История акварельной живописи | Художественная школа искусств в Санкт-Петербурге, обучение живописи и рисунку, курсы флористики. Рисунок и живопись.

Акварельная живопись появилась позже других живописных техник. Как несложно догадаться, пока не было бумаги, не было и акварели, а бумага – это изобретение китайцев. Там акварельная техника развивалась с начала II века н.э. и за такое долгое время приобрела каноничность изображения и технических приемов. Китайские акварели традиционно пишутся не только на бумаге, но и на шелке или иной ткани. Поэтому такие рисунки-свитки можно не только вешать на стену, но и сворачивать в рулон и хранить в специальных футлярах, что сохраняет краски в первозданном виде. Традиционные жанры китайской акварели: пейзаж, цветы и птицы, портрет, анималистический жанр.
Европейская акварель
Когда бумага появилась в Европе, то появилась и акварельная живопись. Хотя этой техникой пользовались такие мастера периода Возрождения, как Альбрехт Дюрер и Антонис ван Дейк, акварель не получила должного развития. В середине XVIII века она вообще считалась уделом непрофессионалов.

Альбрехт Дюрер. Vue du Val d»Arco. 1495

Расцвет акварельной живописи в Европе пришелся на рубеж XVIII—XIX веков. Особенно популярна акварельная живопись была в Великобритании, где в 1804 году было создано Общество акварелистов. Кстати, по-английски «акварель» – water colours, водяные краски. Именно в Англии были разработаны основные приемы европейской акварельной живописи.

Среди самых известных европейских акварелистов Томас Гертин, Джозеф Тернер, Поль Деларош, Эжен Делакруа, австрийцы Рудольф фон Альт, Карл Шиндлер, Томас Эндер. В США акварель прославили Уильям Трост Ричардс, Томас Моран, Уинслоу Хомер.

Джозеф Тернер. 1792

Русская акварель
В России акварель стала популярна примерно в то же время, что и в Англии, и находилась под сильным ее влиянием. Одним из первых русских художников, которые подняли акварельную живопись на новый уровень, был Петр Соколов, современник А. С. Пушкина и ученик Санкт-Петербургской Академии художеств. Ему пришлось зарабатывать своим искусством на жизнь, а в то время многие состоятельные люди из высшего света увлекались акварельной живописью. Эта техника не воспринималась в то время всерьез и считалась чем-то вроде развлечения.

Петр Соколов, Портрет А. С. Пушкина. Акварель. 1836
1880 год стал важной вехой в истории русской акварели: было образовано Общество русских акварелистов, председателем которого стал Альберт Бенуа. Общество провело 38 выставок всего за 24 года и распалось в 1918 году, но акварелью к тому времени так или иначе занимались уже все русские художники.

Альберт Бенуа. Иллюминация Москвы в честь коронации Николая II. Акварель. 1896

Особенность русской школы акварели в том, что профессионалы-акварелисты нигде не получали отдельной подготовки. Только в конце XX века открылась специализированная Школа акварели Сергея Андряки в Москве. Теперь в каждой школе искусств можно обучиться этой удивительной живописной технике. А в художественной школе Пальмира-Арт в Санкт-Петербурге на выбор представлены курсы акварельной живописи для начинающих и для тех, кто уже владеет основами.

Вернуться в раздел «Статьи об искусстве»

История акварели

ИСТОРИЯ АКВАРЕЛИ

 

Акварель — очень древняя техника.

Первая акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии. Предшественницей и акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволявшая получать сходные эффекты.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи.

Замеча­тельные акварели создавал крупнейший худож­ник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер. Это бы­ли главным образом пейзажи, в которых он пред­восхитил досера поражают свежестью, чистотой, ясностью красок. Они удивительно современны. Таков воспроизво­димый нами «Вид Триента».

Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне.

Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьезного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски.

В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ.Society of Painters in Water Colours).

Расцвет акварели в странах Европы прихо­дится на XVIII век. Поскольку акварель незаме­нима в передаче стремительно меняющихся со­стояний природы, эффектов освещения, сильных и ярких впечатлений, неудивительно, что она привлекла к себе особое внимание живописцев-романтиков. Поэтому многие из них предпочли акварельную живопись масляной. Так произошло в Англии на рубеже XVIII и XIX веков, где до­стижения акварелистов повлияли и на пейзаж в масляной живописи.

В этой стране акварель, которая сначала иг­рала служебную роль при подкраске гравюр и рисунков, быстро стала самостоятельным видом живописи.

Самым знаменитым мастером акварели в Анг­лии был У. Тернер, открывший огромные возмож­ности этой техники в создании романтических образов природы. Художник обычно работал на влажном листе бумаги, что позволяло од­ним мазкам переходить в другие тонкими пере­ливами.

Тернер был выходцем из бедной семьи. На­блюдательный и впечатлительный мальчик рано начал рисовать. Он часами любовался Темзой, кораблями, окутанными загадочной туманной дымкой, игрой водяных бликов. Когда маль­чику исполнилось двенадцать лет, отец выставил в окнах своей маленькой парикмахерской его акварели. Результат оказался неожидан­ным: работы имели большой успех, их стали охотно покупать…

Цветной туман, облака, морская пена в аква­релях Тернера живут, дышат, полны движения и красоты. Он благоговел перед солнечным све­том — недаром в его палитре преобладают жел­тые цвета.

Понятен интерес французских мастеров кон­ца XIX века к творчеству этого художника: ведь он предвосхитил их достижения в передаче дви­жения, вибрации воздуха, игры красок под от­крытым небом. Они были поражены тем, как Тернеру удавалось передать белизну снега — не одними белилами, а бесконечными оттенками легких и чистых цветов.

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться

акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как  Уильям Трост Ричардс , Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

В России в первой половине XIX века подлин­ный взлет акварельной живописи связан с име­нем К. Брюллова. Художник применял разнооб­разную технику: писал сразу в один слой, клал краску в два-три слоя по сухой поверхности бу­маги, тонкой кистью многократно прописывал де­тали.

Прозрачна, наполнена воздухом и светом его акварель «Внутренний вид храма Аполлона Эпи­курейского». Красивы сочетания серебристых, ро­зовых, голубых, синих оттенков — краски ветре­ного летнего дня, когда солнце на считанные минуты скрылось за пробегающим облаком. Худож­ник нашел удачную точку зрения, позволяющую лучше всего судить об архитектуре храма и о пей­заже, который его окружает.

Посмотрите, как внимателен К. Брюллов к деталям, как тонко проработал лицо и всю фигу­ру в акварели «Капитан греческого судна». Но в то же время это совсем маленькое по размерам произведение очень цельно, законченно и произ­водит впечатление большой картины. Не верится, что на самом деле оно величиной со страницу из ученической тетради.

Выдающимся акварелистом был Александр Иванов. В его работах исключительно точный и уверенный рисунок гармонично сочетается с яс­ными, насыщенными красками. Естественны, жизненны, грациозны девушки в этюде А. Ивано­ва к акварели «Октябрьский праздник. Танец « Воздыхание ».

В середине XIX века многие русские художники обращаются к бытовому жанру, используя для этого и акварельную технику. Среди них ве­дущее место принадлежит П. Федотову, обладав­шему исключительной остротой видения, способ­ностью запоминать и воспроизводить быстро ме­няющуюся мимику лица, движения человека. Все творчество этого художника пронизано неиз­менным стремлением к правде.

П. Федотов поздно начал учиться рисовать — ему пришлось овладевать основами изобразитель­ного искусства в таком возрасте, когда воспитан­ники Академии художеств уже завершали свое образование. Будущий художник посещал рисо­вальные классы академии, одновременно служа в полку, где частые маневры, походы и учения отвлекали от систематической работы, а коман­диры смотрели на занятия искусством как на пустую забаву.

П. Федотов внимательно    изучает    окружающую жизнь. «Я стою в карауле (что может быть неприятнее!) и стараюсь развлечься тем, что про­исходит вокруг меня интересного…» — рассказы­вал он. А в свободное время любил смешиваться с многоликой толпой, прислушиваться к ее гово­ру, изучать повадки и обычаи крестьян, мелких купцов, ремесленников.

Мы воспроизводим одну из ранних акварелей П. Федотова — «Прогулка». Она написана в 1837 году. Это семейный портрет: сдержанный суровый отец, чопорная сводная сестра Анна Ивановна и сам художник на фоне московской улицы. Посмотрите, как тщательно П. Федотов изображает лица, добиваясь точного портретного сходства, как любовно отрабатывает складки одежды, малейшие подробности, относящиеся к главным героям композиции. В то же время художник обобщенно показывает остальные фи­гуры, легкими мазками намечает постройки, задний план, небо. В этой акварели П. Федотова, как и в большинстве других, в равной степени соеди­няются два начала: графическое и живописное.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Прекрасные акварели создавали И. Крамской, Н. Ярошенко, В. Поленов, В. Серов, В. Савинский.

Великолепно владел акварелью И. Репин. Он писал сочно, смело, красочно. Мы воспроизво­дим принадлежащий его кисти портрет Е. В. Лав­ровой. В работе преобладают два цвета. Но сколь­ко оттенков, тонких нюансов! Полон жизни облик молодой женщины, слегка склонившей голову над книгой. Из окна льется на нее свет и тонет в глубине комнаты. Воздух словно дрожит, лас­кая мягкие черты лица.

Кажется, что Репин создал портрет в считан­ные минуты, передав всю непосредственность первого впечатления. В то же время это закон­ченное и цельное произведение живописи.

Особое место в истории русской акварели за­нимают работы В. Сурикова. Его акварели мно­гокрасочны, темпераментны по исполнению, жиз­нерадостны, полнозвучны. В них много поэзии, широты, размаха. Вот, например, пейзаж «Ени­сей», переливающийся серебристо-перламутровы­ми тонами. Эта акварель монументальна и эпич­на. На небольшом листе бумаги художник сумел показать необъятность родной земли, ее красоту и величие.

Суриковские акварели обусловили расцвет этого вида живописи в искусстве многих худож­ников следующих поколений.

Очень характерны акварели М. Врубеля. Они восхищают филигранной техникой, обилием тончайших цветовых и тоновых переходов, россы­пями бликов, движением. Даже самые незначи­тельные предметы, изображенные художником, наполняются смыслом и очарованием — цветы, раковины, камни, волны…

Для достижения такого совершенства одного таланта мало. М. Врубель был великим тружени­ком. Вот что он писал сестре в годы учебы в Ака­демии художеств:

«Я прильнул, если так можно выразиться, к работе; переделываю по десятку раз одно и то же место, и вот с неделю тому назад вышел первый живой кусок, который при­вел меня в восторг… Я счастлив, что переживаю момент сильного шага вперед…»

Кульминацией развития русской акварели явилась организация в 1880 году «Общества русских акварелистов», первым председателем которого стал Альберт Бенуа (1852—1936). Общество вело активную выставочную деятельность, сформировав за период 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. В 1918 году Общество акварелистов прекратило свою деятельность. Однако акварельная живопись не умерла — ею занимались художники всех тогда существовавших союзов и объединений.

Роль акварельной живописи была подчёркнута обширными Всесоюзными акварельными выставками, первая из которых состоялась в Москве в 1965 году. Среди российских мастеров XX века имена  Николая Тырсы (1987—1942), Сергея Герасимова (1885—1964) , Георгия Верейского (1886—1962), Владимира Конашевича (1888—1963), Александра Самохвалова (1894—1971), Семёна Пустовойтова (1921—1995), Владимира Ветрогонского (1923—2002), Виктора Семёновича Климашина (1912—1960).

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Её особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие специализированной школы акварели Сергея Андрияки.

В жанре акварельной живописи работает Омская художница Елена Лобова. С её работами Вы можете познакомиться и приобрести в нашей галерее «Шедевры Омска».

История акварели

ИСТОРИЯ АКВАРЕЛИ

 

Акварель — очень древняя техника.

Первая акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во II веке нашей эры. В XII—XIII веках бумага получила распространение в Европе, прежде всего в Испании и Италии. Предшественницей и акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволявшая получать сходные эффекты.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи.

Замеча­тельные акварели создавал крупнейший худож­ник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер. Это бы­ли главным образом пейзажи, в которых он пред­восхитил досера поражают свежестью, чистотой, ясностью красок. Они удивительно современны. Таков воспроизво­димый нами «Вид Триента».

Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне.

Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьезного внимания.

В то же время техника с использованием ослабленных контуров и растушёвки кистью широко применялась, особенно в XVIII веке, участниками научных и военных экспедиций для зарисовки археологических и геологических объектов, растений, животных, при раскраске архитектурных и топографических планов: первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски.

В середине XVIII века рисование водяными красками сделалось популярным видом досуга для непрофессионалов: распространению этого развлечения особенно способствовали публиковавшиеся в 1780-е гг. и воспевающие красоту английской глубинки путевые дневники Уильяма Гилпина, которые он снабдил собственными иллюстрациями. В результате на рубеже XVIII—XIX века усилиями сперва Пола Сэндби, затем Томаса Гёртина и наконец, прежде всего, Джозефа Тёрнера акварель превратилась в едва ли не важнейший вид английской живописи — в 1804 г. было основано Общество акварелистов (англ.Society of Painters in Water Colours).

Расцвет акварели в странах Европы прихо­дится на XVIII век. Поскольку акварель незаме­нима в передаче стремительно меняющихся со­стояний природы, эффектов освещения, сильных и ярких впечатлений, неудивительно, что она привлекла к себе особое внимание живописцев-романтиков. Поэтому многие из них предпочли акварельную живопись масляной. Так произошло в Англии на рубеже XVIII и XIX веков, где до­стижения акварелистов повлияли и на пейзаж в масляной живописи.

В этой стране акварель, которая сначала иг­рала служебную роль при подкраске гравюр и рисунков, быстро стала самостоятельным видом живописи.

Самым знаменитым мастером акварели в Анг­лии был У. Тернер, открывший огромные возмож­ности этой техники в создании романтических образов природы. Художник обычно работал на влажном листе бумаги, что позволяло од­ним мазкам переходить в другие тонкими пере­ливами.

Тернер был выходцем из бедной семьи. На­блюдательный и впечатлительный мальчик рано начал рисовать. Он часами любовался Темзой, кораблями, окутанными загадочной туманной дымкой, игрой водяных бликов. Когда маль­чику исполнилось двенадцать лет, отец выставил в окнах своей маленькой парикмахерской его акварели. Результат оказался неожидан­ным: работы имели большой успех, их стали охотно покупать…

Цветной туман, облака, морская пена в аква­релях Тернера живут, дышат, полны движения и красоты. Он благоговел перед солнечным све­том — недаром в его палитре преобладают жел­тые цвета.

Понятен интерес французских мастеров кон­ца XIX века к творчеству этого художника: ведь он предвосхитил их достижения в передаче дви­жения, вибрации воздуха, игры красок под от­крытым небом. Они были поражены тем, как Тернеру удавалось передать белизну снега — не одними белилами, а бесконечными оттенками легких и чистых цветов.

Кроме того, популярность акварели возросла и в связи с распространившейся во второй половине XVIII в. моде на портретную миниатюру, — жанр, который с успехом начали осваивать многочисленные художники-любители.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве таких художников, как пейзажисты Джон Селл Котмен, Энтони Копли Филдинг, Ричард Паркс Бонингтон, Дэвид Кокс, много писавший архитектурные сооружения Сэмюэл Праут, мастер натюрмортов Уильям Генри Хант, а также Сэмюэл Палмер, Джон Варли, Джон Фредерик Льюис, Майлз Бёркет Фостер, Фридерик Уокер и другие мастера. Роль акварели в английском изобразительном искусстве была закреплена сочинениями Джона Рёскина, объявившего Тёрнера крупнейшим художником своего времени.

В середине XIX века акварель завоевала широкую популярность также в США благодаря работам таких художников, как  Уильям Трост Ричардс , Томас Моран, Томас Икинс и Уинслоу Хомер.

Во Франции распространение акварельной живописи было связано с именами Поля Делароша, Эжена Делакруа, Анри Жозефа Арпинье, а также мастера сатирических рисунков Оноре Домье.

К концу XIX века произошёл некоторый пересмотр отношения к акварели, отчасти связанный с тем, что многие новые краски, введённые в широкое употребление акварелистами середины века, оказались весьма недолговечными, быстро выцветающими. Тем не менее на рубеже веков акварели отдали дань Поль Синьяк и Поль Сезанн во Франции, Морис Прендергаст и Джон Сингер Сарджент в США, а затем Василий Кандинский, Эмиль Нольде, Эгон Шиле, Пауль Клее и Рауль Дюфи.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

В России в первой половине XIX века подлин­ный взлет акварельной живописи связан с име­нем К. Брюллова. Художник применял разнооб­разную технику: писал сразу в один слой, клал краску в два-три слоя по сухой поверхности бу­маги, тонкой кистью многократно прописывал де­тали.

Прозрачна, наполнена воздухом и светом его акварель «Внутренний вид храма Аполлона Эпи­курейского». Красивы сочетания серебристых, ро­зовых, голубых, синих оттенков — краски ветре­ного летнего дня, когда солнце на считанные минуты скрылось за пробегающим облаком. Худож­ник нашел удачную точку зрения, позволяющую лучше всего судить об архитектуре храма и о пей­заже, который его окружает.

Посмотрите, как внимателен К. Брюллов к деталям, как тонко проработал лицо и всю фигу­ру в акварели «Капитан греческого судна». Но в то же время это совсем маленькое по размерам произведение очень цельно, законченно и произ­водит впечатление большой картины. Не верится, что на самом деле оно величиной со страницу из ученической тетради.

Выдающимся акварелистом был Александр Иванов. В его работах исключительно точный и уверенный рисунок гармонично сочетается с яс­ными, насыщенными красками. Естественны, жизненны, грациозны девушки в этюде А. Ивано­ва к акварели «Октябрьский праздник. Танец « Воздыхание ».

В середине XIX века многие русские художники обращаются к бытовому жанру, используя для этого и акварельную технику. Среди них ве­дущее место принадлежит П. Федотову, обладав­шему исключительной остротой видения, способ­ностью запоминать и воспроизводить быстро ме­няющуюся мимику лица, движения человека. Все творчество этого художника пронизано неиз­менным стремлением к правде.

П. Федотов поздно начал учиться рисовать — ему пришлось овладевать основами изобразитель­ного искусства в таком возрасте, когда воспитан­ники Академии художеств уже завершали свое образование. Будущий художник посещал рисо­вальные классы академии, одновременно служа в полку, где частые маневры, походы и учения отвлекали от систематической работы, а коман­диры смотрели на занятия искусством как на пустую забаву.

П. Федотов внимательно    изучает    окружающую жизнь. «Я стою в карауле (что может быть неприятнее!) и стараюсь развлечься тем, что про­исходит вокруг меня интересного…» — рассказы­вал он. А в свободное время любил смешиваться с многоликой толпой, прислушиваться к ее гово­ру, изучать повадки и обычаи крестьян, мелких купцов, ремесленников.

Мы воспроизводим одну из ранних акварелей П. Федотова — «Прогулка». Она написана в 1837 году. Это семейный портрет: сдержанный суровый отец, чопорная сводная сестра Анна Ивановна и сам художник на фоне московской улицы. Посмотрите, как тщательно П. Федотов изображает лица, добиваясь точного портретного сходства, как любовно отрабатывает складки одежды, малейшие подробности, относящиеся к главным героям композиции. В то же время художник обобщенно показывает остальные фи­гуры, легкими мазками намечает постройки, задний план, небо. В этой акварели П. Федотова, как и в большинстве других, в равной степени соеди­няются два начала: графическое и живописное.

Первое имя в летописи русской акварели, которое по праву зачинателя и уровню мастерства необходимо назвать — Петр Фёдорович Соколов (1791—1848). Он исполнял портреты, сцены охоты, жанры, запечатлев лик своей эпохи и своих современников.

Акварелью, в портрете и жанре, работали живописец Карл Брюллов (1799—1852) и его брат — архитектор Александр Брюллов (1798—1877). Акварелисты Василий Садовников (1800—1879) и Людвиг Премацци (1818—1891), рисовали императорские дворцы и пейзажи загородных резиденций.

Во второй половине XIX века, в ряду акварельных произведений выделяются листы, исполненные Михаилом Клодтом (1832—1902), маринистами Львом Лагорио (1828—1905) и Александром Беггровым (1841—1914). Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин (1844—1930), Михаил Врубель (1856—1910), Валентин Серов (1865—1911).

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870—1960), Льва Бакста (1866—1924), Ивана Билибина (1876—1942), Константина Сомова (1869—1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871—1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877—1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Прекрасные акварели создавали И. Крамской, Н. Ярошенко, В. Поленов, В. Серов, В. Савинский.

Великолепно владел акварелью И. Репин. Он писал сочно, смело, красочно. Мы воспроизво­дим принадлежащий его кисти портрет Е. В. Лав­ровой. В работе преобладают два цвета. Но сколь­ко оттенков, тонких нюансов! Полон жизни облик молодой женщины, слегка склонившей голову над книгой. Из окна льется на нее свет и тонет в глубине комнаты. Воздух словно дрожит, лас­кая мягкие черты лица.

Кажется, что Репин создал портрет в считан­ные минуты, передав всю непосредственность первого впечатления. В то же время это закон­ченное и цельное произведение живописи.

Особое место в истории русской акварели за­нимают работы В. Сурикова. Его акварели мно­гокрасочны, темпераментны по исполнению, жиз­нерадостны, полнозвучны. В них много поэзии, широты, размаха. Вот, например, пейзаж «Ени­сей», переливающийся серебристо-перламутровы­ми тонами. Эта акварель монументальна и эпич­на. На небольшом листе бумаги художник сумел показать необъятность родной земли, ее красоту и величие.

Суриковские акварели обусловили расцвет этого вида живописи в искусстве многих худож­ников следующих поколений.

Очень характерны акварели М. Врубеля. Они восхищают филигранной техникой, обилием тончайших цветовых и тоновых переходов, россы­пями бликов, движением. Даже самые незначи­тельные предметы, изображенные художником, наполняются смыслом и очарованием — цветы, раковины, камни, волны…

Для достижения такого совершенства одного таланта мало. М. Врубель был великим тружени­ком. Вот что он писал сестре в годы учебы в Ака­демии художеств:

«Я прильнул, если так можно выразиться, к работе; переделываю по десятку раз одно и то же место, и вот с неделю тому назад вышел первый живой кусок, который при­вел меня в восторг… Я счастлив, что переживаю момент сильного шага вперед…»

Кульминацией развития русской акварели явилась организация в 1880 году «Общества русских акварелистов», первым председателем которого стал Альберт Бенуа (1852—1936). Общество вело активную выставочную деятельность, сформировав за период 1896—1918 гг. тридцать восемь выставок. В 1918 году Общество акварелистов прекратило свою деятельность. Однако акварельная живопись не умерла — ею занимались художники всех тогда существовавших союзов и объединений.

Роль акварельной живописи была подчёркнута обширными Всесоюзными акварельными выставками, первая из которых состоялась в Москве в 1965 году. Среди российских мастеров XX века имена  Николая Тырсы (1987—1942), Сергея Герасимова (1885—1964) , Георгия Верейского (1886—1962), Владимира Конашевича (1888—1963), Александра Самохвалова (1894—1971), Семёна Пустовойтова (1921—1995), Владимира Ветрогонского (1923—2002), Виктора Семёновича Климашина (1912—1960).

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Её особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце XX века рост интереса к акварели, изменил положение вещей. Знаковым событием стало открытие специализированной школы акварели Сергея Андрияки.

В жанре акварельной живописи работает Омская художница Елена Лобова. С её работами Вы можете познакомиться и приобрести в нашей галерее «Шедевры Омска».

История техники акварели

История техники акварели

 

Расцвет акварели в Великобритании в конце 18 века нередко связывают с самим зарождением этой техники.

Однако художники уже на протяжении нескольких столетий использовали водорастворимые связующие с пигментами.

Еще в конце 15 века великой немецкий мастер Альберт Дюрер (1471-1538) создал замечательную серию натурных пейзажей, работая водными красками. В качестве основы Дюрер использовал пигмент и бумагу, сгущая цвет наложением дополнительных слоев краски и используя белизну бумаги для светлых участков.

В графике 17 века можно часто встретить монохромные рисунки, выполненные пером и чернилами, к которым добавлена размывка, а бывало, художники работали просто кистью и размывкой, как, например, Никола Пуссен (1594-1665) и Клод Лоррен (1600-1682). Преимущественно так выполнялись эскизы и наброски.

Формально их нельзя отнести к акварели, однако свободной техникой построения форм они во многом предвосхищают произведения последующих мастеров акварели.

На пути к реализму.

Венцеслав Холлар (1607-1677), художник из Праги, обосновался в Англии в 1636 году. Его панорамные виды английских городов и морского побережья были попытками дать точное отображение мест. Эта тенденция до поры до времени была маргинальной, уступая традиции воображаемого – идеального или героического – пейзажа, ориентированного на образ классической античности, как Пуссена или Клода Лоррена.

В середине и конце 18 века появились несколько художников, выбравших акварель в качестве основной своей техники.

Пол Сэндби (1725-1809) был одним из первых британских художников, осознавших неисчерпаемые выразительные возможности акварели. В его работах сочетаются и работа прозрачными слоями, и приемы кроющего письма. Его брат Томас (1723-1798), став архитектором, одновременно создавал и прекрасные акварельные работы, показывающие владение разными приемами этой техники.

Другие художники того времени, например Томас Гейнсборо (1727-1788), использовали акварель в основном для наделения цветом и тоном рисунков, сделанных углем. Его наброски и эскизы, исполненные энергично и живо, являются ярким примером быстрого, спонтанного письма.

Новый статус

К концу 18 столетия в сфере акварельной живописи стали лидировать два чрезвычайно талантливых художника – Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775-1851) и рано умерший Томас Гертин (1775-1802).

Оригинальность и непосредственность их работ придали акварели совершенно новый художественный статус.

Акварельные работы отныне рассматриваются не как раскрашенные рисунки или подготовительные наброски для последующей живописи масляными красками, а как самостоятельные произведения.

Томас Гертин особенно активно стремился расширить диапозон выразительных возможностей акварели, материалов и техник. Молодой художник писал свои работы на плотной бумаге, выбирая фон, достаточно нейтральный по тону. Попробовал сузить цветовую гамму, он обнаружил, что может добиться необходимого эффекта, пользуясь ограниченным набором красок.

Впереди своего времени.

Однако волею судьбы главным первопроходцем в освоении всех возможностей акварели стал Тернер, владевший этой техникой так, как ни один художник до него и редко кто позже.

Уйдя от практики простого закрашивания линейного рисунка, он постоянно экспериментировал с цветом, вводя новые пигменты и новые виды бумаги. Тернер обращался с цветом очень свободно, первым стал работать «по сырому», смывал, промокал губкой или соскребал уже положенную краску.

У Тернера было много «конкурентов» и в Англии и во Франции. Они также внесли значительный вклад в развитие искусства акварели. Джон Констебл (1776-1842) делал этюды на пленэре, работая в сильной и непосредственной манере, нередко соскребая краску, чтобы придать поверхности определенную фактуру.

Открытия 19 века.

В середине и конце 19 века в Англии стали работать в технике акварели несколько интересных художников: это прежде всего Самуэл Палмер (1805-1881) и Альфред Уильям Хант (1830-1896). Во Франции выдвинулись Камиль Писсарро (1830-1903), Поль Сезан (1839-1906) и Поль Гоген (1848-1903). Сезан написал более 400 акварелей: он широко экспериментировал с приемами нанесения полупрозрачных мазков на белую бумагу и в жанре портрета и в пейзажной акварели, последовательно изучая взаимодействие света и цвета.

20 век

Одним из самых ярких мастеров акварели в 20 веке стал немецкий художник Эмиль Нольде (1867-1956). Как столетием ранее Тернер, он сумел расширить и переосмыслить уже ставшие привычными средства  и – шире – выразительные возможности акварельной живописи, обогатив ее новым строем чувств. Постоянно экспериментируя с материалами и техникой, он чувствовал акварель настолько, что даже брал краски в театр, работая в темноте на ощупь. Значительную часть в его огром ном наследии занимают акварели.

 

---

 

По ссылкам ниже найдёте очень полезный и интересный материал о свойствах и истории акварели

Китайская акварель

История голландской акварели

Об истории акварели

Акварель — история

Магия акварели

История акварели — сайт Корневой Оксаны

Елена Базанова о технике акварели

Елена Базнова — советы, как освоить технику акварели

Акварели Альбрехта Дюрера 1 часть

Акварели Альбрехта Дюрера 2 часть

История английской акварели, живопись старых мастеров

наша КОЛЛЕЦИЯ СТАРИННОЙ ЖИВОПИСИ И АКВАРЕЛИ>>>

Акварель нередко называют самой капризной и непредсказуемой техникой. Связано это со многими нюансами поведения красок на водной основе. Неопытный в акварельной живописи художник, даже соблюдая все правила, может получить совсем не тот результат, на который рассчитывал. Но при этом акварель – техника очень благодарная, поскольку позволяет получить тончайшие нюансы полутонов, недоступные никакой другой технике.

Акварель пришла в Европу в эпоху Ренессанса. Всем любителям старинной живописи известен «Заяц» Альбрехта Дюрера. Но лишь в XVIII веке мастера английской живописи первыми стали активно применять акварель и разработали базовые принципы этой техники.

А. Дюрер. Заяц. 1502

 

Появление акварели в Англии.

Когда в точности акварель попала в Англию – неизвестно. Возможно, её завёз великий голландец Антонис Ван Дейк (1599-1641), который был придворным живописцем Якова I и Карла I. Его деятельность вызывала пристальный интерес английских художников той эпохи, и стремление перенять его приёмы было совершенно естественным.

Долгое время акварель использовалась в строго утилитарных целях – геологами, топографами, архитекторами при проектировке замков и даже военными разведчиками. Одним из таких топографов был Пол Сэндби, считающийся основателем жанра акварельного пейзажа.

Пол Сэндби (1725-1809) первым задумался о том, что техника акварели может быть использована при создании больших картин. Художник много путешествовал по Великобритании и создал множество акварельных картин, изображавших красивейшие замки и поместья страны. Благодаря ему в Англии возникло настоящее поветрие, «мода на Британию». Акварели Сэндби переводились в гравюры и печатались массовыми тиражами, его сюжеты воспроизводились в интерьерах домов, поместий, наносились на фарфоровые изделия.

П. Сэндби. Виндзорский замок.1760 г.

Кисти Сэндби принадлежат первые картины, которые могут считаться серьёзными акварельными произведениями. Это в основном пейзажи, написанные им во время поездок по стране.

Пол Сэндби стал одним из учредителей Королевской академии художеств, а впоследствии удостоился неофициального титула «отца английской акварели». Но настоящий взлёт живописи акварелью в Англии связан с именами уже других мастеров.

 

Романтизм в английской живописи

Прежде, чем перейти к изложению дальнейшей эволюции акварельной живописи Англии, необходимо сказать два слова об эпохе, которая начиналась в искусстве Европы — о наступлении периода романтизма.

Безраздельно господствовавшим в европейском искусстве направлением уже почти столетие был классицизм. В конце георгианского периода классицизм с его приверженностью канонам начинает становиться обузой на пути развития искусства, и идеология романтизма с его стремлением к бунтарству, разрушению стереотипов, свободе творчества получает всё большее распространение.

Возникновение романтизма имело и вполне материальные основы. Вторая половина XVIII века – время бурного развития промышленности, вовлечения значительных масс населения в активную жизнь, невиданного расширения народного кругозора. Апофеозом стали события Великой французской революции 1789 года, потрясшие всю Европу.

Не случайно именно в эпоху распространения романтизма начинается настоящая полнокровная история акварели, техники, которая давала значительную свободу изобразительных средств, свободу самовыражения, позволяла разрушать старые догматы и создавать свои, новые правила.

 

Становление и подъём английской школы акварели.

Одним из основоположников английской акварельной школы был Томас Гёртин (1775-1802). Как и многие акварелисты, Гёртин освоил технику, работая над топографическими и архитектурными рисунками. Однако он быстро отошёл от монохромного топографического стиля и едва ли не первым стал использовать всё богатство акварели в создании полутонов.  Интересной находкой Гёртина стало использование сероватой бумаги вместо белой, что придавало его картинам особый колорит.

Т.Гёртин. Замок Файндлейтер.1792 г.

Гёртин также отказался от композиционных канонов топографического и архитектурного рисунка. Он вполне мог оставить на переднем плане картины пустое пространство, расположив главный объект своего интереса сбоку или вдали. Его композиционные решения стали важным шагом в процессе перехода акварели в ранг самостоятельного вида изобразительного искусства.

Т.Гёртин. В Шотландии у Драйбурга.1801 г.

Гёртин умер от туберкулёза в своей мастерской, работая над очередной картиной. Лучше всего охарактеризовал масштаб таланта художника его давний друг, один из величайших живописцев эпохи Уильям Тёрнер. «Будь Гёртин жив, я умер бы от голода», — сказал он.

Сам Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775-1851) был великим мастером акварели, во многом первопроходцем и истинным виртуозом техники. К серьёзным занятиям живописью Тёрнера подтолкнула именно дружба с Гёртином, вместе с которым когда-то в ранней юности он занимался копирование чертежей, гравюр, а затем и картин старых мастеров.

Д.У.Тёрнер. Ледник.1803 г.

Тёрнер с одинаковым совершенством работал и с акварелью, и с маслом. В своих работах он гениально использовал преимущества обеих техник в передаче света, цвета, состояния стихий – воды и воздуха. Вообще источник света Тёрнер обыгрывал очень тонко, мастерски передавая нюансы моря, неба, льдов. В своих работах он создавал настроение, даже просто изменив положение источника света на холсте и тем самым меняя освещённость зданий, деревьев и других изображённых на картинах объектов.

Д.У.Тёрнер. Абергавенский мост. 1815 г.

Современники называли картины Тёрнера «россыпью драгоценных красок». Непередаваемый колорит и эмоциональность картин Тёрнера впоследствии произвели сильное впечатление на будущих импрессионистов, и творчество мастера, бесспорно, повлияло на складывание творческой манеры представителей этого направления в живописи. Известный критик  Джон Рёскин, «крёстный отец» прерафаэлитизма, назвал Тёрнера величайшим художником своего времени.

Выдающимся акварелистом был великий пейзажист Джон Констебл (1776-1837). Пристрастие художника к пейзажам и вызвало его интерес к акварели, которая открывает совершенно новые возможности в этом жанре. Его пейзажи очень лиричны и наполнены великолепной игрой света и тени. Главные работы Констебла написаны маслом, однако знаменитое имя художника немало способствовало продвижению техники акварели. Новые технические приёмы, применённые Констеблом, впоследствии получили развитие в трудах более поздних мастеров. Своими работами он наглядно доказывал, что акварель может не уступать маслу, а в чём-то и превосходит традиционную технику.

Д. Констебл. Аббатство Нетли при лунном свете.1833 г.

Особое место в истории акварели принадлежит творчеству выдающегося художника и поэта Уильяма Блейка (1757-1827). К живописи Блейк пришёл, копируя иллюстрации к средневековым книгам в Вестминстерском аббатстве. Возможно, именно отсюда пошло пристрастие художника к мистике. Сюжеты его картин таинственны, демоничны, иррациональны, эмоциональны.

У. Блейк.Великий красный дракон и жена одетая в солнце.1805 г.

Акварели Блейка иногда контрастны, иногда наоборот построены на полутонах, но всегда очень ярки, броски и романтичны. Мощь цвета в его творениях находится на уровне написанных маслом полотен, при этом плавные переходы от цвета к тени, необходимые по сюжету, требовали именно акварельного решения.

Отдельно следует отметить вклад в развитие английской акварели Джона Варли (1778-1842), акварелиста, теоретика искусства, астролога, близкого друга Уильяма Блейка. Прекрасный художник, Варли прославился не столько своими произведениями, сколько своей деятельностью в качестве преподавателя. У него учились мастера, являющиеся гордостью «золотого века» английской акварели – Дэвид Кокс, Копли Филдинг, Питер де Винт и ряд других известных художников викторианской эпохи.

Д. Варли. Город на реке.1820 г.

 

«Золотой век» английской акварельной школы.

Работы мастеров георгианской эпохи, наглядно показавших живописные возможности акварели, отточивших уже известные технические приёмы и создавших множество новых, привели к подлинному расцвету английской школы акварели в XIX веке. Многие лучшие старинные картины викторианской эпохи исполнены именно в этой технике. Исследователи антикварной живописи Англии с полным основанием утверждают, что в начале XIX века акварель становится едва ли не важнейшим видом английского изобразительного искусства.

Знаком популярности техники акварели стало основание в 1804 году Общества акварелистов. Инициатором создания Общества был Уильям Фредерик Уэллс (1762-1836), акварелист и гравёр, член Королевской академии художеств, друг Уильяма Тёрнера.

Популярность акварели объяснялась также сравнительной простотой и доступностью техники. Появляется множество художников-любителей, пробовавших свои силы в жанрах пейзажа и миниатюрного портрета.

Поскольку акварель стала пользоваться большим спросом, акварелистам больше не нужно было отвлекаться на поиск иных источников доходов (как это были вынуждены делать пейзажисты предшествующего периода), и они могли отдавать акварели всё своё время и творческие силы. Благодаря этому, в начале XIX века на авансцену выходит целый ряд новых мастеров, каждый из которых мог предъявить свою собственную творческую манеру.

Несмотря на короткую творческую жизнь, Томас Гёртин успел оставить учеников. Наиболее известен из них Джон Селл Котман (1782-1842). Выходец из семьи торговца тканями, в 16 лет он приехал в Лондон, где Гёртин принял его на обучение в свою мастерскую. В поисках сюжетов талантливый маринист объездил всё побережье Англии и Нормандии и оставил сотни картин, рисунков, эскизов.

Д. Котман. В песках у Ярмута.Ок.1820 г.

Помимо творческой деятельности, Котман активно занимался преподаванием, в том числе в Королевском колледже в Лондоне. Немало сделал он и для популяризации английской акварели, являясь президентом знаменитой Нориджской (Норвичской) школы искусств.

По световым решениям и общему колориту многие специалисты считают Котмана одним из предшественников стиля модерн. По данным Британского музея, в XX веке среди ценителей антикварных картин Котман является самым известным акварелистом Англии, превзойдя по популярности даже Тёрнера.

Одним из самых выдающихся пейзажистов «золотого века» английской акварели считается Дэвид Кокс (1783-1859). Кокс прекрасно владел техникой масляной живописи, гравюры, у своего отца, кузнеца-оружейника, он научился работе по металлу, но главной любовью его была акварель.

Д. Кокс. Замок в осеннем пейзаже.1849 г.

В юности Дэвид Кокс брал уроки у нескольких художников, одновременно работая художником-декоратором в театре. Будучи студентом Королевской академии художеств, он написал несколько теоретических работ по живописи. Занятия акварелью Кокс совмещал с преподаванием, причём сразу же всерьёз зарекомендовал себя на этом поприще. Первым его учеником, который был в восторге от уроков Кокса и в благодарность ввёл его в высшие круги Англии,  был полковник Генри Виндзор, будущий герцог Плимутский.

Признание к Коксу, как к художнику, пришло достаточно поздно, но было сразу решительным и безоговорочным. Он входит в состав целого ряда обществ акварелистов Англии, часто выставляется. Две его акварели были приобретены для королевы Виктории.

Известный нам Джон Рёскин писал, что по простоте и серьёзности с Коксом не может сравниться ни один пейзажист. За решительность мазка, смелость колорита Дэвида Кокса считают одним из ранних предшественников импрессионизма.

Ещё один представитель старшего поколения «золотого века», Сэмюэл Праут (1783-1852), был мастером городского пейзажа. При этом своё призвание Праут нашёл лишь в 35 лет. До этого он писал сельские пейзажи, рисовал эскизы фасадов будущих зданий, давал уроки.

С. Праут. Вид Нюрнберга.1823 г.

Во время своей первой поездки на континент Праут, кроме рисунков фасадов, стал делать акварельные зарисовки улиц, рыночных площадей, старых замков. Его работы привели в восторг друзей и знакомых своими не видными простым глазом тонкостями обводов зданий, полускрытыми нюансами цвета и освещения.

Наследие Праута составляет сотни картин и эскизов городских видов. Современники сравнивали его с Гейнсборо, Констеблем. В акварели критики считали Праута таким же корифеем городского пейзажа, каким был Тёрнер в пейзаже сельском. Вездесущий Рёскин писал, что иногда ему бывает скучно смотреть Тёрнера, но никогда – Праута.

Заслуги Праута были признаны на самом высоком государственном уровне – он был штатным акварелистом при дворе Георга IV  и королевы Виктории.

Техническим виртуозом акварели, овладевшим всеми её тонкостями, был Уильям Генри Хант (1790-1864). В отличие от большинства своих коллег по ремеслу, Хант почти не путешествовал и большую часть жизни провёл на побережье в курортном Гастингсе, где беспрестанно экспериментировал, оттачивая технику акварели. Он вводил в состав красок новые пигменты, варьировал оттенки цвета, степень шершавости бумаги и т. п.

У.Г.Хант. Гнездо зяблика и майский букет.1845 г.

Свои находки художник использовал в совершенно непривычных до него сюжетах – птичьи гнёзда, поспевающие сливы и многие другие. И, конечно же, не забывал при этом о страсти любого акварелиста – пейзажах, прослыв самым тонким пейзажистом своего времени. Детализация в работах Ханта подчас удивляет и могла бы заставить забыть об акварели, но невероятная чуткость к оттенкам цвета не свойственна никакой другой технике. Его виды побережья у Дувра, Гастингса, бытовые зарисовки – символ простоты и вместе с тем английского изящества викторианской эпохи.

Уильям Генри Хант представлен  в нашей коллекции.

 

Мастера нового поколения.

Необычна судьба одного из самых оригинальных акварелистов младшего поколения, оказавшего огромное влияние на развитие живописи – Ричарда Паркса Бонингтона (1802-1828). Его семья переехала в Кале, когда ему было 14 лет. Уже во Франции Бонингтон стал изучать живопись и мог бы считаться французским художником, если бы не одно обстоятельство. Его учителем был Франсуа-Луи Томас Франчия, который только что вернулся из Англии восторженным почитателем Томаса Гёртина. Он научил Бонингтона английской технике акварели и познакомил его с произведениями английских мастеров.

Р.П.Бонингтон Вид на Венецию.Б.д.

В 1818 году семья Бонингтона переехала в Париж, где он подружился со знаменитым впоследствии Эженом Делакруа. Бонингтон учится в Школе изящных искусств, изучает окрестности Парижа и оттачивает свою технику акварели, рисуя буквально всё, что увидит. Из таких случайных набросков родилась серия работ, за которую он получил золотую медаль Парижского салона 1824 года, вместе с Джоном Констеблем и Энтони Копли Филдингом.

Р.П.Бонингтон Рыбный рынок.1824 г.

Ненадолго посетив Англию для ознакомления с последними работами Тёрнера, Бонингтон возвращается в Париж, откуда совершает путешествие в Северную Италию, следствием чего становится его блестящая Венецианская серия. В 1828 году художник возвращается в Лондон, где умирает от туберкулёза в возрасте 25 лет, повторив печальную судьбу своего заочного учителя Томаса Гёртина.

Работы Бонингтона – это квинтэссенция самой идеи акварели, её лёгкости, воздушности, неуловимости, воплощения света. Почти все его работы были распроданы на аукционах сразу после кончины художника, большинство из покупателей – англичане. И неудивительно – на стенах домов туманного Альбиона картины Бонингтона могли показаться окном в иной, более светлый мир. И в Англии, и во Франции его творчество сразу же снискало себе множество последователей. А  более чем через 30 лет после смерти Бонингтона Эжен Делакруа высказывался о творчестве своего друга юности в выражениях, более свойственных восторженному студенту, чем признанному мэтру, стоявшему у истоков французского романтизма. Многие специалисты усматривают сильное влияние творческой манеры Бонингтона на мастеров импрессионизма и барбизонской школы.

Обречён на популярность – так можно было сказать о Джоне Фредерике Льюисе (1804-1876), даже если исходить только из тематики его картин. Экзотический Восток – таков был предмет интереса Льюиса. По поручениям своего дяди-книгоиздателя художник немало поездил по Европе, делая зарисовки для будущих книжных иллюстраций, но истинную свою любовь – Восток – нашёл во время путешествия в бывшую арабскую Испанию и в Марокко.

Затем были Константинополь и Каир, в котором Льюис остался почти на десять лет. Он вжился в этот город, стал одной из его «достопримечательностей». Уильям Теккерей, старый друг Льюиса, вывел его в одном из своих произведений.

Д.Ф.Льюис.Арабские ночи.Ок.1845 г.

Вернувшись в 1851 году в Лондон, Льюис привёз с собой множество набросков и целый ряд готовых акварелей на восточные темы. Его работы произвели в Англии фурор. Великолепное мастерство рисовальщика, виртуозное воссоздание диковинной для Запада цветовой гаммы, умение передать эмоциональную атмосферу совершенно обыденных сценок – всё это поставило Льюиса в первый ряд акварелистов своего времени.

Очень интересна творческая биография Сэмюэла Палмера (1805-1881), одного из столпов английского романтизма, писавшего маслом, акварелью, прекрасного гравёра, преподавателя, члена творческой группы «Древние», предвосхитившей некоторые идеи прерафаэлитов.

С.Палмер Персиковое дерево в саду обнесённом стеной 1829 г.

В творчестве Палмера ощущается серьёзное влияние Уильяма Блейка, с которым Палмер познакомился в молодости. Постепенно он отошёл от мистических сюжетов и полностью отдался пейзажной живописи, продолжая, тем не менее, развивать идеи Блейка в области цветовых решений.

Именно пейзажи принесли Палмеру широкую известность в Англии. Из двухлетней поездки в Италию художник привозит множество набросков, из которых впоследствии рождается «Итальянская серия». По единодушному мнению критиков, после поездки палитра Палмера становится ярче, богаче, а творческий почерк его становится значительно более самостоятельным и узнаваемым.

Впоследствии Палмер активно занимается преподаванием, иллюстрирует поэмы Виргилия, Мильтона. После его смерти творчество Палмера было незаслуженно забыто, а множество его работ по не вполне понятным причинам было сожжено его сыном Альфредом. Но уже в 20-е годы ХХ в. его поклонники организовали несколько выставок картин Палмера, и сейчас влияние его творчества отчётливо заметно в работах ряда современных английских акварелистов.

Значительное влияние на английскую акварель оказало творчество Энтони Вандейка Копли Филдинга (1787-1855). Его картины считались образцом элегантности, вкуса и завершённости, что снискало ему массу почитателей и последователей. В 1824 году он был удостоен золотой медали Парижского салона. Филдинг вёл активную преподавательскую деятельность и в течение многих лет возглавлял Общество акварелистов.

К.Филдинг. Замок Хэрлич.1855 г.

В редком для акварели жанре социального реализма работал Фредерик Уолкер (1840-1875). Блестящий художник, гравёр, иллюстратор, большую часть своих работ он посвятил Лондону. Колорит его работ очень тонко отражает жизнь большого города, в них нет той безмятежности, что свойственна большинству акварелей, даже изображающих городские виды. Уолкер был членом Английского и Бельгийского обществ акварелистов, а один из столпов прерафаэлитизма Джон Эверетт Милле считал его лучшим художником века.

Выдающимся маринистом викторианской эпохи был Сэмюэл Уолтерс (1811-1881), один из виднейших представителей Ливерпульской школы. Излюбленный сюжет Уолтерса – борьба двух стихий, воды и воздуха, изображая которые, художник великолепно использует весь арсенал акварели. Он был членом Ливерпульской академии художеств, многократно выставлялся в Королевской академии Лондона.

 С.Уолтерс. Лайнер Город Берлин. 1876 г.

Любопытно, что Уолтерс является представителем целой династии маринистов. Его отец Майлз был довольно известным художником, а сын Джордж (1838-1924) в полной мере унаследовал отцовский дар акварелиста.

Творчество Джорджа Уолтерса представлено в нашей коллекции.

Рамки статьи не позволяют рассказать обо всех выдающихся мастерах акварели, которыми так богата викторианская эпоха. Майлз Бёркет Фостер, Питер де Винт, Томас Кольер  и многие другие – все они составили славу английской живописи XIX века.

К началу ХХ столетия акварели приходится делить позиции с другими изобразительными средствами. Отчасти это объясняется подъёмом таких стилей, как абстракционизм, фовизм и других, представители которых применяли иные техники. Отчасти – чисто техническими причинами. Некоторые новые пигменты, применённые в акварелях середины века, оказались недолговечными, и картины выцвели, что вызвало некоторое разочарование публики. В технике акварели продолжали работать многие интересные мастера – Дэвид Вудлок (представлен в нашей коллекции), Айзек Тейлор и другие – однако «золотой век» явно подходил к концу.

С новой силой английская акварель возродилась после Второй мировой войны, однако эталоном английского стиля, гордостью британского изобразительного искусства остаются именно картины старых мастеров-акварелистов XVIII-начала ХХ веков, принёсших английской живописи неоспоримый авторитет в Европе.

наша КОЛЛЕЦИЯ СТАРИННОЙ ЖИВОПИСИ И АКВАРЕЛИ>>>

 

Шедевры мировой живописи: реалистичная архитектурная акварель Эдуарда Петровича Гау

Эдуард Петрович Гау (1807-1887) — русский художник, мастер архитектурной акварели.

Наибольшую известность художнику принесли акварели интерьеров известных зданий Москвы, Санкт-Петербурга, Гатчины, написанные по заказу императорской семьи. Только в Гатчинском дворце Гау было написано 59 акварелей.

Акварели Э.Гау — это безусловное высокое техническое мастерство: точное построение перспективы, тщательная прорисовка деталей, мастерство акварельной техники — отмывки. Акварельная техника отмывка — это многократное покрытие цветом слой за слоем, усиливая тональность.

Гатчинские акварели представляют собой особую ценность, поскольку Большой Гатчинский дворец был полностью сожжён во время Великой Отечественной войны, и эти картины служат ценным материалом при проведении реставрации интерьеров дворца.

Особая ценность акварелей художника заключается, прежде всего, в том, что по ним можно составить учебник по истории интерьера с середины XVIII века и почти до конца XIX века.

Наслаждайтесь!

1. Малиновый кабинет императрицы Марии Александровны в Зимнем Двореце,1860-е гг.

2. Будуар императрицы Марии Александровны в Зимнем Дворце,1861 г.

3. Бильярдная императора Александра II в Зимнем Дворце. 27х38

4. Вид Собора в Зимнем дворце, Ротонда.1866. 45х35

5. Галерея истории древней живописи в Новом Эрмитаже,1859. 44х30

6. Гатчинский дворец Большой кабинет

7. Гатчинский дворец. Башенный кабинет

8. Гатчина тронная Павла 1

9. Гатчина Овальная комната

10. Гатчина Уборная

11. Гатчина Китайская галерея 44х29

12. Гатчина кабинет Марии Федоровны

13. Гатчина Белый зал парадной половины Павла 150х60

14. Зимний дворец

15. Зимний дворец. Ванная императрицы Александры Федоровны

16. Зимний дворец

17. Зимний дворец

18. Зимний дворец

19. Зимний дворец

20. Зимний дворец

21. Зимний дворец

22. Зимний дворец

23. Зимний дворец

24. Зимний дворец

25. Зимний дворец

26. Зимний дворец

27. Зимний дворец

28. Зимний дворец

29. Зимний дворец

30. Зимний дворец

31. Зимний дворец

32. Эрмитаж

33. Эрмитаж будуар великой княгини Марии Александровны

34. Зимний дворец Петровский зал

35. Зимний дворц. Приемная наследника, великого князя Александра Николаевича

36. Зимний дворц. Пятый зал Военной галереи

37. Зимний дворц. Библиотека императора Александра II

38. Зимний дворц. Гостиная в стиле второго рококо

39. Малый Эрмитаж. Романовская галерея

40. Зимний дворец. Малия Церковь.

41. Эрмитаж. Зимний сад.

42. Эрмитаж. Павильонный зал.

43. Зимний дворец. Ванная великой княгини Марии Александровны.

44. Зимний дворц. Гардеробная императора Александра II.

45. Зимний дворц. Четвертая запасная половина. Угловой зал.

46. Зимний дворц. Четвертая запасная половина. Туалетная.

47. Турецкая комната в Екатерининском дворце Царского Села.

48. Зимний дворц. Четвертый зал Военной галереи.

49. Греческая галерея. 1880г.

50. Арсенал.1880г.

ИСТОРИЯ ТЕХНИКИ АКВАРЕЛИ | Путь к искусству

А.Дюрер. Лесное озеро

Расцвет акварели в Великобритании в конце 18 века нередко связывают с самим зарождением этой техники.

Однако художники уже на протяжении нескольких столетий использовали водорастворимые связующие с пигментами.

Еще в конце 15 века великой немецкий мастер Альберт Дюрер (1471-1538) создал замечательную серию натурных пейзажей, работая водными красками. В качестве основы Дюрер использовал пигмент и бумагу, сгущая цвет наложением дополнительных слоев краски и используя белизну бумаги для светлых участков.

В графике 17 века можно часто встретить монохромные рисунки, выполненные пером и чернилами, к которым добавлена размывка, а бывало, художники работали просто кистью и размывкой, как, например, Никола Пуссен (1594-1665) и Клод Лоррен (1600-1682). Преимущественно так выполнялись эскизы и наброски.

Формально их нельзя отнести к акварели, однако свободной техникой построения форм они во многом предвосхищают произведения последующих мастеров акварели.

На пути к реализму.

Венцеслав Холлар (1607-1677), художник из Праги, обосновался в Англии в 1636 году. Его панорамные виды английских городов и морского побережья были попытками дать точное отображение мест. Эта тенденция до поры до времени была маргинальной, уступая традиции воображаемого – идеального или героического – пейзажа, ориентированного на образ классической античности, как Пуссена или Клода Лоррена.

В середине и конце 18 века появились несколько художников, выбравших акварель в качестве основной своей техники.

Пол Сэндби (1725-1809) был одним из первых британских художников, осознавших неисчерпаемые выразительные возможности акварели. В его работах сочетаются и работа прозрачными слоями, и приемы кроющего письма. Его брат Томас (1723-1798), став архитектором, одновременно создавал и прекрасные акварельные работы, показывающие владение разными приемами этой техники.

Другие художники того времени, например Томас Гейнсборо (1727-1788), использовали акварель в основном для наделения цветом и тоном рисунков, сделанных углем. Его наброски и эскизы, исполненные энергично и живо, являются ярким примером быстрого, спонтанного письма.

Новый статус

К концу 18 столетия в сфере акварельной живописи стали лидировать два чрезвычайно талантливых художника – Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (1775-1851) и рано умерший Томас Гертин (1775-1802). Оригинальность и непосредственность их работ придали акварели совершенно новый художественный статус.

Акварельные работы отныне рассматриваются не как раскрашенные рисунки или подготовительные наброски для последующей живописи масляными красками, а как самостоятельные произведения.

Томас Гертин особенно активно стремился расширить диапозон выразительных возможностей акварели, материалов и техник. Молодой художник писал свои работы на плотной бумаге, выбирая фон, достаточно нейтральный по тону. Попробовал сузить цветовую гамму, он обнаружил, что может добиться необходимого эффекта, пользуясь ограниченным набором красок.

Впереди своего времени.

Однако волею судьбы главным первопроходцем в освоении всех возможностей акварели стал Тернер, владевший этой техникой так, как ни один художник до него и редко кто позже.

Уйдя от практики простого закрашивания линейного рисунка, он постоянно экспериментировал с цветом, вводя новые пигменты и новые виды бумаги. Тернер обращался с цветом очень свободно, первым стал работать «по сырому», смывал, промокал губкой или соскребал уже положенную краску.

У Тернера было много «конкурентов» и в Англии и во Франции. Они также внесли значительный вклад в развитие искусства акварели. Джон Констебл (1776-1842) делал этюды на пленэре, работая в сильной и непосредственной манере, нередко соскребая краску, чтобы придать поверхности определенную фактуру.

Открытия 19 века.

В середине и конце 19 века в Англии стали работать в технике акварели несколько интересных художников: это прежде всего Самуэл Палмер (1805-1881) и Альфред Уильям Хант (1830-1896). Во Франции выдвинулись Камиль Писсарро (1830-1903), Поль Сезан (1839-1906) и Поль Гоген (1848-1903). Сезан написал более 400 акварелей: он широко экспериментировал с приемами нанесения полупрозрачных мазков на белую бумагу и в жанре портрета и в пейзажной акварели, последовательно изучая взаимодействие света и цвета.

20 век

Одним из самых ярких мастеров акварели в 20 веке стал немецкий художник Эмиль Нольде (1867-1956). Как столетием ранее Тернер, он сумел расширить и переосмыслить уже ставшие привычными средства  и – шире – выразительные возможности акварельной живописи, обогатив ее новым строем чувств. Постоянно экспериментируя с материалами и техникой, он чувствовал акварель настолько, что даже брал краски в театр, работая в темноте на ощупь. Значительную часть в его огром ном наследии занимают акварели.

Источник: «Школа изобразительного искусства»

Авторы:Р.Смит,М.Райт,Д.Хортон

История акварели | Торговый центр Галереи

Акварель на протяжении нескольких сотен лет особенно ассоциируется с Англией. Однако его истоки уходят далеко в историю европейской живописи. В средние века использовались пигменты, состоящие из земли или растительных волокон, измельченных в порошок и связанных с жевательной резинкой или яйцом. Их наносили на пергамент для украшения рукописей, для изображения религиозных и (позднее) светских сцен, а также для обогащения прописных букв и орнамента границ.

— Автор: Эндрю Уилтон

The Artist Explorer был щедро финансирован Фондом Фойла.

---

---

Методы

Обычная практика заключалась в том, что сам цвет смешивался с непрозрачным пигментом, таким как свинцово-белила, что придавало ему «твердость» и большую хроматическую интенсивность. Это сделало его идеальным для декоративных работ, и с течением времени его использование становилось все менее и менее религиозным и становилось все более чисто декоративным. К 17 веку, хотя религиозные миниатюры продолжали выполняться акварелью или «телесным» цветом, среда все больше ассоциировалась со светскими предметами, такими как пейзаж или украшение веера.«Bodycolour» также известен под французским термином «гуашь».

Некоторые художники в то время начали правильно использовать акварель, то есть пигменты плавали в прозрачной среде воды, которая, вместо того, чтобы покрывать основу, позволяла ей сиять сквозь смывы цвета.

Для миниатюрных портретов использовалась белая подставка, например слоновая кость. Миниатюры были привезены из Германии при Генрихе VIII Гольбейном и доведены до изысканной обработки Николасом Хиллиардом и другими в течение десятилетий около 1600.

По мере того, как производство бумаги становилось все более сложным и случайные загрязнения и изменения цвета были устранены, стало возможным использовать акварель в качестве источника света в «тонированном рисунке». Среда особенно рекомендуется для использования в пейзажах, когда необходимо уделять должное внимание яркости неба.

Начало

Выдающиеся практики этой новой гибкой среды в 17 веке были северными европейцами. Голландские художники широко использовали ее для пейзажных сюжетов, а портативную акварель можно было использовать во время путешествий и использовать для съемки реальных мест.Художники-фанаты и некоторые декоративные пейзажисты продолжали использовать гуашь, но акварель зарекомендовала себя как естественная среда растущей национальной школы топографов.

Топографы-акварелисты

Они работали по указанию путешественников, коллекционеров и землевладельцев, которые хотели, чтобы находки антиквариата, здания, которыми они особенно восхищались, и их собственная собственность отмечены в аккуратной и скромной форме. Акварельные рисунки можно хранить в альбомах или портфолио; только более крупные и солидные части были обрамлены и вешаны на стены.

Но по мере того как профессия процветала, ее амбиции росли. С основанием Королевской академии художеств в Лондоне в 1768 году иерархия различных отраслей искусства стала фиксированной. Художники маслом были ранжированы по «важности» их работы; исторические сюжеты ценились (по крайней мере теоретически) больше, чем портреты; пейзажи и жанровые сцены еще ниже. Художники-акварелисты оказались в маргинальном положении.

Романтическая революция

Такое положение вещей спровоцировало революцию, когда в 1790-х годах несколько молодых художников начали заново изобретать акварель как средство, способное конкурировать на стенах Академии с маслом не только по богатству эффекта, но и по размеру и серьезности сюжета.

К концу века Томас Гиртин и Джозеф Мэллорд Уильям Тернер создавали большие, мощные «акварельные картины», обрамленные массивными позолоченными рамами, из-за чего «тонированный рисунок» казался устаревшим. На них оказали влияние такие континентальные акварелисты, как Луи Дюкро, которые создавали большие, богато окрашенные виды для рынка Гранд-Тур, но также были движимы духом романтизма, который вдохновлял художников и писателей в Британии времен Наполеоновских войн.

XIX век

Гиртин умер в 1802 году, но Тернер продолжал изобретать и революционизировать акварель до своей смерти в 1851 году. Вдохновленные своими достижениями, акварелисты создали свою собственную «академию», Общество художников акварели, в 1803 году; и вскоре после этого появились другие органы с аналогичными целями. Сам Тернер никогда к ним не принадлежал; он оставался верным Королевской академии всю свою жизнь.

Пример, который подали Тернер и Гиртин, побудил поколение мастеров: Джон Селл Котман, Дэвид Кокс, Питер де Винт и Уильям Генри Хант — все они выработали отличительные личные идиомы, в которых они выражали современное восхищение природой.Акварель и гуашь стали использовать в сочетании для еще более драматических эффектов.

Джон Фредерик Льюис усовершенствовал миниатюрную технику потрясающей точности, предвосхищая четкие детали прерафаэлитов. Джон Раскин поощрял новый стиль, основанный на его энтузиазме как по отношению к Тернеру, так и к прерафаэлитам, в котором сочетаются мелкие детали и широкие атмосферные эффекты, наиболее поэтично в творчестве идиллистов, некоторые из которых дожили до 20 века век.

ХХ век и за его пределами

Благодаря своим бесконечно оригинальным переосмыслениям среды, Тернер неизменно оказывает влияние на художников-акварелистов.Другой герой — Котман, чей чистый, лаконичный дизайн и безукоризненно уложенные белья обратились к любви XX века к абстрактному. Два общества XIX века все еще процветают — это Королевское общество акварелистов и Королевский институт художников акварели. В более широком мире выдающимся представителем медиума является Дэвид Хокни, который недавно сделал серию больших портретных рисунков акварелью.

© Эндрю Уилтон, 2009 г.

Изображение предоставлено

Сверху вниз:

Дж.М. В. Тернер, Великие водопады Райхенбаха, © Trustees, Художественная галерея Сесила Хиггинса, Бедфорд, Англия.

Томас Гиртин, Вестминстер и Ламбет, рисунок, © Попечители Британского музея.

Альфред Уильям Хант, 1830-1896 гг. Пирс Тайнмута зажигает лампы на закате. 1868. Акварель, немного тона, резинка, соскоб. 14 5/8 x 21 1/4 дюйма. (37,1 х 54 см). Йельский центр британского искусства, Paul Mellon Fun. B1980.3.

Джон Селл Котман, Drop Gate, © Попечители Британского музея.

Дж. М. В. Тернер, The Blue Rigi, Sunrise, © Tate, London 2009.

.

Акварельная живопись: техники, истоки, история

ИСТОРИЧЕСКОЕ РАЗВИТИЕ Список важных дат в эволюции живописи, включая движений, школ, стилей и известных художников, можно найти на: Хронология истории искусства.

Акварель Техника В «чистой» акварельной живописи (иногда называется «английский метод») белый цвет не используется.Вместо пятен или пятен белой бумаги оставляют неокрашенными, чтобы изобразить белые объекты или отраженные свет. Цветовые тона и атмосферные эффекты достигаются окрашиванием бумага во влажном состоянии с различным количеством цветных пигментов. Именуется как «стирка», этот метод также можно использовать для минимизации или стирания отдельных мазки кистью или для создания больших участков аналогичного цвета (например, голубого неба). Художник контролирует эффект этих смывок, варьируя разбавление. пигментов.Дж. М. В. Тернер — возможно, величайший английский акварелист — предпочитал добавлять белый цвет в свои картины и использовал другие методы для создания его уникальные эффекты света. (Для интерпретации великих картин, в том числе акварели, см .: Известные картины Проанализировано). Происхождение и история Акварель датируется пещерой каменного века живопись, когда в раннем палеолите человек впервые нарисовал изображения животных и люди в своих пещерах, используя древесный уголь, охру и другие природные пигменты.Позже он был популяризирован в египетском искусство после открытия папируса (бумаги). Однако папирус очень хрупкие и единственные картины, сохранившиеся с древнеегипетских эпохи те, что были похоронены в пирамидах в сухих условиях. В традиционных Китайское искусство, акварель развивались около 4000 г. до н.э., в первую очередь как средство декоративной искусство. К 4 веку нашей эры акварельные пейзажи стали популярными. как самостоятельная форма китайского живопись, и в конечном итоге будет доминировать во всей китайской живописи кистью.Руководство по принципам восточного изобразительного искусства и ремесел см .: Традиционное китайское искусство: Характеристики. В средние века в Европе акварели были используется для создания освещенных рукописи и цветные карты. В эпоху Искусство эпохи Возрождения их использовали для изготовления портретных миниатюр или создания этюды с натуры. Акварель Живопись XV и XVI веков Современная акварель имеет свои корни в эпоху Северного Возрождения.Его первым высшим практикующим был немецкий художник Альбрехт. Дюрер (1471-1528), предвосхитивший многие английские акварели техники в серии великолепных этюдов растений и пейзажей. Дюрер был одним из первых художников, осознавших потенциал этой среды. Его ранние акварельные картины были сосредоточены на изображении топографии, но время он уделял гораздо большее внимание захвату атмосферы. Он также произвел очень реалистичные этюды природы, обычно сочетая акварель бумага, гуашь.Известные примеры включают A Young Hare (1502) и Great Piece of Turf (1503, Graphic Collection, Альбертина, Вена). Однако, несмотря на старания фламандских художников Барокко и голландское барокко школы, среда — за исключением ботанических иллюстраций или иллюстраций дикой природы, который развил свою собственную традицию акварели — в значительной степени ограничиваются подготовительными набросками или большими масштабные дизайнерские чертежи, до тех пор, пока не появились английские акварелисты. в конце восемнадцатого века. XIX век Английская школа акварелистов Сегодня акварель связаны с достижениями английской школы пейзажистов (особенно Пол Сэндби, Томас Гиртин и Дж. М. В. Тернер). Эта группа была действовавший с конца 18 до середины 19 века, так называемый Золотой век акварели. Изначально художники ограничивали свои картины. подкрашивать смывки.Это рисунок, сделанный тушью или карандаш, а кисть и вода используются, чтобы размазать чернила, чтобы создать оттеночный эффект. Допускался ограниченный диапазон цветов, но в целом эффект получился довольно монохромным. Хотя некоторые художники продолжали создавать тонированные рисунки, другие начали раздвигать границы. Такие артисты, как Уильям Парс (1742-82), Джон Уорвик Смит (1749-1831), Томас Гиртин (1775-1802) и Тернер, начали использовать более широкую палитру более ярких цветов для создания более живописный эффект.Акварели вскоре стали популярными во всем мире. Великобритания с ростом количества изображений дикой природы и растений, а также новыми требованиями для художников-пленэров, чтобы воспроизвести сцены и топографию обоих туристические и военные объекты, а также археологические и антропологические памятники. экспедиции по всему миру для документирования изображений флоры и фауна. Возник новый романтический стиль акварельной живописи. Использование грубой текстуры бумага, краска была нанесена более свободной кистью, чтобы уловить мимолетные эффекты в пейзаже.Среди популярных художников-акварелистов-пейзажистов Давид Кокс (1783–1859), Корнелиус Варлей (1781–1873) и Сэмюэл Праут (1783–1852). Восстание акварели Общества Англия В 1804 году группа ведущих художников-акварелистов основала Общество Художники акварелью , позже ставшая королевской акварелью Общество (RWS). Среди учредителей были Фрэнсис Николсон, Сэмюэл. Шелли, Уильям Фредерик Уэллс, Джон Гловер, Уильям Генри Пайн и Роберт Хиллс.В настоящее время известные члены включают леди Элизабет Вайолет Блэкэддер, шотландский художник и гравер. Ее работы можно увидеть в музее. современного искусства, Нью-Йорк и галерея Тейт. Также Дэвид Ремфри лучший известен своими акварельными рисунками городских ночных клубов и городских пейзажей в натуральную величину (он получил MBE за заслуги перед британским искусством в 2001 году). Royal Институт художников акварели , основанный в 1831 году на конкурсе. Королевскому акварелистическому обществу также очень активно сегодня.Примечательный Со временем в ее состав вошли иллюстратор детских книг Кейт Гринуэй. (1846–1901), карикатурист сэр Куттс Линдси (1824–1913), Vanity Ярмарка иллюстратор Джон Хассалл (1868-1948) и внучка королевы Виктории Принцесса Патрисия Коннахтская. Ирландия В республике акварель Ирландское общество (WCSI) было основано в 1870 году. На протяжении многих лет его члены WCSI включали таких известных ирландских художников, как: Роза Бартон (1856-1929), Джордж Кэмпбелл (1917-79), Лилиан Дэвидсон (1893-1954), Жерар Диллон (1916-71), Перси Френч (1854-1920), Милдред Энн Батлер (1858-1941), Летиция Гамильтон (1878-1964), Пол Генри (1876-1958), Гарри Кернофф (1900-74), Морис МакГонигал (1900-79), Нора МакГиннесс (1901-80), Фрэнк Маккелви (1895-1974), Уолтер Осборн (1859-1903), Нано Рейд (1905-81), Джордж Рассел (AE) (1867-1935) и Джек Б.Йейтс (1871-1957). В Северной Ирландия, Ольстер Общество акварели (UWS) было ведущей организацией. Члены в число последних вошли такие выдающиеся артисты как: Глэдис Маккейб (р. 1918) и Морис Уилкс (1910-84). Америка Акварелью занимались также американские художники, особенно Уинслоу. Гомер (1836-1910), находившийся под сильным влиянием барбизонов. Школа, Уильям Трост Ричардс (1833-1905), Генри Родерик Ньюман, и Джон ЛаФарж (1835-1910). Американское общество акварелистов (первоначально Американское общество художников акварели ) было основана в 1866 году. 20-й Века акварелистов Выдающиеся художники-акварелисты ХХ века включили русского абстрактного художника Василия Кандинский (1866-1944), швейцарский модернист Поль Клее (1879-1940) и французский художник-экспрессионист Рауль Дюфи (1877-1953).В Соединенных Штатах известные художники-акварелисты включены: Томас Икинс (1844-1916), Джон Марин (1870-1953), Морис Прендергаст (1859-1924), Эдвард Хоппер (1882-1967), Лионель Фейнингер (1871-1956) и Эндрю Уайет (1917-2009). Американские художественные движения, поддерживающие акварельное искусство, включали как Ohio Школа (из Художественного музея Кливленда) и California Scene (из Академии CalArts). Список известных Картины акварелью Очень мало акварельных картин, если таковые имеются, так же известны, как картины маслом.Есть несколько причин для этого. Во-первых, акварельные краски тускнеют намного быстрее, чем масляные краски при воздействии света. Они теряют живость и могут выглядеть «смывается» очень быстро — не самая лучшая формула, когда дело касается публики признательность. Поэтому лучшие художественные музеи обычно демонстрируют свою акварельную коллекцию только в течение ограниченного периода времени времени. Все остальное время картины хранятся в темноте. подвалы с регулируемой температурой.Во-вторых, большинство акварелей нарисовано на бумаге, которая более подвержена повреждениям и гниению, чем холст или дерево. В результате у большинства шедевров акварельной живописи просто нет выдержал испытание временем. Для объяснения ландшафтов девятнадцатого века или двадцатого века, см .: Анализ современной живописи (1800-2000). Ниже приводится список акварелей. картин, которые стоит посмотреть: — Альбрехт Дюрер: Молодой Заяц (1502, Альбертина, Вена) — Уильям Блейк: Pity (1795, Коллекция Тейт) — Томас Гиртин: Замок Берри Померой, Девон (1798, частная коллекция) — Федор Алексеев: Монастырь Троицы (1800, Бруклинский музей) — Джон Селл Котман: Акведук Чирк (1804, Музей Виктории и Альберта) — JMW Turner: S.Джорджо Маджоре: Раннее утро (1819, Коллекция Тейт) — Джон Констебл: Этюд облаков и деревьев (1821, Британский музей) — Ричард Паркс Бонингтон: Руан от набережной (1821, британский Музей) — Эжен Делакруа: Saada (1832, Метрополитен-музей, Нью-Йорк) — Джон Констебл: Стоунхендж, (1835, Музей Виктории и Альберта, London) — JMW Turner: Flint Castle (1838, частная коллекция) — JMW Turner: Dawn after the Wreck (1840, британский Museum) — JMW Turner: The Blue Rigi, Sunrise (1842, Тейт Лондон) — Россетти: годовщина о смерти Беатрис (1853, Эшмоловский музей) — Лоуренс Альма-Тадема: Фауст и Маргарита (1857, частное собрание) — JMW Turner: Закат над разрушенным замком (1868, собрание Тейт) — Иван Крамской: Портрет С.И. Крамской (1880, Третьяковская галерея, Москва) — Мэри Кассат: Автопортрет (ок. 1880, Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия) — Винсент Ван Гог: Зуав (1888, Метрополитен-музей Нью-Йорка) — Чайльд Хассам: Лошадь Нарисованные такси вечером (1890, частное собрание) — Морис Прендергаст: Дамы под дождем (1893, Форт-Лодердейл) Museum) — Морис Прендергаст: Гранд-канал, Венеция (1899, Даниэль Дж. Терра Коллекция) — Эмиль Нольде: Пшеничное поле (1900, частная коллекция) — Эгон Шиле: Maedchen (1911, частное собрание) — Робер Делоне: Homage to Bleriot (1914, Musee d’Art Moderne, Париж) — Egon Schiele: Сидящая женщина с согнутым коленом (1917, Narodni Galerie, Прага) — Джорджия О’Киф: обнаженная Серия VII (1917, Музей GO’K, Санта-Фе) — Эмиль Нольде: Красные маки (1920, галереи Леонарда Хаттона, Нью-Йорк) — Джон Марин: Острова Мэн, (1922, Коллекция Филлипса, Вашингтон) DC) — Эдвард Хоппер: Мансардная крыша (1923, Бруклинский музей) — Пауль Клее: Часть G (1927, Staatliche Museen, Берлин) — Xul Solar: Palacio Almi (1932, Museo XS, Буэнос-Айрес) — Эдвард Бурра: Иззи Ортс (1955, Галерея современного искусства, Эдинбург) — Эндрю Уайет: Field Hand (1985, Национальная галерея искусств, Вашингтон) DC)

.

PPT — История акварельной живописи Презентация PowerPoint, скачать бесплатно

История акварельной живописи

Цели • Поймите, что Альбрехт Дюрер — западный художник, который начал кардинальные изменения в акварельной живописи • Узнайте важность вклад различных художников в акварельную живопись • Признать особенности акварельной живописи • Понять влияние изобретения бумаги на акварельную живопись • Признать превращение акварельной живописи из ремесла в изобразительное искусство • На временной шкале разместите акварельную живопись как она есть начало развиваться в изобразительное искусство после эпохи Возрождения

В начале… • Использование акварели восходит к доисторическим временам с изображением пещерных людей на стенах пещер • Некоторые иллюминированные рукописи были выполнены акварельной краской • Так было только до Об.D. 500. акварельная живопись стала считаться изящным искусством, когда китайские поэты-художники помогли ей превратиться в декоративное искусство на Востоке. • Китайские и японские мастера рисовали на шелке, а также на изысканной бумаге ручной работы. • Их искусство было наполнено каллиграфией, но основным изображением обычно был пейзаж. • Эта особенность стала центральной темой западных акварельных традиций в последующие века.

Изобретение бумаги • Бумага также сыграла важную роль в развитии акварели.• В Китае с давних времен производят бумагу. • Арабы узнали свои секреты в восьмом веке. • Бумага импортировалась в Европу до тех пор, пока первые бумажные фабрики не были наконец созданы в Италии в 1276 году. • Несколько других фабрик появились позже в других частях Европы, в то время как в Англии были созданы свои первые фабрики к 1495 году. производился в Великобритании гораздо позже, в восемнадцатом веке.

Акварель как набросок… • Поскольку в те ранние века бумага считалась предметом роскоши, традиционная западная акварельная живопись развивалась медленно.• Увеличение доступности бумаги к четырнадцатому веку, наконец, сделало возможным рисование как художественную деятельность. • Таким образом, художники, такие как Леонардо да Винчи и Микеланджело, начали разрабатывать рисунки как инструмент для практики и записи информации.

Альбрехт Дюрер • На Западе Альбрехту Дюреру (1471-1528) приписывают повышение уровня акварели и он начал использовать их не только для рисования и планирования. • В первую очередь художник-гравер, он искал способ раскрашивать области своих отпечатков и в итоге использовал комбинацию прозрачной и непрозрачной акварели для создания цветных рисунков.Волочильный стан. 1489. Бумага, акварель, гуашь

Альбрехт Дюрер • (немецкий) • Молодой заяц 1502, бумага, акварель, гуашь, 25 x 23 см

Альбрехт Дюрер • Большой кусок дерна, 1503 акварель, гуашь на пожелтевшей бумаге 41 x 32 см

Бумага в Англии после 1768 года • В 1770 году в Англии начали производить бумагу, специально предназначенную для акварельных красок.• Благодаря производству бумаги более высокого качества в Великобритании появилась первая национальная школа акварелистов. • Эта акварельная традиция началась с пейзажных рисунков конца семнадцатого и начала восемнадцатого веков, когда Британия начала расти как мировая держава. • На этих картах, похожих на карты, были изображены морские порты, а также окружающий пейзаж. • Самым талантливым акварелистом этого периода был Джозеф М.В. Тернер (англ., 1775–1851), который впоследствии стал одним из величайших художников XIX века.Его пейзажи повлияли на десятки художников в последующие десятилетия.

Джозеф Маллард Уильям Тернер • Дж. М. У. Тернер (1775–1851) (английский) наносил новые прозрачные и непрозрачные акварели губками, тряпками и ножами, а также кистями. • Он считается частью оригинальной английской (прозрачной) акварельной школы. • В течение многих лет английские художники-акварелисты были более искусными, чем любые другие художники в мире Замок Варкворт, Нортумберленд — Гроза приближается на закате солнца.1799. Бумага, акварель

Джозеф Маллард Уильям Тернер Вид на Сен-Жермен-и-Лэ и его замок. Акварель на бумаге

Ранние акварелисты отшлифовали свои пигменты, но к в конце восемнадцатого века англичанин Уильям Ривз продавал их в переносных тортах. • В 1846 году компания Winsor & Newton представила цвета в металлических тубах. • Эта развивающаяся технология побуждала многих европейских художников экспериментировать с акварелью, пока в конце концов традиция не распространилась в Америке.

Запечатлеть НОВЫЙ МИР на бумаге • Самые ранние акварельные рисунки, созданные в Америке, были созданы для фактического документирования «нового мира». • Еще ​​в 1560-х годах европейские исследователи перенесли эту визуальную информацию в «старый мир».

Америка постепенно превосходит • Европейские акварелисты все еще превосходили американцев. • Постепенно опытные и талантливые художники из Америки начали создавать произведения искусства, которые бросали вызов европейским художникам.• Американские художники считали акварель основным средством, равным масляной живописи. • Это не было обычным явлением в Европе девятнадцатого века, за исключением Англии. • К 1866 году интерес к технике был сильным, и акварель впервые была показана в галереях среди картин, написанных маслом.

Американские художники берут на себя инициативу • Вклад Америки в международную акварельную традицию не имеет себе равных. • Хотя британцы доминировали над этой традицией в прошлом, американские художники создали большое количество разнообразных акварельных работ, не имеющих аналогов в мире с конца восемнадцатого века.• Такие художники, как Уинслоу Гомер, Джон Сингер Сарджент, Джон Джеймс Одюбон, известны своими крупными акварельными красками.

Winslow Homer (американец) 1836-1910Boys and Kitten, 1873

Winslow Homer Голубая лодка 1892 Акварель

JOHN SINGER SARGENT 9000-1925, Muddy 1856 1917

Джон Сингер Сарджент Сиеста гондольеров 1904

Джон Джеймс Одубон • Картины дикой природы Америки Джона Джеймса Одубона (американец, 1785–1851) стали знаменитыми.• Одюбон провел свое первое исследование в 1805 году. В конце концов он посвятил себя рисованию животных и растений Северной Америки с таким мастерством, с которым не мог сравниться ни один другой художник в любой другой среде. Виргинская куропатка, 1829

Джон Джеймс Одюбон Трубач Лебедь Золотой орел

Акварельные картины сегодня

.Онлайн-курс

: Акварельная живопись — обучение шаг за шагом с инструктором

В этом курсе вы изучите основы одного из самых устойчивых видов искусства в нашей культуре: акварельной живописи. Это самый простой способ выразить себя через искусство, и он имеет долгую историю преподавания великих художников их первым урокам по различным предметам, от правильной техники до принципов дизайна. Большинство книг и курсов требуют большого количества самостоятельных занятий и упускают из виду главное — научиться рисовать — получать удовольствие! В курс включены советы профессиональных художников, примеры некоторых из когда-либо созданных великих акварельных работ, а также инструкции, которые помогут вам от того, что вы никогда не брали в руки кисть, до завершения своей первой полноценной картины в кратчайшие сроки.Также обязательно убедитесь, что вы изучаете правильные вещи в нужное время, и что у вас есть время, чтобы позволить знаниям впитаться, прежде чем бросаться к следующей концепции.

Мы позаботимся о том, чтобы вас не напугали длинные проходы в магазине товаров для искусства, заполненные тысячами различных типов красок, кистей и других инструментов. Вы сможете говорить как о разговоре, так и ходить пешком, поскольку мы разделяем значение таких вещей, как «ширина живота» вашей кисти или «ценность» вашей краски.Вы сможете мгновенно поделиться своим подарком с другими и стать частью международного сообщества художников, насчитывающего сотни лет. Если вы просто ищете что-то новое в свободное время или, возможно, начинаете новую карьеру, этот курс разработан для вас.

Акварель называют «удивительно неукротимым материалом». Автор одной из премьерных книг об искусстве, Кэти Джонсон, пишет далее, что оно живое и имеет собственное мнение. Работа акварелью действительно может сводить с ума.Однако эффект от создания работы, отражающей образ в вашем уме, может быть более удовлетворительным с акварелью, чем с любым другим видом искусства. Даже мастера акварели, в конце концов, остаются рабами настроения своей кисти. Независимо от того, только вы начинаете или занимаетесь этим сорок лет, ваш контроль над кистью никогда не будет идеальным, и это часть удовольствия!

Акварель — первая форма искусства, с которой сталкиваются многие начинающие художники. Наборы для акварели намного дешевле, чем собирать дорогие флаконы с краской, и проще, чем научиться смешивать идеальный набор оттенков с цветом, который вам нужен, когда дело доходит до масляной живописи.Фактически, в большинстве художественных программ начальной школы каждый ребенок берет кисть хотя бы один раз, вымачивает ее в воде, растирает ею по маленьким цветным таблеткам и вытирает кисти о толстый кусок строительной бумаги или текстурированной бумаги холодного отжима. Здесь маленькие дети создают свое первое дерево, свою первую птицу, свой первый портрет друга, прежде чем в бой вступят такие термины, как «предмет» или « sti l l life ».

Акварель — это то, что может делать каждый, и это можно делать практически где угодно.И все же, если этот вид искусства укоренится в душе, как это произошло с миллионами других людей, существуют профессиональные инструменты и методы, которые могут вывести ваше хобби на новый уровень. Знание акварели может приблизить вас к искусству в целом, позволяя лучше понять картины, которые вы посещаете в художественных галереях или музеях.

Да, акварель предназначена не только для школьников, которые учатся воспроизводить окружающий мир. На самом деле акварель может быть самой старой формой живописи в мире.Наряду с наскальными рисунками углем и резьбой по камню древние люди сочетали воду с различными формами пигментации, смешивая цвета, которые можно было использовать для рисования на стенах пещер и на каменных или деревянных иконах. По мере развития цивилизации развивалась и эта форма искусства. Египтяне использовали акварель для рисования папируса и пергамента.

На другой стороне известного древнего мира акварель утвердилась в Китае шесть тысячелетий назад, и на самом деле акварельная живопись из Азии, возможно, более известна, чем элитная акварельная живопись Европы эпохи Возрождения.До этого времени большая часть акварельной живописи была написана на каменных стенах или горшках. Однако достижения в производстве бумаги позволили этой форме искусства стать портативной и использоваться в создании отдельных картин. Ведущим акварелистом из Европы той эпохи был Альбрехт Дюрер , немецкий художник, который стал очень известным в свое время и является считается одним из величайших художников, которые когда-либо жили. Его известность во многом проистекала из того, что он импортировал на север итальянские инновации и свои собственные изобретения, которые подняли акварельную живопись на высокий уровень.

Отцом современной акварельной живописи является Альбрехт D ü rer — один из величайших художников в истории. Он считается величайшим художником северного Возрождения и находится в том же эшелоне художественного совершенства, что и Леонардо да Винчи и Микеланджело на юге. Но он был не просто великим художником. Он был двигателем инноваций в искусстве гравюры, резьбы по дереву и акварели. Он был известен прекрасными деталями, которые он мог передать с помощью своих акварелей, что можно увидеть в этом исследовании под названием Wing of a R oller , завершенном в 1512 году.Как и многие другие люди его времени, он много писал об искусстве и художественной технике.

Его акварели являются одними из наиболее изученных картин в европейской истории. Он разработал концепцию акварельных пейзажей, которые являются одними из самых распространенных видов искусства, которые можно увидеть в современных галереях. Он также импортировал достижения из Италии эпохи Возрождения на север и стал апостолом этих революционных методов в Германии и других северных государствах. Но известно, что он превзошел мастерство всех своих итальянских современников, в том числе в использовании венецианской синей бумаги, которая позволила создать большие контрасты в работах акварелистов.

Акварель иногда используется как общий термин для обозначения всех красок на водной основе, включая акриловую краску — одну из самых распространенных современных средств. В этом курсе основное внимание уделяется использованию прозрачной акварели, так как использование акриловых красок или темпура — это совсем другой вид искусства, требующий других инструментов и техник. Это не означает, что акварельная живопись не может помочь вам в других формах искусства и использовании другие среды. Фактически, непредсказуемая природа акварельной живописи позволяет отточить свои техники и усовершенствовать манипуляции с краской на странице или холсте, поскольку использование масляных или акриловых красок может быть более требовательным, постоянным и может предложить меньше опыта в экспериментах. .

Акварельные картины, которым впервые подвергаются многие люди, — это не европейские работы, а работы китайских и японских мастеров. В этой части мира акварель является доминирующей формой искусства, тогда как в Европе и США масляная или акриловая живопись обычно более популярна. Здесь живопись выполняется на бумаге, а также на экранах, чтобы создать декоративные дверные проемы, настенные покрытия и даже одежду. Еще одно популярное использование акварели — в освещенных рукописях Европы, где яркий свет может проходить через бумагу и рисовать, создавая блестящий эффект.Почти у каждого известного художника есть работы, выполненные акварелью, но почти все великие книги средневековья имеют знаменитые рукописи, выполненные акварелью, оживляя их страницы так, как это может сделать только акварель.

Итак, акварель — это больше, чем просто форма превращения ваших мыслей в искусство. Это не просто ступенька к более сложным художественным средам. Акварель сама по себе является одним из важнейших методов создания искусства. Занимаясь акварельной живописью, вы соединяетесь со своими древними предками, с самыми блестящими артистическими умами, которые когда-либо жили, и с культурой современников, которые продолжат этот великий вид искусства в будущем.

.