Работа гуашью

Дополнительные цвета

FAQ — Carson Ellis

Над сколькими проектами вы обычно работаете одновременно?
Я всегда работаю над книгой и берусь за небольшие случайные работы и проекты, которые нужно выполнить во время простоя — например, пока я жду ответа от редактора с примечаниями к редакции.Но время простоя может быть незначительным или непредсказуемым, поэтому я не беру на себя много лишней работы.

Как вы относитесь к людям, которые делают татуировки с вашими произведениями искусства?
Очень польщен! Я полностью одобряю. У всех есть мое разрешение на это, и мне нравится видеть их фотографии. Но я не люблю делать татуировки для людей, потому что это вызывает стресс.

Как вы думаете, выгодно ли жить в большом городе, чтобы найти работу?
Я считаю, что выгодно жить в процветающей культурной среде.Портленд — не большой город, и у меня все хорошо, но я не уверен, насколько хорошо я справился бы, если бы остался в Миссуле после колледжа. Но кто знает? В наши дни все по-другому. Интернет и все такое. Тем не менее, я определенно не думаю, что вам нужно жить в Нью-Йорке. На самом деле, я думаю, вы, вероятно, усложняете себе жизнь, если будете это делать. Когда ваша аренда дешевая, вы тратите меньше времени на повседневную работу и больше времени на искусство. И когда вы не паникуете из-за денег, вы, скорее всего, сосредоточитесь на создании искусства, которое хотите.Что должно сделать вас лучшим художником. Что должно дать вам больше работы.

Тем не менее, я раньше жил в Сан-Франциско, где я был совершенно разорен, но счастлив, потому что это было такое красивое, захватывающее место. Так что я понимаю очарование дорогих городов. (Кроме того, Портленд, к сожалению, уже не дешевый, если кому-то интересно.)

Вы продаете свое искусство?
Да! Меня представляет Nationale, галерея в Портленде, где у меня время от времени проходят выставки. Вы всегда можете связаться с May в Nationale, чтобы быть в курсе доступных работ.

Кроме того, галерея R. Michelson Galleries продает подборку моих оригинальных детских книжных иллюстраций. (Nationale этого не делает.) Посетите их веб-сайт или свяжитесь с ними, чтобы узнать о доступных произведениях искусства.

У меня также есть магазин Buyolympia, где я продаю открытки, гравюры и прочую ерунду.

Мелинда Стеффи »Выставка карандашей и гуашей на выставке Pentimenti: контрасты естественного и сконструированного

Если у вас есть время только на короткую прогулку по искусству на этой неделе, обязательно зайдите в галерею Pentimenti и посмотрите рисунки Ребекки Ротфус в комнате проекта.Семь пейзажей, выполненных карандашом и гуашью в «Башнях», соединяют воедино контрастные элементы человеческого построения и естественные формы рельефа, уравновешивая нежные детали с плоскими цветами и чистым листом неба. Они комфортно существуют как отдельные части, но в непосредственной близости в небольшой Проектной комнате они сливаются в искаженный городской пейзаж радиовышек и неразличимых видов.

На каждом чертеже изображена по крайней мере одна изящно выполненная башня радио / электрического / телефонного ряда.Мисс Ротфус тщательно прорисовывает балки, штанги, кабели, светильники и спутниковые антенны. Выступающие в пустое небо башни являются памятниками современной коммуникации, почтенными носителями сигналов, которые делают возможными повсеместные технологии, на которых процветает жизнь в Северной Америке. В этих пейзажах они стоят особняком, доминируя над сценой без деталей.

Используя матовые цвета гуаши, г-жа Ротфус обрисовывает малейший намек на фон, позиционируя башни как единственные «настоящие» элементы среди сплющенных деревьев и зданий без окон.Хотя формы напоминают лесные склоны холмов или выступающие ветви, мягкий бледно-красный цвет немедленно абстрагирует форму, удаляя ее из человеческого опыта. На горизонте возвышаются кирпичные красные кубики, здания без характера и контекста. Плоские серо-синие полосы пересекают края рисунков, как дороги или реки. В этой агрессивно геометризованной природе знакомая геометрия построенных людьми башен кажется изящной, нежной и все же как-то неуместной.

Эти рисунки одновременно и пейзажи, и не пейзажи.Они представляют горизонт и расстояние, но делают это полностью в поддержку отдельных башен, делая рисунки больше похожими на портреты важных сановников. Г-жа Ротфус создает странный мир, в котором обычно игнорируемая инфраструктура занимает центральное место, в то время как природные или архитектурные пейзажи, которыми часто восхищаются, исчезают. Оптимизм и романтизм уступают место вопиющему реализму, поскольку структуры, поддерживающие стремительный человеческий образ жизни, кажутся более значимыми, более важными, чем среда, в которой на самом деле живут люди.Возможно, в работах Ребекки Ротфус знакомые столпы городского жилья и пригородов получают признание, которого они действительно заслуживают.

Если у вас есть немного больше времени для просмотра, посмотрите другое текущее шоу Pentimenti, «Из тысячи страниц». Этот ассортимент работ трех художников одинаково знаком с современной жизнью и новаторски обращается с бумагой (отсюда и название выставки). Гленн Фишер объединяет овальные вырезки из книг и журналов в образы потока сознания со слоями сюрреалистических отношений.Издалека произведения выглядят как абстрактные исследования цвета и пространства, но при ближайшем рассмотрении выявляется похожий на сон непоследовательный рассказ о затемненных изображениях. Мэтт Хаффнер продолжает традицию Лихтенштейна драматических персонажей из комиксов своим собственным повествованием в стиле нуар и богато текстурированными изображениями. Повторяющиеся персонажи и монохроматическая цветовая палитра создают ощущение, что вы смотрите на сращивание черно-белой пленки. Нейт Мур организует красочные оригами-самолеты в жесткие формы с лежащими под ними сетками, одновременно предлагая военные эскадрильи, ремесла и формальные исследования современного искусства.И «Из тысячи страниц», и «Башни» стоит хорошенько изучить, если у вас получится втиснуться.

Автор: Мелинда Стеффи, для бюллетеня, 8 ноября 2007 г.

Живопись | Введение в концепции искусства

Покраска — это нанесение пигментов на опорную поверхность, которая создает изображение, дизайн или украшение. В искусстве термин «живопись» описывает как действие, так и результат. Большинство картин создается с помощью пигмента в жидкой форме и наносится кистью.Исключения составляют песочные рисунки навахо и тибетские мандалы, в которых используются порошковые пигменты. Живопись как среда существует тысячи лет и, наряду с рисунком и скульптурой, является одним из старейших средств творчества. В той или иной форме он используется культурами по всему миру.

Три самых узнаваемых образа в истории западного искусства — это картины: Леонардо да Винчи Мона Лиза , Эдвард Мунк Крик и Винсент Ван Гог Звездная ночь .Эти три произведения искусства являются примерами того, как живопись может выходить за рамки простой миметической функции, то есть имитировать только то, что видно. Сила великой живописи в том, что она выходит за рамки восприятия, отражая эмоциональные, психологические и даже духовные уровни человеческого состояния.

Малярные материалы чрезвычайно универсальны, поскольку их можно наносить на множество различных поверхностей (так называемые опоры ), включая бумагу, дерево, холст, гипс, глину, лак и бетон. Поскольку краска обычно наносится в жидком или полужидком состоянии, она может впитаться в пористый материал основы, который со временем может ослабить и повредить его.Чтобы предотвратить это, основу обычно сначала покрывают грунтовкой , смесью связующего и мела, которая после высыхания создает непористый слой между основой и окрашенной поверхностью. Типичный грунт — левкас.

Существует шесть основных средств рисования, каждая из которых имеет свои индивидуальные характеристики:

• Энкаустика
• Темпера
• Фреска
• Масло
• Акрил
• Акварель

Все они используют следующие три основных ингредиента:

• Пигмент
• Папка
• Растворитель (также называемый «носитель»)

Пигменты — это гранулированные твердые вещества, включенные в краску для придания цвета.Связующее вещество фактически является пленкообразующим компонентом краски. Связующее удерживает пигмент до тех пор, пока он не будет распределен по поверхности. Растворитель контролирует поток и нанесение краски. Его смешивают с краской, обычно с помощью кисти, чтобы разбавить ее до нужной вязкости или или толщины перед нанесением на поверхность. Как только растворитель испарится с поверхности, на ней фиксируется оставшаяся краска. Растворители варьируются от воды до продуктов на масляной основе, таких как льняное масло и уайт-спирит.

Давайте посмотрим на каждый из шести основных средств рисования:

1. Краска Encaustic смешивает сухой пигмент с нагретым связующим из пчелиного воска. Смесь затем щеткой или распространения по всей опорной поверхности. Повторный нагрев позволяет дольше манипулировать краской. Энкаустика восходит к первому веку нашей эры и широко использовалась в портретах погребальных мумий из Фаюма в Египте. Краски энкаустики характеризуются яркими, резонирующими цветами и чрезвычайно прочными картинами.Из-за связующего пчелиного воска, когда энкаустик охлаждается, он образует жесткую пленку на поверхности картины. Современные электрические и газовые инструменты позволяют длительное время нагревать и покрасить.

Ниже приведен пример энкаустической живописи Хосе Марии Кано.

Хосе Мария Кано, деталь картины, выполненная в энкаустике, 2010 г.

2. Краска Tempera объединяет пигмент со связующим на основе яичного желтка, затем разбавляется и разбавляется водой. Как и энкаустика, темпера использовалась на протяжении тысячелетий.Быстро сохнет, образуя стойкое матовое покрытие. Картины темперой традиционно наносятся последовательными тонкими слоями, называемыми глазури, кропотливо создаваемыми с использованием сети поперечно заштрихованных линий. Благодаря этой технике темперные картины известны своей детальностью.

Дуччо, Мадонна Креволе, ок. 1280. Темпера на борту Museo dell’Opera del Duomo, Сиена, Италия. Изображение находится в общественном достоянии

В раннем христианстве темпера широко использовалась для написания изображений религиозных икон.Итальянский художник до Возрождения Дуччо (ок. 1255 — 1318), один из самых влиятельных художников того времени, использовал темперную краску при создании картины Мадонна Креволе (вверху). Вы можете увидеть резкость линий и форм на этой хорошо сохранившейся работе, а также детали, которые он передает в оттенках лица и кожи Мадонны (см. Детали ниже).

Дуччо, Мадонна Креволе (фрагмент), ок. 1280. Темпера на доске. Museo dell’Opera del Duomo, Сиена, Италия. Изображение находится в общественном достоянии

Современные художники до сих пор используют темпера как средство.Американский художник Эндрю Уайет (1917–2009) использовал темпера для создания «Мира Кристины» — шедевра деталей, композиции и таинственности.

3. Роспись Fresco используется исключительно на оштукатуренных стенах и потолках. Фреска использовалась в течение тысяч лет, но больше всего связана с ее использованием в христианских изображениях в эпоху Возрождения в Европе.

Существует две формы фрески: Buon , или «мокрая», и secco , что означает «сухая».

Техника фрески Buon заключается в рисовании пигментом, смешанным с водой, на тонком слое влажного свежего известкового раствора или штукатурки.Пигмент наносится на влажную штукатурку и впитывается ею; Через несколько часов штукатурка высыхает и вступает в реакцию с воздухом: именно эта химическая реакция фиксирует частицы пигмента в штукатурке. Из-за химического состава штукатурки связующее не требуется. Буон фреска более устойчива, потому что пигмент сам становится частью стены.

« Данте и Божественная комедия 1465 года» Доменико ди Микелино (см. Ниже) — превосходный образец buon fresco. Цвета и детали сохранены в высохшей штукатурке стены.Микелино показывает итальянского писателя и поэта Данте Алегьери, стоящего с развернутой в левой руке экземпляром «Божественной комедии » , указывая на иллюстрацию к рассказу, изображенному вокруг него. Художник показывает нам четыре различных царства, связанных с повествованием: царство смертных справа, изображающее Флоренцию, Италия; небесное царство, обозначенное ступенчатой ​​горой в левом центре — вы можете увидеть ангела, приветствующего спасенные души, когда они входят с подножия горы; царство проклятых слева — с сатаной, окруженной пламенем, приветствующим их внизу картины; и царство космоса, охватывающее всю сцену.

Доменико ди Микелино, Божественная комедия Данте, 1465, buon fresco, Дуомо, Флоренция, Италия. Это изображение находится в общественном достоянии

Фреска Secco — это нанесение изображения на поверхность стены из сухой штукатурки. Для этой среды требуется связующее, поскольку пигмент не смешивается с влажной штукатуркой. Яичная темпера — это наиболее распространенное связующее, используемое для этой цели. Также было обычным делом использовать фрески secco поверх фресок buon fresco, чтобы исправить повреждения или внести небольшие изменения в оригинал.

Картина Леонардо да Винчи Тайная вечеря (внизу) была выполнена с использованием фрески секко. Поскольку это было нарисовано на сухой оштукатуренной стене , пигменты присутствуют только на поверхности, а не на части стены, как на настоящей фреске. Как вы заметите на картине да Винчи, краска в результате тускнеет и отслаивается.

Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, 1495–1498, сухая фреска на гипсе. Церковь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан. Это изображение находится в общественном достоянии

4.Краска Oil — самая универсальная из всех малярных средств. В нем используется пигмент, смешанный со связующим льняным маслом. Льняное масло также можно использовать в качестве транспортного средства вместе с уайт-спиритом или скипидаром. Считалось, что масляная живопись возникла в Европе в пятнадцатом веке, но недавние исследования фресок, найденных в пещерах Афганистана, показывают, что масляные краски использовались там еще в седьмом веке.

Некоторые из качеств масляной краски включают широкий выбор пигментов, ее способность разбавлять и наносить почти прозрачные глазури, а также использовать прямо из тюбика (без использования транспортного средства), создавая толстые слои. называется impasto (вы можете видеть это во многих работах Винсента Ван Гога).Одним из недостатков использования импасто является то, что со временем основная масса краски может расколоться, оставляя сети трещин вдоль самых толстых частей картины. Поскольку масло краска сохнет медленнее, чем другие средства массовой информации, он может быть смешан на поверхности носителя с тщательной детализацией. Это увеличенное рабочее время также позволяет вносить корректировки и изменения, не соскребая участки засохшей краски.

В натюрморте Яна Брейгеля Старшего, написанном маслом, можно увидеть многие из упомянутых выше качеств.Богатство самой краски проявляется как в резонансном свете, так и в чернильно-темных тонах работы. Работа с краской позволяет создавать множество различных эффектов, от мягкости лепестков цветов до отражения в вазе и множества визуальных текстур между ними.

Картина Ричарда Дибенкорна Cityscape # 1 от 1963 года показывает, как художник использует масляную краску более плавно и выразительно. Он разбавляет среду, чтобы добиться качества и жестов, отражающих солнечную, свежую атмосферу калифорнийского утра.Дибенкорн использовал слои масляной краски, один поверх другого, чтобы просвечивать нижняя картина и плоское, более геометрическое пространство, стирающее грань между реализмом и абстракцией.

Ян Брейгель Старший, Цветы в вазе, 1599. Дерево, масло. Художественно-исторический музей, Вена, Германия. Используется в соответствии с лицензией документации GNU

Картины Джорджии О’Киф, написанные маслом, демонстрируют диапазон обработки от мягкого и строгого до очень детализированного и вызывающего воспоминания. Вы редко видите ее мазки, но она хорошо владеет масляной краской.

Художники-абстрактные экспрессионисты раздвинули границы возможностей масляной краски. Их внимание было сосредоточено на акте картины , а также на предмете. Действительно, для многих из них не было различия между ними. Работы Виллема де Кунинга оставляют запись о том, как масляную краску чистили кистью, капали, соскребали и стирали в безумной творческой деятельности. Эта идея остается современной в картинах Селии Браун.

5. Акриловая краска была разработана в 1950-х годах и стала альтернативой маслам.Пигмент суспендирован в связующем эмульсии акрилового полимера и использует воду в качестве носителя. Акриловый полимер имеет такие же характеристики, как резина или пластик. Акриловые краски обеспечивают консистенцию, цвет и стойкость масел без затрат, беспорядка и проблем токсичности, связанных с использованием тяжелых растворителей для их смешивания. Одним из основных отличий является относительно быстрое время высыхания акрила. Они растворимы в воде, но после высыхания становятся непроницаемыми для воды или других растворителей. Кроме того, акриловые краски прилипают ко многим различным поверхностям и отличаются высокой прочностью.Акрил не трескается и не желтеет со временем.

Американский художник Роберт Колескотт (1925–2009) использовал акрил в больших картинах. Он использует тонкие слои подмалевка, тряпки, высококонтрастные цвета и роскошные поверхности, чтобы выявить весь спектр эффектов, которые предлагают акриловые краски.

6. Акварель — самый чувствительный из живописных материалов. Он реагирует на легчайшие прикосновения художника и в мгновение ока может превратиться в беспорядок. Существует два типа акварельных материалов: прозрачный и непрозрачный .Прозрачная акварель действует в обратном отношении к другим средствам рисования. Он традиционно наносится на бумажную основу и зависит от белизны бумаги, чтобы отражать свет обратно через нанесенный цвет (см. Ниже), тогда как непрозрачные краски (включая непрозрачные акварельные краски) отражают свет от кожи самой краски. Акварель состоит из пигмента и связующего гуммиарабика, водорастворимого соединения, полученного из сока акации. Легко растворяется в воде.

Изображение Кристофера Гилдо.Используется здесь с разрешения.

Акварельные картины создают ощущение непосредственности. Носитель чрезвычайно портативен и отлично подходит для картин небольшого формата. Техника прозрачной акварели включает использование краски Wash ; область цвета, нанесенная кистью и разбавленная водой, чтобы дать ей растечься по бумаге. Мокрый по мокрому Покраска позволяет цветам плавно переходить друг в друга, создавая плавные переходы между ними. Сухая кисть При рисовании используется мало воды и позволяет кисти скользить по верхним выступам бумаги, что приводит к прерывистым линиям цвета и большому количеству визуальной текстуры.

Примеры техники акварельной живописи: слева размывка. Справа — эффекты сухой кисти. Изображение Кристофера Гилдо. Используется здесь с разрешения.

Бруклинский мост Джона Марина (1912 г.) демонстрирует широкое использование стирки. Он делает массивный мост почти невидимым, за исключением опорных башен с обеих сторон картины. Даже линия горизонта Манхэттена окутана туманными абстрактными формами, созданными размытыми цветами.

Мальчик в красном жилете работы французского художника Поля Сезанна создает форму через нюансы цветов и тонов.То, как акварель накладывается на бумагу, отражает чувствительность и взвешенность, характерные для картин Сезанна.

Поль Сезанн, Мальчик в красном жилете, ок. 1890. Бумага, акварель. Это изображение находится под лицензией GNU Free Documentation License

Акварели Эндрю Уайета изображают пейзаж земными тонами и локализованным цветом, часто с драматическими участками белой бумаги, оставленными нетронутыми. Brandywine Valley — хороший тому пример.

Непрозрачная акварель, также называемая гуашью , отличается от прозрачной акварели тем, что частицы больше, соотношение пигмента к воде намного выше, а также присутствует дополнительный инертный белый пигмент, такой как мел.Из-за этого краска гуашь дает более яркий цвет, чем прозрачная акварель, хотя при высыхании она имеет тенденцию к более светлому тону, чем при нанесении. Как прозрачная акварель, засохшая гуашь снова станет растворимой в воде.

Гуашь — это также средство традиционной живописи других культур. «Зал советуется с волхвами», часть иллюминированной рукописи из Ирана шестнадцатого века, использует яркие цвета гуаши вместе с чернилами, серебром и золотом, чтобы создать яркую композицию, полную замысловатых узоров и контрастов.Чернила используются для создания лирических каллиграфических отрывков вверху и внизу произведения.

Прочие средства рисования , используемые художниками, включают следующее:

Эмалевые краски образуют твердую корку, как правило, с глянцевой поверхностью. В них используются тяжелые растворители, и они чрезвычайно долговечны.

Порошковое покрытие Краски отличаются от обычных красок тем, что не требуют растворителя для удержания пигментных и связующих частей в суспензии. Их наносят на поверхность в виде порошка, а затем отверждают под действием тепла, чтобы сформировать плотную пленку, более прочную, чем у большинства других красок.Порошковые покрытия в основном наносятся на металлические поверхности.

Эпоксидные краски — это полимеры, созданные путем смешивания пигмента с двумя различными химическими веществами: смолой и отвердителем. Химическая реакция между ними создает тепло, которое связывает их вместе. Эпоксидные краски, такие как порошковые покрытия и эмаль, чрезвычайно долговечны как в помещениях, так и на открытом воздухе.

Эти промышленные краски также могут использоваться в окраске вывесок, в морской среде и в окраске самолетов.

20 советов по иллюстрации еды — Характеристики

Иллюстраторы Елена Реско, Элла Гинн, Кендилл Хиллегас, Кики Лунг и Лули Рейс подробно описывают свои подходы к рисованию еды, восхитительной еды.

Кики Лунг

Я уделяю много внимания цвету, так как он играет большую роль в определении настроения иллюстрации. На мой взгляд, цвета должны быть смелыми и яркими, быть яркими и требовать внимания. Когда дело доходит до еды, цель часто состоит в том, чтобы отпраздновать, передать чувство радости и подчеркнуть ее силу в объединении людей. Цвет отлично справляется с этим.

Я работаю с векторами, и кости моих иллюстраций часто геометрические.Люблю идеальные круги и прямые линии. Еда часто бывает грязной! И мне нравится переводить что-то несовершенное в мой чистый цифровой стиль. Я часто работаю с фотографиями и создаю папки со справочными изображениями, из которых можно рисовать. Иногда я рисую сверху или комбинирую набор разных изображений, например, наложенную головоломку, чтобы создать иллюстрацию.

Еду действительно интересно рисовать, потому что часто есть о чем поговорить, от контрастных цветов и текстур до уважения определенных культурных элементов.Вот почему это может быть так сложно. Консистенции (плавление шоколада) и количества (рисовые зерна в миске с рисом) может быть сложно нарисовать, и очень важен хороший баланс между стилизацией и тем, чтобы блюдо или еда выглядели как они сами.

Недавно я работал над питанием, которое, к сожалению, было отвергнуто, с иллюстрацией блюд Средиземноморья. Сцены должны быть беспорядочными, индивидуальными и показывать движение. Именно такую ​​иллюстрацию еды я люблю делать! Я использовал все свои приемы, множество ярких цветов, геометрические композиции, чтобы создать иллюзию организованного хаоса, и контрастные текстуры, чтобы сделать вещи динамичными.

Я считаю, что цвет очень важен, и потрачу много времени на то, чтобы правильно подобрать палитру. Я стараюсь вообще не думать о цвете (кроме выяснения контрастов с черно-белыми градиентами), пока не остановлюсь на композиции. Как только это установлено, я начинаю добавлять цвета по мере того, как уточняю дизайн.

Это обескураживающий ответ, но лучший совет, чтобы научиться чему-то хорошему, — это «просто делай это много»! Мне нравится думать о вещах в терминах проектов, поэтому было бы весело ставить себе задачи рисовать и создавать из них серии проектов.«Каждый прием пищи, который я ел на этой неделе», «Рецепты из моего детства», «Еда, которую мои собаки украли с прилавка» и т. Д. Как только вы пополните свое портфолио большим количеством иллюстраций с едой — отправляйтесь туда! Отправляйте свои тренировки в любимые журналы о еде, блогерам или в местные рестораны.

Другие работы Кики можно найти на kikiljung.com

Луиза Рейс

Думаю, мой визуальный стиль развился, наблюдая за моими любимыми художниками и дизайнерами, а также методом «проб и ошибок».Я увижу то, что мне нравится, и пытаюсь включить это в свой художественный стиль. Я до сих пор занимаюсь этим и думаю, что буду продолжать заниматься этим вечно, поскольку мой стиль постоянно развивается.

Больше всего меня вдохновляет сама природа, но я также чувствую себя очень вдохновленным искусством других людей (будь то на художественной выставке или даже в Instagram). Мои идеи беспорядочно возникают в моей голове, и мне очень нравится обсуждать их с друзьями, чтобы «отшлифовать» их. Этот метод обсуждения проектов оказался очень полезным для меня при создании художественных работ.

Я думаю, что очень важно передать формы и контраст между цветами. Кроме того, добавление какой-то текстуры делает иллюстрацию намного интереснее. Поскольку я использую акварель, мне нравится, когда краска свободно течет, и когда она высыхает, я получаю текстуры и узоры, которые дают действительно крутой эффект.

Самая большая проблема для меня — это иллюстрировать продукты, которые не являются действительно красочными или привлекательными в реальной жизни (например, картофель) или продукты с очень текстурой (например, кожица ананаса или бургер).

В последнее время я работаю с более свободной акварельной техникой. Я начинаю любой проект с анализа моего эталона (его формы, текстуры, того, как свет отражается на поверхности, какие основные цвета, есть ли в нем какие-либо детали и т. Д.), И решаю, какие цвета я собираюсь использовать.

После того, как это было сделано, я начинаю рисовать свободные мазки на бумаге, чтобы создать базовую форму, не забывая о цветах и ​​бликах, и оставляю несколько пустых мест, вообще не добавляя краски.Пока краска еще влажная, я добавляю детали и цвета для глубины и теней. Когда акварель полностью высохнет, я смотрю, нужно ли добавить какие-нибудь детали (например, стебли листьев), и готово!

Цвет — одна из самых важных вещей при создании ярких художественных работ, а изучение теории цвета очень важно. Я не верю в правильный или неправильный выбор цвета, потому что искусство — это способ самовыражения, и если вы хотите нарисовать розовую пиццу, дерзайте! Но выбор правильной цветовой палитры является ключом к достижению красивого, сбалансированного и потрясающего конечного результата.

Обычно я начинаю думать о своих цветах в начале проекта, сразу после того, как выбираю тему рисования. Я решаю свою цветовую палитру еще до того, как приступаю к наброску. Я также веду альбом для цветовых исследований, где пробую новые цветовые комбинации и цветовые палитры, которые привлекли мое внимание.

Сосредоточьтесь на цветах вашей иллюстрации. Человеческий мозг работает удивительным образом, и мы воспринимаем пищу не только по ее вкусу, но также по ее аромату и цвету, а поскольку мы не можем работать со вкусом или ароматом в иллюстрации, цвет является ключевым при создании заманчивой иллюстрации еды.Так что постарайтесь создать для своих иллюстраций богатую и яркую цветовую палитру.

Еще нужно помнить, что ваша иллюстрация не обязательно должна быть идеальной. Когда еда слишком идеальна, она выглядит фальшивкой! Не бывает идеально круглого апельсина или суперсимметричного кекса, так что не беспокойтесь об этом. А если вы новичок в иллюстрации еды, попробуйте создать произведения искусства, которые вам нравятся. Это делает процесс намного более увлекательным и приятным, и, скорее всего, вы останетесь довольны результатом.

См. Другие работы Луизы на www.lulireis.com

Кендилл Хиллегас

Во многом мое конкретное раннее вдохновение пришло из еды, потому что кулинария, культура питания и рассказы о еде — это то, что я любил с детства. Использование этого действительно конкретного и доступного вдохновения было жизненно важно для развития моей творческой практики, и если бы я не нашел его, не думаю, что у меня было бы желание и мотивация оттачивать свои навыки. Теперь, после многих лет практики, я могу найти вдохновение практически в любом предмете или теме, поскольку то, что мне действительно нравится, — это практика пристального наблюдения.

Изначально я рисовал еду просто для развлечения. Я окончил школу и работал бариста, репетитором SAT и общественным организатором, а через несколько лет я практически полностью перестал рисовать и рисовать.

В итоге я столкнулся с некоторыми серьезными проблемами со здоровьем, из-за которых мне пришлось отойти от работы и большую часть времени оставаться дома и отдыхать. Мне было скучно и одиноко, и я отчаянно искал что-то, кроме тела, на котором можно было бы сосредоточиться, поэтому я начал рисовать одну вещь, которая показалась мне забавной: еда.

Я работаю в основном с традиционными СМИ. Большинство моих иллюстраций на 100% аналоговые, с использованием смеси акварели, цветного карандаша, гуаши и ручек для рисования. Иногда для некоторых коммерческих работ я добавляю немного цифровой живописи в конце. Думаю, у меня было всего два задания, которые были полностью цифровыми от начала до конца. Я работаю в основном по фотографиям, так как еда скоропортящаяся, а на выполнение моих больших работ иногда может уйти несколько дней.

Для редакции может быть сложно завершить работу вовремя, когда сроки сжатые, что почти всегда бывает.Для CPG проблема состоит в том, чтобы привлечь больше людей к процессу принятия решений и внести изменения, чтобы оправдать множество различных ожиданий.

Задача, с которой, как мне кажется, сталкиваются многие начинающие иллюстраторы еды, — это нарисовать или раскрасить действительно красивую еду (например, ультрасовременную кухню, необычные кексы или праздничные торты в форме). Они видят изображения такой еды в социальных сетях и хотят использовать их как отправную точку в своей работе. На мой взгляд, рисование торта в форме настольной лампы редко бывает хорошей идеей.

Я думаю, что лучшая иллюстрация еды обычно показывает еду, которая похожа на еду. Да, вы хотите, чтобы он был красивым, но в то же время человечным и, может быть, даже немного несовершенным. Если мне когда-нибудь придется рисовать еду, которая будет по-настоящему правильной и аккуратной, я постараюсь сделать что-нибудь, чтобы ее смешать, например, откусить от нее, добавить каплю или намазать, или разорвать ее пополам. Я считаю, что это помогает сделать вещи действительно аппетитными и аутентичными.

Недавно я решил заняться самостоятельным проектом, в котором я воссоздаю некоторые из тех предметов, которые я рисовал, когда только начинал заниматься иллюстрацией еды.Я назвал это «Тогда / сейчас» и призвал других иллюстраторов также делиться своими собственными «Тогда / сейчас» в социальных сетях. Одним из моих любимых произведений из серии была банка с вареньем Bonne Maman. Это была одна из самых первых иллюстраций еды, которые я создал, поэтому подходить к ней снова через несколько лет было действительно забавно.

Работая над сверхплотной бумагой холодного отжима (Fabriano Artistico), я начал со слоев акварели. Я использую много разных форм акварели, в том числе тюбик, сковороду / торт и акварельный карандаш, но за последние несколько лет я стал большим поклонником жидкой акварели (я использовал Dr.Линия Ph Martins Hydrus в этом изделии), потому что она не поднимается / не активируется после высыхания. Это означает, что вы можете легко нанести глазурь и слой, не создавая путаницы. Я также использовал несколько ручек Kuretake Mangaka, чтобы сделать надписи.

Моя цель — сначала нанести акварель, — двоякая: во-первых, она позволяет мне отображать цвета и достоинства произведения, подобно подмалевку, так что, когда я перехожу к деталям с помощью цветных карандашей, мне не нужно принимать как можно больше этих важных решений и сосредотачиваться в основном на нюансах.Во-вторых, поскольку мне часто нравится работать на действительно текстурной бумаге, использование одних только цветных карандашей потребует много времени (и много карандашей), чтобы заполнить зубец на бумаге.

По сути, использование акварели сначала решает проблему просвечивания белых кусочков бумаги в готовом изделии. Даже с более гладкой бумагой, такой как Rives BFK или акварельной бумагой горячего прессования (другие мои любимые), я все еще использую акварель в качестве базового слоя, потому что в дальнейшем это значительно упрощает работу.

Когда у меня есть эта цветовая карта, я накладываю сверху цветные карандаши, чтобы создать детали и дополнительно уточнить как значения, так и цвет. Еще одно отличие от первой итерации этой темы — это то, насколько далеко я зашел с цветным карандашом и насколько я реалистичен.

Раньше я делал небольшие кусочки цветным карандашом кое-где. Итак, большая часть или даже большая часть произведения хоть как-то проработана цветным карандашом. Я также стал немного более реалистичным как в самом рисунке, так и в цвете.Насколько мне нравится эта часть реализма, вы можете увидеть, сравнив ее с эталонным изображением, что пропорции / рисунок очень близки к эталону, а цвет, очевидно, был взят из эталона, но я тоже продвинулся немного дальше.

Я очень рано начинаю думать о цвете. Если это коммерческое задание, такое как иллюстрации упаковки Good Culture ( выше и ниже ), я часто заранее знаю, что нужно использовать определенный цвет или следует избегать другого определенного цвета.Если это для самостоятельного проекта, такого как Then / Now, я обычно начинаю думать о цвете, когда смотрю на эталонное изображение. В этом отсылке я сразу понял, что хочу взять подсказки из референса, но хочу сделать цвет намного дальше с точки зрения насыщенности и яркости. Я бы сказал, это довольно типично.

Моя цель, как правило, сделать так, чтобы он выглядел примерно на 80% как эталон (с точки зрения цвета), а затем был немного более интенсивным (увеличение громкости существующих цветов) и даже креативным (с использованием цветов, которых нет вообще ) с оставшимися 20%.Моя цель — сделать его похожим на реальность, но лучше, избегая при этом чувства искусственности. В принципе, я хочу, чтобы он выглядел хорошо, но не слишком хорошо. Я также стараюсь выбирать цвета для теней и светов, исходя из того, что создаст больше яркости, поэтому я обычно выбираю дополнительные цвета (например, использую немного зеленого в тени красноватого предмета).

В качестве последнего шага, когда я закончу рисовать цветным карандашом, я иногда добавляю несколько непрозрачных бликов с помощью ручки для рисования Sharpie (акрил на водной основе) или акриловой гуаши.Затем я сканирую фрагмент с высоким разрешением, и, если я создаю его для клиента, я удалю фон в цифровом виде, чтобы его можно было легко вставить в макет страницы или на диалину.

Если вы уже являетесь опытным иллюстратором с четко определенным стилем и просто хотите выйти на рынок, я бы посоветовал начать создавать работы, которые соответствуют рынку, на который вы хотите выйти. Итак, если вы хотите проиллюстрировать кулинарную книгу, начните иллюстрировать некоторые рецепты, которые вы найдете в Интернете. Вы даже можете сотрудничать с блогом о еде, чтобы проиллюстрировать один или два из существующих рецептов (или сделать свой собственный, если вы любите готовить!).Если вы хотите углубиться в иллюстрацию упаковки, начните искать виды иллюстраций, которые используются на упаковке, как по предмету, так и по стилю, а также по композиции. Начните делать такую ​​работу и добавлять ее в свое портфолио. Вот что я сделал.

Если вы новичок или начинающий иллюстратор и еще не достигли своего успеха, я бы сказал, что самое важное — это просто поработать над поиском устойчивого чувства вдохновения и мотивации, а также над оттачиванием своего мастерства.Это верно независимо от того, собираетесь ли вы рисовать реалистично или более стилизованно. Если вы думаете, что можете заняться иллюстрацией еды, начните с простого и нарисуйте еду, которая у вас уже есть на кухне. Сделайте свои собственные эталонные фотографии или поработайте с натуры, если у вас есть более быстрый процесс, чем у меня.

Самое важное в самом начале — это просто нарисовать и раскрасить как можно больше, сосредоточив внимание на разработке последовательного стиля и начального объема работы. Вы поймете, что у вас последовательный стиль, когда перестанете думать о стиле.Это как почерк. Когда вы впервые учитесь писать, вы очень застенчиво думаете о каждом аспекте создания букв, но в конечном итоге это становится тем, чем вы занимаетесь, даже не задумываясь об этом.

Другие работы Кендилла можно найти на kendyllhillegas.com

Элла Джинн

Во время учебы в университете на курсах иллюстрации я много времени проводил в студии печати, экспериментируя с разными техниками. Я обнаружил, что линогравюра дала мне смелые линии и движения, которые я искал в своей работе.Я пытаюсь воспроизвести то, что я узнал из печати, в своих цифровых иллюстрациях. Работа в цифровом формате делает мою работу немного более доступной для коммерческих проектов, создание гравюры может быть довольно долгим процессом, и не всегда легко вносить изменения! Винтажные принты, такие как старые изображения спичечных коробок, упаковки / плакаты для пищевых продуктов и ботанические иллюстрации, также вдохновляют мои иллюстрации.

Я считаю, что с иллюстрацией еды я должен чрезмерно преувеличивать яркость и цвет, чтобы еда выглядела как можно более заманчивой, даже больше, чем в реальной жизни! Клиенты всегда хотят, чтобы еда выглядела максимально свежей и вкусной, поэтому всегда важно помнить об этом.На моих более фотореалистичных картинах, например фруктов, я обнаружил, что пара хороших капель воды помогает придать ощущение свежести, поэтому не бойтесь их использовать, даже если это кажется немного чрезмерным!

Я чувствую себя более творческим и менее ограниченным рабочим аналогом в начале проекта. Я стремлюсь рисовать как можно больше без использования референсов, чтобы прочувствовать композицию, не зацикливаясь на каких-либо эталонных изображениях. В основном я использую фотографии для справки, однако работа из жизни — это то, чем я хотел бы заниматься больше! Недавно я купил Ipad, которым люблю пользоваться, поэтому закончу свою иллюстрацию в procreate или Photoshop.

Иногда мне сложно сделать динамичные иллюстрации еды. Вот где цвет действительно может помочь оживить иллюстрацию! Я также стараюсь добавить как можно больше движения, добавляя смелые формы и играя с композицией. Мне также нравится добавлять надписи в свои работы, чтобы добавить еще одно измерение и интерес.

Недавно я работал над забавным проектом с Tangent Graphic для предварительно смешанного джин-и-тоника Eden Mill. Краткое изложение должно было творчески иллюстрировать фрукты и хмель, включая различные фольклорные истории для каждой банки.Общий эффект выглядит почти закономерно, поэтому было важно, чтобы фрукт выделялся среди других иллюстраций, основанных на рассказах. Я начинаю с работы в одном цвете, чтобы создать базовую иллюстрацию. После того, как композиция получила одобрение, я использую второй цвет среднего тона для создания затенения, это помогает мне выделить фрукт и выделить его на фоне.

Цвет — это то, чего я очень боялся во время учебы в университете, поэтому я в основном работал в черно-белом цвете.В последнее время я стал намного более авантюрным в выборе цвета, и это действительно окупилось. Из-за этого я склонен думать о цвете довольно рано, так как считаю, что он помогает улучшить иллюстрацию. Я склонен ограничивать свою палитру, чтобы не перегружать себя выбором, и я считаю, что это мешает моей работе выглядеть слишком беспорядочно.

Не ждите, пока к вам придут работы! Если вы хотите заниматься иллюстрацией еды, выберите проект своей мечты и добавьте его в свое портфолио.Когда у вас есть работа, которая представляет вас, обратитесь в дизайн-студии или бренды, в которых вы хотели бы работать. Никогда не знаешь, кто ответит тебе и что они могут искать. Наконец, не бойтесь экспериментировать и получать удовольствие. Я всегда считаю, что моя лучшая работа — это тот проект, который мне доставлял больше всего удовольствия.

Более подробную информацию о работах Эллы можно найти на ellaginn.com

Елена Рексо

Внимание к деталям — ключ к успеху: только представьте, сколько разных цветов, текстур, форм у еды в реальной жизни, все настолько разное! Практически все, что мы едим, представляет собой сложное творение, даже если это всего лишь фрукт или ягода, не говоря уже о клубных бутербродах или каких-то сумасшедших блюдах из 100 ингредиентов.Чем лучше вы покажете это разнообразие, тем богаче будет ваша иллюстрация еды. Добавьте больше этого сыра, посыпьте еще семенами кунжута, капните немного этого майонеза.

Моя работа на 100% цифровая, от эскизов до конечного результата. Обычно я не рисую с натуры или фотографий. Я думаю, что иметь реальный пример прямо перед глазами ограничивает ваше воображение.

Если вам нужно, зайдите в Google или Pinterest, чтобы получить наглядное пособие, попытайтесь получить некую «коллективную память» о том, как это может выглядеть, а затем интерпретируйте это по-своему.Так намного веселее! В случае чего-то особенно сложного — изучите объект, получите представление о некоторых основных характеристиках, чтобы сделать его узнаваемым, а затем поместите ссылку как можно дальше, чтобы не слишком привязываться к ней. Приближать это к реальности — не главное!

Однако всегда полезно сделать свои собственные справочные фотографии. Понравилось сочетание цветов? Увидели отличную компоновку блюд в кафе? Сфотографируй — потом обязательно поблагодарим себя за это.

Недавний проект, в котором меня попросили нарисовать торт как символ единства и праздника. Он должен был быть вкусным и грязным. Мне дали для работы пастельный лила и зеленый цвет. Поэтому я создал палитру, дополняющую эти два довольно холодных цвета, и добавил их кусочки на сам торт для поддержки и баланса. Я добавил много динамики в элементы / ингредиенты, чтобы сделать его еще более праздничным. И, конечно же, множество деталей — капли, брызги, множество мелких деталей, чтобы все это было как можно более насыщенным и интересным.

Если я волен выбирать свою цветовую палитру — это случается в большинстве случаев — я склонен думать об этом, уже делая наброски. Просто размышляю над тем, какое цветовое решение подходит для этого произведения.

Главное — это совсем не обязательно приближать к реальности. Усильте естественные цвета, смешайте вещи! Я всегда стараюсь добавить немного изюминки к «нормальным цветам». Не переусердствуйте, он все равно должен быть аппетитным.

У меня есть цвета, которые я использую чаще всего, поэтому я использую несколько из них в качестве основных, а затем добавляю другие цвета в соответствии с тематикой произведения.Иногда возникает желание использовать действительно определенный цвет (или клиент может попросить об этом), поэтому я беру его и пытаюсь обработать остальную палитру вокруг него. Это тоже отличное упражнение.

Как практически в любой сфере — практика — ваш лучший друг. Нарисуйте еду, которая вам нравится, нарисуйте еду, которую вы ели в любимом ресторане, нарисуйте еду, которую где-то видели, и не можете перестать думать о ней. Также не ограничивайтесь тем, как все выглядит в реальной жизни, иллюстрация еды — это не обязательно рисование реалистичной еды.

Больше работ Елены можно найти на elenaresko.com/

Живопись на водной основе: акрил, акварель, гуашь

Как мне узнать, что охватывает класс?

Почти у каждого класса есть бесплатный видеоклип «Предварительный просмотр класса». Это даст вам представление об инструкторе и навыках или проекте, которые вы изучите в классе. Кроме того, вкладка «Обзор» содержит подробное письменное описание класса. Кроме того, у каждого Классного Урока есть краткое письменное изложение его содержания, включая продолжительность каждого видео Урока.Наконец, на вкладке «Бонусные материалы» вы можете увидеть, какие дополнительные элементы включены в видео-класс — обычно включается один или два ресурса PDF для печати. Вы получите хорошее представление обо всем содержании класса, просмотрев эти различные элементы.

Должен ли я быть участником Craftsy, чтобы приобрести класс?

Точно нет. Любой может приобрести Класс без обязательства Премиум-членства. Когда вы нажимаете кнопку «Получить доступ к классу» в верхней части страницы класса, вам будет предложено несколько вариантов покупки.Один из таких вариантов — приобрести Класс самостоятельно. Тогда вы станете владельцем Класса и будете иметь к нему постоянный доступ в своей учетной записи Craftsy, независимо от того, являетесь ли вы Участником или нет. Однако имейте в виду, что в качестве преимущества членства Craftsy Premium вы будете иметь доступ ко всем классам на сайте Craftsy, пока ваше членство действительно.

Как мне приобрести класс?

Сначала вы должны решить, что вам нужен класс.Перед покупкой просмотрите видеоролик «Предварительный просмотр класса» и различные письменные описания класса и каждого урока, чтобы иметь хорошее представление о содержании класса. Когда вы будете готовы приобрести и получить доступ к классу, просто нажмите «Получить доступ к классу» (или он может отобразить «Купить в собственность») и продолжить. Вам будет предоставлена ​​возможность присоединиться в качестве премиум-члена Craftsy, что даст вам доступ к этому и всем другим активным на тот момент классам на протяжении всего срока вашего премиум-членства, или приобрести только этот один класс, к которому у нас будет доступ. вечно.

Как мне получить доступ / просмотреть свой класс?

После оплаты вы можете получить доступ / просмотреть свой класс, перейдя в раздел МОЙ АККАУНТ на Craftsy. В МОЕЙ УЧЕТНОЙ ЗАПИСИ появится раздел с надписью «Мои классы», содержащий ссылку для просмотра видео вашего класса и доступа к любым включенным Бонусным материалам. Вы можете посещать свой курс столько раз, сколько захотите, и вы никогда не потеряете доступ к информации своего аккаунта. Просто не забудьте войти в систему для доступа к МОЕЙ УЧЕТНОЙ ЗАПИСИ.Кроме того, если / когда вы являетесь квалифицированным премиум-участником, у вас будет доступ ко всем активным на тот момент классам. В этом случае вы не найдете все классы в своей учетной записи MY ACCOUNT, но вы можете просто посетить любую страницу класса и посмотреть видео (убедитесь, что вы вошли в систему как премиум-член).

Мне нужно сразу сдавать класс?

Нет. Любой приобретенный вами Класс всегда будет вам доступен. Вы можете просматривать свой класс, когда захотите, и вы можете просматривать отдельные уроки в любом порядке.

Есть ли ограничение на количество просмотров моего класса?

Нет. Вы можете просматривать любой приобретенный вами курс столько раз, сколько захотите и когда захотите — и вы никогда не потеряете доступ. Если вы являетесь участником Craftsy Premium, у вас будет доступ к этому классу и ко всем остальным, пока ваше членство действительно.

Могу ли я просматривать занятия на планшете или мобильном телефоне?

Без проблем.Все новые модели смартфонов или другие мобильные / планшетные устройства с подключением к Интернету могут воспроизводить видео Класса. Просто войдите в систему на Craftsy.com, чтобы просмотреть любой курс, который вы купили или к которому у вас есть доступ, если вы являетесь участником Craftsy Premium.

Как мне получить доступ к бонусным материалам для класса?

Пока вы не приобретете класс или не станете профессиональным премиум-участником, бонусные материалы класса (любые загружаемые материалы в формате PDF и т. Д.) не будет доступен. После того, как вы приобретете Класс или станете участником, каждый отдельный бонусный элемент станет доступным, просто щелкнув по каждому элементу. Вы найдете эти элементы на вкладке «Дополнительные материалы» под основной рамкой просмотра класса. Как и в случае с видео класса, вы можете получать доступ к бонусным материалам столько раз, сколько захотите — или вы также можете их распечатать.

Как работает преимущество «Обсуждение в классе»?

После того, как вы приобретете класс или станете профессиональным участником класса Craftsy Premium, у вас будет возможность разместить вопрос, комментарий или совет в области обсуждения класса.Вы найдете вкладку «Обсуждение класса» прямо под видеокадром класса. Это не «живой чат», но эксперт в предметной области ответит на заданные вопросы. Ответы могут быть не от настоящего инструктора класса. Вы сможете увидеть вопросы и комментарии всех участников класса, чтобы принять участие в этом виртуальном диалоге с другими людьми, которые просмотрели курс и готовы поделиться советами, ответами или идеями.