Солнце (2017)

Христианство сегодня (2000)

Times, Sunday Times (2015)

Гошгарян, Гэри Исследуя язык (6-е изд) (1995)

Солнце (2011)

Times, Sunday Times (2015)

Times, Sunday Times (2012)

Гошгарян, Гэри Исследуя язык (6-е изд.) (1995)

Times, Sunday Times (2011)

Times, Sunday Times (2016)

Подробнее …

Times, Sunday Times (2009)

Times, Sunday Times (2012)

Times, Sunday Times (2015)

Times, Sunday Times (2007)

Times, Sunday Times (2013)

Солнце (2011)

Литературное приложение к The Times (2014)

Солнце (2012)

Times, Sunday Times (2012)

Солнце (2010)

Times, Sunday Times (2008)

Солнце (2016)

Определение искусства Мерриам-Вебстер

2 : демонстрирует творческое мастерство в аранжировке или исполнении. художественная фотография

Об искусстве — Что мы на самом деле имеем в виду — Smashing Magazine

Краткое резюме ↬ Марк Ротко, американский художник, описавший себя как художник-абстракционист , однажды сказал, что он не из тех людей, которых интересуют отношения формы, цвета или чего-то подобного.Он определил себя не как абстракционист, а как человек, заинтересованный только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее. Это видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно дать определение концепции?

Марк Ротко, американский художник, назвавший себя «художником-абстракционистом», однажды сказал об искусстве, что он не из тех людей, которых интересуют отношения между формой, цветом и т. Д.Он определил себя не как абстракционист, а как человек, заинтересованный только в выражении основных человеческих эмоций, таких как обреченность, трагедия, экстаз и так далее. Это видение искусства одним человеком, но что мы понимаем под искусством сегодня? Почему так сложно дать определение концепции?

Эта статья представляет собой исследование значения искусства и попытку понять отношения между искусством и художниками, с некоторыми полезными идеями через интервью как с традиционными, так и с цифровыми художниками.

Дополнительная литература по SmashingMag:

1. Об искусстве — что это?

Этот вопрос возникает часто и имеет множество ответов. Многие утверждают, что искусство не может быть определено. Мы можем сделать это несколькими способами. Искусство часто считается процессом или продуктом преднамеренного расположения элементов таким образом, чтобы они обращались к чувствам или эмоциям. Он охватывает широкий спектр человеческой деятельности, творчества и способов выражения, включая музыку, литературу, кино, скульптуру и живопись.Смысл искусства исследуется в области философии, известной как эстетика. По крайней мере, так утверждает Википедия.

Давайте рассмотрим основную часть TypeScript и то, как его правильно использовать. В своем предстоящем онлайн-семинаре «Мастер-класс TypeScript» Стефан Баумгартнер подробно расскажет о системах типов и о том, как их правильно использовать при написании JavaScript. Онлайн, а живут . 5–19 августа 2021 г.

Искусство обычно понимается как любая деятельность или продукт, осуществляемый людьми с коммуникативной или эстетической целью — что-то, что выражает идею, эмоцию или, в более общем смысле, мировоззрение .

Это компонент культуры, отражающий в своем дизайне экономические и социальные основы. Он передает идеи и ценности, присущие каждой культуре, в пространстве и времени. Его роль со временем меняется, приобретая здесь эстетический компонент, а там — социально-образовательную функцию.

Все, что мы сказали до сих пор, содержит элементы правды, но в основном это мнение. Согласно Википедии, «искусствоведы и философы искусства давно ведут классификационные споры об искусстве относительно того, следует ли классифицировать определенную культурную форму или произведение как искусство.”

Определение искусства открыто, субъективно, спорно. Между историками и художниками нет единого мнения, поэтому у нас остается так много определений искусства. Сама концепция изменилась на протяжении веков.

Само понятие искусства и сегодня продолжает вызывать споры, поскольку открыто для множества интерпретаций. Это может быть просто означать любую человеческую деятельность или любой набор правил, необходимых для развития деятельности. Это расширило бы понятие за пределы того, что обычно понимается как изобразительное искусство, теперь оно расширено, чтобы охватить академические области.У этого слова есть много других разговорных значений.

В этой статье мы имеем в виду искусство как форму человеческого выражения творческой природы .

2. Эволюция концепции искусства

Хотя определение искусства с годами изменилось, область истории искусства развивалась, чтобы позволить нам классифицировать изменения в искусстве с течением времени и лучше понять, как искусство формируется и формируется творческими импульсами художников.

Таким образом, важно иметь твердое представление об истории искусства.Я поговорил с Александром Даниловым и Джонатаном Боллом о концепции искусства через историю и о том, возможно ли проследить линию через традиционное и современное искусство.

Александр Данилов — русский художник, живущий и работающий в Италии. Его фокус — живопись, хотя он работал в нескольких медиа. В последнее время работает над детскими иллюстрациями. Он участвовал в различных мероприятиях и конкурсах иллюстраций и иллюстрировал три книги. Он провел множество индивидуальных и групповых выставок в Италии, России, Голландии, Испании, Финляндии и США.

Джонатан Болл является творцом Poked Studio, инновационной компании, стремящейся разрабатывать креативные визуальные решения. И это еще не все: среди своих услуг Poked Studio предлагает иллюстрации; Веб-дизайн, графический и блог-дизайн; 3-D рендеринг и визуализация; графики движения; детская книжная иллюстрация; Flash-сайты; и игры.

Вопрос: Можем ли мы проследить линию от традиционного искусства к современному?

Александр Данилов: Я не думаю, что мы можем что-либо сказать, не впадая в полемику, даже я.Я придерживаюсь традиционного взгляда и предпочитаю произведения искусства, которые говорят о художнике или периоде. Я не могу объяснить, что такое современное искусство или, по крайней мере, чем оно должно быть. Да, вы можете провести линию от традиционного искусства к современному, но не прямую. Возможно, это парабола, которая идет вверх, а затем вниз, или спираль. Мы не знаем. Все, что мы можем сказать, это то, что рынок искусства развился, что влияет на само искусство. В том, что мы называем современным искусством, слова и объяснения всегда имеют большее значение.

Изобразительное искусство преобразовано статьями и критическими эссе; Между тем сами произведения немели.В театре кураторы и критики заняли первые ряды. Это мой взгляд на разницу между современным искусством и традиционным.

Лично я предпочитаю искусство, измеряемое в человеческих измерениях: искусство, которое шепчет и не кричит, искусство, которое покрывает меня и заставляет летать, но не сокрушает. Но должен признаться, некоторые из этих современных вещей меня привлекают; например, настенная живопись (граффити) и абстрактные вещи.

Джонатан Болл: Да, безусловно [мы можем провести черту от традиционного искусства к современному]. Используются многие из тех же техник, только немного по-разному и с разными инструментами.Те же принципы применимы, как бы вы ни создавали искусство.

Я вижу линию, проходящую через стилизованные формы японского искусства, такие как Хокусай, и современные стилизованные графические иллюстрации.

Вопрос: По сравнению с эволюцией традиционного искусства, как бы вы описали развитие цифрового (или нового медиа) искусства?

Джонатан Болл: Очевидно, что цифровое искусство развивалось намного быстрее, чем тысячи лет ручной работы.Целое поколение воспитывалось на «Фотошопе» и других инструментах, тогда как предыдущие поколения использовали ручку и карандаш.

Тем не менее, я считаю, что цифровое искусство все еще находится в зачаточном состоянии. Несмотря на то, что кажется огромным прогрессом в компьютерном оборудовании, общие вычисления и даже вычисления, доступные большинству дизайн-студий, просто недостаточно быстры, чтобы легко воспроизводить искусство в масштабе и уровне детализации, возможном с помощью традиционных носителей. Сходите в любую национальную галерею, и вы увидите работы огромного масштаба.Попробуйте воспроизвести 10-футовый холст с разрешением нарисованного вручную произведения искусства в трехмерной программе, и вы обнаружите, что это не справляется. Фактически, большинству программ будет сложно отобразить детальное изображение, скажем, с разрешением 300 точек на дюйм и размером всего A4.

Хотя картина может показаться просто пятнами и пятнами, когда вы подойдете к ней поближе, узоры сами по себе красивы, полны цвета, интенсивности, насыщенности и текстуры. Подойдите ближе к цифровому искусству или к экрану телевизора, и вы увидите беспорядок искажений и артефактов.

Когда разрешение экрана сравняется с разрешением печатных носителей, и когда компьютерные технологии позволят нам легко создавать большие, детализированные работы на высокой скорости, тогда цифровые технологии догонят традиционные носители.

Большая часть цифрового искусства начала 21 века предназначена для просмотра на устройствах с низким разрешением. Большая часть этого искусства устареет, когда в следующем столетии будут разработаны экраны и устройства с более высоким разрешением. И многое из того, что хранилось только на жестких дисках, будет потеряно навсегда, поскольку диски выходят из строя, а веб-сайты закрываются или разрабатываются заново.

Мне жаль, что так много великих произведений воспроизводится с таким ограниченным разрешением и масштабом и не хранится таким образом, чтобы сохранить их в безопасности для будущих поколений.

Вопрос: Расскажите об искусстве и своем любимом художественном движении.

Джонатан Болл: Сложно, потому что мне нравится очень много стилей. Но я считаю, что если я нахожусь в художественной галерее, я люблю современную живопись, потому что она таит в себе так много сюрпризов и менее предсказуема, чем предыдущие эпохи.

Мне нравятся причудливые современные иллюстрации, особенно неброские художественные формы и смеси готики и мифологии.

3. Эстетика в цифровом искусстве

В середине ХХ века концептуальные трансформации, возникшие в результате новых подходов к искусству, привели к кризису эстетики, что проявилось в новых художественных медиа.

Заимствуя многие условности традиционных медиа, цифровое искусство может опираться на эстетику из многих других областей.Но против него были высказаны различные критические замечания: например, с учетом разнообразия инструментов, имеющихся в их распоряжении, сколько усилий цифровые художники действительно должны вкладывать в свою работу?

Я спросил Яна Виллема Веннекеса, также известного как Цептонн, высказать свое мнение по этому поводу. Он фрилансер, специализирующийся на иллюстративном дизайне и художественном руководстве, с акцентом на экологически чистые и экологические проекты.

Ян Виллем Веннекес: Вопрос кажется несколько двусмысленным. С одной стороны, возникает вопрос об усилиях, необходимых для создания цифрового искусства.То есть некоторые люди могут подумать, что использовать цифровые медиа для создания произведений искусства проще, чем традиционные медиа. С другой стороны, кажется, возникает вопрос, является ли цифровое искусство формой искусства само по себе (или, может быть, вообще?).

Что касается первого вопроса, я думаю, что работа с цифровыми носителями (в основном компьютер, мышь, Wacom, сканер, программное обеспечение и т. Д.) Не должна отличаться от создания произведений искусства на других носителях. Компьютер и все инструменты, созданные программным обеспечением, остаются тем, чем они являются: инструментами! Вы должны овладеть этими инструментами так же, как и любыми другими инструментами.Например, если вы не понимаете, как работает свет, вы не сможете создавать изображения с правильным освещением и т. Д. Если вы не знаете, как работает инструмент «Перо» в Illustrator, вы не сможете создавать хорошие иллюстрации, как традиционный художник, не умеющий пользоваться карандашом. Вам все еще нужно овладеть теорией цвета и всем остальным, что необходимо для создания хорошего или потрясающего произведения искусства. В этом смысле не имеет значения, картина это или гравюра. Проще говоря, вы должны овладеть всеми инструментами и теорией так же, как вам приходилось осваивать их раньше.И чем лучше вы их освоите, тем лучше будут ваши работы.

Ян Виллем Веннекес: Теперь можно задаться вопросом, является ли цифровое искусство отдельной формой искусства. Это сложный вопрос, и на него нелегко ответить. Я думаю, что разница здесь в том, что «цифровое искусство» — это скорее групповой термин, чем просто одна форма искусства. Существует много видов цифрового искусства: некоторые очень похожи на картины, некоторые похожи на фотографии, некоторые на рисунки, а другие выглядят совершенно новыми и уникальными (например,г. компьютерная графика). Таким образом, в некотором смысле цифровое искусство состоит как из пересекающихся, так и из новых видов искусства.

Фотография когда-то рассматривалась как конкурент портретной живописи, но в конце концов она стала самостоятельной формой искусства с множеством направлений и сфер интересов. Фактически, живопись выиграла от развития фотографии, и каждая из них добавляла друг друга и возобновляла интерес к искусству в целом. В настоящее время мы не рассматриваем фотографию как конкурента живописи; мы рассматриваем их как разные средства массовой информации с разными преимуществами и недостатками.Я думаю, что то же самое можно сказать и о новых формах цифрового искусства.

4. Искусство в том виде, в каком мы его знаем сегодня

ХХ век стал поворотным моментом в нашем понимании искусства, поэтому современные художники часто тянутся к новым концепциям, ломают традиции и отвергают классические представления о прекрасном.Все эти факторы породили абстрактное искусство. Художник больше не пытается отражать реальность, а пытается выразить свой внутренний мир и чувства.

Старые определения искусства устарели. Сегодня искусство — это развивающаяся и глобальная концепция , открытая для новой интерпретации, слишком изменчивая, чтобы ее можно было определить.

Я взял интервью у Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы исследовать новые элементы современного искусства и ответить на вопрос, какие новые элементы и принципы очевидны в современном искусстве.

Нейт Уильямс, также известный как Александр Блю, художник, иллюстратор и дизайнер из США. У него обширный опыт работы в различных сферах индустрии иллюстрации, и у него есть множество клиентов. Его иллюстрации ориентированы как на взрослых, так и на детей. Он также работал в сфере рекламы и издательского дела, музыки, моды, текстиля, домашнего декора, мерчендайзинга, плакатов, прессы и социального самовыражения.

Трэвис Лампе — иллюстратор, который в настоящее время живет и работает в Чикаго.Работал арт-директором в рекламе. После двухлетнего пребывания в Варшаве он вернулся в Чикаго и попробовал свои силы в области искусства и иллюстрации. Ему нравится создавать произведения искусства и игрушки, и он выставлялся в прекрасных галереях США и Европы.

Вопрос: Какое влияние на вашу работу оказывают новые СМИ? Как вы относитесь к цифровому искусству? Вы считаете себя традиционным художником?

Джонатан Болл: Он имеет большое влияние.Я думаю, что благодаря моим познаниям в программировании это влияет на мою работу. Я думаю в терминах модульных частей и переменных.

Трэвис Лампе: Я традиционный художник, работаю акрилом, но я бы не смог работать без компьютеров. Например, когда я разрабатываю игрушки, я использую компьютеры для сканирования и создания векторной графики из моих оригинальных картин. Однако я не создаю цифровое искусство само по себе. Чисто цифровая работа может быть красивой, но для меня есть ценность в наличии осязаемого и уникального продукта, а не набора данных.

Однако, несомненно, в моем традиционном искусстве на меня повлияло знакомство с идеями, которые я обнаружил в Интернете. Это отличное место, например, для поиска старинных мультфильмов.

Вопрос: Трэвис, если когда-то целью искусства было создание красоты и подражание природе, то сегодня концепция динамично развивается и постоянно меняется. На ваш взгляд, как Интернет и новые способы общения повлияли на развитие изобразительного искусства, его концептуальные предпосылки и его физическое исполнение?

Трэвис Лампе: Интернет больше всего влияет на развитие искусства, просто открывая для большего числа людей больше искусства.К сожалению, многие из них действительно ужасны, как и следовало ожидать. Любой, у кого есть шариковая ручка и цифровой фотоаппарат, может выложить свои работы на всеобщее обозрение. И это нормально. Я думаю, что крем просто естественно поднимается наверх. Идеи по-прежнему важны, гораздо важнее, чем технические навыки, и Интернет нисколько этого не изменил. Я видел много рисунков с шариковой ручкой, которые мне действительно нравятся.

Что касается физического исполнения, то оно эволюционировало так же, как и всегда: как только появляется новый носитель, возникает борьба за его использование по-новому и творчески.Я не знаю, повлиял ли Интернет на физическое исполнение произведений искусства так сильно, как сами компьютеры. Это просто упростило распространение.

Больше общения — отличный способ PR и в этом смысле большой подспорье для художников. И больше общения должно означать больше идей, возникающих вокруг, что в идеале должно привести к лучшему концептуальному мышлению. Но большая часть «общения» — пустяк. И я думаю, что есть порог, за которым постоянная связь перестает быть полезной.Художникам нужно какое-то разрозненное время, чтобы творческие идеи слились воедино. Думаю, успешные художники — это те, кто дисциплинирован и способен уравновесить все это.

Вопрос: Можно ли сказать, что искусство и новая социальная сеть связаны? Являются ли социальные сети эффективным способом улучшения творческих сообществ?

Джонатан Болл: Конечно. Искусство связано со всем в нашей среде, что влияет на его создателей. Что касается социальных сетей, я думаю, что возможность лучше общаться — это всегда улучшение.

Трэвис Лампе: Социальные сети отлично подходят для обмена результатами; Это позволило мне постоянно общаться и видеть работы других художников, которыми я восхищаюсь. И это делает долгую работу в подвале немного менее уединенным занятием, когда вы можете показать миру, что вы сделали, сразу после того, как закончили. С другой стороны, социальные сети постоянно отвлекают. Когда я хочу закончить работу, я отключаюсь. Так что я люблю это и ненавижу одинаково.

Изобразительное искусство включает в себя множество форм искусства, наиболее широко признанными являются живопись, рисунок, скульптура, музыка, литература и исполнительское искусство.Однако с технологической революцией появились и другие формы.

Итак, каковы именно отношения между этими новыми формами выражения и современными художниками? Макс Костенко и Пино Ламанна любезно ответили на мои вопросы, что позволило нам разобраться в теме.

Макс Костенко — российский иллюстратор. Он специализируется на трехмерной цифровой иллюстрации и дизайне персонажей. Он работает фрилансером во многих российских студиях и агентствах по всему миру, таких как «Котеткат» и «Лимонад».

Пино Ламанна, также известный как SchakalWal, — иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.

Вопрос: Представьтесь, пожалуйста, и о своей работе. Как вы начали работать в этой области?

Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко. Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы. Я занимаюсь иллюстрациями около года. Раньше я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.

Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немец, цифровой художник, живущий и работающий в городе Вупперталь, Германия.

В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализируясь на уникальном брендинге, ручной типографии и дизайне персонажей. На большую часть моей работы сильно повлияли граффити и стрит-арт, олдскульные мультфильмы и музыка, которую я слушаю. Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в урбанистическом стиле.

Я сделал первые шаги в качестве дизайнера, когда был маленьким ребенком, рисовал комиксы с собственными супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я заинтересовался движением граффити и уличного искусства.

Первое, что меня привлекло в цифровом искусстве, — это фотоманипуляции. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства. Позже я переключил свое внимание на иллюстрацию, брендинг и типографику, что, на мой взгляд, мне больше всего подходит.

Вопрос: Расскажите немного о своих работах.Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?

Макс Костенко: В своей работе я использую только фотошоп. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем я действительно хочу работать, потому что работа дизайнера казалась мне скучной, и поэтому я начал рисовать несколько глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, нарисовав их. В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю обычную круглую кисть и начинаю рисовать.

Пино Ламанна: Несмотря на то, что для той работы, на которой я специализируюсь, обычным делом является работа в Illustrator или других векторных инструментах, я создаю большую часть своих работ в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу с собой поделать. Вообще нет большой разницы, потому что Photoshop также имеет возможности векторного редактирования.

Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.

Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело.Однако первые шаги были довольно трудными. Я помню, как меня поразило множество вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоить различные техники и методы.

Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и много знал о редактировании векторных изображений в Photoshop. И, конечно же, повсюду есть учебники по Illustrator.

Вопрос: Что является основным источником вдохновения для ваших работ? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?

Макс Костенко: Мое вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте.Я всегда ищу работы известных художников: они стимулируют меня расти и совершенствоваться. Я познакомился с цифровым искусством через Общество цифровых художников, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать». Но потом я постепенно рисовал такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому нужно научиться.

Pino Lamanna: Вдохновение может прийти от чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши.На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. Д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и в конце концов эти сообщества помогли мне определить меня как художника.

Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?

Макс Костенко: Самое главное — это базовая идея, я думаю, план.Если он у вас есть, можете приступать к рисованию. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, поэтому я начинаю с больших фигур, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это для меня самое сложное. В конце завершаю окончательные детали.

Пино Ламанна: У меня всегда под рукой ручка и бумага, даже в спальне. Никогда не знаешь, когда идеи придут тебе в голову, и тебе лучше сэкономить, прежде чем забыть.

Мозговой штурм и наброски очень важны для меня.Если идеи возникают во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все, что делаю, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.

При работе с клиентами очень важны исследования. Без подробного брифинга найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть непросто. Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.

Еще один важный аспект моего творческого процесса — терпение. Часто я нахожу хороший ход и не могу перестать работать над конкретным дизайном, пока не стану счастливым (и не измотанным).Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до следующего дня. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда смотрю на свою работу с небольшого расстояния.

Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.

Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом.После школы я попытался поступить в колледж автомобильного дизайна, но получил отказ… даже сдав экзамены по рисованию на удивление хорошо.

Пино Ламанна: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и упорно тренировался, чтобы создавать самых могущественных супергероев и злодеев в мире. Я могу вспомнить только одного персонажа из этих дней: Супер-лягушка. (Я знаю, что это отстой, так что не грусти!)

Позже у меня появился опыт работы с граффити и стрит-артом. Однако так и не попал в All City Kings.

Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что в последние пару лет я уделял основное внимание цифровым технологиям.

Вопрос: Как бы вы определили свое отношение к традиционному искусству? Кто твой любимый художник?

Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковской галерее и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте столетия назад. Каждый раз удивляюсь таланту классических художников.

Мне нравятся русские художники-пейзажисты.Василий Поленов и Иван Шишкин для меня лучшие в мастерстве.

Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому важно саморекламы.

Я спросил Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейме Макгоуэна, Криса Пьяшика и Ирму Грюнхольц, чтобы узнать их мнение об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.

Боб Флинн — карикатурист, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией.В настоящее время он живет в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы появлялись в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.

Алекс Дукал — иллюстратор, родившийся и выросший в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.

Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстрации и комиксов.Проработав некоторое время в основном в области веб-дизайна, Алекс решил вернуться к иллюстрации. Сейчас он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.

Джейми Макгоуэн — художник-фрилансер и трехмерный иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.

Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?

Боб Флинн: У меня есть веб-сайт, но мне очень лень его обновлять.И я обнаружил, что у меня там меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, в который бесконечно легче добавить. Веб-сайт портфолио — это больше структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, которые хотят профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и практически не предлагает возможности для двустороннего общения. Вы практически не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением одного-двух дружеских писем в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.

Помимо того, что у меня есть блог (моя основная точка общения), в настоящее время я работаю в Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, в Живой ленте Google. Стоит ли участвовать во всех из них? Вероятно. Я обнаружил, что на самом деле нельзя находиться в слишком многих местах, хотя порог рассудка определенно существует. Разная аудитория взаимодействует с каждым социальным пространством (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить наибольшее количество людей — быть повсюду.

Twitter в настоящее время — лучшее место для отслеживания людей в отрасли и общения с коллегами, но не все там.Facebook — это то место, где находятся все остальные, хотя совмещение друзей, семьи и бизнеса, по общему признанию, обременительно. Вы должны избавиться от беспорядка (я меньше поклонник его все более и более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr самый простой: загружайте иллюстрации, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и он до сих пор не разработал собственной индивидуальности. Но вам, вероятно, следует быть в другом месте.

Я могу отслеживать большинство потенциальных клиентов и связей с помощью твита здесь или комментария там.Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивной манере, вы действительно не ошибетесь.

Alex Dukal: Да, у меня есть портфолио в Интернете с 1998 года, и в настоящее время я много пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Flickr.Я использовал Orkut, когда он только вышел. Я попробовал Живую ленту Google, и она мне не понравилась. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы узнать, превратится ли он когда-нибудь во что-нибудь интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.

Jayme McGowan: Да, у меня есть веб-сайт для моего портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался, и теперь я тоже в Твиттере.

Вопрос: Пишете ли вы статьи для своего блога или для других блогов и публикаций? Считаете ли вы какой-либо из них эффективным способом заявить о себе?

Боб Флинн: Я регулярно публикую художественные работы в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию во Flash.Простое присутствие в Интернете — хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы можете оказать, поделившись информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию в процессе работы, и это сделает публикации более интересными.

Но я бы не стал участвовать в этом только для того, чтобы раскрыть свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отпугнуть людей. Ключевое значение имеет участие: мне нравится читать то, что говорят все остальные. На самом деле в этом есть большая ценность.

Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Gray Matter, старый инструмент для ведения блогов. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, разделил свое портфолио и блог (теперь в Blogger) для удобства. В блоге время от времени я буду писать статьи или учебники. Судя по полученным отзывам, я считаю это эффективным методом продвижения.

Джейми МакГоуэн: У меня есть блог, в котором я размещаю изображения своей незавершенной работы и обновления текущих проектов, в которых я участвую.Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта портфолио были направлены туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто опубликовал в своем блоге сообщение о моей работе. Я думаю, если вы будете обновлять свой блог и регулярно публиковать сообщения, это станет бесценным инструментом для популяризации вашего имени.

Вопрос: Какие проблемы возникают при создании стратегии саморекламы? Вы реализовали для себя стратегию саморекламы? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени нужно, чтобы стратегия начала работать в его пользу?

Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо создавал настоящую стратегию.Вы разговариваете с парнем, который даже не рассылал промо-карту. Мой подход заключался в том, чтобы выставить себя и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой пословицы: «Просто будь собой» — вот чем ты выделяешься из остальной стаи. Я стараюсь обновлять свой блог хотя бы раз в неделю, чтобы люди возвращались. Следить за статистикой вашего сайта — это хороший способ узнать, что остается неизменным (т. Е. Откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные сообщения).

Alex Dukal: Да, конечно, для художника-фрилансера самореклама абсолютно необходима.Я думаю, что первая задача — иметь что сказать, что показать, надежное портфолио для поддержки этого продвижения.

Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс веб-сайта, что делает его доступным и простым. И еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, базы данных контактов и т. Д. Это большой сад; нужно поливать и ухаживать за ним каждый день.

Я думаю, что такую ​​стратегию следует продумывать на разных этапах. И нельзя ожидать чуда раньше, чем через полгода (хотя чудеса случаются).

Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, глядя на сети, в которые были вовлечены успешные артисты, которыми я восхищался, и я попытался сделать что-то подобное.Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают мне работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.

Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно же, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть действительно заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и иметь деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время, ничего не отдавая.Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: время от времени сообщайте людям, чем вы занимаетесь, и верьте, что они последуют за вами, если им понравится то, что они видят.

Вопрос: Регулярно ли вы размещаете свои работы в онлайн-галереях? Это полезно для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?

Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на отличном веб-сайте Illustration Mundo, управляемом Нейтом Уильямсом, но я никогда не помещал свои работы в онлайн-галереи (и не платил за что-либо подобное).Думаю, я считаю, что мой блог преследует именно эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.

Пино Ламанна, также известный как SchakalWal, — иллюстратор и графический дизайнер из Германии, специализирующийся на корпоративном дизайне, дизайне персонажей и типографике.

Вопрос: Представьтесь, пожалуйста, и о своей работе. Как вы начали работать в этой области?

Макс Костенко: Меня зовут Макс Костенко. Мне 23 года, я художник и иллюстратор из Москвы.Я занимаюсь иллюстрациями около года. Раньше я три года работал веб-дизайнером в различных московских веб-студиях.

Пино Ламанна: Привет. Меня зовут Пино Ламанна. Я 27-летний наполовину итальянец, наполовину немец, цифровой художник, живущий и работающий в городе Вупперталь, Германия.

В настоящее время я работаю внештатным дизайнером, специализируясь на уникальном брендинге, ручной типографии и дизайне персонажей. На большую часть моей работы сильно повлияли граффити и стрит-арт, олдскульные мультфильмы и музыка, которую я слушаю.Моя цель — создавать стильные, уникальные и полезные дизайны в урбанистическом стиле.

Я сделал первые шаги в качестве дизайнера, когда был маленьким ребенком, рисовал комиксы с собственными супергероями. Позже, в подростковом возрасте, я заинтересовался движением граффити и уличного искусства.

Первое, что меня привлекло в цифровом искусстве, — это фотоманипуляции. Благодаря этому я познакомился с Adobe Photoshop и несколькими сообществами цифрового искусства. Позже я переключил свое внимание на иллюстрацию, брендинг и типографику, что, на мой взгляд, мне больше всего подходит.

Вопрос: Расскажите немного о своих работах. Какое программное обеспечение вы используете? Насколько тяжело вам было учиться?

Макс Костенко: В своей работе я использую только фотошоп. Я начал изучать его, когда хотел начать работать веб-дизайнером. Но по прошествии лет я понял, над чем я действительно хочу работать, потому что работа дизайнера казалась мне скучной, и поэтому я начал рисовать несколько глупых человечков; то есть я пытался понять многие принципы, нарисовав их.В Photoshop я не использую много инструментов, чтобы моя работа выглядела художественно — я просто выбираю обычную круглую кисть и начинаю рисовать.

Пино Ламанна: Несмотря на то, что для той работы, на которой я специализируюсь, обычным делом является работа в Illustrator или других векторных инструментах, я создаю большую часть своих работ в Photoshop. Это может показаться странным, но я ничего не могу с собой поделать. Вообще нет большой разницы, потому что Photoshop также имеет возможности векторного редактирования.

Когда я доволен своим дизайном, я копирую и вставляю его в Illustrator, чтобы создать окончательный результат.

Не могу сказать, что освоить Photoshop было сложно, потому что работать в нем всегда было весело. Однако первые шаги были довольно трудными. Я помню, как меня поразило множество вариантов. Это было обучение на практике. Я сделал много уроков, которые нашел в Интернете, чтобы освоить различные техники и методы.

Изучить Illustrator тоже было несложно, потому что я уже привык к интерфейсу Adobe и много знал о редактировании векторных изображений в Photoshop.И, конечно же, повсюду есть учебники по Illustrator.

Вопрос: Что является основным источником вдохновения для ваших работ? И как сообщество цифрового искусства повлияло на вашу работу?

Макс Костенко: Мое вдохновение приходит по-разному: иногда после просмотра фильма, иногда от чего-то, что я вижу на улице или в общественном транспорте. Я всегда ищу работы известных художников: они стимулируют меня расти и совершенствоваться. Я познакомился с цифровым искусством через Общество цифровых художников, и первая мысль, которая пришла мне в голову, была: «Я никогда не смогу так рисовать.«Но потом я постепенно начал рисовать такие вещи, как листья. Тем не менее, я только начал идти по пути художника, и мне еще многому нужно научиться.

Pino Lamanna: Вдохновение может прийти от чего угодно, будь то облако в небе, старый фильм или коробка суши. На мой стиль всегда влияла городская культура, музыка, фильмы, мультфильмы и т. Д. На самом деле сообщество цифрового искусства сильно повлияло на мою работу. Благодаря Интернету я познакомился со многими интересными людьми и дизайнерами со всего мира, и в конце концов эти сообщества помогли мне определить меня как художника.

Вопрос: Как бы вы описали свой творческий процесс? Каковы некоторые из его наиболее важных аспектов?

Макс Костенко: Самое главное — это базовая идея, я думаю, план. Если он у вас есть, можете приступать к рисованию. Иногда у меня в голове возникает общее представление о результате, поэтому я начинаю с больших фигур, помещая их в композицию. Когда у меня есть результат, я начинаю его раскрашивать, это для меня самое сложное. В конце завершаю окончательные детали.

Пино Ламанна: У меня всегда под рукой ручка и бумага, даже в спальне. Никогда не знаешь, когда идеи придут тебе в голову, и тебе лучше сэкономить, прежде чем забыть.

Мозговой штурм и наброски очень важны для меня. Если идеи возникают во время работы на моем компьютере, я обычно откладываю все, что делаю, и пытаюсь напрямую реализовать эту идею в дизайне.

При работе с клиентами очень важны исследования. Без подробного брифинга найти дизайн, соответствующий потребностям и ожиданиям клиента, может быть непросто.Поэтому я всегда прошу клиентов заполнить мою анкету по дизайну.

Еще один важный аспект моего творческого процесса — терпение. Часто я нахожу хороший ход и не могу перестать работать над конкретным дизайном, пока не стану счастливым (и не измотанным). Однако перед публикацией я всегда заставляю себя ждать до следующего дня. Я часто нахожу вещи, которые нужно изменить, настроить или настроить, когда смотрю на свою работу с небольшого расстояния.

Вопрос: Вы когда-нибудь увлекались традиционным искусством? Если да, расскажите нам что-нибудь об этом опыте.

Макс Костенко: Дело в том, что я не учился в художественной школе. Но с детства мне нравилось рисовать и придумывать истории. Я всегда рисовала простым карандашом. После школы я попытался поступить в колледж автомобильного дизайна, но получил отказ… даже сдав экзамены по рисованию на удивление хорошо.

Пино Ламанна: Как уже упоминалось, в детстве я увлекался рисованием комиксов и упорно тренировался, чтобы создавать самых могущественных супергероев и злодеев в мире.Я могу вспомнить только одного персонажа из этих дней: Супер-лягушка. (Я знаю, что это отстой, так что не грусти!)

Позже у меня появился опыт работы с граффити и стрит-артом. Однако так и не попал в All City Kings.

Итак, у меня нет большого опыта работы с традиционным искусством, потому что в последние пару лет я уделял основное внимание цифровым технологиям.

Вопрос: Как бы вы определили свое отношение к традиционному искусству? Кто твой любимый художник?

Макс Костенко: Я часто бываю в Третьяковской галерее и не могу поверить, что люди могли так рисовать на холсте столетия назад.Каждый раз удивляюсь таланту классических художников.

Мне нравятся русские художники-пейзажисты. Василий Поленов и Иван Шишкин для меня лучшие в мастерстве.

Жизнь художника не так проста, как может показаться. Выделиться из толпы непросто, поэтому важно саморекламы.

Я спросил Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейме Макгоуэна, Криса Пьяшика и Ирму Грюнхольц, чтобы узнать их мнение об искусстве саморекламы; о том, как распространять идеи, концепции и более глубокое видение своей работы; и о влиянии этого вида маркетинга.

Боб Флинн — карикатурист, увлекающийся иллюстрацией, комиксами и анимацией. В настоящее время он живет в Бостоне, где работает аниматором и дизайнером игр в детской медиа-компании Fablevision. Его работы появлялись в таких изданиях, как Nickelodeon Magazine и Improper Bostonian.

Алекс Дукал — иллюстратор, родившийся и выросший в Патагонии, Аргентина. С самого раннего возраста Алекс публиковал комиксы и иллюстрации в легендарном журнале Fierro.

Вернувшись в свой родной город, он посвятил несколько лет рисованию и преподаванию иллюстрации и комиксов. Проработав некоторое время в основном в области веб-дизайна, Алекс решил вернуться к иллюстрации. Сейчас он в основном работает над детскими книгами и создает иллюстрации для дизайнерских агентств.

Джейми Макгоуэн — художник-фрилансер и трехмерный иллюстратор из Сакраменто, Калифорния. Она работает с вырезанной бумагой.

Вопрос: У вас есть сайт-портфолио? А в каких социальных сетях вы сейчас находитесь?

Боб Флинн: У меня есть веб-сайт, но мне очень лень его обновлять.И я обнаружил, что у меня там меньше трафика по сравнению, скажем, с моим блогом, в который бесконечно легче добавить. Веб-сайт портфолио — это больше структурированная презентация, которая отлично подходит для арт-директоров и людей, которые хотят профессионально оценить вашу работу. Он часто статичен и практически не предлагает возможности для двустороннего общения. Вы практически не взаимодействуете с арт-сообществом, за исключением одного-двух дружеских писем в месяц. Блог динамичен и открывает этот диалог. Теперь я думаю о своем веб-сайте как о центре, который помогает направлять людей туда, куда им нужно.

Помимо того, что у меня есть блог (моя основная точка общения), в настоящее время я работаю в Twitter, Facebook, Flickr и, совсем недавно, в Живой ленте Google. Стоит ли участвовать во всех из них? Вероятно. Я обнаружил, что на самом деле нельзя находиться в слишком многих местах, хотя порог рассудка определенно существует. Разная аудитория взаимодействует с каждым социальным пространством (с некоторым перекрытием), поэтому способ охватить наибольшее количество людей — быть повсюду.

Twitter в настоящее время — лучшее место для отслеживания людей в отрасли и общения с коллегами, но не все там.Facebook — это то место, где находятся все остальные, хотя совмещение друзей, семьи и бизнеса, по общему признанию, обременительно. Вы должны избавиться от беспорядка (я меньше поклонник его все более и более громоздкого интерфейса), но вы, безусловно, можете получить там поддержку. Flickr самый простой: загружайте иллюстрации, оставляйте и получайте комментарии. Buzz — новичок в игре, и он до сих пор не разработал собственной индивидуальности. Но вам, вероятно, следует быть в другом месте.

Я могу отслеживать большинство потенциальных клиентов и связей с помощью твита здесь или комментария там.Не говоря уже о большой дружбе. Просто проводя время в этих местах, говоря «Привет» и участвуя в позитивной манере, вы действительно не ошибетесь.

Alex Dukal: Да, у меня есть портфолио в Интернете с 1998 года, и в настоящее время я много пользуюсь Facebook, а не Twitter. Мне очень нравится Flickr.Я использовал Orkut, когда он только вышел. Я попробовал Живую ленту Google, и она мне не понравилась. Время от времени я смотрю на Google Wave, чтобы узнать, превратится ли он когда-нибудь во что-нибудь интересное. У меня есть учетная запись Netvibes, которой я почти не пользуюсь. У меня есть аккаунт на Dribble. Как видите, мне нравится тестировать новые инструменты.

Jayme McGowan: Да, у меня есть веб-сайт для моего портфолио и страницы на Facebook, Flickr и Etsy, и я недавно сдался, и теперь я тоже в Твиттере.

Вопрос: Пишете ли вы статьи для своего блога или для других блогов и публикаций? Считаете ли вы какой-либо из них эффективным способом заявить о себе?

Боб Флинн: Я регулярно публикую художественные работы в своем блоге и написал несколько руководств по рисованию во Flash.Простое присутствие в Интернете — хорошее начало, но подумайте о том, какое влияние вы можете оказать, поделившись информацией, идеями и полезными советами. Людям нравится читать о процессе, поэтому документируйте свою методологию в процессе работы, и это сделает публикации более интересными.

Но я бы не стал участвовать в этом только для того, чтобы раскрыть свое имя. Если вы все для шоу и саморекламы, вы рискуете отпугнуть людей. Ключевое значение имеет участие: мне нравится читать то, что говорят все остальные. На самом деле в этом есть большая ценность.

Alex Dukal: Я начал писать небольшие новости на своем веб-сайте, используя Gray Matter, старый инструмент для ведения блогов. Затем я переключился на Textpattern и, наконец, разделил свое портфолио и блог (теперь в Blogger) для удобства. В блоге время от времени я буду писать статьи или учебники. Судя по полученным отзывам, я считаю это эффективным методом продвижения.

Джейми МакГоуэн: У меня есть блог, в котором я размещаю изображения своей незавершенной работы и обновления текущих проектов, в которых я участвую.Я использую его, чтобы дать читателям некоторое представление о моем процессе. Я думаю, что это определенно вовлекает людей в мою работу. Большинство посетителей моего основного веб-сайта портфолио были направлены туда либо из моего собственного блога, либо от кого-то, кто опубликовал в своем блоге сообщение о моей работе. Я думаю, если вы будете обновлять свой блог и регулярно публиковать сообщения, это станет бесценным инструментом для популяризации вашего имени.

Вопрос: Какие проблемы возникают при создании стратегии саморекламы? Вы реализовали для себя стратегию саморекламы? Это сработало? Если кто-то начинает с нуля, сколько времени нужно, чтобы стратегия начала работать в его пользу?

Боб Флинн: Честно говоря, я не могу сказать, что когда-либо создавал настоящую стратегию.Вы разговариваете с парнем, который даже не рассылал промо-карту. Мой подход заключался в том, чтобы выставить себя и посмотреть, что произойдет. Что-то вроде старой пословицы: «Просто будь собой» — вот чем ты выделяешься из остальной стаи. Я стараюсь обновлять свой блог хотя бы раз в неделю, чтобы люди возвращались. Следить за статистикой вашего сайта — это хороший способ узнать, что остается неизменным (т. Е. Откуда идет ваш трафик и какие у вас самые популярные сообщения).

Alex Dukal: Да, конечно, для художника-фрилансера самореклама абсолютно необходима.Я думаю, что первая задача — иметь что сказать, что показать, надежное портфолио для поддержки этого продвижения.

Лично я сделал ставку на портфолио, в котором представлены мои лучшие работы, что-то, что демонстрирует иллюстрации, а не интерфейс веб-сайта, что делает его доступным и простым. И еще есть блог, который позволяет мне поддерживать другие виды контактов с людьми: социальные сети, форумы, базы данных контактов и т. Д. Это большой сад; нужно поливать и ухаживать за ним каждый день.

Я думаю, что такую ​​стратегию следует продумывать на разных этапах. И нельзя ожидать чуда раньше, чем через полгода (хотя чудеса случаются).

Jayme McGowan: Моя стратегия саморекламы довольно проста и включает социальные сети, как я упоминал ранее. Когда я начал создавать присутствие в Интернете, я придумал план, глядя на сети, в которые были вовлечены успешные артисты, которыми я восхищался, и я попытался сделать что-то подобное.Мне посчастливилось вызвать интерес к своей работе на раннем этапе, просто разместив фотографии на Flickr и став активным членом сообщества Etsy. Многие люди, которые заказывают мне работу, говорят, что нашли меня на одном из этих двух сайтов.

Теперь я использую Facebook и Twitter (и, конечно же, свой блог), чтобы держать людей в курсе того, чем я занимаюсь. Но чтобы преуспеть в продвижении себя в любой из этих сетей, вы должны быть действительно заинтересованы в том, чтобы заводить друзей и иметь деловые контакты. Нельзя просто кричать: «Эй, посмотри на меня!» все время, ничего не отдавая.Думаю, у меня более тонкий подход к саморекламе: время от времени сообщайте людям, чем вы занимаетесь, и верьте, что они последуют за вами, если им понравится то, что они видят.

Вопрос: Регулярно ли вы размещаете свои работы в онлайн-галереях? Это полезно для завоевания доверия и получения отзывов о вашей работе?

Боб Флинн: Несколько лет назад я создал учетную запись на отличном веб-сайте Illustration Mundo, управляемом Нейтом Уильямсом, но я никогда не помещал свои работы в онлайн-галереи (и не платил за что-либо подобное).Думаю, я считаю, что мой блог преследует именно эту цель. Однако Flickr — это своего рода галерея.

Алекс Дукал: Вовсе нет на оба вопроса. Десять лет назад, если кто-то приглашал вас показать некоторые из ваших работ в онлайн-галерее, это было мило и лестно. Сегодня я думаю, что нам нужно быть осторожными, потому что критерии отбора часто не так хороши, и на эти детали также нужно обращать внимание. Если вы разместите свою работу не в том месте, это может иметь отрицательный результат. В принципе, доверие должно исходить от самой работы.

Jayme McGowan: У меня есть профиль на Illustration Mundo, отличном веб-сайте, который функционирует в основном как каталог иллюстраторов, а не как галерея как таковая. Честно говоря, я не участвую ни в каких онлайн-галереях. Я уверен, что это отличный способ получить обратную связь от коллег, но я не уверен, что это повысит доверие к вам как к профессионалу. Я сам могу поддерживать только определенное количество веб-страниц, поэтому стараюсь ограничить их теми, от которых я получаю наибольшую выгоду, теми, где, как мне кажется, меня могут найти арт-директора и покупатели.

Крис Пьяскик — внештатный дизайнер и иллюстратор, который активно участвует в дизайнерском сообществе. Обладая шестилетним профессиональным опытом в отмеченных наградами фирмах Новой Англии, он опубликовал работы в многочисленных книгах и публикациях, включая серию Logo Lounge , Typography Essentials и Lettering: Beyond Computer Graphics . В настоящее время он ежедневно размещает рисунки на своем веб-сайте.

Ирма Грюнхольц — испанский иллюстратор, специализирующаяся на глине и других материалах, что позволяет ей работать с объемами.Ее работы используются в книгах, журналах, рекламе и интернет-маркетинге.

Вопрос: Принимаете ли вы активное участие во всех социальных сообществах, к которым вы присоединились? Сколько времени вы выделяете для общения в социальных сетях? Обязуетесь ли вы регулярно публиковать новые работы и личные обновления?

Chris Piascik: Я остаюсь активным во многих социальных сообществах. Признаюсь, я присоединился к некоторым, но не мог угнаться за ними! Я не особо выделяю время для общения в социальных сетях, хотя, вероятно, это хорошая идея.Вместо этого я разбрасываю его в течение дня, будь то просмотр Twitter на моем iPhone при экспорте большого файла на моем компьютере или откладывание начала нового проекта. Все дело в многозадачности! Я думаю, что самое большое, что помогло мне в социальных сетях, — это мои ежедневные рисунки. Я публикую новый рисунок с понедельника по пятницу на Flickr, а затем размещаю его на своем личном веб-сайте, и эти обновления поступают в мои учетные записи Twitter и Facebook.

Ирма Грюнхольц: Да, у меня есть блог, и я участвую в некоторых социальных сообществах, таких как Flickr и Behance.К сожалению, у меня не так много времени для очень активного присутствия. Я хотел бы посвятить больше времени, потому что это хороший способ не отставать и видеть работы других художников.

Вопрос: В настоящее время какое сообщество является наиболее ценным для поиска работы?

Chris Piascik: Я думаю, что большинство существующих сетей имеют ценность. Я действительно думаю, что Flickr работает действительно хорошо. Моя страница Flickr, похоже, привлекает больше всего трафика из всех моих веб-сайтов.Flickr настолько обширен, что многие люди используют его для исследования изображений. Я думаю, что мои ежедневные обновления помогают мне не потеряться в работе.

Irma Gruenholz: Основываясь на личном опыте, Behance — хорошая платформа для демонстрации ваших работ арт-директорам и покупателям произведений искусства. Я немного поработал над этим.

Вопрос: Насколько важно создавать сообщения, которые вы отправляете, и поддерживать профессиональный вид вашего веб-сайта?

Chris Piascik: Я не подвергаю себя цензуре так часто.Я считаю, что сохранять честность — это хорошо. Моя работа имеет некоторую индивидуальность; многое из этого имеет нечеткое качество — сочетание этого с холодным или профессиональным присутствием в сети могло бы показаться странным. Расширение ваших социальных сетей требует, чтобы вы были собой… до тех пор, пока «самим собой» интересно!

Ирма Грюнхольц: Для художника очень важно присутствие в Интернете. Это лучший способ показать свою работу остальному миру. Так что обновляйте свой веб-сайт и упростите общение с людьми, которые хотят следить за вашей работой.

Вопрос: Как вы находите время для социальных сетей? Вы привержены только тем веб-сайтам, от которых вы можете получить какую-то профессиональную выгоду?

Крис Пяскик: Я полностью перестал спать. Я просто поливаю его в течение дня. Это хороший способ начать свой день за чашкой кофе или за обедом. Я бы не сказал, что ограничиваю себя только веб-сайтами, которые приносят мне пользу, хотя я считаю, что все сети помогают. Видимость — это видимость.Я использую социальные сети, чтобы оставаться на связи с друзьями, так что это не совсем мое дело.

Ирма Грюнхольц: У меня мало времени для социальных сетей, поэтому я предпочитаю сосредоточиться на сообществах, связанных с моей профессией.

Избранные художники

Чтобы понять значение искусства и его развитие с течением времени, я взял интервью у Александра Данилова и Джонатана Болла. Чтобы изучить эстетику цифрового искусства, я поговорил с Яном Виллемом Веннекесом, который затронул некоторые важные моменты, связанные с различиями между цифровыми художниками и другими художниками, а также с природой самого цифрового искусства.

Я также представляю Нейта Уильямса и Трэвиса Лампа, чтобы узнать больше об их работе и их отношении к технологиям, включая инструменты цифрового искусства и социальные сети, а также изучить, как Интернет влияет на развитие искусства.

Чтобы лучше понять взаимосвязь между современными художниками и новыми методами и инструментами для создания искусства, я взял интервью у Макса Костенко и Пино Ламанны. Я сосредоточился на их творческом процессе и профессиональном опыте, от их начала работы до их нынешних источников вдохновения.

Наконец, я взял интервью у Боба Флинна, Алекса Дукала, Джейме Макгоуэна, Криса Пьяскика и Ирмы Грюнхольц, поинтересовавшись их мнением о проблемах, с которыми сталкиваются художники при продвижении себя и своей работы в новой сети, пытаясь запечатлеть свой опыт в социальных сетях и в Интернете. арт-сообщества.

Каждый из этих художников обладает особым стилем и является активным членом художественного сообщества. Таким образом, они могут стать источником вдохновения для многих. Я надеюсь, что их идеи будут полезны.

А ты? Что для тебя искусство?

АРТ; Это искусство? Это хорошо? А кто так говорит?

Сегодня нет единого мнения ни по чему; под вопросом даже понятие стандартов. Но я не думаю, что искусство имеет для нашей жизни меньшее значение, чем в прошлом; это, вероятно, имеет большее значение. Посмотрите на миллионы людей, которые сегодня ходят в музеи. Искусство вошло в гораздо большее количество домашних хозяйств и стало известно гораздо большему количеству людей, чем когда-либо прежде.Вы можете возразить, что из-за того, что искусство настолько широко распространено, еще труднее выносить суждения.

ПИТЕР ХОКСТРА

Конгрессмен-республиканец от Мичигана и противник Северо-Восточного Востока.

Если люди хотят сказать, это искусство, отлично. Это потрясающе. Искусство — это то, чем люди хотят его воспринимать, но это не значит, что федеральное правительство должно его финансировать.

АЛЕКСАНДР МЕЛАМИД

Половина команды художников, Комар и Меламид

Мы воспринимаем искусство как развлечение. Пока это дает нам толчок, так и есть.Иногда это не воспринимается галереями или музеями как искусство, хорошее искусство, но мы считаем, что это так.

BARBARA KRUGER

Художник

Я думаю, что искусство — это способность показать и рассказать, что значит быть живым. Он может мощно визуализировать, текстуализировать и / или музыкализовать ваше восприятие мира, и есть миллион способов сделать это. У меня проблемы с категориями; Я даже не думаю о высокой культуре, о низкой культуре. Я просто думаю, что это одна широкая культурная жизнь, и все эти разные способы показать и рассказать в ней.Я знаю только идею, что если что-то есть в галерее, мгновенно становится искусством, тогда как где-то еще не искусство, это глупо и узко. Меня не интересует сужение определений.

KARL KATZ

Исполнительный директор Muse Film and Television, производящей фильмы об искусстве.

Люди смотрят на искусство как на контрольный список; этикетка иногда бывает важнее произведения искусства. Я считаю, что смотреть на искусство — это как разговаривать. Если это не визуально, не интуитивно и не коммуникативно, это не произведение искусства.

ROBERT HUGHES

Критик и автор книги «American Visions: The Epic History of Art in America».

The N.E.A. Сейчас это запутанный беспорядок, но изначально он был о людях, которые думали, что аморальные, отвратительные и оскорбительные произведения финансируются, как если бы они были произведениями искусства, то есть как если бы они возносили возвышение, достойные благородные вещи. Пуритане считали религиозное искусство формой идолопоклонства, роскошью, отвлечением, морально сомнительной по своей сути по сравнению с письменным и устным словом.Противодействующий аргумент в XIX веке был связан с моральной пользой, которую можно было извлечь из искусства. Насколько мне известно, что-то является произведением искусства, если оно создано с заявленным намерением стать произведением искусства и помещено в контекст, в котором оно рассматривается как произведение искусства. Это не определяет, богато ли это эстетически или до глупости банально.

Что означает средний в искусстве?

«Художники используют медиумы для создания своих работ» — слышали это раньше! Но что означает «Медиум» в искусстве? Как ни странно, Medium может быть маслом, смешанным с пигментами, человеческим телом в исполнении или даже печатью.

Статьи по теме: Какие основные художественные стили? — Что такое современная живопись? — Чистота эмоций в абстрактном искусстве

Что означает «средний» в искусстве? Хотя это слово, вероятно, слишком часто используется, когда речь идет об искусстве, оно может означать несколько вещей для разных художников, художественных стилей или школ мысли. Это можно увидеть по-разному и полностью зависит от контекста.

Здесь мы рассмотрим различные понимания «медиума»: как способа выражения, как исходный материал, определение «среднесрочной специфичности» и «пост-медиума», а также мультисенсорные и многомерные качества медиума.

Согласно Оксфордскому словарю английского языка, с художественной точки зрения «средний» относится к «любому исходному материалу или способу выражения, используемому в художественной или творческой деятельности». Вообще говоря, это «способ выражения», используемый для создания произведения искусства. Говорим ли мы о живописи, рисовании, скульптуре, печати или письме — художник использует «Медиум».

Художники выбирают способ выражения для создания своих произведений искусства, и их первоначальное использование этого средства — это то, что позволяет им выражать идеи или чувства через искусство.Действительно, в одном носителе уникальный язык, возможные узоры и элементы объединяются, чтобы создать новые комбинации и контрасты. «Средство посредничает». Он передает идеи, послания или импульсы художников благодаря их умениям и чувствительности. Это средство передвижения искусства.

Выделение различных средств массовой информации может помочь нам классифицировать искусства в соответствии с их кодами, языками и характеристиками. Это, вероятно, наиболее распространенный способ понимания искусства, хотя его можно рассматривать как поверхностный.В отличие от группировки по цели или эффекту, техника и материалы, которые используют художники, определяют их и их работы. Традиционно художник специализируется на одном из них — на их любимой среде. Обычно эта конкретная среда используется на протяжении большей части, если не всей их карьеры.

Согласно этому пониманию, различные медиа в искусстве представляют собой независимые категории, «отдельные коробки», в которые помещаются художники и произведения искусства.Это понимание рассматривает «Средство» как визуальное, визуально-тактильное, слуховое, вербальное или смешанное — каждое со своими характеристиками.

Визуальные искусства, такие как живопись, фотография или рисунок, обычно двумерны. Визуальные аспекты этих произведений, мазки, знаки, пятна или оттенки являются фундаментальными и важными для их оценки. Визуально-тактильные среды, включая скульптуру, лепку или архитектуру, в значительной степени трехмерны. Форма, текстура, отпечатки пальцев, тени и цвета этих предметов предназначены для того, чтобы их можно было потрогать и увидеть.

Auditory Art — это все, что фокусируется на звуке — например, музыка, конечно, и даже звукозаписи. Цифровая запись или музыкальный лист — это код этого вида искусства, но само произведение — это воспроизведение или исполнение, которое оживляет произведение. Это тон нот и ритм, колеблющиеся в воздухе, которые характеризуют слуховую пьесу. С другой стороны, словесное искусство включает в себя литературу и поэзию — все, что использует язык. Значения в сочетании с ритмом и звучанием слов являются центральными.Написанное слово существует по своему значению, а не только как буквы, напечатанные или начертанные на странице.

Наконец, смешанное искусство — это искусство, объединяющее различные медиа. Например, кино, драма, танец, опера или перформанс. Они смешаны, потому что сочетают литературное с движением или визуальные элементы со скульптурными. Все они развиваются во времени и обычно сопровождаются звуком.

Эта классификация и интерпретация «Медиума» слишком проста для современного искусства.Материальность и чувства зрителя или художника не так предустановлены, как можно было бы предположить. Все художественные медиа обладают множеством качеств, и, просто рассматривая несколько аспектов, мы забываем, как искусство задействует все наши чувства. Но эта идея появлялась медленно, поскольку художники постепенно осознавали возможности и ограничения методов и материалов, и были разработаны новые инструменты.

Возвращаясь к определению Оксфордского словаря английского языка, «медиум» в искусстве также можно понимать как «сырье». Это вводит немного другое значение. Как объясняется в Британской энциклопедии, «творение — это воссоздание этих ранее существовавших материалов». «Среда» — это материал, из которого создается произведение искусства, важный инструмент, необходимый для художественного творчества.

В изобразительном искусстве — краски, тушь, мелки, уголь, акварель… В скульптуре — мел, дерево, бронза, мрамор… В перформансе — тело исполнителя; в письменной форме — ручка или программа для письма; в интернет-искусстве — инструменты программирования… Есть бесконечные возможности. Практически все может использоваться художниками в бесконечных комбинациях.

Если мы рассмотрим это понимание «медиума» как субстанции, с помощью которой создается произведение искусства, есть еще один, более технический смысл, который мы должны охватить. В живописи «медиум» — это особый компонент краски.Это жидкая часть, сочетающаяся с пигментами.

Средство выбирается в зависимости от его использования и эффектов. Темпера, масло, фреска… Художники выбирают материал в зависимости от того, как они предпочитают работать, и результатов, которых они хотят достичь. Он определяет время высыхания, долговечность и даже глянцевитость или непрозрачность конечного результата. Художник может использовать определенную «среду» для достижения определенного эффекта или выделения определенного аспекта.

Художники должны быть квалифицированными и знать характеристики материалов, которые они используют.Среда Tempera представляет собой эмульсию традиционно яичного желтка и воды. Наиболее распространенная альтернатива — масляная среда, такая как масло грецкого ореха или льняное масло. Основное отличие состоит в том, что масляная среда сохнет намного дольше, чем темпера, но меняется даже прозрачность и способ ее нанесения на холст. Другие варианты включают камедь, воск или алкидные смолы, такие как ликин. Все они имеют разную непрозрачность, свойства и время высыхания. Импасто обычно используется, чтобы сделать краску более густой, но ее также можно разбавить скипидаром или другим спиртом.

То, как используются инструменты и техники, очень индивидуально. Так много изменений в зависимости от используемых материалов. Художники могут отдавать предпочтение конкретным из них по отдельности или комбинировать их для достижения различных эффектов или текстур. Некоторые художники предпочитают методы, с которыми они знакомы по образованию и обучению. Для других художников выбор символичен, поскольку они выбирают материалы, связанные с воспоминаниями или традициями. Материалы могут даже представлять что-то или быть связаны со смыслом произведения.Многие художники даже доходят до того, что разрабатывают свои собственные медиумы, адаптируя их к своим потребностям или потому, что они видят в этом важную часть художественного процесса.

В настоящее время в искусстве очень распространено использование смешанной техники. Фактически, художники экспериментировали, комбинируя и смешивая различные техники и инструменты для достижения новых эффектов. В частности, в изобразительном искусстве различные процессы размыли границы материалов, используемых в визуальных медиа. В коллажах, текстиле, керамике или пластике некоторые художники используют комбинацию различных материалов.Это их подпись, и совмещение различных инструментов является центральным в их искусстве.

Гибкость использования разных сред и разных техник не так очевидна, как может показаться. В истории искусства до конца XIX века художники использовали традиционные методы, которым их учили и любили в Академии. Несмотря на то, что заранее проводились эксперименты, они были сосредоточены на достижении идеальной имитации или иллюзии реальности. Настоящая новизна пришла с разрывом с этой традицией, поскольку смешение, наложение и размывание «медиума» стало широко распространенным и общепринятым явлением в искусстве.

С годами эксперименты и исследования «Среды» изменили ее понимание. Перекрытие и смешивание различных материалов и инструментов не только произвело революцию в художественной практике с практической точки зрения, но и изменило понимание концепции «медиума» с теоретической точки зрения.

Искусство конца XIX — середины XX века существенно изменило отношение к среде.Художники начали создавать произведения, подчеркивающие присущие технике, инструментам и материалам качества. Картина, вместо того, чтобы представлять идеальную иллюзию перспективы, сфумато и невероятные детали, стала казаться плоской и неточной с четко видимыми мазками. Среда была использована, чтобы подчеркнуть ее материальность и чувственность.

Американский искусствовед Клемент Гринберг ассоциировал чистоту медиума с модернизмом. Это была специфика, которую он видел в произведениях современного искусства.Другими словами, в этой плоскостности заключалось эстетическое качество изобразительного искусства. По словам Гринберга, это одновременно его предел и его высшее качество. Эта плоскостность имеет решающее значение в современной живописи, поскольку она определяет и отличает эту среду от других.

Идея о том, что для создания искусства можно использовать все, возникла на рубеже 20-го века, когда художники-авангардисты использовали новые предметы и материалы. Художники в стиле модерн начали использовать промышленные материалы для создания извилистых декоративных работ.Обычные предметы дадаисты представляли в виде произведений искусства, так называемых «ready-mades». Итак, хотя раньше идея «медиума» была простой «чистой», постепенно границы между разными медиа начали сливаться и перекрываться по мере изменения материалов и методов.

Это был только первый шаг, поскольку художники все чаще использовали разные инструменты в соответствии с их работой и целями. В 60-х и 70-х годах появился термин «интермедиа», который еще больше ушел от строгой традиционной категоризации.Он возник в сотрудничестве с международной группой Fluxus. Этот термин использовался для обозначения событий и междисциплинарных мероприятий, в которых использовались разные средства массовой информации. Были придуманы новые названия для описания некоторых из этих новых категорий, таких как Визуальная поэзия или Искусство перформанса.

Пересекая границы одной среды, такие художники, как Дик Хиггинс, Джон Кейдж, Йоко Оно и Элисон Ноулз, создали новые новаторские произведения, которые поразили и привлекли внимание публики. В век Интернета и глобальных связей искусство отклика находится в центре внимания.Это среда, придающая значение человеческому измерению: жизни. В этих инновационных художественных проектах используются фотографии, особые правила или шаги, позволяющие выйти за рамки, налагаемые традиционными медиа.

Американский искусствовед Розалинд Краусс, называя идею Гринберга о «средней специфичности» старомодной, говорит о «состоянии пост-медиума».«Пост-среда» концептуального искусства, инсталляции или перформанса — и даже виртуальные или цифровые формы искусства — придают этим произведениям новое значение. Оставляя чистоту среды позади, художники освобождаются от традиционных медиа и вводят новые технические средства поддержки.

Переход от скрытой среды к ограничивающей категории, а затем к наложению различных средств массовой информации свидетельствует о постоянном развитии. Он демонстрирует, как одной идеи о среде недостаточно для искусства — оно должно постоянно переопределять себя, исследуя качества и возможности новых инструментов.

Все художники создают связь с материалами, инструментами и техниками, которые они используют. Именно экспериментируя, проверяя и развивая свою собственную чувствительность, они выбирают свой путь, следуя своим чувствам и своим идеям, пока они это делают. Искусство создается и воспринимается через зрение, звук, осязание, запах, вкус и интуицию.Изображение, текстура, тени, свет, звук мазков кисти или ощущение аккордов музыкального инструмента: все эти аспекты делают среду уникальной.

Это предел классификации искусств в соответствии с их средой. Он сокращает произведение до нескольких характеристик, помещая работы художника в заранее установленные категории. Но как быть со всем, что не помещается в эти «коробки»? Нам лучше рассматривать «Медиум» как изысканный и разнообразный набор инструментов, который каждый художник создает и со временем созревает.

Есть много аспектов, которые не рассматриваются в этих «квадратах». Материалы или новые инструменты, которые формируют среду художника, сложны. Краска трехмерна, слух вызывает у некоторых визуальное восприятие, а литература иногда может быть больше о звуках, чем о значениях слов. Именно мультисенсорная и многомерная природа действительно что-то сообщает, когда мы восхищаемся произведением искусства и занимаемся им.

Цифровое искусство, предметы виртуальной реальности или произведения искусства NFT (подробнее о NFT можно узнать на Art Market на Кунессе) даже не рассматриваются в этом старом понимании среды.Они не только вербальные или слуховые, и их нельзя описать как пространственные. Они существуют в виртуальном мире. Архаическая классификация этих новаторских жанров ограничена. Как и Intermedia Art, они не попадают в эти категории. Сегодня художники могут без ограничений смешивать технологические, традиционные и перформативные аспекты.

«Среда» — это каждый «способ выражения» или «сырье», которое художник желает использовать, во всем его богатстве. А художники всегда будут сомневаться и раздвигать границы.

Узнайте больше о новых рубежах на рынке искусства: Christie’s и криптоискусство.

Изображение на обложке: нет данных, студия Фрэнсиса Бэкона, нет данных, предоставлено graphictide.com

По сценарию Зои Ривас Занелло

Что такое определение искусства?

Не существует единого универсального определения визуального искусства, хотя существует общее мнение, что искусство — это сознательное создание чего-то прекрасного или значимого с использованием навыков и воображения.Определение и воспринимаемая ценность произведений искусства менялись на протяжении истории и в разных культурах. Картина Жана Баския, проданная за 110,5 миллиона долларов на аукционе Sotheby’s в мае 2017 года, без сомнения, не смогла бы найти публику, например, в Италии эпохи Возрождения.

Этимология

Термин «искусство» связан с латинским словом «ars», означающим искусство, мастерство или ремесло. Первое известное использование этого слова происходит из рукописей 13-го века. Однако слово art и множество его вариантов ( artem , eart и т. Д.), Вероятно, существовали с момента основания Рима.

Философия искусства

Философы веками обсуждали определение искусства. «Что такое искусство?» — это самый основной вопрос философии эстетики, который на самом деле означает: «Как мы определяем, что определяется как искусство?» Это подразумевает два подтекста: сущность искусства и его социальную значимость (или ее отсутствие). Определение искусства обычно делится на три категории: представление, выражение и форма.

• Искусство как изображение или мимесис. Платон первым развил идею искусства как «мимесис», что по-гречески означает копирование или подражание. По этой причине основное значение искусства на протяжении веков определялось как представление или воспроизведение чего-то прекрасного или значимого. Примерно до конца восемнадцатого века произведение искусства ценилось на основе того, насколько точно оно воспроизводило предмет. Это определение «хорошего искусства» оказало глубокое влияние на современных художников; как пишет Гордон Грэм: «Это побуждает людей придавать большое значение очень реалистичным портретам, таким как портреты великих мастеров — Микеланджело, Рубенса, Веласкеса и т. д. — и поднимать вопросы о ценности« современного »искусства — кубистические искажения Пикассо, сюрреалистические фигуры Яна Миро, абстракции Кандинского или «боевые» картины Джексона Поллока.«Хотя изобразительное искусство все еще существует сегодня, оно уже не единственная мера ценности.
• Искусство как выражение эмоционального содержания. Выражение стало важным во время романтического движения с произведениями искусства, выражающими определенное чувство, как в возвышенном, так и в драматическом. Реакция аудитории была важна, поскольку работа должна была вызывать эмоциональный отклик. Это определение справедливо и сегодня, когда художники стремятся найти связь со своими зрителями и вызвать у них отклик.
• Искусство как форма. Иммануил Кант (1724–1804) был одним из самых влиятельных теоретиков конца 18 века. Он считал, что у искусства не должно быть концепции, а судить о нем следует только по его формальным качествам, потому что содержание произведения искусства не представляет эстетического интереса. Формальные качества стали особенно важными, когда искусство стало более абстрактным в 20-м веке, и принципы искусства и дизайна (баланс, ритм, гармония, единство) стали использоваться для определения и оценки искусства.

Сегодня все три способа определения участвуют в определении того, что такое искусство, и его ценности, в зависимости от оцениваемого произведения искусства.

История определения искусства

По словам Х. В. Янсона, автора классического учебника по искусству, История искусства, , «… мы не можем избежать рассмотрения произведений искусства в контексте времени и обстоятельств, будь то прошлое или настоящее. Как в самом деле могло быть иначе, пока искусство все еще создается вокруг нас, почти ежедневно открывая нам глаза на новый опыт и, таким образом, заставляя нас корректировать наши взгляды? »

На протяжении веков в западной культуре с 11 века до конца 17 века определение искусства заключалось в том, что искусство было сделано с умением в результате знаний и практики.Это означало, что художники оттачивали свое ремесло, умело копируя предметы. Воплощение этого произошло во время Золотого века Голландии, когда художники могли свободно рисовать в самых разных жанрах и зарабатывать на жизнь своим искусством в устойчивом экономическом и культурном климате Нидерландов 17-го века.

В период романтизма 18 века, как реакция на Просвещение и его упор на науку, эмпирические данные и рациональное мышление, искусство начали описывать как не просто как нечто выполненное с умением, но и как нечто, что также было создано в стремление к красоте и выражение эмоций художника.Прославляли природу, прославляли духовность и свободу слова. Сами художники приобрели известность и часто были гостями аристократии.

Движение авангардного искусства началось в 1850-х годах с реализма Гюстава Курбе. За ним последовали другие направления современного искусства, такие как кубизм, футуризм и сюрреализм, в которых художник раздвинул границы идей и творчества. Они представляли инновационные подходы к созданию искусства, а определение того, что такое искусство, расширено за счет включения идеи оригинальности видения.

Идея оригинальности в искусстве сохраняется, что приводит к появлению все большего количества жанров и проявлений искусства, таких как цифровое искусство, перформанс, концептуальное искусство, искусство окружающей среды, электронное искусство и т. Д.

Цитаты

Существует столько же способов определения искусства, сколько людей во вселенной, и на каждое определение влияет уникальная точка зрения этого человека, а также его собственная личность и характер. Например:

Рене Магритт

Искусство вызывает тайну, без которой мир не существовал бы.

Фрэнк Ллойд Райт

Искусство — это открытие и развитие элементарных принципов природы в прекрасных формах, пригодных для использования человеком.

Томас Мертон

Искусство позволяет нам одновременно найти себя и потерять себя.

Пабло Пикассо

Цель искусства — смыть пыль повседневной жизни с наших душ.

Луций Анней Сенека

Все искусство — всего лишь подражание природе.

Эдгар Дега

Искусство — это не то, что вы видите, а то, что вы заставляете видеть других.

Жан Сибелиус

Искусство — это подпись цивилизаций.

Лев Толстой

Искусство — это человеческая деятельность, заключающаяся в том, что один человек сознательно с помощью определенных внешних знаков передает чувства других, которые он пережил, и что другие заражены этими чувствами и также испытывают их.

Заключение

Сегодня самые ранние символические начертания человечества мы считаем искусством. Как пишет об этих древних картинах Чип Уолтер из National Geographic : «Их красота лишает вас чувства времени.В один момент вы заякорены в настоящем и хладнокровно наблюдаете. Затем вы видите картины так, как будто все другое искусство — вся цивилизация — еще не существует … создание простой формы, которая обозначает что-то еще — символ, созданный одним умом, которым можно поделиться с другими, — очевидно только постфактум. Даже больше, чем пещерное искусство, эти первые конкретные выражения сознания представляют собой скачок от нашего животного прошлого к тому, чем мы являемся сегодня — вид, наводненный символами, от знаков, которые направляют ваш прогресс по дороге, к обручальному кольцу на вашем пальце и значки на вашем iPhone.”

Археолог Николас Конард утверждал, что люди, создавшие эти изображения, «обладали таким же современным разумом, как наш, и, как и мы, искали в ритуалах и мифах ответы на загадки жизни, особенно перед лицом неопределенного мира. Кто управляет миграцией стад, выращивает деревья, формирует луну, включает звезды? Почему мы должны умереть и куда мы пойдем после этого? Им нужны были ответы, но у них не было никаких научных объяснений окружающему миру ».

Искусство можно рассматривать как символ того, что значит быть человеком, проявляющееся в физической форме, чтобы другие могли видеть и интерпретировать.Он может служить символом чего-то осязаемого, мысли, эмоции, чувства или концепции. Мирными средствами он может передать весь спектр человеческого опыта. Возможно, поэтому это так важно.

Источники

• Грэм, Гордон, Философия искусств, Введение в эстетику, третье издание, Routledge, Taylor and Francis Group, New York.
• Янсон, Х. У., История искусства, Harry Abrams, Inc.Нью-Йорк, 1974.
• Уолтер, Чип, первые художники, National Geographic . Январь 2015.

Что такое абстракция в искусстве — определение и примеры

13 марта 2015 г.

Концепция Abstraction имеет тенденцию разделять мнения, и так было уже много лет. Что это означает? Как это искусство? Что-то, что, по-видимому, трудно понять, естественно, породило много неправильных представлений за эти годы, но почему? Что такое абстракция?
Мы начали серию статей по этой теме, написанных нашими художниками-абстракционистами и другими квалифицированными участниками.Они рассказывают о своей интерпретации абстракции, своем видении и почему предпочитают ее. Вот наша вводная функция.

Простое объяснение абстракции в искусстве

Абстракция — это не стиль или движение; в какой-то степени он может существовать во всем искусстве. В различных словарях абстракция определяется как «свобода от репрезентативных качеств в искусстве» и «отказ от изображения вещей». Тейт описывает это как когда художник либо «удалил (абстрагировал) элементы из объекта, чтобы создать более упрощенную форму», либо создал что-то, что «вообще не имеет источника во внешней реальности».

Хотя художник может иметь в виду реальный объект при рисовании, этот объект может быть стилизован, искажен или преувеличен с использованием цветов и текстур для передачи ощущений, а не для создания копии. Это больше о том, как красота форм и цветов может преобладать над репрезентативной точностью. Абстракция — это «континуум». Многие направления в искусстве находились под влиянием абстрактных принципов и в той или иной степени использовали их; чем более удалена от реальности картина или скульптура, тем более абстрактной она может считаться.Кубизм, например, с его искаженными сюжетами очень абстрактен, тогда как живопись импрессионистов может быть более консервативной.

Кьонг Ли — Молитва на 02, 2018. Холст, акрил. 90,9 х 72,7 см.

Абстрактный фон

Абстрактное искусство существует с каменного века в виде доисторических наскальных рисунков из точек и символов. Тем не менее, только в конце 19, ^и веках художники начали отходить от доминирующего классического реализма (изображающего узнаваемый предмет), а такие художники, как Моне, возглавили импрессионистское движение.Однако этот стиль все еще имел свои корни в реальности, в отличие от последующей сцены абстракции. Однако нельзя сказать, что постимпрессионизм не повлиял на это.

Начало 20-го ^-го -го века принесло много новых разработок, конфликтов и прогрессивных способов мышления, которые потребовали иной художественной реакции. Такие художники, как Пикассо, Сезанн и Матисс, уже использовали нетрадиционные техники, но именно русскому художнику Василию Кандинскому широко приписывают создание абстракции, опубликовавшую «О духовном в искусстве» в 1911 году; книга, которая до сих пор считается основополагающим текстом для абстрактного искусства.Кандинский, теоретик искусства с синестезией — цветовой чувствительностью, которая позволяла ему слышать и видеть цвет, — считал, что разные оттенки вызывают целый ряд эмоций и звуков, и что картины должны иметь возможность касаться « частей мозга, связанных с музыкой ». ‘. Эта потребность раздвигать границы сохранялась на протяжении десятилетий, и абстракция стала идеальным средством для выражения как мировых войн, так и Великой депрессии среди других событий.

Arvid Boecker — № 1276, 2019.Масло на холсте. 50 х 40 х 5,5 см.

Известные художники-абстракционисты

Кандинский открыл двери для многих художников-абстракционистов, особенно французского художника Робера Делоне, бывшего театрального дизайнера, который использовал чистые цвета, круглые диски и цветовые ритмы в своих картинах — Бесконечный ритм 1934 года является хорошим примером. Среди других узнаваемых имен абстрактного искусства — Пит Мондриан, Марк Ротко и Джексон Поллок. Большинство людей, вероятно, увидят их картины, даже не подозревая, что принты появляются повсюду, от Ikea до полок для поздравительных открыток в супермаркете.

Кубистический стиль Мондриана является культовым и обычно состоит из сеток цветных блоков, таких как Композиция II в красном, синем и желтом цветах, и остается популярным сегодня. Ротко тоже предпочитал большие цветные блоки с размытыми границами. Он никогда не раскрывал сюжет своих картин, вместо того чтобы позволить зрителю интерпретировать его по-своему. Между тем Поллок был наиболее известен своим захватывающим стилем рисования капельницей (как видно из № 5 за 1948 год), когда краска растекалась по обычно большому холсту и зарабатывала ему прозвище «Джек-капельница».Их наследие и сегодня продолжает вдохновлять многих художников, многие из которых хорошо зарекомендовали себя в кругах абстрактного искусства и чьи работы представлены на IdeelArt.

Pierre Muckensturm — 17p23091, 2014. Холст, акрил. 222,5 х 183 см.

IdeelArt и абстракция

IdeelArt — это не имеющая аналогов онлайн-кураторская галерея, где выставленные работы были тщательно отобраны среди тысяч современных художников-абстракционистов и поступают непосредственно из их студий, гарантируя как подлинность, так и оригинальность.Это также новаторский галерист; представление, поддержка и продвижение абстрактных художников в Интернете, улучшение их электронной репутации, а также отображение и распространение их работ через Интернет по всему миру.