То душевное состояние в котором находится художник: Знаки препинания правильно расставлены в предложениях:(с объяснением) 1) Искусство обладает одним замечательным свойством:
Иллюстрации Ильи Глазунова к произведениям Ф.М. Достоевского
Виртуальная экскурсия “Иллюстрации Ильи Глазунова к произведениям Ф.М. Достоевского”.
К 200-летию со Дня рождения писателя
Федор Михайлович Достоевский со студенческих лет был любимым писателем Ильи Глазунова, с которым у него много общего во взглядах и мировоззрении. Художника нередко называют «Достоевским в живописи» за разработку созвучных философии писателя нравственных идей.
В равной степени художника и его любимого писателя волновала тема вечной борьбы добра и зла, где поле битвы – сердце человека. Несмотря на нередкий трагический исход произведений Ф.М. Достоевского, художник называл его самым оптимистичным автором, потому что философия писателя утверждает, что человеческая душа может через покаяние обрести спасение, даже дойдя до крайней черты вседозволенности.
Портреты великого классика Илья Глазунов создавал многократно, и неизменно на фоне Санкт-Петербурга – города, где жили и страдали униженные и оскорбленные герои Ф.
Первыми работами Ильи Глазунова, посвященными прозе писателя, стали графические портреты главных героев романа «Идиот» − князя Мышкина, Настасьи Филипповны и Рогожина.
Портрет князя Мышкина убедительно передает душевную чистоту героя, которого сам Ф.М. Достоевский называл «князь-Христос». Художник вспоминал, что основой для создания образа послужила старая фотография его дяди Константина Прилуцкого, которого в семье называли князем Мышкиным. Иллюстрация точно соответствует литературному описанию персонажа: молодой человек лет двадцати шести, белокур, со впалыми щеками и востренькою бородкой, приятным, но бесцветным лицом и большими, голубыми глазами.
Каждый образ любовного треугольника романа «Идиот» выполнен в излюбленной художником технике, сочетающей градации черного тона соуса и цветовые акценты пастели. Цвет в этих работах используется минимально, что подчеркивает наиболее характерную черту персонажа: небесно-голубые глаза отражают по-детски открытую миру натуру Мышкина, красный воротник – горячий темперамент купца Рогожина, порабощенного земными страстями, цвет губ и карих глаз Настасьи Филипповны усиливает магнетическую притягательность ее образа. К этой героине произведения Ф.М. Достоевского у художника было особое отношение. И.С. Глазунов писал о ней: 
Это был его тип женщины… <…> Считаю, что в мировой литературе нет более сложного и волнующего образа, чем Настасья Филипповна. Она как больная птица, не могущая лететь; она и жертва, и насильница».
Уже первые произведения молодого художника, посвященные теме русской литературы, показали, что Илья Глазунов вышел в них за рамки привычного понятия иллюстрации, справившись с задачей, которую сам он формулировал таким образом: «Мне хотелось в отличие от обычно понимаемого слова «иллюстрация» трансформировать мир идей Достоевского, создать образы людей-идееносцев».
Образ князя Мышкина, как воплощение христианской нравственности, неистового в своей страсти Рогожина и поражающей своей роковой красотой Настасьи Филипповны потрясли своим глубоким психологизмом зрителей первой персональной выставки художника, состоявшейся в московском ЦДРИ в 1957 году. Эти работы тогда еще ленинградского студента были приобретены музеем Ф.М. Достоевского в Москве. А режиссер И.
А. Пырьев впоследствии благодарил Илью Сергеевича за то, что его портрет князя Мышкина помог при создании образа киногероя в известной экранизации романа 1958 года.
Самой поразительной особенностью героев романов Ф.М. Достоевского художник считал то, что все они являются идееносцами, «душа и совесть которых находятся в постоянной борьбе за овладевшую ими социальную, философскую, но прежде всего нравственную идею»
Илья Глазунов представил героя в момент сюжетной завязки еще до совершения убийства: Раскольников бредет по оживленной площади, размышляя, оправдывает ли благородная цель преступное средство, и относится ли он к типу людей, «право имеющих». Атмосфера шумной и беззаботной жизни горожан противопоставлена предельной концентрации мысли на лице Раскольникова. В портрете героя художнику удалось убедительно передать его душевное состояние на пороге рокового момента жизни и непомерную гордыню, толкнувшую на чудовищный эксперимент.
Повесть Ф.М. Достоевского «Белые ночи» по сравнению с более поздним творчеством писателя носит светлый, лирический характер, что нашло отражение и в иллюстрациях И.С. Глазунова к этому произведению.
Художник вспоминал, что работая над иллюстрациями он «снова погружался в магию петербургских белых ночей, рождающих непонятную тревогу и одиночество». Большую часть графических листов художник выполнил пастелью, нежные оттенки которой помогли ему передать романтическую атмосферу белых ночей. Мистическая голубоватая дымка скрадывает своим флером резкие очертания домов, тают в ее мареве мосты петербургских каналов и фигуры главных героев. Призрачная неосязаемость мира, предстающего на иллюстрациях к повести, подчеркивает разрыв между идеалом главного героя и реальной действительностью. Илья Глазунов писал, что в отличие от иллюстраций М.В. Добужинского, своей задачей он ставил «показать не город и человек, а человек и город».
В образе Мечтателя, как посоветовал Илье Глазунову писатель Н.
П. Анциферов, он старался передать частицу своей души. Знаменитый режиссер Лукино Висконти, ставший другом художника, хотел создать новую экранизацию повести «Белые ночи», в главной роли которого видел только Илью Глазунова. К сожалению, советское правительство отказалось выпустить художника за границу.
Воплощая образ героини повести Настеньки, художник обратил главное внимание на ее лицо, выражающее внутреннюю тревогу. Прислонившись к перилам канала, задумчиво глядя на воду, Настенька ждет своего Мечтателя, а думает о другом, которого любит. Прекрасный образ молодой девушки, увлекшей Мечтателя, лишь на мгновение осветил его жизнь. Любовь осталась недостижимой, и главный герой вновь вынужден вернуться в мир серых будней, единственным спасением для него были его фантазии.
После выхода издания «Белых ночей» в 1970 году художник начал работу над произведением Ф.М. Достоевского «Неточка Незванова». В книге «Россия Распятая» Илья Сергеевич Глазунов описывал, как долго искал образ главной героини повести.
Смысловой центр графического листа – лицо девочки. Она постепенно познает себя и мир, – мир, который с самых юных лет был для Неточки полон горестей и лишений. «Я поняла, и уж не помню, как, что в нашем углу — какое-то вечное, нестерпимое горе», – признается девятилетняя Неточка на страницах повести Ф.М. Достоевского.
Илья Глазунов писал, что работа над портретом княжны Кати далась ему легко и быстро. Кукла Пьерро в ее руках – кукла, которую видел в детстве художник. «Работая над этими иллюстрациями, я еще более полюбил и узнал красоту русских интерьеров и мебели той поры, когда жили герои произведений Достоевского», – вспоминал художник.
Не только в иллюстрациях к этому произведению, но и в образе Нелли, героини «Униженных и оскорбленных», И.
В 1982 году Илья Глазунов создал иллюстрации к произведению «Братья Карамазовы». «Мне представляется, что братья Карамазовы – это воплощенные идеи, которыми определялось духовное бытие России, неустанно и противоречиво ищущей пути к свету и смыслу жизни. Православие – это судьба Алеши. Дмитрий – это страсть к жизни с его «половодьем чувств». Иван – это атеизм и, естественно, попрание евангельских законов о добре и зле. Без Ивана ведь не было бы и Смердякова, убившего их отца. Проповеди Ивана своему брату по отцу, лакею Смердякова, можно сравнить с действиями героев романа «Бесы»: «Все дозволено!» А если все дозволено, значит Бога нет», – писал Илья Сергеевич в своей книге «Россия распятая».
Все эти идеи блестяще воплощены Ильей Глазуновым в портретных образах братьев Карамазовых. В них художник остается верен стилю, ставшему таким, узнаваемым в наши дни и характерному только ему, использует любимые материалы – черный соус и пастель.
Он создает много подготовительных рисунков с натуры, например, для портрета Ивана Карамазова ему позирует его друг Николай Коншин. Каждый образ Илья Сергеевич «помещает» в свою особую атмосферу: старец Зосима изображен в своей келье, где мерцают лампады перед иконами Богоматери и святых угодников Божиих, Алеша Карамазов предстает на фоне монастыря. Сложный образ Грушеньки с такой любовью и очарованием воплощен художником. Галерея портретных образов, созданных Ильей Глазуновым наиболее точно раскрывает трудные взаимоотношения героев произведения «Братья Карамазовы».
Для каждого произведения И.С. Глазунов находил определенный художественный метод, который позволял наиболее точно раскрыть атмосферу сюжетного повествования и философский замысел автора. Так иллюстрации к повести «Белые ночи» с первого взгляда узнаются по мистической голубоватой дымке, в которой тают фигуры персонажей. Для работ художника, посвященных «Неточке Незвановой», характерно внимание к деталям, передающим резкий социальный контраст двух юных героинь.
Илья Сергеевич Глазунов проиллюстрировал полное собрание сочинений Ф.М. Достоевского, изданное тиражом 600 000 экземпляров, и этот обширный графический цикл, состоящий из 150 листов, считается наиболее полным, глубоким и точным воплощением образов писателя в изобразительном искусстве.
КАК ПОНЯТЬ ДУШЕВНОЕ СОСТОЯНИЕ РЕБЕНКА — НЕПОЛНАЯ СЕМЬЯ — ЧТО ЭТО ТАКОЕ?
Не всякий малыш может рассказать о своей тревоге. Обычно дети выражают свой внутренний дискомфорт необычным поведением, непредсказуемыми поступками, капризами, или замыкаются в себе. Часто они испытывают безотчетный страх, видят страшные сны, поэтому беспокойно спят, а вечером долго не могут заснуть. Нередки случаи, когда тревога и страх потерять родительскую любовь перерастают в болезнь.
Заболевая, они подсознательно надеются получить больше ласки и душевного тепла. Все эти явления свидетельствуют о том, что психика ребенка сильно травмирована. Чтобы не допустить этого, будьте внимательны к своему ребенку, пережившему ваш развод. Разобраться, в какой степени повлияло на него это событие, помогут детские рисунки.
Рисование — это не просто интересное и творческое занятие, отвлекающее от тревог и грустных мыслей. Это выражение собственного мироощущения, которое художник переносит на бумагу с помощью разных символов, хорошо известных и изученных психологами. Любой профессиональный художник вкладывает в свое произведение частицу своей души. По картинам мастеров тоже можно судить об их настроении. А маленькие дети, не связанные техническими правилами и условностями, творят абсолютно свободно, полностью открывая бумаге не только свою душу, но и демонстрируя уровень интеллекта. Вам остается только расшифровать рисунок малыша. И в этом я вам охотно помогу.
Рисуем человека
Самый простой и очень информативный тест — рисунок человека.
Попросите ребенка изобразить человека в полный рост. Не торопите его, пусть подойдет к этой задаче со всем старанием, только тогда вы сможете правильно понять психологический настрой малыша. А теперь начинаем изучать портрет. Посмотрите, как изображена голова человека — самая важная часть тела, отвечающая за интеллектуальное развитие и волю. Если она слишком маленькая, ребенок сомневается в своих способностях, хотя это не означает, что он их не имеет. Если голова нарисована нечетко — это говорит о застенчивости и неуверенности в себе. Имеет значение и то, в какую очередь ребенок изобразил голову человека. Если в последнюю, то он страдает от межличностных конфликтов.
Теперь обращаем внимание на шею, которая символизирует связь между собственными желаниями и разумным контролем этих желаний, то есть соотношение между «хочу» и «надо». В рисунках маленьких детей шея вовсе отсутствует, да это и понятно, они еще не могут контролировать свои желания. Но стоит задуматься, если шея, как часть тела, не появляется в рисунках школьников, у которых уже должна формироваться способность к рациональному самоконтролю.
Очень крупная шея свидетельствует о стремлении контролировать свои неуемные желания и прихоти, тонкая и длинная — показатель самоустранения от решения этой проблемы, а толстая и короткая — говорит о слабости воли ребенка и невозможности справиться со своими капризами.
Плечи — очень важный и серьезный элемент рисунка, особенно у мальчиков. Несмотря на то что плечи являются признаком физической силы и потребности во власти, их размеры свидетельствуют о об общей оценке человека, как личности. Слишком широкие плечи говорят о том, что ребенок ощущает свою большую силу, а узкие, наоборот, указывают на признание собственной ничтожности не только в физическом, но и в общечеловеческом плане. Угловатые плечи — признак чрезмерной осторожности и повышенной тревожности. Плечи могут быть покатыми и характеризовать низкий жизненный тонус ребенка, то есть его пессимистическое настроение, уныние и даже чувство собственной вины за случившееся.
Туловище человека обозначает его жизненные силы.
Если ребенок рисует фигуру с угловатым или квадратным туловищем, это говорит о его мужественности. Но слишком крупное туловище свидетельствует о неудовлетворенных потребностях малыша — недостатке любви, ласки и общения. Непропорционально маленькое туловище должно насторожить вас, потому что ребенок чувствует себя униженным и непонятым.
Отсутствие рук и ног на рисунке даже маленького ребенка говорит о том, что у малыша нет крепкого психологического контакта с матерью и другими близкими людьми. Кисти рук с пальцами ребенок рисует обычно тогда, когда он чувствует себя самостоятельной личностью, то есть способным что-то делать без помощи мамы. Если этого нет, то руки ребенок изображает просто палочками. Сначала на руке может быть не пять пальцев, а меньше или больше. Если их больше, чем пять, ребенок чувствует себя очень сильным. Важно и то, на какой руке изображено больше пальцев. Если на левой, ребенок доминирует в семье, на правой — ощущает свое лидерство в школе, в детском саду, во дворе, то есть за пределами семьи. Меньшее количество пальцев на руке изображенного ребенком человека заставляет задуматься о том, что малыш чувствует себя более слабым, чем окружающие. Непропорционально длинные и мускулистые руки — признак потребности в физической силе и смелости, а также больших амбиций. Очень короткие руки, наоборот, говорят об ограниченности стремлений и ощущении собственной неадекватности. Изображенные близко к телу руки говорят о напряжении. Руки за спиной или в карманах — о чувстве вины, неуверенности в себе. Широкий размах рук — об интенсивном стремлении к действию.
Изображенные на рисунке ноги показывают, как ребенок чувствует свое положение в семье и в обществе, то есть как твердо он «стоит на ногах». Если ноги слишком длинные, то он явно стремится к независимости. Если нарисованный человек твердо стоит на обеих ногах, значит, на душе ребенка спокойно, он чувствует себя защищенным.
Теперь рассмотрим лицо. Все, что на нем находится — глаза, уши, рот и нос — являются рецепторами внешних раздражителей и определяют чувственный контакт с действительностью. Так, тщательно прорисованные черты лица означает сильную озабоченность чем-то — своей внешностью или взаимоотношениями со сверстниками. Подчеркнутый подбородок свидетельствует о нереализованной потребности в лидерстве. Слишком крупный подбородок — ощущение собственной слабости и нерешительности и переживание по этому поводу Уши на рисунке — тоже очень характерный признак, поскольку являются символом восприятия чужой критики и зависимости от отношения к себе других людей. Если уши изображены слишком крупными или явно выделяются, то ребенок очень чувствителен к критике и старается быть послушным только для того, чтобы его не ругали. Маленькие уши или отсутствие их говорят о нежелание ребенка слушать критику окружающих.
Если ребенок не изображает на рисунке глаза, то есть скрывает их под шляпой, волосами, очками или рисует глаза закрытыми, у него потеряно доверие к окружающим людям, он старается избежать контактов с ними, не хочет, чтобы его замечали. Большие расширенные глаза говорят о тревожности, беспокойстве и потребности в защите. Слишком маленькие и узкие глаза символизируют о зависимости и замкнутости ребенка, который не позволяет себе проявить эмоции. Большой рот считается символом агрессивности, особенно если при этом четко прорисованы зубы. Неестественный рот в клоунском изгибе говорит о неискренности чувств и вынужденной приветливости в отношениях с некоторыми людьми. Лицо безо рта или со слишком маленьким ртом, изображенным черточкой, говорит о невозможности малыша сообщать о себе и влиять на других с помощью слов. Как ни удивительно, нос в детских рисунках не является показателем внутренних ощущений ребенка.
Для составления психологического портрета малыша по рисунку важна и поза изображенного человека. Если голова представлена в профиль, а тело анфас, это означает тревожность и потребность в общении. Бегущий человек символизирует стремление малыша убежать, скрыться от чего-то пугающего и тревожащего его, а если нарисованный персонаж легко и уверенно шагает, можно успокоиться — психика сына или дочери уравновешена. Нарушение симметричности в изображении правой и левой стороны туловища, рук или ног свидетельствуют об отсутствии личного равновесия. Искажения с правой стороны говорят о проблемах в общении с окружающими людьми вне семьи, а с левой — о нарушении или отсутствии эмоциональной привязанности к родителям. Особую тревогу должно вызвать отсутствие каких-либо частей тела у человека. Это говорит о глубоких личностных проблемах.
Внимательно изучая рисунок своего ребенка, вы откроете для себя много интересных нюансов в характере и внутреннем мироощущении ребенка, однако никогда не делайте из этого категоричный вывод и не ставьте малышу диагноз. Ведь рисунок — это всего лишь отражение процессов, которые непрерывно меняются в его личности. Он развивается и совершенствуется, сегодня ощущая себя иначе, чем вчера. Рисунок поможет вам определить общие тенденции, лучше понять сына или дочь.
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.
Областная художественная выставка «РИСУНОК»
22 ноября в Орловской детской художественной школе искусств и народных ремёсел открылась областная выставка «Рисунок». В экспозицию выставки вошли работы как известных мастеров, так и начинающих.
В экспозиции работы молодых, начинающих художников очень органично и достойно смотрятся на фоне произведений маститых профессионалов. Здесь представлены разные техники: карандаш, перо, фломастер, пастель, соус, смешанная техника, уголь. Работы художников все разные. Есть и лиричные, и темпераментные, и наблюдательные, и философские, и познавательные, и учебные. Всё настроение художников, их любовь к данной технике видны в каждом штрихе, в каждой их работе.
Ольга Степановна Тучнина, преподаватель школы искусств, Член Союза Художников, Заслуженный работник культуры РФ, делится своими впечатлениями:
– На выставке предоставляется возможность познакомиться с молодыми авторами. Наши знаменитые прославленные мастера, как и всегда, во всём блеске. Выставка рисунка раскрывает такую грань художника, в которой невозможно сфальшивить, запутать. Тут видны степень его мастерства, профессионализм, талант. Рисунок – это один из таких видов искусства, который определяет уровень, планку художника, его душевное состояние и душевное богатство.
Абсолютно все профессионалы считают что, чтобы демонстрировать прекрасную профессиональную форму, художник должен постоянно работать. Профессия художника сродни профессиям танцоров, спортсменов, музыкантов: не будешь работать, не будет результата. Недопустимо оставить хотя бы на месяц это ремесло, а потом вдруг что-то продемонстрировать. И каждый из мастеров, представивших на суд зрителей свои работы, чётко следуют этому правилу. Работать постоянно, планомерно и с полной отдачей сил.
Яна Владиславовна Потокина, доцент кафедры рисунка худграфа ОГУ, один из организаторов этой выставки рассказывает:
– Перед нами стояла задача отобрать работы, которые соответствуют тематике, именно в графических материалах, сделать экспозицию и представить её на суд зрителей. Мы отбирали работы, исполненные в разных техниках, хотели, чтобы они были от больших до маленьких размеров, от краткосрочного рисунка до более продуманных станковых произведений, разные по стилю и исполнению. Все произведения смотрятся очень тонко и органично, ни одна не перекрывает другую. Мне кажется, выставка состоялась.
Выставка будет ждать своих зрителей до 22 декабря. Если кто-то хочет не просто сам походить по экспозиции и полюбоваться работами, а пройтись по выставке с художником-сопровождающим, должен предварительно созвониться и согласовать экскурсию. Это можно сделать по телефону 770-763. Орловская детская школа изобразительных искусств и народных ремёсел находится по адресу: ул. Карачевская, 61.
Мария Никитина,
фото автора
Рембрандт – художник, биография, фото, личная жизнь, картины, работы, причина смерти, творчество
Биография
Рембрандт Харменс ван Рейн – известнейший живописец, офортист и рисовальщик «Золотого века». Всеобщее признание и слава, резкое падение и нищета – так можно охарактеризовать биографию великого гения искусства. Рембрандт стремился через портреты передать душу человека, о многих произведениях художника, овеянных тайной, до сих пор ходят слухи и догадки.
Детство и юность
Начало 17 века было спокойным для Нидерландского государства, которое обрело независимость республики в момент революции. В стране развивались промышленное производство, сельское хозяйство и торговля.
В старинном городе Лейдине, находящемся в провинции Южная Голландия, в домике на Ведештеге прошло детство Рембрандта, родившегося 15 июля 1607 года.
Мальчик рос в многодетной семье, в которой был шестым ребенком. Отец будущего художника Хармен ван Рейн был состоятельным человеком, владевшим мельницей и солодовней. Помимо прочего в имуществе ванн Рейна было еще два дома, а также он получил значительное приданое от жены Корнелии Нелтье, поэтому большая семья жила в достатке. Мать будущего художника была дочерью пекаря и разбиралась в кулинарии, поэтому семейный стол изобиловал вкусными яствами.
Несмотря на достаток, семья Хармена жила скромно, соблюдая строгие католические правила. Родители художника даже после Нидерландской революции не изменили своего отношения к вере.
Рембрандт трепетно относился к своей матери в течение всей жизни. Это выражается в портрете, написанном в 1639 году, на котором изображена мудрая старушка с добрым и немного грустным взглядом.
Автопортрет Рембрандта в молодостиSELF-PORTRAIT, REMBRANDT VAN RIJN, CA. 1628, Collection Rijksmuseum, Amsterdam
Posted by Rembrandt’s Constellation on Monday, November 4, 2019
Семейству были чужды светские мероприятие и роскошная жизнь состоятельных людей. Стоит предположить, что по вечерам ван Рейны собирались за столом и читали книги и библию: так делало большинство нидерландских граждан во времена «Золотого века».
Ветряная мельница, которой владел Хармен, находилась на берегу Рейна: перед взором мальчика открывался красивый пейзаж лазурной реки, которую освещают лучи солнца, пробирающиеся сквозь небольшое окошко постройки и проходящие сквозь туманы мучной пыли. Возможно, за счет детских воспоминаний будущий художник научился искусно владеть красками, светом и тенью.
В детстве Рембрандт рос наблюдательным мальчиком. Просторы улиц Лейдина давали источники вдохновения: на торговых рынках можно было встретить непохожих друг на друга людей разных национальностей и учиться набрасывать их лица на бумаге.
Первоначально мальчик ходил в латинскую школу, но учеба его не интересовала. Юный Рембрандт не любил точные науки, отдавая предпочтение рисованию.
Детство будущего художника было счастливым, так как родители видели увлечения сына, и, когда мальчику исполнилось 13 лет, его отдали обучаться к нидерландскому художнику Якобу ван Сваненбургу. Из биографии первого учителя Рембрандта известно мало, у представителя позднего маньеризма не сохранилось огромного художественного наследия, из-за чего проследить влияние Якоба на формирования выработки стиля Рембрандта практически невозможно.
В 1623 году юноша отправляется в столицу, где вторым его учителем становится живописец Питер Ластман, обучавший Рембрандта полгода живописи и гравюре.
Живопись
Обучение у наставника проходило успешно, впечатленный картинами Ластмана юноша быстро освоил технику рисования. Яркие и насыщенные краски, игра теней и света, а также скрупулезная проработка даже самых мелких деталей флоры – вот, что передал Питер именитому ученику.
В 1627 году Рембрандт возвращается из Амстердама в родной город. Уверенный в своих способностях художник вместе с другом Яном Ливенсом открывает собственную школу живописи, которая в короткие сроки приобрела популярность среди голландцев. Ливенс и Рембрандт шли вровень друг с другом, порой молодые люди тщательно работали над одним полотном, вкладывая в рисунок часть собственного стиля.
Двадцатилетний молодой художник успел приобрести славу за счет своих детализированных ранних работ, в число которых входят:
- «Побиение камнями святого апостола Стефана» (1625),
- «Паламедеи перед Агамемноном» (1626),
- «Давид с головой Голиафа» (1627),
- «Похищение Европы» (1632),
Портрет РембрандтаRembrandt’s Portrait and a detail shown below.
Posted by Rembrandt Harmenszoon van Rijn on Friday, May 13, 2011
Юноша продолжает черпать вдохновение на улицах города, гуляя по скверам, дабы встретить случайного прохожего и запечатлеть его портрет резцом на деревянной дощечке. Также Рембрандт делает серии гравюр с автопортретами и портретами многочисленных родственников.
Благодаря таланту молодого живописца, Рембрандта заметил поэт Константин Хейгенс, который восхищался полотнами ван Рейна и Ливенса, называя их многообещающими художниками. «Иуда возвращает тридцать сребреников», написанное нидерландцем в 1629 году, он сравнивает со знаменитыми полотнами итальянских мастеров, но находит недочеты в рисунке. Благодаря связям Константина Рембрандт вскоре обзаводится богатыми почитателями искусства: из-за посредничества Хейгенса принц Оранский заказывает у художника несколько религиозных работ, таких как «Христос перед Пилатом» (1636).
Настоящий успех к художнику приходит в Амстердаме. 8 июня 1633 года Рембрандт знакомится с дочерью богатого бюргера Саскией ван Эйленбюрх и завоевывает прочное положение в обществе. Большинство полотен художник написал, находясь в столице Нидерландов.
Рембрандт — «Мельница»Rembrandt, The Mill, 1645-48
Posted by Berfrois on Tuesday, January 30, 2018
Рембрандт вдохновлен красотой своей возлюбленной, поэтому часто пишет ее портреты. Спустя три дня после свадьбы ван Рейн изобразил женщину серебряным карандашом в шляпе с широкими полями. Саския появлялась на картинах нидерландца в уютной домашней обстановке. Образ этой пухлощекой женщины появляется на многих полотнах, например, загадочная девочка на картине «Ночной дозор» сильно напоминает возлюбленную художника.
В 1632 году Рембрандта прославила картина «Урок анатомии доктора Тульпа». Дело в том, что ван Рейн отошел от канонов стандартных групповых портретов, которые изображались с лицами, повернутыми к зрителю. Крайне реалистичные портреты доктора и его учеников сделали художника знаменитым.
В 1635 году написана знаменитая картина по библейскому сюжету «Жертвоприношение Авраама», которую по достоинству оценили в светском обществе.
Рембрандт — портрет Марии ТрипRembrandt, Portrait of a Young Woman, possibly Magdalena van Loo, 1668
Posted by Paintings Lovers on Friday, October 7, 2016
В 1642 году ван Рейн получил заказ от Стрелкового общества на групповой портрет, чтобы украсить полотном новое здание. Картина ошибочно получила название «Ночной дозор». Она была запачкана сажей, и только в 17 веке исследователи пришли к выводу, что действие, разворачивающееся на полотне, происходит в дневное время.
Рембрандт досконально изобразил каждую деталь мушкетеров, находящихся в движении: будто бы в определенный момент остановилось время, когда ополченцы выходили из темного дворика, чтобы ван Рейн запечатлел их на полотне.
Заказчикам не понравилось, что нидерландский живописец отошел от канонов, которые развивались в 17 веке. Тогда групповые портреты были парадными, а участники изображались анфас без какой-либо статики.
По мнению ученых, эта картина и послужила поводом для банкротства художника в 1653 году, так как отпугнула потенциальных клиентов.
Техника и картины
Рембрандт считал, что истинная цель художника заключается в изучении натуры, поэтому все картины живописца получались, чересчур фотографичными: нидерландец старался передать каждую эмоцию изображенного человека.
Как и у многих талантливых мастеров эпохи «Золотого века», у Рембрандта прослеживаются религиозные мотивы. На полотнах ван Рейна нарисованы не просто запечатленные лица, а целые сюжеты со своей историей.
На картине «Святое семейство», которая была написана в 1645 году, лица персонажей естественны, нидерландец будто бы желает с помощью кисти и красок перенести зрителей в уютную атмосферу простой крестьянской семьи. На работах ван Рейна нельзя проследить некой помпезности. Карл Маркс говорил, что Рембрандт писал Мадонну в виде нидерландской крестьянки. Действительно, на протяжении всей жизни художник черпал вдохновение от окружающих людей, не исключено, что на полотне убаюкивает младенца женщина, срисованная со служанки.
Рембрандт — «Девушка с жемчужной сережкой»Mauritshuis @ home. Vind online het beste uit de tijd van Rembrandt en Vermeer. Geniet thuis op de bank van de collectie…
Posted by De Culturele Agenda on Tuesday, December 22, 2020
Как и многие деятели искусства, Рембрандт полон загадок: после смерти творца исследователи долго размышляли по поводу тайн его полотен.
Например, над картиной «Даная» (или «Эгина») ван Рейн работал 11 лет, начиная с 1636 года. На холсте изображена юная дева после пробуждения от сна. Сюжет основан на древнегреческом мифе о Данае, дочери царя Аргосского и матери Персея.
Исследователи полотна не понимали, почему обнаженная дева не похожа на Саскию. Однако после рентгеновского снимка стало понятно, что первоначально Даная была нарисована в образе Эйленбюрх, но после смерти жены ван Рейн вернулся к картине и изменил черты лица Данаи.
Также среди искусствоведов ходили споры по поводу героини, изображенной на холсте. Рембрандт не подписал название картины, а трактовку сюжета затруднило отсутствие золотого дождя, по легенде в виде которого Зевс явился к Данае. Также ученых смущало обручальное кольцо на безымянном пальце девушки, что не согласовывалось с древнегреческой мифологией. Шедевр Рембрандта «Даная» находится в российском музее Эрмитаже.
Рембрандт — «Возвращение блудного сына»Rembrandt Harmensz. van Rijn — The Return of the Prodigal Son Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669 гг.) Возвращение блудного сына. ок. 1666—1669 Википедия
Posted by Наталия Мочарная on Sunday, December 1, 2019
«Еврейская невеста» (1665) – еще одна загадочная картина ван Рейна. Такое название полотно получило в начале 19 века, однако до сих пор неизвестно, кто изображен на холсте, ведь молодая девушка и мужчина одеты в старинные костюмы, напоминающие библейскую одежду. Также популярна картина «Возвращение блудного сына» (1669), которая создавалась 6 лет.
Если говорить о стиле написания полотен Рембрандтом, то художник использовал минимум красок, при этом умудрялся делать картины «живыми», благодаря игре света и теней.
Ван Рейну также удачно удается изобразить мимику лица: все люди на полотнах великого живописца будто живые. Например, в портрете старика – отца Рембрандта (1639) видна каждая морщинка, а также мудрый и грустный взгляд.
Личная жизнь
В 1642 году от туберкулеза умирает Саския, у возлюбленных был сын Титус (трое других детей скончались в младенческом возрасте), с которым Рембрандт поддерживал дружеские отношения. В конце 1642 года художник встречается с молодой особой Гертье Диркс. Родители Саскии были огорчены тем, как вдовец распоряжался приданым, живя в роскоши. Позже Диркс подает в суд на своего возлюбленного за то, что тот нарушил обещание взять ее в жены. От второй женщины у художника родилась дочь Корнелия.
В 1656 году Рембрандт из-за материальных трудностей объявляет себя банкротом и уезжает в уединенный домик на окраине столицы.
Жизнь ван Рейна не шла по нарастающей, а наоборот, уходила в упадок: счастливое детство, богатство и признание сменились ушедшими заказчиками и нищенской старостью. Настроение художника прослеживается на его полотнах. Так, живя с Саскией, он пишет радостные и солнечные картины, например, «Автопортрет с Саскией на коленях» (1635). На полотне ван Рейн смеется искренним смехом, а лучезарный свет озаряет комнату.
Рембрандт — «Автопортрет с Саскией на коленях»Happy #MuseumSelfieDay! Here’s a historical selfie that can be found in the Barber’s collection. Our 1636 etching by…
Posted by The Barber Institute of Fine Arts on Wednesday, January 20, 2021
Если раньше картины художника были детализированы, то на этапе позднего творчества Рембрандт использует широкие мазки, а солнечные лучи заменяются тьмой.
Картина «Заговор Юлия Цивилиса», написанная в 1661 году, не была оплачена заказчиками, потому что лица участников заговора не проработаны скрупулезно, в отличие от предыдущих работ ван Рейна.
Незадолго до смерти, живя в бедности, в 1665 году Рембрандт пишет автопортрет в образе Зевксиса. Зевкис – это древнегреческий живописец, который скончался ироничной смертью: художника развеселил написанный им же портрет Афродиты в образе старухи, и он умер от смеха. На портрете Рембрандт смеется, художник не постеснялся вложить в полотно долю черного юмора.
Смерть
Рембрандт предал земле своего сына Титуса, который скончался от чумы, в 1668 году. Это печальное событие резко ухудшило душевное состояние художника. Ван Рейн умер 4 октября 1669 года и был похоронен в нидерландской церкви Вестеркерк в Амстердаме.
При жизни художником было написано около 350 полотен и 100 рисунков. Человечеству понадобилось два века, чтобы по достоинству оценить этого великого художника.
О Бузовкине — Детская художественная школа
6+ Александр Андреевич Бузовкин (1886 — 1966 г.г.)
Имя Александра Андреевича Бузовкина (1886-1966г.г.) достойно благодарной памяти каждого серпуховича – этот человек был основателем местной художественной студии; неутомимым мастером – педагогом, воспитавшим десятки профессиональных живописцев; одним из первых руководителей серпуховского музея.
Родина Александра Бузовкина — деревня Протасово Одоевского уезда Тульской губернии. Еще в пору его детства многочисленная и бедная семья крестьян Бузовкиных переселилась в Тулу. Здесь отец будущего художника нашел скромную работу маляра. В 16 лет юный Бузовкин поступил учеником в иконописную мастерскую, где его талант был впервые оценен гимназическим учителем рисования М.М. Галкиным.В 1907 г. Бузовкин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Его непосредственными наставниками стали С.В. Иванов и К.А. Коровин,кроме того, студент Бузовкин испытал влияние А.В. Архипова, С.В. Малютина, Н.А. Касаткина. Незабываемый опыт дали также часы, проведенные в залах Третьяковской галереи. Все это сформировало художника — убежденным реалистом. Впоследствии Александр Андреевич наставлял своих учеников такими словами: «Стараясь сделать художественно, не следуй увиденному тобою наивно, но, чтобы было верно, проверяй себя на натуре».
Окончив училище в 1913 г., Бузовкин некоторое время работал в Москве над росписями храмов и светских интерьеров. Голод и лишения первых послереволюционных лет заставили многих московских художников искать работу в провинции. Вероятно так Бузовкин в 1918г. оказался в Серпухове. Здесь как художник местного ревкома он украшает центр города к первой годовщине октября 1917г. Успех этой работы сделал Бузовкина ведущим живописцем- оформителем улиц Серпухова на 40 последующих лет.
В 1919 г. Бузовкин избран старостой серпуховской коммуны художников; он принял деятельное участие в создании в Серпухове художественного музея, при котором была открыта первая в городе изостудия. С этого момента и до конца жизни Бузовкин — бессменный руководитель ряда самодеятельных художественных объединений Серпухова. В начале 1930-х годов А.А.Бузовкин, тогда житель пригородной деревни Щеболово, одним из первых вступает в колхоз и оформляет клуб; рисует плакаты — среди них особо примечательна вывеска на колодец, призывающая беречь источник.
Параллельно с многочисленными натуральными работами Бузовкин – как верный воспитанник старой академической школы – исполнил несколько тематических картин. Образ великого иконописца Андрея Рублева, занимавший его с середины 1930-х, был особо дорог художнику; воплощение его для Бузовкина в какой-то степени автобиографичное.
Александр Андреевич работал в жанре портрета, натюрморта, писал пейзажи и исторические полотна. Почти все лучшие работы художника находятся в Серпуховском историко — художественном музее.
И сейчас я хочу познакомить вас с небольшой частью работ Александра Андреевича:
1.«Автопортрет»
Зритель застает художника в мастерской за работой. Он резко поворачивается к нам, взгляд его пристальный, немного суровый, складки на лбу говорят о напряженной работе.
2.«Портрет жены с дочерью» Художник прекрасно передает задумчивое состояние жены. Плавность ее движения, легкий наклон головы подчеркивает ее душевную мягкость. К ней прильнула дочь, немного угловата, не по детски сдержанна. Чувством материнской любви наполнено это произведение.
3.«Портрет Борзова» и «Бригадир». Живой и постоянный интерес к человеку, его духовному миру приводит Бузовкина к серьезной работе над серией портретов односельчан — колхозников деревни Щеболово.Давая верные характеристики, художник создает представителей нового поколения.
4.«Портрет старого колхозника»
Перед нами предстает старик, прошедший большой жизненный путь. Теплый колорит картины говорит о душевной мягкости старика.
5. Человек труда, его мир показан в картинах «В слесарной мастерской» и «Столярная мастерская». Большое внимание художник уделяет деталям, окружающей среде, которые наиболее ярко раскрывают эту тему.
6. Особенно Александр Андреевич любил изображать человека в пейзаже, в непосредственной близости с природой. Созданию этих картин предшествуют многочисленные этюды, выполненные на пленэре. В этюде «Ветла» мы видим убежденного художника – реалиста.
7. «Птицелов» Художник создает через образ крестьянина радостное наслаждение лесными звуками, пением птиц,пышным летним цветением.
8.«Натюрморт с хлебом». В этой картине Бузовкин продолжает традиции мастеров голландской живописи. С огромной любовью он пишет предметы, которые окружают его каждый день.
9. В 40-50-е годы художник создает серию камерных портретов.Особенно ему удаются женские образы,полные очарования. Это портреты «Королевой Анастасии Георгиевны» и «Портрет Вали Королевой».
10. Но более всего художника интересовала история русского народа, жизнь выдающихся личностей. В 30-е годы создает полотно «Год 1812» — посвященное народному партизанскому движению. А в 1937 году Бузовкин пишет картину «Пушкин в Михайловском» к 100- летию со дня смерти поэта. Поэт в ссылке, удален от общества, от общения с друзьями. Через природу художник передал настроение поэта, его душевное состояние.
11. Вершиной творчества художника стала картина «Андрей Рублев», написанная в 1954г. Она имела огромный успех на всесоюзной и республиканской выставках.Сейчас копия картины хранится в Серпуховском историко-художественном музее. Оригинал картины Александра Андреевича Бузовкина «Андрей Рублёв» хранится в собрании Воронежского Областного художественного музея им. И.Н. Крамского. В музей она поступила в 1960 году от Дирекции художественных фондов и проектирования памятников МК РСФСР. Бузовкин показывает Андрея Рублева в момент творческой сосредоточенности перед тем, как приступить к созданию образа «Святого Георгия». Белая доска как символ нового времени, а сам Рублев символ юности и духовной красоты, светлый образ, которого выступает из темноты времен.
Умер Александр Андреевич 9 июня 1966 года в деревне Щеболово. Но имя его всегда будет жить в его произведениях.
С 1987 года имя художника Александра Андреевича Бузовкина присвоено нашей школе.
В школе организована экспозиция, посвященная жизни и творчеству художника: фотографии А.А. Бузовкина, его первых учеников, в деревне Щеболово и другие. Картины самого автора, подаренные школе коллекционером А.П. Мурцевым, а так же друзьями и родственниками художника. Портрет А.А. Бузовкина, выполненный художником В.П. Губаревым, давним почитателем таланта мастера.
Творчество некоторых художников определяет целые этапы в развитии искусства, оно служит путеводной звездой для остальных. И есть мастера,чей творческий вклад в отечественную культуру быть может,менее значителен,но столь, же необходим и ценен. Таким был художник — серпухович Александр Андреевич Бузовкин.
Лазарева О.И.
преподаватель ДХШ
Психологический тест: определите свое душевное состояние
12 дек. 2017 г., 10:51
Жизнь порой не предсказуема, и не всегда все происходит в соответствии с нашими желаниями. Довольны ли вы, как все складывается на данный момент? Психологические тест с результатами поможет всего за пару минут понять, ощущаете ли вы себя счастливым человеком. Посмотрите внимательно на изображение. Рассмотрите всех этих забавных человечков, чем они занимаются, и в каком настроении пребывают. На месте кого из них вы себя ощущаете? Где вам комфортней всего? Хорошо подумайте перед ответом, и тогда тест на психологическое состояние даст вам точный ответ.
Результаты психологического теста на психику
Человечек № 1 – До последнего бороться и не сдаваться в любой ситуации. Даже когда победа кажется невозможной, вы хватаетесь за последнюю соломинку, искренне веря, что сможете добиться желаемого.
Человечек № 2 – Вы всегда поднимете оступившегося, не пройдете мимо человеческого горя.
Человечки № 3, 6, 7 – Психологический тест выбери человечка, указывает на вашу железную волю. Вы всего добиваетесь, полагаясь только на свои силы. И сейчас вам предстоит покорить новую вершину.
Человечек №4 – Психологический тест характеризует вас, как умного и проницательного человека. Вы всегда ищете самый легкий путь для достижения желаемого.
Человечек № 5 – Тишина и спокойствие – ваше любимое состояние. Вдали от шума и суеты, так приятно помечтать.
Человечек №8 – Философ одиночка. Вы любите размышлять над устройством мироздания. Медитация и саморазвитие на данный момент привлекают вас больше всего.
Человечек №9 – Психологический тест на психическое состояние указывает на бурлящую в вас энергию. Вы ведете спортивный образ жизни и находитесь в постоянном поиске новых ощущений.
Человечек №10 – Психологический тест с ответами характеризует вас, как человека полностью довольного жизнью. Все складывается по плану, и жизнь идет в удобном для вас русле.
Человечки № 11, 12 – Душа компании. У вас множество друзей и вы никогда не скучаете. Любите находиться в центре событий.
Человечек №14 – Вы привыкли доверять воле случая. Любите ставить все на кон, ни о чем не жалея.
Человечек №15 – Успех на вашей стороне, вы чувствуете себя победителем. Вы прилагали много усилий и добились исполнения желаний. Сейчас прибываете в отличном настроении.
Человечек №16 – Вы решили пройти психологический тест и выбрали 16 человечка? Значит, вы всей душой ищете дружеской поддержки. Вам не под силу одному справиться с навалившимися проблемами.
Человечек №17 – Дружелюбный и общительный человек. Вы не привыкли грустить и опускать руки. Умеете заряжать своим оптимизмом всех вокруг.
Человечек №18 – Основываясь на психологической диагностике теста, вы очень любопытный человек. И сейчас вам не дает покоя некая тайна, которую вы пытаетесь разгадать.
Человечек №19 – Вы любите спокойную размеренную жизнь. У вас накопилось усталость и вам хочется забыть на время про все дела и просто отдохнуть.
Человечек №20 – Привычка быть в центре внимания идет с вами по жизни. Быть на второй роли для вас не приемлемо.
Источник: iqformat.co
Источник: http://insergposad.ru/novosti/obschestvo/psihologicheskiy-test-opredelite-svoe-dushevnoe-sostoyanie
Военные рисунки Александра Хуторова
Рисунки военных лет Александра Хуторова (1921 г.р.)
Хуторов Александр Георгиевич
Родился 7 октября 1921 года в селе Егорьево, Лаишевского района.
В 1939 году поступил в Казанское Художественное училище, окончить которое смог только в 1947 году, после Великой Отечественной войны, участником которой он являлся. В этом же году, он поступил в Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е.Репина. После первого курса из-за болезни, был вынужден прервать учебу и вернуться в Казань, где стал работать в Татарском отделении Художественного Фонда РСФСР проектировщиком. (1949-1974). Занимаясь заказными работами, копированием, художник продолжал повышать свой профессиональный уровень, занимаясь в студии при Союзе художников ТАССР и выезжать на этюды. Этюдник с красками, блокнот с карандашами всегда были при нем, где бы он не был – на берегах Волги, в Крыму, Средней Азии, Прибалтике. Оставаясь верным реалистическому направлению в искусстве, он стремился запечатлеть сиюминутность вечно меняющегося состояния природы или уловить в портретах душевное состояние человека, особенно любил, когда персонаж не позирует, занят каким-то важным для себя делом – именно тогда раскрывается перед художником его сущность, его жизненный потенциал. На основе своих этюдов, зарисовок, в дальнейшем появлялись картины, но и эти зарисовки и этюды составляют для нашего искусства большую ценность.
Особым очарованием отмечены небольшие по формату городские пейзажи из нашей коллекции с видами Ленинграда, где памятники архитектуры просматриваются через легкую снежную завесу. Возвратившись в Казань, он запечатлел в своём альбоме и памятники города, и старинные церкви в её окрестностях. Он любил наполнять свои наброски жанровыми композициями – рисовал играющих в снежки детишек, лошадей везущих тяжелые телеги, Башню Сююмбеки с протекающей под горой речкой Казанкой. На его рисунках запечатлен уже забытый нами облик старой провинциальной Казани. Обращался он и к детской тематике, к сюжетам из пионерской жизни – походам, посиделкам с песнями у костра, увлекательной жизнью подростков. Обычная тогда жизнь, благодаря художнику, возвращает нас в тот удивительный, а сейчас кажущийся таким милым мир нашего детства.
Но не отпускающей его сердце главной темой произведений А.Г.Хуторова всегда были воспоминания о войне. Эти воспоминания вновь и вновь возвращали его к тем трудным фронтовым дням, к боям и опасным дорогам, переходам, наступлениям, освобождению страны от фашистов. И, главное в его творчестве — это память о своих товарищах, многие из которых так и не дожили до светлого дня Победы.
Обладая высоким профессионализмом, фронтовые рисунки, выполненные в манере наброска, «скорописью», тушью или акварелью, в которых художник смог передать, как внешнее сходство, так и внутреннее состояние портретируемого человека.
На основании этого материала, в дальнейшем, художником, прошедшим дорогами войны, было создано значительное количество живописных произведений, экспонировавшихся на Всесоюзных художественных выставках. Эта тема продолжала волновать его, и основные живописные произведения 1950 – 1990-х годов были посвящены этому суровому времени.
Собрание Государственного музея Великой Отечественной войны в Москве пополнился, благодаря безвозмездной передаче в музей картин А.Г.Хуторова. Особенную ценность представляет то, что автором произведений является непосредственный участник этих боёв. Картины «Переправа», «Оставленные позиции», «Освобождение Риги» и другие произведения. Многое из своего собрания художник передал в дар музеям Москвы, Риги, Казани, музею Лаишевского района – родине художника.
Произведения А.Г.Хуторова экспонировались на Республиканских, Всесоюзных, и трех Зарубежных выставках.
В Музее изобразительных искусств находится значительная по объему коллекция рисунков А.Г.Хуторова, большая часть из которых была передана автором музею безвозмездно. Эта коллекция состоит из фронтовых рисунков, городских пейзажей Ленинграда и Казани, с сюжетными сценками, выполненными в миниатюре, иллюстрациями к книгам, портретам своих соратников. Многие художники, и в первых её рядах А.Г.Хуторов, не расставались с блокнотами и на различных собраниях художников, благодаря этому
К 90-летнему Юбилею художника в Национальной художественной галерее «Хазинэ» была показана выставка А.Г.Хуторова «Портретная галерея художников Татарстана в зарисовках». К 1930-1940 годам относятся портреты: Портреты П.Байбарышева,, И.П.Гурьева, Д.Дарана, Э.Г.Липкинда, Б.Анисимова.
Особенно богатым на портреты наших художников был период с 1956 по1959-е гг. – Портреты В.А.Шолпо, А.Визеля, С.А.Ротницкого, И.А.Новоселова, И.К.Колмогорцевой, Л.Я.Ельковича, К.Е.Максимова, Н.Родионова, П.Н.Старостина, П.Т.Сперанский, Н.А.Адылова, Солдатенкова, В.И.Кочунова, В.К.Тимофеева, Э.Г.С итдикова , С.О.Лывина, Г.Прытковой, Х.Х.Хайдарова, С.О.Лывина, П.П.Радимова , М.Г.Файзулина, и многих других.
Портретные зарисовки с художников обладают особой ценностью — благодаря этому перед нами целая плеяда художников, оставшихся на этих небольших листках молодыми и близкими нам людьми.
Благодаря своей энергетике, трудолюбию, прекрасной памяти А.Г.Хуторов и сейчас энергичен, полон сил и надежд на будущее.
Голубцова Т.В. Искусствовед, Старший научный сотрудник Музея изобразительных искусств РТ, г.Казань.
26 мая 2017 г.
Искусство как состояние ума
Парас Кауль действительно дает вам понять, о чем она думает.
В то время как большинство художников используют кисть на холсте или другом носителе для передачи концепций, Кауль выражает свои идеи с помощью интерфейса мозговых волн.
Она экспериментировала с этой технологией в течение многих лет и, похоже, готова к прорыву. Ее новейшее творение, «Потоки мира» — сочетание поэзии, музыки, графики, видео и техники гипноза — дебютирует 1 августа в Центре исполнительских искусств Кеннеди в Вашингтоне, округ Колумбия.C.
Это произведение было выбрано Американским форумом композиторов среди множества мировых конкурентов. По словам Кауль, произведение было вдохновлено ее кузеном, который пережил разрушение Всемирного торгового центра.
Хотя большая часть произведений искусства, вдохновленных атакой, получила широкую огласку в Интернете — последний компакт-диск Брюса Спрингстина является одним из них — работы Кауля имеют очень личное ощущение. Это неудивительно, поскольку двоюродный брат Кауля только недавно выписался из больницы после более чем шести месяцев ожогового лечения.
«Она была на 88-м этаже Южной башни сразу после нападения», — сказал Каул, преподаватель художественного факультета Университета Джорджа Мейсона в Фэрфаксе, штат Вирджиния. «Если бы она стояла всего на несколько футов вперед или на несколько футов назад, она бы не сделала этого. Это было шокирующим. Это было в значительной степени источником вдохновения для« Потоков мира »: роль судьбы».
Интерес Кауль к этой работе возник в 1960-е годы, когда она была подростком. Ее отец, психолог, научил ее вызывать измененные состояния сознания с помощью гипноза.После посещения Чикагского института искусств Каул начал исследовать, как художникам легче самостоятельно индуцировать альфа-состояние, такой уровень сознания, который считается оптимальным для творчества.
«Это лучший штат», — сказал Кауль. «Ты такой уравновешенный. Ты связан с реальным миром, но также и с высшим сознанием».
Создавая свои работы, которые выставлялись на SIGGRAPH и других крупных графических выставках, Кауль сознательно пытается войти в измененное состояние. Но она думает, что может пойти еще дальше.
На недавней торговой выставке Кауль увидел демонстрацию от IBVA Technologies, которая позволяет музыкантам отправлять свои мозговые волны на синтезаторы и создавать музыку.
Кауль рассуждал, что эту технологию — повязку на голову с тремя электродами, подключенную к компьютеру, который считывает и отправляет мозговые волны на ПК и другие устройства — можно использовать для создания других форм искусства, включая визуальное искусство.
«Я знала, что мне это нужно», — сказала она. «И у меня в то время не было даже компьютера (дома).
Для создания проекта «Потоки мира» Кауль использовала множество компьютеров Macintosh, включая G4 и Titanium. Написав стихотворение обычным способом и набрав его на компьютере, она повернулась к себе.
Кауль подумал о стихотворении, которые, в свою очередь, создали изображения мозговых волн, основанные на ее эмоциях, которые были захвачены и отредактированы с помощью специального программного обеспечения. Были составлены отдельные звуковые и графические дорожки.
Теперь они были ремиксированы для выступления в Центре Кеннеди, сказала Каул, где ее примите участие в 60-минутном шоу с участием артистов, принимавших участие в конкурсе Sonic Circuits.«Концерт», как его называют организаторы, будет бесплатным.
С выставкой в Центре Кеннеди работы Кауля, возможно, наконец-то станут популярными. Она готовит предложение для Национального научного фонда по изучению методов обучения с использованием мозговых волн. В этом у нее есть соавтор, Уильям Ф. Ридер, декан Колледжа визуальных и исполнительских искусств Университета Джорджа Мейсона.
«Парас — уникальный талант», — говорит Ридер. «Использование мозговых волн, активности ее разума для создания нового самовыражения — это действительно новаторский подход.Это совершенно новый холст. Это очень волнительно. Это, так сказать, способ избежать гравитации ».
В ближайшее время Кауль не перестанет экспериментировать с мозговыми волнами. Фактически, она считает себя не просто художником, а« исследователем нейронных художников ». Ее цель — работать. в развитии мультимедийного образования.
«Когда-нибудь мы все будем общаться невербально, — сказал Каул. — Когда это произойдет, наше общение станет намного более правдивым и эмоциональным».
США против них: свежие перспективы
Хроника атак в Интернете
«Мама Свобода» с оружием в руках
В сети, художники спрашивают «Почему»?
Сознание, основанное на беспроводной связи?
Искусство сейчас: за гранью исцеления
Узнайте больше Сетевой культуры
Чистая культура
Состояние души: искусство Новой Калифорнии 1970 г.
3 октября 2013 г. — 12 января 2014 г.
В конце 1960-х — начале 1970-х годов, когда имажинисты выставлялись в Чикаго, а абстрактная живопись господствовала в Нью-Йорке, в Калифорнии возникла особая разновидность авангарда и концептуального искусства.
Государство было инкубатором социальных изменений и контркультуры, который привлекал художников, ищущих альтернативы традиционным способам создания искусства. Удаленность Калифорнии от коммерческих галерей и мировой художественной прессы также дала художникам большую свободу экспериментов, поскольку они бросили вызов определению искусства, роли художника, а также академическим и институциональным структурам мира искусства.
Выставка State of Mind: New California Art Circa 1970 г. , организованная в рамках знаковой инициативы Pacific Standard Time Калифорнийским университетом, Художественным музеем Беркли и Тихоокеанским киноархивом (BAM / PFA) и Художественным музеем округа Ориндж, углубленный обзор концептуального искусства Калифорнии.В нем исследуется период становления и непреходящее наследие, которое он оставил грядущим поколениям художников. В него вошли работы шестидесяти художников и коллективов, в том числе Ant Farm, Джона Балдессари, Криса Бёрдена, Линн Хершман, Брюса Наумана, Марты Рослер и Эда Руша. Организованная тематически, выставка демонстрирует более 150 произведений искусства — инсталляции, фотографии, видео и фильмы, книги художников и обширную документацию по перформансам — которые демонстрируют решающую роль калифорнийских художников в развитии концептуального искусства и других новых жанров.
Художники
Бас Ян Адер, Терри Аллен, Муравьиная ферма, Элеонора Антин, Аско, Майкл Ашер, Джон Балдессари, Гэри Бейдлер, Нэнси Бьюкенен, Крис Бёрден, Пол Коттон, Роберт Камминг, Питер д’Агостино, Лоуэлл Дарлинг, Гай де Куантет, Роберт Камминг , Морган Фишер, Терри Фокс, Ховард Фрид, Чарльз Гейнс, Дэвид Хэммонс, Хелен Майер Харрисон и Ньютон Харрисон, Мел Хендерсон, Джо Хоули, Линн Хершман, Дуглас Хюблер, Стивен Кальтенбах, Аллан Капроу, Роберт Кинмонт, Джон Найт, Пол Кос, Сюзанна Лейси, Стивен Лауб, Уильям Ливитт, Фред Лонидье, Майк Мандель, Том Мариони, Пол Маккарти, Джим Мельхерт, Сьюзан Могул, Линда Мэри Монтано, Брюс Науман, Марта Рослер, Аллен Рупперсберг, Эд Руша, Sam’s Café, Даррил Сапьен, Илен Сегалове, Аллан Секула, Бонни Шерк, Алексис Смит, Барбара Смит, Ларри Султан, Т.Р. Утко, Гер ван Элк, Уильям Вегман, Джон Вудал и Альфред Янг.
Презентация по теме
В галерее, примыкающей к State of Mind , Smart представляет выбор из богатых собраний музея чикагских имажинистов, художников-самоучок и калифорнийских фанк-художников того же периода.
Бесплатные общественные программы
3 октября
У порога
с докладом кураторов Констанс Леваллен и Карен Мосс
5 октября
День семьи: Makin ‘Waves
Представлен в сотрудничестве с The Big Draw Chicago
17 октября
Третий четверг: экстраординарный
7 и 12 ноября
Букмекеры
Представлено в сотрудничестве с Центром книжно-бумажного искусства
21 ноября
Третий четверг: надувной U
7 декабря
День семьи: зажигай!
13 декабря
Объект / Субъектив
с Сарой Мендельсон и Фэй Р.Gleisser
19 декабря
Третий четверг: Тьма и свет
11 января
Представление: Энтони Патерас
Представлено в сотрудничестве с Lampo
12 января
Кураторский тур
с сокуратором Констанс Льюаллен
Программа SmartPartner +
2 октября
Предварительный просмотр: Состояние ума
Станьте SmartPartner + сегодня, чтобы получить приглашение на это эксклюзивное мероприятие.
Студенческие программы Калифорнийского университета в Чикаго
24 октября
Вечеринка в Smart: Get Your Smart MFA
9 января
Вечеринка в Smart: Chroma Nation
Открыт исключительно для студентов Калифорнийского университета в Чикаго.
При поддержке UChicago Arts Pass и Совета искусств Чикагского университета.
Состояние души: искусство Новой Калифорнии 1970 г. — Выставки
Куратор Констанс М. Леваллен, Карен Мосс
Состояние души: искусство Новой Калифорнии около 1970 года «» — это тщательное исследование основополагающих концептуальных и связанных с ними авангардных действий калифорнийских художников в конце 1960-х — начале 1970-х годов, а также критического обмена мнениями между ними.Хотя эти художники появились одновременно с артистами из других частей мира, многие из них до сих пор остаются менее известными, чем их коллеги на Восточном побережье и в Европе. State of Mind определяет и исследует значительный вклад калифорнийских художников в концептуальное искусство, видео, перформанс и инсталляцию. Выставка демонстрирует значительные изменения в художественной практике, которые совпали с растущим числом художественных школ и художественных факультетов университетов, некоммерческих художественных пространств, альтернативных галерей и художественных пространств и публикаций, которые не только предоставляли возможности для выставок, но и при относительном отсутствии коммерческих поддержка, также создала сообщество, которое способствовало обмену радикальными формами и идеями.Организованный вокруг центральных тем, State of Mind включает около 150 работ 60 художников, от тех, кто стал крупными международными фигурами, до менее известных художников, которые, тем не менее, внесли важный вклад. Выставка состоит из видео, фильма, фотографии, инсталляции, книг художника, рисунков и картин. Кроме того, имеется обширная документация по производительности и эфемеры.
Состояние души: искусство Новой Калифорнии 1970 года. Куратор выставки — Констанс Льюаллен и Карен Мосс. Организаторы — Художественный музей округа Ориндж, Калифорнийский университет, Художественный музей Беркли и Тихоокеанский киноархив.Экскурсия организована Международной организацией независимых кураторов (ICI), Нью-Йорк, и частично возможна благодаря Фонду Энди Уорхола для визуальных искусств, Фонду Горация В. Голдсмита, банку видеоданных, Electronic Arts Intermix (EAI). и при щедрой поддержке Robert Redd, LLC и Попечительского совета ICI.
Августин Кофи из Калифорнии находится в нью-йоркском «состоянии разума» по адресу Хашимото
.Это в первую очередь о состоянии вашего ума, — говорит художник из Лос-Анджелеса Августин Кофи о своей борьбе с искусством и карантином в прошлом году.
Августин Кофи. «Система неверия» . Хашимото Contemporary. (фото любезно предоставлено галереей)«Пандемия была остановкой, прерыванием, потерей контроля», — говорит он — и указывает на символы неполного цикла, которые появляются в его новой коллекции картин. Обычная жизнь в ее круговороте повторялась снова и снова, как и все наши типичные ожидания.
Его теплые абстракции на холсте и на больших стенах всегда были человеческими — с глубокими корнями в граффити и ручном рендеринге — «чрезмерное распыление, блокировка ленты, детальная ручная работа, деконструкция и черновик, заимствованный из архитектуры», — говорится в PR-заявлении Hashimoto Gallery Нью-Йорк, где откроется эта новая выставка.
«Мои чувства заключаются в мазках кисти, — говорит он, — в движениях, в процессе многократного добавления и удаления, в слоях времени, которые потребовались для завершения этих картин».
Августин Кофи. «Момент просветления» . Хашимото Contemporary. (фото любезно предоставлено галереей) Августин Кофи. « Pyle Driver» . Хашимото Contemporary. (фото любезно предоставлено галереей) Процесс Августина Кофи, снятый во время рисования «Вес» . Хашимото Contemporary. (фото любезно предоставлено галереей) Августин Кофи. «Вес» . Хашимото Contemporary. (фото любезно предоставлено галереей) Галерея будет открыта только по предварительной записи. В целях обеспечения здоровья и безопасности посетителей и персонала обратите внимание, что по закону для входа требуются маски.
Выставка будет открыта с субботы 17 апреля по субботу 8 мая.
Для получения дополнительной информации о выставке, просмотра всей коллекции работ и цен нажмите ЗДЕСЬ
Чтобы записаться на прием, нажмите ЗДЕСЬ.
Другие статьи, которые могут вам понравиться от BSA:
General Howe: Плоды войны и воображения
Если вы внимательно присмотритесь, вы всегда увидите что-то новое на улицах Бруклина. Благодаря воображению и усилиям генерала Хоу, уличного художника, который старательно работал над маленькими …
Новый SWOON Повествование о потрепанных стенах Бруклина
Как листья, разбросанные по улице порывом ветра, новая крупная пшеница Этой осенью на утомленных фасадах постиндустриального Бруклина появились наклеенные линотипы.Ручная резка и кро …
Изображения недели BSA: 07-12-20
Добро пожаловать в раздел изображений недели BSA. Надпись на стене прямо сейчас буквально повсюду в уличном искусстве и граффити, и вас простят, если это сбивает с толку. Мы сбиты с толку. Мы …
13 из 2013: Джессика Стюарт «Римская монахиня и баллончик»
С праздником всех вас, замечательных, талантливых и очаровательных читателей BSA! Мы благодарим вас снизу наших носков за вашу поддержку в этом году.Лучший способ отпраздновать и пообщаться …
SEPE в Кесон-Сити, Филиппины Мрачно отражают улицы
Красиво
обезображенные, на краю пестрых гротесков портреты Сепе восхищают и
отдача от человечества и его слабостей. Здесь, на Филиппинах в монохромном свете,
его новейшие общественные работы отражают …
Состояние ума: — Музей искусств Бронкса
Состояние ума: Искусство Новой Калифорнии 1970 года — это тщательное исследование основополагающих концептуальных и связанных с ними авангардных мероприятий в конце 1960-х — начале 1970-х годов и критического обмена мнениями между ними. художники, живущие в Золотом штате.Выставка демонстрирует огромные изменения в художественной практике, которые совпали с ростом числа художественных школ и художественных факультетов университетов, некоммерческих художественных пространств, альтернативных галерей, а также пространств и публикаций под управлением художников, которые не только предоставляли возможности для выставок, но и при относительном отсутствии коммерческая поддержка, также создала сообщество, которое способствовало обмену радикальными формами и идеями. Выставка, организованная вокруг центральных тем, включает около 150 работ 60 художников, от тех, кто стал крупными международными фигурами, до менее известных художников, которые, тем не менее, внесли важный вклад.Выставка состоит из видео, фильма, фотографии, инсталляции, книг художника, рисунков и картин. Кроме того, имеется обширная документация по производительности и эфемеры.
———-
Состояние ума: искусство Новой Калифорнии около 1970, — это выставка, куратор которой Констанс Льюаллен и Карен Мосс, и организованная совместно Художественным музеем округа Ориндж и Университетом Калифорния, Художественный музей Беркли и Тихоокеанский киноархив. Экскурсия организована Международной организацией независимых кураторов (ICI), Нью-Йорк, и частично стала возможной благодаря Фонду изобразительных искусств Энди Уорхола, Горация У.Goldsmith Foundation, Video Data Bank, Electronic Arts Intermix (EAI) и при щедрой поддержке Robert Redd, LLC и Попечительского совета ICI.
Поддержку душевному состоянию в Музее искусств Бронкса оказали Филипп Ааронс и Шелли Фокс Ааронс, Кэролайн Александер, Галерея Грина Нафтали, Фонд семьи Краус, Дон Савелсон и Джейн Уэсман, Галерея Сперона Вестуотер и Джошуа Стейн PLLC. , при дополнительной поддержке Мэрилин и Стивен Грин, Брук Гарбер Нейдич и Дэниела Нейдича, Ленор и Адама Сендера, других лиц и компании Epson America в рамках ее программы целенаправленной благотворительности.
Состояние ума: новое искусство из Калифорнии, около 1970 г.
Состояние ума: новое искусство из Калифорнии, около 1970 г.
9 октября 2011 г. — 22 января 2012 г.
Музей искусств округа Ориндж
Состояние души: новое искусство Калифорнии 1970 г. — это глубокое исследование развития концептуальной и связанной с ней авангардной деятельности в Калифорнии в конце 1960-х — начале 1970-х годов. Хотя эти новые формы появились одновременно с формами в других частях мира, они все еще остаются менее известными, чем их аналоги на Восточном побережье и в Европе.Целью этого проекта было выявить и исследовать значительный вклад Калифорнии в новые жанры видео, перформанса, звукового искусства и инсталляции. В течение этого короткого, но интенсивного периода эти новые практики развивались одновременно по всей Северной и Южной Калифорнии, и это была первая выставка, которая также фокусировалась на особом критическом обмене между художниками, живущими в обеих частях штата. Состояние духа В были представлены работы 60 художников и коллективов, некоторые из которых теперь известны во всем мире, а другие менее признаны, но заслуживают дальнейшего внимания.Многие работы редко выставлялись или были недавно обнаружены и взяты из собственных архивов художников. Организованная тематически выставка собрала художников, чьи работы обычно не видят вместе, чтобы подчеркнуть их интерес к смежным предметам и получить свежий взгляд на критическое развитие концептуализма и новых жанров. Художники, приехавшие в Калифорнию в то время, были, как и многие другие трансплантаты, были привлечены ее красотой, климатом и относительной простотой жизни, но, что более важно, штат становился инкубатором социальных изменений и ориентированной на молодежь контркультуры.Это были сильные стимулы для художников-экспериментаторов, ищущих альтернативы устоявшимся способам создания искусства. Калифорнийские художественные школы, университеты и арт-центры предоставили новые возможности для выставок и создали сообщество, которое способствовало обмену радикальными формами и идеями. Кроме того, относительное расстояние от нью-йоркской художественной прессы, коммерческих галерей и музеев давало художникам больше свободы для экспериментов. В то время арт-объект был преуменьшен в пользу идеи и процесса, который вошел в его создание, поскольку художники разрабатывали новые жанры: текстовые работы, видео, звук, перформанс, инсталляции, мэйл-арт и книги.Больше не ограничиваясь практическими соображениями масштаба, материалов или возможности продажи, они часто делали эфемерные работы вне студии и документировали их по мере того, как мир становился их сценой. Что отличает калифорнийских художников этого периода, так это их энтузиазм к экспериментам, когда они бросают вызов определению искусства, роли художника, а также академическим и институциональным структурам мира искусства. Ключевые аспекты практики современного искусства — коллективность, эфемерность, телесно-ориентированное исполнение, слияние искусства и жизни, политический комментарий и социальное взаимодействие — впервые появились в калифорнийском концептуализме и связанных с ним практиках в этот период становления и продолжают оказывать влияние на поколения более молодого возраста. художники более сорока лет. Состояние души Публикация — это 320 страниц с примерно 150 черно-белыми иллюстрациями и 75 цветными пластинами.
NY State of Mind — Групповая выставка | 5-6 апреля 2019 г.
Кураторы Софокл и Ориэль
NY State of Mind — это групповая художественная выставка, куратором которой являются Софокл и Ориэл, посвященная лучшим начинающим художникам, совершающим революционные шаги в Нью-Йорке. На выставке представлены работы более 40 американских и зарубежных художников, вдохновленные духом Нью-Йорка.
Софокл создает то, что он называет Metro Manga (Subway Comics), каждый раз, когда едет в метро. На своем портативном блокноте для рисования Софокл запечатлевает портреты настоящих жителей Нью-Йорка, когда они едут на работу, и сочиняет вымышленные «Истории метро» вместе с ними. В основном он использует Fude Pen (кисть для каллиграфии), чтобы рисовать комиксы на белой бумаге, чтобы сочинять истории Subway Sumi-e, но также экспериментирует с множеством художественных принадлежностей, создавая свою Metro Manga. В октябре 2018 года Софокл поднял свою Metro Manga на новый уровень, создав акриловые картины на холсте.
Софокл — опубликованный автор, иллюстратор, художник виртуальной реальности, карикатурист, художник, куратор и учитель рисования. Он самостоятельно опубликовал свои книги «Истории метро», «Звуки метро» и «Метро Манга». Он преподавал уроки рисования в программах после школы в Нью-Йорке, а в настоящее время преподает карикатуры и мангу (комиксы) на Манхэттене. Он курировал шоу в Трайбека Нью-Йорк, Астории Куинс и Дамбо Бруклин и участвовал в более чем 40 групповых выставках по всему Нью-Йорку, Бруклину, Квинсу и Йонкерсу. Он дал интервью по радио и телевидению о своем искусстве и шоу, опубликовал свои ленты манги в японском бестселлере и рассказал о своих книгах «Истории метро» и «Звуки метро» на книжной панели в One Arts Space.
Вы можете увидеть работы Софокла в Instagram @ sophocles.art и увидеть больше его мультфильмов, комиксов, иллюстраций и картин на его сайте www.Sophoclesart.com
Ориэль Себальос — современный художник, куратор и педагог. Он родился в Панаме и вырос в Бруклине, штат Нью-Йорк, с семи лет. Он получил степени Бруклинского колледжа, Принстонской духовной семинарии и Педагогического колледжа Колумбийского университета. Однако Ориэл не думал о том, чтобы стать художником до 29 лет.Его искусство обращается к культурным, философским и историческим темам для развития критического мышления и гуманистических идеалов — кульминации его учебы в бакалавриате и аспирантуре в области образования, философии, психологии и теологии. Своим искусством Ориэль надеется вызвать критическое понимание искусства, культуры, политики и т. Д.
ТехникаОриэль включает в себя создание эскизов и рисование в стиле полуреализма, смешанном с элементами экспрессионизма и импрессионизма. Он также использует яркие цвета, текст, символические ссылки и детский стиль рисования, который оставляет отрицательные (белые) пробелы в его работах.Ориэль выставлял свои работы более чем на 30 групповых выставках; иллюстрировал книгу и обложку музыкального альбома; был показан в нескольких короткометражных документальных фильмах; Журналисты брали интервью у него более десятка раз, он продал тысячи картин в качестве куратора и уличного художника.
Для продвижения своего искусства Ориэль использует Instagram (@ OR1EL) и Facebook (OR1EL) и продает искусство по всему миру в Интернете через свой веб-сайт OR1EL.COM.
Рекомендуемые художники: @ sophocles.art, @ or1el, @ Thais.coelho.artista, @the_dtore, @bunnyslpr, @ domth4bomb, @rosafortysart, @goofyfruit, @ bc2art, @kaylanvicenteficial, @ elena_wolfe77 , @bareally, @naomiarroyo_, @inmmezzure, @ emc2dvs, @thelearningcurv, @theartistjackflo, @cynthiiajasmiin, @obnoxious_creativity, @em.
