Сила произведений Джорджии О’Кифф основана на ее мастерстве владения основными элементами художественного творчества: линиями, цветом и композицией. Чтобы понять богатство художественной практики Джорджии О’Киф, эта выставка раскрывает ее дисциплинированную практику рисования, драматическую цветовую палитру и новаторское чувство композиции через картины и рисунки, охватывающие ее карьеру.Презентация предлагает свежий взгляд на важность линии в ее работе — от предварительных набросков и рисунков до плавных, казалось бы, легких контуров, которые определяют области ее холста и разделяют ее композиции на динамические зоны цвета, будь то изгиб цветка. лепесток, горизонт пейзажа или контур абстрактной формы. Блестящий колорист О’Кифф создавал сильные, яркие работы с цветами, которые светятся энергией и жизненной силой. Удерживать все это вместе в гармоничном равновесии — это ее чувство композиции.Снова и снова в своей работе мы видим, как художник раздвигает границы, в некоторых случаях буквально с линиями и формами, несущимися по краю холста, но каким-то образом ей всегда удается сохранять чувство стабильности и создавать работы, которые визуально выглядят привлекательный. Способность О’Киф использовать различные материалы — пастель, уголь, акварель и масло — в сочетании с ее чувством линий, цвета и композиции позволяет создавать обманчиво простые работы. Ее уверенность в обращении с этими элементами делает ее стиль рисования непринужденным.Нашей целью на этой выставке является не устранение тайны ее работ, а, скорее, более глубокое понимание ее мастерства и уникальных талантов как одного из самых технически опытных и художественно новаторских художников двадцатого века.

Практика рисования О’Киф была признаком каждого нового опыта, а ее наброски — это журнал ее исследований. Художница была непоколебима в своей приверженности дисциплине рисования, которую она усвоила в начале своей карьеры. О’Киф разработала личный словарь абстрактных форм и композиционных стратегий, усвоив принципы, которым учил Артур Уэсли Доу.Доу поощрял интеллектуальный и творческий процесс создания искусства, основанный на самовыражении и гармоничном дизайне. В 1962 году О’Киф вспомнил о своем влиянии. «… У меня была техника легко обращаться с маслом и акварелью; Доу дал мне какое-то отношение к этому ». Она записывала свои острые визуальные восприятия в альбомы для рисования на протяжении шестидесяти лет. Рисунки демонстрируют ее процесс превращения мира природы в абстрактные композиции из линий, образующих формы и контуры, при этом устраняя отвлекающие детали, процесс выявления самой сути данного места или предмета.Эта практика позволила ей достичь композиции, которая может быть одновременно абстрактной и верной миру природы.

Например, на выставке представлены два подготовительных рисунка и связанная с ними картина, Синий, Черный и Серый 1960 года, которые раскрывают ее чувствительность к абстрактным формам в мире природы и ее долг перед Доу через пять десятилетий после изучения его методов. . На первом рисунке четкие четкие линии очерчивают контур абстрактных форм, которые она наблюдала в пейзаже.На втором рисунке показаны вариации оттенков и масс, отражающие концепцию японского дизайна «нотан» («темный, светлый»), которую Доу учил как важный элемент, наряду с линиями и цветом, при создании гармоничных изображений. Рисунки О’Киф демонстрируют, как она преобразовывала свои наблюдения в абстрактные формы и массы. Сделав подготовительные рисунки, О’Кифф обрисовала свои композиции углем на холсте, прежде чем рисовать и применять цвет. Инфракрасные фотографии ее работ показывают, что ее окрашенные поверхности полностью соответствуют рисункам внизу.Она рисовала убедительно, и законченное произведение искусства редко отличается от ее первоначального замысла. Это постоянство в ее художественной практике проявляется на протяжении всей ее жизни и является предметом данной выставки.

«Симфония красок» Василия Кандинского

Для Василия Кандинского музыка и цвет были неразрывно связаны друг с другом. Эта связь была настолько ясной, что Кандинский связал каждую ноту с точным оттенком. Однажды он сказал: «Звук цветов настолько определен, что трудно найти кого-нибудь, кто бы выразил ярко-желтый с басовыми нотами или темное озеро с высокими частотами.”

Фактически, он оставил свою юридическую карьеру после того, как получил необычный визуальный отклик на исполнение композиции Вагнера Lohengrin в Большом театре, чтобы изучать живопись в престижной Мюнхенской Академии изящных искусств. Позже он описал переживание, изменившее жизнь: «Я увидел все свои цвета в духе перед моими глазами. Передо мной рисовались дикие, почти сумасшедшие линии ».

Основная картина, которую нужно искать: Фрагмент 2 композиции VII , 1913 год.

Неврологический феномен, который испытал Кандинский, называется синестезией (или «совместное восприятие», от греческого слова syn , означающего «соединение», и aisthesis , означающего «восприятие»). Это редкое, но реальное состояние, при котором одно чувство, например слух, одновременно запускает другое чувство, например зрение. Люди с синестезией могут что-то почувствовать, когда слышат звук, или видеть форму, когда едят определенную пищу. Кандинский буквально видел цвета, когда слышал музыку, и слышал музыку, когда писал.

Художник исследовал эти ощущения нетрадиционным, художественным способом. Задуманный для театра, Кандинский создал экспериментальные выражения синестезии на основе перформанса — The Yellow Sound является самым известным — в котором использовались оригинальные музыкальные партитуры, освещение и различные средства массовой информации для исследования распространенных цветовых теорий того времени.

Музыка сыграла важную роль в развитии абстрактных картин Кандинского. Знаменитый венский композитор Арнольд Шенберг оказал большое влияние.Шенберг отказался от тональных и гармонических условностей в своих композициях так же, как Кандинский отказался от фигуры или узнаваемого объекта в пользу форм, линий и диссонирующих цветов в своих работах. Он использовал цвет, линию, форму и текстуру, чтобы создать ритмичный визуальный опыт, вызывающий эмоциональный отклик. Неудивительно, что Кандинский дал многим своим картинам музыкальные названия, например, Композиция или Импровизация .

Для Кандинского цвет также имел возможность познакомить зрителей с их духовным «я».Он считал, что желтый может беспокоить, а синий пробуждает самые высокие духовные устремления. Всего за год до того, как он написал Фрагмент 2 для Композиции VII , Кандинский написал О духовном в искусстве . Трактат, важный изложение теорий Кандинского о способности искусства вызывать психологические, физические и эмоциональные реакции, считается первым теоретическим основанием абстракции.

Обновление: некоторые изображения, упомянутые в этом сообщении в блоге, были удалены после закрытия выставки Modern Masters в Денверском художественном музее.Посетите страницу поиска по Собранию Художественной галереи Олбрайт-Нокс, чтобы найти работы по теме. Это появилось на этом посте, пока выставка была открыта:

Василий Кандинский, Фрагмент 2 для композиции VII , 1913 г., холст, масло, общий: 115,25 x 127,32 x 7,62 см (115,25 x 127,32 x 7,62 см) Зал Фонда современного искусства, 1947 г., RCA1947: 1, © 2014 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж.

Секреты хорошей композиции

Хороший состав.Простая идея, но не так-то просто создать сильную и эффективную!

За годы моего развития как художника создание хорошей композиции определенно было одной из тех вещей, с которыми я боролся больше всего. Несмотря на то, что я знал теорию и элементы, связанные с композицией, мне все равно было трудно применить их к моей собственной работе. Сосредоточившись и приложив много усилий, я, кажется, теперь создаю композиции, которые в целом работают. И я всегда в восторге, когда композиция получается действительно сильной.

Я знаю, что для многих художников это постоянная борьба на всех этапах. И вот у меня возникла мысль: почему бы не попросить некоторых артистов, чьи композиции мне нравятся, поделиться с вами своим советом. И я так и сделал! Я спросил:

В чем ваш секрет создания хорошей композиции?

Как и следовало ожидать, многие их ответы частично совпадают. Вы увидите повторяющиеся темы. Тем не менее, каждый художник выражает свои идеи по-своему, поэтому вы можете получить больше от чтения одного, чем другого.В любом случае повторение подтверждает, насколько универсальны многие из этих принципов создания хорошей композиции! Голос принадлежит им, с моей небольшой редакцией. Как вы увидите, некоторые писали много, а другие были более лаконичными. Что сказать, было полностью зависеть от художника. Все, что они написали, ценно, и я благодарю их HUGELY за их участие.

(Чтобы увидеть больше работ каждого художника, нажмите на их имя, чтобы перейти на их веб-сайт.)

И таааак, в случайном порядке подарок на 2020 год !! Вот секреты создания хорошей композиции, которыми поделились 20 художников.

ВНИМАНИЕ! Это будет ДЛИННЫЙ блог!

1. Десмонд О’Хаган

Баланс. Когда я разрабатываю композицию картины, я стремлюсь к визуальному балансу. Это достигается за счет постоянного изучения произведений искусства, критики и развития взгляда на то, что выглядит правильным. Я следую очень немногим правилам в композиции, что позволяет мне экспериментировать, развивая то, что кажется правильным. В Light Rain, Downtown Denver я сбалансировал машины слева и пар справа.Если исключить одно из них, картина будет казаться несбалансированной.

2. Дебора Стюарт

Я думаю, что многие из тех же аспектов применимы к абстрактным, как и к более реалистичным произведениям. Вот некоторые вещи, о которых я думаю при создании аннотации. Неважно, беспредметная это картина или абстрактный цветочный узор. Это те же соображения.

Размещение форм: где я размещу основные формы? Я обычно размещаю не по центру и балансирую с меньшими формами в другой части картины.

Стоимость. Я тоже думаю о контрасте. Я считаю, что абстракция с четким контрастом оказывает большее влияние. Где разместить самую темную часть композиции? Может быть самой большой формы.

Баланс активного и спокойного. Я стараюсь использовать мазки кисти, нанесение отметок и цвет, чтобы придать разнообразие и баланс между активными и спокойными областями. Я не хочу, чтобы на всей поверхности были одинаковые отметки. Я могу поставить более активные отметки в области фокусировки.Я также могу добавить более чистые цвета в область фокусировки. Тихие участки вносят покой в ​​композицию и могут также содержать более нейтральные цвета.

Цветовая палитра. Я уделяю нейтральным столько же внимания, сколько и интенсивным цветам. Это также уравновешивает активные и тихие области. Я также стараюсь ограничить цвета, которые использую, и выбрать диапазон значений от светлого до темного. Я сосредотачиваюсь на дополнительных цветовых схемах.

Космос. Я ищу участки открытого пространства в отличие от областей, где есть более активные отметки или мазки кистью.

Гармония и баланс. Картина сбалансирована и гармонична по цвету? Одна область перегружена по сравнению с другой? Я использовал и повторял цветовую схему на протяжении всей картины? Баланс достигается за счет обработки всей картины, а не одной области за раз.

Некоторые из моих первоначальных идей пришли из предварительных набросков в альбоме или на газетной бумаге. Я всегда генерирую идеи перед тем, как начать работу над рефератом. Я думаю о ценности, размещении форм, линий, цвета, пространства еще до того, как приступаю к работе.

3.

Баланс, ритм и фокус важны для успешной композиции. Визуализируйте свою картину горизонтально и сбалансировано на опоре. Уравновешивается ли вес элементов картины на опоре? Если нет, добавляйте, уменьшайте, удаляйте или перемещайте «вес» ваших визуальных элементов, пока композиция не уравновесится.«Вес» изобразительных элементов определяется плотностью сильного контраста или насыщенного цвета. Взгляд зрителя будет привлечен к вашей фокусной точке за счет максимального увеличения контрастности в желаемой области.

В ваших визуальных элементах также должен быть ритм или узор, когда они движутся по картинной плоскости. Повторение знакомых музыкальных нот в партитуре — хороший пример паттерна. Образец повторяющихся форм, линий или цветов на картине действует подобно знакомым фразам в музыке и служит для скрепления дизайна.Контраст и формы визуально направляют зрителя через картину, цель — удержать внимание зрителя в пределах картины.

Имейте в виду, что все эти «правила» должны быть нарушены, когда этого требует произведение искусства!

4. Алан Флаттманн

Прежде всего скажу, что секретов создания хорошей композиции у меня нет. Мои рекомендации основаны на проверенных временем принципах объединения всех элементов произведения — линии, размера, цвета, формы, положения и техники — в единое гармоничное целое.

Я воспользуюсь своей пастелью Heavenly Cloudburst , чтобы обсудить три из этих принципов.

Balance — один из самых важных способов создания порядка в композиции. Композиция без хорошего баланса кажется нестабильной и неудобной. Баланс может быть достигнут за счет симметрии, когда элементы композиции равны или очень похожи вокруг центральной точки или оси. Баланса также можно достичь за счет асимметрии, перемещая массы и веса таким образом, чтобы баланс был достигнут без идеального равенства с обеих сторон композиции.

Самый простой пример асимметричного равновесия, который я могу привести, — это представить ребенка и взрослого на качелях. Если ребенок и взрослый сидят на противоположных концах качелей, качели, очевидно, будут разбалансированы с более тяжелым взрослым, заставляя их конец качелей опускаться, а конец качелей ребенка подниматься. Однако, если взрослый двинется вперед на качелях к центральной оси, качели в конечном итоге выровняются и уравновесятся.

Моя картина, Небесная облачность , является примером асимметричного баланса.Большой высокий собор, расположенный на левом краю центральной оси, уравновешивается меньшей группой фигур и предметов на правой стороне, как в примере, описанном выше.

Ритм — еще один важный принцип хорошей композиции. Это достигается за счет повторения линий и форм, создающих ощущение движения. Ритм необходим для создания гармоничной и динамичной композиции. Движение может быть плавным, как на пейзажной живописи Коро или Констебля, или закрученным, как на картине Тернера.Он также может быть с прямыми краями или угловатыми, как у Сезанна или их вариаций. Обычно лучше, если преобладает один тип движения.

В Heavenly Cloudburst доминируют вертикальные резкие линии зданий. Вертикальные линии зданий повторяются в ливнях и отражениях, создавая вертикальный поток по всей композиции.

Центр интересов . Я считаю, что картина работает лучше всего, когда есть четкий центр интереса или фокус, создавая сильное ощущение порядка в композиции.Собор явно является центром внимания в Heavenly Cloudburst . Это большая масса с сильным контрастом, расположенная недалеко от центра картины. Маленькие фигурки и туба были добавлены, чтобы создать противовес собору для баланса и избежать акцента в яблочко.

Как правило, я советую студентам всегда думать о композиции в целом, прежде чем углубляться в детали. Для того, что вы рисуете, ищите интересное расположение фигур, а затем попытайтесь найти центр интереса, вокруг которого будет работать композиция.Сделайте эскизы, если это помогает. Всегда сначала блокируйте большие формы, чтобы определить дизайн и пропорции. Не торопитесь, создав хороший рисунок, прежде чем добавлять цвет. Помните, что хороший контраст так же важен, как и цвет.

В заключение, важно изучить все основные принципы хорошей композиции, а также полагаться на свою интуицию. У всех нас есть врожденное чувство того, что хорошо выглядит. Следуй своей интуиции.

5. Жанна Розье Смит

Композиция, такая как рисование, чтение или вождение автомобиля, — это не одноразовый навык. Это требует накопления информации, опыта и практики с течением времени. Из всех различных советов и приемов, которые помогли мне развить понимание композиции, одна реализация стала для меня переломной. За каждой хорошей картиной скрывается яркий абстрактный узор.

Как только я установил связь между хорошей композицией и базовым дизайном abstract , мои живописные композиции резко улучшились.Я всегда делал эскизы эскизов, но лучший дизайн означает мысленный переход от мини-эскиза сцены к сокращению композиций до их простейших элементов: форм разного размера, краев, значений. Сдвиг не столько во внешнем виде эскиза, сколько в моих мыслях об этом.

Я рисую морские пейзажи и пейзажи как с фотографий, так и с пленэра, и в любом случае я начинаю с узнаваемой сцены, наполненной вещами, которые я могу назвать: небо, море, волны, пена, деревья, горы, долины, тени.В дизайне эскизов я составляю свою картину, упрощая объект передо мной в дизайн на странице, состоящий из форм, краев и значений. Думая абстрактно — не слишком ли правильны эти формы? Нужна ли мне маленькая форма, чтобы компенсировать эту большую? Нужна ли линия смещения? — лучше, чем в объектах, — стоит ли мне убрать это дерево? — Я менее привязан к реальности и свободен перемещать элементы, чтобы усилить дизайн. Часто плохая композиция просто из-за слишком большого соответствия действительности.

Подобно любому приобретенному навыку, такое дизайнерское суждение — это мышца, требующая тренировки; Я сохраняю и постоянно добавляю в папку картин (как современных, так и классических), которыми восхищаюсь за их превосходную композицию.Я часто возвращаюсь к ним как к урокам и вдохновению.

6. Джули Фриман

Историки искусства передали критерии, которые, по их мнению, являются основами хорошей композиции: линия, форма, форма, цвет, пространство. Мы могли бы предположить, что они основаны на наблюдении за воспринимаемыми успешными произведениями искусства и общими элементами, которые их связывают. В мире искусства композиция считается важной, но иногда произведение работает не по правилам.

Мой выбранный жанр (фотореализм) требует деталей, которые я получаю из моих собственных эталонных изображений. Довольно часто я вижу изображение через объектив камеры и инстинктивно знаю, что из него получится хорошая картина без анализа или каких-либо мыслей о композиционных элементах. Радует глаз. Художественная интуиция?

Моя работа, которая считается удачной, включает в себя основные композиционные элементы (не обязательно все). Я хочу продемонстрировать и отметить мою тему такой, какая она есть, поэтому цветов вариантов выбраны для меня в этом смысле.Цвет является важным элементом композиции и может вызвать у зрителя эмоциональный отклик, так же как и сам выбранный объект.

Многие мои работы — это более интимное изображение предмета. Мне нравятся детали, поэтому во многих моих пастелях главный объект находится на переднем плане и в центре, так сказать, близко и лично. Обычно меньше отрицательного , пространства и меньше деталей. Он может быть не в фокусе с предложением цвета и формы или просто цветным фоном.

Если объект светлый и яркий, у меня часто бывает более темный фон для контраста и для того, чтобы выдвинуть его вперед, как в моей серии о фламинго. Как правило, контраст элементов в моей работе, будь то по цвету, текстуре, значению или твердым / мягким краям, является сильным композиционным инструментом, который я использую.

Мои объекты, такие как морские пейзажи, мореходство или цветы, изначально были созданы с помощью объектива камеры. Затем я беру изображение и играю с ним в дизайнерской программе. Кадрирование для меня важно для демонстрации моего объекта или элементов в произведении искусства.Я часто увеличиваю изображение и использую отрезок из полнокадрового. Примером этого является Southern Kelp V (см. Ниже).

Я считаю, что, хотя цельная композиция может радовать глаз, есть и другие аспекты, которые могут определять то, что считается успешным произведением искусства. Художник может считать свою работу успешной, потому что он достиг своего намерения, освоил технику, получил награды или продал работу. Зритель может счесть его успешным по ряду причин, чисто субъективных и не основанных на понимании технических элементов.

Подводя итог, мои секреты:

• Хорошее кадрирование объекта
• Контрастность
• Цвет
• Художественная интуиция

7. Мишель Моццоне

Планирование! Поскольку я работаю по фотографиям, я могу быть взволнован работой с изображением, но очень важно, чтобы я сопротивлялся побуждению прыгнуть прямо в картину.

Я всегда делаю эскизы. На миниатюре я прорабатываю три основных значения: светлый, средний и темный.

Может потребоваться манипулирование, кадрирование или редактирование элементов в композиции, чтобы направлять взгляд вокруг, при этом не забывая о зонах отдыха и фокусах.

Я стараюсь осознавать негативные пространства, которые я оставляю вокруг и между важными элементами в композиции, и меняю эти пространства, чтобы они были менее предсказуемыми и более интересными для глаза.

Помните о точках касания — непреднамеренном фокусе, вызванном неудобно размещенными элементами в композиции.

Я ограничиваю свою цветовую палитру, чтобы создать связность всей композиции.

Все мы знаем правило, согласно которому использование нечетных чисел делает композицию более удачной. Но если у меня есть два подобных элемента, как на рисунке ниже, я позволю одному привлечь больше внимания, отсюда и ярко-красный купальный костюм.

8. Альберт Ханделл

На мой взгляд, вопрос в том … Какой аспект предмета наиболее важен … а что второстепенно?

Самая важная часть — это обычно та часть, которая выделяется сильнее всего. Давайте назовем эту область «положительной областью», поскольку она должна быть окрашена в позитивном ключе, а остальную часть композиции, которая поддерживает ее, — вторичной областью или отрицательной областью.

Таким образом, все не так.

В течение многих лет, когда я отвечал на этот вопрос: «Что важно для этого предмета или любого предмета, а что второстепенно?» Я обнаружил, что, рисуя виньетки, «незавершенные работы», я мог четко сфокусироваться на той части сцены, которая действительно интересовала меня, и я мог позволить остальному ускользнуть, таким образом, становясь второстепенным.

Здесь, на этом пленэре, написанном пастелью, я сосредоточился на самой «Скале Короля Льва», названной так потому, что Уолт Дисней жил по соседству с Индийскими садами и использовал ее в своем фильме «Король Лев».

Композиционно … Моей первой отметкой было установить линию от вершины скального образования Короля Льва, от верхнего левого угла зрителя до нижнего правого. Чтобы разделить две области, я убедился, что верхняя часть страницы не находится посередине.

Эта линия в основном длинная и отделяет небо от скалы.Теперь я сосредотачиваюсь на той области, которую хотел нарисовать — назовите это портретом Короля Льва. Сначала я устанавливаю темные тона с помощью акварельного подмалевка. По мере того, как я работал над формированием горных пород и после значительного определения цветов для камней, я добавил немного синего, чтобы сравнить края. Я рисовал небо позже. Если вы посмотрите на голубое небо, то увидите, что оно нарисовано в виде «плоского узора» того же цвета или цвета по сравнению с нюансами цветов на поверхности скалы.

Эта начальная линия — это, по сути, начало композиции, устанавливающая разделение пространства и завершающая пастельную картину без изменений.

9. Стефани Бердсолл

Хммммм…. «Создание хорошей композиции» ……. Как только я начинаю представлять свою картину, будь то натюрморт или пейзаж, я ищу путь света и то, как он падает на объект и ведет мой взгляд сквозь него. Я думаю о свете как о мелодии, движущейся по моей картине. Свет также создает темные и светлые узоры, которые я также ищу, чтобы помочь установить узор движения.Я также ищу большие простые формы. Слишком много маленьких может создать хаос.

В пейзаже я часто ищу традиционную S-образную кривую, чтобы направить взгляд сквозь композицию, используя ручьи и реки, плоскости на горе, линию деревьев. Опять же, это путь, по которому нужно следить. Я систематизирую то, что вижу в своей голове, еще до того, как начинаю. На пленэре я делаю светлый набросок на своем холсте или эскиз-эскиз, накладывая тени так, чтобы они оставались постоянными, пока свет меняется, потому что они являются частью темного узора.

Моя главная цель в композиции — удерживать взгляд зрителя в движении и остановке, но всегда в пределах моей картинной плоскости. Я хочу удержать их интерес и не допустить, чтобы они выскальзывали за верхнюю, нижнюю или боковые стороны плоскости изображения.

10. Кристин Суонн

Для меня лучший способ заняться такой сложной задачей, как композиция, — обратиться к природе. Я был очарован определенными отношениями в природе и множеством систем, которые художники использовали в прошлом для создания гармонии и порядка.Одной из таких взаимосвязей, обнаруживаемых по всей вселенной и повторяющихся в природе (в том числе в человеческом теле), является последовательность Фибоначчи. Это серия чисел, которая строится сама по себе и встречается во всех растущих объектах, создавая особые и красивые дуги. Самый известный пример — раковина наутилуса. Эта кривая, которую когда-то считали «отпечатком пальца Бога», встречается повсюду, в том числе на внешних краях наших ушей, на ананасах и сосновых шишках.

Итак, когда я встретил этого человека, я понял, что хочу нарисовать его морщинистое лицо.Хотя я был бездомным, я не мог не думать о том, как он когда-то был чьим-то голубоглазым мальчиком. Естественно, я сосредоточил внимание на голубых глазах. Затем я понял, что могу использовать спираль Фибоначчи в качестве основного компонента портрета. Я начал перемещать элементы и обрезать изображение так, чтобы спираль Фибоначчи привела к одному глазу. Я даже создал рисунок спирали в точном размере картины и поместил их рядом на моем мольберте, пока работал, чтобы я мог постоянно проверять размещение отметок и элементов.

Чтобы использовать точную спираль, картина должна иметь правильные пропорции, поэтому размеры картины составляют 21 х 13 дюймов. Это числа Фибоначчи. Вдоль этой прекрасной универсальной спирали я сделал края вещей, таких как его воротник и шляпа, по изгибу. Затем его усы и складки на лице были слегка изменены, чтобы следовать за ними. Чтобы получить точное расположение, потребовалось некоторое время и много эскизов. Например, где разместить его лицо в картинной плоскости и насколько оно должно быть большим.Как только я получил это, все остальное встало на свои места. Это также дало мне четкие области за пределами спирали, которые не были так важны. Я знал, что могу «отпустить эти области» и что это поможет мне сосредоточиться. Для меня это придало картине необъяснимое изящество, четкую направленность и прекрасный способ управлять своей композицией.

Composition — это не что иное, как художник, демонстрирующий полный контроль над изображением. Неважно, какие фото референсы или даже что ваша модель вам преподносит.Вы, художник, несете ответственность за компоновку всех элементов изображения, чтобы рассказать историю, показать фокус и привнести художественный оттенок в искусство. В конце концов, это искусство, которое мы создаем. Поэтому независимо от того, какая у вас система или какие мысли о композиции, сначала найдите свой фокус, а затем убедитесь, что все остальное поддерживает это.

• Кристин Суонн, «Неимущие», пастель, 21 x 13 дюймов
• Кристин Суон, «Неимущие», с розовой спиралью, пастель, 21 x 13 дюймов

11. Аарон Шуэрр

Прежде чем начать, я спрашиваю себя, что привлекло мое внимание? Если позаимствовать у Сезанна, каково «первоначальное ощущение»? На чем я естественным образом сосредотачиваюсь и что я чувствую? Если ответы ясны и однозначны, то я, вероятно, готов достать альбом для рисования и разработать композицию.Если ответ расплывчатый и неуверенный, мне, возможно, придется пройтись и посмотреть, является ли другой ракурс сцены более динамичным.

«Первоначальное ощущение» может быть таким маленьким, как отблеск света на сугробе, или огромным, как масштаб возвышающейся вершины. В любом случае, то, что бросается в глаза, определяет, как я построю картину.

Я должен найти время, чтобы подумать о моем отношении к ландшафту. Могу ли я легко исследовать это место? Или он крутой и негостеприимный? Хорошая композиция — это не только форма, она говорит вам кое-что о том, что художник чувствовал в том месте и в то время.

12. Лоренцо Чавес

Это очень хороший вопрос, который задают много раз во время моих семинаров, которые я провожу по всей стране. Я провела мастер-классы по композиции, в которых мы переходим к основным пейзажным композициям. Я впервые узнал об этом, внимательно изучив книгу Эдгара Пейна, Composition of Outdoor Painting и Бирдж Харрисон, Landscape Painting , обе книги я очень рекомендую.(Бирдж Харрисон была учителем Джона Ф. Карлсона, написавшего классическую книгу «Пейзажная живопись»).

Я просматриваю композиции со своими учениками, а затем показываю изображения картин, которые отражают эти композиции. Затем я прошу своих учеников сделать вариации только что выученных композиций, нарисовав их в своих альбомах. Затем я прошу их сделать вариации композиций на одну и ту же тему. Учащиеся находят это упражнение сложным и поучительным.

Изучаемые нами композиции:

1.Стиляр

2. Треугольник — весы сбалансированные

3. Конструкция излучающей линии

4. Круг или Овальная композиция

5. S- или Z-образная кривая

6. Диагональная линия

7. Крестообразный дизайн

8. Прямоугольная или L-образная форма

Я считаю, что эти композиции — проверенные временем и очень уважаемые дизайнерские идеи. Никаких секретов не нужно. Их можно увидеть и изучить во многих исторических произведениях и картинах лучших современных художников.Когда ученик знакомится с арматурой композиционного дизайна, он может легко увидеть на картинах и в природе.

Моя картина, The Masters Bouquet , основана на дизайне Radiating Line и композиции Steelyard.

Как только вы разберетесь с этими композициями, вы больше никогда не увидите природу прежней или, если уж на то пошло, картины в музеях.

13. Майкл Фриман

Мой секрет в том, что у меня нет секрета! Для меня хорошая композиция — это просто (или не так просто) результат интуиции и опыта.В конечном итоге я доверяю своим подсознательным инстинктам при определении композиции для картины, а не сознательному применению заранее определенных формул, правил или принципов.

В конечном итоге «Визуальные элементы» (линия, форма / форма, цвет, текстура, тон / значение, негативное / позитивное пространство, глубина и т. Д.), «Художественные принципы» (гармония, перспектива, свет и оттенок, размер, масштаб, детали, перекрытие, пропорции, баланс, акцент, движение, плоскости / поверхности и т. д.) и «Композиционные методы / правила» (упрощение, симметрия, правило третей, правило шансов, геометрия, Фибоначчи, фигура / фон, золотое сечение, ведущие линии и т. д.) помогают объяснить, почему композиция работает.Тем не менее, для меня решающим фактором при определении моей окончательной композиции является то, что мне кажется правильным!

Для меня процесс рисования начинается с фотоаппарата. Это важный инструмент для меня как художника фотореалиста / гиперреализма. Я считаю, что фотоаппарат — это очень недооцененный, часто оклеветанный и непонятый художественный инструмент. Однако, как и все инструменты любого художника, он хорош настолько, насколько хорош человек, использующий его!

Камера — это отправная точка, в которой рождается моя окончательная композиция.Цифровая камера изменила правила игры для фотореалистов / гиперреалистов — ведь нет ограничений на количество снимков, которые можно сделать. Вы можете активно исследовать все визуальные элементы, художественные принципы и композиционные приемы / правила в режиме реального времени. Невозможно сделать слишком много снимков.

Снимая изображения для своих картин, я постоянно играю с физическим миром, чтобы увидеть, что я могу создать с точки зрения изображения: крупным планом / вдалеке; вверх вверх / вниз вниз; в фокусе / не в фокусе; светлый темный; спортивный режим / макро; картина ландшафта; 2D / 3D; перспектива / без перспективы; и т.п.

Вернувшись в студию, я начинаю критически оценивать свои фотографии. Я ищу кого-то, кто кричит: ВЫБИ МЕНЯ! И я выбираю его, потому что он рассказывает историю, захватывает момент, является особенным или уникальным и, конечно же, имеет композицию, которая, как мне кажется, захватит взгляд / воображение зрителя и привлечет их.

После того, как я выбрал изображение, я потрачу некоторое время на то, чтобы поиграть со значениями и завершить обрезку изображения для моей картины.

Я выбрал картину «НЛО» из моей серии натюрмортов BuzzyBee.В этом случае есть дополнительный композиционный шаг к тому, что я описал выше. Прежде чем делать какие-либо фотографии, я трачу время на расстановку объектов, которые я выбрал для своего натюрморта, — обыгрывая множество различных физических аранжировок / композиций, включая освещение.

Я считаю, что композиция для этой картины является хорошим примером многих из: «Визуальных элементов»; «Художественные принципы»; и «Композиционные техники / правила», которые я описал выше. Тем не менее, я позволю вам решить, какие из них применимы, и будет ли эта композиция успешной или нет, поскольку только вы можете решить, работает ли эта картина для вас!

Композиция — это, конечно, важнейший компонент любой успешной живописи.Для меня, однако, именно мой внутренний художественный голос, интуиция и опыт позволяют мне определять композицию моих картин.

Нарисуйте то, что вам нравится, и запомните самое главное правило: «Правила есть, чтобы их нарушать». Ни один жанр искусства не превосходит любой другой, все они одинаково удивительны, поэтому выберите тот, который говорит с вами, слушайте свой собственный артистический голос и получайте удовольствие!

14. Карен Маргулис

Я подхожу к композиции, думая о том, как зритель может увидеть картину.Моя цель — создать для зрителя визуальное путешествие. Я хочу пригласить их в картину и показать им все вокруг. Я хочу дать им возможность отдохнуть и получить удовольствие, но при этом провести их через всю картину. Я могу сделать это, создав визуальные пути с помощью своих композиций. Если я могу держать в уме зрителя, когда проектирую и рисую, это помогает мне упорядочивать формы и использовать контраст для создания интересных и успешных композиций. Я думаю о зрителе перед тем, как начать, пока рисую и оценивая картину на предмет отделки.

15. Мишель Эшби

Для меня хорошая композиция — это искра, которая зажигает огонь на картине. Это элемент, который нас привлекает, заставляя искать дольше, позволяя нашему взору быть направленным на каждый отдельный элемент, составляющий картину, наконец, останавливаясь на его главном фокусе. Композиция — это то, что заставляет зрителя задавать вопросы о произведении.

Правила, которые я собираюсь передать, я унес с собой много-много лет назад, когда я сначала учился в колледже, а затем в университете, чтобы получить степень бакалавра (с отличием) в области графического дизайна.Каждый из них является важным фактором при создании вашей картины. НО, и это большое НО, правила всегда есть, чтобы их нарушать.

Правило третей — это то, что я всегда уделяю первоочередному вниманию при создании композиции. Представьте, что вы делите свою бумагу на три части по вертикали и горизонтали, а затем вместо того, чтобы поместить точку фокусировки в мертвый центр вашей страницы, подумайте о ее смещении, чтобы изображение помещалось на пересечении одного из разделов или на одной из линий.Посмотрите, как он создает гораздо более интересную композицию. В моей картине «Вуду Чили» видите, как лицо и, что более важно, черты лица (возможно, фокус) смещены от центра в левой трети?

Обрамление — еще один важный фактор, о котором следует подумать при выборе композиции. Он должен выделять объект и привлекать внимание зрителя к определенной точке любой картины. По сути, избавьтесь от всего, что ничего не приносит на стол! В частности, при создании портрета подумайте о том, что можно использовать для обрамления вашего произведения.В моей картине мне посчастливилось использовать естественный каркас красивых волос моей натурщицы. Подумайте об использовании рук, шарфов, другого сидящего или внешних конструкций, таких как двери и окна.

Всегда помните, что вам нужно! Если в кадре происходит слишком много всего, это может означать, что зритель просто продолжает искать точку фокусировки. Это неизбежно означает, что им будет скучно искать, когда они не смогут его найти. Конечно, у вас могут быть и второстепенные точки внимания, но убедитесь, что они не забирают все внимание!

16. Крис Айверс

Я, вероятно, подойду к этому под совершенно другим углом, чем многие другие традиционные художники, из-за того, что я в значительной степени сочиняю через объектив камеры. Так как я проработал более 40 лет в мире рекламы и маркетинга и прошел путь от молодого художника в «КПЗ» до креативного директора моего собственного рекламного агентства, мне удобно «оценивать» свои композиции в прямоугольном формате. Он может быть вертикальным или горизонтальным, но после стольких лет работы над художественным оформлением и макетом довольно легко увидеть то, что мне нравится.

Будь то двухстраничный горизонтальный разворот или вертикальная обложка журнала, я использовал те же визуальные аспекты, которые делают любую картину, над которой я работаю, успешной: фокусные точки, перемещение зрителя внутри картины, контраст, цвет и движение. Еще несколько лет назад я даже не знала, что такое «золотая середина»! Хочу показать вам, что художественная школа ничему меня не учила в 70-е годы!

Работа с творческими профессиональными фотографами на протяжении многих лет была для меня большим подспорьем на протяжении всей моей карьеры, и помогает мне по сей день.Рассказ истории был в центре внимания любой рекламы, которую я создавал, и то же самое и с живописью. Вытаскивать камеру, чтобы «увеличить» макет на пленэре, — это единственный способ рисовать снаружи. Со всем «кайфом», который может предложить мать-природа, именно так я успокаиваю ее и могу рисовать вместе с ней.

Так что мне удобно носить с собой телефон и фотоаппарат и делать снимки с большим «просачиванием», так что, когда я переношу эти снимки в Photoshop, у меня будет достаточно изображения, чтобы обрезать то, что может мешать композиции.Думаю, у меня есть «чувство» относительно того, какая композиция в фоторамке хороша, а какая плохая, и если мне нравится композиция на фотографии, мне обязательно понравится рисовать эту сцену.

17. Кларенс Портер

Хорошая композиция встречается в природе естественным образом — нам просто нужно ее искать. Я смотрю на мир, как на картину, и ношу камеру, чтобы запечатлеть свои референсы. Я обычно фотографирую, помня о «Правиле третей», чтобы прояснить мои композиции.Это не строгое соблюдение, но я считаю, что интересующие меня сцены, как правило, подчиняются «Правилу». Я ищу расположение элементов и то, как они соотносятся друг с другом и пересечениями «третей». Я также ищу баланс между объектами в сцене и их балансом темного / светлого.

Я провожу небольшие исследования по трем параметрам (темный, полутоновый, светлый) на основе моих эталонных снимков и уменьшаю элементы сцены до их простейших форм. Это помогает мне еще больше уточнить мою композицию. Ценностные исследования стали основой для моего подмалевка.Затем я провожу небольшое исследование цвета, чтобы выделить основные области цвета. А потом… прочь!

18. Жанна Тангни

Хотя определенно полезно знать руководящие принципы композиции — Правило третей, расположение фокусной точки, включение различных размеров, форм и интервалов — я считаю, что еще более важно применять эти принципы чтобы поддержать первоначальную концепцию картины.Это пейзаж о небе? Или дело в земле или воде? Изменение традиционного расположения горизонта может добавить картине драматизма.

А как насчет размещения точки фокусировки в неожиданном месте? Может ли добавление других областей интереса в качестве баланса заставить его работать? Ведут ли эти композиционные элементы ваш взгляд на всю картину, заставляя зрителя задерживаться в определенных местах для более пристального взгляда?

Все эти вопросы стоит рассмотреть, а не следовать шаблонному подходу.Главное — не упускать из виду причину создания картины, ведь композиция призвана поддержать ваше намерение!

19. Салли Стрэнд

Прежде чем начать рисовать, я «думаю» на бумаге карандашом или фломастерами, используя очень маленькие эскизы (не рисунки — это «представление»). Эскизы или эскизы имеют размер 1-2 дюйма. Я прищуриваюсь и пытаюсь сгруппировать значения в три-четыре основных формы значений без каких-либо деталей.

Миниатюры внизу слева в моем альбоме показывают мой мыслительный процесс. На левом изображен рисунок стоимости, который я сделал из котелков на лужайках (одетых в белое), размещенных на темном фоне. Справа я думал сделать фигуры темнее светлого фона, что меняет эмоциональный климат произведения.

Я рисовал эту серию, используя темный фон, чтобы выделить белую одежду. Сменив ценностную структуру и сделав цветовую палитру тональной и нейтральной, он полностью изменил восприятие этой серии.Я был доволен таким измененным результатом, и судьи присудили этой картине главный приз в Нью-Йорке.

20. Дуэйн Уэйкхэм

Прибрежный пейзаж центральной и северной Калифорнии был моим основным предметом изучения более 50 лет. Изначально я рисовал маслом, а пастель решился только в середине 1980-х, когда один из моих дилеров попросил также некоторые работы на бумаге.В последнее время я работаю преимущественно пастелью.

Я проработал студийным художником большую часть своей карьеры, поэтому я использую фотографии для справки. Беглый взгляд на Estero Evenin г, характерный для моей пастельной живописи, свидетельствует о том, что меня не интересует фотореализм . Думаю, предлагает реализм. более точно описывает мой стиль рисования.

Что касается сегодняшней темы — Композиция — , моя мантра такова: «Картина — это сочетание форм и цветов.«На протяжении всего процесса рисования я стараюсь сосредоточиться на композиции, а не на предмете. Только когда я доволен распределением форм и цвета, я обращаю внимание на то, чтобы сделать предмет настолько убедительным, насколько я считаю необходимым.

Работая пастелью или маслом, я начинаю с того, что принимаю края бумаги или холста как первые четыре линии композиции; все последующие добавляемые линии и формы относятся к этим краям без последующей обрезки для сохранения рисунка.Как художник-пейзажист, первая нарисованная линия почти всегда является горизонтальной, проходящей через всю ширину рабочей поверхности, чтобы установить как линию горизонта (на этой картине — ватерлинию), так и уровень глаз зрителя. Все дополнительные линии и формы рисуются относительно этой начальной линии. В результате базовая композиция Estero Evening очень проста — три линии, четыре формы. Разделение каждой из четырех форм начало показывать минимальное определение предполагаемого объекта, но не было подробным рисунком сцены.

Переход к цвету заключался в блокировании каждой из основных форм одним цветом, который затем растворялся денатурированным спиртом, создавая упрощенный подмалевок. Когда началось собственное рисование, мой подход всегда заключался в том, чтобы работать над всей поверхностью более или менее в одно и то же время, так что всякий раз, когда я делаю перерыв, все проявляется примерно в одинаковой степени. Каждый раз, когда я беру новый цвет, я добавляю его на всю картину.

В отличие от исследований, которые можно провести за считанные минуты, картина, такая как Estero Evening , может занять несколько дней или больше, отчасти потому, что я трачу много времени на размышления о том, где и как изменить цвет, наложив на него другие цвета. тесно связаны как по стоимости, так и по интенсивности.Об этом свидетельствует вся картина; никакая область не может быть определена как имеющая только один цвет.

Больше всего меня порадовал левый верхний угол картины с двумя простыми отблесками Дрейкс-Бей * и вечерним светом, отражающимся от скал на таком большом расстоянии. Хотя цвет скал и гор за ними может показаться изолированным, они видны сквозь картину. Если я могу повторить, «картина — это сочетание форм и цветов».

* Эстеро и залив Дрейк являются частью национального побережья Пойнт-Рейес.

~~~~~~

Как сказал Дуэйн Уэйкхэм в своем ответе на мой вопрос, теперь их секреты больше не являются секретом!

Я так счастлив поделиться с вами этой коллективной мудростью. Вы знаете, как мне нравятся ваши отзывы, и в этом случае, когда участвует так много художников, я определенно рекомендую вам оставить для них отзывы ниже.

До следующего раза!

~ Гейл

PS.Были некоторые ссылки на книги выше, и я собрал их все здесь вместе с книгами, написанными некоторыми из моих гостей.

Композиция 8 | Музей Гуггенхайма, Бильбао

«Цвет — это клавиатура, глаза — молотки, душа — это пианино с множеством струн. Художник — это рука, которая играет, намеренно касаясь той или иной клавиши, чтобы вызвать колебания в душе ». 1

Василий Кандинский (1866–1944). Композиция 8 (Композиция 8), июль 1923 года. Холст, масло, 55 1/8 x 79 1/8 дюйма (140 x 201 см).Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк, Коллекция Основателей Соломона Р. Гуггенхайма, Подарок, Соломон Р. Гуггенхайм 37.262. © 2009 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж

Введение

Кандинский родился в 1866 году в Москве. Раннее детство провел в Одессе. Родители с самого начала привили ему любовь к музыке, которая повлияла на его творчество, вплоть до названий его картин: «Импровизации», «Впечатления» и «Композиции».

В 1895 году Кандинский посетил выставку импрессионистов, где увидел «Стога сена» Моне в Живерни.Он заявил: «Я узнал из каталога, что это стог сена. Я был расстроен, что не узнал этого. Я также думал, что художник не имеет права писать столь неточно. Смутно я также осознавал, что объект не изображен на картинке ». Вскоре после этого Кандинский, получивший образование на юриста, уехал из Москвы в Мюнхен, чтобы начать изучать искусство. Кандинский участвовал в нескольких самых влиятельных и противоречивых художественных движениях 20-го века, в том числе в группе Blue Rider, которую он основал в 1911 году вместе с другим художником Францем Марком.«Мы придумали это название, сидя за столиком в кафе. . . . Мы оба любили синие вещи, Марк — синих лошадей, а я — синих всадников. Так что название напрашивалось »(Уилл Громанн, Василий Кандинский: Жизнь и работа. Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, 1958, стр. 78).

В своих мемуарах Кандинский вспоминает день 1910 года, когда он случайно открыл для себя нерепрезентативное искусство. Когда он возвращался домой на закате, он был поражен, входя в свою мастерскую, «неописуемо красивой картиной, освещенной внутренним светом.Он мог различать только «формы и цвета, но ничего не значил». Вскоре он понял, что это была одна из его картин, перевернутая на бок. Вскоре он начал работать над картинами, которые стали считаться первыми полностью абстрактными произведениями современного искусства; они не ссылались на объекты физического мира и черпали вдохновение и названия из музыки.

В 1912 году он опубликовал «О духовном в искусстве», первый теоретический трактат по абстракции, в котором исследовалась способность цвета передавать самые сокровенные психологические и духовные проблемы художника.Его репутация прочно закрепилась в США благодаря многочисленным выставкам и его знакомству с Соломоном Гуггенхаймом, который стал одним из его самых горячих сторонников.

Весной 1929 года Соломон и Ирен Гуггенхайм сопровождали Хиллу Ребай, художницу, которая позже стала первым директором Музея Гуггенхайма, в европейском турне. Представленный Кандинскому в мастерской художника в Дессау, Германия, Гуггенхайм приобрел Композицию 8, первую из более чем 150 работ художника, вошедших в коллекцию.

Кандинский считал Композицию 8 кульминацией своего послевоенного достижения. В этой работе круги, треугольники и линейные элементы создают поверхность взаимодействующих геометрических форм. Важность кругов на этой картине предвещает доминирующую роль, которую они будут играть во многих последующих работах.

Кандинский разработал абстрактный стиль, отражающий утопические художественные эксперименты русского авангарда. Акцент на геометрические формы, продвигаемый такими художниками, как Казимир Малевич, стремился установить универсальный эстетический язык.Хотя Кандинский перенял некоторые геометрические аспекты супрематизма и конструктивизма, его вера в выразительное содержание абстрактных форм оттолкнула его от своих российских коллег. В творчестве Кандинского искусство русского авангарда синтезировалось с лирической абстракцией, включающей динамические композиционные элементы, напоминающие горы, солнце и атмосферу, которая все еще связана с пейзажем. Этот конфликт заставил его вернуться в Германию.