Как нарисовать японские картины: Картины в японском стиле. Как нарисовать картину в японском стиле? Японский дом — как он устроен внутри и снаружи? Японские дома карандашом

Содержание

Японские картины: все тонкости восточной живописи

Японская живопись – это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.

Внимательность к традициям

Восток – это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю искусства, были японские художники. Современные произведения искусства именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.

Манера исполнения картин

В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская живопись? Цветы, деревья, скалы, животные и птицы – всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность – именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.

Контрасты в живописи

Контраст – ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.

Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).

Переходы и цветовые решения

Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.

Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.

Основные мотивы японской живописи

В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.

Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов – излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку – так выглядит обычная картина 17-18 века.

Животные в японской живописи

Животные – тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят семейство кошачьих, и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства.

Мир фауны – ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы – журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи – все они встречаются в рисунках восточных мастеров.

Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои – японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои – своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.

Японские картины: изображение людей

Люди в японской живописи – особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.

Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.

Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного – символ истории, культуры и философии Азии.

Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные волосы самурая были детально прорисованы и похожи на проволоку.

Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые части тела воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это – символ силы и военной мощи Японии.

Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин – то, чем изобилуют такие произведения искусства.

Пейзажи

Традиционный японский пейзаж – горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным – обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся картины с изображением гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки – картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины – ещё одно замечательное качество японской культуры.

Иероглифы

Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.

Япония – одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета – то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.

Рисуем японский домик. Картины в японском стиле

Первым делом рисуем основные линии. Большинство из них прямые, не достаточно и изогнутых. Прорисовываем контуры основания.

Теперь больше детализируем рисунок, удлиняем крышу и основания.

Теперь нужно нарисовать стойки по сторонам домика и в центральном коридоре. Далее останется стереть ненужные линии и просто разукрасить рисунок. У нас получится примерно следующее:

Японские домики весьма интересны по конструкции, разнообразны и не похожи на другие домики.

Но как и других домов им присуще четкие линии на рисунке карандашом. Крыши у них имеют своеобразную форму — у них закругленные концы.

Для рисунка можно использовать следующие схемы и образцы:

Можно нарисовать вот такие своеобразные домики.

Эксклюзивность японских домиков в крышах и окнах. Крыши на углах задраны вверх, а если это многоэтажный, то каждый уровень на углу смотрит вверх.

Выделяют около 9 вариантов японских домиков

Да, обращайте внимания на окна, их достаточно много, порой всю стену занимают.

Для начала следует немного посмотреть фотографий японских домов в Интернете, чтобы немного прочувствовать их культуру, особенность архитектуры, необычный вариант исполнения. Также чаще всего рядом с домом можно встретить сакуру, которую также почитают в Японии.

Архитектурные строения в Японии довольно своеобразны и интересны. Давайте рассмотрим как же можно нарисовать японские дома.

1) Вот первый вариант, на мой взгляд отличный вид передат атмосферу страны:

2) Вот ещ один неплохой вариант, по этому эскизу нарисовать японский дом совсем несложно:

3) И ещ один вариант:

Каждая страна имеет свою культуру и традиции. Ассоциации, которые возникают с жильем японцев, это домик с загнутой крышей кверху,которая является символом самурая. Крыша направлена к солнышку.

Однако в Японии есть еще более необычные дома.

Например, японский разноцветный дом.

Японский горный дом.

Японский лесной дом

А еще они могут строить дома даже на деревьях.

Поэтому выбираем понравившийся нам тип постройки или традиционный домик и по прямим длиниям рисуем для начала само здание, а потом добавляем к нему элементы.

Не забываем, что японцы любят украшать свои дома иероглифами, рисунками драконов и т.д.

Берем лист бумаги. Обозначаем линию горизонта.

Примерно набрасываем каркас домика (хорошо бы иметь под рукой парочку фотографий с японскими домиками)))

Японский домик хорош в пейзаже, добавим схематично что-нибудь эдакое.

Немного поработаем над деталями.

Пора решать цветовые вопросы. Сначала крупными мазками — создаем цветовое решение.

Чтобы нарисовать красивые японский домик, прежде всего надо под рукой иметь образец изображения. Когда мне посчастливилось побывать в Японии, то узнала, что дома там тоже бывают разные, как лгкие изящные постройки, так и каменные массивные гиганты. А ещ бывают как маленькие домики из бамбука, так и побольше из камня.

Крыша японского дома является символом головы и шлема самурая, а сам дом необходимо декорировать иероглифами, символами солнца или драконами.

Чтобы получился рисунок более достоверным, то можно нарисовать ландшафт японской природы. Это высокие горы со снежными вершинами, японская вишня сакура, декоративно подстриженные деревья, реки, огромное восходящее солнце красного цвета.

Японские домики очень красивые и необычные для Европейцев. Они выглядят очень внушительно и слегка воинственно. Чаще всего они имеют один этаж и слегка закругленные края на крыше. Изобразить их можно так:

Классический японский дом — это символ восточной культуры и духа. При изображении данной архитектурной постройки нужно учитывать ее особенности, чтобы рисунок получился на славу. Сам процесс изображения дом а можно разделить на несколько этапов.

Инструкция

Подготовьте примеры изображения. Кроме стандартных фотографий дом ов, найдите несколько рисунков самураев. Ведь японский дом символизирует строгого и сильного защитника своей страны. Если вы посмотрите, то найдете некоторое сходство в экипировке самурая и отделке строения. Проникнувшись идеей дом а-защитника, вы сможете четче передать атмосферу постройки.

Начните с общих линий. Уже на данном этапе вы закладываете в рисунок то, каким он будет в конце. Определите количество этажей, площадь

дом а. Японская постройка уникальна тем, что не имеет ограничений ни в высоте одного этажа, ни в диаметре, ни в чем-либо еще. Проще говоря, вы вольны сами решать вопрос габаритов.

Нарисуйте детали конструкции. В зависимости от вашего выбора, это может быть небольшой дом ик из бамбука или каменный замок. Стоит указать на эти мелочи. Легкие небольшие постройки лучше всего не обводить. Оставляйте некую прозрачность в стенах. Каменные гиганты же напротив, должны «давить» своей массивностью и неприступностью своих стен.

Обратите внимание на крышу. Она символизирует голову и шлем самурая. Старайтесь ее направить вверх, чтобы она как бы смотрела в небо, ожидая прихода солнца.

Декорируйте дом . Вы не найдете японский дом без иероглифов, драконов-защитников, символов солнца или других важных элементов японской архитектуры.

Наполните свой рисунок тем же самым — для большей реалистичности и правдоподобности.

Мастер-класс по рисованию «Страна восходящего солнца»

Думлер Татьяна Петровна, учитель рисования МАОУ гимназии №56 г.Томска
Назначение: Эта работа предназначена для учеников 4 классов по программе Б.М. Неменского, для педагогов, родителей и всех интересующихся людей.
Цель: Сформировать начальное представление о культуре Японии.
Задачи:
— раскрыть образ художественной культуры Японии,
— развивать художественный вкус, индивидуальные творческие способности,
— воспитывать уважительное отношение к традициям и культуре народов мира.
Материалы:
Для выполнения первой части работы понадобятся: бумага для рисования, гуашь, акварель, кисти для рисования разных размеров (№1, №5), стакан с водой.

В 4 классе на уроках изобразительного искусства дети знакомятся с культурой разных стран, осваивают разные техники рисования и художественного труда.

На данном уроке дети погружаются в тему.
Начинаем работу с подготовки фона. Акварельными красками закрашиваем лист «радужными» полосками.

Пока лист сохнет, ребята смотрят презентацию. Просмотр слайдовой презентации знакомит учеников с географическим местонахождением данной страны, особенностями пейзажа: величественны горы, каменные сады с «горбатыми» мостиками, водоёмы, очаровывающие цветущие деревья, причудливые архитектурные сооружения пошлых веков.
Для дальнейшей работы выбираем самые запоминающиеся образы. Сакура- цветущее вишнёвое (сливовое) дерево. Начинаем рисовать гуашью коричневым цветом ветки, изогнутые, витиеватые, с характерным утончением сверху.(Этот приём детям знаком, отрабатываем нажатие на кисть в начале линии, ослабление нажатия и подъём кисти на кончик в конце линии.)

Для выполнения цветов дерева используем белую краску, смешаем в крышечке белую и капельку красной для получения бледно-розового оттенка. Цветы рисуем кистью приёмом тычка.

Пагода — многоярусное сооружение, используемое как храм (внутри хранились буддийские реликвии). Рисуем пагоду охрой, прямоугольники разных размеров, выстраиваются лесенкой. Располагаем здание в верхней половине листа по горизонтали.

Далее рисуем крышу с изогнутыми поверхностями и приподнятыми углами, выступающими за пределы постройки и надёжно защищающими её от непогоды. Тонкой кистью коричневой краской ребята прорисовывают контур крыши и затем её раскрашивают.

Ещё немного времени придётся потратить на рисование оконных, дверных проёмов пагоды.

На второй половине листа (по горизонтали) рисуем одно из прекраснейших водных растений — ЛОТОС. Лотос рождается в мутной болотной воде, однако на свет появляется чистым. Лотос — буддийский символ чистоты.
Лепестки лотоса рисуем широкой кистью бледно-розового цвета. Первый лепесток прямо, затем прибавляем лепестки по бокам, соединяя внизу в одну точку.

Завершив симметричное рисование розовых лепестков приступаем к рисованию белых лепестков поверх предыдущих в промежутках.

Прорисовывание водных растений ребята завершают по своему усмотрению. Кто-то рисует листы лотоса, кто-то тростник, кто-то просто украшает узорами.

На следующем занятие ученики продолжают знакомство с культурой Японии. Им предстоит сделать из своего рисунка круглый японский веер. Для этой работы им понадобятся: ножницы, клей, скотч, 60 см лента для упаковки, 2 полоски картона 1см на 10 см.

Для начала предлагаю ребятам сложить свой рисунок пополам и по линии сгиба разрезать.

Затем две половинки склеиваются в одну длинную полоску. К верхнему краю рисунка приклеиваем ленточку (она может быть любого цвета).

Следующий этап работы немного сложный для ребят,нужно сложить весь рисунок ровной гармошкой.

Собираем нижний край гармошки, фиксируем пальцами, закрепляем скотчем.

К внешним краям веера приклеиваем полоски картона.

Разворачиваем, соединяем, ВЕЕР готов!

Японская живопись — одно из древнейших направлений в искусстве . Живопись в Японии появилась в самый древний период истории страны. На гончарных изделиях и прочих предметах быта можно встретить самые простые изображения геометрических фигур и различных узоров. Однако, с приходом в страну китайской культуры, произведения японских художников все более и более стали содержать элементы живописи страны Конфуция.

Одним из самых впечатляющих и колоритных направлений японской живописи является пейзаж . Японские художники не придавали особенного значения реалистичности композиции. Главным для них являлась передача впечатлений от созерцаемого ими величия природы .

Как нарисовать картину в японском стиле?

Японский пейзаж можно изображать обыкновенными акварельными красками. Для закрашивания необходимо использовать больше воды, а для прорисовывания отдельных деталей добавлять больше краски.

Для того, чтобы приступить к работе, вам понадобится картон или акварельная бумага, простой карандаш, ластик, пастельные мелки и, конечно же, акварель.

Начните с карандашного наброска. Для этого изобразите контуры будущей картины на листе с помощью простого карандаша. Следите за тем, чтобы лини были очень мягкими и едва заметными. Нажимать на карандаш нужно совсем слегка. Ведь, по японской традиции, рисунок должен быть очень легкий и практически невесомый . Ни в коем случае не прорисовывайте карандашом деталей — это забота тонкой кисти.
Изобразите на заднем плане далекие горы, пагоды, водоемы, соорудите несколько традиционных японских мостиков.
При очерчивании силуэтов людей не забудьте учесть особенности их одежды и осанки.
Для картин в японском духе уже стало привычным наличие на них главного символа этой страны — цветущей сакуры. Вы тоже можете на своем произведении изобразить эту удивительную по красоте вишню с облетающими на ветру лепестками.

После нанесения карандашного наброска займитесь раскрашиванием картины. Помните, что цвета должны быть невесомыми, воздушными . Для этого необходимо подобрать правильное соотношение воды и краски. Необходимо учитывать способность картона к поглощению воды, а акварели к появлению потеков.
Для окрашивания фона (например, неба и воды) используйте толстые кисти . Начните этот процесс с крупных деталей, находящихся вверху картины, постепенно спускайтесь вниз, пока не раскрасите всю воду, зелень и детали неба на картине. Затем оставьте рисунок до полного высыхания.

Теперь можно переходить к деталям. Возьмите тонкую кисть и начните прорисовывать кроны и стволы деревьев, крыши домов, снежные вершины гор. Не старайтесь прорисовывать каждую деталь вплоть до листков и лепестков. Ваша задача — с помощью нескольких мазков кисти задать направление бутонов и веток. Чтобы получить необходимые оттенки, акварель смешивайте на палитре. Стоит избегать слишком явных, ярких оттенков.
В одном из уголков картины расположите японские иероглифы. В интернете вы сможете найти множество подходящих для вас и вашего настроения японских стихотворений (хокку). Эти символы рисовать не так просто, как кажется на первый взгляд, поэтому в их изображении лучше потренироваться. Для придания письменам легкого налета давности и некоторой запыленности используйте черную краску, смешанную с синей или коричневой.

Используя пастельные мелки, создайте тени. Они должны располагаться на склонах гор и поверхности воды. Главное — не переусердствовать. Их не должно быть слишком много.

Простая картина в японском стиле

Если у вас не очень много времени, да и желания рисовать обширные пейзажи не т никакого, а вот украсить интерьер японской «штучкой» хотелось бы, то можете воспользоваться следующей методикой. Нарисуйте густой черной краской ветку дерева. Затем в одноразовую тарелку налейте немного нежно-розовой краски. В краску окуните дно пластиковой бутылки и сделайте отпечатки на бумаге. Дождитесь, пока рисунок высохнет. Таким образом, вы получите замечательную ветку сакуры, не прилагая собственных усилий.

На сегодня японская тематика в интерьере очень актуальна. Это и картины, и декор стен, и

Инструкция

Начните с общих линий. Уже на данном этапе вы закладываете в рисунок то, каким он будет в конце. Определите количество этажей, площадь дом а. Японская постройка уникальна тем, что не имеет ограничений ни в высоте одного этажа, ни в диаметре, ни в чем-либо еще. Проще говоря, вы вольны сами решать вопрос габаритов.

Декорируйте дом . Вы не найдете японский дом без иероглифов, драконов-защитников, символов солнца или других важных элементов японской архитектуры. Наполните свой рисунок тем же самым — для большей реалистичности и правдоподобности.

Для большей атмосферности наполните рисунок ландшафтом восточной природы. Японская , горы, покрытые белоснежными снегами в сочетании с быстро льющимися реками в вашем распоряжении.

Полезный совет

Для рисунка используйте карандаши и краски. Они намного выразительнее других изобразительных средств смогут передать дух Востока.

Внимание, только СЕГОДНЯ!

Все интересное

В японском языке содержится несметное количество разных символов. Чтобы без проблем поговорить с жителем этой страны, достаточно знать около двух тысяч. Но если вы будете умело оперировать тремя тысячами, против никто не будет. Возникает…

Японский кроссворд (нанограмма, гриддлер) – это особый вид головоломок, в которых зашифрованы различные изображения. На сегодняшний день японские нанограммы не уступают в популярности обычным сканвордам и ребусам. Несмотря на кажущуюся сложность,…

Не у каждого есть талант для создания рисунка карандашом. Если вы хотите нарисовать что-нибудь при помощи карандаша, попробуйте использовать эту технику. Вам понадобится- карандаш- картинка- альбомный лист- ластикИнструкция 1Подготовьте рабочее…

Японская культура пользуется все большей популярностью во всем мире. Японская кухня, японская литература, японские комиксы – манга и японские мультфильмы – аниме стали привычной составляющей жизни. Не удивительно, что у многих людей, увлеченных…

Японский пейзаж можно нарисовать обычной акварелью, главное – изобразить на картине традиционные японские символы и при окрашивании применять большое количество воды, а для деталей использовать более густую краску. Вам понадобится- картон или…

Ландшафтом может быть назван природный рисунок местности. Это могут быть горы, равнины, плоскогорье, низины. Чтобы сделать рисунок ландшафта, вам потребуется знание перспективы и умение изображать природные элементы. Вам понадобится- планшет или…

Уютный деревянный домик рядом с кудрявой березкой или под сенью раскидистого дуба может стать объектом для вашего творчества. Чтобы изображения на бумаге передавали сходство с оригиналом, внимательно рассмотрите их перед рисованием. Из каких частей…

Традиционная японская одежда кимоно напоминает восточный халат, однако, при его рисовании следует учитывать некоторые нюансы, характерные для японской культуры, иначе рисунок может получиться не только недостоверным, но и вызовет недоумение у…

Процесс создания изображения в виртуальном пространстве кардинально отличается от привычного рисования на бумаге, холсте и ткани. Но труд виртуального художника ничуть не легче, и распространенное мнение, что «машина все сделает сама»,…

Самурай – японский рыцарь. Человек, который искусно владеет мечом, охраняя своего господина, своего рода телохранитель. Среди самураев встречаются также и женщины-самураи. Для более яркого вида воина на рисунке обязательно изобразите его с мечом –…

Рисовать домик для ребенка – одно удовольствие. Если включить фантазию на всю мощность и вооружиться бумагой, фломастерами, цветными карандашами, красками, то дом может получиться на славу. Как нарисовать дом ребенку? Вам понадобитсякарандаш…

Карандаш имеет ряд особенностей, которые стоит учесть при использовании его в рисовании. Чтобы рисунок получился выразительным, надо немало поэкспериментировать с нажимом и остротой карандаша. Прекрасный вариант для тренировки — пробный рисунок…

рисуем хризантему Мастер-класс мастера суми-э Марии Богдановой Культурный центр «Меридиан»

28 Мая 2018, 19:00

Мастер-класс мастера суми-э Марии Богдановой

Режим COVID-free. Посещение мероприятий Культурного центра «Меридиан» возможно только при наличии QR-кода, паспорта и защитной маски.
Убедительная просьба приезжать заранее, чтобы избежать очередей.

Видели всё на свете
Мои глаза — и вернулись
К вам, белые хризантемы…
Иссё

Хризантема – цветок, с которым японцы связывают надежды на долголетие. Согласно поверью, если выпить росу с этого цветка, можно продлить молодость. В Лаборатории японской живописи ЦКИ «Меридиан» мастер суми-э Мария Богданова научит рисовать хризантему – символ чести, достоинства и богатства в японской культуре! Мастер-класс будет проходить 28 мая с 19:00 до 22:00.

Тщательно вырисовывая изящные линии цветка, можно развить навык рисования в технике традиционной восточной живописи. Художница научит правильно держать кисть, брать краску и наносить контур – элементы картины составляют линии разной длины, толщины и насыщенности.

Каждый рисунок, выполненный в технике традиционной японской живописи, позволяет сделать маленькое открытие – «себя нового»! Ведь суми-э – это не просто техника рисования, но прежде всего философия и целый духовный мир. Мир, открывающий большие возможности. И не только в области живописи…

На занятие необходимо принести:
— рисовую бумагу,
— кисть (большую и малую),
— тушечницу,
— твердую или жидкую тушь,
— подкладку под бумагу,
— держатель бумаги (пресс-папье),
— ёмкость для воды,
— ткань для вытирания кистей,
— посуду для разведения туши (палитру),
— ластик и карандаш.

Мария Петровна Богданова – член Творческого союза художников России, Международного художественного фонда, Творческого объединения «Комар» и Союза художников японской живописи суми-э, участник и победитель российских и зарубежных конкурсов-выставок. Работы художницы находятся в частных коллекциях в России.

Событие проходит в рамках перекрестного года Японии в России.

Место проведения: фойе Малого зала
ВНИМАНИЕ! Регистрация на событие откроется 28 апреля.

Зарегистрироваться

ВХОД НА МЕРОПРИЯТИЕ ОСУЩЕСТВЛЯЕТСЯ СТРОГО ПО РЕГИСТРАЦИИ И ПРЕДЪЯВЛЕНИЮ РАСПЕЧАТАННОГО БЕСПЛАТНОГО БИЛЕТА

Японская живопись Суми-э | Клуб восточной культуры «Две империи»

Чтобы в полной мере понять и оценить Суми-э, надо немножко познакомиться с этим необычным для нас восточным искусством.
Суми-э это вдохновение и индивидуальность мастера. Это чувствительная рисовая бумага, на которой раскованным танцем нежная кисть, вобравшая в себя чернила, оставляет настроение художника и частичку его самого.

Здесь недопустима никакая медлительность. Картина пишется без эскизов, набросков и исправлений – одним порывом души. Кисть держится очень нежно, что позволяет ей легко скользить по бумаге.

Даже монохромные работы в стиле суми-э вызывают ощущение присутствия полной палитры красок.
Такая отзывчивость и согласованность кисти, чернил и бумаги неизвестна в западном искусстве. Западные техники кажутся вялыми и инертными по сравнению с волшебством японской живописи суми-э.

Немного истории

Свои корни суми-э берет в Китае, там оно зародилось и благодаря миссионерству буддийских монахов.

Японское название «суми-э» состоит из двух слов: тушь («суми») и живопись («э»).

Изначально Суми-э, как и стиль китайской живописи Се-и была монохромной и писалась лишь при помощи туши, но со временем японские мастера начали использовать цветные минеральные краски.

Живопись суми-э сегодня

Живопись Суми-э давно уже перешагнула границы Японии и разбросала зернышки по всему миру, ростки которых не замедлили взойти и превратиться в крепкие деревца, в частности России. В Москве сегодня существуют школы живописи Суми-э, одна из них находится в клубе «Две империи», собственно, на страницах сайта, которого вы сейчас и находитесь.

Что вам нужно, чтобы начать?

Ученик суми-э должен распознавать различные типы кистей и знать то, как они устроены. Если вы приобретете недорогие кисти ширпотреба, в ближайшем магазине канцтоваров, вас ждет большое разочарование, потому что кисть будет вести себя не так, как ожидалось. А разочарованный человек со временем отказывается от учебы. По этой причине даже новичок должен начать свое знакомство с удивительным миром суми-э используя качественную, пускай и дорогую кисть. Такие инвестиции в дальнейшем себя оправдают. Тем более, что хорошая, профессиональная кисть прослужит вам верой и правдой долгие полные вдохновения творческие годы.

Настоящие профессиональные кисти для японской живописи изготавливаются из натурального ворса: зайца, колонка, медведя, барсука, козла и так далее. Натуральные кисти хорошо впитывают и удерживают тушь.

Для каждого стиля живописи и каллиграфии подходят определенные кисти, их насчитывается более двухсот; часто они маркируются, чтобы было понятно, для чего именно предназначена та или иная кисть.

Также кисти различаются также по размеру, жесткости и длине ворса. Для каждого вида работ можно использовать свои кисти, например, для изображения цветов, животных и листьев используют мягкие кисти, изготовленные из шерсти козы или овцы, а иногда из меха кролика. А вот для прорисовки мелких деталей в стиле гунби, лучше купить кисти пожестче — из волос лошадей, медведей и барсуков.
В своем арсенале художник должен иметь разные кисти.

Как ухаживать за вашей кисточкой

Ну вот, наконец-то потратив кучу времени выбирая кисть, вы не пожадничали и купили-таки дорогущий инструмент. И тут перед вами встает законный вопрос, а как же сделать так чтобы кисть прослужила нам долгие годы.

Так вот запомните простые правила. Каждый раз, после того как вы написали свой очередной шедевр, тщательно промойте свою кисть от чернил. Никогда не используйте горячую воду. Щетинки кистей обычно склеены клеем животного происхождения, в котором есть желатин, который в свою очередь, не сразу, конечно, но постепенно может растворяться в воде. Если кисть для суми-э оставить в воде на некоторое время, то щетинки могут выпадать.

Особое внимание необходимо уделить мытью основания щетинок, иначе тушь высохнет вокруг волосков и ворсинки будут растопыриваться, кисть не будет образовывать острый кончик.

При сушке кисти необходимо держать в подвешенном состоянии до полного высыхания, и только затем при необходимости надевать колпачок для транспортировки во избежание деформации пучка.

Какую использовать бумагу для японской живописи

Традиционная бумага для японской живописи Васи (和紙,hé zhǐ) — производится из волокон коры кодзо, мицумата и гампи. Процесс производства длительный и сложный, но и бумага получается прочной, долговечной и красивой. Для нее характерна неровная структура и белый цвет. Такая бумага считается лучшей для каллиграфии и живописи.

Как выбрать чернила для суми-э

По консистенции тушь бывает жидкой (готовый раствор во флаконе) и сухой (в брикетах). Многие художники используют готовую жидкую тушь, так проще, но при выполнении рисунка сухой тушью легче получить желаемый оттенок.
Да и есть в этом определенное таинство, когда растираешь сухую тушь в тушечнице и вдыхаешь тончайший аромат свежей туши.

Более подробно про тушь можно почитать в статье «Тушь, секреты и полезные мелочи».

С чего начать

Чтобы научиться наносить характерные мазки для японской живописи, надо научиться правильно держать кисть.

Учимся держать кисть вертикально, перпендикулярно бумаге. Для этого надо взять кисть за ручку по середине, большим пальцем с одной стороны и указательным и средним пальцами с другой, поддерживая безымянным пальцем, слегка нажимая на него мизинцем.
В процессе рисования, чтобы регулировать ширину штриха, кисть можно наклонять под разными углами вплоть до того момента, когда кисть становить почти параллельно бумаге.

Что дальше

Ну вот, вы научились держать кисть, наносить на бумагу разные штрихи. Пришла пора испытать себя в деле.

Относительно легкий предмет для начинающих изучать суми-э это стебли и листья бамбука. Сложность заключается в том, что большинство из нас никогда не видели растение бамбук в природе, а тем более растущего в роще.

Но надо помнить, что ваше творение в данном стиле не предназначено для детального изучения бамбука. Суми-э это прежде всего живопись идеи.

Если вас заинтересовала такая загадочная японская живопись суми-э, если вы тонко чувствуете мир и хотите создавать картины — мы приглашаем на занятия в наш клуб Две империи.
У нас вы найдете замечательных учителей, которые поделятся своим опытом и подскажут какие моменты вашего творчества необходимо совершенствовать, ценить и развивать.
Все очень просто, доступно и увлекательно!

Нарисовать японский дом карандашом. Японский дом — как он устроен внутри и снаружи? Купольные дома – самые современные японские технологии в сфере архитектуры и строительства

Теперь больше детализируем рисунок, удлиняем крышу и основания.

Японские домики весьма интересны по конструкции, разнообразны и не похожи на другие домики.

Для рисунка можно использовать следующие схемы и образцы:

Можно нарисовать вот такие своеобразные домики.

Выделяют около 9 вариантов японских домиков

Да, обращайте внимания на окна, их достаточно много, порой всю стену занимают.

1) Вот первый вариант, на мой взгляд отличный вид передат атмосферу страны:

2) Вот ещ один неплохой вариант, по этому эскизу нарисовать японский дом совсем несложно:

3) И ещ один вариант:

Однако в Японии есть еще более необычные дома.

Например, японский разноцветный дом.

Японский горный дом.

Японский лесной дом

А еще они могут строить дома даже на деревьях.

Не забываем, что японцы любят украшать свои дома иероглифами, рисунками драконов и т.д.

Берем лист бумаги. Обозначаем линию горизонта.

Примерно набрасываем каркас домика (хорошо бы иметь под рукой парочку фотографий с японскими домиками)))

Японский домик хорош в пейзаже, добавим схематично что-нибудь эдакое.

Немного поработаем над деталями.

Пора решать цветовые вопросы. Сначала крупными мазками — создаем цветовое решение.

Как нарисовать картину в японском стиле?

Начните с карандашного наброска. Для этого изобразите контуры будущей картины на листе с помощью простого карандаша. Следите за тем, чтобы лини были очень мягкими и едва заметными. Нажимать на карандаш нужно совсем слегка. Ведь, по японской традиции, рисунок должен быть очень легкий и практически невесомый . Ни в коем случае не прорисовывайте карандашом деталей — это забота тонкой кисти.
Изобразите на заднем плане далекие горы, пагоды, водоемы, соорудите несколько традиционных японских мостиков.
При очерчивании силуэтов людей не забудьте учесть особенности их одежды и осанки.
Для картин в японском духе уже стало привычным наличие на них главного символа этой страны — цветущей сакуры. Вы тоже можете на своем произведении изобразить эту удивительную по красоте вишню с облетающими на ветру лепестками.

После нанесения карандашного наброска займитесь раскрашиванием картины. Помните, что цвета должны быть невесомыми, воздушными . Для этого необходимо подобрать правильное соотношение воды и краски. Необходимо учитывать способность картона к поглощению воды, а акварели к появлению потеков.
Для окрашивания фона (например, неба и воды) используйте толстые кисти . Начните этот процесс с крупных деталей, находящихся вверху картины, постепенно спускайтесь вниз, пока не раскрасите всю воду, зелень и детали неба на картине. Затем оставьте рисунок до полного высыхания.

Теперь можно переходить к деталям. Возьмите тонкую кисть и начните прорисовывать кроны и стволы деревьев, крыши домов, снежные вершины гор. Не старайтесь прорисовывать каждую деталь вплоть до листков и лепестков. Ваша задача — с помощью нескольких мазков кисти задать направление бутонов и веток. Чтобы получить необходимые оттенки, акварель смешивайте на палитре. Стоит избегать слишком явных, ярких оттенков.
В одном из уголков картины расположите японские иероглифы. В интернете вы сможете найти множество подходящих для вас и вашего настроения японских стихотворений (хокку). Эти символы рисовать не так просто, как кажется на первый взгляд, поэтому в их изображении лучше потренироваться. Для придания письменам легкого налета давности и некоторой запыленности используйте черную краску, смешанную с синей или коричневой.

Используя пастельные мелки, создайте тени. Они должны располагаться на склонах гор и поверхности воды. Главное — не переусердствовать. Их не должно быть слишком много.

Простая картина в японском стиле

На сегодня японская тематика в интерьере очень актуальна. Это и картины, и декор стен, и

Здравствуйте, дорогие читатели – искатели знаний и истины!

Япония для европейцев словно совершенно другой мир. Жизнь и быт японцев настолько непривычны для нас, что нам, конечно же, интересно поближе познакомиться с этой страной и узнать о ее традициях, культуре. И сегодня мы приоткроем завесу тайны и заглянем в японский дом.

Мы предлагаем вам узнать о том, как устроено традиционное жилье японцев внутри и снаружи, как называются необычные предметы мебели и домашнего обихода и сравнить, как жили люди в древности и в современности.

Дома в прошлом

Разновидности жилищ

Традиционные японские дома называются минка, что значит «жилье для людей». В них жили обычные люди, не относившиеся к знатным слоям населения и к самураям.

Как правило, жители этих домов занимались ремеслом, рыболовством, сельским хозяйством, торговым делом. Минка, подобные древним, сейчас сохранились только в сельской местности.

В зависимости от рода занятий выделялись разновидности минка:

матия – для городских обитателей;
нока – для деревенских жителей, фермеров, крестьян;
гёка – для рыболовов;
гассё-дзукури – для жителей гор в далеких поселениях.

Матия — дом в Японии

Последние представляют особый интерес и историческую ценность. Так назывались жилища на гористых местностях острова Хонсю. Хозяева гассё-дзукури занимались шелководством, поэтому им требовался просторный первый этаж для сушки изделий, а чердак – для процесса производства.

Гассё-дзукури в деревне Гокаяма и Сиракава внесены в Список наследия ЮНЕСКО.

Внешний вид

Для возведения минка использовались недорогие материалы, которые легко можно было найти. Каркас изготавливали из деревянного массива, балок, фасад – из дерева, глины, бамбука с применением травянистых и соломенных элементов.

Особое внимание уделяли крыше. Так как дымоходов предусмотрено не было, возводили уникальные высокие конструкции крыш с несколькими скатами и козырьками, которые не позволяли влаге в виде снега и дождевой воды задерживаться. Кровля матия была черепичной, плиточной, а нока – соломенной.

Даже самые скромные семьи старались окружить себя живописным садом с зеленой растительностью, декоративными элементами в виде маленьких водоемов, мостиков. Нередко здесь отдельно стояли хозяйственные помещения. У дома была веранда – энгава, а также основной вход – одо.

Внутреннее убранство

Минка начинается с прихожей – гэнкан. Здесь снимают обувь перед тем, как зайти внутрь.

Типичный дом разделяется на две части: с полом, покрытым землей, и с высокими нишами, поднятыми на 50 сантиметров опорами из дерева –такаюка. Почти все время японцы проводят на полу: отдыхают, беседуют, едят, спят.

На пол стелют мусиро и татами, изготовленные из качественного бамбука. Они, несмотря на свою простоту, очень красивые, удобные и практичные.

С древних времен мерой площади у японцев выступали не только квадратные метры, но и татами, размеры которых – 90 на 180 сантиметров.

Разделенных комнат как таковых нет, потому что в пространстве не используют несущие стены. Их роль выполняют передвижные перегородки фусума и раздвижные дверцы сёдзи.

Огороженное подобными ширмами пространство становится комнатой – васицу. Когда ожидается прием гостей, перегородки просто убирают, и получается одна большая гостиная.

То, что бросается в глаза в японском жилище – поразительный порядок. Отчасти это заслуга аккуратных хозяйственных японок, отчасти – минимализма во внутреннем устройстве. Здесь немного мебели, половина из которой, например шкафчики и отделения для хранения, – встроенные. Декор по-японски тоже довольно скромен и представлен картинами, икебанами, каллиграфическими элементами и нишей камидана наподобие алтаря.

Основной предмет мебели – котацу. Это столик со столешницей, вокруг которой расположено одеяльце или специальный матрас – футон. Взгляд на котацу изнутри поможет увидеть под ним очаг, помогающий согреться.

Кухня, ванная и туалет отделены от общей площади. Санузел в минка всегда был раздельным. Знаменита и японская ванна офуро, где зачастую в одной и той же воде могли мыться все члены семьи, предварительно сполоснувшись в специальном помещении.

Дома сейчас

Изменения

Современные реалии диктуют свои условия, технологии не стоят на месте, появляются все новые материалы взамен старым, и это, конечно же, отражается на архитектуре.

Можно проследить несколько тенденций, изменивших облик традиционных домов:

На смену одноэтажным зданиям приходят дома в 2-3 этажа.
На размер жилья влияет размер семьи – родители стараются, чтобы у каждого ребенка был отдельный уголок.
Из-за жаркого и влажного климата дома делают более открытыми, «дышащими».
В некоторых регионах, подверженных землетрясениям и цунами, жилища возводят на сваях.
Разрешается только каркасное строительство из дерева, железобетона.
Фантазия архитекторов развивается вместе с технологиями, поэтому появляется все больше зданий в стиле футуризма с нестандартной геометрией и планировкой.
Популярность набирают купольные дома – выполненные из технологичного пенопласта в форме полушара, они по свойствам ничем не уступают привычным сооружениям.
В современном интерьере традиционные татами начинают соседствовать с классическими западными диванами, софами, кушетками.

Купольные дома в Японии

Современные нока

В сельской местности изменения во внешней и внутренней отделке домов не такие явные, как в городе. Здесь жилища остаются довольно традиционными, еще встречаются соломенные крыши и бамбуковые внешние стены.

Средняя площадь деревенского дома – 110-130 кв.м. Здесь помещается гостиная и 4-5 спален. Кухня и столовая с очагом камадо для приготовления пищи по обыкновению расположены отдельно, на террасе.

Городские дома

На сегодняшний день в городах чаще всего для зданий используют кирпичные, железные, бетонные, битумные материалы. В черте города или в непосредственной близости к нему не так много свободных земель, как в деревнях, поэтому дворы узкие и вытянутые.

На размерах зданий подобная стесненность в пространстве тоже сказывается – они редко превышают 80 кв.м. Здесь помещаются спальни, гостиная, кухня и даже помещение для торговли или мастерская, если хозяевам они нужны. Под крышей надстраивают чердак, чтобы оборудовать место для хранения.

Квартиры

Японцы в стремлении к хорошей жизни, престижной профессии, стабильно высокого заработка повально устремляются в крупные города, в частности в Токио. Высокая плотность населения и относительно небольшая площадь заставляют строить высотные жилые дома с малогабаритными квартирами.

Площадь обычной такой квартиры в среднем составляет 10 кв. м., что само по себе заставляет проявлять смекалку и чудеса логистики.

В одной комнате помещаются:

прихожая;
огороженный совмещенный санузел;
спальня;
кухонная зона;
встраиваемые решения для хранения;
балкончик для сушки одежды.

Люди побогаче могут позволить себе просторную по японским меркам квартиру в 70 кв.м. или дом в частном секторе в черте города.

Несколько любопытных фактов

В Японии нет такого понятия, как центральное отопление. На пути борьбы с холодом в ход идут электроодеяла, обогреватели, ванны, котацу.
Японцы спят не на кроватях, а на матрасах – котацу, отличающихся такой компактностью, что запросто могут поместиться в шкафу.
На кухне японок много разной посуды и техники – от посудомоечных машин и хлебопечек до рисоварки и электрогриля.
Перед входом в туалет нужно надевать обувь, предназначенную именно для этого помещения.
Лучшее описание японского стиля в дизайне интерьера – минимализм, гармония, чистота и асимметрия.

Заключение

Мы узнали, что традиционные жилища японцев называются минка. Здесь раньше жили обычные люди, а в некоторых районах подобные дома сохранились до сих пор.

Большую часть времени члены семьи проводят на полу, поэтому главная задача – с минимумом мебели и декора создать комфортное пространство, наполненное теплом и гармонией. За несколько веков условия жизни и бытовые привычки людей в Стране восходящего солнца изменились несильно, что делает их дома уникальными в своем роде.

Пусть гармония и уют не покидают ваш дом. Присоединяйтесь к нам — подписывайтесь на блог, и будем искать истину вместе!

Инструкция

Полезный совет

Внимание, только СЕГОДНЯ!

Все интересное

Понравилась статья? Поделись с друзьями:

Facebook

Twitter

Мой мир

Вконтакте

Google+

06.05.2021

Особенности жизни

Самое интересное:

Картины японской художницы Каи Миено не отличить от фото

Художница из Хиросимы пишет настолько реалистичные картины маслом, что даже при ближайшем и очень внимательном рассмотрении они выглядят как фотографии. При этом она не делает портреты каких-то конкретных существующих людей: все эти образы, максимально приближенные к действительности, появляются у неё в голове.

Изображение девушки, лежащей в воде горной реки, принесло твиту художницы Каи Миено 46 тысяч ретвитов и 128 тысяч лайков, ведь эта девушка не сама Каи и даже не её знакомая, а героиня невероятно реалистичной картины. У девушки в воде нет даже имени, ведь она целиком вымышленная — все детали художница придумала сама, пишет SoraNews24.

В своём профиле в твиттере тридцатитрёхлетняя Миено пишет: «Я занимаюсь реализмом». Такие слова похожи на сильное преуменьшение. Отличить героинь на картинах художницы от живых людей крайне сложно — почти так же было с очень красивой, но ненастоящей фотомоделью (её создателя, правда, обвинили в расизме). Каи одинаково точно передаёт текстуру воды, камней или человеческой кожи, а солнечные блики будто бы сами скользят по картине.

Даже на тех изображениях, где Миено не прорабатывает фон, оставляя его однотонным, чувствуется жизнь, как будто это очень удачно поставленные фотографии.

По словам художницы, создание таких картин требует очень большого труда, но результат всё оправдывает. К тому же сейчас она научилась писать их гораздо быстрее, чем раньше.

三重野慶art@7.13-28東京
Хотя это похоже на фотографии, на самом деле это картины маслом, и работать над ними приходится долго.
Я нахожу время, чтобы успевать рисовать по одной в месяц.
Раньше на каждую уходило по полтора года.
Не стоит рисовать какой-нибудь лёгкий набросок и считать, что цель в этом и была.
Все усилия оправданы.

По словам художницы, живопись кажется ей более прямолинейным искусством, чем слова: значение слов можно понимать множеством разных способов, а в своих картинах она старается передать именно то изображение, которое нужно донести до смотрящего.

Я пытаюсь нарисовать то, что вижу своими глазами. Есть разница между тем, что видит глаз, тем, что передаётся в мозг, и тем, что остаётся у нас в сердце, и в зависимости от наших эмоций формы и цвета могут меняться. Я хочу писать цвета, фигуры и свет, которые я чувствую внутри себя, и передавать всё то, что не могу выразить словами.

Конечно, больше всего в работах Миено поражает детализация. При взгляде вблизи непонятно, как такая точность возможна чисто технически.

細かく描き始めて1週間??‍♀️#art #oilpainting #wip #油絵 pic.twitter.com/PtDuEZ8vYU
— 三重野慶art@7.13-28東京 (@mienokei) 1 мая 2018 г.

Но видео из инстаграма художницы показывают: она просто аккуратно и кропотливо прорисовывает каждую мелочь шаг за шагом.

Например, когда нужно изобразить глаз, она прорисовывает каждую ресницу отдельно, а затем добавляет маленькую тень на веке.

В Японии есть как минимум одна художница, чей уровень реализма может посоперничать с Миено. Правда, она рисует не людей, а бутерброды и пакеты с закусками, которые не отличить от настоящих. А в Канаде живёт художница, которая использует в качестве холста для гиперреалистичных артов собственное лицо. Получается сюрреалистично и местами пугающе.

в Японии выращивают картины на рисовых полях, актуальные идеи дизайна интерьера и дизайнерская мебель на портале HIS.UA

Картины на рисовых полях – это относительно новое слово в японском ландшафтно-садовом искусстве, получившее название Тамбо. Для создания рисунка высаживают различные сорта риса, которые отличаются цветом листьев. Обычно используют 4 сорта: с фиолетовыми, желтыми, почти белыми и зелеными листьями.

Считается, что рисовать картины на рисовых полях придумали жители японской деревушки Инакадате префектуры Аомори. В 1993 году они решили создать в своей деревне что-то интересное, чтобы и самим не скучать, и туристов привлечь.

Первые девять лет фермеры создавали довольно простые изображения местной горы Иваки. Освоив технику, они перешли к более сложным рисункам. Кроме традиционных для Японии сюжетов, на полях появлялись и всемирно известные образы. Например, в 2006 году из риса была «нарисована» Мона Лиза, в 2009 году – Наполеон, в 2013 – Мэрилин Монро, а недавно – герои фильма «Звездные войны».

Созданию рисунка предшествует долгая работа. Так, ежегодно в апреле фермеры проводят собрание, на котором решают, какую картину будут выращивать в текущем году. Затем переходят к планированию и составлению эскизов. Рекламные проекты зачастую отметают – подобная судьба постигла даже авиакомпанию Japan Airlines, которая предлагала заплатить фермерам за рекламу, выращенную на рисовых полях. Однако творцы ответили отказом – ведь искусство бесценно.

Изображения создаются на рисовых полях общей площадью примерно 15 000 м2. В 2007 году для этой работы были задействованы 700 человек. Полюбоваться результатом их работы в Инакадате приезжают сотни тысяч туристов. Для удобства гостей рядом с полем устанавливают специальную обзорную площадку. Лучшим временем для посещения «рисовой галереи» считается сентябрь. Любопытно, что цветовая гамма картин меняется по мере созревания риса. А урожай продают наряду с обычными, «нехудожественными» зернами.

Последовать примеру жителей Инакадате решили и другие японские деревни. Например, свой тамбо-арт начали создавать в городе Йонедзава, что в префектуре Ямагата. А как создать у себя в доме либо квартире маленький огород, предлагаем прочесть в нашей следующей статье: Огород дома: практично, экологично, эстетично.

Научитесь рисовать у мастера Хокусая

«Большая волна в Канагаве» — культовая гравюра на дереве, знакомая многим и признанная символом японского искусства. Волна выгибается вверх и, кажется, находится прямо на гребне столкновений с небольшими рыбацкими лодками у побережья Канагавы. Художественное произведение передает движение и напряжение этого активного момента с помощью тщательно прорисованных линий и пестрых цветов. «Волна» — творение Кацусики Хокусая, мастера живописи и художника периода Эдо, чьи работы являются одними из самых популярных и подражаемых.

из Быстрых уроков упрощенного рисования

Менее известный факт о Хокусае заключается в том, что помимо того, что он был плодовитым художником, он также был учителем, который создавал учебные книги по искусству. Он написал содержательную и полезную серию книг «Быстрые уроки упрощенного рисования». Уроки разбиты на три тома. Первый том посвящен рисованию основных геометрических фигур; второй том исследует контур; в третьем томе анализируются различные типы мазков кистью и способы их применения.

из Быстрых уроков упрощенного рисования

Уроки написаны на японском языке, но также представлены в виде иллюстраций, что делает их доступными для тех, кто не говорит по-японски. Quick Lessons in Simplified Drawings — это сокровище для любого студента, изучающего рисунок, или профессионального художника, заинтересованного в обучении ремеслу у одного из самых уважаемых художников всех времен.

Том первый: краткие уроки упрощенного рисования

Том второй: краткие уроки упрощенного рисования

Том третий: краткие уроки упрощенного рисования

через Open Culture и MetaFilter

Маргарет Пенни — главный редактор Notes on Design. Маргарет — учитель, дизайнер, писатель и художник новых медиа, а также основатель компании Hello Creative Co.

Superflat — Концепции и стили

Начало Superflat

Япония имеет многовековую традицию «плоского» искусства.Этот термин обычно относится к эстетике, наблюдаемой в художественной продукции страны, охватывающей множество движений, стилей и форм, определяемых такими характеристиками, как смелые очертания, плоская окраска и явное отсутствие естественной перспективы, глубины и трехмерности. Пересекая периоды истории и сдвиги в культуре, «плоский» оставался сильным идентификатором японского искусства, и все это повлияло на развитие Superflat. Только через призму этой долгой истории можно полностью понять компиляцию, из которой состоит это движение современного искусства, непосредственно связанное со всеми его частями и составленное из них в современный лексикон.

Укиё-э

Укиё-э, недорогие гравюры на дереве, ставшие популярными в период Эдо в Японии, оказали влияние на Superflat как по мотивам, так и по стилю. В этих работах использовались четкие очертания, широкие плоские области цвета и изображались различные коммерчески популярные сюжеты, включая пейзажи, актеров кабуки, bijing-ga (изображения красивых женщин), сцены из повседневной жизни и сюнга (изображения spring), которые были явно сексуальными.Ряд художников Superflat, таких как Такаши Мураками, Чихо Аошима и Ёситомо Нара, не только опираются на стиль укиё-э , но и напрямую ссылаются на его знаменитые образы. Картина Нара « В плавающем мире » (1999) представляет собой серию из шестнадцати изображений, на которых его мультяшные персонажи представлены в декорациях «Тридцати шести видов горы Фудзи » известного японского художника Хокусая (ок. 1830–1832). Но его версия перемежается такими выражениями, как «No Fun!» или «Удар ножом», деконтекстуализирующий историческую пьесу в современную чувственность.Точно так же Мураками 727 (1996) изображает его повторяющегося персонажа, мистера ДОБа, в обстановке, напоминающей Хокусая «Великая волна » (ок. 1830–1832). Как описал Аошима, в Superflat можно увидеть в первую очередь «линейную эстетику укиё-э », хотя сам укиё-э получил ту же линейную эстетику из многовековой традиции японской живописи.

Манга и аниме

Современная манга, термин, используемый для обозначения японских комиксов, имеет глубокие корни в японской культуре и искусстве.Некоторые историки искусства предположили, что этот жанр произошел от чернильных свитков XII века, в которых повествование сочеталось с образами. Термин манга, означающий причудливые картинки или рисунки, стал широко использоваться в Японии в 1798 году с публикацией книги Санто Кёдэна с картинками Shiji no yukikai (1798). На мангу повлиял взрыв укиё-э позднего периода Эдо, и она развилась в своей современной форме. Манга Хокусая Hokusai (1814 г.), хотя и не манга в современном понимании, а серия печатных изданий, основанная на его альбомах для рисования, стала японским бестселлером, в результате чего в 1800-х годах было опубликовано пятнадцать томов.Его сериал о сверхъестественном, изображающий призраков из японского фольклора и театра кабуки, оказал влияние на художников Superflat, таких как Чихо Аошима.

Создание современной манги и аниме приписывают художнику Осаму Тэдзуке, которого называют одновременно «отцом манги» и «отцом аниме». Его самой известной работой была чрезвычайно популярная серия манги Mighty Atom (известная во всем мире как Astro Boy ). Под руководством Тэдзуки сериал также стал пионером аниме, который представляет собой стиль рисованной или компьютерной анимации, с запуском мультсериала Astro Boy в Японии в 1963 году. В том же году в США появилась англоязычная версия. Сериал с изображением двенадцатилетнего мальчика, нарисованного в мультяшном стиле, отреагировал на ядерный век через футуристический мир и развил темы, которые будут доминировать в манге и обеспечивать популярность жанра.

В Японии мангу читают люди всех возрастов, и впоследствии она породила множество жанров, включая комедию, историческую драму, научную фантастику, фэнтези, саспенс и ужасы. Аниме также обычно следует всем этим жанрам.

Отаку
Термин отаку был придуман в 1983 году обозревателем Акио Накамори в эссе, опубликованном в Manga Burikkio , для обозначения субкультуры одержимых поклонников манги и аниме. Термин, означающий «ваше место жительства», используется как формальный способ обращения к кому-либо, но когда он используется среди тех, чьи отношения требуют более естественного «вы», обозначает социальную неловкость. Отаку — это субкультура, в которой доминируют мужчины, члены которой известны не только чрезмерной одержимостью выбранной нишей в аниме или манге, но и тем, что считают эти фантастические миры более реальными, чем реальная жизнь. Как писал критик New York Times Артур Лабоу: «Типичный отаку — молодой мужчина, а некоторые манга и пластиковые фигуры явно сексуальны, часто откровенно педофиличны; даже если это не так, отаку имеет тенденцию относиться к его сбор с ласками и уходом, как с подругой — если бы у него была девушка».

В 1989 году Цутому Миядзаки, отаку , убил четверых детей, и испуганная японская общественность приняла еще более негативное отношение к субкультуре.Впоследствии, в 1990-х годах, ряд авторов аниме и манги опубликовали различные статьи, пытаясь с некоторым успехом противостоять этим негативным взглядам. В то же время Мураками начал утверждать, что культура отаку была исключительно японской, и начал использовать ее мотивы и стиль в своих собственных работах, как видно из его первой скульптуры Miss Ko2 (1997), вдохновленной аниме и мангой. скульптура официантки, которая хочет стать рок-звездой. Он представил эту работу на съезде отаку , подчеркнув, что субкультура была ключевой частью его работы.

Этот термин до сих пор используется в Японии как уничижительный, обозначая фаната аниме или ботаника, который не может справиться с реальностью. В статье Cultural Studies Review в 2014 году ученый Юдзи Соне написал, что этот термин остается «сложным и неуловимым термином». Но на Западе отношение стало более позитивным, как это было видно, когда аниме Хаяо Миядзаки Унесенные призраками (2001) получило премию Оскар. В 2005 году критик Артур Лабоу отметил: «Аниме и манга стали глобальными символами крутости.«

Kawaii

Kawaii , термин, относящийся ко всему милому, является еще одним аспектом японской субкультуры. Он включает элементы миловидности в персонажей манги и аниме. карта японской поп-культуры… чрезвычайно упрощенная, но все же полезная… можно сказать, что культура отаку , ориентированная на мужчин, находится на одном полюсе, а женская сфера kawaii (привлекательность) — на другом.«Самый известный пример каваи — мировая сенсация Hello Kitty, созданная Юко Симидзу и разработанная Юко Ямагуичи в Японии в 1974 году. Кики. Он начал исследовать мотивы kawaii в середине 1990-х годов и сказал: «Я нашел систему для того, что является милым персонажем», благодаря использованию круга с двумя глазами и улыбкой в нижней половине.Работы Ёситомо Нара неизменно были кавайи с его изображениями мультяшных детей и животных. Другие артисты, такие как Чинацу Бан, также преимущественно работали в этом жанре.

Такаси Мураками

Основатель и ведущий теоретик Superflat, Такаши Мураками, как и многие молодые люди его поколения, в подростковом возрасте был одержим культурой отаку , и эта культура оказала доминирующее влияние на его разработку Superflat.

В начале своего творчества Мураками работал в нескольких направлениях.Первоначально он изучал Нихонгу, или живопись в традиционном японском стиле, и его работа и теории были глубоко основаны на знаниях традиционных японских художественных стилей и техник. Тем не менее, его первыми известными работами были концептуальные работы, такие как Randoseru Project (1991), для которых он красил шкуры экзотических животных и превращал их в восемь ярких randoseru , или японских школьных сумок. Использование шкур отражало влияние современного художника Дэмиена Херста, но этот проект также предвосхитил более поздние проекты Мураками, в которых японские мотивы были включены в потребительские товары.

Продолжительная поездка в Нью-Йорк в 1994 году вдохновила Мураками на переоценку своей эстетической практики, и он начал реинтегрировать свою японскую идентичность и то, что он считал важной японской культурой, в свои работы. Мураками чувствовал, что травматические последствия Второй мировой войны, бомбардировок Японии, ее поражения и оккупации нашли выражение в мультипликационных образах культуры. Он сказал: «Вторая мировая война всегда была моей темой — я всегда думал о том, как культура заново изобретала себя после войны.«Озабоченность переосмыслением культуры была основной темой создания Мураками движения Superflat, мало чем отличающегося от движения поп-арт, которое также в значительной степени заимствовало из популярной культуры, чтобы заново изобретать свои произведения искусства.

Hiropon Factory 1989 и KaiKai Kiki Co. Ltd.

В 1989 году Мураками основал в Токио фабрику Hiropon Factory, творческую мастерскую, название которой отсылало как к знаменитой фабрике поп-арта Энди Уорхола, так и к hiropon , названию метамфетаминов, продававшихся в аптеках во время Второй мировой войны.

Именно в этой мастерской родилось постмодернистское художественное движение Superflat. В 2000 году Мураками написал эссе «Теория сверхплоского японского искусства» (2000), в котором описал сверхплоское как основанное на плоских композициях японского искусства, как это видно в искусстве Нихонга в «японском стиле», и в частности укиё-э . , гравюры на дереве периода Эдо, которые продолжали использоваться в современной манге, аниме, отаку и кавайи . «Сглаживание» в определении Мураками означало не только плоскостность живописной композиции, но и сглаживание различий между высоким и низким искусством, между жанрами искусства и между искусством и потребительской культурой, что, по его утверждению, было характерно для японской культуры. .

Художественная выставка Superflat

В 2000 году Мураками воплотил в жизнь свою концепцию Superflat, организовав одноименную художественную выставку в музеях универмага PARCO в Токио. В 2001 году он расширил выставку, в которой приняли участие 19 художников, в Америку, где она посетила Музей современного искусства Лос-Анджелеса, Художественную галерею Уокера в Миннеаполисе и Художественную галерею Генри в Сиэтле. Наряду с работами Мураками на выставке были представлены картины Ёситомо Нара, Чихо Аошима и Ая Такано; фотографии Масафуми Санаи и Чикаши Судзуки; мода 20471120 года; аниме Кодзи Моримото и Ёсинори Канады; манга Хенмару Мачино, Кентаро Такеку и Хистоси Томидзава; дизайнерская фирма Groovisions; скульптор Боме; и работы Кацусиге Накахаши, Шигеёси Охи, «Просветление» и «СОН».Работы сочетали в себе плоскостность традиционного японского искусства, подчеркивая очертания и широкие области цвета, со стратегиями и методами западных СМИ и массового производства. Выставка была встречена критиками, и некоторые искусствоведы считали, что Superflat стал устойчивым движением в первую очередь из-за огромного интереса американцев.

Элизабет Браун, куратор Художественной галереи Генри, сказала о выставке: «В Японии поколение X или двадцатилетние известны как shinjinrui , буквально «новая человеческая раса».На этой выставке представлены работы shinjinrui , молодых художников, вдохновленных культурой, пропитанной Hello Kitty и другими милыми символами, компьютерными играми, аниме и мангой, и часто движимыми желанием восстать против самого потребительства, которое эти символы Superflat также понравился молодому поколению в Америке и Европе, где манга, аниме и японские видеоигры, такие как популярная серия Pokemon, уже достигли широкой аудитории. преобразовал Hiropon Factory в коммерческую компанию под названием KaiKai Kiki Co.Ltd. Компания, названная в честь двух персонажей манги Мураками, имела офис в Токио, а также студию и офис в Нью-Йорке. Он поддерживал начинающих художников и продвигал работы аффилированных художников, таких как Чихо Аошима, Ая Такано и Чинацу Бан. В то же время компания производила работы Мураками, ее офисы в Токио были ориентированы на азиатские рынки, а офис и студия в Нью-Йорке — на рынок Европы и Северной Америки. В 2003 году Мураками открыл третью студию в Токио, посвященную анимации.

С самого начала организация была построена по вертикальной модели, основанной на традиционной японской художественной модели, где мастер обучает своих учеников, вовлекая их в различные этапы своей творческой работы и продукта. Этот производственный процесс позволил создать бесчисленное количество произведений искусства и предметов потребления, как сказал Мураками, без фабричной модели: «Я бы никогда не смог создать столько произведений с такой эффективностью, и работа не была бы такой интенсивной».

Из семи нынешних артистов (среди десятков исполняющих различные роли), которые являются членами KaiKai Kiki, пять — женщины, и компания высоко оценила феминистский взгляд на их работы.Однако компания продолжает подвергаться критике, поскольку некоторые предполагают, что помощники Мураками — просто дешевая рабочая сила или, кроме того, что его работы не являются его собственными произведениями. Он попытался ответить на оба обвинения, сказав: «Я считаю себя великим шеф-поваром в трехзвездочном ресторане. А молодые люди, работающие в студии, — ученики… Некоторые слишком остро реагируют, говоря, что я эксплуатирую их труд . . . и платят им сущие копейки.Но это неправда.Еще у них есть мечта стать в будущем великим поваром.На самом деле, эта модель сегодня не является чем-то необычным для многих звезд искусства, таких как американский поп-художник Джефф Кунс. включают использование четких контуров, плоских цветовых плоскостей и отсутствие трехмерности. Как описал Мураками: «Я думал о реальности японского рисунка и живописи и о том, чем они отличаются от западного искусства.Что важно в японском искусстве, так это ощущение плоскостности. В нашей культуре нет 3D». Тем не менее, эти современные версии отличаются своей привлекательностью для поп-культуры, стилем, заимствованным из графического дизайна, который придает ощущение почти постера, фантастическими образами, смелыми мультяшными оттенками, а также персонажами и контентом, вдохновленными современная манга и аниме.Это сглаживание различий между коллекционной статуэткой и скульптурой изобразительного искусства является фирменной инновацией Superflat; идея о том, что одну фигурку можно воссоздать в различных форматах, от отдельного произведения искусства до потребительской безделушки.

Мураками и Нара являются хорошими примерами такого скрещивания. Мураками создал в натуральную величину высокосексуализированные скульптуры изобразительного искусства, основанные на культуре отаку , как видно из его Hiropon (1997) и My Lonesome Cowboy (1999).С другой стороны, он создал каваий работ, таких как Панда (2002), которые были разработаны в сотрудничестве с дизайнером Луи Виттоном и были воспроизведены в различных потребительских товарах. Нара создал ряд скульптур, таких как Your Dog (2002), изображающих мультяшную белую собаку, которые варьируются от монументальных инсталляций до мягких игрушек и небольших фигурок.

Скульптор Боме известен своими bishojo , или красивыми фигурками девушек, основанными на аниме-персонажах. Bishojo происходит от bijing-ga (изображения красивых женщин) жанра ukiyo-e (изображения красивых женщин), но переведен на современный скульптурный язык, где персонажи аниме становятся коллекционными фигурками. Скульптуры Боме отражают аниме-комбинацию преувеличенных половых признаков с милыми лицами. Работая в компании Kyoto Kaiyodo, он произвел бесчисленное количество аниме-статуэток, продаваемых в массовом порядке как предметы коллекционирования, а также наборы для гаража, которые позволяют коллекционерам создавать свои собственные фигурки.

Мода

Теория и практика Superflat включает в себя все элементы образа жизни в своем контексте, отражая озабоченность отаку выдуманным миром, который берет верх над реальностью. В результате на выставке Superflat 2001 года были представлены работы бутика модного дизайна 20471120, основанного Масахиро Накагавой и Азечи Лика в 1994 году в Осаке, Япония. 20471120, названный в честь даты, которую Накагава выбрал как день, когда «что-то произойдет», начал выставляться на показе мод Tokyo Collections в 1995 году.Их линия уличной одежды стала широко популярной среди модного поколения Токио. К 1999 году Накагава заинтересовался переработкой отходов. Они разработали проект Tokyo Recycle Project и попросили профессионалов в области искусства и моды пожертвовать одежду и ответить на вопросы о ее ассоциациях. Затем команда разбирала одежду и снова собирала ее, возвращая владельцу в новой конфигурации. Накагава создал несколько персонажей манги, чтобы они сыграли повествовательную роль в проекте. Проект был призван подвергнуть критике потребительство, подчеркнуть бережливость и создать значимые связи между людьми и их имуществом, которых, по мнению 20471120, не хватает в современной жизни.

Самым известным сотрудничеством между Superflat и модой, несомненно, стал дизайн сумки Мураками, созданный совместно с известным модельером Луи Виттоном. Запущенная в 2003 году, коллекция имела огромный успех с продажами в 300 миллионов долларов, а впоследствии была расширена за счет включения чемоданов и других аксессуаров. Затем последовали другие дизайны Мураками для Vuitton, в том числе «сумки для персонажей» с изображением его панды.

Дизайн

На выставке Superflat 2001 года был представлен дизайн компаний SLEEP, Enlightenment (дизайнерская группа, основанная Хиро Сугиямой) и groovisions. Groovisions, студия дизайна, основанная в Киото в 1993 году, представила тридцать три своих унисекс-фигурки в натуральную величину Shiny Happy Chappies, одетых в одинаковую одежду, но с разными прическами. В то время как культура отаку рассматривается как изолированная от реальности, жизнеспособность субкультуры зависит от сообщества единомышленников, ведущих такой же образ жизни. Фигуры Чаппи, выставленные в Токио в различной одежде для работы, отдыха или спорта, были визуальным представлением такого сообщества.Они стали настолько популярными, что были разработаны мебель и валюта Чаппи, поскольку дизайнеры создали мир, в котором фигурки могли обитать. Студия продолжала развиваться, занимаясь графическим, сценическим, музыкальным и видеодизайном, и стала заметной культурной фигурой. Groovisions известен созданием дизайна компакт-дисков и музыкальных клипов для FPM и RIP SLYME, а также корпоративных брендов, таких как 100%ChocolateCafe, работой с японскими телесериалами, такими как «JAPAN BRAND» и «NEWS ZERO», и разработкой приложений, таких как их приложение Chappie. для мобильных телефонов.

Другие художники, такие как Чихо Аошима, используют современное программное обеспечение для графического дизайна, такое как Adobe Illustrator, для создания цифровых работ, которые затем распечатываются. Отпечатки, по своей сути, являются плоскими транспортными средствами, а также расширяют японскую историю использования процессов печати в качестве жизнеспособных инструментов для презентации изобразительного искусства.

Манга

Также на выставке Superflat 2001 года были отмечены художники манги Кентаро Такекума, Хенмару Мачино и Хитоши Томидзава, благодаря чему манга впервые была рассмотрена в контексте мира искусства.В результате манга была представлена новой аудитории и переоценена с точки зрения ее эстетических качеств. Кентаро Такекума наиболее известен своими комиксами Super Mario Brothers (1992–1993), а Томидзава — серией комиксов Alien Nine (1998–1999), в которой три девочки из шестого класса пытаются поймать различных враждебных инопланетян в своей школе. . В частности, работа Томидзавы стилистически повлияла на Superflat благодаря его характерным персонажам с большими глазами и удлиненными конечностями. Впоследствии сериал был превращен в аниме, показывающее тесные отношения между двумя СМИ.В его Milk Closet (2000) с участием Макрокосмического непобедимого легиона детей, который пытается спасти других детей, попавших в альтернативные вселенные, милые персонажи сочетаются с жестокими столкновениями в инопланетных мирах.

Аниме и кино

Ряд художников Superflat работали в аниме, в частности Кодзи Моримото, который известен своими анимационными работами в Akira (1988) и Kiki’s Delivery Service (1989), среди прочих. Известный режиссер короткометражных аниме, его «Beyond» был частью The Animatrix (2003), а его «Dimension Bomb» был включен в Genius Party Beyond (2008).Он также стал соучредителем Studio 4°C, которая выпустила известные фильмы, такие как Princess Arete (2001) и Tekkon Kinkreet (2006), получившие награду за лучший анимационный фильм на Fantasia 2007 и приз Японской академии анимации Год. Другие художники Superflat, хотя в основном работали в других медиа, также создавали аниме-работы. Например, Мураками создал «Глаза медузы » (2013), который, хотя фильм провалился в Японии, был показан как художественный фильм в Соединенных Штатах.Он также сделал 6HP ( Six Hearts Princess ) (2017), аниме-сериал для телевидения. Такие художники, как Чихо Аошима, включили такие аниме, как City Glow (2005), в свои художественные выставки, объединение, которое, по мнению некоторых критиков, таких как Питер Шиммель, произвело революцию как в аниме, так и в мире современного искусства.

Более поздние разработки — после Superflat

Superflat оказал влияние на многих художников, таких как американский художник и художник-граффити Барри МакГи и современный художник и скульптор Рональд Венчер.

Ряд художников из Майами, в том числе Ромеро Бритто, Кэрол Боуман, Пол Кремата, Серон, Хосе Альварес и Эд Кинг, разработали движение SoFlo Superflat в 1990-х годах. «Софло» — это сленговое название Южной Флориды, места, где эти художники чувствовали, что жизнь проживается в двух измерениях, а не в трех, и поэтому должно быть выражено визуально как таковое. Монументальная скульптура Ромеро Бритто Best Buddies Friendship Bear (2011), напоминающая большую мягкую игрушку с двумя сердцами, передает привлекательность kawaii .Как и другие художники Superflat, Бритто также запустил линейку продуктов, основанных на его работах.

Художники, связанные с SoFlo Superflat, опираются на широкий спектр стилей, влияний и тем, очень похожих на Superflat. Например, пастель Кэрол Боуман «Солнце» и «Луна » (2004) использует контрастную цветовую палитру и геометрические формы, которые передают своего рода современный подход под влиянием орфизма. Как и Superflat, движение SoFlo связано с субкультурой и стирает различия между иллюстрацией, графикой, граффити и дизайном.

Брендинг Мураками и сотрудничество с дизайнерами повлияли на других художников, о чем свидетельствует сотрудничество Яёи Кусамы с Louis Vuitton в 2012 году.

Включение Superflat манги и аниме в качестве произведений искусства также повысило восприятие эстетической ценности этих медиа. Известные карикатуристы, такие как Эд МакГиннесс и Фрэнк Миллер, находились под влиянием манги, а американец Фред Галлахер известен своей работой над мангой в Megatokyo (2000) .

Superflat стал синонимом как современного японского искусства, так и элементов массового производства, от модных товаров высокого класса до игрушек и статуэток, продаваемых по всему миру.В результате сегодняшняя популярная культура на мировом уровне насыщена различными штаммами Superflat. Мураками разработал обложку альбома Канье Уэста Graduation (2007) и анимационного певца Фаррелла Уильямса в 2014 году в музыкальном сотрудничестве.

Мураками и его компания KaiKai Kiki также сыграли важную роль в наставничестве начинающих японских художников, в том числе тех, кто напрямую связан с компанией, таких как Чинацу Бан, Чихо Аошима, Махоми Куниката, Ая Такано и мистер Кей. Рей Сато.

Путеводитель по формам традиционного японского искусства

Традиционные формы японского искусства веками были источником восхищения и вдохновения не только в Японии, но и во всем мире. Отчасти потому, что, помимо всего прочего, их незамысловатую красоту может оценить практически каждый. От искусства икебаны до изящной чайной церемонии — вот наш путеводитель по традиционным формам японского искусства.

Каллиграфия — одно из самых почитаемых японских искусств. Наряду с кандзи , или японскими иероглифами, каллиграфия была импортирована из Китая в период Хэйан более тысячи лет назад. Существует множество различных стилей каллиграфии. сошо, или стиль травяной руки обычно используется для художественной каллиграфии и поэтического письма. Эти изящно связанные иероглифы и слоги временами могут показаться почти неразборчивыми для изучающего японский язык, но тем не менее их красоту можно оценить.

Хотя в Японии много флористов, собирающих разноцветные букеты, не все из них практикуют более традиционную форму искусства икебана. Икебана обычно более упрощена, чем современная аранжировка цветов, и акцент делается на разные части растения, а не только на красочные цветы. Гармония цветов, текстур, формы и баланса растений и ветвей является ключевым моментом.Но икебана — это, прежде всего, форма творческого самовыражения, и именно за это качество ее ценят.

Укиё-э означает «картинки плывущего мира» и относится к тематике гравюр. «Плавающий мир» — это мир мимолетных удовольствий, и субъектами укиё-э часто, но не всегда, были красивые женщины или куртизанки и гейши увеселительных кварталов.В 17 веке укиё-э были обычным явлением в домах купцов среднего класса в качестве украшений. Укиё-э — один из самых самобытных и уникальных стилей японского искусства. Хотя сегодня это не очень распространенная форма искусства, ее влияние можно увидеть в таких современных формах искусства, как татуировка и модный дизайн.

Гравюра на дереве, выполненная Утагавой Тойокуни в период Эдо | Гравюра на дереве, выполненная Утагавой Тоёкуни в период Эдо

Японские лакированные изделия известны своей красотой и долговечностью.Лак использовался в Японии на протяжении тысячелетий для защиты и сохранения естественной красоты дерева. Со всем современным использованием пластмасс и металлов искусство красивого лакированного подноса или расчески легко оценить. Найдите традиционные лакированные изделия в магазинах товаров для дома.

Чайная церемония выросла из гостеприимства японской знати периода Хэйан, которые любили угощать высокопоставленных гостей чаем.В конце концов, родился совершенно новый способ ценить любимый напиток со своим собственным уникальным набором правил и этикетом. Стать свидетелем очень официальной японской чайной церемонии — или, что еще лучше, принять в ней участие — это, безусловно, незабываемый опыт, и в большинстве японских городов регулярно проводятся мероприятия, позволяющие посетителям испытать это.

До появления современных духов и парфюмерных спреев благовония играли жизненно важную роль в высшем обществе японского общества.Дворяне периода Хэйан ароматизировали свою одежду, аксессуары и волосы специальными ароматами, и эти ароматы сами по себе были формой общения. Часть кодо включает в себя «игры со сравнением благовоний» или кумико. Игроки по очереди оценивают благовония и угадывают ингредиенты внутри. В наши дни кудо не практикуется широко, даже в особых культурных случаях из-за высокой стоимости материалов.

В Японии существует множество видов традиционных танцев.Двумя основными являются Noh и Kabuki . Noh — это музыкальная драма, которая существует уже более пятисот лет. Его можно узнать по обычно скудным сценическим эффектам, в которых все внимание уделяется исполнителям в масках, которые обычно воспроизводят древнюю легенду или подобную сказку. Танцевальная драма Kabuki , с другой стороны, отличается тщательно продуманным гримом, костюмами и чрезмерными эмоциями. Оба типа до сих пор широко практикуются в таких местах, как театр Кабуки-дза в Токио, среди прочих.

ЯПОНСКОЕ ИСКУССТВО И ТРАДИЦИОННЫЕ ТЕМЫ

Многое из того, что массы знают о японцах, пришло в виде информации, которая путешествовала через Интернет: какие они странные со своим Фестивалем пениса, какие они миролюбивые и насколько они эффективны. Но, если не считать массового представления миру японского искусства в форме аниме, манги и видеоигр, люди почти ничего не знают о традиционных темах японского искусства, что странно, потому что эти темы часто появляются в аниме, манге и видеоиграх, особенно когда изображаемая история имеет какое-то отношение к японской культуре и жизни.

Японцы, поскольку они владеют этой культурой, знают эти темы наизусть, поэтому, когда кто-то выступает в картине, песне или аниме, они очень быстро это узнают. Такие темы имеют глубокую историю, и те, кто их исследовал, кажется, находят в них нежность и красоту. Сама манга, например, является традиционным произведением японского искусства, смысл которого менялся с годами, пока мы теперь не признаем их как черно-белые комиксы, изображающие иконы поп-культуры этого поколения, еще в эпоху Токугава, это слово использовалось для обозначения простого наброска или случайного рисунка, вроде тех, которые художники эпохи Возрождения рисовали на улицах Парижа.

Праздники

Например, японские праздники были популярными мотивами в их искусстве. Япония, как и любая страна, богата праздниками. В прошлом страна находилась под влиянием буддизма и синтоизма, что дало их культуре множество богов и богинь, которым нужно поклоняться и отмечать их красочными праздниками.

Одним из примеров фестивалей, используемых в качестве мотивов, является фестиваль Танабата, который отмечается каждый 7 июля, хотя традиционно считается, что он приходится на 7-ю ночь 7-го лунного месяца, когда звезды Веги и Альтаира видны рядом друг с другом.Согласно истории, это время, когда Сёкудзё, дочь Повелителя Небес, воссоединяется со своим возлюбленным, Небесным пастухом Кенгю.

Другим популярным мотивом является фестиваль Сэцубун, на котором владельцы домов жарили бобы и кричали «おにはそと、ふくはうち！» (« Oni wa soto , fuku wa 3 uchi 6

6 », что переводится как «Демоны вон, удача на входе!»). Наконец, есть ежегодный новогодний фестиваль, когда люди со всей Японии стекаются к святыням, чтобы встретить Новый год и помолиться за удачу.
Люди
В истории Японии также есть множество красочных персонажей, которые используются в качестве мотивов в искусстве, и их слишком много, чтобы обсуждать их в одной статье. Самый известный из них — знаменитый самурай Миямото Мусаси, который сам является художником и известен как первый самурай, разработавший боевое искусство с использованием двух самурайских мечей, сложной техники под названием « ниторю ». Затем Томоэ Годзен, жена Минамото-но Ёсинака. Легенда гласит, что она сражалась с тремя сильными мужчинами в конце легендарного похода со своим мужем.Ее муж был убит, но она сделала себе имя и даже, как говорят, разбила в щепки сосну, когда враг замахнулся на нее голыми руками.
Религия
Как упоминалось ранее, Япония находилась под влиянием как буддизма, так и синтоизма. Синтоизм, что означает «путь с богами», является родной религией Японии. Они поклоняются каждой силе природы, каждой концепции японской жизни и представляли себе божественный пантеон как «восемьсот мириадов богов», а также нескольких могущественных демонов, то тут, то там в качестве противников богов.Несмотря на необъятность персонажей, изображаемых в искусстве, в синтоизме есть удивительно простое учение: «Следуй импульсу природы и повинуйся своему Императору».
Буддизм пришел в Японию из Китая, и он тоже превратился в уникальный японский бренд: дзен-буддизм. Монахи, которые следовали этой религии, и деяния, которыми их помнят, являются обычными предметами, изображаемыми в японском искусстве.
Первое изображение: Укиё-э, гравюра Миямото Мусаси, автор Утагава Куниёси, через укиё-э.орг
Второе изображение: празднование Танабаты, Тории Киёнага, с сайта hullohollotoll.wordpress.com
Части гравюры на дереве · Японские гравюры на дереве · Виртуальный музей SCRC в библиотеке Морриса Университета Южного Иллинойса
Для гравюры на дереве есть 4 типичных компонента: название, подпись, печать и клеймо издателя. На этом принте Кобаяси Тосимицу все 4 четко выложены. Заголовок ставится по центру вверху оттиска, подпись в правом нижнем углу, а под подписью в правом нижнем углу ставится печать.Знак издателя — это объект в виде свитка в левом нижнем углу. Давайте посмотрим на различные части этих отпечатков поближе.

Подпись
Подпись художника по гравюре на дереве не подписывается так, как это сделал бы современный художник. На многих японских произведениях искусства того времени, независимо от конкретного носителя, художник по-прежнему вручную рисовал свою собственную подпись, чтобы отметить свою работу.Однако в случае гравюр на дереве художник вырезал свой фирменный знак на дереве, чтобы отпечатать его на бумаге вместе с остальной частью оттиска. Поскольку за эту подпись отвечало долото, а не кисть, подписи редко были очень похожими, что затрудняло идентификацию, если только человек не знает, как читать стиль кандзи .
После имени художника слова «дизайнер» часто вырезались после самого имени с помощью символа ‘ga’ или ‘hitsu’ .
Эти подписи, конечно же, предназначены для того, чтобы связать художника с гравюрой, поэтому на некоторых гравюрах в этой коллекции (например, « Атака ворот Генбу »), когда гравюра должна быть источником пропаганды для публики о войне, художник не хотел, чтобы его печать была на оттиске, поэтому резная подпись не ставилась, а в большинстве случаев оставлялась только клеймо издателя. Помимо пропаганды, в случае обычных военных сводок художник часто все же оставлял свою подпись.

Знак издателя
Художник является только дизайнером принта. Они рисуют и раскрашивают его на невзрачной бумаге. Настоящая работа по преобразованию в окончательный отпечаток находится в ведении различных других работников, работающих под началом издателя. Издатель, профессионал, который наблюдает за резчиками по дереву, покраской дерева и наложением на оттиск, оставит свой собственный след на странице. Этот знак издателя представляет собой набросок, внутри которого есть надписи, и набросок, как правило, представляет собой узнаваемый дизайн.Этот знак часто находится внизу слева, напротив подписи, но это не всегда так. Самый распространенный знак, встречающийся в этой коллекции отпечатков, — это очертания двух рыб, стоящих рядом; это клеймо издателя Фукуда Кумаджиро .
Внутри этих клейм текст может быть разным, так как над разными гравюрами могли работать разные работники, но издатель один и тот же.
В случае отпечатков, созданных в пропагандистских целях, даже если художник опускает свою подпись, издатель все равно ставит свою отметку на указанном оттиске.

Печать художника
Почти под каждой подписью на ксилографии укиё-э или рядом с ней стоит печать. Эта печать, всегда выполненная красным цветом, является второстепенным знаком художника. Художник может решить либо использовать определенную печать на протяжении большей части или всей своей карьеры, либо использовать несколько разных, периодически меняя их. Если последнее сделано, печать может иметь решающее значение для датировки отпечатка. Каждая печать создана художником и поэтому может отражать несколько разных сторон его жизни.Это могут быть фамильные гербы, студийные гербы, фамилии, эмблемы, используемые мастером художника, имена мастеров и т. д. Эти печати могут резко меняться или иметь аналогичную структуру. Например, Утагава Кокунимаса проделал большую работу, используя печать «цветок сливы». Эта печать начиналась просто, а затем стала немного более богато украшенной, прежде чем он заменил ее на совершенно другую прямоугольную печать. Все четыре из них показаны в центре, выделенной красным цветом части изображения справа. Другие печати, присутствующие в этой коллекции, показаны вокруг четырех печатей Кокунимасы.
Рисовать японское искусство « Интересно, как
Как сделать
: Рисуем японские волны для тату
В этом видеоуроке зрители узнают, как нарисовать японские волны для татуировки. В этом видео зрители наблюдают за различными идеями и элементами волнового дизайна. Зрители изучают различные техники. Чтобы нарисовать эскиз татуировки, зрители должны набросать свой образ и поэкспериментировать…подробнее
Как сделать
: Нарисуй японского дракона
Чтобы нарисовать японского дракона, сначала изобразите свирепый глаз, стилизованно нарисуйте голову, растяните длинное тело по всей странице и добавьте ноги с когтями. Нарисуйте несколько чешуек на теле дракона с художественными инструкциями от профессионального художника в этом бесплатном видео по рисованию …подробнее
Как сделать
: Нарисовать простого дракона в японском стиле (дракон)
Если вам нравится искусство дракона в японской и китайской культуре, то вы знаете сложность этого произведения искусства.Но вы можете сделать свою собственную упрощенную версию дома с бумагой и ручкой. Это видео покажет вам пошаговые инструкции по рисованию дракона в японском стиле. «Доктор … подробнее
Новости
: Создание произведений искусства на устройстве iOS, часть 1: рисование
С самого начала популяризации приложений для iDevice пользователи экспериментировали с созданием оригинальных иллюстраций на своих iPhone/iPad/iPod Touch.А когда знаменитый британский художник Дэвид Хокни окрестил iDevice своими живописными цифровыми рисунками, эта тенденция взорвалась еще . ..подробнее
Как
: Рисование шаблонов спиральных пил с клип-артом в Corel Draw
В этом учебном пособии по созданию шаблона для деревообработки с прокруткой вы узнаете, как использовать программное обеспечение для рисования векторной графики Corel Draw для создания простого шаблона с прокруткой.Вы узнаете, как использовать клип-арт, доступный в Corel Draw, для создания шаблонов прокрутки.
Новости
: Японский торт-арт
Из Eat Me Daily: «Японцы известны своими гигантскими монстрами и милыми вещами; эта скульптура художника Козоо объединяет их в этой скульптуре SmileCake, HappyCake в Роппонги, Токио.К желтому пирогу с огромной клубникой прилагается такая же большая вилка; …более
Как
: Практикуйтесь в японском искусстве дарения подарков «Фурошики»
Это видео иллюстрирует «Фурошики», японскую традицию дарения подарков. Практикуйте эту красивую традицию с этим праздником, как на видео. «Фурошики» — это еще и очень экологичный способ упаковки подарков. Также изучите несколько расслабляющих техник, чтобы сохранять спокойствие в этом рождественском море…подробнее
Как
: Рисование векторной графики с помощью инструмента пути в GIMP
Это видео познакомит вас с основами создания векторной графики в GIMP, научив вас рисовать с помощью инструмента пути. Часть 1 из 2 — Как рисовать векторную графику с помощью инструмента «Путь» в GIMP. Часть 2 из 2 — Как рисовать векторную графику с помощью инструмента «Путь» в GIMP.
Как сделать
: Сканирование картинок в Corel Draw для получения шаблонов прокрутки
В этом учебном пособии по созданию выкройки для пилы по дереву вы узнаете, как перенести найденные картинки с компьютера в компьютер и в Corel Draw X3, чтобы вы могли использовать их для своих выкроек. Посмотрите и убедитесь, как легко сканировать картинки в Corel Draw X3 и …подробнее
Как сделать
: Трассировка изображений с помощью Corel Draw X3
В этом учебном пособии по созданию шаблонов для прокрутки вы узнаете, как использовать программу для рисования Corel Draw X3, чтобы превращать картинки в шаблоны.Узнайте, как трассировать картинки в Corel Draw X3 и превращать их в шаблоны прокрутки.
Как сделать
: Рисование векторной пальмы в CorelDRAW X4
В этом уроке мы научимся рисовать векторную пальму в CorelDraw X4.Начните в программе CorelDraw и создайте основу дерева с помощью инструмента рисования черного цвета. После этого нарисуйте маленькие треугольники внутри основания дерева, а затем нарисуйте листья и ветки…подробнее
Как сделать
: Нарисуйте футбольный дизайн ногтей за 6 простых шагов
Привет! Итак, в этом видео я покажу вам, как можно создать простой футбольный (он же футбольный) нейл-арт всего за 6 шагов! Видео: . Они выглядят сурово, но этот образ так легко сделать, что он вас поразит! Это очень легко сделать с помощью линий и точек и соединения этих линий…подробнее
Как сделать
: Рисование комнат цветными художественными маркерами
На бесплатных уроках рисования есть видео о том, как рисовать комнаты с помощью цветных художественных маркеров.Это процесс рисования комнат с помощью воображаемой коробки и художественных маркеров — внутренняя перспектива. Бесплатные уроки рисования содержат больше отличных онлайн-уроков и советов по рисованию.
Как сделать
: Нарисуй рыбу — концепт-арт
концептуальные идеи рисования для рисунка рыбы.Я прохожу именно то, о чем думаю, когда рисую. Очень полезно для фэнтези-арта. Для более подробной информации перейдите по ссылке: http://howtodrawfantasyart.blogspot.com/ Видео: .
Как сделать
: Рисование, затенение и контур граффити
Если вы хотите научиться рисовать граффити, этот урок поможет вам в этом. В этом видео вы узнаете, как рисовать, растушевывать и обводить граффити в соответствии с этим видео. Это легко понять и можно практиковать снова и снова. Так что удачи и … more
Как сделать
: Нарисуйте вид сверху художественными маркерами
В этом уроке мы научимся рисовать вид сверху с помощью художественных маркеров.Сначала вы нарисуете точку в центре бумаги, а затем проведете отсюда линии. После этого используйте линии на бумаге, чтобы создать пропорции зданий. После этого нарисуйте квадраты и линии …подробнее
Как сделать
: Уровни рисования и раскрашивания художественными маркерами
В этом видео показано, как нарисовать торговый центр.Он начинается с квадратов и прямоугольников и делает их трехмерными. По мере продвижения видео к изображению добавляется все больше и больше деталей, включая цвет, с использованием художественных маркеров. Добавлено больше деталей, таких как ветер … подробнее
Как сделать
: Рисование контуров граффити для уличного искусства
Рисование граффити — сложная форма искусства, требующая терпения и немного воображения.С помощью правильного набора инструментов или красок вы можете превратить холст в прекрасное произведение искусства. Но прежде чем что-то наносить, вам нужно знать, как нарисовать контур граффити. Это т …подробнее
Новости
: Японские ученые превращают мертвых животных в произведения искусства
В рамках проекта, похожего на гибрид науки и искусства, японские исследователи открыли способ сделать тело мертвого животного полностью прозрачным, чтобы окрасить скелетную систему.Одновременно жутко и красиво. К сожалению, исходный сайт …подробнее
Как сделать
: Нарисуй и раскрась город маркерами
В этом видео мы научимся рисовать и раскрашивать город художественными маркерами. Во-первых, нарисуйте горизонтальную линию в качестве точки отсчета, где будут располагаться городские здания. Сделайте точку посередине в качестве фоновой линии. Теперь начните рисовать здания вокруг средней линии …подробнее
Как сделать
: Нарисуйте и раскрасьте комнату художественными маркерами
В этом уроке мы научимся рисовать и раскрашивать комнату художественными маркерами. Начните с рисования простой комнаты, используя вертикальный вихрь в качестве карты того, куда все идет. Нарисуйте лестницу так, как вы ее видите, затем нарисуйте коридоры, окна, рамы для картин и многое другое. Нарисуй в…подробнее
Как сделать
: Нарисуйте женские головы с Колледжем искусств и дизайна Отис
В этом уроке Кэтрин Хаген учит нас, как рисовать женские головы.Начните с овала и рассеките его по горизонтали и вертикали. Нарисуйте линию роста волос, а также глаза, нос и рот. Вы можете измерить, где все должно пройти, используя линии в качестве ориентира …подробнее
Как сделать
: Нарисуйте мужские головы вместе с Колледжем искусств и дизайна Отис
Это видео начинается с различных примеров мужских голов, показанных под разными углами.Художник начинает с рисования контура глаз и бровей с небольшим определением. Затем создается контур головы, чтобы придать мужской голове ее размер и форму. с помощью правила …подробнее
Как сделать
: Нарисуй Ичиго
Если вас вдохновляет японское искусство манги, посмотрите это видео о том, как рисовать Ичиго.Ичиго — вымышленный персонаж некоторых манга-комиксов. Он главный герой франшизы «Блич». Не волнуйтесь; не нужно быть великим художником, чтобы нарисовать эту картину. Шаг …подробнее
Как
: Нарисуй персонажа манги Кона из Bleach
Пришло время узнать, как весело рисовать и рисовать! Узнайте, как нарисовать персонажа аниме и манги Кона из Bleach.Рисование – это способ творить и самовыражаться, а потому результат всегда прекрасен. Drawingnow.com предлагает вам пошаговые руководства по рисованию на…подробнее
Как сделать
: Нарисуй персонажа манги Yu-Gi-Oh!
Пришло время узнать, как весело рисовать и рисовать! Научитесь рисовать персонажа аниме и манги Yu-Gi-Oh!. Рисование – это способ творить и самовыражаться, а потому результат всегда прекрасен. Drawingnow.com предлагает вам пошаговые руководства по рисованию на многих …Больше
Ни но Куни (Другой мир)
: Из студии Ghibli
Ni no Kuni — великолепная рисованная и анимированная игра, которая выйдет на PS3 и Nintendo DS.История об Оливере, 13-летнем мальчике, потерявшем мать. Желая, чтобы она вернулась, волшебная игрушка говорит ему, что это возможно, и они отправляются в путешествие по парал. ..подробнее
Как сделать
: Нарисуй застенчивого чиби-ангела
В этом «как» видео мы научимся рисовать «чиби» форму ангела.Чиби — это японский термин, означающий «невысокий человек» или «маленький ребенок». Это стало стилем искусства, в котором японские художники аниме и манги пытаются превратить всех своих персонажей в «милых», детских персонажей …подробнее
Как сделать
: Рисуем Конату из манги Lucky Star
Рисование японских школьниц — один из основных элементов искусства в стиле манга. Здесь инструкторы по рисованию в Drawing Now демонстрируют, как рисовать Конату, одного из таких персонажей манги Lucky Star. Вот пошаговая инструкция от художника: 1. Первый набросок коната’ …подробнее
Как сделать
: Рисуем аниме Орочимару из Наруто
Этот персонаж Наруто очень зловещий и злой: Орочимару.В какой-то момент он считался вундеркиндом и был одним из Саннинов Конохагакуре. Саннин — группа из трех учеников Хирузена Сарутоби. Три члена были частью Команды Сарутоби, и они были …подробнее
Новости
: Самые волшебные домики на деревьях в мире
Что за фантазия о домике на дереве? Эскапизм.Иная мирская, птичья возвышенность. Красота и умиротворение. Захолустная простота (хотя в некоторых случаях действительно вычурные произведения изящной архитектуры). Как бы то ни было, я очень хочу иметь собственный домик на дереве в лесу…подробнее
Новости
: Войдите в мир Екатерины
Застрял в отношениях, которые никуда не ведут? Вы просыпаетесь, а девять лет спустя ничего не изменилось? Вам тоже снится овца? Вы знаете, в неэротическом смысле? Что ж, добро пожаловать в «Кэтрин», игру-головоломку о ни к чему не обязывающем и обмене текстовыми сообщениями. История проста. …более
Профиль метки измененных зон
: Ночные люди
Профиль лейбла: Night-People [основатель Night-People Шон Рид, выступающий в Монреале под псевдонимом Wet Hair] Дженн Пелли MP3: Ela Orleans: «I Know» MP3: Cellophane Spill: «Zaj Mak Ta» Если вы действительно хотите получить внутри разума основателя Night-People Шона Рида, начните с его мы…более
Как
: Сделайте цветок-колокольчик из сложенной бумаги с помощью оригами
Хотите добавить образцы в свой бумажный сад? Сделайте бумажный цветок в форме колокольчика с помощью оригами, традиционного японского искусства складывания бумаги. В этом бесплатном видеоуроке по оригами представлены полные инструкции по изготовлению бумажных цветов своими руками из листа сложенной бумаги. Подробнее в …подробнее
Как
: Сделать цветок лотоса оригами из долларовых купюр
Хотите добавить образцы в свой бумажный сад? Сделайте бумажный цветок лотоса из долларовых купюр, используя оригами, традиционное японское искусство складывания бумаги. В этом бесплатном видеоуроке по оригами представлены полные инструкции по изготовлению цветов лотоса из сложенной бумаги своими руками.
Как сделать
: Превратите кран-оригами в гидралиск зергов
Хотите добавить образцы в свой криптозоологический бестиарий? Сделайте гидралиск зергов в стиле Starcraft с помощью оригами — традиционного японского искусства складывания бумаги.В этом бесплатном видеоуроке по оригами представлены полные инструкции по изготовлению гидралиска своими руками с помощью крана, сложенного из бумаги . ..подробнее
Как сделать
: Сделайте прыгающую лягушку из бумаги с помощью оригами
Хотите добавить образцы в свой бумажный зверинец? Сделайте прыгающую лягушку из бумаги с помощью оригами, традиционного японского искусства складывания бумаги.В этом бесплатном видеоуроке оригами представлены полные инструкции по созданию собственной прыгающей амфибии из листа сложенной бумаги. Для большего я … больше
Как сделать
: Оригами лепесток или лист розы
С помощью этого видеоруководства вы узнаете, как сделать педали роз и листья из сложенной бумаги с помощью оригами, традиционного японского искусства складывания бумаги.Чтобы ознакомиться с пошаговым обзором процесса складывания, а также для того, чтобы приступить к изготовлению бумажных листьев и лепестков своими руками, смотрите . ..подробнее
Как сделать
: Делаем бабочку из бумаги оригами
В этом уроке вы узнаете, как использовать древнюю японскую форму искусства оригами, чтобы сделать бабочку.Это довольно простой дизайн, который подходит для начинающих, на его изучение уходит всего несколько минут. Но результаты впечатляют, что делает его элегантным декоративным элементом или небольшим …подробнее
Как сделать
: Сделайте дракона из бумаги оригами
В этом видео мы научимся делать маленького дракона, используя древнее японское искусство оригами. Это довольно сложный проект, рассчитанный на новичков, но если вы уже делали оригами журавликов и другие относительно простые фигуры, это хороший проект, чтобы взять себя в руки …подробнее
Как сделать
: Сделать ракету из бумаги оригами
Этот урок покажет вам, как сделать ракету, используя древнее японское искусство оригами.Это довольно сложный процесс для начинающих, и неплохо было бы проложить себе путь к этому проекту, сначала сделав фигуры оригами, которые включают в себя похожие складки, такие как . ..подробнее
Как сделать
: Оригами машущая птица с анимацией
Узнайте, как сделать классную хлопающую птицу оригами с помощью этой анимации оригами.Следуйте каждому шагу, чтобы изучить каждую складку оригами. Оригами — это японское искусство и приятное времяпрепровождение, поэтому посмотрите это видео оригами, чтобы узнать, как сложить хлопающую птичку! Оригами хлопающая птичка с . ..подробнее
Как сделать
: Оберните рождественские подарки японской тканью фурошики
Как завернуть подарок в фурошики (ткань), чтобы не использовать упаковочную бумагу.В отличие от оберточной бумаги (которая обычно не подлежит переработке), фурошики можно использовать снова и снова. Это экологически чистое рождественское решение, основанное на технике складывания, используемой в японском искусстве . ..подробнее
Как сделать
: Оригами замок в японском стиле
Эти обучающие анимированные слайды научат вас, как легко сложить бумажный замок в японском стиле.Узнайте, как использовать японское искусство оригами, чтобы сделать свой собственный японский замок. Используйте кнопки «Пуск», «Стоп», «Вперед» и «Назад», чтобы легко следовать инструкциям. Вы также можете ускорить инстр . ..подробнее
Как сделать
: Сложите бумажного журавлика в японском стиле с помощью оригами
В Японии принято говорить, что если сложить 1000 бумажных журавликов-оригами, желание человека исполнится.Лучше приступайте к работе. Сделайте журавлика-оригами в классическом японском стиле с помощью оригами, традиционного японского искусства складывания бумаги. В этом бесплатном видео уроке оригами представлены полные . ..подробнее
Как сделать
: Изготовление японской гейши оригами для начинающих
Учитывая, что гейши известны во всем мире тем, что носят сложные шелковые костюмы кимоно, еще более сложные головные уборы и прически, а также еще более сложный макияж лица и тела, может не иметь особого смысла, что сделать версию оригами может быть легко.Но на самом деле, когда …подробнее
Как сделать
: Делаем бабочку оригами
Хотите добавить образцы в свой бумажный зверинец? Сделайте бабочку с помощью оригами, традиционного японского искусства складывания бумаги. В этом бесплатном видеоуроке по оригами представлены полные инструкции по изготовлению бабочек своими руками из листа сложенной бумаги. Они отлично подходят для постукивания …Подробнее
Как сделать
: Оригами паровозик в японском стиле
Складываем поезд оригами.Origami Club на английском языке — это бесплатный информационный сайт об оригами с анимацией оригами и схемами оригами. Схемы для каждой работы оригами можно распечатать на бумаге формата B5 и A4. Эти обучающие анимированные слайды научат вас, как легко сложить японский поезд…подробнее
Как сделать
: Оригами ракета в японском стиле
Складываем ракету оригами.Origami Club на английском языке — это бесплатный информационный сайт об оригами с анимацией оригами и схемами оригами. Схемы для каждой работы оригами можно распечатать на бумаге формата B5 и A4. Эти обучающие анимированные слайды научат вас, как легко сложить ракету Джапа …подробнее
Как сделать
: Оригами желудь в японском стиле
Складываем желудь оригами.Origami Club на английском языке — это бесплатный информационный сайт об оригами с анимацией оригами и схемами оригами. Схемы для каждой работы оригами можно распечатать на бумаге формата B5 и A4. Эти обучающие анимированные слайды научат вас, как легко сложить желудь Япония . ..подробнее
Как сделать
: Оригами каштан в японском стиле
Складываем каштан оригами.Origami Club на английском языке — это бесплатный информационный сайт об оригами с анимацией оригами и схемами оригами. Схемы для каждой работы оригами можно распечатать на бумаге формата B5 и A4. Эти обучающие анимированные слайды научат вас, как легко складывать каштан …подробнее
Как сделать
: Морская выдра оригами в японском стиле
Складываем морскую выдру оригами. Origami Club на английском языке — это бесплатный информационный сайт об оригами с анимацией оригами и схемами оригами. Схемы для каждой работы оригами можно распечатать на бумаге формата B5 и A4. Эти обучающие анимированные слайды научат вас, как легко сложить морскую лодку …подробнее
Как сделать
: Оригами птичка в японском стиле
Складываем птицу оригами.Origami Club на английском языке — это бесплатный информационный сайт об оригами с анимацией оригами и схемами оригами. Схемы для каждой работы оригами можно распечатать на бумаге формата B5 и A4. Эти обучающие анимированные слайды научат вас, как легко сложить птичку по-японски…подробнее
Японское искусство фашистского модернизма: Ясуда Юкихико «Прибытие Ёсицунэ/Лагерь в Кисегаву (1940-41)»
Введение
В 2011 году японское правительство объявило лагерь Ясуды Юкихико в Кисегава ( Kisegawa no jin , 1940-41) важным культурным достоянием ( Jūyō bunkazai ) (рис.1). Левая половина картины, на которой изображен Минамото Ёсицунэ (1159–1189), знаменитый воин периода Камакура (1185–1333), первоначально была изготовлена и выставлена в 1940 году как «Прибытие Ёсицунэ» (Yoshitsune sanchaku) . Правая половина, на которой изображен старший брат Ёсицунэ Ёритомо (1147-1199), была добавлена позже, и художник тогда назвал завершенную работу Лагерь в Кисегаве (Кисегава-но дзин) . Готовая картина, выполненная тушью на двух бумажных ширмах, изображает долгожданное воссоединение двух мужчин перед их битвой против соперничающего клана Хайке.Учитывая, что в список важных культурных ценностей входят глиняные скульптуры догу периода неолита Дзёмон и скульптуры нио в храме Хорюдзи в Наре, это обозначение сделало картину Ясуды каноническим произведением японского искусства. Однако это преуменьшает тот факт, что произведение было создано во время Второй мировой войны и выполняло политическую функцию.
Рис. 1. Ясуда Юкихико, Прибытие Ёсицунэ (левая панель, Ёсицунэ санчаку) / Лагерь Кисегава (панели вместе, Кисегава-но дзин), 1941-42, тушь и цвет на бумаге, 166.8 см. х 370,8 см. (каждая панель). Национальный музей современного искусства, Токио.
Начиная с периода Мэйдзи (1868-1912), который стал свидетелем интенсивной модернизации и вестернизации проектов Просвещения и Цивилизации ( Bunmei kaika ), существовало две широкие категории японской живописи: картины в японском стиле ( нихонга ), выполненные тушью/цветом на бумаге/шелке, а также картины в западном стиле ( yōga ), созданные маслом на холсте. Картины в японском стиле чаще всего считались поддерживающими традицию, в то время как картины в западном стиле были связаны с современностью.Тем не менее, во время Второй мировой войны многие художники западного стиля были отправлены на фронт для изображения сражений и политических событий из-за предполагаемой способности среды к реализму. Художник западного стиля Миямото Сабуро, например, изобразил встречу между японскими и британскими генералами по случаю японской оккупации Сингапура в своем Встреча генерала Ямаситы и генерала Персиваля ( Yamashita pāshibaru ryōshireikan kaikenzu , 1942).Картина передает победу Японии над Великобританией через контрастные жесты генералов: японский генерал Ямасита сидит в центре картины во внушительной позе, а трое британских чиновников на переднем плане смотрят друг на друга, не в силах противостоять Ямасите. Поскольку, с другой стороны, было общепризнано, что живопись в японском стиле не способствует реализму, немногие художники в японском стиле изображали современных солдат или сражения; вместо этого в годы войны они продолжали брать в качестве предмета традиционную иконографию, такую как религиозные и исторические деятели, сцены природы и красивые женщины.
После окончания войны в статусе этих двух разных стилей военной живописи наметилось ироническое несоответствие. Когда союзные войска высадились в Японии и начали оккупацию в 1945 году, американцы сочли 153 картины пропагандистскими и идеологически опасными, конфисковали их в 1950-х годах и вернули лишь в 1970 году в «бессрочную аренду» Национальному музею современного искусства в Токио. ^{Примечательно, что почти все конфискованные картины, в том числе Миямото «Встреча генерала Ямаситы» и «Генерал Персиваль », были картинами в западном стиле.Общепризнано политическое назначение конфискованных картин: сегодня, когда в музее экспонируются картины в западном стиле военного времени (все еще официально «одолженные» у американского правительства), они не могут не затронуть вопрос о причастности художников к войны, критической или нет. ^{Напротив, картина Ясуды в японском стиле, на которой не изображено настоящее сражение и которая не была конфискована после войны, может бесспорно выставляться в том же национальном музее как произведение, созданное только во время войны, и может даже быть обозначенным правительством как важное культурное достояние.}}
Науки об искусстве военного времени отразили это разрозненное отношение. До начала 1990-х годов искусство военного времени было вычеркнуто из истории современного японского искусства и считалось табу в присутствии императора Хирохито, во имя которого велась война. Однако после смерти императора в 1989 году несколько искусствоведов исследовали японское военное искусство; в настоящее время существует ряд монографий и каталогов выставок по этой теме на японском языке, написанных такими ведущими учеными, как Тан’о Ясунори и Кавата Акихиса, а новаторское эссе Берта Винтера-Тамаки 1997 года «Воплощение/развоплощение: японская живопись во время Пятнадцатилетней войны », — представил тему англоязычной аудитории.Однако основное внимание уделялось картинам в западном стиле, в то время как картины в японском стиле военных лет были относительно малоизучены.
Рис. 2. Кобаяси Кокей, Акаланата (Фудо мёо), 1940 г., цветная тушь на бумаге, 186,5 см. х 125,8 см. Университетский художественный музей, Токийский национальный университет изящных искусств и музыки.
Картина Ясуды «Прибытие Ёсицунэ/Лагерь в Кисегава », которую эта статья рассматривает в качестве примера, была одной из самых знаменитых картин в японском стиле, созданных во время Второй мировой войны, а также во многих отношениях типичной.Хотя некоторые художники японского стиля, такие как Домото Инсё (1891-1975) и Кавабата Рюси (1885-1966), рисовали современные сражения и солдат, большинство из них сосредоточились на исторических личностях, религиозных иконах или природных ландшафтах, которые были связаны с национальной идентичностью Японии. Кобаяси Кокей (1883–1957), например, нарисовал Ачаланатха (Фудо мёо, разъяренное буддийское божество), которое было представлено на той же выставке, на которой была представлена картина Ясуды «Прибытие Ёсицунэ », художественная выставка 1940 года, посвященная 2600-летие японской императорской эры (рис. 2). В 1944 году Уэмура Сёэн (1875–1949), художница, добившаяся выдающихся успехов во время войны, написала портрет жены Кусуноки Масасигэ, воина тринадцатого века, известного как имперский лоялист; картина Госпожа Кусуноки (Нанко фуджин) была поднесена в дар храму Минатогава в Кобе, посвященному духам солдат, посвятивших свою жизнь нации (рис. 3).
Рис. 3. Уэмура Сёэн, Леди Кусуноки (Нанко фуджин), 1944, тушь и цвет на бумаге.
Картины в японском стиле военного времени, другими словами, как правило, имеют общий сюжет и изобразительный стиль, все они характеризуются большим количеством негативного пространства, акцентом на рисовании линий, геометрически организованной жесткой композицией и аурическим застоем. Но какое отношение эти картины имеют к войне? Сосредоточение внимания на картине Ясуды Юкихико «. Прибытие Ёсицунэ/Лагерь в Кисегава » позволит нам понять более широкий дискурс живописи в японском стиле, созданной во время Второй мировой войны.Я утверждаю, что картина Ясуды, созданная под пристальным вниманием государства, тесно связана с государственной идеологией Японии военного времени. Во время войны государство продвигало движение «возвращения в Японию» (Нихон кайки) такими официальными документами, как Кокутай но хонги ( Основные принципы национального образования Японии ), которые определяли и призывали к воссоздание «японских вещей». Документ, разъясняющий философское понимание Японии как страны, то есть того, что японские подданные и император органически связаны, получил теоретическую поддержку со стороны философов и культурных критиков, которые также призывали к восстановлению существовавшей «аутентичной» японской культуры. до модернизации.Картина Ясуды, имитирующая картины периода Камакура, изображающая средневековых воинов и представленная на выставке, посвященной императорской семье Японии, внесла значительный вклад в этот политизированный культурный дискурс.
Однако важно помнить, что хотя государство отвергло модернизацию, имевшую место с середины девятнадцатого века, оно парадоксальным образом использовало продукты современности, такие как радио, газеты и журналы, для расширения своего контроля и мобилизации граждан на национального масштаба. Точно так же, как я раскрываю в этой статье, живопись Ясуды, которая явно была смоделирована по конкретным образцам досовременного японского искусства, также была стилистически вдохновлена модернистской эстетикой — в частности, постэкспрессионистской машинной эстетикой, — которая преобладала в предыдущие десятилетия. . Я полагаю, что это одновременное неприятие и принятие современности, которое мы наблюдаем в государственной идеологии военного времени, а также в изобразительном искусстве, лучше всего можно понять, обратившись к недавним исследованиям фашизма.
Ученые, появившиеся после холодной войны, во главе с британским историком Роджером Гриффином, понимают фашизм как «реакционный модернизм», то есть как реакцию на процесс модернизации, который парадоксальным образом использует современность (продукт модернизации).^{Такие исследования заставляют нас поставить под сомнение «утешительное уравнение между современностью и гуманизмом, современностью и цивилизацией, современностью и прогрессом, современностью и благом», говоря словами Гриффина. ^{Что еще более важно, они позволяют нам концептуализировать фашизм в глобальном масштабе: если модернизация является глобальным движением, то фашизм также может возникать за пределами Италии или даже за пределами Европы. Таким образом, японские специалисты недавно попытались понять Японию военного времени через призму фашизма, поместив Японию в глобальную политику 1930-х и начала 1940-х годов, а не рассматривая Азиатско-Тихоокеанский регион и Европу, два основных поля сражений Второй мировой войны. как изолированные.Однако ни один историк искусства не исследовал систематически японские картины военного времени в связи с фашизмом. ^{В этой статье, помещая свое исследование в рамки этого теоретического диалога, я покажу, что лагерь Ясуды в Кисегава отражает колебания японского государства военного времени между традицией и современностью, и утверждаю, что фашизм является полезной основой для выявления связи между государственной политикой военного времени и «умиротворяющие» картины в японском стиле. Такие картины, особенно работы Ясуды, перекликаются с фашистской идеологией, отображая антисовременные японские традиционные ценности, но в современной форме.}}}
Япония военного времени и государственная идеология
Kokutai no hongi ( Основополагающие принципы национального образования Японии ) был наиболее важным государственным выражением идеологической позиции Японии во время войны. Миллионы экземпляров этого документа, изданного Министерством просвещения в 1937 году, были разосланы по школам страны и заучивались школьниками. Кардинальные принципы начинаются с пропаганды тенденции «возвращения в Японию»; утверждается, что со времен Мэйдзи Япония привнесла слишком много западных идей и материалов.В документе разъясняется абсолютный принцип Японии, который следует помнить и которому следует следовать: кокутай , священная связь между Императором, потомком богини солнца Аматэрасу, и его народом. Он гласит:
.
Непрерывный род Императоров, получивший Оракула Основателя Нации, вечно правит Японской Империей. Это наша вечная и неизменная национальная сущность. Таким образом, основанные на этом великом принципе, все люди, объединенные сердцем в одну великую семейную нацию и повинующиеся Императорской Воле, действительно укрепляют прекрасные добродетели верности и сыновней почтительности.Это слава нашего национального образования. Это национальное образование является вечной и неизменной основой нашей нации и ярко сияет на протяжении всей нашей истории. Более того, его солидарность пропорциональна росту нации и вместе с небом и землей бесконечна.
Единственный способ для японцев решить свои современные экономические, социальные и политические проблемы, заявляет документ, — это вспомнить и вернуться к образу жизни, существовавшему до того, как Япония открылась миру в середине девятнадцатого века.
Движение «Возвращение в Японию» ( Nihon kaiki ), наиболее четко сформулированное государством в Кардинальных принципах, , стремилось определить и воссоздать японскость, противоположную «Западу» и «современности». Ведущие деятели различных дисциплин — философии, литературы, изобразительного искусства, декоративно-прикладного искусства, архитектуры и кинематографа — задались вопросом, что именно отличало Японию и ее жителей. ^{Ключом к этому движению стал печально известный симпозиум «Преодоление современности» ( kindai no chōkoku ), который состоялся в 1942 году в начале войны на Тихом океане и на котором присутствовали члены Киотской школы философии, Литературного общества и Японская романтическая группа определила современность как проблему Японии.^{Вторя Кардинальным принципам, участники утверждали, что модернизация Японии, начавшаяся в период Мэйдзи (1868-1912) и завершившаяся в период Тайсё (1912-1926), привнесла в японское общество проблемные мысли и образ жизни: индивидуализм, либерализм , и потребительство, которые были встроены в западную традицию Просвещения и капитализм. Благодаря развитию вдохновленной Западом коммерческой промышленности и товарной культуры — кафе, баров, универмагов, кинотеатров, одежды, жилья и еды в западном стиле — люди теперь преследовали свои личные интересы и желания в ущерб традиционным ценностям. ^{Модернизация, по единодушному мнению участников семинара, разрушила духовную связь Японии с богами, а также чувство тайны и чуда в повседневной жизни. Развитие современных технологий и новых средств коммуникации привело к бесконечному ряду частичных репрезентаций; специализация знания, рационализация и разделение труда породили новый, поверхностный способ познания, чувства и жизни, которые, следовательно, разрушили непосредственность опыта и всякое чувство тотальности.Для участников симпозиума борьба Японии против современности была не просто локальным делом: она рассматривалась как часть глобального конфликта и, таким образом, представляла собой «всемирно-историческую миссию» (Harootunian, , преодоленная современностью , 34). Важность этого симпозиума заключается в том, что участники связывали понятие «возвращение в Японию» с насилием и военной агрессией страны: война понималась как возможность «избавить [Японию] от «болезни» вестернизации». для того, чтобы «восстановить . . . «подлинная» японская культура» (35).}}}
Несмотря на то, что государство и ведущие деятели культуры и интеллигенции призывали к воссозданию «японского», они также извлекали выгоду из современности: средств массовой информации, современной социально-экономической инфраструктуры гражданских сообществ и промышленных технологий. Например, антимодернистская идея «возвращения в Японию», воплощенная в Кардинальных принципах и дискуссия «Преодоление современности», распространялась через современных средств массовой информации, таких как газеты, журналы и брошюры, которые в основном продукт второй промышленной революции в период Тайсё (1912-1926 гг.), который достиг как людей, живущих в городских городах, таких как Токио, так и жителей отдаленных сельских районов.Таким образом, содержание информации могло быть о досовременной, традиционной, «аутентичной» культуре Японии, но форма , в которой распространялось сообщение, полностью зависела от развития современных средств массовой информации.
Японское государство в 1930-х и начале 1940-х годов также зависело от современных , централизованных учебных заведений и социально-экономической инфраструктуры, которые стали необходимыми для массовой мобилизации во время войны. Как пишет историк Эндрю Гордон, в конце 1930-х и начале 1940-х годов японские граждане оказались «связаны с государством и императором через обширную и расширяющуюся сеть функциональных органов, навязанных им государством: молодежные группы, женские группы, деревенские и ассоциации соседей, ассоциации рабочих мест Санпо и союзы сельскохозяйственных и промышленных производителей.^{И, конечно же, японские солдаты сражались с помощью пушек, ручных гранатометов, танков, кораблей и самолетов — продуктов современных промышленных технологий. ^{Реальность современной войны явно противоречила антимодернистской риторике «возвращения в Японию».}}
Японский фашизм
То, как именно описать Японию военного времени, было предметом жарких споров. Некоторые ученые используют термин «ультранационализм», чтобы подчеркнуть интенсивность фанатизма, публично поддерживаемого большинством японцев в то время.^{Многие другие предпочитают «милитаризм», указывая на тот факт, что государство было «захвачено» группой военных чиновников, которые игнорировали голоса гражданского правительства, начиная с Маньчжурского инцидента в 1931 году. ^{Я не отрицаю полезность этих условия. Скорее я предполагаю, что Япония во время войны проявила очень специфическую форму ультранационализма и милитаризма: фашизм.}}
Фактически, политологи, историки и культурные критики как в Японии, так и за ее пределами обсуждают «японский фашизм» с 1930-х годов.До того, как в середине 1930-х годов государственная цензура публикаций стала строгой, большое количество японских левых интеллектуалов, таких как Хасэгава Нёдзекан (1875–1969), критиковали правительство за то, что в нем доминируют поклоняющиеся императору правые политики, которых он называл фашистскими. ^{Первой англоязычной публикацией японского ученого о японском фашизме был перевод Ивана Морриса 1969 года книги Маруямы Масао 1947 года «Идеология японского фашизма», в которой указывалось на идеологическое сходство между Японией военного времени, фашистской Италией и нацистской Германией, такое как коллективизм. и спиритизм.^{Книга Уильяма Майлза Флетчера 1982 года « В поисках нового порядка: интеллектуалы и фашизм в довоенной Японии » также убедительно раскрывает обширное влияние немецкого и итальянского мышления на японских интеллектуалов и политиков, которые стали ключевыми фигурами в конце 1930-х и начале 1940-х годов. ^{Однако эти ранние исследования японского фашизма, как правило, опирались на европейских марксистов, которые определяли фашизм с точки зрения его государственной структуры, экономической политики и «культурного варварства», которые считались несовместимыми с современными чувствами. В этом контексте идея «японского фашизма» часто отвергается европоцентристскими учеными, которые считают фашистскую Италию бесспорным «происхождением» фашизма и утверждают, что Япония военного времени не выполнила «контрольный список», чтобы квалифицироваться как фашистская: Япония военного времени Россия, например, не имела резко очерченной точки перехода к фашизму или массовой партии фашистского толка.}}}
Напротив, подход Гриффина и других, который я использую для целей данного исследования, фокусируется на противоречивых отношениях фашизма с современностью; то есть фашизм одновременно противостоит современности и использует ее.С одной стороны, «фашистская идеология по своей природе противостоит всем тем аспектам современности, которые связаны с упадком; а именно, культурный плюрализм, либерализм и материализм» (Griffin, «Modernity Under the New Order», 36). С другой стороны, противостояние фашизма аспектам современности «не мешает фашистам испытывать глубокое благоговение перед преобразующей силой технологии, очищенной от этих аспектов» («Modernity Under the New Order», 36). Концептуальные и технологические рамки фашизма были по существу современными: например, их видение национальной культуры обязательно было связано с современным «изобретением» традиции, а их концепция расово определяемого тела основывалась на современной научной практике таксономии человека.Их цель тотального контроля была возможна только с использованием современных средств массовой информации, а их средством реализации этой национальной общности были современные технологии, такие как танки и самолеты. Как рассказывает Джеффри Херф, продвигая идею Volk («людей») и скотоводства, нацисты явно инвестировали в развитие быстрых автомобилей, автобанов, самолетов, радио и других современных технологий ( Реакционный модернизм , 2) .
Как утверждают историк Гарри Харотунян и другие, Япония военного времени одновременно отвергала современность, полагалась на нее и активно развивала ее, и поэтому ее можно понимать как фашистскую нацию.Утверждает Харотунян: «Фашизм в Японии и других местах появился под маской того, что можно было бы назвать гемейншафт-капитализмом и требованиями социального порядка, свободного от неопределенностей и неопределенности отчужденного гражданского общества, где увековеченный и неизменный культурный или общественный порядок был поставлен на службу капиталистическому способу производства для установления «капитализма без капитализма»» (, преодоленное современностью, ххх). Алан Тансман отмечает, что «[в] Японии, как и в Европе, фашизм возник как реакционный модернистский ответ на угрозы социального и политического разделения, созданные экономическим и социальным кризисом после Первой мировой войны.Социальные, экономические и культурные условия, породившие европейский фашизм, были общими для Японии» (3).
Государство военного времени, мобилизация и цензура
Учитывая поразительную степень государственного контроля над производством произведений искусства во время войны, разумно предположить, что искусство военного времени отражало, распространяло или усиливало фашистскую идеологию. Япония военного времени была тоталитарным государством, в котором правительство мобилизовало все человеческие и материальные ресурсы и обладало беспрецедентной степенью контроля над каждым гражданином.Становление тоталитарного государства происходило постепенно: оно началось с Маньчжурского инцидента 1931 г., когда гражданское правительство утратило контроль над японской армией; ускорился с началом Второй китайско-японской войны в 1937 г. и завершился к 1940 г., когда Коноэ Фумимаро (1891-1945) провозгласил Новый порядок, создав однопартийную политику.
Репрессии против коммунистов и пролетарских активистов в начале 1930-х годов сделали политическое сопротивление государству в конце 1930-х и начале 1940-х годов практически невозможным.Сотни левых были арестованы, и большинство из них подверглись «политической конверсии» (тэнко) и отказались от своих прежних политических позиций. ^{Гордон выделяет 1935 год как поворотный момент: в этом году правительство приняло Движение за очищение выборов ( Senkyo shukusei undō ), чтобы контролировать функцию массовой политики и трансформировать политическую роль императора. Он пишет: «Государство возьмет на себя роль политического мобилизатора, а не посредника различных групп в обществе; он не брался бы «представлять» имперскую и народную волю, как того добивались партии, а мобилизовывал и направлял волю народа на службу императору, чью волю определяло государство» ( Labor and Imperial Democracy, 320). ).Впоследствии государство ввело жесткую цензуру в отношении средств массовой информации и контролировало информацию, доступную гражданам.}
Гражданское общество страны, которое в значительной степени сформировалось в предшествующий период Тайсё, стало ограниченным после начала войны Японии с Китаем в 1937 году и в конечном итоге было полностью ликвидировано. В 1937 году государство запустило Движение национальной духовной мобилизации ( kokumin seishin sōdōin undō ), в рамках которого националистические организации сплотили нацию, выступая за войну.В 1938 г. был принят Закон о национальной мобилизации, обосновывавший государственный контроль над промышленностью и гражданскими организациями. В 1940 году премьер-министр Коноэ в своей кампании «Новый порядок» объявил о создании «Ассоциации содействия имперскому правлению» ( Taisei yokusankai ), которая создала тоталитарную однопартийную организацию, чтобы максимизировать эффективность нации в ее борьбе против Китай. В том же году было образовано тонаригуми (соседских товариществ), каждое из которых состояло из нескольких дворов и функционировало как местная система надзора.^{Тем временем государство усилило надзор за гражданами, особенно за марксистами и пацифистами, а Закон о сохранении мира ( Chian iji hō ) разрешил kempeitai , военной полиции, применять физическую силу для подавления противников войны. .}
Эти общественно-политические события повлияли, ограничили и подвергли цензуре содержание художественной продукции. ^{Муяма Томоёси (1902-1977), лидер легендарной авангардной группы MAVO, арестовывался дважды, в 1930 и 1933 годах.Художник Цуда Сэйфу (1880–1978), изобразивший пытки и смерть известного писателя-коммуниста Кобаяси Такидзи (1903–1933) в тюрьме, был арестован в 1933 году.}
В то же время проводилась конкретная реформа, коснувшаяся художественных выставок. В 1935 году министр образования Мацуда Гэндзи (1875–1936) инициировал важную реформу художественной выставки. Он стремился оживить спонсируемую государством художественную выставку Императорской академии изящных искусств ( teikoku bijutsu tenrankai , или Teiten), объединив художников из различных частных организаций.^{Он стремился исключить из выставки все признаки гедонизма и чрезмерного либерализма, характерные для многих произведений искусства предшествующего периода Тайсё. ^{Эта реформа явилась поворотным моментом в государственной консолидации художественных сообществ и подготовила почву для системы официального военного художественного производства последующих лет. ^{Это также имело большое значение для Японского художественного института, к которому принадлежал Ясуда, поскольку его художники начали устанавливать прочные связи с официальными правительственными организациями.Примерно в 1937 году художники начали использовать слоган saikan hōkoku («Служить нации через искусство») и начали жертвовать доходы от выставок армии; в 1938 году художники западного стиля начали отправляться на поле боя с армией, чтобы изобразить войну.}}}
С появлением Нового Ордена Коноэ в 1940 году многие художественные критики и художники заявили, что Японии необходимо установить новую систему, в которой государство контролировало бы художественную продукцию страны, следуя примеру нацистской Германии. ^{Многочисленные патриотические ассоциации ( hōkokukai ) впоследствии были основаны с конкретной целью поддержки государства, и почти каждый в своей области стал членом таких организаций.В области искусства были, среди прочего, Патриотическая ассоциация художников японского стиля ( Nihon gaka hōkokukai ) и Патриотическая ассоциация японских художников ( Nihon bijutsu hōkokukai ), основанные в 1941 и 1943 годах соответственно. . Художественные материалы можно было получить только через эти санкционированные государством организации, и те, кто не подчинялся властям, не имели к ним доступа. Чтобы ввести цензуру и контроль над художественными сообществами, государство также консолидировало художественные журналы, сократив их количество до восьми в 1942 году и всего до двух в 1944 году.Сюрреализм, в частности, считался властями идеологически опасным, и художник-сюрреалист Фукудзава Ичиро (1898–1992) и искусствовед Такигути Сюдзо (1903–1979) были ненадолго заключены в тюрьму в 1941 году.}
Лагерь Кисегава и японская традиция
Ясуда Юкихико, художник Прибытие Ёсицунэ / Лагерь в Кисегава , с другой стороны, во время войны проявлял заметную активность как художник: помимо того, что регулярно представлял картины на различные выставки, он продавал картины как минимум четыре раза по адресу kennōga-ten (предложение выставок живописи), доходы от которых были переданы в дар государству для поддержки военных действий.^{Kennōga-ten служил альтернативной площадкой для художников японского стиля, которые не создавали современные батальные картины, чтобы выразить свой патриотизм во время войны. В 1940 году Ясуда представил Прибытие Ёсицунэ на выставку, посвященную 2600 ^й годовщине японского императорского правления, а затем по заказу ВМФ изготовил портрет Ямамото Исороку (1884-1943), начальника Объединенный флот, который будет убит американскими войсками всего три года спустя.Вклад Ясуды во время войны был прямо признан государством; в 1944 г. он был приглашен на работу профессором Токийской школы изящных искусств, а в 1947 г. получил от императора Орден культуры за вклад в японское искусство.}
Прибытие Ёсицунэ (1940), левая половина двухэкранной картины Ясуды, изображает полностью вооруженного Ёсицунэ, стоящего на коленях на земле на простом неокрашенном фоне. ^{Минамото Ёсицунэ был известен как младший брат Минамото Ёритомо, первого сёгуна или военного правителя в истории Японии, который установил правительство Камакура в 1192 году.Ёсицунэ, как он известен, был опытным фехтовальщиком и был верен своему старшему брату, но позже был предан и вынужден совершить сэппуку (самопотрошение) своим братом, который считал его угрозой. Жизнь Ёсицунэ была беллетризована и популяризирована в «Гикейки » («Хроника Ёсицунэ»), японском военном рассказе, написанном примерно в четырнадцатом веке. Хроника, повествующая о детстве Ёсицунэ, его легендарных военных способностях и его трагическом конце, вдохновила на создание многочисленных пьес и литературных произведений в более поздние периоды. Прибытие Ёсицунэ было соединено с правой половиной картины годом позже, в 1941 году. На правой панели изображен Ёритомо с красивым белым лицом, шляпой эбоши и бородой, сидящим на татами, и двумя панели вместе изображают встречу между двумя братьями, которая произошла в Кисегаве, когда Ёритомо вел битву против клана Тайра. Братья в конечном итоге победили Тайра в битве при Дан-но-ура в войне Генпей в 1185 году, что привело к тому, что Ёритомо установил свое правительство.Завершенная работа получила название « Лагерь в Кисегава » и в 1941 году была представлена на 28-й выставке ^-го Японского художественного института.}
«Прибытие Ёсицунэ » получило особенно положительные отзывы критиков, поскольку считалось, что оно поддерживает «дух японской расы» ( minzoku no seishin ). ^{В 1942 году Ясуда получил премию Asahi Culture Award ( Asahi bunka shō ) от газетной компании Asahi за эту работу, что свидетельствует о положительном восприятии работы даже теми, кто не связан с миром искусства ( Yasuda yukihiko ten, 157 ).Об успехе этой картины можно судить по тому факту, что левая панель была снабжена заголовком «синдо дзиссен» («осознание пути субъекта») и воспроизведена и распространена Ассоциацией содействия имперскому правлению; плакаты должны были быть выставлены в местных школах и офисах. ^{Воспользовавшись этим успехом, Ясуда создал как минимум еще две работы о братьях Минамото: одну, изображающую их обоих, в 1943 году (сейчас находится в частной коллекции), и другую, изображающую Ёсицунэ в одиночестве, в 1942 году, которая сейчас хранится в Мемориальном музее Мицуи. ( Ясуда юкихико тен , 66-67).}}
Рис. 4 . Портрет Ёритомо (Kenboku chakushoku den Minamoto no Yoritomo zō), 1179, цвет на шелке, 143,0 см. х 112,8 см. Джингодзи, Киото.
Картины в японском стиле военного времени, такие как Лагерь в Кисегава , отражают врожденный парадокс фашизма, который одержим традициями, но чьи средства основаны на современности. С одной стороны, картина Ясуды опиралась на досовременное японское искусство, прославлялась как образец традиционных японских добродетелей верности и была представлена на выставке, посвященной мифу о японской императорской семье.С другой стороны, картина обязана модернистской эстетике, привнесенной в Японию в начале двадцатого века из Европы и США. Не может быть никаких сомнений в том, что Лагерь в Кисегава стилистически намекает на досовременное японское искусство, в частности, на свиток с картинками Иллюстрированный отчет о монгольском вторжении ( Моко Сюрай Экотоба ) и свиток Портрет Ёритомо ( Den Minamoto no Yoritomo zō ), оба произведены в период Камакура (1185-1333) (рис.4 и 5). Обе работы являются примерами произведений yamato-e (японские изображения), появившихся в период Хэйан (794-1185): изображать японские сюжеты и пейзажи, выполненные в стилизованной манере, представляя определенные изобразительные условности, такие как сокращенные черты лица, большие полосы облаков и перспектива с высоты птичьего полета.
Рис. 5. Иллюстрированный отчет о монгольском нашествии (моко сюрай экотоба), 13 век.Музей императорских коллекций.
Ясуда сослался бы на портрет Ёритомо из , чтобы передать позу и черты лица воина. Как и в случае с портретом, Ёритомо на картине Ясуды расположен лицом к зрителю на простом фоне. Замечательное использование негативного пространства, которое почти доминирует над полем зрения как в картине Ясуды, так и в «Портрет Ёритомо », делает их живописные пространства мелкими. На портрете XII века черный цвет одежды нанесен равномерно, без указания света или тени, что подчеркивает угловатую форму одежды.Кроме того, Ясуда, кажется, позаимствовал композицию картины из конкретной сцены из свитка «Монгольское вторжение », в котором изображена история Такэдзаки Суэнаги (1246–?), который вел японские войска против монголов, когда они напали на Японию в 1274 и 1281. Сцена — самый последний эпизод, в котором Такэдзаки, сидящий в произведении слева, преподносит головы монгольских врагов Адачи Моримунэ (1231-1285), самураю, сидящему справа. Группа стрел рядом с Адачи очень похожа на стрелы Ёсицунэ на картине Ясуды; окраска свитка (оранжевый и зеленый) также повлияла на работу Ясуды, в которой он заменил Адачи на Ёритомо, а Такэдзаки на Ёсицунэ.В дополнение к стилю yamato-e Ясуда использует традиционную японскую технику: он выполнен в формате складной ширмы, называемой byōbu , которая была импортирована из Китая и стала устоявшейся формой искусства в средневековой Японии.
Среди тех искусствоведов, которые активно хвалили творчество Ясуды, был Окадзаки Ёсиэ (1892–1982), выдающийся писатель и ученый-нативист. В своей статье «Современная живопись в японском стиле и ее национальные особенности», опубликованной в Kokuga в 1942 году, Окадзаки назвал «Лагерь Ясуды в Кисегава » образцовым произведением искусства, особенно «японским».Его обсуждение в основном зависит от использования художниками линии ( sen ), двухмерности ( heimen ) и возникающего в результате настроения или эстетики. Он объясняет, как в картине Ясуды используются четкие линии, которые он назвал «коппо» (буквально «метод кости»), которые создают двухмерные и плоские живописные пространства. По словам Окадзаки, четкие линии и плоские пространства характерны для традиционного японского искусства и являются тем, что делает японское искусство, которое он описывает как первобытное, духовное и принципиально отличное от «материалистического» и «научного» западного искусства иллюзионизма.^{Японское использование линии, по его мнению, обязано азиатской художественной традиции, но он утверждает, что японские линии уникальны, потому что, в отличие от жестких китайских линий и слабых индийских, они довольно гибкие. Связывая качество линий со специфической японской эстетикой, он утверждает, что японские линии вызывают ощущение изменчивого и тонкого чувства ваби-саби (незавершенность, непостоянство), осознающего (пафоса вещей), ики ( шик) и юген (грациозность и утонченность).}
Рис. 6. Ясуда Юкихико, г. Разлука в Ёсино (Ёсино кэцубэцу), 1899 г., тушь и цвет на бумаге. Город Идзу.
Сюжет картины, Ёсицунэ, пришедший на помощь Ёритомо, также имеет особое значение. Важно отметить, что братья Минамото были больше известны своими ссорами, чем сотрудничеством. Ёсицунэ был любимым сюжетом Ясуды, и художник создал как минимум две его картины в начале своей карьеры в период Мэйдзи: «Расставание в Ёсино» ( Ёсино кэцубэцу , 1899) и «Прощание Сидзуки Годзэн» ( Шизука кэцубэцу). нет zuka , 1907).Примечательно, что оба изображают опустошенного Ёсицунэ сразу после его предательства Ёритомо (рис. 6). Однако для «Прибытие Ёсицунэ/Лагерь в Кисегава » художник нарисовал встречу братьев, сравнительно незначительное событие, которое редко изображалось в искусстве или литературе: Лагерь в Кисегаве может быть даже первым визуальным представлением встреча в истории японского искусства. ^{Я бы сказал, что решение художника изобразить именно эту сцену отражало его намерение привести картину в соответствие с государственной идеологией военного времени.}
Ёсицунэ на картине Ясуды 1940-41 годов иллюстрирует традиционные японские добродетели, прославляемые во время войны, особенно конфуцианство, которое зародилось в Китае, но было натурализовано в Японии. ^{В конфуцианстве существует разница в социальном статусе между правителем и подданным, мужчиной и женщиной, родителем и ребенком, старшим и младшим братом. Конфуцианский идеал иерархии и лояльности четко защищался вышеупомянутым Кардинальными принципами национального образования Японии , который гласит:}
В каждом сообществе есть те, кто занимает верхние места, а есть те, кто работает ниже их.Благодаря тому, что каждый выполняет свою долю, достигается гармония сообщества. Исполнить свою часть — значит выполнить поставленную задачу с предельной добросовестностью каждый в своей сфере… Это относится и к обществу, и к государству. Для достижения национальной гармонии нет иного пути, кроме как для каждого человека в стране, который должен выполнять свой долг и возвышать его. ( Кокутай но хонги , 97-98)
Ёсицунэ, который готов к тому, чтобы его призвали и желал сражаться за своего старшего брата, таким образом, служил заменой японских граждан, служивших, сражавшихся и умиравших за людей на «высших должностях» во время войны.Довольно эмоциональная идентификация зрителей военного времени с Ёсицунэ была отмечена художественными критиками того времени, которые единодушно хвалили «Прибытие Ёсицунэ». Suzuki Susumu в художественном журнале Tōei аплодирует удачному выбору темы Ясудой, в то время как другой искусствовед в том же журнале, Kanzaki Ken’ichi, представляет, как появление Ёсицунэ порадует еще не нарисованного Ёритомо. ^{Культурный критик Кавасаки Катсу отметил в 1940 году, что выражения лиц братьев в лагере в Кисегава «соответствуют готовности японского народа к созданию «Новой Японии» в связи с чрезвычайным положением в стране.»}
Ясуда представила «Прибытие Ёсицунэ », возможно, на одну из самых важных выставок, проходивших в Японии во время Второй мировой войны. Картина была выставлена в связи с празднованием 2600 ^года года правления японской империи в 1940 году в рамках общеимперского фестиваля, организованного и спонсируемого государством. Важно отметить, что празднование было продолжением Кардинальных принципов национального образования Японии : считалось, в соответствии с официальной мифологией, что Япония была основана в 660 г. до н.э. императором Дзимму, правнуком Нинги, сам внук богини солнца Аматэрасу и первый имперский предок, спустившийся с небес.
Рис. 7. Празднование 2600-^{-й годовщины правления японской империи в 1940 г., Императорский дворец, Токио, 10 ноября 1940 г. Асахи Симбун . Важнейшее праздничное мероприятие состоялось перед Императорским дворцом в Токио 10 ноября 1940 г., на нем присутствовало 50 000 человек (рис. 7). Мероприятие началось с речи премьер-министра Коноэ, затем прозвучал национальный гимн, затем речь императора Хирохито, а затем исполнение музыки, специально созданной для празднования.В 11:25 все участники трижды прокричали «Да здравствует Его Величество Император» ( banzai ), что транслировалось по радио и повторилось теми, кто не смог присутствовать (Ruoff, Imperial Japan, 17). То, как тысячи людей были мобилизованы, собраны в упорядоченные ряды и вынуждены практиковать массовые ритуалы, перекликается с массовыми собраниями в фашистской Италии и нацистской Германии, такими как Нюрнбергский митинг в 1933 году.
Действительно, 1940 год был отмечен бесчисленными событиями и мероприятиями, прославляющими славную национальную историю Японии: они происходили в невообразимых масштабах по всей стране в течение года.Было проведено более 12 000 мероприятий с участием 105 миллионов имперских подданных как внутри Японии, так и за ее пределами (Ruoff, Imperial Japan, 15). Кеннет Дж. Руофф, опубликовавший всестороннее исследование этой годовщины в 2010 г., документирует, например, значительное увеличение количества книг по национальной истории Японии, что спровоцировало «исторический бум» среди издателей (33). Точно так же в крупных универмагах устраивались выставки, на которых были представлены диорамы и панорамы, прославляющие национальную историю имперской Японии; в 1940 г. различные выставки проводились одновременно в семи разных магазинах, включая Мацудзакая, Мацуя и Мицукоси (77).Кроме того, туристические агентства и железнодорожные компании организовывали групповые туры для посещения исторически важных мест, таких как гора Такатихо в префектуре Миядзаки, где, как говорят, предок императорской семьи спустился с небес (97). Картина Ясуды, которая визуализировала историю Японии через изображение важных средневековых воинов братьев Минамото, несомненно, усилила это национальное празднование японского мифа.
Прибытие Ёсицунэ был выставлен на выставке «Празднование 2600 ^{годовщины царствования}» ( Kigen nisen roppyakunen hōshuku bijutsu ten ) в Токийском столичном художественном музее (Tokyōfu bijutsukan, сегодня Tōky). с 1 по 22 октября и с 3 по 24 ноября.^{Все произведения снова были выставлены в Городском художественном музее Осаки (Ōsaka shiritsu bijutsukan) с 1 по 15 декабря того же года. Примечательно, что Ясуда также был одним из членов жюри выставки, что подчеркивает его хорошую репутацию в глазах властей. Участие художников и посетителей было добровольным, но выставки, тем не менее, имели значительный успех: считается, что две выставки в Токио посетило не менее 306 681 человека, что вдвое больше, чем на организованной Монбушо выставке Bunten (Suzuki, «Hōshuku bijutsu»). тен», 23; Ясуда Юкихико тен: боцуго 30 нэн , 157).Художники, представленные на выставку, получили высокую оценку искусствоведов за вклад в развитие государства, возвышая дух японской нации и расы.}
Лагерь Кисегава и Современность Ясуда Юкихико, Расставание в Ёсино (Ёсино кэцубэцу), 1899 г., тушь и цвет на бумаге. Город Идзу. По иронии судьбы, несмотря на то, что картина Ясуды «Лагерь в Кисегава » опирается на японские мифы и традиции и прославляет их, картина также вдохновлена модернистской эстетикой, преобладавшей в Японии в первые несколько десятилетий двадцатого века.^{В частности, эта работа имеет общий изобразительный язык с картинами в японском стиле, вдохновленными машинной эстетикой, которая стала популярной в 1930-х годах. Прежде всего важно понять, что Лагерь в Кисегава заметно отличается от более ранней картины Ясуды с изображением Ёсицунэ «Расставание в Ёсино », которую он завершил в 1899 году.}
Картина 1899 года является прекрасным примером движения исторической живописи конца девятнадцатого века, которое было тесно связано с основанием современной нихонга и ее основателем Окакура Тэнсин. Nihonga , для Окакура, был средством укрепления современной национальной идентичности Японии, но представлял собой синтез традиционного японского искусства — в частности, из художественной школы Кано — и западного академического искусства. ^{Из-за включения западного академического реализма картина, на которой Ёсицунэ изображен в центре, стоящим перед статуей Будды и с двумя другими фигурами, преклонившими колени перед ним, очень натуралистична; он демонстрирует реалистичное моделирование фигур и прочно обосновывает их в архитектурном контексте, представленном в мельчайших деталях.Использование приемов, связанных с западным академическим искусством, таких как ракурс и атмосферная перспектива, помогает создать иллюзию пространства.}
В Camp at Kisegawa , напротив, Ясуда явно не озабочен созданием иллюзии трехмерного пространства, а, скорее, заинтересован в стилизации форм и форм изображаемых предметов и предметов. Изумрудно-зеленый татами, на котором сидит Ёритомо, выглядит наклоненным вперед, отказываясь растворяться в пространстве.Акцент явно сделан на линейности контуров фигур и татами. Например, плоское живописное пространство, созданное фронтальной частью тела Ёритомо, дополнительно подчеркивается акцентом на узоре его одежды, а не на объеме его тела. Преднамеренная стилизация форм в «Прибытие Ёсицунэ/Лагерь в Кисэгава » становится особенно очевидной при сравнении с натуралистическим изображением пространства и тела в «Расставание в Ёсино ».Стилистические различия между двумя работами связаны с тем, что художник не моделировал свою работу 1899 года по домодернистским картинам, в то время как он делал это в 1940/41 году. Что заставило Ясуду обратить внимание на досовременные картины ямато-э в начале 1940-х годов? По иронии судьбы, на самом деле это мог быть западный модернизм.
Рис. 8. Цутида Бакусэн, Женщины острова (Сима-но онна), 1912 г., цвет на шелке, пара двустворчатых ширм, 166,5 см. х 184,0 см. (каждый экран). Национальный музей современного искусства, Токио. В области живописи в японском стиле можно проследить влияние европейского модернизма еще в 1910-х годах. Выдающимся художником японского стиля, который экспериментировал с изобразительным визуальным языком европейского авангарда, был Цучида Бакусэн (1887-1936). Неудовлетворенный спонсируемыми государством выставками, Бакусен в 1918 году сформировал Общество создания национального стиля живописи ( Kokuga sōsaku kyōkai ), частную организацию, стоявшую вне официальных национальных художественных учреждений.^{Бакусэн и другие художники японского стиля контрастировали с первым поколением картин нихонга , теоретизированных и отстаиваемых Окакурой. Поездка Бакусена в Европу в 1921 году, во время которой художник увидел множество современных западных картин, пробудила его интерес к творчеству Поля Гогена (1848-1903). Нетрудно заметить, что картина Бакусена «Женщины острова (Сима-но онна) », созданная в 1912 году как ширма с цветными чернилами, находится под влиянием картины Гогена «Откуда мы пришли?» Кто мы? Куда мы идем (1897) (рис.8). На картинах Бакусена и Гогена в горизонтальном формате изображено несколько полуобнаженных «примитивных» женщин у побережья отдаленного острова. Оба художника моделируют фигуры с видимыми черными контурами и с небольшой цветовой градацией или затенением.}
Рис. 9. Саэки Сюнко (1909–1942), Чайная (Чаэн), 1936 г., тушь, цвет и серебро на бумаге, 264,2 см. х 198,1 см. Музей изящных искусств, Бостон. Однако более важной для наших целей была более поздняя тенденция живописи, появившаяся в 1930-х годах: картины, воспевающие современность, включают в «традиционное» живописное поле картин в японском стиле в основном современные сюжеты, в первую очередь современных девушек ( moga ).Эти картины были выполнены в постэкспрессионистском стиле международного модернизма, основанного на эстетике машинного века воспроизводимости и стандартизации, примером которой являются американское машинное искусство, рационализм Ле Корбюзье, Баухаус и ар-деко. ^{На многих картинах были изображены такие предметы, как телескопы, стулья массового производства и автомобили, которые (несколько проблематично) назывались «машинами» на выставке машинного искусства 1934 года в Музее современного искусства. Чайная комната , созданная в 1936 году Саэки Сюнко, является примером таких «машинистских картин» (рис.9). ^{На нем изображены две официантки кафе с короткой стрижкой, одетые в одинаковую униформу в западном стиле, с куртками и юбками темных, но основных цветов: красного, синего и желтого. Они обращены к зрителю, стоят бок о бок перед барной стойкой и держат в руках поднос из нержавеющей стали. Рядом с ними — белый бетонный постамент и алюминиевая полка, на которой аккуратно стоят зеленые кактусы различной формы в отдельных сосудах. Алмазный мотив пола, угловатые края растений, круглые поверхности лиц и юбок официанток придают картине геометрическую гармонию и сигнализируют об интересе художника к модернистской эстетике.}}
Именно такие «машинистские» картины середины 1930-х, я бы сказал, заставили Ясуду обратиться к картинам периода Камакура ямато-э . Иными словами, преобладание машинной эстетики привело Ясуду к переоценке определенного типа досовременного японского искусства — yamato-e , — который имеет общий визуальный словарь с «машинистскими» картинами: большие негативные пространства, двухмерность и сильная линейность. Картина Ясуды имеет такой же изобразительный язык, что и картина Саэки, написанная всего четырьмя годами ранее.Общие черты включают большое доминирующее неокрашенное пространство; плоское, широкое применение насыщенных ярких цветов, таких как желтый, красный, оранжевый и зеленый, которые не используют большую градацию; и интерес к геометрическим узорам и линейности, при этом пространство на обеих картинах кажется регламентированным и геометрически организованным. Конечно, как я описал выше, «Прибытие Ёсицунэ/Лагерь в Кисэгава » основан на композиции и цвете «Иллюстрированный отчет о монгольском вторжении» .Тем не менее, работа Ясуды намного чище, в ней используются идеально прямые линии (например, для стрел и матраца) и применяются цвета таким образом, чтобы они выделялись. ^{В свитке Монгольское вторжение фигуры выглядят более оживленными и, кажется, разговаривают; напротив, на картине Ясуды братья выглядят совершенно неподвижными, даже застывшими, как девушки на картине Саэки.}
Ясуда не оставил заявления о том, как модернистская эстетика 1930-х годов повлияла на Прибытие Ёсицунэ/Лагеря в Кисегаву , и вполне вероятно, что он не хотел бы ассоциировать свою картину с «модерном», который отождествлялся с « Запад», когда предполагалось, что речь пойдет о «Японии.Однако художники японского стиля в конце 1930-х годов уже указывали на стилистическую совместимость между современной, геометрической абстракцией машинной эстетики и некоторым досовременным японским искусством. Среди них был Фукуда Тойоширо (1904-1970), художник японского стиля, который призывал к созданию «Новой живописи японского стиля» (Син нихонга), которая превзошла бы границу между картинами западного стиля и японского стиля. В своих работах 1937 года он пытается соединить эстетику машин и традиционное японское искусство:
Когда я думаю о духе японской живописи, я думаю о самолетах и современном оружии.Когда мы думаем о самолете как о самой представительной форме современной красоты, меня поражает, что он рожден благодаря высокоразвитой технологии, но также обладает красотой симметрии и простоты формы. Высшая красота относится к формальному упрощению, которое удаляет ненужные части ради чистого искусства. Я чувствую, что мы должны использовать общность между возвышенной интуицией художника и современными научными принципами в Новой японской живописи. Величие искусства Сотацу, Корина, Санраку, Эйтоку заключается в их выражении строгого упрощения, преследующего истину природы… Мы должны учиться у классического искусства ( котен ).
Фукуда здесь ясно подчеркивает общность между машинной эстетикой и традиционным японским искусством, в частности, школами Римпа и Кано, основными художественными школами, которые процветали между пятнадцатым и девятнадцатым веками.
Однако Фукуда был не единственным художником, теоретизировавшим близость современного искусства и традиционной японской эстетики. Особое внимание уделяя современной абстракции, Хасэгава Сабуро (1906-1957), художник западного стиля, отмечает, что в повседневной жизни Японии можно встретить примеры геометрической абстракции: фигурки из ниток) образуют геометрические фигуры, а классики ( ишикери ) требуют рисования кругов.^{Хасэгава напоминает читателю, что европейский модернизм сам был вдохновлен японской культурой: городской план Ле Корбюзье опирается на Хэйанкё (столицу Хэйан в Киото), построенную в восьмом веке, которая представляла собой квадратный город, расположенный в виде сетки; Бруно Таут (1880–1938), художник Баухауза, бежавший от нацистов и живший в Японии с 1933 по 1936 год, также восхвалял японские святыни, чайные и сады с точки зрения современных архитектурных принципов.}
На самом деле Таут был самой важной фигурой в Японии 1930-х годов, которая указала на идею о том, что японская традиционная эстетика уже и совершенно «современна».В своей книге «Повторное открытие японской красоты », опубликованной после его смерти, он пишет о том, как он нашел эстетический принцип Баухауза в японской домодернистской архитектуре, в частности, в храме Исэ и Кацура Рикю, и утверждает, что японское традиционное искусство не несовместимы с такими понятиями как рациональность, простота и функциональность. ^{Он утверждает: «Вкус к чистоте и простоте в японской культуре точно такой же, как наши современные представления. . . В Японии есть прекрасные техники и прекрасные материалы, такие как бамбук, металл, дерево, лак, ткань, керамика.. . Не так уж сложно создавать вещи как современные, так и типично японские». ^{Понимание Таутом определенной традиции японского искусства как «современной» коренным образом изменило то, как японские художники понимали традиционные произведения страны. Раньше, особенно в период Мэйдзи, западный стиль означал европейский академический стиль, который часто противоречил вещам «японским»; напротив, модернизм мог быть приведен в диалог с некоторыми аспектами японской эстетики и способствовать созданию по существу «японского» искусства.Для японских художников постэкспрессионистский модернизм предложил стиль, который уже был признан во всем мире и выглядел совершенно «японским».}}
Рис. 10. Танге Кензо, Мемориальный зал Сферы совместного процветания Восточной Азии, 1942 г. Кенчику дзаси, , декабрь 1942 г. дизайн Танге Кензо (рис. 10). ^{Для конкурса, посвященного основанию Великой восточноазиатской сферы совместного процветания, Танге спроектировал бетонный храм (так и не построенный из-за войны), который будет построен у подножия горы Фудзи; он был тесно связан с храмом Исэ, самым важным храмом в Японии, в котором обитает дух Аматэрасу, богини Солнца.Дизайн с двумя идентичными квадратными зданиями по обе стороны от главного трапециевидного здания, безусловно, напоминает нам храм Исэ, в котором также есть два идентичных строения рядом для цели shikinen sengu (перенос тела бога в новое святилище). ). ^{Как и храм Исэ, дизайн Танге прост, незатейлив и первобытен. Однако ясно, что он также опирается на рационализм Ле Корбюзье, который избавляется от ненужного орнамента и подчеркивает прямые линии и симметрию.Как лаконично сформулировала Жаклин Ева Кестенбаум, Танге «воплотил в себе современные принципы (простота, ясность, отсутствие украшений — все достоинства, которые Таут признал в Исэ и Кацуре…)» ^{Именно такую «японизацию» модернистской эстетики мы видим в произведении Ясуды «Прибытие Ёсицунэ/Лагерь в Кисегаву ». Как я показал, в работах Ясуды используется модернистская эстетика, хотя они могли не быть признаны таковыми ни художником, ни публикой, когда картина была выпущена в начале 1940-х годов. Лагерь в Кисегава , созданный под пристальным вниманием государства, не только передает идеал японской досовременной традиции, но и выполнен на модернистском визуальном языке — таким образом, как я утверждал, связанный с государственной идеологией, которая парадоксальным образом осуждала и и поддерживал современность, и, следовательно, можно понять как искусство японского фашизма .
Лагерь Кисегава — это идеологически нагруженное произведение, которое нельзя обсуждать отдельно от политического дискурса в Японии времен Второй мировой войны.Тем не менее, учитывая модернистскую форму картины, она также явно связана с феноменом «фашистского модернизма», присвоением модернистской эстетики фашистским режимом. В настоящее время фашистский модернизм довольно подробно исследуется в европейском контексте Марком Антлиффом, Джеффри Шнаппом, Эмили Браун, Дайан И. Гирардо, Яном Бойдом Уайтом, Терри Дж. Гордон, Уинфридом Нердингером, Джоном Хескеттом и другими, которые наблюдали «». модернистское измерение культурной политики фашизма» (курсив оригинала), оспаривая общепринятое мнение о том, что модернистская эстетика была подавлена и искоренена, когда фашизм пришел к власти.^{Картина Ясуды, которая явно является японским примером фашистского модернизма, предостерегает нас от автоматического отождествления модернистской эстетики с тем, что в истории японского искусства обычно считается модернистской политикой.}
Тем не менее, Ясуда далеко не единственный пример. Долгий рассказ о японском искусстве фашистского модернизма не будет полным без обсуждения того, как японское государство также ассимилировало новый классицизм. ^{Отходя от предыдущих авангардных практик, которые исследовали новое и оригинальное, новый классицизм, начавшийся в 1920-х годах, проявлял интерес к классическим сюжетам, прежде всего к греко-римской античности, и выражал желание художников «вернуться к порядку» после хаос Великой войны.Историк искусства Эмили Браун, рассказывая о фазе нового классицизма Джорджио де Кирико, пишет:}
элемента античности и современной индустрии встречаются в алогичном мире без пространственной или временной связи… разрывы в непрерывности и ощущение остановившегося времени выявляют неустранимый разрыв между настоящим и прошлым… Даже его образы гладиаторов, обнаженных тел, лошадей на пляже следующего десятилетия, нарисованного в разгар фашизма, пародирующего традиционные ценности…; их вялые формы и кричащие цвета решительно отказываются нести вес какого-либо вложенного смысла.
Однако этот стиль, как указывает Браун, был в конечном итоге принят и мобилизован итальянским фашистским режимом в 1930-х годах; недавняя выставка Гуггенхайма 2011 года Хаос и классицизм: искусство во Франции, Италии и Германии, 1918-1936 , на которой исследуется трансформация нового классицизма из авангардного классицизма в фашистскую пропаганду, подтверждает то же самое.
Работы Пикассо в стиле новой классики уже были хорошо известны японским художникам в 1920-х годах: художник-масло в западном стиле Ихара Усабуро (1894–1976) представил японской публике сочинения Пикассо и работы в стиле новой классики.^{Картины Ихары, вдохновленные Пикассо, вызвали дискуссию среди японских художников и искусствоведов в конце 1920-х годов о «классицизме» ( kotenshugi/kurashikku ) и «новом классицизме» ( shin kotenshugi ), как они его называли, в качестве альтернативы к модернизму и авангардизму ( шинко бидзюцу ). ^{Эти дискуссии знаменуют собой основополагающий сдвиг в современной японской художественной практике от радикальных политических и культурных бунтов против статус-кво к ностальгическим намекам на культурные традиции страны, хотя и с использованием модернистских форм .}}
Японские художники также были хорошо осведомлены о более позднем этапе нового классицизма, прославляемом европейским фашизмом. На протяжении 1930-х и начала 1940-х годов Япония активно участвовала в художественном обмене с нацистской Германией и, в меньшей степени, с фашистской Италией. В 1937 году искусствовед Уэмура Такачио (1911–1998) перевел книгу Эжена Вернерта о нацистском искусстве в художественном журнале Atorie в октябре 1937 года. Токио в сентябре 1938 года.После падения Франции в 1940 году художники и искусствоведы открыто поделились с общественностью своими взглядами на то, что Япония должна изменить свою художественную модель с модели демократической Франции на модель тоталитарной фашистской Италии и Германии. По их мнению, немецкое и итальянское искусство использовало свои национальные традиции и стремилось выразить особенности, уникальные для их расы.
Художники западного стиля, такие как Ихара, первыми проявили интерес к европейскому новому классицизму; однако именно в картинах в японском стиле новый классицизм достиг своего апогея в Японии.Некоторые картины в японском стиле 1930-х и начала 1940-х годов назывались и называются «син котэнсюги» — термин, использовавшийся в конце 1920-х годов для описания нового классицизма Пикассо. Историк искусства Моригути Тари использовал это слово уже в 1943 году, и такие ученые, как Окума Тошиюки и Кикуя Ёсио, также используют этот термин сегодня, чтобы указать на влияние европейского нового классицизма на картины в японском стиле 1930-х и начала 1940-х годов. Фактически, сам Ясуда Юкихико сегодня известен как один из выдающихся художников нового классицизма в Японии.^{То, что европейский новый классицизм нашел свою наиболее подходящую форму в картинах в японском стиле в Японии, неудивительно, учитывая предполагаемую историчность этого средства. Естественно, именно картины в японском стиле, а не картины в западном стиле, были представлены фашистской Италии и нацистской Германии как искусство Японии: Японская художественная выставка 1930 года в Риме включала только картины в японском стиле; выставка современного японского искусства, которая планировалась в начале 1940-х годов в нацистской Германии (так и не была реализована), похоже, также была посвящена только картинам в японском стиле.}
Заключение Хотя они могут выглядеть не так пропагандистски и проблематично, как картины с записями о военной кампании в западном стиле, такие как картина Миямото Встреча генерала Ямаситы и генерала Персиваля , которую я описал в начале этой статьи, картины в японском стиле военного времени, тем не менее, идеологически поддерживали штат. Кажущаяся неясной связь между искусством и политикой в случае живописи в японском стиле может быть прояснена и наиболее продуктивно понята через понятие фашизма, а не, например, милитаризма (который относится только к системе управления и военному насилию) или культурного национализма. , что не признает степень, в которой интересы Японии военного времени были сосредоточены на современности.
Кроме того, использование фашизма в качестве основы для интерпретации позволяет нам надлежащим образом поместить Японию и японское искусство 1930-х и начала 1940-х годов в глобальный контекст. Хотя этот период характеризуется битвами между национальными государствами (и колониями), были проблемы и интересы, которые разделялись на всех континентах. Как я показал, Япония имела тесные связи с «Западом» на протяжении конца девятнадцатого и начала двадцатого века, что способствовало статусу страны как «полностью модернизированной» нации к 1930-м годам.Отношения Японии со странами Оси (фашистской Италией и нацистской Германией) в 1930-х и начале 1940-х годов впоследствии сильно повлияли на направление японских художественных практик. Именно для того, чтобы указать на эту глобальную взаимосвязь в начале двадцатого века, я использовал термин «Вторая мировая война» на протяжении всей этой статьи для обозначения периода между 1931 и 1945 годами, а не, например, «Азиатско-Тихоокеанская война», термин, который географически и теоретически изолирует Японию от того, что происходило в остальном мире в те годы.
Несмотря на крайне политизированную функцию картин в японском стиле, американские оккупационные офицеры не считали их проблематичными. Скорее всего, это связано с тем, что они не сильно отличаются от традиционного японского искусства, на которое опираются работы, и без знания внутренних дискуссий Японии о «возвращении в Японию» и войне трудно распознать их идеологический резонанс. Кроме того, эти работы не могли бы выглядеть более отличными от итальянского и немецкого фашистского искусства, которое неудивительно намекает на их «классику»: идеально сложенные, мускулистые обнаженные фигуры греко-римской классической античности.В качестве альтернативы можно также представить, что американские официальные лица не хотели подвергать сомнению японские традиции, с которыми граждане чувствовали себя глубоко связанными, потому что они хотели заручиться поддержкой японской общественности. Фактически это было причиной того, что американское оккупационное правительство не возлагало на императора юридическую или моральную ответственность за войну, несмотря на его центральное присутствие и власть.}}}}