Мой день из геометрических фигур искусство. Карточки домана бесплатно, картинки геометрические фигуры, карточки геометрические фигуры, изучаем геометрические фигуры

РИСУНОК ПО ПРЕДСТАВЛЕНИЮ: КОМПОЗИЦИЯ ИЗ ГЕОМЕТРИЧЕСКИХ ТЕЛ. ПОШАГОВОЕ РУКОВОДСТВО. ОБЗОР

Объемная композиция из геометрических тел. Как рисовать?

Композицией из геометрических тел называют группу тел геометрического характера, пропорции которых регламентируются согласно таблице модулей врезанных друг в друга и тем самым образующих единый массив. Часто такую группу еще называют архитектурным рисунком и архитектурной композицией. Хотя формирование композиции, как и любой другой постановки, начинается с эскизной задумки — где можно определить общий массив и силуэт, передние и задние планы, работа должна «строиться» последовательно. Иначе говоря, иметь своим началом композиционное ядро, и только затем, посредством вычисленных сечений, «обрастать» новыми объемами. Кроме того, это позволяет избежать случайных огрехов — «неизвестных» размеров, слишком маленьких отступов, нелепых врезок.

Да, сразу надо оговориться, что здесь не будут рассматриваться такие темы, поднимаемые почти каждым учебником рисунка, как «Организация рабочего места», «Разновидности красок, карандашей и ластиков» и проч.

Композиция из геометрических фигур, рисунок

Перед тем как перейти к выполнению экзаменационного упражнение – «Композиция из объемных геометрических фигур», надо, очевидно, научиться изображать сами геометрические тела. И только после этого можно переходить непосредственно к пространственной композиции из геометрических тел.

Как нарисовать куб правильно?

На примере геометрических тел проще всего освоить основы рисунка: перспективу, формирование объемно-пространственной конструкции предмета, закономерности светотеней. Изучение построения геометрических тел не дает возможности отвлекаться на мелкие детали, а значит, позволяет лучше усвоить основы рисунка. Изображение объемных геометрических примитивов способствует грамотному изображению и более сложных геометрических форм.

Изображать наблюдаемый предмет грамотно – это значит показывать скрытую структуру предмета. Но для того, чтобы этого добиться, существующего инструментария, даже ведущих вузов, оказывается недостаточно. Так, в левой части, изображен куб, проверенный «стандартным» способом, широко распространенным в большинстве художественных школ, училищ и вузов. Однако если проверить такой куб средствами той же начертательной геометрии, представив его в плане, то выяснится, что это вовсе не куб, а есть некоторое геометрическое тело, с определенным ракурсом, наверняка и положением линии горизонта, и точек схода его только напоминающее.

Кубы. Слева – неправильно, справа — правильно

Мало поставить куб и попросить изобразить его. Чаще всего такое задание приводит к пропорциональным и перспективным ошибкам, среди которых наиболее известны: обратная перспектива, частичное замещение угловой перспективы фронтальной, то есть подмена перспективного изображения аксонометрическим. Не вызывает никаких сомнений, что эти ошибки вызваны непониманием законов перспективы.

Знание перспективы помогает не только предостеречь от грубых ошибок на самых первых этапах построения формы, но и стимулирует анализировать свою работу.

Перспектива. Кубы в пространстве

Геометрические тела

Здесь изображены совмещенные ортогональные проекции геометрических тел, а именно: куба, шара, четырехгранной призмы, цилиндра, шестигранной призмы, конуса и пирамиды. В верхней левой части рисунка изображены боковые проекции геометрических тел, в нижней – вид сверху или план. Еще такое изображение называют модульной схемой, так как оно регламентирует размеры тел в изображаемой композиции. Так, из рисунка видно, что в основании все геометрические тела имеют один модуль (сторону квадрата), а по высоте цилиндр, пирамида, конус, четырехгранная и шестигранная призмы равняются 1,5 размерам куба.

Геометрические тела

Натюрморт из геометрических фигур – к композиции идем поэтапно

Однако перед тем как перейти к композиции следует выполнить пару натюрмортов состоящих из геометрических тел. Еще большую пользу принесет упражнение «Рисунок натюрморта из геометрических тел по ортогональным проекциям». Упражнение довольно сложное, к которому следует отнестись с должной серьезностью. Скажем больше: без понимания линейной перспективы освоить натюрморт по ортогональным проекциям будет тем более сложно.

Натюрморт из геометрических тел

Врезки геометрических тел

Врезки геометрических тел – это такое взаимное расположение геометрических тел, когда одно тело частично входит в другое – врезается. Изучение вариаций врезок будет полезным для каждого рисовальщика, ведь оно провоцирует анализ той или иной формы, причем архитектурную или живую в равной степени. Любой изображаемый предмет всегда полезней и эффективней рассматривать с позиции геометрического анализа. Врезки условно можно поделить на простые и сложные, но надо заметить, что и так называемые «простые врезки» требуют большой ответственности в подходе к упражнению. То есть, чтобы сделать врезку именно простой, следует заранее определиться, где бы вы хотели расположить врезаемое тело. Самым простым вариантом оказывается такое расположение, когда тело смещается от предыдущего по всем трем координатам на половину размера модуля (то есть половину стороны квадрата). Общий принцип поиска для всех врезок – это построение врезаемого тела из его внутренней части, то есть врезка тела, как и само его формирование, начинается с сечения.

Секущие плоскости

Композиция из геометрических фигур, поэтапное выполнение упражнения

Распространено мнение о том, что проще и быстрее сформировать композицию позволяет расположение тел в пространстве посредством «хаотичного» наложения их силуэтов друг на друга. Возможно, оно и побуждает многих педагогов требовать в условиях заданий наличия плана и фасада. Так, по крайней мере, уже упражнение преподносится в основных архитектурных отечественных вузах.

Объемно-пространственная композиция из геометрических тел рассмотренная поэтапно

Светотени

Светотень – это распределение освещённости, наблюдаемое на предмете.

В рисунке проявляется посредством тона. Тон – изобразительное средство, позволяющее передать натурные отношения света и теней. Именно отношения, так как даже такие графические материалы, как угольный карандаш и белая бумага, обычно не способны точно передать глубину натурных теней и яркости натурного света.

Основные понятия

Заключение

Следует сказать, что геометрическая точность не присуща рисунку; так, в профильных вузах и училищах пользоваться линейкой на занятиях строго воспрещено. Попытка скорректировать рисунок с помощью линейки приводит к еще большему количеству ошибок. Потому сложно умалить значение практического опыта – так как только опыт способен натренировать глазомер, закрепить навыки и усилить художественное чутье. Вместе с тем, только с помощью последовательного выполнения изображения геометрических тел, их взаимных врезок, знакомства с перспективным анализом, воздушной перспективой — возможно выработать необходимые навыки. Иначе говоря, умение изобразить простые геометрические тела, умение представить их в пространстве, умение связать их друг с другом и, что не менее важно, с ортогональными проекциями, открывает широкие перспективы для освоения более сложных геометрических форм, будь то предметы быта или человеческая фигура и голова, архитектурные сооружения и детали или городские пейзажи.

М ожно подумать, что математические расчеты не имеют значения для художественного искусства. Но это не так. Отражение окружающего нас мира, чем в большей или меньшей мере и является изобразительное искусство , связано с воспроизведением геометрических фигур и их пропорций.

Иногда эти пропорции умышленно нарушаются, создаются оптические иллюзии. Мастером в этой области можно назвать

Маурица Эшера . Голландский художник середины XX века, в пространстве рисунков которого все возможно. Одна форма перетекает в другую, перспектива не сходится в одной точке, у предметов нет ни начала, ни конца. Это несоответствие законам природы и логики завораживает зрителей, которые пытаются найти разгадку графических картин художника.

Мир авангарда

По-новому представляя искусство, используя его возможности так, как не делали до них, живописцы авангардного направления (фр. аvant-garde — идущий впереди) пробовали разложить предметный мир на составляющие его элементы. Они представляли чувство через образные и цветовые ассоциации. Из этого получалось, что геометрические фигуры в картинах живописцев часто выражали собой как форму, так и содержание.

Примером может быть творчество Василия Васильевича Кандинского . Русский живописец, представитель авангарда первой половины XX века, делает абстракцию самоцелью своих картин . Теоретически идеи Кандинского обосновываются созданием рядом с «реальным миром» мира абстракций, внешне будто ничего общего не имеющего с действительностью. Это новая система, подчиняющаяся своим собственным закономерностям.

В живописи его важную роль играет чувство, картины художника очень музыкальны, хотя и не имеют звуков. Основой его картин оказывается эмоциональный всплеск, фигуры подвластны этому движению, они следуют за эмоцией. Кандинский писал, что круг, который так часто становится центральным образом его живописи 20-х гг. может быть назван «романтическим». Эта романтика глубока и противоречива, как огонь, пылающий во льду.

Геометрия создателя «Черного квадрата»

Супрематизм («превосходство») — авангардное направление, изобретение которого принадлежит Казимиру Малевичу . Его образование относят ко времени создания «Черного квадрата » (1915 г.). Художник представлял, что в своем творчестве он пришел к основе искусства и шагнул за него, шагнул в ту плоскость, где уже нет формы, нет ничего. Геометрическая форма в картинах автора этого периода дается сама по себе, без каких-либо контекстов и конкретных значений.

«Белое на белом » 1918 г., где белая квадратная фигура изображается на белом холсте — уход в еще большую беспредметность. Малевич стремился в этих картинах свести на нет все предыдущее искусство. Десятилетие спустя стиль К. Малевича терпит изменения. Художник переходит к направлению, позднее названному «русский неосупрематизм». Здесь цвета и фигуры выражают определенные мысли, описывают конкретные события.

«Спортсмены » 1932 г. — картина совершенно симметрична. На переднем плане обезличенные фигуры спортсменов, выстроенные преимущественно из вертикальных линии, которые на заднем плане заменены на контрастирующие с ними горизонтальные. Цвета перекрещиваются между собой на обоих планах.

Очень часто в мире художников встречаются картины, в значительной степени отличающиеся от масляных и пастельных полотен. Они больше напоминают чертежи, узоры, эскизы и совсем непонятны простому зрителю. Сейчас мы поговорим про композиции из геометрических фигур, обсудим, какими они бывают, какую нагрузку несут и почему вообще занимают столь почетное место в искусстве рисунка и живописи.

Простые композиции

Каждый мастер кисти, который начинал свой путь с художественной школы, ответит вам, что точные линии, и их сочетания — это первое, чему учат там. Так устроено наше зрение и мозг, что если изначально научиться гармонично сочетать между собой простые формы, то в дальнейшем рисовать сложные картины будет проще. Композиции из геометрических фигур позволяют нам почувствовать равновесие картины, зрительно определить ее центр, вычислить падение света, определить свойства ее составляющих.

Стоит отметить, что, несмотря на четкость и прямоту подобных изображений, рисуются они исключительно от руки, без линеек и прочих вспомогательных предметов. Параметры фигур измеряются с помощью пропорций, которые могут быть расположены в двухмерном измерении (плоская картина), а могут уходить в перспективу, в единую точку схода всех линий.

Начинающие художники рисуют композиции из геометрических фигур в двух измерениях. Для подобных картин выбирается одна из сторон — план или фасад. В первом случае все фигуры изображаются в «виде сверху», то бишь конус и цилиндр становятся кругом, призма приобретает форму своего основания. Если фигуры изображаются в фасаде, демонстрируется одна из их сторон, чаще всего передняя. На картинке мы видим треугольники, квадраты, параллелограммы, и проч.

Трехмерные картины

Для того чтобы развить и чувство перспективы, художники учатся изображать композиции из геометрических фигур объемных, которые уходят в перспективу. Такое изображение считается трехмерным, а для того чтобы перенести его на бумагу, нужно четко все себе представить. Подобные техники рисунка актуальны в строительных и архитектурных ВУЗах, они применяются в качестве упражнений. Однако студенты нередко из этих «живописных этюдов» делают настоящие рисуя невероятные врезки фигур, рассекая композиции плоскостями и полуплоскостями, изображая картины в сечении.

В общем, можно сказать, что четкость, линейность — основные свойства, которыми обладает любая композиция из геометрических фигур. Рисунок в то же время может быть статичным или динамичным — это зависит от типа изображаемых фигур и от их расположения. Если на картине преимущественно конусы, трехгранные призмы, шары, то она словно «летит» — это однозначно динамика. Цилиндры, квадраты, четырехгранные призмы относятся к статике.

Примеры в живописи

Геометрические формы нашли свое место и в живописи, наряду с романтизмом и прочими направлениями. Ярким примером тому является художник Хуан Грис и его самая знаменитая картина «Мужчина в кафе», которая, словно мозаика, состоит из треугольников, квадратов и окружностей. Еще одна абстрактная композиция из геометрических фигур — холст «Пьеро», художника Б. Кубишта. Яркая, четкая и очень своеобразная картина.

На первых уроках геометрии в 10 классе закладываются основы стереометрии, ребята знакомятся с пространственными фигурами. В качестве невозможных пространственных фигур я привела им пример оптических иллюзий — фигур, кажущихся обычной проекцией трёхмерного объекта, а вот при более детальном изучении просматриваются противоречивые соединения элементов фигуры, создаётся иллюзия невозможности её существования в трёхмерном пространстве. Интерес ребята проявили неподдельный, приглашаю и вас окунуться в мир математических иллюзий.

Многие скажут, что математика (геометрия) – дисциплина аналитическая, изобразительное искусство – эмоциональная, и как-то само собой сложилось, что математика и живопись считаются чем-то настолько разным, чуть ли не противоположным и взаимоисключающим. Современные деятели редко пользуются изображением геометрической перспективы для отображения реалистичности трехмерной сцены на холсте или листе бумаги. Но есть и такие художники, у которых математика с ее небывалыми возможностями находится в центре внимания, а наиболее частыми приемами являются изображение многогранников, тесселяций, невозможных фигур, лент Мебиуса, необычных перспектив, фракталов.

Голландского художника Мориса Эшера (1898-1972) можно считать основоположником математического искусства, его работы являются источником вдохновения для многих последователей. Эшер создал уникальные и очаровательные работы, в которых использован и показан широкий круг математических идей, а наиболее интересными для изучения идеями Эшера являются всевозможные разбиения плоскости, мозаика, многогранники и логика трехмерного пространства.

Итак, приглашаю в мир оптических иллюзий

Абсурдное подобие куба

Попробуйте, подняться по лестнице на верхний этаж при таком перекрестном расположении колонн. Не получается? Почему? На полу нижней площадки, то внутри бельведера, стоит лестница, на которую взбираются двое. Однако, достигнув верхней площадки, они снова окажутся снаружи, под открытыми небом, и снова им придется входить внутрь бельведера.

Падает или взмывает ввысь это водопад? Падающая вода приводит в движение мельничное колесо и течет по наклонному вверх (?) зигзагообразному желобу между двумя башнями, возвращаясь к точке, где водопад начинается снова. Кажется, что обе башни одинаковой высоты; тем не менее, та, что справа, оказывается этажом ниже, чем башня слева.

Вверху и внизу (High and Low), 1947. Литография.

А в этом доме вы хотели бы жить? Два одинаковых этажа, но каждый открывается наблюдателю с разных точек: нижняя часть – сцена, которую он увидит, стоя на земле, то есть на площадке, выложенной изразцовыми плитками. Подняв глаза вверх, он увидит этот же плиточный пол, повторенный как потолок в центре композиции, однако он в то же время служит полом для верхней сцены. Вверху плиточный повторяется вновь, на этот раз как настоящий потолок.

Таким образом, смело можно объединить геометрию и живопись, что и делают многие современные художники, создавая картины в стиле Эшера и в своем собственном стиле. Математическое изобразительное искусство процветает сегодня, последователи работают в различных направлениях, включая скульптуру, рисование на плоских и трехмерных поверхностях, литографию и компьютерную графику. Посмотрим?

Куда ведет эта дверь? А что можно установить в такой витрине?

Невероятная башня

Необычное окно

Вот такой мир математического искусства!

Картинки сайта

Соцреализм • Arzamas

От Дейнеки до картины «Опять двойка»: какой стиль живописи создал Сталин

Автор Галина Ельшевская

Фильм «Цирк» режиссера Григория Александрова заканчивается так: демон­страция, люди в белых одеждах с сияющими лицами шествуют под песню «Широка страна моя родная». Этот кадр через год после выхода фильма, в 1937-м, будет буквально повторен в монументальном панно Александра Дей­неки «Стахановцы» — разве что вместо чернокожего ребенка, который сидит на плече одного из демонстрантов, здесь на плечо стахановки посадят белого. А потом та же композиция будет использована в гигантском полотне «Знатные люди Страны Советов», написанном бригадой художников под руко­водством Василия Ефанова: это коллективный портрет, где представлены вместе герои труда, полярники, летчики, акыны и артисты. Такой жанр апофеоза — и он бо­лее всего дает зрительное представление о стиле, который практически моно­польно господствовал в советском искусстве более двух десятилетий. Соцреа­лизм, или, как назвал его критик Борис Гройс, «стиль Сталин». 

Кадр из кинофильма Григория Александрова «Цирк». 1936 годКиностудия «Мосфильм»

Социалистический реализм сделался официальным термином в 1934 году, по­сле того как Горький употребил это словосочетание на Первом съезде совет­ских писателей (до этого были случайные употребления). Потом оно попало в устав Союза писателей, но объяснено было совсем невнятно и очень трескуче: про идейное воспитание человека в духе социализма, про изображение дей­ствительности в ее революционном развитии. Вот этот вектор — устремлен­ность в будущее, революционное развитие — мог быть как-то еще применен к литературе, потому что литература — временно́е искусство, в ней есть сюжет­ная последовательность и возможна эволюция героев. А как применить это к изобразительному искусству — непонятно. Тем не менее термин распростра­нился на весь спектр культуры и стал обязательным для всего. 

Главным заказчиком, адресатом и потребителем искусства соцреализма было государство. Оно рассматривало культуру как средство агитации и пропаганды. Соответственно, канон соцреализма вменял в обязанность советскому худож­нику и писателю изображать ровно то, что государство хочет видеть. Это каса­лось не только тематики, но и формы, способа изображения. Конечно, прямого заказа могло и не быть, художники творили как бы по зову сердца, но над ними существовала некая принимающая инстанция, и она решала, быть ли, напри­мер, картине на выставке и заслуживает ли автор поощрения или совсем наобо­рот. Такая властная вертикаль в вопросе о закупках, заказах и прочих способах поощрения творческой деятельности. Роль этой принимающей инстанции ча­сто играли критики. Притом что никаких нормативных поэтик и сводов правил в соцреалистическом искусстве не было, критика хорошо ловила и транслиро­вала верховные идеологические флюиды. По тону эта критика могла быть глумливой, уничтожающей, репрессивной. Она вершила суд и утверждала при­говор.

Система госзаказа складывалась еще в двадцатые годы, и тогда главными наем­ными художниками были участники АХРРа — Ассоциации художников рево­люционной России. Необходимость выполнять соцзаказ была записана в их де­кларации, а заказчиками были государственные органы: Реввоенсовет, Красная армия и так далее. Но тогда это заказное искусство существовало в разнообраз­ном поле, среди множества совершенно других инициатив. Были сообщества совсем иного толка — авангардистские и не вполне авангардистские: все они конкурировали за право быть главным искусством современности. АХРР в этой борьбе победил, потому что его эстетика отвечала и вкусам власти, и массово­му вкусу. Живопись, которая просто иллюстрирует и протоколирует сюжеты действительности, всем понятна. И естественно, что после принудительного роспуска всех художественных группировок в 1932 году именно эта эстетика сделалась основой социалистического реализма — обязательного к испол­нению. 

В соцреализме жестко выстроена иерархия живописных жанров. На ее верши­не — так называемая тематическая картина. Это изобразительный рассказ с правильно расставленными акцентами. Сюжет имеет отношение к современ­ности — а если не к современности, то к тем ситуациям прошлого, которые нам эту прекрасную современность обещают. Как и было сказано в определении соцреализма: действительность в ее революционном развитии. 

В такой картине часто присутствует конфликт сил — но какая из сил правая, демонстрируется недвусмысленно. Например, в картине Бориса Иогансона «На старом уральском заводе» фигура рабочего находится на свету, а фигура эксплуататора-фабриканта погружена в тень; к тому же художник наградил его отталкивающей внешностью. В его же картине «Допрос коммунистов» мы ви­дим только затылок белого офицера, ведущего допрос, — затылок жирный и складчатый. 

1 / 2

Борис Иогансон. На старом уральском заводе. 1937 годФотография РИА «Новости», Государственная Третьяковская галерея

2 / 2

Борис Иогансон. Допрос коммунистов. 1933 годФотография РИА «Новости», Государственная Третьяковская галерея

Тематические картины с историко-революционным содержанием смыкались с картинами батальными и собственно историческими. Исторические по­шли главным образом после войны, и они по жанру близки к уже описанным картинам-апофеозам — такая оперная эстетика. Например, в картине Алек­сандра Бубнова «Утро на Куликовом поле», где русское войско ждет начала битвы с татаро-монголами. Апофеозы создавались и на условно современном материале — таковы два «Колхозных праздника» 1937 года, Сергея Герасимова и Аркадия Пластова: торжествующее изобилие в духе более позднего фильма «Кубанские казаки». Вообще, искусство соцреализма любит изобилие — всего должно быть много, потому что изобилие — это радость, полнота и исполнение чаяний.

1 / 2

Александр Бубнов. Утро на Куликовом поле. 1943–1947 годы Государственная Третьяковская галерея

2 / 2

Сергей Герасимов. Колхозный праздник. 1937 год Фотография Э. Когана / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

В соцреалистических пейзажах тоже важен масштаб. Очень часто это панора­мы «русского раздолья» — как бы образ всей страны в конкретном ландшафте. Картина Федора Шурпина «Утро нашей Родины» — яркий пример такого пей­зажа. Правда, здесь пейзаж — только фон для фигуры Сталина, но и в других подобных панорамах Сталин как бы незримо присутствует. И важно, что пей­зажные композиции горизонтально ориентированы — не устремленная верти­каль, не динамически активная диагональ, а горизонтальная статика. Это мир неизменный, уже свершившийся. 

Федор Шурпин. Утро нашей родины. 1946–1948 годыГосударственная Третьяковская галерея

С другой стороны, очень популярны гиперболизированные индустриальные пейзажи — стройки-гиганты, например. Родина строит Магнитку, Днепрогэс, заводы, фабрики, электростанции и так далее. Гигантизм, пафос количества — это тоже очень важная черта соцреализма. Она не формулируется напрямую, но проявляется не только на уровне темы, но и в том, как все нарисовано: изо­бразительная ткань заметно тяжелеет и уплотняется. 

Между прочим, в живописании индустриальных гигантов очень преуспевают бывшие «бубновые валеты», например Лентулов. Свойственная их живописи материальность оказалась очень кстати в новой ситуации. 

И в портретах этот материальный напор очень ощутим, особенно в женских. Уже не только на уровне живописной фактуры, но даже в антураже. Такая тка­невая тяжесть — бархат, плюш, меха, и все по ощущению слегка траченое, с антикварным оттенком. Таков, например, у Иогансона портрет актрисы Зер­каловой; у Ильи Машкова есть такие портреты — вполне салонные.  

Борис Иогансон. Портрет заслуженной артистки РСФСР Дарьи Зеркаловой. 1947 годФотография Абрама Штеренберга / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

А в целом портреты почти в просветительском духе рассматриваются как спо­соб восславить выдающихся людей, которые своим трудом заслужили право на портретирование. Иногда эти труды представлены прямо в тексте портрета: вот академик Павлов напряженно размышляет у себя в лаборатории на фоне биостанций, вот хирург Юдин делает операцию, вот скульптор Вера Мухина лепит статуэтку Борея. Все это портреты, созданные Михаилом Нестеровым. В 80–90-е годы XIX века он был создателем собственного жанра монастырских идиллий, потом надолго замолчал, а в 1930-е годы вдруг оказался главным советским портретистом. И учителем Павла Корина, чьи портреты Горького, актера Леонидова или маршала Жукова по монументальному строю уже напо­минают памятники. 

1 / 2

Михаил Нестеров. Портрет скульптора Веры Мухиной. 1940 годФотография Алексея Бушкина / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

2 / 2

Михаил Нестеров. Портрет хирурга Сергея Юдина. 1935 годФотография Олега Игнатовича / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

Монументальность распространяется даже на натюрморты. И называются они, например у того же Машкова, эпически — «Снедь московская» или «Советские хлебы». Бывшие «бубновые валеты» вообще первые по части предметного бо­гатства. Например, в 1941 году Петр Кончаловский пишет картину «Алексей Николаевич Толстой в гостях у художника» — и перед писателем окорок, лом­тики красной рыбы, запеченная птица, огурцы, помидоры, лимон, рюмки для разных напитков… Но тенденция к монументализации — общая. Приветствует­ся все тяжелое, солидное. У Дейнеки спортивные тела его персонажей груз­неют, набирают вес. У Александра Самохвалова в серии «Метростроевки» и у других мастеров из бывшего объединения «Круг художников» появляется мотив «большой фигуры» — такие женские божества, олицетворяющие земную мощь и силу созидания. И сама живопись становится грузной, густой. Но гу­стой — в меру. 

Петр Кончаловский. Алексей Толстой в гостях у художника. 1941 годФотография РИА «Новости», Государственная Третьяковская галерея

Потому что умеренность — это тоже важная примета стиля. С одной стороны, должен быть заметен кистевой мазок — знак того, что художник трудился. Если фактура заглажена, то работа автора не видна — а она должна быть видна. И, скажем, у того же Дейнеки, который прежде оперировал сплошными цвето­выми плоскостями, теперь поверхность картины делается рельефнее. С другой стороны, лишняя маэстрия тоже не поощряется — это нескромно, это выпячи­вание себя. Слово «выпячивание» очень грозно звучит в 1930-е годы, когда ве­дется кампания борьбы с формализмом — и в живописи, и в детской книге, и в музыке, и вообще везде. Это как бы борьба с неправильными влияниями, но на самом деле это борьба вообще с любой манерой, с любыми приемами. Ведь прием ставит под сомнение искренность художника, а искренность — это абсолютное слияние с предметом изображения. Искренность не подразумевает никакого посредничества, а прием, влияние — это посредничество и есть. 

Тем не менее для разных задач существуют разные методы. Например, для ли­рических сюжетов вполне годится некий бескрасочный, «дождливый» импрес­сионизм. Он проявился не только в жанрах Юрия Пименова — в его картине «Новая Москва», где девушка едет в открытом авто по центру столицы, пре­ображенной новыми стройками, или в поздних «Новых кварталах» — серии про строительство окраинных микрорайонов. Но и, скажем, в огромном полот­не Александра Герасимова «Иосиф Сталин и Климент Ворошилов в Кремле» (народ­ное название — «Два вождя после дождя»). Атмосфера дождя обозна­чает человеческую теплоту, открытость друг другу. Конечно, такого импрес­сионистского языка не может быть в изображении парадов и торжеств — там все по-прежнему предельно строго, академично.

1 / 2

Юрий Пименов. Новая Москва. 1937 год Фотография А. Сайкова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

2 / 2

Александр Герасимов. Иосиф Сталин и Климент Ворошилов в Кремле. 1938 годФотография Виктора Великжанина / Фотохроника ТАСС; Государственная Третьяковская галерея

Уже говорилось о том, что у социалистического реализма есть футуристиче­ский вектор — устремленность в будущее, к итогу революционного развития. А поскольку победа социализма неизбежна, то признаки свершившегося бу­дущего присутствуют и в настоящем. Получается, что в соцреализме время схлопывается. Настоящее — это уже будущее, причем такое, за которым ни­какого следующего будущего не будет. История достигла своего высшего пика и остановилась. Дейнековские стахановцы в белых одеждах уже не люди — они небожители. И они смотрят даже не на нас, а куда-то в вечность — которая уже здесь, уже с нами. 

Где-то примерно в 1936–1938 годах это получает свой окончательный вид. Здесь высшая точка соцреализма — и обязательным героем становится Сталин. Его появление на картинах Ефанова, или Сварога, или кого угодно выглядит чудом — и это библейский мотив чудесного явления, традиционно связанный, естественно, с совершенно иными героями. Но так работает память жанра. В этот момент соцреализм действительно становится большим стилем, стилем тоталитарной утопии — только это утопия сбывшаяся. А раз эта утопия сбыв­шаяся, то происходит застывание стиля — монументальная академизация.

А всякое другое искусство, которое основывалось на другом понимании пла­стических ценностей, оказывается искусством забытым, «подшкафным», невидимым. Конечно, у художников были какие-то пазухи, в которых можно было существовать, где сохранялись и воспроизводились культурные навыки. Например, в 1935 году при Академии архитектуры основывается Мастерская монументальной живописи, которую ведут художники старой выучки — Вла­димир Фаворский, Лев Бруни, Константин Истомин, Сергей Романович, Нико­лай Чернышев. Но все подобные оазисы существуют недолго.

Здесь есть парадокс. Тоталитарное искусство в своих словесных декларациях обращено именно к человеку — слова «человек», «человечность» присутствуют во всех манифестах соцреализма этой поры. Но на самом деле соцреализм отчасти продолжает вот этот мессианский пафос авангарда с его мифотворче­ской патетикой, с его апологией результата, со стремлением переделать весь мир — а среди такого пафоса места отдельному человеку не остается. А «тихие» живописцы, которые деклараций не пишут, но в реальности как раз стоят на защите индивидуального, мелкого, человеческого, — они обречены на неви­димое существование. И именно в этом «подшкафном» искусстве человечность и продолжает жить.

Поздний соцреализм 1950-х попытается ее присвоить. Сталина — цементирую­щей фигуры стиля — уже нет в живых; его бывшие подчиненные пребывают в растерянности — словом, кончилась эпоха. И в 1950–60-е годы соцреализм хочет быть соцреализмом с человеческим лицом. Были какие-то предвестия и чуть раньше — например, картины Аркадия Пластова на деревенские темы, и особенно его картина «Фашист пролетел» про бессмысленно убитого маль­чика-пастуха.

Аркадий Пластов. Фашист пролетел. 1942 годФотография РИА «Новости», Государственная Третьяковская галерея

Но самое показательное — это картины Федора Решетникова «Прибыл на кани­кулы», где юный суворовец у новогодней елки отдает честь деду, и «Опять двойка» — про нерадивого школьника (кстати, на стене комнаты в картине «Опять двойка» висит репродукция картины «Прибыл на каникулы» — очень трогательная деталь). Это все еще соцреализм, это внятный и подробный рас­сказ — но мысль государственная, которая была в основе всех рассказов рань­ше, перевоплощается в мысль семейную, и меняется интонация. Соцреализм становится более камерным, теперь он про жизнь простых людей. Сюда же относятся поздние жанры Пименова, сюда же относится творчество Алексан­дра Лактионова. Его самая известная картина «Письмо с фронта», которая разошлась во множестве открыток, — одна из главных советских картин. Здесь и назидательность, и дидактичность, и сентиментальность — это такой соцреа­листический мещанский стиль. 

1 / 3

Федор Решетников. Прибыл на каникулы. 1948 год Фотография РИА «Новости», Государственная Третьяковская галерея

2 / 3

Федор Решетников. Опять двойка. 1952 годГосударственная Третьяковская галерея

3 / 3

Александр Лактионов. Письмо с фронта. 1947 год Фотография РИА «Новости», Государственная Третьяковская галерея

И это — лебединая песня соцреализма. Как большой стиль он доживет до конца Советского Союза — и даже переживет его, но это уже будет не жизнь, а суще­ствование. В 1960-е годы тоталитарную утопию потеснят новые стили и новые художники, художники андеграунда, которые отчасти пересмотрят сам вопрос о том, что такое искусство. 

Что еще почитать про соцреализм:

Голомшток И. Тоталитарное искусство. М., 1994.
Паперный В. Культура Два. М., 1996.
Плампер Я. Алхимия власти. Культ Сталина в изобразительном искусстве. М., 2010.
Хмельницкий Д. Зодчий Сталин. М., 2007.  

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Десять самых скандальных произведений в истории искусства

• Келли Гровье
• BBC Culture

3 ноября 2017

Автор фото, Getty Images

Підпис до фото,

«Журнальный столик» британского художника Аллена Джонса — одно из произведений современного искусства, вызывающих противоречивую реакцию публики

Недавно два самых известных музея мира отказались выставлять экспонаты, которые вызвали возмущение публики. В свете этих событий арт-критик BBC Сulture рассуждает о роли цензуры в истории искусства и о десяти наиболее спорных художественных произведениях.

Недавнее решение двух известных музеев мира убрать из своей экспозиции несколько провокационных произведений искусства всколыхнуло борцов за свободу слова, озабоченных распространением цензуры.

Действия музейного руководства, однако, побуждают задуматься о том, что многие другие произведения в современной истории, хотя и шокировали зрителя, коренным образом изменили наше представление об искусстве.

В прошлом месяце протесты активистов по защите прав животных заставили нью-йоркский Музей Гуггенхайма отказаться от инсталляции трех экспонатов, объединенных под названием «Театр мира».

Среди них два видеоролика, один из которых изображает спаривание татуированных свиней, а другой — двух питбультерьеров, оскалившихся, рычащих и готовых вот-вот броситься друг на друга.

Третий экспонат представляет собой огромный террариум из фанеры и сетей, внутри которого разворачивается настоящая жестокая борьба за выживание среди голодных гекконов, кузнечиков, сверчков и тараканов, которые оказались в смертельной ловушке.

Запрещенные экспонаты, созданные современными китайскими художниками, были сначала выбраны для выставки «Искусство и Китай после 1989 года», которая открылась 6 октября.

Автор фото, Huang Yong Ping/Guggenheim Museum

Підпис до фото,

«Театр мира» современного китайского художника Хуана Юн Пина сняли с выставки в Музее Гуггенхайма из-за возмущения активистов по защите прав животных

Примерно в то же время Лувр отменил планы выставить скульптуру голландского художника и дизайнера Юпа ван Лисхаута из-за опасений, что откровенная сексуальность его произведения вызовет возмущение публики.

12-метровая фигура с нечеткими контурами типа конструктора «лего» похожа на мужчину, который совершает половой акт с четвероногим созданьем.

Скульптуру под названием Domestikator («Одомашниватель») планировали выставить в саду Тюильри в рамках ежегодной Международной ярмарки современного искусства. (Впоследствии произведение согласился выставить Центр Помпиду).

Пораженный такой цензурой, ван Лисхаут назвал решение музея лицемерным и объяснил, что его произведение не связано с сексом как таковым, а скорее поднимает тему вмешательства человека в природу.

«Многие скульптуры в Лувре изображают обнаженных женщин, сцены насилия и скотоложества, гораздо более откровенные, чем моя скульптура», — отметил художник.

В этом голландский художник, безусловно, прав.

В Лувре хватает произведений, которые можно было бы обвинить в безобразии — от картины Жана-Оноре Фрагонара «Сброшенная рубашка» до «Большой одалиски» Энгра. Когда в 1814 году произведение впервые увидела публика, его также назвали «оскорбительным».

Автор фото, Wikipedia

Підпис до фото,

«Большая одалиска» Жана Огюста Энгра также вызвала возмущение, когда публика впервые увидела ее в 1814 году

Но кто сегодня краснеет от полотен Фрагонара или Энгра, какими бы шокирующими они не казались изначально?

Знатоки истории искусства, безусловно, оценят момент противоречивых запретов. Ведь он точно совпадает со столетней годовщиной известного в современной истории скандала с цензурой.

В 1917 году Общество независимых художников Нью-Йорка, нарушая собственные принципы и убеждения, запретило демонстрацию концептуальной скульптуры Марселя Дюшана «Фонтан».

Произведение в виде обычного писсуара с хулиганской надписью «Г. — болван» стало самым известным реди-мейд (то есть готовым объектом, который сам художник не создавал) в истории современного искусства.

Впрочем, такая «круглая дата» заставляет вспомнить и ряд других скандальных арт-объектов, которые в свое время разожгли горячие публичные дебаты и заставили зрителей задуматься о самой сути современного искусства.

«Стертый рисунок де Кунинга» Раушенберг, 1953

Автор фото, Wikipedia

Критики «Фонтана» Дюшана, которые считали, что вместе с водой его писсуар смыл и предназначение всего художественного искусства, вряд ли оценили бы по заслугам картину (или скорее ее отсутствие) американского художника Роберта Раушенберга.

Задумавшись о том, можно ли создать художественное произведение с помощью резинки, а не карандаша, кисти или резца, Раушенберг убедил своего друга, голландско-американского абстракциониста Виллема де Кунинга принести в жертву свой недавний эскиз.

В результате появилась бумага, на которой почти невозможно разглядеть следы бывшего рисунка. Она побуждает зрителя решить самостоятельно, является ли картина без изображения произведением искусства или это — лишь рамка, обрамляющая пустоту и символизирующая бессилие художника.

«Дерьмо художника» Пьеро Мандзони, 1961

Автор фото, Tate

Если произведением искусства может стать сосуд для человеческих испражнений, то рано или поздно и сами экскременты могут превратиться в объект эстетических экспериментов.

Именно это и сделал в 1961 году итальянский авангардный художник Пьеро Мандзони, законсервировав в 90 банок 2,7 кг своих фекалий.

Это было не первое скандальное произведение художника, ранее представившего на суд общественности воздушный шарик, наполненный его «выдохом».

Говорят, что отец художника, владелец консервного завода, однажды презрительно прокомментировал творчество своего сына, сравнив его с экскрементами.

Мандзони-младший ответил знаменитыми банками, одна из которых прошлым летом ушла с аукциона за 275 тысяч евро.

«Стул» Аллен Джонс, 1969

Автор фото, Tate

«Стул» британского поп-арт художника Аллена Джонса откровенно бросает вызов обвинению в объективации женщин, так же как и созданные им два других, не менее провокационных предметы интерьера — вешалка и журнальный столик.

1986 года в Международный женский день пара активистов, возмущенных откровенным сексизмом скульптуры, облили ее кислотой, которая исказила пластиковое лицо и шею женской фигурки.

«Званый ужин» Джуди Чикаго, 1979

Автор фото, Tate

Банкетный стол на 39 персон посвящен вкладу в историю культуры выдающихся женщин — от Сафо до Вирджинии Вулф.

Работу американской художницы-феминистки Джуди Чикаго одновременно признают за новаторство и критикуют за шокирующую пошлость.

В композиции доминируют 40 расписанных вручную фарфоровых тарелок с изображениями бабочек, откровенно похожих на женские половые органы.

В интервью The Guardian современная британская художница Корнелия Паркер отметила, что в композиции «слишком много вагин» и что она «скорее демонстрирует эго самой Джуди Чикаго, чем чтит память несчастных женщин».

«Меня огорчает, что значимость женщины сводится к ее половым органам», — добавила она.

«Изогнутая арка» Ричард Серра, 1981

Автор фото, Alamy

В 1989 году пала не только Берлинская стена. 15 марта под покровом ночи ньюйоркские строители разрезали на куски и убрали 36-метровую стальную ограду, которая простояла на Федеральной площади восемь лет.

Снести конструкцию решил суд, поскольку новаторская инсталляция американского художника Ричарда Серры уже давно стала убежищем для террористов, вредителей и вандалов.

«Обернутые острова» Христо и Жанны-Клод, 1983

Автор фото, Christo and Jeanne-Claude

В мае 1983 года художники перформанса Христо и Жанна-Клод обернули 11 островков в заливе Бискейн вблизи Флориды розовой полипропиленовой тканью. Далеко не все были в восторге от сказочного зрелища.

С протестом в первую очередь выступили экологи, которые были обеспокоены влиянием синтетического пластика площадью более 600 тысяч кв. м на местную флору и фауну.

Однако именно этого и добивались художники своей инсталляцией — привлечь внимание общественности к проблемам окружающей среды и ее хрупкости.

«Я сам» Марк Куинн, 1991

Автор фото, Marc Quinn

В течение пяти месяцев каждые пять лет британский художник Марк Куинн откачивал у себя пять литров крови и заливал ее в полупрозрачный охлажденный слепок своей головы.

Результатом акции стала серия автопортретов, которая позволяет художнику вполне справедливо утверждать, что он вложил себя в свое творчество больше, чем любой другой художник.

Для кого-то «Я сам» Куинна — это лишь отвратительная выходка с вампирским уклоном.

Для других произведение стало дерзким продолжением художественной традиции автопортретов, выдающимися образцами которой являются работы Рембрандта, Ван Гога и Синди Шерман, а также глубоким символом хрупкости бытия.

«Моя кровать» Трейси Эмин, 1998

Автор фото, Alamy

Кровать — это объект, безусловно, полный символизма и неоднократно представленный в величайших произведениях западного искусства — от «Венеры Урбинскойо» Тициана до «Спальни в Арле» Ван Гога, от серии обнаженных и одетых мах Гойи до «Кошмара» Генри Фюссли.

Несмотря на это, инсталляция разобранной постели, которую британская художница Трейси Эмин представила на выставке премии Тернера в 1998 году, вызвала чрезвычайное недовольство публики.

Выступившие в защиту «Кровати» удивлялись, что почти через 80 лет после знаменитого писсуара Дюшана неубранная и где-то даже грязная постель могла вызвать такой шквал возмущения.

Они также предположили, что, очевидно, публика свирепствует из-за того, что в чисто мужское художественное пространство нагло ворвалась женщина.

«Акула» Давид Черни, 2005

Автор фото, David Černý

Связанная по рукам и ногам фигура иракского диктатора Саддама Хусейна в огромной стеклянной витрине, безусловно, перекликается с известной инсталляцией акулы в растворе формальдегида Дэмиена Херста под названием «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (1991).

Однако многие раскритиковали «Акулу» за то, что она представляет Хусейна в роли жертвы. Тогда как другая работа Черни оттолкнула жутким натурализмом.

Запланированная на 2006 год выставка «Акулы» в музее бельгийского города Мидделкерке была отменена указом мэра Мишеля Ландуа.

В постановлении говорилось, что «определенные группы населения могут воспринять инсталляцию как слишком провокационную».

«Дерево» Пол Маккарти, 2014

Автор фото, AFP

Иногда скандальное произведение искусства подпадает под цензуру не кураторов выставок, а возмущенных граждан.

Именно это и произошло с огромной надувной скульптурой дерева, которую американский художник Пол Маккарти установил в 2014 году на Вандомской площади в Париже.

Зеленая конструкция, которая, видимо, должна была символизировать рождественскую елку, была безжалостно уничтожена вандалами.

После появления сотен комментариев о слишком близком сходстве «Дерева» с секс-игрушкой спасти произведение от нападений разъяренных граждан стало невозможно. Кстати, как и самого Маккарти.

Однажды на площади к скульптору подскочил возмущенный прохожий и трижды отвесил ему пощечины, исчезнув в толпе со скоростью проколотого воздушного шарика.

Требования к промежуточной аттестации по учебному предмету «Композиция станковая» ДОП «Изобразительное искусство» 2 класс (срок обучения 3

ГОРОДСКОЙ ОКРУГ

«АЛЕКСАНДРОВСК-САХАЛИНСКИЙ РАЙОН»

МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ

ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ «ДЕТСКАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ»

Утверждаю:

Директор МБУ ДО ДШИ

_________________ Э. Н. Фисенко

Приказ № _____- ОД «____» _____ 201__г.

Требования к промежуточной аттестации

по учебному предмету «Композиция станковая»

ДОП «Изобразительное искусство»

2 класс (срок обучения 3 — летний)

Составитель: Полетаев Д.В.

преподаватель без категории

2018 г.

Просмотр работ учащихся по предмету «Композиция станковая»

2 класс

Проведение просмотра работ учащихся. Все работы по композиции за I и II четверти выставляются на просмотр.

Требования к просмотру:

• Умение выстроить ритм в композиции «Мои любимые игрушки» по наблюдению.

• Умение закрыть цветом большую поверхность листа, перекрыть цвет цветом.

• Умение заполнить весь лист цветом.

• Умение выполнить композицию по представлению на тему: «Цветы и бабочки», применив яркие и нежные цветовые сочетания.

• Умение выполнить композицию по представлению на тему: «Петушок и курочка», применив резкие и контрастные цветовые сочетания.

• Умение выполнить по представлению композицию: «Мой день рожденье».

• Умение передать радостное настроение цветом (светлая, яркая, теплая палитра).

• Выполнить композицию по наблюдению: «Наша школа», решив вертикальные и горизонтальные направления( дворик, фасад).

Критерии оценивания по итогам просмотра:

• Отметка “5”выставляется, если работа учащегося выполнена в полном объеме, в соответствии с основными этапами ведения работы; при выполнении работы ученик демонстрирует способность грамотно применять на практике основы изобразительной грамотности, умеет воплощать в художественных образах творческие задачи, самостоятельно составляет композицию, владеет техническими приемами выполнения изделия; работа выполнена аккуратно.

• Отметка “4”выставляется, если ученик выполняет работу в соответствии с теми же требованиями, что и для отметки “5”, но допускаются неточности в поэтапном ведении работы, которые сам же исправляет, и 1-2 недочета при выполнении композиции.

• Отметка “3”выставляется, если работа учащегося выполнена не в полном объеме, имеются 1-2 неточности в передаче художественного образа; для завершения работы необходима постоянная помощь преподавателя.

Преподаватель: Полетаев Д.В.

Каждый день как спектакль в трёх действиях

Томасс Парупс

25.01.2021

Разговор с латвийской художницей Кристианой Димитере 

Один мой коллега, с которым Кристиана Димитере училась вместе в Рижской школе прикладного искусства, вспоминая её неординарный склад ума, рассказал мне характерный случай. Когда студенты принесли на смотр свои нарисованные дома натюрморты, чтобы продемонстрировать их преподавателям, в основном там доминировали композиции с грушами, буханками хлеба и кувшинами для воды. Самая неожиданная из всех картин получилась у Кристианы – вместо того, чтобы изобразить какой-нибудь ансамбль бытовых предметов, она нарисовала двух фарфоровых воробьёв, которые стояли у неё дома на полке. На сероватом и по преимуществу скучном смотре работа Кристианы выделялась уверенно и смело.

Эти смелость, богатство фантазии и способность удивлять зрителей – ключевые свойства творческого почерка художницы на протяжении всей её карьеры. В 1990-х и нулевых Кристиана Димитере активно участвовала в групповых выставках и устраивала свои персональные экспозиции. Но последняя знаковая выставка под названием «Секулярный резонанс» прошла у неё в галерее Alma в 2011 году. Тогда Кристиана убедительно продемонстрировала свою виртуозность – способность работать в различных художественных техниках в свойственной именно ей манере. Рисунки, картины, инсталляция и обрисованные темперой гипсовые скульптуры заполнили помещение галереи, обитавшей в то время в фешенебельном «тихом центре» на улице Рупниецибас. 

В начале 2021 года Кристиана Димитере снова возвращается в галерею Alma (пару лет назад переехавшую на более живую и богемную улицу Тербатас) со своим новым «посланием», которому дано название «WOOF, WOOF!» Открывающаяся 29 января выставка посвящена трём собакам, которые в жизни художницы сыграли немаловажную роль. Выставочные залы Риги на данный момент закрыты, но экспозицию «WOOF, WOOF!» сквозь открывающие обзор от пола до потолка стеклянные стены галереи Alma можно будет посмотреть в любое время дня и ночи. 

В доме и мастерской Кристианы этой зимой. Фото: Томасс Парупс

О героях выставки Кристиана в своём сопроводительном тексте повествует так: «Темой для выставки я выбрала рассказ о трёх из моих собак – Арро, Джанисе и Брине. Вместе с ними я прожила бо́льшую часть моей жизни. Из маленькой шпаны и озорников они выросли в могучих и умных друзей. И можно только восхищаться, с каким мужеством в свой час они отправились на охоту в другой мир.

Брине было уже шесть лет, когда она у меня появилась. Три из них она прожила на цепи. Её хозяин скончался, и никто не захотел её забрать к себе… Из её манеры поведения можно было сделать вывод, что прежний хозяин занимался подлёдной рыбалкой (потому что Брина однажды полезла на лёд к рыбакам и прорубям, провалилась под лёд, стала тонуть, но выплыла). Можно было также понять, что прежний хозяин по вечерам смотрел новости по телевизору, ей это тоже нравилось. А ещё питался по вечерам бутербродами и иногда выпивал (ей очень импонировали подвыпившие люди). Джаниса нам подарили, когда он был щенком. Он был очень озорной и самостоятельный, самозабвенно воровал из машины у магазина расфасованных кур, однажды с соседского праздника принёс камамбер в упаковке, а на мой день рождения притащил из леса голову косули с рогами. Прирождённый воришка, который умел заботиться о других, крайне запасливый. Очень храбрый и умный пёс. А вот Арро вырастил мой отец. И пёс присматривал за мной, ещё когда я была маленькой, разрешал чистить ему зубы, а моя няня на завтрак угощала его кофе с молоком. Арро людей в ворота пускал, а обратно не выпускал. Несмотря на то, что его кормили человеческой едой, он прожил долгую жизнь. Муж няни вырыл ему такую же глубокую могилу, как для человека, и похоронил вместе с его кроваткой.

Живущий теперь у Кристианы пёс Айварс 

Я решила в знак благодарности этим трём собакам создать их скульптуры. Мне просто захотелось их вылепить. Тысячи и тысячи раз я гладила их прежде, и теперь думала о том, смогу ли вспомнить, какие у них были уши, нос, лапы…»

С Кристианой мы повстречались в местечке Мурьяни, в доме, который принадлежал некогда её родителям – Вие Артмане и Артурсу Димитерсу – и название которого «Dārziņi» переводится как «Садики». Кристиана там живёт и работает – в окружении коллекции своих и собранных ещё родителями произведений искусства.

Фото: Томасс Парупс 

Твои работы подчёркнуто стилизованы (некоторым может даже показаться – чрезмерно). Меня интересует то, как ты пришла к этому своеобразному творческому почерку. 

Боженьки (смеётся)! Я не знаю. Скорее всего, работая и трудясь. Очень ведь многое нарисовано, написано, создано. Много лишнего ушло, а что-то важное, наоборот, добавилось… Мои работы с течением времени развивались. Через падения к звёздам, так сказать!

Тебе кажется, что для развития художника падения необходимы?

Сперва кажется, что всё у тебя получается. Когда ты добиваешься каких-то успехов и когда что-то действительно начинает получаться, то что-нибудь обязательно идёт не так. Раньше, когда я заканчивала работу над каким-то крупным проектом, мне часто приходили в голову мысли – захочу ли я после этого вообще продолжать. Каждый раз, когда ты принимаешь на себя обязательство что-то создать, тебе кажется, что всё надо начинать заново. Ты как белый лист. Иногда я вдохновляюсь и своими старыми работами, но, глядя на них, я не понимаю, как я их сделала.

В твоих работах очень много всего наслаивается. Я вижу в них и сюрреализм, и своего рода гиперреализм. Поэтому я и спросил, как ты пришла к такой необычной стилистике. Её трудно уложить в какие-то определённые рамки. 

Я просто думаю, что всё это происходило и наслаивалось естественным образом – в самом процессе работы. Да, наверное, для меня «сюрреалистическая» линия кажется более симпатичной. И да – я всё стилизую. Я никогда не пытаюсь изображать природу или что-то ещё в реалистичном духе. Невозможно повторить природу. Каждый день – как спектакль в трёх действиях. Когда мы отправляемся на островок плавать и идёт дождь, то его капли в первый момент отскакивают от поверхности воды, и только потом с ней сливаются. А после дождь проходит, и светит солнце. Всё постоянно меняется. Это практически невозможно воспроизвести в статичном произведении искусства. У Дэвида Хокни есть известная книга «Ложь в искусстве», в которой он тщательно исследует эту тему. Тем не менее мне надо придумать свой способ показывать природу или человеческую фигуру, всё что угодно.

Скульптура из экспозиции «Секулярный резонанс», сфотографированная в окрестностях дома Кристианы. Фото: Марис Морканс

Зачастую ты персонажей своих работ – будь то человек, животное или неживой предмет – гипертрофируешь и даже деформируешь. 

Я всегда так делаю, да. Мы с моей дочкой Бертой сегодня смотрели фильм о Туве Янсон. Она была выдающейся художницей и элегантной карикатуристкой. Она отличный стилизатор. В её работах всё стилизованное выглядит совершенно естественно. И на меня очень повлияло такого рода искусство. В молодости меня очень вдохновляли анимационные фильмы, египтяне и индейцы. Всё, что подчёркнуто стилизованно. Или иконопись. Византийская манера письма мне ужасно импонирует. Я могу долго и смиренно изучать иконы, в которых каждая складка одежды так тщательно прорисована. Думаю, что Рублёв тоже стилизовал. А Феофан Грек для меня – настоящий экспрессионист! Глядя на иконы вживую, ты ощущаешь, что они очень современны, можно даже сказать – это абсолютно современные произведения искусства. У меня такое чувство, что иконописцы – мои товарищи по времени. 

У тебя дома много православных икон.

Это огромный источник влияния!

Как это началось? Можно ли сказать, что на протяжении всей твоей жизни они вызывали в тебе восхищение? 

Не совсем, хотя в моём прежнем доме всегда были две иконы. На одной был изображён Иисус Христос, она была более реалистичной. На другой – Богородица с младенцем Иисусом и разбойником на фоне. Но это был добрый разбойник, который молил у Бога прощения. Осознанным источником влияния иконопись стала, когда я увидела иконы вживую в 2013 году в Пскове. У меня тогда там была выставка. И меня пригласили поехать посмотреть Мирожский монастырь. Это было за неделю до Пасхи. Всю зиму монастырь закрыт, так как он находится на участке земли, который время от времени затопляет. Как раз только что сошла вода после весеннего паводка, и мы смогли туда попасть. И эти фрески – они во мне вызвали такое переживание, что ещё год после этого я ничего не могла нарисовать. Я там долго стояла с открытым ртом и смотрела. Мне кажется, живи я рядом с этим монастырём, я бы каждый день туда бегала. Когда я туда вошла, то поняла, что в этом мире не может быть ничего дурного. События Евангелия были там нарисованы в довольно, если можно так сказать, экспрессионистской манере. Я даже купила книгу с хорошими репродукциями, но это и рядом не стоит с тем впечатлением, которое даёт реальный опыт. 

Значит, тебя эти иконы впечатлили в чисто формальном смысле.

Не только. Меня впечатлило то осознание, которое во мне вызвали эти иконы. Осознание того, что с помощью живописных приёмов можно создать такой мощный эффект. Я никогда такого раньше не видела. В моем сознании самые замечательные коллекции мирового искусства не сравнятся с этим монастырём. 

Глядя на свои работы, ты замечаешь в них формальные и стилистические влияния иконописи?

Да, и во всех моих картинах, мне кажется, я так несколько наивно стремлюсь к иконографии. Мне порой даже кажется, что это немного комично, но оно там есть, есть это влияние. Не так уж просто увидеть что-то поистине идеальное. Мне очень трудно избавиться от этого потрясающего впечатления. 

В мощности этого впечатления свою роль играла и духовная сторона?

Я думаю, что да.

На тебя очень влияет та информацию, которую ты ежедневно усваиваешь. Не только то, что ты видишь, но и то, что ты читаешь, слушаешь, достаточно непосредственно перетекает в твои работы. 

Чаще всего это бывает с поэзией, потому что она очень образна. Поэтому вполне можно превратить эту образность в изображения.

В доме Кристианы. Фото: Сергей Тимофеев

У тебя есть работы, которые возникли именно под влиянием поэзии?

Да, есть несколько, но сейчас я вспоминаю только одну. Это была скульптура «Телефон для Марии Египетской», созданная по мотивам стихотворения моего брата. Сюжет у него был такой – на алтарь к Марии приземляется телефон и непрерывно звонит. Тогда я и сделала этот телефон. Я буквально перенесла этот сюжет в свою работу. Я приставила к трубке косу вместо проводов, вместо циферблата вставила круг и изобразила в центре точку. Сам телефон был как будто сделан из песка. Всё, конечно, очень стилизованное (смеётся).

Есть ли ещё поэты, которые очень близки тебе?

Есть, есть. Мне очень близок румынский поэт-сюрреалист Джеллу Наум. Его тексты на латышский переводил Леонс Бриедис. У него было стихотворение «И розы радостные бегали по саду» (смеётся). Мне нравятся такие эксцентрики. Наверное, многое во мне идёт из детства. У родителей было очень развито визуальное мышление. Профессия актёра требует развитой фантазии, и у моей мамы она была. В молодости мы ходили на кинолектории Валентины Фреймане. В наши дни всё хорошее быстро становится доступным, а в то время кино было как дыхание свежего воздуха. Мои родители состояли в Союзе кинематографистов, но у них самих не было времен на кино, так что я ходила вместо них. Викторс Фрейбергс переводил всякие фильмы сюрреалистов, разных дадаистов: идёт фильм, а он синхронно всё переводит. Это было замечательно! Тот опыт позднее повлиял на мою огромную любовь к поэзии сюрреализма.

Ты нередко изображаешь сюжеты из фильмов или книг. Но, в отличие от иллюстраторов, ты можешь сделать этот сюжет своим. Твой визуальный язык настолько силён, что непросто заметить ссылки на другие работы. 

Если этот сюжет меня тронул, то он становится моим. И неверно думать, что и иллюстраторы не делают изображаемые сюжеты «своими».

Рэй Чарльз в подсолнухах

Тем, кто пока немного знает о твоих работах, наверняка было бы интересно понять, как в них с сюрреализмом уживаются и разнообразные религиозные мотивы. Почему так?

Потому что это, по-моему, ключевая часть жизни. Мы же смертны, а среди живых мы всего лишь ненадолго. В одной книге я читала, что от рая в мире остались только цветы. Я не могу жить без веры. У меня с детства это стремление.  

Стремление к чему?

К создателю. 

К Богу? 

Да. 

И ты не можешь создавать искусство без Него?

Нет, я не могу так ни жить, ни дышать. Я чувствую себя бессмысленной. Я поняла это, когда мне было лет шесть. 

Так рано! 

Да, в возрасте шести или семи лет. 

Настенная роспись в галерее Alma. Фрагмент экспозиции «Секулярный резонанс». 2011. Фото: Марис Морканс

А ты в какие-то периоды своей жизни теряла эту веру, сомневалась в ней? 

В подобные моменты я ничего не могла сделать. Вернее, я ничего особо и не делала. Потому что такие попытки обычно заканчивались фиаско. Но всё в конечном счёте закончилось хорошо. Ведь я сижу здесь сегодня вечером и разговариваю с тобой. У Копполы [Фрэнсиса Форда Копполы – ред.] был фильм «Дракула», и Нормундc Науманис в своей рецензии назвал его «фильмом-сказкой». А мне кажется, что это абсолютная реальность.

Почему?

Каждый человек, который поднимался или падал, это понимает. Я помню, что, когда посмотрела этот фильм, на следующий день отправилась на литургию (смеётся). 

Фото: Томасс Парупс

В твоей жизни искусство присутствовало с детства. Я сейчас говорю не о театре или кино, а о визуальном искусстве. У тебя дома по-прежнему висят картины классиков. Кто-нибудь в вашей семье был коллекционером? 

Да, отец коллекционировал искусство. Он с юности любил всё коллекционировать. Во время войны квартира на улице Бривибас была разбомблена, и всё собранное погибло. Когда жизнь началась заново, он снова начал коллекционировать. Он любил живопись и вообще искусство – иногда покупал работы, а иногда и в карточной игре мог выиграть какую-то картину. 

Это произвело на тебя впечатление?

Да, я думаю, что его хобби произвело на меня очень сильное, хотя и неосознанное впечатление. Именно он в конце концов и купил те две иконы, которые были у нас дома.  

Много приходилось слышать, что на тебя очень повлияла твоя мама, но похоже на то, что о визуальном мышлении позаботился именно папа. 

Он искренне верил, что самое крупный козырь человека – это его фантазия. Это и есть точка зрения, которой и я сама верна всю мою жизнь. Но фантазия должна быть соразмерна с разумом, чтобы он мог управлять ею. Без разума фантазия превращается в обманку. Отец привил мне такое мышление. Он всегда радовался всему, что я создавала. Я рисовала в детстве, потому что просто не могла себе представить лучшего занятия.

Несмотря на то, что твои работы скрупулёзно и умело сделаны, мне кажется, в них появляется совершенно неуправляемая фантазия. 

Какое бы впечатление ни производили мои работы, я могу сказать, что в них всё-таки проявляется именно управляемая фантазия. Если художник не способен сладить со своей фантазией, его можно сбросить со счетов. У меня это управление фантазией происходит неосознанно и естественно. Только теперь, разговаривая с тобой, я начинаю анализировать себя. Я никогда сама об этом не думала. 

Фиалка трёхцветная

Твои скульптуры и рисованные образы очень пластичны и «флуидны» – даже если их тела кажутся деформированными. Для тебя важна эта странная пластика? 

Мне важно, чтобы работа была такой, какой я хочу её видеть. 

Да, но твои работы весьма специфичны. Мне кажется, ты в своём искусстве бросаешься из темы в тему, но одновременно ты не допускаешь чрезмерных уходов в сторону в формальном смысле. 

Иногда я вполне могу разрешить себе шаг в сторону. Глядя на мои работы в ретроспективном плане, можно заметить и то, как форма менялась с ходом времени. В скульптуре меньше, потому что, Томасс, скульптура требует такой большой физической работы, что с формой нельзя столь прозаично играться, в отличие от живописи или рисунков. 

Рисунок, живопись, скульптура – это твои разные медиа. Чувствуешь ли ты себя в каком-нибудь из них более комфортно?

Знаешь, самую близкую на этот момент технику определяет всё-таки идея каждой работы. Для каждой идеи есть техника, которые отвечают ей более полно и точно. Есть много таких работ, в процессе создания которых медиа менялись. Это потому, что зачастую не сразу ясно, что же больше подходит. Именно так у меня было, например, со скульптурой Шахерезады. Я нарисовала три или четыре рисунка. В конце концов я поняла, что надо сделать именно так… 

Скульптура «Шахерезада» в домашней обстановке

В твоём доме есть много твоих работ. И та же Шахерезада припаркована здесь на почётном месте. Откуда всё это приходит? От того, что вокруг? От того, что просто что-то тебе нравится? 

Шахерезада, например, появилась из одного стихотворения Каспарса [Димитерса, сводного брата художницы – ред.]. У него была такая «Песня о Багдаде». Но, например, этого (показывают на скульптуру, расположенную на полке) тибетского мальчика с позолоченной головой я заметила, когда выкидывала разные старые журналы. Был такой русский журнал о географии, и, перелистывая его, я нашла прекрасную фотографию с маленьким тибетцем. Я вырезала фотографию и приклеила к зеркалу. Потом я рисовала её несколько раз и решила вылепить. Мне этого всё равно не хватило, потому что в конце концов я её и написала! 

Когда я разговариваю с тобой и параллельно рассматриваю твои работы, мне они кажутся такими радостными, неиспорченными и чистыми. Ты намеренно стараешься, так сказать, не переусложнить?

Я стараюсь так работать. В молодости я ставила перед собой разные задачи. Одной из них было создание работ, которые выглядят очень легко. Таких, которые не давят на зрителя и не грузят его. 

Мне всегда кажется, что твои работы выглядят как созданные на одном дыхании, независимо от количества задействованных красок или объёма. 

Всё это может выглядеть легко, но искусство нередко связано как с физическими, так и с психологическими мучениями. Спасибо тебе за комплимент. Если работа слишком вымученная, если нет лёгкости, для меня это не годится. Я никому её не показываю.

Ты можешь создавать искусство в условиях, когда ситуация поджимает? 

Да, конечно!

Часто приходится слышать, что искусство возникает тогда, когда на него хватает времени и есть благоприятные условия для его создания.

Я раньше тоже так думала. Для меня был важен комфорт, а теперь, многое увидев и пережив, я могу сказать, что искусство можно создавать при любых обстоятельствах. Это единственное, что придаёт жизни смысл. 

Ты способна работать в депрессивном состоянии? 

Оказывается, да. 

Почему ты говоришь «оказывается»? 

Я просто сейчас вспомнила действительно мрачные моменты своей жизни. Я тогда работала в жуткой депрессии, но обычно все работы, которые я в таком состоянии создаю, я после этого либо счищаю, либо разбираю, либо выкидываю. Работать-то я могу, но в большинстве случаев ничего хорошего не выходит. Я сама не хочу видеть работы, которые я создавала в глубокой печали. Я считаю, что у них нет никакой ценности. Иногда тебе так явственно кажется, что весь мир лежит во зле.

Слишком счастливые художники кажутся мне подозрительными. 

Ты таких встречал (смеётся)? 

Нет, но я предполагаю, что они где-то в мире есть! Я задумался о том, что ты сказала. Ты говоришь, что работы, возникшие в глубокой печали, для тебя бесполезны. По-твоему, процесс должен быть радостным?

Нет, нет, так я не говорю. Присутствие депрессии может вызвать интересные повороты в искусстве, но в крайней апатии, грусти и в грузоне я не способна из себя выжать что-то осмысленное. При депрессии можно что-то сделать, только если работа даёт надежду. В том, чтобы просто показать ад, мне кажется, нет особого смысла. Искусство должно быть жизнеутверждающим, но жизнь может быть утверждена и трагически. Понимаешь, смерть, например, не самая худшая вещь, которая может случиться с человеком. 

Конечно, существуют и более страшные вещи.

Странно, я смотрю сейчас на работы, созданные во время депрессии, и некоторые из них такие яркие и милые. Например, картина с волчонком, у которого на руках боксёрские перчатки. В полной депрессии она создавалась, даже удивительно…

Ты очень много работаешь. Ты рисуешь, пишешь и лепишь. Как получилось, что прошло столько времени с твоей последней серьёзной персональной выставки, которая состоялась в галерее Alma? 

Я всё время занималась чем-то другим. Я занималась всякими халтурами, чтобы выжить. Собаку тоже ведь надо кормить.

Фото: Томасс Парупс

А кто вдохновил тебя эту выставку посвятить трём твоим собакам?

Астрида Риньке [галеристка, владелица галереи Alma – ред.] предложила мне сосредоточиться на них. Она приехала в Мурьяни и была в восторге от моей собаки Брины, которая теперь уже умерла и тоже примет участие в выставке как скульптурный образ. В другой раз она приехала и долго смотрела на обрисованную собачью будку, стоящую в саду. Затем она высказала конкретное предложение – создать скульптуры трёх собак, которые в моей жизни были очень важны, а теперь уже ушли из этого мира. Потерять собаку – это как потерять близкого, потому что ты проводишь с ней всё время, целый день.

Итак, эта выставка – это своего рода посвящение твоим собакам. 

Да! Так я исполняю свой долг перед ними, потому что они были хорошими собаками. Только не думай, что я какая-то страстная защитница прав животных или что-то в этом роде. Я заметила, что у людей, у которых очень близкие отношения с животными, складываются довольно странные отношения с людьми. Они, наверное, по-своему разочарованы в людях.

Остов одной из будущих скульптур осенью 2020-го. Фото: Сергей Тимофеев

И при этом ты хочешь сказать, что сама не разочаровалась в людях? Ведь раньше ты намного активнее участвовала в общественной жизни и устраивала выставки. А теперь, кажется, стала более, что ли, самодостаточной…

По-моему, я сама виновата в том, дистанцировалась от общества. Слава богу, у меня есть галерея Alma. Одна я, скорее всего, не взяла бы на себя эту выставку. Мне нужен кто-то, кто подталкивает меня к работе. В этом случае это была Астрида Риньке. Я как будто зачахла на время. Иногда мне казалось, что я живу только ради одного дня, а не для чего-то большего. 

Эта выставка обновила твои амбиции как художницы?

Да, да. Я очень рада этому и благодарна. Но вообще во мне никогда не существовало желание или амбиция быть знаменитой. Это, скорее всего, потому, что мои собственные родители были слишком знамениты.

Ты никогда не была честолюбива?

Нет, я честолюбива, и эта удовлетворённость достигнутым тоже важна. Похвалы нравятся и мне. Я бы не хотела думать о своём искусстве как о развлечениях или удовольствиях для зрителей, но я всегда бываю тронута, если кому-то оказывается полезно то, что я делаю. 

Для искусства требуется какая-то цель? 

Я думаю, что да. Утешение – это не столь уж серьёзная задача, но я бы хотела быть как художники XII века, которые рисовали иконы в монастыре. Я хочу создавать такое искусство, от которого душе становится лучше. В этом монастыре искусство порождало такое ощущение, что ничего плохого в мире просто не может быть. Мне кажется, искусство должно верить в человеческий дух. Я иногда смотрю на старые картины и не могу сказать, что меня охватывают радостные чувства, но что-то хорошее всё-таки происходит.

Твои работы полны отсылок, интеллектуальных посланий и культурно-исторических аллюзий. Но они также излучают какую-то наивность, игривость, а в отдельных случаях даже… дурашливость. 

Да, я сознательно к этому стремлюсь. В этом смысле я эквилибристка. Здесь можно вспомнить ту же легкость, о которой мы говорили – между разумом и игривостью должно быть равновесие. Иначе работа становится скучной. Чрезмерное присутствие ума или интеллекта часто не идёт на пользу произведениям искусства. Я вовсе не считаю, что художник должен быть антиинтеллектуалом, но и чрезмерное ремесленное мастерство может сделать работу неинтересной. Я этого не хочу. 

Ты же сама отлично справляешься с техникой. 

Но я считаю, что слишком изысканные интеллектуальные работы скучны. 

Мне порой кажется, что остроумие – это то, что постоянно спасает искусство.

Да, тоже, конечно. Но это не должно быть остроумием в банальном смысле этого слова. Это может быть очень интеллектуальным остроумием. Главное – не стать интеллектуально сухим и не терять остроумия, лёгкости, чувства юмора. Фальшивость, будь то преувеличенная интеллектуальность или преувеличенная лёгкость, всегда будет бросаться в глаза.

Ты неоднократно говорила, что хочешь сохранить лёгкость в своих работах, но в них есть и гротеск, верно? 

Да, конечно. Трагикомедию я, наверное, впитала с молоком матери. Я считаю, что по большому счёту мои работы именно трагикомичны.

Что ты будешь делать после выставки?

Я настроена в ближайшем будущем интенсивно рисовать, потому что мне изрядно поднадоело лепить из гипса (смеётся)! Может быть, какую-нибудь скульптуру я и сделаю, но вообще хочу рисовать и заниматься живописью. От скульптур я подустала.

Фото: Томасс Парупс

Что ты хотела сказать этой выставкой?

Я хотела сказать, что у меня были три замечательных собаки, поделиться ими и показать, как они были красивы. Я хотела сделать из них маленький прекрасный мир. Это дань памяти замечательным, надёжным зверям. 

Я восхищаюсь твоей непретенциозностью. 

Надеюсь, что и в самом деле я непретенциозна! В любом случае, спасибо тебе за комплимент.

 

Юбилей современного искусства. Гид по выставке «ММОМА 99/19»

Московский музей современного искусства (ММОМА) отмечает 20-летие выставкой «ММОМА 99/19». На трех этажах особняка на Петровке звездные кураторы создали 20 тематических площадок, где можно увидеть экспонаты из коллекций разных лет. Экспозиция отражает их взгляды не только на фонды музея, но и на современное искусство в целом.

В совместном материале mos.ru и агентства «Мосгортур» рассказываем, на что обратить внимание.

По морям с Федором Конюховым

Куратор зала «Мореплавание» — путешественник и исследователь Федор Конюхов — для оформления площадки выбрал работы художников Сергея Шаблавина и Вячеслава Колейчука, а также фотографии Юрия Викулина.

Сергей Шаблавин, физик-кибернетик по образованию, долгое время увлекался абстрактной живописью. В его работах объединены городской и природный пейзажи — это и привлекло внимание Конюхова. Например, гости юбилейной выставки могут увидеть картину «Пересечение времен». Изображение реки в нескольких кругах становится своего рода оптической иллюзией.

Рядом с работами Шаблавина — вогнутое зеркало «Космос», созданное представителем отечественного кинетического искусства Вячеславом Колейчуком. Конюхов уверен: если внимательно вглядеться в эту работу, то можно испытать те же ощущения, что и путешественник, который смотрит в звездное небо.

Вообще в этом зале доминируют круглые экспонаты. По мнению куратора, картины такой формы отсылают зрителя к корабельному штурвалу — неизменному спутнику каждого мореплавателя.

В эфире с Андреем Малаховым

В зале «Телевидение» посетителям предложат посидеть на диване перед импровизированным экраном и посмотреть фрагмент ток-шоу Андрея Малахова, который стал одним из кураторов проекта. Ведущий решил порассуждать об образах, которые транслируются с телеэкрана, о том, как они меняются под влиянием моды и ожиданий зрителей.

Однако Андрей Малахов рассказывает не только о своей профессиональной деятельности, но и о пристрастии к предметам искусства. Например, большая бронзовая бабочка Евгения Антуфьева отсылает к личному собранию ведущего — у него в коллекции тоже есть несколько работ этого художника.

Серия фотографий Владислава Мамышева-Монро, с которым Малахов был знаком, посвящена поп-культуре. На снимках, обрамляющих самодельный телеэкран, запечатлен сам фотохудожник в образе Аллы Пугачевой. Героем ток-шоу на экране тоже выступает Мамышев-Монро в рыжем парике.

На соседней стене разместились картины Пабло Пикассо и Марка Шагала. Это изображения мужчин и женщин, любовные сцены. Куратор отмечает, что «зритель должен чувствовать себя подглядывающим», смотря на них. Эту тему продолжает выставка галереи «Пальто» Александра Петрелли. На распахнутой перед зрителями подкладке пальто — абстрактные портреты, книги и прозрачные сумки, похожие на современные клатчи.

«В этом пространстве поднимаются проблемы открытости и закрытости на телевидении, а также куратор пытается ответить на вопрос, возможно ли оградить свою жизнь от вмешательства, если ты работаешь телеведущим», — объясняет Диана Джангвеладзе.

 

Искусство парфюмера с Фредериком Малем

Куратором зала «Парфюмерное искусство» выступил Фредерик Маль — французский предприниматель и основатель парфюмерного бренда. Его дед входил в число создателей Parfums Christian Dior, а мать работала в этой компании директором по развитию. Для самого Фредерика запах всегда связан с цветом, поэтому и площадку он оформил с акцентом на взаимодействие цвета, света и аромата.

По его задумке, в зале должно быть не очень светло, чтобы ничто не отвлекало гостей от знакомства с представленными работами. Еще одно обязательное условие — присутствие фирменного аромата.

«Аромат, который вы чувствуете, — это портрет дамы, созданный Домиником Ропьоном, одним из лучших парфюмеров мира. Это его шедевр. Аромат отличается теплотой и наполненностью, которых не хватает в холодных местах, особенно таких, как Россия. Запах гармонично завершает эту композицию», — объясняет Фредерик Маль.

Он любит смешивать — это касается как создания ароматов, так и коллекционирования предметов искусства. Абстрактные картины графика и скульптора Жоана Миро гармонируют с яркими полотнами Тамары Тер-Гевондян. Творчество этой художницы Маль открыл для себя во время работы над юбилейной выставкой ММОМА. Дополняет это все «Мебиус» Вячеслава Колейчука — кинетическая скульптура в виде металлической ленты без начала и конца.

По страницам прошлого с Олегом Воскобойниковым

Медиевист и переводчик Олег Воскобойников посвятил площадку диалогу современного и средневекового искусства.

«Я сказал коллегам из музея выбирать что-то такое из коллекции, что будет звучать по-средневековому, оставаясь при этом современным. Я подумал, что образ человека в искусстве — это хорошая тема, над которой можно рассуждать вместе и с которой можно обратиться к зрителю. При этом свою задачу я видел в том, чтобы посередине экспозиции путника остановить и сказать: “Подумай”. Мне кажется, здесь получилось место покоя, остановки», — рассказывает он.

Экспонатов в зале «История» не очень много. Важное место занимает «Композиция с лопатой» Андрея Гросицкого. Воскобойников предлагает посетителям обратить внимание именно на лопату: куратор отмечает, что труд стал одновременно и проклятием, и благословением человека, его судьбой, метафорой земного пути.

«Когда я увидел фотографию этой картины, я понял, что лопата может многое зрителю рассказать, настроить его на нужный лад. В этой работе есть и оптимистичные ноты — несмотря на то, что это старая вековая лопата с обломанным черенком, в ней есть какая-то надежность, ощущение, что мы с ней не пропадем», — рассказал он.

Продолжают тему земного пути человека картины «Полет птиц внутри головы» Леонида Тишкова, «Ведьмочка» Михаила Гробмана, «Война» Бориса Анисфельда, «Автопортрет» Дмитрия Пригова и диптих Комара и Меламида, посвященный городским ангелам. Работа воплощает идею куратора о том, что «мы рождаемся для лопаты, а в конце возвращаемся на небеса».

В театр с Кириллом Серебренниковым

Куратор зала «Театр» — режиссер Кирилл Серебренников. Он убежден, что театр строится на внутренних и внешних, социальных и экономических разногласиях. Поэтому главная тема пространства — конфликт.

На стенах зала — послания сотрудникам музея: «Мне не нравится развеска картин в этом зале», «Меня раздражает, что меня не понимают…», «Они не дали мне ничего поменять», «У меня с ними КОНФЛИКТ…». У пожарного шкафчика — надпись: «…этот кран все тут испортил, на этот угол противно смотреть… Я не хочу иметь отношения к этому безобразию. Я хотел все отменить». Это всего лишь шутка, игра, театральная драма, но в то же время она показывает, каким может быть противостояние.

О социальных конфликтах говорится в документальных фотографиях Тимофея Парщикова и Сергея Браткова, которые запечатлели жизнь российской глубинки без прикрас: грязные дворы, детей-беспризорников, заброшенные здания. Протест против скуки и обыденности выражают Владислав Мамышев-Монро, снявшийся в образе Жанны Агузаровой, и Анатолий Осмоловский, забравшийся на памятник Владимиру Маяковскому.

Экспонаты в «Театре» размещаются даже под потолком. За большим транспарантом с лозунгом «Лучше бы работать шли» прячутся две неоновые вывески: I want everyone’s money («Я хочу деньги каждого») Диего Тонуса и Анонима, а также Malevich sold here («Здесь продавался Малевич») Александра Косолапова из серии «Малевич-Мальборо».

Музей как искусство Зураба Церетели

20-й зал посвящен самому музею. Пространство «Искусство/музей» — это первый и последний зал, который видят посетители.

Куратор Зураб Церетели разместил здесь три живописные работы и два видео. В центре — «Три грации» Василия Шухаева, художника, который обучал Церетели в Тбилисской академии художеств, а по бокам расположились работы самого Зураба Константиновича. Это подготовительный эскиз и финальный вариант дипломного проекта Церетели «Песнь о Тбилиси», который он хотел защищать во время выпуска, но комиссия не приняла работы — художнику отказали «за формализм». За короткое время ему пришлось создать другую работу, с которой он и защитился на отлично.

Видео, которые транслируют на мониторах, — серия интервью с художниками и скульпторами и хроника открытия ММОМА в 1999 году. Черно-белые архивные кадры показывают, с чего все начиналось и каким был Московский музей современного искусства в первые дни своего существования.

ГЛАВНАЯ СТРАНИЦА — Детская художественная школа город Радужный

 

НАВИГАЦИЯ ПО САЙТУ:

ГЛАВНАЯ СТРАНИЦА

СВЕДЕНИЯ ОБ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЙ ОРГАНИЗАЦИИ:

     ОСНОВНЫЕ СВЕДЕНИЯ

     СТРУКТУРА И ОРГАНЫ УПРАВЛЕНИЯ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОЙ ОРГАНИЗАЦИЕЙ 

     ДОКУМЕНТЫ

     ОБРАЗОВАНИЕ

     ОБРАЗОВАТЕЛЬНЫЕ СТАНДАРТЫ

     РУКОВОДСТВО И ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ СОСТАВ

     МАТЕРИАЛЬНО-ТЕХНИЧЕСКОЕ ОБЕСПЕЧЕНИЕ И  ОСНАЩЕННОСТЬ ОБРАЗОВАТЕЛЬНОГО ПРОЦЕССА 

     СТИПЕНДИИ И ИНЫЕ ВИДЫ МАТЕРИАЛЬНОЙ ПОДДЕРЖКИ 

     ПЛАТНЫЕ ОБРАЗОВАТЕЛЬНЫЕ УСЛУГИ

     ФИНАНСОВО-ХОЗЯЙСТВЕННАЯ ДЕЯТЕЛЬНОСТЬ

     ВАКАНТНЫЕ МЕСТА ДЛЯ ПРИЕМА (ПЕРЕВОДА) ОБУЧАЮЩИХСЯ 

     ДОСТУПНАЯ СРЕДА 

     МЕЖДУНАРОДНОЕ СОТРУДНИЧЕСТВО 

ДИСТАНЦИОННОЕ ОБУЧЕНИЕ

75-ГОДОВЩИНА ПОБЕДЫ В ВОВ 1941-1945 ГОДОВ

РАСПИСАНИЕ ЗАНЯТИЙ

НОВОСТИ 

ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ:

    ЛИКИ. ОБРАЗЫ.ГЕРОИ.

    НИКТО НЕ ЗАБЫТ, НИЧТО НЕ ЗАБЫТО!

     ИЛЛЮСТРАЦИИ К СКАЗКЕ МОЙДОДЫР

    Нам 41-й не забыть, нам 45-й славить !

     ГРАФИКА ХУДОЖНИКОВ РОССИИ

     ПРОСТРАНСТВО ТВОРЧЕСТВА

     МОЯ ЛЮБИМАЯ СЕМЬЯ

     ИСКУССТВО ВНЕ ВРЕМЕНИ

     РОДНИК ЖЕМЧУЖИН

     ЮГРА-900

     ВЫСТАВКА РАБОТ В.А.ИГОШЕВА

     ДОМ-МУЗЕЙ НАРОДНОГО ХУДОЖНИКА СССР В.А.ИГОШЕВА

     СТУПЕНИ В МИР ИСКУССТВА

     СВЯЗЬ ПОКОЛЕНИЙ И ВРЕМЕН

     УЧЕБА.ТВОРЧЕСТВО.ПРИЗНАНИЕ.

     КРАСКИ ЗЕМЛИ ЮГОРСКОЙ

     ОКУНУЛИ В КИСТИ КРАСКИ

     НАМ 41-Й НЕ ЗАБЫТЬ, НАМ 45- СЛАВИТЬ ! (2015Г.)

     ЗОЛОТЫЕ КУПОЛА РОССИИ

     ЗДОРОВЫЙ ОБРАЗ ЖИЗНИ

     СУИЦИД СРЕДИ ПОДРОСТКОВ

     МОЛОДЕЖЬ 21 ВЕКА ПРОТИВ НАРКОТИКОВ 

     ЦЕННОСТИ СЕМЬИ

МЕРОПРИЯТИЯ

АКЦИИ

ПРЕДМЕТЫ:

     РИСУНОК

     ЖИВОПИСЬ

     КОМПОЗИЦИЯ СТАНКОВАЯ

     ПРИКЛАДНАЯ КОМПОЗИЦИЯ

     ИСТОРИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

     ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

     СКУЛЬПТУРА

     ЛЕПКА 

     ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО

     КОМПЬЮТЕРНАЯ ГРАФИКА

КОНКУРСЫ 

НАГРАДЫ ШКОЛЫ

ПРИЕМ ДОКУМЕНТОВ

ИТОГИ ВСТУПИТЕЛЬНЫХ ЭКЗАМЕНОВ

ДЕНЬ ЗАЩИТЫ ДЕТЕЙ

ДЕНЬ УЧЕБНОЙ СЛАВЫ 

ДЕНЬ ОТКРЫТЫХ ДВЕРЕЙ

ПРОСМОТР РАБОТ УЧАЩИХСЯ 

ЮБИЛЕЙ ДХШ 2015

ВЫПУСКНИКИ О ШКОЛЕ

ЗДОРОВЫЙ ОБРАЗ ЖИЗНИ

АНТИКОРРУПЦИЯ

ПРОФИЛАКТИКА ЭКСТРЕМИЗМА И ТЕРРОРИЗМА

МЧС ИНФОРМИРУЕТ 

ЮНЕСКО

НАЦИОНАЛЬНЫЕ ПРОЕКТЫ

ОБРАЩЕНИЯ ГРАЖДАН 

Персональное повествовательное эссе | .

С самого детства моя мама хотела, чтобы я попробовал разные виды деятельности, чтобы я мог получать опыт работы с различными областями, когда я рос. От балета до тхэквондо, от игры на скрипке до верховой езды, от рисования до гольфа — я рос, брал разные уроки, которые мне очень нравились. Хотя мне было восемь лет, в моем расписании после школы были уроки после уроков. Думая об этом сейчас, было бы трудно проглотить все, особенно в таком юном возрасте, но я не помню, чтобы был беспокойным.
Даже после того, как я опробовал все виды областей, я не смог развить страсть ни к одной из них. Например, я занимался верховой ездой, когда мне было 12 лет, и каждый раз, когда я садился на лошадь и галопом, я мог просто чувствовать, как уходит мой стресс и гнев, и мне это очень нравилось, но мне это просто не нравилось. . Может быть, потому что я думал, что на самом деле у меня не очень хорошо получается, и мне также не хватало уверенности во всем, что я делал. Когда я рос, я всегда задавал себе вопрос: «Кем я должен быть, когда вырасту?» И «Что у меня хорошо получается и что мне нравится?». До начала учебы в колледже я не мог найти ответы на свои вопросы с детства. Однако вскоре после того, как я приехал сюда, в VCU, я понял, что каждый раз, когда я ем, делаю домашнюю работу или просто просматриваю Tumblr, часть меня хочет рисовать или раскрашивать. Большую часть дня я представляю, как создаю абстрактный рисунок предметов, которые вижу в своей комнате, или имею собственную галерею, полную моих работ. Несмотря на то, что я не так талантлив, как студенты-художники здесь, в ВЦУ, у меня развилась симпатия и привязанность к искусству.
Из нескольких занятий, которыми я занимался в своей жизни, единственное, что действительно привело меня к этому, — это искусство. Я пошел на свой первый официальный урок рисования во Франции, в то время я ходил на него просто для развлечения, поэтому я не приложил к нему много усилий. Я помню, что раньше я рисовал рождественский орнамент, просто ударяя кистью по холсту, просто потому, что я мог, и меня не очень заботило, как люди видят мои работы. Когда я перешел в среднюю школу, я начал сравнивать свои художественные работы с моими одноклассниками, и именно тогда я понял, что мои художественные навыки не лучше, чем у среднего школьника.Я совсем не улучшился с тех пор, как впервые пошел в художественный класс. В то время как мне потребовалось около трех недель, чтобы закончить холст 8 на 8, мои одноклассники рисовали на холсте 24 на 30, который мой учитель рисовал слюни, в то время как она дала мне только критику. У меня не было мотивации продолжать рисовать, потому что я знал, что тысячи людей талантливы и намного лучше меня. Я бы рисовал розу, думая, что это будет лучшая картина, которую я бы написал, в то время как другие рисуют портрет Джорджа Вашингтона или рисуют целый лес, который выглядит как фотография, потому что он так хорошо нарисован.
Несмотря на то, что я не был уверен в том, что буду продолжать рисовать, чтобы заполнить мои классы, я занимался искусством до последнего года обучения. Я считаю, что это было лучшее решение, которое я принял до сих пор. Хотя мои художественные навыки кардинально не улучшились, мне удалось вернуть уверенность в себе с друзьями, которые поддержали меня и развили страсть к этой области. Я пошла маленькими шажками и вышла из своей зоны комфорта с помощью такого материала, как уголь, которым никогда раньше не пользовалась, и начала рисовать чьи-то лица. Для меня это было самым сложным делом, после многих усилий и времени мне удалось закончить произведение, и впервые за 4 года я смог гордиться собой за то, что сделал достойное произведение искусства.С тех пор я постепенно начал обретать уверенность и видеть некоторый прогресс в своих художественных навыках. Кроме того, я смогла перестать так сильно заботиться о моем учителе рисования, который критиковал меня, как будто это ее работа. В старшей школе мой уровень уверенности был похож на американские горки: я не планировал останавливаться на одной остановке, а постоянно поднимался и опускался. К счастью, в настоящее время я могу контролировать себя и управлять собой.
Мне понравилась идея рисовать и выражать себя через свои работы. Я чувствовал удовлетворение всякий раз, когда я заканчивал одно из своих произведений, и мне нравился тот факт, что в искусстве нет ярлыков.Если вы не тратите на это так много времени или усилий, это сразу проявляется в вашем произведении. Кроме того, свобода, с которой он был связан, казалась мне большим преимуществом, потому что что бы вы ни хотели нарисовать или какую-либо идею для своего рисунка, вы можете просто сделать это, не подвергаясь оценке со стороны сверстников. Это была одна из главных причин, почему мне удалось развить страсть к этой области.
Моя страсть продолжалась, и я решил подать заявку на программу VCU по искусству, но меня не приняли, вероятно, из-за моих слабых художественных навыков и откладывания до одной минуты до крайнего срока.Это только побудило меня больше рисовать и совершенствоваться, так что я мог снова подать заявку в следующем году и быть принятым в эту программу, частью которой мечтают стать многие люди.

Как украсить свой день с помощью искусства

«Искусство гораздо менее важно, чем жизнь, но какая жалкая жизнь без него». Эта цитата художника Роберта Мазервелла воплощает в себе неизменную преданность искусству, которая характеризует голландского коллекционера Эрика ван’т Хоффа. С тех пор, как он, будучи маленьким мальчиком, увидел картину Сальвадора Дали, искусство стало ключевой темой в истории его жизни.Как любитель искусства, опытный коллекционер и преданный сторонник местной художественной сцены, ван ‘т Хофф никогда не сомневается в способности искусства изменить мир к лучшему. От личной радости создания коллекции до инвестиций в наше коллективное культурное наследие — или, по его собственным словам, — «Без искусства наш мир был бы серым и удручающим». Читайте полное интервью с Эриком ван’т Хоффом ниже.

Имя: Eric van ‘t Hoff
Расположение: Nigtevecht, Нидерланды
Начало сбора в год: 1992
Количество работ в коллекции: 40+
Название коллекции: Abstract Going Dutch
Социальные сети: https: // twitter. com / ericvanthoff

Какое ваше самое раннее воспоминание об искусстве и что побудило вас начать коллекционирование?
В 1970 году, когда мне было 10, я помню, как увидел картину Сальвадора Дали в музее Бойманса ван Бёнингена в Роттердаме, Нидерланды. На картине изображен слон, и я помню, как спрашивал родителей, почему ноги слона такие длинные и почти невидимые. На мой взгляд, слонов нужно рисовать с большими толстыми ногами, поэтому эта абсурдная и нереалистичная вселенная действительно разбудила мое воображение.Оглядываясь назад, можно сказать, что эта выставка позволила мне осознать потенциал искусства в содействии развитию творческих способностей и побудила меня преследовать этот многообещающий интерес, который со временем перерос в настоящую страсть.

Примечание: просмотрите краткое содержание этой культовой выставки на http://www.arttube.nl/videos/dali-in-rotterdam , где впервые показан Сальвадор Дали в Голландии.

Книга о De Stijl — движение, основанное в 1917 году, предлагавшее предельную простоту и абстракцию, поставило меня на путь создания коллекции. Впервые я наткнулся на книгу в доме своих родителей в 1984 году, и когда я прочитал ее впервые, я не мог понять, почему кто-то потратил время и силы на публикацию книги с бессмысленными изображениями только в трех цветах. Затем, когда мой отец сказал мне, что в книге упоминается один из моих дедушек, я почувствовал, что у меня пробуждается любопытство. Со временем я начал проявлять неподдельный интерес и понимать значение геометрических композиций Мондриана и прямолинейной архитектуры моего дедушки Роберта ван’т Гоффа.Вдобавок я начал понимать, что любой может создать картину, но не каждый может определить ее концепцию.

Что является основной мотивацией вашего коллекционирования?
Прежде всего: визуальное удовольствие. Возможность наслаждаться великим искусством в комфорте собственного дома — огромная радость. Работы представляют собой мирное пространство, которое успокаивает мой разум в конце напряженного рабочего дня. Во-вторых, это большая привилегия — позволить талантам процветать и продолжать украшать нашу планету своими творениями. Влияние искусства на наше повседневное благополучие намного выше, чем многие думают. Без искусства наш мир был бы серым и унылым. Покупая современное искусство, вы не только поддерживаете художественную индустрию в данный момент, но и вносите вклад в культурное наследие завтрашнего дня. Это также причина, по которой я в течение последних 10 лет активно участвовал в поддержке большего количества музеев и художественных фондов, например, читая лекции и организовывая арт-туры.

Опишите свою коллекцию тремя словами.
Abstract Going Dutch.

Абстрактное, потому что изначально я считал фигуративное искусство нетворческим и слишком простым для понимания. Выбираю голландский, потому что мой бюджет не бесконечен, а в основном потому, что мой вкус развился в соответствии с голландской традицией рисовать пейзажи, портреты и городские пейзажи с горизонтом как источником вдохновения и трезвостью как принцип.

Вы помните первое купленное вами произведение искусства?
Это была выразительная абстрактная гуашь (70 × 100 см) местного голландского художника Гирта Врийдага (1943 — 1999), которую я купил в 1992 году за эквивалент 1. 200 евро. Со временем я понял, что эта работа послужила основой всей моей коллекции и ориентиром для всех будущих приобретений. Так что это действительно было началом бесконечного путешествия под названием «Abstract Going Dutch».

Есть ли какой-то конкретный вид искусства, который вам нравится, или что-то, что объединяет все работы в вашей коллекции?
Как уже упоминалось, моя коллекция отличается тенденцией к трезвости, но также и гармонией, перфекционизмом и новаторством, последнее является наиболее важным компонентом.Художник должен быть первым, кто создал такой образ.

Насколько важно для вас встретиться с художником, стоящим за произведением искусства в вашей коллекции?
Раньше я до смерти боялся поговорить с художником лично. Я считал их полубогами, к которым могут приближаться только директора музеев. Сегодня я по-прежнему глубоко уважаю художников, но мне, безусловно, нравится говорить с ними о том, что их мотивирует, кем они вдохновлены, чего они достигли на данный момент, каким они видят будущее и, наконец, что не менее важно, почему кому-то следует покупать конкретная вещь, которая мне тоже интересна.

Какое произведение искусства вы добавили в свою коллекцию самым последним и почему?
Без названия холст, акрил и масло (50 × 70 см) голландского художника Коэна Делэра (1982, http://koendelaere.nl), купленный в ноябре 2017 года в Galerie Gerhard Hofland в Амстердаме. Для меня Коэн — современная версия таких влиятельных художников, как Брайс Марден, Фрэнк Стелла, Роберт Мангольд, Агнес Мартин или Роберт Райман. Художники, стремящиеся показать основные принципы света, формы и цвета.Коэн делает это, показывая нам взаимодействие между цветами, рисуя их на волнообразной ряби. Сама работа менее трезвая и мягкая, чем большинство работ в нашей коллекции, но я все равно решил добавить ее, потому что хотел попробовать что-то совершенно другое, чтобы пробудить другие работы и по-новому раскрыть их истории.

Каким произведением искусства вы бы хотели владеть, если бы цена не имела значения?
Их слишком много, чтобы упомянуть, но если бы я собирался выбрать произведение именно в этот момент, я бы указал на работу Гера ван Элка (1941-2014) из 2000 года, на которой изображено озеро Кинсельмер недалеко от Амстердама. Изделие разрезают пополам по ватерлинии, раскрашивают, снова фотографируют и печатают на двух рамах из оргстекла. Этой искаженной композицией Гер ван Элк заставляет зрителя пересмотреть концепцию горизонта — как глаза интерпретируют линию? Это небо, которое встречается с землей, или море, которое касается земли?

Что вам больше всего нравится: охота, связанная с коллекционированием произведений искусства или радость владения?
Я часто цитирую художника Роберта Мазервелла, когда говорю об удовольствии владеть коллекцией произведений искусства.По его словам: «Искусство гораздо менее важно, чем жизнь, но какая жалкая жизнь без него». Имея это в виду, я должен признать, что весь процесс определения, квалификации, оценки и выбора следующего произведения искусства тоже доставляет удовольствие. Ужасным недостатком является то, что процесс охоты может вызывать стресс, поскольку я часто не уверен, что делаю правильный выбор в нужное время для нужного объекта.

Какова сцена коллекционирования в Амстердаме?
За последние годы многое открылось. Сегодня галереи и художники больше ориентированы на коллекционеров и молодых пар, которым может понадобиться несколько произведений искусства, которые поместятся в их гостиной. Кроме того, в Амстердаме находятся одни из лучших музеев мира, художественные ярмарки, художественные галереи и художественные академии, поэтому любителям искусства здесь никогда не бывает скучно. Город также является центром различных инициатив, направленных на привлечение более молодой публики, таких как Круг молодых коллекционеров, Amsterdam Art Weekend, Круг Гая фонда Рембрандта, кружок музея Стеделийк, дни Открытой академии, Искусство Амстердам, фестиваль невидимой фотографии и ежегодная Ночь музеев — вот лишь несколько примеров.Превратившись в такое обширное место для размножения современного искусства, я могу только сказать, что сфера коллекционирования в Амстердаме яркая, многогранная, современная и в то же время очень доступная.

Изменила ли цифровизация способ сбора произведений искусства?
Я бы хотел, чтобы оцифровка и такие приложения, как Artland, существовали, когда моя страсть к коллекционированию искусства началась еще в девяностых годах. Это сэкономило бы мне массу времени на поиск книг, публикаций, галерей и музеев, посвященных интересующему меня художнику.С появлением Интернета информация об искусстве стала доступной одним щелчком мыши. Это означает, что в настоящее время процесс охоты намного короче, но при этом гораздо менее напряжен, поскольку решения могут приниматься с гораздо большей уверенностью. Рассмотрим, например, все ссылки, которые можно найти в таком приложении, как Artland, просто щелкнув мышью и прочитав, сидя в поезде. Роскошь, о которой я не мог мечтать несколько десятилетий назад.

Что или кто повлиял на вас как на коллекционера?
Коллекционирование произошло со временем.Коллекционировать искусство — это все равно, что выпить хорошую бутылку вина и не успокоиться, выпив второй стакан, третий и так далее. Один случай, который мог повлиять на меня, заключается в том, что в первые дни я не мог понять, что на выставках в музее часто показывались произведения искусства, которые не принадлежали самому музею, а были предоставлены так называемыми частными коллекционерами, а некоторые даже имели имя (!). Это настолько ошеломило меня, что я начал мечтать о том, чтобы сделать то же самое. Эта мечта сбылась уже 5 раз, но не целенаправленно.Сдача работ музеям тоже происходит со временем.

Каковы пожелания на будущее вашей коллекции?
Первое и самое главное, больше места для подвешивания! Наш дом стал слишком маленьким, и я ненавижу мысль о том, что не могу видеть все наши работы, находясь дома. Во-вторых, со временем создать коллекцию, которая могла бы стоить книги или выставки.

Как вы думаете, куда движется будущее арт-рынка?
Я лично ожидаю, что текущий экономический рост окажет очень положительное влияние на индустрию искусства.Сегодняшнее мейнстримное искусство будет процветать благодаря экспоненциальному увеличению числа новых коллекционеров. Экспериментальное искусство, наконец, получит возможность разрабатывать новые формы искусства, имея возможность исследовать новые технологии «отображения», такие как дополненная реальность, органические пользовательские интерфейсы, 3D-печать, виртуальная реальность и голография. Завтрашние изображения, композиции и цвета будут продолжать реагировать на социальные, культурные и политические темы, но я ожидаю, что эти образы будут визуализироваться совершенно иначе, чем то, что мы используем сегодня.

Три главных совета для новых коллекционеров
1. Выберите одно произведение, которое соответствует вашему эмоциональному мышлению и эстетическим предпочтениям, и пусть оно послужит справочником для создания вашей коллекции.

2. Слушайте глазами, но также обращайте внимание на историю, стоящую за произведением искусства. Произведение искусства похоже на влюбленность. Партнер должен выглядеть как снаружи, так и изнутри. То, что видят ваши глаза, — это всего лишь 50% произведения искусства.

3. Поймите, что коллекционирование искусства также означает отдачу.Речь идет об ответственности за поддержку мира искусства. Станьте другом любимого музея или присоединитесь к художественному фонду. Общайтесь, участвуйте и наслаждайтесь!

Три главных направления искусства
1. Музей современного искусства Кастелло ди Риволи, Турин, Италия: https://www.castellodirivoli.org
2. Музей современного искусства Де Понта, Тилбург, Нидерланды: http: / /www.depont.nl
3. Музей Сакипа Сабанджи, частный музей изобразительных искусств, Стамбул, Турция: http: //www.sakipsabancimuzesi.org

Три вдохновляющих художника, на которые стоит посмотреть
1. Натасья Кенсмил: http://natasjakensmil.nl
2. Эстер Тилеманс: http://esthertielemans.com
3. Беренд Стрик: http://berendstrik.nl

«Искусство и игра» для детей на карантине / неделя 1

Хорошо, всем глубоко вдохните. Мы все в этом вместе. Пока мы сидим дома и практикуем социальное дистанцирование из-за пандемии COVID-19, мой хороший друг, Шеннон Меренштейн из Хэтча в Питтсбурге, и я придумали руководство по рисованию и игре для всех детей, находящихся в карантине, которые будут обучение на дому в течение следующих нескольких недель.Думайте об этом как о творческом дополнении к домашнему обучению для детей в возрасте от 3 до 8 лет.

Щелкните здесь, чтобы увидеть все 7 руководств «Обучение дома»!

Многие из вас уже обучаются на дому, так что вы полностью это усвоили. Но большинству из нас, вероятно, не приходилось нести ответственность за повседневное обучение ребенка. Следующие несколько недель жизнь дома с детьми будет сложной задачей. Мало того, что учеба отменяется, вы также можете работать из дома или вынуждены брать отпуск. Это совсем не идеально и нарушит распорядок дня и ритуалы вашей семьи.С помощью этого руководства по играм и искусству мы постараемся привнести в ваш день некое подобие рутины и порядка. Наше руководство будет способствовать развитию воображения, творческих способностей и решения проблем, одновременно развивая некоторые из тех навыков и концепций в области математики, грамотности, естественных наук и социальных наук, которых вашим детям будет не хватать в течение следующих нескольких недель.

Руководство по занятиям «Искусство и игра», неделя 1: Инструменты для рисования

На этой неделе мы сосредоточимся на рисовании и играх, в которых используются простые инструменты для рисования, которые есть у вас дома, такие как карандаши, маркеры и мелки. С помощью всего лишь нескольких основных принадлежностей и небольшой подготовки вы можете помочь создать сбалансированный и увлекательный день для своих детей. Не стесняйтесь извлекать кусочки и кусочки из каждого дня или использовать их в качестве ориентировочного ориентира для своего дня. Мы будем предлагать идеи, провокации и приглашения, которые дети могут делать сами или вместе с вами, с множеством вариаций для детей младшего и старшего возраста. Это руководство не является последовательным, поэтому при необходимости вы можете пропустить его.

Мы надеемся, что это руководство сделает ваш день продуктивным, творческим и, возможно, даже радостным.Может быть, это именно то, что нужно вашей семье, чтобы чувствовать себя в безопасности и удовлетворенности в эти неспокойные времена.

День 1: Прогулка на природе / Наука

Сегодня все о воссоединении с природой любыми возможными способами. Вы можете выйти на задний двор или отправиться в близлежащий парк или в лесную зону, если это безопасно. Приготовьте грязные сапоги и дождевики, даже если идет дождь на свежем воздухе, вам будет хорошо.

Нажмите здесь, чтобы распечатать День 1: Прогулка на природе / Наука

Утренний ритуал

Начните утро, найдя всего несколько минут, чтобы постоять на улице на заднем дворе или на балконе, закройте глаза и сделайте несколько глубоких вдохов.Если вы уже со своими детьми (потому что к этому моменту вы уже не спали несколько часов), побудите их сделать то же самое. Они могут растянуться на утреннем солнце, если оно особенно тепло, или просто стоять рядом с вами под зонтиком, пока вы держите ребенка на руках. Просто выйдите на несколько минут, вдохните благодарность и спокойствие и выдохните беспокойство и разочарование.

Препарат

Пока ваши дети завтракают или играют самостоятельно, возьмите каждому ребенку сумку для прогулки на природе (или в лесу / в парке, если это безопасно).Отложите пару подносов и банку с инструментами для рисования для каждого ребенка. Не думайте, что вам нужно тушить тонны. Карандаш, черный маркер и несколько зеленых и коричневых мелков подойдут идеально. Приготовьте простую закуску, когда вы вернетесь, чтобы дети могли далеко уйти на работу или после нее.

Art Activity

1. Выйдите на улицу и соберите «образцы», такие как листья, шишки, цветы или даже небольшие камни.

2. Возьмите коллекцию внутрь и разложите на столе или на подносе.

3. Выбирая по одному образцу за раз, дети рисуют то, что видят, используя свои навыки наблюдения.

Принадлежности

~ Карандаши

~ Цветные карандаши

~ Маркеры

~ Мелки

~ Бумага

Варианты

Дети младшего возраста могут:

~ Проследите их коллекцию образцов, затем раскрасьте их формы.

~ Найдите как можно больше оттенков коричневого или зеленого, если вам повезет.

~ Протрите листья мелками.

~ Сделайте коллаж из их образцов, используя бумагу или картон, а также клей или скотч.

~ Проделайте отверстия в листьях дыроколом и нанижите их вместе с помощью очистителя труб или пряжи.

Расширения

Дети старшего возраста могут:

~ Исследуйте названия их экземпляров с помощью родителей, например, «дубовый лист», «крокус» или «речной камень», затем напишите имена и описания под их рисунками.

~ Вырежьте их рисунки и склейте их в журнал природы, а затем продолжайте добавлять в журнал по мере смены времен года.

~ Сфотографируйте их образцы на свой телефон, увеличивая масштаб, чтобы запечатлеть текстуры, или собирая образцы в интересную композицию.

Игровое мероприятие

1. Выйдите на улицу и соберите «образцы».

2. Находясь на улице, ребенок может играть на бревне, копаться в грязи, трогать и чувствовать и исследовать природу безопасным способом. Поощряйте такую ​​игру как можно дольше, впитывая дополнительный витамин D.

3. Возьмите образцы внутрь и выровняйте их, посчитайте, сделайте стопки одного цвета.

4. Добавьте фигурки, и они смогут создать воображаемый мир и поиграть со своей коллекцией. Может, им удастся вынести свой воображаемый мир наружу!

СОВЕТ: отложите в сторону образцы, такие как желуди, корзинки, маленькие палки и другие прочные натуральные предметы, которые будут использоваться в последующих коллажах, игре в блоки, счетных играх и многом другом.

День 2: Охота за мусором / Математика

Математика окружает нас повсюду, и сегодня ваш ребенок будет весело проводить время, играя в фигурного детектива и активно охотясь за мусором вокруг дома.

Нажмите здесь, чтобы распечатать День 2: Мусорщик фигур / Математика

Утренний ритуал

Так как мы сегодня будем играть с фигурами, каждый может разогреться с помощью «круговых движений» (и кофе для взрослых). Сначала нарисуйте в воздухе круги пальцами. Нарисуйте маленькие кружочки, большие кружочки, круги каракулей. Затем руками сделайте более крупные и быстрые круги. Попробуйте сделать что-нибудь и одной ногой. Лягте на землю и нарисуйте в воздухе большие круги ногами.Также делайте круги головой и бедрами. Попробуйте эти движения с другими простыми фигурами.

Препарат

Это действие можно выполнить двумя способами. Ваш ребенок может брать предметы и приносить их обратно к столу по одному (для них это было бы хорошим способом сжечь немного энергии), или вы можете дать своему ребенку сумку, и он сможет ходить по дому и собирать их, когда они идти. Приготовьте закуску и немного воды для вашего ребенка, если ему по дороге понадобятся закуски.

Art Activity

1.Найдите 5-10 различных фигур в доме (родитель и ребенок могут поговорить о формах до охоты за мусором).

2. Принесите их обратно к столу, покрытому мясной бумагой, или разрезанным бумажным пакетом, или просто обычной бумагой.

3. Обведите формы карандашом, затем раскрасьте их.

Принадлежности

~ Бумага для мясников, бумажные пакеты или просто обычная бумага

~ Карандаши

~ Цветные карандаши

~ Маркеры

~ Мелки

Варианты

Дети младшего возраста могут:

~ Найдите 10 кругов разного размера (или треугольников, прямоугольников, квадратов).

~ Вырежьте фигуры и сделайте коллаж из ленты или клея.

~ Для дополнительной практики резки разрезайте фигуры пополам, а затем на четыре части.

~ Если вы собрали немного вторсырья, можно окунуть формы в смывающуюся краску и штамповать формы на бумаге.

Расширения

Дети старшего возраста могут:

~ Напишите названия фигур внизу.

~ Создайте узоры внутри каждой формы с помощью черного маркера.

~ Вырежьте формы и сделайте мобильный с помощью проволочной вешалки.

~ Обведите фигуры на картоне, затем вырежьте их и используйте фигуры, чтобы построить что-нибудь.

~ Обведите одну повторяющуюся форму снова и снова, чтобы создать интересную композицию, затем добавьте цвет.

Игровое мероприятие

1. Поищите текстуры, например: «Найдите что-нибудь нечеткое, ухабистое, гладкое…»

2. Сделайте сумку для переноски или другую форму и попросите братьев, сестер или родителей протянуть руку и «скажите мне, что вы чувствуете…»

3. Выровняйте формы от самых маленьких до самых больших.

4. Разложите плитки или блоки Magna в новом месте дома.

Послеобеденный ритуал

После тихого времени предложите себе шведский стол с закусками. Это совсем не должно быть сложно. Колесики сыра, нарезанные треугольниками бутерброды, несколько крекеров прямоугольной формы, миндаль овальной формы. Попросите детей подумать и о других вещах, которые можно добавить.

День 3: рассказывание историй / грамотность

Дети — прирожденные рассказчики. Вы когда-нибудь замечали, сколько деталей и воображения они вкладывают в рассказы, которыми они делятся во время игры? Давайте опираться на это и внедряем некоторые навыки грамотности в повседневную жизнь.

Нажмите здесь, чтобы распечатать День 3: Рассказывание историй / Грамотность

Утренний ритуал

Начните день с книг. Может быть, книги обычно хранят на ночь, но сегодня соберите вместе несколько любимых историй или вместе пролистайте фотографии из веселых семейных моментов (отпуск, мороженое, поход) и вместе перескажите историю этого воспоминания.

Препарат

Очистите стол и достаньте все инструменты для рисования. Вы даже можете принести наши акварели, если они у вас есть.Приготовьте закуску и напиток на тот случай, когда вашему маленькому рассказу понадобится заряд энергии.

Art Activity

1. Найдите большую бумагу, либо бумагу для мясников, либо разрезанный бумажный пакет, либо большой кусок картона.

2. Используя черный маркер, дети рассказывают историю и одновременно рисуют свою историю (см. Видео ниже).

Принадлежности

~ Большая бумага

~ Черный маркер

~ Карандаши

~ Цветные карандаши

~ Маркеры

~ Мелки

Варианты

Для детей младшего возраста:

~ По очереди с братьями или сестрами или родителями рассказывать и рисовать историю.

~ Прочитайте книгу вместе с родителем или старшим братом и сестрой и перескажите историю через рисунок.

~ Прочтите книгу и нарисуйте персонажа из книги или нарисуйте один из основных элементов рассказа (например, в книге Дэвида Гордона «Смит» ребенок может нарисовать носок или варежку).

~ Расскажите историю с пластилином.

Сложите один лист бумаги в мини-книгу.

Расширения

Для детей старшего возраста:

~ Напишите их историю под рисунком.

~ Нарисуйте 3-5 прямоугольников и расскажите разворачивающуюся историю с началом и концом, как в графическом романе.

~ Сложите один лист бумаги в мини-книгу (вот хороший учебник) и создайте рассказ на страницах.

Игровое мероприятие

1. Ребенок рассказывает историю, играя с фигурками животных, куклами, фигурками и кубиками.

2. Взрослый или старший брат или сестра записывает историю так, как ее рассказывает ребенок.

3. Разыграйте вместе любимую книгу.

Послеобеденный ритуал

После независимой игры и тихого времени насладитесь легендарной закуской вместе. Поищите в кладовке варенье, которое вы купили осенью в саду, или попкорн, которым вы вместе наслаждались в кино. Найдите закуски, которые вызывают общие воспоминания, о которых можно поговорить. Затем вместе нарисуйте карту этого опыта, чтобы рассказать историю этого воспоминания. Например: «Сначала мы, потом мы, потом мы, наконец, мы…».

Фото Teach Make Create

День 4: Envelope City / Общественные науки

Что такое обществознание? По определению, это изучение человеческого общества.В данном случае, как и в случае с большинством учеников начальной школы, все сводится к сообществу и социальной деятельности, благодаря которым сообщество функционирует. Сегодня мы будем думать о людях и местах, которые мы видим каждый день в нашем городе или его окрестностях и вокруг него. Странно не играть на перемене с друзьями или болтать в кафе с соседями. Давайте создадим виртуальное сообщество, чтобы дети по-прежнему чувствовали себя связанными.

Щелкните здесь, чтобы распечатать Day4: Envelope City / Social Studies

Утренний ритуал

Как и в вашем районе, у каждого в доме есть своя работа.Сегодня утром совместная уборка! Подумайте вместе, какими могут быть эти работы по уборке. Может быть, старший ребенок сможет протереть столешницы, а младший — убрать столовое серебро. Начните утро с совместной работы, общения и уборки.

Препарат

Пока дети играют, найдите конверты любых форм и размеров. Если у вас их нет, вырежьте из бумаги несколько фигурок домиков. Разложите инструменты для рисования и раскраски и скотч. Приготовьте перекус на потом.

Art Activity

1. Используйте конверты с загнутым вверх клапаном, чтобы он напоминал дом, или вырежьте конверты из бумаги.

2. Превратите конверты в дома и создайте город или город.

3. Предложите детям основать свой собственный город со знакомыми им зданиями, такими как школы, почта и продуктовый магазин.

Принадлежности

~ Конверты (нескольких форматов) или бумага, нарезанная на конверты

~ Карандаши

~ Цветные карандаши

~ Маркеры

~ Мелки

~ Прозрачная лента

~ Цветные ленты для дополнительного декора

Варианты

Для детей младшего возраста:

~ Создайте радужную деревню, раскрасив каждый конверт в свой цвет.

~ Используйте наклейки, чтобы украсить дома.

~ Сделайте людей из палочек для поделок, тогда люди смогут поместиться в конверты, и он станет портативным игровым набором.

Расширения

Для детей старшего возраста:

~ Создайте трехмерные дома, используя коробки для хлопьев или обувных коробок, создав свой собственный город или город, в котором они живут.

~ Сделайте таблички с названиями каждого здания.

~ Создайте город для божьих коровок, птиц, фей или любого другого воображаемого сообщества.

Игровое мероприятие

1. Постройте свой собственный город из блоков.

2. Раскатайте на полу кусок мясной бумаги, и дети начнут рисовать дороги для своего города.

3. Собирайте машины и статуэтки, чтобы добавить в город, или делайте их из чайных коробок и поделок.

Послеобеденный ритуал

Этот карантин может быть очень изолирующим, поэтому найдите время, чтобы позвонить или встретиться лицом к лицу с другом / членом семьи, который мог бы использовать утешительный чат. Может быть, они смогут перекусить с вашим ребенком, пока ваш телефон приподнят.Или, может быть, вы и ваши дети сможете придумать рецепт, который напомнит вам о них. Подумайте о людях, которым сейчас очень одиноко, и узнайте в домах престарелых или других помещениях, находящихся на карантине, можно ли отправлять какие-нибудь веселые произведения искусства. Или позвоните пожилому соседу, чтобы узнать, не хотят ли они, чтобы вы доставили им товары.

День 5: Палки для рисования / Process Art

Уф, мы добрались до пятницы! Сегодня все дело в неограниченных исследованиях, пробах, воображении и творчестве.Вот что такое процессное искусство!

Нажмите здесь, чтобы распечатать День 5: Палки для рисования / Process Art

Утренний ритуал

После завтрака начните день с еще одного приключения на заднем дворе. Сделайте глубокий вдох на природе (или там, где вы можете подышать свежим воздухом, даже если для этого нужно открыть окно). А теперь позвольте детям найти несколько длинных палок для сегодняшней художественной деятельности.

Препарат

Пока дети играют или завтракают, убедитесь, что у вас есть лента и маркеры.Разложите немного бумаги. Если у вас есть мясная бумага, приклейте длинную полосу к полу или приклейте ее к стене. Соберите несколько кусочков и бобов, которыми они могли бы украсить свои палки.

Art Activity

1. Найдите снаружи несколько длинных палок.

2. Заклейте маркеры до конца и используйте их, чтобы рисовать на бумаге, приклеенной к полу или стене или приклеенной к мольберту.

Принадлежности

~ Палки

~ Инструменты для рисования, такие как маркеры или карандаши

~ Бумага

~ Необязательно: материалы для палочек, такие как перья, пряжа, помпоны, лента, резинки или все, что лежит в вашем ящике для мусора

Варианты

Для детей младшего возраста:

~ Если вы беспокоитесь, что ваш ребенок превратит рисовальную палочку в меч, приклейте тротуарный мел до конца и используйте черную бумагу. Или приклейте инструмент для рисования на длинную картонную трубку.

~ Дети могут использовать свои ноги, чтобы держать палочку для рисования, и попробовать рисовать ногами.

Расширения

Для детей старшего возраста:

~ Украсьте палочки собранными материалами.

~ Создайте автопортрет с помощью длинной палочки для рисования.

Игровое мероприятие

1. Сделайте волшебные жезлы из палочек.

2. Приклейте ткань к палкам и сделайте флажки.Используйте флаги в воображаемой игре или маршируйте на параде.

3. Сделайте форт из действительно больших палочек.

Послеобеденный ритуал

Поделитесь вместе закусками. Предложите нарезанные фрукты и овощи с помощью мини-шпажек, зубочисток или палочек для еды (если это безопасно для вашей семьи) в качестве закусок. Или поищите в кладовой / морозильной камере другой вариант на палочке, например фруктовое мороженое. Вы даже можете приготовить свои собственные замороженные фруктовые хлопья! Проведите время и проведите вместе остаток дня.

Мы с Шеннон надеемся каждую неделю приносить вам нового гида, пока у нас есть дети на карантине.Подпишитесь на мою рассылку, чтобы сразу же получать информацию о наших еженедельных руководствах по искусству и играм.

Зарегистрируйтесь здесь:

xo, Бар и Шеннон

PS: Шеннон тоже продает потрясающие наборы для рисования!

— — — — — — — — — — — — — — — — — — — —

Немного о Шеннон:

Шеннон Меренштейн — основатель и директор Hatch, студии искусства и игр в Питтсбурге. Она — автор «Мастерской коллажей для детей» от Quarto Publishing и мама двоих детей.До этого она в течение многих лет работала учителем рисования и преподавателем в начальной школе. Шеннон также способствует профессиональному обучению учителей по всему региону, чтобы привнести в школьный день свободное творчество и творческие игры.

Следуйте за Шеннон в IG @hatchartstudio и найдите ее на Facebook.

Шеннон также делает самые симпатичные «Художественные наборы для вылупления на ходу», и вы можете найти ее книгу на Amazon.

Прочтите больше сообщений Шеннон о Art Bar здесь.

— — — — — — — — — — — — — — — — — — — —

Вам понравился этот пост? Вот еще несколько художественных идей для домашнего обучения:

Приключенческие коробки Art Invitation

Идеи ленд-арта на пляже

Дерево чертежа

«Лови день» (эссе)

Просматривая сегодня утром школьные дневники, я наткнулся на эссе, которое написал, когда мне было шестнадцать лет.

Я начал читать это вслух, и у меня на глаза навернулись слезы, потому что это так правда.Вокруг нас столько красоты, если бы у нас были только глаза.

Сегодня я поделюсь некоторыми отрывками из этого эссе. Пусть это вдохновит вас заново оценить чудеса жизни.

УДАР

, Боз Херрингтон (апрель 2003 г.)

«Лови день! Хватай все, что можешь

Причина Жизнь ускользает, как песок в песочных часах…

Тогда ничто не встанет у вас на пути «.

-Кэролин Арендс, «Лови день»

Жизнь прекрасна и полна смысла.Жизнь наполнена смыслом и полна красоты. Хотя немногие люди когда-либо открывают Великую Истину Жизни, она доступна всем, у кого есть уши, чтобы слышать, и сердца, которых нужно дотянуть. Великий секрет заключается в осознании того, что можно наслаждаться всем, ловить и наслаждаться каждым моментом, когда он наступает, и отказываться от риска и дикой смелости, которые может принести настоящая жизнь.

Странно, что в таком прекрасном мире можно найти столько людей, слепых к славе вокруг нас. Это действительно прекрасный мир, независимо от того, сколько скота маршируют своей утомленной жизнью, с удивлением глядя на бетонный тротуар.Покойный народный артист Рич Маллинз пел: «Вокруг нас столько красоты, но только два глаза, чтобы увидеть — но куда бы я ни пошел, я смотрю» [1]. Жизнь сама по себе красива, с ее плавающей водой, мандарином и навес цвета лосося, и деревья, и маленькие дети, и цвета, и тени, и музыка, и поэзия. Выйти за пределы. Погрузитесь в тиски живой, пульсирующей вселенной, стремящейся к совершенству. Деревья качаются, трава плетется, цветы танцуют. И в каждой человеческой душе, как аромат тюльпана, возникает ароматная сказка и указывает вверх на Подателя всего хорошего, Создателя Жизни и жизней, Хореографа Истории.

Как пишет К. С. Льюис, Бог действительно гедонист в душе, а Его вселенная — это сад наслаждений. Есть бесконечное количество занятий, которыми мы можем заняться, не нарушая Божьего довольства. Ему нравится радость Своих детей. Мы можем спать, играть, есть и пить, заниматься любовью, петь, танцевать, сочинять и творить весь день в этом великом Эдеме, потому что Он сделал все это для нашего удовольствия [2]. «Я знаю, что в них нет добра, но чтобы человек радовался и творил добро в своей жизни, а также что каждый человек должен есть и пить и наслаждаться плодами своих трудов, потому что это дар Божий, который он может наслаждаться ими.”[3]

Но только когда мы отпускаем и осознаем, что счастье ускользает от нас в этой Жизни, мы можем по-настоящему наслаждаться Жизнью и быть счастливыми.

Все нравится, во всем есть красота. Когда счастье зависит не от обстоятельств, а от образа мышления, в золотом летнем дне столько же красоты, сколько в ледяной похоронной службе, в падающей слезе или в повседневном вторник с домашним заданием. Даже трагедия — и без печали мы упускаем многие из великих радостей жизни — имеет свои восхитительные тени, свои грубые страсти, свои нежные эмоциональные моменты, слезы и прекрасные оттенки тьмы.

11 сентября ^-е открыло большинству американцев глаза, по крайней мере на мгновение, на тот факт, что, пытаясь заработать на жизнь, мы разучились жить. Триумф террористических атак заключался в том, что они позволили нам на мгновение насладиться жизнью. В пьесе Торнтона Уайлдера «Наш город» после того, как она снова посетила свою жизнь и увидела, как много она приняла как должное, Эмили восклицает: «О, земля, ты слишком прекрасна, чтобы кто-либо осознал тебя … проживать каждую минуту? »[4] Крис Райс спрашивает:« Кто-нибудь живет, чтобы знать цену жизни? »[5]

Каждый человек стремится к тому, чего он не может иметь в этой Жизни и никогда не достигает полностью, но то, что он жаждет этого, показывает, что это есть.Это Пылающая Тоска. Мы знаем, что оно есть, и стремимся к нему, но настоящее счастье ускользает от нас в этой Жизни. Полное удовлетворение возможно только в идеальном мире. И так же, как утка жаждет плавать, а человеческое существо жаждет любви, для удовлетворения этих желаний внутри должны быть «вода» и «любовь». Даже в этом случае мы знаем, что наши стремления не напрасны. [10] «Он вложил вечность в сердца людей». [11] Фолк-музыкант Кэролайн Арендс поет: «Глубокая тоска говорит нам, что впереди еще что-то.[12] История человечества — это история напряжения, стремления людей стремиться к тому, чего они не знают, борьба за удовлетворение и удовольствие — смысл и красоту. Но только когда мы осознаем безнадежность нашего дела, дело наполняется надеждой; ибо только тогда, когда мы ценим краткость, разочарование и тщетность Жизни, мы начинаем осознавать важность каждого момента сейчас, а в будущем — надежду на вечную радость.

Итак, друг мой, вставай и живи.Отбросьте оковы бесцельности и найдите себе занятие руками. Погрузитесь в смысл и красоту Жизни. Продолжайте идти в радости от того, что Жизнь прекрасна, в надежде, что впереди еще что-то, и в знании того, что ничего не может случиться с вами вне руки Бога. Тогда ничто не будет стоять на вашем пути.

---

Нравится:

Нравится Загрузка …

Связанные

цвет + композитная доска — ART CAMP

Вы знаете те идеи, которые начинаются как крошечные бутоны, а затем где-то в процессе раскрытия вы понимаете, что кланяетесь перед могучим дубом? Это приглашение одно из таких.Дерево идей выросло во вторник днем. Я потратил день, пытаясь закончить работу, но меня совершенно отвлекло это видение приглашения на искусство, которое я хотел попробовать со своими девочками, когда они вернутся из школы. Идея была проста: раздайте каждому по белой пенопластовой плите и попросите их поиграть в наш дом. Единственное, что я дал им, — это найти от 5 до 20 предметов одного цвета, достаточно маленьких, чтобы поместиться на их досках. Они пошли соскабливать дно своих корзин с игрушками, рыться в ящиках «засунуть это», сканировать книжные полки, хватать предметы из студии и брать кое-что оттуда.Я произнес несколько направляющих слов («что на тебя бросается?», «Посмотри в необычных местах», «может быть, ты берешь часть предмета, но не целиком»), но в остальном я просто оставил их наедине . «Мама, а что, если я найду то, что действительно люблю, но не красное?» «Сохраните это и начните создавать новую коллекцию цветов», — сказал я.

За охотой было приятно смотреть. Никаких ссор, полная сосредоточенность и щедрость текут … «Вот, Ри … Я нашла тебе симпатичный зеленый карандаш». Я наблюдал, как каждый из них с любовью курировал свою коллекцию, внося правки и переделывая.«Я думаю, что меньше значит больше с этим», — сказала Ри, выгибая свою «зеленую коллекцию морского стекла» и снимая некоторые части. Когда мы достигли отметки в 20 минут, я дал им 5-минутный обратный отсчет, потому что боялся, что мы потеряем свет, и мне очень хотелось представить вторую половину приглашения. Когда я назвал «время», каждый из них собрал достаточно предметов для создания двух цветных досок.

«Хорошо, теперь ты собираешься сфотографировать свою коллекцию на мой телефон. Что ты видишь, когда смотришь в видоискатель? Как ты можешь все это уместить?» Здесь все стало ДЕЙСТВИТЕЛЬНО интересно.H попросил R подержать ее «видоискатель», чтобы она могла сосредоточиться на перемещении своих фигур, пока они «не выглядели правильно». В тот момент охота за цветом органично переросла в

элемент композиции опыт . H (6 лет) ощутимо двигал и схватывал композицию, в то время как Ри (12 лет) наблюдал и делал мысленные записи. Тем временем художник / учитель / гордая мама делала тройные сальто назад внутри, наблюдая, как все это разворачивается. Слушать, смотреть, иногда отбрасывать художественную концепцию или словарный запас.Некоторые застряли, а другие пролетели мимо.

Обе девушки полностью участвовали в процессе. Выстрелить. Немного измените угол. Поставьте игрушку. Нет, лучше лечь. Какое удовольствие видеть, как в процессе раскрывается большая фундаментальная художественная концепция.

Я надеюсь, что мы сможем развить это приглашение, и во второй части будет нарисован натюрморт из их фотографий. Будьте на связи!

Если вы хотите попробовать этот процесс, но хотите пропустить экраны, вы можете распечатать этот бумажный видоискатель.Процесс будет таким же, за исключением захвата части изображения.

В двух словах о 8 элементах композиции:

• Единство: Все части композиции кажутся связанными друг с другом, или что-то кажется неуместным?

• Баланс: Баланс — это ощущение, что изделие «кажется правильным».Симметричное расположение создает ощущение спокойствия, тогда как асимметричное расположение может вызвать волнующее чувство. Вы знаете, когда ваши художественные работы просто «неприятны»? Часто это результат нарушения баланса.

• Движение: Есть много способов придать ощущение движения произведению искусства, например, расположение объектов или движение мазков кистью.

• Ритм: Во многом так же, как музыка, произведение искусства может иметь ритм или основной ритм, который заставляет ваш взгляд смотреть на произведение искусства с определенного направления или темпа.Часто вы замечаете повторяющиеся цвета и формы, когда произведение имеет определенный ритм.

• Фокус: Взгляд зрителя в конечном итоге хочет остановиться на «самом главном», то есть на центральной точке произведения.

• Контраст: Сильное различие между светлым и темным или сильное различие в форме, цвете, размере и текстуре.

• Узор: Повторение линий, форм и цветов.

• Пропорции: Как вещи сочетаются друг с другом и соотносятся друг с другом с точки зрения размера и масштаба; будь то большой или маленький, рядом или далеко.

Синяя доска была первой коллекцией Х. Размещение пальто произошло мгновенно, и оно не двигалось. Мне нравится, насколько оно сильное и четкое. Он закрепляет композицию. H сделала около 15 снимков, прежде чем остановилась на этом. Она уложила Золушку, а потом снова подняла. Она ходила взад и вперед с тремя синими блоками… она поигралась со стекингом и, наконец, решила, что она предпочитает именно такие. Мне нравится вертикальная темно-синяя линия, проходящая через центр ее доски. Пальто, кончик казу, квадрат самого глубокого синего цвета. Я предполагаю, что синяя краска ombre на укулеле определяет баланс оттенков, который мы видим на остальной части доски.

В этой желтой композиции все немного наклонено… объекты сложены друг на друга, ярко-желтый цвет появляется на странице, и наши глаза привлекают слова POP ART. Такси, школьный автобус. Разве это не передает ощущение оживленной городской улицы? Также обратите внимание на контраст между желтым и черным. Этот контраст повторяется на обложке книги, в такси и школьном автобусе. Обратите внимание на формы точек; ручка ножниц, пушистый помпон, крышка на банке с краской и чаша, перевернутая вверх дном. Это энергично и захватывающе … оно ПОЗВОЛЯЕТСЯ!

Когда я спросил H, где она хочет, чтобы мой глаз приземлился, когда я посмотрел на ее красную доску, она сказала: «Осел».Обратите внимание, как черный шрифт на обложке книги и черный круг игрушечной камеры создают баланс. Повторение формы круга создает движение. Мой взгляд привлекает круг в объективе камеры, круг в виде шара, леденец на палочке, буква O на рукоятке ножниц. В квадрате все довольно просто, но затем она добавляет немного визуального интереса в смесь с наклонными кукольными туфлями.

Это отличный пример того, как цвет действительно может передать настроение.На этой доске между оттенками цвета происходит ритмичный и гармоничный танец. Мы переходим от темно-зеленого к светло-морскому и обратно. Я думаю, что Ри сделала прекрасный выбор, когда решила, что «лучше меньше, да лучше». Мне нравится баланс слоев. Сначала лодка наверху книги, а затем часы наверху блока. Эта композиция вызывает спокойные, уравновешенные чувства, которые можно найти у моря. Лодка просто скрепляет сделку.

Объект дня | Художественный музей Сент-Луиса

Спикер: Ханна Клемм
Помощник куратора отдела современного искусства
Художественный музей Сент-Луиса

Йозеф Бойс занимает почти мифическое положение в пантеоне послевоенного немецкого искусства.Он был важным учителем, политическим деятелем и художником. Бойс считал, что искусство и жизнь неразрывны, что искусство может изменить общество и что каждый может быть художником. Бойс был мультимедийным и многомерным художником, никогда не предполагал, что его практика будет уникальной в ее интерпретации или представлении. В своем творчестве Бойс наделил смиренные, повседневные предметы и действия духовным смыслом. Он был известен своей харизматичностью и создал культовую публичную личность, сочетая самоощущение с политическими действиями.

Бойс работал профессором монументальной скульптуры в Дюссельдорфской художественной академии с 1961 по 1972 год. Он считал, что искусство должно побуждать к разговору, общению, прогрессивным социальным действиям и быть открытым для всех. Руководствуясь этим убеждением, на протяжении 1960-х Бойс ввел в свой класс политику открытого приема, принимая всех желающих учиться у него.

На протяжении 1970-х годов в рамках своей практики исполнительского искусства Бойс много читал лекции по искусству и политике, в частности, по задаче создания подлинно демократического общества.Он начал писать на классных досках во время своих лекций. В то время как классные доски играли важную дидактическую функцию в качестве места для информации во время лекции, Бойс намеренно сохранил доски с их написанием, часто выставляя их как автономные произведения искусства почти сразу после их создания.

Это произведение, Urbis II , представляло собой рисунок на доске с выступления Бойса в Риме в 1972 году. Эти публичные обсуждения продемонстрировали роль Бойса как художника, учителя и активиста.На этой доске Бойс обрисовал основные моменты этого выступления. В центре он написал LIBERTÀ , что по-итальянски означает свободу. Бойс часто связывал свободу с творчеством, искусством и самовыражением. Три основных заголовка этой лекции слева направо: Freiheit , или свобода; Demokratie , или демократия; и Sozialismus , или социализм. Бойс был ярым сторонником и активистом демократического социализма, считая, что государство должно заботиться об основных потребностях людей.Он чувствовал, что это даст людям свободу развивать новаторские способы мышления и, в свою очередь, поддержит общее благополучие общества.

С помощью рисунков на доске, подобных этому, Бойс освободил рисунок от ассоциаций с частными, индивидуальными художественными актами. Скорее, он стал функцией и документом общественной акции. Рисунки на доске также приобретают перформативное значение — они служат прочным документом взаимоотношений между художником, аудиторией и произведениями искусства.На самом деле именно социальные отношения были основной областью заботы Бойса, и такие работы, как Urbis II , позволяют нам продолжать исследовать и обсуждать мимолетные коллективные перформативные моменты еще долго после окончания лекции.

Специальность по композиции и к чему это может привести

Кейтлин Петеркин

Подумайте о последнем фильме или телешоу, который вы смотрели. Вы помните саундтрек или партитуру? А как насчет музыки филармонического оркестра или оперы, которую вы видели?

Хотя это очевидные примеры произведений композиторов и отражают один из наиболее распространенных путей карьерного роста для тех, кто получает ученую степень в этой области, специалисты по композиции продолжили работать, например, писать художественную критику, будучи музыкальным руководителем в университете. церковь и работа в музыкальном издательстве.Такое разнообразие возможностей карьерного роста возникает благодаря тщательному обучению и учебе, установлению связей и большому творчеству.

Как добраться: примеры того, чего ожидать

Многие университеты, колледжи и консерватории по всей стране предлагают степени или концентрации по композиции как на уровне бакалавриата, так и на уровне магистратуры.

В музыкальной консерватории Университета Лоуренса, бакалавр музыкальной теории / композиции предлагает курсы по композиции, оркестровке, электронной музыке, истории музыки, а также продвинутой теории и анализу.Студенты также должны сдать 12 единиц ансамблевой работы. Тем, кто интересуется джазовой композицией, предлагается трек с акцентом на джаз.

«Одним из наиболее важных аспектов программы является то, что мы делаем упор на исполнение, — говорит доцент Джоан Меткалф, — так что к тому времени, когда композитор станет выпускником, у них уже будет много исполнений своих произведений и собрано солидное портфолио из партитуры и записи их музыки ».

В музыкальной школе Джейкобса при Университете Индианы бакалавр музыки в области композиции также уделяет особое внимание исполнительскому мастерству, включая владение фортепиано и клавишными инструментами, а также основные требования к ансамблю.Учебная программа включает теорию музыки и литературу, историю музыки, нотацию и каллиграфию, оркестровку и ресурсы электронной студии. Ожидается, что студенты, закончившие степень, также получат гуманитарные курсы по иностранному языку, математике, английскому языку и гуманитарным наукам.

Программа BM in Composition в Музыкальной школе колледжа Итака дает не только основы традиционной западной музыки, но и знакомство с джазом, электронной музыкой, озвучиванием фильмов и другими средствами массовой информации. Взаимодействие между студентами-композиторами и студентами других факультетов приветствуется: студенты-киностуденты ищут специальности композиции для написания музыки к своим фильмам, в то время как студенты музыкального театра исполняют сочинения студентов-композиторов.

Дана Уилсон, профессор музыки, добавляет: «Композиторы должны исполнять произведение на сочинении композиции не реже одного раза в семестр, чтобы составить конкретное портфолио и дать полный концерт для старших слушателей».

Еще один колледж, поощряющий межведомственное сотрудничество, — это Корнуолльский колледж искусств. «Студенты с утра до полуночи поглощены созданием музыки, практикой и репетициями, и у них есть множество возможностей для сотрудничества со студентами из других художественных дисциплин — театра, танцев, кино и т. Д.», — говорит Кент Деверо, заведующий кафедрой. BM in Composition позволяет исследовать множество музыкальных традиций, а также проводить семинары по композиции для джазового оркестра, камерного ансамбля, ударных, танцев и т. Д.

Характеристики сильного кандидата на композицию

• Страсть и любопытство
«Когда мы анализируем портфолио композиции, мы ищем доказательства любопытства и воображения», — говорит Меткалф из Консерватории Лоуренса. «Нас интересуют молодые композиторы, которые открыли свои уши к композиционным разработкам последних 25 лет — или, по крайней мере, последних 100 лет — и пытались реализовать их в своих произведениях, а не пытались подражать композиторам 18-го и 19-го века. веков.»

• Креативность и воображение
« При оценке композиций, представленных соискателями, мы ищем интересные музыкальные идеи, которые исходят из творческого импульса, музыкальной чувствительности, любопытства, изобретательности и существенной оценки опыта создания, исполнения, и критически слушать музыку », — говорит Дэвид Дзубай, председатель музыкального факультета Школы музыки им. Джейкобса Индианского университета. «Произведения должны демонстрировать воображение в использовании мелодии, ритма, гармонии, контрапункта и текстуры, а также демонстрировать понимание композитором элементов расширения, развития, вариации и контраста при создании формальной структуры.

• Дисциплина
В то время как Корнуолльский колледж искусств ищет индивидуальный, отличительный голос и любопытство, Деверо говорит: «Мы также хотим видеть доказательства того, что молодой начинающий композитор понимает, сколько дисциплины и тяжелой работы требуется для обучения ремесло сочинения, поэтому, когда они заканчивают Корнуолл, у них есть навыки, необходимые для сочинения музыки практически в любой ситуации ».

• Базовые навыки и знания
«Старшеклассники должны знать, что быть композитором — это сочетание творческих способностей и реальных навыков», — говорит Эд Смолдон, директор Музыкальной школы Аарона Копленда при Куинс-колледже.«Вам нужно быть творцом, творческим, нестандартным человеком, но в то же время вам нужно знать, что находится в коробке».

Что такое прослушивание?

Ознакомьтесь с требованиями к прослушиванию для студентов по специальности «композиция» в школах, которые могут быть вам интересны. Вы увидите, что специалистов по композиции обычно просят представить портфолио рукописей оригинальных сочинений. Часто, но не всегда, инструментальные прослушивания не нужны. Обратите внимание на детали того, чего ожидает каждая школа, поскольку каждая школа индивидуальна.Многие школы также требуют собеседования с преподавателями. А для некоторых требуется предварительный экран, на котором вам нужно будет отправить портфолио (подробности которого указаны каждой школой) для рассмотрения на собеседовании, а также аудиозапись живого исполнения ваших композиций.

4 совета, как стать композитором

1. Слушайте, слушайте, слушайте!
«Познакомьтесь с композиторами из разных периодов времени и сочиняющими в разных стилях», — говорит Деверо. «Сегодня студенты имеют доступ к большему количеству музыки, чем когда-либо прежде, поэтому я всегда призываю композиторов просто исследовать и слушать как можно больше.”

2. Подключитесь к Интернету.
«Зайдите на SoundCloud и YouTube и ищите музыку живых композиторов, которая пробудит ваше воображение — таких композиторов, как Дэвид Лэнг, Стив Райх, Джейкоб ТВ, Луи Андриссен», — предлагает Меткалф. «И начните знакомиться с музыкой некоторых из важных фигур прошлого века: Стравинский, Мессиан и Айвз хороши для начала».

3. Научитесь играть на фортепиано.
«Фортепиано — важный инструмент, позволяющий реализовать и экспериментировать», — говорит Смолдоне.

4. Научитесь импровизировать.
«Умение импровизировать имеет решающее значение для композиции — если вы не можете импровизировать, вы не знаете, как добиться того, чтобы вещи происходили в реальном времени», — подчеркивает Смолдоне.

5. Сеть.
И Дзубай, и Уилсон предлагают познакомиться со многими исполнителями. Они не только познакомят вас с новым материалом и помогут раскрыть ваш разум, но также очень важно, чтобы опытные музыканты играли ваши композиции вживую, что является «окончательным опытом обучения.”

Нужна ли аспирантура?

Хотя студенты со степенью бакалавра могут продолжить успешную карьеру, многие специалисты в этой области поощряют получение ученых степеней, особенно если целью является обучение.

«В целом, я бы порекомендовал как минимум еще два года изучения композиции, чтобы техника композитора полностью реализовалась», — говорит Меткалф из Консерватории Лоуренса.

По оценкам Деверо, около половины студентов Корнуолла продолжают обучение в аспирантуре.«Это определенно то, что мы поощряем, потому что это позволяет студентам еще больше расширить свою базу понимания и продолжить оттачивать свое мастерство», — говорит он. «Мы также очень преуспели в том, чтобы направить всех наших выпускников в программы высшего образования с полными стипендиями и должностями TA, так почему бы им не поступить?»

Карьерный путь в композиции

Помимо традиционного сочинения, создания фильмов и преподавания, выпускники факультета композиции занимали различные должности, в том числе:

• Художественный администратор
• Художественный писатель
• Консультант по искусству
• Менеджер группы
• Хоровой дирижер
• Музыкальный продюсер
• Издатель
• Владелец театральной компании

---

Кейтлин Петеркин — писатель, редактор и энтузиаст искусства, работала менеджером программ в Earshot Jazz (Сиэтл) и писала для BestNewBands.