Как отличить стили живописи | Галерея картин Struchaieva Art

В первую очередь необходимо определиться с самим понятием стиль и его трактованием в мире изобразительного искусства. Ведь само определение этого слова может существенно разниться в зависимости от сферы его использования. Границы между такими понятиями как стиль, жанр и направление довольно размыты, что порой вызывает чувство недоумения. Что же такое стиль в живописи?

Что такое стиль?

Стиль — это комплекс критериев объединенных идеей, техникой выполнения и определенными социально-культурными явлениями. В связи с этим, каждый стиль, в той или иной мере, является представителем своего времени. Более того, существует тесная взаимосвязь между ними, поскольку зачастую они плавно переходят из одного в другой, находясь в постоянном развитии, смешении и противостоянии.

Говоря о направлениях живописи, в современном искусствознании нет однозначного трактования этому понятию. Стиль и направление, скорее, являются синонимами и отражают одни и те же критерии, объединяющие предметы искусства в мире живописи.

На сегодняшний день существует множество стилей и направлений в искусстве. Довольно сложно отследить зарождение и развитие каждого из них, но можно выделить основные, которые являются родоначальниками и объединяют в себе общие свойства и характеристики для определенных категорий. Ниже представлены основные стили живописи в соответствии с историческими эпохами, которые они характеризуют.

Основные стили живописи:

• Романский стиль (Х-ХIII) — был господствующем в средневековой Европе, характеризуется христианской тематикой, соблюдением строгой симметричности изображения, иерархичностью изображаемых элементов и несоблюдением пропорций.

  Одним из ярких примеров романского стиля является иллюстрация «Три волхва» из псалтыря Св. Олбана.

• Готический стиль (ХIII-XVI) — реалистичное изображение людей, отображение религиозных и бытовых сцен, особое внимание отведено страданиям героев картин. Активно использовался в книжной миниатюре средневековой Европы.

  Известными примерами работ в готическом стиле являются: «Путь на Голгофу», Симоне Мартини; «Колесо десяти возрастов человека», миниатюра из «Псалтыря Робера де Лиля».

• Возрождение (Ренессанс) (XIV-XVI) — переход от эпохи средневековья к новому времени, характерна передача перспективы, создающая более правдивое отображение реальности. Религиозные сцены наполнены более приземленным сюжетом, явно выражено обращение к сюжетам античности.

  На сегодняшний день, существенная часть самых выдающихся живописных работ относится именно к этой эпохе. К примеру, «Джоконда» Леонардо да Винчи, «Преображение Господне» Рафаэля Санти, «Тондо Дони» Микеланджело Буонарроти.

• Барокко (XVI-XVIII) — результат противоречий между церковным и светским виденьем мира, характерна нарочитая роскошь, торжественность и избыток декоративных элементов. В основном этот стиль использовался для написания портретов того времени. Яркими примерами этого стиля являются работы: «Святое Семейство», Антонис ван Дейк; «Музыканты», Караваджо; «Менины» Веласкеса.

• Классицизм (XVII-XIX) — в основе лежит античное искусство, характеризуется лаконичностью и логичностью. Выделяется идеализацией человеческой фигуры и мифологическими сюжетами.

  Примерами известных картин этой эпохи являются: «Смерть Марата», Жак-Луи Давид; «Последний день Помпеи», Карл Брюллов.

• Сентиментализм (XVIII) — в основе лежит идея вызвать ответную эмоциональную реакцию у зрителя, в основном сочувствие или сострадание. Характеризуется изображением сцен из сельской жизни либо из жизни простых «маленьких» людей.

  Яркими примерами являются: «Портрет молодой женщины», Жан-Батист Грез; «Габриэль Арно», Луиз Леопольд Буальи.

• Рококо (XVIII-XIX) — возник как результат позднего барокко. Отличительными чертами являются обильный декор, интимно-кокетливый характер и светлая цветовая гамма. В основном, отображает сцены из жизни элиты, либо имеет пасторальные и мифологические сюжеты.

  Одними из наиболее известных работ в стиле рококо являются: «Портрет маркизы де Помпадур», Франсуа Буше; «Качели», Жан-Оноре Фрагонар; «Великолепный бал», Антуан Ватто.

• Романтизм (XVIII-XIX) — выдвигает на первый план индивидуальность, возвышает её идеалистические устремления, характерно наличие культивирования природы и человеческой натуры, сказочные и мифологические мотивы. Также, характерной чертой является наличие множества важных мелких деталей. Среди известных полотен, исполненных в данном стиле: «Герцогиня Альба», Франциско Гойя; «Смерть Сарданапала» Эджен Делакруа; «Всадница», Карл Брюллов

• Реализм (XIX) — основной идеей является правдивое и реалистичное изображение окружающего мира. Стиль характеризуется чувственностью, эмоциональностью и натуралистичностью изображения героев. Преобладают жанровые сцены из жизни простых людей.

  Отличными примерами являются следующие работы: «Рыбаки Средиземноморья», Жюль Бретон; «Веяльщицы», Густав Курбе; «Завтрак на траве», Эдуар Мане.

• Натурализм (XIX) — в основе лежит стремление отобразить реальность максимально объективно и беспристрастно, художественное познание уподобляется научному. Характерно изображение физиологических проявления человека и его анатомических особенностей, сцен жестокости и насилия.

  Яркими примерами данного стиля являются картины: «Сенокос», Жюль Бастьен-Лепаж; «Возвращение отары», Антон Мауве;

• Импрессионизм (XIX) — передача чувств и эмоций автора от увиденного является основополагающей идеей стиля. Ему характерны изображения предметов без контуров, практическое отсутствие черного цвета, нанесение свежих мазков на еще не высохшую поверхность холста. Произведения исполненные в этом стиле наполнены легкостью, искренностью чувств и откровенностью эмоций.

  Наглядными примерами являются: «Водяные лилии», Клод Моне; «Зонтики», Пьер-Огюст Ренуар; «Жокеи перед скачками», Эдгар Дега.

• Символизм (XIX — XX) — является одним из крупнейших направлений на рубеже XIX и XX веков. Выступал в противопоставление импрессионизму и реализму, отображал негативное отношение к буржуазным ценностям и выражал желание обрести духовную свободу. Характерными являются стремление к экспериментам, таинственность и недосказанность сюжетов, мистицизм. Наиболее популярными тематиками были религия и оккультизм, часто изображалась трагическая взаимосвязь любви и смерти.

  Известными картинами, выполненными в этом стиле, являются: «Желтый Иисус», Поль Гоген; «Раненый ангел», Хуго Симберг.

• Примитивизм (XIX — XX) — намеренное упрощение изображаемой картинки подобно ребенку или первобытному человеку. Основополагающей идеей является распространение искусства в народе.

  Примерами работ в стиле примитивизм выступают: «Актриса Маргарита», Нико Пиросмани; «Спящая цыганка», Анри Руссо.

• Модерн (XIX — XX) — характеризуется стилизацией направлений искусства разных эпох. Данный стиль основывается на принципах декоративности, орнаментальности и асимметрии. Выделяется отказом от углов и прямых линий в пользу более естественных кривых очертаний.

  Шедеврами модерна считаются: «Поцелуй», Густав Климт; «Ужин», Леон Бакст

• Модернизм (XX) — общее название направлений искусства в начале XX века, которые характеризуются отрицанием форм эстетики прошлого и выражением свободных взглядов художника. Главной целью стилей, которые объединяет в себе модернизм, является создание оригинальных произведений, используя новые средства в изобразительном искусстве.

Основные направления модернизма:

• Экспрессионизм — субъективное изображение окружающего мира с полным искажением реальности для передачи определенного эмоционального эффекта. Известным экспрессионистом был Винсент Ван Гог. Его картины «Звездная ночь», «Подсолнухи», «Ирисы» и многие другие являются всемирно известными шедеврами живописи.
• Кубизм — характеризуется использованием четких линий и различных геометрических фигур. Основополагающей идеей является выражение всей сложности и многообразности жизни в простейших пространственных моделях. Пабло Пикассо называют отцом кубизма, а его «Авиньонские девицы» известны во всем мире.

• Футуризм — основная художественная идея заключается в выражении стремительности движения как основной характеризующей современного темпа жизни. Изображение техники и урбанизма как главных признаков современности и грядущего будущего.

  Наглядными примерами работ в стиле футуризм являются: «Красный всадник» Карло Карра; «Движение автомобиля», Джакомо Балла.

• Сюрреализм — основными характерными чертами являются отстранение от осознанного творчества, изображение причудливых форм и образов для передачи подсознательного. Предполагается, что в основе создания данного стиля лежит сочетание иллюзии и сна.

  Активно используются такие техники как:

  • текстурирование;
  • соскабливание;
  • капельный метод;
  • метод коллажа;
  • чертеж.

  Одним из самых ярких представителей сюрреализма является Сальвадор Дали. Его наиболее известные работы: «Постоянство памяти», «Сон, навеянный полетом пчелы вокруг граната», «Жираф в огне».

• Абстракционизм — в основе лежит сочетание простых и сложных форм, игра со цветом и плоскостями. Сочетание фигур и красок кажется хаотичным и гармоничным одновременно. Изображение на холсте не имеет отношения к реальности, но передает идеи и чувства автора. Абстракционизм, в свою очередь, тоже делится на несколько ответвлений.

  Виды абстракционизма:

  • цветовой абстракционизм — игра со цветом и оттенками;
  • геометрический абстракционизм — выделяется наличием четких форм и линий
  • экспрессивный абстракционизм — особое значение уделяется именно технике нанесения красок;
  • минималистичный абстракционизм — лаконичное использование цветов и элементов.

  Всемирно известными шедеврами данного стиля являются: «Черный супрематический квадрат», Казимир Малевич; «Композиция», Василий Кандинский; «Композиция с красным, желтым и синим», Пит Мондриан.

• Постмодернизм — является возвратом к предмодернистким взглядам на живопись, но в новом оформлении. Характерной особенностью считается объединение разных приемов и стилей в одной работе. Данный стиль, в какой-то степени, уравнивает все существующие направления, их значимость и актуальность. Предполагает отсутствие каких-либо правил и поощряет свободное самовыражение.

  Яркими примерами работ постмодернизма являются: «Леди Годива», Ремедиос Варо; «Портрет Мишеля Лейриса», Френсис Бэкон.

• Анахронизм — одно из течений постмодернизма которое характеризуется авторской интерпретацией искусства прошлого, является некой пародией, в основном, на искусство эпохи ренессанса, барокко и классицизма.

  Карло Мария Мариани известный представитель данного направления. Одни из самых известных его картин «Невесомое» и «Идеальный обзор».

• Андеграунд — в широком смысле, искусство противопоставляющее себя ограничивающим убеждениям, господствующим в общественной культуре, отвергает и нарушает политические, моральные и социальные рамки поведения.

  Примером андеграунда в живописи является работа «Реквием», Элий Белютин, которая сейчас находится в Третьяковской галерее, Россия.

Данный список включает лишь наиболее популярные и актуальные на сегодняшний день стили и направления в живописи, и не является полным. Большинство из них имеют собственные подстили или разновидности, что значительно увеличивает количество существующих направлений. Развитие современных технологий и их существенное влияние на образ жизни человека тоже оказали немалое влияние на современное искусство и живопись, что отображается в таких направлениях как:

• Фотография;

  К примеру, работы известного современного фотографа, Энни Лейбовица.

• Digital- art;

  Особой популярностью пользуются работы Карилла Роландо, Вероники Миноззи и Майкла Дебалфо.

С каждым днём взаимосвязь развивающихся технологий и живописи становится теснее, порождая новые техники, приемы, направления и стили.

ТО «Мир искусства», авангардизм, экспрессионизм, футуризм, сюрреализм, супрематизм, конструктивизм

Говорить о русской живописи ХХ века, рассматривая ее без связи с тем культурным наследием, которое было оставлено нам выдающимися мастерами прошлых веков, так же бессмысленно, как начинать с последних страниц впервые читать «Войну и мир» или «Евгения Онегина». Русская живопись 20 века – это то самое наследие выдающихся художников, являющееся связующим звеном между поколениями сегодняшним и давно ушедшим в глубь веков.

Ренессанс живописи в России пришелся на конец XIX – начало ХХ века. В это время появилась целая плеяда выдающихся мастеров кисти – Илья Репин, Константин Коровин, Кузьма Петров-Водкин, Михаил Врубель, Борис Кустодиев, Казимир Малевич и другие.

В своих произведениях, порой спорных, не всегда понятных обывателю, они отражали лучшие художественные достижения той эпохи. В живописи появляются новые стили – авангардизм, соцреализм, супрематизм, начал пробивать себе дорогу абстракционизм.

История развития русской живописи в XX веке

Конец XIX – начало XX века. Этот период, который по праву называют ренессансом русской живописи 20 века, вошел в историю под названием «Серебряный век».

Главным бенефициантом этого периода выступило художественное объединение «Мир искусства», организованное в 1898 году. Несколько позднее, в начале ХХ века был организован «Союз русских художников».

Фотография представителей «Союза русских художников»

Художники, вошедшие в это объединение, считали себя преемниками пейзажной русской живописи XIX – ХХ веков. В русской живописи начала ХХ века начали пробивать себе дороги новые направления:

1. Авангардизм;
2. Экспрессионизм;
3. Футуризм;
4. Сюрреализм;
5. Супрематизм;
6. Конструктивизм.

Творческое объединение «Мир искусства»

Образованное в 1898 году творческое объединение, просуществовало (с некоторыми перерывами) до 1924 года. Одними из основателей объединения были Алесандр Бенуа, Лейб Бакст, Мстислав Добужинский, Евгений Лансере, Иван Билибин, составившие впоследствии ядро объединения.

Обложка журнала «Мир искусства» 1901 года

Затем к «Миру искусства» присоединились Константин Коровин, Николай Рерих, Борис Кустодиев и другие. Члены объединения своим творчеством противопоставляли свою деятельность как передвижникам, так и Академии художеств.

Не порывая с реализмом в живописи ХХ века, художники объединения были сторонниками «чистого искусства», активно сопротивлялись возрастающему влиянию декадентства и формализма. В творчестве художников объединения преобладали тенденции к ретроспективе, обращение к культурным источникам XVII – XVIII веков.

Наиболее значительными сторонами в профессиональной деятельности членов объединения были работы по созданию книжной графики и театральных декораций. Художники объединения продолжили реформу, которую начали воплощать в жизнь театральные декораторы русского мецената Саввы Мамонтова.

Групповой портрет художников объединения «Мир искусства»

Декорационные работы художников объединения отличала высочайшая культура, они стремились обогатить театр самыми последними достижениями, работая в разных направлениях живописи ХХ века. Они привносили изумительную целостность исполнения декораций и их органичного слияния с таинством сценического действа.

Художники объединения оформляли практически все спектакли, которые Сергей Дягилев организовывал за границей. Сам С. П. Дягилев входил в состав руководства объединения и был его идейным вдохновителем. На рубеже веков в Санкт-Петербурге он издавал журнал «Мир искусства».

Авангардизм и его представители

Для русского авангарда в живописи ХХ века, как и для представителей авангардизма в живописи ХХ века во всем мире, на первый план выходит эксперимент в художественном творчестве. Зачастую этот эксперимент представляет собой вызов классической эстетике.

Художники-авангардисты используют необычные средства самовыражения, порой излишне гипертрофированный символизм художественных образов. Они стремятся коренным образом обновить художественную практику.

Разрывая устоявшиеся традиции, они ищут новые средства выражения, новые формы, новые взаимоотношения. Бесспорно, на творчество многих русских авангардистов оказали влияние не только произведения близких им по духу импрессионистов, но и многие другие мимолетно увиденные сюжеты, услышанные мелодии, слова, картины.

Автопортрет художника-авангардиста Эль Лисицкого

Именно набор таких совпадений привел юриста Василия Кандинского к мольберту, и он навеки остался в истории русской живописи ХХ века как основоположник русского абстракционизма. Казимир Малевич, отказавшись от буквального восприятия реальности, напрочь рассорился с коллегами, но это не помешало его произведениям концептуально стать идолом мирового авангардизма.

Его «Черный квадрат» стал некоей формацией, которая позволила найти выход «из круга вещей». Вместе с Малевичем работал Эль Лисицкий, благодаря которому в СССР появился новый вид творчества – дизайн.

Лисицкий вошел в историю как создатель горизонтальных небоскребов. В СССР его проект забраковали, а в Китае, Германии, Нидерландах похожие конструкции были построены.

В настоящее время идеи Лисицкого легли в основу проектов «Сколково». Нельзя не вспомнить Александра Родченко – родоначальника рекламы в СССР и теоретика конструктивизма, его жену и соавтора Варвару Степанову, академика Владимира Шухова, автора знаменитой телевышки, чьи идеи легли в основу авангардной архитектуры.

Экспрессионизм и его представители

Представители экспрессионизма в живописи ХХ века менее всего стремились к точному воспроизведению действительности. Их кредо – выражение своего эмоционального состояния.

На выставке картин русской живописи ХХ века в Русском музее представлены работы экспрессионистов. На первый взгляд это может показаться отталкивающей, грубой мазней.

Картина Юрия Щукина «Водный праздник» относящаяся к экспрессионизму

Экспрессионистские картины, написанные под впечатлением мира ужасов, резко контрастируют с картинами мастеров, воспевающих красоту и гармонию. На многих вернисажах представлены русские художники-экспрессионисты и их картины:

• Борис Григорьев – «Портрет Максима Горького»;
• Василий Чекрыгин – «Воскрешение из мертвых»;
• Юрий Щукин – «Водный праздник»;
• Юрий Пименов – «Инвалиды войны».

Футуризм

Футуризм в живописи ХХ века – одно из направлений авангарда – существовал в русской живописи начала ХХ века очень короткое время – до начала двадцатых годов. Отдельным целостным художественным направлением он не стал.

Михаил Ларионов как один из художников направления футуризм

В понятие «футуризм» включали множественные ответвления русского авангардизма – лучизм, кубофутуризм, дадаизм, неопримитивизм и др. Наиболее яркие представители русского футуризма:

1. Давид и Николай Бурлюки;
2. Михаил Ларионов;
3. Наталья Гончарова;
4. Михаил Матюшин;
5. Николай Кульбин и др.

Сюрреализм

В живописи России начала ХХ века, как и во всем мире, возникали и исчезали всевозможные новомодные течения. Примером такого течения может служить сюрреализм, пришедший в живопись России ХХ века из Франции.

Просуществовав до 1969 года, это направление официально прекратило свое существование. Необычные картины, представленные художниками-сюрреалистами, были настолько пугающе фантастичными, что их порой относили к плодам воспаленного воображения душевнобольных людей.

Выставка картин Алексея Ежова относящихся к направлению сюрреализм

В России живописцев-сюрреалистов можно было пересчитать по пальцам:

• Алексей Ежов – картины выполнены в стиле, напоминающим манеру голландских мастеров;
• Юрий Лаптев – писал картины в нехарактерной для жанра акварельной технике;
• Борис Индриков – писал картины на грани смешения стилей сюрреализма и фантастического реализма;
• Владимир Куш – манерой исполнения напоминает Сальвадора Дали.

Соцреализм

Начиная с 1934 года и практически до конца ХХ века в русской живописи, как и во всех произведениях советской культуры, существовало направление, получившее с легкой руки Максима Горького название «социалистический реализм». Подразумевалось, что это направление призвано отражать революционные устремления народных масс в будущее, всепобеждающее переустройство мира в коммунистическое общество.

Автопортрет художника Александра Дайнека который занимался направлением соцреализм

Этому направлению были присущи нарочитая пафосность, народность, дружба всех народов. Наиболее яркими представителями этого направления были Кукрыниксы, Дмитрий Налбандян, Александр Дейнека, Петр Кончаловский и др.

Заключение

Все рассмотренные направления можно объединить в одно емкое понятие – модернизм в живописи ХХ века. Модернизм вобрал в себя множество течений, которые кардинально отличаются от классического стиля, но каждое из них имеет право на жизнь, находит своих приверженцев и почитателей.

Видео: Самая быстрая история русского искусства XX века

СТИЛИ И НАПРАВЛЕНИЯ ЖИВОПИСИ: kovlam — LiveJournal

Авангардизм, авангард (от фр. avant-garde — передовой отряд) — общее название художественных направлений в искусстве XX века, для которых характерны поиск новых форм и средств художественного отображения, недооценка или полное отрицание традиций и абсолютизация новаторства.

Академизм (от фр. academisme) — направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм (от англ. action art — искусство действия) — хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью.

Ампир (от франц. empire — империя) — стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир — финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789))

Андеграунд (от англ. underground — подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Ар нуво (от фр. art nouveau, буквально — новое искусство) — распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко (от фр. art deco, сокр. от decoratif) — направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка (1898-1980).

Барокко (от итал. barocco — странный, причудливый или от порт. perola barroca — жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Возрождение, или Ренессанс (от фр. renaissance, итал. rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520), Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576), Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516), Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Вудленд (от англ. — лесная земля) — стиль в искусстве, берущий начало в символике наскальных изображений, мифах и легендах североамериканских индейцев.

Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) — период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Импрессионизм (от фр. impression — впечатление) — направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине XIX века, главной целью которого была передача мимолетных, изменчивых впечатлений.

Китч, кич (от нем. kitsch — безвкусица) — термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч — разновидность постмодернизма. Китч — это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль в искусстве, основой которого являлось обращение, как к идеальному эстетическому эталону, к образам и формам античного искусства и эпохи Возрождения, требующий строгого соблюдения ряда правил и канонов.

Космизм (от греч. kosmos — организованный мир, kosma — украшение) — художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм (от фр. cube — куб) — модернистское направление в искусстве, изображавшее предметы действительности разложенными на простейшие геометрические фигуры.

Леттризм (от англ. letter — письмо, послание) — направление в модернизме, основанное на использовании изображений похожих на шрифт, нечитаемый текст, а также композиций на основе букв и текста.

Метареализм, метафизический реализм (от греч. meta — между и геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, основная идея которого выразить сверхсознание, сверхфизическую природу вещей.

Минимализм (произошло от англ. minimal art — минимальное искусство) — художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства.

Модерн (произошло от фр. moderne — новейший, современный) — художественный cтиль в иcкyccтвe, в котором пepeocмыcливaются и cтилизуются чepты иcкyccтвa paзныx эпox при помощи xyдoжecтвeнных пpиeмов, ocнoвaнных нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти.

Неопластицизм — одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение «Стиль». Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к «универсальной гармонии», выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Примитивизм, наивное искусство, наив — стиль живописи, в котором картина намеренно упрощается, её формы делаются примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека.

Оп-арт (от англ. optical art — оптическое искусство) — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве, в котором эффекты пространственного перемещения, слияния и «парения» форм достигаются введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечением спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Ориентализм (от лат. oriens — восток) — направление в европейском искусстве в котором используются тематика, символика и мотивы Востока и Индокитая

Орфизм (от фр. orphisme, от Orp?ee — Орфей) — направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Поп-арт (от англ. pop — отрывистый звук, лёгкий хлопок) — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве, в котором реальностью являются типичные предметы современного урбанизированного быта, образцы массовой культуры и всей окружающей человека искусственной материальной среды

Постмодернизм (от фр. postmodernisme — после модернизма) — новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно объединение в рамках одного произведения стилей, образных мотивов и художественных приемов, заимствованных из разных эпох, регионов и субкультур.

Реализм (от лат. геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности.

Рококо (происходит от фр. rococo, rocaille) — стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Символизм (от фр. symbolisme — знак, опознавательная примета) — художественное направление в искусстве, основанное на воплощении основных идей произведения посредством многозначной и многоликой ассоциативной эстетики символов.

Социалистический реализм, соцреализм — художественное направление в искусстве, представляющее собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленное эпохой социалистического общества.

Гиперреализм, суперреализм, фотореализм (от англ. hyperrealism — сверх реализм) — направление в искусстве, основанное на точном фотографическом воспроизведение действительности.

Сюрреализм (от фр. surrealisme — сверх + реализм) — одно из направлений модернизма, основная идея которого выразить подсознание (совместить сон и реальность).

Трансавангард (от лат. trans — сквозь, через и фр. avantgarde — авангард) — одно из современных направлений постмодернизма, возникшее как реакция на концептуализм и поп-арт. Трансавангард охватывает смешения и трансформации стилей, родившихся в авангарде, таких как кубизм, фовизм, футуризм, экспресионизм и др.

Экспрессионизм (произошло от фр. expression — выразительность) — модернистское направление в искусстве, рассматривающее изображение внешнего мира лишь как средство для выражения субъективных состояний автора.

Направления в искусстве 19 века

Во второй половине XIX века в Западной Европе культурным центром становится Франция. Отталкиваясь от реализма и романтизма, возникают новые художественно-эстетические теории, получившие большую или меньшую популярность. В Англии в 1842 г. возникло «Братство прерафаэлитов» — общество поэтов и художников (Д.Г. Россетти, X. Хант, Дж.Э. Миллес), критиковавших с романтических позиций современную культуру. Прерафаэлиты соединяли скрупулезную передачу натуры с вычурной символикой. Они избрали своим идеалом «наивное» искусство средних веков и раннего Возрождения (до Рафаэля). Идеи прерафаэлитов повлияли на развитие символизма и стиля «модерн».

Символизм (фр. symbolisme, от греч. — знак, символ) — художественное направление в европейском и русском искусстве 1870 — 1910-х годов, возникшее сначала во французской литературе. Философско-эстетические принципы символизма восходят к сочинениям А. Шопенгауэра, Э. Гартмана, Ф. Ницше, творчеству Р. Вагнера и характеризуются отрицательным отношением к материализму и позитивизму. С помощью «сверхчувственной интуиции» символисты намеревались проникнуть в тайны мира, скрытые под внешним покровом. Символизм исходит из убеждения, что современной культуре недостает фантазии и духовности. Художник-символист создает произведения, дающие выход воображению.

Основные представители символизма в литературе — П. Верлен, П. Валери, А. Рембо, С. Малларме, М. Метерлинк, А.А. Блок, А. Белый, Вяч.И. Иванов, Ф.К. Сологуб; в изобразительном искусстве: Э. Мунк, Г. Моро, М.К. Чюрленис, М.А. Врубель, В.Э. Борисов-Мусатов; близко к символизму творчество П. Гогена и мастеров группы «Наби», графика О. Бердсли, работы многих мастеров стиля «модерн». Наиболее крупными представителями французского символизма были поэты Поль Верлен (1844—1896), Стефан Малларме (1842—1898), Артюр Рембо (1854—1891). П. Верлен (сборник стихов «Галантные празднества») ввел в лирическую поэзию сложный мир чувств и переживаний, придал стиху тонкую музыкальность. Для творчества О. Малларме характерен усложненный синтаксис, стремление к передаче «сверхчувственного». Его драматические сочинения проникнуты мотивами одиночества и бессилия перед жизнью. А. Рембо в своих стихах выразил разорванность мысли и реальности, стремясь путем соединения поэтических образов проникнуть в тайну действительности.

Под влиянием представителей живописи критического реализма (Курбе, Домье) появилось новое направление в искусстве — импрессионизм (от фр. impression — впечатление).

Импрессионизм обновляет изобразительное искусство всей Европы. Любовь к природе побуждает французских художников писать пейзажи с натуры. Художник-импрессионист пытается зафиксировать на холсте мимолетные впечатления от сцены, которую он видит перед собой. Крупнейшими представителями импрессионизма являются Э. Мане, К. Писсарро, Э. Дега, П. О. Ренуар, К. Моне, объединившихся для борьбы за обновление искусства против официального академизма в художественном творчестве.

Один из основоположников импрессионизма, Эдуар Мане (1832—1883), родился в семье крупных чиновников. Рисовать начал еще в коллеже. Воспротивившись предназначавшейся ему карьере юриста, поступил в морскую школу, затем учился в Школе изящных искусств в Париже. Он много путешествовал, интересуясь секретами живописи старых мастеров, в традициях которых были выполнены его ранние картины. В 1863 году Мане пишет картину «Завтрак на траве». На ежегодную выставку художников в Париже официальное жюри принять его картину отказалось. Тогда он выставился среди неофициальных художников — в известном «Салоне отверженных». Картина произвела в Париже громкий скандал. На ней была изображена обнаженная женщина в обществе одетых мужчин. Новшеством в этой картине было то, что яркий свет переходил к тени сразу, без промежуточных градаций. Это создавало ощущение незавершенности, резкости и одновременно угловатости. Отныне Мане встал на путь разрушения традиционных канонов бытовой живописи, отказавшись от четкой сюжетной мотивировки.

Клод Моне (1840—1926) — ведущий представитель импрессионизма, автор тонких по колориту, напоенных светом и воздухом пейзажей. В серии картин «Стога сена» (1891), «Руанский собор» (1895) он стремился запечатлеть мимолетные состояния свето-воздушной среды в разное время дня. От названия пейзажа Моне «Впечатление. Восходящее солнце» произошло и название направления — импрессионизм. Наряду с Дега и Ренуаром Моне был одним из немногих художников, чьи произведения были выставлены в Лувре еще при их жизни. Критики стали считать Моне предшественником лирической абстракции, в частности абстрактного пейзажа.

Другой представитель импрессионизма Камиль Писсарро (1830—1903) является автором светлых, чистых по цвету пейзажей, для его картин характерна мягкая сдержанная гамма. Как и другие импрессионисты, Писсарро создал немало городских пейзажей, среди которых лучшими являются виды Парижа, написанные им в конце 90-х годов. Писсарро, как и большинство импрессионистов, пишет маленьким точечным мазком, сочетая его с ясно выраженным контуром предметов. Наиболее известные произведения «Бульвар Монмартр» (1897) и «Оперный проезд в Париже» (1898).

Выходец из семьи крупной финансовой буржуазии, Эдгар Дега (1834—1917) получил классическое образование. Может быть потому его творческому почерку свойственны безупречно точное наблюдение, строжайший рисунок, сверкающий, изысканно красивый колорит. Он прославился свободным, иногда асимметричным построением композиции. Чтобы нарушить неподвижность своих картин и передать стремительное движение, Дега использовал различные приемы: поднятие линии горизонта, смещение центра композиции, нарушение перспективы. Значительное место в творчестве Дега занимает балет, который он показал и с праздничной, и с будничной стороны: его знаменитые танцовщицы напоминают то грациозные воздушные создания («Репетиция балета на сцене», 1874), то измученных тяжелыми репетициями полувзрослых девочек с утомленными лицами, в минуты отдыха неловкими движениями поправляющими туфельки и корсажи («Танцовщицы за кулисами», 1890—1895). Его взгляд становился еще беспощаднее, когда останавливался на женщине, занимающейся своим туалетом: вот она намыливается в тазу, растирается, выходит из ванны, вытирает затылок, тело, ноги {«Ванная», 1890), а вот другая, уверенная, что ее никто не видит, садится на корточки, чешется, принимая порой довольно нелепые позы. Художник одинаково, без снисхождения изображал женщин из народа и завсегдатаев салонов. В живописи Дега продолжал социально-критическую традицию Золя. Крут тем, интересовавших Дега, был чрезвычайно широк: прачки и портнихи, цирковые представления и биржевая суматоха, похождения кокоток и жизнь борделей.

Художник создал более 2000 картин и пастелей, его зрение постепенно ухудшалось, а характер портился. Когда же слепота стала практически полной, Дега, одинокий и желчный, предпочел запереться в одиночестве и заняться скульптурой. Вместе с тем этот угрюмый молчун умел быть замечательным другом и помогать близким в трудные минуты. Однако его прозорливый ум, тонкая ирония и светская деликатность покидали его, как только речь заходила о политике. Здесь Дега проявлял себя крайним реакционером и фанатиком. Искусство Дега оказало огромное влияние на современников.

Выдающийся французский живописец, график и скульптор Огюст Ренуар (1841 —1919), сын портного из Лиможа, зарабатывая на жизнь, расписывал в Париже фарфор, веера и шторы, затем учился в Школе изящных искусств у импрессионистов. Ему охотно позировали друзья, которых он помещал под деревьями, изучая зеленые рефлексы и блики света на лице, теле и одежде. Ренуар хотел быть непосредственным в восприятии и воспроизведении натуры, он говорил об этом:

«Я устанавливаю свою натуру, как мне хочется, затем беру и пишу ее, как писал бы ребенок… Я не мудрю, у меня нет ни правил, ни методов».

Он создавал светлые и прозрачные по живописи пейзажи, портреты, динамичные бытовые сцены, воспевающие чувственную красоту и радость бытия: «Мулен де ла Галет» (1876), «Ж. Самари» (1877).

Импрессионисты (за исключением Дега) создают оригинальную живописную систему. Она отличается разложением сложных тонов на чистые цвета и взаимопроникновением четких раздельных мазков чистого цвета, смешивающихся не на палитре, а при восприятии зрителем — в оптических рецепторах глаза — светлой и яркой цветовой гаммой, цветными тенями. Объемные формы как бы растворяются в окутывающей их световоздушной оболочке, дематериализуются, обретают зыбкость очертаний.

Франция в конце XIX века дала миру великого скульптора — Огюста Родена (1840—1917), творчество которого относят к импрессионизму. В его скульптурах духовное содержание передавалось выражением лица и дви-жением тела, достигающим кульминации в жесте, поразительном по красоте, психологической точности и ритмической выразительности. Его любимым стилем был готический, а любимым произведением — «Божественная комедия» Данте. И вслед за Бальзаком, создавшим «Человеческую комедию», и за Бодлером, чьи «Цветы зла» поначалу носили название первых кругов дантова «Ада», Роден приступил в 1880 году к работе над «Вратами ада» для Музея декоративного искусства в Париже. Центральная фигура композиции — самое известное творение французского мастера — «Мыслитель».

Он имеет определенного прототипа в образе пророка Иеремии из фрески Микеланджело. Несмотря на более светлые любовные мотивы, родившиеся из темы Паоло и Франчески («Поцелуй», «Вечная весна», «Вечный идол»), концепция человеческого существования у Родена в целом достаточно драматична. «Я хочу выразить всю правду, а не только ту, что дается глазу», — любил повторять Роден.

Постимпрессионизм (от лат. post — после и импрессионизм) — художественное течение конца XIX — начала XX века, возникшее во Франции как реакция на импрессионизм. Между двумя течениями разница не только во времени. Приставка «пост» не означает, что новое направление просто следовало во времени за старым. Они расходились по принципиальным вопросам. Импрессионизм стремился уловить случайное и мимолетное, а постимпрессионизм искал постоянные начала бытия. В первом преобладали чувства и впечатление, во втором — рассудок и интерес к философским аспектам бытия. К постимпрессионистам относят П. Сезанна, В. Ван-Гога, П. Гогена, А. Тулуз-Лотрека, Ж. Сера, представителей неоимпрессионизма и группы «наби». Между собой они имели мало общего. Каждый из них искал свою художественную нишу: Сера осуществлял свои эксперименты с цветом в Париже. Ван-Гог уехал в Арль, городок на юго-востоке Франции, Гоген отправился на далекий остров Таити. Их творчество положило начало многим тенденциям в изобразительном искусстве XX века.

Творчество крупнейшего постимпрессиониста Поля Сезанна (1839—1906) стоит у истоков современного искусства. Он начинает вместе с импрессионистами, однако в 80-х годах отходит от них и разрабатывает новую живописную систему, которая оказала огромное влияние на развитие всего искусства XX века. Отец Сезанна, родом из Экса, был рабочим, затем торговцем шляпами, и в 1847 году стал банкиром, обеспечив, таким образом, своему сыну безбедное будущее. В 1852— 1858 годах Поль получает хорошее гуманитарное образование в Бурбонском колледже в Эксе. Здесь начинается его дружба с Золя, с которым они проводят долгие часы в бурных спорах и мечтаниях. В 1858 году Сезанн становится бакалавром и поступает на факультет права, но, воодушевленный перепиской с Золя, он вскоре решает посвятить себя живописи. Через Золя он познакомился с художниками Э. Мане, К. Писсарро, К. Моне, О. Ренуаром и др. Общение с ними, а еще больше с постимпрессионистами (прежде всего Ван-Гогом) формирует его технику аналитического геометризма. Абсолютно прямые линии редки в его картинах: они то изгибаются, то наклонны (Сезанн серьезно интересовался геологией). Излюбленный прием Сезанна — совмещение разных точек зрения на объект при его изображении. В отличие от импрессионистов, любивших изображать прогулки и пикники на природе, у Сезанна не видно людей; его многочисленные пейзажи пустынны. Сезанн занимался поиском не изменчивости цветов, а устойчивых структурных закономерностей, его рисунок очень лаконичен, а цветовая палитра небогата: в ней преобладают три цвета — зеленый, голубой и желтый.

Произведения Сезанна (а насчитывается около 900 его картин и 400 акварелей) представлены почти во всех крупных музеях мира. Получили известность его «Пьеро и Арлекин» (1888), «Берега Марны» (1888), «Игроки в карты» (1896), «Портрет А. Воллара» (1899) и др. Слава пришла к Сезанну только в конце жизни. В Экс начинается паломничество художников, коллекционеров и критиков. Воздействие его искусства сказалось на творчестве П. Гогена и художников группы «Наби», фовистов и кубистов, русских «сезаннистов» из «Бубнового валета».

Поль Гоген (1848—1903) — один из главных представителей постимпрессионизма, близкий к символизму и стилю «модерн». По материнской линии он происходил из старинного испанского рода и детство провел в Перу. В юности был матросом, затем работал в Париже биржевым маклером, одновременно занимаясь живописью. В 35 лет бросил карьеру коммерсанта, а в 40 лет, расставшись с семьей, покинул цивилизованное общество и уехал на Таити. В Париже он жил трудной, почти нищенской жизнью, но и на Таити ему пришлось вытерпеть немало: он болел, голодал, даже попытался покончить с собой. На Таити он живет жизнью туземца: изучает легенды, традиции и верования таитян. В своих картинах изображает жизнь таитян среди тропической природы, в праздничном покое, идеализируя ее. Стремясь приблизиться к художественным традициям туземного искусства, Гоген намеренно пришел к примитивизации формы. Обобщенный рисунок, контрастные сочетания цветовых пятен придают его картинам настроение торжественного покоя. Его интересуют не столько описательные возможности цвета, сколько его эмоциональное значение. Композиции Гогена носят орнаментальный характер; Гоген — автор таких картин, как «Брод» (1901), «Л, ты ревнуешь?» (1892). На Таити он написал один из своих шедевров «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?».

Выдающийся французский график и живописец Анри де Тулуз-Лотрек (1864—1901), с детских лет страдавший тяжелым физическим недугом, стал блестящим мастером острых, порой язвительных живописных характеристик. Возможной причиной слабого здоровья Анри стало кровосмешение, совершенное его отцом графом Альфонсом де Тулуз-Лотрек-Монфом, который был женат на своей кузине. Детство будущий художник провел в Париже и в замке Селейран, в аристократической среде, где господствовал дух славы и мужества, страсть к лошадям и к охоте. Подобно своему отцу, деду и двум дядьям, Анри обожал рисовать. В 1878 году, когда после двух переломов бедра он заболел костной болезнью и был признан неизлечимым, свой физический недостаток он преодолевал упорной работой. Получив степень бакалавра, Тулуз-Лотрек поступил в Школу изящных искусств. Под влиянием своих академических учителей он вначале увлекается импрессионизмом, но затем отходит от него и присоединяется к группе независимых художников во главе с Ренуаром. Его восхищал Дега, под влиянием которого его главным выразительным средством стали рисунок и композиция. Именно Дега он обязан своей острой наблюдательностью парижских нравов и выбором современных сюжетов. Прожив долгие годы на Монмартре, он прекрасно знал мир парижской богемы и места, где она проводит свой досуг. Тулуз-Лотрек изображал завсегдатаев кабаре и публичных домов, одним из которых был он сам. В знаменитом «Мулен Руж» он встречал звезд ночных представлений, изображая среду людей, безуспешно спешащих за ускользающей жизнью. Его восхищали танцовщицы канкана, энергичный ритм танца, рисунок поднятых ног и порывистых линий. Его увлекал натурализм уличных девиц на Монмартре, которые предстают в его работах бесстыдными, лишенными очарования, но преображенными в лукавых и ироничных красавиц. Тулуз-Лотрек создал собственный, гротескно-реалистический, стиль, определяющим моментом которого было соединение четкого рисунка с экспрессивным цветом.

В истории мирового искусства трудно найти художника с судьбой более трагичной, чем у голландца Винсента Ван-Гога (1853—1890). Он родился в семье добропорядочного голландского священника, работал в Бельгии и во Франции. Болезненное чувство неустроенности жизни заставляло Ван-Гога всю жизнь метаться в поисках справедливости между религией (он был сыном пастора) и социализмом, проповедью и искусством. Уже с самого начала и совершенно сознательно Ван-Гог хотел стать художником униженных, воспевая их неблагодарный труд, как некогда он пытался принести им утешение в Евангелии и подобно тому, как он предложил кров проститутке. Готовый поделиться последним куском с первым встречным, он всю жизнь терпел крайнюю нужду, кое-как перебиваясь благодаря помощи своего брата Тео — мелкого служащего одной из картинных галерей. Ван Гог пытался синтезировать образную манеру письма импрессионистов и мастеров японского искусства. В 1888 году он уехал из Парижа и поселился в Арле, где попадал в госпиталь, а затем в приют для душевнобольных, с которым связан один из самых плодотворных периодов его творчества, нашедший отражение в ярких картинах с цветами.

Ван-Гог работал в очень динамичной манере, используя цвет как мощное выразительное средство. Эгоцентрист и неврастеник, Ван-Гог передает в своих картинах глубоко оригинальное видение мира. Его творчество продолжалось менее одного десятилетия, но, работая как одержимый, он создал за этот короткий срок несколько тысяч шедевров. Непризнанный гений, он подвергался насмешкам не только врагов, но и друзей. Ван-Гог покончил с собой в возрасте 37 лет. Его творчество повлияло на всю культуру XX столетия, а картины Ван Гога считают за честь иметь лучшие музеи мира.

Основные направления стилей и течений в искусстве России во второй половине ХХ века и их влияние на изобразительное искусство алтайских художников

В данной статье выявляются основные направления стилей и течений в искусстве России во второй половине ХХ века, раскрывается сущность таких стилей и направлений, как: мотивы «абстрактного гуманизма»;теория «современного стиля» — триада «лаконизм — обобщенность — экспрессия»; концепция «суровой правды действительности»;месте, роли и перспективах развития «станковизма» и«монументализма» в искусстве настоящего и будущего; дискуссии о «правде» и «правдоподобии»;западной эстетической концепции «незаконченности» — «нон-финито»;даетсяобоснование главной тенденции развития отечественного искусства послевоенного времени — «утверждение героического начала» в жизни и в искусстве.

Ключевые слова: направление, стиль, искусство, тенденции.

В настоящее время, когда прошло более семи десятков лет с тех пор, как смолкли последние залпы второй мировой войны, все больше возрождаются героико-патриотические темы в творчестве художников, скульпторов, монументалистов не только центральной России, но и на широких просторах ее регионов. Это стало актуальным в связи с современным положением международной политики. Небывалый подъем патриотизма среди населения нашей страны подчеркивает: никто не забыт — ничто не забыто.

Сейчас, когда мы располагаем около тысячи ярких, талантливых, впечатляющих произведений живописи, графики и скульптуры, посвященных воинскому подвигу, — может показаться, что процесс становления и развития героико-патриотической темы в изобразительном искусстве послевоенного периода в России проходил спокойно, гладко, безболезненно. И ничто ему не мешало, и никаких трудностей на его пути не возникало. Так может показаться. На самом же деле в изобразительном искусстве России второй половины ХХ века все было значительно сложнее и противоречивее. Мы попытаемся проанализировать те тенденции, стили, которые существовали в то время и как они отразились на изобразительном искусстве алтайских мастеров кисти.

Следует отметить, что некоторые из тенденций, о которых пойдет речь ниже, и до сих пор дают о себе знать в творчестве отдельных художников.

Уже в первые послевоенные годы, наряду с широким кругом художников, побывавших на войне и считавших своим святым долгом создание произведений о героике событий минувшей войны, о прожитом, пережитом и незабываемом, в творчестве известной части российских художников стали давать о себе знать тенденции иного порядка: стремление «передохнуть от напряженного драматизма войны, уйти от проблем большого социального звучания в мир либо далекой старины, либо облегченной и «уютной» повседневности, преимущественно развлекательного характера. Немало художников обращаются к наиболее «нейтральным» жанрам по отношению к событиям войны и острым социальным проблемам современности — пейзажу и натюрморту. Вот как, например, оценивал Всесоюзную художественную выставку 1946 года известный советский искусствовед П.Лебедев: на выставке, писал он, хотя она и была организована всего год спустя после окончания Великой Отечественной войны, «почти полностью отсутствовали… произведения батальной живописи, отображающие боевые подвиги …солдат и офицеров» [1]. В конце 50-х и начале 60-х годов в художественной практике, а частично и в эстетической теории, начали сказываться не менее тревожные тенденции иного порядка. Имеется в виду мотивы «абстрактного гуманизма», так называемого, неакадемического направления и «дегероизации». Явления в общем то родственные и теснейшим образом взаимосвязанные. Как определяют исследователи того времени, причин, вызвавших к жизни подобные тенденции в изобразительном искусстве тех лет, было несколько. С одной стороны, здесь сказывалась пусть своеобразная и односторонняя, но все же реакция на тенденции некоторой «парадности», «приглаженности», ухода от «индивидуального» за счет «общего», которые имели место в искусстве периода культа личности. В том числе, естественно, и в произведениях о событиях минувшей войны. С другой стороны, часть наших живописцев, преимущественно молодых (а молодым, как известно, свойственны увлечения), оказались в эти годы под влиянием, прямым либо косвенным, таких талантливых прогрессивных в то время писателей Запада, как Э. М. Ремарк, Г.Белль, Дж. Селинджер и другие, творчество которых было нередко окрашено настроениями пацифизма по отношению к любым войнам. Надо отметить, что не только живописцы оказались под этим влиянием, но и часть прозаиков, поэтов, драматургов, сценаристов, скульпторов того времени. В произведениях подобного толка человек, попавший на войну, нередко представал перед нами в этаком «измельченном», дегероизированном виде, ошарашенном «водоворотом событий», лишенным духовной цельности, как то уж очень легко идущим на поводу у самых случайных обстоятельств фронтовой жизни. Здесь речь идет в данном случае не о человеке вообще, а именно о человеке своего времени и о вполне конкретных событиях Великой Отечественной войны.

Произведения, принадлежащие кисти, резцу, перу действительно одаренных художников, нередко получали безоговорочно высокие оценки, что вызывало неодобрение в художественной критике того времени, так как эти произведения не отражали веление своего времени — не носили четко выраженных классовых критериев в оценке некоторых событий и явлений войны. Даже была предпринята попытка опровергнуть в одной из публикаций того времени принятое в философии и эстетике теоретиков прошлого века противопоставление понятий «буржуазного гуманизма» и «гуманизма социалистического» — основных идеологических понятий советского периода.

В отдельных теоретических работах начали формироваться концепции, авторы которых ратовали за понятие гуманизма «без прилагательных». Они утверждали, что прилагательное «социалистический» ничего, собственно, в понятии «гуманизма» не уточняет. Художественные критики того времени, исходя их господствующей идеологии советского периода (марксизма — ленинизма) утверждали, что гуманизма «как такового» не существует и существовать в природе общественных отношений не может. Они отмечали, что высшие идеалы гуманизма в конкретной исторической обстановке, навязанной нам фашизмом войны, утверждались не в душещипательных сентенциях общего «человеколюбия», не в проповедях пацифистского толка, а на полях сражений с оружием в руках (боевые призывы плакаты Кукрыниксов «Беспощадно разгромим и уничтожим врага», В.Корецкого «Смерть детоубийцам», В.Серова «Били, бьем и будем бить!», песня «Священная война» и др.) Не эту ли логику имел в виду М. Горький, когда формулировал свое кредо борьбы: «Я ненавижу войну как самое жестокое явление, но, когда меня берут за горло, я буду защищаться до последней капли крови» [2]. И этими положениями нельзя не согласиться.

Подлинный гуманизм носит не созерцательный, а предметно-действенный характер. И не удивительно, что он теснейшим образом связан с общественным героизмом. А это уже имеет самое непосредственное отношение к проблематике данного исследования.

На протяжении 60-х годов ХХ века в печати не утихали дискуссии о «положительном герое», кое кто из теоретиков и практиков пытался абсолютизировать «случайность обстоятельств», сопряженных с рождением воинского подвига — все это носило характер «абстрактного гуманизма» и получило решительную отповедь со стороны художественной критики своего времени. В эти же годы вспыхивали, затухали и вновь оживлялись дискуссии по ряду эстетических проблем, связанных с дальнейшим развитием искусства своего времени — искусства социалистического реализма. Они, правда, непосредственного отношения к утверждению героико-патриотической темы в российском искусстве не имели, но косвенно, так или иначе влияли на дальнейшие судьбы эстетического утверждения героического. Проблем таких было немало. Вплоть до 80-х годов прошлого столетия эти проблемы считались дискуссионными, но и сейчас в начале нового столетия нельзя со всей определенностью сказать, что эти вопросы решены. В эти проблемы входили и острые споры о так называемом «современном стиле», и дебаты о «правдивости» и «правдоподобии» в художественно — образном отражении действительности, о судьбах и соотношении «станковизма» и «монументализма» в изобразительном искусстве, об «идеальном герое» в искусстве и литературе и многие другие.

В конце 50-х, например, заметное распространение получила теория «современногостиля» в искусстве, представляющая собой, по мнению исследователей, разновидность теории «единого стиля» искусства реализма советского периода. Начало дискуссии о «современном стиле» было положено статьей Н. Дмитриевой, опубликованной на страницах журнала «Творчество». Имея в виду творческие поиски и эксперименты преимущественно молодых художников, среди которых были и весьма талантливые, автор статьи, хотела она того или нет, в конечном итоге пришла к канонизации для всего изобразительного искусства единых стилистических принципов, назвав их «современным стилем». Стержневую линию формирования «современного стиля» Н.Дмитриева увидела в тенденции к «синтетическим, обобщенным художественным решениям… лаконичным экспрессивным формам» [3]. Так появилась на свет триада «лаконизм— обобщенность— экспрессия», по поводу которой велись ожесточенные споры на протяжении ряда лет.

Иные из критиков того времени в трактовке «современного стиля» договорились, как, известно, до такого понимания «лаконизма» и «динамизма» искусства, когда чуть ли не основными его критериями стали принципы «автомобильного» видения действительности. Восприятие действительности сквозь призму «автомобильных скоростей» возводилось в один из обязательных признаков «современного стиля» изобразительного искусства. С этих позиций отрицалась не только живопись Шишкина, Перова и Левитана как безнадежно устаревшая, но негласно — пейзажи С. Герасимова, В.Бакшеева, Н. Ромадина, А. Пластова, В. Стожарова, У. Тансыкбаева, поскольку они к автомобильным скоростям не причастны.

Проблему «современного стиля» критики советского периода рассматривали в двух ее аспектах. Во-первых, чем подтверждается необходимость введения этого понятия? Какие, проще говоря, произведения имеются в виду, когда защищается идея «современного стиля»? И, во-вторых, состоятельна ли вообще, в принципе, постановка вопроса о «современном стиле» и не вступает ли она в противоречие с основными принципами эстетики социалистического реализма? Во имя утверждения идеи «современного стиля», основными принципами которого, как убеждены были его защитники, являются лаконизм, обобщенность и экспрессия, противопоставлялись всем другим, энергично и шумно на все лады расхваливались чаще всего работы «экспериментального» характера, в которых названные выше принципы зачастую превращались в самоцель, порою даже приобретали характер оригинальничанья и претенциозного формотворчества. В угоду явно надуманному «современному стилю» нередко на щит поднимались произведения, ущербные по замыслу, слабые по композиции, сырые по живописи. Человек в подобных «экспериментах» огрублялся внутренне и внешне, лишался интеллекта, был схематичен, прямолинеен. Вызывала сомнение у искусствоведов того времени и сама постановка вопроса о «современном стиле». По их мнению, она не вязалась ни с практикой эстетического многообразия искусства социалистического реализма, ни с основополагающими принципами отечественной эстетической науки. Уже метод критического реализма — детище минувшего Х1Х века — заявил о себе богатством стилевых направлений. Еще большим стилевым многообразием отличается искусство второй половины ХХ века — искусство социалистического реализма. И чем богаче, многограннее, содержательнее действительность, тем шире диапазон, тем многообразнее стилевая характеристика творческого метода. Надо заметить, что в статьях о «современном стиле» старательно обходился вопрос художественного метода. И, видимо, не случайно. С каких это пор, — задавали вопрос художественные критики того времени, — наконец, принципы лаконизма, обобщенности, экспрессии стали откровением ХХ века? Мало этого — его 60-х годов?.. А живопись А.Рублева и Рембрандта, М.Врубеля и В.Серова? А графическая серия «Это не должно повториться» Б.Пророкова, пейзажи Г.Нисского, великолепный портрет композитора Кара-Караева кисти Т.Салахова? Правда, в каждом из названных произведений эти принципы проявляются по — своему. Вподлинном искусстве унификации не было и не будет, хотя всегда сохранялось непременное условие: лаконизм, обобщенность и экспрессия не сами по себе, а во имя более глубокого, образного раскрытия духовного мира изображаемых героев.

Вряд ли нужно доказывать, что распространение концепции «современного стиля» как в ее теоретическом, так и практическом плане, не могло не влиять на характер эстетической трактовки образа воина и воинского подвига в ряде произведений не только живописи, но и графики и скульптуры того периода. К теории «современного стиля» в какой — то мере примыкала и концепция «суровой правды действительности». На рубеже 50-х — 60-х годов в изобразительном искусстве России советского периода стали появляться живописные холсты, в которых человек своего времени был представлен этаким гориллообразным роботом с огромными ручищами, отвисшей квадратной челюстью, низким лбом и прочими «атрибутами» культа физической силы. Поиски «суровой правды» привели в живописи к огрублению форм, жесткости колорита, мало чем оправданным контурным обводкам и т. д. Стремясь показать своих героев «без ложного пафоса», художники этого направления вообще лишали их пафоса. Апологеты подобных «новаций» — и в этом парадокс явления, — ратуя на всех перекрестках за современность искусства, фактически сами — то и лишали его современности. Их герои теряли черты типичности. Они были схематичными, одноликими и духовно убогими [4].

В те же годы в стране шли оживленные, а порою и страстные дискуссии о судьбах «станкового» и «монументального» искусства, месте, роли и перспективах развития «станковизма» и «монументализма» в искусстве настоящего и будущего. С отголосками и перепевами этих дискуссий долгое время приходилось сталкиваться, что свидетельствовало об актуальности этой эстетической проблемы. «Козырным» аргументом считалось то, что станковое искусство — это искусство музеев, тогда как монументальное — искусство «площадей и улиц», у станкового искусства — круг зрителей мал, сравнительно узок, у монументального — весь народ. В подобной аргументации «монументалистов» забывалось, однако, по крайней мере два существенных, на наш взгляд, момента.

Во-первых, выводы о «массовости» монументального искусства и «камерности» станкового основывались на традиционных, давно уже устаревших данных. Между тем роль и место станкового искусства в эстетической культуре нашего общества, и особенно за последние три-четыре десятилетия, стали совершенно иными, чем это было в середине ХХ века. Изменилось, прежде всего, количество художественных музеев и стационарных картинных галерей, где чаще всего экспонируются произведения станкового искусства. В 80-е годы ХХ века их было в России около 150… К концу века их число значительно возросло. Изменился не только контингент посетителей художественных музеев, но и их численность. Десятки миллионов человек ежегодно бывают на различного ранга выставках. Достаточно напомнить, что только в Государственной Третьяковской галерее ежегодно бывает свыше полутора миллионов человек, а в Петербургском Эрмитаже — не менее трех с половиной миллионов. Аналогичная картина в любом областном или краевом центре, во всех городах, где есть художественные музеи либо картинные галереи. Так, например, во второй половине ХХ века в городах и крупных районных центрах Алтайского края создавались и развивались художественные музеи и выставочные залы, получившие затем статус государственных, а в последнее десятилетие века, с изменением государственных и общественных устоев, интенсивно создаются как государственные, так и общественные культурные заведения. Это стало просто массовым и потому, что в последней четверти ХХ века получило распространение практика передвижных выставок, составленных из оригинальных произведений станковой живописи, графики и скульптуры. Таких выставок по стране тысячи. Их посещают десятки миллионов зрителей. Одна из последних крупных передвижных выставок Третьяковской государственной галереи прошла в нашем краевом центре осенью 2004 г., посвященная 45-летию образования ГХМ АК. Таким образом, разговор, который получил распространение в 60-х — 70-х годах прошлого века, о «камерности» и «узости» адресата станкового искусства по сравнению монументальным явно изжил себя в настоящее время [5].

Во-вторых, и это очень важно, у каждого из искусств — свои возможности и свои достоинства. Как же можно было об этом забывать, когда речь заходит о судьбах «станковизма»! То, что доступно станковому искусству, как правило, недоступно монументальному. И наоборот. Попробуйте представить себе сюжеты, характеры, коллизии, воссозданные средствами станкового искусства, скажем в таких широко известных, отмеченных большой психологической глубиной и тонким лиризмом картинах, как «Родник» или «Отчий дом» Ильбека Хайрулинова, «9 мая. Рядовые Победы» Г. Ф. Борунова, «Портрет генерала Доватора» Б. М. Астахова, «Поднятая целина» или «Весна» А. Г. Вагина, в виде монументальных мозаик либо витражей. Каждому, кто хоть немного искушен в особенностях «языка» монументального искусства, ясно, что подобное просто невозможно в монументальном искусстве. Отказывая (в дискуссиях 60-х) в будущем станковому искусству, тем самым могли вступить на опасный путь обеднения изобразительного искусства.

Такова суть проблемы того времени. Можно представить, какой урон понесло бы изобразительное искусство, в том числе и утверждение в нем военно-патриотической темы, если бы восторжествовала тогда точка зрения тех «монументалистов», кто решительно отвергал необходимость станковых форм в искусстве. Серьезным напоминанием и предостережением в этом отношении прозвучали тогда слова П. Д. Корина: «Все великие художники оставались столь же монументальными в своем психологизме и тогда, когда расписывали стены, и тогда, когда писали портреты и пейзажи. Мадонны и портреты Рафаэля столь же величественны, как и его «Стансы» [6]. О том же писали в своих статьях и другие известные художники и теоретики своего времени.

Необходимо отметить, что на протяжении 50-х и 60-х годов прошлого столетия вспыхивали неоднократно в искусстве дискуссии о «правде» и «правдоподобии». Наиболее длительной и фундаментальной из них была дискуссия, развернувшаяся на страницах журнала «Творчество». Главным в реалистическом искусстве, утверждали известные художники, философы, искусствоведы того времени, является не «правдоподобие», а «правда», что «правда» и «правдоподобие» — понятия хотя и близкие, но не идентичные, характеризующие различные уровни эстетического познания действительности. И с этим нельзя не согласиться. Однако в ходе дискуссии высказывались и «крайние» точки зрения, в которых абсолютизировалась одна из сторон изобразительных возможностей искусства за счет другой [7].

В этот же период времени российская художественная практика и эстетика испытала на себе влияние западной эстетической концепции «незаконченности»— «нон-финито» то в виде «откровенного обнажения приема», то «потока жизни» и «раскованности сюжета», то «этюдизма», то «автомобильного» видения действительности.

Все это вело к оправданию незавершенности произведений искусства, любых экспериментов, которые художник вправе выносить за пределы своей творческой мастерской, экспериментируя, так сказать, «на зрителе». Если, например, во главу всего ставится либо подчеркнутая декоративность, либо огрубленность и схематизм пластических форм, либо крикливо — обостренная ритмика композиции, и при этом забывается главное — глубина раскрытия духовного мира своего современника, — то подобный замысел и подобная форма его выражения неизбежно приобретало нарочито претенциозный и в какой — то мере формалистический характер. Эта сентенция актуальна и в наше время [8].

На примере экспозиции Всесоюзной выставки «На страже Родины», прошедшей в 1973 году, можно наглядно проследить насколько увлекся художник С.Курбанов (Душанбе) в поисках новых форм, обостренных ритмов в своей картине «Концерт солдатской самодеятельности», что совсем забыл при этом о самом главном — человеке и его духовном мире. В результате — воины, изображенные на холсте, выглядят на редкость одноликими и внутренне инертными. Ритмы у него обрели самодовлеющее значение, заслонив собой многообразный мир живого человека.

К чести нашей отечественной эстетической и искусствоведческой науки большинство ее представителей дали решительный, научно и идейно аргументированный отпор всем тем «новациям», которые никакого отношения к подлинному новаторству в искусстве реализма своего времени не имели. Методологическая несостоятельность подобных «концепций» вскрывалась в статьях того периода времени В. Кеменова А. Лебедева, П. Корина и Н. Томского, С.Герасимова и В.Серова, В. Ванслова, В. Зименко и многих других.

Так выглядели наиболее заметно проявившие себя тенденции и дискуссии в художественной жизни рассматриваемого периода. И это лишний раз убеждает нас в том, что становление и развитие героической темы в искусстве послевоенных лет во второй половине ХХ века осуществлялось в достаточно сложной, подчас даже весьма противоречивой обстановке, чреватой, как мы убедились, самыми различными «откровениями» и «новациями».

И все же главной тенденцией развития отечественного искусства послевоенного времени было утверждение героического начала в жизни и борьбе своего народа. В этот период времени постоянно рос интерес значительной части отечественных художников к военно-патриотической теме. Их творческий поиск, отмеченный правдивым конкретно — историческим и последовательно патриотическим отношением к событиям минувшей войны, эмоциональной наполненностью, подлинным новаторством в решении образов, коллизий и характеров, вызвал к жизни произведения, определившие магистральные пути развития героической темы в отечественном изобразительном искусстве во второй половине ХХ века.

В этом же русле в 60-х — 70-х годах прошлого столетия появились статьи, диссертации и монографии, сыгравшие заметную роль в исследовании героического и его образного утверждения в отечественном искусстве. Среди них выделяются работы Н. Киященко («Героическое как эстетическая категория»), Б.Сапунова («Эстетика воинской службы»), Б.Сафонова («Проблема эстетического идеала в воинской деятельности»). Эти авторы в какой — то мере «первопроходцы» в разработке проблемы героического и его связи с искусством реализма советского периода во второй половине ХХ века. Известный искусствовед советского периода П. Суздалев верно подмечает в своей монографии, посвященной изобразительному искусству периоду отечественной войны 1941–1945 г.г., что начиная с 50-х годов ХХ века в военно — патриотической теме все больше внимания уделяется «психологическому раскрытию образа человека, оказавшегося на войне» [9]. Большое значение в формировании научно — эстетических взглядов на сущность героического в шестидесятые годы прошлого столетия имели фундаментальные труды В. Кеменова, А. Лебедева, Г. Тимошина [10].

Литература:

1. Лебедев П. Тема современности в изобразительном искусстве. — «Культура и жизнь», 1946, 7 ноября.
2. Горький М.. Собр. Соч., т.24. М., 1953, с.216
3. Дмитриева Н. К вопросу о современном стиле в живописи // «Творчество», 1958. № 6, с. 9.
4. Нестерова Е. Традиции и новаторство в академической живописи. // Декоративное искусство. М., 2007, № 2, С. 11.33
5. Степанская Т. М. 65 лет творческому союзу художников Алтая // Культурное наследие Сибири. — Вып. 6–7: Степанская Т. М. Избранные статьи и очерки.– Барнаул: Изд-во Алт.ун-та, 2005. — С. 158–181.
6. Корин П. Живая линия искусства //Творчество. 1965. — № 4
7. Виноградов И. Не подобие правды, но правда подобия // Творчество. 1965. — № 4, –№ 11.
8. Словари и энциклопедии.Философия. Художественно-эстетическая культура XX века. Под ред. В. В. Бычкова, 2003. 607 с.
9. Суздалев П. К. Советское искусство периода Великой Отечественной войны/ П. Суздалев.– М.: Изобразительное искусство, 1965. — С. 230.
10. Кеменев В. С. Историческая живопись Сурикова. М., 1963; Лебедев А. К. Василий Васильевич Верещагин. М., 1958; Тимошин Г. А. Митрофан Борисович Греков. М., 1961.
11. Шокорова, Л. В. Художественные промыслы Западной Сибири. — Барнаул: Изд-во Алт.ун-та. 2014. 141 с.

Основные термины (генерируются автоматически): изобразительное искусство, станковое искусство, время, советский период, век, прошлое столетие, социалистический реализм, художник, воинский подвиг, духовный мир.

Основные направления окраски и их представители

Живопись — это вид искусства, в котором художники передают зрителям свое видение мира. Существует множество техник и направлений живописи, которые часто смешиваются и взаимодействуют друг с другом, но все же можно выделить основные направления, этому посвящена данная статья.

1. Абстракционизм. Название этого направления происходит от латинского слова «abstractio» — «отвлечение». Художники, работавшие в этой технике, отказались от реалистичных средств живописи, пытаясь показать гармонию и закономерности мира с помощью геометрических форм и цветовых сочетаний.Наиболее известные представители этого направления: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пабло Пикассо.

2. Анимализм. «Животное» в переводе с латыни означает «животное». Направление живописи, которое посвящено изображению животных и птиц. Анималисты в своих работах стараются передать точность изображения животного, а также придать картине художественную выразительность. Часто художники в своих работах дарят зверю человеческие эмоции.

3. Барокко. «Барокко» в переводе с итальянского означает «причудливый».Черты барокко: контраст, напряжение, величие и пышность. Барокко сочетает в себе иллюзию и реальность, духовное и материальное. Представители барокко: Рубенс, Караваджо, Эль Греко.

«Кабанья охота», Питер Пауль Рубенс

4. Жанровая живопись. Бытовой жанр — это жанр изобразительного искусства, который посвящен повседневной жизни людей. Художники выбирают в качестве тем для своих работ только современные события.

«Рыбаки», Владимир Маковский

5.Ренессанс. Французское слово «Возрождение» означает «возродиться». Художники рисуют картины, учитывая законы анатомии и линейной перспективы. Картины приобретают объем, а на заднем плане изображаются пейзажи. Известные мастера эпохи Возрождения: Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти.

«Рождение Венеры», Сандро Боттичелли

6. Гиперреализм. Реализм — это стиль живописи, в котором художники пытаются передать мир таким, какой он есть.Приставка «Гипер» означает «больше», то есть больше, чем реализм. Художники решили проверить, можно ли нарисовать картину по фотографии, чтобы она была похожа на фотографию. Картины в стиле гиперреализм поражают своей правдоподобностью. То, что изображено на картине, могло случиться в жизни, этот гиперреализм отличается от сюрреализма. Представители гиперреализма — Герхард Рихтер, Делкол, Клапек.

«Визенталь в Южном Бадене», Герхард Рихтер

7.Городской пейзаж. Городской пейзаж — это вид живописи, в котором картина передает дух времени. Городской пейзаж постоянно меняется вместе с быстрым течением времени.

Городской пейзаж Сергея Боева

8. Импрессионизм. Этот стиль зародился во Франции. Художники рисовали мелкими контрастными мазками, применяя их в соответствии с теориями цвета. Благодаря этому художники получили возможность создавать работы, не смешивая краски на палитре. Художники отказались от черного.Художники постарались передать на полотнах свое мимолетное восприятие природы. Представители этого стиля — Эдвард Мане, Клод Моне, Эдгар Дега, Альфред Сислей.

«Впечатление. Восход», Клод Моне

9. Исторический жанр. Этот стиль живописи сформировался в эпоху Возрождения. Художники рисовали важные события прошлого и легенды. При этом зачастую их целью было не достоверное изображение происшествий, а их прославление, создание идеологического мифа.

«Последний день Помпеи» Карла Брюллова

10. Классицизм. Базовые элементы линии, света и тени помогают раскрыть пластику фигур и предметов, разделить пространственные планы. По их мнению, произведение должно восторжествовать над хаосом, отражая важные черты проявляемого явления и выполняя общественно-просветительскую функцию. Классические художники: Карл Брюллов, Антонио Каналетто, Никола Пуссен.

11. Кубизм. Считается, что это направление возникло после письма Поля Сезанна Пабло Пикассо, в котором он советует ему изображать природу в виде ряда геометрических фигур.Поэтому художники-кубисты, работавшие в начале 20 века, изображали реальность в виде набора плоскостей и геометрических фигур на своих полотнах. В подобной технике представлены некоторые картины Пикассо «Девушки Авиньона», «Аккордеонист», картины Хуана Гриса, Марселя Дюшана.

12. Минимализм. Для этого направления характерны простота форм, асимметричность изображений и монохромность, но картины также наполнены скрытым смыслом. Художники-минималисты отказываются от реализма и субъективности, позволяя зрителю воспринимать холст без интерпретации художника.Представители минимализма — Карл Андре, Дэн Флавин, Роберт Рэйман.

13. Модернизм. С латинского «modernus» переводится как «современный». Это стало поворотным моментом в мире искусства. Художники перестали показывать окружающий мир, они попытались передать свои переживания и переживания на своих полотнах. Такой подход сопровождался нарушением установленных канонов, но считается, что он позволяет изображать истинную реальность, внутреннюю свободу, стремление к прогрессу.К этому направлению относятся импрессионизм, кубизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм и др.

14. Морской пейзаж (Марина). С латинского «маринус» означает «море». В 17 веке в Голландии он выделился как самостоятельный жанр. На нем изображены виды на бескрайние просторы океана, сцены сражений между кораблями, штормы, закаты над морем. Яркие представители этого направления — Уильям Тернер, Иван Айвазовский.

15. Натюрморт. Натюрморт — это неодушевленные предметы: цветы, фрукты, дичь, сервированные столы, кухонная утварь, предметы быта.Иногда каждому предмету придается символическое значение, но в большинстве случаев они демонстрируют благосостояние хозяев, служат украшением интерьера. Самые известные представители этого жанра — Якоб де Гейн, Клара Петерс, Питер Клас, Ян Давидс де Хем.

16. Nu. Этот жанр от французского «nudite» — «нагота, невинность» показывает красоту обнаженного человеческого тела. Это направление впервые появилось в каменном веке, расцвело в античности, переживая новый всплеск в произведениях эпохи Возрождения, барокко и Нового времени.Такие работы демонстрируют чувственное, полноценное восприятие мира, идеальные представления о прекрасном. В этой технике написаны картины Тициана, Рубенса, Франсуа Буше.

17. Поп-арт. Так называемое сокращенное от «народное искусство», появившееся в Западной Европе и США в 1950-60-е годы. Его представители демонстрируют публике объекты массовой культуры, упаковки продуктов и фрагменты различных механизмов, помещенные в другой контекст. Считается, что он позволяет смириться с миром банальностей и пошлости, бросить вызов повседневной жизни, увидеть красоту в повседневной жизни.Представители этого жанра: Энди Уорхол, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн.

18. Портрет. Портрет — это жанр изобразительного искусства, раскрывающий индивидуальные особенности конкретного человека. Портрет отражает внешность человека, его внутренний мир, передает социальный статус и принадлежность к эпохе. Художники изображают на полотнах лицо и плечи или мужчину в полный рост. В жанре портрета нет четких границ, поэтому в одном произведении портрет может сочетаться с элементами других жанров живописи — пейзажа, натюрморта и так далее.

19. Примитивизм. Этот жанр зародился в 19 веке. Примитивизм предполагает сознательное упрощение рисунка, придание ему сходства с детскими рисунками или наскальными рисунками. В таком же духе поступали Марк Шагал, Никотинамин, Бабушка Моисей, Анри Руссо.

«Сон», Анри Руссо

20. Реализм. С латинского «realis» переводится как «настоящий». Художники изображают жизнь на холсте в соответствии с объективной реальностью. Задача художников — максимально точно запечатлеть мир.Представители этого направления: Караваджо, Ян Вермеер, Эдвард Хоппер, Гюстав Курбе, Теодор Руссо, Иван Шишкин, Илья Репин.

21. Романтизм. Художники рассказывают на своих полотнах о своих эмоциях, внутренних порывах, страхах, любви и ненависти. С помощью сочных красок и сильных, уверенных мазков художники изобразили фантастические пейзажи, красивых девушек, буйство стихий и сказки. Представители этого жанра — Франсиско Гойя, Эжен Делакруа.

22. Символизм. Для этого направления характерно стремление к инновациям, использование символов, намеков, намеков, таинственности и магии. Художники пытались изобразить жизнь души — непонятную, туманную, полную переживаний и тонких переживаний, тайну бытия, ее мистическую и загадочную сторону. Представителями символизма являются Майкл Врубель, Обри Бердсли, Гюстав Моро, Эжен Каррьер.

23. Уличное искусство. Это искусство не для выставок и галерей.Он развивается на улицах, в общественных местах и ​​является неотъемлемой частью городского ландшафта. К этому направлению относятся граффити, трафареты, некоммерческие постеры, скульптурные инсталляции. Его представители часто прячутся за псевдонимами и тегами: Julio 204, Taki 183, Space Invander.

24. Сюрреализм. Характерные черты этого потока намеков, парадоксальных сочетаний форм, деформации действительности. Он призван возвышать зрителя, отделить дух от реальности, сломать привычные представления о мире.Мастера-сюрреалисты — Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт.

25. Фантазия. Этот жанр относится к научной фантастике, но в более свободной, «сказочной» манере с использованием мотивов далеких перемещений в пространстве и времени, инопланетных миров, искусственных организмов, мифологии древних цивилизаций. В изобразительном искусстве элементы фэнтези часто сочетаются с абстракционизмом, сюрреализмом или трансформируются в фантастический реализм. Представители этого жанра — Рудольф Хауснер, Эмиль Фукс и др.

26. Экспрессионизм. От французского «выражение» означает «выражение». Это направление в европейском искусстве, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия 20 века, главным образом в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько отображать окружающий мир, сколько художественно выразить эмоциональное состояние автора. Экспрессионистам свойственно тяготение к мистике и пессимизму. Художественные приемы, характерные для экспрессионизма: отказ от иллюзорного пространства, стремление к плоской интерпретации предметов, деформация предметов, любовь к резким красочным диссонансам, особому колориту, включающему апокалиптическую драму.Художники воспринимали творчество как способ выражения эмоций.

«Крик», Эдвард Мунк

27. Энергия. Новое направление в живописи. Художники на своих картинах показывают, как выглядит энергия, которую мы часто чувствуем, но не видим. Эта энергия невидимыми нитями объединяет животных, людей и окружающую природу, связывая все вокруг друг с другом. Этот творческий прием считается разновидностью релаксации. Перед тем как приступить к рисованию, автор расслабляется и сосредотачивается на своем состоянии, по сути, есть медитация, позволяющая сконцентрироваться на собственных эмоциях и переживаниях.

Считается, что чистых стилей живописи не бывает, многие жанры находятся под влиянием других видов живописи, поэтому есть много художников, чьим картинам присущи разные направления живописи.

Как покрасить комнату: 10 шагов к покраске стен, как DIY Pro

Беритесь за одну стену за раз. Возьмите кисть и «прорежьте» — раскрасьте лепнину и углы сверху вниз, пока ваш друг использует валик, чтобы покрыть основную часть стены, избегая более точных участков.Нанося краску валиком, используйте длинные мазки в виде W-образного рисунка для лучшего покрытия (и во избежание появления надоедливых следов валика). Когда стена высохнет на ощупь, ее можно нанести вторым слоем.

Если вы красите обшивку, снимите малярный скотч и подождите, пока стены высохнут, прежде чем наклеивать скотч на стены. Начните с отделки, ближайшей к потолку, переходите к дверным и оконным рамам и, наконец, к плинтусам.

Начните с вырезания кистью возле молдингов и углов.