С нее рисуют художники: С неё рисуют художники 6 букв

Содержание

С неё рисуют художники 6 букв

с нее рисуют художники, 6 букв, сканворд

с нее рисуют художники

Альтернативные описания

• Характер, нрав, темперамент человека

• Реальная действительность, служащая предметом изображения для художника

• Характер человека, темперамент

• Натурщик

• Товары, продукты как платёжное средство

• (устар.) природа

• «Привычка — вторая …» (погов.)

• «Привычка вторая …»

• второе лицо привычки

• душа, темперамент (перен.)

• естество

• ж. лат. природа, все созданное, особ. на земле нашей; создание, творение; сотворенное, все вещественое вкупе; силы природы, проявление их, естество; все, подлежащее чувствам, плотское; свойство, качество, принадлежность, особность; быт, природное, прирожденное. худож. натурщик, человек, поставленный для образца, для списывания. Вост. подводная повинность, отбываемая натурой, не деньгами, повинность работная, нарядная. Моя пора в натуру ушла (вят.). Отдать кого в натуру (влад.), поставить в рекруты лично, не заменяя наймом; отдать в учение, на выучку к мастеру. вор. говор. даже: натурой замуж отдали, неволей. Поставка вещей натурой, не деньгами, поставка наличная, вещами, припасами. Писать с натуры, с природы. Такая натура моя: что ни сыму с себя, то и пропью! Натура дура, судьба злодейка (судьба индейка). Натурный класс, рисунок, где пишут с природы, живой; кур. вор. упрямый, самовольный, зап. натурливый. Натуральный, естественный, природный, самородный, неискусственный, неделанный. Натурально, разумеется, конечно так, очевидно, бесспорно. вят. расторопный, ловкий, дошлый, из чего сделали глаг. натурить, обманывать, плутовать; -ся, упрямиться. Натуральное богословие, натурализм. право, выводимое умозрительно, общее, неотъемлемые права каждого человека. философия, посягающая на объяснение всей вещественной и духовной природы и явлений ее. Натуральные числа (арифм.) природные, порядковые: и пр. история, учение о трех царствах природы, об ископаемых, растениях, животных; естествословие, наука о природе. Натуралист м. -тка ж. испытатель природы, естествоиспытатель, естествослов, изучающий природу, особенно по трем царствам ее: минералог, ботаник или зоолог. Натурщик м. -щица ж. живой образец, человек, с которого пишут, рисуют, ставя его в желаемое положение. -щиков, -щицын, им принадлежащий; -щичий, к ним относящ. Натурить кого, кур. неволить, силовать; -ся, страдат. упрямиться. Натурализация иноземца, дарование ему прав туземного гражданства. Натурализм, учение, отрицающее божественность откровения

• и характер, и природа

• изнанка привычки

• латинская «природа»

• наглядное пособие для художника

• нрав, характер

• позирующий перед художником

• природа

• природа для художника

• природа человека

• природные объекты для художника

• реальная действительность, служащая предметом изображения для художника

• реальные объекты для художника

• склад человека

• темперамент

• темперамент человека

• то же, что природа

• товар в роли денег

• товар для расплаты

• товары как оплата

• фильм Мишеля Гондри «Звериная …»

• характер

• характер человека

• характер, склад человека

• характер, темперамент человека

• природа, действительность

• продукты, товары, услуги как платежное средство вместо денег

• товары, продукты, как платежное средство

• фильм Мишеля Гондри «Звериная …»

• латинская «природа»

• то, чем можно заплатить не имея денег

• «привычка — вторая …» (посл.)

• товар, выступающий в роли платежного средства

• «привычка — вторая …»

• «привычка — вторая …» (погов.)

Чем рисуют художники? 10 необычных материалов.

Здравствуйте, друзья.

Чем рисуют художники?.Сегодня задалась этим вопросом, а так как я человек любознательный, то пошла в поисковик за ответом.

Вот какие материалы вы можете назвать?

Думаю, что масло, акварель, пастель, мелки, карандаш, тушь, гуашь, маслом на воде, ленты, песок, картины, написанные кофе, вином..

Тем, что я нагуглила, сейчас поделюсь. Узнала просто потрясные вещи (случаи крайних физиологических проявлений описывать не буду, хотя есть и такие чудаки, но это их выбор и право).

Итак,

1. Вик Мунис (Vik Muniz), который живет и работает в Нью-Йорке есть целая серия картин, сделанных из мусора.

2. Дэвид Фостер (David Foster) – большой оригинал. Вместо того, чтобы взять в руки кисть и краски, он берет молоток и гвозди и… создает шедевры в технике пуантилизма.

3. Джудит Браун (Judith Braun) Свои рисунки жительница Нью-Йорка создает кончиками пальцев. Немного угольной пыли и вдохновение ей помогают.

4. Натали Айриш свои полотна пишет губной помадой и губами.

5. на грязных автомобилях.

Британец Роберт Барден, водитель автобуса, рисует портреты рок-легенд и известных киноактёров Роберт рисует свои шедевры специальным «карандашом», наконечник которого заклеен тканью, чтобы не повреждать автомобили. Хозяева транспортных средств, обнаружившие на них портреты артистов и музыкантов, улыбаться и долго ходят кругами, разглядывая и обсуждая персонажей.

6. Вы выбрасываете пыль из пылесоса? А это материал для живописи, между прочим

Художница Элисон Кортсон (Allison Cortson) выбивает мешки пылесосов и использует собранную пыль в своих необычных работах. Как только она соберет достаточно пыли, она создает человека масляной краской, и идет дальше- к мягкому фону. ”Я опрыскиваю пыль на холсте и работаю с щеткой. Когда работа закончена, пыль покрывается акриловым спреем»- объясняет Эллисон.

7. Масло, устойчивое к морской воде, так как украинец Александр Белозор рисует ПОД водой

8. Фризлайт или рисунок светом.

9. картины из

сахара

10. Крылья бабочек. Вадим Зарицкий, он использует крылья исключительно найденных мертвых бабочек, которые гибнут в конце естественного жизненного цикла недалеко от его родного города Липецка. Также материалы для работ ему передают коллекционеры.

———————————————————————————————————————————————————————————-

Мне будет интересно, если вы напишите о тех материалах или интересностях (читай чудинках), о которых я не написала.

———————————————————————————————————————————————————————————-

6 креативных идей для художников. Рисование с использованием необычных материалов и техник

И снова о необычном из мира творчества, увиденном мною на просторах безграничного интернета! (Все материалы мною взяты из открытого доступа).

Некоторые талантливые и креативные художники быстро смекнули и поняли, что обычными картинами удивить публику достаточно сложно и стали экспериментировать.

Одна из самых проверенных и удачных схем — использовать для рисунков необычные материалы. Вы можете придумать что-то свое, а для вдохновения я в этой публикации приведу несколько необычных примеров…

1. Картины от Элизабетты Рогаи (Elisabetta Rogai) из Флоренции, нарисованные вином!!!

Вино вдохновляет, расширяет сосуды, проясняет сознание… 🙂 «Прикладывается к бутылочке» и эта итальянская художница 🙂 Но не в этом смысле. Ее уже давно знают как талантливого живописца, чьи картины написаны вином.

Элизабетта Рогаи в своем творчестве использует исключительно белые, красные и розовые вина. Она делает наброски углем, а потом раскрашивает их вином. Фишка ее работ в том, что со временем цвет красок на картине меняется, поскольку вино стареет и приобретает новые оттенки. В результате получаются полотна, каждое из которых совершенно неповторимо.

2. А вот британский художник Карне Гриффитс (Carne Griffiths) предпочитает живописать свои полотна… чаем разных сортов, но не ограничиваясь одним напитком и смешивает чернила с чаем, водкой, бренди и т.д. Напитки позволяют создавать уникальную цветовую палитру, сделать картины многослойными и воздушными. Мастерская этого художника, наверное, единственное место, где можно увидеть, как зеленый или черный чай, с мятой или бергамотом, травяной или каркаде, превращаются в портреты, пейзажи или абстрактные фантазии автора.

3. Американская художница, а по совместительству еще и Принцесса — Таринан фон Анхальт из Флориды рисует в стиле «реактивной живописи».

Она создаёт абстрактные художественные полотна не руками. И не ногами. И вообще никакой частью тела. Она «рисует» силой турбоактивного двигателя самолёта, расплёскивая краску возле холста так, чтобы она подхватывалась горячей струёй из авиадвигателя и попадала на полотно. Наверняка это самый дорогостоящий метод рисования, однако клиенты готовы платить до 50000$, чтобы только посмотреть процесс работы мастерицы. Абстрактные картины получаются при помощи потоков воздуха от реактивного двигателя самолета. Но как уже давно известно, за процессом создания наблюдать гораздо интереснее, чем увидеть просто финал, ведь сам процесс творчества выглядит настолько масштабно, что вероятнее всего, это дороже, чем стоят сами её картины.

Это весьма необычное направление живописи изобрёл Австрийский принц Юрген фон Анхальт ещё в 1982 году. Он назвал его «jet art» («реактивная живопись»). После его смерти его дело продолжила его жена Таринан. Она стала первой женщиной, которая создаёт свои художественные полотна с помощью такой физически тяжёлой техники рисования. Ну и, не останавливаясь на достигнутом, принцесса Таринан также использовала самолёт для покраски одежды и результаты этого демонстрировала на различных показах мод.

4. А вот Рамон Бруин из Нидерландов зарабатывает тем, что рисует в технике 3D. Он уже не первый год удивляет весь мир своими рисунками и активно сотрудничает с различными брендами.

Талантливый художник-самоучка в свое время окончил Академию Аэрографии, но кроме работы с аэрографом и карандашами, Рамон рисует еще и красками. Каждый созданный автором образ, представляет интерес и в двухмерном изображении. Однако, оптические иллюзии всегда привлекают больше внимания, поэтому художник создает потрясающие 3D-изображения сразу на нескольких листах бумаги. Глядя на рисунки, кажется, что они в буквальном смысле «выходят» за границы двухмерного пространства.

5. Бен Хайн — бельгийский разноплановый художник и музыкальный продюсер. Его имя стало известно в 2010 году и связано с изобретением нового вида искусства под названием «Карандаш против камеры».

Бен — опытный иллюстратор и фотограф, плодовитый художник и дизайнер. Его проект объединил карандашные рисунки и фотографии.

Сначала он делает от руки карандашный набросок на бумаге, а потомна фоне реального объекта делает фотографию. В итоге получается интересный эффект «дополненной реальности». 3D-рисунок представляет собой смесь карандашных рисунков и фотографии, потом дорабатывает получившееся изображение в фотошопе, добавляя контраст и насыщенность. В результате получается волшебство!

6. Портреты из ДНК.

В основе идеи стандартный для художников заработок — портреты на заказ. Но если по анатомии у художника была пятерка, то он может предложить уникальную продукцию — портреты из ДНК заказчиков. Эту идею придумали художники Адриан Соломонович и Назим Ахмед. Они рисуют портреты аминокислотами — те имеют различный цвет, поэтому работы получаются яркими и живыми.

Их компания «DNA 11» превращает образцы ДНК в произведения искусства. Все очень просто. Они присылают клиенту специальный набор для взятия мазка с внутренней стороны щеки, чтобы провести ДНК-анализ. Клиент отсылает образец обратно, и компания после расшифровки структуры ДНК создает необычную картину, которую заказчик может повесить на стену.

Они рисуют портреты клиентов, а штрихами в этих портретах выступают аминокислоты из ДНК. Каждой аминокислоте соответствует свой цвет и своя позиция на холсте. Мини-портрет ДНК стоит $200, а эпическое полотно потянет на $1,3 тыс. Генетические картины хранятся в музеях Нью-Йорка и Токио как произведения современного искусства.

А еще…

(бонусом :))

Есть среди художников и вовсе необычные «экземпляры». Например, очаровательный пес породы сиба-ину по кличке Хантер прославился на весь интернет. Он рисует абстрактные картины, которые успешно продаются. Хантер заработал уже 5000 долларов и тысячи поклонников. У талантливого пса есть свой инстаграм и магазинчик на Etsy, где можно купить его картины по 38 долларов за штуку.

Или …

Такой художник из мира животных — свинка по кличке Пигкассо. Случайно хозяйка хрюшки обнаружила ее тягу к рисованию. В итоге, хозяйка Джоан купила краски и мольберт и принялась активно пиарить хрюшку в соцсетях. Работа принесла свои плоды — сегодня картины в стиле «абстрактный импрессионизм» продаются по 2 тысячи долларов за штуку.

Так что если вы не можете рисовать сами, обучите этому своего питомца! 🙂

Рисование — это безграничный простор для фантазии! 🙂

Благодарю за прочтение!

Делитесь мнением об увиденном 🙂

13 привычек, чтобы стать художником

Чтобы стать художником, не обязательно быть шизофреником, как Ван Гог, или гулять с муравьедом на поводке, как Сальвадор Дали. Хватит немного таланта, любви к прекрасному и желания. Поэтому скажем тебе, как художники – художнику: даже если ты умеешь рисовать только абстрактные ракеты, напоминающие кое-что другое, у тебя все равно есть шанс выставиться как минимум в рюмочной в Зюзино. Главное – учиться, учиться и еще раз учиться.

Для написания этой статьи мы проконсультировались с профессиональными художниками, которые умудряются продавать свои картины и зарабатывать талантом. Да, они существуют. Так что, если хочешь стать художником, можешь смело доверять написанному.

1. Выучи основы

Все начинается с общих основ. Если ты посещал художественную школу, то тебе просто нужно их освежить. Если знакомство с кистью начинается прямо здесь и сейчас, то было бы неплохо записаться на курсы изобразительных искусств (или как минимум найти онлайн-уроки), почитать книги, послушать аудиокурсы.

Рисование – это не макнул кисть и вытер об холст. Нужно уметь смешивать краски, знать, что такое цветовая шкала, тень, основной и вторичный цвет, разобраться с пропорциями. Это не просто общие правила, это облегчит тебе работу. Кроме того, ты должен знать, какие именно инструменты нужны, чтобы творить в том или ином направлении.

Потом, когда определишься со стилем, придется тщательно приступить к его изучению. Опять же, не для того, чтобы подражать, а исключительно ради заимствования каких-то нюансов и секретов.

2. Не зацикливайся на изучении одного направления

У многих опытных художников есть слабые места. Например, один может отлично рисовать натюрморты, но человеческая анатомия у него на уровне советских кукольных фильмов. Можно многому научиться, улучшив свои базовые знания и навыки, и стать не просто универсалом, а мастером.

Расширяй кругозор. Открой для себя другие направления, стили, культуры и времена художественного искусства. Попробуй все применить на практике. Узкое виденье делает из художника серую массу, которая не в состоянии выйти за рамки установленных шаблонов. Попробуй, в конце концов, смешивать разные стили и направления. Самому будет интереснее.

3. Изучи все виды изобразительного искусства

Говорят, что настоящий художник должен знать про все нюансы изобразительного искусства. Не только как рисовать красками и маслом, но и разбираться в скульптуре. Поэтому будет плюсом, если ты научишься работать и карандашом, и мелкам, и углем, и акварелью, и маслом, а помимо этого, научишься работать с глиной или хотя бы пластилином. Про дерево не говорим, но намекнем. Настоящий художник должен уметь превращать в искусство абсолютно все.

4. Работай ежедневно

Трудиться, трудиться и еще раз трудиться. Потому что настоящий художник должен стать мастером, а не трясущимся от волнения маляром, который работает по лекалам. Нужно развить свой собственный стиль, выудить из глубин подражательства свою изюминку, если, конечно, ты не теряешь надежды стать известным, как Никас Сафронов, и запоминающимся, как Николай Копейкин. Рисуй, переводи бумагу, холсты, краски, карандаши, не экономь на разработке своего таланта. Дорого? Тогда становись писателем – для этого нужен только компьютер и деньги на оплату электричества.

Хотя бы полчаса в день уделяй любимому увлечению. Вдохновение – штука капризная – приходит не всегда, зачастую не в те моменты, когда надо. В редких случаях образ или сюжет приходит к нам практически готовым. Как правило, все приходит по крохам, отдельными фрагментами. И что делать в таком случае? Продолжать работать, преодолевать все трудности и строить творческую жизнь кусочек за кусочком, день за днем.

Знакомый художник в тех случаях, когда нет ни идей, ни вдохновения, рекомендует писать вид из окна, драку алкоголиков во дворе или, на худой конец, постараться запечатлеть по-своему узор пятиэтажки, что напротив. Просто человек живет в центре Питера – ему проще найти красоту.

5. Чтобы стать художником, нужно учиться у великих

Художник обязан изучать работы уже состоявшихся мастеров. Студентов академии художеств потому водят в Эрмитаж – чтобы ребята учились. Нет Эрмитажа – другие музеи и альбомы по изобразительному искусству в помощь. Тщательно вглядывайся в мельчайшие грани работ художников былых эпох, обессмертивших собственные имена в искусстве. Копирование в образовательных целях приветствуется. В подражательных – уже презирается.

6. Старайся создать что-то новое

С одной стороны, нужно оттачивать мастерство, пытаясь достичь совершенства в написании бабочек. Для этого нужно оттачивать навык ежедневными упражнениями. Но однажды ты должен будешь выбрать несколько другие приоритеты в своей карьере. Если хочешь стать художником, которого будут узнавать – найди способ создать что-то, чего не было раньше, и предложить это миру. Некоторые всю жизнь рисуют нимф в академическом стиле, но так и остаются не у дел, несмотря на свой талант.

Поиски нового тяжелы и требуют кропотливого труда. Возможно, то, что ты создашь сегодня, будет полным провалом, а может наоборот – шедевром. В любом случае ты не узнаешь этого, пока не попробуешь.

7. Не прячь от мира свои картины

Художник, который создает, но не показывает свои шедевры миру, может рассчитывать только на посмертную славу. Нужно не только создавать, но и выводить это в свет. Настоящий художник не просто творец и ангел искусства, он еще и поставщик. Даже если ты творишь исключительно для себя, будет не лишним похвастаться перед миром своим талантом. В конце концов, девочки, красиво расписывающие тарелочки, научились извлекать пользу из своего таланта, так и ты научись.

Многих смущает критика. Боже правый, не позволяй какому-то бесталанному мерзавцу рушить свою самооценку. Ты вложил в картину столько эмоций, времени, сил – и все ради того, чтобы спрятать продукт своего таланта в темном чулане? Извини, но это глупо. Особенно сейчас, во времена социальных медиа. Она не обязана быть шедевром или даже законченной. Можешь просто выкладывать в блог отчет о своей работе над шедевром под названием «Блядки в Геленджике». Это может показаться незначительным, но чем чаще ты это делаешь, тем проще будет относиться к критике и, самое главное, понять, в каком направлении двигаться.

8. Наслаждайся критикой

Еще пару слов о критике. Художник, живущий в окружении людей, всегда будет получать комментарии в адрес своих работ. Если он не может воспринимать критику, то какой из него художник? Поэтому любые комментарии – как негативные, так и положительные – необходимы для развития и роста творческой единицы. Критикуют – мотай на ус, а не воспринимай как попытку уязвить эго. А если ты начинающий творец, то слушай внимательнее. Вдруг чему-нибудь научишься.

При всем при этом ты не должен отказываться от своей стилистики, от своих идей. Во-первых, всем не угодишь: кто-то любит авангард, а кто-то – картины Шишкина. Во-вторых, слушая всех, ты потеряешь свою индивидуальность.

9. Побольше общайся с себе подобными

Нужно поддерживать связь не только с окружающим миром, но и с другими художниками. Это в свою очередь товарищи, которые могут что-то подсказать, чему-то научить, прокомментировать твою работу свежим профессиональным взглядом. Посещай мастерские – это прекрасный способ увидеть, чем живет и куда развивается искусство. В конце концов, тусовка всегда есть тусовка, благодаря такому общению – пускай даже с «нужными» людьми – у тебя появится больше шансов попасть на выставки или найти покупателя своей картины.

10. Не зацикливайся, твори в свое удовольствие

Твоя задача состоит в том, чтобы просто творить, делиться, а затем идти дальше. Нельзя останавливаться на одной работе и думать, можно ли ее улучшить. Нельзя постоянно размышлять и волноваться о том, как на нее отреагирует аудитория. Попытки сесть и создать что-то такое, что аудитория однозначно полюбит и оценит, – самый верный путь к творческому застою. Нельзя творить в угоду публике, иначе это не искусство, а коммерция.

11. Следи за модой

Ни в коем случае не подумай, что мы наезжаем на живопись. Лично для нас вершиной таланта является почти что фотографическое изображение окружающей действительности. Мы настолько старомодные, что любим кропотливое, детальное изображение выбоин на штукатурке, человеческой мимики и естественного буйства природы. Мы смотрим на две прямые линии на белом холсте как на попытку обмануть и выдать за искусство отсутствие таланта. В общем, любим мы, когда на холсте виден талант. Увы, это не в моде. В моде налепить блесток, нарисовать радугу и назвать картину вычурно, например «Плач Моисея». Хорошо это или плохо – черт знает. Но совершенно точно это открывает новые возможности реализоваться в искусстве.

12. Учись смотреть на мир как художник

Художник смотрит на мир как на сюжет картины. Большой талант – видеть в обычных городских пейзажах или банальных вещах что-то, достойное запечатления. Поэтому кто-то видит в чахлом, окруженном домами дереве просто ствол с листьями, а кто-то – символ надежды.

Надо смотреть не только чрез призму аллегорий и метафор, запечетляя в своих работах скрытые смыслы. Вдруг ты станешь живописцем? Тогда было бы неплохо научиться видеть красивое в простых вещах. Даже обычная дорожная пробка или банальный закат при должном мастерстве становятся шедеврами.

13. Не надо копировать реальность – изображай мир таким, каким ты его видишь

Чтобы запечатлеть мир таким, какой он есть, нужна камера. Прошли те времена, когда картины были едва ли не единственным документом, фиксирующим эпоху и прошлое.

Художник может стилизовать, подчеркивать, идеализировать, создавать абстракции и сюрреализмы. Грешно этим не воспользоваться.

Но иногда действительно приятнее смотреть на отпечаток ступни, чем на сухую, скучную, безжизненную картину, написанную под Моне. В этой ступне больше экспрессии и жизни, она действительно завораживает. Можно работать и в таком направлении, известном как фотореализм, но какое ж в этом творчество? Людям интереснее находить след художника, чем смотреть на очередную картину в стиле «как все делают».

Чем рисуют художники?

Все художники разные. Одни любят писать яркие цветные картины. Другим по душе нежные цвета. Третьи предпочитают писать фактурные рисунки. Учитывая все это, можно предположить, что существуют самые разные материалы для рисования. Здесь имеются ввиду, конечно, краски и прочее. Давайте разберемся в этой теме более подробно. Так, чем же рисуют художники?

Самые популярные краски среди художников – это гуашь и акварель. Именно этими красками рисовали свои шедевры знаменитые Рубенс и Пикассо. Работать гуашью легко и сложно одновременно. Легко, потому как любой дефект можно исправить путем нанесения нового слоя. Сложность в том, что для достижения нужного результата придется много экспериментировать. А если слой гуаши получится очень толстым, то она потрескается и осыпется после высыхания. Что касается акварели, то она тоже растворяется водой. Главное ее отличие заключается в прозрачности. Через нее просвечивают не только ранее наложенные слои, но и бумага. Именно за это акварель и ценится. Этой краской легко рисовать небо, закаты и рассветы, портреты и все что угодно. Успех нарисованной картины зависит от опыта художника и его смелости. Но нужно помнить о том, что акварель не прощает ошибок.

Пастель – это тоже краска, но наносится она не с помощью кисти. Часто именно из-за этого ею любят работать многие художники. Пастель изготавливают в виде мелков или карандашей. Поэтому необходимость в палитре и смешивании красок отпадает. Работать пастелью очень легко. Чтобы растушевать цвет, создать полутона можно использовать собственные пальцы. Слои пастель перекрывать и так далее. Кроме того, художник может прервать работу в любой момент, и снова вернутся к рисованию в подходящее время. Научиться работать пастелью довольно просто. Главное иметь желание.

Такую краску, как темпера, художники используют с древних времен. Она на протяжении многих лет не теряет своего цвета, сохраняя яркость. Еще темпера очень быстро сохнет и не смывается водой. Эта краска обладает прозрачностью акварели и густотой гуаши одновременно. При этом работа, нарисованная темперой, не будет имитировать ни то, ни другое. Это совершенно уникальная и изысканная работа. Научившись работать ею, художник получает неограниченные возможности.

Акрил тоже отличается водостойкостью. Он бывает разных цветов. Акриловые краски заслужили признание многих мировых художников. Они быстро сохнут. Готовый рисунок отличается стойкостью красок, которые не боятся воды и солнечных лучей. Акрил может быть как густым, так и жидким. Жидкий акрил идеально подходит для создания картин в акварельной технике. Густой акрил позволяет создавать фактурные изображения. Акрилом можно рисовать на любой поверхности.

Но, наверное, самый важный инструмент художника – это карандаш. Его используют даже при работе с красками. Карандаш легко стирается ластиком. Им можно проводить линии разной толщины. Его можно растушевывать. Больше того, карандаш может быть использован и как самостоятельный инструмент. Если карандаш подобран правильно, а грифель его остро заточен, то с его помощью можно создавать самые невероятные шедевры. Раньше вместо карандаша использовали уголь. Этот материал и сегодня пользуется большой популярностью среди художников. Уголь идеально подходит для создания быстрых рисунков. Однако ним нужно уметь работать. Аналогичными углю материалами являются сангина и сепия. Это природный минерал, который еще в древние времена применяли художники. Сепию раньше делали из морского моллюска. Сейчас ее делают в виде мела коричневых оттенков. Сангину и сепию часто сочетают с углем. Это позволяет добиться потрясающего эффекта.

Часто применяют художники и тушь. Для того, чтобы рисовать ею, нужно перо. С его помощью можно создавать как очень тонкие, так и широкие линии. Тушью часто рискуют рисовать только опытные художники, так как нанесенные штрихи нельзя будет стереть. Поэтому работать с тушью нужно с предельной внимательностью.

И, наконец, последний вид красок – это масло. Именно с ней часто ассоциируют живопись. Масляные краски – это основной живописный материал. Их используют художники еще с шестого века. Масляные краски отличаются долговечностью. С их помощью можно создавать максимально реалистичные сюжеты. Причем рисовать маслом можно как на холсте, так и на бумаге, дереве и других материалах. В любом случае поверхность требует предварительного грунтования и наличия у художника определенных навыков.

6 техник рисования, которые не связаны с кистью

Дэвид Сикейрос, самый молодой из «большой тройки» мексиканских муларистов, был одним из первых художников, которые избегали кисти.
Он назвал ее, кисть, безотказно веками служившую живописцам, «орудием из волос и дерева». Сикейрос искал новые техники письма, отвечающие современной ему эпохе, и даже создал новаторскую экспериментальную мастерскую в Нью-Йорке в 1936 году.
Там собирались молодые художники, такие как Джексон Поллок, чтобы налить, разбрызгать, использовать аэрограф, в общем, создать новое, попробовать другие пути для искусства.
У них получилось.

Потом уже Хелен Франкенталер и Ив Клейн продолжали экспериментировать с нетрадиционными методами, расширяя лексику живописи, свободно включая капли, пятна, отпечатки тел и цифровой рисунок, и это лишь некоторые.
Вот шесть методов рисования без кисти. Это были инновационные инструменты и технологии.

Расплескивание и капание
Джексон Поллок

В феврале 1956 года журнал Experimental Workshop- Time обозвал Поллока «Джек-капальщик» (Jack the Dripper).

Он самый знаменитый в своем стиле – разбрызгивания краски на холсте, но вряд ли первооткрыватель.

Японские художники-дзен-буддисты, например, экспериментировали с брызгами чернил еще в 15 веке, задолго до того, как Поллок создал свою первую живопись в середине 1940-х годов.

А точнее, случилось это в 1947году. Поллок изобретает новую технику, он начинает работать на холстах огромного размера, расстилая их прямо на полу, и разбрызгивает краску с кистей, не прикасаясь ими к поверхности.

Технология брызг и капель Поллока с его взрывоопасными результатами захватила интерес американской общественности, особенно после того, как фотограф и режиссер Ганс Намут опубликовал кадры с художником за работой в студии.

Комментарий Намута:

«…Влажный забрызганный холст застилал весь пол. Стояла полная тишина. Поллок посмотрел на работу. Затем неожиданно поднял банку и кисть и начал передвигаться вокруг холста. Как будто он вдруг понял, что работа не завершена. Его движения, медленные в начале, постепенно становились быстрее и все более похожими на танец, он швырял чёрную, белую и ржавую краски на холст. Он совершенно забыл о том, что Ли и я присутствуем при этом, казалось, что он не слышит щелчков затвора объектива. Я снимал все это время, пока он увлеченно работал, возможно прошло полчаса. Все это время Поллок не останавливался. Как только у него хватало сил? После он сказал: «Вот и все».

«…Моя живопись никак не связана с мольбертом. Я едва ли хоть раз натягивал холст на подрамник. Я предпочитаю прибить холст к стенке или полу. Я должен чувствовать сопротивление твердой поверхности. На полу легче всего. Я чувствую себя ближе к живописи, ее частью, я могу ходить вокруг нее, работать с четырёх сторон и буквально быть внутри нее. Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю.

Помещая полотна на пол, Поллок брал металлические стержни, кухонные инструменты, полотенца и палочки, хотя эти инструменты редко касались полотна напрямую. «Не имеет большого значения, как наносится краска», — пояснил художник. «Техника — это всего лишь способ рассказать что-то людям».

Роберт Раушенберг 1954-1955

Германн Нич 2013

Заливка

Хелен Франкенталер за работой над большим холстом, 1969. Фото Эрнста Хааса.

В экспериментальной мастерской Сикейроса впервые увидел свет метод заливки краски непосредственно на холст. И завоевал себе сторонников.

Это техника «случайной живописи» — разлив разных цветов, наплывающих друг на друга, создающая неожиданные, вихревые узоры.

Франкенталер продвинула эту технику еще на шаг вперед в 1952 году с ее основной работой «Горы и море», для которой она наносила краски на непрозрачный холст.
Вместо того, чтобы опираться на холст, краска на этом изображении пропитывала холст — значительный подвиг в эпоху, когда авангардные художники были очарованы плоской живописью.

Совсем недавно британский художник Иэн Дэвенпорт вылил полоски красок на холсты с помощью шприцев, позволив цветам смешаться и объединиться в нижней части его абстрактных картин.

Хелен Франкенталер 1962
Галерея Гагосян

Линда Бергли Угловая композиция 1969

Скребок, как кисть в руках у мастера

Из фильма Герхарда Рихтера Картина, фильм Коринны Белз.

Создать картину, поцарапав краску…. Да, и этот, теперь часто применимый метод родился не сегодня. Он больше всего связан с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунином, добившегося мощного визуального эффекта с помощью палитры и современного немецкого художника Герхарда Рихтера, который часто использовал ракель. «С помощью кисти вы управляете, — объяснил Рихтер. «Краска идет по щетке, и вы делаете мазок … С ракелем вы теряете контроль».

Как и в картине Поллока, тайна техники Рихтера вдохновила режиссера Коринну Белз. Для своего документального фильма о Герхарде Рихтере (2011) Белз провела три года в студии Рихтера, захватив художника. Рихтер тянет, мажет и царапает слои влажной краски, оставляя следы своих движений по поверхности.

Виллем да Кунинг Мэрилин Монро 1954

Печать тела

Ив Клейн, «Антропометрия искусства», «Галерея современного искусства», Париж, 9 марта 1960 года. Фотография Чарльза Уилпа.

Французский художник Ив Клейн создал свои картины «Антропометрия» перед аудиторией. Впервые в «Galerie Internationale d’Contemporain» в Париже в 1960 году выступления Кляйна (в настоящее время многие считают возмутительно сексистскими) показывают обнаженные женские модели, которые художник назвал «человеческими кистями», они прогуливались в с запатентованном Интернационале.

Затем женщины приступили к созданию отпечатков своих тел на гигантских бумажках, которые были расположены на стенах и на полу галереи. За ними Клейн усадил оркестр из 10 инструментов, играющего симфонию монотонной тишины с одной записью, написанную самим художником. Спектакль длился 20 минут, а затем 20 минут молчания.

Ив Клейн, «Антропометрия искусства», голубой период

Келли Феррис, квартет 2015

Аэрография

Чак Клос (Chuck Close)

живопись Марк, 1978-79.

«Чтобы избежать живописного мазания и поверхности, я использую некоторые довольно хитрые средства, такие как лезвия бритвы, электрические дрели и аэрографы», — объяснил художник Чак Клос в 1970 году.
Первоначально использую инструмент для ретуширования фотографий, потом аэрографы — сжатый воздух для распыления краски на поверхность, создает плавные градации, которые напоминают фотографии.

Он выбрал эту технику, чтобы изобразить своего друга и художника-живописца Марка Гринволда в крупномасштабном фотореалистическом портрете (1978-9). Для изображения Close применил четыре основных цвета, используемых в цветной печати: голубой, пурпурный, желтый и черный, чтобы воссоздать процесс фотомеханического воспроизведения, используя аэрограф, чтобы тщательно контролировать распределение слоев.

Chuck Close, пожалуй, самый известный художник, использующий аэрограф, но сегодня многие художники также используют технологию аэрографа.

Джейсон Брукс. Кейт 2013

Цифровая живопись

Поллок, Франкенталер, Клейн и Клоуз, возможно, создали картины без кисти, но поп-художник Дэвид Хокни рисует картины даже без краски. Используя свой iPad, стилус и приложение Brushes, Хокни создает яркие пейзажи. «Люди из деревни поднимаются и дразнят меня: «Мы слышим, что вы начали рисовать по телефону », — писал Хокни в каталоге для музея Юнг.

Калифорнийский мультимедийный художник Петра Кортрайт также создает на компьютере картины с цифровым управлением. Она разбивает сотни найденных изображений с помощью Photoshop, часто проводя до 12 часов перед экраном.

Если Сикейрос искал современные техники живописи для индустриальной эпохи, то Хокни и Кортрайт обновили среду цифровой эпохи. Убирая холст, кисть и даже самую краску, художники продолжают изобретать новые методы, которые расширяют наши традиционные представления о том, что нужно предпринять, чтобы сделать картину.

Можно ли рисовать в искусстве?

Творческие люди обычно увлеченные люди. Страстные люди — обычно люди самоуверенные. Так что неудивительно, что творческие люди самоуверенны.

И когда дело доходит до отслеживания или переноса изображений, каждый художник имеет свое мнение о том, целесообразно ли это делать. Некоторые очень страстны и открыто говорят о своих чувствах.

Некоторые считают, что перенос или обводка контурных линий на холст или поверхность для рисования на самом деле «обман».Но так ли это?

Трассировка или передача изображений — это техника, используемая художниками на протяжении многих лет для экономии времени и обеспечения точности в изобразительном искусстве. Его используют больше художников, чем вы думаете. Все эти художники «читеры»?

Это обман для отслеживания?

Давайте сначала посмотрим на мнение тех, кто находится в «мошенническом» лагере. Почему эти люди считают отслеживание мошенничеством?

Аргумент № 1 — Обучение рисованию требует совершенствования наблюдательных навыков.Мы учимся видеть как художники и делаем отметки, отражающие то, что наблюдаем. Этот процесс требует практики, проб и ошибок. По мере того, как мы практикуемся, точность наносимых нами отметок улучшается, а наши рисунки становятся более точными. Рисование постепенно становится интуитивным.

Когда художник обводит предмет, этот процесс улучшения затрудняется. Трассировка не улучшает наши навыки наблюдательного рисования напрямую. Трассировка — это не путь, по которому должен идти художник, если желаемый результат — улучшение навыков рисования.

Аргумент № 2 — Когда вы учитесь рисовать, вы учитесь наблюдать и переводить то, что вы наблюдаете, в линии, формы, значения, текстуры и т. Д. Когда художник рисует, перевод линий не выполняется художником. Вместо этого они просто переносятся на поверхность.

Поскольку художник не переводил наблюдаемые контурные линии, некоторые считают это обманом. Если художник не переводит предмет полностью, то работа каким-то образом не должна быть полностью интерпретацией предмета художником.

Это веские аргументы, и ясно, что рисование не должно быть обычной практикой художника, который только учится рисовать.

Почему не мошенничество для отслеживания

Как я упоминал ранее, многие художники на протяжении всей истории использовали те или иные формы трассировки для создания своих работ. Многие художники сегодня также используют трассировку как часть процесса создания — больше, чем вы можете себе представить. Ясно, что эти художники не считают, что отслеживание — это обман. Итак, когда может быть целесообразно отслеживание?

Для многих художников продукт готового произведения искусства является наиболее важным.Качество работы перевешивает процесс. Покровители, арт-директора и т. Д. Часто не возражают против того, какой процесс использует художник, чтобы создать успешное произведение. Если отслеживание является частью этого процесса, пусть будет так.

Скорость тоже играет роль. Большинству профессиональных художников нужно быстро создавать произведения искусства. Для коммерческих художников время — деньги. А если искусство — это ваш бизнес, то однозначно важно зарабатывать на нем деньги. Используются любые инструменты или процессы, которые экономят время без ущерба для продукта.Отслеживание экономит время. Если художник — профессионал, то навыки рисования, скорее всего, уже развиты. Если художник хотел точно нарисовать контуры, он мог это сделать. Но это замедлит процесс и не повлияет на готовый результат.

Таким образом, трассировка становится инструментом профессионального художника. И не использовать средство, экономящее время, не имеет смысла.

Те, кто считает, что трассировка — это обман, иногда не полностью понимают весь процесс рисования и раскрашивания.Им может казаться, что если очертить контурные линии, значит, «сложная часть» процесса рисования завершена.

Трассировка может использоваться для установления контуров, но задача завершения работы далеко не закончена. Для завершения работы требуется умение. «Сложная часть» завершения работы еще впереди художника, даже если использовалась какая-то форма трассировки.

«Отслеживание не помогает ни в одном из этих аспектов. Если художник не искусен, это будет до боли очевидно в финальной работе.”

Допустим, художник выкладывает предмет на холст, готовясь к отделке акриловыми красками. Для этого художник использует графитовый трансфер — метод трассировки. Хотя контурные линии можно установить путем обводки, работа все же должна быть завершена путем умелого нанесения краски. Художник должен знать свет и тень, текстуру, форму, смешение цветов и применение материала. Отслеживание не помогает ни в одном из этих аспектов. Если художник не искусен, это будет до боли очевидно в финальной работе.

Это относится к любому носителю, который художник может использовать для завершения своей работы. Для завершения каждой среды требуется определенный уровень навыков. Это никогда не бывает просто «раскрашиванием» начерченного контура.

Художники, ведущие следы

Большинство художников, которые используют или использовали какую-либо форму трассировки, явно являются художниками-репрезентаторами. Для большинства важна точность предмета. Художники-портретисты, работающие над заказным произведением, должны быть уверены, что работа похожа на предмет. И хотя отслеживание не гарантирует этого, оно, безусловно, помогает на начальных этапах работы.

Краткий список художников, «обвиняемых» в розыске…

Художник Дэвид Хокни и физик Чарльз Фалько исследовали художников на протяжении всей истории и пришли к выводу, что многие использовали те или иные формы трассировки для развития своих работ. Их результаты, опубликованные как тезис Хокни-Фалько, заставили их поверить в то, что следующие художники также использовали какую-то форму оптики для отслеживания…

Правильно ли вам отслеживать?

Итак, что вам делать? Следует ли вам обводить контуры вашего объекта или вам следует быть «чистым» и избегать использования этого неоднозначного инструмента?

Я думаю, что это в конечном итоге зависит от того, на каком этапе творческого развития вы находитесь и как вы смотрите на процесс творчества.

«Рисование имеет фундаментальное значение, и вы должны стараться продолжать свое развитие, независимо от вашего текущего уровня навыков».

Если вы все еще развиваете свои навыки рисования, я считаю, что вам следует избегать трассировки. Сосредоточьтесь на чистом рисовании на основе наблюдений. Как можно больше рисовать с натуры. Когда ваши навыки рисования разовьются, трассировка может стать инструментом, который экономит время. Тот, который вам не нужно использовать.

Если вы развили свои навыки рисования и умеете точно рисовать объект, то трассировка в конечном итоге не повлияет на результат.Будьте осторожны, чтобы отслеживание не стало «костылем». Оставьте его для предметов, требующих максимальной точности.

И даже если трассировка действительно станет инструментом в вашем наборе художественных инструментов, ваши навыки рисования следует постоянно практиковать и оттачивать. Рисование имеет фундаментальное значение, и вы должны стараться продолжать свое развитие, независимо от вашего текущего уровня навыков.

Если вы рассматриваете акт создания как нечто большее, чем процесс, то вы, вероятно, поверите, что отслеживание — это некоторая форма обмана.Однако, если продукт перевешивает процесс, вы, вероятно, сочтете отслеживание приемлемой частью процесса. Таким образом, ваша точка зрения и чувства в отношении искусства будут влиять на то, во что вы лично верите.

наблюдений и воображения от FriendlyHand на DeviantArt

TL; DR: Учитесь, рисуя из реальной жизни, чтобы вы могли более убедительно, творчески и красиво рисовать из своего воображения (и / или из жизни).

Начинающие художники часто зацикливаются на том, что не могут хорошо рисовать с помощью воображения. Если вы попытаетесь улучшить свои художественные навыки только с помощью воображения, это может привести вас в некоторые очень интересные (или, возможно, разочаровывающие) направления. Если вы хотите рисовать реалистично из своего воображения, вам, вероятно, следует начать свое путешествие с многочасового рисования из реальной жизни (и, в меньшей степени, фотографий и других ресурсов.)

Художники, которые ищут совета, иногда считают предложения «практика» и «рисовать из жизни» слишком простыми, слишком скучными, слишком расплывчатыми или как-то оскорбительными или пренебрежительными. Однако для более опытных художников, дающих этот совет, может быть просто самым ясным и очевидным путем к совершенствованию. Более конкретное руководство может оказаться невозможным, если вам нужно улучшить «все». Если вы собираетесь рисовать с натуры, вы можете начать с рук, ног, лица или любого другого предмета, который вы хотите улучшить.Нарисуйте ВСЕ! Найдите что-нибудь интересное в том, что кажется скучным. Сосредоточьтесь на перспективе, сосредоточьтесь на анатомии, сосредоточьтесь на затенении. В конце концов вы научитесь сосредотачиваться на нескольких навыках одновременно. У вас всегда будет возможность для совершенствования, поэтому вы обнаружите, что практикуете и изучаете одни и те же темы неоднократно на протяжении многих лет.

Чем больше мы практикуемся, изучаем, исследуем и обсуждаем искусство, тем больше мы продвигаемся к тому, чтобы стать лучшими художниками, которыми мы можем быть. Некоторые виды практики более эффективны, чем другие.Не зря многие художественные курсы включают рисование натуры и натюрморт. Практика рисования того, что мы видим вокруг себя (рисование жизни и рисование натюрморта), обычно помогает нам улучшить больше, чем рисование вещей из нашего воображения или копирование других рисунков.

Когда мы много-много часов рисуем то, что видим в реальной жизни, мы обучаем наш мозг правильно наблюдать и точно переводить трехмерные объекты и людей в двухмерные иллюстрации, и мы создаем своего рода мысленную библиотеку того, как выглядят вещи. и как мы можем их правдоподобно нарисовать.Но когда мы рисуем человека из своего воображения, мы догадываемся (часто неправильно) о многих деталях, анатомии и пропорциях. так что каждый раз, когда мы практикуем, основываясь на воображении или копировании рисунков, мы можем подкреплять наши собственные неверные догадки или, возможно, преувеличивать мелкие ошибки до более крупных. Чем больше мы практикуемся в рисовании реальных людей и вещей, тем более точную и полезную информацию будет сохранять наш мозг, чтобы впоследствии мы могли более правдоподобно рисовать людей или предметы из нашего воображения. Это не означает, что копирование, отслеживание или рисование из воображения не имеет ценности для тренировки. Практически все рисование, рисование или письмо могут способствовать вашей зрительно-моторной координации, контролю линий и некоторым другим навыкам. Однако практика рисования вживую — более эффективный способ улучшить больше навыков за меньшее время.

Если у вас есть доступ к общедоступным сеансам рисования жизни , они могут быть особенно полезны. Задача рисования в классе с группой сверстников может дать дополнительный стимул и сосредоточить внимание.Отзывы сверстников и учителей могут быть полезны для оценки наших сильных и слабых сторон и лучшего курса обучения. Вы также можете нарисовать себя в зеркале или нарисовать свои руки, ноги и другие части тела в разных позах. Цепочки отзывов, прикрепленные вверху различных папок форума DA, являются полезным ресурсом, если мы хотим объективно получать отзывы более опытных художников. Некоторые художники занимают оборонительную позицию, когда им приказывают изменить свои учебные привычки. Как художники, важно, чтобы мы были восприимчивы к методам улучшения.Наблюдение за нашими учебными привычками — это не личное нападение. Предложение о том, как лучше действовать, — это не суждение о нашей ценности как человека. цепляние за дурные привычки и фабрикация оправданий для защиты своих ошибок и слабостей только сдерживают нас. Делайте свои ошибки, признавайте их, учитесь на них и двигайтесь вперед.

Продолжайте практиковаться, чтобы совершенствоваться.

Можно ли рисовать и раскрашивать по фотографиям?

В мире искусства немало противоречий, выходящих за рамки предметной области. Художники обычно имеют собственное мнение о процессе, идеях и материалах, и многие из них чрезвычайно увлечены своими убеждениями. Некоторые люди считают, что одни цвета следует использовать в палитре, а другие — исключить. Некоторые художники считают, что есть только один подход к рисованию или живописи, который должен работать для всех. А некоторые художники считают, что всякий, кто использует фотографию как образец, является еретиком.

Я даже слышал, как люди говорят, что вы не художник, если используете фотографию для создания своих работ. Теперь это кажется немного экстремальным, не правда ли?

За годы обучения и преподавания искусства мои взгляды на подобные вопросы изменились и эволюционировали. Я уверен, что они и дальше будут это делать. Я гораздо более «открыт» для новых идей и процессов, чем раньше. Я понял, что один подход никогда не подходит для всех — что материалы, выбор цвета и процессы являются личными решениями и никогда не являются «черно-белыми».Я также понял, что никогда не стоит быть настолько ограниченным в отношении процессов или подходов, чтобы упустить возможности, которые могли бы расширить меня как художника.

Почему же тогда так много художников и учителей категорически против того, чтобы рисовать или рисовать с фотографиями?

В этом посте я расскажу о нескольких причинах, по которым нам следует избегать использования фотографий в качестве ссылок, а также о причинах, по которым мы должны использовать фотографию как инструмент для рисования и рисования.Думаю, вы обнаружите, что ответы не такие уж «черно-белые». У обеих сторон есть веские аргументы, и я постараюсь выделить их, чтобы вы могли составить собственное мнение.

Почему не следует рисовать по фотографиям

1. Это может помешать развитию навыков рисования.

Чтобы лучше понять, почему рисование по фотографиям может быть помехой, мы должны сначала понять, что происходит, когда мы учимся рисовать. Когда мы учимся рисовать, мы фактически учимся видеть.Конечно, создание отметок и понимание того, какой носитель мы используем, важны, но понимание объектов, которые мы рисуем, имеет первостепенное значение.

Мы понимаем эти объекты визуально, а затем визуально передаем их в наших рисунках и картинах. По сути, мы берем визуальную информацию, анализируем ее, а затем записываем на плоскую поверхность, чтобы создать иллюзию.

Когда мы рисуем по фотографии, мы в основном копируем уже сглаженную информацию.То есть часть работы за нас уже проделана. Визуальная информация уже упрощена до форм, значений и линий.

Нам еще нужно их найти и записать, когда мы рисуем, но требуется меньше анализа. Это означает, что нам не нужно полностью понимать свет, форму или пространственные отношения объектов — нам просто нужно скопировать информацию с фотографии — сопоставить цвета, значения, формы и края.

Это не обязательно плохо, потому что мы все равно должны распознавать то, что видим.Но если ваша цель — как можно быстрее улучшить свое «видение», возможно, лучше всего будет черпать из жизни как можно больше. Вы можете обнаружить, что не доделываете много рисунков, но рост происходит благодаря анализу и тренировке своего мозга, а не в результате завершения работ.

Несколько быстрых зарисовок с натуры.

2. Справочные фотографии могут вас ограничить.

Лучшие эталонные фотографии — те, которые вы делаете сами. В некоторых случаях вы можете контролировать свет, композицию и точку обзора.Создание эталонных фотографий — это само по себе искусство, и для его совершенствования требуются время и опыт.

Если ваша эталонная фотография не оптимальна, возможно, вы ограничиваете себя и потенциальный рисунок или картину, которую создаете. Если вы сильно полагаетесь на фотографию, которая сама по себе не удалась, то получившийся рисунок или картина, скорее всего, не будут успешными.

Поскольку создание успешных справочных фотографий может быть трудным, вы можете обратиться к профессиональным фотографиям.Если оставить в стороне проблему оригинальности, у вас еще меньше контроля над фотографией, поскольку вы не сделали ее. Свет, композиция и точка обзора уже определены. Вы можете обрезать изображение или манипулировать им с помощью программного обеспечения, но вы все равно ограничены.

3. Фото часто врут.

Несмотря на то, во что мы можем верить, фотографии не всегда предоставляют правдивую информацию. Например, если мы наблюдаем тень от жизни, мы можем заметить легкую теплоту или прохладу. Мы даже можем увидеть намек на цвет или сочетание цветов.Однако на фото эти тонкости могут потеряться или сгладиться.

В данном случае фотография не дает нам всей картины. Он не дает нам всей информации, которую мы могли бы использовать.

Тогда есть вспышка. Если для фотосъемки использовалась вспышка, свет в сцене полностью изменился. Вспышка размывает глубокие тени и переходы значений, делая полученный рисунок чрезвычайно плоским.

Почему нужно рисовать и рисовать по фотографиям

Итак, теперь, когда мы рассмотрели несколько причин, по которым нам следует избегать использования фотографий в качестве ссылок, давайте теперь рассмотрим причины, по которым нам следует рассмотреть возможность их использования.

1. Использование референсов с фотографиями расширит то, что мы можем рисовать и раскрашивать.

Давайте посмотрим правде в глаза: если мы хотим нарисовать тигра-альбиноса, мы не можем просто пойти и нанять его в качестве модели. И даже если мы найдем кого-нибудь, кто будет сидеть за нас, вся сессия поставит под угрозу нашу жизнь. Я знаю, что здесь я немного крайний, но уверен, что вы понимаете, о чем я говорю.

Для многих объектов достаточно фото. Есть много предметов, которые мы просто не можем нарисовать или раскрасить с натуры — фотография — наш единственный выбор.

Если вы считаете, что ссылки на фотографии не должны использоваться для создания рисунка, то вы серьезно ограничиваете то, что может создать .

2. Фотографии не двигаются, не устают и не портятся.

Рисуя предметы с натуры, без помощи фотографии, мы идем в бегу со временем. Фигурные модели устают и двигаются. Натюрморты с цветами и фруктами со временем портятся. Если не тщательно спланировать и не контролировать, свет будет меняться в течение дня — даже по часам, создавая различные тени и блики.

Однако фотография фиксирует момент и предмет во времени. Свет, ракурс и цвета остаются неизменными. Когда фотография используется в качестве ориентира, мы больше не гоняемся со временем. Вместо этого мы можем работать медленно и методично. Мы можем сравнивать эталон и рисунок, исправляя ошибки по ходу дела.

3. Фотографии обеспечивают более высокий уровень детализации и точности

Камера фиксирует детали, которые не замечает человеческий глаз.Если для вас важны детализация и высокая точность, то фотография объекта будет иметь важное значение.

С цифровыми фотографиями мы можем увеличивать масштаб и наблюдать изменения текстуры, цвета и значений, которые мы обычно упускаем. (Хотя вся эта информация полезна, мы должны быть осторожны, чтобы не перегружать себя всеми этими деталями.)

Фотографии также позволяют художнику использовать определенные приемы и подходы, которые приводят к большей точности. Техника сетки, используемая такими художниками, как Чак Клоуз, в значительной степени зависит от фотографии.Без него процесс просто невозможен.

Чак Клоуз. Большой автопортрет, масло. SFMOMA

Фото или нет фото?

Понятно, что есть веские аргументы для обеих сторон этого «вопроса». Есть веские причины, по которым нам следует избегать фотографий, и веские причины, по которым мы должны их использовать.

У каждого будет собственное мнение о том, какой подход является «лучшим», и разные причины, по которым они так думают.

В конце концов, произведение искусства должно быть именно таким.Он должен сообщать предмет, но делать это таким же уникальным способом, как и художник, который его описывает. Мы все добьемся этого, используя разные подходы и процессы. Я считаю, что лучше не судить о подходах и методах другого художника. Произведение должно быть мерилом качества, а не процессом или ресурсами, которые художник использовал для его создания.

Если мы работаем по фотографии, то искусство, которое мы создаем, всегда должно быть интереснее фотографии. О качестве работы никогда не следует судить по тому, насколько хорошо было скопировано фото.

Больше уроков, которые вам обязательно понравятся…

Сообщение навигации

PhotoFunia: конвертируйте изображение в искусство онлайн и превращайте фото в рисование линий бесплатно

PhotoFunia

Войти

Главная
Программы
Блог
Помогите
Войти в систему

Все эффекты 634
Хэллоуин 21 год
Рождество 32
День святого Валентина 22
Пасхальный 9
Фильтры 31 год
Лаборатория 109
Карты 5
Плакаты 77
Галереи 42
Фотография 37
Лица 90
Рекламные щиты 61
Знаменитости 24
Кадры 47
Рисунки 47
Винтаж 42
Разное 83
Журналы 17
Профессии 25
Кино 20
ТВ 8
Книги 15

Чертежи

Новый
Популярный

Художник Рисунок проводника Интерьерная картина Плакат стены Эскиз Практика Набросок путешественника Чернила Портрет Мастер Художник Прокрутка Акварельная Живопись Цветные карандаши Рисунок и фото Художник в шляпе Урок рисования Художник за работой Антикварный магазин Рисование у моря Художник на мосту Брюгге Акварели Художник по тротуару Улицы Рима Пизанская улица Продажа картин Романтический этюд Почти законченный рисунок Портрет на стене Грузовая машина Галерея искусств Эскиз Художник Художник в темноте Карикатура Карандашный рисунок Искусство Тротуара Уличный художник Акварель рисунок Классическая рамка Пастель Доска Последние штрихи .