Гармония — Краткий словарь по эстетике

ГАРМОНИЯ (греч. harmonia — связь, стройность) — представление о целостности и совершенной организации эстетического объекта, возникающего на основе качественного и количественного различия и даже борьбы составляющих его элементов. Довольно часто гармония рассматривается в качестве основы или необходимого условия прекрасного.

Гармония — это сложная эстетическая категория, имеющая широкую сферу приложения. Можно говорить о гармоническом устройстве Вселенной, природы или отдельных ее элементов, о гармонии человеческого тела, произведений искусства, о гармонии как определенном эстетическом идеале, о гармонически развитой личности. Гармония тесно связана с рядом других важных эстетических понятий, такими, как симметрия, ритм, пропорция. Но в отличие от них гармония представляет собой более сложную эстетическую категорию, по отношению к которой ритм, симметрия и пропорция выступают в качестве элементов, составных частей.

Представления о гармонии возникают еще в древнегреческой мифологии.

Гармония выступает здесь как дочь бога войны Арея и богини любви и красоты Афродиты. В этом мифологическом образе отразились диалектические представления о гармонии как порождении двух начал: красоты и борьбы, любви и войны. У Гомера понятие гармонии еще лишено специального эстетического значения, оно означает «соглашение», «мир», «согласие» или употребляется в конкретном значении — «скрепы», или «гвозди».

Специальный эстетический смысл гармонии приобретает в классической античной эстетике досократиков (Гераклит, Демокрит, Эмпедокл), а позднее — у Сократа, Платона и Аристотеля. Античные мыслители разработали диалектическое понимание гармонии как сменяющих друг друга порядка и беспорядка, единства и борьбы противоположностей, составляющих художественное совершенство.

Средневековая эстетика, используя античные представления о гармонии, истолковывала гармоническое устройство мира в теологической форме для обоснования абсолютной красоты божества.

Высокий гуманистический смысл гармонии приобретает в искусстве и эстетике Возрождения. Художники эпохи Возрождения воплотили в произведениях идеал гармонического человека, гармония человека и природы. В эту эпоху получают развитие и теоретические представления о гармонии. Деятели Возрождения связывали гармонию не только с пропорцией, т. е. с определенными количественными соотношениями, которые могут быть выражены в числах. Они выдвинули новое понятие, с помощью которого определяли природу гармонии, — грация.

Широкое распространение представление о гармонии получает в эстетике Просвещения, в частности, в связи с идеями о возможности гармонического воспитания личности. Глубокое диалектическое истолкование гармонии дал в своей «Эстетике» Гегель.

К категории гармонии широко обращается современная эстетическая теория, однако в буржуазной эстетике господствуют идеалистические или позитивистско-метафизические способы ее истолкования, возрождаются средневековые представления о «мировой», или «божественной», гармонии.

Она широко применяется в теории эстетического воспитания, теории искусства и искусствознания, в особенности в теории живописи и музыки.

Цветовая гармония в живописи | Образовательная социальная сеть

Цветовая гармония.

Цветовая гармония — важнейшее средство художественной выразительности в живописи наряду с композицией, рисунком, перспективой, светотенью, фактурой и т.д.

Термин «гармония» происходит от греческого слова, что означает созвучие, согласие, противоположность хаосу и является философско-эстетической категорией, означающей высокий уровень упорядоченного многообразия; оптимальное взаимосоответствие различного в составе целого, отвечающее эстетическим критериям совершенства, красоты.

Цветовая гармония в живописи — это согласованность цветов между собой в результате найденной пропорциональности площадей цветов, их равновесия и созвучия, основанного на нахождении неповторимого оттенка каждого цвета.

Между различными цветами картины существует очевидная взаимосвязь, каждый цвет уравновешивает или выявляет другой и два цвета вместе влияют на третий. Изменение одного цвета приводит к разрушению колористической, цветовой гармонии художественного произведения и вызывает необходимость изменять все остальные цвета.

Цветовая гармония в структуре живописного произведения имеет также содержательную обоснованность, выявляет творческий замысел автора. Например, Ван Гог писал: «В моей картине «Ночное кафе» я пытался показать, что кафе — это место, где можно погибнуть, сойти с ума или совершить преступление. Словом, я пытался, сталкивая контрасты нежно-розового с кроваво-красным и винно-красным, нежно-зеленого и веронеза с желто-зеленым и жестким сине-зеленым, воспроизвести атмосферу адского пекла, цвет бледной серы, передать демоническую мощь кабака-западни

Физики и художники всегда стремились привести все многообразие цветов видимого мира в систему и благодаря систематизации определить закономерности гармонических сочетаний цветовых тонов.

Первая попытка привести цвета в систему принадлежала Исааку Ньютону. Цветовая система Ньютона — это цветовой круг, составленный из семи цветов — красного, оранжевого, желтого, зеленого, голубого, синего, фиолетового.

Позднее к спектральным цветам добавили пурпурные цвета, которых нет в спектре, получив их смещением двух крайних цветов спектра — красного и фиолетового.

Цвета красно-желтой части круга назвали теплыми, а голубовато-синей части круга — холодными. В этом заключалась первая попытка гармонизации цветов.

В 1865 году художник Рудольф Адамс изобрел аппарат для определения гармонических цветовых сочетаний — «хроматический аккордеон». Цветовой аккордеон Адамса состоял из цветового круга, разделенного на 24 сектора, а каждый из секторов был разделен на 6 степеней по светлоте. К цветовому кругу были изготовлены пять шаблонов, в которых были симметрично вырезаны 2, 3, 4, 6 и 8 отверстий по размерам секторов. Передвигая шаблоны с отверстиями, можно было получать различные цветовые комбинации, которые Адамс назвал «симметрячйыми аккордами». При этом Адамс считал, что эти аккорды. не обязательно могут получиться гармоничными, однако являются основанием для выбора различных гармонических сочетаний цветовых тонов

Цветовой аккордеон Р. Адамса

Основные принципы цветовой гармонии Адамс сформулировал следующим образом:

1. В гармонии должны быть заметными по крайней мере первоначальные элементы многообразия цветовой области: красный, желтый и синий. Будь они неразличимы, как это было бы в черном, сером или белом цвете, то было бы единство без многообразия, то есть количественное отношение красок.

2. Многообразие тонов должно достигаться также через разнообразие светлого и темного и через изменения в цвете.

3. Тона должны находиться в равновесии таким образом, чтобы ни один из них не выделялся. Этот момент охватывает качественные отношения и составляет цветовой ритм.

4. В больших комбинациях цвета должны по порядку следовать друг за другом так, чтобы естественная связь по степени их родства имела место, как в спектре или радуге. В следовании тонов выражается движение мелодии цветового единства.

5. Чистые краски следует применять экономно из-за их яркости и лишь в тех частях, на которые глаз в первую очередь должен быть направлен.

Теория гармонических цветовых сочетаний Адамса имела ценность для практики живописи.

Большой интерес для художников; работающих в области декоративно-прикладного искусства и дизайна, представляет теория гармонических сочетаний цветовых тонов, разработанная В.М.Шугаевым.

В.М.Шугаев систематизировал различные виды гармонических сочетаний цветовых тонов и привел их к Основным четырем видам:

1) сочетания родственных цветов;
2) сочетания родственно-контрастных цветов;
3) сочетания контрастных цветов;
4) сочетания нейтральных в отношении родства и контраста цветов.

Автор подсчитал 120 возможных гармонических цветовых сочетаний для 16-членного круга при трех промежуточных цветах, трех интервалах между главными цветами.

В.М.Шугаев считал, что гармонические цветовые сочетания можно получить в трех случаях:

1) если в гармонируемых цветах присутствует равное количество главных цветов;
2) если цвета имеют одинаковую светлоту;
3) если цвета имеют одинаковую насыщенность.

Два последних фактора играют существенную роль в гармонизации цветов, но не являются основными, а лишь усиливают взаимовлияние цветов, обеспечивая более тесную гармоничную связь между ними. И наоборот, чем больше различные цвета отличаются один от другого по светлоте, насыщенности и цветовому тону, тем труднее они гармонируются. Исключение составляют дополнительные цвета. Гармоничность дополнительных цветов подтверждается многочисленными примерами в живописи и декоративно-прикладном искусстве.

В.М.Шугаев следующим образом определял цветовую гармонию: Цветовая гармония есть цветовое равновесие, цветовая уравновешенность. Здесь под цветовым равновесием (в первую очередь двух цветов) понимается такое соотношение и такие качества их, при которых они не кажутся чуждыми один другому и ни один из них не преобладает излишне». «К гармоническим относятся сочетания, производящие впечатление колористической цельности, взаимосвязи между цветами, цветовой уравновешенности, цветового единства.

И.Н. Стор предлагает новую теорию гармонических сочетаний цветовых тонов.

Группы гармонических сочетаний родственных цветов. Гармонические сочетания родственных цветов можно получить, сочетая цвета, расположенные по сторонам треугольника и находящиеся в интервале между основным и промежуточным цветами.

Используя в качестве модели расположения цветов треугольник, можно получить шесть групп гармонических сочетаний родственных цветов, которые включают следующие цвета:

1) желто-оранжевый;
2) оранжево-красный;
3) красно-фиолетовый;
4) сине-фиолетовый;
5) сине-зеленый;
б) желто-зеленый.

Группы гармонических сочетаний родственно-контрастных цветов. Сочетания родственно-контрастных цветов можно получить, сочетая цвета, расположенные в половине треугольника, разделенного биссектрисой, так как на конце биссектрисы лежит промежуточный цвет, дополнительный к основному.

Используя модель расположенияцветов в треугольнике, можно получить шесть групп родственно-контрастных цветов, включающих следующие цвета:

1. ) желто-фиолетовый — красный — оранжевый;
2) желто-фиолетовый — синий — зеленый;
3) синий — оранжевый — красный — фиолетовый;
4) синий — оранжевый – желтый — зеленый;
5) красный — зеленый — желтый — оранжевый;
б) красный — зеленый – синий — фиолетовый.

К сочетаниям родственно-контрастных цветов можно отнести сочетания трех цветов – одного основного и двух промежуточных, расположенных по двум сторонам треугольника. По отношению к основному промежуточные цвета являются родственными, а между собой – контрастными. Это следующие триады родственно-контрастных цветов:

1) желтый — зеленый — оранжевый;
2) красный — оранжевый — фиолетовый;
3) синий — зеленый — фиолетовый.

Эти триады родственно-контрастных цветов входят как составной элемент в перечисленные выше шесть групп родственно-контрастных цветов и могут называться лишь подгруппами.

Группы гармонических сочетаний контрастных цветов. Гармонические сочетания контрастных цветов можно получить, проведя биссектрисы из всех углов треугольника. На концах биссектрис лежат взаимодополнительные цвета к основным.

Используя модель расположения цветов в треугольнике, можно получить три группы гармонических сочетаний контрастных взаимодополнительных цветов, включающие следующие цвета:

1) желтый — фиолетовый;
2) красный — зеленый;
З) синий — оранжевый.

Группы гармонических сочетаний нейтральных в отношении родства и контраста цветов.

Нейтральными в отношении родства и контраста являются чистые основные цвета, лежащие в основе треугольника, — желтый, красный, синий. Возможны следующие группы гармонических сочетаний цветов, нейтральных в отношении родства и контраста:

1) желтый — красный;
2) желтый синий;
З) красный — синий;
4) желтый — красный — синий.

Нейтральной в отношении родства и контраста колористическая гармония может быть лишь в том случае, если применяются цвета чистые, без примеси оттенков, в противном случае вступают в силу другие виды гармонии.

Этот тип гармонии цветов, нейтральных в отношении родства и контраста, не только многие зрители, но и искусствоведы воспринимают как контрастный.

Для желтого, красного и синего цветов это можно объяснить, видимо, тем, что синий и желтый цвета в смеси дают зеленый, который является дополнительным к красному цвету.

Четвертый тип гармонии нейтральных в отношении родства и контраста цветов обладает несомненной художественной выразительностью и широко применяется в живописи, декоративно-прикладном искусстве, дизайне.

Таким образом, новая нормативная теория гармонических сочетаний цветов при использовании геометрического образа множества цветов в виде треугольника включает 19 различных групп гармонических сочетаний цветовых тонов. Общее количество возможных гармонических цветовых сочетаний зависит от числа интервалов — промежуточных цветовых тонов — и может варьироваться в достаточно широких пределах.

Цветовая гармония зависит также от площадей и конфигурации пятен используемых цветов, их светлоты и насыщенности.

Все описанные теории гармонических сочетаний цветовых тонов — это те общие закономерности, которые с поправками на специфику ассоциативно-образного языка различных видов искусства применяются в живописи, декоративно-прикладном искусстве, дизайне, цветной графике, в театре и кино.

В живописи цветовая гармония подчинена содержательным задачам, условиям воспроизводимой световой и пространственной среды, стилистике трактовки пространства и пластических форм элементов изображения.

Что такое гармония в искусстве и как вы ее делаете?

Визуальный оазис сбалансированного цвета, формы и формы

Думайте об элементах искусства как о своем сырье, а принципы искусства — это то, как вы их формируете и формируете. Это где стиль художника манипулирует веществами, которые он или она выбирают использовать. Ритм, гармония в искусстве, баланс, контраст, движение, пропорции и разнообразие — все это принципы искусства, которые можно использовать в одиночку или в согласии друг с другом.

Круговые формы Роберта Делоне, 1930

Гармония в искусстве в целом достигается, когда элементы художественного произведения объединяются единым образом. Определенный элемент может быть повторен, но они все еще выглядят и чувствуют себя как целое. Гармония определенно не однообразие, но и не хаос. Это идеальное сочетание двух.

Гармония передается несколькими способами. Вы можете достичь гармонии в искусстве, используя цвет как средство передвижения, а также отметки, которые вы делаете, и формы, которые вы рисуете.

Купальщицы в Аньере, Жорж Сёра, 1884

Цветовая Гармония в Искусстве

Сила и привлекательность цвета — это то, что впервые привлекает многих художников к мольберту. Но цвет имеет свою долю осложнений. Есть множество цветовых теорий вокруг создания гармоничного цвета.

Одним из них является использование дополнительных цветов. Другой — использование разделенных комплементаров, где используется фланкирующий цвет дополнения. Например: желтый с сине-фиолетовым и пурпурно-красным. Другие художники создают гармонию в искусстве с аналогичными цветовыми схемами, в которых цвета находятся в непосредственной близости друг от друга (в отличие от противоположного) на цветовом круге.

Гри Джеймс Кэрролл Беквит, 1887

Еще один способ обеспечить цветовые гармонии — это помнить, что значение почти важнее, чем цвет. Независимо от того, используются ли они тонко или смело, цвета в картине должны иметь общие отношения, и это часто устанавливается с помощью аналогичных значений цвета. В противном случае они кажутся неестественными.

Цветовые ассоциации могут также вступать в игру для достижения визуальной гармонии. Определенный предмет или место (или время суток) могут иметь цветовые ассоциации. Зритель почти инстинктивно примет их, если не примет их как должное. Но, в конце концов, вы, художник, прежде всего, управляете взаимоотношениями или гармонией цвета, имея в своем распоряжении все эти варианты.

Формы и Знаки

Экспериментирование с формами и знаками является ключевым для любого художника. Описание форм и создание гармоничных отметок часто является вопросом принятия во внимание того, как видит сам глаз. Например, направление вашего взгляда означает, что некоторые вещи оказываются в фокусе, а другие размыты и туманны. Человеческий глаз не видит все подробно все сразу.

Входная дверь Кристиана Рольфса, 1882

Художники часто гоняются за этим явлением с гармонией краев, как потерянных, так и найденных, твердых и мягких, вместо того, чтобы полагаться на такие точные, равномерно очерченные линии или формы.

Мягкие края отступают и часто используются для обозначения расстояния или поворота формы. Жёсткие края фокусируют формы, узоры и текстуру. Потерянные края — ключ к тому, чтобы дать вашей живописи жизнь. Избыток «найденных» граней приводит вас к гиперреализму — привлекательному стилю искусства, который сам по себе, но определенно нереалистичен.

Формы и пропорции

Формы, имеющие сходные характеристики, визуально считаются гармоничными. Он вводит контрастные формы, которые приводят к визуальному диссонансу: например, неровные линии по краям и кривые.

Пропорция — это немного другой случай. Одни и те же размеры, повторяемые в картине, могут на самом деле быть слишком похожими для настоящей гармонии. Вместо этого формы, которые отличаются по форме последовательными отношениями, достигают хорошего баланса.

Прачка в Этрете, Феликс Валлоттон, 1899

Финал говорит о гармонии в искусстве?

Тебе решать! В конце концов, гармония — это эстетический ответ, который для всех разный.

Стратегии, которые мы вам дали, безусловно, дают гармонию, но, в конце концов, восприятие уникально, так что идите к тому, что кажется вам гармоничным, художники!

ПРИНЦИП ПРИРОДНОЙ ГАРМОНИИ В ЖИВОПИСИ МУЗЫКЕ И АРХИТЕКТУРЕ РЕНЕССАНСА

Курсовая работа

По Мировой Художественной Культуре

На тему: «ПРИНЦИП ПРИРОДНОЙ ГАРМОНИИ В ЖИВОПИСИ, МУЗЫКЕ И АРХИТЕКТУРЕ РЕНЕССАНСА»

Учащейся 9 класса Ц.О №218

Преподаватель:

Москва. 2007г

СОДЕРЖАНИЕ: стр.

1. Введение…………………………………3

2. Природная гармония в искусстве Ренессанса

1. Живопись……………………..4

2. Музыка…………………………7

3. Архитектура…………………..12

3. Заключение………………………………15

4. Список литературы………………………16

I. Введение.

Гуманистическая эстетика эпохи Ренессанса выдвигает совершенно новую трактовку эстетических категорий, которая вырастала на основе нового понимания мира. Одной из центральных категорий было понятие «гармония». Эстетика Возрождения вырабатывает принципиально новое представление о гармонии, основанное на новом понимании природы, бытия и человека. Человек меняет точку зрения на себя и на мир. Теперь он homo deus – «человек божественный», созданный по образу и подобию Бога. Именно то, что человек поставил себя наравне с Богом, явилось причиной изменения диалога эпохи. Если диалогом эпохи средневековья считают диалог человек – Бог, то диалог Ренессанса – человек – мир. Как известно, диалог может возникнуть только при наличии дистанции, а значит человек, поставивший себя рядом с богом, дистанцировался от мира и получил возможность наблюдать его и доводить до совершенства в своих произведениях. В такой ситуации логично, что мир воспринимается теперь как картина.

Для человека того времени как никогда раньше стала важна природная гармония, мера, заложенная, как тогда считали, в природу в первые дни ее творения. Природную гармонию воспринимали как выражение софии и логоса Создателя, как явление его откровения. Для людей эпохи возрождения естественным казалось, что Бог, сотворив этот мир, отстранился от него, а значит мир видоизменился с тех пор. Именно поэтому творцы эпохи Ренессанса пытались передать в своих произведениях природу идеальную.

Говоря о явлении природной гармонии в искусстве Ренессанса нельзя не сказать и о восприятии природы древними греками. Ведь, как известно, именно на изучении античной философии и искусства базировалось творчество и восприятие мира в эпоху возрождения.

Для греков гармония являлась первоосновой вселенной, началом всего сущего. Гармонией для них считалось соразмерность всех частей единого целого, именно к этому стремились они во всех произведениях искусства. Но нельзя не сказать о том, что принципы и гармония устройства природы все же не совсем то же самое, что и пропорции и понятие гармонии Античности. Но теория Ренессанса нашла этому свое объяснение. Считалось, что классическое искусство является высшей формой натурализма. «античное, — говорил Гете, — есть часть природы, и поистине, когда оно нас волнует, — часть естественной природы».

Постигая природу и ее законы, люди возрождения, также как и древние греки, постигали премудрость Бога.

Все это можно проиллюстрировать на примере трех основных направлений искусства того времени.

Живопись

Живопись в эпоху возрождения считалась основным видом искусства, ведь творцами Возрождения ставилась цель передачи именно картины мира. А следовательно именно в живописных произведениях наиболее ярко отражались все идеи и принципы эпохи. Принцип природной гармонии тоже в основном отражен в картинах.

Изменение подхода к реальности.

В эпоху Возрождения впервые возникла проблема того, что мы называем « картинным пространством». Картинное пространство можно определить как зримую трехмерную протяженность, состоящую из тел и промежутков между ними, протяженность, которая простирается неопределенно далеко, за пределы объективно двухмерной плоскости. Это означает, что живописная плоскость утратила ту материальность, которая была присуща ей в искусстве Средневековья. Она стала теперь окном, через которое мы смотрим на фрагмент видимого мира. Сравнить картину с окном – значит требовать от художника непосредственного подхода к реальности: notitia intuitiva. Этот подход признавал реальное существование только за видимыми предметами, непосредственно познаваемыми на чувственном опыте, и за внутренними состояниями или действиями, непосредственно известными на опыте психологическом. Художник теперь не призывается работать, исходя из идеального образа, который у него в душе, как считал Аристотель, а исходя из того, что видит глаз, а значит воплощая в своих произведениях именно природную гармонию.

Композиция.

В эпоху возрождения при построении композиции использовались в основном геометрические формы. Возможно, это вызвано тем, что художники обратились к искусству античности, где такие формы преобладали, но не исключено, что это явилось пережитком средневековой живописи, когда все геометрические фигуры имели определенное символическое значение.

Так, мы знаем, что треугольники символизировали стихии, а круг – бесконечность, замкнутость, идеал. Можно говорить и о том, что символом эпохи возрождения явилась пятиконечная звезда. Она содержит в себе все известные пропорции (среднее гармоническое, арифметическое, пропорциональное). А также символизирует человека, присутствие в нем божественного начала.

Игра пространством

Игра пространством стала необходима художникам, ведь их задачей было передать все грани окружающего мира. Постоянная работа со светом и тенью тоже давала возможность наиболее правдоподобно передать пространство, как бы впустить в него зрителя. Именно поэтому у человека возникает необъяснимое ощущение присутствия в картине. Особенных высот в искусстве светотени достиг Леонардо да Винчи. Кажется, что он писал не красками, а самим окружающим миром, что он брал свет и пространство и просто вкладывал его рукой в свое произведение. Он так искусно запечатлел пространство и время, что на его картинах они пульсируют и живут, находятся в постоянном непрерывном диалоге с миром и зрителем.

Еще одной особенностью живописи Ренессанса можно считать идеальную сочетаемость цветов между собой. Ведь художник пытался копировать природу вида первых дней творения, а в ней просто не могло быть негармоничных, неприятных глазу сочетаний. Необходимо заметить, что попытки передать природу как выражение Софии и логоса Творца именно в ее изначальном, еще не «испорченном» временем виде привело к тому, что пейзажи максимально идеализированы.

При подборе цвета учитывалось как и его символическое значение, так и его влияние на психику человека, восприятие его (цвета) зрителем.

Цвет в живописи Ренессанса приобретает значение только в связи с другими цветами, а гармоническое строение колорита воспринимается как одновременное воздействие (“звучание”) цветового аккорда.

Тем самым, мы видим, что функция живописи, до сих пор ограниченная подражанием действительности, распространяется на рациональную организацию формы; эта рациональная организация подчиняется «правильным пропорциям», про которые говорили, что они постигались в утраченном ныне «учении древних». Понятие пропорции вновь стало необходимо творцам.

Живопись наиболее явно отражает восприятие мира единым, неделимым организмом. Но в тоже время и бесконечно многообразным, а главное – гармоничным. Именно гармоничное сочетание единства и многообразия явилось, по мнению человека той эпохи явилось выражением божественной мудрости и воли.

Следует заметить, что именно в эту эпоху впервые появилась прямая перспектива, а значит художник, уподобившись Богу, начал отсчитывать мир от себя. Теперь он, да и зритель, становились на место бога, зрящего весь земной мир, а значит являлись и главными судьями картины. И также как бог, который, по идеологии возрождения, отстранился от мира, сотворив его, художник тоже как бы дистанцируется от своего произведения, начиная оценивать картину. Он вполне может позволить себе это, ведь она явилась делом его рук, тогда как человек средневековья считал, что через него творит Бог.

Такое переосмысление роли художника, становление его на один уровень с Богом спровоцировало появление так называемого индивидуализма в искусстве. Теперь художник спокойно начинал подписывать картины, вырабатывать свой индивидуальный стиль, создавать свою школу.

Музыка

Может показаться, что нет на свете ничего более сложного и недостижимого, чем познание законов Природы. Но эти законы столь всеобъемлющи и явлены взгляду и слуху с такой ясностью, что нельзя не почувствовать их. В соответствии с этими законами протекает жизнь небесных светил, жизнь всей земной природы, включая и человека. Природный закон люди эпохи возрождения выражали тремя главными понятиями: Гармонией, Единством и Многообразием. И важнейшее из трех понятии — Гармония. Размышляя о сущности гармонии, которую можно было наблюдать не только в самой природе, но и в искусстве великих художников, композиторы эпохи Возрождения сумели передать в музыке это состояние счастливого согласия. Умиротворенные мысли естественно приходят на ум, когда звучит музыка Ренессанса. Особенно же это справедливо по отношению к итальянцу Палестрине. Слушая Agnus Dei из его знаменитой «Мессы Папы Марчелло», можно вспомнить гармонично-прекрасную живопись Рафаэля.

Музыка эпохи возрождения, как и все искусство в целом видела главной своей задачей не донесение божественного слова, как это было ранее, а услаждение Бога. Музыка теперь не зависела полностью от текста, как это было в григорианском хорале, а являлась самоцелью. Можно считать, что именно это послужило толчком к ее бурному развитию.

Композиторы Возрождения открыли закон Единства и Многообразия в музыкальном искусстве. Они услышали в множестве мелодий ведущую мысль, своеобразный мелодический скелет (единство), они придали этой исходной идее разнообразное мелодическое оформление, где она лишь ощущалась, но не казалась очевидной (многообразие). Связующим звеном для этих принципов, а также основной целью композиторов можно считать достижение гармонии. То есть мы можем говорить о том, что идея гармонии, многообразия и единства наиболее ярко выражена именно в музыке эпохи Ренессанса.

Одним из основополагающих принципов музыкального творчества данного периода можно считать появление техники строгого письма. Вот некоторые из характерных особенностей данного стиля:

varietas

В стиле «строгого письма» техника мелодического развития получила латинское название varietas — вариантность. Как ветви из ствола, все методические «побеги» как будто прорастают из одного мелодического «корня». При этом исходной мелодической формулой становится cantus firmus. Varietas — это тайна музыкальной техники эпохи Возрождения, тайна непредсказуемой интуиции композитора. Никто не может научить, как растворять и отражать мелодическую идею в многообразии новых мелодий: несмотря на естественность принципа вариантности, его практическое воплощение трудно. Изощренная и неуловимая манера продления мелодической мысли — varietas — дополняется в «строгом стиле» идеей более простой и конструктивной — идеей повторения. что по-латыни называется «имитация», то есть подражание.

имитация

Но повторить «слово в слово» или «нота в ноту» было бы слишком неестественно, ведь в природе нет ничего абсолютно одинакового, поэтому имитация подразумевает повторение с разной степенью подобия. Повторяя не вполне точно, но так, чтобы принцип повторности был очевиден, композитор соблюдает столь необходимый в природе закон Единства и Многообразия. Мелодическое развертывание начинается с так называемой простой имитации, когда мелодия, прозвучавшая в одном голосе, в точности повторяется в другом. Понятно, что бас не будет петь мелодию так же высоко и прозрачно, как сопрано. Он повторит мелодию низко, в другом тембре, то есть наряду с Единством (одна и та же мелодия), имитация предполагает и Многообразие (другой тембр, другие звуки).

В эпоху возрождения появляется множество различных вариантов имитаций: например, можно повторить мелодию от конца к началу или перевернуть все интервалы — тогда все ходы наверх станут ходами вниз и наоборот. Можно исполнить мелодию в ускоренном или замедленном темпе, уменьшив в два раза длительность всех звуков.

контрапункт

Одним из обязательных видов имитационной техники в эпоху Возрождения был контрапункт. Это название происходит от латинского punctus contra punctum — нота против ноты. Под контрапунктом понимают одновременное сочетание двух или нескольких мелодий, и таким образом искусство контрапункта или искусство полифонии — это одно и то же. Можно сказать, что контрапунктическая техника — еще один вариант музыкального проявления закона Единства и Многообразия — одни и те же мелодии в новых сочетаниях.

Полифоническое произведение вызывает у слушателя ассоциацию с построением какого–то удивительного здания, а наличие различных по своей высотности голосов создает ощущение воздуха и легкости. Все это сродни восприятию купола в возрожденческом храме. Тем самым, мы еще раз убеждаемся в неразрывной связи архитектуры и музыки.

Строгое письмо превратило музыку в эквивалент божественной антологии. Теперь в ней звучало само гармоничное и единое бытие. Все это как нельзя лучше иллюстрировало восприятие композиторами того времени гармонии как основополагающего фактора. И именно поэтому главным жанром теперь стала месса – музыка центрального обряда ежесуточных богослужений.

Месса.

При построении мессы композиторами принималась за основу идея гармонии всех частей произведения.

Месса, казалось, стремилась заключить в себя пространство храма, повторить в воздушном музыкальном материале его своды, его горизонтальные и вертикальные опоры.

Так же как и в средневековой мессе, в мессе Ренессанса те же пять частей; но теперь мир уже не кажется человеку столь малым и обозримым, и месса тоже расширяется, становится величественной, масштабной.
Приступая к исполнению гигантского замысла, композитор не чувствовал никакой неуверенности в себе или робости. Ведь он был создан по образу и подобию самого Господа. «Ни небо не представляется для него слишком высоким, ни центр Земли слишком глубоким. А так как человек познал строи светил и как они движутся… то кто станет отрицать, что гений человека почти такой же, как у самого Творца небесных светил, и что он мог бы некоторым образом создать эти светила, если бы имел орудие и небесный материал,» — писал философ XVI века Дольче. Желая быть музыкальными зодчими, подобными Богу, композиторы задумали построить свой звуковой храм по самым совершенным законам, созданным самим Творцом, — по законам Природы.

После знакомства с законами имитации и контрапункта становится ясно, что столь безмятежная и прекрасная музыка не появится в порыве вдохновения, так же как не может быть воздвигнут в один день собор Святого Петра. Сочинение мессы подобно строительству огромного храма — это гигантский труд. Сначала придется сочинить мелодии, не забывая о необходимых ограничениях, затем нужно создать мелодическое развитие, пользуясь техникой varietas, «растворяя» главные ноты, мелодические опоры cantus ftrmus среди множества украшающих звуков; кроме того, придется сочинить красивые и разнообразные имитации, а также замысловатые контрапункты. И все это для того, чтобы звучание было наполнено божественной Гармонией, а развитие соответствовало природному закону Единства и Многообразия во всех пяти частях мессы.

Уникальность строгого письма.

Строгое письмо» по своему значению в истории музыкальной культуры уникально, потому что оно не воспроизводимо. Студенты-музыканты с немалым трудом изучают лишь некоторые основные элементы «строгого письма», но свободно овладеть его секретами никому не дано. Причина здесь в том, что «строгое письмо» — не просто композиционная техника, а система музыкального мышления, построенная на особом понимании свободы творчества как добровольного подчинения определенным и весьма жестким ограничениям. Современному человеку, которому чуждо пантеистическое мироощущение Возрождения, трудно совместить в своем сознании творческую раскрепощенность и Закон. Ведь пантеизм — это радостное слияние с Богом и Природой, соблюдение своих обязанностей по отношению к ним. Закон не сковывает воображение композиторов Возрождения, а лишь служит ему естественным основанием.

Архитектура

Зодчий древности и средневековья видел себя творческим орудием Бога, призванным донести до человека всю красоту божьего мира. Зодчий Ренессанса видел себя творцом, обязанным донести до людей специфически понимаемую им гармонию архитектуры, возможно, именно в эту эпоху зародилось типичное для архитекторов нашего времени стремление к самовыражению.

Стремление к гармонии.

Характерной особенностью архитектуры той эпохи является попытка достижения гармонии между внутренним и внешним миром.

Так, колоннада была вынесена наружу, в подражание традиционной греческой архитектуре эпохи античности. Архитектура античности и Возрождения – это прежде всего гармоничная организация пространства. Вы попадаете сначала во дворик, потом в пространство, осененное колоннадой, а потом — в дом. Выйдя из дома, вы окажетесь в тени колоннады — вы дома, но как бы и на улице. То есть можно говорить о том, что использование античных ордеров дает ощущение растворения здания в пространстве, единения его (здания) с окружающим миром. Романская архитектура — это замок, толстая стена, отделяющая пространство дома от пространства враждебной улицы. Архитектура возрождения открыта миру, а человек ведет с миром прямой диалог. Об этом свидетельствует и появление больших окон, многочисленных двориков. Становится ясно, что изменение мировоззрения людей напрямую отразилось в искусстве, а особенно в архитектуре.

Необходимо отметить, что тенденции активного взаимодействия с миром типичны для того времени вцелом. Так, готическая архитектура тоже активно взаимодействует с пространством. Ведь для нее характерен мотив пламени. А пламя находится в постоянном движении, постоянном контакте с воздухом и пространством.

структура пространства.

Еще одной особенностью можно считать то, что видно всю структуру пространства. Это явилось следствием того, что архитекторы видели главную свою цель в передаче картины мира. Здание переставало быть символом чего-либо, но становилось иллюстрацией и картиной, причем картиной многообразной, о чем свидетельствует появление разнообразного, тщательно продуманного декора. Здесь можно соотнести архитектуру с музыкой, а точнее с возникновением полифонии, когда вся конструкция музыкального произведения видна, а точнее слышна, при этом произведение богато украшено, для услаждения слуха человека и Бога.

Для творцов эпохи возрождения характерно восприятие мира единым, неделимым организмом. Если в средневековье божественное четко отделялось от земного, а вся архитектура символизировала именно дуалистичность мира, то в эпоху Ренессанса они неразрывно связанны. Как пример – совмещение донжона и звоннице в одной конструкции.

Перспектива.

Архитектор, и вообще творец эпохи возрождения отсчитывал мир от себя, а следовательно это и стало причиной появления прямой перспективы.

Время

Люди эпохи Ренессанса впервые стали пытаться управлять временем посредством организации пространства. Подтверждением этому служит появление ритмометрической структуры здания, например расположение окон с определенным интервалом. Такие окна уже задают определенный ритм жизни.

Для человека эпохи средневековья естественным считалось то, что управление временем – удел Бога, в эпоху возрождения человек берет эти функции на себя. Можно говорить о том, что возникает так же и попытка увидеть природную гармонию, выраженную во взаимосвязи времени и пространства.

Город.

Размышляя об архитектуре возрождения нельзя не упомянуть о средневековом городе. Необходимо помнить, что город тогда мыслился отдельными единицами – домами, а не комплексами, как в наше время. Каждое здание было уникально, и часто они совсем не согласовывались друг с другом. Также известно, что улицы скорее напоминали тропинки, никто не заботился тогда о создании просторных дорог. Путник мог совершенно неожиданно для себя вдруг оказаться на площади. Все это создавало необъяснимое ощущение «живого» города, который воспринимался как органичная часть природы. При этом сердцем его долгие века оставалась площадь. Все это построение городского пространства как нельзя лучше соответствовало мировосприятию человека эпохи возрождения. Но, говоря о городе, нельзя не сказать о том, что, несмотря на попытки моделировать и организовывать пространство, видимо люди еще не очень хорошо владели им. Городской перспективы не было еще в принципе. Хотя, конечно, нельзя не вспомнить о так называемой «бумажной архитектуре». Это значит, что попытки моделировать пространство города все же существовали, но так и не были воплощены в жизнь.

III.Заключение.

«Искусство — загадка!» — писал Эдвард Григ. Но известно, что загадка отличается от тайны тем, что имеет решение. Только в случае с искусством оно (решение) для каждого свое.

Мы видим, что принцип природной гармонии являл собой одну из величайших загадок, раскрыть которую стремились все известнейшие творцы эпохи Возрождения. Постигая природу и ее законы, (а главным из них представлялся именно закон гармонии), человечество постигало премудрость Бога, ведь человек той эпохи, осознавая себя подобным Творцу, пытался познать мудрость его творения путем подражания. Именно изменение диалога эпохи, изменение взгляда на себя и на мир, повлекло за собой все перемены, произошедшие тогда в живописи, музыке и архитектуре. Ведь известно, что искусство есть первейшее отражение мировоззрения и мировосприятия человека той эпохи. В таком случае возникает вопрос: как же влияет изучение искусства какой-либо эпохи на современное общество? Всем известно, что, например, изменение мировоззрения людей эпохи возрождения основывалось на изучении Античной философии. Таким образом, можно говорить о том, что изучение искусства различных эпох напрямую влияет на мировоззрение современного человека, предлагая нам различные идеи и принципы, высвечивая новые грани в нашем мировосприятии, обогащая наше видение мира. Мы живем в мире, главными категориями которого являются пространство и время. А значит человеку важно и необходимо моделировать пространство, ощущать и чувствовать его, и так же уметь чувствовать и понимать время, непосредственно пытаясь прикоснуться к прошедшему посредством изучения искусства. Следовательно, остается только согласиться с Б. Брехтом, сказавшим, что « Все виды искусств служат величайшему из искусств — искусству жить на земле ».

Список литературы:

1.Кирнарская Д.К . Классическая музыка для всех : Западноевропейская музыка от григорианского пения до Моцарта: Учеб. пособие для муз. шк. и училищ / Кирнарская Д.К . — М. : Слово,1997

2.Э. Панофски «Ренессанс и «ренессансы» в искусстве Запада» — СПб : азбука-классика, 2006

Цветовая гармония в живописи (T — S — D). Часть 1.

Цветовая тоника (T)

Гармония («единство», «согласованность») в изобразительном искусстве понимается как уравновешенность особой красоты, согласованность частей изображения, форм, линий и цветовых пятен.

Движущая сила гармонии– это столкновение противоположностей и их единство. Столкновение противоположных эмоциональных настроений, то напряженно-тревожных, то призывно-радостных, то задумчиво-лирических. Контраст мажора (его окраска звучания субъективно воспринимается как светлая и радостная) и минора (субъективная окраска – грустная, серьезная) составляет один из важнейших эстетических контрастов в музыке. В живописи же цветовая гармония выражается сбалансированным противопоставлением холодных и горячих цветов.

Теперь рассмотрим общую цветовую схему живописного произведения, при этом нам пригодится цветовой круг:

Цветовая тоника – это опорный цвет (или цветовой «аккорд»), который с периодическим постоянством звучит внутри произведения, каждый раз выражая и подтверждая общее эмоциональное настроение произведения. Именно тонике противопоставляются другие напряженные цветовые пятна. Но сколь яркими и эмоциональными бы они не были, все они остаются в подчинении тоники, т.е. с нее начинается развитие цвета в картине, и ею же заканчивается.

Таким образом, тоника служит централизующим, подчиняющим и (!)объединяющим началом в картине. Она оттеняет, подчеркивает, выделяет и обостряет цветовую кульминацию, дает гармоническое единство, создает общее цветовое настроение картины.

Выбор опорного цвета определяется основной идеей сюжета будущего произведения.

Варианты тоники– цвет воздушной среды в пейзаже, это второй и третий планы картины, это окружающий интерьер, цвет фона вокруг центрального сюжетного ядра.

Все остальные цветовые пятна в картине организованы в определенной последовательности вокруг этого главного опорного цветового пятна

Тоника в картине В.Серова «Девочка с персиками» — это зеленовато-желтые, серо-зеленые, темно-коричневые оттенки общей окружающей среды (аккорд родственных цветов).

Цветовая доминанта (D)
Цвет доминанты (кульминации) противопоставляется цветовой тонике по яркости, цвету (тепло-холодности), тону (светло-темности). Чаще всего кульминация – это самое яркое , самое светлое и контрастное к тонике цветовое пятно. Часто для доминанты художники выбирают дополнительный к тонике цвет (т.е. противоположный цвет на цветовом круге). Причина выбора дополнительного цвета заключается в том, что такое сочетание является максимально контрастным и всегда гармоничным.

И почти всегда, даже в печальном, драматическом произведении, доминанта исполняется мажорно, радостно, темпераментно-страстно, горячими красками!

Доминанта в «Девочке с персиками» — это ярко-розовая блузка с приколотой к черному банту красной гвоздикой (красный и розовый, как разбелённый красный, — дополнительные цвета к зеленому).

Цветовая субдоминанта (S)

Цветовая субдоминанта — это цветовые пятна, предвосхищающие доминанту – вершину эмоционального напряжения в картине. Цветовая субдоминанта своим восходящим поступательным движением к кульминации должна подготовить и усилить яркость доминанты.

Цветовая субдоминанта, в отличие от доминанты, может быть и теплого, и холодного оттенка, в зависимости от того, какой будет кульминация: радостной или печальной. Т.е. цветовая субдоминанта предсказывает (и подсказывает) зрителю эмоциональное отношение к происходящему на картине!

На рассматриваемой выше картине В.Серова субдоминанта это – охристо-зеленый, теплый цвет лица и рук девочки, персиков, листьев. Этот цвет звучит приглушенно, вкрадчиво, но тем не менее он теплый, радостный, как и события в картине.

Противоположную ситуацию можно наблюдать в картине И. Репина «Иван Грозный»:

Цветовая тоника здесь – оранжево-коричневый цвет (т.е. диапазон оттенков от желтовато-белых до красно-коричневых), который занимает основное пространство картины. Цветовая доминанта – тяжелый красный цвет крови на лице царевича, который ярко выделяется среди светлых красок «мертвенно-бледных лиц». Цветовая субдоминанта – это ультрамариновый синий. В данном случае субдоминанта холодного оттенка, т.к. происходит трагедия. Поэтому художник выбрал самое драматическое, безысходное, неразрешимое сочетание цветов красного и синего.

В другой картине И.Репина — «Осенний букет» — цвета тоники, наполняющие глубину пространства, резко противопоставляются плотным цветам, лепящим поверхность персонажа первого плана, выполняя роль «ореола». Если основные оттенки фигуры девушки – это плотные красно-коричневые, коричневые или нарядные белые цвета, то фон – это контрастный к ним блекло-серый и серо-голубой цвет.

Интересно, что фон выполнен лессировочно, т.е. даже по фактуре красочного слоя тоника контрастна центральному ядру картины.

Разрешение цветовой напряженности
«Каждое противоречие требует разрешения, поэтому художник должен знать и предвидеть эффект взаимного влияния цветов». Н. Волков.

Тоника, субдоминанта и доминанта находятся в цветовом, тоновом и яркостном контрасте – иногда резко напряженном противоречии, иногда в тихом, поэтому требуется разрешение этого контраста-конфликта, его примирение, обобщение, что и приведет к единению, гармоническому согласию.

Цветовые оттенки субдоминанты и доминанты достигают своего пика в композиционном центре картины, и затем рассыпаются по картине на мелкие осколки-рефлексы, акценты (как цветовое эхо), и завершаются слабыми отголосками, почти полностью растворяясь в тонике картины.

Таким образом происходит своего рода разрешение доминанты в тонику.

В продолжении – о значении и использовании в живописи черного и белого цвета .
Источники те же

Живопись и графика: www.kumikodesign.ru/grafics/0.html
> </div>

Гармония в искусстве. Примеры из мировой живописи | Релаks и медитация

Что такое гармония в искусстве?

Говоря о гармонии в искусстве следует иметь ввиду то, как все визуальные элементы живописи сочетаются вместе. Гармоничные элементы и детали должны быть логически связаны между собой. Элемент, который не гармонирует с остальными не должен выделяться или раздражать глаз.

Когда я думаю о гармонии первая картина, которая приходит на ум — полотно Клода Моне «Водяные лилии»

Клод Моне «Водяные лилии», 1916

Ниже приведены и другие примеры гармонии в искусстве.

Гармония цвета

В картинах, в которых присутствует гармония цвета, представлено ограниченное количество цветовых оттенков и цветовой палитры. Например, картина, в которой используются разные оттенки синего или зеленого цвета. В творении Пабло Пикассо «Старый гитарист» используются скучные синие тона. Даже оранжевая гитара окрашена в мягкий оттенок синего цвета.

Пабло Пикассо «Старый гитарист», 1904

Картины Моне ниже иллюстрируют гармонию в основном синего и зеленого цветов.

Клод Моне «Японский мост», 1899

В произведении Джона Сингера Сарджента «Рыбачка» можно увидеть как гармонично сочетаются оранжевый и коричневый оттенки при иллюстрации ландшафта и рыбачки. Ее платье почти сливается с побережьем.

Джон Сингер Сарджент «Рыбачка», 1913

Гармония формы

Форма — отличительная особенность в произведениях Поля Сезанна. Картина, представленная ниже из серии картин «Гора Сент-Виктуар», объединяет в себе неподвижные геометрические фигуры.

Поль Сезанн «Гора Сент-Виктуар», 1904-1906

Сочетание света и тени

Можно сделать картину гармоничной при правильном сочетании света и тени. Например, группа светлых оттенков гармонична потому что они все светлые. То же самое можно сказать и о группе картин с темными оттенками.

Два произведения Моне ниже проиллюстрированы в основном в светлых тонах.

Клод Моне «Мост Чаринг-Кросс», 1903 Клод Моне «Мост Чаринг-Кросс», 1899

Попробуйте поупражняться. Нанесите несколько цветов на цветовую палитру. Затем постепенно добавляйте белый цвет к каждому из ранее нарисованных. Наблюдайте за тем, как в цветах начинает отражаться гармония.

Картина ниже художника Хоакина Сорольи, с другой стороны, проиллюстрирована в темных тонах кроме проблеска света посередине.

Хоакин Соролья «Упаковка изюма», 1901

Картина Сарджента « Валле-д’Аоста» отражает как светлые, так и темные тона.

Джон Сингер Сарджент «Валле-д’Аоста», Италия, 1910

Гармония картин, написанных кистью

Непоследовательное рисование кистью — одно из причин нехватки гармонии в картинах. Новички перепрыгивают в написании картин от сдержанных к свободным и несвязанным тонам.

В произведении Сорольи присутствуют свободные тона на протяжении всей работы.

Хоакин Соролья «Скалы и белая лодка», 1905

Гармония стиля

Говоря о гармонии стиля, стоит упомянуть Винсента Ван Гога. Его картины написаны размашистыми мазками.

Винсент Ван Гог «Оливковые деревья под желтым небом» и «Ноябрьское солнце», 1889

Ниже представлен другой пример гармонии стиля Жоржа Сёра. Он писал картины в стиле пуантилизма — крошечные отчетливые мазки для изображения формы.

Жорж Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», 1884

Гармония субъектов

Гармония субъектов обычно строится на оживленных сценах как на полотне Пьера Огюста Ренуара, на котором гармонично сочетаются зонты и другие синие формы.

Пьер Огюст Ренуар «Зонты», 1886

Водяные лилии Моне являются другим примером. Большое количество лилий представляет собой художественную гармонию.

Клод Моне «Водяные лилии», 1905

Спасибо вам за прочтение статьи.

А как вы относитесь к живописи?

Вас также могут заинтересовать следующие статьи:

Действие и созерцание согласно взглядам Аристотеля

Как улучшить концентрацию и внимательность на работе. Часть 2

Медитация «Пробуждение внутреннего огня». Женская сила

Подписывайтесь на канал и оставляйте ваши комментарии.

Теория гармонии (гармоничных систем)

Теория гармонии

1. Л. Н. Миронова (из монографии «Учение о цвете»)
2. Теория гармонии

«Блаженна страсть к гармонии, Рамон…» (Уоллес Стивенс)

Понятие гармонии невозможно определить в нескольких словах. Более или менее полно раскрывается оно в системе категорий, составляющих это понятие.

Первый признак гармонии —

cогласованность, связанность, единство всех элементов, входящих в гармоничную систему Так, наш мир в целом гармоничен, потому что создан единым Творцом по единому плану. Все вещи мира родственны. Эта мысль звучит в памятниках самых древних культур.

Един огонь, многоразлично возжигаемый,

Едино Солнце, всепроникающее,
Едина заря, всё освещающая,
И едино то, что стало всем этим. (Ригведа, VIII, 58)

Из китайского трактата Хуайнаньцзы:

То, что покрывается небом, что поддерживается
землей, обнимается шестью сторонами света,
что живет дыханием инь и ян, что увлажняется
дождем и росой, что опирается на дао и благо-
всё это рождено от одного отца и одной матери,
вскормлено одной гармонией. (Лу Ань, 2-й в. до н.э)

В Древней Греции первоначальный смысл понятия «гармония» был аналогичен понятию «музыка», а в строительном деле этот термин обозначал особо прочный способ кладки камней в стене (Павсаний), а также гармониями называли скрепы или гвозди, которыми сбивали корабли (Гомер). В античной философии категория Единого занимает обширное место. Назовем здесь Парменида, Платона, Синезия, Плотина, Марка Аврелия, Боэция…

Второй признак гармонии —

единство и борьба противоположных начал, контрасты Это отражено в мифологии Древней Греции: Гармонией называлась дочь Афродиты и Ареса — богини любви и бога войны. Пифагореец Филолай утверждает: Гармония… возникает из противоположностей. Ибо гармония есть соединение разнообразной смеси и согласие разнообразного.

Великий диалектик Гераклит находит источник гармонии мира: это Логос, создающий сущее из противоположных стремлений, устроивший всё через всё. Ещё одно изречение Гераклита: Расходящееся сходится, и из различного образуется прекраснейшая гармония, и всё возникает через вражду.

В эстетике средневековой Европы контрасты обостряются, становятся непримиримыми. Божественное и демоническое, добро и зло, свет и тьма вступают в конфликт, не зная примиряющей середины.

Пророк Исайя гремит проклятиями: — Горе тем, которые зло называют добром, и добро злом, тьму почитают светом, и свет тьмою, горькое почитают сладким, и сладкое горьким! (Ис. 5;20)

Однако, все эти контрасты исходят от Бога: Я образую свет и творю тьму, делаю мир и произвожу бедствия; Я, Господь, делаю всё это. (Ис. 45:7,11) Средневековое мышление антиномично, то есть всякому понятию противопоставляется другое, контрастное понятие, потому и в изобразительном искусстве средневековья мы видим напряженные контрасты: темное и светлое, красное и зеленое, золотое и синее.

Художники эпохи Возрождения также признавали одной из основ гармонии полярные противопоставления (контрасты), но эта эпоха понимает третий признак гармонии, а именно категорию меры, не так, как Средневековье. Приведем для убедительности выдержку из «Книги о живописи» Леонардо да Винчи:
Прими во внимание, что если ты хочешь сделать превосходнейшую темноту, то придай ей для сравнения превосходнейшую белизну, и совершенно так же превосходнейшую белизну сопоставляй с величайшей темнотою. Бледно-синий заставит казаться красный более огненно-красным, чем он кажется сам по себе в сравнении с пурпуром… Зеленый красному и красный зеленому… взаимно придают прелесть.

Третий признак гармонии —

мера В традиционной классической эстетике, восходящей к античности, категория меры занимает одно из важнейших мест. Дружный хор поэтов, философов, ученых воспевает умеренность и «золотую середину» во всём: в трудах, чувствах, искусствах. Поэт Феогнид поучает своего сына:

Кирн, ни в чём не усердствуй. Во всём выбирай середину.
Тот же увидишь успех, что и трудясь тяжело.
Лучше всего человеку не быть чрезмерно богатым,
Лучше всего для него бедности крайней не знать.

В эпиграмме неизвестного автора «Семь мудрецов» запечатлены их главные речения:

Семь мудрецов называю — их родину, имя, реченье:

«Мера важнее всего»,— Клеобул говаривал Линдский;
Сдерживать гнев увещал Периандр, уроженец Коринфа.
«Лишку ни в чём!»— поговорка была митиленца Питтака…

Великий мудрец Пифагор наставляет своих учеников:

Соблюдай меру в пище, питье, гимнастике.
Не будь расточителем и скрягой.
Обуздывай чрево, сон, похоть, гнев…

Платон и Аристотель связывают понятие меры с человеческой психикой, со способностью человека к восприятию различных ощущений. То, что выше или ниже определенной меры, не ощущается как гармоничное. Только сомасштабное человеку, посильное для него и соразмерное гармонично. Аристотель в трактате «О душе» ясно сформулировал эту закономерность:
Каждое превышение меры разрушает слух, — как чрезмерность высоких, так и низких тонов; также излишества во вкусовых качествах разрушают вкус, и слишком яркое и темное в цветах пагубно действует на зрение… ведь ощущение есть отношение, чрезмерности же причиняют неудовольствие или действуют разрушающе.

Четвертый признак гармонии —

пропорциональность. Гармоничная система всегда составлена из двух или более элементов, между которыми должно быть определенное количественное отношение, или пропорция. Пифагор признает началами всех вещей «числа и заключающиеся в них соразмерности, которые он называет также гармониями»… (Аэций 13,8). Древнеримский теоретик архитектуры писал: Ни один храм не может строиться без учета соразмерности и пропорциональности, без того, чтобы он не имел точного соотношения частей, подобно соотношению частей тела у хорошо сложенного человека.

Любимой пропорцией в античности и в классическом искусстве последующих веков было «золотое сечение», выражаемое иррациопальным числом «фи», равным 0,618. Говоря описательно, чтобы разделить отрезок С в «золотой пропорции», нужно, чтобы его часть А относилась к части В, как В относится к С. Более грубое приближение к этой пропорции можно получить отношениями 3:5, 5:8, 8:13.

В колористической системе размеры цветовых пятен обратно пропорциональны их эффективной яркости. Чем светлее и ярче пятно, тем меньшую площадь оно занимает в гармоничной композиции.

Пропорция, наряду с другими компонентами гармонии, является предметом размышлений средневековых философов. Вот вывод Фомы Аквинского (ХIII в.):
… В понятие прекрасного … или красоты входят ясность и должная пропорция… Вот почему красота тела заключается в том, что у человека члены тела хорошо спропорционированы , вместе с тем имея ясность должного цвета.

Пятый признак гармонии —

равновесие Гармоничная композиция всегда уравновешена, устойчива. Идеальное состояние уравновешенности дает симметрия.

Понятие симметрии усвоено нами из природы. Законы природы построены на симметрии противоположных (или подобных) начал: плюс и минус, позитрон и электрон, жизнь и смерть, лето и зима, и т.д. Сам человек устроен симметрично, поэтому всё симметричное он воспринимает как нормальное и позитивное. В древности и средневековье была замечена родственность и взаимные превращения симметричных начал. Платон утверждал, что если существуют две какие-либо противоположности, то одна возникает из другой: живое из мертвого, мертвое из живого, прекрасное из безобразного, легкое из тяжелого и т.д. (Федон)

Экклезиаст предопределяет антиномиям равную судьбу, то есть намекает на их тождество: Всему и всем — одно: одна участь праведнику и нечестивому, доброму и злому, чистому и нечистому, приносящему жертву и не приносящему жертвы… (Эккл. 9;2)

В сопоставлениях симметричных частей познаётся природа вещей. Гуго сен-Викторский: Если присоединишь подобное к подобному, одинаковость частей обнаружит превосходство той и другой части. Если же ты сопоставишь несходное, то более явным станет отличие каждого… Сопоставь белое с черным, мудреца с глупцом, гордого со смиренным, зло с добром и тогда,… к каждому виду словно присоединится подлинное содержание его собственной природы.

В классической архитектуре симметрия обязательна; в живописи или скульптуре её избегают, заменяя «живым» равновесием. Так, на картине светлые или темные пятна слева уравновешиваются такими же пятнами справа; фигуры, тела, предметы, цветовые пятна располагаются по такому же принципу. Закон уравновешивания по вертикали несколько иной: здесь художник-реалист следует натурным прототипам, а высоту картины делит в отношениях золотого сечения или простых целочисленных пропорциях.

Шестой признак гармонии —

ясность, легкость восприятия Классическому стилю во всех его проявлениях присуща рациональность и ясность-неотъемлемые признаки гармонии. Всё рациональное ясно, то есть легко воспринимается человеческим разумом и чувствами. Рациональное — это логичное, упорядоченное, организованное. Античные философы именно так представляли себе Космос: он расчислен, размерен, умопостигаем, закономерно «разгорается и угасает». Здесь главный бог — это Логос (слово, смысл). Он враждебен всему темному, смутному, мистическому, хаотичному.

Логичность системы, очевидность закона её строения, ясность постижения-существенные признаки гармонии.

Седьмой признак гармонии —

уместность, соответствие, природосообразность Природа,как было сказано, это свойство Вселенной в целом. Любая часть природы гармонично сочетается со всеми остальными, составляя систему. Гармоничное произведение искусства — это также система, в которой каждый элемент родствен другим, каждый на своем месте, и если заменить его другим — это нарушит гармонию. Так, например, апокалиптическая саранча — страшное чудовище, лишенное и красоты, и гармонии:
По виду своему саранча была подобна коням, приготовленным на войну; … И волосы у ней — как волосы у женщин, а зубы у ней были, как у львов; … У ней были хвосты, как у скорпионов, и в хвостах ее были жала… (Откр. 9:7,8,10)

Мы судим об уместности частей композиции при помощи сравнения данной системы с какой-либо природной. Даже в абстрактной живописи В. Кандинского сам художник усматривал картины космических катаклизмов, «грохочущее столкновение миров». И хотя эта живопись далека от классической традиции, мы чувствуем её гармоничность.

Св. Августин Блаженный (IV — V в.) точно и кратко определяет категорию соответственного в связи с категорией прекрасного (это восьмой признак гармонии):
Прекрасное рассматривается и одобряется само в себе; ему противоположно постыдное и безобразное. Соответственное же, которому противоположно нелепое, как бы связанное, зависит от другого, и о нем судят не по нему самому, а по тому, с чем оно связано.

В сочинении «Об истинной религии» Августин продолжает эту мысль: Во всех искусствах нравится соответствие, только благодаря которому всё целостно и прекрасно…

Восьмой признак гармонии —

прекрасное Определить прекрасное так же трудно, как гармонию. В диалоге Платона «Пир» одна из участников пира мудрая Диотима определяет прекрасное апофатическим способом: оно не возникает, не уничтожается, не увеличивается, не убывает, оно прекрасно везде и всегда, существует вечно, не является в виде какого-либо облика, или речи, или науки, на земле, на небе или в каком-нибудь предмете, оно единообразно с собою и ни в чем не испытывает страдания.

В диалоге Платона «Гиппий Больший» философ Сократ еще более подробно обсуждает проблему прекрасного с известным софистом, но длительная дискуссия не приводит ни к какому результату. Сократ с присущей ему честностью и мужеством признаётся, что определение прекрасного очень трудно: Кажется, я узнал, что значит пословица «прекрасное-трудно».

Добавим к этому слова Августина: Разве любим мы что-либо иное, кроме прекрасного?

Девятый признак гармонии —

возвышенное Гармоничное искусство создает естественные, природосообразные формы, но не копирует их с натуры. Формы и краски гармоничного искусства облагорожены, возвышены над природными прототипами, приведены в соответствие с идеалом прекрасного. Иными словами, в гармонии всегда ощущается божественное начало, слышатся звуки лиры Аполлона, гимнов Орфея. Возвышенное — это то, что создано при содействии муз, ангелов, Бога.

Десятый признак гармонии —

совершенство Скажем о нем совсем кратко: совершенное произведение — это такое, в котором нет никакого недостатка и никакого избытка — ни прибавить, ни убавить. Этим критерием измерялась гармоничность произведений искусства как в античности, так и во все последующие времена во всех классических стилях.

Неясность, несоразмерность, нагромождение деталей, дикая экспрессия, необузданная фантазия, хаос и разобщённость — признаки, выводящие произведение искусства за грань классического и гармоничного.

Что такое гармония в искусстве и как ее добиться?

Визуальный оазис сбалансированного цвета, формы и формы

Думайте об элементах искусства как о своем сырье, а принципы искусства — это то, как вы их лепите и формируете. Именно здесь стиль художника управляет веществами, которые он или она предпочитают использовать. Ритм, гармония в искусстве, баланс, контраст, движение, пропорции и разнообразие — все принципы искусства, которые можно использовать по отдельности или вместе друг с другом.

Круглые формы Роберта Делоне, 1930

Гармония в искусстве в целом достигается, когда элементы произведения искусства соединяются единым образом.Некоторые элементы могут повторяться, но они все равно выглядят и ощущаются так, как будто они поддаются целому. Гармония — это определенно не однообразие, но и не хаос. Это идеальное сочетание двух.

Гармония передается несколькими способами. Вы можете достичь гармонии в искусстве, используя цвет в качестве средства передвижения, а также нанесенные вами отметки и формы, которые вы рисуете.

Купальщицы в Аньер, Жорж Сёра, 1884

Цветовая гармония в искусстве

Сила и привлекательность цвета — вот что впервые привлекает многих художников к мольберту.Но с цветом есть свои сложности. Существует несколько цветовых теорий о создании гармоничного цвета.

Один из них — использование дополнительных цветов. Другой — использование дополнительных дополнительных элементов, в которых используется цвет боковых сторон дополнительного элемента. Например: желтый с сине-пурпурным и пурпурно-красным. Другие художники создают гармонию в искусстве с помощью аналогичных цветовых схем, в которых цвета находятся в непосредственной близости друг от друга (в отличие от противоположных) на цветовом круге.

Greee, Джеймс Кэрролл Беквит, 1887,

Еще один способ обеспечить гармонию цвета — это помнить, что ценность почти более важна, чем цвет. Независимо от того, используются ли они тонко или смело, цвета в картине должны иметь общие отношения, и это часто устанавливается через схожие цветовые значения. В противном случае они выглядят неестественно.

Цветовые ассоциации также могут использоваться для достижения визуальной гармонии. Определенный предмет или место (или время суток) могут иметь цветовые ассоциации. Зритель почти инстинктивно примет их, если не будет принимать их как должное. Но, в конце концов, отношениями или гармонией цвета управляете вы, художник, в первую очередь, со всеми этими возможностями в вашем распоряжении.

Бланки и знаки

Эксперименты с формами и узорами — ключ к успеху любого художника. Описание форм и нанесение гармоничных знаков часто связано с учетом того, как видит сам глаз. Например, направление вашего взгляда означает, что одни вещи становятся в фокусе, а другие размыты и расплывчаты. Человеческий глаз не видит сразу все в деталях.

Входная дверь Кристиана Рольфса, 1882

Художники часто преследуют это явление с помощью гармонии краев, как утраченных, так и найденных, твердых и мягких, вместо того, чтобы полагаться на такие точные, однородно очерченные линии или формы.

Мягкие края отступают и часто используются для обозначения расстояния или поворота формы. Жесткие края подчеркивают формы, узоры и текстуру. Потерянные края — ключ к оживлению вашей картины. Избыток «найденных» граней приводит вас к гиперреализму — привлекательному стилю искусства сам по себе, но определенно нереалистичному.

Формы и пропорции

Формы со схожими характеристиками визуально воспринимаются как гармоничные. Он вводит контрастные формы, которые приводят к визуальному разногласию: например, зазубренные линии на фоне кривых.

Пропорция — это немного другой случай. Одинаковые размеры, повторяющиеся на картине, могут быть слишком похожи для истинной гармонии. Вместо этого формы, которые различаются по форме на постоянные соотношения, обеспечивают хороший баланс.

Прачки в Этрете, Феликс Валлотон, 1899

Последнее слово гармонии в искусстве?

Выбор за вами! В конце концов, гармония — это эстетический ответ, который у всех разный.Стратегии, которые мы вам дали, безусловно, поддаются гармонии, но в конечном итоге восприятие уникально, так что делайте то, что кажется вам гармоничным, художники!

Если вам нужен художественный гид, который поможет вам на этом пути, вы не могли бы выбрать никого лучше, чем художников, включенных в Pure Pastel . Гармония вездесуща и уникальна в каждой картине этой коллекции! Получите эту великолепную книгу и наслаждайтесь!

Единство, гармония и разнообразие — принципы искусства

По сравнению с элементами искусства, принципы искусства сложнее понять.Форма, например, очевидно отличается от цвета. Форма и цвет — это элементы искусства. Человек без художественного образования сразу распознал бы, чем формы отличаются от цветов.

Тем не менее, тот же самый человек может изо всех сил пытаться выразить словами различия между некоторыми принципами искусства. На ум приходят два конкретных принципа — unity и harmony . Принципы искусства могут создать ощущение произведения искусства, а чувства трудно выразить количественно.

В этой статье исследуются три принципа искусства. Эти три принципа лучше всего понимать как группу, поскольку они связаны. Первые два, упомянутые ранее, — это гармония и единство. Третий вид называется разновидностью .

Гармония и разнообразие в искусстве

Гармония

Гармония — это принцип искусства, который создает связность, подчеркивая сходство отдельных, но связанных частей.

Следует отметить, что гармония — это не то же самое, что единство.Однако гармония усиливает единство в произведении искусства. В частности, гармония использует элементы искусства (цвет, линия, форма, форма, значение, пространство, текстура) как средство для создания чувства единства между отдельными частями.

Набор из цветов , связанных по определенной схеме, создает гармонию.

Точно так же однородная текстура мазков кисти по поверхности холста создает гармонию.

Еще один способ гарантировать гармонию — выбрать составные компоненты, похожие по форме и контуру.Например, композиция, в которой используются только пышные формы, будет иметь больше гармонии, чем аналогичная композиция, включающая как пышные, так и геометрические формы. Части изображения ниже гармонично сочетаются, потому что каждый контур представляет собой кривую.

Даже ограниченный диапазон ценностей может способствовать гармонии в произведении искусства.

Разновидность

Для многих людей выполнение одного и того же задания или повторение одного и того же распорядка снова и снова приводит к скуке. Вот почему отпуск — такое удовольствие.Отпуск — это нарушение повседневной жизни. Некоторые люди в отпуске активны, а другие вообще ничего не делают. Одно можно сказать наверняка — отпуск выглядит иначе, чем рутина, которую он прерывает. Отпуск — это отмеренная доза разнообразия в жизни человека. Искусство тоже нуждается в разнообразии.

Скучно вся гармония и никакого разнообразия. Один из моих любимых профессоров говорил: «Разнообразие — пряность жизни». Он не был тренером по жизни. Он говорил об искусстве.

Разнообразие — это принцип искусства, который добавляет интереса к произведению искусства.

Разнообразие работает через сопоставление и контраст. Когда художник размещает различные визуальные элементы рядом друг с другом, он / она использует разнообразие. Прямые линии рядом с изогнутыми линиями добавляют разнообразия. Органические формы среди геометрических добавляют разнообразия. Яркие цвета рядом с тусклыми цветами добавляют разнообразия.

Примечание: если художник использует разнообразие, чтобы привлечь внимание зрителей к определенной области композиции, тогда разнообразие превращается в акцент, что также является принципом искусства. Принципы искусства перетекают друг в друга.Они перекрываются.

Гармония и разнообразие на самом деле являются противоположными выражениями одной туманной концепции. Подчеркнуть одно — значит приуменьшить значение другого. Гармония и разнообразие играют перетягивание каната в композиции. Слишком много гармонии скучно, а слишком много разнообразия бесцельно и непонятно.

Посмотрите на изображение ниже. Налицо и гармония, и разнообразие. Оранжевые квадраты и окружающая их синяя сетка гармонируют как по цвету, так и по форме. Круглая форма искаженных квадратов добавляет разнообразия.Мяч нарушает однообразие квадратов и добавляет интереса.

Единство

Единство — это принцип искусства, который придает произведению искусства ощущение «единства». Единство и гармония похожи, но единство шире. Есть множество способов создать единство в искусстве. Некоторые из этих способов присущи индивидуальному стилю художника.

Unity — это совместная работа отдельных частей. Мы можем лучше понять единство, подумав о машине. Автомобиль предназначен для перевозки.Когда многие части автомобиля работают вместе, он движется. Никакая часть машины, отделенная от целого, не может обеспечить транспортировку. Когда машина функционирует должным образом, части работают вместе как единое целое.

Подобно гармонии и разнообразию, единство поначалу непросто понять. В отличие от элементов искусства, единство — это впечатление — ощущение, которое произведение искусства передает зрителю.

Можно представить себе уединенную фигуру и удержать ее в уме. Однако нельзя просто вообразить единство и удерживать это понятие в уме.Мы должны оценивать единство, глядя и анализируя. Следовательно, развитие единства в произведениях искусства требует, чтобы художник обращал внимание на его развитие на протяжении всего процесса создания.

Вот несколько проверенных методов, обеспечивающих унифицированный состав…

• Простота
• повторение
• близость

Давайте подробнее рассмотрим каждый из этих методов…

Простота — Простота означает намеренное уменьшение количества потенциального разнообразия.Например, рисунок графитным карандашом, скорее всего, покажет некоторую степень единства, учитывая отсутствие цвета. За счет исключения цвета изображение становится проще, чем могло бы быть, если бы был введен цвет.

Лично мне больше всего нравится рисовать штриховкой только с прямыми линиями. Прямые линии менее сложны, чем криволинейные, и объединят композицию.

Посмотрите на изображение ниже. Простота шрифта и отсутствие цвета упрощают исходный образец.Большая часть визуальной информации была намеренно опущена. В результате получается единый образ.

Повторение — Повторение в композиции гарантирует ощущение единства. Тесселяция — очевидный пример того, как повторение объединяет композицию. Тесселяция — это расположение фигур, которые соединяются в повторяющийся узор без промежутков.

Повторение также может объединить целую серию произведений искусства, например группу картин. Определенная форма, объект или текстура, которые повторяются в группе картин, действуют как мотив, помогая каждой картине почувствовать себя частью большего целого.

Близость — Близость означает близость различных компонентов в произведении искусства. Помещая части близко друг к другу, разум может видеть части как одну вещь, как массу.

Негативное пространство — это пространство между элементами в произведении искусства. Это может относиться к «пустым пространствам» на рисунке или картине. Чем более ограничено негативное пространство, тем более единообразными могут казаться области композиции.

Приведенная ниже мозаика зависит как от повторения, так и от близости, в результате чего получается очень унифицированное изображение.Из-за полного отсутствия отрицательного пространства повторяющиеся формы птиц кажутся одним узором.

Больше уроков, которые вам обязательно понравятся…

Сообщение навигации

Принцип гармонии дизайна | Джон Ловетт Дизайн

Harmony — это визуально удовлетворительный эффект объединения похожих или связанных элементов.

• Смежные цвета

• Подобные формы

• Связанные текстуры

Гармония в картине или дизайне способствует единству. Однако всякая гармония и отсутствие контраста могут стать однообразными. Необходимо соблюдать баланс между областями гармонии и областями контраста.

На приведенной ниже картине гармоничные повторяющиеся прямоугольники смягчены контрастирующими круглыми формами горшков и цветов. Общую гармонию теплых цветов смягчают прохладные зеленые ставни. Группировка подчиненных, контрастирующих органических форм усиливает фокус.

Открытые ставни — Джон Ловетт, 2006.Смешанная техника на бумаге Arches плотностью 300 г / м2

Сохраняя контрастную область меньше, чем большая гармоничная область, которую нужно смягчить, достигается визуально удовлетворительный баланс. Обычно лучше преуменьшать — иногда достаточно лишь крошечной контрастной отметки.

Ограниченная палитра сохранит тесную цветовую гармонию. Тогда тональный контраст становится главным инструментом для выделения фокуса.

В этой картине смешанной техники ниже ограниченная палитра обеспечивает плотную цветовую гармонию. Сильный тональный контраст в верхней правой части обуви и выступающие потертые шнурки создают нецентральную точку фокусировки, нарушая симметрию объекта.

One Shoe Off — John Lovett 2003, смешанная техника, бумага Arches 300 г / м2.

Здания Renzo Piano демонстрируют гармонию между формой и окружающей средой. В его здании Международной выставки Колумбуса в Генуе, Италия, используются конструкции парусов и замысловатые гики, которые отдают дань уважения истории древнего морского порта, на котором оно расположено.

Ренцо Пиано, Международная выставка Колумбуса, 1985-1992 гг. Генуя, Италия

Архитектор Джон Никоулз спроектировал Центр для посетителей Кариджини с учетом погодных условий в северо-западной Австралии. Большая часть здания построена из тяжелых сварных стальных панелей. Они промыты кислотой до ржавчины, повторяя обнажения железной руды в окружающей стране.

Здание Nicholes связано не только с окружающим ландшафтом, но и с верованиями традиционных владельцев земли. План здания представляет собой абстракцию с изображением вороны, важного символа для хранителей земли.

Nicholes работал с традиционными владельцами, чтобы разработать внутреннюю планировку в соответствии с их убеждениями относительно важности символических зон на рогах. Таким образом, помимо визуальной гармонии с ландшафтом, здание обладает культурной гармонией с традиционными верованиями.

John Nicholes — Центр посетителей национального парка Кариджини, Западная Австралия

Принципы гармонии и контраста кажутся полностью противоречащими друг другу, но именно баланс между ними жизненно важен для успеха любого произведения искусства.

Автор: Джон Ловетт

примеров единства в искусстве с использованием формы, формы, линии, цвета и т. Д.

В этом посте из серии статей об элементах и ​​принципах искусства на Art Class Curator вы можете увидеть различные примеры единства в искусстве. От гармонии формы до единства с использованием текстуры — найдите все свое единство в произведениях искусства в одном месте!

Единство в искусстве

Единство (также называемое гармонией) — важный принцип дизайна, который придает произведениям искусства ощущение сплоченности или согласованности.Это целостность или завершенность картины. Единство и гармония в искусстве используются художниками для того, чтобы связать композицию воедино и сделать композицию осмысленной как целое произведение искусства.

Принципы дизайна — это способы организации элементов искусства (линии, формы, цвета, формы, пространства, значения, текстуры) для создания широкого спектра эффектов. Чтобы создать единство или гармонию в искусстве, художники расставляют похожие компоненты и элементы искусства, чтобы создать последовательность. Единство или гармонию можно также создать, объединив форму и значение произведения искусства.

Единство и разнообразие в искусстве часто обсуждают вместе, потому что в конечном итоге произведение искусства должно содержать как единство, так и разнообразие, чтобы быть успешным произведением искусства, и между ними должен быть баланс.

«Сущность прекрасного — единство в разнообразии». — Уильям Сомерсет Моэм

Unity может быть очень тонким, когда все сделано хорошо. Унифицированное произведение искусства будет выглядеть правильно, завершено и приятно. Принципы художественного единства — это не обязательно просто повторение одного и того же элемента снова и снова, но это приятное сочетание элементов для создания общей картины.

Фернандо Ботеро, Музыканты, 1991

Ботеро создает единство в The Musicians с помощью формы, формы, цвета, линий и пространства.

Загрузите бесплатный пакет для печати «Элементы и принципы»

Этот набор печатных форм был разработан для использования в вашем классе различными способами при обучении элементам и принципам искусства. Вы можете распечатать и повесить в классе в виде плакатов / якорных диаграмм или вырезать каждый элемент и принцип искусства на отдельной карточке, чтобы использовать ее в качестве урока.

Бесплатный ресурс!

Набор для печати Elements & Principles

Элементы и принципы искусства — основа любого произведения искусства, но обучение им может оказаться утомительным занятием. Разбудите своих учеников и увлеките их полноцветными иллюстрациями, простыми для понимания определениями и наводящими на размышления вопросами более высокого уровня. Этот универсальный ресурс можно повесить в классе или использовать в качестве художественного инструмента.

Бесплатный ресурс!

Набор для печати Elements & Principles

Элементы и принципы искусства — основа любого произведения искусства, но обучение им может оказаться утомительным занятием.Разбудите своих учеников и увлеките их полноцветными иллюстрациями, простыми для понимания определениями и наводящими на размышления вопросами более высокого уровня. Этот универсальный ресурс можно повесить в классе или использовать в качестве художественного инструмента.

Примеры единства в искусстве с использованием формы / формы

• Густав Климт, Поцелуй , 1907–08
• Василий Кандинский, Круги по кругу , 1923
• Гюстав Кайботт, Фрукты на подставке , 1881
• Пит Мондриан, Бродвей Буги-вуги , 1942
• Сальвадор Дали, Галатея Сфер , 1952

• Каспар Давид Фридрих, Этапы жизни (пляжная фотография, пляж в Вик) , ок.1834
• Кара Уокер, Восстание! (Наши инструменты были рудиментарными, но мы над ними работали) , 2000
• Рене Магритт, Голконда , 1953
• Georges Seurat, A Sunday on La Grande Jette , 1884

Примеры единства в искусстве с использованием цвета

Примеры единства в искусстве с использованием текстуры

Примеры единства в искусстве с использованием линии

• Бен Шан, Супермаркет , 1957
• Обри Бердсли, Юбка-павлин , 1893
• Джон Сингер Сарджент, Белые корабли , около 1908 года
• Пабло Пикассо, Танец молодежи , 1961
• Марсель Дюшан, Обнаженная спускающаяся лестница , 1912
• Хосе Диего Мария Ривера, Сахарный тростник , 1931 год

Примеры единства в искусстве с использованием стиля

• Эдвард Мунк, Крик , 1893
• Рой Лихтенштейн, Взрыв с 9 , 1967
• Кейт Харинг, Без названия , 1988
• Поль Сезанн, Мон-Сент-Виктуар , 1904-06
• Шэнь Чжоу, Возвращение с тысячи ли , ок. 1480
• Винсент Ван Гог, Пшеничное поле с воронами , 1890
• Wayne Thiebaud, Банки с краской , 1990

Примеры единства в искусстве с использованием архитектуры

Ресурсы, связанные с принципами Art Unity

Учебный комплект «Элементы и принципы»

Этот необычный комплект включает лучшие ресурсы для обучения каждому из элементов и принципов — 37 листов / раздаточных материалов, 15 уроков (с соответствующими баллами PowerPoints и раздаточными материалами), 3 готовых упражнения по анализу искусства, 3 видео по анализу искусства и 13 элементов и основные статьи в формате PDF.

Вот и все! Лучшие образцы единства в искусстве для ваших элементов и принципов уроков искусства. Хотите больше элементов и принципов ресурсов для учителей рисования? Ознакомьтесь с сообщениями ниже.

Unity / Harmony

Я постараюсь не преувеличивать это, но, помимо визуальной иерархии, единство, вероятно, является наиболее важным принципом, к которому вы можете стремиться в своих композициях . .. или веб-сайтах, макетах, книгах, фильмах, видео, танцах, песнях, скульптурах , или любой другой визуальной средой, в которой вы работаете.

В изобразительном искусстве единство может быть достигнуто через близость, повторение и узор, продолжение, сходство и / или ритм элементов в композиции. На изображении выше нет единого цвета. Скорее, все формы имеют единую форму и масштаб. Это, в сочетании с их пирамидальным расположением, заставляет наш мозг полагать, что все они принадлежат одной и той же общей конструкции. На самом деле это не так, но наш мозг эволюционировал и с самого рождения был обучен видеть общие конструкции и закономерности.Это происходит не только с формами и цветами: это происходит со снами, с историями, с последовательностями изображений, со звуками, со словами … это происходит везде и всегда.

Гармония

Гармония очень тесно связана с единством и является своего рода единством. Гармония подобна состоянию бытия, достигаемому, когда элементы композиции каким-то образом объединены друг с другом, но эти элементы также дополняют уникальные атрибуты друг друга.

Вы можете увидеть гармонию на изображении выше.Несомненно, существует общее единство, поскольку все группы разноцветных шестиугольников образуют большую «супергруппу», образуя общую пирамидальную форму. Но каждая группа из 3 шестиугольников одинаковой формы и размера также сочетается друг с другом радиальной симметрией и, следовательно, достигает своего рода гармонии. Без этой гармонии между каждой группой общий гештальт или единство пошатнется.

Это не означает, что дисгармония — это плохо или что ее следует избегать. Просто знайте, что это может вызвать чувство разобщенности.Ниже приведены два быстрых примера гармонии и дисгармонии:

сладкая сладкая гармония

плохая гармония …

Повторение для создания гармонии

Как ясно показывают приведенные выше примеры, существует множество способов достичь или нарушить гармонию. Гармония между квадратом и кругом достигается, например, путем тщательного совмещения каждой формы. Однако еще один способ достичь гармонии — это повторение.В приведенных ниже примерах просто путем повторения определенных цветов и форм и целенаправленной компоновки, иначе несвязанные цвета и формы становятся связанными в единое целое:

«Гармония» | Определение на FreeArtDictionary.com

Соглашение; согласие. Объединение или смесь эстетически совместимых компонентов. Композиция гармонична, когда взаимосвязь между ее частями удовлетворяет эстетическим требованиям или является взаимовыгодной. Как принцип дизайна, гармония относится к способу комбинирования элементов искусства, чтобы подчеркнуть их сходство и связать части картины в единое целое.Часто это достигается за счет повторения и простоты. Излишняя гармония приводит к однообразию, скуке. Облегчить это могут элементы контраста; даже диссонанса. В музыке гармония возникает, когда звуки дополняют друг друга, когда они соединяются вместе. Гармония проникла в английский язык с греческого и латыни через французский язык. Латинская гармония означает согласие, соединение, как и суставы рук. Это стало старофранцузским armonie, которое в 14 веке на английском языке появилось как armonye.(пр. HAHR-m & -nee) Цитата: «Гармония состоит из противоположного напряжения, подобного натяжению смычка и лиры». Гераклит (расцвет в 500 г. до н.э.), греческий философ, О Вселенной. «Ритм и гармония проникают во внутренние глубины души». Платон (427–327 до н.э.), греческий философ, Республика, книга III, 40 «Разве вы не знаете, что наша душа состоит из гармонии и что гармония возникает только тогда, когда пропорции вещей видны или слышны одновременно?». Леонардо да Винчи (1452-1519), итальянский художник эпохи Возрождения, инженер, анатом, изобретатель.Блокноты под редакцией И. А. Рихтера, Oxford University Press, 1998, стр. 201. См. Пропорция и Возрождение. «Если бы я мог сделать из вас всех музыкантов, это было бы вам как художникам. Все гармонично в природе, немного слишком много или немного меньше, нарушает масштаб и вызывает диссонанс. Нужно научиться петь верно с карандашом или кистью, так же как с голосом; правильная форма подобна правильному звуку «. Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780-1867), французский художник, консультировал своих учеников в 1864 году.Вальтер Пах, Энгр, 1939. См. Неоклассицизм. «Секрет рисования и моделирования заключается в контрастах и ​​соотношении тонов». Поль Сезанн (1839-1906), французский художник-постимпрессионист, в письме Эмилю Бернару. Поль Козанн, Письма, отредактированный Джоном Ревальдом, 1984. См. Постимпрессионизм. «Искусство — это гармония. Гармония — это аналогия противоположных и подобных элементов тона, цвета и линии, рассматриваемых в соответствии с их доминантами и под влиянием определенного света в веселых, спокойных или грустных сочетаниях.. . . Веселость тона придает светящаяся доминанта; цвета — теплой доминантой; линии, линиями выше горизонтали ». Жорж Сёра (1859–1891), французский художник-неоимпрессионист, в письме к Морису Бобуру, 28 августа 1890 г. Художники в искусстве: с четырнадцатого до двадцатого века, под редакцией Роберт Голдуотер и Марко Тревес, 1945. См. Неоимпрессионизм. Также см. Чадо, сравнение, эвритмию, фэн-шуй, гармоническую последовательность, сопоставление, музыку, узор, ритм, возвышенное, напряжение, единство и разнообразие.

Гармония цветов

Художники используют цветовую гармонию для создания эстетичных шедевров. Это когда цвета хорошо сочетаются друг с другом. Как этого добиться? Мы делаем это с помощью цветовых сочетаний.

Цветовые комбинации — это проверенные и проверенные цвета, которые помогают нам создавать цельные и интересные картины. Художники не просто выбирают случайные цвета, они знают, что выбор цвета сильно влияет на настроение или впечатление от картины. Таким образом, они используют определенные цветовые комбинации, и вы тоже должны.

Но ведь есть разные сочетания цветов! Как выбрать, какой использовать? Прежде чем что-либо начинать, подумайте, какое сообщение вы хотите выразить через свои произведения искусства. Вы хотите произведение искусства, излучающее счастье? Хотите нарисовать безмятежный пейзаж? Может быть, мрачный портрет?

После того, как вы определились, посмотрите, какие комбинации подходят вашему выбору настроения.

ACHROMATIC

Технически это сочетание цветов вообще не использует цвета.Он предполагает использование только черного, белого и разных оттенков серого. Чтобы использовать эту цветовую комбинацию в живописи, мы используем только определенные виды черного, такие как Ivory Black и Lamp Black, или смешиваем наши собственные нейтральные цвета. Кроме того, мы используем воду или белый цвет, чтобы смешивать более светлые оттенки. Эта цветовая комбинация создает монотонные картины, которые дают намек на драматизм или серьезность произведения искусства. Это позволяет художникам использовать другие элементы (например, композицию или контраст) в картине, чтобы быть в центре внимания.

МОНОХРОМАТИЧЕСКИЙ

В монохромной по цветовой гармонии картине используется только один оттенок или цвет и его более светлые или более темные вариации. Это означает, что один цвет используется с разным количеством черного и белого. В приведенном выше примере шкалы и рисунка яблока используются тона и оттенки красного. С этой цветовой комбинацией картина будет иметь небольшой контраст, но обязательно будет иметь очень унифицированный вид.

АНАЛОГОВЫЙ

Используемые цвета: лимонно-желтый, французский киноварь, красный сеннелиер и черный слоновая кость.

В этой цветовой гармонии используются от трех до пяти цветов, которые соседствуют друг с другом в цветовом круге.Это один из самых простых способов рисования, так как он приятен для глаз. По сравнению с ахроматическими и монохроматическими цветовыми схемами это шаг вперед в отношении визуального контраста.

ДОПОЛНИТЕЛЬНАЯ

Используемые цвета: Forest Green и Sennelier Red

Два цвета, противоположные друг другу в цветовом круге, называются «дополнительными» цветами. Эта комбинация дает максимально возможный контраст . При смешивании в палитре получается серый или нейтральный цвет.Многие произведения поп-арта используют эту цветовую схему из-за ее смелости. Это может быть сложно использовать, вы должны быть осторожны с насыщенностью цвета при рисовании, чтобы избежать чрезмерного контраста. Хорошо бы внимательно изучить, какой цвет будет использоваться в качестве основного цвета вашего объекта и фона. На картинке выше красный используется как главная привлекательность картины, тогда как зеленый используется как вспомогательный цвет и фон.

Здесь мы видим, как другие дополнительные комбинации. Посмотрите, как каждый цвет взаимодействует с другим, как на «звезду» произведения.Все цвета на иллюстрации полностью насыщены. Вы можете сделать цвета светлее или темнее, чтобы сбалансировать и гармонизировать их.

СПЛИТ-ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЙ

Используемые цвета: зеленый светлый фтало, красный сеннельер, зеленый лес и синий фтало (для сине-зеленого цвета)

Схема дополнительных цветов с разделением похожа на схему дополнительных цветов, но эта комбинация обычно используется с основным цветом (в данном примере это красный) и двумя третичными цветами (сине-зеленым и желто-зеленым). Эта комбинация позволяет вам исследовать больше цветов одновременно. По мере того, как вы добавляете в картину больше цветов (вместе с их различными оттенками), становится сложнее создать связную работу. Помните, что вы можете смешивать цвета вместе, чтобы создать серые или нейтральные цвета для теней.

TRIAD

Используемые цвета: лимонно-желтый, сеннельский красный, фтало-синий

В этой цветовой комбинации используются три цвета, которые образуют идеальный треугольник в цветовой схеме. Эта комбинация дает более интенсивный эффект.Это хороший выбор, если вы хотите создавать интересные и яркие картины. Попробуйте разные триады цветового круга, чтобы добиться различных визуально ярких гармоний. Не бойтесь использовать и смешивать яркие цвета вместе.

Наконец, не бойтесь раскрасить один объект разными цветами, присутствующими в цветовой комбинации. Поэкспериментируйте и посмотрите, какие комбинации лучше всего подходят для эффекта, который вы хотите передать своей картиной.