и глубину в изображении. Чтобы выделить композиционный центр в своей работе, выдвиньте его на передний план, а все остальные элементы — на задний. Или сделайте наоборот: обозначьте композиционный центр на заднем плане, а неважные элементы — на переднем. Самое главное — чтобы композиционный центр был единственным элементом, стоящим на заднем или переднем плане. Здесь верные помощники — это размывки (blur), помогающие усилить разность планов, как на рисунке справа.

Мы уже знаем, как создать ощущение покоя или движения в рисунке за счет статичной и динамичной композиции, а также как привлечь внимание зрителя к главному объекту композиции — «композиционному центру» за счет особых приемов и «уловок». Теперь нам пора узнать, по каким правилам необходимо выстраивать гармоничную и правильную композицию в рисунке. В изобразительном искусстве существует несколько правил, по которым строится композиция. Для того чтобы научиться рисовать, вам нужно иметь представление об этих самых правилах. Поэтому ниже я постараюсь максимально понятно и кратко рассказать о них.

“Золотое сечение” бывает двух видов: 1. Спиралевидное золотое сечение или логарифмическая спираль (левый рисунок). Свое название эта спираль получила из-за связи с последовательностью вложенных друг в друга прямоугольников с отношением сторон, равным φ (это фиксированная величина, равная 1,62), которое принято называть золотыми. Достаточно визуально представить спираль на листе и уже на ней расположить предметы. Или ориентируясь на данный рисунок, тонкой еле заметной, карандашной линией, нарисовать ее на листе. Спиралевидное золотое сечение очень распространено в природе – например, раковина улитки. 2.

Диагональное золотое сечение (правый рисунок). Диагональное золотое сечение широко используется в композиции для распределения объектов разных по смыслу. В прямоугольнике проводим диагональ. Далее из вершины необходимо провести перпендикуляр к уже проведенной диагонали. В итоге получаются три треугольника разных размеров. Значимые объекты располагаются в них. Это правило означает, что для гармоничной композиции нужно масштабы предметов соотносить с пропорциями nhteujkmybrjd (как на правом рисунке). Большой объект — в большом треугольнике «а», средний — в среднем треугольнике «b», маленький — в маленьком треугольнике «с».

Рассмотрим пример слева — спиралевидное сечение. Я расположила человечков по оси спирали. По мере закругление спирали, происходит уменьшение формы и возникает ощущение урагана или бури, а так же появляется глубина пространства и перспектива. На иллюстрации справа мы распределяем объекты (звездочка, ракета и космонавт), ориентируясь на их общий объем и массу. Чем больше размер (в нашем случае это космонавт), тем больший сегмент он занимает, соответственно, маленькая звездочка — займет самый маленький треугольник. Композиция получится интересной благодаря разным по объему предметам.

Если в композиции несколько объектов, то рекомендую их расположить на пересечении линий — композиция не потеряет выразительности. На линиях можно располагать объекты, на которые художник хочет сделать упор. Линия горизонта может пролегать по одной из горизонтальных линий, то есть, композиция делится 1 к 2 (как на правом рисунке внизу), где одна часть — это земля, а две части — это небо.

Композиция в произведении искусства Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

КОМПОЗИЦИЯ В ПРОИЗВЕДЕНИИ ИСКУССТВА

Березин Д.В.

Березин Дмитрий Васильевич — старший преподаватель, кафедра живописи и реставрации, Санкт-Петербургская государственная художественно-промышленная академия им. А.Л. Штиглица, г. Санкт-Петербург

Аннотация: композиция в изобразительном искусстве — это определенное расположение изобразительных элементов на картине, художественного произведения, позволяющее с наибольшей полнотой и силой выразить, передать основной замысел, идею произведения наиболее ясно и убедительно. Главное в композиции — создание художественного образа. Ключевые слова: композиция, художник, картина, живопись.

Термин «композиция» происходит от латинского compositio, что означает составление, соединение, сочетание различных частей в единое целое, приведение их в порядок в соответствии с какой-либо идеей. Поэтому сочетание частей, сложение элементов в определенном порядке их взаимосвязь, которая переходит в гармонию целого и создает картину. В изобразительном искусстве композиция — это построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением. Композиция в картине — это выраженный смысловой центр с объединением рисунка, цвета и сюжета. Композиция художественного произведения создается такими изобразительными средствами, как рисунок, цвет, линия, светотень, перспектива. Именно композиционными средствами художник раскрывает идею произведения, подчеркивая основное и главное в произведении. [2] Художник в своих работах старается подобрать наиболее выразительные средства изображения и выстроить композицию так, чтобы изображенные объекты находились в гармонии. В живописи — картина построена на плоскости посредством цветных материалов, поэтому композиция является важнейшим организующим компонентом художественной формы. Композиция — главная форма произведения искусства и её задача создать содержание. Искусство не может быть бессмысленным повтором, дубликатом реальности. Живописец, бессмысленно срисовывающий, подобен зеркалу, которое отражает противопоставленные ему предметы, не обладая знанием их, писал Леонардо да Винчи [3].

Работа над созданием художественного произведения — это работа над образом, идеей. В композиции имеет огромное значение — масса предметов, их зрительный -вес, размещение на плоскости, с распределением предметов в пространстве, установлением соотношения объемов, света и тени. А также выразительность силуэтов, ритмические чередования линий и пятен, способы передачи пространства и точка зрения в композиции, распределение светотени, цвет и колорит картины, формат и размер произведения, композиционный центр, равновесие картины, контрасты в композиции, ритм композиции. Посредством композиции художник выражает мысль, идею произведения. Наиболее важные по сюжету элементы изображения размешаются не хаотично, а образуют простые геометрические фигуры (треугольник, пирамиду, круг, овал, квадрат, прямоугольник и т. п.) [4.7].

Для передачи образа чего-то неподвижного, устойчивого подойдет замкнутая, закрытая, статичная композиция. Основные направления линий стягиваются к центру. Поставленная задача решается, построением композиции по форме крута, овала, квадрата, прямоугольника с учетом симметрии. Композиция может строиться не только в виде треугольника, круга, овала и других геометрических фигур. В одной картине используют различные сочетания этих и других композиционных схем. Например, единство действия в картине может обеспечить построение сюжета по

принципу условного триптиха. В таком случае слева и справа от главной фигуры или главного действия располагают подчиненные ей группы. В сложных динамических композициях иногда сочетаются разные формы единства действия. Можно построить композицию с высокой точкой зрения, чтобы фигуры не закрывали друг друга. Другой вариант — создание винтовой (вихревой) композиции [1, 3].

Выделяют несколько композиционных приемов, таких как — центр, он бывает двух видов, смысловой и композиционный; применение золотого сечения; ритм; статика и динамика; симметрия и асимметрия. Категория — композиции рассматривается как пространственно-временное творчество. Содержание картины определяет всю живопись, таким образом, сюжет, облекающий в «плоть» тему, является первым этапом работы над произведением. Сюжет должен обладать характерными чертами, точно передающими смысл темы. Композиция художественного произведения решается с помощью набора пластических средств, устанавливая через чувство связь с действительностью [3, 20].

Можно выделить несколько типов композиции, первое это членение на слои и второе членение на планы. Произведения данного типа состоят из двух планов: хорошо развитого переднего плана с каким-либо действием и второго плана с архитектурным или природным пейзажем. В дальнейшем стали появляться многоплановые композиции. Третье, это построение пространства цветом. Четвертое, интерьерное построение пространства. Здесь главным является то, что художник вводит интерьер в картину, этим и решается проблема композиции. Пятое, пластическое построение пространства. Здесь ведется построение пространства лишь фигурами, что в свою очередь имеет несколько разновидностей: фигуры в картине движутся на зрителя; фигуры в картине движутся к зрителю или от него. Шестое, композиция с выраженным композиционным центром, использование симметрии [7].

Сюжетно-композиционный центр. Центром композиции является та часть, которая ясно выражает главное. Центр выделяется акцентом, цветом, объемом, освещенностью. Для достижения цельности композиции следует выделить центр внимания, главное и отказаться от второстепенных деталей, приглушить отвлекающие контрасты. Выделение сюжетно-композиционного центра: Создавая композицию, необходимо определить, что будет главным в картине, и позаботиться о том, как выделить это главное, то есть сюжетно-композиционный центр, который часто называют «смысловым центром» или «зрительным центром» картины. Конечно, в сюжете не все одинаково важно, и второстепенные части подчиняются главному. Центр композиции включает сюжетную завязку, основное действие и главных действующих лиц. Картины с двумя или большим количеством композиционных центров позволяют показать несколько событий, происходящих одновременно и равных по своей значимости. На одной картине можно использовать сразу несколько способов, чтобы выделить главное. Например, прием «изоляции» (изображение главного в отрыве от остальных предметов) можно использовать, выделяя основное размером и цветом. Не только в произведениях живописи, но и в графике, скульптуре, декоративном искусстве, архитектуре выделяют композиционный центр. Например, мастера Возрождения предпочитали, чтобы композиционный центр совпадал с центром холста [4]. Правило золотого сечения в композиции (одной трети). Для выявления композиционного центра наиболее важный элемент изображения располагают в соответствии с пропорцией золотого сечения. Пропорциональные соотношения сторон изображаемых объектов и самого холста для достижения гармонии должны строиться на основе золотого сечения [6].

Заключение. Композиция является важнейшей частью произведения искусства. Композиционные правила, приемы и средства основаны на богатом творческом опыте художников многих поколений, и они постоянно развиваются.

Список литературы

1. Ветрова И.Б. «Неформальная композиция. От образа к творчеству». Москва. Издательство «Ижица», 2004.

2. Волков Н. «Композиция в живописи». Издательство «Искусство», 1977.

3. Голубева О.Л. «Основы композиции». Издательство В. Шевчук, 2004.

4. Шорохов Е.В. «Основы композиции», 1979.

5. Учебник Дизайнера, 2018. Вк. Электронный журнал.

6. Чернышев О.В. «Формальная композиция. Творческий практикум», 1999. Электронный журнал.

7. Гаймалова К.И., Черокова А.В. «Основы композиции в живописи», 2015. Электронный журнал.

Композиция. Часть 1. Типы композиции.: reylana — LiveJournal

Я хочу научиться рисовать — как часто у вас появляется такая мысль?
Именно рисовать. Не срисовывать. Строить работу. Понимать, что к чему, по какой причине здесь необходима эта деталь, и вот тут — эта…
Одно из основных понятий, с которыми придётся разобраться для освоения нелёгкого искусства рисования — это композиция.
При подготовке поста я использовала несколько источников — в основном Н.Сокольникова «Основы композиции», Р.Паранюшкин «Композиция». Естественно, все максимально кратко — просто для получения общего представления о понятии.

Слово «Композиция» происходит от лат. compositio , что б в переводе буквально означает со-расположение. Под этим понятием понимается составление, соединение, сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей. В изобразительном искусстве композиция — это построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением.

Именно от композиции зависит, как зритель увидит произведение.
Паранюшкин отмечает, что существует три главных формальных признака композиции:
— целостность — внутреннее единство композиции. Тут важно помнить, что целостность не значит, что ваша картина должна представлять собой единый комок краски без проблесков, некий «монолит», вовсе нет. Под ней понимается тяготение частей картины друг к другу. «Целостность может быть в компоновке картины по отношению к раме, может быть как колористическое пятно всей картины по отношению к полю стены, а может быть и внутри изображения, чтобы предмет или фигура не распадались на отдельные случайные пятна», пишет Паранюшкин.

— подчиненность второстепенного главному, то есть наличие доминанты — важно сочетание «главного» элемента, который сразу привлечёт внимание и является смысловым центром композиции, и второстепенных. которые его оттеняют и выявляют. «Ни в коем случае понятие центра композиции не связано только с геометрическим центром картины. Центр, фокус композиции, ее главный элемент может быть и на ближнем плане, и на дальнем, может оказаться на периферии или в прямом смысле в середине картины — это неважно, главное, что второстепенные элементы «играют короля», они подводят взгляд к кульминации изображения, в свою очередь соподчиняясь между собой», пишет Паранюшкин.

— уравновешенность — основая гармонии в работе. Уравновешенной может быть как симметричная работа, так и асимметричная. «Уравновесить композицию может пустое поле или одна-единственная точка, поставленная в определенном месте картины, а вот какое это место и какой цветовой интенсивности должна быть точка, в общем случае указать нельзя. Правда, мы можем отметить заранее: чем ярче цвет, тем меньшего размера может быть уравновешивающее пятно», отмечает Паранюшкин. Наиболее сложно уравновесить динамичные изображения. При этом «самая асимметричная, устремленная за пределы полотна композиция в произведениях искусства всегда тщательно уравновешена. Убедиться в этом позволяет простая операция: достаточно прикрыть часть картины — и композиция оставшейся части развалится, станет фрагментарной, незаконченной». Внимательное изучение произведений искусства и их композиционный разбор поможет вам «поймать» это ощущение равновесия и полнее его понять.

Типы композиции

1) Замкнутая (закрытая) композиция
«Изображение с замкнутой композицией вписывается в раму таким образом, чтобы оно не стремилось к краям, а как бы замыкалось само на себя. Взгляд зрителя переходит от фокуса композиции к периферийным элементам, возвращается через другие периферийные элементы опять к фокусу, то есть стремится с любого места композиции к ее центру». Одна из важных черт замкнутой композиции — наличией полей. Все элементы тесно связаны между собой.

2) Открытая композиция
«Заполненность изобразительного пространства при открытой композиции может быть двоякой. Или это уходящие за пределы рамы детали, которые легко представить вне картины, или это большое открытое пространство, в которое погружается фокус композиции, дающий начало развитию, движению соподчиненных элементов. В таком случае отсутствует затягивание взгляда к центру композиции — наоборот, взгляд свободно уходит за пределы картины с некоторым домысливанием не изображенной части». Открытая композиция тяготеет к центробежности, чаще всего исходит от центра. Хотя она бывает очень сложной — единый центр в таком случае может отсутствовать, и композиция будет складываться из нескольких мини-центров.

Наглядный пример разницы между замкнутой и открытой композицией:

3) Симметричная композиция
«Основная черта симметричной композиции — равновесие. Оно настолько крепко держит изображение, что является по совместительству и базой целостности. Симметрия отвечает одному из самых глубоких законов природы — стремлению к устойчивости. Строить симметричное изображение легко, достаточно только определить границы изображения и ось симметрии, затем повторить рисунок в зеркальном отражении. Симметрия гармонична, но если всякое изображение делать симметричным, то через некоторое время мы будем окружены благополучными, но однообразными произведениями.

4) Асимметричная композиция
«Асимметричные композиции не содержат оси или точки симметрии, формотворчество в них свободнее, однако нельзя думать, что асимметричность снимает проблему уравновешенности. Наоборот, именно в асимметричных композициях авторы уделяют особое внимание уравновешенности как непременному условию грамотного построения картины»

5) Статичная композиция
«Устойчивые, неподвижные, часто симметрично уравновешенные, композиции этого типа спокойны, молчаливы, вызывают впечатление самоутверждения, несут в себе не иллюстративное описание, не событие, а глубину, философию». Есть разные способы продемонстрировать статичность изображения.

6) Динамичная композиция

Это композиция, при которой создаётся впечатление движения и внутренней динамики. «Динамика часто исключает величавость, основательность, классическую завершенность; но будет большой ошибкой считать простую небрежность в работе динамикой, это совершенно неравнозначные понятия. Динамичные композиции сложнее и индивидуальнее, поэтому требуют тщательного продумывания и виртуозного исполнения».

Статичные композиции часто бывают симметричными и замкнутыми, а динамичные — асимметричными и открытыми.

Сокольникова также отмечает, что «если в живописи композиция помогает передать иллюзию пространства, его глубину, то в народном и декоративно-прикладном искусстве художник композиционными приемами, наоборот, стремится подчеркнуть объем или плоскость украшаемого объекта».
Выражаю огромную благодарность авторам, которые помогают разбираться в столь нелёгких вопросах.

В следующем посте будут расписаны формы композиции, а также приёмы и средства, которые могут использоваться при обдумывании композиции своей работы.

Основы композиции в искусстве

Композиция — основа любого произведения искусства. Именно она придает ему выразительность, единство и целостность. Оригинальное композиционное решение привлекает внимание и помогает понять вложенный автором смысл. В то время как неудачный подбор композиционных элементов, даже если все объекты искусно прорисованы, может испортить впечатление от картины.

Принято различать несколько видов композиции:

— фронтальная или плоская — витраж, фреску или картину;
— объемная — скульптура или архитектура;
— глубинно-пространственная — архитектурные ансамбли.

Базовые принципы композиции

У композиции свои законы, среди которых можно выделить основные:

• Целостность — все элементы произведения являются единым целым, нет ничего лишнего или хаотичного;
• Определение смыслового центра — выделение объектов, играющих основную роль, привлечение к ним внимания;
• Использование контрастов — это может быть сочетание цветов, изображение предметов различной величины или противопоставление отрицательных и положительны персонажей;
• Статика — состояние уравновешенности и покоя, выраженное в симметричности предметов и расположении их в определенном порядке;
• Динамика — состояние движения, подчеркнутая асимметрия в расположении объектов делает композицию динамичной.

Для того, чтобы произведение выглядело более выразительным, необходимо уметь грамотно компоновать предметы между собой, ориентируясь на знания перспективы, пропорций и форм, теории цвета. При этом важно не перегрузить работу обилием деталей.

Выразительные средства композиции

Восприятие художественного произведения напрямую зависит от его композиции, поэтому важно уметь ее выстраивать, пользуясь художественными средствами: линией, штриховкой, тональными и цветовыми пятнами, перспективой и светотенью. Они помогают не только распределить предметы в пространстве, установить соотношения объемов, света и тени, но и точно передать задумку автора.

В живописи отдельные композиционные приемы позволяют достичь наибольшей выразительности картины, раскрыть многогранность содержания. Это может быть ритмическое построение, где все элементы произведения упорядочены, согласованы и подчинены четкому ритму, заданному художником. В выстраивании композиции изображения задействованы различные изобразительные средства, такие как формат холста и размер изображения, фокусная точка, обрамление, температура цветовых сочетаний, глубина и ракурс, контрасты и ритм.

Расположив изобразительные элементы на картине определенным образом, можно наиболее полно передать замысел, привлечь внимание зрителя. Для этого необходимо выстроить композицию так, чтобы все объекты были переданы наиболее выразительно. Отбросив все лишние детали, оставить только самое необходимое. Подчеркнуть внутреннее содержание всем образным строем картины.

Фокусная точка — центр всего произведения, она несет мощную композиционную нагрузку. Остальные элементы являются второстепенными и служат для ее обрамления. Она должна органично и естественно вписываться в картину. Немаловажную роль играет баланс композиционных элементов, который позволяет добиться гармонии между изображенными объектами.

Четкое следование основным принципам построения композиции — ключ к созданию уникального произведения искусства.

Композиция — Учащемуся — Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования «Детская школа искусств №7» города Магнитогорска

1. Понятие композиции. Виды и типы композиции 

1.1. Фронтальная (плоскостная) композиция

1.2. Объемно-пространственная композиция

1.3. Глубинно-пространственная композиция

2. Основные типы композиции

2.1. Композиция заполненного центра

2.2. Композиция сплошной поверхности

2.3. Композиция пустоты

3. Основной закон и свойства композиции

3.1. Цельность – основной закон композиции

3.2.Свойства композиции

3.3. Основные принципы организации композиции

Композиция – это средство для выражения художественной идеи. Источниками возникновения ассоциативного образа является предмет или явления объективного реального внешнего мира, непосредственно наблюдаемые или воссоздаваемые в памяти. Знаменитый архитектор XX века Ле Корбюзье определял композицию как результат интуитивного творчества и сознательного выбора. Знание основ композиции, влияющие на развитие творческой личности, формирует элементарную грамотность восприятия произведения искусств. Обучение пропедевтике (основам композиции) базируется на знании и осмыслении творческого опыта, накопленного многими поколениями в области искусства и культуры. Дисциплина «Пропедевтика» последовательно знакомит учащихся с законами и средствами гармонизации композиции. Новые понятия, закономерности, композиционные приемы отрабатываются и закрепляются на практических упражнениях.

1. ПОНЯТИЕ КОМПОЗИЦИИ. ВИДЫ И ТИПЫ КОМПОЗИЦИИ

Композиция – способ организации «материала» искусства. Под материалом в данном случае подразумевается не только физическая масса – глина, краски, слово и т.д., но и сюжет, идея, натура – все, что, будучи преобразовано актом творчества, создает художественное произведение в его конечной художественной форме. Композиция – важнейший организующий элемент художественной формы, придающий произведению искусства единство и цельность. Композиция (от лат. соmpositio – сопоставление, сложение, соединение частей в единое целое, связывание) – построение художественного произведения, обусловленное его содержанием, характером и назначением, и во многом определяющее его восприятие. Композиция – система определенных правил художественного произведения, это важнейший организующий момент художественной формы, придающий ему единство и цельность, выразительность и гармоничность.

Гармоническая форма предмета обладает рядом необходимых качеств, она ограничена и целостна, ее части пропорциональны и ритмичны. Вся она соизмерима человеку и предметно-пространственному средовому окружению. Процесс создания гармоничного и цельного произведения носит название «композиция». Для того, чтобы будущий художник создавал свое произведение, мог наиболее ярко и полно выразить свой замысел, ему необходимо знание основного закона композиции.

Первое требование основного закона всякое произведение должно быть законченным, цельным и не содержать таких частей и элементов, которые бы разрушали или противоречили его функциональной, художественной или конструктивной сущности.

Второе требование основного закона единства композиции говорит о системе построения целого. Важно определить в композиции главную и второстепенную части, т.к. любая композиция всегда состоит из отдельных частей. Взаимная согласованность и соподчиненность очень важны для создания гармонического единства. Различают три основных вида композиции: плоскостную (фронтальную), объемную и глубинно-пространственную.

1.1. Фронтальная (плоскостная) композиция

К фронтальным относятся все плоскостные композиции, а также композиции, имеющие рельеф. Композиции на плоскости можно видеть в произведениях живописи, графики, выполненных в традиционных техниках, и произведения, которые смогли появиться только на определенном уровне развития и техники. К ним относятся компьютерная графика, голография, фотографика.

Фронтальная композиция широко используется в произведениях декоративно-прикладного искусства и народных промыслов, дизайна и архитектуры (текстиль, гобелены, ковры, обои, плакаты, витражи). Композиции, выступающие из плоскости, т.е. имеющие небольшой рельеф, также относятся к фронтальным. Они воспринимаются зрителем фронтально и не требуют бокового обозрения. Рельеф позволяет выявить форму и композиционное построение за счет игры света и тени, игры фактуры материала (резные и чеканные изделия, рельефные полотна и ткани, рельефные лепнины, плетеные изделия) (рис. 1).

1.2. Объемно-пространственная композиция

К объемно-пространственной композиции относят произведения искусства, имеющие три измерения (длину, ширину и высоту), т.е. параметры, характеризующие объем предмета. Объемная композиция в целом, представляет собой замкнутую трехмерную форму, выполненную с расчетом на восприятие с разных точек обозрения. Такой вид композиции всегда взаимодействует с окружающей средой, которая может увеличить или уменьшить выразительность одного и того же произведения (рис. 2).

Примерами объемной композиции являются произведения скульптуры, мелкой пластики, малые архитектурные формы, образцы садово-парковой керамики и архитектуры, произведения декоративно-прикладного и народного искусства, различные утилитарные объемные бытовые предметы будь то художественная керамика и посуда, мебель, одежда, средства транспорта – в общем, все то, что включает в себя дизайн

Объёмную композицию разделяют на два типа – симметричную и асимметричную. Симметричная объёмная композиция, имеющая вертикальную ось, имеет самое широкое распространение. Такой вид композиция в основном организует вокруг себя и одинаковое пространство, т. к. все стороны относительно вертикальной оси одинаковы и ориентированы на одинаковое восприятие со всех сторон. Симметричность объёмной композиции придаёт ей уравновешенность и статичность. Асимметричная объёмная композиция имеет широкие возможности для решения неповторимых пластических задач и сложного движения масс. При взгляде на асимметричную объёмную форму можно понять, что она по-разному выглядит с разных сторон обозрения. Такая форма позволяет автору ёмко выразить свой образ, передав всю его многогранность и многоликость. Именно, подобную объёмно-пространственную композицию легче подчинить или развить, вставить в соответствующее пространство или пространство подчинить ей.

1.3. Глубинно-пространственная композиция

Глубинно-пространственная композиция является вершиной творческих возможностей для художника. Такой вид композиции представляет собой соотношение форм и элементов, рассчитанных на восприятие при движении в глубину произведения искусства, воздействует на зрителя не только сочетанием плоскостей, объёмов, но и паузами между ними, т. е. пространством. Влияние пространства неоспоримо сильнее, чем плоскости или объёма. Примерами глубинно-пространственной композиции могут служить решения архитектурных, садово-парковых ансамблей, театрально-спортивных и зрелищных представлений, шоу разного рода (рис. 3). Сегодня достижения науки и техники таковы, что в организации временной пространственной композиции используется компьютерная графика. Помимо временных глубинно-пространственных композиций существуют и стационарные композиции, начиная с композиции города, посёлка и кончая композицией сооружения, находящегося в пространстве. Примерами могут служить садово-парковые решения, экстерьеры, мемориальные комплексы, сложные развязки дорог и мостов, решения набережных городов, метрополитен. Глубинно-пространственная композиция также решает задачи интерьера внутреннего пространства. Решение интерьеров жилых и общественных сооружений, интерьеров промышленных и фабричных предприятий, организации выставок, музейной экспозиции, как и объёмная композиция, она требует обозрение с различных точек. Многие композиции рассчитаны на прочтения их с высоты (рис. 3).

2. ОСНОВНЫЕ ТИПЫ КОМПОЗИЦИИ

Для получения исходного материала, чтобы представить себе более определенные группы композиции, легче обратиться к плоскости и графике, к тому, что возникает в прямоугольном формате листа бумаги. Прежде всего, композиция может быть запланированной или случайной, одно свободно перетекает в другое. Простейшие упражнения по композиции для того и делают, чтобы почувствовать разницу форм, графических материалов, типов и вариантов композиционных решений. Прежде всего, стоит определить три основных типа композиции по характеру заполнения листа, не учитывая ни динамики, ни цвета, ни сюжета. Эти типы композиции выбраны по принципу отношения форм к ограничивающему формату изображения. Это разные ситуации, связанные с масштабом изображения.

2.1. Композиция заполненного центра

Это композиция фигур, форм, одной фигуры, размещенных на листе так, что они представлены целиком и пропорциональны листу – ни велики,

ни малы, они живут там свободно и естественно, как в своей собственной комнате. Рамка формата листа как бы окно, за которым глубина пространства, в которую можно войти (рис.4).

2.2. Композиция сплошной поверхности

Это орнаментальная композиция, которая свободно продолжается и за пределами формата – как орнаментальный рисунок на ткани, рисунок на обоях, как кирпичная стена, как галька на морском берегу, как цветы на лужайке, как трава в поле, как небо с облаками. Это композиция на основе какой-то однородной фактуры и отдельного центра композиции здесь нет. Есть многие связанные или несвязанные друг с другом узлы композиции (рис.5).

2.3. Композиция пустоты

 Это композиция, которая была фрагментирована, обрезана так, что в центре оказался фон, или просто белое поле, а сами формы лишь частично попали в нашу рамку, т.е. образовалась композиция в виде «сгущения» или «разбегания». Во всех трёх типах всегда будет существовать выраженный или не выраженный центр композиции. Он может располагаться буквально в геометрическом центре, либо смещен вверх, вниз, в сторону самой формы произведения в прямоугольном, квадратном или другом формате листа (рис. 6).

3. ОСНОВНОЙ ЗАКОН И СВОЙСТВА КОМПОЗИЦИИ

3.1. Принципы основного закона композиции

Любая дизайнерская форма должна быть логически выстроенным целым, не содержащим элементов, противоречащих ее идее. Всякая проектная форма должна выражать единство главного и второстепенного. Цельность – основной закон композиции. Он основан на таком восприятии художественного произведения, которое дает возможность сразу охватить его единым взглядом и одновременно заметить его основную часть. Впечатление цельности достигается при помощи композиционно оправданного ограничения общей формы, соразмерностью деталей и частей. При этом сами части не вырываются из общего целого, не кажутся лишними и ненужными. Целостность — оптимальное соотношение и взаимодействие частей композиции. Все части, составляющие композицию, должны работать на общую идею. Взаимная согласованность этих частей и их соподчиненность очень важны для создания гармоничного единства композиции. Композицию можно считать удачной, если соблюдаются следующие условия: 1) ни одна часть целого не может быть изъята или изменена без ущерба для целого; 2) части не могут меняться местами без ущерба для целого; 3) ни один элемент не может быть присоединен к целому без ущерба для него.

3.2. Свойства композиции

 Выразительность – свойство производить впечатление, помогающее зрителю подробнее рассмотреть, изучить это произведение. Доставить эстетическое наслаждение от созерцания выполненного произведения – конечная цель художника, дизайнера. Целостность композиции – это оптимальное соотношение взаимодействующих частей композиции, где основными признаками принято считать ограниченность – четко определяемое отличие предмета от среды, в которой находится, разделение фигуры и фона; связность-слитность отдельных частей в одно целое; компактность – то оптимальное количество частей, которое может восприниматься одновременно. Композиция становится художественным произведением лишь в том случае, если она обладает еще одним свойством – законченностью. Законченность композиции – это состояние, при котором у зрителя не возникает желание, что-либо добавить или убрать из произведения (рис. 7).

Важным свойством композиции является ее уравновешенность Уравновешенность – визуальное равновесие произведения определяется таким расположением его элементов, когда каждый из них находится в устойчивом состоянии. Различные факторы равновесия – форма, размеры, цвет, фактура, взаимосвязаны и взаимно дополняют друг друга (рис. 8).

Другим важным свойством композиции является соразмерность. Соразмерность – гармоничное сочетание пропорции, цвета, формы, пластики, движения. Зрительное восприятие начинается с выделения общих структурных особенностей композиции. В первую очередь воспринимается соотношение предмета и пространства. Потом осваиваются отношения между предметами, затем между деталями предметов. И, наконец, создается четкое представление о целом, соразмерность элементов композиции между собой и фигурой человека. Важным признаком композиции является соподчинение, т.е. единство содержания и формы. Соподчинение – это подчинение всех элементов главной идее композиции. Если какой-либо элемент хорош сам по себе, но разрушает композиционное единство, его лучше исключить из композиции. Если между элементами нет ничего общего, они различны, то и целое эти элементы образовать не смогут. Но, прежде чем разбираться в различных вариантах соподчинения, необходимо обратить внимание на организацию композиционного центра в композиции любого произведения искусства. Для того, чтобы композиция произведения была выразительной и целостной, она должна иметь композиционный центр, который может состоять из нескольких маленьких элементов или одного большого. Композиционный центр – это элемент или часть, выражающая главную идею, которые выделяются на общем фоне окружения, благодаря форме, размерам, богатству проработке деталей и др. факторам. Композиционный центр, располагаясь в активной части композиции, является выразителем художественного образа и несет смысловую нагрузку (рис. 9).

Композиционный центр часто не совпадает с геометрическим центром, его расположение всегда продиктовано логикой построения композиции. В ней всегда можно выделить главное и второстепенное, центр и периферию. Даже в орнаментальных композициях, при отсутствии организационного центра, можно выделить главный мотив и сопровождающие его подчиненные мотивы. Смещение относительно геометрического центра придает композиции большую внутреннюю напряженность и пластическую выразительность в раскрытии художественного образа и темы. При организации композиционного центра произведения следует учитывать законы визуального восприятия всей плоскости композиции. Существует и такой принцип построения композиции, когда центром может оказаться свободное пространство – «пауза» (рис. 10).

Каким должен быть композиционный центр произведения, решает автор. Для того, чтобы композиция была выразительной она должна иметь центр, доминанта, которая может состоять из одного большого или нескольких элементов или одного маленького, а может быть и свободное пространство – композиционная пауза (рис. 11).

Варианты организации доминанты: выделение одного из элементов в композиции цветом, а остальные элементы и их параметры, размеры и форма могут быть одинаковыми; контрастностью форм; среди округлых по форме элементов располагаются остроугольные фигуры (рис. 11в), сгущение элементов на одном участке плоскости композиции по сравнению с довольно спокойным и равномерным их рассредоточением на других участках (рис 11г). Если в композиции, состоящей из простых по восприятию элементов, появляется элемент, сложный по силуэту, то, естественно, он привлечет к себе внимание сильнее, чем группа простых по форме элементов. Это сложный по силуэту элемент за счет своей сложности начнет играть роль доминанты или композиционного центра (рис. 11д). Возможны и два варианта композиционного центра, но один из них должен быть ведущим, а другой подчиненный первому, чтобы не возникало спорной ситуации и ощущения неопределенности (рис. 11е). Создание композиции, центром которой является композиционная пауза, требует от художника хорошей профессиональной подготовки. Можно предложить несколько вариантов решения художественного образа на основе использования композиционной паузы в произведении. Например, можно создавать движение к центру, который не выражен никакой формой, путем использования одного из средств гармонизации – ритма. Второй вариант – это расположение элементов, подобных по форме, цвету и фактуре, без какого-либо акцента, представляющий собой как бы багетную раму произведения (рис. 11и). Многие авторы отдают предпочтение цветовому единству композиции, соподчиняя центр общей колористической задаче. Центр может быть решен как самый активный по цвету, контрастный по колористике ко всей гамме, самый темный или самый светлый (рис.11к). Это цветовое единство в решении элементов и всей композиции дает цельность восприятия произведения. Но единство и соподчинение выражается не только в колористическом единстве и соподчинении, а еще и в единстве форм и фактур.

Рис. 11в

Рис. 11г

 

Рис. 11д

 

Рис. 11е

 

Рис. 11и

 

Рис. 11к

3.3. Основные принципы организации композиции

Существуют два способа художественного видения при организации композиции:

• сосредоточение внимания на отдельных элементах как доминанта всей композиции и восприятия остального только по отношению к ней

• видение в целом, без выделения отдельного элемента композиции, при этом любые детали должны подчиняться целому, утрачивают свою самостоятельность. В такой композиции нет ни главного, ни второстепенного – это единый цельный ансамбль. 

Станковая композиция

Станковая композиция — это создание картины на станке — мольберте.

Термин композиция (от лат. Composition) обозначает сопоставление, соединение частей в единое целое в определенном порядке. Это творческий процесс создания произведения искусства от появления замысла до его завершения. Для раскрытия содержания картины необходимо применение законов, правил и приемов, служащих наиболее выразительному решению замысла. Изучению законов композиции посвящены занятия по станковой композиции в художественной школе.

Навыки и умения

В Шлиссельбургской детской художественной школе станковая композиция является одной из главных дисциплин, потому что дает возможность реализовать знания, полученные на уроках рисунка и живописи.

Программа станковой композиции рассчитана на весь курс обучения — 5 лет.

Темы для станковой композиции во всех классах подобраны на основе наблюдения и изучения произведений старых мастеров и натуры: природы и ее явлений, анатомии и пластической выразительности фигур человека и животных, развитие творческой фантазии при работе с литературными источниками, работа по памяти и представлению.

Ученики нашей художественной школы получают базовые навыки:

• Использование размерной линейки
• Построение перпендикуляра с помощью угольника
• Основы работы с циркулем — построение окружности, деление ее на части.

Техники и инструменты

В основном станковая композиция выполняется на простой плотной бумаги (ватман), после чего покрываются колерованной шпатлевкой. Также используется цветной картон и бумага.

Инструменты, используемые на предмете:

• бумага для акварели
• цветной картон и бумага
• простые карандаши, стерательная резинка
• гуашь, акварель, тушь, пастель и т. д.
• кисти для акварели и гуаши

Преподаватель

Гоголева Ольга Дмитриевна закончила в 1987 году Ленинградский инженерно-строительный институт, архитектурный факультет. Работает преподавателем с 1993 года, с 1995 года преподает в Шлиссельбургской детской художественной школе станковую композицию и декоративно-прикладную композицию.

Композиция в искусстве

Композиция, пожалуй, самый недооцененный аспект художественного творчества. Это также один из самых важных аспектов, когда нужно делать все правильно. Если ваша композиция слабая, значит, и ваша работа слабая. Даже если у вас есть полный спектр ценностей, ваши пропорции правильные, и вы использовали среду в качестве мастера — если ваша композиция плохо спланирована и выполнена, ваше искусство можно считать неудачным.

К счастью, композиция — одна из тех вещей, которые мы можем сделать правильно, немного спланировав и получив знания.Для этого не нужен «талант», и это определенно не о «догадках». Есть несколько «правил», которые мы можем учитывать при планировании нашей работы, чтобы каждый раз добиваться успеха.

Что такое композиция в искусстве?

Очевидно, что создание успешного произведения искусства — это нечто большее, чем создание отметок и среднее мастерство. Наша композиция играет важную роль в том, как наши работы воспринимаются и воспринимаются нашей аудиторией.

Но прежде чем мы определим композицию с точки зрения искусства, давайте рассмотрим связанный с ней предмет.

Если вы музыкант, то знаете, что музыкальные произведения также могут называться «сочинениями». У песни есть структура. Каждый музыкант играет «свою роль». Если музыкант играет не в то время или играет не те ноты, песня превращается в беспорядок. Каждая часть тщательно продумана, чтобы песня была лучшей из возможных. В некоторых песнях гитара может иметь больше партий и доминировать в песне. В других случаях это может быть пианино.

Мы можем сравнить эту музыкальную аналогию с искусством.Как и песня, каждое произведение искусства, которое мы создаем, имеет структуру (или должно иметь структуру). Как художники, мы планируем эту структуру и реализуем ее по мере создания искусства.

Если мы не будем тщательно планировать элементы, которые мы включаем, наше искусство может превратиться в настоящий беспорядок.

Итак, когда дело доходит до искусства, композиция — это расположение элементов в живописном пространстве (или трехмерном пространстве со скульптурой). Расположение и расположение элементов в произведении влияет на то, как зритель взаимодействует с тем, что мы создаем.

Как и в случае с песней, возможности безграничны. У нас есть полная творческая свобода в том, как мы располагаем элементы в наших работах. Но даже несмотря на то, что возможности безграничны, это не означает, что мы можем использовать бессистемный подход без планирования. Мы должны создавать свои композиции, как это сделал бы опытный композитор.

В некоторых произведениях может доминировать определенный элемент. В других случаях может доминировать другой элемент. Однако мы всегда должны следить за тем, чтобы не было слишком большого количества элементов, конкурирующих за внимание.В песне мы не ожидаем, что гитарное соло, фортепианное соло и барабанное соло будут звучать одновременно. В произведении искусства мы также не ожидаем, что все элементы, которые мы включаем, будут конкурировать за внимание.

Вместо этого мы должны сосредоточить внимание зрителя на одном или двух элементах сцены. Эти элементы становятся центром (-ами). Все остальные элементы в работе затем становятся вспомогательными актерами.

Создание координационных центров

Точка фокусировки — это область или области в сцене, которые привлекают визуальное внимание зрителя.В большинстве случаев координационные центры включают основной предмет. У каждого произведения искусства должен быть хотя бы один фокус.

Число точек фокусировки должно быть ограничено. Во многих случаях требуется только один координатор. У вас может быть более одного координационного центра, но любое число, превышающее три, будет сложно осуществить. Если в вашей работе есть несколько фокусов, тогда должен быть один, который доминирует над остальными. Другими словами, должен быть один главный координационный центр и, возможно, вспомогательный или второстепенный координационный центр.

Фокусные точки могут быть созданы в работе с использованием различных техник. Эти методы включают…

• Контраст
• Изоляция
• Размещение
• Конвергенция
• Неудачный

Хотя здесь мы кратко рассмотрим каждую из этих техник, мы рассмотрим их более подробно в этих уроках …

Теперь давайте кратко рассмотрим каждую технику создания фокуса.

Контраст

Контраст имеет дело с различием.Это может быть разница в стоимости, цвете, текстуре, размере и т. Д. Когда мы включаем область с сильным контрастом, она притягивает взгляд зрителя к этому месту в работе и создает фокус.

Изоляция

Если у вас когда-либо были проблемы в детстве, и учитель загнал вас в угол, тогда вы знаете, что такое изоляция. Когда вас отправляют в угол, все дети в классе смотрят на вас. Какое ужасное наказание!

Когда мы выделяем предмет или элемент на рисунке или картине, этот элемент естественным образом привлекает внимание и становится центром внимания.

Размещение

Мы визуально подтягиваемся к центру фигур. Если мы думаем о картинной плоскости нашей работы как о форме, такой как прямоугольник, тогда мы можем ожидать, что наш зритель будет перемещен в центр. Если мы поместим объект близко или точно в центр нашей картинной плоскости, тогда этот объект станет фокусной точкой.

Ван Гог «Голова женщины» 1882

Хотя эта техника работает для создания сильной фокусной точки, обычно это не лучший метод для создания визуально стимулирующей композиции.Когда мы помещаем предметы в центр работы, результат обычно статичен и скучен. Лучше разместить объект немного не по центру, а еще лучше — на одной из третей. Подробнее об этом чуть позже.

Схождение

Конвергенция — это акт управления взглядом зрителя внутри произведения с помощью визуальных подсказок. Это могут быть линии, формы, контрастные цвета и т. Д. Каждый элемент, который мы включаем, может направлять взгляд зрителя к фокусу. Иногда нас привлекает область в работе просто потому, что художник манипулирует элементами, чтобы привлечь наше внимание к определенной области.Мы тоже можем это сделать!

Необычное

Все необычное привлекает наше внимание. Точно так же все, что мы включаем в нашу работу, что не ожидается или резко отличается от других элементов в сцене, станет фокусом.

Создание четкой точки фокуса важно для создания сильной композиции, но это еще не все. Также стоит учесть несколько принципов дизайна.

Принципы дизайна в художественной композиции

Принципы дизайна касаются расположения элементов искусства в работе.Элементы искусства — это основные компоненты или строительные блоки художественного творчества.

Подробнее об элементах искусства и принципах дизайна можно узнать здесь…

Восемь принципов дизайна:

• Весы
• Пропорции
• Механизм
• Ритм
• Гармония
• Единство
• Акцент
• Сорт

(Некоторые искусствоведы также включают контраст как принцип.Но поскольку контраст может создать акцент, большинство людей не входит в список восьми.)

Не все принципы дизайна напрямую влияют на наши композиции, но большинство из них влияет. Вот более подробные сведения о тех, которые делают…

Баланс

С точки зрения искусства, баланс относится к общему распределению визуального веса в композиции. Каждый объект, который мы включаем в произведение, имеет визуальный вес. Когда мы добавляем элемент к одной стороне нашей композиции, нам нужно добавить еще один или несколько элементов, чтобы сбалансировать визуальный вес на другой стороне.

Визуального баланса можно добиться, добавляя элементы или используя отрицательное пространство. (Подробнее о негативном и позитивном пространстве чуть позже.)

Мы можем сравнить баланс с качелями или качелями. Представьте, что у нас есть один большой объект (или человек) по одну сторону от качелей. Качели не будут сбалансированы.

Но, если мы добавим пару предметов (или людей) среднего размера на другую сторону качелей, мы достигнем равновесия. Теперь качели уравновешены.

Если работа не сбалансирована визуально, она может казаться «тяжелой».Например, если мы добавим слишком много визуального веса в нижнюю часть композиции, вес будет притягивать взгляд зрителя к низу. Композиция будет тревожной.

Но если мы противодействуем этому весу с помощью одного или двух элементов в верхней части композиции, то он становится более сбалансированным.

Мы также должны знать, как наша композиция обрезается, поскольку это также может повлиять на баланс.

Часто у нас будут элементы, выходящие за пределы плоскости изображения.Если края этих элементов расположены так, чтобы они были близко к краям плоскости изображения, это создаст дополнительный визуальный вес и, возможно, нежелательное внимание.

Взгляните на изображения ниже. На изображении слева обратите внимание, как птица расположена слишком близко к краю картинной плоскости. Край ветки вверху тоже слишком близко к левой стороне картинной плоскости.

На втором изображении имеется достаточно места с обеих сторон плоскости изображения, чтобы обеспечить некоторый баланс, приводящий к лучшей композиции.

Если мы расположим предметы в наших работах так, чтобы их края либо заканчивались немного дальше от краев плоскости изображения, либо выходили далеко за пределы плоскости изображения, тогда этот визуальный вес минимизируется.

Мы также должны рассмотреть каждый из краев картинной плоскости. Если у нас есть элементы, выходящие за пределы плоскости изображения с двух сторон, мы можем создать слишком большой визуальный вес на этих двух сторонах. Но если мы позволим объектам выйти за пределы картинной плоскости со всех четырех сторон, мы сможем создать более сбалансированную композицию.

Механизм

Движение может относиться к иллюзии реального движения на рисунке или картине; или это может относиться к движению глаз зрителя, когда он знакомится с вашим искусством. Что касается композиции, нас больше всего беспокоит последнее.

Когда зритель взаимодействует с вашим искусством, его взгляд перемещается от одного элемента к другому. Обычно самый властный элемент требует немедленного внимания. После этого зритель может перейти к другим вспомогательным элементам сцены.

Как художники, мы можем контролировать это «движение глаз» в зависимости от того, как мы планируем нашу композицию. Мы можем направлять зрителя к наиболее важным элементам и много раз контролировать, как большинство людей «проглотят» наше творение. В большинстве случаев мы хотим, чтобы взгляд зрителя просматривал работу в определенной последовательности.

В зависимости от тематики заказ может выглядеть примерно так…

1. Зритель втягивается в работу.
2. Зритель направляется к фокусу (точкам).
3. Зритель направляется к опорным элементам.
4. Зрителя выводят из работы или возвращают к фокусу.

Это визуальное движение обычно достигается за счет создания контраста, направляющих линий, диагоналей и перекрывающихся элементов.

Взгляните на работу ниже. Когда вы его исследуете, обратите внимание на то, как ваши глаза перемещаются по работе.

Уиллард Меткалф «Летящие тени» 1909-1910

Возможно, ваш взгляд следовал тем же путем, что и мой. Я вошел в работу на дне долины, у ручья.По линии более темных деревьев я направился к центру изображения, а затем вернулся в лес. Затем я последовал за линией деревьев прямо перед далекими горами. Оттуда меня повели обратно в центр.

Расположение этих элементов позволило мне увидеть все важные части работы, в то же время оценив каждую часть картины отдельно.

Мы можем использовать те же методы, чтобы немного контролировать, как зритель взаимодействует с нашим искусством.Хотя мы не можем полностью контролировать то, как люди будут рассматривать наше искусство, мы можем влиять на их визуальный опыт.

Ритм

Мы понимаем ритм через повторение. Например, мы можем слышать ритм песни и ее ритм, потому что она повторяется — много раз предсказуемым образом. Без повторения нет ритма.

В искусстве то же самое. Чтобы иметь ритм, нам необходимо повторение. Визуально ритм создают повторяющиеся элементы. Это может быть регулярный или неправильный узор из повторяющихся форм или повторение определенного предмета.В любом случае повторяющиеся элементы создают ритм.

Взгляните на картину ниже. Обратите внимание на чувство ритма.

Ван Гог «Ирисы» 1889

Этот ритм создается повторением. Здесь мы видим, как повторяются формы, созданные для лепестков цветов…

А также формы для меньших цветов в верхнем левом углу…

Формы радужки ничем не отличаются. Еще повторяют…

Повторяющийся элемент в произведении часто называют «мотивом».Включение мотива в вашу работу часто может привести к чувству гармонии и единства.

Вернемся к музыкальной аналогии. В большинстве популярных песен на протяжении всей песни присутствует постоянный ритм. Динамика песни может измениться, но размер меняется редко. И даже несмотря на то, что ноты могут резко меняться, последовательный ритм объединяет песню от начала до конца.

Наши работы должны обладать этой последовательностью, которая подводит нас к следующим принципам — гармонии и единству.

Гармония и единство

Наши художественные композиции тоже должны быть гармоничными и едиными.Гармония и единство настолько тесно связаны, что легко предположить, что это одно и то же. Они очень похожи, но в наших композициях каждый стоит рассматривать отдельно.

Unity имеет дело с чувством «единства». В произведении искусства это обычно достигается за счет последовательного и полного использования среды. Мы также можем думать о единстве с точки зрения художественного стиля. Если стиль и использование средств массовой информации последовательно используются в произведении, и работа кажется завершенной и законченной, мы обычно можем сказать, что работа едина.

Unity также можно создать в работе путем упрощения. Этого можно добиться, упростив формы, предметы или цветовые схемы.

Работа, представленная ниже, едина и гармонична по ряду причин. Самый очевидный способ его объединения — использование цвета.

Роберт Харрис «Интерьер Северной Африки» 1877

Харрис упростил цветовую схему и использовал в основном дополнительные цвета — красный и зеленый. Зеленый цвет очень землистый, но все же присутствует.

Гармония помогает создать единство в работе. В то время как единство имеет дело с произведением искусства в целом, гармония имеет дело с отдельными частями произведения. Если отдельные части произведения работают вместе, то искусство можно считать гармоничным.

Еще один способ думать об этом — подумать о семье. Семья состоит из разных членов. Давайте посмотрим на семью в традиционном смысле для этой аналогии. В семье могут быть отец, мать, сын и дочь.Каждый член семьи индивидуален и уникален, но семья по-прежнему остается единым целым. Некоторые семьи хорошо ладят друг с другом, а другие — нет.

Мы можем создать гармонию и единство в наших композициях с помощью…

• Последовательное использование среды на протяжении всей работы.
• Упрощение форм, предметов или цветовых схем.
• Использование единого стиля во всей работе.
• Убедиться, что работа завершена.
• Обеспечение того, чтобы каждая отдельная часть изделия работала (и имела смысл) с другими частями.

Акцент

Мы часто используем акцент, чтобы определить фокус или точки в композиции. Мы уже обсудили несколько способов, которыми художник может создать фокус в своей работе. Каждый из этих методов делает упор на успех. Акцент обычно создается в работе через некую форму контраста.

Взгляните на работу ниже. Как вы думаете, что подчеркивается?

Эдгар Дега «Любитель абсента» 1876

Большинство из нас обращается к женщине в этой сцене, а точнее к ее лицу.Дега привлек к ней наше внимание несколькими способами. Во-первых, она расположена в центре картинной плоскости. Также вокруг нее сильный ценностный контраст. Обратите внимание, как мужчина рядом с ней одет в черное, а она — в белое. На стене рядом с ее светлым лицом даже есть темная тень.

Затем есть линии схождения, образованные столами и задним краем скамейки.

Вы также заметите, что лицо женщины имеет больше деталей по сравнению с другими элементами сцены.Это также помогает привлечь внимание зрителя.

Все эти характеристики помогают повлиять на то, как мы взаимодействуем с объектом.

Разновидность

Подобно выделению, разнообразие также имеет отношение к различию. Наши рисунки и картины должны быть разнообразными.

Задумайтесь на мгновение о своей любимой еде. А теперь подумайте, какой была бы жизнь, если бы вам приходилось есть любимую пищу при каждом приеме пищи до конца жизни. На завтрак, обед и ужин — у вас есть любимая еда и ничего больше.Это может быть здорово в первый день, но после этого вы очень устанете от любимой еды.

Точно так же мы можем думать и о наших произведениях искусства. Мы не хотим утомлять зрителя одной и той же визуальной информацией. Вместо этого мы должны включать некоторое разнообразие, чтобы удержать их интерес и сделать наши работы более интересными.

Хитрость здесь заключается в том, чтобы уравновесить гармонию и разнообразие. Если зайти слишком далеко в разнообразии, работа, скорее всего, не будет гармоничной. Если мы зайдем слишком далеко о гармонии, в работе может не хватить разнообразия.

Взгляните на изображение ниже. Обратите внимание на разнообразие…

Василий Кандинский «Композиция IV» 1911

Кандинский создал разнообразие, используя широкую цветовую гамму, но сохранил единство картины за счет упрощения.

Положительное и отрицательное пространство

Космос — один из семи элементов искусства. Когда мы думаем о пространстве, мы часто рассматриваем его с точки зрения глубины или иллюзии глубины рисунка или картины. Однако, когда дело доходит до композиции, мы можем думать о пространстве как о реальном живописном пространстве на поверхности рисунка или картины.

Пространство, занятое важными предметами или элементами дизайна, считается положительным пространством. Области, окружающие эти места, считаются отрицательным пространством. Часто именно негативное пространство обеспечивает зрителю зону «отдыха».

Взгляните на изображения ниже. Сначала мы видим исходное изображение слева. На среднем изображении отрицательное пространство выделено красным. В третьем мы видим положительное пространство, выделенное красным.

Положительное и отрицательное пространство работают вместе, создавая композицию.Композиция может состоять в основном из позитивного пространства, равномерного баланса двух или в основном из негативного пространства.

На следующем изображении показана композиция, состоящая в основном из позитивного пространства…

Вот пример композиции, состоящей из равных частей положительного и отрицательного пространства…

А вот один, в основном состоящий из отрицательного пространства…

Каждая из этих композиций основана на одной и той же теме, и каждое из них можно считать «успешным».

Успешное использование положительного и отрицательного пространства в композиции зависит от баланса. Как достигается этот баланс, будет зависеть от объекта, использования носителя, уровня детализации, контраста и других визуальных факторов.

Лучший способ сбалансировать работу и убедиться, что положительное и отрицательное пространство работает на благо композиции, — это тщательное планирование.

Планирование композиции

Планирование — это, пожалуй, самый важный аспект успеха ваших композиций.К сожалению, это шаг, который большинство людей полностью пропускают.

Допустим, вы решили отправиться в путешествие по месту, в котором никогда раньше не бывали. Было бы бессмысленно просто паковать чемоданы, садиться в машину и уезжать, не зная, как добраться до места назначения. Скорее всего, вы взглянете на карту или введете пункт назначения в свою навигационную систему. Вы никогда не прибудете в пункт назначения без какой-либо подготовки и руководства.

Таким же образом мы должны спланировать наши композиции, прежде чем пытаться их исполнить.Нам нужно знать, «куда мы идем» с нашими произведениями искусства. Мы должны спланировать конечный результат, прежде чем приступить к его созданию. Мы можем изменить наши идеи в процессе работы, если захотим, но мы должны иметь общее представление о том, как должна выглядеть законченная работа, прежде чем мы начнем.

Планируя, мы можем решить все композиционные головоломки, которые помогут создать сильное произведение искусства. Когда мы это делаем, мы можем сосредоточиться на самом процессе рисования и раскрашивания, поскольку большинство наших решений относительно композиции уже принято.

В большинстве случаев планирование композиции включает создание небольших рисунков без деталей. Эти небольшие рисунки часто называют эскизами или предварительными набросками. Миниатюры следует создавать быстро и подходить к ним с экспериментальной точки зрения. Чем больше эскизов вы создадите перед тем, как перейти к окончательной поверхности, тем выше ваши шансы на создание успешной композиции.

Создавая миниатюры, будьте готовы пробовать разные вещи.Поэкспериментируйте с расположением предметов и балансом положительного и отрицательного пространства. Подумайте, как взгляд зрителя может перемещаться по произведению. Попробуйте вертикальные композиции и сравните их с горизонтальными. Поэкспериментируйте с разными цветами. Держите свой разум открытым.

Часто в нашем сознании есть видение того, что мы хотим создать, и мы, естественно, предполагаем, что именно это видение является наиболее успешным. Однако в большинстве случаев наше первоначальное видение — это лишь «верхушка айсберга».Если немного «покопаться», наше первоначальное видение превратится в нечто гораздо более успешное. Это происходит только тогда, когда мы открыты для экспериментов и уделяем время планированию.

Правило третей

Правило третей — это теория композиции, основанная на размещении предметов в композиции. Он основан на «Золотом сечении», математической формуле, описывающей пропорциональные отношения. Поскольку золотая середина довольно сложна, большинство художников и фотографов полагаются на правило третей для создания аналогичного эффекта.

Вот как это работает…

Давайте возьмем композицию и разделим ее на три части — по горизонтали и вертикали. Мы можем представить себе линии, идущие вдоль каждой трети. Эти линии пересекаются в четырех точках на картинной плоскости. Помещая важные объекты или фокусные точки на этих местах пересечения или рядом с ними, мы создаем более эстетически успешную композицию.

Арман Гийомен «Лощина в снегу» 1869

Обратите внимание, как Гийомен поместил фигуру почти прямо в одну из этих точек.

Мы также можем создавать более динамичные и интересные композиции, размещая предметы прямо на этих линиях.

Создание диагоналей

Композиции могут быть динамическими или статическими. Статические композиции довольно прямолинейны и прямолинейны. Статическая композиция имеет смысл для информационного изображения — как научная иллюстрация. Напротив, динамичная композиция создает большее ощущение истории и привлекает зрителя. В большинстве случаев мы хотим, чтобы наши композиции были динамичными.

Динамические композиции можно создать, включив в работу диагонали. Эти диагонали могут быть созданы с использованием реальных линий и форм или подразумеваемых линий. Их также можно использовать, чтобы помочь зрителю ориентироваться в работе, как мы уже обсуждали ранее.

Фредрик Ремингтон «Ковбой» 1902

Ищите интересные способы включения диагоналей в вашу работу. Это может означать, что вы измените угол обзора зрителя. Вместо того, чтобы рисовать или раскрашивать объекты со стандартной точки зрения, рассмотрите вид сверху или снизу или даже под наклоном.

Нечетные числа лучше

Когда мы составляем наши произведения искусства, мы также должны учитывать количество предметов или элементов, которые мы включаем. Человеческий разум находит баланс в нечетных числах. Наиболее оптимальное число для использования — 3. Это означает, что если вы составляете натюрморт, лучше всего использовать 3 объекта. Это не означает, что мы ограничены тремя объектами. Мы, конечно, можем включить больше, если захотим. Но если мы включим больше, лучше всего будут нечетные числа.

Рассмотрим изображение с двумя объектами.С двумя объектами, кажется, существует своего рода визуальное соревнование между ними. Трудно решить, какая тема будет в центре внимания.

Однако, когда мы включаем третий, два других объекта создают рамку для третьего, что приводит к более сбалансированной композиции.

Заключение

Состав — это не «догадки». Хорошая композиция — это не результат удачи и, конечно же, не от таланта. Речь идет о понимании того, как зритель будет визуально взаимодействовать с тем, что мы создаем, и тщательном планировании.

Мы довольно много здесь рассмотрели. Это большой объем информации, который нужно усвоить. Но если практиковать эти концепции и включать их в свои работы, они постепенно станут интуитивно понятными, и ваши композиции станут лучше.

Полное руководство по композиции для художников

Повествование: что пытается сказать художник? Что это за история? (Совет: подумайте о визуальном путешествии, которое ваши глаза совершают через картину. Куда ведет вас художник?)

Эта картина была подарком моему прекрасному партнеру Шонтеле.Ей только что исполнилось 30. Мы считаем Коби нашим первым ребенком, поэтому мы старались хорошо его нарисовать!

История проста: запечатлеть улыбку и добродушие Коби.

Координатор: есть ли доминирующий фокус? Где это? Как художник обращает на это ваше внимание?

Да, Коби!

Я привлекаю к ​​нему внимание позиционированием, деталями и контрастом.

Вспомогательные координаторы: есть ли какие-либо второстепенные координаторы? Какова их цель?

Пейзаж — второстепенный фокус.Идея состоит в том, чтобы показать Коби на природе, а не самого Коби.

Кобе любит быть среди людей и природы, но не любит быть в центре внимания. Типичный портрет домашнего животного здесь не подойдет.

Обрамление: Есть ли элементы, обрамляющие часть картины?

Зелень и океан обрамляют верхнюю часть картины. Вода на земле и ее отражения обрамляют Коби с правой стороны.

Движение / Ведущие линии: есть ли ощущение движения или активности? Какова природа этого движения?

Это еще картина, не считая того, что Коби задыхается и развевает мех.

Баланс: кажется ли картина сбалансированной? Какие-то части кажутся более сильными или тяжелыми, чем остальная часть картины? (Совет: помните, что маленькое, загруженное пространство может иметь такое же влияние, как и большое тихое пространство.)

Да, мне кажется, он уравновешен.

Коби занимает небольшую часть картины, но привлекает больше всего внимания.

Верхняя половина картины уравновешивается нижней половиной картины. В верхней половине есть дерево, кусты, горы, вода и небо.В нижней половине — Коби.

Связанные элементы: есть ли тонкие связи между отдельными частями картины?

Легкие части Кобе соединяются с легкими частями тротуара.

Тень формы соединяется с отбрасываемой тенью.

Голубое отражение воды на тротуаре приведет вас к темно-синему океану (тонкое, нечеткое звено).

Визуальная кисть: Является ли визуальная кисть ключевой особенностью картины? Использует ли художник визуальную манеру письма, чтобы передать характер предмета?

Я использовал толстую кисть, чтобы нарисовать мех Коби, особенно в свете.Я не пыталась закрасить каждую прядь волос, скорее, я позволяла видимой мазке делать большую часть работы.

Большие формы: Какие большие, доминирующие формы?

Пейзаж состоит из больших простых форм. Коби состоит из более замысловатых форм.

Упрощение: Какие области были упрощены? Какие области подробно описаны?

Пейзаж простой. Коби подробно. Но помните, живопись относительна. Если мы сузимся только до Коби, мы увидим, что его лицо детализировано, а остальная часть его тела проста.

Что такое художественная композиция? — Очерки искусства

Как художник при создании портрета решает, где разместить свои фигуры? Создавая свои знаменитые пейзажи, как Боб Росс решил, что его гора должна подниматься с правой стороны его холста, а его счастливые деревца — с левой? Решение, где должны появиться элементы в произведении искусства, называется композицией. В своей книге «Секретная геометрия художника» художник и теоретик эстетики Шарль Було называет композицию внутренним построением произведений искусства — это означает, что после того, как вы решили, что вы хотите нарисовать, композиция — это процесс решения, как ты это раскрасишь.

Композиция — это применение Элементов искусства, то есть линии, формы и цвета, в соответствии с Элементами дизайна — ритма, баланса, разнообразия и т. Д. Если честно, для многих художников это в значительной степени интуитивный процесс. . Опытный художник, дизайнер, писатель или музыкант понимает, как расположить элементы, чтобы добиться желаемого эффекта. Но эти решения не случайны или произвольны, потому что даже самая необычная композиция представляет собой трехчастный процесс, в котором решения художника связаны с восприятием зрителя и математическими атрибутами произведения искусства.

Вот как это работает:

У каждого произведения искусства есть набор основных характеристик. Например, каждое прямоугольное изображение можно разделить по горизонтали и вертикали на половины, трети или четверти. Между противоположными углами можно провести линии для пересечения в центре и т. Д. И т. Д.

Эти неотъемлемые ограничения, форма и геометрия пространства искусства, формируют подсознательные ожидания зрителя. Приближаясь к произведению искусства, человеческий глаз ищет место для начала изучения произведения — это называется точкой фокусировки.От основной точки фокусировки наши глаза перемещаются по пространству к следующей точке фокусировки, а затем к следующей и так далее, пока мы не вернемся к основной точке фокусировки или не изменим нашу позицию, отступив назад, чтобы просмотреть работу в целом, или склоняясь к деталям.

Расположение фокусных точек в произведении искусства влияет на то, как мы себя чувствуем. Когда фокусы совпадают с неотъемлемой геометрией пространства искусства, работа может казаться гармоничной. Размещение фокусных точек около крайних краев пространства или слишком тесная группировка фокусных точек может создать ощущение напряжения или дисгармонии.Откуда берутся эти ожидания? Теория гласит, что человеческий мозг устроен так, чтобы определять закономерности. Когда мы смотрим на произведение искусства, наш разум сравнивает его состав с математикой, лежащей в его основе. Мы подсознательно делим пространство искусства на 1/2, 1/3 и т. Д., И когда точка фокусировки совпадает с этим разделением, наш мозг говорит: «Я был прав!»

И именно здесь принимаются решения художника. Создавая свои произведения искусства, художники должны учитывать эти две силы: форму и геометрию пространства и ожидания зрителя.Художники на протяжении всей истории экспериментировали, чтобы найти лучший способ создавать гармоничные композиции, которые нравятся зрителю и ведут взгляд в путешествие по произведениям. Некоторые художники намеренно нарушают условности композиции, надеясь создать нервирующую и трудную работу. И многие художники игнорируют эти факторы или работают без их ведома, позволяя своему вкусу, предпочтениям и инстинктам определять путь.

Не существует правильного или неправильного способа составить изображение или заполнить скульптурное пространство, но понимание общих техник композиции и некоторых из разработанных уникальных методов может помочь вам понять, как художники на протяжении всей истории стремились направлять ваши глаза и играть с вашим разумом , и может вдохновить вас на создание собственных приятных композиций или на попытку нарушить все правила.

Элементы композиции в искусстве — Мэрион Бодди-Эванс

Первое, что нужно знать, это то, что элементы композиции — это не то же самое, что элементы искусства, это другая концепция (хотя композиция является одним из элементов искусства). Второе, что нужно знать, — это то, что подразумевается под «составом». Это общее расположение того, что есть на картине, ее предмета и элементов (абстрактное искусство, конечно, не имеет «предмета»).

Цель состоит в том, чтобы привлечь зрителя к картине, его взгляд будет проходить через всю композицию, насладиться пейзажем, прежде чем вернуться к фокусу.Успешная композиция делает это незаметно, а мы этого не осознаем. Анри Матисс в своих «Записках художника » сказал: «Композиция — это искусство декоративного расположения различных элементов по команде художника, чтобы выразить свои чувства».

Элементами композиции являются, в западном искусстве, обычно считаются: баланс, контраст, фокус, движение, узор, пропорция, ритм и единство.

Весы: Есть ли симметричное или асимметричное расположение? Симметрия может добавить ощущение спокойствия и упорядоченности, а асимметрия — чувство беспокойства и дисбаланса.

Contrast: Являются ли резкие различия в тонах, сильных темных и ярких светах, или они минимальны?

Фокус или акцент: Есть ли точка фокуса, где-то в этом «самом важном месте», где взгляд зрителя в конечном итоге останавливается и отдыхает, а не блуждает по сторонам.

Движение или движение: Композиция статична или присутствует ощущение движения? Это можно сделать разными способами, в том числе с помощью предлагаемого движения с мягкими краями.

Паттерн: Если вы посмотрите на основные линии и формы, есть ли скрытая структура, которая приятна или интригует, или она хаотична?

Пропорции: Связаны ли предметы на картине друг с другом, подходят ли они друг другу? Если это реализм, соблюдает ли он правила перспективы, например, находящиеся поблизости вещи крупнее, чем более отдаленные.

Ритм: Найдите ритм, как в музыкальном произведении. Его работа заключается в том, чтобы вести взгляд по композиции.Обратите внимание на основные формы, а также на цвет, повторения и отголоски.

Unity: Есть ли в картине что-то, что кажется чужим, что-то сидящее неловко, не на своем месте?

Может показаться, что в каждой картине есть что учесть; через практику он становится более интуитивным. Проверка каждого — это часть самокритики. Если вам сложно вспомнить элементы композиции, вот мнемоника:

Прежде чем рассматривать окончательную оценку, подумайте о том, как рисовать права.
_{Баланс, Контраст, Фокус, Движение, Паттерн, Пропорция, Ритм и Единство.}

или, возможно,

Прежде чем рассматривать окончательную оценку, подумайте о том, чтобы нарисовать руку стороной вверх.
_{Баланс, Контраст, Фокус, Движение, Паттерн, Пропорция, Ритм и Единство.}

Нравится:

Нравится Загрузка …

Связанные

Важность композиции в искусстве

Композиция в искусстве означает упорядочение художественных элементов таким образом, чтобы конечный результат был эффективным.Это может означать, что произведение искусства эстетически удовлетворительно, но часто в современном искусстве это включает в себя достижение дополнительных целей, например, политически провоцирующих или разрушающих различные визуальные или социальные образы. Сложность определения композиции проистекает из этих иногда взаимоисключающих позиций. Может ли композиция быть одновременно приятной визуально, сохраняя при этом ее концептуальный потенциал? Похоже, что такие вопросы были устаревшими в предыдущие века, когда искусство служило инструментом представления различных религиозных и социальных догм .Ремесленники руководствовались правилами симметрии и условностей, хотя сегодня считается, что одни из лучших произведений прошлого не подчиняются этим правилам. Современная и современная сцена, кажется, сохраняет приверженность композиционным правилам, хотя контекстуальные значения, окружающие ее, часто влияют на прочтение таких произведений. Минимализм «застежек-молний» Барнетта Ньюмана — хороший пример того, как композиционная простота может обозначать сложные идеи, связанные с повседневными проблемами. Чтобы лучше понять важность композиции в искусстве, мы рассмотрим ее значение, элементы и политику .

Барнет Ньюман — Кафедральный собор, 1951, Изображение предоставлено redflag.org

Что такое композиция в искусстве?

Термин «композиция» означает «соединение» или «акт объединения частей или элементов в единое целое» , и с помощью этих объяснений можно сделать вывод, что означает композиция в искусстве. Это можно просто определить как расположение визуальных элементов в соответствии с принципами, которые веками устанавливались в визуальной практике. Хотя некоторые принципы менялись со временем, тщательное и продуманное размещение элементов играет неотъемлемую роль в каждой успешной композиции, будь то изобразительное искусство, музыка или письмо.Иногда термин «состав» используется как как взаимозаменяемый с другими терминами, такими как «структура», «порядок» или «дизайн» . Существуют различия между традиционными и нетрадиционными композициями, и большинство традиционных композиций может быть достигнуто с помощью таких методов, как правило третей , правило шансов, правило пространства и упрощение , среди других.
Правило третей связано с разделением изображения на трети по горизонтали и вертикали, чтобы избежать деления пополам, что не очень приятно визуально.Это правило также помогает определить, где следует разместить фокус, чтобы добиться динамической композиции. Правило шансов относится к количеству предметов на изображении и отражает идею о том, что нечетное количество предметов более интересно, чем четное. Правило пространства обеспечивает контекстный фон для представленной темы и часто имеет отношение к пространственной иллюзии. Упрощение — еще один постулат, который в основном предполагает, что каждое изображение должно содержать только необходимые предметы, так как их слишком много может отвлечь зрителя от изображенной темы.

Клеон Петерсон — Баланс сил

Элементы композиции

Чтобы организовать визуальные компоненты в произведении искусства, художники обычно следуют некоторым из композиционных правил, которые делают работу более привлекательной или интригующей для зрителей . Композиция придает макет и структуру каждому произведению искусства, а также влияет на то, как объект воспринимается и понимается. Он ведет взгляд наблюдателя по изображению и подчеркивает фокус. В западном искусстве есть некоторые общие элементы композиции, которые на протяжении веков были ориентирами для художников в достижении успешной визуальной презентации .

Весы обеспечивают ощущение равновесия или динамизма в зависимости от того, какой баланс применяется: симметричный, асимметричный или радиальный. Unity связывает все элементы композиции вместе, но иногда части могут выглядеть неуместно. Движение связано с чувством подвижности, достигаемым за счет расположения объектов, которые направляют взгляд зрителя, в то время как ритм представляет собой более обобщенный «ритм» произведения искусства. Фокус связан со всеми элементами, расположенными так, чтобы указывать на одну точку, и если этого элемента нет, части может показаться, что не хватает единства и динамики. Контраст и узор важны, если речь идет о подвижности и ритме. Они связаны с контрастами темного / светлого и цвета или повторением линий, форм или цветов. Наконец, пропорция влияет на то, как объекты соотносятся друг с другом в отношении размера, расстояния и масштаба.

Tom McGlynn — Small Test Pattern 2

Политика композиции

Хотя композиция в искусстве определяется с помощью хорошо продуманных принципов и техник, которые следуют некоторым строгим правилам наблюдения, мы никогда не должны забывать концептуальных значений, скрывающихся за определенными композиционными решениями .Как мир представлен в искусстве? Даже когда мы говорим о множественных мирах, созданных художниками, или реальных или метафизических мирах, которые соответствуют нашим убеждениям или живым реалиям, способы их композиционного воспроизведения редко или почти никогда не очищаются от политики. Композиционные пространства в изобразительном искусстве населены предметами, темами и мотивами, организованными таким образом, что они придают дополнительные значения, провоцируют, умиротворяют или нарушают наши привычные иконографии, которые переводят их из чисто визуальных в политические выражения.Практически невозможно найти в истории искусства произведения, композиционные принципы которых не руководствовались какими-то дополнительными политическими причинами, кроме эстетических. Объяснение политики Рансьером странным образом напоминает постулаты, описанные выше. Для него «политика существует, когда фигура конкретного субъекта конституируется, сверхштатный субъект по отношению к рассчитанному количеству групп, мест и функций в обществе». ^[1] Точно так же композиция зависит от ряда элементов, составным элементом которых является политика представительства.

Норман Роквелл — Проблема, с которой мы все живем, 1964, деталь

Композиционная симметрия классической красоты и колесо Дюшана

Начиная с природы, симметричные узоры, кажется, влияли на художников на протяжении всей истории и были важным фактором в формировании нашей среды и общества. Красота и симметричные композиции , кажется, традиционно связаны, хотя до конца не объяснены. Канон красоты в классической античности состоял из симметрии природы и искусства. ^[2] Идеальный божественный мир в средние века также задумывался как симметричный, с портальными композициями многих церквей, вырезанными таким образом. Философы и современные художники пытались объяснить красоту, заключенную в симметрии, и обычно связывали ее со счастьем. Артур Шопенгауэр объясняет, как созерцание естественных форм, которые регулярно симметричны, может быть средством избежать болезненных повседневных переживаний. ^[3] Марсель Дюшан аналогичным образом рассказывает об эффекте, который произвело на него наблюдение за его готовым велосипедным колесом : «Увидеть это вращение колеса было очень успокаивающим, очень утешительным, своего рода открытием. путей к другим вещам, кроме повседневной материальной жизни.» ^[4] Красоту композиции можно определить через счастье, которое он испытал, наблюдая за ней. ^[5]

Марсель Дюшан — Велосипедное колесо, 1913 г.

Нарушение общественного порядка и наклонная дуга Серры

Композиционные решения не всегда вызывают красоту и гармонию. Чаще всего они стремятся отвлечь зрителей на их застывшие позиции и усвоили способы наблюдения . Таких вариантов предостаточно, особенно в современном искусстве.В то время как красота и композиционная симметрия, кажется, идут рука об руку, непростой и тревожный эффект определенных композиций и катарсис , или откровение определенных социальных истин, идут рука об руку. Аристотель в своей «Поэтике» объясняет, что трагедия как драматическая форма часто вызывает у публики негативные эмоции, такие как страх или жалость, но это не обязательно отрицательно, поскольку такие эмоции к концу пьесы очищаются от зрителей, делая их счастливее и счастливее. здоровее. Катарсический эффект, который может иметь разрушительное выступление, аналогично трансформируется в эффект разрушительных композиций в изобразительном искусстве.

Возвращаясь в прошлое, мы видим, как выбор Caravaggio — на картинах Распятие Святого Петра и Мадонна ди Лорето — акцентировать внимание на задней стороне лошади и грязных ногах человека, сидящего на корточках. фронт, вызвал бурю негодования, когда они были сделаны. Однако считается, что решение художника оправдано необходимостью изобразить «реальных» людей в религиозных композициях и сделать их более похожими на обычных людей . ^[6] В то время как Караваджо открывал религиозные образы для бедняков, Richard Serra ’s Tilted Arc был создан с идеей вызвать у жителей Нью-Йорка размышления о городской среде, ограничении передвижения и свободе.По словам художника , «зритель осознает себя и свое движение по площади. По мере движения скульптура меняется. Сужение и расширение скульптуры являются результатом движения зрителя. Шаг за шагом восприятие не только скульптуры. но изменения всего окружения «. ^[7] Однако работа, состоящая из одной длинной необработанной плиты из стали COR-TEN, 37 м в длину и 3,7 м высотой, расположенная на Foley Federal Plaza, вызвала судебный иск.Это простое композиционное решение размещения тарелки на общественной площади завершилось демонтажем скульптуры и ее удалением, поскольку многие граждане и официальные лица сочли это разрушительным для их усвоенных моделей движения по площади.

Слева: Караваджо — Деталь из Обращения Святого Павла, 1601 год. Изображение с сайта pintrest.com/ Справа: Караваджо — фрагмент Мадонны ди Лорето, 1604–1606 годы. Изображение предоставлено с сайта Againstmodernart.blogspot.com

Важность композиции и ее принципы

Не будет преувеличением сказать, что в основе каждого произведения искусства лежит хорошая композиция .Это не обязательно переводится в эстетические термины, но часто бывает так. Помимо того, что композиция является основным принципом упорядочивания элементов искусства в единое целое, она также активно определяет концептуальные значения каждого произведения. Исторические и современные примеры, приведенные выше, показали нам, как композиционные решения влияют на понимание искусства, от связывания его с абстрактными концепциями, такими как красота, до перехода к социальным действиям, когда произведение искусства вмешивается в привычные пространственные движения группы людей.Его значение никогда не определяется одним правилом. Сочетание исторического и современного понимания влияет на то, как мы воспринимаем и ценим композицию. Без него вряд ли можно было бы говорить о произведениях искусства и искусстве. В природе структурирование форм придерживается определенных правил организации как руководящей нормы каждого творения, а искусство, определенное с древних времен по отношению к природе, следует аналогичным моделям в достижении визуального единства .

Совет редакции : Художественная композиция

Техника и перспектива картины могут быть превосходными, но картина не удастся, если ее композиция не удалась. Композиция — это гармоничное объединение составных частей произведения искусства в единое целое. Генри Пур исследует работы старых мастеров и современников в этой книге и использует эти примеры для объяснения принципов композиции в искусстве. Все картины, анализируемые автором, иллюстрированы текстом — 166 иллюстраций, в том числе 9 полноцветных.Тридцать две диаграммы автора сопровождают его текстурное обсуждение таких тем, как важность баланса, входа и выхода, кругового наблюдения, угловой композиции, композиции с одной или несколькими единицами и света и тени.

Артикул:

1. Рансьер Дж., (2006), Политика эстетики , стр.116.
2. Осборн Х., (1986), Симметрия как эстетический фактор , Компьютеры и математика с приложениями, Vol.12, выпуски 1–2, часть B, с. 77.
3. Жакетт Д., (1996), Шопенгауэр, Философия и искусство , стр.118.
4. Гроб Т.А., Символ красоты: симметрия в искусстве и природе , www.arthistoryarchive.com [21 декабря 2016 г.]
5. Там же .
6. Гиббонс А., (2016), Караваджо в Риме: насилие, искусство, грязные ноги , writingcities.com [21 декабря 2016 г.]
7. Михалос К., (2007), Искусство убийства: Уничтожение произведений искусства и моральных прав художников , в: Испытания искусства, стр. 173-193.

Избранные изображения: Ричард Серра — Наклонная дуга, 1981. Изображение взято с pintrest.com; Василий Кандинский — Композиция X, 1939. Изображение предоставлено ibiblio.com; Шартрский собор, скульптура Тимпан над Королевским порталом, 1194 год. Изображение взято с counterlightsrantsandblather1.blogspot.rs. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

Композиция в искусстве: почему она должна быть в центре вашего внимания

Картины Гленна Мортона выходят за рамки технического реализма и превращаются в композиционные шедевры. Вот как.

Дженнифер Смит

Променад 17-й улицы (холст, акрил, 26 × 40) Гленн Мортон

Невозможно переоценить важность хороших учителей и поддерживающих наставников, — объясняет художник-реалист Гленн Мортон. «Они редки и обеспечивают такую ​​поддержку начинающим артистам».

Это важное, если не удивительное, заявление художника, который говорит, что он в основном самоучка. Однако в критические периоды его художественного развития он был вдохновлен и обучен учителями, которые помогли ему определить, кем он станет как художник.

Практичность холодной войны

В годы учебы в старшей школе Мортона холодная война сильно повлияла на принятую учебную программу. Науки и математика рекламировались как способ победить русских. А уроки рисования были низведены до уровня легкой атлетики. В колледже Мортон по-прежнему увлекался искусством. Но, живя в сельской местности Среднего Запада, он не имел никакого отношения к миру искусства и не понимал, как ему зарабатывать на жизнь как художник.

Начав изучать архитектуру, Мортон закончил свое художественное образование со степенью в области промышленного дизайна.Эта программа помогла ему развить свои перспективные навыки и отточить свои композиционные навыки. Художник размышляет: «Некоторые занятия заставили меня понять, что у меня всегда был врожденный талант к композиции в искусстве, но я никогда не слышал, чтобы термин« композиция »применялся к искусству, и я не слышал, чтобы его обсуждали и анализировали. ” Он продолжает, говоря: «Сегодня композиция — это самый важный фокус в моей работе».

Изучая архитектуру, наставник Мортона по искусству рассказал ему о его художественных способностях.«Он признал мой талант и постоянно призывал меня заниматься живописью, а не архитектурой», — вспоминает Мортон. «Хотя его слова оставили меня более противоречивым, чем когда-либо, они также успокоили меня».

Художник неизменно ценит такую ​​поддержку.

Солнечная сторона / Теневая сторона (холст, акрил, 16 × 62) Гленн Мортон

Основы перспективы

«С годами я заметил важность поддержки со стороны инструкторов.Такая поддержка художников — редкость в нашем обществе, множество препятствий, а изобразительное искусство считается излишним ».

Помимо расширения художественного восприятия Мортона, его академическое обучение передало технические навыки, которые он использует сегодня.

«Возможно, самым важным был мой школьный урок архитектурного черчения. Он научил меня основным навыкам рисования, которые я использую при создании начальных рисунков сцен, которые я рисую. Этот класс дал мне понимание основ перспективы.Курс по архитектуре в колледже позволил мне получить базовые знания о компонентах здания, а занятия по промышленному дизайну, которые требовали иллюстраций моих проектов, научили меня техникам и приемам рендеринга, которые я использую сегодня ».

Kosher Burritos (холст, акрил, 26 × 48) Гленн Мортон

Свежие глаза

«Я понятия не имею, как и почему это произошло», — признается Мортон, говоря о том, что он стал прекрасным художником. Как и у многих, его карьера и другие обязанности пожирали его время.Он знал, что хочет создавать искусство, но в течение многих лет это казалось невозможным, пока однажды, проезжая по городу, он не увидел, как его взгляд на формы и аранжировки постоянно менялся.

«Я стал замечать интересные композиции, — говорит Мортон. «Я видел расположение телефонных столбов, зданий и линий электропередач, которые обычно считались бы неинтересными, но они привлекли мое внимание, поскольку мой мысленный глаз автоматически начал визуализировать их в удовлетворительных композициях. Казалось, будто я наткнулся на что-то, выходящее за пределы моего конечного «я».”

Написав к этому моменту всего несколько картин, он был поражен своим первым городским пейзажем. Он говорит: «Моя живопись показала способность и навыки, которых у меня никогда не было раньше. Как будто за годы бездействия вдали от живописи мой мозг развивал новое художественное осознание и визуализировал новые технические навыки, так что к тому времени, когда я был готов снова попробовать рисовать, я смог сделать это лучше, чем мог. вообразил ». Спустя несколько лет Мортон начал заниматься живописью профессионально.Он говорит, что до сих пор немного озадачен тем, как все это развивалось.

Creperie (холст, акрил, 24 × 36) Гленн Мортон

Быстрые исследования

Переход Мортона к живописи изобразительного искусства произошел в некотором смысле в виде пузыря; он не знал, что другие художники рисуют в том же жанре, то есть фотореалистичные городские пейзажи, пока его близкий друг не упомянул в разговоре имя Ричард Эстес. «Мой друг посмотрел на меня с выражением недоверия, когда я спросил его, кто такой Ричард Эстес», — признается Мортон.

Сегодня Мортон часто посещает музеи, чтобы изучить свое ремесло. «Я считаю, что быстрые обзоры шедевров по-прежнему невероятно важны для меня как художника», — делится Моретон. «Посещение музея помогает мне увидеть и развить методы, которых мне не хватает из-за отсутствия формального обучения». Его быстрые уроки в музее пригодились, когда он рискнул из городских пейзажей рисовать больше пасторальных сцен. «Когда я пытался рисовать траву, у меня образовалось зеленое размазанное месиво». Проведя время за изучением произведений искусства в Национальной галерее искусств, он смог удовлетворительно изобразить траву на своих работах.

Beverly Boutiques (холст, акрил, 24 × 36) Гленн Мортон

Состав Первый

Моретон не рисует типичные изображения городов на открытках. Вместо этого он выбирает сцены, из которых получается захватывающая композиция. «Мне нравится видеть, как пространственные элементы расположены и сбалансированы. И мне нравятся визуальные ритмы, которые создаются повторением форм или сопоставлением контрастных форм. Я стараюсь объективно смотреть на сцены », — объясняет он.В результате художнику обычно легче рисовать города, которые он посещает, — города, на которые он может смотреть холодным объективным взглядом, — чем его знакомый родной город Вашингтон, округ Колумбия

.

Где бы он ни писал, он старается держаться подальше от очевидных ориентиров и знакомых сцен. Он также старается избегать излишнего акцента на красоте «открытки с картинками» или, аналогично, на убожестве и жестких социальных комментариях. Вместо этого он предпочитает рисовать смесь городских элементов, которые дают зрителю возможность повседневно ощущать настроение этого конкретного места — он хочет, чтобы зритель увидел город глазами его жителей.

В первую очередь художник создает этюд в композиции. Он хочет, чтобы его работы выходили за рамки традиционной привлекательности фотореализма, который заставляет зрителей восхищаться резкими линиями и вызывает реакцию «это похоже на фотографию». По словам Мортона, «некоторый фотореализм не представляет в живописи ничего другого, кроме высоких технических навыков. Иногда картины кажутся банальными или даже холодными ». Он продолжает, поясняя: «Я мало чем отличаюсь от этих фотореалистов в своем желании создать резкое, детализированное, почти фотографическое изображение.Тем не менее, я также стремлюсь создать интересное, общее, привлекательное и, возможно, даже теплое настроение ».

257 (холст, акрил, 42 × 30) Гленн Мортон

Художественный процесс

Холст будет подвергаться большой работе в течение одного-трех месяцев, необходимых для завершения картины, поэтому, чтобы предотвратить растяжение поверхности, художник придумал способ укрепить холст, разместив под ним неглубокую фанерную платформу. Это защищает целостность полотна, создавая жесткую поверхность, на которой можно работать.

10th Street (холст, акрил, 20 × 40) Гленн Мортон

Цветовая палитра

Мортон начинает с серии сделанных им фотографий участка, который он намеревается нарисовать, и с большой точностью воспроизведет сцену на холсте, выборочно манипулируя искажениями зданий, чтобы привлечь зрителя к картине. Но сначала он создаст общую композицию картины и разработает цветовую палитру. После того, как он выбрал цвета, он тестирует их, применяя к другому холсту, чтобы увидеть, как они будут реагировать друг на друга.

После того, как он доволен окончательными цветами, он записывает свои коэффициенты смешивания для каждого цвета для использования в будущем. Затем, когда он покрыл холст левкасом, Мортон красит всю поверхность либо цветом, который он будет использовать для неба, либо преобладающим цветом картины.

Голливуд: Молли (холст, акрил, 50 × 30) Гленн Мортон

Рисунок

Он начинает с рисования на загрунтованном и окрашенном холсте, часто используя проектор, чтобы сначала нарисовать приблизительный контур сцены.Затем он добавляет детали к рисунку и только после этого приступает к рисованию. Обычно он сначала рисует области на заднем плане, а затем постепенно переходит на передний план, но из этого подхода есть исключения. Мортон говорит: «Мне также нравится одновременно рисовать несколько областей работы, чтобы получить представление о том, как цветовые отношения повлияют на композицию. Во время рисования я буду изменять и корректировать исходный набросок, чтобы лучше соответствовать требованиям композиции.”

Chinatown ’70 (холст, акрил, 32 × 47) Гленн Мортон

The Edits

Редко когда в картину добавляют воображаемые элементы, но художник нередко удаляет части сцены из окончательной композиции. Причина таких правок всегда одна и та же — усилить композицию или визуально прояснить область, которая в противном случае могла бы сбить с толку.

Чтобы добиться резких, четких линий, Мортон тянется к ручкам Staedtler Lumocolor или Koh-I-Noor Rapidograph с акриловыми красками, чтобы очертить здания, обрабатывая внешние края зданий сильнее, чем внутренние.«При рисовании линий я часто использую чернила, которые дополняют цвет объекта, который я очерчиваю», — поясняет Мортон. «Это делает объекты визуально выделяющимися».

Парковка на берегу реки (холст, акрил, 22 × 60) Гленн Мортон

Эффекты

Когда дело доходит до кистей, он не особо разбирается в брендах, но верен их типам. Для детальной работы, которой много, Мортон предпочитает тонкие кисти для подводки и пятна. Кисти, которые он использует чаще всего, — это маленькие кисти с острым концом, которые позволяют ему легко переходить от небольшого пространства к большему одним движением.

Свет и тени, отбрасываемые зданиями и другими объектами, имеют решающее значение для реалистичного изображения городского пейзажа. Для успешного рисования теней необходимо видеть и отрисовывать как мягкие, так и жесткие тени. «Я добиваюсь эффекта выцветания, используя глазурь и растирая краску по поверхности», — говорит он.

С годами Мортон овладел техникой рисования неба. Там, где большая часть его работы требует тщательной проработки деталей, в области неба он более свободен в своих красках; размазывая, растирая и применяя его любым способом, чтобы получить желаемый вид.

West Hollywood Wagon (холст, акрил, 26 × 36) Гленн Мортон

Будущие начинания

В наши дни Мортон проводит больше времени на Среднем Западе, вдали от больших городов, которые он так привык рисовать. Вопрос о том, начнет ли он рисовать виды небольших городков, пока не решен. «Это действительно сводится к композиции в искусстве — если я найду композицию в небольшом городке, которая действительно привлечет мое внимание, я напишу ее», — признается Мортон.

Узнайте больше о Гленне Мортоне и ознакомьтесь с его работами на glennmoreton.artspan.com.

Вам также может понравиться:

Советы по рисованию композиции для начинающих

Советы по композиции для создания более ярких и ярких картин

Хотите создавать лучшие картины? Художник Патти Моллика говорит: «Сильная композиция — основа успешной живописи». И независимо от того, новичок вы или более опытный художник, знание того, как создать успешную композицию, требует практики и требует владения несколькими ключевыми техниками.

Но не волнуйтесь, художники, Моллика вас прикрыла. Ниже она делится основными советами и методами рисования — с несколькими быстрыми и простыми мини-демонстрациями — все они взяты из ее книги, Как рисовать, быстро, свободно и жирно .

Рыбак Бурано, автор Патти Моллика, акрил на панели, 12 x 12; частная коллекция

Приготовьтесь совершенствовать свои навыки и создавать более успешные произведения искусства с помощью этих советов по живописной композиции.Наслаждаться!

Создание эскиза ценности

Создание предварительного трехзначного эскиза перед тем, как вы начнете рисовать, поможет вам увидеть общие светлые, средние и темные узоры, чтобы вы могли принимать решения о дизайне и композиции — основе любой картины. Имеет смысл планировать заранее, прежде чем тратить часы, дни, недели или даже месяцы на работу над картиной.

Массовые формы

Создайте один или даже несколько эскизов вашего предмета и попытайтесь упростить композицию до нескольких узнаваемых форм и значений.Будьте готовы отклониться от того, что вы действительно видите, и изменить формы, изменить значения и все остальное, что вы считаете необходимым в интересах создания порядка и организации из визуального хаоса.

Использовать художественную лицензию

Держите ластик под рукой, потому что вы будете часто пробовать идеи и менять свое мнение. Это часть процесса проектирования. Помните, вы не работаете с числами; вы работаете с визуальной информацией, которая фильтруется через ваше личное эстетическое восприятие.

Как вы думаете, что хорошо выглядит? Четко ли он передает ваш предмет? Будет ли он читаться на расстоянии, если вы на него прищурились? Это все вопросы, которые вам нужно задать себе.

Цвет не спасет

Многие художники не планируют заранее и просто начинают рисовать то, что видят, в надежде, что цвет спасет положение. Я этого не рекомендую. На самом деле, есть популярная поговорка: «Вся заслуга в цвете, а всю работу — в ценности».

Если вы прорабатываете свою композицию во время рисования, внося изменения и исправляя оттенки, значения, формы и размещение, ваши цвета станут переутомленными и мутными.

Мутные цвета — результат того, что вы столько раз меняли свое мнение, что все цвета начали сливаться в серо-коричневый. План игры по организации ценностей — это не только ключ к сильным композициям, но и один из ключей к более чистым цветам.

Организуйте и упростите: Сцена довольно сложна, но быстрый скетч показывает вам все, что вам нужно для организации и упрощения.

Следуй своему плану

Когда вы закончите один или несколько набросков, решите, какая композиция вам больше всего нравится, и продолжайте рисовать.Держите свой ценностный эскиз на виду во время рисования, чтобы вы могли ссылаться на него и убедиться, что вы следуете своему плану и придерживаетесь ранее принятых решений.

При смешивании цветов убедитесь, что они соответствуют вашему ценностному плану. Наличие «карты» перед вами позволит вам расслабиться и рисовать с большей уверенностью, потому что вы заложите основу для прочного фундамента, на котором будет покоиться картина.

Чтобы составить эти ценные эскизы, действительно требуется некоторое время и усилия, в зависимости от сложности вашей сцены, но если вы не можете упростить композицию в черно-белом цвете, будет намного сложнее сделать это в цвете.

Эскиз стоимости не должен быть большим или требовать слишком много времени. Пятнадцать минут для эскиза размером 4 на 5 дюймов — это все, что вам нужно. Не делайте большой сложной визуализации. Это лишает смысла учиться упрощать. Все, что необходимо для того, чтобы не сбиться с пути, — это краткий наглядный ориентир. Будь проще!

Этот ландшафт был переведен и упрощен до нескольких значений. На эскизе значений вы можете увидеть, что в общую композицию и ее элементы были внесены существенные изменения.Эти решения были приняты в соответствии с моей художественной лицензией; то, что я думал, нужно картине

Составление вашей композиции

Рассмотрите следующие основные рекомендации, чтобы усилить свой дизайн и общую композицию.

Доминирующие ценности

Постарайтесь разработать эскиз значений (и, следовательно, композицию рисунка) так, чтобы одно из значений занимало большую часть области изображения. Самые смелые композиции имеют доминирующее значение. Старайтесь избегать равного количества каждого значения в вашей композиции.

Определите доминирующую ценность

В синем здании на Десятой авеню преобладает средний и темный оттенки с очень низким уровнем освещенности. Большая светлая форма навеса, обрамленная темными фигурами сверху и снизу, привлекает внимание к фигурам.

Голубое здание на Десятой авеню, автор Патти Моллика, акрил на панели, 16 x 16; частная коллекция

Сильные направленные линии окон также уводят взгляд вниз.Большая средняя форма дороги обрамляет и обеспечивает контраст для светлой полосы тротуара, снова привлекая внимание к фигурам.

Координатор

Решите, куда вы хотите направить взгляд зрителя — это будет основная область интереса на картине, известная как фокус. Правильно составленная композиция приведет к ней взгляд зрителя.

Хотя это более уместно в пейзажах, чем в натюрмортах, ваш фокус должен подкрепляться вашим дизайном и ценностными моделями, которые к нему приводят.Элементы цвета, значения и направленных форм должны быть использованы и подчеркнуты, чтобы был путь, ведущий вокруг вашей картины к фокусной точке.

Глаз автоматически будет привлекаться к той области рисунка, где самые светлые и темные значения находятся в непосредственной близости друг от друга. Если значения разбросаны и не предлагают никакого пути к фокусной точке, зритель не будет знать, где взаимодействовать с картиной.

Цветочный чувак, Патти Моллика, акрил на панели, 16 x 12; частная коллекция

Ведите взгляд зрителя

Обратите внимание, как перспективные линии фруктов, цветов и тротуара в Flower Dude (вверху) приводят взгляд прямо к фигуре, которая является самым светлым значением в окружении самого темного значения.Взгляд зрителя сразу же привлекает самые сильные контрастные области на картине. Используйте эту стратегию при установлении своего координационного центра

Обрезка

Пример плохой посадки; кадрирование картины с фруктами, расположенными точно посередине, создало неловкую напряженность в композиции.

Многие начинающие художники совершают распространенную ошибку, помещая весь объект прямо посередине холста, парящего в пространстве.

Крестись с умом, чтобы было интересно.

Обрезка некоторых элементов немного за пределами области изображения намного интереснее и создает больше разнообразия в негативном пространстве.

Попробуйте варианты

Обратите внимание, как верхняя часть апельсина и отбрасываемая тень обрезаются в области изображения на эскизе ниже. Это более убедительно, чем центрирование каждого элемента внутри границы изображения.

Попробуйте обрезать свой набросок так, чтобы пространство вокруг объекта (т. Е. Негативное пространство) имело интересные формы разных размеров.Решите в своем наброске, как обрезать объект, чтобы увидеть, где он должен быть расположен на холсте.

Розовый на оранжевом, Патти Моллика, холст, акрил, 12 x 9; коллекция Марка Хагана

Моя первоначальная идея заключалась в том, чтобы расположить апельсин и дольки горизонтально. Но посмотрев свой набросок, я решил, что может быть интереснее в вертикальном формате. Попробуйте разные варианты; передумать. Просто убедитесь, что вы все это сделали, прежде чем приступить к рисованию!

Good Crop vs.Плохой урожай

При квадратном форматировании (ниже) пространство вокруг яблок равно. A = B и C = D.

В следующем примере (ниже) формы неравные и поэтому более интересны.

Также обратите внимание, что хотя яблоко находится точно посередине холста, отбрасываемая тень и фоновое яблоко обрезаются так, чтобы выходить за границы. Это диагональное движение смещает статичность объекта, помещенного в середину холста.

Вот еще один пример интересного кадрирования и размещения объекта.

Правило третей

Правило третей гласит, что изображение является наиболее приятным, когда объект или точка фокусировки размещаются вдоль пересечения воображаемых линий, которые делят изображение на трети — как по вертикали, так и по горизонтали.

Горизонт и размещение фокуса — ключ к успеху

Старайтесь не разделять композицию вашей картины пополам, по вертикали или горизонтали.Более интересно расположить линию горизонта высоко или низко на холсте. Ваш фокус лучше всего размещать где угодно, но не прямо посередине холста.

Зигзаг через центр города, Патти Моллика, холст, акрил, 24 x 18; частная коллекция

Перекрывающиеся объекты

При создании вашей установки попробуйте перекрыть некоторые элементы, чтобы создать более динамичное ощущение пространства и улучшить отношения между элементами.

Ремешок Happy от Patti Mollica, акрил на панели, 12 x 12; коллекция Ute Spatz

Когда объекты расположены равномерно, без перекрытия, полученная композиция может быть скучной и плоской.

Разновидность

Глаз любит разнообразие. Он заинтригован неравномерным разделением пространства и выравниванием, а также различиями в формах, краях, текстурах, направленных линиях и размере.

Постарайтесь создавать динамичные композиции за счет сознательного включения и расположения элементов изображения, которые сочетаются друг с другом. Вот несколько предложений:

• Делайте разделение пространства вокруг и между объектами неравномерным и неравномерным.
• Избегайте выравнивания объектов по горизонтальной или вертикальной оси.
• Включите в свою картину различные формы, размеры и пропорции. Если композиция кажется излишне геометрической, подумайте о добавлении или выделении органической формы для визуального контраста. Чередуйте края мазков. Сравните твердые острые края возле фокуса с мягкими перистыми краями в подчиненных областях.
• Сделайте переходы гладкими или однотонными с помощью оживленных тактильных областей.