10 самых известных скульптур в мире | by Eggheado | Eggheado: Art

Хотите получать интересные статьи на email каждое утро и расширять кругозор? Присоединяйтесь к Eggheado!

Без скульптуры искусство не может быть полноценным. Вырезание и вылепливание людей, животных и разнообразных предметов появились в истории человечества едва ли не одновременно с наскальной живописью. Скульптуры — это те же картины, только телесные, а значит и выражающие эмоции немного по-другому. То, что говорят нам статуи, мы воспринимаем во многом проще, потому что они осязаемы и более похожи на нас, чем произведения любого другого вида искусства.
В этом материале собрано 15 знаменитых и значимых скульптур, созданных в разные времена из разных материалов с разными целями.

Давид

Микеланджело

Пятиметровое изваяние библейского героя Давида, созданное Микеланджело, когда тому было всего 28 лет, воспринимается как символ Флорентийской республики и одна из вершин не только искусства Возрождения, но и человеческого гения в целом.
Самый тиражируемый скульптурный образ в мире.

Мыслитель

Огюст Роден

Еще один до крайности популярный образ создан Огюстом Роденом в 1882 году. Изначально скульптура должна была называться «Поэт» и быть частью композиции «Врата ада» по мотивам «Божественной комедии». Моделью для скульптуры послужил француз по имени Жан Бо, мускулистый боксёр, в основном выступавший в Париже, в квартале красных фонарей.

Шагающий человек

Альберто Джакометти

Самая дорогая скульптура в истории человечества. В 2010 году 183-сантиметровая скульптура «Шагающий человек», выполненная швейцарским скульптором в 1961 году, была продана с аукциона Sotheby’s за рекордную сумму в 104,3 миллиона долларов.
Скульптура считается одной из самых важных в творчестве этого мастера, ее изображение также размещено на банкноте в 100 швейцарских франков.

Венера Милосская

вероятно Агесандр Антиохийский

Знаменитая древнегреческая скульптура, созданная примерно в середине второго века до нашей эры, была найдена на острове Мелос в 1820 году французским моряком, решившим поискать на берегу древности на продажу. Руки тогда были в целости и сохранности, но были утрачены в момент конфликта между французами (нашедшими) и турками (владельцами острова).

Ника Самофракийская

автор неизвестен

Древнегреческая мраморная скульптура богини Ники была найдена на острове Самотраки на территории святилища кабиров в апреле 1863 года. Статую воздвигли жители острова Родос в память о победе, одержанной ими над флотом сирийского царя.

Она стояла на отвесной скале над морем, ее пьедестал изображал нос боевого корабля. Могучая и величавая Ника в развевающейся от ветра одежде представлена в неудержимом движении вперед. В настоящее время находится в Лувре.

Статуя сделана из парийского мрамора, правое крыло — гипсовая реконструкция. Голова и руки статуи отсутствуют. Во время дальнейших раскопок были обнаружены другие фрагменты статуи: в 1950 году команда археологов нашла её правую руку, оказавшуюся под большим камнем, рядом с местом обнаружения статуи.

Пьета

Микеланджело

Пьета — распространенное название для изображений сцены оплакивания Девой Марией ее сына. Лучшая из них была сделана Микеланджело в 24 года. Безупречная композиция, эмоциональность, человечность и глубокая символичность скульптуры сделали ее образцом культуры Высокого Возрождения.

Граждане Кале

Огюст Роден

Скульптурная группа «Граждане Кале», заказанная муниципалитетом города Кале, была завершена Роденом в 1888 году. Во время Столетней войны английский король Эдуард III осадил город, и спустя некоторое время голод вынудил оборонявшихся к сдаче.

Король обещал пощадить жителей, только если шесть знатнейших граждан выйдут к нему в рубище и с верёвками на шее, отдавая себя на казнь. Это требование было исполнено. Первым вызвался отдать свою жизнь ради спасения города один из главных богачей, Юсташ де Сен-Пьер. Английская королева Филиппа исполнилась жалостью к этим исхудавшим людям, и во имя своего нерождённого ребёнка вымолила перед супругом для них прощение.

Роден революционно настоял на отказе от постамента, хоть волю его выполнили только после смерти скульптора, и фигуры находятся на одном уровне со зрителями.

Писающий мальчик

Главная достопримечательность Брюсселя. Точное время и обстоятельства возникновения статуи неизвестны. По некоторым сведениям, статуя существовала уже в XV веке. Одни брюссельцы рассказывают, что она установлена в напоминание о событиях гримбергенской войны, когда люлька с сыном Готфрида III Лёвенского была подвешена на дереве, чтобы видом будущего монарха воодушевлять горожан, а ребёнок оттуда мочился на сражающихся под деревом воинов.

По другому преданию, статуя была изначально призвана напоминать горожанам о том мальчике, который струёй мочи потушил разложенные неприятелем под городскими стенами боеприпасы.

Начиная с 1695 года статую неоднократно похищали, в последний раз статую украли в 1960-е годы, после чего её в очередной раз заменили копией.

Терракотовая армия

Как минимум 8099 скульптур китайских воинов и их лошадей составляют это достояние Китая.

Терракотовые статуи, каждая из которых абсолютно индивидуальна, были захоронены в боевом построении вместе с первым императором династии Цинь — Цинь Шихуанди, объединившим Китай и соединившим все звенья Великой стены в III веке до нашей эры. Воины должны были поддержать власть императора и в загробном мире.

Золотой Будда

Самая большая в мире цельнолитая золотая статуя расположена в бангкокском храме Ват Траймит — в ней около трех метров, а весит она более пяти тонн.

В период войны с Бирмой статуя была намеренно покрыта гипсом, а затем никто уже не мог раскрыть секрета этого Будды. До 1957 года на статую особо не обращали внимания — до тех пор, пока она не была перевезена на новое место. Согласно слухам, во время перевозки начался дождь, перед которым статуя из-за своего веса ещё и упала с перевозившего её крана; она была укрыта от дождя, но вода всё равно смыла покрытие с одного из участков в достаточной степени, чтобы один их монахов заметил странный блеск. По другой версии, от падения гипс потрескался.

Источник: wikipedia, adme

15 самых странных памятников и скульптур

Безвкусные и шаблонные монументы вызывают интерес разве что у голубей. Но, к счастью, появляются молодые и креативные архитекторы, скульпторы и дизайнеры, которые  придумывают что-то интересное, а главное – им удаётся воплотить в жизнь свои невероятные задумки. И что интересно –  общество их полностью одобряет.

1. Гигантская рука в пустыне Атакама, Чили

Эту 11-метровую скульптуру создал чилийский архитектор Марио Иррарасабаль. Мысль, которую должен доносить монумент –  как бы ни был силён и умён человек, против сил природы ему не устоять.

Пустыня Атакама – одна из самых знойных в мире, и рука напоминает великана, который, умирая от жажды, просит помощи.

2. Памятник святому Вацлаву, Прага

Эта странная скульптура украшает один из самых  известных торговых пассажей Праги. Считается, что это символ ожидания возрождения конституционной монархии в Чехии.

3. Памятник большому пальцу, Париж

Найти этот современный памятник можно в не менее современном районе Парижа – Ля Дефанс. Однажды знаменитый французский скульптор Сезар Бальдачини экспериментировал с материалами для скульптур и сделал слепок своего большого пальца, который потом отлил из металла, и установил на одной из улиц Парижа. Такая скульптура символизировала хорошее настроение и положение дел у человека. Позже похожие памятники появились в США и Южной Корее.

4. Хедингтонская акула, Оксфорд

Скульптура посвящалась памяти погибшим и жертвам атомных бомбардировок Хиросимы и Нагасаки и должна была напоминать о том, что атомное оружие – это смертельная угроза для всего человечества.

5. Вишенка на ложке, Миннесота, США

Замечательный мостик в виде ложечки с вишенкой в саду скульптур Миннеаполиса. Фантазия фотографирующихся с ним неистощима.

6. Памятник Кафке, Прага

Этот памятник был установлен в 2003 году и, вполне соответствует духу произведений великого писателя.

7. Памятник офисному работнику, Калифорния

Воротнички всех цветов оценят этот памятник у офиса Ernst&Young

8. Господь на небосводе, Стокгольм

Автор идеи, Карл Майлз, к сожалению, не дожил до ее реализации – замысел воплотил в жизнь его ученик через 40 лет в 1995 году. Скульптура изображает Создателя на вершине Мироздания, а круг, который делает вода. прокачиваясь через скульптуру и попадая обратно в реку, напоминает откуда мы пришли и куда и возвратимся.

9. Памятник вилке, штат Миссури

Ещё один столовый прибор, памятник которому можно встретить во многих местах. Самая первая и самая большая вилка находится в Спрингфилде, штат Миссури. В  Америке есть ещё одно подобное творение – в Нью-Йорке. Похожий памятник поставила украинская диаспора в канадском городке Глендон – правда на вилку там ещё наколот вареник.

10. Крокодил съедает капиталиста, Нью-Йорк

Это предостережение против непомерной жадности находится возле входа в центральный корпус Политехнического университета Бруклина.

11. Памятник Чарльзу Ла Тробе, Мельбурн.

Чарльз Ла Тробе был назначен вице-губернатором одного из штатов Австралии – Виктории. Казалось, он совершенно не подходил на эту роль – был очень добрым и мягким человеком. Его постоянно критиковали, обижали и подставляли. Но, именно благодаря своим нестандартным для этой роли чертам характера, он и привел штат к длительному процветанию.

12. Корова на палочке, Венгрия

Это реально существующий памятник, который находится на одной из людных улиц Венгрии. Что бы вы ни думали по поводу его символизма, на самом деле это – безобидный памятник… тающему мороженому.

13. Человек, который пилит сук, на котором стоит, Амстердам

Вы слышали, что не стоит «пилить сук, на котором сидишь»? А вот голландцы решили, что лучше один раз увидеть, чем семь раз услышать и в 1989 году установили эту наглядную агитацию.

14. Влюбленные, Таиланд.

Этот памятник любви не похож ни на один другой. Во-первых, он стоит не в парке, а на кладбище, а, во-вторых, изображает не счастливую и полную жизни пару,  а два жутких скелета. Но, ведь каждая сказка заканчивается фразой: «и умерли в один день».

15. Памятник очереди, Нью-Джерси

Памятник напоминает о тяжелых временах Великой депрессии в Америке, когда безработные и бедняки стояли в огромных очередях за миской похлебки.

Найдите произведения искусства из песка и наскальные рисунки в округе Санта-Крус!

В то время как многие художники черпают вдохновение из своего окружения, художники по окружающей среде включают природные окрестности в свои произведения, превращая пейзаж в виртуальную галерею под открытым небом. Вы видели примеры: груды камней, ненадежно расположенные вдоль тропинок, и ослепительные песчаные скульптуры, соблазняющие толпы людей с фотоаппаратами. В следующий раз, когда вы будете в округе Санта-Крус, обратите внимание на следующие художественные выставки.

Введите Sandman

С почти тридцати милями береговой линии самый популярный наземный носитель в округе Санта-Крус доступен массово. Посетители Мэйн-Бич и Коуэлл-Бич, вероятно, наслаждались скульптурой из песка, созданной местным художником Биллом Льюисом. Это не повседневные замки из песка, которые большинство из нас быстро собирает с помощью пластиковых ведер и переделанных кофейных чашек. Под прозвищем Santa Cruz Sand Льюис восхищает любителей пляжного отдыха сложными творениями на основе песка, такими как морские существа, автомобили и праздничные темы.«Большинство людей, посещающих пляж, не видят морских черепах или гигантских кальмаров, но интересно знать, что они там есть», — говорит Льюис, который недавно сформировал 16-футовую большую белую акулу.

В то время как Льюис часто доставляет отдыхающим на пляж беззаботное развлечение, пляжный дизайн Кэт МакДэрис отражает спокойную, созерцательную сущность океана. Вооруженный садовыми граблями, МакДэрис часто формирует смелые, крупномасштабные мандалы во время отлива. Если вам посчастливится поймать одного из них, вы оцените, как эфемерный, дзен-образный характер ее творений может украсить утреннюю прогулку или вдохновляющий закат.

Каждый сентябрь любители пляжа также могут полюбоваться многочисленными произведениями искусства из песка, созданными на фестивале Capitola Beach. Второй ежегодный фестиваль включает в себя конкурс скульптур из песка, который наполняет пляж Капитола творческими скульптурами и экспонатами. Думаете, у вас есть все необходимое — и лопаты — для создания собственного творения? Общественность поощряется к участию.

Скала веков

Фотопотоки наполняются не только песочным искусством. Накапливаются и изображения наскального искусства.В социальных сетях #rockstacking отображает более 60 000 изображений творений, бросающих вызов гравитации. Но вряд ли это новая тенденция. Укладка камней — это доисторическая традиция, которая охватывает культуры, которые использовали глиняные сваи для обозначения мест захоронения, служили святынями и помогали в навигации. Сегодня вы по-прежнему увидите глыбы шпионских камней, часто называемые пирамидами из камней, которые используются в качестве указателей направления вдоль троп. Тем не менее, стеки, которые часто привлекают наибольшее внимание, — это те, которые искусно построены в эстетических целях. Каждую весну в Ллано, штат Техас, мастера-укладчики со всего мира собираются, чтобы принять участие в мировом чемпионате по укладке камней.

Вернувшись в Санта-Крус, вы наверняка увидите вдохновляющие примеры в таких местах, как Уэст-Клифф Драйв. Приморская набережная усеяна сбалансированными камнями, которые заставляют пешеходов остановиться и полюбоваться. Обратите внимание на эти глиняные произведения искусства вокруг Mitchell’s Cove, живописного пляжа, на котором можно отдыхать со щенками. Хотя многие скальные горы служат маркерами на нечетких пересечениях троп, вы часто увидите скульптурные творения, дополняющие визуальное зрелище природных объектов, таких как рощи из красного дерева и водопады.Посмотрите примеры по пути к водопаду Берри-Крик в государственном парке Биг-Бэйсин-Редвудс.

Самая впечатляющая скала скрыта в Погонипе, открытом пространстве на склоне холма, расположенном рядом с Калифорнийским университетом в Санта-Крус. Расположенный за историческими заросшими обжиговыми печами, найденными на одноименной тропе известковых печей, вы обнаружите сотни чудесных штабелей, спрятанных в поросшем мхом карьере.

Ищете другие произведения искусства местных мастеров, которые потрясут ваш мир? Посетите наш сайт, чтобы узнать о многих вдохновляющих художниках округа Санта-Крус.

Amazon.com: Деревянный пазл «Маленький цветок Гримм»

Укладчик «Маленький цветок» от Grimm’s Spiel und Holz Design — это деревянная головоломка и строительный набор для складывания и раскроя, вручную вырезанная из цельного куска твердой древесины ольхи. Этот гнездовой цветок выполнен в том же стиле (и относительном размере), что и укладчики больших элементов Grimm.

Сделано в Германии и аккуратно окрашено нетоксичными красками на водной основе в красивых оттенках синего и зеленого у основания, переходя в лиловый и темно-розовый в верхней части цветка. Каждый предмет можно использовать как мост, туннель, забор, пещеру или даже мебель для маленьких гномов или фей.

Это реликвия, которую мы будем беречь. Высота в сложенном состоянии составляет примерно 9 дюймов. Глубина каждого элемента составляет 2,25 дюйма — такая же глубина, как и у других штабелеукладчиков в коллекции Grimm’s Large Elements (4 стиля доступны отдельно: радуга, волны воды, пещеры и огонь).

Дети будут наслаждаться творческой свободной игрой с этими 9 замечательными блоками для гнездования, используя их для пещер, холмов, качелей и многого другого. Мама также может использовать укладчик цветов в качестве украшения сезонного стола или осязаемой скульптуры на журнальном столике.Нестареющий дизайн и прочная конструкция этого штабелеукладчика прослужат вам многие поколения — это настоящая реликвия, которую будут ценить.

Рекомендуемый возрастной диапазон: от 2 лет +; восхитительно для всех возрастов, даже для взрослых!
Marked Age: безопасно в течение 12 месяцев +
Размер: 8,8 x 2,25 x 3,5 дюйма (22,4 x 5,7 x 8,9 см)

Сделано в Германии компанией Grimm’s Spiel and Holz Design, производителем оригинальных деревянных игрушек, вдохновленных природой и природой. креативность. В ассортимент входят красиво красочные головоломки ручной работы, строительные наборы, детские игрушки, башни для штабелирования, куклы и многое другое.

Скульптурный металл

Размер браслета определяется размером вашей руки, а не запястья. Чтобы найти свою, просто поместите большой палец в ладонь (как будто собираетесь надеть браслет) и с помощью измерительной ленты измерьте длину руки вокруг суставов, ближайших к запястью. Сравните это измерение с таблицей ниже. Стандартный размер в США — 3 для круглых браслетов и 2 для овальных.

Загрузите наше простое руководство по размеру (PDF)

ФОРМА

РАЗМЕР США

ОБЪЕМ РУКИ

РУЧНОЙ КРУГ

ТУР

0

6. 75 из

_

1

7,25 дюйма

_

2

7,5 дюйма

_

3 (СТАНДАРТ)

8 из

_

4

8,75 дюйм

ОВАЛ

0

6.75 из

_

1

7,25 дюйма

_

2 (СТАНДАРТ)

7,75 дюйм

_

3

8 из

_

4

8,75 дюйм

Размер кольца определяется по внутреннему диаметру, а не по окружности. Чтобы найти свой, отрежьте тонкий лист бумаги и оберните его вокруг пальца, прижимая его к нижнему суставу. Отметьте место пересечения бумаги и измерьте ее длину линейкой. US 7 — стандартный размер кольца. Размеры ниже в миллиметрах.

Загрузите наше простое руководство по размеру (PDF)

РАЗМЕР США

ВНУТРЕННИЙ ДИАМЕТР

ВНУТРЕННИЙ ДИАМЕТР

ВНУТРЕННЯЯ ОКРУЖНОСТЬ

ВНУТРЕННИЙ ЦИРК

6

16.4 мм

51,5 мм

7 (СТАНДАРТ)

17,4 мм

54,5 мм

8

18,2 мм

57,0 мм

Откройте для себя наши ожерелья различной длины (дюймы) в таблице ниже и посмотрите, как ваш идеальный кулон сочетается с длинными слоями. Размеры ниже в дюймах.

ДЛИНА (ДЮЙМ)

ДЛИНА (СМ)

16 «

40,64 см

18 «

45.72 см

33 «

83.82 см

37 «

93.98см

42 «

106.68см

Питер Вулкос | Смитсоновский музей американского искусства

После службы в ВВС армии США с 1943 по 1946 год он поступил в Государственный колледж Монтаны, получив степень бакалавра наук. степень в 1951 г., а в следующем году — M.F.A. степень в Калифорнийском колледже искусств и ремесел в Окленде. Вернувшись в Монтану в 1952 году, он основал гончарную мастерскую на острове Елена.В 1953 году, преподавая трехнедельный летний курс в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине, Вулкос познакомился с новаторскими фигурами в искусстве, такими как Йозеф Альберс, Роберт Раушенберг и Джон Кейдж, что значительно повлияло на направление его работы.

В 1954 году Вулкос стал председателем нового отдела керамики в художественном институте Отис в Лос-Анджелесе. Его гончарный магазин вскоре стал Меккой для местных художников, положив начало движению глины в Лос-Анджелесе, лидером которого стал Вулкос.Несмотря на похвалы за свою работу, Вулкос начал чувствовать себя ограниченным традиционными формами керамики. Его связи с Черной горой привели к его встрече с Францем Клайном и другими художниками-абстрактными экспрессионистами в Нью-Йорке. Поглощая их идеи, он стремился использовать глину как выразительную, скульптурную среду и начал выполнять множество работ монументального масштаба.

В 1959 году Вулкос стал профессором дизайна и скульптуры Калифорнийского университета в Беркли.

Кеннет Р. Трапп и Ховард Ризатти Квалифицированная работа: американское ремесло в галерее Ренвик (Вашингтон, Д.К .: Национальный музей американского искусства, издательство Smithsonian Institution Press, 1998)

В 1972 году, после почти десятилетия работы в основном скульптором по металлу, Питер Вулкос вернулся к керамике. В середине 1950-х он практически заново открыл сферу искусства, применив в глине проблемы и методы, ранее ограниченные современной живописью и скульптурой. В начале 1970-х Вулкос сконцентрировался на двух основных керамических формах: трехъярусных скульптурных «горшках» и больших тарелках из керамики.Он впервые экспериментировал с пластинчатыми формами в конце 1950-х — начале 1960-х годов, разрезая, выдавливая, сжимая, разрывая и переставляя их обычные архетипические формы. Обычно он самопроизвольно наносил кистью яркие пятна или эпоксидные краски на их измененные поверхности. Напротив, новая серия пластин сильно отличалась.

В 1973–74 годах компания Voulkos произвела ограниченный тираж из двухсот украшенных глиняных тарелок специально для проекта, инициированного куратором Ли Норднессом.Хотя колесо метало помощник, поверхности этих довольно однородных дисков были декорированы самим Вулкосом. Часто он начинал с рисования ножом двух или трех резких линий на их все еще мягких лицах. Затем большими пальцами он сильно надавил снизу, вызывая высыпания («сквозные проходы») на твердой, как кожа, поверхности пластины. Он также часто продирался сквозь керамическое тело, вырывая куски глины и оставляя рваные дыры. Часто Вулкос затыкал меньшие отверстия и проходы комками или шариками из гладкого белого фарфора для создания тональных и текстурных контрастов.Но, оставив зияющие перфорации на вогнутой поверхности, художник намеренно ввел свет и пространство в эстетическое уравнение.

К 1976 году, когда была выпущена модель Untitled [1993.54.21], интерес Вулкоса к форме диска заметно возрос. Теперь он сам бросал пластины, часто придавая им более скульптурный характер, варьируя толщину ободков. Вулкос рассматривал круглый формат как толстую трехмерную плоскость, на поверхности которой он мог объединить свой постоянный интерес как к абстрактному экспрессионистскому рисунку, так и к скульптуре.Художник фактически выставлял свои круглые формы как «рисунки на тарелках», и действительно, каждая обработанная поверхность предлагает изображение пейзажа, другую конфигурацию или изображение пространства.

В отличие от его агрессивно изменяемых форм пластин конца 1950-х, унифицированные диски 1970-х демонстрируют более классическую и упрощенную эстетику. Каждый из них представляет собой вариацию на простую тему. Маркировка сграффито и поверхностная перфорация относительно ограничены и часто сводятся к минимуму. Более того, в отличие от его более ранних серий украшенных накладками форм пластин, более поздние серии по сути монохроматичны.Как правило, неокрашенные, тарелки сохраняют свой естественный оттенок глиняного цвета кремового кирпича. Однако поверхностные надрезы и сквозные отверстия были слегка промыты оксидом для затемнения, а затем пластины были опрысканы тонкой прозрачной глазурью. Несмотря на то, что они обжигались в газовой печи, их естественный цвет придавал им традиционный японский вид, полученный при обжиге дровами. Вулкос продолжал изготавливать тарелки, но после 1978 года они стали больше и скульптурнее, с большим разнообразием цвета и тона.

Джереми Адамсон Коллекция американских ремесел КПМГ Пит Марвик: подарок галерее Ренвика (Вашингтон, округ Колумбия: Галерея Ренвика, Национальный музей американского искусства, Смитсоновский институт, 1994)

Родившийся в Монтане в семье греков, Питер Вулкос закончил среднюю школу, а затем автостопом добрался до Портленда, штат Орегон. Там он работал подмастерьем на чугунолитейном заводе, пока не был призван в ВВС США. После войны Вулкос изучал живопись и печать по законопроекту о военнослужащих.Он получил степень M.F.A. закончил Калифорнийский колледж искусств и ремесел по керамике и вернулся на работу в Монтану. Во время поездки в Нью-Йорк в 1953 году художник познакомился с художниками-абстрактными экспрессионистами Виллемом де Кунингом и Францем Клайном. С этого момента Вулкос хотел, чтобы его работы имели масштаб и мощь, которых достигли их работы. Он расширил границы глиняной скульптуры, но обратился к бронзе, чтобы он мог создавать еще большие работы с формами, которые проецируются в космос. Он черпал вдохновение в философии дзэн, испанской гитаре, египетских пирамидах и в кокаине, после чего попал в реабилитационный центр.Несмотря на приставания к наркотикам и алкоголю, Вулкос пользовался широким уважением в послевоенный период за его выразительные скульптуры из керамики и литого металла.

СТЕКОВ «ORLY GENGER

2018, переработанная веревка для омаров и краска, 30 «x 24″ x 18 »

2017, веревка для омаров и краска из переработанных материалов, размеры варьируются

2017, переработанная веревка для омаров и краска, 40 x 20 x 18 дюймов

2016, переработанная веревка для омаров и краска, 35 x 57 x 26 дюймов

2016, переработанная веревка для омаров и краска, 31 x 40 x 40 дюймов

2016, переработанная веревка для омара и краска, 44 x 47 x 33 дюйма

2014, переработанная веревка для омаров и краска, 46 x 29 x 360 дюймов

2014, переработанная веревка для омаров и краска, 89 x 14 x 90 дюймов

2013, переработанная веревка для омаров и краска, 96 x 8 x 96 дюймов

2013, переработанная веревка для омаров и краска, 180 x 18 x 96 дюймов

2012, трос, 44 x 24 x 24 дюйма

2010, трос, краска и стальная арматура, 72 x 48 x 24 дюйма

Художественный музей Индианаполиса, 2008 г., веревка и краска, 148 x 15 x 144 дюйма

Художественный музей Индианаполиса, 2008 г., веревка и краска, 106 x 108 x 72 дюйма

2008 г., веревка и краска, 32 x 32 x 204 дюйма

2008 г., веревка для лазания и краска, 55 x 78 x 18 дюймов

2008, нейлоновая веревка, 7 1/2 x 27 x 13 дюймов

2003, пряжа, 20 x 20 x 72 дюйма

Дональд Джадд — Выставки — Галерея Мнучин

Открытие 26 сентября 2013 года, Mnuchin Gallery представляет Donald Judd: Stacks .Это первая выставка, посвященная этой культовой форме в творчестве Джадда и истории современной скульптуры, в которой представлены десять стопок за четыре десятилетия. Эта выставка приурочена к недавнему открытию дома и студии художника на 101 Spring Street. Он будет открыт до 14 декабря 2013 года.

Джадд известен своими геометрическими исследованиями объема, пространства и цвета. В 1960-х годах в Нью-Йорке Джадд был одним из первых в группе художников, которые бросили вызов представлениям о субъективности и живописном иллюзионизме, создав искусство из промышленных процессов и материалов.Когда Джадд создал свою первую стопку в 1965 году — расположение идентичных металлических блоков, простирающихся от пола до потолка, — эта работа стала прорывом в его интеграции искусства и архитектуры.

Работа также выполнила цель Джадда по созданию реального пространства с помощью скульптуры: в этой колонне чередующихся твердых тел и пустот расстояния между единицами стали частью работы, а пространства функционировали как открытые объемы. Здесь художнику удалось придать «ничто» пространственную идентичность.

Джадд продолжал пересматривать форму стека в последние годы своей карьеры, и теперь они служат его самым известным наследием, представленным в коллекциях почти всех крупных музеев мира. На протяжении многих лет Джадд экспериментировал с широким спектром материалов, чтобы исследовать бесчисленные эффекты различной прозрачности, непрозрачности, поверхности и цвета.

На выставке будут представлены десять стопок больших и малых размеров, относящихся к периоду с 1968 по 1990 год, вместе с произведениями, выставленными на продажу, из частных коллекций.Самая ранняя стопка на выставке, Untitled (DSS 120) (1968), представляет собой одно из первых применений Джадда оргстекла в этой форме, сочетая теплое сияние янтарного оргстекла с холодным блеском нержавеющей стали. Спустя десятилетие модель Untitled (Bernstein 78-69) (1978) превращает цвет в роскошную форму с помощью непрозрачного карамельно-красного оргстекла. Смелая цветовая гамма достигает кульминации в Untitled (Bernstein 88-25) (1988) с его драгоценными камнями, похожими на шкатулку из анодированного алюминия фиолетового цвета.

Полностью иллюстрированный каталог с текстами Педера Бонье, Джима Джейкобса, Флавина Джадда и Джадда Талли будет сопровождать выставку. Дональд Джадд: Stacks будет доступен с 26 сентября по 14 декабря 2013 года.

Дональд Джадд | MoMA

Дональд Джадд — знаковая фигура в истории послевоенного искусства. В 1950-х он изучал философию и историю искусства и посещал занятия в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке.Впервые он был публично признан искусствоведом, написав рецензии для журнала Arts за 1959–65. Именно в это время он превратился из художника-абстракциониста в продюсера полых прямолинейных объемов, благодаря которым он стал хорошо известен. Ключом к этой трансформации стало его эссе «Конкретные объекты», написанное в 1964 году и опубликованное в следующем году в Arts Yearbook 8 . Текст отмечал новый вид искусства, не связанный с традиционными рамками живописи и скульптуры, вместо этого фокусируясь на исследовании «реального пространства» или трех измерений, используя коммерческие материалы и делая упор на цельные, унифицированные формы.

В 1964 году Джадд обратился к профессиональным производителям листового металла, чтобы сделать свою работу из оцинкованного железа, алюминия, нержавеющей стали, латуни и меди. Это эффективно удалило из студии художника любое практическое творчество, и этот сдвиг имел бы большое значение для подрастающего поколения художников-концептуалистов, которые считали, что идеи сами, освобожденные от какой-либо материализации, могут существовать как искусство. В середине-конце 1960-х годов Джадд произвел и выставил большое количество своих культовых форм.Они варьируются от так называемых «штабелей», которые подвешиваются с равными интервалами от пола до потолка; «Прогрессии», размеры которых следуют простым числовым последовательностям; выпуклые выступы из стены; и коробчатые формы, которые устанавливаются прямо на пол. Этот скульптурный словарь продолжал служить базовой основой, на которой Джадд разработал множество версий — в различных сочетаниях металлов, цветного оргстекла и фанеры — до его смерти в 1994 году.

В 1968 году Джадд приобрел пятиэтажное жилое и рабочее помещение в районе Сохо в Нью-Йорке.Несколько лет спустя он поселится в Марфе, штат Техас, где его привлекли пейзажи пустыни Чиуауа и редкое население. И в Нью-Йорке, и в Техасе он спроектировал свои дома так, чтобы они включали постоянные инсталляции своих работ, наряду с домами своих сверстников, таких как Ларри Белл, Джон Чемберлен, Дэн Флавин и другие. В Марфе этот проект, в конечном итоге, вырос при финансовой помощи только что зародившегося фонда Dia Art Foundation в крупномасштабный музей, состоящий из нескольких зданий, который теперь называется The Chinati Foundation.Преднамеренные инсталляции Джадда и созданные им скульптуры указывают на то, что он считал само пространство таким же важным материалом, как и промышленные поверхности, из которых были построены его объекты.