Картины написанные гуашью известных художников. Поиски гуаши и художники, которые зарабатывают на информации

Валёр – тонкая тональная градация одного цвета.

Влажное по влажному — эта техника знакома любому, кто занимался акварелью, и часто применяется, когда вам нужно изобразить облака или покрытый туманной дымкой задний план. Работая способом «влажное по влажному», вы должны развести краску немного сильнее, чем обычно, нанести ее на бумагу и быстро добавить сверху жидко разведенную краску другого цвета. После этого краски начнут расплываться, образуя причудливые фигуры с мягкими, размытыми краями. Если этого не произошло, значит, вы недостаточно жидко развели краски или слишком запоздали с нанесением второго слоя, и нижний слой краски успел к этому времени засохнуть. Чтобы избежать этого, советую вам предварительно увлажнить бумагу с помощью смоченной в чистой воде кисти. Этот прием хорош тогда, когда вам нужно написать фигуру с четкими очертаниями и не размытым цветом. При этом на картине остаются заметны отдельные мазки кисти. Это один из классических приемов работы гуашью, и с его помощью можно добиваться действительно поразительных результатов. Особенно эффектно выглядят нанесенные рядом или поверх друг друга разноцветные, имеющие четкую форму мазки краски. Поскольку гуашь непрозрачна, можно наносить светлую краску поверх темной, и наоборот.

Гуашевая заливка с переходом цвета — Художественный прием, который часто используется для создания красивого фона с плавным переходом по тону. Позволяющий добиться плавного перехода цвета от темного к светлому или даже свести цвет к белому фону. Выполняется следующим образом: выбранные оттенки
наносятся горизонтальными полосами, после чего постепенно начинаем размазывать краски (краски не должны успеть высохнуть). Движение кисти справа налево, потом слева направо. Для создания плавного перехода можно так же использовать губку.

Импасто – техника, заключающаяся в наложении густой краски толстыми слоями.

Если вы хотите использовать импасто, возьмите тюбик, которым уже не раз пользовались: такая краска будет гуще новой, только что открытой. Гуашь можно загустить также добавкой для акрила или специальной добавкой Aquapasto компании Winsor&Newton, созданной для применения техники импасто при работе с красками на водной основе.

Карнация -наложение красок в несколько слоев. Применялось для изображения человеческих лиц и частей тела. Техника позволяла достичь максимального реализма в изображении.

Лессировка – способ, который заключается в нанесении поверх основного цвета прозрачный слоев других тонов. За счет перекрытия основного цвета полупрозрачными слоями получается новый глубокий оттенок. Для гуаши этот способ доступен так же, как и для акварели. Гуашь нужно разбавить довольно сильно водой, чтобы она стала прозрачной. С помощью техники лессировки можно создать неповторимый эффект тумана, гуашь для этого подходит как никакой другой материал.

Мазок – это след, оставляемый кистью. В живописи маслом мазки могут обладать большей выразительностью в связи с большей густотой материала и толщиной красочного слоя. Используя технику мазка, можно усиливать динамику, придавать работе дополнительную выразительность. Мазками пишут на бумаге любой влажности. Но лучших результатов можно достичь на чуть влажной и сухой бумаге.

Монотипия (от греческого «monos» — один, единый и «tupos» — отпечаток) — одна из простейших графических техник, истоки которой восходят к 17 столетию. Суть монотипии заключается в нанесении от руки красок на ровную и гладкую поверхность, с последующим оттиском на другую поверхность (на станке) или на бумагу, сложенную пополам. Полученный отпечаток всегда уникален, и создать две одинаковых работы невозможно. Далее полученные цветные или монохромные кляксы либо оставляют в первоначальном виде, либо продумывают подходящий образ и прорисовывают недостающие детали.

Многослойная живопись — важнейшая техническая разновидност
ь масляной живописи, требующая расчленения работы на ряд последовательных этапов (подмалевки, прописки, лессировка), разделенных перерывами для полного просыхания краски. При исполнении крупной тематической композиции, а также при длительной работе вообще, многослойная живопись является единственной полноценной техникой масляной живописи. До середины XIX в. все крупнейшие передовые художники прошлого применяли эту технику как основную. Позднее импрессионисты и их последователи отказались от нее.
С узкотехнологической точки зрения, не связанной с техникой старых мастеров, понятию многослойная живопись могут соответствовать лишь прописки по высохшему красочному слою (без подмалевка и лессировок).

Пастозная техника

также доступна гуаши. Эта техника заключается в нанесении густой, непрозрачной краски на рабочую поверхность. Такая техника присуща в основном масляной живописи. Фактура, свет и тень на картинах, написанных в пастозной технике зависят не только от цвета, но и от формы и направления положенных мазков. Гуашью тоже можно работать в этом стиле, особенно если она на основе ПВА или акриловая. Работая в пастозной технике и используя обычную художественную гуашь, нужно помнить о том, что слишком толстый слой этой краски имеет обыкновение растрескиваться и осыпаться после высыхания. Поэтому нужно очень осторожно добавлять слои густой гуаши на полотно, чтобы получить необходимую, для этой техники и материала, «золотую середину».

Пуантилизм -в переводе обозначает «точечность». Техника позволяет достигать визуальных эффектов за счет мазков точечной или прямоугольной формы, исключая смешивание цветов.

Равномерная заливка с помощью кисти — используется для окрашивания поверхностей или их частей. Выполняется кистью. Гуашь не должна быть слишком густой (краска ляжет комками) или слишком жидкой (появятся пятна).

Заливать контур начинают с краев.

Разбрызгивание — очень простой и приятный способ создания фактуры. С помощью этой техники можно рисовать камешки на дороге, речную гальку, листья и тому подобные вещи. Лучше всего разбрызгивать гуашь с помощью маленькой малярной кисти (желательно новой и предназначенной для работы только с гуашью, но не с олифой или водоэмульсионными красками). Хорошо загрузите кисть краской, оттяните ее щетинки назад (от картины), а затем резко отпустите их. Щетинки рванутся вперед и с них слетит целое облачко мелких капелек краски. Для того чтобы не забрызгать всю картину, сделайте бумажную маску, вырезанную из газеты или ненужного листа бумаги, и прикройте ту часть картины, которая должна остаться не забрызганной.

Сграффито — это техника сродни гравюре. Суть этого приема состоит в процарапывании влажной краски заостренной палочкой или кончиком ножа, чтобы обнажить нижний слой краски. При работе гуашью вы должны исполнить сграффито как можно быстрее — в течение буквально нескольких секунд после нанесения верхнего слоя краски, поскольку гуашь, в отличие от масляных красок, высыхает почти мгновенно. С помощью техники сграффито можно создавать очень красивые необычные фактуры, которые лучше всего смотрятся на переднем плане картины

Смешанная техника — кроме того, гуашь прекрасно используется в смешанных техниках живописи. Например, фон делается гуашью, а рисунок на фоне акрилом. Цветы гуашью и акрилом получаются очень эффектными. Гуашью так же можно работать в сочетании с акварелью, пастелью, темперой.

«Сухая кисть» — в живописи и графике вспомогательный технический прием, состоящий в работе слабо насыщенными краской жесткими кистями. В качестве самостоятельной техники сухая кисть применяется главным образом в декоративном искусстве. Прием внешне имитирует цветные карандаши. Прост в исполнении. Дает возможность легко смешивать цвета прямо на бумаге.

Сухая лессировка — не менее интересный метод. Сухая кисть оставляет красочный след, из-под которого светятся нижние слои.

Сфумато — тонкий переход ц
вета в цвет. Смягчение очертаний фигур и предметов в светотеневой моделировке в целом, которое позволяет передать окутывающий их как воздух. Прием сфумато, как важнейший элемент воздушной перспективы был теоретически обоснован и применен Леонардо да Винчи.

Штамповка — Нанесение оттисков при помощи губки, ваты или даже скомканного

листа бумаги. . Особенно удачно при этом можно имитировать грубую землю, густую траву или листву. Кроме губки, фактуру можно создавать также полоской гофрированной бумаги или сложенного несколько раз картона, — при этом возникают очень необычные и неожиданные эффекты.

В переводе с французского слово «гуашь» означает «водяная краска». Гуашевые краски обладают большими кроющими возможностями, непрозрачны, хотя и разводятся водой (см. Краски).

В технике гуаши художники пишут по бумаге, картону, фанере, плотному шелку. Работы имеют матовую, бархатистую поверхность. Но при использовании гуаши возникают свои трудности — краски после высыхания быстро светлеют. Требуется немалый опыт, чтобы предугадать степень изменения тона и цвета.

Гуашь была широко известна уже в средние века, когда ею выполнялись книжные миниатюры (обычно в сочетании с акварелью) во многих странах Азии и Европы, а в эпоху Возрождения — эскизы, картоны, портретные миниатюры. В России техника гуаши достигла высокого развития в искусстве конца XIX — начала XX в. Художники В. А. Серов, А. Я. Головин, С. В. Иванов писали гуашью большие станковые произведения, мастерски используя ее плотный цвет для достижения впечатляющих декоративных эффектов.

По-разному используют технику гуаши известные художники. Так, картина Б. М. Кустодиева «Ярмарка» написана корпусно, в декоративной манере. Пестрые одежды людей, постройки живописец показал обобщенно, особенно ряды палаток, крыш и за ними темную полоску леса.

Б. М. Кустодиев. Ярмарка.
1908. Бумага, гуашь.

Б. М. Кустодиев. Ярмарка.
1908. Бумага, гуашь.
Государственная Третьяковская галерея

Замечательным мастером гуаши был А. С. Степанов, известный своими произведениями, посвященными пейзажу и животным. Одна из лучших его работ — «Волки». Удивительно живо написаны хищники, голодные, настороженные. Бледен лунный свет, таинственно освещен небосвод. Серебристо-синяя гамма создает ощущение ночной стужи.

Часто обращались к технике гуаши художники объединения «Мир искусства». Нередко они соединяли гуашь с другими материалами. Например, в работе «Прогулка короля» А. Н. Бенуа использовал помимо гуаши акварель, золото, серебро. Применение двух последних материалов придало картине помпезность, столь характерную для тогдашних обитателей Версаля.

А. Н. Бенуа. Прогулка короля

А. Н. Бенуа. Прогулка короля
1906. Бумага на картоне, гуашь, акварель,
бронзовая краска, серебряная краска,
графитный карандаш, перо, кисть
Государственная Третьяковская галерея

Очень часто гуашью выполняются плакаты, эскизы театральных декораций, декоративно-оформительские работы.

Как работать гуашью

Для работы с гуашью лучше всего пользоваться фарфоровой или пластмассовой палитрой с лунками для красок по краям или просто ровной белой доской небольшого размера (30×40 см). Кисти круглые и плоские (см. Кисти). Щетинные кисти вы можете употреблять при работе над декоративным панно, плакатами и лозунгами. Но здесь вам понадобятся еще плакатные перья или палочки, заточенные в виде лопаточки. А при работе на большой плоскости используйте флейц — плоскую щетинную кисть. Поверхность покройте гуашью несколько раз, не дожидаясь высыхания краски. Если получились неровности, выровняйте влажным флейцем всю плоскость. Сначала полосы проведите последовательно слева направо по горизонтали, а затем — поверх покрытия. Не наносите слишком толстого красочного слоя: он легко растрескивается и осыпается. Высыхает гуашь при комнатной температуре в течение часа.

Работать лучше на планшете, но можно и на стираторе — фанерном планшете с наружной рамой, зажимающей края бумаги, или с двумя рамами, вставленными одна в другую.

Рисуйте гуашью на белой рисовальной бумаге, оберточной или на сером картоне. Для ровного натягивания бумагу на планшет положите так, чтобы ее края с каждой стороны на 2-4 см были больше планшета. Затем смочите бумагу с обеих сторон губкой, пока она не ляжет ровно. После этого бумагу подсушите ватой, а края планшета смажьте мучным клейстером или декстрином. Наклеивание начинайте с середины планшета, равномерно натягивая во все стороны. Углы закрепите кнопками. Для сушки готовый планшет положите горизонтально на ровное место, бумагой вверх. Ваш материал для работы гуашевыми красками готов.

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, – к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Солнечная живопись Абе Тошиюки

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Глядя на картины известных художников, невольно восхищаешься их творчеством, умением изобразить в ярких красках окружающий мир. Каждый из нас также может попытаться овладеть искусством рисования и сделать это увлечение своим любимым занятием. Здесь представлены красивые рисунки гуашью для начинающих, они позволят испытать свой талант в живописи и овладеть техникой рисования красками.

Чтобы усвоить технику рисования гуашью для начинающих, необходимо иметь для работы:

• Набор гуашевых красок из двенадцати цветов.

• Пару плоских кистей из свиной щетины.

• Палитру и посуду с водой.

Аромат гуашевых красок каждому знаком с детства. Как рисовать гуашью, понять не трудно, техника такого рисования довольно проста. Рисовать необходимо, начиная с наброска рисунка карандашом.

Для нанесения краски и ее смешивания используют мастихин. С его помощью можно наносить краску ровными мазками.

С раннего возраста мы рисуем гуашью в альбоме простой незатейливый пейзаж. Но, нарисовать такими красками можно и узоры, и цветы, горы, и даже городские постройки. Для начинающих работать с гуашью – просто идеальный вариант.

Прорисовывая эскиз карандашом, удается избежать ошибок и сделать работу аккуратно. Если же размазывать и смешивать краски непосредственно на холсте, то получится просто грязь на картине. Поэтому можно добавить в гуашь немного воды и она превратится в акварель.

Чтобы узнать, как научиться рисовать гуашью красиво, нужно познакомиться с поэтапной техникой. Эта методика заключается в том, что в ходе рисования гуашь наносится только горизонтально.

Первым делом нарисуем темные фрагменты картины, а уже потом светлым цветом изображаем блики. В результате получаем нужный цвет без следов грязи.

Техники рисования гуашью

Среди известных художникам техник раскрашивания картины гуашью распространенными являются следующие:

1. Влажным слоем краски по еще не высохшему слою. В этом случае краска ложится плотно и долго сохнет. Такой метод более подходит для рисования акварелью.
2. Сухой кистью производится нанесение гуашевых красок на высохший слой.
3. С помощью губки создается фактурная картина. Эта техника идеально подходит, когда мы рисуем осенний пейзаж, можно легко изобразить яркие краски золотой осени.
4. Новичку поднимет настроение и поможет побороть волнение техника разбрызгивания краски по холсту. Достаточно смочить кисть в краске и разбрызгать гуашь по бумаге или полотну. Получается яркая и красивая живопись. Обязательно научись этому способу нанесения краски, который помогает натренировать руку.

Статья по теме: Как просто нарисовать картину красками по номерам?

Разумеется, мы не нарисуем картину без правильно подобранной кисти. Желательно выбирать кисточки из нейлона, козьего или свиного волоса.

На видео: как красиво нарисовать небо гуашью.

Виды гуаши

Гуашь пригодна для рисования на картоне, бумаге, холсте и других поверхностях. Но не всякая гуашь обладает такими универсальными свойствами. Рассмотрим основные виды таких красок:

• Пригодна для нанесения на поверхности, предназначенные только для рисования. Она впитывается в материал и позволяет наносить второй слой, делая краски на картине более насыщенными и яркими.

• Обладает более насыщенным пигментом и яркими красящими способностями. Ею разукрашивают театральные декорации. Детская гуашь содержит в своем составе клей ПВА, поэтому она быстро высыхает. Такой гуашью удобно работать на фанере, керамике или холсте. А вот акриловая краска отлично ложится на любые поверхности, а после высыхания не смывается и не теряет свой первоначальный цвет.

• Флуоресцентная гуашь. Удивительна по своим свойствам и качеству. Под воздействием ультрафиолетовых лучей она светится. Цвет является слишком ярким, что придает рисунку особую красоту.

Пошаговый способ помогает постичь основы рисования гуашью даже детям. Такие уроки позволят освоить это прекрасное творчество и научиться рисовать в определенной последовательности, правильно подобрать краски для отражения реальной красоты природы, представителей растительного и животного мира на холсте.

Создавать картины природы, как и рисунки на любую другую тему, необходимо с карандашного наброска. Проще всего рисовать, начиная с верхней части холста или листа бумаги. Как правило, вверху находится небо, которое по карандашным контурам окрашивается в синий цвет.

Облака рисуют белилами, нанеся кистью белые блики по синему небу.

Горы изображаются коричневыми красками, а растительность – зелеными тонами. Деревья внизу изображают более светлой или темно-зеленой гуашью. Главное, чтобы цвета на картине выглядели как в реальности. Краски можно смешивать прямо на листе, периодически меняя воду. Для изображения тонких линий нужно правильно подобрать кисточку.

Статья по теме: Основы рисования красками на лице

Пользуясь гуашью, необходимо придерживаться следующих советов:

• Приобрести гуашь можно в тюбиках или в баночках, каждый выбирает наиболее удобную для себя упаковку.
• Цвета нужно выбирать те, которые понадобятся для работы над картиной.
• Пробы нужно делать на палитре, только подобрав нужный цвет, переносить его на холст.
• Если краска трескается, в нее добавляют немного гуммиарабика и тщательно размешивают.
• Чтобы нанести следующий слой, нужно дождаться, пока высохнет предыдущий.
• Желательно после высыхания покрыть картину лаком.

Постигнув технику рисования, можно добиться успехов в художественном творчестве. Продвигаясь пошагово, от простого к сложному, начинающие художники постепенно овладевают техникой рисования гуашью. Ниже представлены видеоуроки, задача которых — помочь максимально точно изобразить выбранный сюжет на полотне. Такой поэтапный подход позволяет быстрее научиться работать с такими красками, как гуашь.

Уроки рисования гуашью для начинающих (2 видео)

Больше идей для рисунков (27 фото)

Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы. Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном. Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров. Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.

Русскую живопись по праву выделяют из мирового художественного искусства. Дело в том, что до семнадцатого столетия, отечественная живопись была связана исключительно с религиозной темой. Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления. Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи. В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина. Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь. Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард. Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире. Их картины стали предшественниками абстракционизма. Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россию

«Любым материалом можно создать шедевр. Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Величественная и многообразная русская живопись всегда радует зрителей своим непостоянством и совершенством художественных форм. В этом особенность произведений знаменитых мастеров искусства. Они всегда удивляли своим необыкновенным подходом к работе, трепетному отношению к чувствам и ощущением каждого человека. Возможно, поэтому русские художники так часто изображали портретные композиции, на которых ярко сочетались эмоциональные образы и эпически спокойные мотивы. Недаром Максим Горький когда-то сказал, что художник – это сердце своей страны, голос всей эпохи. Действительно, величественные и элегантные картины русских художников ярко передают вдохновение своего времени. Подобно устремлениям знаменитого автора Антона Чехова, многие стремились внести в русские картины неповторимый колорит своего народа, а также неугасимую мечту о прекрасном. Сложно недооценить необыкновенные полотна этих мастеров величественного искусства, ведь под их кистью рождались поистине необыкновенные работы разнообразных жанров. Академическая живопись, портрет, историческая картина, пейзаж, работы романтизма, модерна или символизма – все они до сих пор несут радость и вдохновение своим зрителям. Каждый находит в них что-то более чем колоритные цвета, изящные линии и неподражаемые жанры мирового искусства. Возможно, такое обилие форм и образов, которыми удивляет русская живопись, связана с огромным потенциалом окружающего мира художников. Еще Левитан говорил, что в каждой нотке пышной природы заложена величественная и необыкновенная палитра красок. С таким началом появляется великолепное раздолье для кисти художника. Поэтому все русские картины отличаются своей изысканной суровостью и притягательной красотой, от которой так нелегко оторваться.

Русскую живопись по праву выделяют из мирового художественного искусства. Дело в том, что до семнадцатого столетия, отечественная живопись была связана исключительно с религиозной темой. Ситуация изменилась с приходом к власти царя-реформатора — Петра Первого. Благодаря его реформам, русские мастера стали заниматься и светской живописью, произошло отделение иконописи как отдельного направления. Семнадцатое столетие – время таких художников, как Симон Ушаков и Иосиф Владимиров. Тогда, в российском художественном мире зародился и быстро стал популярным портрет. В восемнадцатом веке появляются первые художники, перешедшие от портретной живописи к пейзажной. Заметна ярко выраженная симпатия мастеров к зимним панорамам. Восемнадцатое столетие запомнилось также зарождением бытовой живописи. В девятнадцатом веке в России популярность получили целых три течения: романтизм, реализм и классицизм. Как и прежде русские художники продолжали обращаться к портретному жанру. Именно тогда появились известные во всём мире портреты и автопортреты О. Кипренского и В. Тропинина. Во второй половине девятнадцатого столетия, художники всё чаще и чаще изображают простой русский народ в его угнетённом состоянии. Реализм становится центральным течением живописи этого периода. Именно тогда появились художники-передвижники, изображающие только настоящую, реальную жизнь. Ну, а двадцатое столетие – это, конечно же, авангард. Художники того времени значительно повлияли как на своих последователей в России, так и во всём мире. Их картины стали предшественниками абстракционизма. Русская живопись – это огромный удивительный мир талантливых художников, прославивших своими творениями Россию

Преимущества гуашевых красок в том, что можно с легкостью регулировать густоту краски, добавляя воду. Гуашь практически не обладает запахом и быстро высыхает. Ошибки можно не стирать, так как один слой можно легко перекрыть другим более темных тонов.Для работы гуашь следует разводить до консистенции очень жидкой сметаны, но не до такой степени, чтобы краска оказалась просвечивающей. Она должна оставаться плотной, непрозрачной. К тому же слишком жидко положенная краска при высыхании образует по границам мазков темные каемки. Не следует класть гуашь и слишком густо, толстым слоем или перекрывать много раз одно и то же место – она плохо закрепится на основании и после высыхания будет осыпаться, как штукатурка. Это может привести и к появлению темных пятен на поверхности от выступившего свободного клея(заклеивание). Чтобы закрасить поверхность ровно, необходимо брать краску кистью, смоченной в воде, причем краска должна быть равномерной плотности, иначе, при высыхании могут получиться полосы. Кроме того, для получения более ровной поверхности, лучше пользоваться картоном или шероховатой бумагой. Для гуаши применяют мягкие, упругие колонковые или беличьи кисти, особенно плоские, но пользуются и круглыми. Живописцы-станковисты часто пишут эластичными круглыми и щетинистыми кистями.Техник, позволяющих рисовать гуашью яркие и насыщенные композиции, множество. Тем, кто уже работал с акварелью, основные способы работы с гуашевыми красками знакомы. Можно наносить слои гуаши равномерно друг на друга, закрашивая светлые участки темными или наоборот. Если наносить гуашь прозрачными тонкими слоями, то рисунок получается реалистичным. Подобная техника позволяет вносить множество изменений по ходу работы.Техника «по мокрому» используется, когда требуется добиться четких очертаний. Метод разбрызгивания при помощи маленькой кисти доставляет множество приятных моментов начинающим художникам. В отличие от акварели, не нужно строго соблюдать порядок рисования, от светлых к темных тонам, можно использовать любые цвета.Хранят гуашь при комнатной температуре в плотно закрытых банках, ее нельзя охлаждать ниже нуля. Если гуашь засохла, то ее легко восстановить. Краску заливают водой или слабым раствором желатинового клея и растворяют в течение двух-трех суток, после этого хорошо размешивают до получения однородной массы. Хранить работы, сделанные гуашью, лучше всего в папках. Листы не должны тереться друг о друга, чтобы этого избежать, нужно прокладывать их листками тонкой бумаги.

Я всё ещё хожу по блогам разных художников и присматриваюсь к гуаши, которой люди работают. (Своя разная у меня тоже есть, но надо же посмотреть, что люди делают.) Я поняла, что лично мне акварель плохо подходит для пленэра. Нужно что-то более кроющее и быстрее сохнущее. И заодно менее капризное. Поэтому гуашь кажется сейчас более оптимальным вариантом для пленэрной работы, когда очень быстро меняется свет, погодные условия и нет толком никаких удобств.

На масло я пока не созрела, нужно слишком много тяжестей за собой носить, включая холсты или доски для работ, а так же специальный ящик для этюдов, чтобы они не размазывались при перевозке. А у меня уже сейчас при снаряжении для работы акварелью, пастелью и цветными карандаши просто плечи отрываются. Настолько, что после последних поездок прошлого месяца я живу с Вольтареном. Это не мужик какой, если что. Это мазь от боли в мышцах и суставах.

Мои самые любимые художники-пленэристы сейчас Джеймс Гарни (James Gurney) и Нейтен Фоукес (Nathan Fowkes). Оказалось, что и тот, и другой — иллюстраторы, как и я сама, которые выходят на пленэр или рисуют с натуры для вдохновения и для прокачки художественных мышц. Я не специально по этому принципу их выбирала — просто так получилось. Джеймс знаменит своей «Динотопией » (кстати, недавно вышла его книга по рисованию на русском языке «Цвет и свет» , на английском здесь: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)), а Нейтен — художник-аниматор (поучиться у него можно на www.schoolism.com). И так мне нравится, с какой лихостью и скоростью оба этих товарища работают на пленэре гуашью, что даже кончики пальцев колют — хочется бросаться и самой ваять именно гуашью или казеином.

Работы Джеймса Гарни отсюда

Работы Нейтана Фоукес отсюда

Это мои герои сейчас, в общем-то. Хотелось бы перейти в работах с натуры с детального вытюкивания к более свободному мазку. Но не потому, что я разлюбила чахнуть над деталями — такого не случится, обожаю я их. А потому что хотелось бы видеть после пленэра готовые или почти готовые работы, которые можно было бы использовать для более серьёзных полотен. Потому что сейчас, пока я довожу до ума наброски с натуры и дорисовываю — по памяти и по фото — на более крупный повтор уже сил нет.

В поисках сортов гуаши я наткнулась на ещё одного талантливого иллюстратора, на которого здесь ссылаться не буду, потому что он вызывает у меня некоторые внутренние противоречия. Причём я часто сталкивалась с тем, что именно у западных иллюстраторов бесполезно спрашивать про материалы или какие-то тонкости работы. Они в 90% случаев просто не отвечают и особо не распыляются на тему того, как именно они работают. Прекрасно понимаю их позицию, но считаю ее фу. Но тут оказалось, что есть ещё более превосходная степень. Талантливый иллюстратор, на которого я НЕ ссылаюсь, на все вопросы о технике и используемых материалах отвечает очень чётко:»Please send me an email to purchase the information» (Вышлите мне письмо, чтобы купить информацию). Я сначала думала, что он просто опечатался, когда увидела подпись и под одной из работ после перечня используемых материалов. Потому что purchase information — это информация о покупке, а вот to purchase the information — покупка информации. Но нет. Человек действительно делится информацией только за деньги. И я не пойму пока, как к этому отношусь.

С одной стороны он прав. Эта информация ему тоже не сама с неба упала. В свою технику работы он инвестировал время и деньги. Страшно подумать, сколько денег я уже потратила на то, чтобы найти оптимально подходящие мне материалы. Так и у него. Почему он должен делиться теперь с кем-то бесплатно? Я сама уже достаточно часто сталкивалась и с тем, что мои подробные рассказы или продуманные темы и уроки, которые люди получили бесплатно, были использованы для целых мастер-классов, то есть монетизированы и всё мимо меня в чужую копилку, в том числе и в копилку признания. Но есть же ещё такая вещь, как творческий обмен. Без него нет нормального развития. Есть только застой. Что если именно моя информация, которой я от души поделилась, помогла стать на ноги какому-то очень крутому художнику?! Ведь без него мир был бы куда беднее.

Другой момент. Лично я не готова платить человеку за информацию, без которой могу спокойно обойтись (ну дальше поищу, чего там). За мастер-класс — да. А за одно предложение, каким валиком он наносит краску или в каких пропорциях разводит — скорее нет. Хотя, это же и плата за потраченное на объяснения время! И вдруг мне именно эта деталь помогла бы больше любого мастер-класса? Очень сложная тема.

А вы что думаете по этому поводу? Правильно ли поступают художники, которые все свои знания монетизируют? Молодцы они или противно это? Только, пожалуйста, не говорите мне про золотую середину, что можно и бесплатно делиться и одновременно в купюры переводить разными мастер-классами и продажами. Об этом речи не идёт. Это и так понятно, что можно и вот так по-умному, типа. А что насчёт бескопромиссного: «Чтобы купить эту информацию, напишите мне имейл»?

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс.

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, – к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Солнечная живопись Абе Тошиюки

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Француз Кристиан Гранью (

Воронежский художник Ольга Бражникова известна своими яркими, солнечными работами, выполненными гуашью. Путь к искусству для неё был непростым, отказавшись от работы конструктора, она поступила в Воронежское художественное училище, а в этом году окончила педуинверситет по специальности «Изобразительное искусство». Ольга в основном работает с гуашью и разрушает стереотипы, связанные с этим материалом. Для «Умбра Медиа» художница показала свою домашнюю мастерскую и рассказала, как творчество изменило её жизнь.

Про учёбу
«Сбежала от работы на заводе»

— Когда ты поняла, что хочешь стать художником?

Мне всегда нравилось рисовать, но в представлении моих родителей (мама работала бухгалтером, папа до сих пор трудится на авиационном заводе) художник – это несерьезная профессия. Так что пришлось мне поступить в авиационный колледж. Не понимаю, как я его смогла закончить. Помогло мое умение неплохо рисовать, делала стенгазеты за зачёты. Когда учёба подходила к концу, я поняла, что ни за что не пойду на завод. И пошла в вечернюю художественную школу, чтобы хоть что-то у меня было для души. Преподаватель предложила мне поступить в Воронежское художественное училище.

— Как родители восприняли, что ты хочешь стать художником?

Они не верили, что я поступлю. Была забавная история. Папа говорил, что знал мужчину, который мог палочкой на песке нарисовать портрет Ленина! А если я так не могу, значит, не художник. Не смотря ни на что я готовилась к поступлению, 2-3 месяца ходила на курсы, занималась отдельно рисунком с преподавателем. И когда я поступила, родители меня поддержали и были рады. И уже позже, когда мои работы стали брать на выставки, они поверили в меня. После училища, я попала на оборонное предприятие, где до сих пор работаю дизайнером. У меня был довольно длительный перерыв – семь лет, но потом решила вернуться к живописи и творчеству. В 2013 году поступила в Воронежский государственный педуниверситет, который окончила в этом году.

Про материалы
«Мало кто верит, что мои картины написаны гуашью»

— Почему ты выбрала гуашь, чем тебе интересен этот материал?

Гуашью я увлеклась в пединституте. Раньше я воспринимала ее больше как переходный этап к маслу. Но сейчас это мой любимый материал. Она быстро сохнет, без запаха, даёт фактурные мазки и яркие цвета. Пишу я пастозно, гуашь не разбавляю водой. Рисую обычно на плотной бумаге. Маслом, конечно, в квартире не так удобно работать. Особенно с учетом того, что моя кошка постоянно норовит вляпаться в какую-нибудь баночку. Как-то я писала маслом, ненадолго отвлеклась, а она уже влезла в синюю краску и по все квартире оставила отпечатки лап. Потом мы весь вечер эти следы оттирали.

— Что ты думаешь по поводу того, что гуашь часто называют «детским» материалом?

Мне кажется, это стереотип и предубеждение. Именно в гуаши, по мнению моих коллег, у меня появился собственный стиль. Когда я выкладываю свои работы в интернете, многие пишут, как сильно они удивлены, что картины написаны гуашью, а не маслом. Гуашь – не детское творчество, а достойный материал. Мне кажется, что вообще любым материалом можно создавать шедевры, материал не первостепенную роль здесь играет.

— Что тебя вдохновляет?

Я люблю городские пейзажи. Домики, которые пожили, и у них есть своя история, меня завораживают. Обычно я гуляю по городу, снимаю сюжеты, а потом дома пишу. Люблю буйство цвета, фактурные мазки. А из современных художников меня очень вдохновляют акварели Аруша Воцмуша.

— В какой атмосфере тебе нравится работать – в тишине, или под музыку?

Когда пишу, чаще всего слушаю старый добрый рок. Одни из любимых групп – «Аквариум» и The Doors

Распространено мнение, что академическое образование «убивает» индивидуальность художника. Что думаешь по этому поводу?

Мне кажется, образование в художественной сфере как никогда сейчас важно. Когда ты смотришь те же видеоуроки через интернет, не являешься соучастником процесса, а это необходимо. Я думаю, что академическое образование помогает обрести навыки рисования. Я училась у Александра Старилова, он был разноплановый художник, архитектор, новатор. Он считал, что надо иметь классическое образование, а потом уже искать свой стиль, тот же примитивизм не рождается из ничего. И я с ним согласна.

Про реализацию
«Художник – больше, чем профессия»

— Как тебе удается совмещать работу дизайнера, творчество и семью?

Сложно, пишу в основном в выходные. А дочь уже взрослая, с ней не требуется быть всё время вместе, у неё уже полно своих интересов. В период, когда я не рисовала, я постоянно чувствовала, что мне этого не хватало. Сейчас я не собираюсь бросать живопись, мне нравится заниматься творчеством и поиском. Быть художником – для меня это смысл жизни и больше чем профессия. Создание картины для меня это какая-то загадка, хотя, конечно, с технической точки зрения никакой загадки нет. Но процесс всегда интригует – интересно, что же в итоге выйдет.

— Что у тебя в планах в ближайшее время? Хотелось бы иметь собственную мастерскую?

Мне очень хочется участвовать в выставках, а не замыкаться в своем пространстве. Надеюсь, что в скором времени смогу сделать персональную выставку в художественном училище. А мастерская – возможно, дело только отдалённого будущего. Пока все мои работы помещаются в квартире. Мы недавно сделали ремонт. Стены специально покрасили в белый, чтобы можно было развесить картины. Пространство для работы я организовала так, чтобы вокруг чувствовался воздух и было много света. Пока оно не обросло всевозможными интересными предметами и деталями, но думаю, что это ненадолго.

З нойным дачным летом или в затяжную вьюгу. Не выходя из дома, можно найти вдохновение в обычных фруктах или необычных цветах. Объект не пытается повернуть голову, как на портрете, и не меняет ежесекундно тени на свет, как на пейзаже. Тем и хорош жанр натюрморта. И «мертвая природа» в переводе с французского, или «тихая жизнь вещей» в голландской версии, очень даже оживляет интерьер. Наталья Летникова представляет топ-7 натюрмортов русских художников .

«Лесные фиалки и незабудки»

Лесные фиалки и незабудки

Картина Исаака Левитана словно синее небо и белое облако — от певца русской природы. Только на полотне не родные просторы, а букет полевых цветов. Одуванчики, сирень, васильки, бессмертник, папоротник и азалия… Мастерская художника после леса превращалась «не то в оранжерею, не то в цветочный магазин». Левитан любил цветочные натюрморты и учил своих учеников видеть и цвет, и соцветия: «Надо, чтобы от них пахло не краской, а цветами».

«Яблоки и листья»

Яблоки и листья

Работы Ильи Репина органично оттеняют блестящую обстановку Русского музея. Художник-передвижник составил композицию для своего ученика — Валентина Серова. Вышло столь живописно, что учитель и сам взялся за кисть. Шесть яблок из обычного сада — помятые и с «бочками», и ворох листьев, подернутых осенними красками, в качестве источника для вдохновения.

«Букет цветов. Флоксы»

Букет цветов. Флоксы

Картина Ивана Крамского. «Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже всё, а у нас дела непочатый угол», — писал Крамской Васнецову. И все же жанр натюрморта в конце жизни известный портретист вниманием не обошел. Букет флоксов в стеклянной вазе был представлен на XII передвижной выставке. Картину купили еще до открытия вернисажа.

«Натюрморт»

Натюрморт

Казимир Малевич на пути к «Черному квадрату» через импрессионизм и кубизм, минуя реализм. Ваза с фруктами — плод творческих исканий, даже в рамках одной картины: густые черные линии французской техники «клуазоне», плоская посуда и объемные фрукты. Все составляющие картины объединяет только цвет. Свойственный художнику — яркий и насыщенный. Словно вызов пастельным тонам реальной жизни.

«Селедка и лимон»

Селедка и лимон

Четверо детей и живопись. Такое сочетание в жизни художника безошибочно диктует жанр. Так вышло у Зинаиды Серебряковой. Многочисленные семейные портреты и натюрморты, по которым можно составлять меню: «Корзина с фруктами», «Спаржа и земляника», «Виноград», «Рыба на зелени»… В руках настоящего мастера и «селедка и лимон» станут произведением искусства. Поэзия и простота: спиралью кожица лимона и лишенная изысков рыба.

«Натюрморт с самоваром»

Натюрморт с самоваром

Ученик Серова, Коровина и Васнецова, «Бубновый валет» — Илья Машков любил изобразить окружающий мир, да поярче. Фарфоровые фигурки и бегонии, тыквы… Мясо, дичь — в духе старых мастеров, и хлебы московские — зарисовки со Смоленского рынка столицы. И по русской традиции — куда ж без самовара. Натюрморт из области праздничного бытия с фруктами и яркой посудой дополняет череп — напоминание о бренности жизни.

«Этюд с медалями»

Этюд с медалями

Натюрморт по-советски. Художник ХХ века Анатолий Никич-Криличевский на одной картине показал целую жизнь первой советской чемпионки мира в конькобежном спорте — Марии Исаковой. С кубками, за каждым из которых — годы тренировок; медалями, которые доставались в упорной борьбе; письмами и огромными букетами. Красивая картинка для художника и художественная летопись спортивных успехов. Натюрморт-история.

В переводе с французского слово «гуашь» означает «водяная краска». Гуашевые краски обладают большими кроющими возможностями, непрозрачны, хотя и разводятся водой (см. Краски).

В технике гуаши художники пишут по бумаге, картону, фанере, плотному шелку. Работы имеют матовую, бархатистую поверхность. Но при использовании гуаши возникают свои трудности — краски после высыхания быстро светлеют. Требуется немалый опыт, чтобы предугадать степень изменения тона и цвета.

Гуашь была широко известна уже в средние века, когда ею выполнялись книжные миниатюры (обычно в сочетании с акварелью) во многих странах Азии и Европы, а в эпоху Возрождения — эскизы, картоны, портретные миниатюры. В России техника гуаши достигла высокого развития в искусстве конца XIX — начала XX в. Художники В. А. Серов, А. Я. Головин, С. В. Иванов писали гуашью большие станковые произведения, мастерски используя ее плотный цвет для достижения впечатляющих декоративных эффектов.

По-разному используют технику гуаши известные художники. Так, картина Б. М. Кустодиева «Ярмарка» написана корпусно, в декоративной манере. Пестрые одежды людей, постройки живописец показал обобщенно, особенно ряды палаток, крыш и за ними темную полоску леса.

Б. М. Кустодиев. Ярмарка.
1908. Бумага, гуашь.

Б. М. Кустодиев. Ярмарка.
1908. Бумага, гуашь.

Замечательным мастером гуаши был А. С. Степанов, известный своими произведениями, посвященными пейзажу и животным. Одна из лучших его работ — «Волки». Удивительно живо написаны хищники, голодные, настороженные. Бледен лунный свет, таинственно освещен небосвод. Серебристо-синяя гамма создает ощущение ночной стужи.

Часто обращались к технике гуаши художники объединения «Мир искусства». Нередко они соединяли гуашь с другими материалами. Например, в работе «Прогулка короля» А. Н. Бенуа использовал помимо гуаши акварель, золото, серебро. Применение двух последних материалов придало картине помпезность, столь характерную для тогдашних обитателей Версаля.

А. Н. Бенуа. Прогулка короля

А. Н. Бенуа. Прогулка короля
1906. Бумага на картоне, гуашь, акварель,
бронзовая краска, серебряная краска,
графитный карандаш, перо, кисть
Государственная Третьяковская галерея

Очень часто гуашью выполняются плакаты, эскизы театральных декораций, декоративно-оформительские работы.

Как работать гуашью

Для работы с гуашью лучше всего пользоваться фарфоровой или пластмассовой палитрой с лунками для красок по краям или просто ровной белой доской небольшого размера (30×40 см). Кисти круглые и плоские (см. Кисти). Щетинные кисти вы можете употреблять при работе над декоративным панно, плакатами и лозунгами. Но здесь вам понадобятся еще плакатные перья или палочки, заточенные в виде лопаточки. А при работе на большой плоскости используйте флейц — плоскую щетинную кисть. Поверхность покройте гуашью несколько раз, не дожидаясь высыхания краски. Если получились неровности, выровняйте влажным флейцем всю плоскость. Сначала полосы проведите последовательно слева направо по горизонтали, а затем — поверх покрытия. Не наносите слишком толстого красочного слоя: он легко растрескивается и осыпается. Высыхает гуашь при комнатной температуре в течение часа.

Работать лучше на планшете, но можно и на стираторе — фанерном планшете с наружной рамой, зажимающей края бумаги, или с двумя рамами, вставленными одна в другую.

Рисуйте гуашью на белой рисовальной бумаге, оберточной или на сером картоне. Для ровного натягивания бумагу на планшет положите так, чтобы ее края с каждой стороны на 2-4 см были больше планшета. Затем смочите бумагу с обеих сторон губкой, пока она не ляжет ровно. После этого бумагу подсушите ватой, а края планшета смажьте мучным клейстером или декстрином. Наклеивание начинайте с середины планшета, равномерно натягивая во все стороны. Углы закрепите кнопками. Для сушки готовый планшет положите горизонтально на ровное место, бумагой вверх. Ваш материал для работы гуашевыми красками готов.

САНКТ-ПЕТЕРБУРГ. «Гуашь два О» — под таким названием Музей «Эрарта» 20 мая представил коллективную выставку художников, чьи работы выполнены гуашью. Организаторы выставки отметили, что сегодня существует не слишком много художников, использующих для выполнения своих произведений гуашь и бумагу.

Большинство живописцев предпочитают создавать картины маслом, акрилом, темперой. Традиционные художественные техники постепенно заменяются компьютерной графикой. Гуашь на бумаге стала техникой, далёкой от коммерческих интересов. Однако такое отношение к произведениям, выполненным гуашью, привело к появлению художников, выбравших эту технику для души, превративших её в чистое искусство, не зависящее от интересов рынка.

Гуашь, как и акварель, требует от художников виртуозного владения кистью, мастерства и смелости. В работах, выполненных водяными красками, невозможно исправить допущенные ошибки, следовательно, их не должно быть.

В разных странах работы гуашью относят к разным видам художественных техник. За рубежом произведения, написанные гуашью, считают живописными работами. Российские специалисты относят технику гуаши к оригинальной графике.

Известно, что гуашью пользовались художники ещё в античные времена. Выполняли работы гуашью и великие художники, жившие в двадцатом веке. Их имена известны всем, даже не относящим себя знатокам искусства – Пикассо, Матисс, Шагал.

Экспозиция выставки «Гуашь два О» составлена из работ художников, умеющих получать удовольствие от творчества, поэтому их картины наполнены оптимизмом и романтикой. Произведения, принадлежащие Арону Зинштейну, Александру Косенкову, Игорю Камянову, Евгении Голант и другим художникам-гуашистам, можно увидеть в музее «Эрарта» до 7 июля.

Людмила Траутмане © сайт

• «Азбука лунного света» от Бориса Гребенщикова в музее «Эрарта»
• Музей «Эрарта» представил в Сургутской галерее современного искусства «Стерх» выставку «Частная жизнь»

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, – к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Солнечная живопись Абе Тошиюки

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Поделись статьей:

Похожие статьи

Графика российских художников конца XIX–XX вв.

Коллекция отечественной графики конца XIX–XX веков в Сергиево-Посадском музее-заповеднике невелика по объёму, менее систематична и целостна, чем его живописное собрание этого периода. Но она обладает своей художественной значимостью в общем музейном комплексе.
Спецификой графической коллекции музея (так же, как и живописной) является преобладание в ней работ местных художников и определённая тематическая направленность, связанная с иконографией Троице-Сергиевой лавры и города. Особую её часть составляют отдельные листы (редко – циклы работ) известных мастеров отечественного изобразительного искусства – И.И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, К.С. Петрова-Водкина, В.А. Фаворского, Т.А. Мавриной и других (около 80 работ).

Первые шаги к формированию коллекции были сделаны в самом начале деятельности музея – в 1920–1921 годах: с «Выставки архитектурных мотивов ТСЛ» было закуплено более 30-ти графических произведений местных художников.
Наиболее ценная часть собрания – это приобретение в дар и закупка графических работ у частных лиц. Таким путём поступили в музей работы И.И. Шишкина, Б.М. Кустодиева, В.А. Фаворского, Л.С. Бакста. «Имена» (И.Репин, В.Маковский, И.Шишкин, К. Коровин и др.) «названы», но представлены единичными работами. «Персоналия» российского графического искусства в музейном собрании по сути одна – Т.А. Маврина (коллекция СПМЗ позволяет на примере лучших произведений показать её творчество в развитии – с 1940 х до 1970 х годов). Тем не менее, для «провинциального» собрания искусства конца XIX- XX веков и отдельные работы художников-классиков необычайно ценны.

Наиболее ранние образцы печатной графики в рассматриваемом нами комплексе произведений относятся к 80 м годам XIX в. Связаны они с одной «персоналией» – знаковой и значимой в истории русской гравюры этого периода – И.И. Шишкиным (1832 1898).
Напомним, что 1870-е годы – период переходный и «проходной» для русской печатной графики, время главенствования тоновой гравюры. Но и в этот не самый творческий период были подлинные виртуозы ксилографии (В.В. Матэ) и офорта (И.И. Шишкин). В нашем собрании имеются четыре офорта художника, созданные им в 1880 е годы (период, особенно плодотворный в творчестве Шишкина). Это блестящие по мастерству исполнения и тонкости передачи состояния природы листы «Гурзуф» (1885), «Чернолесье» (1885), «Апрель» (1885), «Болото на Варшавской железной дороге» (1886). В собрании музея также есть рисунки известных русских живописцев, таких как художник-передвижник Владимир Егорович Маковский (1846- 1920) и Валентин Александрович Серов (1865 — 1911). Портреты В.Е. Маковского, выполненные в рисунке, так же безукоризненны по композиции и завершённости, как и его работы маслом. Будучи мастером портрета, В.Е. Маковский обладал талантом верно передать не только внешнее сходство портретируемого, но и особенности его душевных движений, выделяя те главные черты характера, которые определяют поступки человека, его мысли и чувства. Валентин Серов, как и всякий настоящий художник, замечательно работал не только в масляной живописи, но виртуозно владел техникой рисунка. Многочисленные его работы карандашом и углем обладают такой же живостью и точностью в передаче характера изображаемых людей, таким же совершенством исполнения, как и его картины маслом.
В собрании музея есть несколько работ известных русских художников конца XIX – начала XX вв. Это, прежде всего рисунок Михаила Врубеля (1856–1910), крупнейшего представителя символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Наряду с листами Л.С. Бакста и М.А. Врубеля период расцвета русской графики рубежа XIX–XX веков и 1910-х годов представлен работой К.А. Коровина (1861–1939) – эскизом декорации 1917 г. к опере Н.А. Римского Корсакова «Садко». Этот эскиз является единственным «уцелевшим» образцом театрально-декорационной графики. Стилистически наш лист близок целому ряду театральных работ К. Коровина конца 1900-х–1910-х годов. Эскизы К. Коровина к «Садко» 1906, 1914 годов отличает более сложное композиционное построение, они включают в себя не только изображение «Хором», но и открытой террасы, сквозь пролёты которой виден пейзаж – «морская синь». Наш лист имеет камерное звучание: он представляет интерьер палаты с высоким сводом, небольшими окнами, изразцовой печью и лавками.
Коллекция графики музея обладает и небольшим рисунком Ильи Ефимовича Репина «Портрет писателя Леонтьева-Щеглова». И.Л. Леонтьев-Щеглов (1856—1911) — талантливый русский писатель и драматург
Графические листы Б.М. Кустодиева в собрании Сергиево-Посадского музея-заповедника – это три линогравюры 1926 г. (подписные, датированные автором), поступившие в 1928 г. из частной коллекции. В творчестве художника графика занимала большое место, хотя он и был, по преимуществу, живописцем. В 1920-е годы Кустодиев много занимался книжной иллюстрацией, плакатом и станковой гравюрой (ксилографией, литографией, линогравюрой). В 1926 г. Б.М. Кустодиевым было создано несколько композиций с «Купальщицами» в техниках линогравюры, ксилографии и акварели. В дневниковых записях за 1926 г. первого биографа Кустодиева В.В. Воинова (художника-графика, историка искусства, художественного критика) постоянно звучит тема работы Бориса Михайловича над линогравюрами «Купальщица» и «Купальщицы». Постоянной моделью в последние годы жизни Б.М. Кустодиева «для портретов, персонажей картин, обложек, гравюр, иллюстраций» служила его дочь Ирина. Она позировала отцу и для гравюры «Купальщица».
Над серией «Купальщиц» Б.М. Кустодиев работал, в буквальном смысле слова, до последних дней своей жизни: последняя гравюра этого цикла была сделана им 4 мая 1927 г. (а 26 мая художника не стало).
Творчество одного из выдающихся деятелей отечественного искусства XX в., классика гравюры на дереве В.А. Фаворского (1886–1964) представлено в музейной коллекции шестнадцатью графическими листами разных периодов: это и станковые работы, и книжные иллюстрации, и образцы его «шрифтовой графики».
Подбор листов во многом случаен, не все из них являются первоклассными или знаковыми работами мастера. В 1919 1939 гг. члены этой семьи (в том числе и Владимир Андреевич Фаворский) проживали в Сергиеве Загорске, были укоренены в его духовной и культурной жизни, создавали здесь многие свои произведения, а тесть В.А. Фаворского был одним из организаторов нашего музея.
Среди них – одно из самых известных, значительных произведений этого периода творчества мастера – станковая гравюра «Октябрь 1917» 1928 г. Эта ксилография была создана по первому государственному заказу Совнаркома к 10-летию Октябрьской революции. Тогда Фаворским была задумана серия «Годы Революции», где «расположенные в хронологическом порядке рисунки должны были год за годом воссоздавать всю историю Советского государства за первые 10 лет». Ксилография «Октябрь 1917» представляет собой развёрнутую сюжетно-повествовательную и, одновременно, знаковую, метафорическую композицию со множеством действующих лиц и нескольких эпизодов, достаточно органически слитых воедино.
Поздний период творчества В.А. Фаворского в нашей коллекции представляют гравюры из его лучших, самых известных циклов 1950-х годов, за которые в 1962 г. художник был удостоен Ленинской премии, – иллюстрации 1950 г. к «Слову о полку Игореве» и к «Борису Годунову» 1955 г., подаренные в музей в 1965 г.
Они прекрасно демонстрируют «поздний стиль» ксилографий Фаворского, где больше внимания уделяется внешнему облику героев, обстановке, костюму, где закономерно изменяются изобразительные средства: на смену аскетизму графических решений с выделением контуров и открытой штриховкой приходит определённая «живописность». Былинная торжественность, эпичность «Слова» полновесно звучат в многофигурной композиции («Перед битвой»), в которую Фаворский включает изображения русских воинов под боевым стягом и Гусляра. Из многообразия графических циклов В.А. Фаворского 50-х годов к драматургии А.С. Пушкина («Борис Годунов», «Маленькие трагедии») в коллекции музея представлена только одна иллюстрация к трагедии «Борис Годунов» – «Пимен и Григорий» 1955 г.

Коллекция произведений выдающегося отечественного графика и живописца Татьяны Алексеевны Мавриной в Сергиево-Посадском музее-заповеднике по своему объёму, уровню работ, их жанровому разнообразию может быть сопоставлена только с крупнейшими музейными собраниями страны, имеющими коллекции графики XX в. (ГМИИИ, ГТГ, ГРМ). Это шестьдесят два листа, поступившие к нам в 1977 1978 годах после проведения в музее персональной выставки автора. Сорок пять произведений были переданы Т.А. Мавриной в дар.
Хронологически коллекция мавринских работ охватывает большой период творчества художника (крайние даты – 1944 и 1976 годы; причём примерно равное количество листов относится к периодам 40 х, 50 х, 60 х и 70 х годов). Она представляет достаточное разнообразие графических техник, в которых плодотворно работала Маврина: это акварели, гуаши, листы, выполненные в смешанной технике (темпера, гуашь или темпера, гуашь, акварель), карандашные рисунки, рисунки тушью.

«Загорский цикл» Т.А. Мавриной, ярко выражающий её мироощущение, приоритеты в искусстве, её неповторимый стиль, часто и справедливо называемый «мавринским», начал складываться в 1940-е годы. «Сюжетный ряд» мавринских работ 50-х годов – «сказочно увиденный» ансамбль Лавры, Пятницкий монастырь, старый город и жизнь его обитателей – повседневная и праздничная, воплощённые в её особом, метафорически-поэтическом ключе, связанном с образностью народного искусства, фольклора. Столь же выразительны и свободны, смелы в рисунке, композиции, цвете листы 1960–1970-х годов. В их тематическом составе по-прежнему превалируют жанровые пейзажи, в самих названиях которых подчёркнут действенно-бытовой аспект. Классический образец «мавринского портрета» в нашем собрании – «Демидова» 1973 г. «Демидова» – замечательный пример органичного соединения двух жанров – «портрет в пейзаже»: крупное, фронтальное, поясное изображение «русской старушки» в белом платке на фоне летнего деревенского пейзажа, где по старинной традиции народных росписей и лубка надписи даются на самих изображениях.

названия и фото от Beesona

Онлайн-музей – высокое искусство!

Даже люди, далёкие от искусства, непременно будут в восторге, взглянув на великолепие и красочность картин известных художников. В них можно увидеть исторические оттенки и легенды, невиданные красоты прошлого и удивительные фантазии мастера, потрясающие архитектурные достопримечательности и поражающие воображение виды природы. Можно с уверенностью сказать, что взгляд на любую картину великих художников облагораживает человека и затрагивает струнки искусствоведа в его душе. А если вы являетесь поклонником живописи в целом или какого-то художника в частности, тогда взгляд на красочные картины мировых художников – это лучшее, что может быть для вас!

Онлайн–галерея

Однако далеко не всегда у нас есть возможность пойти в музей и посмотреть на картины лучших мировых мастеров. Чаще всего этому препятствует отсутствие достаточного количества времени у современных людей. Также стоит отметить, что разные картины одного и того же художника вы можете встретить в различных уголках планеты, а некоторые и вовсе есть только в частных коллекциях. Для того, чтобы не лишаться возможности быть ближе к миру искусства, вы можете воспользоваться нашей онлайн-галереей.

Здесь вы сможете увидеть множество картин от ведущих мастеров художественного мира! Это и величественная «Буря» Айвазовского, и поэтичные труды Леонардо да Винчи, и красочные пейзажи Саврасова. Пабло Пикассо в своих работах, помимо красок, использовал разные природные материалы, его картины до сих пор остаются загадкой. Такое видение мира – это неимоверный талант руки мастера.

Неповторимые работы мировых художников

Оцените непревзойдённые картины, выполненные акварелью, маслом и гуашью. Окунитесь в мир искусства, который доступен только для посетителей Эрмитажа и Третьяковской галереи. Глядя на представленную репродукцию картин известных художников, вы сможете ощутить аромат цветов, созданных Пьером Огюстом Ренуаром, и женское изящество, изображённое Андерсом Зорном. Все работы представлены в своём настоящем размере, как для просмотра, так и для скачивания. Вы можете детально рассмотреть картины ваших любимых и известных мировых художников, разгадывая тайну их написания.

Бесконечное великолепие

Наслаждаться любой из представленных в нашей галерее картин можно часами, изучать каждый мазок, восхищаться техникой и мастерством художника. При этом разные картины одного художника открывают новые грани его таланта.

Художник Валентин Серов изображал в своих работах портреты разных людей и обыденные пейзажи того непростого времени. Глядя на его работы, вы сможете догадаться, откуда маэстро черпал вдохновение для своих творений. Во множестве картин вы увидите грамотное сочетание прошлого и настоящего, реальности и фантазии, природы и человека. Посмотрев на превосходные работы признанных миром художников, вы непременно сможете найти вдохновение для любого рода собственной деятельности, а также для повседневной жизни.

Творчеству нет предела

Большинство современных авторов ищут идеи для своих картин в творчестве художников прошлых лет. Такой подход не является удивительным, ведь именно в таких работах можно найти средневековый романтизм, сказочный дух прошлого, а также очутиться в представленных мастером необычных местах и познакомиться с известными мировыми персонами. Всем известно, что настоящее искусство не обесценивается со временем, а лишь становится популярнее, весомее и принимает большую значимость даже в жизни простых людей.

Такая востребованность искусства в наши дни и стала причиной создания этого великолепного музея, который вы можете посетить даже у вас дома. Причём оценить буйство красок и великолепие идеи художников вы можете в любое время, что позволит вам регулярно открывать для себя множество новых загадок, содержащихся в картинах лучших мировых мастеров, таких как: Пикассо, Суриков, Репин, Буше и многих других.

А.Витт и Д. Леонтьев — Рисунки Старых мастеров

Рисунки Старых мастеров 

Передовые русские художники всегда придавали рисунку очень большое значение. В живописных картинах требовался рисунок правильный, точный, правдивый, как основа всего изображения. Изучать рисунок , можно, конечно, и в живописи, где он сочетается с красками, но понять его свойства легче, если обратиться к рисунку в его, так сказать, «чистом виде», к работам, выполненным пером, карандашом или в других графических техниках. Подобные рисунки великих мастеров метко передают лицо человека и пейзаж, и предметы нас окружающие, замыслы художника, пытающегося запечатлеть встающие перед ним образы – идеи будущих произведению.

 Еще в русской Академии художеств, в первые годы ее существования, стали собирать в качестве «образцов» или « оригиналов» листы рисунков старых западных художников, от итальянского Возрождения до Франции XVIII века. Великие русские художники, превосходные рисовальщик –  Карл Брюллов и Александр Иванов, Репин, Серов и другие мастера высоко ценили реалистические традиции мирового искусства. Не только в своих замечательных произведениях, но и в высказываниях о рисунке, выдающиеся русские мастера использовали и обобщали мировой опыт реалистического основания прошлых веков.

В русском искусстве , в русской теоретической мысли рисунок понимался не как внешнее средство, а как нечто очень существенное, очень важное, очень красноречивое – одновременно изображение и выражение внутреннего, смыслового начала.

« Все мужественное, твердое, благородное в искусстве выражается рисунком», — это слова знаменитого русского художника-педагога П.П. Чистякова, которому исключительно многим обязаны русские мастера второй половины и конца XIX века. «Рисовать – это рассуждать»,- говорил Чистяков и выставлял требование: «Надо любить натуру больше своего рисунка. Смотрите на натуру, а не на карандаш». Можно смело сказать, что как раз здесь и проходит основная грань между реалистической русской, а также и советской эстетикой рисунка с одной стороны, и той, которую проповедует современная буржуазная эстетика – с  другой.

Гольбейн Ганс (Старший) (1460 — 1524). Портрет сыновей художника. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж

В недавно вышедшей в США книге о «Творческой иллюстрации»* (Creative Illustration. Andrew Loomis, 1947 (А. Витт и Д. Леонтьев)) ее автор-художник Э. Лумис говорит о линии, оставшейся основой рисунка: «Имеется семь первичных функций линии: первая – передавать ее собственную, ей присущую красоту…» Искание в рисунке возможностей воспроизведения жизни, передачи правды мира, не входит в число сакраментальных семи функций линии Эндрю Лумиса, и вместо «идей» он говорит (на третьем месте), что линия может «очертить» мысль или символ.

Это, конечно, далеко не всегда было так на Западе. Великий французский художник-гражданин, Жак-Луи Давид, один из деятелей революции 1789-1794 годов, писал своему ученику, спрашивавшему совета о том, как ему достичь совершенства в искусстве: «Рисунок, друг мой, рисунок и еще тысячу раз – рисунок». Под рисунком Давид и его школа, можно сказать и художники его времени, подразумевали основу образа, воспроизводящего действительность и одновременно выявляющего единство идейного содержания и его внешнего воплощения в видимой, понятной и выразительной форме. Искусство старых мастеров, тех, кого мы называем классиками, от Леонардо да Винчи до Давида оставалось в первую очередь могучим орудием познания мира и не менее важным средством выражения идей, эмоций, стремлений человека к лучшему будущему. Приведенные высказывания о рисунке русского художника никак не расходятся с убеждениями классиков мирового искусства: и тот, и другие считали рисунок основой изобразительного творчества.

Рисунок был в искусстве старых мастеров, думается, их любимым оружием в борьбе за постижение правды, в их общественной, педагогической, художественно-творческой деятельности. « В рисунке или же, по другому наименованию, в искусстве наброска приобретают свою вершину живопись, скульптура, архитектура. Рисунок – это источник и душа всех видов изображения и корень каждой науки. Кто достиг столь великого, что оно овладел рисунком, тому говорю я, что он владеет драгоценнейшим сокровищем», — говорил Микельанджело. А «профили и контуры», под которыми понимал рисунок на столетие раньше знаменитый итальянский живописец  Пьеро делла Франческа, находятся «в самой вещи», являются не мнимостью, а особенностью реального бытия, могущей быть проверенною в опыте. Рисунку можно и нужно было учиться. Обучение рисунку стало основой всякой художественной школы от эпохи, еще более ранней, чем Возрождение, вплоть до наших дней, — само собой разумеется там, где расцветают, говоря словами наших китайских друзей, «сто цветов» правды и красоты, а не чертополох или сорная трава больного вымысла или человеконенавистнического абстракционизма.

Рисунок старых мастеров западноевропейских стран стал предметом особой отрасли наук об искусстве. Его изучать было трудно и вместе с тем увлекательно. Знакомясь с тем, как рисовали старые мастера, мы как бы входим в их творческую лабораторию; мы наглядно присутствуем при первом зарождении и при дальнейшем становлении художественного образа. Последний часто получал свое высшее воплощение в монументальном искусстве большой фрески или огромной статуи. Порою воплощение дум, чаяний, мыслей художника, вложенных им в рисунок, бывало им окончательно найдено в станковой картине или в законченной гравюре.

Вместе с тем очень много рисунков старых мастеров не были такими «этапами становления», подготовительными этюдами с натуры, нужными художнику для будущей картины, статуи, гравюры, театральной декорации, не были также и черновыми набросками композиции этого будущего, еще не воплощенного произведения искусства, остававшегося главною целью художника. Исследователя рисунка старых мастеров поражает прежде всего исключительное многообразие всего того материала, какой объединяется в государственных музеях и в частных собраниях под общим понятием «рисунка».

Очень беглые, в буквальном смысле слова «черновые» наброски , будущего живописного решения «стенограммы», сочетания линий и пятен, в которых порою трудно разобраться, но в которых можно все-таки «провидеть» или «предварить» картину. Рядом с этим – точнейшие и внимательнейшие «штудии» — этюды с натуры, изучающие ее, избирающие в ней что-либо, почему-либо художнику нужное – поворот головы, жест руки, игру мускулов спины, очертания рта или глаза; или же рост дерева, узор листвы, построение лепестков цветка, складок одежды. Весь этот материал «служебен», и специалисты кропотливо отыскивают наличие мотивов рисунка в той или иной известной картине, порою отмечая, с какой точностью передал старый живописец красками на полотне или на стене наблюденное им в рисунке. Порою же – как своевольно и вместе с тем оправданно изменил художник то, что он на рисунке взял у природы, в той новой действительности, которая им воплощена в готовом произведении искусства. Сложный, «зигзагообразный» путь отражения действительности в акте познания наглядно показан в ряде случаев становления картины из подготовительных к ней  этюдов и эскизов. И, вместе с тем, добрая половина всех рисунков старых мастеров, известных нам (их много десятков тысяч в музеях и собраниях всего света), не может быть прямо отнесена к числу подготовительных. Имеются рисунки, в которых художник фиксирует свои наблюдения действительности или ради нее самой, или как бы «впрок» накапливая материал. Все художники давнего или недавнего прошлого любили странствия, имели путевые альбомы и записные книжки, куда набрасывали бегло или внимательно  и подробно то, что они видели перед собой. Старые мастера эпохи Возрождения в Италии, во Франции, в Германии были как бы первооткрывателями земной действительности, на что прозорливо указывал еще Ф. Энгельс в проекте предисловия  к «Диалектике природы». Огромный интерес ко всему что ни попадалось, ко всем кто  только не встречался  художнику на его дороге, запечатлен в таких набросках. Они часто приобретают черты высокого художественного совершенства. Когда Дюрер рисует тончайшими кистями своего изумительного «Зайчика», когда Леонардо да Винчи и через двести лет Рембрандт набрасывает пером пейзаж родной страны, мы видим в этом отчетливую и прекрасную жажду человека овладеть путем искусства всею необозримостью природы. В этом разделе рисуночного творчества художник мог быть и подлинным исследователем, естествоиспытателем, анатомом или ученым ботаником. Он мог быть и влюбленным, нежно и бережно рисуя портреты близких, и , наоборот, сатириком, гневно и язвительно запечатлевающим отрицательным отрицательные черты  враждебных общественных сил или конкретных лиц. Важно, что такого рода рисунки старые мастера делали не только для будущих картин, придавая рисунку «служебное» назначение, но и «для себя». Художественное эстетическое значение могли иметь и имеют рисунки и для картин, и выполненные без этой цели.

Есть, наконец, и третья группа, в которой рисунок становится законченным произведением графики.

Художнику в прошлом часто заказывали портрет, выполненный именно карандашом или акварелью. На такие портреты бывала „мода”. Рисунок не переключался в большую живопись, но приобретал в самом себе, в штрихах карандаша или в мазках легкой водяной краски совер­шенную законченность. Такой рисунок вставляли в раму под стекло, хранили и ценили его. Здесь мы вновь находим очень большое разнообразие. Иногда мы не можем определить, почему с такой исключительной законченностью исполнен портрет случайного встречного или изобра­жение животного. В других случаях, наоборот, мы знаем, почему художник потратил так много сил на передачу человеческого лица, почему он копирует произведения античной пластики : художник учится и учит других. В старых „Академиях”, начиная с XVI века, — быть может и еще гораздо раньше, в школах и мастерских,— в силе было правило учиться не только у природы, но и у своих предшественников.

В школах очень часто сознательно копировали старые рисунки. Порою „штрих в штрих”, думая сначала овладеть технической сноровкой ведения и сочетания линий и потом только на­учиться уметь воплощать в творчестве богатство действительности, собственную индивидуаль­ность. История рисунка, входящая как составная часть в общую историю искусств, учит, что этот метод оказался, в конце концов, бесплодным. Учиться надо было все-таки на живом опыте. Но пока копирование образцов было в силе, старые мастера создавали немало рисунков для того, чтобы по ним учились младшие (так, например, копировались в течение нескольких поколений „головы” Грёза в петербургской Академии художеств). Немало и вполне завер­шенных рисунков с древних статуй, бюстов или голов создано такими художниками, как Тинто­ретто и Ван-Дейк в поисках „выразительности” или просто в силу профессионального интереса. Рембрандт оставил наброски с увиденного им в аукционном зале портрета работы Рафаэля и с „Тайной вечери” Леонардо да Винчи, поразившей его на какой-то гравюре. Только благодаря тщательной любознательности Рубенса, скопировавшего группу сражающихся всадников с картона «Битва при Ангиари», дошла до нас выразительнейшая из батальных композиций Леонардо. Учебный рисунок имел в практике старых мастеров очень большое распространение.

Самое главное при всем этом, что отмеченные, разные по заданию п по методологии, группы рисунков старых мастеров никак не отделены одна от другой непреодолимыми прег­радами.

Мы порою не знаем почему, ради каких точных заданий и целей выполнил старый мастер тот ли иной свой рисунок, вполне закончив его или оставив его только интересным, порою зага­дочным наброском. Очень часто рисунок чисто натурного типа оказывается использованным потом в качестве „этюда” для картины. Дюрер в 1521 году нарисовал в Антверпене 93-летнего старика конечно из целей чистой любознательности, а потом написал с рисунка картину „Святой Иероним”, совершенно лишенную живых качеств рисунка.

Альбрехт Дюрер. Старик. 1521г. Бумага, кисть, перо, тушь. 48,2 х 42 см. Вена. Музей Альбертина.

Имеется вообще большое число рисунков, которые лучше того, что на их основе потом создал сам художник. Менее всего при изучении рисунков старых мастеров следует допускать в их классификации схематичность.

 Рисунки старых мастеров отличаются от рисунков нового времени рядом особенностей, на которые необходимо обратить внимание и которые надо объяснить. Наиболее бросающееся в глаза различие касается материалов и техники.

Весьма не похож на новый и на современный рисуночный материал тот, которым пользо­вались художники от конца средневековья до начала капиталистической эры, от XIV—XV веков до рубежа между XVIII и XIX столетиями.

Бумага, бывшая в распоряжении старых художников, была весьма не похожа на совре­менную. Она была несравненно толще, грубее по поверхности, почти никогда не была чисто белой, хотя быстро (в течение одного XV века) достигла хорошей светлости. По процессу изготовления она была ручной, не машинной, и делалась в особых мануфактурах („бумажных мельницах”) из тряпичной массы, просушиваемой и прессуемой в проволочных сетках, оставлявших в бумаге видимые на просвет следы. Фигурные „филиграни”, марки различных мануфактур или бумажных фабрик позволяют с большой точностью узнавать страну и время изготовления бумаги, на которой выполнялся рисунок.

Самая поверхность бумаг, особенно бумаг раннего производства, была такой неровной и неудобной для рисования, что чрезвычайно часто художники XV и первой половины XVI веков сами покрывали бумагу особым самодельным грунтом, делая это широкими кистями, „замазы­вая” бумагу красящим веществом, обычно цветными порошками, растертыми вместе с мелом и клеевым составом. На такой грунтованной поверхности можно было рисовать различными инструментами. Тряпичная бумага по сравнению с наиболее распространенными сейчас древес­ными сортами бумаги отличалась большей плотностью и прочностью. И в том, и в другом отношениях она, впрочем, отличалась и от пергамента, материала, почти полностью вышед­шего из употребления в новое время.

Высушенная, обезжиренная, растянутая и выскобленная кожа молодых животных (козлят, ягнят), называемая еще со времен греческой культуры „пергаментом”, могла быть не только гладкой и блестящей по поверхности, но и матовой, если ее протереть костным порошком пли пемзой, что было в первую очередь необходимо для писания на обеих сторонах листа. На пергаменте рисовали перьями, а покрыв его грунтом, чаще всего цветовым, — всевозможного рода „карандашами”.

Современных, вставленных в деревянную оболочку, карандашей старые мастера не знали вовсе. Вместе с тем в их распоряжении были в очень большом числе самые разнооб­разные материалы и орудия для рисования, многие из которых впоследствии перестали употреб­ляться. В первую очередь это относится, к так называемому „серебряному карандашу”, которым рисовали и Леонардо, и Дюрер, и Рембрандт. По существу, это вовсе не минеральный обычный карандаш, а вставленный в особый футляр (типа современных „вечных карандашей”) кусок металлической серебряной проволоки, оставлявший весьма приятный для глаза след штриха на бумаге, грунтованной мелом или смесью из любых цветных порошков. На негрунтованной бумаге серебряный штифт (так его называть правильнее, чем „карандаш”) следов вовсе не остав­ляет.

Как ни странно, менее распространен был чисто „свинцовый штифт”, оставивший название свое в немецком „Bleistift”, сделавшимся обозначением для карандашей вообще. Есть сведения о рисовании и золотой проволокой. Наиболее распространенным в средние века, начиная от античности, был, конечно, простой угольный карандаш. Мы знаем, как он изготовлялся. Тонкие веточки ивы запекались в тесте до той степени, когда они превращались в равномерно обуглив­шиеся палочки. Ими рисовали, вставляя их в футляр с зажимкой, наподобие более новых рейсфе­деров; ряд художников прошлого вплоть до русских мастеров XIX века изображали себя в автопортретах с таким „рейсфедером” в руке. Рисунок, выполненный углем, однако было трудно сберечь, несмотря на то, что старые мастера знали средства закрепления рисунка все­возможного рода составами (жидким клеем, снятым молоком). Мало-помалу уголь уступил место минеральным карандашам.

На рубеже XV века, впервые в Италии, на родине Возрождения, был освоен замечательный материал для рисования, получивший затем распространение под различными названиями во всех странах Европы. Во Франции его назвали „итальянским камнем” („pierre d’ltalie”), в Германии — „черным мелом”, в России — значительно позже, с XVIII века — „итальян­ским карандашом”. Это — натуральный минерал, добываемый открытым способом, готовый сразу для рисования. В верхней Италии, как сообщают многие источники, была целая гора „черного камня”, которую за четыре века художники всего мира „изрисовали”, уничтожили до основания. В первой половине XIX столетия Александру Иванову по его просьбе Н. В. Гоголь привозил „итальянский карандаш” из России, ибо в Риме его уже достать было нельзя. Рисовали „черным камнем”, вставляя его обточенные брусочки в тот же футляр с зажимкой, каким поль­зовались для рисунка углем. Рисуночный штрих итальянского карандаша мог быть широким или тонким, густым по черноте, и, что очень характерно, оставался матовым.

Родной сестрой итальянского „черного камня” была впервые освоенная тоже в Италии в XV веке сангина, „красный камень” или, „красный мел” (он мог быть также коричневым и лиловатым) — так же находимый в естественном виде материал, которым работали, вставляя его в тот же футляр с зажимкой (по-итальянски его называли „матиттатойо”). Вместе с тем уже в XV веке начинается изготовление также и искусственных рисовальных материалов. Любой красящий порошок смешивали либо с белой глиной, либо с мелом, делали из этой массы, добавляя к ней клей и потом прессуя, искусственный мягкий рисуночный материал, прототип более новой пастели, распространение и широкое освоение которой началось позднее, в XVIII столетии. Очевидно, так оперировали и с угольным порошком, изготовляя из него с примесью клея так называемый (по-итальянски) „Carboncino”, угольный карандаш, по своему художественному результату нечто среднее между твердым итальянским карандашом и мягким древесным углем. Уголь или „черный камень” можно было пропитывать маслами, делать его „жирным”.

Введение совсем нового материала имело для рисунка карандашного типа огромное значение: в XVI веке в Англии, в провинции Комберленд, были открыты и освоены графитные залежи. Графит мог быть добываем разной сортности и мягкости. Позволяющий лучшую „очинку» и самый тонкий штрих графит отличается от итальянского карандаша блеском своих следов на бумаге, допускает более широкое употребление растушевки, чем итальянский карандаш или сангина, и по существу остается главным материалом для карандашей вплоть до нашего времени. Английские графитные копи более ста лет были главными поставщиками нового вида карандаша для художников всей Европы. В XVIII веке прекрасные графитные залежи открыли в Чехословакии, в XIX веке — в европейской России и в Сибири. Интересно отметить и воздействие политических и экономических факторов на процессы рисования. Война между Англией и Францией в XVIII веке и обусловленная ею блокада воспрепятствовали ввозу английского графита на континент. Результатом этого явились поиски замены натурального графита искусственным; так возникли французские „карандаши Конте”, изготовлявшиеся из порошка угольного или иного, со всевозможного рода примесями (белая глина, клей), благодаря чему удалось получить превосходный рисуночный материал самой различной степени твердости.

Изучение различного рода рисующих материалов само по себе очень интересно и норок необходимо для определения подлинности того или иного рисунка, не имеющего поставленной художником даты, или не связанного с известной картиной.

Отметим, что старые мастера очень любили комбинировать карандаши. С XVII века в Академиях часто применялся „рисунок в три карандаша”; по существу это рисунок на цветней бумаге черным карандашом или сангиной с „пробелкой” обыкновенным мелом.

Не менее интересна и техника рисования „мокрыми” — жидкими материалами, перьями и кистями.

Издревле для рисования, для изготовления рукописных книг были известны черные и красные чернила, которыми можно было, конечно, и рисовать, пользуясь для этого тростниковым, как в древности, или птичьим пером. Металлические перья, как известно, распространились только в XIX веке.

В западноевропейских художественных школах тростниковое перо („калам”) применялось как исключение. Рисунки перьями не менее распространенные, чем рисунки различного рода карандашами. В искусстве XV—XVIII веков — это рисунки птичьими перьями, в обрезывании и надрезывании которых пользовались особыми правилами.

Главным сортом перьев для писания и рисования были перья гусиные. Любопытно, что мы не находим в источниках указаний на рисование утиными перьям; зато часты сведения перьях павлина и ворона, которыми добивались проведения более тонких линий. Встречается упоминание и о „бекасиных перьях”. Это — нечто иное. Перышко в середине хвоста бекаса слипалось, образуя подобие упругого шипа; им и рисовали, проводя особенно тонкие линии. В обращении с различного рода перьями старые мастера достигали замечательной выразительности. Их линии порой тверды и гибки, порой широки и сильны. Перо можно было перевернуть и положить на бумагу пятно самим оперением.

Вместе с тем без кистей было нельзя. Не обладая теми совершенно необычанйыми навыками в употреблении различнейших кистей, какие выработали великие художники Китая, старые мастера Запада все же знали кисти самого разного характера и материала. Писали кистями из барсучьей и беличьей шерсти, колонковыми и многими иными. Рекомендовались кисти из щетины новорожденного поросенка. В каждой художественной школе и почти у каждого крупного мастера были свои приемы, свои навыки или секреты изготовления и употребления кистей. Дюрер, например, писал кистью, держа ее порою вертикально по отношению к бумаге, проводя ею так, что на бумаге оставлял свой след каждый волосок более или менее жесткой щетины. Рембрандт, напротив, презирая всякую виртуозность, рисовал и писал чем попало: кистью, палочкой, щепкой и даже собственным запачканным в краске пальцем.

Красящий состав для рисунков перьями и кистями был не менее разнообразен, нежели твердые материалы рисования.

Мы упоминали уже о всякого рода чернилах. Великолепные черные чернила умели со времен древности изготовлять, из так называемого „дубильного орешка”. Иные чернила имели, возможно, не растительное, а минеральное (железистое) происхождение, другие — животное (бычья желчь). Для художественных целей работы пером и кистью главное значение приобрели, однако, три материала, различные по своему происхождению, употреблявшиеся для однотонного рисования: бистр, тушь и сепия, хотя многие рисунки выполнены обычными чернилами.

Бистр, пожалуй, наиболее распространенный и дававший прекрасные примеры в рисунках пером материал для работы „мокрой” техникой. Это легко получаемая краска из сажи, из продуктов сгорания дерева, особенно дуба. Примешивая к саже известное количество клея растительного или животного (получаемого после варки рогов и копыт), старые мастера приобрели чудесную темно-коричневую краску, позволяющую достичь эффекта почти настоящей черноты, и отличающуюся характерным блеском штрихов и пятен. При разбавлении водой бистр дает теплый коричневый тон, который может быть достигнут при работе пером или кистью. Под микроскопом бистр может быть легко узнан, поскольку состоит он из сравнительно крупных частиц самого красителя.

Из несравненно более мелких, микроскопических частиц состоит тушь, продукт сгорания масел, а не дерева, изготовляемая из копоти, а не из сажи. Тушь в идеале — холодная по тону, серо-черная краска, всем хорошо известная, изобретенная в Китае. В Европу тушь стала проникать из Китая в XVII веке, сначала она появилась в Голландии. Серый тон и холодный отлив настоящей туши, ее подлинная чернота, не имеющая в себе оттенков теплого коричневого цвета, делают ее хорошо узнаваемой. Ее применение в рисунках старых мастеров было более ограниченно, чем употребление бистра, но тушь сохранилась в практике искусства, тогда как „самодельные” краски в том числе бистр, встречаются в рисунках все реже и реже. Вопрос, затруднявший многих исследователей, касался того, как определить состав рисунков более раннего времени, серо-черных по тону, т. е. не бистровых. Называть какую-либо краску точно мы можем только после ее микроскопических и химических анализов, которых слишком мало еще в нашем распоряжении. Не надо забывать того, что многие художники Возрождения рисовали пером и кистью, не тушью и не бистром, а чернилами. Рисовали также и сепией.

Натуральная сепия — это жидкость, испускаемая моллюском „каракатицею”, водящейся в Средиземном море. Натуральный цвет сепии — серо-коричневый, водянистый, который никак нельзя отожествить ни с бистром, ни с тушью. Вместе с тем сепия по цвету совпадает с определенными тонами акварели, без знания которой нельзя понять и оценить всю сложность художественной техники рисунков старых мастеров.

Современная акварель изготовляется на гуммиарабике. В средние века, когда гуммиарабика не знали, „водяную краску” изготовляли, примешивая к воде растворы растительного (вишневого) или животного клея, или смешивая с порошком красителя сухой порошкообразный клей. Средние века знали уже и прозрачную водяную — клеевую краску и аналогичную краску, кроющую, непрозрачную, которую правильнее было бы продолжать называть гуашью. Последняя наиболее характерна для книжной миниатюры. Старые мастера, стремясь к использованию цвета в рисунке, прибегали и к гуашевым непрозрачным краскам (особенно часто к белилам), и к акварели, прозрачной. Последняя изготовлялась на меду. Некоторые эффекты ее замечательны. Акварель — прозрачная и гуашь — кроющая очень часто употреблялись одновременно в одном и том же рисунке. Старые мастера любили экспериментировать, вводили в свой рисунок порою и масляную краску, оставлявшую в бумаге жирное пятно. Наносили на рисунок раствор золота или темперу (краску на яичном желтке).

В очень интересном рисунке великого венецианца Тинторетто, («Этюд женской драпированной фигуры» Флоренция, Галерея Уфицци*), можно заметить следы битюма, характерной для масляной живописи плохо высыхающей коричневой краски.

Старые мастера рисовали и писали самыми разными средствами и инструментами, используя самые различные материалы для самых разнородных целей. Замечательными эффектами отличаются, например, частые в XVII веке рисунки одновременно „сухою” и „мокрою” техникой, сочетания сангины и туши, карандаша и кисти. Следы подготовки рисунка карандашом встречаются на очень многих рисунках, но часты случаи, когда рисунок начат карандашом, продолжен и закончен кистью какой-либо жидкой краской, а потом опять тронут карандашом или углем, или же проработан пером. Старые мастера — почти все, за исключением таких живописцев, как Тициан, Франс Гальс, Веласкес—очень любили рисовать, рисовали часто и много, рисовали „для себя” или, делая подготовки к будущей картине, рисовали с натуры, по памяти или вполне свободно „из головы”, по воображению. Изучение старых рисунков открывает перед нами целые миры художественных поисков мастеров прошлого.

Первым веком становления реалистического рисования, в первую очередь изображения с натуры является в Западной Европе XV столетие, начало Возрождения.

Искусство правды, искусство реалистического отражения действительности существовало, конечно, и раньше. Человечество всегда стремилось освоить природу мира и человеческой жизни. Искусство античной Греции и искусство средневековой Франции знало и портрет, и натюрморт, и изображение человеческих действий, и изображение животных. Вместе с тем европейский рисунок, какой показан в данном издании, по-настоящему развился и распространился на Западе именно с XV века. Еще в XIII столетии замечательный французский рисовальщик Виллар рисует в своем сохранившемся до нас альбоме льва, приписав к нему слова, что нарисован этот лев „с живого”. Но нужна была еще длительная борьба с господствующим идеалистическим средневековым миросозерцанием, борьба за право свободного исследования, за ослабление сковывающих творчество цеховых норм, чтобы родилось новое искусство. Тот реализм, который может быть отмечен в готической скульптуре, отсутствовал в средневековой живописи и только частично проявлялся в графике. При изучении живописи Запада обычно ограничиваются этими совершенно правильными констатациями. Материалы рисунка, графического искусства, добавляют к этому еще много интересного.

На историческом рубеже XV века во всем мире наблюдается новое. Энгельс назвал это время „эпохой титанов”, „величайшим в мире прогрессивным переворотом”. Искусство все чаще должно было откликаться на потребности нового общества. Феодализм был если не уничтожен, то оттеснен на второй план. Изменился и состав потребителей искусства. Активными зрителями, очень живо откликавшимися на все явления в изобразительном искусстве, стали горожане. Социальный состав позднесредневекового города нам известен: „патрицианская” верхушка богачей, предков современной буржуазии, которые, по словам Ф. Энгельса, были менее всего буржуазными, затем организованные в цехи мастера и подмастерья, все группы, являвшиеся „плебеями”, наконец, большие массы полупролетариата. Одним из следствий этого нового состава потребителей искусства было распространение дешевой печатной графики, гравюры. Широко начинает развиваться новая тематика. В изобразительном искусстве она была непосредственно связана с изображением действительности (портрет, сцены быта). Двигательной прогрессивной силой могла быть также и фантазия: лишь бы она была не догматически-церковной.

Исследователи печатной графики, гравюры, высокой и глубокой печати, знают, какое распространение получили, начиная с этой эпохи игральные карты, против которых напрасно самыми строгими мерами боролась церковь. В нашем альбоме на первом листе не случайно изображен полный молодого порыва всадник с флагом „Луны” (точнее — месяца).

Изображения „семи планет”, соответствовавших семи дням недели, были связаны и с карточной игрой, и с псевдонаукой — „астрологией”, пытавшейся узнать судьбу человека по сочетанию звезд. Все же в таких рисунках, как молодой „всадник луны”, без труда чувствуется увлечение художника своей идеей. Тема сама — „еретична”, не религиозна, а сказочно-романтична; и как раз такая „романтика” будет впоследствии сопутствовать нам в изучении рисунков старых мастеров. В рисунке XV века мы найдем и фантастику, с примера которой нам припасть начать, и чисто „ученую” естествоиспытательскую работу художника-анималиста, с увлечением рисующего животных (Пизанелло) и портрет (лучшие примеры дают не Италия, где началось самое Возрождение, а Франция и Нидерланды — Я. Ван Эйк и Ж. Фуке). Особенное значение для реалистического искусства приобретает стремление обосновать свое творчество научным путем; так начинает развиваться в качестве необходимой вспомогательной дисциплины искусств— перспектива. Несколько позднее к этому добавится и анатомия.

В музеях Западной Европы хранятся два альбома рисунков венецианского мастера XV века Я. Беллини, в которых зафиксировано искание научных приемов построения и пространства картины, как сцены, в которой могло бы быть умещено все : и архитектура города, изображение человеческой толпы, и какая-либо священная традиционная группа. Для нашего современника наиболее интересным является в такого рода рисунках не самые их достоинства, а скорее постановка проблемы. Искусство должно было быть обосновано. Одним его основанием была объявлена математика, другим — знание всего, что касается человеческого тела, в более широком плане — наблюдение и изучение природы. Искусство, однако, никогда не могло ограничиваться предписаниями каких-либо норм или правил. Если Я. Беллини еще „строил” свой пейзаж, то Леонардо в 1473 году первый зарисовал пейзаж с натуры. Если великий мастер северной Италии, строгий Андреа Мантенья, тоже, можно сказать, еще „строит” образ женщины-героини Юдифи по требованиям античного героического стиля, то Дюрер, ему подражавший художник из Германии, первый рисует фигуру женщины с натуры, никак ее не идеализируя и никакому классическому канону не подчиняя. Это последнее у Дюрера встретится позднее, когда он перерисовывал фигуры для гравюры.

 

Леонардо да Винчи. Пейзаж с видом на Церковь Санта Мария делла Неве. 1473 г. Бумага, перо, тушь. 19 х 28,5 см. Флоренция. Галерея Уфицци.

Весь рисунок XV века бесконечно интересен для нас своими исканиями, постоянно расширяющимся кругом наблюдения, появлением все новых и новых задач. Движением Возрождения охвачены по меньшей мере четыре страны: Италия, Франция, Нидерланды, Германия. Италия, конечно, идет впереди, ее авторитет неоспорим. Но назвать все искусство итальянского XV века равномерно отображавшим реальную действительность, конечно, нельзя. Облик нарисованной Гирландайо девушки, льющей воду из кувшина в таз, безусловно взят из жизни. В ту же самую эпоху изображение крылатой девушки-ангела у Боттичелли, выполненное менее реально, более фантастично. Все это время было пронизано борьбой разнородных течений и противоречивых тенденций. Художники северных стран видели в лице легатов римского папы вовсе не деятелей священной власти, а просто стариков, умных и хитрых, и таких же людей, как все. Таковы портреты сановников католической церкви — работы Я. Ван Эйка и Ж. Фуке. В портретных головах, изображенных Л. Синьорелли и П. ди Козимо, в группе феодалов, нарисованных Э. Роберти, в жанровых фигурах Ф. Липпи Младшего и Б. Пинтуриккио проявилось то направление итальянского искусства XV века, которое все исследователи считают реалистическим, но интересно, что в это же время Либерале да Верона дает изображение фигуры, явно фантастической, придуманной. Особенно любили изображать в то время „Поклонение волхвов”, потому что самая тема позволяла художникам с традиционно-чеканным сюжетом сочетать изображение неких празднично-торжественных процессий, полных красоты и жизненности. Очень поучительно сопоставить с наброском композиции „Поклонения волхвов” Карпаччо эскиз на ту же тему у Леонардо да Винчи. Великий новатор всего мирового искусства наметил новые задания для живописи: композицию, основанную на выверенных геометрических приемах построения пространства, рисунок фигур набросал сначала без одежд, чтобы не ошибиться в будущем, располагая на них складки тканей. Карпаччо оставался традиционным: для него „Поклонение” было простым зрелищем. Серьезнее и жизненнее оказывается композиция Леонардо.

В творчестве двух замечательных мастеров, Леонардо и Дюрера, мы наглядно видим постановку более серьезных задач перед искусством. Для обоих — это проверка теории практикой, практики — теорией. Рисование с натуры, практика, конечно, предшествовала. Если Леонардо рисует лицо человека, складки одежд или дерево, а Дюрер — первую в европейском рисунке натурщицу или „Зайчика”, то принципы их все же одинаковы. Пути их не расходятся; в этом выражен их интерес к изучению натуры. Но разными по содержанию являются их задачи. Леонардо в будапештском рисунке ставит перед собой проблему экспрессии, передачи эмоции гнева, Дюрер в рисунке „Адам и Ева” пытается найти приемы или аллегорического, или абстрактно-„правильного” изображения человека. Леонардо был специалистом по монументальной фреске, Дюрер — по гравюре, распространяемой через печать.

Интересно, что в гравюре получил распространение и сатирически-горький рисунок И. Боса, пример которого мы тоже приводим. На нем изображены нищие, калеки, шуты. Только счастливым великое время не было: у Возрождения была своя изнанка. Знал ее и Леонардо. История искусств была не идиллией, а драмой.

Бос ван Акен, Иероним (1460 — 1516). Нищие и музыканты. Бумага, тушь, перо; 28,5 х 21 см. Вена. Музей Альбертина.

Рисунки Леонардо да Винчи и Альбрехта Дюрера могут быть поучительно рассмотрены как в свете задач искусства XV века, так и в орбите нового, так называемого „Высокого Возрождения”. Рисунки таких различных мастеров, как Рафаэль и Микельанджело как бы овеяны другой атмосферой. Уровень мастерства достигнут легко и уверенно. Мастера классического искусства нового XVI века „шутя” решают сложнейшие проблемы композиции, ракурсов, поворотов, выразительности не только лиц, но и фигур. Исключительно интересно в этом плане сопоставить профиль лица в рисунке Леонардо с женским профилем в листе Рафаэля. У Леонардо было все в искании, у Рафаэля — все уже найдено. Третья из голов этого круга — „этюд” Микельанджело — переносит проблему в круг других задач — выражения. По сравнению с глубоко внутренне-взволнованным лицом в рисунке Микельанджело кричащие лица сражающихся у Леонардо кажутся несколько поверхностными.

По-другому ставится в XVI веке и проблема портретного рисования. А. дель Сарто с самого начала подходит к портрету как к проблеме композиционной, набрасывает полуфигурный рисунок, выполненный им с его жены, как прообраз будущей картины. Тициан в аналогичном женском портрете прорабатывает рисунок подробнее, живописнее, с большим вниманием к завершенности сходства. Лоренцо Лотто очень уверенно рисует одно только лицо (у Тициана и Сарто портрет был полуфигурным). В сопоставлении этих рисунков с портретами XV века ясно видно, как шло развитие всего искусства рисунка в сторону большей реалистически понимаемой живописности, вместе с тем — большей психологической углубленности. О том же говорят и портретные рисунки мастеров разных поколений и разных стран. Ганс Гольбейн Младший, один из наиболее прославленных портретистов всех времен, заставляет прежде всего вспомнить рисунок его отца — Ганса Гольбейна Старшего, который изобразил своих сыновей в профиль, обращенных друг к другу лицом. Этот рисунок был, бесспорно, и выразителен, и полон сходства, и вместе с тем условен. Гольбейн Младший в раннее время, в Базеле, рисовал также не без условностей („Портрет бургомистра Мейера”, 1516 г.). В Англии через двадцать с лишним лет он в своей знаменитой серии изображений английских знатных н простых людей показывает, как может портрет подняться до уровня характеристики типического. Ф. Клуэ с этим сочетает также и проблему красивого. Цуккаро и другие мастера конца столетия будут стремиться к синтезу всего, что было достигнуто раньше. Другой вопрос — как это им удавалось.

Рисунок XVI века по-новому разнообразен. Вместе с общим прорабатывается и частное („Этюд руки” у А. дель Сарто). По-новому ставится проблема композиционного рисования. Еще новое „Поклонение волхвов” можно добавить к рисункам Карпаччо и Леонардо : композицию генуэзского мастера Луки Камбиазо, выделяющегося из всех своим стремлением рисовать „большими формами”, прибегая к тому, что у нас в XIX веке называли „обрубовкой”. Ни декоративной просторности Карпаччо, ни архитектоники Леонардо у Камбиазо нет : все сменилось вниманием к отдельным объемам.

Течение, сменившее классику, в истории искусства порою называется „маньеризмом». Под этим выражением понимали направление в искусстве, следующее внешней „манере” того или иного авторитетного мастера прошлого. Стилем, то есть закономерным и сознательным сочетанием художественных особенностей и приемов изображения, „маньеризм” не был и стать им не мог : в течении этом мы вправе видеть упадок классического Возрождения, уклон, объясняемый начавшейся феодально-католической реакцией. В XVI веке встречаются фантастические рисунки отдельных фантастических фигур, смысл которых трудно определить. Не конкретный исторический образ „Лукреции” — героини античности, убившей себя, ибо не имела она силы перенести позора, а некую отвлеченную жестикулирующую фигуру набрасывает талантливый и парадоксальный Пармеджанино. В фигурах „Иоанна и ангела” Корреджо можно видеть что угодно, ибо как для Пармеджанино взволнованные линии, так для Корреджо живописные пятна сангины были главными. Но вместе с тем настоящая классичность определяет подробный рассказ рисунка Перуцци. Его хочется сопоставить с „Юдифью” Мантеньи; бросится в глаза, как пластический рельеф XV века сменен живописной подвижностью в XVI веке, вместе с тем не утратившей четкости объемных форм. В новом столетии, конечно, живопись сделала самые смелые шаги вперед, и мы знаем где — в Венеции. Тициан в „Этюде падающего всадника” достигает изумительной динамической экспрессии. Флорентинец Понтормо, один из передовых художников своего времени, стремился в своем „Всаднике” монументальности; новое слово было за Тицианом и его гениальным продолжателем Тинторетто.

Последний был старше и прожил дольше, чем его сотоварищи по венецианской школе. Веронезе и Пальма Младший. Композиционные рисунки обоих последних еще овеяны спокойной декоративностью времени расцвета: „маньеризм” в Венеции был слабее, чем во Флоренции. Но Тинторетто — весь в патетике, в движении, в динамике. Рисуя голову некого древнего римлянина с античного бюста, Тинторетто трактует его как живое реалистическое лицо, выявляет в нем не классическое обличие, а давно исчезнувшую жизнь. Мы считаем Тинторетто одним из самых поражающих новаторов рисунка. Рисуя обнаженные или драпированные в одеждах фигуры, Тинторетто придавал им жизненность самыми нажимами линий, направлением штрихов, — и ничего не боялся : ни смелых ракурсов, ни эффектов незаконченности изображения, лишь бы была достигнута выразительность. Но выразительность его рисунков — вполне человечна, а не формальна, как у многих маньеристов, и у нас есть основание считать Тинторетто продолжателем классики, а не маньеристом.

Немаловажной чертой XVI века является значительное расхождение характера рисунка в разных национальных школах.

В Германии Лука Кранах, один из знаменитейших художников своей эпохи, рисовал еще принципиально близко к XV веку и к Дюреру. Новатором выступил Грюневальд (Нитхарт). В его рисунке, изображающем некоего легендарного святого около дерева, поставлена та же задача, которую решал и представитель „Дунайской школы” Альтдорфер: сблизить человеческий образ с миром природы. У Альтдорфера человек поглощен пейзажем, у Грюневальда человек и ствол дерева равно выразительны и подвижны. Следующим шагом немецкого рисунка будет уже появление пейзажа вовсе без образа человека. Но только ветви, нарисованные В. Губером, окажутся полными нервной выразительности.

Композиционный рисунок внеитальянских стран мог бы быть изучен по немногим примерам.

„Сражение” Ганса Гольбейна Младшего — замечательный рисунок, в котором доминирует линейная система, где выразительно показана эпоха. Большой эскиз для несохранившегося в оригинале группового портрета семьи канцлера Т. Мора тоже носит линейный характер, познавательная задача доминирует здесь, рисунок является скорее схемой будущего живописного решения и вместе с тем он полон живой выразительности и человеческого интереса. В нидерландском рисунке XVI века те же темы звучат по-новому.

Гольбейн Ганс (Младший) (1497 — 1543). Сражение. Перо, кисть. 28,4 х 43,4 см. Базель. Художественный музей.

Женский портрет работы Луки Якобса, более известного под именем Луки Лейденского, выполнен был в том самом году (1521), когда Дюрер рисовал своего 93-летнего старика, виртуозно : использовав линии. Луша Лейденский рисует по сравнению с Дюрером прежде всего проще, более спокойно, более человечно и, по существу, более классично. Трудно решить, как отнестись нам к приписанной тому же Луке иллюстративной сцене, воспроизведенной в нашем альбоме. Таких, не очень ясных по теме рисунков очень много, и один, по меньшей мере, из них должен был найти себе место в предлагаемом подборе характерных рисунков северных европейских школ. Нидерландские мастера XVI века пытались решать многие задачи сложного содержания, что им, однако, не всегда удавалось. Аллегория и эмблематика, иллюстрация пли сатирическая трактовка современной темы, все они должны были быть прежде всего ясными, чтобы быть живыми и через четыреста лет. Таким остается прежде всего известный автопортрет великого нидерландского художника Питера Брейгеля. Он исключительно просто изобразил себя за работой с кистью в руке, несколько иронически нарисовав сзади довольно наивно выглядевшую фигуру некоего тогдашнего „искусствоведа” в очках. Творчество Брейгеля во всей его сложности указывало искусству путь вперед. Его искусство предвещает и Рубенса, и Рембрандта.

Самым сложным временем в развитии западноевропейского искусства является XVII столетие. Это — эпоха феодально-католической реакции с одной стороны, абсолютизма — с другой ; эпоха английской революции, за которой вновь последовала абсолютистская реставрация; это эпоха, когда, по словам К. Маркса, Голландия была небольшим буржуазным островом в феодальном океане. Считать, что все искусство этого столетия может быть обозначено одним выражением „стиль барокко”, никак нельзя, просто потому, что искусство XVII века было исключительно сложным и противоречивым.

Наиболее замечательным его началом явилось искусство Фландрии — Фламандская школа, — во главе со знаменитым П. П. Рубенсом.

В рисунке Рубенса доминирует живописное начало. Нет сомнения в том, что в рисунке он более реалистичен, чем в своих картинах. Он чудесно рисовал портреты. Очень красив и выразителен этюд, изображающий молодую „придворную даму” инфанты Изабеллы Испанской; это — Рубенс „официальный”, блестящий мастер, которому все удается легко.

Скромным, реалистическим и без сомнения очень похожим является более поздний его рисунок, изображающий в профиль дочь его знакомого художника Бальтазара Жербье. Но Рубенс предстает нам еще в новом обличье, когда он рисует своего маленького сына. Это — Рубенс интимный, полный сил и увлечения жизнью. Комбинируя во всех своих портретных рисунках черный материал (уголь, карандаш) с сангиной, Рубенс достигает изумительных результатов. Его рисунки очень просты, очень жизненны и совсем по другому передают пластическую объемную форму, чем итальянские классические рисунки, которые рядом с Рубенсом представляются мраморно-твердыми, в то-время как у Рубенса — плоть и кровь. Вполне новаторским является и пейзажный рисунок Рубенса.

Приводенный ниже рисунок исполнен карандашом и гуашью. Он очень „декоративен” и вместе с тем — правдив.

Рубенс Питер Пауль. Пейзаж. Карандаш, гуашь; 24 х 43 см. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж.

Рубенс был счастливым зачинателем художественного „золотого века” искусства своей страны. Этюд головы старухи работы Я. Иорданса относится к эпохе, когда слава Рубенса находилась в своем зените, и вместе с тем Иордане в рисунке этом более тверд и определенен, чем Рубенс. „Жанровая сцена при свете фонаря” Иорданса в постановке новой проблемы светотеневого контраста является новаторской. Для картины „Медный змий”, относящейся к раннему периоду его творчества, Ван-Дейк набросал пером группу фигур, где на первый взгляд трудно что-либо разобрать, но где полностью выявлено то динамическое начало, „беспокойство плоти и духа”, которое считается очень характерным для стиля барокко, наиболее отчетливо выявившего идеологию феодально-католической реакции. Этюд Ван-Дейка с античной головы, очень качественный, ранее приписывавшийся Рубенсу, может быть сопоставлен с рисунком античной головы у Тинторетто. Мы указали уже, что Тинторетто „очеловечил”, сделал более реальным и современным античный бюст. Ван-Дейк античный мрамор рисует совсем по-новому, мягко, ища в рисунке не очеловечения, а эффектов освещения, воздушной среды и иных профессионально-художественных качеств.

Фламандские анималисты школы Рубенса тоже интересны в их эволюции. Несколько статичный Ф. Снейдерс был реалистом. В рисунке Я. Фейта можно отметить иные черты, например искание динамики, подвижности, действия. Фламандский портрет во второй половине века перерождается в костюмную эффектность „кавалеров” П. Лели.

Семнадцатый век более резко, чем раньше противопоставил национальные школы в искусстве. Французская школа была в этом столетии одной из ведущих и наиболее оригинальных. Именно во Франции получило свое продолжение искусство карандашного портрета, примером которого в XVI столетии был женский портрет Клуэ, а в XV — Фуке. Мастера французского портретного рисунка первой половины XVII века — Дюмустье, более „элегантный”, и Ланьо, более „простонародный”, дают примеры полномерной рисуночной законченности. Чудесным по реалистической же простоте и своеобразной теплоте является рисунок Л. Ленена, одного из первых художников этой эпохи, кого мы могли бы назвать подлинно демократическим. Самым же оригинальным, ни на кого не похожим художником, является Ж. Калло, мастер изображения танцующих артистов итальянской комедии, полуфантастических воинов, причудливых кавалеров. Замечательный офортист Калло в своих рисунках, часто остававшихся небольшими набросками, по-своему видел жизнь.

Во Франции, как известно, в XVII веке распространился классицизм, что не мешало в театре выступать гениальному реалисту Мольеру, в известной мере предвосхищенному гротескным и все же реалистическим искусством Калло. Рисунки величайшего из художников Франции XVII века, Пуссена, менее классицистичны, чем его живопись. Рисунки Пуссена часто более динамичны и контрастны, более подвижны, чем его картины. Более „романтичным” чем в картинах является рисунок и у Клода Лоррена. В альбоме приведен один ему приписанный рисунок, изображающий дерево, — повод вспомнить абсолютно простой, познавательно строгий рисунок дерева у Леонардо да Винчи. „Дуб” Лоррена вполне — реалистичен, но нарисован он более внешне, с позиций искания живописного эффекта, не так, как нарисовал в свое время древесный ствол пытливый и прозорливый искатель секретов природы Леонардо.

Германская школа XVII века может быть показана на различных примерах; их сравнение выявляет глубоко противоречивое развитие немецкого искусства, бывшего в годы Дюрера и Гольбейна одним из наиболее передовых в Западной Европе. В лице Адама Эльсгеймера Германия выдвинула одного из самых талантливых представителей раннего живописного рисунка, к которому вполне можно применять понятие „стиля барокко”, художника, понимавшего язык линий и пятен, как средств изображения людей. В середине и начале второй половины XVII века другие немецкие мастера представляются в своих жанровых композициях вполне „бюргерскими” художниками, подражателями голландцев.

Последние — художники голландской школы XVII века — занимают во всей мировой истории искусств особое место. Голландия — родина одного из гениальнейших и человечнейших художников земли, Рембрандта.

Рисунки Рембрандта — целый мир. Выбор их образцов необычайно труден, их качество, наоборот, бросается в глаза немедленно. Один из ранних голландских анималистов, Саверей, оставил нам этюд обезьяны, сделанный со всею дотошностью наблюдателя-натуралиста. Рядом с ним наброски слонов или львов Рембрандта поражают своей непосредственностью, безыскусственностью и содержательностью. Рембрандт рисовал все, что видел, вкладывая в каждый штрих своих рисунков свое личное, очень правдивое, очень искреннее теплое отношение к человеку, ставшему в некую позу или схваченному в буднично-простом движении; внимательно и бережно, с огромным человеческим целомудрием рисовал он обнаженную модель; с подлинно патриотической любовью изображал пейзаж родной страны, причем не города, а деревни. Исчерпать все, что дают рисунки Рембрандта в немногих словах невозможно. В них есть и глубокий ПСИХОЛОГИЗМ, и легкая шутка ; в них поставлены проблемы освещения и ракурсов, пространственности и детализации. Приемы художника часто менялись ; молодой Рембрандт рисовал более конкретно, зрелый — более общно. Но художник всегда оставался великим сыном своего народа, реалистом и гуманистом в лучшем смысле слова. Исключительное значение Рембрандта как реалиста и новатора особенно выступает в сопоставлении его пейзажных рисунков с прозаически-честными рисунками других рисовальщиков его страны, Гойена, Кейпа, а также Я. Рейсдаля, который был в числе лучших мастеров, его современников. Голландские жанристы, прославленные реалисты А. Остаде, Бега, — все заслужили себе место в истории искусств и все же не могут быть поставлены на один уровень с Рембрандтом.

Сложным было состояние искусства в Италии в XVII столетии. Здесь в это время складывается очень последовательное академическое течение, начатое братьями Карраччи в Болонье еще в предыдущем столетии. Это направление включало в свой состав и повествователя Доменикино, и патетического Рени, и грациозного виртуоза рисунка пером Гверчино. Замечательным рисовальщиком чисто живописного склада был знаменитый скульптор и декоратор Бернини. В искусстве Италии этого времени была и реалистическая струя в лице художников юга страны. Мало сохранилось рисунков главного представителя этого направления Караваджо; больше рисунков оставил С. Роза; близок к нему темпераментный испанец Рибейра, работавший в том же Неаполе. Школа юга Италии перешла к более внешнему декоративному стилю в лице Ф. Солимены. Своеобразным центром живописного реализма оказалась Испания. Первоклассным рисовальщиком должен быть признан Сурбаран. От великого Веласкеса почти не сохранилось достоверных рисунков ; мы знаем один портретный рисунок, так или иначе близкий к изумительному изобразителю человеческого лица. Мурильо, как рисовальщик, стоит на позициях вполне „живописных”. Приводимый нами единственный пример испанского цветочного натюрморта  (X.Арельяно) показывает перерождение многосложных опытов рисунка XVII века в чистую декоративность.

В ней, в конце концов, и „барокко”, и „обуржуазившийся” после Рембрандта голландский реализм.

Рисунок XVIII столетия оставил нам ряд чудесных работ прекрасных мастеров, причем рядом со странами старинной художественной культуры именно в это время начинает выступать со своим, складывающимся своеобразием, национальное реалистическое искусство России на востоке Европы, Англии на западе, Скандинавских стран на севере, Польши и Чехии в центре Европы.

Французскую школу XVIII века легче всего оценить в ее особых качествах. Вначале — это правдивый и поэтичный Ватто, создавший ряд чудесных полукостюмных-полужанровых зарисовок для своих картин, бывший хорошим пейзажистом, остававшийся все время в границах реализма. Его преемник Ф. Буше воплотил в своих рисунках иную грань общественного бытия дореволюционного французского общества XYIII века — чувственную красоту. В таком его рисунке как „Девушка с розой” начинает ощущаться и более поздний сентиментализм.

Границы между школами в XVIII веке быть может более зыбки, чем в предыдущее время. Декоративность „большого стиля” воплощена в творчестве Дж. Б. Тьеполо, великолепнейшего из венецианцев.

Как известно, венецианские мастера в XVIII веке работали во всех странах Европы, в том числе и в славянских. Жизнь самой Венеции отражена в рисунках чудесного жанриста П. Лонги, исключительно декоративного и вместе с тем убедительно передающего родной город в его неповторимой красоте Ф. Гварди. Д. Тьеполо Младший в оригинальном рисунке маскарадного „карнавального” характера „Всадник и арлекины” показывает нам другую страницу той же венецианской жизни, бывшей и комедией, и порою жуткой драмой.

Одним из наиболее оригинальных мастеров графики XVIII века остается, конечно, Дж. Б. Пиранези, архитектор и офортист, по происхождению венецианец, но работавший в Риме. Хорошо известны его „интерьерные” зачастую театрально-декоративные композиции, энергичные рисунки пером, получившие впоследствии продолжение в творчестве ряда рисовальщиков всех стран Европы. При составлении данного альбома представилось правильным выбрать более скромный и ближе связанный с реальной жизнью Италии его рисунок „Виллы с террасами”, сочетающий в одно целое классическую красоту архитектуры с купами живых деревьев, нарисованных художником подлинно страстно.

Г. де Сент Обен показывает на своей чудесной акварели французское аристократическое общество того времени, девизом которого было „после меня — пусть хоть потоп”. Фрагонар, художник, который одинаково любил передавать и „галантные празднества”, и театральную патетику, в своей „Буре” сумел показать сельский пейзаж, охваченный настоящим порывом близкой грозы; а Гюбер Робер вновь переносит зрителя в Италию, в организованную красоту „Виллы Мадама”, где можно было встретить за этюдами молодых художников-пенсионеров Академий всех европейских стран.

Рисунки Ж. Б. Грёза, французского художника конца XVIII века, долгое время были образцами для многих европейских Академий. „Девочка” Грёза — типичный для него пример сентиментальной красоты, трогательной и чисто буржуазной. Недаром именно про Грёза писал, обращаясь к французской буржуазии, знаменитый критик Дидро: „Это ваш художник”.

Из мастеров Англии следует остановиться на рисунке прекрасного живописца-портретиста Т. Гэнсборо. „Этюд для женского портрета”, в котором наряду с позой имеет особое значение мимика лица, относится к более раннему периоду творчества художника, „Пейзаж с коровницей” — к более позднему. Выполнен последний рисунок, очевидно, по памяти.

В Германии в XVIII век не было недостатка в хороших мастерах.

В альбоме* (Рисунки старых мастеров: [Альбом] — Москва: Изогиз, [1959]) приведен пример рисунка великого немецкого поэта И. В. Гёте, который помимо своей литературной деятельности, был и естествоиспытателем, и пейзажистом. Выполненный в Италии, по всей вероятности с натуры в годы, непосредственно предшествовавшие революции во Франции, рисунок Гёте неожиданно прост и ясен, очень продуман в самом ритме его композиции и вместе с тем точен и правдив. Эти черты рисунок XVIII века передает последующему столетию.

Гёте Иоганн Вольфганг (1749 — 1832). Итальянский пейзаж. Бумага, карандаш, тушь, сепия; 21 x 15,5 см.	Гёте Иоганн Вольфганг (1749 — 1832). Вид на собор Святого Петра в Риме. Бумага, тушь, перо; 19,5 x 15 см.

Рисунки старых мастеров имеются в большом числе в музеях и в собраниях всего мира. Изучение их, по существу говоря, начато недавно. Очень много материала остается доныне неизвестным, много потеряно, еще больше — не издано, не описано, не освоено наукой об искусстве. Полно изучено, казалось бы, только творчество крупнейших мастеров рисунка, таких классиков, как Леонардо, Рафаэль, Дюрер, Рембрандт. Но и здесь специалисты постоянно спорят, принадлежит ли данный рисунок руке определенного изучаемого мастера, или является он произведением ученика, тщательно подражавшего своему учителю (такие рисунки встречаются в кругу Микельанджело и Рембрандта), — является ли он копией, добросовестно выполненной чужой рукой в целях обучения (этим занимались по существу говоря все школы искусств, начиная от XVI века), — повторением, сделанным самим художником („Юдифь” Мантеньи, например, существует в нескольких вариантах) или же подделкой.

Последних, к сожалению, много во всех старинных и новых собраниях.

Исключительно трудна атрибуция рисунка, убедительное отнесение его к творчеству определенного мастера.

Совершенно бесспорных рисунков великих мастеров—не столь уж много. Если рисунок имеет подпись мастера или его монограмму, это еще не является достаточным ручательством в его подлинности, ибо подписи и монограммы давно и искусно научились подделывать.

Если рисунок оказывается соответствующим определенной детали картины художника, причем такой, которая точно, документально известна как произведение данного мастера, — и это еще не может быть абсолютным ручательством в правильности отнесения рисунка к произведениям этого мастера. Эту деталь мог скопировать и другой художник для каких-либо своих целей. Произведения знаменитых мастеров Возрождения копировались в целом и в частях художниками всей земли.

Подлинное ручательство в том, что данный рисунок принадлежит данному мастеру возможно только тогда, когда совпадают все элементы узнавания, то есть когда рисунок связан с известным произведением изучаемого художника, когда он выполнен на бумаге того времени, когда жил мастер, той техникой, которая была известна в его время, и когда к тому же рисунок имеет помету, выполненную художником : монограмму, подпись, марку, надпись. Решающее же значение остается за сопоставлением одного рисунка, подлежащего определению, с другими, уже определенными, „опознанными” рисунками. Для этого надо очень много видеть, много знать, иметь к тому же особую зоркость, развиваемую долгим опытом изучения произведений определенного мастера. Но и тогда все же не будет абсолютно твердой уверенности в том, что рисунок принадлежит данному мастеру. Постоянные „переатрибуции” остаются характерной чертой того раздела истории искусств, который занимается изучением рисунков старых мастеров.

„Отвергаются” рисунки часто из соображений слишком большой щепетильности ли на основании суждений вкуса, не всегда обязательных. В числе признанных „неподлинными” или „сомнительными” рисунками оказываются зачастую рисунки очень качественные и остающиеся близкими к данному мастеру по ряду черт. Исследователь тогда обязан указать на то, что настоящего ручательства за принадлежность, например, „Женского портрета” Мадридской библиотеки руке Веласкеса, наука не имеет. Вместе с тем на примере опубликованного рисунка можно получить представление о том, как рисовал великий испанский мастер.

Наука о рисунках старых мастеров очень трудна, очень увлекательна, очень еще молода, поэтому несовершенна.

Ее задачи, однако, ясны: на примерах рисунков великих старых мастеров, бывших чудесными реалистами, посильно содействовать росту художественной культуры нашей современности.

По материалам статьи члена-корреспондента Академии наук СССР,
Заслуженного деятеляеля искусств РСФСР,
профессора А. А. Сидорова.

Материал является авторским. Распространение без ссылки на сайт запрещено © 2016 г.

Картины известных художников нарисованные гуашью. В музее «Эрарта» открылась «Гуашь два О»

Я всё ещё хожу по блогам разных художников и присматриваюсь к гуаши, которой люди работают. (Своя разная у меня тоже есть, но надо же посмотреть, что люди делают.) Я поняла, что лично мне акварель плохо подходит для пленэра. Нужно что-то более кроющее и быстрее сохнущее. И заодно менее капризное. Поэтому гуашь кажется сейчас более оптимальным вариантом для пленэрной работы, когда очень быстро меняется свет, погодные условия и нет толком никаких удобств.

На масло я пока не созрела, нужно слишком много тяжестей за собой носить, включая холсты или доски для работ, а так же специальный ящик для этюдов, чтобы они не размазывались при перевозке. А у меня уже сейчас при снаряжении для работы акварелью, пастелью и цветными карандаши просто плечи отрываются. Настолько, что после последних поездок прошлого месяца я живу с Вольтареном. Это не мужик какой, если что. Это мазь от боли в мышцах и суставах.

Мои самые любимые художники-пленэристы сейчас Джеймс Гарни (James Gurney) и Нейтен Фоукес (Nathan Fowkes). Оказалось, что и тот, и другой — иллюстраторы, как и я сама, которые выходят на пленэр или рисуют с натуры для вдохновения и для прокачки художественных мышц. Я не специально по этому принципу их выбирала — просто так получилось. Джеймс знаменит своей «Динотопией » (кстати, недавно вышла его книга по рисованию на русском языке «Цвет и свет» , на английском здесь: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art) ), а Нейтен — художник-аниматор (поучиться у него можно на www.schoolism.com). И так мне нравится, с какой лихостью и скоростью оба этих товарища работают на пленэре гуашью, что даже кончики пальцев колют — хочется бросаться и самой ваять именно гуашью или казеином.

Работы Джеймса Гарни отсюда

Работы Нейтана Фоукес отсюда

Это мои герои сейчас, в общем-то. Хотелось бы перейти в работах с натуры с детального вытюкивания к более свободному мазку. Но не потому, что я разлюбила чахнуть над деталями — такого не случится, обожаю я их. А потому что хотелось бы видеть после пленэра готовые или почти готовые работы, которые можно было бы использовать для более серьёзных полотен. Потому что сейчас, пока я довожу до ума наброски с натуры и дорисовываю — по памяти и по фото — на более крупный повтор уже сил нет.

В поисках сортов гуаши я наткнулась на ещё одного талантливого иллюстратора, на которого здесь ссылаться не буду, потому что он вызывает у меня некоторые внутренние противоречия. Причём я часто сталкивалась с тем, что именно у западных иллюстраторов бесполезно спрашивать про материалы или какие-то тонкости работы. Они в 90% случаев просто не отвечают и особо не распыляются на тему того, как именно они работают. Прекрасно понимаю их позицию, но считаю ее фу. Но тут оказалось, что есть ещё более превосходная степень. Талантливый иллюстратор, на которого я НЕ ссылаюсь, на все вопросы о технике и используемых материалах отвечает очень чётко:»Please send me an email to purchase the information» (Вышлите мне письмо, чтобы купить информацию). Я сначала думала, что он просто опечатался, когда увидела подпись и под одной из работ после перечня используемых материалов. Потому что purchase information — это информация о покупке, а вот to purchase the information — покупка информации. Но нет. Человек действительно делится информацией только за деньги. И я не пойму пока, как к этому отношусь.

С одной стороны он прав. Эта информация ему тоже не сама с неба упала. В свою технику работы он инвестировал время и деньги. Страшно подумать, сколько денег я уже потратила на то, чтобы найти оптимально подходящие мне материалы. Так и у него. Почему он должен делиться теперь с кем-то бесплатно? Я сама уже достаточно часто сталкивалась и с тем, что мои подробные рассказы или продуманные темы и уроки, которые люди получили бесплатно, были использованы для целых мастер-классов, то есть монетизированы и всё мимо меня в чужую копилку, в том числе и в копилку признания. Но есть же ещё такая вещь, как творческий обмен. Без него нет нормального развития. Есть только застой. Что если именно моя информация, которой я от души поделилась, помогла стать на ноги какому-то очень крутому художнику?! Ведь без него мир был бы куда беднее.

Другой момент. Лично я не готова платить человеку за информацию, без которой могу спокойно обойтись (ну дальше поищу, чего там). За мастер-класс — да. А за одно предложение, каким валиком он наносит краску или в каких пропорциях разводит — скорее нет. Хотя, это же и плата за потраченное на объяснения время! И вдруг мне именно эта деталь помогла бы больше любого мастер-класса? Очень сложная тема.

А вы что думаете по этому поводу? Правильно ли поступают художники, которые все свои знания монетизируют? Молодцы они или противно это? Только, пожалуйста, не говорите мне про золотую середину, что можно и бесплатно делиться и одновременно в купюры переводить разными мастер-классами и продажами. Об этом речи не идёт. Это и так понятно, что можно и вот так по-умному, типа. А что насчёт бескопромиссного: «Чтобы купить эту информацию, напишите мне имейл»?

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Под псевдонимом Аруш Воцмуш скрывается талантливый художник из Севастополя Александр Шумцов. О своих картинах художник говорит так: «Я ничего никому не пытаюсь доказывать своими работами. Я в первую очередь получаю удовольствие. Это — чистый наркотик творчества. Или чистая жизнь — без допинга. Просто чудо».

Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин по «географическому признаку». Тем не менее любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. У него есть своя собственная техника многослойного нанесения акварели, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники.

Тайны востока глазами Мьё Вин Онга

Художник Мьё Вин Онг (Myoe Win Aung) посвятил все свое творчество родной Бирме, ее будням и праздникам, мирянам и монахам, поселкам и городам. Этот мир спокоен, облачен в нежные тона, загадочен и слегка задумчив, как улыбка Будды.

Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

Английский художник Джо Фрэнсис Дауден (Joe Francis Dowden) рисует гиперреалистичные акварели. И считает, что это под силу каждому, нужно лишь знать секреты техники. Секрет его вдохновения предельно прост: «Выбросьте учебники по акварели и затеряйтесь в настоящем лесу».

Магия балета от Лю Йи

Акварели этого китайского художника можно смело назвать искусством об искусстве. Ведь его излюбленной темой являются образы людей, имеющих к нему непосредственное отношение, – к примеру, балерин или классических музыкантов. Своеобразен способ их подачи на картинах: люди как будто проступают из тонкой мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то мере они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.

Солнечная живопись Абе Тошиюки

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Натюрморт гуашью добавит ярких красок вашей кухне, столовой или гостиной. Реалистично изображенные фрукты и цветы помогут сделать интерьер утонченным, создавая эффект объема.

В галерее Art-Icon вы найдете натюрморты гуашью, а также работы классиков жанра.

Чтобы сделать ваш поиск удобным, мы разработали каталог, который разбит на разделы по стилям, тематикам, колористике, размеру и цене. Вы можете посмотреть на сайте натюрморты известных художников, написанные гуашью, и выбрать подходящую картину. Если вы не смогли найти нужное произведение, закажите его в нашем интернет-магазине. Конечная стоимость работы складывается из нескольких составляющих: сроков исполнения, материала, размера и оформления.

Почему натюрморт гуашью, стоит заказать в нашей галерее?

1. Мы гарантируем строгое соблюдение сроков выполнения работ, указанных в договоре на оказание услуг.
2. Квалифицированные специалисты галереи Art-Icon проконсультируют по всем интересующим вопросам, помогут подобрать подходящую картину, к примеру, натюрморт, написанный гуашью, а также предоставят подробную информацию о стоимости произведений искусства.
3. Если картина, купленная в нашей галерее, вам не подошла, ее можно вернуть в течение 7 календарных дней с момента покупки.
4. Мы доставляем товар в течение 4-х дней.
5. Действуют различные формы оплаты:
   • кредитной картой при заказе в нашем интернет-магазине;
   • наличными курьеру при доставке товара.

Быть в курсе последних событий, тенденций и открытий в сфере современного искусства поможет наша группа в Facebook, странички в Instagram и Twitter, а также блог на нашем сайте. Нам важно ваше мнение! Хотите самостоятельно осветить интересную тему? Присылайте нам свою статью и становитесь внештатным куратором галереи.

Кроме того, мы предлагаем сотрудничество художникам. Присылайте фото своих работ по адресу .

Воронежский художник Ольга Бражникова известна своими яркими, солнечными работами, выполненными гуашью. Путь к искусству для неё был непростым, отказавшись от работы конструктора, она поступила в Воронежское художественное училище, а в этом году окончила педуинверситет по специальности «Изобразительное искусство». Ольга в основном работает с гуашью и разрушает стереотипы, связанные с этим материалом. Для «Умбра Медиа» художница показала свою домашнюю мастерскую и рассказала, как творчество изменило её жизнь.

Про учёбу
«Сбежала от работы на заводе»

— Когда ты поняла, что хочешь стать художником?

— Мне всегда нравилось рисовать, но в представлении моих родителей (мама работала бухгалтером, папа до сих пор трудится на авиационном заводе) художник – это несерьезная профессия. Так что пришлось мне поступить в авиационный колледж. Не понимаю, как я его смогла закончить. Помогло мое умение неплохо рисовать, делала стенгазеты за зачёты. Когда учёба подходила к концу, я поняла, что ни за что не пойду на завод. И пошла в вечернюю художественную школу, чтобы хоть что-то у меня было для души. Преподаватель предложила мне поступить в Воронежское художественное училище.

— Как родители восприняли, что ты хочешь стать художником?

— Они не верили, что я поступлю. Была забавная история. Папа говорил, что знал мужчину, который мог палочкой на песке нарисовать портрет Ленина! А если я так не могу, значит, не художник. Не смотря ни на что я готовилась к поступлению, 2-3 месяца ходила на курсы, занималась отдельно рисунком с преподавателем. И когда я поступила, родители меня поддержали и были рады. И уже позже, когда мои работы стали брать на выставки, они поверили в меня. После училища, я попала на оборонное предприятие, где до сих пор работаю дизайнером. У меня был довольно длительный перерыв – семь лет, но потом решила вернуться к живописи и творчеству. В 2013 году поступила в Воронежский государственный педуниверситет, который окончила в этом году.

Про материалы
«Мало кто верит, что мои картины написаны гуашью»

— Почему ты выбрала гуашь, чем тебе интересен этот материал?

— Гуашью я увлеклась в пединституте. Раньше я воспринимала ее больше как переходный этап к маслу. Но сейчас это мой любимый материал. Она быстро сохнет, без запаха, даёт фактурные мазки и яркие цвета. Пишу я пастозно, гуашь не разбавляю водой. Рисую обычно на плотной бумаге. Маслом, конечно, в квартире не так удобно работать. Особенно с учетом того, что моя кошка постоянно норовит вляпаться в какую-нибудь баночку. Как-то я писала маслом, ненадолго отвлеклась, а она уже влезла в синюю краску и по все квартире оставила отпечатки лап. Потом мы весь вечер эти следы оттирали.

— Что ты думаешь по поводу того, что гуашь часто называют «детским» материалом?

— Мне кажется, это стереотип и предубеждение. Именно в гуаши, по мнению моих коллег, у меня появился собственный стиль. Когда я выкладываю свои работы в интернете, многие пишут, как сильно они удивлены, что картины написаны гуашью, а не маслом. Гуашь – не детское творчество, а достойный материал. Мне кажется, что вообще любым материалом можно создавать шедевры, материал не первостепенную роль здесь играет.

— Что тебя вдохновляет?

— Я люблю городские пейзажи. Домики, которые пожили, и у них есть своя история, меня завораживают. Обычно я гуляю по городу, снимаю сюжеты, а потом дома пишу. Люблю буйство цвета, фактурные мазки. А из современных художников меня очень вдохновляют акварели Аруша Воцмуша.

— В какой атмосфере тебе нравится работать – в тишине, или под музыку?

— Когда пишу, чаще всего слушаю старый добрый рок. Одни из любимых групп – «Аквариум» и The Doors

— Распространено мнение, что академическое образование «убивает» индивидуальность художника. Что думаешь по этому поводу?

— Мне кажется, образование в художественной сфере как никогда сейчас важно. Когда ты смотришь те же видеоуроки через интернет, не являешься соучастником процесса, а это необходимо. Я думаю, что академическое образование помогает обрести навыки рисования. Я училась у Александра Старилова, он был разноплановый художник, архитектор, новатор. Он считал, что надо иметь классическое образование, а потом уже искать свой стиль, тот же примитивизм не рождается из ничего. И я с ним согласна.

Про реализацию
«Художник – больше, чем профессия»

— Как тебе удается совмещать работу дизайнера, творчество и семью?

— Сложно, пишу в основном в выходные. А дочь уже взрослая, с ней не требуется быть всё время вместе, у неё уже полно своих интересов. В период, когда я не рисовала, я постоянно чувствовала, что мне этого не хватало. Сейчас я не собираюсь бросать живопись, мне нравится заниматься творчеством и поиском. Быть художником – для меня это смысл жизни и больше чем профессия. Создание картины для меня это какая-то загадка, хотя, конечно, с технической точки зрения никакой загадки нет. Но процесс всегда интригует – интересно, что же в итоге выйдет.

— Что у тебя в планах в ближайшее время? Хотелось бы иметь собственную мастерскую?

— Мне очень хочется участвовать в выставках, а не замыкаться в своем пространстве. Надеюсь, что в скором времени смогу сделать персональную выставку в художественном училище. А мастерская – возможно, дело только отдалённого будущего. Пока все мои работы помещаются в квартире. Мы недавно сделали ремонт. Стены специально покрасили в белый, чтобы можно было развесить картины. Пространство для работы я организовала так, чтобы вокруг чувствовался воздух и было много света. Пока оно не обросло всевозможными интересными предметами и деталями, но думаю, что это ненадолго.

Преимущества гуашевых красок в том, что можно с легкостью регулировать густоту краски, добавляя воду. Гуашь практически не обладает запахом и быстро высыхает. Ошибки можно не стирать, так как один слой можно легко перекрыть другим более темных тонов.Для работы гуашь следует разводить до консистенции очень жидкой сметаны, но не до такой степени, чтобы краска оказалась просвечивающей. Она должна оставаться плотной, непрозрачной. К тому же слишком жидко положенная краска при высыхании образует по границам мазков темные каемки. Не следует класть гуашь и слишком густо, толстым слоем или перекрывать много раз одно и то же место – она плохо закрепится на основании и после высыхания будет осыпаться, как штукатурка. Это может привести и к появлению темных пятен на поверхности от выступившего свободного клея(заклеивание).Чтобы закрасить поверхность ровно, необходимо брать краску кистью, смоченной в воде, причем краска должна быть равномерной плотности, иначе, при высыхании могут получиться полосы. Кроме того, для получения более ровной поверхности, лучше пользоваться картоном или шероховатой бумагой. Для гуаши применяют мягкие, упругие колонковые или беличьи кисти, особенно плоские, но пользуются и круглыми. Живописцы-станковисты часто пишут эластичными круглыми и щетинистыми кистями.Техник, позволяющих рисовать гуашью яркие и насыщенные композиции, множество. Тем, кто уже работал с акварелью, основные способы работы с гуашевыми красками знакомы. Можно наносить слои гуаши равномерно друг на друга, закрашивая светлые участки темными или наоборот. Если наносить гуашь прозрачными тонкими слоями, то рисунок получается реалистичным. Подобная техника позволяет вносить множество изменений по ходу работы.Техника «по мокрому» используется, когда требуется добиться четких очертаний. Метод разбрызгивания при помощи маленькой кисти доставляет множество приятных моментов начинающим художникам. В отличие от акварели, не нужно строго соблюдать порядок рисования, от светлых к темных тонам, можно использовать любые цвета.Хранят гуашь при комнатной температуре в плотно закрытых банках, ее нельзя охлаждать ниже нуля. Если гуашь засохла, то ее легко восстановить. Краску заливают водой или слабым раствором желатинового клея и растворяют в течение двух-трех суток, после этого хорошо размешивают до получения однородной массы. Хранить работы, сделанные гуашью, лучше всего в папках. Листы не должны тереться друг о друга, чтобы этого избежать, нужно прокладывать их листками тонкой бумаги.

«Мой социальный центр» принимает художников из детдомов — Российская газета

Клубное пространство «Мой социальный центр» все больше становится популярным местом встреч не только у москвичей за 50, но и у молодежи. Сюда можно прийти на концерты и кулинарный поединок поколений — хоть зрителем, хоть участником. А можно поиграть в бильярд и позаниматься йогой. Теперь же центры открыли свои двери еще и для талантливых художников из детских домов и психоневрологических интернатов. Разве не любопытно? Известно же, что люди с ограниченными возможностями здоровья видят мир иначе, они могут стать яркими живописцами и даже покорить мир.

Ты просто космос

Путь художника, как правило, тернист. А уж если талантом одарен ребенок в детском доме, то шанс, что его заметят, сводится практически к нулю. Максиму Кузнецову повезло. Его первая персональная выставка представлена сейчас в «Моем социальном центре» на Таганке. В экспозиции 17 работ, выполненных акварелью и гуашью в жанре абстракционизма. Тем, кому это близко, выставка, несомненно, доставит удовольствие. Кроме того, она даст богатую пищу для размышлений. «Основная часть картин — с космическими кораблями, выдуманными мирами и мифическими животными. Мне нравится придумывать планеты, их природу, обитателей. Одна из моих любимых работ — волшебный слон с крыльями. Присмотритесь — и вы увидите мифическую рыбу, улитку, копыта лошадей и образы других обитателей животного мира», — рассказывает художник. Он признается, что в детстве копировал сюжеты известных картин, писал иллюстрации к знаменитым сказкам. Теперь же сам придумывает образы будущих произведений, выражая эмоции и отношение к жизни.

У таланта Максима уже появились поклонники, которые готовы купить его работы

Отдельный цикл работ — на социальную тематику, которая близка юноше. Он работает в детском хосписе «Дом с маяком», где ухаживает за комнатными растениями и помогает в уборке помещений. Коллеги ценят Максима, говорят: у него доброе сердце, и это проявляется в его творчестве. Так, на одной из картин мужчина-спасатель вместе с собакой ищет под завалом людей. На другом панно шахтеры добывают уголь под землей. «Это картины о жизни и взаимопомощи», — поясняет Максим.

На выставке можно увидеть и более ранние вещи Максима, например, «Зажигательные танцы в горах» (он написал в 15 лет), а также одну из свежих работ 22-летнего художника — «Космический пляж, окутанный ароматом неизвестности». Что же все это напоминает? Пожалуй, роспись по шелку, что ни картина — идея для узора.

Картина маслом

Максим вырос в детдоме, рисовать начал ребенком, тогда же и появилась мечта — показать работы жителям большого города. Педагог изобразительного искусства из Центра содействия семейному воспитанию (бывший детский дом) «Южное Бутово» Ирина Платонова вспоминает: «Мы познакомились с Максимом, когда ему было восемь лет. Он с первого класса учился рисовать и отличался от других ребят живым воображением. Немного повзрослев, записался на дополнительные занятия. Максим всегда был вдумчивым, требовательным к себе, хотел учиться. А когда его хвалили, готов был свернуть горы». Педагог обратила внимание, что у мальчика четкая и яркая композиция, а все рисунки позитивные. К примеру, когда на уроке ребята копировали сюжеты известных картин, то даже мрачная работа известного художника Николая Крымова «Ветреный день. Бык» у Максима ожила светлыми красками. Словом, пока жил в детском доме, мог копить работы, искать свой жанр — такой, который позволил бы вопреки инвалидности свободно выражать свои мысли и понимание мира. Недаром преподаватели, затевая ремонт дома, советовались с ним, например, какую выбрать краску для стен, какие двери лучше подойдут к плитке…

После выпуска Максим переехал в психоневрологический интернат. Писать картины не забросил. Окончил колледж, получил профессию озеленителя и устроился на работу в детский хоспис «Дом с маяком». «Однажды Максим рассказал, что не смог пройти врачебную комиссию, которая принимает решение о самостоятельном проживании людей из ПНИ и формирует заявки на получение квартиры, — рассказала «РГ» Лида Мониава, директор благотворительного фонда «Дом с маяком». — Я обратилась в департамент соцзащиты, вместе нам удалось договориться о повторной комиссии, которая решила, что Максим способен проживать самостоятельно».

Сейчас Максим живет в центре социальной адаптации на Дегунинской улице. Там у него своя квартира, с ключом, двумя комнатами, кухней. На новом месте парень будет «учиться» жить до конца года, тем временем и собственное жилье будет оформлено в собственность.

Кто владеет пером, владеет миром

Сразу после открытия выставки на своей страничке в Facebook Лида Мониава разместила фотографии картин Максима. Результат: более 5 тысяч «лайков» и порядка 300 комментариев. Большая часть таких: «Самородок, великолепное цветоощущение, филигранные формы». «У него такой радужный мир». «Дали на его фоне отдыхает в Манеже». «Мне было бы приятно иметь такую картину в своей коллекции» и т.д. Много просьб продать картины. Но Максим категоричен, говорит, что рисует от души, привязан к каждой работе, словом, зарабатывать на своих творениях не намерен.

В экспозиции 17 работ, выполненных акварелью и гуашью в жанре абстракционизма. Фото: Пресс-служба «Мой социальный центр»

В общем, если хотите увидеть «Летающих обитателей далекой деревни», «Холодный подводный мир», «Искателей далеких планет» и другие яркие работы молодого художника, то нужно поспешить в «Мой социальный центр» на Таганке — там работы Максима будут выставлены до середины марта. «Выставка Максима Кузнецова — важное событие для нашего центра. Это символ изменений в обществе, которое теперь готово принимать и воспринимать людей с ограниченными возможностями, поддерживать их и дать возможность развиваться», — отметил Даниил Толмачев, руководитель клуба «Мой социальный центр» в районе Таганский.

К слову, клубные пространства социальных центров открыты уже по пяти адресам: ул. Сущевский Вал, д. 31, с. 2; ул. Сергия Радонежского, д. 6; ул. Краснобогатырская, д. 87; ул. Кировоградская, д. 9, корп. 4; ул. Веневская, д. 2А. Режим работы всех центров: понедельник — воскресенье с 10.00 до 21.00.

Живопись гуашью — история, искусство, художники

Картины гуашью — это изображения на бумаге, картоне, фанере или толстом шелке, нанесенные плотными водорастворимыми красками. Гуашь (фр. Gouache, нем. Guazzo — водная краска, брызги) — это матовая непрозрачная краска, состоящая из пигментов, воды, белила и гуммиарабика или крахмала в качестве связующих. При использовании поверхность становится гладкой и бархатистой. Художники выбирают эту технику за быстрое высыхание, простоту использования, возможность разбавления высохшей краски водой, а самое главное — за право допускать ошибки и многократные исправления рисунка.Засохшая гуашь позволяет художнику покрыть неудачные детали картины новым слоем, при этом старый фрагмент не просматривается и не оставляет следов. Художник также учитывает тот факт, что при нанесении нескольких слоев краски участок картины трескается и осыпается. После высыхания гуаши изображение становится светлее, но сохраняет яркость цвета, насыщенность и однородность. Профессиональные художники пренебрежительно отзываются о рисунках гуашью, называя эту технику детским искусством или рисованием плаката.Эта техника используется для создания цветных эскизов, портретных миниатюр, книжных иллюстраций, станковой графики.

Гуашь появилась в Европе в средние века, когда художники добавляли белый цвет в акварель, чтобы сделать цвет более густым: мазок гуаши выделялся на размытом акварельном фоне. Иллюстраторы сразу увидели преимущества новой краски. Маньерист Паоло Пино (1525–1587) первым применил в живописи технику сочетания гуаши и акварели. Мастера эпохи Возрождения использовали гуашь для усиления яркости и контрастности эскизного рисунка.Термин «рисунок гуашью» появился во Франции в 18 веке, а в конце 19 — начале 20 века технологии сильно изменились. Великие художники того времени, такие как Марк Шагал и Сальвадор Дали, Борис Кустодиев и Анри Матисс, Эдгар Дега и Валентин Серов, охотно использовали гуашь при создании картин. Графические дизайнеры 20-го века использовали флуоресцентную форму краски для украшения представлений и усиления декоративных эффектов в темноте.

Гуашь пользуется популярностью у художников всех стилей и жанров, в технике создания пейзажей и натюрмортов, портретов и жанровых сцен.Бархатная текстура краски отлично передает атмосферу вечерних сумерек и предрассветного тумана. Для создания картины художники выбирают кисти из натуральной шерсти с острым кончиком. При работе гуашью существует несколько приемов нанесения мазков и работы со слоями: пастообразная техника напоминает масляную живопись, глазирование предполагает разбавление гуаши водой, граффито напоминает «гравировку» картины: художник царапает верхний слой краски. и обнажает дно.На мягкость и контрастность изображения влияет количество слоев и влажность кисти и бумаги для рисования. Художники считают гуашь идеальным материалом для рисования в смешанной технике: краска контрастирует с мягким акварельным фоном, но также смягчает резкие акриловые краски.

Известные картины гуашью:
«Испанка с острова Майорка», «Мальчик с собакой» 1905 г., «Два брата» 1906 г. Пабло Пикассо; «Мисс Рубелл, сидящая перед экраном» 1885 г., «Сиеста» 1905 г. Джона Сингера Сарджента; «Портрет Марушки, жены художника», «Портрет дочери художника Ярославы» 1922 г. Альфонса Мухи; «Алиса в стране чудес» 1945 г., «Чистый разум» 1948 г. Рене Магритта.

Известные художники, использовавшие гуашь в своих работах:
Эдгар Дега, Джон Сингер Сарджент, Пабло Пикассо, Сальвадор Дали, Винсент Ван Гог, Валентин Серов.

Известные вьетнамские мастера гуаши

Гуашь — это краска, состоящая из пигмента, взвешенного в воде. Гуашь отличается от акварели тем, что частицы больше, соотношение пигмента к воде намного выше, а также присутствует дополнительный белый пигмент, такой как мел. Это делает гуашь более плотной и непрозрачной, с лучшими отражающими качествами.

Картина гуашью, Партизаны Ла Хай во время упражнения по стрельбе, художник: Нгуен До Кунг.

Автор: Нгуен До Кунг, (1912-1977)

Нгуен До Кунг, уроженец Ханоя, основал Музей изящных искусств Вьетнама в 1966 году. Его работы в основном были лаком и гуашью. Нгуен До Кунг был также автором многих статей по изобразительному искусству. Многие из его картин посвящены военной тематике. Его знаменитые картины: «Партизаны Ла Хай во время учений» (1947, гуашь), «Доброволец на юг» (1947, гуашь).

Картина гуашью, Алжирская ярмарка (1976), работы известного вьетнамского художника Ле Тхань Дыка.

Автор: Ле Тхань Дык (1925-2004)

Ле Тхань Дык родился в Ханое. Он изучал искусство в Колледже изящных искусств Вьетнама и в Московском институте кинематографии. Писал маслом, акварелью и гуашью. Ле Тхань Дык также фотограф, искусствовед и автор множества книг по искусству и фотографии.

Картина гуашью художника: Данг Тин Туонг

Автор: Данг Тин Туонг (1945 -)

Данг Тин Туонг родился в Биньцзян провинции Хайзыонг.Он получил степень бакалавра в Ханойском университете. Он художник-самоучка, у него лишь несколько курсов графики в Ханойском институте изящных искусств. Когда-то он работал в отделе учебных программ Ханойского института изящных искусств, затем с 1984 года работал в Национальных мастерских изящных искусств при Министерстве культуры. Он известен лаком и шелком, а также акрилом и акварелью на бумаге «до». Его работы представлены в Музее изящных искусств Вьетнама, Государственном пансионе Вьетнама и Этническом музее Майами в США.

Взгляд изнутри на историю гуаши

2 января 2020 г.

Челси Рид

Давайте продолжим наше последнее исследование гуашевой живописи! Мы узнали, что гуашь — это особый вид акварельных красок. Он яркий, непрозрачный и очень простой.Мы также знаем, что практика рисования гуашью существует уже давно. Но откуда это взялось? Кто это придумал и как это произошло? Гуашь рассказывает увлекательную историю, испытанную временем. Посмотрим, что там написано!

Скромное начало

Оказывается, гуашь имеет давние многообещающие отношения с художниками. На самом деле гуашь — одна из первых красок, которыми когда-либо пользовался человек! «Предки» гуаши восходят к наскальным рисункам. В прошлом блоге мы упоминали, что гуашь делается с использованием пигментов и связующих на водной основе.Древние народы делали краски, похожие на гуашь, из древесного угля и железной руды для пигментов. В качестве связующего они использовали воду, овощной сок и даже слюну! Пещерные художники рисовали на стенах руками, моховыми «губками» и кистями из конского волоса. Удивительно, как эта скромная пещерная краска не исчезла за тысячи лет.

Гуашь в деревенском стиле развивалась вместе с поселениями, ставшими цивилизациями. Древний Египет и Греция расписывались гуашью с медом или яичным желтком в качестве связующего.Гуашь на основе яиц позже будет определена как темпера. Мастера-художники в Европе 14 века часто использовали темпера. Альбрехт Дюрер писал гуашью, чтобы придать своим натурным этюдам мягкое сияние. Гуашь также обеспечивала замечательную насыщенность цвета средневековых рукописей.

Легко работать, сложно освоить

Художники продолжили отношения с гуашью благодаря ее гибкости и простоте использования. Однако романтика оборвалась во время увлечения масляной живописью эпохи Возрождения.Художники рекламировали способность масляной среды передавать реалистичные детали. Будьте уверены, гуашь снова вернется к своим любителям как излюбленное средство искусства к 18 веку. Официальное название гуаши было окончательно придумано во Франции 18 века. Оно происходит от итальянского слова guazzo, что означает «грязь».

Гуашь — это особый художественный материал, потому что с ней легко работать, но с ней сложно работать. Никто не знает, кто именно его изобрел, но мы знаем, кто сделал это на карте! Художник ХХ века Анри Матисс использовал гуашь в своих знаменитых картинах «Голубая обнаженная натура».С тех пор гуашь сыграла важную роль во всем, от плакатов до мультфильмов. Студенты-художники и профессионалы по сей день отдают предпочтение гуаши.

Вечная любовь к искусству

Когда вы росли в современном мире, вы, вероятно, познакомились с гуашью больше, чем вы думали. В Приморской художественной галерее есть множество произведений искусства, воплощающих эту вневременную среду. Вы можете увидеть, как гуашь сформировала прочные любовные отношения с художниками. Многие из наших анимационных ячеек окрашены гуашью. Приходите посмотреть их в нашей онлайн-галерее или во Внешних банках Северной Каролины.Кто знает, может, вы тоже полюбите гуашь!

Челси Рид — копирайтер, который пишет онлайн-контент, статьи, блоги и веб-сайты со своей базы в Северной Каролине.

---

Гуашь и темпера

Гуашь: ИСКЛЮЧИТЕЛЬНАЯ СИЛА ЦВЕТА

Прекрасно подходит для рисования изобразительного искусства. Эта цветовая гамма изготовлена ​​с использованием качественных пигментов Sennelier и натуральных жевательных резинок высшего качества.

Елочная однородность этих цветов позволяет создавать равномерные фоны.Качественные гуаши этих художников обладают исключительной цветовой способностью и дают глубокие и непрозрачные мазки кисти.

Эти цвета смешиваются друг с другом и обладают высокой стойкостью к окраске (за исключением нескольких четко указанных тонов, необходимых для иллюстраций).

Sennelier Gouache можно наносить кистью, аэрографом или пером на большинство типов плотной бумаги и картона. Водорастворимые, их можно смешивать с акварельными красками и красками для получения других комбинаций непрозрачности или прозрачности.

Sennelier Egg Tempera — это аутентичная формулировка классической яичной темперации, используемой художниками со времен Возрождения. Фактически, до появления масляной живописи яичная темпера была преобладающим средством живописи в 16 веке. Много Росписи религиозных панно, выполненных между 12 и 15 веками, были выполнены в этой деликатной и утонченной среде, способной к детальным и сложным эффектам. Яичная темпера Сеннелье известна как средство, используемое Марком Шагалом во многих его самых ярких работах.

EGG TEMPERA

Яичная темпера — это полупрозрачная водорастворимая и перманентная среда для рисования, подходящая для изобразительного искусства, реставрации и иконописи. Он идеально подходит для художников, работающих масляными красками, которым нужна высокопигментированная, художественная альтернатива масляной живописи и ее растворителям. Его архивные характеристики превосходны, он не стареет и не желтеет, как масляные краски, о чем свидетельствует непреходящая яркость и красота картин эпохи Возрождения. В этой линии яичной темперы Sennelier использует те же пигменты высшего качества, что и в своих масляных красках, обеспечивая такую ​​же непревзойденную яркость и блеск, как и в маслах Sennelier.Он связан с рецептурой яичной эмульсии, созданной многовековой историей, что дает атласно-матовый финиш, водостойкий при высыхании. Яичная темпера Sennelier обладает рабочими качествами и финишем, которые можно найти только в настоящей яичной темпера, сделанной этим традиционным способом. Эти нежные цвета держат мазки кисти и не меняются когда высохнет. Их можно обрабатывать кистью или мастихином (разбавленным водой) на нежирных основах, таких как грунтованный акриловый холст или бумага. Предварительные эскизы можно нарисовать на холстах, а затем масляными красками.Для яичной темпера не рекомендуются ярко выраженные техники импасто. Лакированные картины яичной темперой выглядят как масляные картины, когда их покрывают лаком. На готовую картину яичной темперой рекомендуется нанести слой древесного угля или пастельного закрепителя перед нанесением финального лака масляной краски.

Продажа гуаши

3, Особенности гуаши Искусство гуашью — это вид живописи, похожий на акварель и масло картина. По сравнению с акварельной живописью, он также написан пигментом, взвешенным в воде, между непрозрачным и полупрозрачный. Но его частицы крупнее, соотношение пигмента к воде намного выше. По сравнению с масляной живописью, художники-гуаши не используют много воды для смешивания цветов. но используйте белый пигмент для регулировки яркости и умение импасто для достижения уникальные цветовые эффекты. Кроме акварели и масляная краска, живопись, гуашь, делает много художественных эффектов, таких как более красочные, мягкие, яркие и энергичный, поэтому используется для рисования на некоторых необычных бумагах или поверхностях, таких как плакаты, упаковка, реклама, дизайн обложек книг и т. д.

4, техника гуашь A, смешанные цвета Необходимо учитывать соотношение между тонами и цветами целых результатов гуашью, затем определите цвета каждой детали. Краска тяжелого цвета сначала на гуаши, потом на светлые тона. B, Использование воды Использование слишком большого количества воды вызовет повреждение водой и появление пятен; но недостаток воды сделает краски сухие, густые, липкие и трудные в использовании кистью.Поэтому следует использовать правильную воду или холст Чтобы кисть держалась гладко, чтобы покрыть основу акриловой гуашью на холсте или бумаге. Можно использовать немного больше воды для рисования темная, размытая, далекая часть картины для усиления ощущения трехмерности и прозрачность. C, кистью Можно использовать разные виды кистей, чтобы использовать различные техники гуаши, такие как импасто, однотонные и пунктирные. D, ножом Мастихин доступен для рисования гуашью. F, плавно Цвет гуаши быстро сохнет, явно меняется, краски перетекают по картине. поверхность так, чтобы легко вызвать повреждение водой. Поэтому важно овладеть техники, как рисовать плавно.

F, Накладка Слишком тяжелая накладка сделает основу незаметной; и грязный, если слишком легкий. 5, Предел рисования гуашью Гуашь насыщается во влажном состоянии, но теряет цвет и становится глянцевой после высыхания. Слишком много смешанных цветов станет грязным, поэтому рисование гуашью не подходит. нарисован в большом размере, то же самое с акварелью.

Картины, гуашь для продажи | Rise Art

Откройте для себя оригинальную подборку картин гуашью, выставленных на продажу онлайн сегодня. В нашей обширной и постоянно пополняющейся коллекции представлены произведения искусства некоторых из самых ярких художников, работающих гуашью. Ищете ли вы яркую абстрактную картину или эмоциональный портрет, изучите подборку оригинальных картин гуашью Rise Art и найдите идеальную картину для покупки сегодня.Почему бы не начать с изучения нашей подборки абстрактных, экспрессионистских или фигуративных картин гуашью.

Узнайте больше о художниках

Картины Женевьев Ливолд исследуют противоречие между духовными и физическими качествами мира природы. В модели Shooting Star Ливольд использует непрозрачность и полупрозрачность гуаши для создания ритмичной картины с четкими линиями, формами и движением.

Адам Рид работает с гуашью, чтобы создать серию атмосферных портретов, которые балансируют между постоянством и быстротечностью.Рид часто превращает фигуру в насыщенный цвет фона или выводит фон на передний план в своих крупномасштабных портретах гуашью.

О рисовании гуашью

Гуашь — это материал на водной основе, используемый для получения богатой, тяжелой и гладкой текстуры в живописи. Гуашь, которую часто называют «непрозрачной акварелью», состоит из большого количества натурального пигмента, что делает ее более густой и менее нежной, чем акварель.

Картины, написанные гуашью, восходят к Древней Греции и Египту, где такая же плотная среда для рисования была создана из меда, растительных смол и пигмента.Термин «гуашь» происходит от итальянского слова «гуаццо» и использовался для описания процесса нанесения масляной краски на основу темпура для достижения матового эффекта. К 18 веку «гуашь» использовалась во Франции как название техники непрозрачной акварели. Примеры известных картин гуашью варьируются от «Благовещение » Корреджио в эпоху Высокого Возрождения до более поздних работ, таких как « Gouaches Découpés » Матисса середины двадцатого века.

Лучшая гуашь — познакомьтесь с нашими любимыми марками гуаши

Часто путают гуашь и акварельные краски.Хотя они могут выглядеть одинаково и оба содержат водорастворимое связующее, основное различие заключается в толщине гуаши и акварели. Этот материал для рисования часто используется для иллюстраций или для рисования мелких деталей, поскольку он достаточно толстый, чтобы намокнуть и изменить консистенцию вашей страницы. В этой статье мы обсудим марки и техники гуаши, а также преимущества использования такого носителя.

Что такое гуашь?

Как указано выше, эта среда очень похожа на акварельные краски, хотя и толще.Это также можно сравнить с акриловой текстурой на водной основе. Непрозрачность гуашевых красок достигается за счет добавления белого пигмента или мела в сочетании с порошками цветных пигментов, что делает их менее прозрачными на холсте. Эти натуральные цветные пигменты очень похожи на те, что используются при создании акварели. Хотя размеры частиц в вашей гуашевой краске больше, чем у акварели, что является основным различием между ними и тем, что дает более густую текстуру. Перед использованием гуаши полезно знать, что у нее есть тенденция к тому, что более темные цвета высыхают более светлыми, а более светлые цвета становятся темнее.Бонус в том, что он быстро сохнет и позволит вам проиллюстрировать крошечные детали и нарисовать более основательно, чем акварель.

Если вы знакомы с акварельными красками, то гуашь должна быть очень легким переходом. Вы можете использовать ее на тех же поверхностях или бумаге, что и обычную акварель, и вы также можете использовать те же кисти, поскольку гуашь не повредит им, как более жесткие краски. Эта среда очень проста в использовании, а также ее можно мыть и легко очищать из-за ее водной основы.Краски гуаши также можно смешивать с акварельными красками или простой водой, чтобы улучшить и создать ваши произведения искусства. Самая большая проблема при переходе от акварели заключается в том, что художники затем склонны использовать эту среду таким же образом. Если вы добавите слишком много воды в гуашь или произведение искусства, краска станет жидкой и потечет. Из-за недостатка воды картина через некоторое время может потрескаться. Консистенция должна быть сбалансированной, а гуашь должна быть сливочной и плавной на вашей странице.

Как мы упоминали ранее, тот факт, что он работает одинаково, не означает, что он будет отображаться так же на бумаге.Основное отличие гуашевой краски, помимо ее толщины, заключается в возможности растушевки и матовой поверхности. Этой краской можно манипулировать и работать с ней иначе, чем с прозрачной акварелью, поскольку она находится на поверхности вашей страницы, а не впитывается ею.

Теперь, когда мы знакомы с тем, что такое среда, мы обсудим, для чего она используется, а также некоторые другие методы, которые могут оказаться полезными.

Для чего бы вы использовали гуашь?

Из-за мельчайших деталей, достигаемых при использовании гуаши, она в основном используется для создания иллюстраций, комиксов и плакатов.Гуашь также использовалась для создания концепций, макетов и фонов на съемочной площадке в течение многих лет. Обладая лучшими качествами как акварели, так и акрила, гуашь может быть наложена от темного к светлому, в отличие от более тонких сред, которые скроют эти более светлые основы. Набор гуашевых красок также по разумной цене, что делает его одним из самых недооцененных вариантов среды для рисования. Ниже мы рассмотрим некоторые инструменты и основные приемы, которые помогут начать работу с гуашью.

Окрашивание гуашью

Термин «окрашивание при использовании гуаши» на самом деле является просто еще одним термином, обозначающим подмалевок.Это можно сделать, смочив кончик кисти небольшим количеством воды, а затем нанеся тонкий слой краски в качестве фона или первого слоя. Это создаст основу вашего рисунка гуашью, на которой вы будете работать и наращивать цвет. Добавленная вода делает вашу краску более работоспособной, и даже после высыхания на бумаге ее можно легко снова намочить и обработать или наслоить другими цветами. Убедитесь, что гуашь высыхает между слоями, так как каждый новый слой будет влиять и смачивать нижний слой, что может вызвать нежелательное смешивание цветов.Окрашивание может быть особенно полезно при рисовании полей, неба и других обширных пейзажей.

Остекление гуашью

Подобно эффекту окрашивания, но с другими элементами картины. Поскольку краска гуашь сохнет так быстро и может имитировать акварель по своей прозрачности, глазирование — это простой стиль, который можно достичь или освоить. Это просто нанесение влажной кистью небольшого количества цвета на ранее окрашенные области. Это создаст эффект, в котором ваш свежий цветной слой придаст прозрачный блеск сухому под ним.

Чем больше слоев вы добавите, тем больше исходного цвета будет скрыто или заменено новым. Этот прием полезен для теней и затемнения более темных участков. Поэкспериментируя с соотношением краски и воды, вы удивитесь эффектам, которых можно достичь с помощью этого средства.

Blooms

Это термин, используемый для абстрактных предметов с неправильными цветовыми областями, которые переходят друг в друга. Гуашь — идеальная краска для достижения этого эффекта, поскольку, хотя ее можно сделать водянистой, ее крупные пигменты будут способствовать лучшему впитыванию на странице.Лучший способ добиться этого стиля — действительно намочить кисть, чтобы она удерживала всю влагу, а затем для начала добавить крошечную каплю краски. Мягкой рукой аккуратно нанесите кисть на бумагу и наблюдайте, как начинают формироваться абстрактные цветы. Продолжайте работать и перемещать элементы на своей странице, пока не достигнете желаемого эффекта.

Наслоение гуашью

Как и акрил, гуашь отлично подходит для перекрытия тонов и скрытия слоев под ними. Он очень яркий и может создавать красивую текстуру при использовании коротких грубых мазков.Другой термин для этого — сухая чистка. Этот метод используется для добавления цветных слоев, наполненных текстурой. Идея состоит в том, чтобы нанести краску на кисть и дать ей высохнуть быстрыми движениями без воды. Это техника легкого прикосновения, которая добавит грубости. Этот стиль, также известный как непрозрачное наложение слоев, будет использоваться для таких элементов, как облака и листва.

Растушевка гуашью

Благодаря водной основе гуашь можно намочить и обработать до тех пор, пока вы не будете довольны результатом.Это может быть даже через несколько дней или недель после полного высыхания. Для достижения наилучшего результата смочите кисть и слегка пройдитесь по окрашенной области, чтобы смягчить ее. Затем вы можете использовать цвета из окружающих областей или добавить свежую краску, смешанную с водой, чтобы смягчить и сгладить линии. Другой метод, используемый при смешивании, известен как эффект размытого мазка. Это когда вы наносите гуашь прямо на поверхность, а не на палитре заранее. Начните с нанесения одного цвета и дайте ему постоять минуту или две, затем вы можете смешать противоположный цвет или более темный с его частями.Этот метод полезен при добавлении более темных слоев или даже бликов к определенным компонентам вашего произведения искусства. Это также может помочь в смешивании цветов и их изменении.

Создание палитры гуаши

Как и в случае с любой краской или художественной средой, необходимо принять несколько решений и провести исследование, прежде чем приступить к работе. По этой причине может быть полезно узнать, что делают другие и какие продукты они используют. Бренды гуаши ничем не отличаются, так как есть множество уважаемых поставщиков, из которых можно выбирать.Хитрость заключается в том, чтобы найти подходящий набор гуашевых красок для ваших нужд. При первом запуске вам не нужно переходить на большие размеры. При необходимости начните с меньшего диапазона цветов, а затем по ходу наращивайте палитру гуаши.

При использовании гуаши полезно использовать палитру для красок или ванночку для смешивания. Это сделано для того, чтобы получить в вашей работе лучшие возможности смешивания и смешивания цветов. Хороший совет, который следует помнить о красках гуашью, заключается в том, что некоторые марки, как известно, окрашивают пластиковые палитры красок.Простым решением будет использование глиняных или глазурованных контейнеров, которые не будут удерживать сильные цветные пигменты, как пластик.

Оставив гуашь на некоторое время, вы можете заметить, что она очень сухая или рассыпчатая. Не пугайтесь, это совершенно нормально из-за нейтральных веществ в краске. Добавьте к ним немного воды в следующий раз, когда вы захотите использовать их, чтобы восстановить их цвет и текстуру. Другие краски часто содержат штукатурку, которая сохраняет их влажными и эластичными, поэтому они не высыхают.

Лучшие кисти для гуаши

Вопреки распространенному мнению, натуральные кисти не всегда лучше использовать. При работе с гуашью мы знаем, что одним из ключевых факторов является консистенция краски. Кисти для рисования из натуральных волос будут удерживать больше воды, чем синтетические, поэтому краска будет тоньше и прозрачнее. Синтетические кисти позволят вам лучше контролировать среду и предотвратить появление полос. Форма ваших кистей не так важна, как при работе с акриловыми и масляными красками.Единственное, что нужно помнить, — это держать их во влажном состоянии во время процесса покраски для достижения наилучших результатов и удобоукладываемости.

Если вы ищете хорошую кисть для работы с гуашью, лучшим вариантом будут акварельные кисти. Поскольку эти краски также на водной основе, они не повредят ваши кисти и хорошо удерживают среду.

Кисти для гуаши:

Набор кистей для рисования Transon Artist

Один очень рекомендуемый набор кистей для гуаши от Transon.Он включает в себя 12 различных форм кистей и может использоваться с другими средами, такими как масло и акриловые краски. В этот набор входят кисти различных форм и размеров, такие как лещинные, угловые, плоские и круглые, чтобы вы могли получить наилучшие эффекты с вашими произведениями искусства. Кисти Transon изготавливаются вручную из нейлона высшего качества, что делает их более прочными и способными работать с различными средами. Если вы любитель или профессионал, кисти Transon — отличный выбор.

• 12 художественных кистей, в том числе плоская, лещинная, угловая, круглая, лайнер.
• Подходит для различных материалов, таких как акварель, акрил, гуашь, масло, темпера и т. Д.
• Ручки с 5-слойной гладкой краской, закрепленные в алюминиевых наконечниках с двойным обжимом.

Посмотреть на Amazon

PROS

• Жесткие щетки
• 12 Различные формы
• Можно использовать с различными средами, включая масло
• Хорошая цена

МИНУСЫ

• Некоторые говорят, что их слишком сложно использовать с акварелью

Самые доступные кисти для гуаши:

HIMI Акварель и гуашь Набор кистей Для красочных кистей HIMI создала этот набор акварельных кистей, который также идеально подходит для рисования гуашью.Эти наборы по пять штук бывают розового, зеленого, желтого и синего цветов. Они также включают в себя широкую кисть, кисть для подводки и три веерные кисти, чтобы удовлетворить все ваши потребности. Кисти HIMI, изготовленные из синтетических волокон, также удерживают больше воды для достижения лучших результатов при использовании техники гуаши. Их легко мыть мыльной водой. Поскольку HIMI является таким доступным вариантом, вы можете получить набор каждого цвета и в кратчайшие сроки получить прекрасную коллекцию качественных кистей для гуаши!

• Набор из 5 кистей: 1 широкая кисть, 3 веерных щетки и 1 кисть для подводки
• Универсальная высококачественная кисть, наносится практически на любую поверхность
• Выдвижная конструкция, легко снимается, поглощает специфический запах и разослать аромат

Посмотреть на Amazon

PROS

• Доступный
• Веселые цвета
• Идеальный стартовый набор для начинающих и студентов
967S

• • В этом наборе всего пять вариантов форм

  Защита гуашевой живописи

  Как мы узнали, гуашь имеет водную основу и очень реактивна к любым жидкостям.Следовательно, вам нужно будет правильно защитить свою картину для лучшей долговечности. Некоторым нравится использовать для этого фиксаторы или аэрозольные герметики, в то время как помещение его в красивую рамку с защитным стеклом отлично подойдет. Знать, какие материалы использовать, также может быть непросто при запуске новой среды. Здесь мы выделим четыре самых популярных бренда гуаши, из которых вы можете выбирать, и то, что заставляет попробовать каждую из них. Таким образом, вы на шаг приблизитесь к поиску лучшей гуашевой краски.

  Лучшая краска для гуаши:

  Краска для гуаши Arteza

  Этот набор из 60 насыщенных цветов наполнен пигментом, создающим густую непрозрачную текстуру и чистую матовую поверхность.Консистенция гуаши Arteza позволяет получить максимальную площадь покрытия, поэтому небольшое количество краски будет иметь большое значение. Эти краски также быстро сохнут, но их можно повторно активировать и отрегулировать, добавив немного воды. Краски Arteza нетоксичны, ими легко пользоваться. Этот набор гуашевых красок также включает десять цветов металлик, которые добавят вашим картинам жемчужных эффектов. Другие цвета, включенные в этот набор, представляют собой подборку землистых тонов и пастельных тонов. Краска Arteza Gouache также поставляется с таблицей цветов для облегчения поиска и идентификации.Будучи настолько уверенным в качестве своей гуашевой краски, Arteza предлагает 100% гарантию удовлетворения любых проблем с доставкой или недовольных клиентов.

  • Набиты таким количеством пигмента, что они плотно непрозрачны и имеют матовую поверхность
  • Густая природа этих красок обеспечивает максимальное покрытие
  • Краски быстро сохнут на выбранном холсте, но могут быть повторно активированы водой
  Посмотреть на Amazon

  ПРОФИ

  • Большой выбор цветов
  • Металлический ассортимент в комплекте
  • Краска проста в использовании
  • 9000 9000 CON3
  • • Невозможно приобрести отдельные цвета
    • Некоторые цвета не такие непрозрачные, как ожидалось, может потребоваться более одного слоя
    • Металлические цвета могут плохо сочетаться с более темными цветами
    • Там В этом наборе красок не так много оттенков кожи 902 62

    Лучшая гуашь для начинающих:

    Winsor & Newton Gouache

    Самое замечательное в этом бренде гуаши то, что они предлагают как отдельные тюбики, так и наборы гуашевых красок.Этот набор, в частности, удобен для начинающих, поскольку он содержит четыре основных цвета, а также черный и белый для смешивания. С шестью основными цветами для начала вашей палитры гуаши вы можете медленно наращивать свою коллекцию и добавлять цвета, когда они заканчиваются. Линейка гуашевых красок этого дизайнера была разработана с некоторыми усовершенствованиями по сравнению с первоначальным рецептом, благодаря которым краска стала более непрозрачной, более гладкой при нанесении и ярче, чем раньше. Виндзор и Ньютон производят краски с 1935 года, неудивительно, что они входят в нашу тройку лучших брендов гуашевых красок!

    • Непрозрачные акварельные краски, известные своей яркостью цвета и матовой отделкой
    • Начальный набор, идеально подходящий для дизайнеров
    • Включает 6 основных цветов в 14 мл (0.47 унций) пробирки
    Посмотреть на Amazon

    PROS

    • Стартовый набор, отлично подходит для начинающих
    • Экономически выгодно
    • Легко пополнить, купив отдельные пробирки
    Марка высшего качества

    МИНУСЫ

    • Сообщалось, что эти наборы имеют странный запах.
    • Они будут окрашивать пластиковые палитры, керамическая может быть лучшим вариантом
    • Некоторые пользователи сообщили, что краска может быть трудно снимаемой кистью

    Лучшие краски гуашь для студентов :

    Reeves Gouache Review

    Этот набор красок Reeves Gouache поставляется в упаковке из 24 смелых и смешанных цветов.Он сильно пигментирован и обеспечивает отличное покрытие ваших картин, бумажной гуаши или даже акварельных досок. Они гордятся тем, что создают краски с ярким матовым покрытием, которые прослужат долгие годы. Гуашь Ривза безопасна и легко моется водой. Поскольку их цвета так хорошо сочетаются, многие используют гуашевые краски Ривза для каллиграфических чернил и рисунков. Это также полезный материал, когда вы впервые учитесь смешивать и смешивать цвета. Этот набор гуашевых красок поставляется в упаковках по 12 или 18 штук, так что вы можете выбрать вариант, который наилучшим образом соответствует вашим потребностям.Единственная проблема этого бренда в том, что его в настоящее время трудно найти, что является недостатком нашего обзора гуаши Ривза.

    • Яркий, яркий и смешанный цвет, создает яркую, непрозрачную матовую поверхность
    • Сильно пигментированный обеспечивает отличное покрытие, не требует растворителей
    • Может использоваться на бумаге и акварельных досках
    Посмотреть на Amazon

    PROS

    • Пакеты разного размера
    • Экономично
    • Легко очищается водой
    • Без резкого запаха
    • 62 Подходит для других проектов
  Больше для начинающих и студентов
• Трудно найти

Наиболее рекомендуемые:

M.Graham Gouache Paints

Graham — еще один фаворит для художественных принадлежностей для более опытных художников. Этот профессиональный набор красок для художников содержит 5 цветов: желтый, красный и синий, а также ваши черно-белые смесители. Используя чистый ежевичный мед в своих гуашевых красках, они могут добиться более плотных пигментов и более яркого цвета. M.Graham использует одни и те же светостойкие высококачественные пигменты для всех своих красок, включая масляные и акриловые. Эти гуашевые краски также не содержат мелка и других вредных компонентов.Краски M.Graham обеспечивают красивую матовую поверхность с яркими красками на вашей странице. Бонус в том, что они также предлагают приобрести отдельные тюбики гуаши, что упрощает пополнение вашей коллекции, придерживаясь того же бренда.

• Гуашь художественного качества, сделанная из чистого ежевичного меда
• Высокая пигментная масса, глубокий плотный цвет, отражающая матовая поверхность
• Без мела и заглушающих примесей, производство США

Посмотреть на Amazon

PROS

• Фаворит среди профессионалов
• Превосходное качество
• Уникальные и безопасные ингредиенты
• Доступны наборы и одиночные игры

CONS

CONS
• В этом наборе нет зеленого, вам нужно будет смешать его самостоятельно.

Часто задаваемые вопросы

Что такое гуашевая краска?

Этот материал часто сравнивают с акварелью, так как он также основан на воде.Однако они совершенно разные. Краска гуашь сделана с добавкой мела, которая при использовании дает более густой и непрозрачный результат. Это также приводит к тому, что в пигментах краски появляются более крупные частицы, что делает ее более работоспособной и легко реагирующей с водой.

Чем гуашь отличается от акварели и акрила?

Гуашь имеет толщину, аналогичную толщине акрила, и водную основу, как акварель. Некоторые могут сказать, что это комбинация двух. Однако при ближайшем рассмотрении можно заметить несколько отличий, которые делают эту краску уникальной.Гуашь сохнет быстрее, чем акрил, и очень восприимчива к воде, так что сухая картина может быть восстановлена, если добавить небольшое количество воды и обработать участки. В отличие от акварели, гуашь имеет более крупные частицы пигмента и, следовательно, дает более темную и непрозрачную матовую поверхность.

Кто такие известные мастера гуаши?

Гуашь впервые стала известна во Франции в 18 веке. Некоторыми известными художниками, которые предпочитали эту среду, были Сальвадор Дали, Борис Кустодиев, Марк Шагал и Валентин Серов.