Возвышенное и низменное в искусстве

1. Возвышенное и низменное в искусстве.

Эстетика – наука о прекрасном в искусстве и
жизни. Она изучает законы и особенности
художественного восприятия окружающего
мира.

2. Слово «эстетика» (греч.) – ощущаю, воспринимаю. Следовательно, связано с восприятием прекрасного человеком. Как наука эстетика

сформировалась в 18 веке, однако, ее основы были заложены еще в
эпоху Античности философами Сократом, Платоном и Аристотелем.

3. Возвышенное в искусстве

В.М.Васнецов «Ковер- самолет. 1880г.
Нижегородский государственный изобразительный музей

4. «Возвышенное»- одна из интереснейших категорий эстетики. Само слово имеет общий корень с такими словами, как «высь», «высота».

С древнейших времен высота звала и манила к себе людей.
Покорение высоты всегда было связано для человека с достижением
идеала, воплощением заветной мечты
Питер Брейгель Старший. Падение Икара.
1555-1558 гг. Королевский музей изящных
искусств, Брюссель
Питер Брейгель. Вавилонская башня. 1563
г. Музеи Бойманса-ван-Бенингена,
Роттердам.

5. О красоте горных вершин мы читаем в стихотворениях М.Ю.Лермонтова, Ф.И.Тютчева, В.С.Высоцкого, Ю.И.Визбора А Николай

Константинович Рерих считал, что созерцание высоких гор
наполняет душу человека «чем-то зовущим, неукротимо влекущим»

6. Николай Константинович Рерих

Гималаи. Розовые горы
Гималаи. Голубые горы.

7. С проявлением возвышенного в природе встречается каждый из нас. М.В.Ломоносов с восхищением писал: Открылась бездна, звезд

полна;
Звездам числа нет, бездне дна.
Винсент ван Гог. Звездная ночь
над Роной. 1890г.

8. Проявления возвышенного нередко связаны с поворотными моментами в истории человечества, в судьбах людей. Это всегда что-то

значительное и
важное в жизни общества и человека. Возвышенное – это все то, что
перекрывает масштаб обычных, соразмерных с человеком явлений и
предметов.
Высокое искусство ценно для нас тем, что заключает в себе возвышенное,
постигнутое художником в жизни и воплощенное им в совершенной форме в
произведениях искусства. Искусство сохраняет возвышенное на века,
развивая наше воображение и формируя наш вкус.
А.А.Рылов. В голубом просторе. 1915г. ГТГ. Москва

9. Масштабность, монументальность- формы отражения возвышенного в искусстве.

Пирамиды Хеопса,
Хефрена, Минкаура
Высота – 146 метров
Длина основания грани
– 230 метров

10. Возвышенны чувства и мысли героев античной трагедии и произведений У. Шекспира

Уильям Шекспир
• «Король Лир»
• «Отелло»
• «Ромео и Джульетта»
• «Гамлет»
Античная трагедия
• Эдип и Антигона
• Агемемнон и пророчица
Кассандра
• Андромаха и Менелай

11. Финал Третьей («Героической») симфонии Бетховена посвящен титанической борьбе Прометея дерзнувшего бросить вызов самому Зевсу.

В
фильме «Титаник» (реж. Дж. Камерон) музыканты играют на палубе тонущего
корабля финал симфонии № 3.

12. Низменное в искусстве «Чуждайтесь низменного – оно всегда уродливо» Н.Буало

Низменное особенно
наглядно проявляется в
изображении ужасов войны.
Примеры:
«Пергамский алтарь Зевса»
Микеланджело «Битва
кентавров»
Леонардо да Винчи
«Битва при Ангиари»

13. Красота проявляется не только в прекрасном и возвышенном, но и в низменном и безобразном. В искусстве обыденное, уродливое и

низменное способны
оттенить явления возвышенные и прекрасные.
Часто произведение
искусства строится на
контрастах,
противопоставлении
возвышенного
низменному
Пример: А.С.Пушкин
«Моцарт и Сальери»
«гений и злодейство – две
вещи несовместимые»

14. Контраст жизни и смерти гениально воплотился в хореографической миниатюре «Умирающий лебедь», которую для Анны Павловой (

1881-1931гг) поставил
Михаил Фокин на музыку КамиляСен-Санса
Увидев танец
Павловой, маэстро
воскликнул:
«Мадам, теперь
я понял, какую
прекрасную музыку
написал!»
На языке искусства
прекрасной может быть
даже смерть.

15. Низменное в живописи.

И.Босх «Несение креста»
П.Н.Филонов «Пир
королей»
Ф.Гойя «Капричос»

16. «Капричос» («фантазия», «причуда», «игра воображения») – серия из 80 офортов. Каждый лист – рисунок и авторский комментарий к

нему. До сих пор исследователи затрудняются дать
однозначное толкование офортам Франсиско Гойи (1746-1828гг)
Офорты
обличали
обычаи,
суеверия,
пороки всех сословий
Испанского общества,
нищету,
власть
инквизиции. Красота и
уродство, реальность и
фантастика, трагедия и
фарс переплетаются в
них.

Возвышенное и низменное в искусстве

Возвышенное и низменное в искусстве

Искусство

8 класс

«Что есть красота?»

1. Красота — это всё красивое, прекрасное, всё то, что доставляет эстетическое и нравственное наслаждение. (С.И. Ожегов, Н.Ю. Шведова ,Толковый словарь русского языка )

2. КРАСОТА́ — высшая эстетическая оценка явлений окружающей человека действительности, самого человека или созданного им произведения искусства.(Словарь изобразительного искусства)

3. Красота — это наивысшая степень целесообразности, степень гармонического соответствия и сочетания противоречивых элементов во всяком устройстве, во всякой вещи, всяком организме.(из романа И.Ефремова «Лезвие бритвы»)

«Что есть красота?»

Подлинная красота не зависит от времени, места или же личных мнений, а обладает чисто внутренней, самостоятельной ценностью. Прекрасным вещам свойственны такие особенности, как соразмерная форма, упорядоченность, истинное изящество и изящество сложения, точность пропорций и гибкость форм.

Прекрасны только те произведения искусства, которые выглядят так, будто сотворены природой.

Платон

КАНТ

У красоты смыслов столько же, сколько у человека настроений.

Красота — это символ символов. Красота открывает нам всё, поскольку не выражает ничего.

Оскар Уайльд

Эстетика — это наука о прекрасном в искусстве и жизни.

• Эстетика изучает законы и особенности художественного восприятия окружающего мира.
• Эстетика оперирует категориями, среди которых особое значение для восприятия и оценки произведений искусства имеют категории прекрасного, возвышенного и низменного, трагического и комического.

План урока:

• Возвышенное в искусстве
• Низменное в искусстве

Возвышенное в искусстве

Возвышенное всегда выражает устремлённость людей к ещё более высоким, идеальным целям и задачам. Отсюда безмерность, безграничность возвышенного.

Н. К. Рерих. Гималаи. 1946 г.

В. М. Васнецов. Ковёр-самолёт. 1880

г.

Возвышенное всегда выходит за пределы повседневной жизни. Оно поднимается над обыденностью и рождает в человеке духовный подъём, чувства восторга, радостного изумления, преклонения, ощущение величия.

А. С. Пушкин «Египетские ночи»:

Стремиться к небу должен гений,

Обязан истинный поэт

Для вдохновенных песнопений

Избрать возвышенный предмет.

А. А. Рылов. В голубом просторе. 1915 г.

«Всё скрытое, всё таинственное может быть источником страха и потому способно стать возвышенным»

Статья «О возвышенном»

Вопрос классу: почему Шиллер так думал?

Ф. Шиллер

Проявления возвышенного связаны с поворотными моментами в истории человечества, в судьбах людей. Это всегда что-то значительное и важное в жизни общества и человека. Возвышенное — это всё то, что перекрывает масштаб обычных, соразмерных с человеком явлений и предметов.

Возвышенное в природе и в человеке «может быть прекрасно, может быть гнусно или отвратительно… Злое возвышенно, когда оно так сильно, что всякое сопротивление окружающих людей такому человеку ничтожно, падает перед могуществом его воли и ума.

Потому, чтобы злое являлось нам как возвышенное, оно должно сопровождаться необыкновенною силою страсти, проницательностью, гибкостью высокого ума и способностью злодея жертвовать второстепенными своими стремлениями и наслаждениями для достижения главной цели»

Н. Г. Чернышевский

Вопрос классу: Как вы понимаете слова Н.Г.Чернышевского?

Приведите примеры искусства, на примере которых мы могли бы убедиться в правдивости этих слов.

В.Васнецов «Иван Грозный», 1897г.

Высокое искусство ценно для нас тем, что заключает в себе возвышенное, постигнутое художником в жизни и воплощённое им в совершенной форме в произведении искусства. Искусство сохраняет возвышенное на века, развивает наше воображение, формирует художественный вкус. Высочайшая из пирамид — пирамида Хеопса — до сих пор, например, поражает своими размерами и не имеет аналогов среди каменных построек мира. Её высота более 146 метров, а длина основания каждой грани 230 метров.

Пирамиды в Гизе. Ок. 2800—2250 г. до н. э.

Возвышенны чувства и мысли героев античной трагедии и произведений У. Шекспира: царя Эдипа и Антигоны, Агамемнона и пророчицы Кассандры, Андромахи и жестокого Менелая, короля Лира и Гамлета.

• И вот к обезумевшему от горя, одетому в рубище Лиру во время страшной бури в степи приходит прозрение:

• …У меня в груди
• Всё вытеснено вон душевной бурей.
• Одно томит, одно я сознаю,
• Одно: дочернюю неблагодарность!..
• …Вот тебе урок,
• Богач надменный! Стань на место
• бедных,
• Почувствуй то, что чувствуют они,
• И дай им часть от своего избытка
• В знак высшей справедливости
• небес…

• (Перевод Б. Л. Пастернака)

Могущественный король Лир в одноимённой трагедии Шекспира, решив разделить королевство между тремя своими дочерьми, захотел удостовериться в глубине их привязанности к себе. Не сумев отличить пышную лесть старших дочерей от истинной, хотя и выраженной в немногих словах любви младшей, Корделии, он лишил последнюю наследства. Однако, получив желаемое, старшие дочери не захотели более заботиться об отце.

Король Лир — М. И. Царёв. Спектакль Малого театра. Москва, 1982 г. Режиссёр — Л. Е. Хейфец

• Изгнанный из дома неблагодарными дочерьми, раздавленный чувством вины перед Корделией, осознавший иллюзорность своего былого величия, Лир по-иному начинает смотреть на жизнь. Он стойко противостоит несчастьям и, осознав истинные ценности мира, обретает нечто большее, чем власть над людьми, — власть над собой и своими страстями.

Д. Маклиз. Король Лир и Корделия. 1853 г.

Тоска и печаль, восторг и радость, разочарование и надежды, взлёты и падения — всё, чем живёт человек, гениально воплотилось в её чарующих и торжественных звуках музыки великого композитора. Через муки и страдания — к свету и счастью, в мир торжествующей красоты зовёт нас эта музыка. Финал Третьей («Героической») симфонии Бетховена посвящён титанической борьбе Прометея, дерзнувшего бросить вызов самому Зевсу. Эта музыка прославляет высокий подвиг во имя человечества, доблестную смерть героя.

К. Хорнеман. Портрет Л. ван Бетховена. 1803 г.

Подобно природным стихиям, сталкиваются и клокочут растревоженные силы человеческого духа в музыке немецкого композитора Людвига ван Бетховена (1770—1827). Тоска и печаль, восторг и радость, разочарование и надежды, взлёты и падения — всё, чем живёт человек, гениально воплотилось в её чарующих и торжественных звуках. Через муки и страдания — к свету и счастью, в мир торжествующей красоты зовёт нас эта музыка. Р. Вагнер писал: «Здесь применимо только эстетическое понятие возвышенного: потому именно, что здесь действие радостного тотчас уносит нас далеко за пределы удовлетворения красивым».

Смертельно раненный «Титаник» погибал медленно, мучительно долго, словно не хотел расставаться с жизнью. А сотни людей, обречённые вместе с ним на гибель, слушали музыку бетховенской симфонии, и эта музыка укрепляла их волю, вливала в них мужество, уберегала от паники, от душевных мук, от сумасшествия — от всего, что неизбежно угрожало каждому, кто находился в эти минуты на корабле. Музыка Бетховена звучала мужественно и величаво, заглушая шум воды, заполнявшей тело корабля, заглушая страдания гибнущих людей

Все музыканты судового оркестра «Титаника» играли до последнего момента и погибли, в ночь с 14 на 15 апреля 1912 года…

Кадр из кинофильма «Титаник». Режиссёр Дж. Кэмерон. 1997 г.

Когда Пушкин описывает сцену Полтавской битвы в поэме, под его пером рождается героический образ Петра, появляются поэтические метафоры и сравнения. О самоотверженной победе русских поэт говорит в возвышенном стиле:

…Из шатра,

Толпой любимцев окружённый,

Выходит Пётр. Его глаза

Сияют. Лик его ужасен.

Движенья быстры. Он прекрасен,

Он весь, как Божия гроза…

И грянул бой. Полтавский бой!..

Швед, русский — колет, рубит, режет.

Бой барабанный, клики, скрежет,

Гром пушек, топот, ржанье, стон,

И смерть и ад со всех сторон.

Л. Каравак. Пётр I. Фрагмент картины «Полтавская баталия». 1717—1718 гг.

Низменное в искусстве

Эстетическая категория возвышенного часто противопоставляется категории низменного, которое пробуждает в человеке такие чувства, как отвращение, презрение, эгоизм, грубость, своеволие. Низменное оскорбляет и принижает человеческое достоинство.

«Чуждайтесь низкого — оно всегда уродливо»

Низменное несёт в себе отрицательный смысл, представляет собой грозную опасность для человека.

Н. Буало

Рельефы Пергамского алтаря Зевса

Рельеф Микеланджело «Битва кентавров»

Леонардо да Винчи «Битва при Ангиари».

Копия работы Рубенса

В искусстве воплотясь, и чудище, и гад

Нам всё же радуют насторожённый взгляд:

Нам кисть художника являет превращенье

Предметов мерзостных в предметы восхищенья. ..

Н. Буало

«Если выставишь всю дрянь, какая ни есть в человеке, и выставишь её таким образом, что всякий из зрителей получит к ней полное отвращение, спрашиваю: разве это уже не похвала всему хорошему? Спрашиваю: разве это не похвала добру?»

Н. В. Гоголь

«…Сценическая красота может быть даже в изображении уродства… Это такая же простая и несомненная истина, как то, что могут быть живописны отрепья нищего. Тем более прекрасно должно быть на сцене изображение красоты, и тем благороднее должно быть благородство»

Ф. И. Шаляпин

• Контраст жизни и смерти гениально воплотился в хореографической миниатюре «Умирающий лебедь», которую для Анны Павловой (1881—1931) поставил на музыку К. Сен-Санса М. М. Фокин.

Анна Павлова в миниатюре «Умирающий лебедь». Постановка М. М. Фокина. 1905 г.

И. Босх «Несение креста»

Франсиско Гойя (1746—1828), «Капричос»

«Они говорят „Да“ и протягивают руку первому встречному»

«Ведь он разбил кувшин. Кто из них хуже?»

«Тонко прядут»

«Сон разума рождает чудовищ»

«До самой смерти»

«Доносчики»

Вопросы:

• Что изучает законы и особенности художественного восприятия окружающего мира?
• Какое эстетическое понятие всегда выражает устремлённость людей к идеальным целям и задачам?
• Какое эстетическое понятие оскорбляет и принижает человеческое достоинство?
• Какие художники(2) создали примеры низменного в искусстве?
• Какие художники(2) создали примеры возвышенного в искусстве?

Возвышенное и низменное в искусстве — презентация на Slide-Share.ru 🎓

1

Первый слайд презентации: Возвышенное и низменное в искусстве

Эстетика – наука о прекрасном в искусстве и жизни. Она изучает законы и особенности художественного восприятия окружающего мира.

Изображение слайда

2

Слайд 2: Слово «эстетика» (греч.) – ощущаю, воспринимаю. Следовательно, связано с восприятием прекрасного человеком. Как наука эстетика сформировалась в 18 веке, однако, ее основы были заложены еще в эпоху Античности философами Сократом, Платоном и Аристотелем

Изображение слайда

3

Слайд 3: Возвышенное в искусстве

В.М.Васнецов «Ковер- самолет. 1880г. Нижегородский государственный изобразительный музей

Изображение слайда

4

Слайд 4: Возвышенное»- одна из интереснейших категорий эстетики. Само слово имеет общий корень с такими словами, как «высь», «высота». С древнейших времен высота звала и манила к себе людей. Покорение высоты всегда было связано для человека с достижением идеала, воплощением заветной мечты

Питер Брейгель Старший. Падение Икара. 1555-1558 гг. Королевский музей изящных искусств, Брюссель Питер Брейгель. Вавилонская башня. 1563 г. Музеи Бойманса-ван-Бенингена, Роттердам.

Изображение слайда

5

Слайд 5: О красоте горных вершин мы читаем в стихотворениях М.Ю.Лермонтова, Ф.И.Тютчева, В.С.Высоцкого, Ю.И.Визбора А Николай Константинович Рерих считал, что созерцание высоких гор наполняет душу человека «чем-то зовущим, неукротимо влекущим»

Изображение слайда

6

Слайд 6: Николай Константинович Рерих

Гималаи. Розовые горы Гималаи. Голубые горы.

Изображение слайда

7

Слайд 7: С проявлением возвышенного в природе встречается каждый из нас. М.В.Ломоносов с восхищением писал: Открылась бездна, звезд полна; Звездам числа нет, бездне дна

Винсент ван Гог. Звездная ночь над Роной. 1890г.

Изображение слайда

8

Слайд 8: Проявления возвышенного нередко связаны с поворотными моментами в истории человечества, в судьбах людей. Это всегда что-то значительное и важное в жизни общества и человека. Возвышенное – это все то, что перекрывает масштаб обычных, соразмерных с человеком явлений и предметов. Высокое искусство ценно для нас тем, что заключает в себе возвышенное, постигнутое художником в жизни и воплощенное им в совершенной форме в произведениях искусства. Искусство сохраняет возвышенное на века, развивая наше воображение и формируя наш вкус

А.А.Рылов. В голубом просторе. 1915г. ГТГ. Москва

Изображение слайда

9

Слайд 9: Масштабность, монументальность- формы отражения возвышенного в искусстве

Пирамиды Хеопса, Хефрена, Минкаура Высота – 146 метров Длина основания грани – 230 метров

Изображение слайда

10

Слайд 10: Возвышенны чувства и мысли героев античной трагедии и произведений У.

Шекспира

Уильям Шекспир «Король Лир» «Отелло» «Ромео и Джульетта» «Гамлет» Античная трагедия Эдип и Антигона Агемемнон и пророчица Кассандра Андромаха и Менелай

Изображение слайда

11

Слайд 11: Финал Третьей («Героической») симфонии Бетховена посвящен титанической борьбе Прометея дерзнувшего бросить вызов самому Зевсу. В фильме «Титаник» ( реж. Дж. Камерон) музыканты играют на палубе тонущего корабля финал симфонии № 3

Изображение слайда

12

Слайд 12: Низменное в искусстве «Чуждайтесь низменного – оно всегда уродливо» Н.Буало

Низменное особенно наглядно проявляется в изображении ужасов войны. Примеры: « Пергамский алтарь Зевса» Микеланджело «Битва кентавров» Леонардо да Винчи «Битва при Ангиари »

Изображение слайда

13

Слайд 13: Красота проявляется не только в прекрасном и возвышенном, но и в низменном и безобразном.

В искусстве обыденное, уродливое и низменное способны оттенить явления возвышенные и прекрасные

Часто произведение ис кусства строится на контрастах, противопоставлении возвышенного низменному Пример: А.С.Пушкин «Моцарт и Сальери» «гений и злодейство – две вещи несовместимые»

Изображение слайда

14

Слайд 14: Контраст жизни и смерти гениально воплотился в хореографической миниатюре «Умирающий лебедь», которую для Анны Павловой ( 1881-1931гг ) поставил Михаил Фокин на музыку КамиляСен-Санса

Увидев танец Павловой,  маэстро воскликнул: «Мадам, теперь я понял, какую прекрасную музыку написал !» На языке искусства прекрасной может быть даже смерть.

Изображение слайда

15

Слайд 15: Низменное в живописи

И.Босх «Несение креста» П.Н.Филонов «Пир королей» Ф.Гойя « Капричос »

Изображение слайда

16

Слайд 16: Капричос » («фантазия», «причуда», «игра воображения») – серия из 80 офортов.

Каждый лист – рисунок и авторский комментарий к нему. До сих пор исследователи затрудняются дать однозначное толкование офортам Франсиско Гойи (1746-1828гг)

Офорты обличали обычаи, суеверия, пороки всех сословий Испанского общества, нищету, власть инквизиции. Красота и уродство, реальность и фантастика, трагедия и фарс переплетаются в них.

Изображение слайда

17

Последний слайд презентации: Возвышенное и низменное в искусстве

Изображение слайда

крайняя степень безобразного, чрезвычайно негативная ценность, имеющая отрицательную значимость для человечества; сфера несвободы. Это еще не освоен

                                     

3. В философии XIX в

Развитием понятия безобразного занимался Иоганн Карл Фридрих Розенкранц, немецкий философ, ученик Гегеля. В своём труде «Эстетика безобразного» 1853, он указывает, что в развитии идеи прекрасного неизбежен анализ безобразного. Таким образом, понятие безобразного, как отрицательной формы прекрасного, становится частью эстетики.

Розенкранц разработал подробную ступенчатую классификацию безобразного:

• I. Отсутствие формы
• …

• …
• II. Неточное неправильное

• 1) низменное
• 3) ничтожное
• 2) слабость
• А. Ординарное
• III. Распад формы деформация

• …
• Б. Отвратительное

Ординарное является противоположностью возвышенного. Понятие величественного обусловливает понятие ординарного. К примеру, отдельное лицо может считаться ординарным тогда, когда в нем просвечивается зависимость конкретного человека от некоторого порока, поскольку такая зависимость противоречит понятию человека, достоинство которого она оспаривает. Если возвышенная величина устраняет своей бесконечностью границы времени и пространства, жизни и воли, отличий воспитания и социального положения, то низменное, наоборот, устанавливает эти границы без необходимости их наличия. Если возвышенное реализует свободу, то низменное ограничивает свободу бытия там, где она не является необходимой. В обычной жизни говорим, к примеру, что отдельный человек низменный, когда из-за педантичной сосредоточенности на несущественном он устанавливает препятствия существенному в его стремлении к самореализации, — такой человек несвободен от мелочности, которую он не способен преодолеть.

Людвиг Фейербах отстаивал идею антропологизма: понимание человека как чисто природного, биологического существа. Духовное начало в человеке не может быть отделено от телесного, дух и тело — две стороны человеческого организма. Фейербах в своем труде «Сущность христианства» 1841 показал процесс возникновения понятия «Бог», как идеализирование, преувеличение, превращение в абсолют собственных, реальных человеческих качеств. Бог является неким рафинированным, избавленным от пороков, недостатков и слабостей человек. Но, чем могущественнее и совершенным становится Бог, тем более ничтожным становится сам человек. Собственная жизнь рассматривается религиозным человеком как нечто низменное, как испытание и подготовку к подлинной жизни «на том свете». Фейербах видит в этом большую угрозу для человеческих отношений. Принижение человека, отождествление его земной жизни с низменным в конце концов пагубно отражается на отношениях между людьми. И те низменные чувства, от которых человек пытается отгородиться, все равно проявляются. Фейербах предлагает людям, избавленным иллюзорного религиозного сознания, понявшим истоки религиозных представлений, заменить поклонение Богу уважительным отношением друг к другу.

Категория возвышенного в эстетике — Это то, что меня вдохновляет… — LiveJournal

Возвышенное — эстетическая категория, характеризующая эстетическую ценность предметов и явлений, которые обладают большой положительной общественной значимостью, но в силу своей колоссальной мощи не могут быть положительно освоены обществом и личностью. Это объективное эстетическое свойство, которое оказывает влияние на жизнь целых народов или всего человечества.
Факты и события, относящиеся к порядку возвышенного как чрезмерного и беспредельного, вызывают в нас чувство восхищения, восторга, радости. Бесконечность и вечность мира, мощные внутренние силы природы и человека, безграничные перспективы в освоении природы — все это характеризует различные моменты возвышенного.
Возвышенное обнаруживает двойственную природу человека — оно подавляет человека как физическое существо, заставляет осознать свою конечность и ограниченность. Одновременно оно возвышает его как духовное существо, пробуждает в нем сознание нравственного превосходства даже над физически несоизмеримой и подавляющей его природой, так как предполагает преодоление человеком своей тревоги и страха. Как только мощное масштабное явление природы хотя бы опосредованно втягивается в систему общественных отношений, оно становится возвышенным. Полное освоение явления, овладение им изменяет и его эстетические свойства: из возвышенного оно становится прекрасным.
Возвышенное в обществе — это созданные руками человека гигантские технические сооружения, мощные социальные движения, охватывающие огромные массы людей, грандиозное по результатам творческое созидание.
Типичными формами отражения возвышенного в искусстве является грандиозность, масштабность, монументальность. Ярким примером таких произведений являются египетские пирамиды. Утверждая величие фараона, они подавляли человеческую личность, которая на фоне грандиозной усыпальницы превращалась в песчинку, ничего не значащую по сравнению с вечностью, воплощенной в образе колоссального надгробия.
Для средневековья характерно религиозное представление о возвышенном, отождествление его с богом. Образ возвышенного запечатлен в готических соборах, осваивавших грандиозное пространство ввысь. Устремленными вверх линиями они выражали связь человеческих надежд с небом.
Характерное для эпохи Возрождения воплощение возвышенного — скульптура Микеланджело Буонарроти «Давид». Юноша изображен за мгновение до схватки, в нем дремлет могущество, готовое вот-вот выплеснуться в мир.
В искусстве Нового времени возвышенное гениально воплощено в Девятой симфонии Лю́двига Ван Бетховена. Эта симфония передает подспудную мощь исторических процессов, в которые втянуты огромные массы народа. И природа, и человеческая жизнь воспринимаются Бетховеном космично, возвышенно.
В целом отражение возвышенного в искусстве требует от художника особой интенсивности, яркости, пафосности средств, художественной выразительности.
Одной из форм возвышенного является героическое, тесно связанное с трагическим. Героическое раскрывает ценностный смысл выдающегося деяния, требующего от человека высшего напряжения духовных и физических сил.
Низменное — антипод возвышенному
Низменное — эстетическая категория, характеризующая эстетическую ценность обладающих большой отрицательной общественной значимостью предметов и явлений. Низменное таит в себе угрозу для общества и личности.
Низменное противоположно возвышенному. С низменным напрямую связана сфера несвободы человека, его зависимость от стихийных природных и общественных сил.
Примером низменного являются известные сказочные персонажи: Баба-Яга и Кащей Бессмертный. Низменную страсть к накопительству, жадность раскрыли великие писатели Н. В. Гоголь (в образе Плюшкина) и О. де Бальзак (в образе Гобсека). Низменный характер войны раскрыл художник Василий Верещагин в картине «Апофеоз войны», посвященной всем «великим завоевателям» — прошлым, настоящим и будущим. Таким образом, как-низменное воспринимаются антигуманные, беспринципные человеческие поступки и характер тех, кто способен их совершить.

Источник: http://prepod.info/ru/article/kategoriya_vozvyshennogo_v_estetike/

Прекрасное и искусство. Прекрасное в жизни и в искусстве

Прекрасное и искусство

Все основные черты эстетической категории прекрасного наиболее полно выступают при рассмотрении красоты искусства. Специфика искусства не может быть раскрыта, если из ее рассмотрения исключить понятие прекрасного. Искусство является высшей формой выражения эстетического отношения человека к действительности.

Специфика искусства определяется прежде всего тем, что оно имеет особый предмет отражения, отличный от предмета всех других форм общественного сознания. Предмет этот — объективная действительность в ее эстетическом своеобразии.

В отличие от других форм общественного сознания, игнорирующих эстетическое своеобразие действительности, либо касающихся его попутно, в качестве второстепенного момента в познании, искусство призвано отражать явления действительности в присущих им эстетических чертах. Раскрывая в своих образах объективно свойственные явлениям действительности красоту, безобразие, трагизм, комизм и т.д., оно тем самым отображает сущность этих явлений и воспитывает в людях определенное идейное отношение к ним. Общественно необходимое, должное в данную историческую эпоху искусство показывает нам как привлекательное, доставляющее наслаждение, эстетически прекрасное.

Выше мы видели, что эстетические качества явлений действительности имеют общественное содержание. Очевидно, таким образом, что предмет искусства по существу своему является предметом общественным. Уже у русских революционных демократов были догадки об этой особенности предмета искусства, когда они выдвигали тезис, что главным предметом искусства является человек. Человек, действительно, является главным предметом искусства, во-первых, в том смысле, что в подавляющем большинстве художественных произведений он выступает в качестве прямого предмета отображения; во-вторых, потому, что в тех произведениях, где нет прямого изображения людей, а воспроизводятся лишь явления окружающего их мира (пейзаж, натюрморт и т.п.), человек является предметом косвенного отображения. Человек отражается также и в тех видах и жанрах искусства, которые прямо ничего не изображают или содержат лишь элементы изобразительности (архитектура, ряд жанров декоративно-прикладного искусства, произведения бессюжетного танца и непрограммной инструментальной музыки, отдельные образы поэтической лирики). Но специфическим предметом искусства является не просто человек как таковой, а именно объективная действительность в ее эстетическом своеобразии или эстетических качествах.

Сила художественной выразительности искусства тем больше, чем полнее и ярче раскрывает оно эти эстетические качества явлений действительности.

Отличие искусства как художественной деятельности людей от эстетической стороны любой другой их деятельности (практической, научной и т.д.) не только в том, что художественная деятельность есть особое, самостоятельное общественное явление, а эстетическая сторона другого рода деятельности всегда является только стороной и при этом не главной, а подчиненной. Отличие это также в том, что искусство есть отражение действительности, уже обладающей эстетическими качествами. Эти эстетические качества действительности выражают человека, но они есть качества именно этой действительности, а не явление отражающего ее сознания. Именно поэтому сущность искусства не просто эстетическая, а художественная. Художественное есть высшая форма эстетического. Оно есть эстетическое, ставшее образным отражением действительности.

Эстетическое отношение к действительности проявляется в искусстве, в творчестве художника ярче, чем при непосредственном восприятии явлений жизни всеми людьми.

Отображая явления действительности в их эстетическом своеобразии, художник одновременно выражает свое отношение к ним, дает им эстетическую оценку. Это не два разные фактора художественного творчества, а по сути своей одно и то же. Осознать красоту какого-либо явления — это и значит дать ему эстетическую оценку. И наоборот, истинная эстетическая оценка не может быть дана вне освоения эстетического своеобразия самого оцениваемого явления. Поэтому, будучи отражением эстетического своеобразия объективной действительности, искусство одновременно выступает и как выражение эстетического идеала художника. Идеал этот может быть воплощен наиболее полно именно в искусстве, посредством художественных образов. Это возможно благодаря чувственной конкретности искусства и в то же время его обобщающей силе.

Художественный образ и эстетические качества явлений действительности — однородные, однопорядковые явления. В самом деле: мы определяем эстетическое качество как то или иное предметное, чувственно-конкретное качество, выражающее человеческое, общественное содержание, запечатлевающее человеческую сущность в форме свойства предмета; но ведь такова же по своей сути и характеристика художественного образа как типа, т.е. как выражения единства общего и индивидуального, как воплощения общественного содержания в чувственно-конкретном облике воспроизводимых явлений. Эстетическое качество — это как бы зародыш, эмбрион художественного образа.

Сказанное может быть пояснено таким примером.

Эстетические качества звука — это его выразительность (того или иного характера), его способность «говорить» о вызвавших его предметах или явлениях. В реальной действительности наиболее полно эстетические качества звука реализуются в интонации человеческой речи. Иной раз интонация речи может сказать больше, чем слова (недаром говорят: «Тон делает музыку»). По интонации мы можем не только судить об оттенках чувства говорящего человека и оттенках смысла произносимых им слов, но часто судим и о национальности, возрасте, особенностях темперамента и характера человека и многих других моментах. Выразительность интонации реализуется в изменениях высоты, длительности, тембра звуков речи, в ее темпе и ритме, паузах и ударениях. Через физические свойства звука в интонации раскрывается человеческий смысл. Звук тем самым становится «очеловеченным», приобретает эстетическое значение и в качестве такового может быть прекрасным или безобразным.

На этой же эстетической закономерности, существующей в звучаниях реальной жизни (в особенности в интонациях речи), основана и специфическая образность музыки как вида искусства. То, что в интонациях речи (как особом эстетическом качестве звука) содержится в зачаточном, эмбриональном состоянии, в музыке приобретает многократно усиленный, развитый вид. Те звуковые элементы и свойства, через которые выражаются оттенки чувства и смысла в интонации речи (изменения высоты, длительности, тембра и т.д.), в музыке разрабатываются в специфическую систему ладовых, метро-ритмических и других музыкально-выразительных средств. Содержание же, раскрываемое в интонации речи, в музыке развивается до значения отражающей действительность художественной образности. Выражение данного идейно-эмоционального содержания в специфической музыкальной форме основано на интонационном принципе. Выразительность музыки имеет интонационную природу, представляет собой развитую, обособившуюся от речи и ставшую самостоятельным носителем художественного образа специфическую интонацию.

Так же обстоит дело и в любом другом виде искусства.

Художественно-образное отражение действительности развивается в процессе эстетического отношения человека к ней. Искусство является главным, специфическим средством воплощения эстетического отношения людей к миру. Оно призвано воплощать и раскрывать эстетический идеал.

Формы воплощения эстетического идеала отнюдь не сводятся к изображению прекрасного и могут быть очень многообразны. Но часто раскрытие идеала осуществляется именно путем изображения прекрасного.

В искусстве прошлого создано множество художественных образов, являющихся по своему предметно-изобразительному значению прямым и непосредственным выражением эстетического идеала художника, воплощением его представлений о прекрасном в жизни. Таков, например, «Давид» Микеланджело, воплощающий идеал прекрасного, всесторонне развитого человека эпохи Возрождения — героя, атлета, движимого могучим благородным порывом. Таков Иван Сусанин в одноименной опере Глинки, глубокая красота которого раскрывается в его патриотическом подвиге самопожертвования ради спасения Родины, в богатом духовном мире, могучем и сильном характере, сконцентрировавшем лучшие черты русского народа. Такова галерея замечательных женских образов русской литературы — от Татьяны Пушкина до трех сестер Чехова,— воплотившая лучшие эстетические стремления и эстетические идеалы передовых русских людей.

Прекрасное отнюдь не является единственным предметом изображения в искусстве. Область искусства (в смысле предмета изображения) значительно шире области прекрасного, что неоднократно подчеркивал Чернышевский. Сводить искусство к изображению прекрасного это значит скатываться на позиции эпигонов эстетики классицизма (Батте, Зульцер и др.), видевших сущность искусства в «подражании прекрасной натуре». Вместе с тем невозможно отрицать значения изображения в искусстве прекрасных явлений действительности для раскрытия и утверждения эстетического идеала.

Показывая должное, общественно-необходимое, требуемое задачами развития данного общества как прекрасное, искусство способствует тому, что люди свободно, без принуждения осуществляют те общественно-необходимые задачи, которые перед ними стоят, и осуществление этих задач доставляет им наслаждение.

Изображая прекрасное, искусство показывает нам зримый, реально ощутимый идеал, учит видеть черты его в жизни, создает образец для подражания, дает человеку знание о прекрасном в жизни и тем самым эстетически воспитывает его. Часто оно как бы собирает в едином образе разбросанные, изолированные в жизни черты прекрасного, давая его концентрированное, как в фокусе, выражение. В любых случаях оно показывает типичность прекрасного, его жизненную суть.

Советский художник, правдиво отражая действительность, также может выразить эстетические идеи советского общества в прямой и непосредственной форме. Правдивый показ действительности в советском искусстве предполагает одновременно показ ее прекрасных явлений, победу этих явлений в борьбе с безобразным и низменным.

В советском искусстве создана галерея замечательных положительных героев, знакомство с которыми оказывает несомненное воздействие на сознание советского человека. Это не только легендарные герои гражданской или Великой Отечественной войны (Чапаев, краснодонцы и др.), не только образы выдающихся партийных и советских руководителей (Батманов в романе «Далеко от Москвы» и др.), но и образы простых советских людей, воспитанных социалистическим общественным строем и воплощающих в себе новую мораль, гуманизм, целеустремленность нашего общества (Платон Кречет, Авдотья Бортникова, лирические герои многих произведений советской поэзии и т.д.). В этих и им подобных образах воплощена красота нашей жизни, и они являются прекрасными.

Эстетический идеал художника, освещающий его произведения, может выражаться не только непосредственно в образах положительных героев, но и во многих деталях художественного повествования, картинах природы, окружающей героев обстановке и т.д. Он может символически выражаться в отдельных явлениях окружающей человека действительности.

А.Фадеев в начале романа «Молодая гвардия» дает описание красоты водяной лилии, восхищающей девушек. Этот образ прекрасного явления природы передает то ощущение красоты и ценности жизни, которое свойственно людям нашего общества и которое особенно обострилось и возросло в момент борьбы против ужасов варварского фашистского нашествия, топтавшего и уничтожавшего прекрасное во всех его проявлениях.

Однако эстетический идеал художника, его понятия о прекрасном в жизни могут быть воплощены в искусстве и не в прямой, непосредственной форме, а косвенно, через отражение безобразных явлений и осуждение их с позиций прекрасного. В реалистическом искусстве прошлого правдивое отображение сущности общественной жизни в художественных образах чаще приводило к показу безобразных явлений действительности, чем к показу ее красоты.

Так, например, русские художники-реалисты XIX века, правдиво отражая современную им действительность, раскрывая ее существенные черты, бичуя крепостничество и его порождения в самых различных областях жизни, в первую очередь обнажали и показывали уродства жизни, изображали и осуждали ее безобразные проявления. При этом великое реалистическое искусство прошлого никогда не эстетизировало безобразных явлений действительности, даже если оно-не изображало непосредственно ничего прекрасного. Критика существующего в реалистических произведениях прошлого велась с позиций глубокого сочувствия народу, служила интересам народа и связывалась художниками с более или менее ясными положительными идеалами, коренящимися в народе. Примерами такой критики могут служить «Мертвые души» Гоголя и «Господа Головлевы» Салтыкова-Щедрина, картины «Крестный ход на пасху» Перова и «Крестный ход в Курской губернии» Репина, сатирические романсы и песни Даргомыжского и Мусоргского и многие другие.

Изображая по преимуществу безобразные явления действительности, искусство критического реализма служило прекрасному и звало к нему, ибо оно служило народу. Осуждение безобразного с позиций представлений художника о прекрасном, с позиций его народных общественных идеалов было существенной чертой этого искусства. «Всякое отрицание, чтобы быть живым и поэтическим,— писал В.Г.Белинский,— должно делаться во имя идеала»[16].

Эту особенность искусства осознавали художники критического реализма. Так, например, М.Е.Салтыков-Щедрин связывал требование нравственного воздействия искусства с выражением миросозерцания, идеала писателя. Он писал: «Да не подумает, однако же, читатель, что мы требуем от писателя изображения людей идеальных, соединяющих в себе возможные добродетели; нет, мы требуем от него совсем не людей идеальных, а требуем идеала. В «Ревизоре», например, никто не покусится искать идеальных людей; тем не менее, однако, никто не станет отрицать и присутствия идеала в этой комедии»[17].

Правильное понимание Салтыковым-Щедриным «Ревизора» Гоголя как произведения, направленного на служение прекрасному в жизни путем разоблачения, осуждения и бичевания безобразного, подтверждается словами самого Гоголя. «Мне жаль,— писал Гоголь, вскоре после представления «Ревизора»,— что никто не заметил честного лица, бывшего в моей пьесе. Да, было одно честное благородное лицо, действовавшее в ней во все продолжение ее. Это честное, благородное лицо был смех… Смех, который весь излетает из светлой природы человека»[18].

В советском искусстве нет характерного для многих реалистов прошлого несоответствия между идеалом и действительностью. Изображение и утверждение красоты действительности является одной из главных задач советского искусства, что отнюдь не исключает, а, наоборот, предполагает разоблачение в советском искусстве безобразных, отрицательных явлений, борьбу с ними во имя утверждения прекрасного.

Продолжая традиции реалистического искусства прошлого, наше советское искусство учит различать за красивой внешностью людей их истинную сущность, не всегда совпадающую с этой красивой внешностью. Оно учит также за внешней неказистостью или даже безобразием человека видеть его прекрасный духовный мир. Иначе говоря, наше искусство учит эстетически оценивать явления действительности по их сущности, по их типическому содержанию, и в этом одно из проявлений его роли в эстетическом воспитании.

Вот портрет полковника Юсупова работы скульптора В.И.Мухиной. Некрасивое, скуластое лицо, обезображенное шрамом. Один глаз прикрыт повязкой. Черты лица неправильны, на нем следы оспы. Но при этом скульптурный портрет приковывает внимание своей выразительной силой. Мужество, сила воли, твердость духа, героический характер выражены в этом портрете и при этом не в абстрактной форме, а в живом облике, полном человеческого обаяния, и именно эта внутренняя красота героя, проступающая сквозь его внешне некрасивые черты, и является предметом данного произведения.

Эстетический идеал художника часто раскрывается в момент столкновения прекрасного и безобразного, в изображении острых жизненных конфликтов, борьбы непримиримо враждебных тенденций и сил. Художник может утверждать прекрасное, показывая или его победу в борьбе с безобразными явлениями, или его трагическую гибель. Он может показывать безобразное как комическое и воспевать прекрасное как возвышенное, героическое, благородное, гуманистическое и т.д. Средства и способы эстетической оценки жизненных конфликтов в искусстве многообразны. Но именно через изображение и эстетическое раскрытие сущности этих конфликтов чаще всего происходит утверждение средствами искусства эстетического идеала художника.

Итак, художественная специфика искусства определяется, во-первых, тем, что предметом искусства является объективная действительность в ее эстетическом своеобразии, во-вторых, тем, что в искусстве находит свое выражение эстетический идеал художника; художественное произведение и является воплощением идеала. Оба эти момента весьма важны для понимания прекрасного в искусстве. Однако они еще недостаточны для полноты его характеристики. Третий момент, существенно характеризующий художественность искусства, состоит в том, что само искусство (речь идет о подлинном реалистическом искусстве) всегда прекрасно и доставляет людям наслаждение, оно представляет собою явление, подобное эстетическим качествам самой реальной действительности.

Искусство может доставлять эстетическое наслаждение самим предметом изображения. Эстетика классицизма, например, именно этим и объясняла красоту искусства. Однако очевидно, что этот момент для объяснения красоты искусства совершенно недостаточен. Он недостаточен, во-первых, потому, что искусство может быть прекрасным и тогда, когда оно изображает не прекрасные, а безобразные явления действительности (примером могут служить те произведения искусства критического реализма, о которых речь шла выше). Во-вторых, он недостаточен потому, что, изображая прекрасные явления действительности, искусство вместе с тем не является прекрасным, если оно не прекрасно изображает их (примером могут служить слабые в художественном отношении произведения, в которых художники пытаются изображать красоту жизни).

Более важно для красоты искусства выражение в художественном произведении эстетического идеала художника. Именно благодаря тому, что этот идеал живет в душе художника в момент создания им своего произведения и самим фактом этого создания художник борется за осуществление своего идеала, искусство пробуждает представления о прекрасном в сознании воспринимающих его людей, зовет к нему, учит видеть красоту действительности и бороться за нее. Поэтому и само оно выступает как прекрасное явление, независимо от эстетического качества изображаемого предмета.

И все-таки выражение эстетического идеала хотя и необходимое, но еще не достаточное условие красоты самого искусства. Идеал выражается и в художественно слабых произведениях хотя и частично, неполно, ущербно. Для подлинной красоты искусства необходимо, следовательно, чтобы этот идеал был выражен в совершенной художественной форме, чтобы вся чувственно-конкретная сторона искусства выступала в ее идеальном содержательном значений, как раскрытие сущности человека.

Искусство подлинно прекрасно лишь тогда, когда прекрасно не только его содержание, но и воплощающая его форма и когда эта прекрасная форма вполне соответствует воплощаемому ею прекрасному содержанию. Иначе говоря, одним из факторов прекрасного в искусстве является то обстоятельство, что художественная форма подчинена выражению прекрасного содержания.

Так как ведя речь об эстетических идеалах, находящих выражение в искусстве, мы имели в виду объективно-истинные идеалы, соответствующие прогрессивному развитию общества и порожденные его задачами, то можно также сказать, что с точки зрения советской эстетики прекрасно то искусство, которое в совершенной художественной форме, глубоко и правдиво отражает сущность явлений действительности в их эстетическом своеобразии с позиций передовых, народных эстетических идеалов.

Для ряда направлений буржуазного искусства эпохи империализма характерно разложение представлений о прекрасном, эстетизация объективно безобразного и отвратительного, т.е. стремление представить его в качестве прекрасного. Мы знаем, что безобразное и низменное могут выступать в реалистическом искусстве только в качестве объекта осуждения и преодоления, но не любования и восхищения. Эстетизация безобразного, отвратительного является в современном упадочном буржуазном искусстве средством утверждения пороков капитализма, уродующего и коверкающего прекрасное в общественной жизни.

Если реалистическое искусство в силу наличия в нем высоких эстетических идеалов прекрасно изображало не только прекрасные, но и безобразные явления, при этом отнюдь не эстетизируя, а осуждая их, то декадентское искусство, стремясь к эстетизации безобразного, пытается и прекрасное сделать в искусстве безобразным. Вспомним, например, мертвенность пейзажей Сезанна или отталкивающие картины кубистов, в которых уродуются прекрасные формы предметного мира. А это ведет к распаду реалистической формы, достигшему своего апогея в современном сюрреализме и абстракционизме.

Жизненно правдивое искусство, говорит наша эстетика, прекрасно не только благодаря своему содержанию, но и благодаря своей форме. Призванное служить утверждению прекрасного в действительности и воспитанию в людях чувства красоты, искусство всю систему своих выразительных средств черпает из проявлений красоты в самой действительности.

Законы и нормы художественного языка вырабатывались в реалистическом искусстве в процессе воплощения в художественной форме правдивого содержания искусства. Они поэтому обладают некоторой красотой даже сами по себе, будучи абстрагированы от конкретных произведений искусства (как, например, могут быть красивые или некрасивые гармонические последовательности в музыке, архитектурные формы, цветосочетания в живописи и т.д.). Художественная форма, построенная с учетом этих закономерностей, до известного предела будет красивой именно как форма, даже независимо от воплощаемого ею содержания (и в этом одно из проявлений ее относительной самостоятельности). Красота формы — одно из непременных, необходимых условий подлинного искусства. В настоящем искусстве форма никогда не может быть безобразной, нарушающей законы и нормы художественного языка.

В то же время необходимо учитывать, что эта абстрактная красота формы самостоятельна лишь до известных пределов, что главным источником красоты формы является красота художественного содержания. Красота формы словно оживает в своей выразительности, когда она становится содержательной, когда именно через эту красоту в ней раскрывается большой идейно-эстетический, внутренний смысл художественного произведения. Когда же красивая форма прикрывает пустое или даже безобразное содержание, эта красота является чисто внешней, мертвой, окостенелой. Но такое противоречие между содержанием и формой может иметь место в очень ограниченных рамках. Когда содержание целиком выхолащивается из художественного произведения или становится антиэстетическим и реакционным, форма разрушается и теряет свою даже чисто внешнюю красоту.

Формалистическая эстетика нередко выступает под флагом борьбы за красоту художественной формы. Примером может служить известная книга Э.Ганслика «О музыкально-прекрасном», где немало говорится о красоте музыкальной формы, строящейся по специфически музыкальным законам. Но музыкальная форма понимается Э.Гансликом как нечто совершенно бессодержательное, более того, она отождествляется с самим содержанием музыки. Очевидно, что при таком понимании формы красота ее сводится к чисто внешней, абстрактной красивости. Практически же даже в этом смысле слова она недостижима в искусстве, лишенном всякого содержания.

В противоположность формалистическому пониманию красоты в искусстве, в музыке, в том числе, реалистическая эстетика всегда говорила о красоте формы как о явлении, обусловленном красотою содержания. Великий русский музыкальный критик А.Н.Серов писал, например, что «идеальное совершенство музыки только тогда достигается, когда правда выражения совпадает с чисто музыкальной, мелодической красотою, когда высшая правда выражения вызывает высшую красоту музыки»[19]. Он считал, что без правды выражения музыка становится только погремушкой, более или менее приятной, но вместе с тем и более или менее пустой.

Мы можем восхищаться прозрачностью и изяществом полифонического мастерства Глинки, богатством шопеновской мелодии, своеобразием гармонического языка Листа, красочностью инструментовки Римского-Корсакова — восхищаться всем этим именно как моментами прекрасной музыкальной формы. Но эта красота формы будет восхищать и радовать нас лишь при условии понимания содержания музыки, лишь как красота выражения этого прекрасного и правдивого образного содержания в звуковой структуре музыкального произведения.

Подлинная красота формы в искусстве не может быть достигнута на основе лживого и реакционного содержания. Те закономерности красоты, с учетом которых создается художественная форма в искусстве, только тогда приводят к действенным, эффективным результатам, когда они направлены на раскрытие правдивого жизненного содержания, отображаемого в свете передовых идеалов прекрасного. Это объясняется тем, что так называемая «формальная красота» (т.е. красота геометрических форм, цвета, света, движения, звука, используемая в создании художественной формы), хотя в отдельных случаях и может произвести на человека некоторое впечатление сама по себе, входит, однако, в область подлинно прекрасного лишь тогда, когда воспринимается содержательно, т. е. как проявление жизни, соответствующей нашим понятиям о ней и нашим эстетическим идеалам.

Мы можем восхищаться окраской, ритмом, симметрией и т. д. тех или иных природных явлений, но если эти качества присущи явлениям, пагубным для человека, они не могут быть восприняты нами как прекрасные. Мы можем восхищаться физической красотой человека, но, узнав, что он мерзавец, почувствуем к нему отвращение. Подобно этому и в искусстве подлинная красота формы немыслима вне правдивого жизненного содержания. «Прекрасное прекрасней во сто крат, увенчанное правдой драгоценной»,— писал Шекспир. «Красота — дело вкуса: для меня она вся в правде», — говорил Репин.

Только на основе правдивого и подлинно прекрасного содержания искусства достигается такое важнейшее качество прекрасной художественной формы, как ее простота и естественность. Подлинно прекрасное в искусстве просто, непринужденно, доступно. Оно просто не элементарностью, не грубым примитивом, а той высшей мудрой и внутренне богатой простотой, которая является результатом правдивости содержания и совершенства его художественного воплощения. Белинский неустанно повторял, что «простота есть красота истины». Чайковский писал, что «красота в музыке состоит не в нагромождении эффектов и гармонических курьезов, а в простоте и естественности»[20].

Реалистическое искусство всегда характеризовалось единством жизненной правды и красоты ее отображения, совершенно утраченным декадентами. Органически присущее реализму единство правды жизни и красоты ее отображения в период модернизма распалось, с одной стороны, на стремление к протокольно-точной фиксации случайных жизненных фактов (у натуралистов), с другой стороны, на самоцельную игру формальными средствами, некогда служившими созданию прекрасных реалистических форм, а ныне безразличными к жизненной правде и даже враждебными ей (у формалистов).

Произведение искусства только тогда прекрасно, когда правдивое, передовое идейное содержание целиком и полностью выражено в соответствующей ему художественной форме, когда это произведение обладает эстетическим единством содержания и формы. Критерий единства содержания и формы является одним из важнейших в определении прекрасного в искусстве.

Только содержательная форма в искусстве прекрасна. Исходя из этого, некоторые эстетики определяли прекрасное в искусстве именно как единство содержания и формы. «…К р а с от а есть соответствие формы содержанию»[21] — писал, например, Плеханов. Между тем, несмотря на большое значение этого единства для красоты художественного произведения, само по себе одно оно еще недостаточно.

Единство содержания и формы не может быть главным определяющим критерием прекрасного ни вообще, ни в искусстве. Этим единством обладают и декадентские художественные произведения, где растленному, упадочному содержанию соответствует уродливая форма, и несовершенные по мастерству произведения, где ущербное содержание порождает слабость формы.

Красота в искусстве заключена не в единстве содержания и формы самом по себе, а прежде всего в содержании, правдиво отражающем действительность в ее эстетическом своеобразии, воплощающем объективно-прекрасный эстетический идеал. Красота искусства состоит, далее, в его форме, созданной по законам красоты, присущим языку данного вида искусства. Красота эта, наконец, в единстве содержания и формы, в том, что красота формы служит раскрытию и максимально яркому доведению до людей прекрасного содержания.

Лишь все эти моменты в своей совокупности характеризуют прекрасное в искусстве. И достаточно отсутствия хотя бы одного из них, чтобы художественное произведшие перестало быть прекрасным. В самом деле, искусство, где содержание безобразно, но прикрыто внешне красивой формой, или искусство, где содержание прекрасно, но форма совершенно уродлива, где есть разрыв содержания и формы (хотя бы сами по себе они были прекрасны), не является подлинно прекрасным, не удовлетворяет целостному (и в этом смысле высшему) критерию художественной красоты. Только единство прекрасного содержания и соответствующей ему прекрасной формы создает подлинную красоту художественного произведения.

Над истинно прекрасным в искусстве время бессильно, говорил А.Н.Серов. Действительно, произведения классического искусства, воплотившие высокие эстетические идеалы, взращенные периодами расцвета в художественном развитии человечества, обладают нетленной, вечной красотой. Каждое новое поколение находит в них близкие, волнующие черты и стороны. Их красота, словно сконцентрировавшая в себе лучшие мечты, порывы, идеалы передовых людей своего времени, находит отзвук в сердце каждого человека, пробуждая самые сокровенные и дорогие переживания, формируя сознание и личность, активно воздействуя на развитие прекрасного в самой действительности. В этом великая воспитательная сила искусства.

Эстетическое отношение к действительности свойственно всем людям, но у художников оно особенно развито. В деятельности художника находит свое выражение художественный гений, свойственный народу в целом. Подлинно велик только тот художник, который черпает свои творческие силы из художественной одаренности своего народа, выражает его эстетические вкусы и взгляды. Типичное для народа эстетическое отношение к действительности как бы концентрируется в художнике и находит свое воплощение в его произведениях. А тем самым оно обогащается и в людях, воспринимающих искусство.

Выражая наиболее полно и ярко эстетическое отношение к миру, искусство учит людей творить красоту в самой действительности, т.е. делает их самих прекраснее и лучше. В этом его великое общественно-преобразующее значение.

Советские художники призваны создавать подлинно прекрасное искусство, способное вдохновлять наш народ в борьбе за построение коммунизма и осуществление самого высокого эстетического идеала в развитии общества.

Возвышенное — Краткий словарь по эстетике

ВОЗВЫШЕННОЕ — одна из основных (наряду с прекрасным, трагическим, комическим) категорий эстетики, отображающая совокупность природных, социальных и художественных явлений, исключительных по своим количественно-качественным характеристикам и выступающих благодаря этому источником глубокого эстетического переживания — чувства возвышенного. Категорией, полярно противоположной возвышенному, является категория низменного.

В природе возвышенны, например, безбрежные просторы неба и моря, громады гор, величественные реки и водопады, грандиозные явления природы — буря, гроза, полярное сияние и т. д.

Еще больше ярких проявлений В. мы находим в общественной жизни. Они содержатся в выдающихся деяниях, служащих делу прогресса, как отдельных личностей (великих людей, героев), так и целых классов, масс, народов. Возвышают и воспевают эти свершения и подвиги произведения искусства. В процессе художественного освоения возвышенного. сформировался целый ряд специфических жанров искусства: эпопея, героическая поэма, героическая трагедия, ода, гимн, оратория, монументальные жанры живописи, графики, скульптуры, архитектуры и др.

Исключительность возвышенных явлений бывает двоякого рода.
Это может быть
• (а) исключительность внешнего масштаба, превосходящего привычную норму чувственного восприятия, и
• (б) исключительность внутренняя, смысловая, постигаемая интеллектуально, духовно, опосредствованно. Существует немало явлений, в которых оба эти признака совпадают.

Возвышенное может быть лишь такое явление, которое при всей своей исключительности, мощи и грандиозности не представляет непосредственной угрозы созерцающему его человеку. В противном случае разрушаются сами условия эстетического восприятия.

Субъективное эстетическое переживание возвышенное — чувство возвышенное — противоречиво. В нем сочетаются ощущение исключительности воспринимаемого объекта (различные оттенки удивления, восхищения, восторга, благоговения, преклонения, даже робости) и подъем, мобилизация всех сил и высших духовных потенций человека.

Критерии и образцы возвышенного имеют классово обусловленный характер. Однако подлинно возвышенное творят и адекватно постигают лишь представители самых передовых, самых прогрессивных и революционных сил. Удел же тех, кто стал тормозом прогресса, либо вообще отрицание категорий возвышенного (теории «дегероизации»), либо его извращения и фальсификации (утверждение различных форм ложного величия, например, культ напыщенной личности, возвышающейся над «обществом», и т. п.). Ныне, как и в прошлом, возвышенное является объектом острой идейной борьбы.

Сущность возвышенного раскрывается новыми гранями при сопоставлении его с категорией прекрасного. Признак исключительности присущ и прекрасным предметам. Но под исключительностью здесь подразумевается нечто иное, чем в случае с возвышенным, а именно высшая степень гармонии и совершенства. Прекрасное и возвышенное могут соединяться в одном и том же предмете, дополняя и обогащая друг друга.

Возвышенное проявляется в борьбе человека с природой и в столкновениях противоположных социальных сил. Полное внутреннего напряжения, возвышенное несет в себе зерно неизбежных противоборств, конфликтов. Не случайно категория возвышенное тесно связана с эстетическими категориями драматического и трагического. Именно в драматических и трагических ситуациях и конфликтах ярко раскрывается подлинный масштаб возвышенного, величие человеческого духа.

Категория возвышенное обнаруживает в присущем ей содержании диалектическое единство эстетического и этического начал.

К возвышенному, непосредственно примыкает категория героическое. И все же полное отождествление этих двух категорий неправомерно. Если героическое всегда возвышенно, то обратное утверждение не всегда справедливо. Когда, например, выдающиеся результаты деятельности достигнуты без преодоления сопротивления враждебных сил, без величайших жертв, тогда перед нами возвышенное, но не героическое.

Возвышенное противостоит обычному, будничному. Но эта противоположность не абсолютна. Исключительность внутреннего значения объекта отнюдь не всегда находит дополнение в исключительности его внешнего масштаба. Поэтому возвышенное может также находить воплощение в явлениях внешне обычных, будничных, но пронизанных высоким значением и смыслом.

Особым, парадоксальным и маргинальным (пограничным) видом возвышенного является феномен т. наз. «мрачного величия», который существует и в природе (безжизненные скалы, пустыня, «белое безмолвие»), и в обществе (например, царь Иван Грозный, шекспировская леди Макбет, гетевский Мефистофель и др.). В этой модификации возвышенного не только отсутствует героическое в истинном смысле этого слова, но, напротив, мы отчетливо видим в нем проявления злой воли. И тем не менее мы не можем не ощущать своеобразную демоническую мощь этих фигур. В подобных случаях содержанием эстетического переживания является, с одной стороны, удивление незаурядностью субъективных качеств (воля, упорство, проницательность, решительность, личное бесстрашие и т. п.), проявленных такими личностями, а с другой — горечь от сознания того, что эти незаурядные человеческие качества оказались подчиненными принципам нравственного зла.

Вдохновляя личность на новые подвиги и свершения во имя прогресса, возвышенное играет огромную роль в жизни общества.

В различные исторические периоды и в то же время — нить преемственности между ними, а также взаимопереходы возвышенного и смежных эстетических категорий. Так, возвышенное часто превосходит и нарушает ранее освоенную меру прекрасного; но оно же дает стимул к достижению новой, еще более высокой меры красоты и само служит ориентиром на пути к эстетическому идеалу. Незаурядное, исключительное по своей природе, В. в то же время содержит тенденцию к превращению его в массовидное, чтобы затем поднять на новый уровень само возвышенное. С другой стороны, возвышенное, чье содержание со временем девальвировалось, неизбежно превращается в нечто низменное.

11 споров об искусстве последних четырех веков

Оли Скарфф — Getty Images News / Thinkstock

Некоторые художники просто не могут удержаться от разногласий. За последние четыре столетия многие художники расширили границы традиций, используя радикальные техники рисования, шокирующий контент или, в некоторых случаях, использование оскорбительных материалов. Многие из наиболее новаторских художников — тех, кто оказал наибольшее влияние на историю искусства — в свое время рассматривались как радикалы, часто критиковались и критиковались за то, что они открыли новую перспективу.Вот 11 примеров художников, которые столкнулись с последствиями нестандартного мышления.

---

• Караваджо,

  Смерть Богородицы , ок. 1605-06 Смерть Богородицы История живописи

  Картины Караваджо были такими же скандальными, как и его образ жизни. Пресловутый насмешник, Караваджо рисовал самые священные предметы с суровым реализмом, никогда ранее не встречавшимся католической церкви. Смерть Девы Марии был заказан для часовни в церкви Санта-Мария-делла-Скала в Риме, но был отклонен из-за грубого обращения со святым предметом.Мэри лежит безжизненная, опухшая и неопрятная, свесив ноги с края смертного одра. Караваджо гуманизировал своих предметов сверх того, что было обычно приемлемо в его время, но его стирание границ между высоким и низким искусством служило отличным примером для его современников и последующих поколений.

• Эдуард Мане,

  Olympia , 1863 Olympia Paris Notizen

  Мане не привыкать к скандалам. В 1863 году его Dejeuner sur l’herbe («Завтрак на траве») было отклонено жюри Салона того года.Салон 1865 года принял Olympia , картину лежащей обнаженной натуры, смотрящей на зрителя, но ее прием вызвал возмущение. Публика была ошеломлена нелестной манерой, в которой Мане нарисовал ее, резким освещением ее бледной, грубой кожи и тем фактом, что он обнажил тот факт, что она была проституткой, ожидающей своего следующего клиента. Непочтительный подход Мане к устоявшемуся, традиционному сюжету, нарисованному такими мастерами, как Тициан и Энгр, был слишком трудным для некоторых.

• Гюстав Курбе,

  Происхождение мира , 1866

  Живописец-реалист до глубины души, откровенная картина Курбе с женскими гениталиями и растопыренными бедрами не только достигла вершины реализма — как почти анатомическое исследование — это сумел эпатировать зрителей более 150 лет.Хотя картина никогда не предназначалась для публичной демонстрации (она была заказана частным покупателем), даже менее пикантные картины Курбе, такие как изображения крестьянской и сельской жизни в The Stonebreakers (1849) и Burial at Ornans (1849) -50), оказался слишком честным для стойкой публики Салона, которую оскорбили косвенные ссылки художника на экономическое неравенство и его настойчивое представление о реалиях современной жизни.

• Пабло Пикассо,

  Les Demoiselles d’Avignon , 1907 Пабло Пикассо: Les Demoiselles d’Avignon

  Les Desmoiselles d’Avignon , холст, масло Пабло Пикассо, 1907; в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

  gwen

  Монументальная кубистическая картина Пикассо, изображающая пять обнаженных женщин в борделе, шокировала не только публику, но и критиков, и даже других художников (в том числе Матисса). Лица женщин сложены, как африканские маски; их тела построены из искаженных форм и жестких углов; одна женщина, уже не похожая на леди с ее преувеличенными чертами лица, сидит на корточках в углу. Это было основой того, что впоследствии стало чрезвычайно успешным движением кубизма, но в 1907 году оно приводило в ужас любого, кто видел его, а затем скрывался на несколько лет после его дебюта.

• Марсель Дюшан,

  Фонтан , 1917 Фонтан art @ aditi

  Что такое искусство? Дюшан обратился к этому извечному вопросу еще в 1917 году, когда он взял белый писсуар массового производства, подписал его именем «Р. Матт» и продемонстрировал его, как любое оригинальное произведение искусства. Он не смог даже убедить своих (предположительно) непредубежденных коллег из Общества независимых художников в Нью-Йорке выставить этот «готовый», как он называл объект (хотя, в свою защиту, они не знали истинную личность загадочный и дерзкий Р.Матт). Однако Fountain изменили мир искусства. Его влияние и понятие реди-мейда продолжали ощущаться в конце 20-го века, когда художники проверяли пределы художественного выражения, в частности, с использованием апроприации.

• Ричард Серра,

  Наклонная дуга , 1981

  Когда стальная изогнутая стена Серры длиной 120 футов и высотой 12 футов была установлена ​​на Федеральной площади Нью-Йорка, это вызвало бурю негодования. Пешеходам приходилось уходить с дороги, чтобы добраться до места, что делало это произведение искусства серьезной помехой.Серра настаивал на том, что цель работы — заставить публику по-новому взглянуть на себя по отношению к своему окружению. Дело было передано в суд, и Tilted Arc в конечном итоге был удален с сайта. Наклонная дуга Противоречие вокруг продолжает оставаться пробным камнем в постоянных оживленных дебатах о публичном искусстве, его функциях и ценности.

• Андрес Серрано,

  Piss Christ (из серии «Погружение»), 1987

  Piss Christ — фотография распятия из пластмассы и дерева, погруженного в банку с собственной мочой художника. Хотя в 1987 году это произведение искусства выставлялось несколько раз без посторонней помощи, оно привлекло внимание в 1989 году, когда было выставлено в Музее изящных искусств Вирджинии. За этим последовало не только безумие СМИ, но и продолжительная атака членов христианского сообщества и правых политиков на художника и на Национальный фонд искусств (который финансировал художника в 1986 году). Финансирование NEA резко сократилось из-за поддержки Серрано. С тех пор здание неоднократно подвергалось вандализму.

• Роберт Мэпплторп,

  The Perfect Moment выставка, 1989

  Вслед за спором о Серрано, Мэпплторп увидел, что целая выставка отменена из-за шума вокруг части фотографий в его шоу, которые содержали откровенно S&M содержание. Художественный музей Филадельфии, организовавший выставку, получил федеральное финансирование от Национального фонда искусств. Сенатор Джесси Хелмс мобилизовал группу членов Конгресса, чтобы подписать гневное письмо в NEA.Выставка должна была открыться в Художественной галерее Коркоран в Вашингтоне, округ Колумбия, музее, получившем большое федеральное финансирование, но на фоне протестов директор отменил выставку. За отменой последовали протесты общественности, а также сотрудников Corcoran.

• Дэмиен Херст,

  Физическая невозможность смерти в сознании живого человека , 1991 Физическая невозможность смерти в сознании живого человека Оли Скарфф — Getty Images News / Thinkstock

  По заказу коллекционера произведений искусства Чарльз Саатчи, это произведение искусства — мертвая акула, подвешенная и сохраненная в резервуаре, наполненном 4360 галлонами формальдегида — произвела длительную сенсацию в группе художников, которые стали известны как Молодые британские художники (YBA).Херст, деятель современного искусства Дюшан, стал известен тем, что использовал необычные, часто ранее живые, элементы в своем искусстве. Другой запоминающийся пример — это «Некоторый комфорт, полученное благодаря принятию внутренней лжи во всем». (1996), в котором изображена мертвая корова в разрезе, помещенная в коробку из оргстекла.

• Маурицио Каттелан,

  Ла Нона Ора («Девятый час»), 1999

  Каттелан назвал свое самое печально известное произведение после смерти Христа на кресте.Однако это не Распятие, а восковое изображение Папы, лежащего на красной ковровой дорожке, сжимая Папский Крест, который был сбит метеором, — своего рода стихийное бедствие. В первоначальной инсталляции фигура также была окружена осколками стекла из верхнего люка, который следует понимать как точку входа метеора. Когда он был выставлен в 2000 году в галерее современного искусства Захента в Варшаве, два члена польского парламента попытались снять камень и поставить фигуру вертикально.Это также привело к очень публичной кампании по отстранению директора галереи от ее должности.

• Рене Кокс,

  Тайная вечеря Йо-Мамы , 2001

  Картина Леонардо да Винчи «Тайная вечеря», написанная в 21-м веке Рене Кокс, была выставлена ​​в Бруклинском музее в 2001 году, где вызвала ураган критики со стороны других людей. только Католическая лига за религиозные и гражданские права, но также и от мэра Нью-Йорка Руди Джулиани, который, посчитав произведение «непристойным», призвал создать комиссию по приличию, которая предотвратила бы выставку оскорбительных работ, таких как Yo Mama’s Last Ужин .На фотографии изображен художник, стоящий обнаженным на месте Иисуса, в окружении афроамериканских апостолов, за исключением белого Иуды. Кокс по-прежнему привержен изучению афроамериканского опыта с честной и провокационной точки зрения.

История протестного искусства на примерах — от Ай Вэйвэя до Бэнкси

Каковы масштабы и влияние протестного искусства? Как известно Адорно, « все искусство — это неосуществленное преступление» , что означает, что искусство бросает вызов статус-кво по самой своей природе.Таким образом, можно утверждать, что все искусство является политическим в том смысле, что оно происходит в публичном пространстве и взаимодействует с уже существующей идеологией и доминирующим дискурсом. Тем не менее, искусство часто может стать опасным и явно политическим и служить мощным оружием . На протяжении всей истории социальных движений и социальных восстаний искусство всегда реагировало на угнетение, насилие, несправедливость и неравенство. Решая социально-политических проблем и бросая вызов традиционным границам и иерархиям, установленным власть имущими, искусство может открыть пространство для маргиналов, чтобы их можно было увидеть и услышать, и способствовать социальным изменениям, производя знания и солидарность или просто повышая осведомленность .Таким образом, личная жизнь и творчество художника выходят за рамки личности и значимо говорят с более широкой аудиторией, объединяя политические и человеческие функции искусства.

Заинтересованы в коллекционировании произведений искусства протеста? Взгляните на эту мятежную скульптуру Ай Вэйвэя!

Поскольку в истории можно найти множество вариантов протестного искусства , трудно установить начало этого политически привлекательного художественного выражения. Концептуальное искусство и искусство перформанса находилось под сильным влиянием дадаизма, антивоенного движения, которое использовало сатиру, нерациональный и антиидеалистический дискурс для критики Первой мировой войны и ее капиталистической повестки дня.Некоторые из других ранних примеров протестного искусства включают мексиканского художника-монументалиста Дэвида Альфаро Сикейроса , который был очень активен в левой политике в начале 20-го века и хотел привлечь внимание трудолюбивых мексиканцев через искусство. Что касается изобразительного искусства, то картина Пикассо Guernica (1937), основанная на гражданской войне в Испании и отражающая ее зверства и бесчеловечность, послужила источником вдохновения для современного движения за права человека.

Влияние современных художников протеста

Война часто была мотивирующим фактором для художников , а также служила метафорой для более общего проявления власти. В течение 1960-х и 1970-х годов многие творческие люди, которых можно рассматривать как художников-протестующих, явно выступали против войны во Вьетнаме, включая Рональда Хэберле, Питера Саула, Карла Андре, Нормана Карлберга и Нэнси Сперо, и создавали произведения, которые привлекали внимание и призывали к ответственности. Выступления Криса Бёрдена с умышленным нанесением ран призывали публику высказывать политические послания и учитывать свои обязанности. Искусство стало мощным языком, чтобы выступить против различных форм угнетения и сохраняющегося неравенства в отношении пола, расы или класса .Как одна из основательниц Феминистского художественного движения, Джуди Чикаго изучала положение женщин в культуре и истории с помощью крупных совместных инсталляций. Искусство также сформировало культурный и политический ответ на пандемии СПИДа в 1980-х годах, когда такие артисты, как Кейт Харинг, Ники де Сен-Фалль или Роберт Мэпплторп, повысили свой голос. Как сказала Нина Симоне, «как можно быть художником и не отражать время»?

Прокрутите вниз, чтобы увидеть одни из самых влиятельных видов протестного искусства нашего времени.

Избранные изображения: Петр Павленский, Сегрегация, через theguardian.com; Бэнкси — Не могу победить чувство, через huffingtonpost.com; Ай Вэйвэй, Исследование перспективы, через 1fmediaproject.net

Ай Вэйвэй — Диссидент

Одной из самых известных фигур, связанных с политической активностью в современном искусстве, безусловно, является Ай Вэйвэй. Используя свое искусство для борьбы с коррупцией в правительстве Китая и пренебрежением ими прав человека, а также с другими политически щекотливыми проблемами, Ай Вэйвэй стал синонимом неповиновения и искусства протеста нашего времени.

Обязательно ознакомьтесь с интересной подборкой работ Ай Вэйвэя!

Некоторые из его самых запоминающихся работ — это серия Study of Perspective , где он сфотографировал свой средний палец, прикрепив его к различным памятникам по всему миру, включая Тяньаньмэнь, инсталляцию Вспоминая , где он проводил кампанию, чтобы восстановить справедливость в отношении жертв. землетрясений 2008 года в провинции Сычуань, Семена подсолнечника установки состояли из 100 миллионов фарфоровых семян из 1600 ремесленников комментирующих массового производства и потребления, а в последнее время спорного кусок адресации бедственного положения сирийских иммигрантов.Как один из самых громких художников протеста, Вэйвэй часто расплачивался за свое искусство, за свою язвительную критику и откровенное отношение, но продолжает говорить и действовать от имени многих.

Изображение предоставлено publicdelivery.org

Петр Павленский — Протестное искусство до крайности

Петр Павленский, которого часто называют художником «живой боли», выбирает перформанс , который часто принимает форму крайностей в качестве своего политического языка. Некоторые из его трюков включают в себя зашивание рта, политический протест против заключения в тюрьму членов Pussy Riot, , завернутый голым в колючую проволоку, в качестве комментария к серии законов, подавляющих гражданскую активность и запугивающих население, прибивает его мошонка на Красной площади , имея в виду апатию, политическое безразличие и фатализм российского общества, или отрезание мочки уха в знак протеста против использования Россией принудительной психиатрии против диссидентов.Теперь ему грозит три года тюрьмы за поджог дверей штаба Федеральной безопасности России. Размывая границы между искусством и своими антикремлевскими взглядами, он выделяет себя среди других подобных художников, делая слабость центральной в своих актах протестного искусства. Интересно то, что он заранее учитывает реакцию властей и делает ее частью своего выступления. Если власть действует как агрессивный аппарат , то они действуют по его сценарию.

Изображение взято с сайта theguardian.com

Бэнкси — Уличный художник-партизан

Легендарный и всемирно известный партизанский уличный артист, Бэнкси бросает свои политически острые, сатирические, умные и часто забавные произведения по всему миру. Используя искусство как смертоносное политическое оружие , его работы всегда взаимодействуют с глобальной политикой и глобальными проблемами и являются прекрасным примером того, чего может достичь искусство протеста. Однажды он охарактеризовал граффити как форму «мести» низших слоев общества, которая позволяет человеку забирать власть, территорию и славу у привилегированных.Он имел дело с различными политическими и социальными темами , такими как антивоенные, антипотребительство, антифашизм, антиимпериализм, антиавторитаризм или анархизм.

Найдите доступные работы Бэнкси на торговой площадке Widewalls!

Бэнкси недавно создал серию работ на палестинских руинах в секторе Газа, а также в Сирии. Он также выполнил серию фресок в лагере беженцев Кале, сделав четким заявлением о кризисе беженцев и обращении с беженцами.Еще одним недавним политическим проектом был подрывной и темный тематический парк Дисмаленд, наполненный иронией, сатирой и честностью, который позже был демонтирован и отправлен в Кале для использования в качестве убежища для беженцев.

Изображение предоставлено lifegate.com

Pussy Riot — провокационная протестная группа в стиле панк-рок

Российская феминистская панк-рок-группа, устроившая множество несанкционированных провокационных партизанских выступлений в различных общественных местах, Pussy Riot потрясла мир в 2012 году своим выступлением протеста в московском храме Христа Спасителя , направленном в поддержку православной церкви Владимир Путин .Они занимались различными политически значимыми темами, такими как феминизм, права ЛГБТ, демократия, свобода слова и оппозиция Владимиру Путину. Суд над Pussy Riot после их «панк-молитвы» и тюремного заключения для их участников представил еще более непристойное исполнение государственной власти и стал символом борьбы против репрессивного режима Путина. Их политическая деятельность через перформанс является примером того, как власть государства и авторитарная политика часто могут производить самых провокационных художественных практик .

Изображение с сайта critical-theory.com

Guerrilla Girls — феминистские мстители в масках

Феминистский арт-коллектив Guerrilla Girls, носящий маски горилл, мини-юбки и спортивные псевдонимы покойных женщин-художников, таких как Фрида Кало, Кэте Коллвиц и Альма Томас, начал потрясать мир искусства более 30 лет назад. Основанная в Нью-Йорке в 1985 году с целью привлечь внимание к гендерному и расовому неравенству в изобразительном искусстве, их наследие отмечено различными формами протестных произведений искусства и вопиющими актами женоненавистничества и позора.С помощью наклеек, плакатов, рекламных щитов, диалогов, дебатов и «подсчетов» они указали на лицемерие традиций и институтов мира искусства, и их распространенные сексизм и расизм. Выражая свои идеалы и мнения относительно разнообразия социальных тем, их работы, в основном плакаты, представляют собой сочетание юмористических изображений, возмутительных визуальных эффектов и статистики. Коллектив художников по-прежнему очень активен, и они расширили свою практику, также критикуя политиков, особенно консервативных республиканцев.

Изображение взято с ggtakeover.com

Кэрри Райхардт — деятель креативного движения

Известная своей постоянной активистской деятельностью, художница Кэрри Райхардт интересуется социальными, экономическими и политическими проблемами , которые варьируются от несправедливого тюремного заключения и смертной казни до новых колониальных войн. Являясь номинальным лидером движения крафтивизма, которое объединяет ремесло и активизм, она считает, что высказывание мнений посредством творчества делает ваш голос сильнее.По сути, антииндустриальное художественное движение , впервые появившееся в 1960-х годах, объединило ремесла как область, воспринимаемую как «женское хобби», с западной феминистской теорией и практикой. Участвуя в общественных и общественных арт-проектах более 15 лет, она использует фрески, мозаику и трафаретную печать для создания сложных, сильно политизированных произведений искусства . После активного общения с политическими заключенными, она на протяжении всей своей жизни боролась за осужденных, приговоренных к смертной казни , что сильно повлияло на ее искусство.Некоторые из ее последних работ включают The Milan Elephant Parade , вдохновленный революционным духом, распространяющимся по всему миру и передающим сообщения о конце капитализма в качестве единственного ответа, и Mary Bamber , фигурка этого персонажа в натуральную величину, украшенная керамикой. прославленный революционер-социалист.

Изображение с mosaicartnow.com

Арабская весна граффити

Несмотря на то, что это не связное художественное движение, некоторые из самых непосредственных, проницательных и человеческих произведений искусства, которые видели в течение некоторого времени, были созданы во время Арабской весны в 2011 году, когда протестующие, вооруженные аэрозольными баллончиками, сформулировали свои интерпретации восстания на стенах. вокруг них.Граффити, которое не было обычным явлением в арабском мире до восстания, стало инструментом для придания социального и политического значения. Наполненные яркими политическими и социальными комментариями, улицы стали холстами для художников, чтобы показать свое восстание, вспомнить погибших людей и напрямую общаться с угнетателями. Граффити — от писаний до рисунков и разной техники — были единственным общедоступным средством для отправки сообщения. Осознавая силу и опасность этих художественных выражений, противостоящих цензуре и угнетению, правительство вскоре начало обелить их, только для того, чтобы побудить больше художников вернуться.Арабская весна положила начало карьере многих художников, таких как el Seed, Zoo-Project, Ganzeer, El Teneen, Aya Tarek, Alaa Awad или Ammar Abo Bakr, и была предметом многочисленных кураторских выставок.

Показанное изображение: Граффити в Египте, через businessinsider.com

Алекс Хартли и Нигерийский остров

Nowhereislad — это арт-проект художника Алекса Хартли , связанный с открытием острова, происходящего из Арктики.Остров был взят в международную водную зону и объявлен новой нацией . Буксируя вокруг Юго-Западной Англии во время Олимпийских игр 2012 года, он закончил свое путешествие разбитым на части и разделенным между 23 003 человек из 135 стран , которые стали его гражданами. Небольшой камень даже отправили на край космоса. Повествование этого произведения было простым — оно изображало путешествие по острову страны-мигранта во время Олимпийских игр. Произведение искусства как символ перемещенной нации в поисках своего народа было провокационным и амбициозным проектом, бросающим вызов нашим предположениям о неподвижности ландшафта.Этот клочок чужеродной земли в британских водах представлял собой обещание утопии с глубокими социальными, политическими и экономическими последствиями в контексте Лондона 2012 года.

Изображение предоставлено nowhereisland.com

Vile — — ГРАФФИТИ ИСПОЛНИТЕЛЬ —

Биография

Родриго Мигель Сепульведа Нуньес (Виль), на 15 сентября 1984 года, природный поселок Вила-Франка-де-Шира, cidade onde ainda hoje residence. É o mais velho de dois irmãos, filho de um desenhador e de uma agencyte de viagens.Em 1998 com apenas catorze anos iniciou-se a pintar graffitis. Profissionalizou-se entre 2000 e 2006 ,tendo estudado em duas escolas Lisboetas; «ETIC» и «ARCO», Desenho Animado & Filmes de Animação e Desenho Ilustração e Banda Desenhada, por esta mesma ordem. 2007 foi o ano de partida para se tornar trabalhador independente, artista e pintor profissional. Técnicas como a aguarela, o óleo, o carvão, o desenho digital e a tatuagem são alguns dos ингредиенты, выдающие разрешение на развитие, enquanto artista de Grafitti / Street-art & Pintura Mural.

Por entre várias pinturas, представители do seu talento, que podemos ver tanto em território nacional como internacional, destacam-se trabalhos realizados para o Sport Lisboa e Benfica, OPEL, TMN, Worten, Cruz Vermelha Portuguesa, Bomribeosi e Municípios como; Oeiras, Almodôvar, Almada, Amadora, Vila Franca de Xira, entre tantos outros.

Участвуйте в мероприятиях «Альмарт — Фестиваль искусств де Руа» в Альмодоваре, «Встреча стилей» — Международный фестиваль искусства Урбана на Алеманье, «Фестиваль Лазурного» под номерами Açores и «Конференции Эшторила, глобальные проблемы, ответы на местном уровне» нет Centro de Congressos do Estoril.

Реализуйте индивидуальные выставки на «Banco de Portugal», без «Ateneu Artístico Vila-franquense» и более поздних выставок, связанных с «Galeria Municipal до 11», в Setúbal no âmbito de uma homenagem Póstuma a Bocage.

Como retratista tem vindo a aperfeiçoar tecnicas, que permitem resultados como os que são possible ver em quadros e / ou paredes de homenagem a personalidades tão diversas quanto; Фернандо Песоа, Антониу Алвес Редол, Альваро Герра, Хоаким Соейро Перейра Гомеш, Марио Коэльо, Хосе Фалькао, Антониу Инверно, Педро Проенса, Васко Монис, Рейнальду душ Сантуш, Малангатана, Мариса Раприга, AK Антониу Самбухо, Йони Тимпейра, Альдо Лима, Эдуардо Мадейра, Антониу Раминьюш, Жоана Мадейра, Хорхе Серафим и Нилтон.

Биография

Родриго Мигель Сепульведа Нуньес (Виле), родился 15 сентября 1984 года в Вила-Франка-де-Шира, где он живет до сих пор. Он старший из двух братьев, сын дизайнера и турагента. В 1998 году, когда ему было всего четырнадцать лет, он начал рисовать граффиты. Он окончил с 2000 по 2006 год, проучившись в двух школах в Лиссабоне; «ETIC» и «ARCO», мультфильмы и анимационные фильмы, а также рисунки и иллюстрации в таком же порядке. 2007 год стал годом начала карьеры независимого художника и профессионального художника. Такие техники, как акварель, масло, уголь, цифровой рисунок и татуировка, — вот некоторые из ингредиентов, которые позволили ей развиваться как художнику граффити / стрит-арта и настенной живописи.

Среди нескольких картин, представляющих его талант, которые мы можем увидеть как на национальном, так и на международном уровне, мы выделяем работы, выполненные для Sport Lisboa e Benfica, OPEL, TMN, Worten, Португальского Красного Креста, добровольных пожарных из Вила-Франка-де-Шира и муниципалитетов as ; Оэйрас, Альмодовар, Алмада, Амадора, Вила-Франка-де-Шира и многие другие.

Участвовал в таких мероприятиях, как «Almarte — Street Arts Festival» в Альмодоваре, «Встреча стилей» — Международный фестиваль городского искусства в Германии, «Лазурный фестиваль» на Азорских островах и «Конференции в Эшториле, глобальные вызовы, местные ответы» в Центре Конгрессов Эшторила.

Он провел индивидуальные выставки в штаб-квартире «Banco de Portugal», в «Ateneu Artístico Vila-franquense» и совсем недавно на совместной выставке в «Муниципальной галерее 11» в Сетубале в рамках посмертной дани Бокаж.

Как портретист совершенствовал техники, позволяющие получить такие результаты, которые можно увидеть на картинах и / или стенах, посвященных столь разнообразным личностям, как; Фернандо Песоа, Антониу Алвес Редол, Альваро Герра, Хоаким Соейро Перейра Гомеш, Марио Коэльо, Хосе Фалькао, Антониу Инверно, Педро Проенса, Васко Монис, Рейнальдо душ Сантуш, Малангатана, Мариса, AK Родрига, Марио Родригес Антониу Самбухо, Йони Тимпейра, Альдо Лима, Эдуардо Мадейра, Антониу Раминьюш, Жоана Мадейра, Хорхе Серафим и Нилтон.

Рисование реалистичных флаконов с жидкостью за 4 простых шага

Идея покрасить флакон так, чтобы он выглядел так, как будто он заполнен жидкостью, действительно кажется пугающей мыслью … но это всего лишь еще одно препятствие для рисования, которое можно преодолеть с небольшой практикой и твердым пониманием принципов, благодаря которым он хорошо работает визуально.

Первоначально, когда я намеревался сделать кучу моделей Ковена Темных Эльдар, я до смерти боялся всех пузырьков, которые мне пришлось бы рисовать на Гемонкулах, Моторных двигателях, Обломках, Гротесках, Плетях и т.Я разработал четырехэтапный процесс, который я бы рассмотрел Высококачественная столешница .

Это золотой демон? Нет, конечно, нет. Но он отлично смотрится на столе и является действительно быстрым и эффективным процессом.

Шаг 1-2: Базовые цвета

Это НАИБОЛЕЕ ВАЖНАЯ часть всего процесса. Вы должны понимать, как жидкость движется в стеклянном флаконе, и соответствующим образом раскрашивать. Используя горизонтальный край основания мини в качестве ориентира, представьте, как будет выглядеть нижняя половина флакона, наполовину заполненная жидкостью.Для каждого флакона очень важно, чтобы верхний край жидкости был параллелен краю основания. Это будет варьироваться от флакона к флакону в зависимости от того, как он расположен на модели.

Шаг 3. Выделение жидкости

Все, что вам здесь нужно сделать, это просто выделить верхний край линии жидкости. Уловка состоит в том, чтобы сделать край, где жидкость встречается с пустым стаканом, твердым. Край, где жидкая подсветка встречается с более темной жидкостью, нужно немного растушевать.Это создает впечатление, что у основания заполненных жидкостью областей больше глубины.

Шаг 4: Выделение флакона

Последний шаг — нарисовать блик на флаконе. Обычно достаточно простой тонкой линии по верхней внешней части. Я предпочитаю использовать для этого светло-серый цвет вместо белого, чтобы не пересиливать эффект флакона, нарисованного под ним.

Необязательный шаг 5

Вам не нужно этого делать, я обычно этого не делаю. Но вы можете нарисовать пузырьки в жидкости, просто добавив несколько крошечных точек осветленной версии основного цвета жидкости.

Вот примеры использования этой техники на некоторых моих моделях Ковена Темных Эльдар.

А теперь покрасьте несколько флаконов!

Карточки для заключительных экзаменов ARTT150 | Quizlet

Животные работают только для пропитания и выживания, что необходимо для поддержания физической жизни
Отношение к человеческому труду, который покупается и продается как товар, является формой отчуждения> потеря возможности ценить искусство
Отчужденный труд полностью меняет ситуацию , рабочий не имеет отношения к своей работе или процессу> работает до смерти и, следовательно, не имеет времени использовать свои человеческие способности (любовь, преданность, творчество и т. д.)

Манифест:
Написание для активистов, трудящихся
Акцент на классовой борьбе ч / б буржуа (капиталист, высший класс) и пролетарии (низший класс, «средний»)
Прогрессивное движение к улучшению общества, несмотря на конфликты, диабетический взгляд на историю

Буржуазный
Явное восхищение буржуазией
1) Поминки встаньте и понюхайте аргумент, связанный с кофе: наемные рабочие имеют более четкое представление о своем положении, вы работаете на меня, вы получаете x долларов, теперь отношения между работодателем и сотрудником n не базируется в церкви или штате
2) Централизация рабочей силы:
Объединяет людей, где они могут объединяться и общаться друг с другом
3) Национализм отступает: важность, придаваемая национальным границам, может привести к солидарности между трудящимися на международном уровне
4) Действительно заставили нас работать и показали, на что мы способны, продуктивнее, чем когда-либо

Почему это нестабильно? Промышленный рабочий даже покупал и продавал как товар> заработная плата не регулируется, естественно будет снижаться до тех пор, пока она больше не сможет> упасть до прожиточного минимума = плохие условия работы + условия жизни
Система на самом деле не создает человека, живущего > быть потребителем, ценить искусство и результаты жизни в циклах перепроизводства и экономического кризиса> система распределения / спроса и предложения

Уберите детей с заводов> законы о труде и безопасности, сделайте коллективные переговоры законными

Q: Что делать с этой производственной мощностью, которая возникла из капиталистического общества и буржуазии?
A: Нет, не закрывайте фабрики! Изменение условий труда в интересах трудящихся> позволит людям свободно развиваться благодаря большему количеству свободного времени, говорит Карл Маркс, это должен быть активный досуг

Хроника последних дней старого Нью-Йорка

Феликс Гонсалес-Торрес, Без названия (Золотой) . Изображение: Стив Родс

В своей едкой и часто веселой колонке Village Voice Гэри Индиана описал культурный мир, потерянный из-за СПИДа и корпоративной жадности.

Мерзкие дни: Колонны Village Voice Art 1985–1988

Гэри Индиана, отредактированный Брюсом Хейнли

Задолго до Твиттера критик, драматург и художник Гэри Индиана усовершенствовал искусство резких, мелких оскорблений.Здесь он описывает «поистине особенный талант» знаменитого фотографа Энни Лейбовиц: «Она заставляет даже людей, достигших чего-то, выглядеть пустыми самовлюбленными придурками». О британском дуэте художников Гилберта и Джорджа он пишет: «Возможно, запах сырых подъездов многоквартирных домов и вареной капусты, пронизывающий эти работы, был бы менее острым, если бы Гилберт и Джордж сами были более красивыми как объекты». И, рассматривая биеннале Уитни 1987 года, он шлепает модного фотографа Брюса Вебера безупречным фоном комикса о ночном клубе: « Брюс Вебер не должен находиться в одной комнате с Россом Блекнером и Аннетт Лемье.У него должна быть своя комната. Это должно быть в Нью-Джерси ». Все это примеры мягкой стороны Индианы.

Индиана имеет неблагодарную честь быть одним из самых дальновидных и откровенно чудаковатых критиков нашей культуры и одним из самых ярких ее представителей.

Гэри Индиана (урожденный Гэри Хойзингтон) продолжает писать романы, пьесы и заниматься искусством, но между 1985 и 1988 годами он был главным искусствоведом в Village Voice , работа, которая сделала того, кто держал ее, одним из самых страшных и оскорбляемых. законодатели вкуса в Нью-Йорке. Village Voice была тогда единственной крупной газетой в городе, не считая New York Times , которая регулярно просматривала новые галереи. Этот факт, наряду с тиражом газеты около 150 000 читателей, означал, что плохой обзор действительно имел значение — или, по крайней мере, срикошетил. Индиана знала о его влиянии и, кажется, наслаждалась им, а также беспокоилась о том, что критика, желая или нет, выступила соучастником в коммодификации искусства. «В основном критика отражает озабоченность своей эпохи», — писал он в 1987 году.«Но одно критика неизбежно делает: она организует Культ Имени. Культ Имени создает иерархию важности ». Затем эта иерархия отразилась в стратосферных аукционных ценах и в «бесконечной переработке 30 имен собственных».

Vile Days впервые собирает обзоры Индианы, более десяти десятков депеш из лихорадочной мечты нью-йоркского мира искусства. Большинство колонок занимают всего три или четыре страницы, и все они отражают озабоченности своей эпохи: СПИД, Уолл-стрит, лицемерие Рейганизма и экономики просачивания вниз, постмодернизм, гиперинфляционный рынок искусства.Хотя Индиану не соблазнил Культ Имени, сегодня практически невозможно читать эти произведения и не думать о том, как они помогли сформировать общественное восприятие Джеффа Кунса («Для Кунса культура уступила механизму, бесполезности, повторяющийся застой технологической новизны »), Дженни Хольцер (« Хольцер раскрывает сексуальную динамику на работе в повседневном публичном обращении »), Джерард Рихтер (« Рихтер часто обращается с краской, как мастер-скрипач, играющий камерную музыку третьего сорта за формальным чаем ») , Эрик Фишль (Фишл «дает буквальную форму тайным ужасам китча») и другие суперзвезды искусства, такие как Синди Шерман, Ричард Принс, Барбара Крюгер, Шерри Левин и Роберт Мэпплторп, попавшие под его прицел.

Также невозможно читать колонки, не смакуя их радиоактивный остроумие и афористический интеллект. (Вспомните, как Индиана относится к пейзажной живописи: «вместо возвышенного стоит параноидальное опасение, что мир чистых туалетов может в любой момент существенно подкрепиться».) Для таких эссе, как это, является обязательным настаивать на том, что Обсуждаемый культовый писатель — один из самых недооцененных в Соединенных Штатах, но в случае Индианы нет никаких аргументов: он — самый недооцененный крупный писатель в Соединенных Штатах. Плодовитый автор, чья работа Village Voice представляет собой лишь небольшую часть его творчества, Индиана заслужила признание как авангардный драматург в Нью-Йорке в начале 1980-х, а также написал романы, среди которых недавно переизданный Horse Crazy ( 1989) и Gone Tomorrow (1993) выдаются — так же, как рассказы, эссе и мемуары, все они одушевлены одной и той же дикой энергией и хриплой селезенкой. Vile Days можно считать третьей в непреднамеренной трилогии научно-популярных сборников, в которую также входят Let It Bleed (1996) и Utopia’s Debris (2008), книги, которые также высмеивают безвкусную эпоху одержимости знаменитостями, которую называет Индиана. Эпоха презрения.Индиана, которой сейчас шестьдесят восемь лет, имеет неблагодарную честь быть одним из самых дальновидных критиков нашей культуры и одним из самых ярких ее представителей. Его голос беззастенчиво странный, косой крик постороннего, чуткого к другим посторонним, но воспламеняющегося ко всему институциональному. (Опрос 1984 года показал, что половина читателей Village Voice были холосты и никогда не были женаты, что тогдашний редактор Дэвид Шнайдерман причислял к геям этих читателей. Очевидно, Индиана проповедовала хору.)

О текущем состоянии ландшафта Индиана писала, что «замещение возвышенного — это параноидальное опасение, что мир чистых туалетов может в любую минуту вернуться в серьезное состояние».

Немногие критики сегодня пишут так, как Индиана делает в этих колонках, и еще меньше готовы сжечь мосты или нажить себе врагов. Социальные сети, возможно, подавили эту разновидность идиосинкразической, желчной, часто саркастической критики, что Джейкоб Сильверман сделал на Slate в 2012 году: «Рецензенты не должны быть рекомендательными машинами, но мы согласились на эту роль, отчасти из-за заботливого коммунализма Твиттер поощряет это.Он описывал литературную критику, но диагноз верен в отношении «культурной индустрии». Критика в Соединенных Штатах часто является побочным продуктом многомиллионной корпоративной рекламной машины, поэтому вопрос о том, хороший или плохой обзор, менее важен, чем его роль в укреплении капиталистического статус-кво. Если бы это было неправдой, тестостерональные франшизы и эхо-ремейки Голливуда вымерли бы много лет назад, сетевое телевидение не погрязло бы в яркой ерунде, а в книжных магазинах аэропортов было бы что-то, кроме подражателей массового рынка.Прибыль всегда важнее вкуса.

Как заметил Сильверман, профессиональных критиков в наши дни не хватает, и многие обозреватели — это фрилансеры, неравнодушные к делу: карьерные устремления, личные связи, желание общаться (или просто существовать) в сети, не опасаясь репрессий или негативной реакции. В случае с Индианой есть более глубокая причина, по которой его критика остается резкой по прошествии трех десятилетий: немногие критики обладают цинизмом, граничащим с нигилизмом, который он проявляет по отношению ко всему предприятию культурного производства и продвижения.(Единственным исключением является критик Дэйв Хики, который в 2012 году вызвал ажиотаж, когда он изгнал себя из мира искусства и сказал репортерам, что устал консультировать богатых коллекционеров хедж-фондов.) Потому что Индиана также не соблюдает общепринятые границы формы отзыва. его критика опровергает целый ряд шибболетов: капитализм, потребительство, средний класс, американскую мечту, роль критика и роль самого искусства. Написано во время эпидемии СПИДа — США. К концу 1985 года количество смертей от СПИДа превысило 10 000 — критика Индианы функционировала как экзистенциальный чумной журнал, еженедельная попытка одного человека определить, что является подлинным, а что нет, что имеет значение, а что — чушь собачьей.

• • •

Чтобы оценить настроение колонок об Индиане, сначала нужно вспомнить 80-е годы. Индиана предлагает типичную метафору Нью-Йорка того, чем было все это десятилетие. «В конце 70-х некоторые сдвиги стали ощутимыми», — пишет он. «Своеобразный негативный идеализм перерос в разновидность притворно безмозглого оптимизма. Разница между Mudd Club и Club 57 ясно это отражает. Mudd Club демонстрировал темные стороны высокой культуры; Клуб 57 хотел попасть на телевидение.”

«Многие галереи Ист-Виллидж чрезмерно компенсируют вытесненные ими винные погреба, наполняя себя забавными безделушками, которые заставляют вас думать: Ну и дела! На какой счастливой планете живет этот маленький засранец, создавший все это! »

Club 57 находился в Ист-Виллидж, районе Манхэттена, который к середине 1980-х стал скорее «амбициями», чем районом, как выражается Индиана. Когда он переехал туда в конце 70-х, здесь «все еще царила нарколептическая депрессия, как в центре Детройта.Другие источники, в том числе книга Саймона Рейнольдса Rip It Up and Start Again (2005), изображают этот район как разбомбленный круг ада, где наркоманы, иммигранты, мелкие преступники и художники жили в нервной разрядке. Рейнольдс описывает этот район как район, где «героин было легче купить, чем продукты». Трупы материализовались с живописной регулярностью в парке Томпкинс-сквер. Стоимость собственности была в унитазе, и многие домовладельцы более или менее бросили свои дома в царство тараканов и поджигателей.Рейнольдс сообщает, что в 1978 году в Нижнем Ист-Сайде произошло 354 подозрительных пожара: недобросовестные домовладельцы требовали страховых выплат, разочарованные арендаторы хотели найти причину для бегства. (Операция «Точка давления» полиции Нью-Йорка, запущенная в 1984 году, очистила территорию, заключила в тюрьму тысячи правонарушителей низкого уровня и провозгласила Рудольфа Джулиани ожидающим спасителем города.)

Из-под завалов возник район коктейльных вечеринок, закусок и невозможных арендных плат. В 1980 году организованная художниками выставка Times Square Show привлекла внимание художников-граффити и их собратьев в партизанском стиле, а также будущих громких имен, таких как Кейт Харинг и Дженни Хольцер.В следующем году New York / New Wave взорвали карьеру Харинга вместе с Жаном-Мишелем Баския. Галереи витрин распространились по Нижнему Манхэттену и Мидтауну с бездумной силой гонореи. Одна из них, Fun Gallery Патти Астор, впервые открылась в подвале здания Индианы и стала основным местом встреч художников андеграунда. Как отмечает Синтия Карр в книге Fire in the Belly (2012), ее биографии Дэвида Войнаровича, к марту 1984 года в Ист-Виллидж открылось тридцать новых галерей.Вскоре джентрификация изменила характер почтового индекса. В 1985 году Индиана ощутила привкус вины белых либералов среди колонизаторов искусства:

Многие галереи Ист-Виллидж чрезмерно компенсируют недостающий винный погреб, исчезнувший книжный магазин или выселенный антикварный магазин, который они вытеснили, забивая себя забавными безделушками и безделушками, покрытыми улыбками, которые издают милые звуки и покачиваются взад и вперед заставить вас думать Джи! На какой счастливой планете живет этот маленький засранец, создавший все это!

Наряду с изменением демографии изменились представления об искусстве и его роли.«Годы Рейгана оставили художникам мало чем заняться, кроме как развлечь праздных богатых и украсить офисы руководителей», — пишет Индиана. Почти куда бы он ни посмотрел, он видел художественную сцену, которая была самосерьезной, самовлюбленной, отчаянно жаждущей новизны и вознаграждающей материализм как образ жизни. Искусство существовало, чтобы его продавать, отношение Индианы резюмирует с изюминкой старого картезианского самородка: «Я куплен, следовательно, я есть». Подобно галереям, метастазировали и молодые художники — или дилетанты, — которые видели только билеты на питание на этих суровых стенах в центре города.«Создание искусства стало спортом, спасающим жизнь, — пишет Индиана, — баскетболом разочарованных белых детей из среднего класса».

Тем временем люди продолжали падать замертво от СПИДа, в то время как правительство финансировало кровавые катастрофы в Центральной Америке. В эссе 1993 года Феликс Гонсалес-Торрес — герой последней колонки Village Voice в Индиане и художник, умерший от СПИДа в 1996 году, — перечисляет основные моменты ужасного десятилетия: национальный дефицит почти утроился; количество обанкротившихся банков увеличилось в двадцать раз с 1980 по 1988 год; а количество заключенных в стране увеличилось на 130 процентов.Более того, из-за холодной войны перспектива ядерного уничтожения постоянно кипела, даже когда президент Рейган ушел в героическое старение. Евангелисты и человеческие бактерии, такие как Джесси Хелмс демонизируют порнографии, рэп-музыку, и любое искусство в эстетических слева от Томаса Кинкейда. Умер Джеки Кертис, потом Энди Уорхол, потом все интересные. «Наше время и возраст, безусловно, запомнятся тем, что мы поливали ароматами все, что пахнет», — пишет Индиана. Поистине мерзкие дни.

• • •

Подлые дни требовали гнусной критики.По мнению Индианы, большая часть современного искусства была замешана в продажности и поверхностности страны.

Мерзкие дни требовали подлой критики или, по крайней мере, критики, не боявшейся считаться с упадком в моральной и интеллектуальной гигиене США. С точки зрения Индианы, большая часть современного искусства была замешана в продажности и поверхностности страны: «Многие интересные современные произведения искусства кажутся довольными просто имитацией ничтожности смысла, создаваемой средствами массовой информации и механическим воспроизведением, противостоящим тому же гипотетическому зрителю, который не пока слышал плохие новости.”

Он видел такое положение дел как отчасти наследство Уорхола, который вел легионы художников «по пути первоцвета к эстетическому банкротству». Индиана цитирует изъятие Роберта Хьюза Уорхола в 1982 году из New York Review of Books , статьи, которая приобрела новую значимость теперь, когда Уитни готовит новую ретроспективу работ Уорхола. (Это первая такая выставка с 1989 года, — с любопытной гордостью объявляется на странице музея в прессе, как будто последние тридцать лет не были одной бесконечной ретроспективой Уорхола.) Хьюз разделяет скептицизм Индианы по поводу растворения на арт-рынке некогда радикальных художников и стремления этого рынка защитить свои инвестиции:

Если [Уорхол], моргая и откровенно, отрицал, что он хоть как-то «революционный» художник, его поклонники знали лучше; белый крот Юнион-сквер просто притворялся. Если бы он заявил, что хочет только стать богатым и знаменитым, как и все остальные, он не мог бы сказать правду; вместо этого он пародировал одержимость Америки знаменитостями, чтобы лучше ее не допустить.Из глубины этого экзегетического узла все, что сделал Уорхол, можно было воспринимать всерьез.

Если в последние дни Уорхол называл себя своего рода изобретателем-придворным для элиты общества (наиболее печально известного шаха Ирана), то художники 80-х годов были придворными по отношению к самому рынку. Как утверждает Хьюз, культивированная пустота Уорхола позволила ему оставаться талисманом еще долгое время после того, как он отступил в самопародию. «Молчание Уорхола стало пятном Роршаха, на которое критики отметили.. . могут оправдать их ожидания », — пишет Хьюз. Поколению «голубых фишек» после Уорхола, а именно Кунсу, Джулиану Шнабелю и Дэмиену Херсту, не пришлось проявлять ироническую отрешенность от собственной славы. Они продвигали свои персонажи с рвением за шиллы QVC. Их работы — некоторые из которых, например, работы Кунса, были созданы в том же заводском стиле, что и Уорхол, — стали второстепенными по отношению к более крупному бизнесу по управлению брендом. Индиана создает некоторые из своих самых едких произведений, представляя художника-прототипа той эпохи:

Художник должен быть смышленым мальчиком — белым, симпатичным, воспитанным, спортивным. Ему должно быть не терпится расстаться со своей продукцией, послать ее к любым капиталоемким стенам, которые его манят. Его лучший шанс на бессмертие: его работы будут массово закупаться руководителем гигантской рекламной фирмы, который затем воспроизведет их в авторитетных каталогах. Другой сотрудник фирмы расскажет о творческом брожении образа жизни художника в дорогих журналах. Ялик художника хорошо и надежно спущен на воду в море мусора. Далее следует летняя площадка в Монтоке, немецкая и итальянская ретроспективы, покупка здания на Манхэттене.

Музеи были только счастливы позволить себе эту фантазию. Колонки Индианы изобилуют оскорблениями седых чудовищ, которые раздувают репутацию и повторяют агиографическую болтовню с безразличием представителей Белого дома. Ему не нужно то, что в этих музеях считается каноническим. В 1987 году он раскритиковал Метрополитен за то, что он не собирал больше работ современных художников-женщин. «Покупки без приключений», сделанные в музее, «томились или гноились в подвале Метрополитена.. . в криогенном режиме, как Уолт Дисней в Анахайме ». Почти столь же предосудительным были пожертвования от «тех самых людей, которые портят общее качество жизни за пределами музея» — что в случае с Метрополитеном означало Mobil, Exxon и другие многонациональные бедствия. Не важно. «Наши музеи убивают культурные исследования и игнорируют идеологическую критику с величественной ловкостью подростка-социопата, топящего котят», — пишет он.

Мир искусства «голубых фишек» был всего лишь капитализмом, маскирующимся под высокую культуру, Sotheby’s — как Kmart с более строгим брендом.

По подсчетам Индианы, вся цепочка поставок — от художников, которые создают работы, до галерей, которые продвигают и продают их, и до священных учреждений, которые приобретают и монументализируют их, — это афера, предназначенная для того, чтобы кого-то или несколько человек очень богатый. Эксплуатация — это всего лишь капитализм, маскирующийся под высокую культуру, а Sotheby’s — под Kmart с более грубым брендом. Индиана смешивает изобразительное искусство со всем остальным бесчувственным обломком досуга: «Когда люди умирают, они должны складывать все дерьмо, которое им удалось накопить за всю жизнь потребления, на вершине их могил в форме гигантской пирамиды: все телевизоры, все машины, стереосистемы, видеомагнитофоны, обувь, дизайнерские платья, посуда, стулья, хрусталь, картины, скульптуры — и, конечно, чем больше куча, тем больше дерьмо вы запомнится как.”

Стоит ли тогда удивляться, что столбцы по умолчанию являются суровыми? (И здесь я повторяю собственные инструкции Индианы самому себе. Как сообщает М. Х. Миллер в New York Observer profile , среди заметок Индианы для запланированного обзора была директива «будь стервозным».) Каждую неделю Индиана получала удостоверение личности. взглянув на то, что считалось искусством в «культуре гипноза и галлюцинаций», и большую часть недель он находил что-то, или кого-то, , нежелательным. Его вышеупомянутый обзор биеннале Уитни 1987 года иллюстрирует его мучительный стиль.Основные моменты списка включают:

Джулиан Шнабель. Тьфу. Разве ты не ненавидишь его? Что за вся эта «Мими» с торчащими из нее рогами? И этот маленький вымпел с надписью «Добродетель», висящий посреди огромного коричневого холста? Не понимаю, вообще.

Дональд Султан. Yech. Брось это. Идти домой.

Луи Фишман. О, действительно.

Два Виллема де Кунингса в одном районе с коридором Джозефа Кошута, где нет текста, и тремя великолепными картинами Джорджа Кондо. Де Кунинг действительно достиг дна с этими банальными линейными фантазиями, одна в синем, другая в красном. Предоставьте Уитни право выбрать американского мастера в тот момент, когда он попадет в салазки.

Не понимаю, однако, что Индиана — скряга, который из принципа все ненавидит. Напротив, отзывы демонстрируют его эклектичный вкус и любовь к нетрадиционному или «трансгрессивному» искусству. Он пишет о Мэпплторпе: «Едва ли живой фотограф мог бы охватить территорию Мэпплторпа, не погрузившись глубоко в глупую пошлость или вопиющую эксплуатацию.. . . Мэпплторп сочетает в себе сверхъестественную изысканность с ненасытным аппетитом: он может торговать банальностями и делать их свежими или проникать в запретные зоны скопофилии, не теряя изящества ». Он пишет, что работа пейзажиста Джорджии Марш «подразумевает отказ превратить свой« продукт »в товарный знак и подтверждает автономию исключительного таланта». Еще одним выдающимся талантом был Гордон Матта-Кларк, «потрясающий создатель и выдающийся моральный авторитет», который умер молодым от рака в 1978 году.В другом месте Индиана отстаивает работы Крюгера, Хольцера и Левина.

И все же он боролся с множеством гнилых произведений искусства. Хуже того, он боролся с гнилым обществом. Одно вливалось в другое. Он резервирует особое презрение к тому, как правительственные чиновники и основные средства массовой информации, такие как New York Times , относятся к СПИДу. «Чтобы общество могло отреагировать на эпидемию, кинозвезда должна умереть», — пишет он, имея в виду смерть Рока Хадсона в 1985 году. Он продолжает:

Когда политическая манипуляция вирусом ВИЧ снимается с его символической завесы, становится очевидным, что люди, больные СПИДом, совсем не интересуют правительство.Сам вирус, который не является СПИДом, был объявлен орудием подавления: его можно использовать для определения и наказания Другого, будь то черный, гей или просто иностранец. Правительство ничего не предвидит для людей со СПИДом, кроме тюремного заключения, складирования или карантина. Генеральный прокурор [Эдвин] Миз, общественный деятель, которого можно было бы назвать вонючим дерьмом, считает, что ВИЧ-инфекция должна быть фактором, определяющим право на условно-досрочное освобождение для заключенных. человек. Фактически, люди, инфицированные ВИЧ, попадают в тюрьму.

Он столь же предвзято относится к Рейганомике и сопутствующим обломкам, оставшимся после нее — обломкам, которые стали слишком заметны на улицах и тротуарах Соединенных Штатов. В колонке 1985 года он обращает внимание читателей на бездомных, написав с точным сарказмом: «Они умирают в государственных больницах или на улице. . . о которых не вспоминают Грейси Мэншенс и Бьянка Джаггерс, которые так много и безжалостно отдали обществу, в котором мы вынуждены жить по чистой случайности рождения.Обзор нью-йоркской выставки цветов 1987 года становится поводом отметить истощение озонового слоя, массовую вырубку лесов в Южной Америке и экологическую близорукость по всем направлениям. То, что цветочное шоу в том году спонсировалось производителем сигарет Philip Morris, делает критику Индианы еще более резкой. В других рубриках он рассматривает войну и военно-промышленный комплекс, рекламу и общую аномалию страны, в которой «все, что делают больше, — это обедать, проводить собрания и умирать.”

Среди примечаний Индианы к запланированной проверке была директива «будь стервой».

По мере того, как он продолжал работать, колонки Индианы становились все более обширными, экспериментальными и настраивались на пронзительный собачий свист, который считался гражданским дискурсом. Он рассматривает политические и эстетические последствия борьбы сумо, дизайна мебели, ухода за мужчинами, аукционов произведений искусства и средств массовой информации. Колонка 1986 года открывается короткой виньеткой, описывающей, как Индиана, вышедшая накануне вечером с поручением купить кофе, стала свидетелем того, как мужчина дрочил в припаркованной машине, в то время как проститутка поблизости говорила по телефону-автомату.«Я думал, что поделюсь этим с вами», — пишет он из-за пустяка, и все же этот анекдот кристаллизирует абсурд и пафос городского отчуждения. Он также играет с формой, иногда пишет псевдодневниковые записи, буквы, стилизации или текстовые коллажи. Колонка 1988 года, озаглавленная «Кровь и кишки» в честь романа Кэти Акер, представляет собой пронумерованный список едких наблюдений и изречений, в том числе: «Пошел ты»; «Не бывает нормального разговора, если он подпитывает или лишает чьих-то карьерных устремлений»; «Если бы я сделал пластинку, основанную на моем опыте художественного критика, я бы назвал ее « Мне все равно, если ты никогда не простишь меня », ч / б « Пошел ты, если не можешь понять (самого себя) ». ”

Невозможно не восхищаться умением Индианы создавать такую ​​тонко настроенную прозу в срок неделя за неделей. В колонке якобы о том, чтобы бросить курить, он произносит эту чувственную хвалу Марианне Фейтфулл:

Голос Фейтфулла, рваный и непостоянный, иногда начинается ровно или звучит так, как будто лысая шина ударяется о кусок блестящего льда. Но что там все время, так это этот резкий нож альта, жалкий, обвиняющий и странно уязвимый.Что в этом голосе? Возможно, всего несколько нот, но галлон синильной кислоты, сезон тропических ливней, самое суровое бледное северное небо, самые пустые серые гостиничные номера. И бесконечные бессонные перелеты, тысячи сигарет, Реми Мартин, секс — это ностальгия по сексу, и счастье — это просто воспоминание о счастье. Надейтесь, что если вы умрете до того, как проснетесь, вы действительно не заметите этого. И самая неожиданная сладость.

Когда в последний раз вы читали такой абзац в альтернативном еженедельнике? Когда вы в последний раз читаете альтернативный еженедельник? (Вы, конечно, больше не можете читать Village Voice .) Дело не только в том, что этот калибр письма в значительной степени исчез из массовой журналистики или что время ускорилось настолько, чтобы искоренить такой изысканный стиль, но Индиана была и остается писателем другого типа — sui generis mash- Эмброуз Бирс, Э.М. Чоран, Лестер Бэнгс и Луи-Фердинанд Селин.

Когда такой трюк, как самоуничтожающийся холст Бэнкси, преподносится как авангард антикоммерческой критики, вы знаете, что вокруг не так много ажиотажа.

Как бы то ни было, наша собственная эпоха не так уж сильно отличается от 1980-х годов, по крайней мере, на первый взгляд, где большая часть U.С. жизнь бывает. Худшие измы того десятилетия вернулись с трагической злобой: консерватизм, евангелизм, расизм, ура-патриотизм, плюс еще одна итерация неиссякаемой культурной войны, основанной, опять же, на недобросовестности и умышленном недопонимании. И большая часть современного искусства в наши дни кажется тусклым, продуктом фабрик MFA и солипсизма среднего класса. Когда такой трюк, как недавний самоуничтожающийся холст Бэнкси, преподносится как авангард антикоммерческой критики, вы знаете, что вокруг не так много ажиотажа.Может быть, это объясняет недавнее воскрешение жизненно важных художников 80-х: Войнаровича с его грандиозным шоу в Уитни; Небольшое, но яркое шоу Джека Смита в Artists Space в Нью-Йорке, которое подчеркнуло дальновидность его выступлений против джентрификации; и реанимация перформанса и видеохудожника Стивена Варбла в Музее Лесли-Ломана. (Все трое артистов умерли от СПИДа.) Эти шоу кажутся откровенными и неотложными во многом так же, как и критика Индианы. Речь идет не только о ностальгии или повышении ценности художников, которые еще не были полностью приняты господствующей культурой.Более того, эти художники и сам Индиана так необходимы, потому что так ясно говорят. Соединенным Штатам всегда нужны честные, мятежные критики — не только для того, чтобы сказать нам, хорошее или плохое произведение искусства, что бы это ни значило, или нужно ли нам раскошелиться на наши кровно заработанные деньги, чтобы испытать тот или иной продукт но чтобы пролить свет на более запутанную истину: наше искусство отражает то, кем мы являемся как страна. Это также отражает то, что мы готовы терпеть.

Питер Уильямс, используя «возмутительный цвет», создает смелые картины, которые противостоят расовому угнетению и представляют «черную вселенную»

Деталь триптиха Джорджа Флойда (2020) Питера Уильямса

В НАЧАЛЕ АВГУСТА художник Питер Уильямс представил Триптих Джорджа Флойда (2020) на Untitled, Art Online, первом виртуальном мероприятии арт-ярмарки.Работа, изображающая арест, смерть и захоронение Флойда на трех панелях, была в центре внимания виртуальной будки Луиса Де Хесуса в Лос-Анджелесе. Без названия, Арт провел беседу Zoom с Уильямсом и критиком Джоном Яу. Они обсудили картины и долгую карьеру художника.

Яу спросил о том, как он использует «возмутительные цвета» на протяжении всей своей практики, и Уильямс объяснил, что в триптихе, в частности, он ссылается на модернизм 1960-х годов, полосы Фрэнка Стеллы, Вашингтонскую школу цвета и представляет изображения в комиксе, плакате. стиль, чтобы сделать их более доступными для зрителей.

«В некотором смысле, когда я прослеживал эту историю, она действительно находила отклик во мне. Когда я посмотрел фильм, я был ошеломлен и шокирован. В течение нескольких часов после этого я не мог заставить себя поверить, что что-то подобное было настолько распространено, что люди просто стояли и смотрели, как он умирает, и даже я просто стоял там и смотрел, как он умирает, — сказал Уильямс, — и тому подобное. Он подтолкнул меня к созданию центральной панели, на которой рассказывалось о смерти Джорджа Флойда и о том, как он встал на колени, а офицер полиции сунул руку в карман и осмотрелся, как если бы это было обычным явлением.И, конечно же, сейчас мы как бы видим, что все больше и больше этих изображений повторяется в СМИ ».

По очереди визуальный рассказчик и культурный критик, Уильямс исследует опыт чернокожих в Америке, как автобиографически, так и более универсально, через исторические и современные события. Его решение задокументировать смерть Флойда отражает его многолетнюю практику. Более четырех десятилетий его темы включали рабство, линчевание, массовое заключение и жестокость полиции.

В последние годы Уильямс сделала серию картин о темнокожих женщинах революции черной власти (как «жестокие фигуры», так и «королевы кино»), на которых изображены Анджела Дэвис, Кэтлин Кливер и Пэм Гриер с огнестрельным оружием. Фергюсон, Миссури, и Колин Каперник были подопытными. В другой серии, «Как создать картину в стиле бруталист», используются художественные и архитектурные отсылки для названия группы тесно оформленных карикатурных изображений, на которых полиция жестоко обращается с чернокожими мужчинами.

На протяжении всей своей работы Уильямс использует смелые цвета и персонажей в стиле комиксов, призванных притупить острые края материала, с которым он работает.Культурные отсылки, основанные на тексте, проясняют в его картинах то, что часто остается невысказанным в реальной жизни. Иногда его сцены разворачиваются в потусторонних мирах — еще одна стратегия, призванная уравновесить душераздирающую реальность прошлого Америки и нынешнюю историю расового насилия и преступной несправедливости. Художник также нашел юмор как надежный инструмент на этом фронте. Среди множества примеров такого подхода он создал черного супергероя и назвал его «Слово на Север».

«Петр оставался верным своей практике как художник и педагог.Его работа продолжала развиваться со всей мощью и блеском, которых можно было ожидать, учитывая его долголетие в этой области. Это заслуженное признание его художественной виртуозности! » — Валери Кассель Оливер

Недавно вышедший на пенсию из Университета Делавэра, его работы в настоящее время демонстрируются на персональных выставках в Лос-Анджелесе и Детройте, а на этой неделе Уильямс получил премию Artists ’Legacy Foundation 2020 Artist Award. Ховардена Пинделл была удостоена награды в 2019 году.

«Для меня большая честь быть лауреатом этой выдающейся награды», — говорится в заявлении Уильямса. Он добавил, что эта награда является «подтверждением 40 лет работы, представляющей Цветных Людей в моем искусстве… Мой интерес к культуре чернокожих восходит к Африке и ее культуре, к афрофутуризму в моих последних работах».

Куратор Музея изящных искусств Вирджинии Валери Кассель Оливер была членом жюри премии. В своем заявлении она сказала: «Приятно отдавать дань уважения работам таких художников, как Питер Уильямс.Питер оставался верным своей практике как художник и педагог. Его работа продолжала развиваться со всей мощью и блеском, которых можно было ожидать, учитывая его долголетие в этой области. Это заслуженное признание его художественной виртуозности! »

Питер Уильямс является лауреатом премии Artists ’Legacy Foundation 2020 Artist Award. В настоящее время у него есть выставки в Луисе де Хесусе в Лос-Анджелесе, Музее современного искусства Детройта и Trinosophes в Детройте.| Фото Кэти Ф. Аткинсон, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом Лос-Анджелес

Вид инсталляции ПИТЕРА УИЛЬЯМСА, Триптих Джорджа Флойда, 2020 (холст, масло). На фото слева: «Арест Джорджа Флойда», «Смерть Джорджа Флойда» и «Похороны Джорджа Флойда». | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

ДЛЯ НЕЗАВИСИМОГО ИСКУССТВЕННОГО РАЗГОВОРА с Яу Уильямс был одет в черную футболку с графическим изображением, на которой было написано «История США».S. Presidents »и содержал ряд общих смайликов. Последовательность белых лиц с лысеющими головами внезапно сменилась коричневым лицом черного человека с густой шевелюрой. Затем появилось лицо клоуна.

Профессиональный педагог, Уильямс продолжал свою практику параллельно с 17 годами работы на факультете Государственного университета Уэйна в Детройте и 15 годами в Университете Делавэра, где он был старшим профессором факультета изящных искусств.

Уильямс отметил различия между студентами, «мудрыми на улице», которых он преподавал в Детройте, и более «защищенными» студентами из высшего среднего класса, которых он встретил в Ньюарке, штат Делавэр.Резкий контраст означал, что ему пришлось изменить то, как он выполнял свою работу в качестве инструктора. Он долго и усердно думал о том, как он представил информацию и как она была получена, упражнение, которое повлияло на его живопись, когда он размышлял о том, как различные аудитории могут получить доступ к его работе и понять его предмет.

Это были тревожные весна и лето. Уильямс все время рисовал, готовился к показу своих работ и разговаривал о своей практике.

Помимо Яу, он поговорил с Крисом Райтцем, директором Центра визуальных искусств Крессмана при Университете Луисвилля, где в феврале и марте демонстрировался фильм «Питер Уильямс: Заключение под стражу».В апреле Уильямс и Райтц устроили виртуальный тур и беседу о выставке.

Сериал посвящен буквальному и символическому содержанию под стражей, например, как тюремной системе, так и корпоративному миру. Акцент делается на увлечении Уильямса истории искусства, абстракции и заигрывании с модернизмом. Его исследования политики, Среднего пути и массовых тюремных заключений служат отправной точкой для «исследования радикальных художественных изобретений» и поиска «новых способов репрезентации».”

Представившись, Уильямс рассказал о своем педагогическом опыте и сказал: «Я рисовал всю свою жизнь». В ответ Райц сказал: «Когда я смотрел на ваши работы, я действительно не мог учесть их разнообразие и сложность. Это шоу действительно совершенно новое. Это не ретроспектива. Я бы сказал, новая работа Питера Уильямса на тему тюремного заключения ».

Художник согласился. Одна из картин, на которой якоря шоу, иллюстрирует поперечное сечение огромной лодки, которую Уильямс намеревается использовать одновременно как невольничий корабль и как круизный лайнер.Он использует сетку для создания отделений с различными фигурами и видами деятельности. Картина называется «Путешествие тогда и сейчас» (2019).

Уильямс объяснил, как возникла концепция шоу и как темы истории, путешествий и сетки связывают работы вместе.

«На протяжении многих лет я задавался вопросом о понятии тюремного заключения, поскольку число людей начало увеличиваться до миллионов, и казалось невозможным, чтобы можно было заключить в тюрьму такое количество людей.А потом Мишель Александер написала фантастическую статью о массовом заключении и рассказала о том, как это было, я думаю, мы повторяемся », — сказал Уильямс.

«Реконструкция, Джим Кроу и так далее вернулись. Гражданские права, пост-черный, все эти имена для чего-то еще не законченного. И поэтому я хотел начать говорить об этом в отношении путешествий, в отношении не только прошлого, но и настоящего. Эта идея о тюремном заключении была чем-то, что структурно, поскольку в моей работе уделялось внимание сетке как формализму, легко вписалось в своего рода идею, которая повторялась снова и снова в моей работе.”

«Эта идея о тюремном заключении была структурно, потому что моя работа уделяла внимание сетке как формализму, легко вписывалась в своего рода идею, которая повторялась снова и снова в моей работе».
— Питер Уильямс

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Путешествие тогда и сейчас», 2019 (холст, эмаль на масляной основе, карандаш, 72 x 96 дюймов). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Он был глобальным путешественником», 2020 (холст, масло, графит, 72 x 96 дюймов).| © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

ПОСЛЕ ВЫСТАВКИ В ЛУИСВИЛЕ и презентации «Искусство без названия» работы художника будут представлены на трех площадках. «Питер Уильямс: Черная Вселенная» можно увидеть в Луис Де Хесус в Лос-Анджелесе. Работы из его серии «Черная Вселенная» также одновременно демонстрируются в Музее современного искусства Детройта и Trinosophes, альтернативном пространстве в Детройте.

Представляя выставку, галерея описывает серию «Черная Вселенная» как «афрофутуристический рассказ о коричневокожей расе, сбегающей в космическое пространство в поисках новых домов на планете и прекращения циклов угнетения, которым они подвергались.”

Когда Рейтц спросил о серии Black Universe, Уильямс сказал: «Все началось с моего решения покинуть планету, и способ сделать это — отвезти мою 12-летнюю машину на Кубу, чтобы они модернизировали ее и поставить ракеты и прочее «.

В разговоре с Яу Уильямс исследовал множество тем. Он рассказал о содержании своих картин, очень подробно объяснил множество ссылок и обозначений в каждой из панелей Джорджа Флойда, а также то, как его собственный опыт выражается в его работах.

Вначале Яу воспользовался возможностью, чтобы глубже изучить роль цвета в творчестве художника. «Что ж, давай поговорим о твоем цвете. Это довольно возмутительно, — сказал Яу.

«До того, как я приехал в Детройт, я был в Балтиморе, и у меня была возможность поехать или жить в самом городе, в обоих городах, и они были непростыми. Они были сложными, — объяснил Уильямс.

«Цвета, которые носили люди. Костюмы и одежда, которые женщины носили по выходным, чтобы пойти в церковь.Плакаты для ночных клубов и т. Д., Которые были или доступны, все имели определенный вид изощренности. Несмотря на то, что они были сделаны грубо, вы могли посмотреть на ночной клуб и знать, что происходящее — это то, что показала карта. И мне нравится такая доступность … Так что я бы больше сосредоточился на форме в моем обучении и позволил бы содержанию проявиться в критике, и вот что происходит здесь с цветом ».

Художник продолжал: «Это формальное высказывание:« Вот, это часть моего негритянства, часть негритянства, которое есть в моей душе.«Я больше не живу в центральной части города, потому что я слишком стар для такого рода развлечений и правдивости. Но если я смогу на своих картинах нарисовать что-то вроде картины, которая разговаривает с более молодой толпой, которая разбирается в мультфильмах и комиксах, и в различных повседневных обломках и т. Д., Которые взрываются на сцене, то они у меня есть. как аудитория, и я могу начать закладывать в них некоторые идеалы и, возможно, некоторые моральные принципы ».

«Если я смогу на своих картинах нарисовать что-то вроде картины, которая разговаривает с более молодой толпой, которая разбирается в мультфильмах, комиксах, в повседневных обломках и т. Д., Которые взрываются на сцене, тогда у меня есть их как аудиторию, и я могу начать закладывать в них некоторые идеалы и, возможно, некоторые моральные принципы.»- Питер Уильямс

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Как создать бруталистскую картину V», 2017 г. (холст, акрил, 30 x 20 дюймов). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

ПИТЕР УИЛЬЯМС, Detroit News, 2019 г. (холст, масло, 60 x 72 дюйма). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

Яу спросил о своем процессе, отметив, что Уильямс не делает подготовительных рисунков.Он все прорабатывает прямо на холсте. На протяжении многих лет речь шла о нехватке времени, о том, чтобы совмещать время в студии с преподаванием и подготовкой к урокам. Уильямс сказал, что он рисует «так быстро и так быстро» на поверхности картин, «чтобы понять смысл как можно быстрее, пока он все еще находится в моей голове и в моей системе координат».

Он продолжил: «Как мое тело к этому относится. Как я отношусь к сопротивлению, с которым я постоянно сталкиваюсь, будь то человек с физическими недостатками или черный человек.Ни один из них меня не ошеломляет, но я осознаю их по мере того, как становлюсь старше. То, что тогда было пощечиной, теперь становится настоящей пощечиной, потому что я понимаю, что это значит. Я не всегда получал это, когда продолжал развивать идею и рисовать ».

БЫЛО НЕСКОЛЬКО ВОПРОСОВ от виртуальной аудитории. Кто-то спросил, думает ли Уильямс о жизни своей работы после того, как он ее создаст. Откажется ли он от контроля над своими картинами после их завершения.

Уильямс сказал: «Я отказываюсь от него в том смысле, что владение — это девять десятых закона, но смысл по-прежнему остается тем, что я улавливаю в этой картине, и я владею им до тех пор, пока картина не перестанет существовать. Насколько я понимаю, любое участие, которое картина имеет в моей студии, я готов передать часть этой информации зрителю и владельцу этой информации, потому что она также рассказывает их историю. С надеждой. Они видят свои отношения либо как чернокожие, либо как чернокожие, или свое отношение к смерти, значимости или авторитету в каком-то балансе или противовесе, противовесе тому, как мир работает прямо сейчас.”

Это действительно трудные времена с впадением коронавируса пандемии, полицейскими убийства и протесты расовой справедливости, и надвигающиеся выборы президента США, спорный конкурс по-разному описываются как наиболее важными президентские выборы в нашей жизни или самым весомые в истории страны . Уильямс подчеркнул, что современный момент является историческим.

«Я думаю, что мы находимся в историческом моменте, и это не то, что мы должны игнорировать», — сказал художник.«Я думаю, что мы должны засвидетельствовать все происходящее насилие и все мерзкие и ненавистные вещи. И тот владелец картины, который завладевает ею, также завладевает свидетельством. Потому что это значение может дать им доступ к их собственной внутренней борьбе или к пониманию самих себя ».

«Я думаю, что мы живем в определенный момент истории, и это не то, о чем мы должны случайно отказаться. Я думаю, что мы должны засвидетельствовать все происходящее насилие и все мерзкие и ненавистные вещи.»- Питер Уильямс

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Birdland», 2020 (холст, масло, графит, 60 x 72 дюйма). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «В пути», 2019 (холст, масло, 72 x 96 дюймов). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

Был задан еще один онлайн-вопрос. Человек просто спросил: «Джо Оверстрит?» Уильямс дал исчерпывающий ответ и на этот вопрос.

«Есть источники для работ, которые существуют, и хотя я бы не стал называть Джо Оверстрита в качестве непосредственного ориентира, но, безусловно, кого-то, на кого я смотрел отчасти из-за современности, с которой он играет в своих картинах, в своих тесных образах. работает и так далее », — сказал Уильямс.

«Меня почти всегда ослепляет современность, пока я не начинаю думать об этом. Когда я начинаю думать об этом, у меня появляется больше вопросов, чем ответов, и поэтому я так лаконично и целостно держусь подальше от этого.Я мог бы поиграть с этим, вы знаете, чтобы немного потратить время, которое у меня есть на что-то. А Джо Оверстрит — важный и впечатляющий афроамериканский художник, и он определенно должен оказать на меня некоторое влияние. Спасибо, что подняли этот вопрос ».

Позже Яу сделал наблюдение, которое дало художнику возможность сделать глубокое заявление, связав опыт чернокожих в целом с его собственной биографией и уважением, которого, по его мнению, заслуживает живопись. Яу сказал, что, составляя свои картины, Уильямс часто соединяет вещи в «раздражающей» и «тревожной» манере.

В ответ Уильямс сказал: «Так живут чернокожие каждый день. В колледже мой сосед по комнате сбил нас со скалы. Он сломал челюсть. Я потерял ногу. Провел семь месяцев в больнице, выздоравливая. В этом нет ничего, что имело бы какое-то значение, по крайней мере, для меня в детстве. Борьба за то, чтобы идти вперед или двигаться вперед, была путешествием, наполненным множеством неподходящих моментов. Появляются вещи, с которыми я действительно не могу справиться либо потому, что они не могут принять тот факт, что я прихожу из другой культуры, либо я слишком слаб, чтобы справиться с ситуацией.Так что время растягивается. В некоторых из них время растягивается почти до бесконечности ».

Он продолжил: «Когда я подхожу к такой картине (Джордж Флойд), я осознаю так много уровней по мере того, как картина разворачивается, что я каким-то образом должен быть в состоянии резонировать через идеи, которые касаются просто формальное восприятие идей о повторении или формировании формы, тоне или ценности. Цвет предназначен для того, чтобы раздражать зрителя. Я делаю их, чтобы люди остановились и посмотрели.В наши дни живопись так обесценилась, что я не могу этого допустить. Мне нужно убедиться, что если им не нравится то, чем я занимаюсь, они, по крайней мере, знали, что я изображаю на этой картине ». CT

ВЕРХНИЙ ИЗОБРАЖЕНИЕ: ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Смерть Джорджа Флойда», 2020 г. (холст, масло, 48 x 60 дюймов). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

«Питер Уильямс: Черная Вселенная» на просмотре в Луис Де Хесус, Лос-Анджелес, 9 июля — октябрь.10, 2020; Музей современного искусства Детройта, 2 июля 2020 г. — 10 января 2021 г.; и Trinosophes в Детройте, 2 июля 2020 г. — янв. 10, 2021. Кураторы выставок в Детройте — Ларри Оссеи-Менса и Ребекка Маццеи

По случаю празднования премии Artists ’Legacy Foundation 2020 Питер Уильямс побеседует с Джорданой Мур Саггезе 22 октября 2020 года в 19:00. EST

УЗНАЙТЕ БОЛЬШЕ о Питере Уильямсе на его веб-сайте

ПОДРОБНЕЕ о Питере Уильямсе в Detroit Metro Times

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Арест Джорджа Флойда», 2020 (холст, масло, 60 х 48 дюймов).| © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

Инсталляция «Питер Уильямс: Черная вселенная», Луис Де Хесус, Лос-Анджелес. На фото слева: «ДНК» (2020 г.) и «Смертельный лед» (2019 г.). | Предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

.

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Смертельный лед», 2019 (холст, масло, 60 x 72 дюйма). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Как сделать отличную картину», 2020 (холст, масло, 72 x 48 дюймов).| © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Адам и Таниша», 2019 (холст, масло, 60 x 72 дюйма). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

Инсталляция «Питер Уильямс: Черная вселенная», Луис Де Хесус, Лос-Анджелес. Показан «Birdland» 2020 (холст, масло, графит, 60 x 72 дюйма). | Предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

.

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «All That Jazz», 2019 (холст, масло, 72 x 96 дюймов).| © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

Инсталляция «Питер Уильямс: Черная вселенная», Луис Де Хесус, Лос-Анджелес. На фото слева направо: «On the Way» (2019) и «All That Jazz» (2019). | Предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

.

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Цветы I», 2020 (холст, масло, 60 х 48 дюймов). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Синие цветы», 2020 (холст, масло, графит, 60 x 72 дюйма).| © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Диспетчерская», 2019 (холст, масло, 48 х 60 дюймов). | © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

Инсталляция «Питер Уильямс: Черная вселенная», Луис Де Хесус, Лос-Анджелес. Показано, показано, «Дикий Билл и его космическая поездка», 2020 (холст, масло, 36 x 96 дюймов). | Предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

.

ПИТЕР УИЛЬЯМС, «Нефть черных народов», 2019 (холст, масло, 72 x 96 дюймов).| © Питер Уильямс, любезно предоставлено художником и Луисом Де Хесусом, Лос-Анджелес,

КНИЖНАЯ ПОЛКА
«Картины N-Word Питера Уильямса» были опубликованы издательством Rotland Press в Детройте. «Чёрный юмор: Джойс Дж. Скотт и Питер Уильямс» документирует выставку двух художников с Питером Уильямсом и Джойс Дж. Скотт, балтиморским художником по бисеру, в Центре художественной галереи Таусонского университета. Уильямс процитировал «Новый Джим Кроу: массовое лишение свободы в эпоху дальтонизма» Элизабет Александер как текст, который повлиял на его мысли, когда он приступил к созданию картин, представленных на его выставке «Заключение» в Центре визуальных искусств Крессмана при университете. Луисвилля.

ПОДДЕРЖКА ТИПА КУЛЬТУРЫ
Вам нравится и цените тип культуры? Пожалуйста, подумайте о поддержке его текущего производства, сделав пожертвование. Тип культуры — это независимый проект по истории искусства, который требует бесчисленных часов и затрат на исследование, составление отчетов, написание и производство. Чтобы поддержать его, сделайте одноразовое пожертвование или подпишитесь на регулярный ежемесячный взнос. Это займет всего минуту. Большое спасибо за вашу поддержку.