Редко когда на фотографии в Интернете содержится именно того, что вы ищете. Найти хорошее эталонное фото на удивление сложно и отнимает много времени. Если вы рисуете руку в определенной позе, маловероятно, что вы найдете руку в той позе, которую хотите, на фотографии в Интернете.В человеческих фигурах обычно бросается в глаза, когда что-то не так с анатомией.

Сделать фото своей или чужой руки несложно. Делайте свои собственные справочные фотографии! У вас будет полный контроль над положением руки, и вы сделаете ее именно такой, какой вам нужен для работы.

Следовательно, большинство студентов либо ставят под угрозу свой имидж, либо просто выдумывают руку из своего воображения, что никогда не бывает удачным. Так мало людей, которые могут убедительно нарисовать руку с хорошей анатомической структурой, совершенно не в их голове.

Когда учащиеся рисуют по фотографиям, им не нужно работать удаленно, чтобы получить хотя бы половину приличных результатов. Этот процесс обманчив, потому что вы думаете, что рисуете, но на самом деле фотография сделала всю работу за вас.

По сути, вы смотрите на 2D-изображение, а затем переносите это изображение в 2D-рисунок. При переходе от фотографии к рисунку мало что нужно изменить.

Когда вы рисуете с натуры, ваш глаз должен работать намного труднее , чтобы преобразовать трехмерные объекты в пространстве перед вами в двухмерный рисунок. Вы должны научиться наблюдать, исследовать и визуально анализировать то, что вы видите. Вы должны обработать то, что видит ваш глаз, а затем интерпретировать эту необработанную визуальную информацию в ваше собственное визуальное утверждение.

Копирование того, что вы видите, удаленно отличается от , интерпретирующего то, что вы видите.В нашем руководстве по рисованию пером и тушью для художника-преподавателя Алекса Роу было бы намного проще просто ввести слово «овца» в поиске изображений Google. Вместо этого он нашел время, чтобы посетить ферму, которая дала ему возможность понаблюдать за овцами, увидеть их движения и зарисовать их с натуры. Этот опыт с овцами в реальной жизни очень сильно повлиял на его способность изобразить овец на его иллюстрации для мытья чернил.

Помимо создания плохих частей портфолио, рисование по фотографиям заставляет учащихся развивать ужасные навыки рисования, от которых потом будет трудно избавиться.Многим первокурсникам колледжей, которые раньше не рисовали из жизни, очень трудно переходить в колледж, потому что у них очень плохие привычки рисования.

Среди старшеклассников распространено заблуждение, что если вам нужны эталонные изображения, вы в какой-то степени менее художник. Нет ничего более далекого от правды. Большинство профессиональных художников используют ту или иную форму справочных изображений, и если они действительно создают изображения из своей головы, причина, по которой у них есть этот набор навыков, связана с годами рисования с натуры.

Рисуя только головой, вы значительно ограничиваете глубину того, что можете рисовать, и ваши изображения будут склоняться к клише и общему характеру. У большинства людей есть представление о том, как выглядит обезьяна, и они, вероятно, могли бы нарисовать изображение обезьяны, которое можно узнать как обезьяну.

Однако, если вы потратите время на поиск фотографии обезьяны, вы обнаружите, что существует так много разных видов обезьян, и что у каждого вида есть отличительные особенности, которые вы никогда бы не смогли придумать. твой собственный.Именно эта специфика изображения сделает ваш образ неповторимым и информативным.

Это не означает, что рисование с фотографии НЕПРАВИЛЬНО и никогда не должно практиковаться. Профессор Лиу и многие преподаватели искусства Art Prof постоянно используют фотографии в своих работах.

Итак, возникает вопрос, почему так много внимания уделяется обучению рисованию с натуры, когда профессиональные художники, проповедующие это, сами рисуют с фотографий? Короткий ответ заключается в том, что научиться эффективно рисовать по фотографиям — это навык, на развитие которого уходит много времени (лет) и опыт рисования из жизни.Обладая прочными навыками рисования, вы в конечном итоге сможете успешно рисовать по фотографиям.

Конечно, бывают и другие творческие ситуации, в которых вы просто не можете работать от жизни. Например, если вы иллюстратор-фрилансер, которому поручили сделать редакционную иллюстрацию о Запретном городе в Китае, просто нет причин лететь в Китай, чтобы зарисовать Запретный город в реальной жизни. В таких обстоятельствах это не имело бы смысла для профессионального иллюстратора.

Если вы лепите портрет из глины, процесс, который может занять несколько часов, и вы не можете позволить себе нанять модель-художника, которая позирует вам, конечно, съемка ваших собственных фотографий человека имеет гораздо больший смысл. Вы можете увидеть, как профессор Лиеу показывает этот самый сценарий здесь.

С другой стороны, абсолютно нелепо рисовать на фотографии что-то, к чему действительно легко получить доступ в реальной жизни.Мы видели, как студенты, которым нужно было нарисовать яблоко, выполняли поиск изображений в Google по запросу «яблоко».

Неужели так сложно достать яблоко и нарисовать его из реальной жизни? Если нужно нарисовать облака, разве сложно смотреть в окно? Встаньте со стула, прогуляйтесь по окрестностям и сделайте несколько снимков неба! Небольшое усилие будет иметь большое значение.

Я видел студентов, которым нужна фотография руки в определенной позе, и они будут жаловаться, что не могут найти конкретную точку зрения, которую они ищут, с помощью поиска изображений в Google.Просто возьмите свой смартфон и сделайте несколько снимков своей руки или друга. Вы даже можете придумать позу, которая будет выглядеть еще лучше в процессе съемки пары фотографий.

Многие профессиональные художники снимают свои собственные эталонные фотографии, инсценировав образ, который они ищут: заставляя человека позировать определенным образом, посещая место на территории и т. Д.В нашем уроке гуашью педагог-художник Алекс Роу нашел время, чтобы посетить церковь и кладбище в реальной жизни, чтобы сделать эталонные фотографии для этой картины, написанной гуашью. Посмотрите поездку Алекса на кладбище и узнайте о его подходе к съемке эталонных фотографий.

Фотография, которую художник снимает сам, специально для произведения искусства, представляет собой всего лишь ссылку , рассматриваемую как исходный материал, из которого может быть создано исходное изображение.Хотя очевидно, что изображение слева использовалось в качестве эталона для рисунка гуашью справа, также ясно, что многое изменилось между эталонным фото и изображением гуашью. Изображение с эталонной фотографии было сильно изменено и преобразовано в исходное изображение.

На изображении гуашью вверху справа педагог-художник Алекс Роу изменил направление света на церковь, и цвета на картине гуашью полностью отличаются по сравнению с эталонной фотографией.Тем не менее, вы все еще можете увидеть связь на исходной эталонной фотографии с точки зрения архитектуры и структуры церкви, это те детали, которые действительно сложно воспроизвести в своей голове.

Многие художники создают произведения искусства, которые используют визуальные ссылки из нескольких фотографий, захватывая дерево с одной фотографии, помещая человека с другой для создания нового изображения. Вы можете видеть на изображении гуашью вверху справа, что одна эталонная фотография была использована для рисования определенной формы надгробных камней, а другая эталонная фотография была использована для росписи церкви.

Таким образом, художник создает «коллаж» эталонных фотографий, чтобы собрать воедино визуальную информацию, необходимую для создания собственного исходного изображения.

При использовании эталонных фотографий изображения обрабатываются и трансформируются настолько драматично, что окончательный рисунок не выглядит точно так же, как исходное эталонное фото. Признаком того, что вы этого недостаточно, является то, что ваше эталонное фото выглядит лучше, чем само произведение.

Художник, успешно использующий эталонную фотографию, должен в итоге получить рисунок, который будет значительно более привлекательным, чем исходная эталонная фотография.

Выше приведено сравнение эталонной фотографии модели художника, сделанной профессором Лиу (левое изображение), с графитовым рисунком, который она создала по эталонной фотографии. Вы можете видеть, что, хотя очевидно, что профессор Лиу наблюдал эталонную фотографию для создания структуры и деталей кожи, рисунок графита значительно отличается по внешнему виду от эталонного фото.

Чтобы продемонстрировать, как снимать собственные эталонные фотографии, посмотрите это видео. Мы объясняем стратегии и быстрые советы, которые помогут!

К сожалению, большинство старшеклассников не получают инструкций, необходимых для успешного использования справочных фотографий.Теоретически процесс кажется простым, но на самом деле его реализация и получение эффективных результатов требует большого опыта, проб и ошибок, а также устранения неполадок.

Стандартный способ использовать фотографию в старшей школе для рисования — это дословно скопировать ее с той же композицией, что и фотография, где идеальная копия рисунка карандашом считается успешным результатом.

В некоторых случаях мы видели учителей, которые делали все возможное, чтобы создать натюрморт в классе, но затем инструктировали учеников сделать снимок натюрморта и нарисовать из него! Для чего-то вроде натюрморта, который практично и легко создать в реальной жизни, нет оправдания использованию фотографии.

Многие студенты спрашивают, как сотрудник приемной комиссии может определить, что рисунок был скопирован с фотографии. Вообще говоря, качества, указывающие на то, что рисунок был скопирован с фотографии, следующие:

Экстремальная, гиперфокусированная деталь на чертеже; такой уровень детализации обычно недостижим при рисовании с натуры, особенно если это портрет. Нет модели, которая могла бы позировать портрету 40 часов.Вы также не найдете птицу в середине полета, которая остается неподвижной достаточно долго, чтобы вы могли провести время, рисуя каждую линию на каждом перышке.

На иллюстрации слева внизу видно огромное количество деталей в морщинах вокруг глаз, складках рубашки и складках кожи на руке. Такое количество деталей было бы невозможно из-за живой модели, позирующей для портретного рисунка. Складки рубашки менялись каждый раз, когда модель нарушала позу, поэтому такой уровень детализации складок был бы невозможен.

Фигура в позе, которую реальный человек не может удерживать в течение длительного периода времени, является еще одним признаком того, что произведение искусства было скопировано с фотографии. На картинке выше изображена фигура, которая рисует. То, как эта фигура подняла правую руку, поднять кисть для рисования было бы невозможно для настоящего человека, чтобы удержать достаточно долго, чтобы художник смог достичь количества деталей в произведении искусства.

Единственным исключением является ситуация, когда поза очень динамична, а рисунок представляет собой 2-5-минутное рисование жестов, как показано на правом верхнем изображении.Любой рисунок фигуры, нарисованный с натуры, над которым работали несколько часов, должен показывать модель в позе, которую человеку было бы удобно держать некоторое время. Обычно это очень очевидно, когда рисунок представляет собой рисунок жестом, он может передать основную структуру фигуры, но такие детали, как ногти и ресницы, не присутствуют.

На приведенном выше чертеже слона на доске для рисования есть множество мельчайших деталей, и все же для человека было бы невозможно подойти так близко к слону, и чтобы слон оставался достаточно неподвижным, чтобы дать художнику достаточно времени для творчества. этот рисунок в реальной жизни.Кроме того, у кого есть доступ к слону для такого уровня обучения?

Вы можете сказать, является ли изображение объекта таким, которое подавляющее большинство людей никогда не увидит в реальной жизни: 2 вертолета, летающие в воздухе, гиперреалистичный рисунок 10 фламинго в их естественной среде обитания, взлетно-посадочная полоса аэропорта с 3 самолета и пр.

Если тени на рисунке выглядят действительно плоскими, это еще один признак того, что эталонная фотография была скопирована. Если тени заполнены прямым черным цветом, без оттенков тона, и у них очень плоские четкие края, скорее всего, была использована фотография.

В реальной жизни вы можете увидеть небольшие сдвиги в стоимости даже в кажущейся плоской отброшенной тени. На фотографии эти сдвиги значений слишком малы, чтобы их можно было уловить камерой, и поэтому они попадают в одно плоское значение.

Пошаговое руководство по иллюстрации и рисованию гуашью: Boelter, Philip: 97817

На протяжении всей моей жизни мне всегда нравились книги «как иллюстрировать» и «как рисовать», потому что они очень помогли мне, когда я рос как художник. Однако во всех этих книгах меня расстраивало то, что они были посвящены либо иллюстрированию, либо рисованию, а не обоим сразу.Итак, я научился что-то рисовать, но потом мне пришлось бы придумать, как это нарисовать самостоятельно. Это еще одна причина, по которой я решил создать свою книгу. Я хотел помочь другим, показывая пошаговый процесс того, как проиллюстрировать цветок, а затем пошаговый процесс того, как нарисовать этот цветок.

Эта книга поможет художникам узнать, как иллюстрации и живопись одинаково важны при создании искусства. Надеюсь, вам понравится эта книга, вы поделитесь своим путешествием и будете следить за моими видеоуроками в Instagram и YouTube.

Об авторе

С ранних лет Боелтер всегда был привязан к флоре. Работает ли он акварелью, гуашью или тушью; Флора может быть создана из самых разных материалов, чтобы выражать разные эмоции.Существует так много экспрессии, которую можно передать с помощью разных цветов и форм, которые может сделать цветок. Оно может быть простым или сложным, и оба, кажется, вызывают эмоции, которые могут понравиться каждому. Это идеальная картинка, которой можно манипулировать, упростить или реалистичную.

Искусство, которое он создает, снимает стресс, и его можно понять, почему он тяготеет к флоре и природе. Для Филиппа это его бегство от реальности и то, где он находит удовольствие. Филип надеется, что вам понравится его искусство так же, как он любит творить, и с нетерпением ждет возможности поделиться им со всеми.

Ральф Паркер: классические, безмятежные пейзажи гуашью

Автор admin в Избранные художники> Другие материалы

Художник этой недели — Ральф Паркер, художник гуашью из Техаса, который специализируется на простых классических пейзажах.

Несмотря на то, что в прошлом был рисовальщиком и иллюстратором архитектуры, картины Ральфа свободны и «живописны» — что в первую очередь и привлекло меня к ним.

Есть также что-то по сути воодушевляющее в таком изображении, как этот, с его золотыми полями и кружащимися сияющими небесами.

Используя гуашь, Ральф может рисовать более густыми и непрозрачными мазками краски, чем если бы он использовал обычную акварель. Это приводит к созданию произведений искусства, которые больше напоминают масла, чем акварель.

Лично мне нравится текстура, но кажется, что непрозрачность гуаши также помогает повысить чистоту цвета в его картинах.(Обратите внимание на светло-розовые и темно-зеленые оттенки на картине ниже и, конечно же, на яркость картины вверху.)

Я также не могу не думать, что многие из его картин могли бы стать прекрасными иллюстрациями из сборников рассказов — они обладают определенной вневременностью, напоминающей великих иллюстраторов прошлого.

ПОДРОБНЕЕ: вневременные пейзажи в галерее NUMA

Например, Road to the Back Forty предлагает зрителю возможность сбежать в картину, бродя по проторенной дорожке.

Безусловно, Ральф использует здесь проверенный временем композиционный инструмент, но от этого картина не менее честна и привлекательна. . . и в каком-то смысле эта тропа, ведущая вверх и через холм, кажется почти старым и надежным другом.

Если вы хотите увидеть больше гуашевых картин Ральфа Паркера, посетите его новый арт-блог или посетите его онлайн-портфолио на RalphParker.boundlessgallery.com.

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

простейших методов и инструментов

Необходимые материалы:

• половинка ватмана;
• акварельные краски;
• гуашь белая;
• кистей разных размеров;
• стакан воды;
• простой карандаш;
• ластик;
• Зубная щетка.

Производство:

Чтобы сделать рисунок необычным, можно изобразить пространство в круге. Для этого в центре ватмана нарисуйте круг необходимого размера по заранее подготовленному шаблону. Затем смачиваем поверхность круга водой с помощью толстой кисти — это позволит получить ровные разводы акварельной краски … Центр круга прокрашиваем светлыми оттенками: желтым, оранжевым, сиреневым, синим.

Теперь скрещиваем по палитре два оттенка.синего цвета: один микс с фиолетовой краской, другой с черной. Полученные цвета наносятся на рисунок мелкими и случайными мазками. В этом случае кисть следует ополаскивать после каждого оттенка. Рисовать изображение необходимо от краев круга, постепенно приближаясь к центру иллюстрации. Старайтесь не наносить темные краски поверх светлых, так как вернуться к первоначальному варианту будет невозможно.

Когда круг полностью закрашен, можно начинать рисовать детали космического пейзажа.В центре круга, где намечаются светлые тона рисунка, тонкой кистью нанесите акварель красного и желтого цветов.

Осталось только дополнить картинку множеством ярких звезд. Для этого на зубную щетку нанесите гуашь белого цвета и, отогнув края щетины, нанесите краску на изображение.

При желании можно нарисовать несколько пролетающих комет и пару маленьких планет.

Как нарисовать пространство гуашью

Необходимые материалы:

• пяльцы на плотной бумаге;
• гуашь;
• кистей разных размеров;
• высечки из белого картона в виде красивых геометрических узоров;
• красивая фотография;
• картон цветной;
• печатная бумага;
• краска акриловая белая.

Производство:

Заготовка в виде пялец на плотной бумаге обильно смочена водой. Затем разбавленными красками гуашь создаем сине-фиолетовый фон. Когда рисунок высохнет, тонкой кистью нанесите акриловой краской белые точки, которые будут имитировать сияющие звезды.

Дополняющие космический пейзаж геометрические фигуры — созвездия, выполненные с помощью подготовленного шаблона, тонкой кисти и белой краски. Из цветного картона и распечатанной бумаги вырезаем различные формы и создаем из них красивую композицию, в центре которой будет хорошее фото… Приклейте получившуюся композицию к изображению.

Живопись — довольно демократичный вид искусства. Не обладая особыми талантами, но хорошо владея некоторыми техниками, вы довольно легко можете изобразить на бумаге или холсте то, что вам нравится, о чем просите. Конечно, есть хитрости для работы с карандашом, мелками или красками разных типов. Разберем подробно технику росписи гуашью. А тема нашего урока — космос, космические пейзажи.

Гуашевые краски

Что это за краска? Водой растворяется, как акварель, но более плотный, «тяжелый», непрозрачный.Закрашенные им участки приобретают матовость из-за побелки, входящей в состав вместе с пигментными веществами. Попутно возникает вопрос: как нарисовать пространство гуашью, если требуются насыщенные, глубокие оттенки? Здесь действуют так: либо наносят на рисунок несколько слоев краски, либо добавляют дополнительный пигмент, либо заменяют побелку на коалин. Гуашь была изобретена еще в далеком средневековье. Название было дано несколько позже, в 18 веке, французами.Но и по сей день художники и декораторы с большим удовольствием им пользуются, создавая картины, этюды, театральные и кинематографические декорации, плакаты, эскизы костюмов. Разработаны два вида красок: художественная и плакатная. Разберемся, как рисовать пространство гуашью: для общего фона можно взять художественный, более спокойный, более мягкий. А для подчеркивания важных деталей подходят постерные работы — выразительные, «звонкие».

Красочный блеск

Особую группу образует люминесцентная гуашь.Он хорошо виден в темноте, а краска отлично проявляется в ультрафиолете. В связи с этим можно дать начинающим художникам полезные советы, как рисовать пространство гуашью. Обязательно смешайте его с немного светящимся — и вы увидите, насколько эффектнее станет изображение. Просто запомните правило: флуоресцентная гуашь лучше всего работает на белых поверхностях и тонким слоем. А обычный можно нанести по желанию или необходимости светлыми мазками на темные. Цвета не смешиваются, нужно просто дать им высохнуть.Но перейдем от теории к практике и посмотрим, как нарисовать пространство гуашью.

Эскиз с элементами геометрии

Перед альбомным листом … С чего начать свое творчество? Естественно, с продумыванием сюжета картины. Для начинающих художников могут быть полезны такие советы, как рисовать пространство гуашью поэтапно: остановитесь на символическом изображении планет на фоне темно-синего или даже фиолетового пространства Вселенной. Возьмите циркуль или маленький стаканчик, стакан, простой карандаш и ластик.Нарисуйте круги. Они будут нашими небесными телами. Помните настоящие цвета планет. Если вы забыли уроки астрономии, то мы запросто вам их напомним. Итак:

• Скалистый Меркурий серый, как скалистые породы, из которых он состоит.
• Венера молочно-желтого цвета. Его цвет, кстати, идеально подходит для того, чтобы раскрасить пространство гуашевыми красками. Побелка в этом случае выполняет очень полезную функцию.
• Наша Земля, как известно, голубая — местами совсем светлая, местами переходит в сине-зеленые оттенки.На нем также видны коричневые, песчаные пятна. Но если вы используете только белые, синие и зеленые цветы, все равно не ошибитесь.
• Марс выглядит умным, красно-оранжевым в космосе. Смешайте эти 2 цвета, чтобы получить желаемый оттенок.
• Оранжевый и Юпитер, только он украшен белыми полосами — аммиачными облаками. Когда вы его рисуете, не ждите, пока основной фон полностью высохнет. Пусть границы белого и оранжевого будут размытыми, слегка сползают друг на друга.
• Дымчато-желтый вид в телескопы Сатурна, голубой — Уран и Нептун.Последний немного темнее первого. А коричневый воспринимается человеческим глазом Плутона — самой удаленной от нас планеты Солнечной системы.

От эскиза к картине

Разобравшись, какими красками придать цвет небесным объектам, прорисовываем пространство гуашью дальше. Теперь вы можете сделать это: сначала аккуратно раскрасьте планеты. Неважно, если вы не можете добиться большого реализма и правдоподобия — у вас есть художественный холст, а не Что в картине главное? Правильно, самовыражение и тем более на такую ​​фантастическую тему… Подождите, пока гуашь высохнет. Как правило, при тонком слое краски для этого хватает получаса. Затем нарисуйте несколько флуоресцентных мазков на каждой планете. После этого переходим к фону. Накройте круги планет стеклом, чтобы случайно не коснуться их, и используйте несколько слоев синей или фиолетовой гуаши.

Последние штрихи

Краска высохла? Рисунок кажется мрачным? Без проблем! Ведь мы еще не изобразили звезды! Для этого кисть окунается в баночку с белой гуашью, и все, что мы собрали, распыляется по листу.Одни «кляксы» окажутся больше, другие — меньше. Это именно то, что нам нужно. И снова следует использовать светящиеся краски, а на белом фоне поставить точки. При желании можно добавить инопланетный серебристый силуэт ракеты или фигурки космонавтов, гуманоидов — все, что вам подскажет ваше воображение. Важно, чтобы все детали и элементы рисунка соответствовали друг другу и составляли гармоничное целое.

Ну .. Пока у меня загружается фильм, делаю урок рисования космоса.. Может пригодится.

Как нарисовать пространство карандашом поэтапно

Шаг первый.

Нарисуйте круглую форму для планеты и очертания ландшафта.

Шаг второй.

Подправим контуры планеты и ее спутника. На переднем плане рисуем двух мужчин, это космонавты, отправленные на Луну.

Шаг третий.

Давайте добавим штрихи.

Шаг четвертый.

Нарисуем звездное небо.А точнее этот открытый космос … Посреди лунного пейзажа Нарисуем кратеры.

Шаг пятый.

И осталось добавить тени. В итоге получилось вот такое космическое фото:

Как нарисовать Землю карандашом поэтапно

Шаг первый. Рисовать круг вручную очень сложно. Для начала нам понадобятся два квадрата, разделенных пополам, чтобы мы уже могли вписать в них колокольчик. Конечно, можно взять компас и нарисовать коло.Но это не королевское дело.
Шаг второй. Как было сказано выше, рисуем контур нашей планеты, рисуем четыре дуги по углам квадрата.
Шаг третий. Рисовать ровный круг теперь будет проще … Дуги совмещаем, чтобы все было максимально четко.
Шаг четвертый. Теперь мы рисуем на нашем шаре все континенты, океаны, острова и полуострова. Все, что подходит и будет заметно.
Шаг пятый. Убираем вспомогательные линии. Мы спотыкаемся о планете из точек — изображение далеких звезд, перемещаем карандаш, изображаем космос, чтобы планета не выглядела одинокой.

Как нарисовать планеты солнечной системы карандашом

Шаг первый

Рисуем орбиты планет. Их форма — эллипс, близкий к кругу. Но если смотреть с одной точки, то визуально мы видим не круги, а дуги, части эллипсов. Как на картинке. Обозначим положение планет на линиях.

Шаг второй

Рисуем круги — планеты. Начнем с маленького Меркурия, потом Венера и Земля больше, снова маленький кружок — Марс и далее, как на рисунке.Покажите край Солнца в нижнем левом углу.

Шаг третий

Сотрите вспомогательные линии — оси окружностей. Сделаем орбиты ярче.

Шаг четвертый

Добавим другие небесные тела: кометы, астероиды. Нарисуем «кольца» для больших планет.

Шаг пятый

Сделаем штриховку. С его помощью мы должны превратить наши круги в сферу. Мы помним, что у нас Солнце в центре, а свет падает с его стороны.Но противоположная сторона планеты будет затемнена. Результат должен быть примерно таким:

Как нарисовать космонавта карандашом поэтапно

Впереди четыре шага.

Шаг первый.

Вверху листа поместите большую круглую головку. Она большая, потому что на ней шлем. Нарисуйте две изогнутые линии вниз — это контур тела. Нарисуем космонавта в невесомости. И это сразу же определяет его позицию.Нарисуем контуры рук и ног. Скафандр носит пояс. Обрисовываем рюкзак за плечами.

Шаг второй.

Начинаем прорисовывать детали: шлем, пальцы, всякие навороты на «костюме». Причем все элементы достаточно крупные.

Шаг третий.

Нарисуйте на шлеме отверстие для глаз и сделайте его объемным. Приступим к рисованию обуви. Покажем карман-сумку на поясе.Внимательно посмотрите на картинку и добавьте недостающий кусок на лист. Заклепки, складки на пальцах и прочее.

Шаг четвертый.

Покажите горизонтальную штриховку на ремнях. Нарисуем туфли: рисунок на подошве, застежка. У космонавта на бедре есть небольшое электронное устройство. Теперь обрисуем основные элементы нашего рисунка. Почти готов. Вы можете «оживить» нашего героя с помощью штриховки, или добавить цвета с помощью красок!

Как нарисовать космическую ракету карандашом поэтапно

Шаг первый.Наша ракета — это не какой-то аппарат с двигателем, а целый космический корабль … Рисуем две овальные формы — это корпус корабля. Внизу у нас будет заметно одно крыло ракеты, а сзади — хвост.
Шаг второй. Соединяем овалы. Конструкция ракеты, ее конструктивные части имеют сложную форму, описывать которую нет смысла. Поэтому попробуйте повторить то, что вы видите на картинке, или вы можете придумать свою ракету.
Шаг третий. Корабль должен иметь много разных деталей на корпусе, пластинах, орудиях, иллюминаторах.
Шаг четвертый.
Шаг пятый.

Как нарисовать луноход карандашом поэтапно

Шаг первый. Разделим устройство на конструктивные части, изобразив их на бумаге в виде прямоугольников.
Шаг второй. Давайте нарисуем космонавта, сидящего в машине.
Шаг третий. Добавьте небольшую антенну перед автомобилем, более подробно нарисуйте человека за рулем.
Шаг четвертый. Удалите вспомогательные линии и более четко очертите контуры.
Шаг пятый. Чтобы показать эффект движения, сделаем тени под ним, а также добавим штриховки колесам, космонавту и другим деталям. Здесь:

Как нарисовать космический корабль карандашом поэтапно

Шаг первый. Набросайте шаблон с геометрическими фигурами для корабля, отобразите расположение корпуса и двигателя.
Шаг второй. Давайте нарисуем реактивные турбины, немного подправим линии корпуса и добавим под них небольшую пушку.
Шаг третий. Вам нужно выделить границы более толстой линией карандашом, добавить много деталей крылу, обвести их, а также добавить цифру 09 для вида.
Шаг четвертый. Легкими движениями затеняем всю площадь корабля по горизонтали, а окна, выходы турбин и орудие полностью гасим.

Как нарисовать луну карандашом поэтапно

Шаг первый. Отметим на бумаге положение Луны квадратом.
Шаг второй. Нарисуем круг, желательно ровный. Хотя поверхность Луны не ровная, издалека она будет казаться другой.
Шаг третий. Добавьте на поверхность кратеры, горы и впадины.
Шаг четвертый. Добавим штриховку.

0 1143781

Фотогалерея: Как нарисовать космос акварелью, гуашью, красками в баллончиках — мастер-классы для детей, начинающих художников — Уроки рисования на тему космоса карандашами

И начинающие художники, и дети, работающие красками или карандашами, не знают, с чего начать создание рисунка. Но правильно подобрав тему и серьезно настроившись на работу, не составит труда разобраться, как рисовать космос, планеты, спутники и другие элементы.При желании изображение предметов можно выполнить с помощью гуаши или акварели. Использование губок и аэрозольных баллончиков поможет создать нестандартные составы. Комбинируя различные инструменты, легко создавать оригинальные творения с большими и маленькими объектами. В данных видео-мастер-классах и фотоинструкциях вы можете узнать, как изобразить звездные туманности, как нарисовать ракету в космосе и сам космос.

Как разрисовать пространство акварелью — пошаговый мастер-класс для начинающих художников

Многих начинающих художников интересует, как раскрасить пространство акварелью и сделать его необычным.С помощью акварели и простой воды можно создать настоящий шедевр. Воспользовавшись описанным выше мастер-классом и проявив фантазию, легко понять, как рисовать планеты в космосе: их можно нанести обычными кляксами или круглыми принтами на созданный космический фон.

Материалы для рисования пространства акварелью начинающими художниками

• набор красок;
• кисть;
• вода;
• бумага для рисования акварелью.

Пошаговый мастер-класс по созданию рисунка на тему космоса — для начинающих художников

Простые рисунки для детей на тему космоса — фото мастер-класс по рисованию карандашом

Создать красивый рисунок на тема космоса карандашом дается легко даже школьникам.Используя всего пару инструментов, вы сможете создать оригинальное изображение. Научиться рисовать пространство карандашом вы сможете в следующем мастер-классе. При необходимости заготовку можно покрасить в яркие цвета или оставить черно-белыми. Используя наборы на 12-24 предметов, не составит труда разобраться, как красочно и ярко нарисовать пространство цветными карандашами.

Материалы для создания рисунка на тему космоса для детей из фото мастер-класса

• обычный карандаш;
• ластик;
• Бумага формата А4.

Пошаговый мастер-класс по рисованию карандашом на космическую тематику для детей

Как нарисовать космос и звездные туманности обычной гуашью — инструкция для начинающих

Разобраться, как нарисовать космос с помощью гуашь по указанному мастер-классу. Хаотичное поглаживание и центрирование добавляют заготовке объема. Изучив инструкцию, вы сможете научиться рисовать космос для новичков, которые не особо много работали с красками.А с помощью полезных подсказок вы сможете понять, как рисовать звезды в космосе, добавлять мини-планеты и туманности.

Материалы для рисования космоса и звездных туманностей начинающими художниками

• набор гуашь;
• бумага для рисования с тиснением (тиснением);
• кисть, вода.

Пошаговая инструкция по рисованию космических и звездных туманностей для начинающих

Как раскрасить пространство красками — пошаговый мастер-класс по работе с баллончиками

Учимся создавать рисунки на Тема космоса с помощью баллончика действительно сложна.Работа предполагает нанесение краски слоями для достижения объема изображения. Подробно изучив указанный урок и просмотрев вспомогательные видеоролики, вы сможете понять, как рисовать пространство красками из воздушного шара без специальных навыков. Доработка рисунка тонкими кистями поможет добиться эффектного рисунка туманностей. Как нарисовать пространство поэтапно и как правильно создать фон пошагово описано в инструкции ниже.

Набор материалов для создания рисунка на тему космоса красками в баллончиках

• набор красок в баллончиках;
• грунтовка акриловая;
• краска акриловая, кисти.

Пошаговый мастер-класс по рисованию на тему космоса краской в ​​баллончиках

Как быстро нарисовать пространство губкой — пошаговый видео мастер-класс для детей

Можно рисовать картины красками не только кистями или баллончиками, но и губками. Создать рисунок на тему космоса для детей не составит труда, а сама работа действительно понравится малышам и поможет им в развитии мелкой моторики… Интересный мастер-класс от юного блогера поможет научиться рисовать пространство губкой.

Пошаговый видео мастер-класс по рисованию космического пространства губками для детей

Пошаговая инструкция с описанием действий поможет даже школьнику начальных классов узнать о правилах рисования космического пространства губками. Доступно пошаговое видео о том, как рисовать пространство, расскажет о необходимых действиях и их порядке.

Используя следующие мастер-классы для начинающих и полезные фотоинструкции для детей, вы сможете узнать много интересного для развития в области искусства.Пошаговые рассказы о том, как рисовать пространство, как выбирать элементы, помогут вам создать свои собственные шедевры. В работе можно использовать как краски в цилиндрах, так и обычную гуашь или акварель и губки и карандаши. При желании эти примеры можно взять за основу, добавив дополнительные элементы. На каждой из них можно нарисовать спутник в космосе, планеты, кометы и другие объекты.

Нарисовать пространство гуашью очень легко, и даже начинающий художник может нарисовать красивое пространство, не обладая специальными навыками.Поэтому мы немного усложним задачу и нарисуем не просто звезды, а более сложную композицию на тему космоса, из нескольких элементов, чтобы картина приобрела интересный сюжет.

Прежде всего, нужно на листе бумаги карандашом очертить основные детали. Чтобы сделать пространство реалистичным, вы можете использовать одну или несколько фотографий реального пространства в качестве ориентира. Например, вот мы в качестве наглядного пособия сделали отдельные фотографии Сатурна, поверхности Луны и, собственно, космоса.При этом, чтобы картина была целостной, а не сколачивалась из разных частей, нужно учитывать важную точку — свет должен падать на все объекты в одном направлении. Поэтому мы определили для себя условное расположение источника света, освещающего наши планеты справа. А на левой стороне мы отметили тень, растушевывая ее карандашом.

Далее раскрашиваем фон красками. Чтобы наше пространство получилось красочным, закрасим фон не просто черной краской, а всеми цветами.Ведь расположенные на большом расстоянии звезды, хотя и неотличимые по отдельности, вместе образуют светящиеся облака. И, несмотря на то, что их цвет может показаться нам одинаково белым, все они имеют три основных оттенка — красный, желтый, синий. Кстати, эти три цвета также являются основными цветами, из которых можно получить все остальные цвета — синий, фиолетовый, оранжевый, зеленый и т. Д.

Итак, вооружившись этими знаниями, мы рисуем скопления звезд всеми цветами радуги, смешивая их отдельно и прямо на бумаге.Более плотные участки рисуем яркими цветами — желтым, красным и синим с добавлением побелки, а более темные — синим и фиолетовым, с добавлением черной краски. В нашем случае мы рисуем по фотографии нашу галактику Млечный Путь, как мы видим ее с Земли и из Солнечной системы.

После того, как нарисован темный фон, мы рисуем отдельные звезды. Для этого берем жесткую щетку или зубную щетку, окунаем ее кончик в белила и, проводя по нему пальцем, распыляем краску по рисунку.При этом необходимо следить за тем, чтобы краска не распылялась слишком равномерно, потому что плотность звездных скоплений в разных частях космоса разная. Например, мы намеренно делаем больше звезд в области Млечного Пути и меньше на краю. Распылять желательно в разных направлениях, чтобы избежать однородности. Также мы используем не просто белую краску, а добавляем к ней немного желтого, красного и синего. Кстати, самые яркие звезды обычно голубые. Мы сделаем некоторые из звездочек самыми яркими, раскрасив их по отдельности маленькой кисточкой.

После того, как звезды забрызгали, мы раскрашиваем планеты. Планеты можно нарисовать по фотографии или вообразить, но здесь важно помнить, что тень должна падать в том же направлении. Свойства света в космосе отличаются от его свойств на Земле, и при рисовании космоса необходимо помнить об этом. Благодаря земной атмосфере свет рассеивается и как бы огибает предметы, поэтому мы всегда можем видеть теневую сторону предметов как тускло освещенную.Но если вы посмотрите на Луну в космосе, где нет воздуха, то вы сможете увидеть только ее освещенную сторону, а теневая сторона будет полностью лишена освещения, если там нет другого источника света. То же самое и с любым другим объектом в космосе — если на него не падает свет, он абсолютно темный и на нем невозможно различить какие-либо детали.

Но в нашем случае мы пойдем на хитрость и нарисуем теневую сторону планет немного светлее, чтобы они не выделялись на переднем плане.Хотя и не обязательно. Также не забывайте, что если мы нарисуем Сатурн, то у него может быть тень, которую он отбрасывает на свои кольца.

После того, как дальний космос был нарисован, мы переходим к ближнему космосу и рисуем ландшафт планеты, на которой мы находимся. Сначала закрашиваем светлой краской все освещенные участки. При этом, чтобы пейзаж был более живописным, стоит рисовать не одним цветом, а постоянно смешивая разные цвета.

Далее, если бы мы рисовали пейзаж на Земле, мы бы перешли к изображению полутени, но, поскольку мы рисуем поверхность планеты без атмосферы, нет рассеяния света и полутени, и то, что находится в тень просто черная.Но мы все же разбавляем краску средней светлоты и рисуем полутень. Таким образом, мы изображаем участки, состоящие из множества мелких отдельных теней, которые на расстоянии сливаются в одно пятно средней освещенности. И уже только тень ближайших к нам кратеров делаем максимально темной, потому что на первый план визуально выходят более контрастные объекты.

Ну, чтобы пейзаж не был таким безлюдным и безлюдным, нарисуем космический корабль с исследователями. Нарисуем его так же, как и остальные.небесные тела: нарисуйте его контур и раскрасьте его основным цветом, а затем нарисуйте тень.

После этого добавим несколько деталей и космический корабль с космонавтами готов бороздить бескрайние просторы открытого космоса.

Надеемся, что этот мастер-класс оказался для вас не только простым и понятным, но и полезным. Удачи с твоим рисунком!

Откройте для себя искусство гуаши, которое вы можете собрать

3 января, 2017

Мы уже писали около искусства гуашью , исследуя его богатую историю и традиции в отношении абстракции.Гуашь — это универсальный материал для рисования, который сочетает в себе некоторые из наиболее желаемых черт нескольких других материалов. Гуашь может быть непрозрачной, как масляные краски, но быстро сохнет, как акрил. Он активируется водой, как акварель, поэтому его можно легко повторно активировать после того, как он высохнет, но, поскольку он не обязательно является полупрозрачным, он превосходит акварель с точки зрения ярких оттенков. Гуашь также удобна в использовании и ее легко очистить после, что облегчает обучение новичку. И все же, несмотря на ее простоту, тонкости и абстрактные возможности гуаши могут занять целую жизнь, чтобы художник по-настоящему овладел ею, а зритель гуаши полностью оценил ее.

Коллекционирование гуашью

Многие известные абстрактные художники ХХ века использовали гуашь. Он понравился Агнес Мартин, потому что после высыхания его свойства позволяют рисовать другими материалами, такими как чернила и графит. Александр Колдер ценил гуашь за ее непосредственность и живость цветов, которые она помогала ему создавать. А Матисс использовал гуашь для создания некоторых из своих самых известных работ, своих культовых вырезов, тех ярких, красочных абстрактных коллажей, которые он создал в свои 70 лет после того, как ему поставили диагноз «рак».

Сегодня современные художники используют гуашь в своих работах во многом по тем же причинам, что и мастера прошлого века: из-за ее ярких цветов, простоты использования, ее непосредственного воздействия на поверхность и зрителя и ее многослойной способности вызывать созерцание. Некоторые современные абстрактные художники, которых мы представляем на IdeelArt, использовали гуашь в своих произведениях. Если вы любитель или коллекционер гуаши, вот знакомство с некоторыми из этих художников вместе с примерами их работ:

Joanne Freeman

Гуашевые работы Джоанн Фриман написаны вручную на индийской бумаге Khadi, традиционной тряпичная бумага из 100% хлопкового волокна.В ее композициях сочетаются резкая геометрия и органичные жесты. Они являются результатом процесса, который частично основан на контроле, а частично на импровизации. Она отклеивает области, чтобы добиться резких границ, а затем спонтанно развивает изображение оттуда. Специфические свойства гуаши позволяют Фримену передавать телесность и эмоции языком четких, ярких цветов. Две показанные здесь работы являются частью ее серии Covers , которая отсылает к урезанной эстетике альбомов середины века и обложек книг в мягкой обложке.

Joanne Freeman — Covers 13-Purple, 2014. Гуашь на бумаге Khadi ручной работы. 13 x 13 дюймов

Жан Файнберг

Жан Файнберг использует различные материалы и среды, чтобы исследовать способы взаимодействия цветов с материалами и пространством. Она часто создает свои работы гуашью в сочетании с найденной бумагой, создавая краски и элементы коллажа на японской бумаге. Эти многослойные, неземные работы начинаются с бесчисленных кусочков красочной бумаги для вырезок, которые Файнберг собирала в своей студии.Бумага для вырезок сообщает цветовую палитру и направляет формы и линии в композициях, открывая путь к исследованию эмоций и природных сил.

Жан Файнберг — Открытое сердце, 2015. Гуашь, коллаж, японская бумага. 24,8 x 18,5 дюйма

Эллен Прист

Джазовая музыка имеет жизненно важное значение для Эллен Прист. Ее большие объемные абстрактные коллажи начинаются с мелкомасштабных этюдов, интуитивно нарисованных гуашью на пергаменте. Священник называет эти этюды визуальных встреч с джазовой композицией .В ее серии работ Jazz Cubano гуашь создает сплющенный вид, а интенсивность цветов взаимодействует с активным белым пространством, создавая объемность, имитируя ощущения света, воды, воздуха и пространства летом на пляже.

Эллен Прист — Фронтальное исследование Jazz Cubano № 5, 2013. Уникальный. Бумага, гуашь. 106,7 x 106,7 см

Tracey Adams

Как и ее картины на панно, гуашь и бумага, которые Трейси Адамс создает с 2016 года, исследуют место встречи организации и спонтанности.Для каждой работы гуашью Адамс устанавливает определенные строгие параметры, такие как ограниченная цветовая палитра или особый словарь физических жестов. В этих рамках она затем инстинктивно выстраивает композицию, используя комбинацию гуаши, туши и коллажа.

Трейси Адамс — Музыка как средство быстрого передвижения, 2016. Коллаж, тушь, гуашь, бумага Arches. 29,9 x 22 дюйм

Элизабет Гурли

Картины Элизабет Гурли богаты метафорическими значениями.Используя многослойные цвета и смесь медиумов, они возникают из внутренней эмоциональной реакции на элементы, как интеллектуальные, так и внешние. Ее картины гуашью «Прерывистая линия» являются частью большой серии работ, созданных Гурле в ответ на природное и архитектурное окружение, с которым она столкнулась во время пребывания в Умбрии, Италия.

Элизабет Гурли — Прерывистая линия B, 2014. Графит, гуашь, пергамент. 8,7 x 8,7 дюйма

Маргарет Нил

Энергия и физическая сила исходят от лирических картин Маргарет Нил.Паттерны появляются и исчезают; органические физические жесты переплетаются с геометрическим пространством; чувство спокойствия и гармонии существует посреди чего-то сложного. Нил стремится работать последовательно, исследуя то, что она называет определенной формальной концепцией , пока не почувствует, что идея разрешилась сама собой. Работы в ее серии Groove включают волнистые слои змееподобных форм, в то время как ее серия Switchback исследует сочетание полупрозрачных и непрозрачных овальных форм.

Маргарет Нил — Groove 2, 2005. Бумага, акрил, гуашь. 22,8 x 22 дюйм

Том МакГлинн

Художественные работы Тома МакГлинна соответствуют тому, что он называет « социальных абстракций» в современной среде, например, повсеместным визуальным композициям, характерным для знаков и логотипов. Он поэтически интерпретирует суть этих абстракций для создания работ, которые инстинктивно связывают зрителей. Он использует комбинацию акриловой краски и гуаши для достижения концентрированной, яркой цветовой палитры, упрощая свои композиции до их чистейшего состояния.МакГлинн описывает свою серию Decal как ссылку на «тип культуры аппликаций, бестелесную феноменологию цвета и формы », в то время как его серия Test Pattern ссылается на то, что он называет «испытанием калибровки цвета для механического глаза». ”

Том МакГлинн — Декаль (две желтые полосы поверх красного на синем), 2014. Дерево, акрил, гуашь. 23,6 x 29,9 дюйма

Показанное изображение: Tom McGlynn — Acoma 1, 2012.Уникальный. Акрил / Гуашь по дереву. 60,9 x 76,2 см
Автор Phillip Barcio

Различные материалы и техники для рисования и рисования — ARTDEX

Живопись всегда была одним из самых выразительных средств искусства, позволяющих художникам экспериментировать с различными стилями и техниками, пока они не найдут свое собственное уникальное художественное выражение. Все началось в доисторические времена, когда люди использовали пигментированный порошок для рисования сцен из повседневной жизни на стенах пещер. Можно сказать, что эти более ранние художники умело использовали средства и техники, чтобы сохранить свои произведения искусства по сей день.

С тех пор художники всего мира постоянно совершенствовали техники и стили живописи, чтобы наилучшим образом выразить свои эстетические принципы. Этот непрерывный поиск привел к появлению различных методов и стилей живописи, рисования. Эта статья проведет вас через историю живописи, представив различные стили и методы рисования, используемые во всем мире, включая историю западного и восточного искусства.

Техники и стили живописи в западной цивилизации

Здесь вы найдете различные среды для рисования, расположенные в хронологическом порядке, чтобы сформировать временную шкалу. Это должно помочь вам проследить развитие живописи на протяжении всей истории искусства как средства и формы искусства.

1. Энкаустика

Этот термин характеризует картины, содержащие горячий пчелиный воск в качестве связующего материала. Художники наносили эту картину энкаустикой или горячим воском на поверхность (обычно деревянную панель), а затем повторно нагревали картину, чтобы получить глянцевую поверхность.Одним из преимуществ этого вида живописи, родом из Греции, является короткое время высыхания. Его также можно переделать и переделать, чтобы он вписался в коллаж или другую форму смешанной техники. Эта художественная среда не только легко адаптируется, но и экологична благодаря органическому происхождению связующего материала. Многие средневековые иконы — прекрасные образцы энкаустики.

2. Фресковая живопись

Это метод окраски, при котором краски смешиваются только с водой и без дополнительных связующих веществ.Эта характеристика делала его идеальным для покрытия оштукатуренных стен, потому что цветные пигменты проникали в стену по мере высыхания краски. Самыми известными образцами фресковой живописи являются работы Микеланджело Бытие и Страшный суд , которые покрывают стены и потолок Сикстинской капеллы.

3. Темпера

Вместо пчелиного воска в качестве связующего, художники использовали смесь воды и яичного желтка в темперной живописи. Перед нанесением темперной краски в несколько тонких прозрачных слоев необходимо было подготовить поверхность.Хотя темпера не может достичь глубины цвета, характерной для масляной живописи, она по-прежнему предлагает множество преимуществ, благодаря которым этот метод рисования сохранялся на протяжении веков. Одно из главных достоинств темперной живописи — выносливость. Картины темперой остаются свежими в течение долгого времени, в отличие от картин, написанных маслом, которые со временем темнеют и цвета которых постепенно тускнеют. Темпера была доминирующим средством в средневековом искусстве, использовалась для икон или иллюстраций религиозных книг, известных как иллюминированные рукописи.

Упадок темпера начался с появлением техники масляной живописи, которая предложила произведениям искусства новое выразительное качество.Фламандские художники первыми отказались от темперной живописи в пользу масляных красок, затем последовали итальянские художники эпохи Возрождения.

4. Масляная живопись

В масляной живописи использовались льняное, маковое и ореховое масло в качестве сушильного и связующего агента. Он появился в 16 веке, когда многие художники восприняли его как доминирующую художественную среду. Масляная живопись стала широко распространенной живописной средой из-за богатства красок и глянцевой отделки, чего не могла обеспечить темпера.Это также облегчило работу с мелкими деталями, допустив технику сфумато. Сфумато — это деликатное смешение цветов для получения «дымчатого» эффекта. Леонардо да Винчи применил эту технику в создании вневременной Моны Лизы .

Помимо сфумато, масляные краски также идеально подходили для «импасто» (нанесение неразбавленных красок толстыми слоями для создания эффекта рельефа). Художники любили использовать технику импасто за ее многочисленные преимущества. Во-первых, свет по-разному отражался от поверхности картины, придавая ей особую нарушенную текстуру.Во-вторых, его возвышающаяся поверхность придавала картинам ощущение трехмерности. И, наконец, этот привлекательный вид с толстыми слоями позволил художникам-экспрессионистам, таким как Ван Гог, точно передать свои мысли и эмоции на холст.

Некоторыми другими известными художниками, которые использовали технику импасто, были Джексон Поллок, Ли Краснер, его жена и Виллем Де Кунинг из эпохи абстрактного экспрессионизма. Мы также можем включать художников-импрессионистов, таких как Сезанн, Моне, Дега и многих других.

5. Акварель

Как следует из названия, это водорастворимые красители со встроенным связующим. Использование акварели требует отличных художественных навыков, потому что после того, как вы нанесете их на бумагу, вам уже не будет места для исправления. Преимущество акварельных картин в том, что они быстро сохнут и идеально подходят для добавления мелких деталей. Хотя многие относят акварель только к бумаге, вы можете использовать их на камне, холсте, дереве или ткани.

Однако существенным недостатком этого художественного средства является то, что цвета блекнут под воздействием света в течение некоторого времени.Различные акварельные техники, также известные как завитки и рисование тушью, были частью китайских и японских художественных традиций на протяжении тысячелетий. С другой стороны, западные художники использовали акварель для подготовительных набросков до 18 века, когда многие художники обнаружили, что они идеально подходят для пейзажной живописи.

Когда вы добавляете белый цвет в акварельные краски, они становятся непрозрачными, и этот материал известен как гуашь. Этот вариант акварели обладает четырьмя основными преимуществами, которые добавляют особого качества произведениям искусства, выполненным гуашью.Из-за непрозрачности мазки остаются скрытыми. Кроме того, гуашь — это быстросохнущая краска, которая оставляет гладкое матовое покрытие, и ее можно наносить слоями от супертонких до импасто. Гуашь может иметь широкий спектр цветов, включая флуоресцентную и металлическую отделку.

6. Акриловая краска

С момента появления акриловой краски в 40-х годах она завоевала значительное внимание в мире искусства благодаря своим многочисленным положительным характеристикам. Акриловая краска быстро сохнет, а после высыхания становится водостойкой.Вы можете нанести столько слоев, сколько вам нужно, и на любую поверхность, которую вы только можете себе представить. По всем этим причинам акрил был предпочтительным средством для многих художников, включая Энди Уорхола, Кеннета Ноланда и многих других современных художников.

Типы живописи и стили, характерные для восточного искусства

Китайская роспись

Метод китайской живописи включает те же техники, что и каллиграфия, поэтому основан на аккуратности, точности и внимании к деталям.Китайские художники использовали акварельные техники смывной тушью задолго до европейцев, делая крохотные точные мазки кистью на бумаге или ткани. Китайцы используют духовность в своих произведениях искусства, веря, что каждый объект, который они рисуют, имеет душу. Таким образом, основная задача живописи — запечатлеть душу нарисованных предметов.

Японская живопись

Японцы не только имеют необычайно богатые традиции живописи, но и придерживаются нетрадиционных художественных принципов.Стили японской живописи впитали в себя китайское и западное влияние, оставаясь при этом аутентичными. Важные черты японского искусства — достижение глубины в живописи и выражение прямого художественного послания.

Самые важные стили и методы рисования

Рисование всегда считалось фундаментальным видом искусства, которому нас учили в детстве. Вот основные стили и методы рисования.

Рисование карандашом

Как следует из названия, этот метод предполагает создание эскизов графитным карандашом.Этот стиль рисования происходит из Франции 17-го века, и некоторые известные художники-зарисовщики — Жан-Огюст-Доминик Энгр и Поль Кадден.

Рисунок углем

Это древняя техника рисования, которая, вероятно, возникла в Японии. Набросок и растушевка углем придают произведению удивительное впечатление удивительной глубины. Вы можете применять различные техники рисования углем, такие как штриховка, растирание или смешивание, для достижения различных эффектов.

Рисунок мелом

Это еще одна техника рисования, восходящая к древним временам.Художники использовали мел только для рисования до эпохи Возрождения, когда он стал важным средством искусства. Рубенс и другие художники 16-17 веков создавали рисунки черным и белым мелом. Эта техника рисования также известна как рисование мелками aux deux. Художники 18 века усовершенствовали эту технику, добавив в смесь сангина и мелки, и начали рисовать мелками aux trois. Многие художники-авангардисты 20-го века, такие как Генри Маттиз и Пикассо, использовали мел в качестве художественного средства.

Рисунок и живопись пастелью

Эта художественная техника предполагает использование пастельных мелков для создания художественных работ. Пастель состоит из цветного пигмента и бывает разных версий. Мягкая пастель — лучший выбор для растушевки или растушевки, в то время как люди используют твердую пастель для набросков и контуров своих работ. Форма искусства зависит от того, как вы используете пастель. Когда вы наносите пастель путем растушевки или растушевки, вы создаете пастельный рисунок.Однако когда вы рисуете короткие линии пастелью, это считается пастельным рисунком. Техники рисования пастелью и живописи достигли своего пика в 18 веке, а затем возродились в следующем веке с такими художниками, как Эдгар Дега и Тулуз-Лотрек.

Перо и чернила

Художники используют различные типы перьев, чтобы наметить желаемые формы и заполнить их чернилами. Привлекательность этого метода рисования заключается в грамотно созданном контрасте между цветными и пустыми полями.Чернила — непростительный материал, поэтому вам нужно иметь отличные навыки, чтобы овладеть этой техникой рисования.

Краткое описание

Цель этой статьи — расположить в хронологическом порядке все значимые средства и техники живописи и рисунка, которые сформировали историю искусства. Это своего рода универсальный глоссарий живописи для тех, кто входит в завораживающий мир искусства.

Глава 13 | Средства и техника изобразительного искусства (Часть I) — EDU 107 — Искусство для детей младшего возраста — Учебник

Живопись

Живопись — это нанесение пигментов на опорную поверхность, которая создает изображение, рисунок или украшение.В искусстве термин «живопись» описывает как действие, так и результат. Большинство картин создается с помощью пигмента в жидкой форме и наносится кистью. Исключения составляют песочные рисунки навахо и тибетские мандалы, в которых используются порошковые пигменты. Живопись как среда существует тысячи лет и, наряду с рисунком и скульптурой, является одним из старейших средств творчества. В той или иной форме он используется культурами по всему миру.

Три самых узнаваемых образа в истории западного искусства — это картины: Мона Лиза Леонардо да Винчи, Крик Эдварда Мунка и Звездная ночь Винсента Ван Гога.Эти три произведения искусства являются примерами того, как живопись может выходить за рамки простой миметической функции, то есть имитировать только то, что видно. Сила великой живописи в том, что она выходит за рамки восприятия, отражая эмоциональные, психологические и даже духовные уровни человеческого состояния.

Малярные материалы чрезвычайно универсальны, поскольку их можно наносить на множество различных поверхностей (называемых опорами), включая бумагу, дерево, холст, гипс, глину, лак и бетон. Поскольку краска обычно наносится в жидком или полужидком состоянии, она может впитаться в пористый материал основы, который со временем может ослабить и повредить его.Чтобы предотвратить это, основу обычно сначала покрывают землей, смесью связующего и мела, которая после высыхания создает непористый слой между основой и окрашенной поверхностью. Типичный грунт — левкас.

Существует шесть основных средств рисования, каждая из которых имеет свои индивидуальные характеристики:

• Энкаустик
• Темпера
• Фреска
• Нефть
• Акрил
• Акварель

Все они используют следующие три основных ингредиента:

Пигменты — это гранулированные твердые вещества, включенные в краску для придания цвета.Связующее вещество, обычно называемое , автомобиль , является фактическим пленкообразующим компонентом краски. Связующее удерживает пигмент в растворе до тех пор, пока он не будет готов к распределению по поверхности. Растворитель регулирует поток и нанесение краски. Его смешивают с краской, обычно с помощью кисти, чтобы разбавить ее до надлежащей вязкости или толщины перед нанесением на поверхность. Как только растворитель испарится с поверхности, на ней фиксируется оставшаяся краска.Растворители варьируются от воды до продуктов на масляной основе, таких как льняное масло и уайт-спирит.

Давайте посмотрим на каждый из шести основных средств рисования:

1. Энкаустическая краска смешивает сухой пигмент с нагретым связующим из пчелиного воска. Затем смесь наносится щеткой или распределяется по опорной поверхности. Повторный нагрев позволяет дольше манипулировать краской. Энкаустика восходит к первому веку нашей эры и широко использовалась в портретах погребальных мумий из Фаюма в Египте. К характеристикам энкаустической живописи относятся яркие, резонирующие цвета и чрезвычайно долговечные картины.Из-за связующего пчелиного воска, когда энкаустик охлаждается, он образует жесткую пленку на поверхности картины. Современные электрические и газовые инструменты позволяют длительное время нагревать и обрабатывать краску.

Ниже приведен пример энкаустической живописи Хосе Марии Кано.

Хосе Мария Кано, деталь картины, выполненная в энкаустике, 2010

2. Краска Tempera представляет собой смесь пигмента со связующим для яичного желтка, затем разбавляется и разбавляется водой. Как и энкаустика, темпера использовалась на протяжении тысячелетий.Быстро сохнет, образуя стойкое матовое покрытие. Картины темперой традиционно наносятся последовательными тонкими слоями, называемыми глазури, кропотливо создаваемыми с использованием сети поперечно заштрихованных линий. Благодаря этой технике темперные картины известны своей детальностью.

Дуччо, Мадонна Креволе, ок. 1280. Темпера на борту Museo dell’Opera del Duomo, Сиена, Италия. Изображение находится в общественном достоянии

В раннем христианстве темпера широко использовалась для написания изображений религиозных икон.Итальянский художник до Возрождения Дуччо (ок. 1255 — 1318), один из самых влиятельных художников того времени, использовал темперную краску в создании Мадонны Креволе (вверху). Вы можете увидеть резкость линий и форм на этой хорошо сохранившейся работе, а также детали, которые он передает в оттенках лица и кожи Мадонны (см. Детали ниже).

Дуччо, Мадонна Креволе (фрагмент), ок. 1280. Темпера на доске. Museo dell’Opera del Duomo, Сиена, Италия. Изображение находится в общественном достоянии

Современные художники до сих пор используют темпера как средство.Американский художник Эндрю Уайет (1917–2009) использовал темпера для создания «Мира Кристины» — шедевра деталей, композиции и таинственности.

3. Роспись фресками используется исключительно на оштукатуренных стенах и потолках. Фреска использовалась в течение тысяч лет, но больше всего ассоциируется с ее использованием в христианских изображениях в эпоху Возрождения в Европе.

Есть две формы фрески: Buon, или «мокрая», и secco, что означает «сухая».

Техника фрески Buon заключается в рисовании пигментом, смешанным с водой, на тонком слое влажного свежего известкового раствора или штукатурки.Пигмент наносится на влажную штукатурку и впитывается ею; Через несколько часов штукатурка высыхает и вступает в реакцию с воздухом: именно эта химическая реакция фиксирует частицы пигмента в штукатурке. Из-за химического состава штукатурки связующее не требуется. Буон фреска более устойчива, потому что пигмент сам становится частью стены.

Доменико ди Микелино « Данте и Божественная комедия из 1465 года» Доменико ди Микелино (см. Ниже) является прекрасным примером buon fresco. Цвета и детали сохранены в высохшей штукатурке стены.Микелино показывает итальянского писателя и поэта Данте Алегиери, стоящего с раскрытой в левой руке копией «Божественной комедии » , указывая на иллюстрацию к рассказу, изображенному вокруг него. Художник показывает нам четыре различных царства, связанных с повествованием: царство смертных справа, изображающее Флоренцию, Италия; небесное царство, обозначенное ступенчатой ​​горой в левом центре — вы можете увидеть ангела, приветствующего спасенные души, когда они входят с подножия горы; царство проклятых слева — сатана, окруженная пламенем, приветствует их внизу картины; и царство космоса, охватывающее всю сцену.

Доменико ди Микелино, Божественная комедия Данте, 1465, buon fresco, Дуомо, Флоренция, Италия. Это изображение находится в общественном достоянии

Фреска Secco — это нанесение изображения на поверхность стены из сухой штукатурки. Для этой среды требуется связующее, поскольку пигмент не смешивается с влажной штукатуркой. Яичная темпера — наиболее распространенное связующее, используемое для этой цели. Было принято использовать фрески secco поверх фресок buon fresco, чтобы исправить повреждения или внести изменения в оригинал.

Картина Леонардо да Винчи «Тайная вечеря » (внизу) была выполнена с использованием фрески secco.

Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, 1495–1498, сухая фреска на гипсе. Церковь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан. Это изображение находится в общественном достоянии

4. Масляная краска — самый универсальный из всех живописных материалов. В нем используется пигмент, смешанный со связующим льняным маслом. Льняное масло также можно использовать в качестве транспортного средства вместе с уайт-спиритом или скипидаром.Считалось, что масляная живопись возникла в Европе в пятнадцатом веке, но недавние исследования фресок, найденных в пещерах Афганистана, показывают, что масляные краски использовались там еще в седьмом веке.

Некоторые из качеств масляной краски включают широкий выбор пигментов, ее способность разбавлять и наносить почти прозрачные глазури, а также использовать прямо из тюбика (без использования транспортного средства), создавая толстые слои. называется импасто (это можно увидеть во многих произведениях Винсента Ван Гога).Одним из недостатков использования импасто является то, что со временем основная масса краски может расколоться, оставляя сети трещин вдоль самых толстых частей картины. Поскольку масляная краска сохнет медленнее, чем другие материалы, ее можно смешивать с опорной поверхностью с большой тщательностью. Это увеличенное рабочее время также позволяет вносить корректировки и изменения, не соскребая участки засохшей краски.

В натюрморте Яна Брейгеля Старшего, написанном маслом, можно увидеть многие из упомянутых выше качеств.Богатство самой краски проявляется как в резонансном свете, так и в чернильно-темных тонах работы. Работа с краской позволяет создавать множество различных эффектов, от мягкости лепестков цветов до отражения в вазе и множества визуальных текстур между ними.

Картина Ричарда Дибенкорна Cityscape # 1 1963 года показывает, как художник использует масляную краску более плавно и выразительно. Он разбавляет среду, чтобы добиться качества и жестов, отражающих солнечную, свежую атмосферу калифорнийского утра.Дибенкорн использовал слои масляной краски, один поверх другого, чтобы просвечивать нижняя картина и плоское, более геометрическое пространство, стирающее грань между реализмом и абстракцией.

Ян Брейгель Старший, Цветы в вазе, 1599. Дерево, масло. Художественно-исторический музей, Вена, Германия. Используется в соответствии с лицензией документации GNU

Картины Джорджии О’Киф, написанные маслом, демонстрируют диапазон обработки от мягкого и строгого до очень детализированного и вызывающего воспоминания. Вы редко видите ее мазки, но она хорошо владеет масляной краской.

Художники-абстрактные экспрессионисты раздвинули границы возможностей масляной краски. Их внимание было сосредоточено на акте живописи, а также на предмете. Действительно, для многих из них не было различия между ними. Работы Виллема де Кунинга оставляют запись о том, как масляную краску чистили кистью, капали, соскребали и стирали в безумной творческой деятельности. Эта идея остается актуальной в картинах Селии Браун.

5. Акриловая краска была разработана в 1950-х годах и стала альтернативой маслам.Пигмент суспендирован в связующем эмульсии акрилового полимера и использует воду в качестве носителя. Акриловый полимер имеет такие же характеристики, как резина или пластик. Акриловые краски обладают консистенцией, цветовым резонансом и долговечностью масел без затрат, беспорядка и проблем токсичности, связанных с использованием тяжелых растворителей для их смешивания. Одно из основных отличий — относительно быстрое время высыхания акрила. Они растворимы в воде, но после высыхания становятся непроницаемыми для воды или других растворителей. Кроме того, акриловые краски прилипают ко многим различным поверхностям и отличаются высокой прочностью.Акриловые импасты со временем не потрескаются и не пожелтят.

Американский художник Роберт Колескотт (1925–2009) использовал акрил в больших картинах. Он использует тонкие слои подмалевка, тряпки, высококонтрастные цвета и роскошные поверхности, чтобы выявить весь спектр эффектов, которые предлагает акрил.

6. Акварель — самый чувствительный из средств рисования. Он реагирует на легчайшие прикосновения художника и в мгновение ока может превратиться в беспорядок. Есть два вида акварельных материалов: прозрачные и непрозрачные.Прозрачная акварель действует в обратном отношении к другим средствам рисования. Он традиционно наносится на бумажную основу и зависит от белизны бумаги, чтобы отражать свет обратно через нанесенный цвет (см. Ниже), тогда как непрозрачные краски (включая непрозрачные акварельные краски) отражают свет от кожи самой краски. Акварель состоит из пигмента и связующего гуммиарабика, водорастворимого соединения, полученного из сока акации. Легко растворяется в воде.

Изображение Кристофера Гилдо.Используется здесь с разрешения.

Акварельные картины создают ощущение непосредственности. Носитель чрезвычайно портативный и отлично подходит для картин небольшого формата. Бумага, используемая для акварели, обычно бывает двух типов: горячего прессования, которое дает более гладкую текстуру, и холодного прессования, которое приводит к более грубой текстуре. Техники прозрачной акварели включают использование мытья; область цвета, нанесенная кистью и разбавленная водой, чтобы позволить ей растечься по бумаге. Картина «мокрый по мокрому» позволяет цветам перетекать и плавно переходить друг в друга, создавая плавные переходы между ними.При рисовании сухой кистью используется мало воды, и кисть проходит по верхним выступам бумаги, что приводит к прерывистой цветовой линии и большому количеству визуальной текстуры.

Примеры техники акварельной живописи: слева — стирка. Справа — эффекты сухой кисти. Изображение Кристофера Гилдо. Используется здесь с разрешения.

Бруклинский мост Джона Марина (1912 г.) демонстрирует широкое использование стирки. Он делает массивный мост почти невидимым, за исключением опорных башен с обеих сторон картины.Даже линия горизонта Манхэттена окутана туманными абстрактными формами, созданными размытыми цветами.

Мальчик в красном жилете французского художника Поля Сезанна создает форму через нюансы цветов и тонов. То, как акварель наносится на бумагу, отражает чувствительность и взвешенность, присущие картинам Сезанна.

Поль Сезанн, Мальчик в красном жилете, ок. 1890. Бумага, акварель. Это изображение находится под лицензией GNU Free Documentation License

Акварели Эндрю Уайета изображают пейзаж землистыми тонами и локализованным цветом, часто с драматическими участками белой бумаги, оставленными нетронутыми.Brandywine Valley — хороший тому пример.

Непрозрачная акварель, также называемая гуашью, отличается от прозрачной акварели тем, что частицы больше, соотношение пигмента к воде намного выше, а также присутствует дополнительный инертный белый пигмент, такой как мел. Из-за этого краска гуашь дает более сильный цвет, чем прозрачная акварель, хотя при высыхании она имеет тенденцию к более светлому тону, чем при нанесении. Краска гуашь не выдерживает такой же стойкости, как импасто, она имеет свойство трескаться и отваливаться от поверхности.Он хорошо держится в более тонких приложениях и часто используется для покрытия цветом больших площадей. Как прозрачная акварель, засохшая гуашь снова станет растворимой в воде.

В картинах Джейкоба Лоуренса используется гуашь для создания композиции. Большие области цвета, включая дополнения синего и оранжевого, доминируют над фигуральными формами на переднем плане, в то время как оливково-зеленые и нейтральные тона оживляют фон с меньшими формами, изображающими инструменты, скамейки и столы.Характеристики гуаши затрудняют ее использование в деталях.

Гуашь — это также средство традиционной живописи других культур. «Зал советуется с волхвами», часть иллюминированной рукописи из Ирана шестнадцатого века, использует яркие цвета гуаши вместе с чернилами, серебром и золотом, чтобы создать яркую композицию, полную замысловатых узоров и контрастов. Чернила используются для создания лирических каллиграфических отрывков вверху и внизу произведения.

Прочие средства рисования , используемые художниками, включают следующее:

Эмалевые краски образуют твердую корку, как правило, с высокоглянцевым покрытием.