Традиционная китайская живопись Гохуа | Клуб восточной культуры «Две империи»

Китайская живопись обозначается термином Гохуа 国画, что буквально обозначает «живопись [нашей] страны».

Гу Кайчжи. Наставница поучает придворных дам

Китайская живопись появилась в глубокой древности, и дата ее возникновения, благодаря новым археологическим находкам, отодвигается все дальше вглубь веков. Китайская живопись гохуа с точки зрения европейца довольно необычна и даже загадочна. Она разительно отличается от европейской живописи. Причем это различие присутствует буквально во всем, в материалах, технике исполнения и в инструментах.

Традиционная живопись Китая символична и иносказательна. Если мы привыкли рассматривать картины европейских мастеров, то работы китайских мастеров надо читать и понимать. Тем более, что в Китае живопись и каллиграфия очень близки. В Китае любой художник это каллиграф, а любой каллиграф это художник. И там, и там используется одинаковый линейный способ письма, одинаковые материалы и инструменты: кисть, мягкая пористая бумага из бамбукового или конопляного волокна, тушь и минеральные и растительные краски типа акварели.

Рыбак. Китай, ок. 1350. Тушь, бумага. Художник – У Чжэнь (1280–1354). Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Отличительные черты китайской живописи от европейской это то, что здесь не используются объемы, формы, перспектива в привычном для нас понимании, игра теней, не соблюдение пропорций, да и цвета здесь не такие выразительные. Традиционная китайская живопись это в основном монохром и рисунки создаются с помощью линейного рисунка. Еще одно важное отличие китайской живописи от европейской это то, что китайские мастера все свои картины пишут без предварительных эскизов.

Старые деревья, ровная даль. Китай, ок. 1080. Художник – Го Си (ок. 1020–1090). Тушь, цветные краски, шелк. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Интересно то, что в китайской живописи отсутствует натюрморт, по крайней мере, в привычном для нас понимании. Неподвижные предметы с точки зрения китайцев оторваны от действительности и мертвы. В картине обязательно должна присутствовать динамика жизни и времени. Если художник изображал камни или фрукты, то рядом с камнем всегда присутствовало растение, причем фрукты всегда изображаются на ветке.

Лошадь «Молния в ночи». Фрагмент. Китай, ок. 750. Тушь, бумага. Длина живописного поля – 34 см, ширина – 30.8 см. Приписывается художнику Хань Гану (ок. 706–783). Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Мастера живописи в Китае используют кисти разных размеров, от очень тонких, до очень толстых. Штрих может быть легким, как осенний лист, или мощным, как тигр. Для китайской живописи характерно лаконичность, ясная композиция, а также выразительные и ритмичные контуры и конечно же плоскостное исполнение без светотеней. Ещё одной необычной особенностью является пометка картин печатью мастера, которая заменяет личную подпись.

Творения замечательных китайских художников зачастую содержат в себе глубокую философскую концепцию. Китайский художник и теоретик живописи V века Се Хэ в своем трактате «Заметки о категориях старинной живописи» («Гухуа пиньлу») сформулировал шесть законов живописи, шесть основных художественных принципов, которые должны принять к сведению мастера.Так вот первый принцип это «одухотворенный ритм живого движения». То есть, прежде всего, важно передать сущность увиденного, а не внешнее сходство.

Изысканное собрание в абрикосовом саду. Фрагмент. Китай, ок. 1437. Художник – Се Хуань (1377–1452). Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Жанры в китайской живописи это, прежде всего пейзаж (горы и водоемы), а так же изображение цветов и птиц, портрет и анималистический жанр.

Китайские художники стремились передать сущность предметов. Поэтому им были чужды натурализм, стремление к внешнему сходству. Они старались передать лирическое переживание, настроение, возникающее от общения с природой, призывая слиться с ней, постигнуть ее тайны.

Зяблики и бамбук. Китай, XII в. Художник – император Хуэй-цзун (1082–1135). Тушь, цветные краски, шелк. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Стили китайской живописи

В традиционной китайской живописи существует два стиля это гунби и се-и.

Гунби

Гунби — «техника прилежной кисти», «техника тонкой кисти». В отличие от се-и техника гунби предполагает реалистичность и высокую детализацию предмета, прописывание мелких деталей.

Весеннее утро в Ханьском дворце. Фрагмент. XVI в. Художник – Цю Ин (ок. 1494–1552). Музей императорского дворца, Тайбэй

Именно в этом стиле работали художники, оформлявшие росписью интерьеры дворцовых покоев императорских семей и знати. Скажем больше, художники, работавшие на службе у императора, просто обязаны были владеть стилем гунби.

Особенности присущие стилю гунби:

• Детализация предмета, контурная техника
• Усиление контраста путем послойного наложения цвета
• Изысканное изображение предметов

Самые известные художники стиля гунби:

Ян Либянь (ок. 600-673) — известный художник династии Тан. Больше всего любил изображать сюжеты из даосских и буддистских притч.

Чжан Сюань (713-755) — теоретик и историк живописиЧжан Яньюань(IXв.) охарактеризовал его лишь одним предложением: «Чжан Сюань любил рисовать женщин и детей».При жизни не пользовался большой известностью. Но имя мастера часто упоминалось в позднейших дискуссиях о танской живописи

Чжоу Фан (ок. 730-800) — китайский художник периодаТан. Мастер ушёл далеко в своём стиле, посвятил своё искусство портретированию богатых и знатных людей.

Гу Хучжон (937-975)

Император Хуэй Чжун (1082-1135)

Тан Инь (1470-1524)

Цю Ин (1494-1552) — не был придворным художником, это самородок, который добился художественных достижений упорным трудом.

Чэнь Хуншоу (1598-1652) — поэт, художник, каллиграф. Его работы отличались экзотичностью, легкостью и свободным стилем.

Се-и

Стиль китайской живописи се-и (寫意) это передача идеи и чувств художника. Этот стиль предполагает свободную манеру письма. Здесь главное не внешнее сходство, а свое особое видение, душевное настроение мастера, сущность объекта. Именно здесь художник творит под влиянием сиюминутного настроения, по наитию. Копировать такие картины очень трудно, скорее не возможно.

В этом стиле нет четких линий, нет детализации. Стилю Се-и присущи широкие, свободные мазки широкой кистью. Недаром этот стиль называют «грубая кисть».

Картины писались тушью в черно-белых тонах и не выглядели так нарядно как произведения в стиле гунби, но зато они более искренни. В более позднем периоде китайской живописи преобладали произведения мастеров, работавших в стиле се-и.

Один из самых известных художников традиционной китайской живописи мастер Чжан Дацянь говорил, что се-и это передача духа предмета и его внутренней сущности.

Китайская живопись в настоящее время

В наши дни живопись гохуа значительно расширила свой диапазон и вышла за узкие рамки традиционных тематик, следуя новому времени. Современные мастера художественной кисти наполняют свои полотна, исполненные в стиле гохуа, новым смыслом, живым духом современности.

Колоссальные изменения в политической системе Китая в конце двадцатого столетия, привели грандиозным переменам и в культурной жизни. Новое поколение китайских художников, свободно мыслящих и критически смотрящих на вещи, создало новую китайскую живопись. Благодаря смелым экспериментам с разными стилями, сблизились два мира искусств — Западный и Восточный.

Китайская традиционная живопись является огромным вкладом в художественную культуру всего человечества.

Традиционная китайская живопись в России

Сравнительно недавно в России никто толком и не знал ничего о китайской живописи. Зато сейчас множество людей с увлечением занимаются этим видом искусства. Живопись Гохуа подкупает своим «дружелюбием» к новичкам, своей простотой в освоении, своей необычностью и конечно своей таинственностью и загадочностью. Особенно легко освоение китайской живописи дается детям. Для них это очень интересный и увлекательный процесс.

Сегодня в нашей стране есть много замечательных, известных мастеров китайской живописи, которые прочно стоят на одной ступеньке с китайскими художниками.

Работы художников и преподавателей клуба

Работы Николая Мишукова

Кукуруза и перец 44х37 см

Свобода. Летящие птицы и виноград 67х50 см

Лягушка и лотос 43х32

Утиная эскадрилья 30х68 см

Арбузная диета 40х40 см

Мама В4 40х40 см

Поздняя осень, а тыковку забыли 33х66 см

ТРИПТИХ ОЛЕНИ 68х111см

Снежные сны

Работы Юлии Наумовой

Работы Светланы Плакасовой

История китайской живописи — Китай — Статьи

История китайской живописи

История возникновения китайской живописи насчитывает более шести тысячелетий и относится к тому периоду, когда предки современных китайцев украшали керамические изделия. В качестве орнамента они изображали людей, рыб, животных и растения.

О древних образцах китайской живописи мы можем узнать лишь из археологических раскопок. К изобразительному искусству более позднего времени относятся различные погребальные сосуды и изделия. Следующим этапом развития китайской живописи стали рисунки, выполненные на шелке и бумаге. До наших дней дошло несколько образцов таких рисунков.

Во времена династии Цинь и Хань развивается фресковая живопись. Ее применяли при захоронениях, а также в храмах и дворцах. С развитием буддизма в период с 3 по 6 век развивается храмовая живопись, например, изображения Будды в горных пещерах. Пожалуй, самыми известными пещерами до сих пор являются Дуньхуанские пещеры Могао (敦煌莫高窟).

Одним из самых выдающихся художников эпохи Шести династий был

Гу Кайчжи – 顾恺之 (344-406). Он писал светскую живопись. Две его известные картины «Фея реки Ло» и «Прославленные женщины древности» представляют собой длинные горизонтальные свитки, разделенные на несколько фрагментов. Предполагалось, что картину нужно было смотреть на ходу, то есть проходить от ее начала в конец и медленно рассматривать сюжет, изображенный на свитке. Гу Кайчжи также считается основоположником «гохуа» (дословно «национальная живопись»). Именно он выдвинул принцип «настроение через форму», смысл которого заключается в том, что хорошая картина – это та картина, которая передает «душу». А для того, чтобы точно передать «душу», надо очень четко нарисовать глаза. 

Гу Кайчжи

Следующим важным этапом развития живописи в Китае в то время были эпохи Суй, Тан, Пяти династий и Сун.

В это время происходит формирование основных школ живописи. Среди известных художников можно назвать Чжан Цзыцяня – (展子虔) из эпохи Суй, Ли Сысюнь (李思训), У Даоцзы (吴道子). В эпоху Тан в отдельный жанр выделяется портрет. Известна картина Янь Либэня (7 в.) «Властелины древних династий», в которой он изобразил на длинном горизонтальном свитке 13 правителей, которые были во главе Китая с начала династии Хань и до конца 6 века. В это же время появляются изображения придворных сцен.

В период пяти династий стоит отметить выдающегося художника пейзажной живописи – Фань Куаня (范宽). Кстати, его работы «Горы, покрытые снегом» и «Путешествующие вдоль горного потока» сохранились до наших дней.

Известным художником эпохи Сун является Гу Хунчжун (顾闳中).

В эпоху династии Юань можно выделить художников Ван Мэна 王蒙, Хуан Гунвана 黄公望 и Ни Цзана 倪瓒.

В эпоху династий Мин и Цин появляется большое количество художественных школ и жанров.

Тематически китайскую живопись можно разделить на три вида: портреты, пейзажи и изображения цветов и птиц. Раньше всего появились портреты, но затем все большую популярность получили пейзажи (山水画).

Древняя китайская живопись сильно отличалась от европейской живописи. В Европе широко использовались возможности цвета, теней, а в Китае живописцы создавали удивительные картины игрой линий. Главное, что отличает китайскую живопись от европейской – это стремление передать «дух картины», или, как говорят китайцы «с помощью формы выразить настроение».

Из художников 19-20 века следует особо выделить Ци Байши (齐白石). Одна из самых известных его картин – «Креветки», а также художника Сюй Бэйхуна (徐悲鸿). Сюй Бэйхун творил по приципам Гу Кайчжи, поэтому люди считают, что лошади на его картине «奔马» выглядят более реалистично, чем настоящие лошади.

Ци Байши — «Креветки»

Сюй Бэйхун — «奔马»

Годы культурной революции

нанесли живописи Китая непоправимый ущерб. Единственное, что разрешалось – это политический плакат, и то посвященный одной единственной теме – культурной революции. После культурной революции происходит возрождение китайской живописи.

современная китайская живопись — Моноклер

Рубрики : Арт, Культура

От поиска гармонии и места человека в мире к жизни в «песочнице», проблемам «человекоединиц» и подмене понятий: специалист по истории искусства Анна Селюнина коротко рассказывает, как изменилась художественная традиция Китая и какие вопросы перед нами ставит современная китайская живопись.

 

 «Новая» эстетика Китая

Слева: Ли Хан «Готовые подняться на гору», 1926г.
Справа: Чжан Линьхай  «Красная серия» №5

Живопись Поднебесной веками поддерживала традицию, которая включала тиражирование образов природы: пейзажей, мира птиц и растений. В основе всего этого лежит принцип Дао — пути. Таков же негласный закон для творчества — философское отношение к жизни. В основе рассуждений китайского художника — наблюдения за течением времени, восхищение окружающим миром, обнаружение гармонии в нем.

Не стоит забывать, что миру свойственны перемены. Основанием к масштабным переменам в живописи Китая стала Великая пролетарская культурная революция. Её цель сводилась к преобразованию просвещения, искусства и культуры, которые на тот момент не соответствовали идеям социализма. Так, новые идеи и ценности сломали плодоносящее дерево традиции. Места сломов принесли свои плоды: незрелые сначала, новые художники превратились в настоящих талантливых современных гениев.

 

Современный художник Китая: о чем он рисует?

Слева: неизвестный художник.
Справа: Цзэн Фаньчжи, серия Личина №5, 1998

Картина неизвестного художника наполнена символизмом. Несгибаемость, преодоление себя и человеческая гордость в цветках сливы. Панда символизирует Мир и сотрудничество. Задача художника погрузить в размышления о гармонии мира и месте человека в нем. Таким образом повседневность теряет смысл в разговоре о Вечном.

В картинах Фаньчжи, художника-авангардиста, ярко проступает обратная сторона реальности. Он имеет смелость обнажить страхи и бескрылые надежды человека. Бумажный вертолет в руках маленького-взрослого мальчика. Его поделка-игрушка контрастирует с железной птицей, пересекающей океан. Тяжелые руки тянут к земле, лишают крыльев. Образ «человекоединицы» без надежды на лучшее.

Слева: китайская средневековая живопись;
Справа: Чжан Линьхай, серия «Песочница»

Китайская мудрость гласит — мир познается здесь и сейчас. Вселенная — это гармоничная «непереполняемая пустота» без божества и культа. Задача человека здесь — достичь такого же совершенства. В средневековой картине птица — символ трансформации проявленного духа. Люди не осознают, что крылья даны всем и каждый способен достичь Небес.

В современных картинах Линьхая мы видим одновременно сюрреалистическую и «земную» реальность. Стандартная жизнь человека в рамках «песочницы». Принцип существования  общества — следовать проложенному курсу. Пустой стул символизирует отсутствие мотива — это оправдание бездеятельности и тупости. Младенец из плоти и крови выше всего окружающего. Он воплощает жизнь, любовь и боль.

Чжан Сяоган, «Амнезия»

Картина Сяогана объединяет традицию и современность. Напоминает о непостоянстве человеческой памяти. Подмена понятий и единый стандарт не должны позволить забыть о своей уникальности. Искусство способно синтезировать прошлое и настоящее в новых формах. Изменчивость и любопытство свойственны природе человека и никакие политические идеи не в силах остановить этот процесс.

Обложка: Цзэн Фаньчжи «Серия Личина», №10 (фрагмент, 1994 г.) / частное собрание.

Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.

Похожие статьи

Китайская живопись — это… Что такое Китайская живопись?

Китайская живопись, как вид изобразительного искусства, и одна из немногих живых «неевропейских» традиций живописи, зародилась в древнем Китае, и непрерывно эволюционирует со времен неолита и до сегодняшнего дня.

Зарождение Китайской Живописи

Относительно времени зарождения этого искусства существуют разночтения. Сама традиция приписывает создания китайской живописи четырём отцам основателям: Гу Кайчжи (кит. 顧愷之) (344 — 406 гг.), Лу Таньвэй (кит. 陆探微 сер. V века), Чжан Сэнъяо (ок. 500 — ок. 550гг.) и У Даоцзы (кит. 吴道子, 680 — 740 гг.), живших с V-го по VIII века нашей эры.

«Дама с драконом и фениксом»

Картина, найденная археологами в 1972-1974 годах в могилах на фамильном кладбище Мавандуй.

Однако в результате археологических исследований, сегодняшние учёные отодвигают рождение китайской живописи на 1000 лет раньше, в эпоху сражающихся царств Чжань Го

Второй известный представитель «живописи интеллектуалов», известный пейзажист Го Си в своём трактате «О живописи», считает картину своеобразным психологическим портретом автора, подчеркивая высокий смысл личности и благородства художника. Художник особо выделяет необходимость совершенства личности мастера. Другим важным аспектом произведения живописи он считает поэтичность, приводя принадлежащую неизвестному автору фразу: «Поэзия – это лишенная формы живопись; живопись – это обретшая форму поэзия».

Начиная со времён художника Ван Вэя (VIII век) многие «художники-интеллектуалы» отдают предпочтение монохромной живописи тушью, над цветами, считая что: «Средь путей живописца тушь простая выше всего. Он раскроет суть природы, он закончит деяние творца».

Именно в этот период зарождаются основные жанры китайской живописи:

• Жанр живописи растений, в частности живопись бамбука. Основателем живописи бамбука стал Вэнь Тун.
• Живопись Цветов и птиц.
• Горные пейзажи (山水， shan shui, т.е. «горы и воды»).
• Анималистический жанр (翎毛. ling mao. т.е. «пернатые и пушистые»).
• Жанр портрета.

В эпоху Тан и Сун создаются самые известные произведения китайской живописи. Появляются мастера:

Начиная со времён зарождения китайской живописи на шёлке и бумаге в V веке н. э. множество авторов предпринимают попытки теоретизации живописи. Первым среди всех, пожалуй, был Гу Кайчжи, с подачи которого были сформулированы шесть законов — «люфа»:

• Шэньцы — одухотворённость,
• Тяньцюй — естественность,
• Гоуту — композиция живописного произведения,
• Гусян — постоянная основа, то есть структура произведения,
• Мосе — следование традиции, памятникам древности,
• Юнби — высокая техника письма тушью и кистью.

Они составят идейный костяк, вокруг которого китайская живопись будет развиваться последующие столетия.

Китайская живопись после эпохи Сун

Чжао Мэнфу, «Человек с лошадью на ветру»
Ни Цзань, «Деревья и долины горы»	Жэнь Жэньфа, «Ястреб схвативший воробья».

Периоды правлений династий Тан и Сун считаются временем наивысшего расцвета китайской культуры. Это же можно сказать и о китайской живописи. На протяжении последующих династий Юань, Мин и Цин художники ориентировались на образцы именно Сунского периода. В отличие от художников Тан и Сун, живописцы последующих эпох не стремились к созданию новых стилей, а наоборот, всячески подражали стилям ушедших эпох. И часто делали это на очень хорошем уровне, как художники времён монгольской династии Юань, последовавшей за эпохой Сун.

Среди художников эпохи Юань особо стоит отметить супругов Чжао Мэнфу и Гуань Даошэн. Это был союз двух выдающихся художников, при этом супруга Чжао Мэнфу, Гуань Даошэн, жившая в 1262 — 1319 была одной из первых известных истории женщин художниц. Чжао Юн, родившийся от брака Чжао Мэнфу и Гуань Даошэн, также стал одним из выдающихся китайских художников. Монгольскую династию Юань сменила эпоха Мин. Среди многочисленных художников эпохи Мин выделяют четверых художников: Шэнь Чжоу, Вэнь Чжэнмина, Тан Иня и Цю Ина. Они вошли в историю под названием «уской четверки».

В целом художники Минской эпохи ориентировались на образцы эпохи Сун, как это делал крупнейший мастер эпохи Мин Вэнь Чжэнми́н (1470 — 1559). Но были и нововведения. Большой импульс развития получила живопись фигур. Ярким представителем Минской художественной традиции можно считать самобытного художника Цю Ина (ок. 1475 — ок. 1552 гг). Он писал сразу в нескольких жанрах и прославился и как великий пейзажист и как блестящий представитель живописи фигур. Цю Ин писал также в жанре эротической живописи, часто изображая не только обнажённую натуру, но и сам половой акт. Эротическая живопись была одним из достижений художников эпохи Мин.

Ещё один известный художник эпохи Мин — Тан Инь (1470 — 1524) также прославился и как великий пейзажист и как корифей живописи фигур. В эпоху Мин развивался и анималистический жанр, великим мастером в изображении обезьян был император Чжу Чжаньцзи (1398 — 1435). Династия Мин правила Китаем тогда же, когда в Европе расцветала эпоха возрождения. Интересно отметить, что на разных концах Евразии синхронно и независимо друг от друга возник интерес к изображению человеческого тела и в том числе обнажённой натуры.

При Сунском императоре Хуэй Цзуне (1082 — 1135) китайская культура достигла апогея и начала клониться к упадку. В 1127 году войска северных варваров Чжурчжэней осадили и захватили Кайфэн, — столицу Китая и крупнейший город на земле в то время. В плен попал и сам император — художник. Это событие ознаменовало начало эпохи северных варварских завоеваний в истории Китая. Через 150 лет после Чжурчжэньского завоевания настала эра Монгольских завоевателей. С 1280 по 1368 в Китае правила монгольская династия Юань. В 1368 к власти в Китае приходит последняя в истории китайская (Ханьская) династия Мин.

В 1644 Династия Мин пала. Китай вновь завоёван варварами-маньчжурами, правившими поднебесной вплоть до Синхайской революции 1911 года.

И хотя вновь пришедшие завоеватели вскоре после завоевания «самокитаизировались» и соблюдали конфуцианские порядки, каждое последующее нашествие порождало новый раскол в обществе, отразившийся, в том числе и на развитии живописи. Со времён монгольского завоевания в XIII века, начинает развиваться «провинциальная» живопись художников, не желавших вступать на службу императорскому двору завоевателей. Первым известным художником-отшельником стал Ни Цзань (1301 — 1374). Он принадлежал к знатному роду, но, не пожелав вступать на службу монголов и передав большую часть своего имущества даосскому монастырю, он провёл остаток жизни в скитаниях. Его примеру последовали и многие другие художники эпохи Юань, такие как Хуан Гунван, У Чжэнь и Ван Мэн.

Похожая ситуация повторилась ещё раз, спустя 400 лет после монгольского завоевания, когда Китай оказался под властью новых завоевателей Маньчжуров, провозгласивших начало династии Цин. Внутриполитическая обстановка «смутного» периода смены династии Мин маньчжурской династией Цин вызвала крутой перелом в жизни и творчестве китайских художников. Чтобы выразить свое неприятие маньчжурского господства и сохранить верность Минам, многие деятели культуры категорически отказались сотрудничать с новоявленными правителями. Когда же оказалось, что господство Цин установилось прочно и надолго, немало художников впало в уныние, кое-кто принял постриг и заточил себя в монастыре. Так поступили художники Хун Жэнь, Кунь Цань, Чжу Да и Юань Цзи, вошедшие в историю как «четыре монаха».

При этом некоторые из художников-отшельников выбирали в качестве обители не только традиционные для китая буддийскую или даосскую «религию», но и католицизм. Так художник и поэт У Ли (1631 — 1718) стал самым первым католическим епископом-китайцем.

Впрочем, множество талантливых художников-ханьцев (китайцев) продолжали служить при дворе Чжурчжэней и Монголов или Маньчжуров. Так, во времена монгольской империи Юань при дворе прославилась семья художников во главе с Чжао Мэнфу, а при династии Цин расцвела пышным цветом живопись в городе Янчжоу, где работали и трудились десятки тысяч художников, наиболее известными из них были художники, составившие так называемую «восьмерку янчжоуских оригиналов».

В течение царствования династии Цин была написана одна из основополагающих теоретических книг по китайской живописи «Цзецзыюань хуачжуань» 芥子園畫傳 (Слово о живописи из сада «горчичное зерно»).

Китайская живопись XVIII – XX веков. Эпоха перемен.

Джузеппе Кастильоне	Сюй Бэйхун, «Галопирущий конь»
Ци Байши, «Осенняя цикада на цветках лапины»	Чжао Ши,«Стрекозы на цветках бамии». 1929г.

XVI — XVII века обернулись для Китая эпохой больших перемен и не только из-за маньчжурского завоевания. С началом колониальной эры Китай начинает всё сильнее подвергаться культурному влиянию европейцев. Отражением этого факта стала трансформация китайской живописи. Одним из интереснейших китайских художников эпохи Цин считается Джузеппе Кастильоне (1688 — 1766), итальянский монах-иезуит, миссионер и придворный художник и архитектор в Китае. Именно этот человек стал первым художником, совместившим китайские и европейские традиции в своём рисунке.

Своими работами, а также уроками живописи, Кастильоне продемонстрировал особенности европейской техники рисования, требовавшей соблюдения законов перспективы и светотени, он ознакомил китайцев с таким жанрами европейского изобразительного искусства как масляная живопись и медная гравюра, благодаря ему во дворце китайского императора получили распространение плафонная живопись и натюрморт. Начиная со времён Кастильоне и вплоть до наших дней живопись маслом, а так западный стиль живописи, приобретают в Китае всё большую популярность.

XIX и XX века стали для Китая большим испытанием на прочность. Китай вступил в эпоху перемен, невиданного доселе масштаба. В течение XIX века Китай проиграл 2 опиумные войны европейским колонизаторам и подвергся значительному разорению со стороны европейцев. В 1894 – 1895 Китай проигрывает войну Японии и оказывается разделён между европейскими колониальными империями (в т. ч. и Россией), США и Японией на зоны влияния.

На рубеже XIX – XX веков Маньчжурская династия Цин окончательно себя дискредитирует, подавив национальное китайское восстание, направленное против европейского влияния (Боксёрское восстание), при помощи солдат европейских и японской армий. Вскоре Китай оказывается ареной битвы колонизаторов: Японии и России и вновь подвергается разорению. Следствием всех этих событий стала Синхайская революция 1911 года, приведшая к падению империи и провозглашению Республики. В след за синхайской революцией последовал полувековой политический хаос, отягощённый новой войной с Японией (вторая Мировая война), приведшей к новым невероятным разрушениям. В след за разрушениями времён мировой войны последовала культурная революция Мао Цзэдуна.

Все эти события не могли не оказать влияние на культурную жизнь Китая и на китайскую живопись в частности. Среди китайской интеллигенции росло число западников. В XIX веке провинциальный город Шанхай, становится центром торговли с европейскими государствами. Вскоре Шанхай стал одним из крупнейших торговых портов Китая. После этого сюда устремляются многие китайские художники, желающие заработать и изучить европейские традиции живописи. Так родилась Шанхайская школа живописи, ныне – самая известная.

Падение империи также стало одним из важнейших событий в истории Китайской живописи. Ранее императорский двор был одним из самых главных источников заказов на картины, и когда императора не стало, множество художников осталось без работы. Кроме того, как отмечалось выше, до революций XX века большинство китайских художников принадлежали к кругу придворной знати, а после этих событий живопись окончательно «ушла в массы». Из-за больших социальных потрясений многие линии художников были прерваны: с началом XX века в китайской живописи начался период «100 школ», для которого характерен порой радикальный отход от традиций и невероятная жанровая импровизация. И всё это происходило на фоне усиления влияния европейских художественных традиций в китайской живописи. Так известнейшие китайские художники XX века Сюй Бэйхун (1895 — 1953) и Линь Фэнмянь (1900 — 1991) обучались в Европе.

Однако, самой яркой личностью в Китайской живописи XX века был, безусловно Ци Байши (1864 — 1957), совместивший 2 несовместимые ранее для китайского художника черты биографии, он был приверженец «живописи интеллектуалов» и одновременно – выходец из бедной крестьянской семьи. Ци Байши также получил широкое признание на западе, в 1955 году он был удостоен международной премии Мира.

Ци Байши прошел путь от простого столяра до живописца с мировым именем. Внешне его картины продолжали традиции художников-интеллектуалов, так, например, в них сочетались живопись, каллиграфия, поэзия и граверное мастерство, однако в то же время в них явно чувствуется самобытность и оригинальность автора, жизнь которого сложилась так не похоже на жизнь обычного интеллигента. Долго прожив в деревне, Ци Байши с удовольствием писал деревенские пейзажи, овощи, плоды, насекомых, рыб. Сегодня, китайская живопись переживает новый период трансформации. После открытия Китая западному миру в конце XX века, в Европе Америке и России растёт интерес к китайской живописи, и в наши дни, среди мастеров китайской живописи появляется всё больше европейцев, русских и американцев.

Живопись и каллиграфия

Важнейшая особенность китайской изобразительной традиции – неразрывное единство живописи, графики и каллиграфии – искусства красивого написания букв. Кистями и тушью на бумаге или шелке поэты пишут стихи, а художники – картины. В живописи и графике предпочтение отдается линии. Она способна соединять и разъединять, быть связующей нитью и границей. Особенно большое значение в китайской графике имела кривая линия – знак круговорота Великого пути. До появления бумаги надписи делали на узких бамбуковых пластинках, что во многом объясняет особенность написания китайских иероглифов сверху вниз. В VII – XIII вв. живопись завоевала ведущее место среди других видов искусства. Художники расписывали стены храмов и дворцов. На картинах великих мастеров можно увидеть традиционные объекты: благоухающую орхидею, вечнозеленые сосны и кипарисы, несокрушимые скалы, воплощение жизненной силы – бамбук, животных, птиц и др. Китайская живопись основана на тонком соотношении нежных минеральных красок, гармонирующих между собой. Передний план обычно отделялся от заднего группой скал или деревьев, с которыми соотносились все части пейзажа. Композиционный строй картины и особенности перспективы были рассчитаны на то, чтобы человек ощущал себя не центром мироздания, а малой его частью. С древнейших времен в Китае существовала живопись на шелке. Художники создавали миниатюрные живописные композиции на веерах, экранах и ширмах, писали на многометровых свитках сцены городской и дворцовой жизни, пейзажи. Сюжетами служили мифы о героях – предках, чудесных птицах и загробном мире. В творчестве Ци Байши, одного из наиболее известных китайских художников, жившего на рубеже XIX – XX вв., отразились классические традиции и экспериментальные поиски. Он копировал образцы классической живописи и каллиграфии и при этом много работал с натуры в поисках собственных, неповторимых средств выразительности. Первая тушечница и палочка туши, обе старые и потрескавшиеся, были подарены юному Ци Байши его дедом. Затем он купил ему кисть и немного копировальной бумаги. С этого времени начались годы упорного труда и путь к славе. Особенную популярность принесли художнику картины, выполненные в жанре “цветы – птицы”. Он любил изображать пионы, лотосы, цветы дикой сливы, вьюнки травы и т.п. Особое пристрастие питал художник к водным обитателям: рыбы, креветки, крабы, лягушки ценились мастером как объекты чрезвычайной художественной выразительности. Ци Байши не переставал удивляться красоте мира, сочности, свежести и яркости плодов граната, персиков, винограда, ягод вишни, которые писал виртуозно.

Живопись и служение государству

Интересно, что большинство великих китайских художников эпох Тан, Сун Юань и Мин совмещали свои занятия искусством и службу государству. Почти каждый выдающийся художник, каллиграф и поэт был также и уважаемым чиновником.

Притом, часто великие художники служили на совсем не связанных с творчеством должностях. Ван Вэй, о котором было сказано выше, занимал должность секретаря гражданской палаты, а затем секретаря императорского двора в империи Тан.

Два самых известных художника эпохи Юань были также и выдающимися администраторами. Жэнь Жэньфа занимал пост заместителя главного инспектора ирригационных сооружений, а государственные посты Чжао Мэнфу включали должность губернатора провинций Чжэцзян, Цзянси и главы Академии Ханьлинь.

Вообще надо сказать, что в Китае испокон веков к живописи и каллиграфии культивируется крайне почтенное отношение. Престиж живописи был настолько велик, что многие императоры не только интересовались живописью, но и были отличными художниками, как например Сунский император Хуэй Цзун (1082 — 1135), или император дианстии Мин — Чжу Чжаньцзи (1398 — 1435).

Китайская живопись маслом

Сегодня многие китайские художники предпочитают европейские масло и холст, взамен традиционных туши, акварельных красок и тонкой бамбуковой и рисовой бумаги. Начало китайской живописи маслом положил итальянский монах иезуит Д. Кастильоне.

Суми–э

Живопись Суми-э является японской разновидностью китайской живописи. Изначально Суми-э, как и Се-и была монохромной и писалась лишь при помощи туши, но со временем японские художники начали писать и цветными минеральными красками. Большой импульс развития живопись Суми-э получила не только в Японии но и в других странах мира, в частности в США и России. В Москве сегодня существует школа живописи Суми-э, поддерживаемая посольством Японии.

Жанры Китайской живописи

Среди жанров китайской живописи выделяют следующие:

• пейзажи «горы – воды»,
• ветки и птицы,
• живопись бамбука,
• анималистическая живопись,
• живопись фигур и портретная живопись.

Символизм в Китайской живописи

Для китайской живописи также характерен крайне изящный язык образов. Часто изображая что-либо, китайский художник закладывает в рисунок определённый подтекст. Некоторые образы встречаются особо часто, например четыре благородных растения: орхидея, бамбук, хризантема, слива мэйхуа. Кроме этого каждое из этих растений соотносится с определённым качеством характера. Орхидея нежна и утончена, ассоциируется с нежностью ранней весны. Бамбук — символ непреклонного характера, настоящего мужа высоких моральных качеств (Сюнь-цзы). Хризантема — прекрасна, целомудренна и скромна, воплощение торжества осени. Цветущая дикая слива мэйхуа ассоциируется с чистотой помыслов и стойкостью к невзгодам судьбы. В растительных сюжетах встречается и другая символика: так, рисуя цветок лотоса, художник рассказывает о человеке, который сохранил чистоту помыслов и мудрость, живя в потоке бытовых проблем.

Инструменты Китайской традиционной живописи

Для написания традиционных китайских картин применяют ограниченный набор средств, так называемые «четыре сокровища» художника: китайская кисть, краска, тушечница для растирания туши и минеральных красок, бумага.

Примечания

Литература

• «Слово о живописи из сада с Горчичное Зерно» — М.: Наука, 1969.
• Самосюк К. «Го Си». — М.: Искусство, 1978.
• Пострелова Т. А. «Академия живописи в Китае в X — XIII вв.» — М.: Наука, 1976.
• Виноградова Н. А. «Китайская пейзажная живопись». — М.: Изобразительное искусство, 1972.
• Го Жо Сюй «Записки о живописи: что видел и слышал». — М.: Наука, 1978.
• Завадская Е. В. «Эстетические проблемы живописи старого Китая». — М.: Искусство, 1975.
• «Three Thousand Years of Chinese Painting». Yale University Press, 1997.
• «Китайские трактаты о портрете». — Л.: Аврора, 1971.

Ссылки

Китайские художники средних веков. Все картины художника

Гохуа: таинственная живопись китайских художников

Гохуа – это национальная живопись китайцев, которая зародилась ещё в период неолита. Ее техника разительно отличается на фоне европейской. Издавна китайские художники делились своим опытом, точными предписаниями и традициями, благодаря чему до наших дней сохранилось уникальное искусство.

Гохуа – неотъемлемая часть культуры Китая

Изначально образы создаются с помощью линий, что делает живопись Китая такой неповторимой. Ведь в картинах западных художников доминирует светотень, объем и насыщенные цвета, а этот элемент почти не прослеживается. Цветная керамика, найденная археологами, считается бесценным наследием китайской нации с вековой историей и древними традициями. На ней были изображены различные животные, рыбы и даже лягушки. Все это лишь свидетельствует о том, что в то время уже применялись кисти для рисования.

Особенности гохуа

Применение штрихов и линий делает китайскую живопись уникальной. Они могут быть тонкими, изогнутыми, мягкими или бледными. Кроме того, в этом виде искусства гармонично сочетаются поэзия, гравировка, каллиграфия, живопись, а также печать. В древнем Китае многие поэты и художники были настоящими умельцами в области каллиграфии. Нередко стихотворение являлось неотъемлемым атрибутом картины, которое дополняло её красоту и придавало неповторимые оттенки.

К примеру, оттиски печатей или надписи предназначались для того, чтобы пояснить идею автора, его настроения и привнести декоративной красоты и изящности в неповторимую живопись Китая.

Существует пять неизменных атрибутов, которые по сей день помогают художникам творить в этом виде искусства:

1. Тушь.
2. Бамбуковая кисть.
3. Бумага.
4. Тушечница.
5. Краски.

Однако освоить и постичь все секреты гохуа достаточно непросто. Техника безукоризненного владения кистью – вот в чем ключ к успеху. Каждый мазок должен быть совершенным и отличаться безупречной точностью, ведь невозможно стереть тушь, нанесенную на бумагу или шелк, на котором также иногда писались картины.

Тушь получают в результате растирания специальных брусков с водой до определенной консистенции. С помощью нее талантливые мастера создают неповторимые шедевры, пестрящие разнообразием тонов. С этой целью используются вещества, которые не преграждают путь цвету.

Жанры гохуа

В этом стиле имеется несколько направлений. Например, существуют такие виды сюжета, как портрет, живопись цветов и животных, а также пейзаж. Широкая специализация дает возможность мастеру прочувствовать саму суть изображаемых предметов. Различают китайскую живопись ещё и по стилям написания картин. Они могут быть выполнены с помощью свободной техники рисунка, при этом используется широкая кисть. Порой же картины отличаются более подробной манерой письма. Эти стили давно снискали популярность в Китае и гармонично сочетаются друг с другом.

Китайская живопись сегодня

В настоящее время развиваются различные направления искусства, но ничего подобного гохуа ещё не создали. Работы мастеров очень ценятся. Приобрести картины можно в мегаполисах Китая, например, в Шанхае или Пекине. Гохуа является самым востребованным видом живописи не только среди местного населения. Невозможно не оценить её весомый вклад в художественное искусство и культуру современного общества.

Простота, изящность линий, гармоничное сочетание тонов и лаконичность – неотъемлемые черты уникальной народной живописи, нашедшие отражение в богатой философии Китая.

Особенности китайской традиционной живописи

Богатая китайская культура давно привлекала людей своим неповторимым очарованием и наполненностью особыми символами. Лучше всего неповторимость древнего Китая передаёт традиционная китайская живопись, носящая название гохуа. Её трудно скопировать непосвящённому в составляющую гохуа поэтическую суть европейцу, так как каждая чёрточка на такой картине призвана нести своё особенное послание.

Издревле в Китае принято соотносить живопись и поэзию, так как китайская письменность использует для передачи смыла и звука изображение. Поэтому красиво написанные иероглифы, сложенные в особый ритмический лад, стали графическим дополнением к традиционным картинам. Считается, что живопись – это воплощённая поэзия, поэтому в древности китайцы полагали, что лучшим художником может быть только поэт.

Техника такой живописи разительно отличается от европейской. Если в европейской манере письма принято передавать форму и перспективу, то в китайской живописи таких понятий нет. Вместо этого на картинах господствует линия. Поэтому огромное значение уделялось инструментам, использующимся для рисования – тонкой кисти из меха и бамбуковой палочке.

Линейность играла огромную роль в связи с тем, что использующаяся для изображения рисунка рисовая бумага обладала тонкой текстурой, не позволяющей сделать даже минимальную правку. Каждую линию нужно было проводить с первого раза правильно. К тому же, по мнению китайских мудрецов, только линия могла передать образ, а именно он является главным на китайских картинах.

Немного позже рисовая бумага была потеснена шёлком. Случилось это в начале 16 века, когда развитие шелководства приобрело национальный характер в Китае. Живопись на шёлке использовалась специально для украшения императорского двора и хранилась в вертикальных или горизонтальных свитках. Эта живопись выполнялась с помощью особых стойких и нежных по цвету минеральных красок.

В китайской традиционной живописи принято различать три основных жанровых направления. Первый – это «цветы и птицы», некоторый аналог европейского натюрморта за тем лишь исключением, что китайские мастера никогда не прибегали к изображению срезанных цветов. Каждый изображаемый на такой картине цветок, травинка, птица несли свой смысл, с помощью которых мастер как бы разговаривал, общался со зрителем. Пион на таких картинах символизировал богатство, бамбук – стойкость, цветы сливы – скромность, орхидея и лотос – нежность и мудрость.

Пейзажная живопись «горы и реки» не отражала реальный пейзаж, а лишь передавала настроение художника и символизировала борьбу двух вечных начал – мужского и женского. Символом мужского в данных случае выступали горы, которые оттеняла вода – женское воплощение. Возвышающиеся над водой вершины символизировали превосходство природы над человеком.

Последний вид живописи – портретный, тоже не подразумевал точного сходства реального человека и его изображения. Схематичный рисунок выхватывал только основные черты, особенности внешности, предпочитая отражать личную добродетель. Это было крайне важно для китайского даосизма. Чаще всего героями таких картин становились члены императорской семьи и придворные.

Китайская живопись никогда не выходила из моды. Её очарование и глубокая философия всё больше завоёвывает мир.

Тема урока: «Классическая живопись Китая»

Тема: Классическая живопись Китая

Цели и задачи:

• познакомить с искусством Китая;
• дать представление о жанрах китайской живописи, ее основных направлениях, стилях работы китайских мастеров.

Задание: выполнить рисунок на тему выбранного жанра в традициях классической китайской живописи.

Материалы: бумага, акварель, кисти.

Зрительный ряд: репродукции картин китайских художников.

Литературный ряд: стихи китайских поэтов.

Музыкальный ряд: китайская народная музыка.

Ход урока:

Звучит китайская народная мелодия. Учитель читает стихи китайского поэта.

Разреженными мазками бледной туши
     пишу ароматы вечера.
Когда распустится этот цветок,
     наступит праздник начала лета.
Персики и сливы у восточной окраины
     посажены еще нашими предками.
Как жаль, что ветки уже посеребрил иней.

Ребята, вы сейчас прослушали незнакомую, необычную, но красивую музыку, непривычные для нас, не похожие на стихи, но все-таки стихи. Сами того не замечая, мы с вами уже слегка прикоснулись к необыкновенной, загадочной культуре древнейшей страны Китая.

(Учитель открывает занавес на доске и перед ними возникает зрительный ряд: картины китайских мастеров).

Зарождение китайской культуры ученые относят к V–IV тысячелетиям до нашей эры. На протяжении длительного периода в стране удивительным образом сохранялись преемственность и непрерывность культурных и исторических традиций. Китай внес огромный и неоценимый вклад в историю мировой цивилизации. С древности китайцы уделяли большое внимание астрономии и математике, исторической науке и географии, обогатив мир многими научными открытиями и изобретениями. Во втором тысячелетии до нашей эры в этой стране возникла письменности, и с тех пор в течение многих столетий культ грамотности определял особенности китайской культуры. Блестящее развитие получила философия и литература, живопись и архитектура, прикладное искусство и театр.

Среди различных видов искусства важнейшее место заняла живопись — именно в ней наиболее ярко и полно воплотились эстетические и философские взгляды китайского народа.

Истоки китайской живописи теряются в глубокой древности. На протяжении многих веков в Китае поколения живописцев по крупицам собирали опыт и мастерство и в период средневековья дали миру великие и совершенные творения, которые мы называем классикой китайской живописи.

Именно в это время получили свое развитие ее основные виды и жанры, сложилось ее неповторимое своеобразие.

Одновременно с развитием живописи происходило ее теоретическое осмысление. До наших дней дошло большое количество книг, в которых художники, поэты, знатоки и ценители рассуждали о сути искусства живописи, его роли и значении. В книгах разрабатывалась теория жанров. Некоторые сочинения начинались с изложения философских и эстетических проблем познания мира.

Стремление постичь законы мироздания, выявить взаимосвязь явлений — вот, что должно вдохновлять художника. Подобная установка определила метод создания художественного произведения: художник никогда не пишет с натуры. Он отбрасывает все случайное, оставляя и выделяя лишь те черты, которые определяют сущность данного явления или предмета. Поэтому такие вопросы как источник освещения, передача яркого солнечного дня или сумерек, таинственного света луны ли переливов красок заката, блеск снега на солнце, просто не стояли перед китайским художником. Ему достаточно было одной линией очертить фигуру человека, чтобы дать почувствовать ее объем и движение. Ему достаточно нескольких мазков туши, чтобы воссоздать нежную трепетность цветка. То есть для того, чтобы передать изначальные качества и свойства предмета художник использует минимум изобразительных средств - линию или цветовое пятно, или то и другое вместе. Ощущение пространства и объемности китайский художник достигает благодаря виртуозному владению линией. Второй прием — воздушная перспектива основан на использовании различных оттенков цветового пятна, создающих пространственные решения.

Линией китайский художник владел мастерски. Многие годы он тренировал свою руку, заботился о ее гибкости и силе. Движение руки должно быть абсолютно точным, потому что исправление написанного просто невозможно.

Немалую роль в процессе обучения занимало копирование произведений известных мастеров, понимавшееся китайскими живописцами не как точная перерисовка, а как умение свободно писать в различных стилях. Порывы своего вдохновения китайский художник воплощал на бумаге или куске шелка, мгновенно впитывающих тушь или краску. В его распоряжении были кисти самых разных размеров. Ими он рисовал тончайшие волосяные или мощные сильные линии, делал размывы тушью. “Четыре сокровища мудрых” — бумага, кисточки, тушь, тушечница — служили для создания великолепных произведений живописи. Один из китайских поэтов говорил, что “…светлое окно, чистый стол, прекрасная кисть, тушь, шелк и тушечница доставляют людям эстетическое наслаждение, создавая особую атмосферу художественности при работе живописца”.

К произведениям живописи в Китае относились с особым почтением и уважением. С давних времен в стране сложился своеобразный внешний облик картины. Шелк или бумага с изображением не вставлялись в раму из дерева или золоченого гипса подобно тому, как мы привыкли в Европе. Живопись наклеивалась на плотную бумагу, обрамлением ей служили довольно широкие полосу шелка. Картина хранилась обычно в специальном футляре, свернутая подобно рулону бумаги. Отсюда и ее название — свиток.

Свитки бывали двух видов — горизонтальные и вертикальные. Первые рассматривались только на столе. Они представляли собой многометровые композиции, пейзажные или жанровые. Изображение в них воспринималось постепенно, по мере развертывания. На вертикальных свитках изображались пейзажи, цветы и птицы. Для рассматривания их помещали на стену, причем это не было их постоянным местом обитания. Свитки разворачивали в дни праздников, их раскрывали для знатоков и ценителей, для созерцания, которое зачастую превращалось в священнодействие. Для того, чтобы создать необходимое настроение, зажигали ароматические свечи, свитки разворачивали медленно, причем сначала идет пустая часть обрамления, заставляющая сосредоточиться (своего рода увертюра), затем постепенно открывалось изображение.

Если говорить о китайской живописи в целом, то необходимо отметить, что на протяжении столетий китайские художники используют одни и те же материалы и технику, одни и те же сюжеты и образы, одни и те же приемы и методы. На этом основано мнение о традиционности китайской живописи.

Ранняя китайская живопись насчитывала большое количество жанров, но постепенно четыре из них стали ведущими. Это “горы и воды” (пейзаж). Жанр “цветы и птицы”, “люди и вещи” (жанровая живопись) и портрет. В разные исторические периоды преобладал тот или иной из этих жанров.

Познакомимся поближе с традиционными для классической живописи Китая жанрами.

Учитель показывает репродукции картин китайских художников, относящихся к разным жанрам и предлагает ребятам определить к какому жанру относится та или иная работа. (Рисунки 1, 2, 3, 4)

 

А теперь остановимся на некоторых репродукциях особо внимательно и поговорим подробнее о жанрах, к которым они относятся.

1. Живопись “фигур и предметов” (или “люди и вещи”) — так в истории китайского искусства называют жанровую живопись. Произведения этого жанра проникнуты идеями внутреннего совершенствования человеческой личности. Индивидуальные черты художника не интересуют. Он показывает достоинства людей высшего круга, их благородство и величавость, выражающиеся в спокойной плавности движений, в значительности и изысканности поз, в торжественной пышности одежд. В характеристике персонажей важную роль играют не лицо, а фигура, поза, складки одежды.

Излюбленной темой этого жанра была тема собрания общества тонких ценителей поэзии и живописи на лоне природы. Природа, в восприятии китайцев — это мир, бесконечный в своем многообразии. С давних пор китайцы свое понимание всего, происходящего вокруг, соизмеряли с законами природы, а свое ощущение красоты воплощали через образы природы — поэтому в живописи господствует пейзаж, а в стихах звучит поэтический восторг перед ее красотой. Общение с природой отвлекало человека от повседневности, предавая его чувствам возвышенный характер. Для этого собирался круг людей, связанных единством мыслей на лоне природы и проводили время в беседах об искусстве и чтении стихов.

2. С периода развитого средневековья пейзаж в китайском искусстве становится тем жанром, в котором воплотились основные философские представления человека о законах мироздания, в основе которых лежит взаимодействие женского начала “инь” с мужским “ян”. Олицетворением темного женского начала, связанного с землей, является вода, олицетворением положительного, мужественного начала, устремленного к небу, являются горы. Пейзаж в Китае так и называется “горы и воды”.

Стремление выявить общие закономерности природы породило определенный творческий метод китайского художника. Природа изменчива, она живет в постоянном движении, поэтому, прежде чем написать картину, он должен много километров пройти пешком, чтобы понять всю ее красоту и многообразие, ее величие и гармонию. Но лишь в тиши своего дома он может сочинить пейзаж, обобщив свои наблюдения. В арсенале художника было немало изобразительных мотивов — горы, сосны, камни, водные потоки и т.д. Но, это были не просто изобразительные мотивы, это были еще и символы, которые в сочетании представляли собой пожелания. Так, старые камни символизировали долголетие, а бамбук был символом истинно благородного человека, который, сгибаясь от жизненных невзгод, всегда находит в себе силы подняться и который мудрость жизни впитывает так же, как бамбук влагу.

Вопрос: Как вы думаете, с точки зрения китайских философов, какое пожелание написано, как бы зашифровано, в этой картине? (Рисунок 5).

Ответ: В этой картине написано пожелание быть человеком стойким, благородным, не бояться жизненных невзгод.

Сюжет другой картины, принадлежащей к жанру “горы и воды” такой. Двое, завороженные красотой природы, пытаются постичь ее тайны; скалы и водные потоки, цветущее дерево — сюжет классической китайской живописи. Легкие, деликатные цвета водяных красок, различные тона черной туши, мягкая живописная манера тонко передают лиричный характер пейзажа. (Рисунок 6).

 

3. Жанр “цветы и птицы” развивался в общем русле китайской живописи, где каждый изображаемый предмет ценился не только сам по себе, но и как часть целого мира природы. Большую роль в развитии жанра сыграли символические представления, связанные с образами цветов, птиц, плодов и различных предметов.

Так, цветок пиона олицетворял пышность и богатство, старые камни символизировали долголетие. Группируя на свитке различные изображения, художники составляли благопожелания. Чаще всего это было пожелание “трех много” — много сыновей, много богатства и долгие годы жизни. Хотя круг этих символических предметов был достаточно ограничен, композиции никогда не повторяются, их многообразие таково, что приходится только удивляться фантазии и выдумке китайских художников.

Вместе с тем средневековые китайские художники чувствовали и умели передавать естественную и живую красоту цветов и птиц. Изображение цветов художник сопровождает каллиграфическими надписями, в которых он и описывает повод, послуживший созданию данного изображения, или стихи, рожденные созерцанием цветка. Вообще для китайского искусства характерно соединение в одной картине каллиграфической надписи и живописи, которые взаимно дополняют друг друга.

В этом произведении они сливаются, являясь нерасторжимым целым художественного образа.

Стремление увидеть суть явления, подметить характерные черты, отбросить случайное, преходящее, привело к возникновению в Китае “монохромного”, то есть одноцветного стиля. Стиль этот заключается в том, что художник черной тушью в скорописной манере, без детализации, непринужденно, единым взмахом кисти создавал на бумаге образ предмета. Мастерство художников, работавших в этом стиле, было поразительно. Предельно точные, быстрые движения кисти рождали выразительные, эмоционально насыщенные линии и пятна.

Изображение дикой сливы в Китае необычно популярно. Цветы, с их нежными белыми или розовыми лепестками, олицетворяли солнечное начало, в живописи их отождествляли с мужским началом “ян”, а ствол и ветви полные соками земли выражали силу “инь” (женское начало). Цветы сливы символизируют благородную чистоту, стойкость, несгибаемость.

4. Жанр портрета является самым древним в китайской живописи. Существуют два типа портрета — ритуальный и официальный. Ритуальный – изображение предка должно быть сделано так, чтобы внушить уважение сыновьям и внукам. Официальный портрет служил своеобразной наградой военачальнику или чиновнику — портреты отличившихся выставляли в императорском дворце.

Так же, как и в других видах живописи в портрете сложились строгие правила. Конкретные черты характера, состояние человека в данный момент - это случайные преходящие свойства личности. Главное — значение человека в иерархической лестнице, его достоинства. Эти качества передавались позой, детальной разработкой костюма со всеми знаками отличия.

За время нашей беседы мы рассмотрели работы китайских мастеров, обратили внимание на необычную манеру письма, на своеобразие живописных приемов.

Вопрос: Ребята, скажите, в чем же заключается необычность приемов работы китайских художников?

Ответ: Они никогда не делают предварительных набросков карандашом, так как это делаем мы. Китайские художники сразу пишут кистью на бумаге или шелке.

Ответ: Китайские мастера пишут чаще всего тушью, и объемность изображения показывают, применяя разную по толщине линию, разные по тону пятна.

Ответ: Художники Китая никогда не пишут с натуры, они долго ходят по окрестностям, внимательно рассматривают все вокруг себя и потом дома, вспоминая свои впечатления, создают картину.

И так далее. Ответы ребят являются как бы обобщением услышанного материала.

Учитель предлагает ребятам в роли китайских художников. Они должны выбрать каждый для себя один из четырех жанров и в традициях классической китайской живописи выполнить работу. Во время работы звучит китайская мелодия. Учитель предоставляет детям полную творческую свободу, оказывая индивидуальную помощь. Самые интересные работы закрепляются на доске. Подводятся итоги работы. Учитель благодарит ребят за урок.

Классическая живопись Китая. Картины художников — Журнал по дизайну и культуре

Картины художников Китая (расцвет искусства в котором пришелся на эпоху средневековья IV – XIX веках нашей эры), не случайно заняли почетное место в мировой истории искусства. В этой области художественной культуры китайские мастера сумели оставить особенно яркий след. Отображение красоты природы и представления о гармонии и величии вселенной было передано ими с необычайной убедительностью. Художники сумели вложили в картины-свитки не только личные настроения, но и мудрость, значимую для всех последующих поколений.

Рыбаки. Деталь свитка. У Чжэнь. 1345г. Музей Шанхая.

Обаяние старокитайской живописи состоит в глубине поэтического проникновения в мир природы.

В ней можно почувствовать нечто вневременное. Картины художников Ван Вэя, Сюй Даонина, Го Си, выполненные более 9 – 12 веков тому назад, заставляют и теперь пережить душевное волнение. Всякое древнее искусство, даря радость от созерцания, требует эстетического опыта, подготовленности. Созданное в отдаленные времена, оно пронесло сквозь века древние традиции и символические представления. Форма китайских картин, лишенных рамы, композиция, приемы исполнения необычны для восприятия европейцев, у которых издавна получила распространение техника масляной живописи. В цветовой гармонии вещей, в волнообразном ритмическом строе, подчеркнутой незавершенности, в повторяемости сюжетов ощущается скрытый смысл, понимание которого лежит в сферах философии и религии. Живопись, таким образом, оказывается одновременно простой и сложной, требующей проникновения в ее образы.

Рыбак. У Чжэнь. 1342г. Гугун, Тайбэй.

Наиболее характерная особенность средневековой живописи Китая – стремление постичь всеобщие законы мира, через частное восприятие увидеть все явления в их взаимосвязи.

В китайской картине деталь заслуживала внимания мастера лишь постольку, поскольку позволяла понять всеобщее. Так, ветка цветущей сливы рождала в воображении образы весны. Буйвол, тяжело бредущий по заснеженной равнине, олицетворял зиму. А одинокая птица, нахохлившаяся на голой ветке, осеннюю бесприютность. Пристально наблюдая природу, художник в то же время никогда не работал непосредственно с натуры. Он создавал своего рода художественные конструкции на основе определенных элементов изображения. Их основой был необычный внешний вид произведения. Картина китайских художников представляют собой свиток, исполненный, обычно, на шелке или бумаге, что значительно отличается от европейской традиции. Это, скорее, живописная поэма или повесть, читающаяся подобно рукописи.

Две сосны. У Чжэнь. 1328г. Гугун, Тайбэй.

Уже в ранний средневековой живописи китайских художников сложились две основные формы свитков.

Вертикальная – когда свиток развертывался и вешался на стену, и горизонтальная – когда он разворачивался в руках по мере просматривания. Вертикальные изображения обычно не превышали трех метров, а горизонтальные, объединявшие серию пейзажей, жанровых сцен, городских видов, достигали подчас нескольких десятков метров. Каждая из двух форм свитков давала возможность мастерам изображать мир во всем его многообразии. Терпеливо развертывая горизонтальный рулон в руках, зритель словно прочитывал длинную книгу путешествий перед ним вставали города, дворцы, храмы, караваны верблюдов, горные перевалы и долины. В настенных свитках, напротив, раскрывалась вся ширь мироздания. Они выражали глубокий философский смысл.

Бытовая живопись Китая зародилась задолго до появления других жанров.

Она иллюстрировала легенды и новеллы, и имела повествовательный характер. Там же, где затрагивались человеческие эмоции, поэтические настроения, изображение неизменно соединялось с пейзажем. Миропонимание средневекового Китая можно назвать пейзажным, настолько бытие людей осознавалось в связи с природой. Она, издревле, была предметом пристального наблюдения. В отличие от Европейских стран, где мерой всех вещей был человек, здесь ею стало природное начало. Поэтому, пейзаж завоевал в искусстве ведущее положение. Пантеистическое мировосприятие направляло религию, философию и искусство в единое русло. Глубокое родство связывало, например, живопись и зодчество средневекового Китая. Подобно художнику – пейзажисту, зодчие воспринимали дворцы и храмы как неотъемлемую часть природного ансамбля. Они строили их в самых живописных местах страны, а дороги к ним прокладывали с таким расчетом, чтобы перед путником открывались разнообразные виды. С потребностью созерцать красоту было связано строительство ландшафтных садов, павильонов и беседок, словно затерявшихся в горах. Древние архитекторы, как и мастера пейзажа, владели неповторимым мастерством использования природных просторов как живописного фона в ансамблях садов и парков.

Пейзаж в средневековой живописи Китая был неразрывно связан с поэзией.

Не случайно, один из теоретиков искусства IX века Чжан Янь-Юань подчеркнул их слитность Словами: “Когда не могли выразить мысль посредством живописи писали иероглифы, когда не могли выразить мысль посредством письменности – писали картины”. Действительно, на картинах, китайские художники красивым каллиграфическим почерком выводили стихи. Многие из художников одновременно были поэтами, настолько искусство слова и изображения было взаимосвязано.

Каменистая равнина и далекий горизонт. Го Си. XI в. Гугун, Пекин.

Соединение картины и каллиграфической надписи в живописи Китая возникло уже в первых веках нашей эры. Иероглифы обогащали смысл произведений, давая пищу фантазии, воображению зрителя. Ценимые как особый вид искусства, надписи имели самостоятельное художественное значение. Создавались целые свитки, исполненные в самых разных манерах и стилях. Обращение к возможностям каллиграфии не было случайным. Иероглиф в Китае – нечто значительно большее, чем мысль, выраженная средствами письма. Его извилистая и упругая линия то острая и колючая, то ломкая, то широкая и свободная отражала настроение мастера, его темперамент, артистизм натуры. Иероглиф – это, своего рода, говорящий орнамент со смысловым содержанием.

Деревья и ровная даль. Деталь. Го Си. XI в. Нью-Йорк, музей Метрополитен.

Китайские художники знали много способов рассказать о жизни природы.

С VIII века нашей эры, один из них (Ван Вэй), наряду с водяными минеральными красками, стал применять черную тушь. Она давала особенно живописную плавность тональных переходов. Тогда же утвердились и две основные манеры. Одна тщательная, скрупулезная гун-би (прилежная кисть), другая более свободная, раскованная се-и (выражение идеи). Пользуясь ими, мастера достигали порой самых неожиданных эффектов. Часто, всего лишь одна деталь например, ветка сосны, нахохлившаяся птица в произведениях Му Ци или Лян Кай (XIII век) придавала им выразительность, эмоциональность и, даже, драматизм.

Один из секретов выразительности живописи Китая – сочетание линии и пятна. Тончайшие градации тона в союзе с острым, сильным штрихом создавали впечатление воздушности, тающих в тумане далей. Белая матовая поверхность бумаги, не отражающая света и легко впитывающая тушь, умело трактовалась как пространственная среда. Зернистая фактура шелковой ткани играла ту же роль. Эскизность и незавершенность, возведенные в творческий принцип, заставляли зрителя домысливать произведение, чувствовать себя причастным к процессу творчества. Рожденный воображением художника пейзаж всегда был наполнен дыханием жизни. На длинном свитке “Осень в долине Желтой реки”, исполненном в XI веке Го Си, изображены бесконечные цепи гор, старые сосны, хижины, тонущие в волнах мягкого тумана. В природе царит покой. Пейзаж монохромен, написан легкими размывами туши в сочетании с четкими графическими линиями. А знаменитый художник Ма Юань, живший в XII – XIII веках, изображая утлую лодку рыбака, качающуюся среди просторов зимнего озера, не изобразил ни берегов, ни даже клочка суши. В результате, создается ощущение бескрайнего пространства, полного жизни. Намеченное несколькими сильными ударами кисти волнение вокруг лодки передает движущуюся водную стихию.

Пейзаж средневековья, получивший в живописи Китая наименование “шань-шуй” (горы-воды), символистичен по своей природе.

В нем получили выражение наблюдения над наиболее характерными особенностями национального ландшафта. Этому способствовала композиция, выработанные веками законы перспективы. Все предметы словно увидены художником сверху. Дальний план, обычно поднятый очень высоко в китайских картинах, кажется бесконечно удаленным от переднего. Если в живописи “шань-шуй” природа величественна и необъятна, то в другом жанре, получившем название “цветы-птицы”, она, напротив, максимально приближена к человеку. Изображения наносились не только на свитки, но и на веера и ширмы, украшали почтовую бумагу, альбомные листы. Эти миниатюрные сценки отражали жизнь растений, птиц, насекомых. Мастера, работавшие в этой манере, изучали все живое, подобно естествоиспытателям. Они знали и прекрасно передавали строение каждого листа, форму оперения птиц, фактуру бархатистой поверхности спелого плода.

Творческий опыт целых поколений живописцев Китая отражен во множестве трактатов, обобщавших правила работы над картиной. В них утверждались высокие идеалы искусства, обращенные к постижению гармонии мира. Например, пояснения к законам перспективы звучали как стихотворения, воспевающие красоту мира. Вот отрывок из трактата живописца Ван Вэя: “Далекие фигуры – все без ртов, далекие деревья – без ветвей. Далекие вершины – без камней: они, как брови, тонки, неясны. Далекие теченья – без волны: они в высотах с тучами равны. Такое в этом откровенье!”

Богатый и сложный мир китайской классической живописи, наполненный символами и аллегориями, обращенный к вневременным категориям гармонии, единства человека и природы, в сочетании с попыткой проникновения в суть вещей явился значительным и уникальным вкладом в мировую художественную культуру.

При подготовке публикации были использованы материалы статьи
“Классическая живопись Китая” Н.Виноградовой, М.1983 г.

китайской живописи | Галерея китайского искусства

Начиная с династии Мин (1368–1644), живопись часто выделялась в местные школы, которые сформировали важные кластеры в истории искусства. Стили художников «Школы У» под руководством Шэнь Чжоу (沈周) из района Сучжоу, например, были основаны на культивируемых подходах к научной живописи Мастеров Четырех Юань. «Школа Чжэ», возглавляемая Дай Цзинь (戴 進), состояла в основном из художников из областей Чжэцзян и Фуцзянь; также активно действуя при дворе, они создали прямую и свободную манеру монохромной живописи тушью на основе моделей Южной песни.

Покойный мастер Мин Дун Цичан (董其昌) из Сунцзян и Четыре Ваня, а именно Ван Шимин (王時敏), Ван Цзянь (王 鑑), Ван Хуэй (王 翬) и Ван Юаньци (王 原 祁) из ранней династии Цин (1644-1911) принял благородную цель литераторов — объединить некоторые древние стили в «великий синтез», чтобы все мысли и природу можно было передать кистью и чернилами. Результатом стала очень влиятельная «Православная школа», которую поддерживали маньчжурские императоры Цин и которая контрастировала с группой художников-индивидуалистов. в основном Чжу Да (朱 耷) и Ситао (石濤).Суд также проявил интерес к западной технике живописи (привезенной европейскими миссионерами), которая включала объем и перспективу, который стал известен и использовался некоторыми китайскими художниками для создания единого стиля. Вне двора, крупный торговый город Янчжоу в провинции Цзянсу развил тенденцию к индивидуализму, чтобы стать центром «эксцентричных», но профессиональных художников. такие как Чжэн Се (鄭 燮). Это также распространилось на Шанхай, где стили художников, таких как Рен Бониан (任 伯 年) и У Чаншо (吳昌碩) также были вдохновлены «неправославными» манерами, которые сами стали образцами для более поздних художников, например Ци Байши (齊白石).

Таким образом, на протяжении веков отличительной чертой китайской живописи было стремление к индивидуальности и новаторству в рамках своего «симфонического» наследия. Галереи живописи Китайского онлайн-музея представляют собой отдельные «перформансы», чтобы дать обзор некоторых основных традиций и направлений в китайской живописи.

Китайская традиционная живопись: интересные истории — DailyArtMagazine.com

Традиционная китайская живопись известна своим неповторимым стилем.Когда началась китайская живопись и как ее читать? Что это значило для художников? Они просто реагировали и пытались запечатлеть мир вокруг себя, когда смотрели вдаль? Что было в их сердцах, когда они развивали свой художественный стиль, постоянно обращаясь к прошлому? Давайте рассмотрим эти вопросы в историях.

То, что в сердце, есть намерение; выражаясь в образах, это может быть картина. Картина похожа на сердечный отпечаток художника. Говорят, что оценить китайскую живопись — значит ее прочитать.Китайский художник создавал свои произведения только с помощью самых экономичных средств: кисти и туши на бумаге. Эти же средства использовались при создании каллиграфии. Западные техники масляной живописи получили распространение в Китае только в начале 20 века. Как читать китайскую живопись и как она развивалась? Чтобы ответить на эти вопросы, следует помнить, что китайские художники веками использовали одни и те же основные материалы. Китайская живопись — одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире.

История китайской живописи

Самые ранние картины были орнаментальными и представляли собой нарисованные узоры спиралей, зигзагов, точек или животных. В период Сражающихся царств (403–221 до н. Э.) Художники начали изображать окружающий мир. Изобретение бумаги в I веке н. Э. Обеспечило дешевое и широко распространенное средство как для письма, так и для живописи и определило ход их развития. Техника на водной основе и каллиграфия стали важными, и художники выбрали более графический подход к изображению предметов на своих картинах.

В последующие периоды художники изображали мифологических божеств или почитали погребальные обряды. Китайская пейзажная живопись зародилась в IV веке нашей эры. Во времена династии Тан (618–907) художники изображали идеализированную пейзажную среду с редким количеством предметов. Например, мы можем визуализировать Чистый и удаленный вид на ручьи и горы как типичную китайскую пейзажную картину. Во времена династии Сун (960–1279) портретная живопись стала более сложной, чем раньше.Он достиг своей зрелости во времена династии Мин (1368–1644).

Традиционный китайский художник пытался передать внутреннюю сущность, энергию, жизненную силу и дух своего предмета. Картина была не только записью чувственного опыта, но и отражением сознания художника. Это было откровением его личности и выражением глубоко укоренившихся ценностей.

Ся Гуй, Чистый и удаленный вид на ручьи и горы (фрагмент), 13 век, Национальный дворец-музей, Тайвань.

Китайские художники не стремились изображать реалистичные образы или идеальные формы.Для них слияние изображения и мысли составляло сущность искусства. Вот почему некоторые из самых известных китайских поэтов обычно были и учеными, и художниками. Светское искусство процветало в Китае уже в четвертом веке нашей эры, поскольку правители искали художников, чтобы придать престиж своим дворам.

Живопись династии Тан

Традиция живописи династии Тан (618–907) родила многих великих художников. Некоторые императоры стали талантливыми каллиграфами и художниками и приняли научные идеалы.Чаще они нанимали художников, изображения которых превозносили достоинства их правления. В зависимости от политических предпочтений художник-пейзажист мог показать праздник хорошо организованной империи. Художник, возможно, решил сохранить свою политическую целостность, выраженную в его портретных картинах.

Ян Либэнь (ок. 600–673) был одним из великих художников династии Тан. Он происходил из аристократической семьи и начал свою карьеру при императорском дворе Тайцзуна (годы правления 626–649). Он был главным придворным художником в течение трех царствований.Ян Либэнь был ученым и стал премьер-министром при императоре Гаоцзуне (годы правления 649–683). Тем не менее, Ян Либень был известен прежде всего своими способностями художника.

Императоры могли хорошо относиться к Яну Либеню. Однако художник чувствовал себя не более чем слугой престола. Однажды в озере перед Тайцзуном появилась необычная птица. Он вызвал художника, чтобы он нарисовал птицу. Ян Либень воскликнул: «Меня знали только по живописи, как если бы я был прислугой». Он даже посоветовал сыновьям не заниматься артистической карьерой.

Китайская портретная живопись

Китайская портретная живопись призвана увековечить память, прежде всего, богатых и могущественных. Самой известной из картин Янь Либэня, вероятно, является серия, изображающая тринадцать китайских императоров. Физиогномика, искусство обнаруживать темперамент и характер по внешнему виду, была очень важна для китайских художников. Они пытались представить императоров фронтально. Однако здесь художник выбрал другой подход по другой причине.

Ян Либень запечатлел индивидуальные выражения лиц и уникальные черты характера каждого из испытуемых.Композиция модели Thirteen Emperors передает иерархию масштабов, а контуры предполагают твердые формы. Ограниченная цветовая палитра, прорисовка линий на соответствующем фоне усиливают достоинства фигур.

Се Хэ, другой китайский художник, также подал пример для будущих художников в своем Шесть канонов искусства . Художник сформулировал свои каноны в шестом веке нашей эры. Художник должен «выражать жизненный дух своих предметов, очерчивать их формы и изображать их внешний вид с помощью цветов.Он также должен аккуратно расположить их на картинной плоскости. Разделив форму и цвет по разным законам, он описал «технику контура и цвета», отличительную черту китайской живописи.

Китайская живопись лошадей

Император Тан любил лошадей и, возможно, поручил Яну нарисовать их в качестве рисунка для резьбы по дереву. Популярность росписи лошадей отражает то значение, которое императоры придавали своим конюшням. Опыт в оценке хороших лошадей долгое время был метафорой способности распознавать талантливых людей.Если бы можно было их найти, этих людей можно было бы использовать для управления народом. Рисунки Янь Либэня также стали лучшим камнем в развитии скульптуры Тан.

Живопись династии Сун

Династия Сун (960–1127 гг.) Была золотым веком живописи в Китае. Одним из талантливых художников, рисовавших лошадей во время правления Сун, был Хуан Цзундао (работал около 1120 г.), один из великих художников Китая.

Хуан Цзундао, Охота на оленя (фрагмент), ок. 1120, Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Стилизовав лошадь, летящую галопом в космос, Хуан Цзундао применил огромное воображение. Художник попытался передать сущность духа лошади, как описано в книге Се Хэ «Шесть канонов искусства ». Тем не менее, есть некоторое формальное сходство образа с действительностью. Картина лошади, вероятно, основана на наблюдении художника за настоящей лошадью. Китайцы высоко ценили лошадей за их выносливость и физические характеристики. Превосходных лошадей называли «драконьими» лошадьми со сверхъестественными способностями.

Символизм в китайской живописи

В китайском искусстве и, в частности, в живописи много символизма. Переходя к более символическому изображению мира, некоторые китайские художники сосредоточились на интроспективном созерцании. Эти картины настолько прониклись скрытым смыслом, что их уже нельзя было понять без помощи языка. Деревья, цветы и птицы представляли реальные объекты, но они также начали представлять символы.

Император Сун Хуэйцзун, Благоприятные журавли (фрагмент), 1112, Провинциальный музей Ляонин в Шэньяне.Викиарт.

Написанные в 1112 году, Благоприятных журавлей приписываются императору Хуэйцзуну (годы правления 1100–1126), описание которого сопровождало картину. Он писал, что однажды вечером «благоприятные облака» внезапно образовались массами и осветили главные ворота дворца. Затем над дворцом появилась группа журавлей, и двое из них расположились на крыше.

Хотя эта картина основана на реальном событии, в ней царит сказочная атмосфера. Определяя предмет, художник учел символические значения, которые присутствуют во многих других подобных произведениях искусства.

Популярные мотивы в китайской живописи

Журавли были популярным мотивом в китайской живописи. Журавль — один из самых распространенных символов долголетия. Они могут означать высшее разграничение придворного статуса Императорского Китая. Журавли взлетают к синему небу, словно пытаясь добраться до острова Бессмертных. Они раскрывают стремление художника к долголетию и прочный фундамент любого предприятия. Император надеялся, что небеса благословят его правление.

Рэй Хеннесси, Белый журавль в озере, без брызг.com.

Однако удача отвернулась от императора Хуэйцзуна. Его как правителя обвиняли в крахе династии Северная Сун (960–1127 гг.). Он умер в тюрьме после вторжения чжурчжэней, конкурирующих сил, но его все еще помнят за его вклад в искусство. Император Хуэйцзун помог основать имперскую академию живописи.

Его академия пыталась продвигать технику гонби, или тщательный реализм в живописи. Эта техника очень точно разграничивает детали без выразительных вариаций.Ма Юань, один из величайших китайских художников, почувствовал его влияние. Император также создал каллиграфический стиль Slender Gold . Если мы сравним стиль императора с работами известного каллиграфа XIII века Чжао Мэнфу, разница станет очевидной. Поглаживания императора Хуэйцзуна тонкие и могут выявить его чувствительный характер и слабый темперамент, в то время как штрихи Чжао Мэнфу полны силы и динамизма.

Император Сун Хуэйцзун (образец каллиграфии), деталь, XII век.Wikimedia Commons. Чжао Мэнфу, Сказка о богине реки Ло, каллиграфия (фрагмент), 13 век. Wikimedia Commons.

Поэтические и живописные образы работают в тандеме, чтобы выразить внутреннее состояние художника. Поэтические надписи стали неотъемлемой частью композиции. Получатель картины часто добавлял надпись в качестве своего собственного «ответа». Китайский художник не закончил свою картину, когда отложил кисть. Картина продолжала развиваться, поскольку более поздние владельцы добавляли свои собственные надписи.Таким образом, произведение искусства содержало запись о его передаче за более чем тысячу лет.

Значение китайской живописи

Значение китайской живописи отличается от азиатских аналогов, например, индийских или тайских. Во многих случаях китайские художники изображали светские предметы со скоростью и движением в духовных и изобразительных целях. Как мы видели, многие предметы кажутся застывшими во времени. Напротив, серия изображений в индийском искусстве, например, обычно служила средством повествования.

При всех художественных достижениях период высокого символизма не стал для китайских художников классическим. Классический период в западном искусстве основан на порядке и структуре, в то время как ни один период в китайском искусстве не может считаться классическим. Когда китайский художник адаптировал стиль раннего художника, он с большей готовностью модифицировал его, передавая новые значения. Затем он сделал смешанный стиль более личным. Этот подход проводит параллель с западным искусством начала двадцатого века с его стремлением к экспериментам.Как для китайских, так и для западных художников художественное самовыражение стало личным опытом.

Если вы находите радость и вдохновение в наших рассказах, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖКА
DailyArt Magazine скромным пожертвованием. Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

форматов китайской живописи | Образование

Росписи стен: В китайских храмах, дворцах и гробницах внутренние и некоторые внешние стены часто отделывались очень тонкой глиной, которую затем украшали картинами.Из-за таких факторов, как политические потрясения и воздействие природных сил, настенные росписи сохранились в относительно небольшом количестве.

Экраны: Распространенный формат рисования на протяжении большей части истории Китая. Экраны состояли из одной картины или нескольких панелей. По ряду причин немногие экраны сохранились в своей первоначальной форме: их было трудно хранить, они выставлялись на обозрение в течение длительного времени, были выброшены из-за изменений в моде или их судьба была аналогична судьбе настенных картин.Однако некоторые экраны были перемонтированы и сохранены в виде свитков.

Висячие свитки: Большинство крупных китайских картин сохранились в виде свитков. Созданные поодиночке, парами, а иногда и большими наборами, эти картины экспонировались лишь в течение короткого периода времени. Их часто вешали в честь сезона или какого-то праздничного события, гостя или покровителя. Остальное время они были свернуты для хранения, позволяя хрупким изделиям на бумаге и шелке сохраняться в течение тысячи лет или более.

Handscrolls: Картины в горизонтальном формате, предназначенные для просмотра отдельным человеком или небольшой группой. Среди наиболее интимных форматов китайской живописи они были развернуты справа налево так, чтобы одному человеку было удобно держать их. Владельцы ручных прокруток могли при необходимости добавлять разделы к любой стороне оригинального рисунка или каллиграфии, в которые добавлялись комментарии (называемые колофонами), например слова признательности. Персональные печати добавили еще один размер и элемент яркого цвета.

Альбомов: Коллекция из нескольких листов (страниц) примерно одинакового размера. Каждый лист — это картина, которая может стоять сама по себе, но обычно связана с другими листьями. Для удобства хранения и демонстрации коллекционеры иногда объединяли группы не связанных между собой картин в альбом.

Веера: Маленькие ручные веера из бумаги или шелка, часто раскрашенные в неформальной или даже игровой форме. Многие из них были написаны известными художниками или профессиональными художниками для подарков по знаменательным событиям.Многие веера были сохранены в виде альбомов или свитков.

Материал для китайской окраски

Кисти

Китайская живопись использует большое количество разнообразных кистей. Вот три наиболее часто используемых модели:

1. Кисть с козьей шерстью: Ян Хао. Очень гибкий, он обычно используется для окраски больших поверхностей и для создания градаций цветов.
2. Кисть с волчьей шерстью: Ланг Хао. Он используется для более точных макетов, таких как контуры, бамбук, деревья и скалы.
3. Кисть с шерстью козла и волка: Цзянь Хао. Состоящая из внешней короны из гибкой козьей шерсти с внутренним концом из твердой волчьей шерсти, она сочетает в себе качество двух предыдущих щеток.

Новые щетки укреплены клеем для защиты конца. Затем необходимо растворить этот клей в прохладной воде, чтобы волосы обрели гибкость.

Перед тем как использовать кисть, ее следует немного намочить, прежде чем пропитать чернилами или краской.Затем слегка постучите кистью по чернильнице или блюдцу, чтобы удалить излишки. Не следует заряжать или опорожнять щетку, поворачивая ее: это может деформировать конец.

Вот правильный уход за кистью для китайской каллиграфии и живописи:

Поддерживает

Обычно это лист рисовой бумаги: Сюань Чжи. Мы различаем два вида:

1. Поглощающая бумага: Shengxuan. Для изготовления красивых рядов: его используют для китайской каллиграфии и живописи Се Йи, Шуй Мо и др..
2. Не впитывающая бумага: Шу Сюань, также называемый Фань Сюань. Не впитывая чернила, как впитывающая бумага, он подходит для точного макета китайских картин Гонг Би, Моу Гу и т. Д. Это впитывающее покрытие бумаги раствором квасцов.

Некоторые художники также используют особый китайский шелк под названием Джон. Но шелк очень быстро портится.

Чернила и чернильный камень

Традиционно китайские художники используют тушь в виде твердых палочек.Перед покраской необходимо натереть камень небольшим количеством воды. Он мог получать чернила различной плотности в зависимости от времени трения. Каменные чернила должны быть снабжены крышкой, чтобы чернила не высыхали, когда они не используются. (Если он высохнет, что неизбежно произойдет даже с крышкой, вы можете добавить немного воды.) Вы можете получить чернильные камни разных размеров и форм. Это даже считается искусством.

Но теперь мы используем очень хорошие черные чернила в маленьких баночках для рисования и тюбики с водяными чернилами для всех цветов в живописи.

Для красок вам понадобятся маленькие блюдца (достаточно гладкой тарелки). Вы можете смешать их и добавить воды, чтобы получить желаемый цвет и плотность. Их следует использовать в небольшом количестве, потому что, если они высохнут, даже если вы добавите воду, они потеряют свои качества.

Прочие материалы, используемые для китайской росписи

Емкость для воды (например, таз) для мытья щеток.

Кисти для переноски (обычно сделанные из керамики) для позиционирования кистей при рисовании: конец не должен касаться стола.Некоторые также используют деревянные щетки для переноски, снабженные крючками для подвешивания и сушки щеток.

Пресс-папье для удержания бумажного листа.

За редкую китайскую классическую картину из престижной императорской коллекции Цин можно будет выручить от 10 до 15 млн долларов | Новости аукционов | СТОИМОСТЬ

12 сен, 2020 | Сб | 17:26

Редкая китайская классическая картина Пять пьяных принцев, возвращающихся верхом на лошади известного юаньского художника Рен Ренфа произвела огромную сенсацию, когда была продана за колоссальные 303 миллиона юаней (около 44 долларов США.3 м) на аукционе Beijing Poly в 2016 году.

Покупателем, как сообщается, был Чжан Гуйпин, китайский миллиардер и председатель Suning Universal, гостиничного и гостиничного бизнеса со штаб-квартирой в Нанкине, Восточный Китай. К сожалению, в итоге транзакция не была завершена, так как грузоотправитель не смог решить вопросы, связанные с экспортом / импортом и налогами.

Через четыре года картина снова появится на рынке и уйдет с молотка на осенних торгах Sotheby’s в Гонконге в октябре этого года, оценившись в 80–120 млн гонконгских долларов (10 долларов США.3-15,5 м).

Рен Ренфа (1255-1327), Пять пьяных принцев, возвращающихся верхом
бумага, тушь, цвет, ручной свиток
Размер: 35,2 x 210,7 см
Предположительная цена: 80 000 000 — 120 000 000 гонконгских долларов (10 340 000 — 15 510 000 долларов США)

Аукционный дом: Sotheby’s Hong Kong
Продажа — прекрасные китайские классические картины
Дата: 8 октября 2020 года
Место проведения аукциона будет объявлено в ближайшее время

---

Присмотритесь к Пять пьяных принцев, возвращающихся верхом на лошади

Пять пьяных принцев, возвращающихся верхом на лошади является свидетельством бурной истории поздней династии Цин, когда-то находясь в императорской коллекции Цин, прежде чем пройти через руки нескольких выдающихся знатоков.

Картина размером 35,2 x 210,7 см была создана известным художником Юань Рен Ренфа (1255–1327), который служил при монгольском дворе на многих важных официальных постах. Наиболее известный своими картинами лошадей и конюхов, Рен использовал четкие контурные мазки и широкие области размытия цвета, лица и позы его персонажей передают индивидуальность и активность. Большая часть его произведений хранится в музеях или принадлежит частным коллекционерам, поэтому этот широко издаваемый свиток является одним из редких сохранившихся произведений художника, попавших на рынок.

На картине изображены пять пьяных князей из династии Тан, которые весело скачут верхом в сопровождении четырех служителей. Динамичный по композиции, он ярко изображает сильную родственную связь между принцами. Один из пяти князей, носящий красную мантию на правой стороне свитка, — Ли Лунцзи, который позже стал императором Сюаньцзуном (685-762).

В 710 году Ли Лунцзи совершил переворот против вдовствующей императрицы Вэй и помог своему отцу Ли Даню вернуть трон. После того, как Ли Дань снова стал императором (как император Жуйцзун), он столкнулся с дилеммой: кого сделать наследным принцем, так как Ли Сянь (также известный как Ли Чэнци), старший сын должен быть законным преемником согласно конфуцианским принципам, тогда как Ли Лунцзи был единственным который помог ему вернуть трон.Чтобы решить эту проблему, Ли Сянь добровольно отказался стать наследным принцем и убедил своего отца выбрать Ли Лунцзи за его достижения.

Пять пьяных принцев, возвращающихся верхом на лошади зарегистрировано в императорских коллекциях со времен династии Мин (1368–1644). Он был занесен в каталог «Shiqu Baoji Xubian», второй том престижной инвентаризации коллекции картин и каллиграфии императоров Цин. На картине можно увидеть 36 коллекционных печатей, в том числе восемь печатей императора Цяньлуна (годы правления 1736-1796 гг.), Одну печать императора Цзяцина (годы правления 1796-1820 годов) и три печати императора Сюаньтуна (годы правления 1909-1911 годов).

Знаки печати на картине

После революции 1911 года, свергнувшей династию Цин, последний император Китая Пуи (император Сюаньтун) с 1920-х годов начал перевозить более 1000 произведений искусства, редких книг, традиционных китайских картин и каллиграфии из Запретного города. Эти произведения искусства были перенесены в малоизвестное двухэтажное цементное здание, получившее название «Маленькое белое здание» (Сяобай лу) в Маньчжоу-Го, марионеточном государстве Японской империи в Северо-Восточном Китае и Внутренней Монголии с 1932 по 1945 год.

После роспуска правительства Маньчжоу-Го в 1945 году после капитуляции Императорской Японии в конце Второй мировой войны многие произведения искусства из императорской коллекции Цин были разбросаны по различным частным коллекциям. Пять пьяных принцев, возвращающихся верхом впоследствии был передан Хао Баочу, который продал работу выдающемуся торговцу произведениями искусства C.T. Лоо (1880-1957) и его зять Жан-Пьер Дюбоск. Картина была доставлена ​​в США, где ее приобрел Вальтер Хохштадтер (1914–2007), известный и выдающийся торговец китайским искусством.

Картина была предложена на Christie’s в Гонконге и в 2009 году была продана за 46,58 млн гонконгских долларов. В 2016 году она вновь появилась на рынке на аукционе Beijing Poly и вызвала ожесточенную борьбу между миллиардером, коллекционером произведений искусства Лю Ицянем и Чжан Гуйпином, председателем Suning Универсальный, как пишут китайские СМИ. Картина была продана последнему за колоссальные 303 миллиона юаней (около 44,3 миллиона долларов США). В итоге сделка не состоялась из-за проблем, связанных с экспортом / импортом и налогами, которые еще не были урегулированы продавцом.Картина снова появится на рынке четыре года спустя, и, как ожидается, в октябре этого года на осенних распродажах Sotheby’s в Гонконге будет продано от 80 до 120 миллионов гонконгских долларов.

Еще один шедевр, ранее находившийся в императорской коллекции Цин — Южный инспекционный тур императора Канси , свиток VI известного придворного художника Ван Хуэя, будет продемонстрирован во время предварительных просмотров 3-7 октября в Гонконгском выставочном центре. По заказу императора Канси в конце семнадцатого века, Южный инспекционный тур императора Канси рассказывает историю путешествия императора по южному Китаю, ведя хронику повседневной жизни в городах и сельской местности на этом пути.В последние годы правления династии Цин свиток VI был разрезан на части после выхода из императорского дворца. Впервые за более чем столетие Sotheby’s собирается воссоединить эти составные части и полностью выставить этот свиток VI длиной 21 метр.

Скрытых смыслов и не только в китайской живописи

Что делает китайский художник во времена хаоса и угнетения? Бегите в горы, в пустыню, конечно, чтобы культивировать верные конфуцианские ценности, писать стихи, рисовать картины и, естественно, выпить чаю и побольше вина.А на картинах он мог бы скрыть какой-нибудь деликатно сделанный политический комментарий. Но Арнольд Чанг , современный американский мастер китайской живописи, картины которого находятся в собраниях Музея искусств Метрополитен, Музея азиатского искусства Сан-Франциско и многих других, больше интересуется искусством, чем политикой. В особом личном и научном разговоре Чанг поделится своими взглядами на смысл и искусство китайской живописи с древних времен до наших дней, а затем присоединится к беседе с экспертом по китайскому искусству Джейн ДеБевуаз , сопредседателем Asia Art Archive .

Колонки

Арнольд Чанг (Чжан Хун 張洪) — самый знаменитый американский мастер китайской живописи. Чанг стал соучредителем отдела китайской живописи Sotheby’s и руководил этим отделом в течение пятнадцати лет, а позже он присоединился к Kaikodo, Нью-Йорк, престижной галерее азиатского искусства. Он преподавал в Колумбийском университете, Университете штата Аризона, Колледже Коннектикута и других местах и ​​опубликовал множество статей о китайской живописи. Его собственные работы выставлялись и собирались во многих музеях и частных коллекциях по всему миру.

Чанг, родители которого приехали из Китая, родился в Нью-Йорке в 1954 году. Еще в средней школе он брал уроки китайской каллиграфии у Ван Цзиюаня (王 濟 遠). Он получил степень бакалавра восточноазиатских исследований в Университете Колорадо, в течение которого он провел младший год на Тайване и изучил пейзажную живопись у Го Яньцяо (郭燕 嶠). Затем он получил степень магистра азиатских исследований в Калифорнийском университете в Беркли, где изучал историю искусств у Джеймса Кэхилла.Чанг познакомился с известным художником / коллекционером Ч. С. Вангом (王 己 千) в Калифорнии и вернулся в Нью-Йорк, чтобы изучать живопись и ценить у него следующие двадцать пять лет.

Арнольд Чанг, 2020
Пейзаж после Хуан Гунвана
бумага, тушь
16 3/4 x 52 5/8 дюйма

Джейн Дебевойз — сопредседатель Совета директоров Азиатского художественного архива в Гонконге и председатель Азиатского художественного архива в Америке в Нью-Йорке. До переезда в Гонконг в 2002 г.ДеБевуаз был заместителем директора музея Гуггенхайма, отвечая за работу музеев и выставки по всему миру. Она пришла в музей в 1996 году в качестве директора проекта Китай: 5000 лет , крупномасштабной выставки традиционного и современного китайского искусства, которая была представлена ​​в 1998 году в музеях Гуггенхайма в Нью-Йорке и Бильбао. Г-жа ДеБевуаз имеет степень магистра Калифорнийского университета в Беркли и докторскую степень Гонконгского университета. Ее книга « Между государством и рынком: современное китайское искусство в эпоху после Мао« »была опубликована в 2014 году издательством Brill.Другие публикации включают в себя в соавторстве Несотрудничающих современников: Выставки в Шанхае в 2000 году , опубликованные в 2020 году издательством Afterall Books.

РЕГИСТР

Нет связанных событий.

Сделано в Китае: как на востоке изобрели пейзажную живопись | Арт.

5 августа 1473 года молодой художник нарисовал первый в истории пейзаж. Дата известна именно потому, что Леонардо да Винчи написал ее на листе бумаги, словно осознавая революционный характер того, что он делал.Смотреть на горы и деревья только для себя было беспрецедентным.

Или было? Изобретение пейзажной живописи — один из величайших моментов европейского искусства. Рисовать природу — это способ проникнуть внутрь себя. По сей день людям нравится рисовать акварелью на открытом воздухе как форму медитации. Открытие Леонардо тайны природы — которое вы видите на всех его картинах с их сказочными скалами и бассейнами — является изобретением нового типа внутренней жизни.

Однако он намного менее оригинален, чем мы думаем.Есть сверхъестественное сходство между камнями, деревьями и реками Леонардо и камнями, деревьями и реками, которые китайские художники рисовали за столетия до его рождения. Это странно: этот рисунок 1473 года на самом деле выглядит как переработка классических китайских картин, таких как «Зимний вечерний пейзаж» Ли Гунняня. Когда это было написано? Я смотрю на этикетку на новой выставке «Шедевры китайской живописи» V&A. Там написано 1120. Это за 353 года до очень похожего рисунка Леонардо.

В наши дни принято говорить на словах о том, что существует множество разновидностей искусства, что прекрасное искусство приходит со всего мира и из всех образов жизни.Тем не менее, история искусства, которую воспринимает большинство из нас — как она рассказана в «Истории искусства» Э. Х. Гомбриха, впервые опубликованной в 1950 году и до сих пор являющейся исчерпывающим отчетом о прогрессе искусства, — ставит европейские инновации в центр событий. Все народы творят искусство, но Запад продвигает его вперед.

«Шедевры китайской живописи» — это самое разрушительное опровержение подобных предположений, которое я когда-либо видел. Это показывает, что во времена династии Сун, в то время, когда европейцы сражались с варварскими крестовыми походами и давно забыли о творчестве, процветавшем в Древней Греции, художники в Китае поднимали живопись на такие высоты чувствительности и поэзии, которые не могли быть достигнуты в других местах до века Леонардо — или, если уж на то пошло, Ван Гога, когда вы посмотрите на самые радикальные китайские штрихи.

Я бы пошел дальше. Глядя на то, как устанавливают эту выставку, и разговаривая с ее куратором Чжан Хунсином, я не могу удержаться от высказывания теории о том, что Леонардо украл идею пейзажной живописи из Китая. Мог ли он как-то увидеть китайские картины? Могло ли что-то достичь запада по Шелковому пути? Я с радостью беру на свой iPad рисунок Леонардо 1473 года и держу его среди китайских пейзажей XII века для сравнения. Формы холмов и деревьев на эскизе Леонардо идеально отражают пики сахарной головы и ивовые деревья на китайских картинах 900-летней давности.

Чжан хорошо осведомлен об этой идее: по его словам, она очень серьезно поднималась в 1950-х годах, но нет никаких доказательств. Это тайна. Леонардо не единственный европейский пионер пейзажа, который выглядит «китайцем». Чжан отмечает, что Питер Брейгель Старший тоже выглядит очень «китайским». Это правда. В любимой картине Брейгеля «Охотники на снегу» есть все элементы, которые восхищали средневековых китайских пейзажистов, включая весь этот снег.

Но почему Китай вообще изобрел садово-парковое искусство? Почему художники начали изображать не богов и битвы, как везде, а величие природы? Это как-то связано с буддизмом, который распространился в Китае до 1000 года нашей эры и вдохновил культуру созерцания.Это также связано с техническими достижениями эпохи песни. Научный ум, который усовершенствовал фарфор, также взглянул на природу с новой ясностью.

Одна из первых вещей, которую вы видите в шоу, была нарисована императором Сун — хотя и с предупреждением для правителей, поскольку мечтательное увлечение императора Хуэйцзуна искусством помогло ему потерять трон. Действительно, как поясняет куратор, живопись в Китае всегда ассоциировалась с уединением и бегством от реальности. Не все работы на этой выставке — пейзажи.Есть изображения куртизанок и огромных Девяти драконов, ослепительное мифическое видение, нарисованное Чен Жуном в 1244 году. Тем не менее, для меня эскапистское стремление к пастырству в новаторских ландшафтах Китая совершенно сбивает с толку. После завоевания Китая монголами возникла явная ассоциация искусства с отказом от власти. Отказавшись от двора, интеллектуалы создавали сады, писали стихи и рисовали выразительные сцены с зимними деревьями. Они изображали природу в свободном, субъективном стиле, который предвосхитил — и, конечно же, повлиял — на Ван Гога.

Лично я убежден, что Леонардо должен был иметь доступ к искусству Китая.