Художница рисует женские акварельные портреты, которые покоряют своей нежностью

Чувственные картины Али Кавано.

Американская художница Али Кавано(Ali Cavanaugh) своими работами не просто завораживает, а заставляет всматриваться в каждую чёрточку, каждый штрих её кистей и движение акварели за ней, с помощью которых она старательно изображает не просто черты человеческого лица, но и каждую эмоцию, проплывающую на нём. Её работы трудно назвать обычными: они больше похожи на хаотичную россыпь самых разных, больших и малых пятен краски на влажном холсте, которые после будто по мановению волшебной палочки сплетаются в узоры и абрисы женских тел.

На её картинах красота человеческого лица и тела находит своё ярчайшее отображение. Али не пытается рисовать идеальные очертания и фигуры, она передаёт то, что видит, людей такими, какими они есть, без приукрашивания и без лишних масок и стереотипов, навязанных обществом. Глядя на её полотна, складывается впечатление, что с них снизошли как минимум божественные создания, её персональные акварельные ангелы, сияющие своими чистыми лицами с невинными глазами в обрамлении мягких ресниц и по-детски тонких и чутких черт лица.

Серии её работ напоминают современные фрески, собранные из кусочков разноцветной, блестящей на солнце смальты, тщательным образом подобранной под каждое отдельно взятое полотно. Переплёт нежных, пастельных красок играет с нашим воображением, создавая в нём вереницу мыслей, образов и ощущений какого-то трепета, щемящей нежности, которые не позволяют оторвать взгляда от наполненных энергией светлых картин.

Навсегда. Автор: Ali Cavanaugh.

Взгляд в торону. Автор: Ali Cavanaugh.

Сущность. Автор: Ali Cavanaugh.

Только ты. Автор: Ali Cavanaugh.

Взгляд из-под ресниц. Автор: Ali Cavanaugh.

Этьерра. Автор: Ali Cavanaugh.

Обнимая. Автор: Ali Cavanaugh.

Наблюдая. Автор: Ali Cavanaugh.

Красавицы на картинах русских художников: Боровиковского, Брюллова, Кустодиева и других.

Мы знаем их в лицо и любуемся красотой в расцвете молодости. Но как жили эти женщины дальше, после того, как картина была закончена? Иногда их судьба оказывается удивительной. Вспоминаем с Софьей Багдасаровой.

Сарра Фермор

И.Я. Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. Около 1749–1750. Русский музей

Картина Вишнякова — один из самых прелестных образцов русского рококо и один из самых знаменитых портретов эпохи императрицы Елизаветы Петровны. Особенно эффектен контраст между ребяческой прелестью 10-летней девочки и тем, что она все пытается делать «как взрослая»: принимает правильную позу, держит веер согласно этикету, старательно сохраняет осанку в корсете придворного платья.

Сарра — дочь генерала Виллима Фермора, обрусевшего шотландца на русской службе. Это он взял нам Кёнигсберг и всю Восточную Пруссию, а на гражданской службе после пожара отстроил классицистическую Тверь в том виде, который восхищает нас сейчас. Мать Сарры тоже была из шотландского рода — из Брюсов, причем приходилась племянницей знаменитому Якову Брюсу, «колдуну с Сухаревой башни».

Сарра была выдана замуж по тем временам поздно, в 20 лет, за своего ровесника Якоба Понтуса Стенбока — представителя графской шведской семьи (из нее даже вышла одна шведская королева). Стенбоки к тому времени перебрались в российскую Эстляндию. Супруги жили, скажем прямо, неплохо: достаточно сказать, что это в их дворце в Таллине сейчас размещаются помещения эстонского премьер-министра и зал заседаний правительства. Сарра, по некоторым указаниям, стала матерью девяти детей и скончалась уже при императоре Александре I — то ли в 1805 году, то ли вообще в 1824-м.

Мария Лопухина

В.Л. Боровиковский. Портрет М.И. Лопухиной. 1797. Третьяковская галерея

Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот — самый чарующий. В нем все приемы мастера применены так искусно, что мы и не замечаем, каким именно способом нас околдовывают, как создается очарование этой барышни, которой почти сто лет спустя Яков Полонский посвящал стихи («…но красоту ее Боровиковский спас»).

Лопухиной на портрете 18 лет. Ее непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Но каким на самом деле был ее характер, мы не знаем. При этом Мария, оказывается, была родной сестрой Федора Толстого (Американца), известного своим вызывающим поведением. Удивительно, но если взглянуть на портрет ее брата в молодости (Государственный музей Л.Н. Толстого), то мы увидим ту же вальяжность и расслабленность.

Влюбиться в Третьяковке

Портрет был заказан ее мужем, Степаном Лопухиным, вскоре после свадьбы. Лопухин был старше Марии на 10 лет и происходил из богатого и знатного рода. Через шесть лет после написания картины девушка умерла — от чахотки. Через 10 лет умер и ее муж. Поскольку они были бездетными, картину унаследовала единственная выжившая дочь Федора Толстого, у которой в 1880-х годах ее и купил Третьяков.

Джованнина Пачини

К.П. Брюллов. Всадница. 1832. Третьяковская галерея

«Всадница» Брюллова — блистательный парадный портрет, в котором роскошно все — и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. Русскому академизму есть чем гордиться.

На нем написаны две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованнина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Но имели ли они право на эту фамилию, до сих пор не ясно. Картину Карлу Брюллову — своему многолетнему возлюбленному — заказала их приемная мать, графиня Юлия Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния Скавронских, Литта и Потемкина. Бросив первого мужа, Самойлова уехала жить в Италию, где в ее салоне бывали и Россини, и Беллини. Своих детей у графини не было, хотя она еще дважды выходила замуж, один раз — за молодого и красивого итальянского певца Пери.

Лекция. Археология масонского взгляда: «Последний день Помпеи» Карла Брюллова

По официальной версии, Джованнина и Амацилия были родными сестрами — дочерьми автора оперы «Последний день Помпеи», композитора Джованни Пачини, друга (и, по слухам, возлюбленного) графини. Она забрала их в свой дом после его смерти. Однако, судя по документам, у Пачини была только одна дочь —младшая из девочек. Кто была старшая? Есть версия, что ее вне брака родила сестра того самого тенора Пери, второго мужа Самойловой. А может, у графини с девочкой была и более тесная родственная связь… Недаром «Всадницу» сначала считали портретом самой графини. Повзрослев, Джованнина вышла замуж за австрийского офицера, капитана гусарского полка Людвига Ашбаха, и уехала с ним в Прагу. Самойлова гарантировала ей большое приданое. Однако, поскольку к старости графиня разорилась (ей пришлось выплачивать третьему мужу, французскому аристократу, огромные алименты), обе «дочери» взыскивали со старухи «матери» обещанные деньги через адвоката. Самойлова скончалась в бедности в Париже, дальнейшая же судьба ее воспитанниц неизвестна.

Елизавета Мартынова

К.А. Сомов. Дама в голубом. 1897–1900. Третьяковская галерея

«Дама в голубом» Сомова — один из символов живописи Серебряного века, по выражению искусствоведа Игоря Грабаря — «Джоконда современности». Как и в картинах Борисова-Мусатова, здесь не только наслаждение красотой, но и любование уходящим очарованием помещичьей России.

Читайте также:

Елизавета Мартынова, которая позировала Сомову на портрете, была, видимо, одной из немногочисленных женских симпатий художника. Художник познакомился с ней, дочерью врача, во время учебы в Императорской Академии художеств — она была в числе учеников набора 1890 года, когда женщинам впервые разрешили поступать в это учебное заведение. Удивительно, но произведений самой Мартыновой, кажется, не сохранилось. Однако ее портреты писали не только Сомов, но и Филипп Малявин и Осип Браз. Вместе с ней училась Анна Остроумова-Лебедева, которая в своих мемуарах мимоходом отметила, что, хотя Мартынову писали всегда высокой статной красавицей, на самом деле она была маленького роста. Характер у художницы был эмоциональный, гордый и легкоранимый.

Сомов писал ее несколько раз: в 1893 году акварелью в профиль, через два года — карандашом, а в 1897 году он создал ее небольшой портрет маслом на фоне весеннего пейзажа (Астраханская художественная галерея). Эту же картину он создавал с перерывами три года: из них художник два провел в Париже, а Мартынова для лечения болезни легких на долгое время поселилась в Тироле. Лечение не помогло: примерно через четыре года после окончания полотна она скончалась от чахотки в возрасте около 36 лет. Семьи у нее, видимо, не было

Галина Адеркас

Б.М. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918. Русский музей

Хотя «Купчиха за чаем» Кустодиева написана в послереволюционном 1918 году, для нас она — настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Впрочем, Кустодиев после революции своим любимым сюжетам не изменял: для человека, до конца жизни прикованного к инвалидному креслу, это стало формой эскапизма.

Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Адеркас — натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XIII века. Одна из баронесс фон Адеркас даже была воспитательницей Анны Леопольдовны.

В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода, студентка-первокурсница медицинского факультета. И честно говоря, на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше и не такой внушительной. Изучала она, как говорят, хирургию, но увлечения музыкой увели ее в другую сферу. Обладательница интересного меццо-сопрано, в советские годы Адеркас пела в составе русского хора в Управлении музыкального радиовещания Всесоюзного радиокомитета, участвовала в озвучивании фильмов, но большого успеха не добилась. Вышла замуж она, судя по всему, за некоего Богуславского и, возможно, стала выступать в цирке. В Рукописном отделе Пушкинского Дома даже хранятся рукописные воспоминания за авторством Г.В. Адеркас, озаглавленные «Цирк — это мой мир…». Как сложилась ее судьба в 30-е и 40-е годы — неизвестно.

Любимые женские портреты — Андрей Савин — LiveJournal

Дорогие читательницы моего ЖЖ!
Завтра вы будете принимать поздравления от своих близких, а я поздравлю вас сегодня. Праздничный выпуск рубрики «Любимые художники». Топ-20 самых красивых женщин в мировой живописи. По моему скромному, но вполне себе авторитетному, мнению.

0. Леонардо Да Винчи. «Дама с горностаем» (1496, Музей Чарторыйских, Краков)

Начнём с великого Леонардо. Уж не знаю, особенности это тогдашних вкусов или личные пристрастия художника, но самыми красивыми и женственными у него получались… библейские мужчины. В самом деле, пресловутая Джоконда смотрится мужиковатой на фоне его Иоанна Крестителя, например, или нашумевшего недавно «Спасителя Мира». Кажется на этой особенности Леонардо, даже был основан один из сюжетных ходов «Кода Да Винчи» Дэна Брауна.  А из нарисованных Леонардо женщин самой прекрасной, на мой взгляд, получилась Чечилия Галлерани, которую художник изобразил с горностаем на руках.

Леонардо у нас выступал вне конкурса, а следующие два портрета у меня, пожалуй, самые любимые. Я их уже показывал. Это замечательная девушка в синем тюрбане Вермеера и автопортрет Зинаиды Серебряковой, занятой утренним туалетом.

1. Ян Вермеер. «Девушка с жемчужной серёжкой» (1665, Королевская галерея Маурицхёйс, Гаага)

2. Зинаида Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет» (1909, Третьяковская галерея, Москва)

3. Владимир Боровиковский. «Портрет Марии Ивановны Лопухиной» (1797, Третьяковская галерея, Москва)

Владимир Боровиковский — мастер портрета. Писал он и коронованных особ, и просто знатных. Но, пожалуй, самой живой и красивой у него вышла именно Лопухина.

4. Наталья Гончарова. «Автопортрет с желтыми лилиями» (1907, Третьяковская галерея, Москва)

Королева русского авангарда Наталья Гончарова себя нарисовала как-то скромно и трогательно.

5. Пьер Огюст Ренуар. «Портрет Жанны Самари» (1877, Музей изобразительных искусств им. Пушкина, Москва)

Жанна Самари — молодая актриса, парижская знаменитость. Подобно тому, как нынешние звёзды мелькают на обложках глянцевых журналов, Жанна неоднократно появлялась на картинах Ренуара (да и не только его). Но наверное, глубже всех в историю вошёл этот замечательный и нежный портрет.

6. Абрам Архипов. «Девушка с кувшином» (1927, Третьяковская галерея, Москва)

Кровь с молоком. Характерные для Архипова росплески красок тут очень в тему. И, пожалуй, это самая жизнерадостная участница моего топа.

7. Пабло Пикассо. «Портрет Ольги» (1923, частная коллекция)

Ольга Хохлова, русская балерина, возлюбленная и первая жена Пабло. Пикассо рисовал Ольгу много, и этот портрет, наверное, не самый известный и не самый интересный из всех. Но мне он нравится — грустная и отстранённая…

8. Пабло Пикассо. «Жаклин с цветами» (1954, частная коллекция)

Жаклин Рок — возлюбленная и вторая жена Пабло. Пикассо рисовал Жаклин много (более 400 раз), но это, кажется, первый её портрет. Ну и, конечно, тут более нам привычный Пикассо.

9. Василий Тропинин. «Кружевница» (1823, Третьяковская галерея. Москва)

Классика жанра. Девушка за рукоделием. Пожалуй, лучшая вещь русского портретиста Тропинина.

10. Амедео Модильяни. «Портрет Жанны Эбюртен» (1918, частная коллекция)

Ещё один портрет возлюбленной художника. На этот раз Модильяни — его вытянутые лица ни с кем не спутать.

11. Алексей Веницианов. «Девушка в платке» (Русский музей, Санкт-Петербург)

Платок как-то странно на голове держится, но какие глаза!

12. Жан Оноре Фрагонар. «Читающая девушка» (1770-е, Национальная галерея искусств, Вашингтон)

Фрагонар был большой любитель фривольных сцен, но эту юную особу изобразил за весьма достойным занятием. А какая подушка!

13. Борис Кустодиев. «Купчиха за чаем» (1918, Русский музей, Санкт-Петербург)

Русская провинциальная идиллия. Фирменная кустодиевская купчиха с непременным чаем, арбузом, котом и церквами.

14. Кес Ван Доген. «Женщина в черной шляпе» (1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург)

Стильная, но немного холодная.

15. Доменико Гирландайо. «Портрет девушки» (1490, Лондонская национальная галерея)

Юная девушка из кватроченто. В ярких красных бусиках.

16. Питер Пауль Рубенс. «Потрет камеристки инфанты Изабеллы» (1625, Эрмитаж, Санкт-Петербург)

Мне она почему-то Миледи из фильма про Д’Артаньяна напоминает. Не нашёл с ходу в сети, но я видел карандашный набросок этой картины (ну или не карандашный — чем там Рубенс набрасывал?) — мне кажется, там девушка получилась живее, симпатичнее и не такой надменной, как в окончательной живописной версии.

17. Кузьма Петров-Водкин. «Девушка в сарафане» (1928, Русский музей, Санкт-Петербург)

На мой дилетантский взгляд, Кузьма Сергеич умудрялся органично совмещать в своих картинах стилистику ренессанса, русской иконы и тенденции тогдашнего авангарда. Что ни женщина у него — то Мадонна. И непременно в красном.

18. Роберт Фальк. «Лиза на солнце» (1907, Музей изобразительных искусств, Казань)

А эту нетрудно принять за Моне или Ван Гога. Но нет — это наш соотечественник Роберт Фальк. Очень интересный художник (на самом деле, он совсем не похож ни на Моне, ни на Ван Гога).

Признаюсь, открыл его для себя я совсем недавно — много Фалька висит в новой Третьяковке, куда я ходил во время последней поездки в Москву прошлой осенью. Ну а на картине — жена художника.

19. Джон Эверетт Милле. «Самые милые глаза, которые когда-либо видел» (1881, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург)

Громкое заявление в названии. Оставим его на совести художника. Впрочем, девушка действительно весьма мила. И картина хороша (хоть я и не большой поклонинк Милле и прочих прерафаэлитов).

Ну и, как говорится, last but not least.

20. Энди Уорхол. «Бирюзовая Мэрелин» (1964, частаня коллекция)

Собственно, бирюзовую Мэрелин можно заменить на любую другую — у Энди Уорхола есть Мэрелин на любой вкус и цвет 🙂

За сим откланиваюсь. И ещё раз с праздником!

Самые известные женские портреты в живописи русских художников — «Лермонтов»

Портреты женщин известных русских художников
Самые дорогие картины женщин известных русских художников

Русские живописцы нередко обращались в своих работах к образу женщины. Одни через него выражали самые сокровенные чувства от любви до глубокой печали, другие создавали свой образ русской женщины — хранительницы очага, третьи просто любовались ими. Далее мы рассмотрим наиболее известные женские портреты русских художников и самые дорогие картины с изображением женщин, которые уходили с крупных аукционов.

Портреты женщин известных русских художников

«Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками» Серова

Начнем мы наш список с известных портретов Валентина Серова «Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками». Многих до сих пор интересует, в чем же секрет этих двух картин, которые практически каждый знает и сегодня. Особенно это становится любопытным в свете того, что молодому художнику на момент их создания было немногим больше двадцати лет.

В. Серов. «Девушка, освещенная солнцем». 1888 г.

Один из секретов успеха этих картин кроется в том, что Серов долгое время раздумывал над одной важной особенностью всякого полотна. Он заметил, что реальный момент всегда ярче и живее, чем то, что удается запечатлеть даже самым именитым художникам. И это привело его к поиску такого решения, которое позволило бы запечатлеть именно сам момент во всей его живости и красоте.

Когда однажды в усадьбе Мамонтовых, где он гостил, в столовую вбежала раскрасневшаяся дочка хозяина Вера, взяла персик и стала его есть, художника поразило очарование этого момента. Он немедленно усадил девочку и уговорил ее позировать ему. Но одно дело было запечатлеть в памяти момент с растрепанной румяной девочкой в простом платье, которая только вбежала после уличной игры, а другое месяцами воссоздавать точно такой же эпизод. Работа была непростой, особенно для юной Веры, но Серову все же удалось осуществить задуманное и запечатлеть этот прекрасный момент.

В. Серов «Девочка с персиками». 1887 г.

То же происходило и при работе с картиной «Девушка, освещенная солнцем», для которой модели приходилось долгие часы удерживать на лице одно и то же выражение. В итоге обе работы не только произвели огромное впечатление на зрителей и коллег по цеху, но и ознаменовали приход в Россию импрессионизма.

«Неизвестная» Крамского

Одним из самых загадочных портретов XIX века стала работа Ивана Крамского «Неизвестная». Этой картине суждено было стать популярной не только в 1880-х годах, она волновала публику в XX веке, часто висела на стенах, неоднократно печаталась в различных журналах и учебниках, и узнаваема многими сегодня.

И. Крамской. «Неизвестная». 1883 г.

Крамской представил портрет в 1883 году на выставке передвижников. Мнение публики оказалось для него столь важным, что в какой-то момент он не выдержал и ушел с выставки, не дождавшись реакции на свою картину. Когда же он вернулся, публика не просто с восторгом встретила его, но даже понесла на руках. Картина в один миг сделала художника знаменитым и стала предметом всеобщего обсуждения на долгие годы. В первую очередь зрителей поразили эмоции и сам образ изображенной девушки. В ее лице читался целый букет противоречивых чувств: это была и гордость, и некоторое презрение, и в то же время сострадание и понимание. Люди останавливались перед этим взглядом и долго всматривались в глаза девушки. В то же время вызывал недоумение и образ: с одной стороны, элегантный, с другой, дамы высшего света в те годы таких нарядов избегали. Поэтому вопрос о происхождении героини становился еще острее.

Зрители и коллеги по цеху буквально засыпали Крамского вопросами о том, кто изображен на портрете. Однако художник не изменил своей задумке (все же картина называлась «Неизвестная») и оставил все в тайне. По слухам, на картине могла быть изображена его дочь Софья, по другой версии художник нарисовал любовницу Александра II Е. Долгорукову, по третьей — крестьянку Матрену Саввишну. Ряд экспертов также склоняется к тому, что это был собирательный образ. Загадочности картине добавили и литературные произведения. Одни видели в «Неизвестной» Анну Каренину из романа Толстого, другие героиню романа «Идиот» Достоевского, а позже «Неизвестную» связывали с «Незнакомкой» из стихотворения Блока.

Портрет Лопухиной художника Боровиковского

Еще один портрет, которым восхищались не только современники Владимира Боровиковского, но и следующие поколения, посвящен Марии Лопухиной из рода Толстых. В то время, как другие живописцы старались в портрете подчеркнуть статус изображаемой героини, Боровиковский сосредоточился на женственности и мягкости. Так появился нежный образ девушки, плавные черты, а фоном выступил неброский пейзаж, подчеркивающий тонкую натуру героини. После множества вычурных портретов известных особ со множеством регалий и в парадной обстановке такой подход произвел глубокое впечатление на зрителей. Портрет долгое время хранился в семье Толстых как ценная семейная реликвия, однако в 1880-х годах Павел Третьяков увидел эту жемчужину и уговорил владельцев продать ее. Так картина попала в знаменитую Третьяковскую галерею.

В. Боровиковский. Портрет М. Лопухиной. 1797 г.

Заметим, что Боровиковский считался мастером женского портрета и создал множество прекрасных и узнаваемых работ. Некоторые из них за последние годы уходили с аукционов за внушительные суммы (об этом мы расскажем в следующем разделе).

«Бедная Лиза» Кипренского

Смещение акцента с социального статуса на эмоциональную составляющую выбрал и Орест Кипренский, когда работал над картиной «Бедная Лиза». Художник не просто так обратился к одноименному художественному произведению о девушке с трудной судьбой. Предположительно, сам он родился от внебрачной связи помещика Дьяконова и его крепостной. Так как помещик не мог признать незаконнорождённого ребенка крепостной девушки, он выдал ее замуж за другого крепостного и дал ему вольную. Художника глубоко тронула тема бесправных женщин, не имеющих возможности выражать в обществе свои чувства к возлюбленному. И это отразилось в портрете «Бедная Лиза», которую мы видим одновременно полной невыраженных чувств, желаний и глубоко печальной. Картина также попала в Третьяковскую галерею, где находится и поныне.

О. Кипренский. «Бедная Лиза». 1927 г.

Женские образы в картинах Кустодиева, Архипова и Нестерова

Некоторые русские художники не просто писали женские портреты, но и создавали целые образы отдельных слоев населения. Так, у Михаила Нестерова был свой образ женщины, который даже называли «нестеровским» типом. Пережив в молодом возрасте утрату любимой жены, художник долгие годы размышлял над образом женщины с ее бесконечной скорбью, очарованием и какой-то нескончаемой глубиной души.

М. Нестеров. «Христова невеста». 1887 г.

У Бориса Кустодиева это был образ купчихи, которую называли «кустодиевской красавицей». Это были не то что женщины, а богини, красивые, энергичные и счастливые, раскрашивающие быт купечества чаепитием, гуляниями, музыкой. Образ такой женщины помогал художнику бежать от реальности в полуразрушенной революциями России и в инвалидном кресле, с которого он не мог подняться.

Б. Кустодиев. «Купчиха за чаем». 1918 г.

У Абрама Архипова это был образ крестьянки — румяной, крепкой, в ярком платье, подчеркивающем ее жизнелюбие и энергичность в работе по хозяйству. Многим пришелся по душе такой образ женщины, которая может и революцию пережить, и создать новое общество.

А. Архипов. «Девушка с кувшином». 1927 г.

«Аленушка» Васнецова

Образ Аленушки Виктора Васнецова сегодня узнает каждый, хотя в год выхода картины коллеги по цеху встретили ее прохладно. Но художнику было не привыкать к тому, что к его холстам со сказочными персонажами в те времена относились с непониманием. По-настоящему его образы русских героев и в том числе русской девушки оценили лишь спустя время. Бесконечная печаль, чувство безнадежности в глазах Аленушки с тяжелой судьбой и сегодня глубоко трогает зрителей.

В. Васнецов. «Аленушка». 1881 г.

Портрет хористки художника Коровина

Не сразу была понята и картина «Портрет хористки» Константина Коровина. На выставке коллеги по цеху начали возмущаться, так как художник осмелился изображать девушку какими-то непонятными размашистыми мазками, да еще выбрал некрасивую модель и запечатлел ее в странной позе. В те времена приветствовались портреты в стиле реализма, поэтому картину сняли с выставки. Однако она не только стала толчком для дальнейшего интенсивного расцвета в России импрессионизма, но и была по достоинству оценена потомками.

К. Коровин. «Портрет хористки». 1883 г.

Автопортрет Серебряковой

Еще один известный женский портрет создан самим автором. Это автопортрет, который художница Зинаида Серебрякова рисовала с себя одним из зимних деньков, когда невозможно было выйти на улицу. В уютной теплой комнате художница взялась за кисть и получала удовольствие от того, что тонко прорисовывала каждую деталь на туалетном столике. Работу она писала быстро по меркам художников, возможно, именно поэтому автопортрет был так радостно встречен публикой на первой же выставке в Петербурге. Зрителей поразила свежесть портрета, очаровательная улыбка «во весь рот», светлые мягкие тона. По словам А. Бенуа, эта картина стала настоящим украшением Третьяковской галереи, куда она попала сразу с выставки.

З. Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет». 1909 г.

Самые дорогие картины женщин известных русских художников

Теперь рассмотрим несколько женских портретов, которые уходили с крупных аукционов по самым высоким ценам в период с 2000 по 2020 годы.

Портрет Марджори Ферри художницы Тамары де Лемпицки

Интересно, что самый дорогой женский портрет тоже сделан женщиной. История его появления такова. В 1932 году в Париже выступала известная в те времена артистка кабаре. Обаятельной девушкой заинтересовался богатый предприимчивый человек, который взял ее в жены, подарил дорогое кольцо и заказал портрет у самой модной в те времена эпатажной художницы Тамары де Лемпицки. Тамара в тот период уже была хорошо известна своими чувственными портретами в жанре ню, поэтому выбор пал именно на нее. И оно того стоило, так как художница сумела представить артистку Марджори Ферри одновременно невинной и соблазнительной, не изменив при этом своему излюбленному стилю ар-деко. После продажи картина надолго осталась в семье Ферри.

На аукционах эта работа стала появляться с 1995 года, а последняя ее продажа датируется 2020 годом. Картину продали на торгах Christies за 16,3 млн фунтов или 21 млн долларов. И на сегодня это самый дорогой женский портрет русских художников.

Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.

Картина «Шокко» Явленского

На втором месте по ценовым рекордам находится портрет Шокко (Шокко в широкополой шляпе) Алексея Явленского. Здесь мы уже видим яркую работу в стиле экспрессионизма с характерными контрастными цветами, темными жирными контурами и широкими мазками, скрывающими от нас многие детали. Художник состоял в обществе «Синий всадник», члены которого утверждали, что форма и цвет являются самодостаточными в живописи.

А. Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)». Около 1910 г.

У Явленского было несколько картин, героиней которых выступала Шокко. Возможно, модель навсегда осталась бы безымянной, как и сотни других моделей известных художников, если бы не одно обстоятельство. Когда она позировала Алексею в его холодной студии, всякий раз просила для согревания дать ей чашечку горячего шоколада. Так художник прозвал ее Шокко и вписал это имя в ряд своих работ с ее участием. Как и другие живописцы, Явленский мог писать картины с обеих сторон доски. Та же участь постигла и «Шокко», с обратной стороны которой была создана картина «Шокко в красной шляпе». Однако художнику удалось разъединить обе работы и продать их разным владельцам. В 2008 году картина «Шокко» была продана на аукционе Sotheby`s за 18,6 млн долларов.

Портрет Марии Цетлиной художника Серова

Появление портрета Марии Цетлиной на аукционе Christie`s в 2014 году стало настоящей сенсацией. Как заявил руководитель русского отдела искусства Christie`s А. Тизенгаузен, это наиболее уникальная работа Валентина Серова, которую ему выпадала честь держать в своих руках за все время работы в аукционном доме. После смерти семьи Цетлинов их коллекция вместе с этим портретом перешла в музеи израильского города Рамат-Ган. Однако в связи с кризисом муниципальные власти приняли решение распродать некоторые работы, чтобы восстановить на них все музеи города. В связи с этим горожане даже устроили бунт, но это не помешало шедевру попасть на аукцион.

Мария Цетлина была женой мецената, во всем поддерживала супруга и помогала ему заниматься известным в Париже литературным салоном для русских эмигрантов. Она часто позировала художникам, и талантливый портретист Серов не упустил случая изобразить благородную женщину. Портрет выполнен в стиле модерна и характерной для него цветовой гамме одного тона. При такой концентрации на одном тоне художник максимально глубоко работал с каждым полутоном, добиваясь особой выразительности картины. С аукциона работа ушла за 9,3 млн фунтов (14,5 млн долларов).

В. Серов. Портрет Марии Цетлиной. 1910 г.

Портрет графини Л. Кушелевой художника Боровиковского

Владимир Боровиковский прославился своими сентиментальными портретами в классическом стиле. На первое место он выдвигал не сходство, а духовную составляющую человека, поэтому герои его картин выходили чувственными, красивыми и добродетельными. На одной из них художник запечатлел богатую графиню Любовь Ильиничну Кушелеву и ее сыновей.

Портрет был представлен на торгах Christie`s в 2014 году среди других пяти картин художника из коллекции потомка князя Оболенского. Все картины выставлять по скромному эстимейту 40-70 тысяч фунтов. Каково же было удивление владельцев и экспертов аукциона, когда цена продажи взлетела в десятки раз! В частности, портрет Кушелевой был продан за 3 млн фунтов (5 млн долларов).

В. Боровиковский. Портрет графини Л. Кушелевой и ее сыновей. 1803 г.

Картина «Грузинка в лечаки» художника Пиросмани

Не меньший успех на торгах ожидал и картину художника-самоучки Нико Пиросмани. В 2018 году на аукционе Sotheby`s была представлена его работа «Грузинка в лечаки» из серии картин о грузинских женщинах. В советское время эту работу приобрел известный писатель Стефан Цвейг, увидевший в Третьяковской галерее картины художника-примитивиста и сразу полюбивший его искусство. Позже работа из коллекции семьи Цвейга была передана в дар университету Колумбии, откуда и попала на торги. На аукционе ее продали за 2,2 млн фунтов стерлингов (2,8 млн долларов), а начальная цена была заявлена в диапазоне 500-700 тысяч фунтов.

Н. Пиросмани. «Грузинка в лечаки».

Хотя мы рассмотрели немало женских портретов в исполнении известных русских художников, это лишь малая часть всего того огромного наследия, которое нам подарили русские мастера. Множество прекрасных портретов женщин есть в работах А. Харламова, Н. Фешина, В. Шухаева, К. Маковского и многих других талантливых авторов.

Салоны оптики на карте Москвы

МКАД 24-й км Вход №3, на первом этаже, рядом расположены Сбербанк и Летуаль		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 987-41-16	Запись на проверку зрения
МКАД 66-й км к востоку от дер. Мякинино На первом этаже, в центральной части ТЦ		Пн-Вс: 10:00-23:00	8 (495) 236-10-02	Запись на проверку зрения
Киевское ш. 8 км. от МКАД, пос. Московский, дер. Лапшинка 8к1 От центрального входа налево		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 280-70-41	Запись на проверку зрения
Шоссе Энтузиастов 20 Вход в салон осуществляется через пекарню на втором этаже.		Пн-Сб: 10:00-21:00 Вс: 11:00-20:00	8 (495) 916-86-98	Запись на проверку зрения
ул. Дмитрия Ульянова 24/1		Пн-Сб: 10:00-21:00 Вс: 11:00-20:00	8 495 974-91-81	Запись на проверку зрения
ул. Бибиревская 10к2		Пн-Вс: 10:00-22:00	8(495) 970-03-57	Запись на проверку зрения
Грузинский Вал, 28/45		Пн-Сб: 10:00-21:00 Вс: 11:00-20:00	8 (499) 250 28 41	Запись на проверку зрения
Орджоникидзе д.11 На первом этаже, вход с торца, на четвертой линии		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 730-37-02	Запись на проверку зрения
ул. Красная Пресня 38		Пн-Сб: 10:00-21:00 Вс: 11:00-20:00	8 (985) 718-09-05	Запись на проверку зрения
ул. Маросейка 10/1		Пн-Сб: 10:00-21:00 Вс: 11:00-20:00	8 (495) 933-82-46 8 (910) 436-48-06	Запись на проверку зрения
1-й Покровский пр-д 5 На первом этаже, рядом с входом в магазин «Оби»		Вс-Чт: 10:00-23:00 Пт-Сб: 10:00-24:00	8 (495) 258-31-12	Запись на проверку зрения
МКАД 41-й км		Пт-Вс: 10:00-23:00	8 (495) 775-77-08 8 (495) 775-77-28	Запись на проверку зрения
г. Химки, Микрорайон №8 (салон переехал под «Синема парк», вход в Мегу со стороны Новокуркинского шоссе — напротив Sunlight) Салон переехал под «Синема парк», вход в Мегу со стороны Новокуркинского шоссе — напротив Sunlight.		Вс-Чт: 10:00-23:00 Пт-Сб: 10:00-24:00	8 (495) 580-77-80	Запись на проверку зрения
Мичуринский просп. 20		Пн-Сб: 10:00-21:00 Вс: 11:00-20:00	8 (495) 287-43-37 8 (910) 436-53-80	Запись на проверку зрения
ул. Новослободская 10		Пн-Сб: 10:00-21:00 Вс: 11:00-20:00	8 (495) 915-87-80	Запись на проверку зрения
ул. Верхняя Красносельская 3а Салон переехал на другое место, но мы рядом. Напротив касс магазина «Ашан» (2-й этаж)		Пн-Вс: 09:00-22:00	8 (495) 725-26-76	Запись на проверку зрения
улица Железнодорожная, д. 44		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 970-14-54	Запись на проверку зрения
МКАД 2-й км, 2 На первом этаже, от центрального входа прямо		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 980-28-85	Запись на проверку зрения
г. Москва, Проспект Мира, 211, корпус 2, ст. м. «Ростокино»		Пн-Вс:10:00-22:00	8-495-785-63-84	Запись на проверку зрения
Одинцовский район, МКАД внутреннее 30-32 км, 56 На первом этаже, от центрального входа налево, мимо катка		Пн-Вс: 10:00-23:00	8 (495) 236-10-35	Запись на проверку зрения
ул. Щукинская 42 На втором этаже, с эскалатора направо, налево, рядом с банком «Сбербанк»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 229-98-96	Запись на проверку зрения
г. Москва, Павелецкая площадь, 1А		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (499) 673-91-81	Запись на проверку зрения
Проспект Вернадского, 86а На первом этаже, на первой линии ТЦ, рядом с траволатором		Пн-Вс: 10:00 — 22:00	8 (495) 419-56-42	Запись на проверку зрения
Варшавское шоссе вл. 140 Вход в ТЦ с Варшавского шоссе, на цокольном этаже, напротив входа в магазин «О’КЕЙ»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (499)650-83-00	Запись на проверку зрения
г. Зеленоград, Ленинградское ш. 18 км На первом этаже, в центральной части ТЦ		Пн.-Вс.: 10:00 — 22:00	8 (495) 580-77-56	Запись на проверку зрения
Алтуфьевское шоссе 1-й километр, вл. 3, стр.1 На первом этаже		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 225-80-68	Запись на проверку зрения
Каширское шоссе, владение 14 На первом этаже, напротив магазина «О’КЕЙ»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8(495) 984-90-21	Запись на проверку зрения
г. Москва, Ореховый бульвар, д.14 к.3		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 223-40-18	Запись на проверку зрения
пл. Киевского Вокзала 2 Вход №1, на первом этаже		Вс-Чт: 10:00-22:00 Пт-Сб: 10:00-23:00	8 (495) 229-61-24	Запись на проверку зрения
ул. Большая Тульская 13 На первом этаже, рядом с фонтаном		Пн-Вс: 10:00 — 22:00	8 (495) 665-96-31	Запись на проверку зрения
г. Красногорск, ул. Знаменская, д. 5 На первом этаже, от центрального входа прямо		Пн. — Вс.: 10:00 — 22:00	8 (495) 995-13-95	Запись на проверку зрения
просп. Андропова 8 На первом этаже, напротив входа в магазин «Карусель»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 663-24-42	Запись на проверку зрения
Кутузовский пр. 57 На первом этаже, справа от центрального входа		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 771-75-81	Запись на проверку зрения
Ленинский проспект 109 На цокольном этаже, с эскалатора направо		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 988-58-16	Запись на проверку зрения
Киевское шоссе 23 километр, д1 На первом этаже, напротив гипермаркета «Globus»		10:00 до 22:00	8 (495) 136-40-17	Запись на проверку зрения
Новоясеневский просп. 1 Вход в ТЦ ближний к метро, на первом этаже		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 514-02-43	Запись на проверку зрения
Багратионовский пр-д 5 Вход в ТЦ на противоположной стороне от магазина «Оби», на втором этаже		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 737-82-96	Запись на проверку зрения
Хорошевское шоссе 27 На первом этаже, от центрального входа прямо		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 280-70-43	Запись на проверку зрения
г. Москва, Щёлковское шоссе, 75 1 этаж, от главного входа налево		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 870-57-59	Запись на проверку зрения
Аминьевское шоссе. д. 6 Салон расположен на 1-м этаже		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 419-50-76	Запись на проверку зрения
ул. Каховка, 29А Первый этаж рядом с салоном Sokolov		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (499) 841-01-19 8 (977) 186-70-07	Запись на проверку зрения
Ходынский бульвар 4 На первом торговом этаже, в сиреневой зоне, рядом с магазином «Ашан»		Пн-Чт: 10:00-22:00 Пт-Сб: 10:00-23:00 Вс:10:00-22:00	8 (495) 981-08-10	Запись на проверку зрения
Земляной Вал 33 На первом этаже, от центрального входа направо		Пн-Вс: 10:00-23:00	8 (495) 771-75-33	Запись на проверку зрения
пос. Андреевка, Жилинская 1, стр. 1 На первом этаже, напротив касс магазина «Ашан»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8(495) 789-68-03	Запись на проверку зрения
МКАД 53-й км На первом этаже, напротив входа в магазин «Ашан»		Пн-Вс: 09:00-22:00	8 (495) 783-23-28 8 (495) 783-23-29	Запись на проверку зрения
Осташковское шоссе 1 В здании магазина «Ашан», напротив входа, на первом этаже		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 775-85-47	Запись на проверку зрения
Пролетарский проспект, вл. 30 На первом этаже, справа от центрального входа		Пн-Вс: 09:00-22:00	8 (495) 783-23-66	Запись на проверку зрения
ул. Профсоюзная, д.102 А На первом этаже		Пн-Вс: 10:00-21:00	8 (495) 783-23-20	Запись на проверку зрения
ул. Перерва 43к1 На первом этаже, слева от центрального входа		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 543-96-09	Запись на проверку зрения
г. Люберцы, Октябрьский пр. 112 На первом этаже, слева от центрального входа		Пн.-Вс: 10:00 — 22:00	8 (495) 580-77-38	Запись на проверку зрения
МКАД 47-й км, стр. 20 На первом этаже, напротив гипермаркета «Лента»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 258-44-76	Запись на проверку зрения
Московская область, г. Котельники, ул. Новорязанское ш., 24		Пн-Вс: 9:00-22:00	8 (495) 139-63-50	Запись на проверку зрения
г. Москва, Новорижское ш., 22-й км, вл1с1		Пн-Вс: 09:00-22:00	8 (495) 136-37-01	Запись на проверку зрения
г. Подольск, микрорайон Климовск, ул. Молодёжная д., 11		Пн-Вс: 09:00-22:00	8 (495) 789-88-85	Запись на проверку зрения
ул. Бауманская 32, стр. 2 На первом этаже, от центрального входа направо		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 783-41-17	Запись на проверку зрения
Крюковская пл. 1 Вход в ТЦ рядом с магазином «Лента», на первом этаже		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 666-33-16	Запись на проверку зрения
ул. Профсоюзная 61а На первом этаже, от центрального входа налево		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 783-23-02	Запись на проверку зрения
Вернадского просп. 6 На первом этаже, напротив касс магазина «Ашан»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 644-29-48	Запись на проверку зрения
ул. Шереметьевская 20 На первом этаже, напротив входав магазин «Ашан»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 937-26-31	Запись на проверку зрения
ул. Митинская 36к1 На первом этаже, от центрального входа налево, у эскалатора		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 661-37-71 8 (919) 105-12-35	Запись на проверку зрения
Шараповский пр-д, вл. 2 На первом этаже, от центрального входа налево		Вс-Чт: 10:00-22:00 Пт-Сб: 10:00-23:00	8 (495) 734-98-74	Запись на проверку зрения
Ленинградский проспект, 76а		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 308-78-18	Запись на проверку зрения
Ленинградское ш. 16а, стр. 4 Вход в ТЦ со стороны парковки, на первом этаже, напротив магазина «Карусель»		Пн-Вс: 10:00-23:00	8 (495) 518-97-65	Запись на проверку зрения
Сигнальный пр-д 17 На первом этаже, рядом с ресторанным двориком		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (499) 271-04-69	Запись на проверку зрения
Дмитровское ш. 163а На первом этаже, напротив касс магазина «О’КЕЙ»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 988-03-82 8 (495) 988-03-84	Запись на проверку зрения
ул. Побратимов 7 На первом этаже, напротив лифта, рядом с магазином «Перекресток»		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 668-24-74	Запись на проверку зрения
Зеленый просп. 62 На первом этаже, от центрального входа налево		Пн-Вс: 10:00-22:00	8 (495) 539-26-28 8 (495) 539-26-29	Запись на проверку зрения

известных картин с изображением женщин — 15 самых знаковых женских портретов

На протяжении всей истории человечества художники создавали скульптуры, женские портреты и картины с изображением женщин, получившие мировую известность. От самых ранних статуй плодородия до современных шедевров людям всегда нравилось исследовать тему женщин в искусстве. Возможно, именно врожденная красота и пышные линии женских форм служат вдохновением для художников, создававших эти шедевры.И давайте не будем забывать о самих женщинах, многие из которых также были талантливыми художницами, написавшими множество шедевров, но не вошедшими в историю искусства из-за своего пола. В этой статье будут рассмотрены некоторые из самых знаковых женских картин, от работ «великих», таких как Боттичелли и да Винчи, до автопортретов женщин-художников, таких как Фрида Кало и Мэри Кассат.

 

 

Пятнадцать известных женских картин

В то время как многие всемирно известные художники-мужчины написали известные картины женщин, есть также несколько прекрасных примеров, когда женщины рисовали свои автопортреты.Давайте подробнее рассмотрим пятнадцать известных картин с изображением женщин и то, что сделало их такими популярными.

 

Рождение Венеры (1485) Сандро Боттичелли

Художник	Сандро Боттичелли
Год	1485
Средний	Холст, масло
Размеры	1,72 м x 2,78 м
Текущее местоположение	Галерея Уффици во Флоренции, Италия

Флоренция, Италия, является родиной Сандро Боттичелли, родившегося в 1445 году. Он был художником раннего итальянского Возрождения. Сегодня Боттичелли больше всего помнят за его картины на мифологические сюжеты, хотя он также рисовал многие другие предметы, такие как религиозные деятели и женские портреты. Он создал множество изображений Мадонны с младенцем, а также помогал в росписи Сикстинской капеллы. Здесь он участвовал в создании красивых сцен, таких как Юность Моисея, Искушения Христа, и Наказание сыновей Кораха.

Хотя ему приписывают множество портретов, только некоторые из них можно точно определить как его работы.

Рождение Венеры (ок. 1485) Сандро Боттичелли; Сандро Боттичелли, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Широко известное и плодовитое произведение «Рождение Венеры» , вероятно, станет самой знаковой картиной женщины, когда-либо созданной . На этой картине изображена богиня Венера, прибывающая на берег на раковине после своего рождения, из которой она вышла обнаженной и полностью сформированной. Слева от нее находится крылатый бог ветра Зефир, который дует на нее видимыми расходящимися линиями, пытаясь помочь судну-ракушке добраться до берега. Справа от нее находится Хора Весны, одна из трех второстепенных греческих богинь. На картине мы видим, как она протягивает плащ, чтобы накрыть Венеру по прибытии на берег.

 

Мона Лиза (1506) Леонардо да Винчи

Художник	Леонардо да Винчи
Год	1506
Средний	Холст, масло
Размеры	77 см x 53 см
Текущее местоположение	Лувр, Париж

Мона Лиза была написана в 1506 году великим художником Леонардо да Винчи.Другой художник из Италии, да Винчи, родился в 1452 году. Хотя у него никогда не было формального образования, сегодня его помнят за его вклад во многие направления мысли, такие как искусство, наука, математика и технические изобретения. Он считается одним из самых исключительных людей в истории и не просто выдающимся художником, но и гением своего времени. Он был левшой, но был известен тем, что писал нетрадиционными способами, например, справа налево или задом наперёд. Он пытался скрыть свои концепции от посторонних глаз, разработав стиль, называемый «зеркальным письмом».

Портрет Моны Лизы дель Джокондо (1503-1506) работы Леонардо да Винчи;  Леонардо да Винчи, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Да Винчи, считающийся одной из самых известных картин, когда-либо созданных с изображением женщины, создал Мону Лизу в 1506 году. На этом портрете изображена женщина по имени Лиза Герардини, вышедшая замуж за дворянина Франческо дель Джокондо. В классическом ренессансном стиле портрет показывает половину тела на фоне природного ландшафта. Чтобы изобразить отношения между природой и людьми, да Винчи создал изогнутые линии в ее волосах и одежде, которые продолжаются в их окружении, образуя часть естественных линий рек и гор. Именно ее вечная красота и намек на улыбку сделали ее одной из самых узнаваемых женщин в искусстве.

 

Автопортрет как аллегория живописи (1639) Артемизии Джентилески

Художник	Артемизия Джентилески
Год	1639
Средний	Холст, масло
Размеры	98.6 см х 75,2 см
Текущее местоположение	Дворец Хэмптон-Корт

Артемизия Джентилески родилась 8 июля 1593 года в Риме, Италия. Она была художницей в стиле барокко, и историки искусства считают ее одной из самых знаменитых художников 17 века. Она была удивительно опытной художницей, профессионально занимаясь искусством с невероятно юного пятнадцатилетнего возраста. В то время возможностей было очень мало, особенно для художниц, и Джентилески помог проложить путь многим последующим художницам.

Хотя на картине, которую мы исследуем сегодня, изображена женщина, рисующая себя, она также известна тем, что включает темы женских мифических персонажей, библейских персонажей и женщин в истории.

Автопортрет как аллегория живописи (1638-1639) Артемизии Джентилески; Артемизия Джентилески, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Считается, что Карл I пригласил Джентилески в Лондон в 1638 году, и именно там она написала свой знаменитый автопортрет.Картина предназначена для изображения аллегорической женской фигуры в живописи. Такое восприятие живописи возникло из книги Iconologia Чезаре Рипа, где он описал живопись как красивую женщину с темными пышными волосами и лицом, выражающим ощущение глубины воображения. Таким образом, она смогла идентифицировать себя как воплощение живописи, чего мужчины-художники не могли достичь в такой личной степени, как она.

 

Девушка с жемчужной сережкой (1665) Йоханнеса Вермеера

Художник	Йоханнес Вермеер
Год	1665
Средний	Холст, масло
Размеры	44. 5 см х 39 см
Текущее местоположение	Музей Маурицхёйс, Гаага

Домашние сцены и жизнь среднего класса были в центре внимания работ голландского художника эпохи барокко Йоханнеса Вермеера . Он долго работал над каждой картиной, проявляя огромную осторожность в медленном и неторопливом нанесении деталей. Он наиболее известен своим изысканным и мастерским использованием света в своих работах. Вермеер добился умеренного успеха при жизни, получив высокое признание в Гааге, но его скромные картины были выполнены особенно дорогой краской, что оставило его семью в долгах, когда он скончался в декабре 1675 года.

Девушка с жемчужной сережкой (ок. 1665 г.) работы Иоганна Вермеера; Йоханнес Вермеер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Одна из его самых известных работ — красиво освещенная Девушка с жемчужной сережкой, — один из самых узнаваемых женских портретов в истории искусства. На протяжении веков эта картина носила множество разных названий, в том числе «Мона Лиза Голландии», пока, наконец, не была названа в честь серьги в последние годы двадцатого века.Из-за размера, формы и сильно отражающей поверхности некоторые историки поставили под сомнение точный материал серьги, заявив, что она больше похожа на олово, чем на жемчуг.

После недавней реставрации многие элементы картины были улучшены, например, нежные цвета и проницательный взгляд женщины. После длительной реставрации этого произведения искусства было также обнаружено, что фон, который мы видим очень темным, когда-то был темно-зеленым.

 

Олимпия (1856) Эдуарда Мане

Художник	Эдуард Мане
Год	1863
Средний	Холст, масло
Размеры	130. 5 см х 190 см
Текущее местоположение	Музей Орсе, Париж

Эдуард Мане родился в Париже, Франция, 23 января 1832 года. Считающийся художником-модернистом, он сыграл ключевую роль в переходе от реализма к импрессионизму своими изображениями современной жизни XIX века. Он родился в семье с сильными политическими связями, и ожидалось, что политика станет его карьерой, и он отказался от этой идеи в раннем возрасте, чтобы реализовать свое желание стать художником.В течение последних двух десятилетий своей жизни Мане установил прочные отношения с другими современными художниками его времени и разработал уникальный стиль, который был известен своим новаторством, оказавшим влияние на многих будущих художников.

Олимпия (1863) Эдуарда Мане; Эдуард Мане, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Олимпия впервые появилась на выставке парижского салона в 1865 году. На ней изображена обнаженная женщина, лежащая на кровати, а ее слуга приносит ей букет цветов.Викторин Мёрент использовалась в качестве модели для Олимпия , а Лора была моделью для слуги Олимпии. Вызывающий взгляд модели вызвал большое возмущение у широкой публики, так как многие детали картины намекают на то, что она была работающей девушкой или проституткой. Эти детали включали ее серьги и браслет, фруктовый сад, приютившийся в ее волосах, и шаль, на которой она полулежала. Все они считались символами богатых и откровенно чувственных по теме.

Многие искусствоведы того времени презирали эту работу, а консерваторы хотели, чтобы она была уничтожена, но со временем она стала высоко оцененным и вдохновляющим образцом женского искусства.

 

Мать Уистлера (1871) Джеймса Макнила Уистлера

Художник	Джеймс Макнил Уистлер
Год	1871
Средний	Холст, масло
Размеры	144,3 см x 162,3 см
Текущее местоположение	Музей Орсе в Париже

Джеймс Макнил Уистлер был американским художником, родившимся в Массачусетсе в 1834 году, но большую часть своего времени он провел в Соединенном Королевстве. Он был наиболее активен в эпоху, известную как американский позолоченный век, и его работы были известны своим моральным и сентиментальным подтекстом. Говорят, что его подпись напоминала бабочку с длинным жалящим хвостом, что, как говорили, отражало различные аспекты его личности, такие как его мягкий стиль рисования, но агрессивный публичный образ.

Он был и художником, и музыкантом, находя схожие темы, пронизывающие оба предмета, что привело к тому, что он назвал определенные произведения искусства музыкальными терминами, такими как «гармонии» или «аранжировки», тем самым подкрепляя свой акцент на тональной гармонии.Его считают основоположником тонализма.

Мать Уистлера (или Композиция в сером и черном № 1 ) (1871) Джеймса Макнила Уистлера; Джеймс Макнейл Уистлер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Его самое известное произведение искусства также является одним из самых легко узнаваемых женских портретов в современном искусстве, изображая его мать, сидящую в кресле и выглядящую типично материнской. Он также известен как Композиция в сером и черном цвете №. 1 и, как говорят, была нарисована, когда она жила в Лондоне.Некоторые историки предполагают, что его мать заменяла модель, которая не смогла присутствовать на сеансе. Его матери, Анне Макнил Уистлер, в то время было за шестьдесят, и в конце концов она была изображена сидящей после того, как пожаловалась на то, что ей приходится долго стоять на ногах.

 

Женщина с зонтиком (1875) Клода Моне

Художник	Клод Моне
Год	1875
Средний	Холст, масло
Размеры	100 см x 81 см
Текущее местоположение	Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия

Клод Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже, Франция. Моне вряд ли нуждается в представлении, так как он по праву считается одним из самых известных художников родом из Франции. Фактически, Моне также считается пионером или отцом импрессионистского движения. Он стремился рисовать природу субъективно, как он видел ее, а не как ее воспринимали другие. Это привело к тому, что его почитают как ключевую фигуру, приведшую к модернистскому движению.

На протяжении всей своей долгой карьеры он был известен как самый откровенный знаток философии импрессионистов, которая делает упор на перспективу художника, а не на объективный взгляд на мир природы.

Женщина с зонтиком – Мадам Моне и ее сын (1875) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, Wikimedia Commons

Женщина с зонтиком изображает свою первую жену и сына, идущих по лугу в Аржантее в ветреный день. Он также известен как «Прогулка » и иллюстрирует использование Моне цвета в типичном стиле импрессионизма. Спонтанное ощущение картины объясняется тем фактом, что она, скорее всего, была написана на открытом воздухе за один сеанс.Размером 100 на 81 см это одна из его крупнейших работ того периода. Примерно десять лет спустя он написал две похожие картины, используя дочь своей следующей жены, Сюзанну Моне.

 

Чашка чая (1881) Мэри Кассат

Художник	Мэри Кассат
Год	1881
Средний	Холст, масло
Размеры	92.4 см х 65,4 см
Текущее местоположение	Метрополитен-музей

Американская художница Мэри Стивенсон Кассат родилась в Пенсильвании 22 мая 1844 года. Хотя она родилась в Соединенных Штатах, большую часть своей жизни она провела во Франции. Она дружила с Эдгаром Дега и выставляла свои работы вместе с другими современными импрессионистами-мужчинами. В ее работах часто изображались образы жизни женщин в частной социальной обстановке, например, близкие отношения между матерью и ребенком.

Наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон Гюстав Жеффруа назвал Кассат одной из «трех великих дам импрессионистского движения». Ее работы сравнивают с работами ее коллег, таких как Дега, поскольку оба стремились изобразить свет и движение с современной чувственностью.

«Чашка чая» (ок. 1880–1881) Мэри Кассат;  Мэри Кассат, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Мэри Кассат написала картину Чашка чая в 1881 году, в то время, когда послеобеденный чай был для богатых женщин ежедневным социальным ритуалом.Эта тема соответствовала желанию Кассат изобразить повседневную жизнь, какой она была в 1880-х годах. Остальная часть ее семьи переехала в Париж в 1877 году, и после этого ее сестра Лидия часто использовалась в качестве модели для различных картин Марии. Картины Кассат представляли собой исследование контрастных цветов, ярких палитр и блестящей кисти, и эти элементы показывают, как она использовала импрессионизм в своих работах.

Для женщины, рисовавшей в эпоху, когда руководили преимущественно мужчины, она по-прежнему выделялась своей уникальной техникой и стилем.

 

Портрет мадам X (1884) Джона Сингера Сарджента

Художник	Джон Сингер Сарджент
Год	1884
Средний	Холст, масло
Размеры	234,9 см x 109,8 см
Текущее местоположение	Метрополитен-музей, Манхэттен

Несмотря на то, что он родился во Флоренции, Джон Сингер Сарджент был американским художником, родившимся 12 января 1856 года.Он создал около 900 картин маслом, а также более 2000 акварелей и считается ведущим художником-портретистом за всю свою жизнь.

Джон Сингер Сарджент родился во Флоренции, Тоскана, в семье американцев. Перед переездом в Лондон он тренировался в Париже и большую часть времени жил в Европе. Портрет мадам X был выставлен в парижском салоне, и он надеялся, что это укрепит его положение парижского художника в обществе, но, к сожалению, это было омрачено скандалом.В следующем году он уехал в Англию и продолжил известную карьеру художника-портретиста.

Мадам X (Мадам Пьер Готро) (1883-1884) Джона Сингера Сарджента; Метрополитен-музей, общественное достояние, Wikimedia Commons

T Портрет мадам X в то время считался спорным, поскольку предполагалось, что ее поза была сексуально провокационной. Сарджент целенаправленно и тщательно выбрал позу для модели Виржини Готро: ее тело обращено вперед в смелой позе, а голова нарисована в профиль.Модель была нарисована в черном платье из атласа, которое одновременно скрывает и обнажает форму на этой женской картине.

Критики картины отметили, что художник намеренно создал некоторые аспекты картины, чтобы подчеркнуть изгибы женщины, например, стол, на который она опирается для поддержки.

 

Женщина в ванне, обтирающая ноги (1884) Эдгара Дега

Художник	Эдгар Дега
Год	1884
Средний	Пастель
Размеры	19.7 см х 41 см
Текущее местоположение	Музей Орсе, Париж, Франция

Эдгар Дега родился в июле 1834 года в Париже, Франция. Дега также работал со многими средами, включая гравюры, бронзовые скульптуры и рисунок, хотя он наиболее известен своими импрессионистскими картинами маслом. На многих его картинах изображены танцоры и танцы, так как изображение движения представляло для него особый интерес. Этот интерес можно далее наблюдать в его картине купающихся обнаженных женщин и мчащихся лошадей.Он также писал портреты, которые почитались за мастерское отображение сложных человеческих эмоций.

Большинство искусствоведов считают его одним из первых отцов импрессионизма, хотя он утверждал, что не любит этот термин и предпочитает описание реализма. В отличие от других импрессионистов, многие его работы изображали помещение.

Женщина в ванне, обтирающая ногу (ок. 1883 г.) Эдгара Дега;  Эдгар Дега, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Эдгар Дега создал Женщина в ванне, обтирающая ноги как часть серии портретов обнаженных женщин, выполненных пастелью.Он не хотел копировать классическое искусство обнаженной натуры римлян или греков, а скорее хотел изобразить в искусстве настоящих женщин, занятых обычными повседневными делами, которые отнимали их время, такими как купание. Многие из его работ были сначала набросаны спонтанно, а затем завершены и детализированы позже в его студии. На этой картине изображена грациозность движения, его нежные линии изгибаются таким образом, что это расслабляет зрителя и создает атмосферу, похожую на ту, что возникает во время купания.

 

Хрустальный шар (1902) Джона Уильяма Уотерхауса

Художник	Джон Уильям Уотерхаус
Год	1902
Средний	Холст, масло
Размеры	120 см x 87 см
Текущее местоположение	Частная коллекция

Джон Уильям Уотерхаус родился в Риме, Италия, 6 апреля 1849 года в семье английского художника.Он был известен своими работами в академическом стиле, прежде чем перейти к стилю прерафаэлитов. Он был особенно известен тем, что изображал женщин в произведениях искусства на темы от легенд об Артуре до греческой мифологии. Его любимой темой было создание произведений искусства, вдохновленных классическими авторами, такими как Китс, Шекспир, Гомер, Овидий или Теннисон.

Хрустальный шар (1902) Джона Уильяма Уотерхауса; Джон Уильям Уотерхаус, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Джон Уильям Уотерхаус нарисовал Хрустальный шар в 1902 году, и он выставил его позже в том же году вместе с Миссал в Королевской академии. Можно наблюдать влияние итальянского Возрождения на творчество художника по использованию кругов, а также использованию горизонтальных линий и вертикальных линий по отношению друг к другу. По сравнению с готической эпохой было очевидно, что его искусство демонстрировало заметный отход от обычно остроконечных арок, характерных для архитектуры этого периода.

Картина, принадлежащая частному коллекционеру, была восстановлена ​​до своей первоначальной красоты после того, как предыдущий владелец закрыл череп на столе.Детали и текстура, запечатленные художницей на бархатном платье, изысканно детализированы.

 

Женщина с веером (1918) Густава Климта

Художник	Густав Климт
Год	1918
Средний	Холст, масло
Размеры	100 см x 100 см
Текущее местоположение	Галерея Австрийского Бельведера

Этот художник-символист, член движения Венского сецессиона, также был очень известной и выдающейся фигурой. Густав Климт родился 14 июля 1862 года в Баумгартене. Основным предметом его искусства были женские формы, а его работы известны своим ярко выраженным эротическим подтекстом. Помимо женских портретов, он также был известен пейзажами . По сравнению с другими художниками движения «Венский сецессион», работы Климта демонстрируют наибольшее влияние техник и стилей японского искусства .

Женщина с веером отражает смесь Густава его самобытного стиля и влияния японского искусства на современное искусство, известного как японизм.Это была одна из его последних работ, законченная в том же году, когда он скончался.

Женщина с веером (1917-1918) Густава Климта; Густав Климт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Первоначально являясь частью авангардного движения, известного как Венский сецессион, более поздние работы Климта считались более страстными и эмоциональными по сравнению с его ранним творчеством. В этот период он больше рисковал как в стиле, так и в технике.

Фон своим отчетливым желтым оттенком напоминает о его золотом периоде.Цветы и птицы нарисованы в его отчетливо буйном использовании цветовой палитры. Картина отражает большую часть своего японского влияния со стилизованными и яркими узорами, имитирующими эстетику ксилографии. Эта работа прекрасно представляет эволюцию пути художника через искусство, смешивая святое с эротическим, орнаментальным и более тонкими аспектами искусства в идеальном балансе.

 

Автопортрет с терновым ожерельем и колибри (1940) Фриды Кало

Художник	Фрида Кало
Год	1940
Средний	Масляная краска
Размеры	47 см x 61 см
Текущее местоположение	Центр Гарри Рэнсома, Остин, Техас

Фрида Кало родилась 6 июля 1907 года в Мехико, Мексика. Она была наиболее известна своими многочисленными автопортретами. Редкий пример женщины, рисующей свой собственный портрет, она приняла свою культурную самобытность, используя наивные стили народного искусства. Она использовала свое искусство, чтобы исследовать такие темы, как класс, пол и постколониальное мексиканское общество. Она смешала элементы фэнтези с автобиографическим реализмом, чтобы создать свою уникальную интерпретацию мексиканской культуры, и стала уникальным голосом женщин в искусстве.

Автопортрет с терновым ожерельем (1940) Фриды Кало; Ambra75, CC BY-SA 4.0, через Викисклад

Эта картина вызвала большой интерес у историков, так как содержит много символических элементов, которые имели личное значение для Кало.

На этом произведении она смотрит на зрителя лицом к лицу. Позади нее на заднем плане коллекция больших зеленых листьев. Черная обезьяна, кажется, надевает на шею шипастое ожерелье, которое истекает кровью от шипов. Можно увидеть маленькую колибри, прикрепленную к похожим на петлю шипам, а через другое плечо можно увидеть черную кошку.Несмотря на неудобный сценарий, она, кажется, терпеливо переносит боль, выражение торжественного спокойствия на ее лице.

 

Портрет Доры Маар (1941) Пабло Пикассо

Художник	Пабло Пикассо
Год	1941
Средний	Холст, масло
Размеры	128 см x 95 см
Текущее местоположение	Частный коллекционер

Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, Испания.Хорошо известный всем, даже сегодня, Пикассо был одним из пионеров и соучредителей того, что было известно как художественное движение кубизма. Он демонстрировал большие художественные способности с самого раннего возраста, рисуя в основном в натуралистическом стиле в эти ранние годы. В первые десять лет 20-го века его искусство претерпело множество трансформаций, поскольку он экспериментировал с различными стилями и техниками. Он стал более радикальным в своем подходе к искусству, когда его вдохновило движение фовистов, особенно такие художники, как Анри Матисс.

Его уникальный стиль в конечном итоге привел к тому, что Пикассо стал одной из самых известных фигур 20-го века.

В 1938 году Пикассо познакомился с женщиной по имени Дора Маркович, фотографом из Югославии. Она станет моделью для его работы Портрет Доры Маар, , которая считается вехой в женских портретах и ​​изменением того, как можно изображать женщин в произведениях искусства. Дора изображена сидящей в кресле, ее улыбающееся лицо демонстрирует сочетание анфас и профиля, что было отличительной чертой творчества Пикассо.Предлагая зрителю предмет со всех сторон, он смог дать более правдивое изображение человека, чем мог бы статический вид.

 

Blue Marylin (1964) Энди Уорхола

Художник	Энди Уорхол
Год	1964
Средний	Офсетная литография
Размеры	69.2 см х 64,8 см
Текущее местоположение	Музей Тейт

Завершает наш список всемирно известный американский художник Энди Уорхол, который родился в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в 1928 году. Он был режиссером и художником, известным тем, что стирал границы между формами искусства и экспериментировал со смешением сред. . Он наиболее известен своим шелкографическим изображением предметов домашнего обихода, таких как банки с супом. Он считается известной фигурой в современном движении поп-арта, взяв элементы массового производства и китча из коммерческой культуры и применив эстетику изобразительного искусства, чтобы поднять произведение до чего-то ценного и значимого.

Blue Marylin — одно из четырех полотен, созданных в 1964 году под общим названием The Shot Marylins . Они были названы The Shot Marylins после того, как подруга Уорхола, фотограф Дороти Подбер, увидела серию картин, сложенных у стены, и спросила его, может ли она их сфотографировать. Он, естественно, предположил, что она имела в виду камеру, но затем она вытащила небольшой револьвер и выстрелила в стопку картин. Всего было пять картин, но одной из них — той, что с бирюзовым фоном, — в тот момент не было в стопке, и поэтому она не считается одним из произведений, включенных в коллекцию «Выстрел Мэрилинс ».

 

Итак, мы узнали, что женская фигура вдохновляла художников на протяжении всей нашей земной истории. Все самые влиятельные художники своего времени создали изысканные образцы женских портретов в стилях, известных при их жизни, давая нам женское искусство, которое варьируется от реальных стилей до художественных стилей, вплоть до странных и абстрактных.

 

 

Мы создали веб-историю о знаменитых женских картинах.

 

 

Часто задаваемые вопросы

 

Все ли женские картины написаны художниками-мужчинами?

Нет, в этом списке есть несколько замечательных художниц. Каждый из них добавил свою изюминку в движения своих эпох и сумел выделиться даже среди своих коллег-мужчин. Эти женщины включают Фриду Кало и ее автопортреты, великолепные произведения искусства в стиле барокко Артемизии Джентилески и картины Мэри Кассат, изображающие повседневную жизнь богатых женщин ее эпохи.

 

Все ли женские портреты фотореалистичны?

Нет, может быть несколько течений, которые стремились изобразить как можно более реалистично, но большинство женщин в произведениях искусства на протяжении всей истории человечества изображались во многих стилях. Будучи одним из самых распространенных предметов, рисуемых художниками, существует бесчисленное множество вариаций того, как женщины изображаются в искусстве, от импрессионизма до кубизма. От реалистического до фантастического, наши художники всегда любили прославлять чувственные линии и изгибы женских форм в своем искусстве.

 

20 лучших артисток всех времен

1 Элизабет Луиза Виже Лебрен (французская, 1755–1842)

Полностью самоучка, Элизабет Луиза Виже-Лебрен стала художницей, несмотря на серьезные препятствия (как и любая женщина в Париже конца 18-го века) и активно работала в одни из самых неспокойных периодов в европейской истории. С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую академию в возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов.Виже Лебрен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократок, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, впечатляюще получая заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию ​​после урегулирования конфликта.

На фото: Элизабет Луиза Виже-Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).

2 Мэри Кассат (американка, 1844–1926)

Одна из трех женщин-художников и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом, Мэри Кассат также была бесценным консультантом, помогая представить европейское искусство крупным коллекционерам в Соединенных Штатах.Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь. Ее современная женщина мастерски изображена на картине 1878 года In the Loge , первой импрессионистской работе художника, выставленной в Соединенных Штатах. Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как объекты для демонстрации, но главная героиня Кассат играет динамичную роль, наблюдая за происходящим. Тем не менее преобладает мужской взгляд, так как вдалеке седовласый театрал смотрит прямо на нее в собственный бинокль.Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.

На фото: Мэри Кассат, В ложе (1878 г.), МИД Бостона.

3 Хильма аф Клинт (шведка, 1862-1944)

Только когда в Музее Гуггенхайма был проведен масштабный обзор ее работ, Хильма аф Клинт наконец получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были завершены за несколько лет до работ Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана.С октября 2018 года по апрель 2019 года выставка « Хильма аф Клинт: Картины будущего » представляла собой множество больших, ярких, несколько волшебных абстрактных работ и остается самой посещаемой выставкой Гуггенхайма за всю историю.

Родившаяся в Стокгольме, аф Клинт посещала городскую Королевскую академию изящных искусств, которую окончила в 1887 году и впоследствии стала широко известна своими фигуративными работами и работала секретарем Ассоциации шведских женщин-художников. В это время спиритуализм и теософия набирали силу, поскольку люди, в том числе аф Клинт, искали способ примирить религию со многими последними научными достижениями. Эти системы верований вдохновили ее на первую большую группу непредметных, необъективных работ. Названные Картины для храма, , 193 картины были созданы между 1906 и 1915 годами и исследовали дуалистическое восприятие творения, эволюции и вселенной. Аф Клинт, предназначенный для установки в спиральном храме, распорядился, чтобы работы не демонстрировались до 20 лет после ее смерти. Эти картины, наряду с некоторыми из ее более ранних произведений, составляли основную часть выставки в Гуггенхайме — спиральном святилище само по себе.

На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, № 7, Взрослость (1907 г.).

4 Джорджия О’Киф (американка, 1887–1986)

Основополагающая фигура американского модернизма, в 1915 году Джорджия О’Кифф была одной из первых американских художников, создавших чисто абстрактное произведение искусства, в отличие от доминирующего движения американского реализма. В Music, Pink and Blue из 1918 года О’Киф абстрагирует цветочный сюжет с помощью экстремальной обрезки, создавая арку из разноцветных лепестков, которые гудят с музыкальной энергией, подсказанной названием. Теории русского художника Василия Кандинского отчасти вдохновили О’Киф исследовать «идею о том, что музыку можно превратить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних отсылок.

На фото: О’Киф позирует с Pelvis Series Red with Yellow (1945) в Альбукерке, Нью-Мексико, 1960 год.

5 Августа Сэвидж (американка, 1892–1962)

Скульптор-новатор, связанный с Гарлемским ренессансом, Августа Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве.Родившаяся недалеко от Джексонвилля, штат Флорида, Сэвидж переехала в Нью-Йорк в 1921 году, чтобы изучать искусство в Cooper Union, опередив 142 человека в списке ожидания на место в колледже. В 1923 году Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге была отклонена из-за ее расы. Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст У. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего.

В 1929 году ее скульптура ребенка из Гарлема, Gamin, , принесла ей широкое признание и помогла ей получить стипендию для обучения в Академии де ла Гранд Шомьер, расположенной в Париже, где она выставляла свои работы и получила множество наград. Сэвидж вернулась в Соединенные Штаты в 1931 году и основала Студию искусств и ремесел Savage, которая в 1932 году стала Центром искусств сообщества Гарлема. Два года спустя она стала первой афроамериканской художницей, избранной в Национальную ассоциацию женщин. Художники и скульпторы.Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы — она была одной из четырех женщин, получивших заказ на Всемирной выставке 1939 года, — и посвятила свое время обучению искусству окружающих.

На снимке: Августа Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк, 1938 год.

6 Фрида Кало (Мексика, 1907-1954)

Яркие автопортреты Фриды Кало с ее культовыми смелыми монобровями и усами однажды были описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «ленты вокруг бомбы».Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В «Двух Фридах (Las dos Fridas)» 1939 года, завершенной вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две свои личности — одну в традиционном костюме техуаны со сломанной шеей. сердце, а другой в современной одежде, независимый, с полным сердцем.Постоянное переделывание и наслоение Кало собственной личности было важным предшественником политики идентичности и продолжает вдохновлять художников сегодня.

На фото: Фрида Кало, Две Фриды (Las dos Fridas) (1939), экспозиция 2007 г.

7 Луиза Буржуа (французская, 1911-2010)

Луиза Буржуа родилась в Париже в семье, занимавшейся реставрацией гобеленов, и выросла, помогая им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах. Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась к искусству, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры.Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась с абстрактными экспрессионистами и исследовала в своих работах такие темы, как одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное.

В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа наконец-то получила шанс проявить себя, когда в Музее современного искусства была представлена ​​ретроспектива ее работ, на которой были представлены искаженные человекоподобные фигуры, подвешенные к проводам; тканевые творения из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которыми ее больше всего помнят сегодня.

На снимке: Луиза Буржуа, Maman (1999), сфотографирована в Гамбурге, Германия, в 2012 году.

8 Агнес Мартин (канадка, 1912-2004)

Агнес Мартин, часто ассоциируемая с минималистским движением, существовала в своей собственной лиге и не поддается простой категоризации. Сильно личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины приходят к ней полностью сформированными, размером с почтовые марки, которые она переводит на крупномасштабные холсты.Блестящая золотая икона Friendship 1963 года является великолепным примером оригинальной сетки художника. Тонко прочерченные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при ближайшем рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством — воплощение трансцендентного спокойствия. Ретроспектива работ Мартина открывается в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке в октябре 2016 г.

9 Леонора Кэррингтон (британка-мексиканка, 1917-2011)

Художница и писательница, известная своими сюрреалистическими работами, Леонора Кэррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфанта в Лондоне. В том же году она посетила Международную Выставка сюрреалистов и была обращена к творчеству немецкого художника Макса Эрнста. В следующем году они встретились на вечеринке и закрутили короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден бежать от преследований.Он бежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.

Вскоре после того, как они расстались, Кэррингтон была госпитализирована с психическим расстройством и лечилась сильнодействующими препаратами. После освобождения она бежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество. Ее очень автобиографические картины содержат отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображая фантастических существ и преследующие сцены. В 1970-х она стала участником Движения за освобождение женщин и в 1973 году разработала плакат под названием « Mujeres Conciencia, ».В 1986 году она получила награду Lifetime Achievement Award на съезде Women’s Coucus for Art в Нью-Йорке за приверженность политической деятельности.

На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуайна (1959).

10 Элейн Стертевант (американка, 1924–2014 гг.)

Произведения Элейн Стертевант (известной по фамилии) вызывают двоякое впечатление; то, что на первый взгляд кажется картиной Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой формы и приемы оригинала заимствованы с пугающей точностью.С 1964 года Стертевант использовала работы своих современников-мужчин, чтобы поставить под сомнение иерархию пола, оригинальности и авторства, а также структуры искусства и культуры. На самом деле Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего производителя экранов для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он говорил людям «спросить Элейн».

На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), проданный на Christie’s в 2015 году.

11 Бетье Саар (американка, 1926 г.р.)

Одна из самых известных художниц в области ассамбляжа, Бетье Саар — настоящая икона в сфере современного искусства. Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончила в 1947 году со степенью в области дизайна, но со страстью к гравюре. В 1967 году она посетила выставку скульптора по найденным предметам Джозефа Корнелла, которая радикально повлияла на ее творческую траекторию.Она начала выстилать коробки для сборки своими собственными отпечатками и рисунками и заполнять их найденными предметами, создавая предметы, посвященные расе и текущим событиям.

После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего в 1968 году ее работа стала более откровенно политической и экстремальной. В 1970-е годы Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и озвучить опыт черных. В ее самой известной работе, «Освобождение тети Джемаймы » (1972), изображена кукла-мама, вооруженная винтовкой и гранатой, готовая бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежительными стереотипами, навязанными чернокожим американцам. Как объяснил Саар: «Моя цель как художника — создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга — это буквально спектр цветов, а духовно символ надежды и обещания».

На фото: Бетье Саар, Brides of Bondage , на выставке в колледже Седлбэк в Мишн-Вьехо, Калифорния, 1998 год.

12 Хелен Франкенталер (американка, 1928–2011)

Прорывная картина «пятно» Хелен Франкенталер, Горы и море, 1952 года, сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля. В первую очередь колорист, Франкенталер выливал банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитываться в основу, образуя аморфные формы. Будучи женщиной абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась сквозь движение, в котором доминировали мужчины, и позволила услышать свой собственный уникальный художественный голос. Ее работы в настоящее время являются частью давно назревшей выставки под названием «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Художественном музее Денвера в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.

На фото: Хелен Франкенталер c. 1956.

13 Яёи Кусама (яп., Б.1929)

Королева в горошек Яёи Кусама была значительной силой авангардного искусства в 1960-х годах и продолжает раздвигать границы искусства — даже в моде благодаря ее недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «хэппенинги» 1960-х годов были новаторскими, в частности «Сад нарциссов» 1966 года, которые художница представила на мировой сцене на Венецианской биеннале. Спонсируемый коллегой-художником Лучио Фонтаной, Кусама собрал 1500 серебряных шаров — трехмерных точек в горошек — на лужайке и предложил их для продажи посетителям по 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализации мира искусства.

На фото: Яёи Кусама, Narcissus Garden (1966), на выставке в Chatsworth House в Чатсуорте, Англия, 2009 г.

14 Джуди Чикаго (американка, 1939 г.р.)

Отдавая дань уважения выдающимся женщинам в истории, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго ушла значительно дальше во времени, чем Париж конца 18-го века. В The Dinner Party с 1974 по 1979 год в Чикаго была создана культовая инсталляция, посвященная 1038 женщинам в истории, с вышитыми входными знаменами, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервировкой для 39 женщин, с гостями, начиная от Изначальной Богини. в Джорджию О’Киф.В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданным в ключевой период 1970-х годов, когда женщины-художницы решали проблемы гендера во всеоружии.

На фото: Джуди Чикаго, Званый ужин (1974-1979), Бруклинский музей.

15 Марина Абрамович (серб, 1946 г.р.)

Марина Абрамович, самопровозглашенная бабушка перформанса, развивает свою практику уже более пяти десятилетий.Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих родителей, тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.

Она начала изучать искусство перформанса в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратившись в медиум, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией. Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, состоящая из длинных рутин, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует такие темы, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.

В 1976 году Абрамович начала сотрудничать с немецким художником Улаем, и они оставались творческими и романтическими партнерами до 1988 года, когда она обнаружила, что он изменил ей. В 2010 году Абрамович поставил перформанс на выносливость в Музее современного искусства под названием «Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела на одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго поучаствовать в молчаливых встречах. Удивив Абрамович и тронув ее до слез, Улай сел с другой стороны стола, и они разделили трогательный момент после более чем 20-летнего молчания.

На фото: Марина Абрамович исполняет Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.

16 Адриан Пайпер (американец, 1948 г.р.)

«Дорогой друг, я черный. Я уверен, что вы не осознавали этого, когда делали/смеялись/согласились с этим расистским замечанием», — говорится в My Calling (Card) №1 Адриана Пайпера с 1986 по 1990 год. Художник-концептуалист и перформансист, Пайпер является первопроходцем в решении острых вопросов, связанных с полом и расой. В своей серии «Мифическое существо » Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, разоблачая абсурдность стереотипов общества.

Будучи светлокожей чернокожей художницей, ее конфронтационные работы остаются чрезвычайно пророческими и значимыми сегодня, заставляя нас подвергать сомнению социальную иерархию и восприятие идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале ^{в 2015 году за свою работу The Probable Trust Registry , состоящую из киосков корпоративного вида, в которых посетители могли подписать контракты, соглашаясь жить по установленным правилам. правил, поощряющих личную ответственность.}

На снимке: Эдриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году.

17 Мэрилин Минтер (американка, 1948 г. р.)

Стирая границы между чувственностью и гротеском, фотореалистичные работы Мэрилин Минтер обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов. Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленку, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее окончательная картина.

Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать безвкусные сцены, связанные с женским домашним хозяйством, такие как кухонный пол и различные продукты питания. В 80-х она сосредоточила свой объектив на более чувственных темах, а именно на женском теле и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были — и остаются — окутаны публичным дискомфортом. Сочетая в себе элементы изящной фэшн- и бьюти-фотографии и яркие рекламные образы, работа Минтера сопоставляет понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепительные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желательными реалиями (потом, слюной, волосами и грязью).

На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009), на выставке в ее студии в Нью-Йорке в 2009 году.

18 Синди Шерман (американка, 1954 г.р.)

Важный художник «Поколения картинок», группы американских художников начала 70-х, известных своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие пол и идентичность.Работая режиссером, визажистом, парикмахером, стилистом, моделью, сценографом и фотографом, художница превращается в сложных персонажей и снимает себя в не менее сложных сценах.

После окончания Университета штата Нью-Йорк в Буффало Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа. Вскоре после прибытия она начала работать над безымянными кадрами из фильма (1977-80), своим ныне культовым сериалом, в котором она появляется в самых разных обличьях и декорациях, изображая женские стереотипы, встречающиеся в кино и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наиф .С тех пор она продолжала перевоплощаться во множество персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.

На протяжении всей своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper’s BAZAAR . В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля для сатирической статьи в мартовском номере Bazaar .

На фото: Синди Шерман, Untitled #414 , (2003), на выставке в Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.

19 Ширин Нешат (иранка, 1957 г.р.)

Родившаяся в Казвине, Иран, Ширин Нешат переехала в Соединенные Штаты в 1974 году, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли, получив степень бакалавра и магистра изящных искусств в 1983 году. Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк, где 10 лет проработал в Магазине искусства и архитектуры. Только вернувшись в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.

Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин. Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными и, в моем личном случае, родом из Ирана, страны, которая подорвала основные права человека, особенно после исламского революции, я неудержимо стремился к созданию искусства, связанного с проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости.Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечности».

Ее первые видеоинсталляции — Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) — исследовали гендер и общество, в частности ограничения исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм « Махдохт » (2004 г. ), основанный на романе Шахрнуш Парсипур « женщин без мужчин, », также по теме.Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свою работу, в том числе Международной премии Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру Венецианского кинофестиваля 2009 года.

На фото: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 год.

20 Микалин Томас (американка, 1971 г.р.)

Наиболее известная своими коллажными картинами, Микалин Томас создает яркие портреты и детализированные интерьеры, затрагивающие такие темы, как сексуальность, раса, красота и гендер, и исследует, как представление женщин в популярной культуре влияет на наше определение женственности.Используя стразы, которые служат аналогией женственности, Томас привлекает внимание к определенным компонентам своих изделий (волосы, обувь и т. д.) и просит зрителей задуматься о том, что обычно характеризует женственность.

Вдохновленная множеством течений, включая импрессионизм, кубизм и дадаизм, художница часто ссылается на фигуративные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая героинь в популяризированных ею позах. предшественников-мужчин в попытке ниспровергнуть их представление о женщинах как о объектах.

Член Post-Black Art Movement, категории современного афроамериканского искусства, Томас имеет степень бакалавра искусств Института Пратта и степень магистра искусств Йельской школы искусств, а также работает в области фотографии, видео, скульптуры и инсталляций.

На фото: Микалин Томас позирует в Artists’ Studios в Нью-Йорке, 2008 год.

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти дополнительную информацию об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

12 известных женщин-художников, о которых вам нужно знать, если вы увлекаетесь историей искусства

История искусства усеяна именами великих людей — Леонардо да Винчи, Винсента Ван Гога, Пабло Пикассо и т. д. Но как насчет женщин кто помог сформировать визуальную историю мира? Как и во многих других областях, женщинам исторически не рекомендовалось делать карьеру в искусстве, но есть много невероятных женщин, которые выстояли. У этих известных художниц больше общего, чем их пол и карьерный путь — все они сами по себе являются первопроходцами, преодолевая множество барьеров в своей личной и общественной жизни.

Конечно, эти женщины, скорее всего, были бы недовольны включением в список женщин-художников, предпочитая, чтобы их ценили как художников вне их пола. К сожалению, поскольку женщины продолжают бороться за равенство во всех областях, эти выдающиеся артисты часто упоминаются с точки зрения их пола.К счастью, больше, чем когда-либо, этих выдающихся женщин противопоставляют их сверстникам-мужчинам, и они получают положительное признание за их вклад в историю искусства. Такие организации, как Advancing Women Artists, работают над тем, чтобы женские таланты прошлого не остались за бортом книг по истории.

Взгляд на некоторых великих художниц прошлого — это также хронология истории искусства. Женщины были ведущими фигурами в каждом художественном движении от итальянского Ренессанса до американского модернизма и далее. Прокладывая свой путь через историю искусства — от придворной художницы 16-го века для короля Филиппа II до иконы 20-го века Фриды Кало — давайте взглянем на силу, характер и талант этих исключительных женщин.

Если вы любитель искусства, вот 12 известных художниц, которых вам нужно знать.

 

Софонисба Ангиссола (1532–1625)

«Трое детей с собакой» Софонисбы Ангвиссолы. около 1570-1590 гг. (Фото: Викимедиа, общественное достояние)

Художник Софонисба Ангиссола был первопроходцем итальянского Возрождения.Родившись в относительно бедной дворянской семье, ее отец позаботился о том, чтобы она и ее сестры получили всестороннее образование, включающее изобразительное искусство. Это включало ученичество у уважаемых местных художников. Это создало прецедент для будущих художниц, которые до этого момента обычно ходили в ученики только в том случае, если у члена семьи была мастерская. Талант Ангвиссолы привлек внимание Микеланджело, с которым она осуществляла неформальное наставничество посредством обмена рисунками.

Хотя ей как художнице не разрешалось изучать анатомию или практиковаться в рисовании моделей из-за кажущейся вульгарности, ей все же удалось сделать успешную карьеру.Во многом своим успехом она обязана своей роли художницы при дворе короля Испании Филиппа II. В течение 14 лет она развивала свои навыки как в официальной придворной портретной съемке, так и в более интимных портретах знати. Ее картины известны тем, что передают дух и яркость ее натурщиков, и теперь их можно найти в коллекциях по всему миру.

 

Артемизия Джентилески (1593–1653)

«Автопортрет как аллегория живописи» Артемизии Джентилески.1638–39. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Будучи дочерью известного художника, Артемизия Джентилески получила доступ к миру искусства в юном возрасте. Вначале она смешивала краски в мастерской своего отца, и он поддержал ее карьеру, когда заметил, что она исключительно одарена. Как известная художница периода итальянского барокко, Артемизия Джентилески не позволяла своему полу удерживать ее от предмета. Она рисовала масштабные библейские и мифологические картины, как и ее коллеги-мужчины, и была первой женщиной, принятой в престижную Академию изящных искусств во Флоренции.

Ее наследие иногда затмевается ее биографией, а ее кровавые изображения Юдифи и Олоферна  часто интерпретируются через призму ее изнасилования руками коллеги-художника. Тем не менее, ее талант неоспорим, и она по-прежнему известна своим реалистичным изображением женских форм, глубиной цветов и поразительным использованием света и тени.

 

Джудит Лейстер (1609–1660)

«Счастливая парочка» Джудит Лейстер.1630. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Родилась в Харлеме, Джудит Лейстер была ведущей художницей Золотого века Голландии. Типичный для голландских художников этого периода, Лейстер специализировался на жанровых картинах, натюрмортах и ​​портретах. Подробности ее художественного образования неясны, но она была одной из первых женщин, принятых в гильдию художников Харлема. Позже она провела успешный семинар с несколькими учениками-мужчинами и была известна непринужденным, неформальным характером своих портретов.

Несмотря на то, что она была довольно успешной при жизни, ее репутация пострадала после ее смерти из-за неудачных обстоятельств. Все ее творчество было выдано за произведение либо ее современником Франсом Хальсом, либо ее мужем. Во многих случаях ее подпись скрывали коллекционеры, стремящиеся получить прибыль из-за высокой рыночной стоимости работ Франса Хальса. Только в конце 19 века эти ошибки были обнаружены, и ученые начали вновь ценить мастерство Лейстера как художника.

 

Элизабет Виже Ле Брун (1755–1842)

«Автопортрет в соломенной шляпе» Элизабет Виже Лебрен. 1782. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Французский художник-портретист Элизабет Виже Ле Брун создала впечатляющее количество работ, насчитывающих около 1000 портретов и пейзажей. Будучи дочерью художника, она получила раннее обучение от своего отца и уже в подростковом возрасте профессионально рисовала портреты. Большой прорыв в ее карьере произошел, когда она была названа художником-портретистом Марии-Антуанетты, а позже ей было разрешено поступать в многочисленные художественные академии.

Ее картины перекрывают разрыв между театральным стилем рококо и более сдержанным неоклассическим периодом. Она пользовалась постоянным успехом в своей карьере, даже находясь в изгнании после Французской революции, поскольку была любимым художником аристократии по всей Европе. Ниттерс наслаждалась ее способностью успокаивать их, что привело к созданию портретных картин, которые были живыми и лишенными жесткости.Естественная, непринужденная манера ее портретов считалась революционной в то время, когда портретная живопись часто требовала формальных изображений высших классов.

 

Роза Бонёр (1822–1899)

«Ярмарка лошадей» Розы Бонёр. 1852–55. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Как и многие женщины-художницы, Отец Розы Бонёр был художником. Французская художница-реалистка считается одной из самых известных художниц 19 века, известной своими крупноформатными картинами с изображением животных.Она регулярно выставлялась в известном парижском салоне и добилась успеха за границей как в Соединенных Штатах, так и в Великобритании. Бонёр провела много времени, зарисовывая живых животных в движении, что объясняет ее замечательную способность запечатлевать их сходство на холсте.

Bonheur также известен тем, что ломает гендерные стереотипы. С середины 1850-х годов она носила мужскую одежду, даже получив на это разрешение полиции. Хотя ее часто критиковали за то, что она носила брюки и свободные блузки, она продолжала носить их на протяжении всей своей жизни, ссылаясь на их практичность при работе с животными.Она также была открытой лесбиянкой, сначала прожив с партнером Натали Микас более 40 лет, а затем, после смерти Микаса, наладила отношения с американской художницей Анной Элизабет Клампке. Живя своей жизнью открыто в эпоху, когда правительство осуждало лесбиянство, Бонёр заявила о себе как о новаторской личности как в своей карьере, так и в личной жизни.

 

Берта Моризо (1841–1895)

Берта Моризо «Дама за туалетом». 1875 г.(Фото: Википедия, общественное достояние)

Считающаяся одной из великих женщин-импрессионистов, Берта Моризо искусство текло по ее венам. Она родилась в аристократической французской семье и была внучатой ​​племянницей знаменитого художника рококо Жана-Оноре Фрагонара. Сначала она выставляла свои работы в уважаемом парижском салоне, прежде чем присоединиться к первой выставке импрессионистов с Моне, Сезанна, Ренуара и Дега. У Моризо особенно близкие отношения с Эдуаром Мане, который написал несколько ее портретов, и в конце концов она вышла замуж за его брата.

Ее искусство часто было сосредоточено на домашних сценах, и она предпочитала работать пастелью, акварелью и углем. Работая в основном в небольших масштабах, ее легкие и воздушные работы часто критиковали как слишком «женственные». Моризо написала в своем дневнике о своей борьбе за то, чтобы ее воспринимали всерьез как художницу, заявив: «Я не думаю, что когда-либо был мужчина, который обращался с женщиной как с равной, и это все, о чем я бы просил, потому что я знаю, что я Я стою столько же, сколько и они.

 

Мэри Кассат (1844–1926)

«Купание ребенка» Мэри Кассат.1893 г. (Фото: Википедия, общественное достояние)

Американская художница Мэри Кассат провела взрослую жизнь во Франции, где стала неотъемлемой частью группы импрессионистов. Кассат родилась в обеспеченной семье, которая поначалу протестовала против ее желания стать художницей. В конце концов она бросила художественную школу из-за того, что ее разочаровало отдельное отношение к ученицам: они не могли использовать живых моделей и вынуждены были рисовать по слепкам.

Переехав в Париж в возрасте 22 лет, Кассат искала частное ученичество и проводила свободное время, копируя картины старых мастеров в Лувре.Карьера Кассат уже пошла в гору, когда она присоединилась к импрессионистам и подружилась с Дега на всю жизнь. В то же время она была откровенна в своей тревоге по поводу официальной системы искусства, которая, по ее мнению, требовала от женщин-художников флиртовать или дружить с покровителями-мужчинами, чтобы двигаться вперед. Она создала свой собственный карьерный путь с импрессионистами, осваивая пастель для создания мягких, легких работ, в которых часто выделялись женщины, выступающие в роли опекунов. На протяжении всей своей жизни Кассат продолжала поддерживать равенство женщин, даже участвуя в выставке в поддержку избирательного права женщин.

 

Джорджия О’Киф (1887–1986)

Будучи художницей в авангарде американского модернизма, Джорджия О’Киф является одной из самых знаменитых женщин-художниц в истории. Ее ранние рисунки и картины привели к смелым экспериментам с абстракцией, когда она сосредоточилась на живописи, чтобы выразить свои чувства, открыв эру «искусства ради искусства». При жизни ее карьера была тесно связана с мужем Альфредом Штиглицем. В то время как известный фотограф поддерживал идею о том, что американское искусство может сравниться с европейским и что женщины-художники могут создавать искусство не менее мощное, чем мужчины, он также препятствовал интерпретации ее работ.

Стиглиц рассматривал творчество как выражение сексуальности, и эти мысли в сочетании с его интимными портретами О’Киф подтолкнули к мысли, что ее картины с цветами крупным планом были метафорами женских гениталий. Это концепция, которую художница всегда отрицала, хотя ее работы, несомненно, чувственны. О’Киф провела большую часть своей карьеры, борясь с интерпретацией своего искусства исключительно как отражение ее пола. На протяжении всей своей жизни она отказывалась участвовать в чисто женских художественных выставках, желая, чтобы ее определяли просто как художницу, свободную от пола.

 

Тамара де Лемпицка (1898–1980)

Польская художница Тамара де Лемпицка известна своими очень стилизованными портретами и обнаженными телами, олицетворяющими эпоху ар-деко. Де Лемпицка провела большую часть своей карьеры во Франции и Соединенных Штатах, где ее работа была одобрена аристократами. Одна из ее самых известных картин, Автопортрет в зеленом Bugatti , иллюстрирует холодный и отстраненный характер фигур Де Лемпицки. В работе, созданной для обложки немецкого модного журнала, Де Лемпицка излучает независимость и неприступную красоту.

Ее картины часто содержали рассказы о желании, соблазнении и современной чувственности, что делало их революционными для своего времени. Де Лемпицка пользовалась успехом до начала Второй мировой войны, но интерес к ее работам возродился, когда в 1960-х годах ар-деко снова стал популярным. Ее сразу узнаваемый стиль делает ее особенно любимой среди поклонников художников ар-деко, и сегодня ее работы популярны как никогда, а Мадонна является известным коллекционером ее картин.

 

Фрида Кало (1907–1954)

В настоящее время нет другой художницы 20-го века с таким узнаваемым именем, как Фрида Кало . В то время как драма ее трагического несчастного случая в молодости и ее бурные отношения с мужем Диего Риверой иногда затмевали ее художественные способности, нельзя отрицать силу ее живописи. Она особенно известна своими автопортретами, посвященными темам личности, страданий и человеческого тела.

Хотя при жизни о ней иногда писали исключительно как о «жене Диего Риверы», после ее смерти ее творчество только набирало обороты. Самые известные картины Фриды Кало принадлежат важным художественным музеям мира, а сама она завоевала статус поборницы феминисток, чиканос и ЛГБТ-сообщества.

 

Хелен Франкенталер (1928–2011)

Выросла на Манхэттене, Хелен Франкенталер изучала живопись в Далтонской школе и Беннингтонском колледже.Она начала свою обширную выставочную карьеру в 1952 году, выставив свою картину « Горы и море ». Учась у художника Ганса Хоффмана, будучи молодой художницей, она стала важной фигурой в художественном движении абстрактного экспрессионизма. Ее картины отличались красочными, органическими формами. В первые годы ее карьеры эти композиции, как правило, были сосредоточены на холсте. К 1960-м годам работы Франкенталера часто занимали все полотно. Ее шестидесятилетняя работа демонстрирует постоянную эволюцию стиля.

Сегодня Франкенталера помнят как пионера живописи цветового поля — стиля, в котором большие полосы цвета используются в качестве «предмета» картины. Чтобы добиться эффекта яркого цвета, Франкенталер разбавляла краски скипидаром перед нанесением их на незагрунтованное полотно. Результатом этого метода «замачивания пятен» стал почти акварельный вид с цветом, встроенным в органические слои. Ее и подобные работы были включены в знаменитую выставку 1964 года, организованную искусствоведом Клементом Гринбергом, под названием Post-Painterly Abstraction .Сегодня ее работы можно найти в большинстве крупных американских художественных музеев.

 

Июньский лист (с 1929 г. по настоящее время)

instagram.com/p/B4u8vWbg9bn/?utm_source=ig_embed&utm_campaign=loading» data-instgrm-version=»13″>

Родилась и выросла в Чикаго, Июнь Лиф непродолжительное время обучалась в Институте дизайна IIT, прежде чем в нежном возрасте 18 лет начала самостоятельное обучение в Париже. В 1954 году она вернулась в Иллинойс, чтобы получить степень бакалавра и магистра. степени в области художественного образования. Однако в 1958 году она вернулась в Париж, получив финансирование от программы Фулбрайта.С годами она разработала аллегорический стиль в нескольких средах. С помощью рисунков пером и тушью, картин на холсте и кинетической скульптуры работы Листа охватывают абстрактное и необычное. В ее работах часто изображено человеческое тело, часто с участием ее собственных воображаемых рук.

Лиф и ее муж — кинорежиссер и фотограф Роберт Франк — делят свое время между квартирой на Бликер-стрит в Нью-Йорке и рыбацким коттеджем в Новой Шотландии. В 2016 году Музей американского искусства Уитни провел ретроспективу ее работ под названием « июньский лист: мысль бесконечна ». Хотя Фрэнк скончался в 2019 году, Лиф продолжает творить. В интервью 2016 года журналу Women’s Wear Daily она описала свою работу как процесс поиска. Она сказала: «Может быть, я не хочу общественного признания. Я хочу выжить с той целостностью, которая так драгоценна для меня. Тот факт, что я смог нарисовать этот рисунок [указывая на мольберт], заставил меня подумать: «О, хорошо, ты все еще ученый, который может изобрести что-то, что сопутствует твоей жизни».

 

Эта статья была отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

Онлайн-база данных включает незамеченных женщин-художников 15-19 веков

Расширение возможностей художественной книги о женщинах-художницах, которых не замечают музеи

9 смелых и влиятельных женщин, которые сформировали мир искусства

8 культовых художников и их любимые сюжеты, вдохновившие их

Первые американские художницы II

Женщины-пионерки живописи

В девятнадцатом веке женщины-художницы подписывали свои работы инициалами и фамилиями, чтобы скрыть свой пол. Они не добились значительного прогресса до второй половины 19 века, но постепенно стали силой на американской художественной сцене, завоевав престижные комиссии и награды.

Изображение: Пейзаж скалистой реки (1881 г.)
Джули Харт Бирс

Джули Харт Бирс

(1835–1913)
Джули Харт Бирс, художница школы реки Гудзон, была одной из очень немногих профессиональных женщин-пейзажистов в Америке девятнадцатого века и единственной, добившейся известности.Первые уроки рисования Бирс брала у двух своих старших братьев, Джеймса и Уильяма, которые уже были известными художниками. Джеймс изучал искусство в Европе, прежде всего в Германии, а Уильям несколько лет учился в Великобритании.

Позже Бирс делила студию со своим напарником Джеймсом в Нью-Йорке; а после смерти мужа Джули и ее дочери жили с Уильямом в Бруклине, штат Нью-Йорк, с 1860 по 1876 год. В 1876 году Бирс вышла замуж за врача доктора Питера Терциуса Кемпсона. Бирс и ее дочери присоединились к Dr. Кемпсон в Метучене, штат Нью-Джерси, где Бирс открыла студию и продолжала рисовать и выставлять свои работы.

Национальная академия дизайна впервые выставила работы Бирс в 1867 году и включила ее картины в свои ежегодные выставки в течение двенадцати лет между 1867 и 1885 годами. Она также выставлялась в Бостонском Атенеуме в 1867 и 1868 годах и в Пенсильванской академии изящных искусств. в 1868 году. Уильям Гердтс наблюдал в женщинах-художницах Америки, 1707–1964 :

[Джули Харт Бирс] стала единственной художницей века, специализирующейся на пейзажах.Возможно, неудивительно, что так мало женщин-пейзажистов, поскольку суровость рисования на открытом воздухе и непристойность женщин, занимающихся этой деятельностью в викторианскую эпоху, служили сдерживающим фактором.

Несмотря на то, что в свое время ее почти не ценили, благодаря своему таланту и самоотверженности она создала выдающиеся произведения искусства и открыла новые горизонты для женщин-пейзажистов, которые последовали за ней.

Жермен Грир написала в статье для The Guardian :

Никогда не понимал, почему еще женщины не рисуют пейзажи.Исторически сложилось так, что многие из них писали картины карандашом или пером, тушью и смывкой, но практически никто никогда не брался за то, чтобы превратить точку зрения в картину. Шесть дочерей шотландского художника-пейзажиста Александра Нэсмита [1759–1840] учились у отца рисовать в его второсортной манере; их никогда не поощряли к созданию собственных композиций. Причина не имеет ничего общего с зрительно-моторной координацией, отсутствием синапсов или карликовыми дендритами у самок этого вида. Это связано с авторитетом, с актом обрамления черты видимого мира и отделения ее.

Энн Холл

(1792–1863)
Энн Холл была художницей, родившейся в Коннектикуте в 1792 году. Семья поощряла ее художественные таланты. В юном возрасте она экспериментировала с рисованием цветов и натюрмортов. Холл посетила семью своей матери в Ньюпорте, штат Род-Айленд, и научилась рисовать и рисовать маслом, а также делать миниатюры акварелью на слоновой кости у одного из учителей Гилберта Стюарта, Сэмюэля Кинга. Миниатюры считались наиболее подходящими для женщин-художников в начале девятнадцатого века, как и в восемнадцатом, когда Генриетта Джонстон (ум.1728-1729) стала первой американской профессиональной художницей.

Примерно в 1808 году Холл изучал масляную живопись у Александра Робертсона в Нью-Йорке. Во время работы в его мастерской она просматривала картины старых мастеров из коллекции полковника Джона Трамбалла, художника и личного секретаря Джона Джея. К 1817 году Холл отправляла свои работы в Американскую академию изящных искусств. Большинство ее ранних представлений были миниатюрами, изображающими членов семьи.

Изображение: Энн Холл, ее сестра Элиза Холл Уорд и ее племянник Генри Холл Уорд
Энн Холл нарисовала этот групповой портрет на куске слоновой кости размером всего 4 1/4 x 4 1/4 дюйма!

В середине 1820-х годов Энн Холл переехала в Нью-Йорк, где жила со своей сестрой Элизой Холл Уорд и ее мужем Генри Уордом.Дом Элизы был центром культуры, и многие известные личности 1820-х, 1830-х и 1840-х годов, побывавшие там, позировали Энн, тем самым расширив круг ее покровителей и сторонников.

Энн Холл была описана как самый успешный художник-миниатюрист, работавший в Нью-Йорке начала девятнадцатого века, и ей приписывают возрождение техники рисования миниатюр на слоновой кости в Соединенных Штатах. Высокие цены, заплаченные за ее миниатюры, и ее популярность при жизни свидетельствуют о значимости ее карьеры.В 1833 году она была избрана действительным членом Национальной академии дизайна, став первой женщиной, удостоенной такой чести.

Женщины в искусстве

женщины-художницы были активными участниками искусства новой американской республики. Художественные академии начали открываться в начале девятнадцатого века, но женщин не принимали в качестве студенток в течение нескольких десятилетий; им приходилось учиться на частных уроках и экспериментах.

Академия изящных искусств Пенсильвании в Филадельфии представила женщин на своей первой выставке в 1811 году.Анна и Сара Мириам Пил были избраны в Академию в 1824 году; к 1844 году женщины были постоянными студентками. В Национальной академии дизайна в Нью-Йорке 6 процентов художников, выставлявшихся между 1826 и 1860 годами, были женщинами. Академия регулярно принимала женщин с 1846 года.

Джейн Стюарт

(1812-1888)
Гилберт Стюарт учил рисовать учеников, но не собственных детей. Его младший ребенок, Джейн, работала в его студии, заполняя фоны его картин, растирая пигменты и обучаясь, пока он учил других.Со временем она начала копировать его работы. Бостонский Атенеум выставил одну из ее картин в 1827 году, когда ей было пятнадцать.

Изображение: Джордж Вашингтон
Джейн Стюарт

Когда Гилберт Стюарт умер в следующем году, он был по уши в долгах, оставив после себя имущество стоимостью всего 375 долларов. Джейн взяла на себя финансовую ответственность за семью. Джейн открыла студию в Бостоне и поддерживала свою мать и трех сестер, продавая копии работ своего отца, особенно его последний портрет Джорджа Вашингтона, а также собственные оригинальные портреты.

С 1827 по 1870 годы ее работы часто выставлялись в Музее и школе Национальной академии в Нью-Йорке и в Бостонском Атенеуме.

В 1850-х годах студия Стюарт сгорела дотла, и она переехала в свой семейный дом в Ньюпорте, штат Род-Айленд. Она продолжала рисовать, но всегда была стеснена в средствах. Она поддерживала приличия, продолжая продавать оригинальные картины своего отца и свои репродукции с них.

Сьюзан Кэтрин Мур Уотерс

Сьюзан Уотерс (1823–1900) посещала женскую семинарию в Френдсвилле, штат Пенсильвания, где ее считали вундеркиндом.Сьюзен помогла оплатить расходы, предоставив рисунки для своего класса естественной истории в возрасте 15 лет.

Изображение: Маяк на берегу (1884 г.)

В возрасте семнадцати лет Сьюзен вышла замуж за квакера Уильяма Уотерса, здоровье которого не позволяло ему работать. Будучи женой человека со слабым здоровьем, Уотерс, как и ее близкая современница Лилли Мартин Спенсер, взяла на себя бремя обеспечения семьи и соперничала в мужской профессии. Она не получила формального обучения, но научилась экспериментировать.Поэтому ее стиль постоянно менялся, становясь все более уверенным и утонченным, на протяжении всей жизни.

Сьюзен Кэтрин Мур Уотерс обеспечивала доход семьи как странствующий художник-портретист, путешествуя по северной Пенсильвании и южному Нью-Йорку в течение трех лет (1843-1845). В то время были и другие странствующие художники, но женщин среди них было очень мало. Поскольку ее портреты обеспечивали финансовую безопасность, она расширила круг своих сюжетов, включив в нее пейзажи, морские пейзажи и животных.

В 1866 году Уотерс навсегда поселился в Бордентауне, штат Нью-Джерси. Она начала получать национальное признание, и в 1876 году ее пригласили выставиться на Столетней выставке в Филадельфии.

Одна из ее картин, Дочери доктора Линкольна , была недавно обнаружена и продана на аукционе более чем за 90 000 долларов — к большому удивлению владельца. Сейчас он висит в Бостонском музее изящных искусств.

Фиделиа Бриджес

(1834-1932)
Фиделия Бриджес была одной из самых успешных американских художниц 1870-х годов, когда она была избрана членом Национальной академии и приглашена повесить свои картины в Художественной галерее столетней выставки в Филадельфии в 1876 году. .Ее творческая жизнь длилась пятьдесят лет, с момента ее дебюта в Пенсильванской академии в 1862 году до 1912 года, когда она перестала выставлять работы на всеобщее обозрение. Она создала более тысячи образов и выставила несколько сотен из них.

Изображение: Фотография Фиделии Бриджес, 1864 г.
Оборудование для рисования в полевых условиях
Архив американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия

В эпоху Реконструкции (1863–1877 гг.) американские женщины стали получать доступ к более широкому участию в мире искусства – такие женщины, как Элиза Грейторекс, Эдмония Льюис, Винни Рим.Фиделия Бриджес была одной из немногих среди них, которые почти исключительно занимались природой. Она изучала крупным планом травы, папоротники, цветы и птиц, например, в «Районах и клевере» (1871 г.) и «Дрозд в диком цветке» (1874 г.).

Фиделия Бриджес подружилась с американским скульптором Энн Уитни и ее спутницей Аделин Мэннинг, художницей из Бостона. Уитни призвала Бриджес заниматься своим искусством. Бриджес изучал искусство в Филадельфии у Уильяма Троста Ричардса, который был известен своими реалистическими картинами Белых гор; он взял Фиделию под свое крыло.Она открыла студию в Филадельфии, и коллекционеры стали покупать ее работы. В 1865 году она вместе с Энн Уитни основала студию в Бруклине.

В конце Гражданской войны Бриджес в течение года изучал искусство в Риме; Затем американским художникам пришлось отправиться учиться в Европу, потому что в Соединенных Штатах не было публичных коллекций великих произведений искусства. Фиделия путешествовала с Уитни и Мэннингом, которые были частью круга американских женщин-экспатриантов актрисы Шарлотты Кушман.

Фиделия вернулась в Соединенные Штаты в 1868 году, где выставила свои акварели с цветами и птицами в Национальной академии дизайна. Она написала некоторые из своих лучших работ в Стратфорде, штат Коннектикут, где болота и луга вдоль реки Хаусатоник дали ей много возможностей для рисования.

Фиделия Бриджес была описана в книге известных американских женщин, 1607-1950 :

.

Вскоре она стала знакомой деревенской фигурой: высокая, элегантная, красивая даже в свои шестьдесят, ее волосы зачесаны назад, ее одежда всегда официальна, даже когда она рисует в поле или едет на велосипеде по городу. Ее жизнь была тихой и ненавязчивой, ее подругами были незамужние дамы, утонченные, литературные и артистические, к которым она присоединялась на лесных пикниках и послеобеденных чаепитиях.

Работы Фиделии теперь можно увидеть в Метрополитен-музее, Музее американского искусства Новой Британии, Музее Пибоди Эссекс и Художественном музее Уодсворт Атенеум.

ИСТОЧНИКИ
Википедия
Художники, США (до Первой мировой войны)
Questroyal Fine Art: Джули Харт Бирс
Оксфордская галерея: Сьюзан Кэтрин Мур Уотерс Мосты, одинокий художник, нашедший радость в природе

стилизованных портретов акварелью (Каролайн Пассос).

Онлайн-курс

Если вы всегда хотели научиться создавать стилизованные портреты, будь то рисунок или картина, художница Кэрол Пассос поможет вам в этом творческом путешествии. Она является соучредителем компании Pestilento Colors for Artists, и ее работа направлена ​​на то, чтобы изобразить женскую форму с реальными характеристиками, используя реальные тела с эталонных фотографий.

В этом курсе вы научитесь рисовать стилизованный портрет по фотографии. Под руководством Кэрол вы узнаете, как применять базовые концепции живописи к своим акварелям и рисункам.

Начните со знакомства со своей учительницей Кэрол Пассос. Она рассказывает о своей карьере, о том, что на нее повлияло, и о том, как она делает краски, которые продаются в Pestilento Colors for Artists.

Затем просмотрите материалы, необходимые для курса, и научитесь анализировать анатомию лица, чтобы сделать ее более управляемой, а также научиться создавать глубину с помощью света и тени. Затем приступайте к первым упражнениям по смешиванию цветов для создания разных оттенков кожи.

После того, как вы остановились на фотографии, которая станет источником вдохновения для вашего стилизованного портрета, Кэрол научит вас упрощать линии на изображении, чтобы создать оригинальную картину, сохранив суть вашего объекта. Затем используйте цветные карандаши, чтобы добавить последние штрихи к вашему портрету.

Кэрол предлагает несколько последних советов по сохранению вашей работы и публикации ее в социальных сетях. Теперь у вас есть техники и инструменты для создания уникальных акварельных портретов. Чего же вы ждете? Погрузитесь прямо в!

Создайте стилизованный портрет с помощью акварели и цветных карандашей, используя упрощенные версии традиционных техник.

Художники, иллюстраторы и все, кто хочет узнать больше о ручном рисовании и технике рисования акварелью.

Для этого курса не требуются предварительные знания.

Что касается материалов, вам понадобятся акварельные краски, круглые кисти, акварельная бумага, цветные карандаши, рабочий стол (или блокнот в твердом переплете, на который можно опереться), несколько карандашей, ластик, фломастеры, листы бумаги, стекло, палитру и тряпку для чистки кистей.

Альбом прекрасных акварельных портретов итальянских женщин Якоба Сутера, автор [Сутер, Якоб]: почти в твердом переплете (1825)

Дата публикации: 1825 г.

Использовал Состояние: близкое к хорошему Твердый переплет

---

Об этом изделии

Четверть коричневого чалого и мраморного картона (продолговатые, около 8.25 на 6,26 дюйма), чистый бумажный щит, прикрепленный к передней крышке; с современным зеленым бумажным футляром; содержит 12 очень прекрасных акварельных портретов итальянских женщин в региональных костюмах, около 1825 года. Круглые портреты окружностью около 3,5 дюймов, наклеенные на плотный серый картон, с черной каймой, на синей бумаге. Несколько крапинок на фоне портрета женщины из Тохии, в остальном прекрасной, пригодной для демонстрации. Мастерски выполнен Якобом Сутером (1793–1874), гравером, литографом и художником, а также выдающимся учителем, среди учеников которого был Иоганн Бургер.Инвентаризация продавца № D6231

Библиографические данные

Название: Альбом изящных акварельных портретов…

Дата публикации: 1825

Переплет: Твердый переплет

Состояние книги: Почти отличное

Описание магазина

Посетите витрину продавца

Член ассоциации Члены этих ассоциаций стремятся поддерживать самые высокие стандарты. Они ручаются за подлинность всех предметов, выставленных на продажу. Они предоставляют экспертные и подробные описания, раскрывают все существенные дефекты и/или реставрации, предоставляют четкие и точные цены и работают честно и справедливо во время покупки. Условия продажи:

Пожалуйста, бронируйте книги по электронной почте или по телефону. Все предметы подлежат предварительной продаже
. Жители штата Нью-Йорк должны включить налог с продаж в размере 8,875%. Мы принимаем чеки, денежные переводы
, онлайн-оплату через PayPal.Полный возврат средств в течение 15 дней 91 141 при условии, что книга будет возвращена в том же состоянии, в котором она была отправлена.

Условия доставки:

Стоимость доставки указана для книг весом 2,2 фунта или 1 кг. Если ваш заказ книги тяжелый или негабаритный, мы можем связаться с вами, чтобы сообщить, что требуется дополнительная доставка.

Список книг этого продавца

Способы оплаты
принимаются продавцом

Женщины эпохи Возрождения, которые рисовали вопреки всему

ХАРТФОРД — Еще в 1971 году, в ее знаменательном эссе «Почему не было великих женщин-художниц?» искусствовед Линда Нохлин ясно дала понять, что если вы отправитесь на поиски забытых женщин, равных Микеланджело или Пуссену, вас ждет разочарование. Европейские женщины, конечно, рисовали, рисовали, делали наброски, ткали, но женщины-художницы гораздо чаще, чем их коллеги из литературы, сталкивались с институциональными препятствиями на пути своего развития, которые перевешивали любой индивидуальный дар. Нет доступа к урокам рисования с натуры. Никаких стажировок в больших студиях. Нелегкое общение с посетителями. Нет доступа к призам или резиденциям, а иногда и к краске.

Если сексизм в искусстве был структурным, то и решение должно быть структурным. Возведение нескольких менее известных (и, по мнению Нохлина, менее значимых) женщин в канон старых мастеров не собиралось резать.Феминистская история искусства потребует критики самой идеи «величия» и коренной реконструкции того, как мы присваиваем художественную ценность: то, что феминистский историк искусства Гризельда Поллок позже назовет «различием канона».

Тем не менее, было больше женщин, чем мы знали, которые преодолели все шансы стать профессиональными художниками до эпохи революций. В 1972 году, всего через год после залпа Ночлина, Художественный музей Уолтерса в Балтиморе представил выставку «Старые любовницы», на передний план которой выдвинулись Лавиния Фонтана, Анжелика Кауфман и другие европейские женщины.Более крупной и влиятельной была выставка «Женщины-художники: 1550–1950», организованная Нохлином и Энн Сазерленд Харрис, которая объединила художников от Артемизии Джентилески до Элис Нил в Художественном музее округа Лос-Анджелес в 1976 году и Бруклинском художественном музее в 1977 году. За последние четыре года состоялись монографические музейные выставки — стандартный формат заявки на членство в канонике — не только Джентилески и Кауфмана, но и Феде Галиции, Михаэлины Вотье, Элизабетты Сирани и Джованны Гарцони.

«Ее рукой: Артемизия Джентилески и женщины-художницы в Италии, 1500–1800 гг.», которую можно будет увидеть еще несколько недель здесь, в Уодсворте Атенеум, является самой значительной американской выставкой женщин эпохи итальянского Возрождения и барокко с 2007 года. , когда в Национальном музее женщин в искусстве прошла выставка «Итальянские женщины-художницы от Ренессанса до барокко.(Нынешнее шоу было организовано совместно с Детройтским институтом искусств, куда оно отправится в феврале.) Наибольшее внимание может привлечь титулованный художник: Артемизия, звезда своего собственного фильма и нескольких основанных на реальных событиях. -рассказы и романы вполне могли вытеснить Караваджо с поста самой прибыльной звезды искусства Италии 17-го века.

Тем не менее, на этой выставке представлены картины, пастели и рисунки шестнадцати женщин, многие из которых взяты из частных коллекций или не появлялись в Америке десятилетиями.(Две другие женщины видны через портреты мужчин, поскольку кураторы не смогли получить подходящие ссуды.) Некоторые из этих художников, такие как Джентилески и Сирани, были известны в свое время. Другие, особенно те, кто принадлежал к религиозным орденам, работали в полной безвестности. Я никогда не слышал о твердой трети из них.

Нельзя отрицать, что Джентилески доминирует на выставке, начиная с центральной стены, на которой она пристально смотрит на нас в трех резко обрезанных автопортретах в профиль в три четверти, каждый из которых был сделан во Флоренции в 1615–1617 годах.На недавно обнаруженном «Автопортрете в образе святой Екатерины Александрийской», предоставленном Национальной галереей в Лондоне, художница носит красное платье и корону, завернутую в тюрбан. Справа, притянутая к сердцу, она держит ладонь. Ее левая рука задевает шип колеса, на котором ее пытали.

Похожая поза повторяется на другой Святой Екатерине, взятой из Уффици. Уверенный взгляд соответствует собственному «Автопортрету Уодсворт в образе лютнистки», на котором она одета в голубое платье с глубоким декольте: беспрецедентный автопортрет женщины, изображающей себя сексуально желанной.

Джентилески использовала изображения самой себя, как светские, так и аллегорические, не только как живописные форматы, но и как подтверждение своей учености и утонченности. Эти автопортреты были методом саморекламы, который помог ей получить заказы на более крупные проекты от королей Англии и Испании. (Призыв к святой Екатерине также имел публичный элемент; на печально известном суде над насильником Джентилески в 1612 году она вынесла пытки, чтобы «доказать», что говорит правду.) Многофигурные работы Джентилески здесь, такие как великий и ужасный «Юдифь и ее служанка с головой Олоферна» демонстрируют ошеломляющие амбиции вплоть до обращения с краской; взгляните на белоснежные рукава рубашки Джудит и платок ее служанки.

Ни один другой художник в «By Her Hand» не может сравниться с Джентилески по масштабу или количеству. Таким образом, кураторы этой выставки, Ева Штраусман-Пфланцер и Оливер Тостманн, мудро организовали выставку в одной открытой комнате со структурой открытых стен, побуждая вас прыгать между художниками и веками. Автопортреты Джентилески в три четверти находят отклик в более поздней картине Элизабетты Сирани, изображающей египетскую царицу Беренику. Сцена обезглавливания Джентилески висит рядом с чуть более ранней картиной на ту же тему, написанной северным итальянцем Феде Галицией: более спокойная, более требовательная, но не стесняющаяся отождествления искусства и насилия.Художница подписала свое имя на стали клинка Джудит.

Джентилески, Сирани и Галиция были дочерьми художников. Действительно, почти у каждой женщины-художницы до 19 века был профессиональный отец. Одной из тех, кто этого не сделал — и моим кандидатом на каноническое членство № 1, если мы играем в эту игру — была Софонисба Ангвиссола, несовершеннолетняя дворянка из Ломбардии, получившая художественное образование, прежде чем стать фрейлиной при испанском дворе. Она была фанатом автопортретов, которые художница и ее семья раздавали долгожданным покровителям, что сделало ее одной из самых известных художников конца 16 века.

В этой выставке их три, включая потрясающую миниатюру, предоставленную Музеем изящных искусств в Бостоне, на которой юная Софонисба сурово смотрит, держа перед грудью гигантскую медаль. Ее взгляд сочетает в себе юношескую уверенность и абсолютную власть, гуманистическое мастерство истинной женщины эпохи Возрождения.

В «Ее рукой» есть несколько рисунков, акварелей и гравюр на дереве, хотя это мало чем вытесняет масляную живопись с ее места на вершине горы.(Здесь нет женщин-скульпторов; они были редчайшими из всех, хотя, когда эта выставка отправится в Детройт, она представит диораму из воска, стекла и перьев неаполитанской художницы Катерины де Джулианис.)

Прекрасный квартет пастелей Розальбы Карьере из Венеции 18-го века трудно выделиться; довольно общие пастели и масла 18-го века Марианны Карлеварис, Вероники Штерн Телли и Анны Бачерини Пиаттоли полностью теряются. Совершенно нормально, что часть искусства здесь выглядит великолепно, а часть выглядит буднично.Сочетание качества расширяет наш взгляд на итальянское искусство, и, наконец, имея доказательства перед нами, мы можем делать собственные суждения. Но помимо этой первоначальной встречи лежит более масштабная задача, которой Ночлин, Поллок и многие другие историки искусства-феминистки учили нас десятилетия назад: переосмыслить художественную ценность как нечто менее каноническое и менее зависящее от тщеславия художника как индивидуального гения.

В последнее время меня очень беспокоит то, что наше растущее внимание к полу, расе, сексуальности и другим формам различий подталкивает музеи к тому, чтобы отдавать предпочтение современному искусству прежде всего — просто потому, что после 1900 года стало намного легче найти (именных) художников. которые не являются прямыми белыми мужчинами.Но «Ее рукой» по крайней мере показывает, как энциклопедические музеи могут серьезно говорить о настоящем, не игнорируя прошлое. Подобный импульс вдохновил недавнюю выставку Бруклинского музея, посвященную гендерной изменчивости в древнеегипетском искусстве; блокбастер Рейксмузеума о рабстве в Золотой век Голландии; или знаковая выставка в Колумбийском университете и Музее Орсе черных моделей французского искусства XIX века. Эти шоу и это все имеют свое место в более изменчивой и сетевой истории искусства, где значение слова «величие» все еще неясно.

---

By Her Hand: Artemisia Gentileschi & Women Artists in Italy, 15:00–18:00
До 9 января.