Презентация и конспект к уроку ИЗО на тему «Декоративный графический пейзаж»

Тема: Декоративный графический натюрморт.

Цели: познакомить с декоративным натюрмортом.

Задачи:

Предметные:

Вспомнить основные виды и жанры изобразительного искусства, уметь применять основные средства художественной выразительности на практике,

Метапредметные:

Выбирать средства для реализации художественного замысла,сравнение и классификация объектов по признакам.

Ход урока.

1.Организационный момент.

Приветствие.

— Здравствуйте. Садитесь.

Проверьте, пожалуйста, все ли материалы на месте?

2. Актуализация знаний.

— На столе у вас несколько картинок. Посмотрите на них и определите, к какому жанру они относятся.

— Какая картинка относится к жанру «пейзаж». (Дети поднимают картинку с изображением пейзажа). Слайд 3

— Какая картинка относится к жанру «портрет». (Дети поднимают картинку с изображением портрета).

Слайд 4

— Какая картинка относится к жанру «пейзаж». (Дети поднимают артинки с изображением натюрмортов). Слайд 5

3. Выявление места и причины затруднения (постановка учебной задачи).

— Почему у нас получилось больше картинок с изображением натюрморта? (ответы детей).

— Чем они отличаются друг от друга? Как и чем написаны?

— А как можно назвать этот вид картины? Слайд 6

Давайте вспомними порассуждаем.

4. Построение проекта выхода из затруднений (открытие нового знания).

— К какому жанру мы отнесем эти картины?Слайд 7

— К какому виду изобразительного искусства относятся эти картины?Слайд 8

— Итак, вид – графика, жанр натюрморт – значит, картину можно назвать графическим натюрмортом. Графический натюрморт может быть различным, в чем отличие этих картин? Слайд 9 Изображение реалистичное и не реалистичное (с искажением форм предметов.)

-Не реалистичными могут быть разные натюрморты, сегодня мы с вами рассмотрим натюрморт декоративный. Декоративный – (от латинского украшать) – служащий для украшения. Слайд 10

— Как же можно назвать вид этих картин (2 картины со слайда №6)? – Декоративный графический натюрморт.

5. Реализация построенного проекта (первичное закрепление).

-Техника выполнения декоративного натюрморта в графике.

Как и в реалистичной графике, в декоративном рисунке используют штрихи, но не обычные, а декоративные.Слайд 11

Заполнять пространство композиции можно по-разному. Сегодня мы с вами поделим нашу композицию на маленькие квадраты, которые будем заполнять разными декоративными штрихами. Штрихи должны отличаться друг от друга в зависимости от заполняемого пространства. Если квадрат разделен линиями на несколько частей, то на каждой части должен быть свой штрих. Слайд 12

6. Практическая работа (самостоятельная работа по эталону).

— Рисовать будем общую композицию.У вас на столах маленькие листочки с номерами. На обратной стороне выполняете декоративные штрихи.

Не добавляя лишних линий и заполняя каждое пространство разными штрихами. (Детям раздаются листочки от общей композиции, которые они заполняют, после выполнения задания композиция собирается на одном листе на доске.) Слайд 13

7. Рефлексия деятельности.

— Как вам наша композиция? Интересно получилось? Необычно? (ответы детей).

— Что нового интересного узнали? Что научились делать?

Графический декоративный натюрморт — презентация на Slide-Share.ru 🎓

1

Первый слайд презентации: Графический декоративный натюрморт

04.05 6а класс Преподаватель Чувикова Н.С.

Изображение слайда

2

Слайд 2

Выполнить графический декоративный натюрморт на произвольном формате. Примеры декоративного натюрморта различной сложности.

Изображение слайда

Изображение для работы со слайдом

Изображение для работы со слайдом

3

Слайд 3

Для графического декоративного натюрморта характерно условное изображение реальной постановки, он исключает ряд постановочных задач колорита, построенного на нюансе, контрасте, монохромии. В графическом декоративном натюрморте важная роль отводится линии, контуру, их движению и взаимодействию с пятном. Допустимым является также использование орнаментов, узоров. Главная задача в декоративном графическом натюрморте – стилизация предметов, их формы, цвета, тона. Что такое стилизация? Это декоративное объединение предметов с помощью ряда условных приемов. Можно упростить или усложнить форму, цвет, детали объекта, а также отказаться от передачи объема. Усложнение формы строится за счет введения декоративного орнамента, отсутствующего в натуре. Интересны примеры натюрмортов на сером и черном фоне.

Изображение слайда

Изображение для работы со слайдом

Изображение для работы со слайдом

4

Слайд 4

Художник может стилизовать предмет в любой степени; отход от натуры бывает очень значительным. Цветы, кувшин, фрукты можно трактовать почти как геометрические формы или сохранить природные плавные очертания.

Изображение слайда

Изображение для работы со слайдом

Изображение для работы со слайдом

5

Последний слайд презентации: Графический декоративный натюрморт

Главное в графическом декоративном натюрморте- объединение предметов с помощью ряда условных приемов. Можно упростить или усложнить форму, цвет, детали объекта, а также отказаться от передачи объема. Однако упростить форму вовсе не означает обеднить ее, а опустив малозначащие детали, подчеркнуть самые выразительные качества предмета.

Изображение слайда

Изображение для работы со слайдом

Изображение для работы со слайдом

Декоративная композиция.

МБУДО «Тульская детская художественная школа им. В. Д. Поленова»

Методическая разработка преподавателя Соломатина Владимира Николаевича.

Учебный предмет «Композиция станковая» Дополнительная предпрофессиональная общеобразовательная программа «Живопись» Рабочая программа. Второй год обучения, II полугодие. Раздел 3 «Декоративная композиция». Аудиторные занятия — 34 часа Самостоятельная работа — 51 час

3.1    Плоскостная стилизация в декоративном искусстве, общие принципы её выполнения.

Аудиторные занятия — 4 час.

Самостоятельная работа — 6  час.

Цель:  изучение общих принципов создания декоративной композиции.    

Задача:  приобретение навыков перехода на условную плоскость.

Аудиторное задание:  создание плоскостных изображений предметов быта, плоскостное цветовое решение «большой тени» и «большого света», понятие «силуэт предмета».  Материал: акварель, гуашь по выбору.

Самостоятельная работа: создание плоскостных изображений предметов Материал: акварель, гуашь по выбору. Вырезание изображений предметов по контуру. (Рисунок 1)

3.2    Составление аппликативных композиций.

Аудиторные занятия — 10 час.

Самостоятельная работа — 15  час.

Цель:  закрепление понятий «целостность композиции», «виды и формы ритма», «выделение главного», «равновесие в композиции».

Задача:  овладение способами составления простых композиционных сюжетов из нескольких предметов.

Аудиторное задание:

  составление из отдельных элементов простых композиций на белом фоне и фотофиксация их.

Самостоятельная работа: составление из отдельных элементов простых композиций на белом фоне и фотофиксация их. (Рисунок 2)

3.3    Стилизация изображения животных.

Аудиторные занятия — 4 час.

Самостоятельная работа — 6  час.

Цель:  изучение зооморфных мотивов в орнаментальном творчестве.

Задача:  приобретение практического опыта в копировании зооморфных орнаментов.

Аудиторное задание:  копирование зооморфных орнаментов.

Материал: акварель, гуашь по выбору.

Самостоятельная работа:  копирование зооморфных орнаментов.

Материал: акварель, гуашь по выбору. (Рисунок 3) 

3.4    Декоративная композиция натюрморта с использованием зооморфного орнамента. Контрольная работа.

Аудиторные занятия — 16 час.

Самостоятельная работа — 24  час.

Цель:  изучение декоративных графических и цветовых выразительных средств.

Задача:  научить использовать графические и цветовые изобразительные средства для силуэтного обобщения формы и целостного композиционного решения.

Аудиторное задание:  создание эскизов плоскостного декоративного натюрморта и исполнение в размер А2.  Материал: акварель, гуашь по выбору. (Рисунок 4)

Самостоятельная работа:  эскизы плоскостных декоративных натюрмортов с ограниченным использованием цветов (3 — 5 цветов).

В декоративном натюрморте главной задачей является выявление декоративных качеств натуры. Основной принцип решения декоративного натюрморта является превращение пространственной глубины изображения     в условное плоскостное пространство. Декоративный натюрморт дает возможность развития у будущих художников чувство цветовой гармонии, ритма, в целом активизирует творческие способности учащегося. В декоративном натюрморте на первый план выступают следующие задачи: цветовая композиция, в которой цвета решают условную задачу заранее продуманного колорита, построенного на нюансе и контрасте. В декоративном натюрморте важная роль отводится линии, контуру, их движению и взаимодействию с пятном. Допустимым является также использование орнаментов, узоров как  аппликативной составляющей декоративного натюрморта. Декоративный натюрморт не есть точное изображение натуры, а размышление по поводу данной натуры: это отбор и запечатление самого характерного, отказ от всего случайного, подчинение строя натюрморта конкретной задаче художника.   В тоже время, возможно использование нескольких планов, которые необходимо располагать в пределах небольшой глубины. Учебная задача, стоящая перед учащимся в процессе работы над декоративным натюрмортом, состоит в том, чтобы выявить характерное, наиболее выразительное качество и усилить его в декоративной переработке, в декоративном решении натюрморта, постараться увидеть характерное и на этом построить переработку. 

Контрольно-измерительный материал по теме «Декоративный натюрморт».

 Основные задачи:

 1. грамотно выбрать формат бумаги в зависимости от содержания выбранной темы.

 2. грамотно выбрать масштаб изображения.

3. грамотно разместить изображение на картинной плоскости.

4. грамотно выбрать схему построения композиции натюрморта.

5. выделять главное (композиционный центр) пятном, размером, цветом, используя прием контрастов.

6. подчинить главное второстепенному. Выстроить планы композиции.

7. применять навыки рисунка и живописи в композиции.

8. самостоятельно выбирать основной вариант эскиза.

9. грамотно и последовательно вести работу над композицией.

10. применять на практике основные законы и правила композиции.

11. самостоятельно анализировать свою работу.

12. владеть различными материалами и применять их в соответствии с замыслом.

 Критерии оценки качества знаний, умений и навыков обучающихся:

Отметка «5» (100 — 81 бал.) — при условии выполнения учащимися всех требований к учебной работе.

Отметка «4» (80 — 61 бал.)  — при невыполнении двух-трех пунктов критерия оценки.

Отметка «3» (60 — 41 бал.)  — при невыполнении четырех-пяти пунктов критерия оценки.

 Отметка «2» (40 — 0 бал.)  — при невыполнении шести и более пунктов вышеперечисленных требований к учебной работе.

 

 

 

 

 

 

                                                                                                             

 

Наши экзаменационные просмотры — МГПУ

Просмотры учебных работ, выполненных в течение семестра — это подведение итогов, важный этап учебы и творческого роста. Итоговым просмотром заканчивается каждый семестр у студентов бакалавриата направлений «Педагогическое образование» (Изобразительное искусство), «Дизайн», «Декоративно-прикладное искусство». На просмотрах выставляются работы по живописи, академическому рисунку, скульптуре, проектированию, прикладному искусству.
У старшекурсников (4 курса бакалавриата) просмотры прошли еще в марте, т.к. за ними следовали госэкзамены и уже скоро — защиты дипломных работ.
Студенты-дизайнеры, 3 и 2 курсы, показали на майских просмотрах свои работы п 3D-проектированию и средовому дизайну — второкурсники учились в этом семестре проектировать торговый павильон и делать навигацию и визуальную подачу. Живопись и рисунок на 2-ом и 3-ем курсах у дизайнеров — это, соответственно, рисование головы, натюрморт, скетчинг.
Просмотр 2-го курса направления ДПИ произвел впечатление стильной развеской и сильными работами — декоративный натюрморт, графика — фигура в интерьере. Художники декоративного искусства учатся у нас в Институте по новой программе, в которой сделан упор на развитие навыков декоративного натюрморта, графики и композиции.
Просмотр на 1 курсе направления ИЗО показал, какие разные, творческие и талантливые у нас первокурсники-художники. Студенты говорят, что в этом семестре их оценивали строже, чем в первом. Но это естественно — вместе с их ростом растут требования педагогов) Работы, показанные на просмотре, говорят сами за себя — и учебные, и творческие — очень интересные и перспективные.
Первокурсники направления Арт-технологии в ДПИ выставлялись последними, уже после дизайнеров и ИЗО. Поэтому им было сложнее произвести впечатление на строгую комиссию. Но — им это удалось, выставились достойно, работы есть хорошие, есть сильные, очень интересные, красивые и смелые коллажи — поздравляем!
Поздравляем всех наших студентов с успешными просмотрами по творческим дисциплинам!

О композиционном решении декоративного натюрморта.

С античных времен живописцы изображали окружающие их неодушевленные предметы: цветы, фрукты, предметы быта и др. Но только в эпоху Возрождения эти вещи стали фигурировать в ка­честве главной темы изображения. Натюрморт, как самостоятельный жанр живописи, окончательно оформился в XVII в. в творчестве голландских и фламандских художников. До этого времени он не являлся самостоятельным жанром, а лишь включался в другие жанры в качестве обрамления других картин (например, цветочными гирляндами), украшения мебели, интерьера и т.д.

Как заметил Паскаль: «Какая это странная живопись — натюрморт: она заставляет любоваться копией тех вещей, оригиналами которых не любуешься».

В большинстве натюрмортов художники используют иносказание — пытаются через определённый набор предметов, их расстановку, выбранные цвета, общую композицию сказать людям что-то очень важное, передать им то, что их волнует, рассказать о своих чувствах и мыслях.

Хотя и слово натюрморт переводится как «мёртвая природа», полотна чаще всего пестрят яркими красками, радуют зрителя своей оригинальностью и причудливостью, пробуждают желание жить и восторгаться окружающим миром, видеть прекрасное в нём.

Существует большое количество видов натюрморта, например, сюжетно-тематический, творческий, учебно-творческий, учебный. Также их подразделяют по использованным цветам, освещённости, колориту, времени исполнения, месту расположения и т. д.

Усилить эмоционально-выразительную и художественно-организующую роль можно при помощи декоративности. Особую роль в декоративном натюрморте при­обретает выразительность силуэта, графическая красота контуров и линий фигур, узорчатость  композиции, которая воспринимается как соотношение форм светлых и темных пятен.

Однако организация любого натюрморта требует знания законов композиции, соблюдение которых необходимо для правильной передачи главного замысла. Основные законы композиции следующие: закон главного и второстепенного, закон целостности, закон контрастов, закон равновесия, и др.

Во многих специальных художественных заведениях тема натюрморта является обязательной, причем звучит  как в программах по живописи, так и по рисунку. Ребят учат выполнять тематические, творческие натюрморты на заданные темы. Для нашего исследования была важна не техническая сторона выполнения графического, живописного или декоративного натюрморта, а принципы его организации. Для того чтобы выяснить, понимают ли школьники принципы организации натюрморта, было проведено анкетирование, вопросы которого касались темы композиции и натюрморта. Анкетирование было проведено в 6б классе Художественно-технологического лицея г. Кирова. Вопросы анкеты и поученные ответы представлены в таблице 1.

Таблица 1.

№ вопроса	Вопрос	% верных ответов	% неверных ответов
1	Дайте определение понятию «натюрморт»	72	28
2	Как Вы думаете, почему «натюрморт», в переводе с английского означает «застывшая жизнь»?	67	33
3	Какой натюрморт называют «тематическим»?	55	45
4	Что такое «композиция»?	72	28
5	Какие законы композиции Вы знаете?	61	39
6	Как выделить главный предмет в натюрморте?	67	33
7	Может ли быть в натюрморте несколько главных предметов?	67	33
8	Может ли отсутствовать главный предмет в натюрморте?	61	39

 

Общий процент правильных ответов составил 65 — это не самый высокий результат, т. к. учащиеся занимаются в специализированном  учебном заведении с художественным уклоном.

На основе анализа  полученных результатов было решено провести урок, в котором была бы возможность познакомить школьников с принципами композиционной организации натюрморта, на примере декоративного натюрморта «Атрибуты искусства».  К данному уроку была составлена презентация и разработано специальное задание.                                                                                  
Презентация к уроку живописи в 6 классе создана на тему: «Организация декоративного натюрморта». Презентация, по задумке авторов, начинается с проблемной ситуации, в которой школьникам предлагается порассуждать: какой из представленных натюрмортов организован правильно, чтобы уже на этом этапе активизировать школьников и включить в рассуждение. Затем в ней рассмотрены основные принципы выделения главного в натюрморте: главное можно выделить размером, цветом, тоном, ритмом, формой, размером и цветом. Следом приведены рекомендации по созданию работы.                                                                                      
Специальное задание заключается в следующем: каждому ученику предложен набор предметов, вырезанных из цветной бумаги, различных по форме, цвету, тону и предложено составить натюрморт с учетом законов композиции и принципов выделения главного.                                                                                                                           
После тщательного разбора темы, в ходе работы с презентацией, большинство ребят справились с  творческим заданием. Почти все работы составлены правильно, гармонично, в каждой из них прозвучала своя идея.

Таблица 2.

ФИ лицеиста, название работы	Изображение	Анализ
Шабардина Наталья. «Мастерская художника»		В данном натюрморте предметы расположены  на одном уровне;  все предметы использованы из предоставленного набора, добавлены  лишь драпировки. Натюрморт гармоничный, целостный.
Савина Александра. «Три вазы»		Интересным получилось решение натюрморта по цвету: контрастный фон и яркие предметы. Расположение рамы задает движение и особое настроение. На сосудах творчески решены блики.
Козюлькова Софья. «Стол художника»		Интересный и гармоничный натюрморт по цвету и композиции. Предметы использованы из набора.
Коробейникова Варвара. «Стол детектива».		В натюрморте предметы расставлены на разных уровнях, но не задано деление на плоскости. Добавлены предметы, которых не было в наборе. Работа интересная, хотя предметы несколько «зажаты» в плоскости листа.
Ситникова Ксения. «Стол художника»		На взгляд автора, работа несколько делится пополам, центр композиции выделен не очень хорошо. Предметы использованы из набора.
Бажина Ирина. «Натюрморт со свечой».		Данную работу отличает интересное решение драпировок. Предметы, как и в большинстве работ, расставлены на одной линии. Предметы взяты из представленного набора и интересно обыграны.

 

Таким образом, мы пришли к выводу, что необходимо знакомить юных художников не только с техническими сторонами работы над натюрмортом, но и с принципами его организации. На примере проведённой работы мы доказали, что если сложные темы композиционной организации натюрморта давать в виде определенного алгоритма, с выделением важных принципов, хорошо продуманным творческим заданием, то можно достигать хороших результатов в усвоении школьниками данной темы. 

«Декоративные натюрморты. Декоративная графика в натюрморте»

Разработка презентации к уроку ИЗО, для учащихся 6 класса.

Тема урока: «Декоративные натюрморты. Декоративная графика в натюрморте»

1. Что такое натюрморт.
2. Жанр изобразительного искусства

В живописи на первом месте стоит цвет и создаваемый им колорит, а рисунок играет хоть и необходимую, но всё же вспомогательную роль, то в графике роль рисунка решающая. Рисунок является основным видом графики.

Если видишь на картине Чудо ваза на столе, В ней стоит букет красивых Белоснежных хризантем Стоит множество посуды И стеклянной и простой Может чашка или блюдце С золоченою каймой. А еще, и так бывает, Нарисована там дичь. В завершение положим Спелых персиков и слив А еще в картине может Нарисованным быть торт И поэтому картину называют – натюрморт.

1. Натюрморт это мертвая натура
2. К натюрморту относятся; посуда, сорванные цветы, книги, плоды, снедь.
3. А что такое графика?
4. Черно-белое изображение карандашом, тушью, углем, сангиной, акварелью.
5. Выразительные средства: Пятно, силуэт. Линия, штрих. Точка.

Художники всегда любили изображать что-то необычное, фантастическое, но гораздо больше во все времена их волновало изображение окружающей жизни. Изображая ее события и ее повседневное течение, художники раскрывают нам жизнь своего времени.

Графикой занимаются все художники, будь они живописцами или скульпторами, — рисунок им необходим как этап работы. Однако рисунок может быть самостоятельным графическим произведением.

Художнику-графику бывает достаточно очень простых средств – карандаша, фломастера или ручки, чтобы создать замечательную графическую композицию.

Графика. Один из видов искусства – графика, относится к пространственным (пластическим) видам искусства. Само слово «графика» ведет своё начало от греческого слова – grapho -пишу, рисую. Рисунок демонстрирует характер, темперамент, настроение художника. Язык графики основан главным образом, на выразительных возможностях линии, штриха, пятна (иногда цветового), фона основы (обычного листа бумаги – белой или тонированной) с которым изображение образует контрастное или нюансное соотношение. Не смотря на то, что цвет в графике имеет большое значение, но используется всё же более ограничено, чем в живописи. Графика тяготеет к монохромности, чаще всего извлекая художественную выразительность из сочетания двух цветов: белого (либо другого оттенка основы) и чёрного (или какого либо другого цвета красящего пигмента.) Как и все изобразительные искусства, графика может быть подразделена на три вида: учитель показывает слайд-фильм. Монументальная графика — тесно связанную с архитектурным ансамблем, например, плакат (монументальная печатная графика), настенная графика, картоны. Станковую – выполняемую «на станке», не имеющую связи с определённым интерьером, назначение и смысл произведения полностью исчерпывается художественным содержанием (рисунок, эстамп, лубок).

Декоративная графика – книжные иллюстрации, открытки, любые графические изображения на любом предмете, не имеющие особенной художественной ценности, а служащие для организации поверхности предмета. Также к декоративной графике относится флористика – композиции, созданные при помощи пуха деревьев, соломок и других «живых» материалов. Эстамп – от французского – штамповать, оттискивать – оттиск на бумаге. Первоначальное изображение делается не непосредственно на бумаге, а на пластине какого – либо твёрдого материала, с которым потом рисунок печатается, оттискивается с помощью пресса. При этом можно получить не один экземпляр оттиска, а много, то есть тиражировать графическое изображение. Печатание применяется и в прикладной графике и в плакате. Более доступным в исполнении, не требующим специальных технологий, является станковый рисунок. Рисунок выполняется художником непосредственно на листе бумаги, каким либо графическим материалом — карандашом, углём, тушью, сангиной акварелью, гуашью. Рисунок – изображение, выполненное от руки, на глаз, с помощью графических средств: контурной линии, штриха и пятна. Существуют многочисленные разновидности рисунка, различающиеся по методам рисования, темам и жанрам, технике и характеру исполнения. Показ презентации «Графика. Вчера, сегодня, завтра. (7 минут) Учитель показывает фильм и комментирует : Зародился рисунок ещё в эпоху верхнего палеолита – рисунки животных, процарапанные на камне, кости, нарисованные на стенах пещер (пещеры Альтамиры в Испании и др.) рисунок эволюционирует от линий выдавленных или процарапанных к линиям нарисованным, силуэту, штриховке, пятну.

Основные отличия графики от живописи.

• Линия. Огромное значение в графике имеет преобладание линии (линия как таковая в природе вообще не существует, но в графике она либо проведена явно каким либо инструментом – будь то резец, карандаш или кисть, либо создаётся соседствующими пятнами – ахроматическими или хроматическими, как в акварели и гуаши.

• Контраст. Графика более контрастна, в основном это контраст чёрного и белого, контраст фона и рисунка, особое взаимодействие фона и изображения ( не случайно основой графических работ чаще всего является бумага – она предоставляет широкие возможности в выборе фактуры, цветового оттенка или фона).

• Простота и доступность техники. Графика (особенно рисунок, литография) дает художнику больше свободы, нежели живопись, благодаря простоте и доступности техники, возможности работать быстро, отражая мгновенные эмоциональные переживания.

• Иллюстративный характер. Графика, в основном, имеет иллюстративный характер, она более декоративна(часто используется для создания иллюстраций к книгам, шаржей и т.д

ЭОРы

1. https://kopilkaurokov.ru/izo/uroki/urok-izo-natiurmort-v-ghrafikie
2. http://nsportal.ru/shkola/izobrazitelnoe-iskusstvo/library/2012/06/09/stsenariy-uroka-natyurmort-v-grafike
3. https://kopilkaurokov.ru/izo/uroki/razrabotka-uroka-po-izo-dlia-6-klassa-vidy-ghrafiki
4. http://www.uverenniy.ru/urok-po-izo-6-klasse-pejzaj-v-grafike.html

Технологическая карта урока «Декоративный графический натюрморт»

1. Организационный момент.

Приветствие.

Проверка явки учащихся.

Проверка готовности учащихся к уроку.

Психологический настрой.

2. Повторение пройденного материала

Вопросно-ответная беседа

1. Что вы знаете о ИЗО?

2. Какие виды изобразительного искусства вы знаете?

3. Что такое графика?

4. Какие графические средства вам знакомы?

3. Объяснение нового материала

«Декоративный натюрморт» появился в конце ХIХ начале ХХ века, в эпоху зарождения волны самых разнообразных направлений. Это время художественных экспериментов с цветом, формой, пространством, увлечение поиском разнообразных фактур.

Декоративными принято называть натюрморты, основным предназначением которых является украшение чего-либо, как правило, интерьера. Вообще, натюрморт, как жанр изобразительного искусства, представляет огромные возможности для декоративной стилизации – ему по определению сложно быть не декоративным. Многие талантливые художники, создававшие натюрморты, работали в совершенно разной манере, однако их полотна в равной мере можно назвать декоративными. К примеру, Матисс делал акцент на цвета и фактуру – его натюрморты можно обозначит как декоративно- экспрессионистические. Внимание к цвету характерно и для натюрмортов Кустодиева, Фалька, Лентулова. Пикассо, как представитель направления кубизма, стремился по новому передать форму и пространство «мертвой природы» в соответствии с техническими приемами художников этого направления, то есть разлагая предметы на простые геометрические формы – но его картины так же великолепно соответствуют термину «декоративный» . Некоторые художники посредством натюрморта пытались передать какой-либо сложный образ (Петров-Водкин) , и все же декоративность полотен, то есть способность украшать, не оставляет сомнения.

Для декоративного натюрморта характерно условное изображение реальной постановки, он исключает ряд постановочных задач реалистического изображения таких как: отображение воздушного пространства, формы, материальности. Условностью также является плановость изображения. В декоративном натюрморте на первый план выступают следующие задачи: цветовая композиция, в которой цвета решают условную задачу заранее продуманного колорита, построенного на нюансе, контрасте, монохромии. В декоративном натюрморте важная роль отводится линии, контуру, их движению и взаимодействию с пятном. Допустимым является также использование орнаментов, узоров.

Главная задача в декоративном натюрморте – стилизация предметов, их формы, цвета, тона. Что такое стилизация? Это декоративное объединение предметов с помощью ряда условных приемов. Можно упростить или усложнить форму, цвет, детали объекта, а также отказаться от передачи объема. Однако упростить форму вовсе не означает обеднить ее, а опустив малозначащие детали, подчеркнуть самые выразительные качества предмета.

Усложнение формы строится за счет введения декоративного орнамента, отсутствующего в натуре. Художник может стилизовать предмет в любой степени; отход от натуры бывает очень значительным. Цветы, кувшин, фрукты можно трактовать почти как геометрические формы или сохранить природные плавные очертания. Сильный отход от натуры, преобразованный до геометрических форм, называется абстракцией.

4. Практическая работа.

Рисование декоративного графического натюрморта с орнаментом

1. Во время практической работы делать целевые обходы.

2. Контроль правильности выполнения рисунка.

3. Оказание помощи учащимся, испытывающим затруднения.

4. Контроль объема и качества выполнения работы.

5. Рефлексия

Понравился ли тебе урок?

Что нового ты узнал на уроке?

Понравился ли тебе твой рисунок?

Как я работал на уроке? (самооценка)

Критерии оценивания работ:

• Содержание

• Соразмерная компоновка в листе.

• Правильные формы (пропорции, строение)

• Аккуратность исполнения.

• Завершенность

«Искусство аранжировки»: О краткости жизни

Брайан Лидди исследует натюрморты в искусстве и фотографии. Является ли этот жанр болезненным по своей сути, уходящий корнями в традицию vanitas?

Когда фотография впервые появилась в 19 веке, картины были разделены по тематике в рамках строгой иерархии жанров. Самым скромным из этих жанров был натюрморт. Художественные композиции неодушевленных предметов считались низшим видом искусства, потому что они были декоративными, лишены серьезности и могли быть оценены без каких-либо интеллектуальных усилий.Но этот академический подход не учитывал, что скромный натюрморт способен затрагивать некоторые из величайших тем в искусстве — состояние человека — жизнь и смерть. Многие из этих картин также назывались Vanitas (по-латыни «пустота»).

Натюрморты достигли пика популярности в Нидерландах в 17 веке, когда резко вырос рынок небольших интимных картин для домашней обстановки. Эти изображения отражали важность религии для их владельцев и использовали богатый символический язык, чтобы тонко передать сложные моральные и духовные идеи.Цветы, фрукты и обычные предметы домашнего обихода использовались, чтобы мягко напоминать зрителю, что жизнь коротка, смерть неизбежна и за любое чрезмерное увлечение чувственными земными удовольствиями будет расплачиваться загробная жизнь. Натюрморт передает темы vanitas, потому что мы знаем, что цветы увядают, а свечи перегорают. Они символизируют краткость жизни и призваны напомнить зрителю, что существование бессмысленно без надежды на спасение. Таким образом, композиция натюрморта говорит: «думайте о мудрости ваших путей, пока у вас есть время» , и является тонким предупреждением против жадности и высокомерия.

В следующем стихе цветы используются как метафора для краткости жизни и является литературным эквивалентом натюрморта:

Лови, тогда лови переходный час;
Улучшайте каждый момент, пока он летает!
Жизнь короткое лето, человек цветок;
Он умирает — увы! Как скоро он умрет!

— Сэмюэл Джонсон, Винтер; An Ode, 1747

Фруктовый кусочек Уильяма Генри Фокса Тэлбота

На заре фотографии требовалась длинная выдержка, чтобы сделать снимок.Натюрморт стал идеальным сюжетом, потому что неодушевленные предметы во время этого процесса не двигались. Уильям Генри Фокс Талбот включил традиционную натюрмортную композицию в свое раннее фотоиллюстрированное издание The Pencil of Nature (1844–46). Талбот был высокообразованным человеком и знал о темах vanitas, традиционно связанных с натюрмортами, хотя он не упоминает о них в тексте, сопровождающем A Fruit Piece (выше) . Вместо этого он обсуждает технические вопросы и объясняет, как стабильность или долговечность фотографического изображения зависела от правильной обработки химикатов, используемых для создания фотографии.Но, возможно, это само по себе было тонким указанием на краткость жизни; как объяснил Талбот, если фотограф не будет заботиться на каждом этапе, его фотографии исчезнут…

Пески времени Томаса Ричарда Уильямса

Стереофотографии были популярны в викторианских залах. Хотя объекты в книге Т. Р. Уильямса «Пески времени » (см. Выше) традиционно использовались для передачи тем vanitas, возможно, в данном случае их не следует воспринимать так серьезно.Ссылки на условности натюрморта могут быть здесь просто для того, чтобы польстить зрителю, который их понимает. Череп является явным отсылкой к смерти, а большая книга, вероятно, Библия, придает композиции религиозный оттенок. Подобный циркулю штангенциркуль-делитель похож на инструмент, которым Бог часто изображался в средневековых рукописях, когда он создавал вселенную. Наиболее явным указанием на краткость жизни являются песочные часы. Его наличие означает, что время для всех нас кончится.Однако, поскольку одним из основных видов использования стереофотографии было развлечение, возможно, этот натюрморт не предназначен для морального урока. Вероятно, визуализация таких значимых объектов в трех измерениях была просто предназначена для того, чтобы вызвать у зрителя острые ощущения и продемонстрировать мастерство Уильямса в своем ремесле.

Натюрморт с парианской вазой, виноградом и серебряной чашкой. Автор Роджер Фентон.

В то же время другие фотографы серьезно использовали богатую символику натюрмортной традиции, чтобы добавить глубины и сложности своим работам.Натюрморты Роджера Фентона этого периода являются одними из лучших из когда-либо сделанных. Ранее ему было поручено сфотографировать предметы из коллекции Британского музея. Это, в сочетании с плохой погодой 1860 года, возможно, поэтому Фентон оставил пейзажную фотографию и обратился к фотографии натюрморта. В то время искусственное освещение было слишком слабым для интерьерной фотографии, поэтому в студии был необходим источник яркого естественного света. В «Натюрморт с парианской вазой, виноградом и серебряной чашкой » (вверху) вы можете увидеть четкие тени и яркие блики, созданные сильным солнечным светом.

Натюрморт с кружкой из слоновой кости и фруктами. Автор Роджер Фентон.

На первый взгляд роскошные натюрморты Фентона представляют собой просто декоративные аранжировки — образец силы формы, тона и текстуры. Хотя они лишены явного религиозного символизма, их все же можно интерпретировать как аллегории о смысле жизни. Посмотрите внимательно на его натюрморт с кружкой из слоновой кости и фруктами (вверху), и вы увидите, что овощи начинают проявлять признаки старения и разложения.Виноградная кожица начинает морщиться, а цветы скоро увянут, а их лепестки опадут. Возможно, наиболее интригующим является расстроенная кружка (с херувимами снаружи, занятыми виноделием), которая лежит на боку, образуя черную дыру в самом центре композиции. Эта пустая пустота в центре фотографии представляет собой гениальный мотив vanitas, который напоминает зрителю о смерти и о тщетности жизни, когда ее проживают только ради нее самой.

К первой половине 20 века академическая иерархия жанров растворилась, а фотография стала более разнообразной.Тем не менее, фотография натюрморта пережила возрождение с появлением цветной фотографии просто потому, что фрукты и цветы были идеальным объектом для яркой визуализации в новых процессах цветной фотографии. Как таковые, они, как правило, были упражнениями по изображению разных цветов, текстур поверхности и форм без тяжелой символики более ранних натюрмортов. В ХХ веке натюрморт нашел новое применение в рекламе. Коммерческие фотографы, рекламные фирмы и их клиенты — все поняли, что натюрморт был идеальным средством продвижения продукции.Рекламируемый продукт включен в декоративную композицию неодушевленных предметов, возможно, расположенных в виде симулякра голландского натюрморта. Подразумеваемая домашняя обстановка визуально указывает на предназначение продукта, а также возвращает нас к низкому статусу натюрморта в нижней части иерархии жанров. Отчасти это связано с тем, что рекламная фотография натюрморта работает мгновенно и визуально — не на интеллектуальном уровне, но также потому, что это скорее коммерческое произведение, чем произведение искусства.

Реклама жидкости для полоскания рта Glyco-Thymoline от мадам Евонд

Мадам Евонд была мастером рекламной фотографии натюрморта и включала в свои композиции странные и необычные элементы. Здесь довольно причудливое сочетание элементов показывает влияние сюрреализма. Эта фотография была сделана в 1939 году для жидкости для полоскания рта Glyco-Thymoline. Это относится к надвигающейся войне, включая бинты, противогазовую мазь и шлем. Сова символизирует мудрость.

Диаграмма Судьбы № 2 Эдварда Стейхена

Эдвард Стейхен сделал Диаграмму Судьбы 2 (см. Выше) в период личных и профессиональных перемен через несколько лет после окончания Первой мировой войны.Стейхен сказал, что он: «начал рассуждать, что, если бы можно было фотографировать объекты таким образом, чтобы они предлагали нечто совершенно иное, возможно, можно было бы придать абстрактное значение очень буквальным фотографиям». Бабочка — это классика. натюрморт мотив. Обладающие красотой бабочки живут недолго. Часто изображаемые отдыхающими на цветке или фрукте, они еще раз напоминают зрителю не уделять слишком много внимания материальным или физическим вещам, а вместо этого смотреть на долгосрочные духовные цели.Стейхен дополнительно подчеркивает эту интерпретацию vanitas, фотографируя бабочку в конце дня, когда тени вытянуты, усиливая представление о том, что наше время на Земле истекает.

Мертвый солдат Северного Вьетнама и его разграбленные вещи, Хюэ, Дон Маккаллин

Сегодня натюрморты редко практикуются в чистом, традиционном виде. Однако понимание правил натюрморта обеспечивает стратегии чтения изображения. Это может выявить слои смысла, которые иначе были бы скрыты, и помочь объяснить пафос, остроту или силу изображения.Одним из примеров является книга Дона Маккаллина « мертвых солдат Северного Вьетнама и его разграбленные вещи», оттенок (см. Выше). Это графическое изображение, сделанное фотожурналистом в зоне боевых действий, редко можно рассматривать как натюрморт, но оно имеет общие черты с жанром. Это единственное изображение, на котором Маккаллин признается, что перед съемкой перемещал объекты. Он собрал разбросанные вещи убитого солдата и поместил их возле своего тела, таким образом сознательно расставляя неодушевленные предметы для достижения желаемого эффекта.Эта фотография — жестокое изображение смерти и восстановление человечности человека, которого мы видим в окружении его вещей. Он немного не в фокусе, из-за чего кажется, что он спит. Но объекты на переднем плане, визуализированные в резком фокусе, делают невозможным пропустить истинный смысл этого изображения.

До сих пор это эссе было сосредоточено скорее на болезненных, чем на декоративных аспектах натюрморта. Но, возможно, есть более оптимистичная интерпретация традиционных натюрмортных мотивов.Возьмем, к примеру, римского философа-стоика Сенеку, который писал:

.

Дело не в том, что у нас короткая жизнь, а в том, что мы теряем ее много. Жизнь достаточно длинна, и нам была дана достаточно щедрая сумма для высших достижений, если бы все это было хорошо вложено. Но когда она растрачивается в безрассудной роскоши и не тратится ни на какую полезную деятельность, последнее ограничение смерти заставляет нас наконец осознать, что она ушла, прежде чем мы узнали, что она уходит. Так и есть: нам не дается короткая жизнь, мы делаем ее короткой, и мы не получаем ее плохо, а тратим ее.Точно так же, как богатство и богатство, принадлежащее плохому хозяину, мгновенно расточаются, но богатство, каким бы скромным оно ни было, если его доверить хорошему хранителю, увеличивается по мере использования, так что наша жизнь значительно продлится, если вы правильно распорядитесь им.

—Сенека, О краткости жизни , c.AD65

Помимо важности морали, Сенека дает представление об искусстве жизни, и, возможно, это то, что современный зритель должен учитывать, используя условные обозначения натюрморта 17 века для интерпретации недавних или современных работ.Да, жизнь мимолетна по сравнению с универсалиями, но это только делает ее еще более драгоценной.

Зачем возиться с такой вещью, которая называется ожидаемой продолжительностью жизни? Какое отношение к человеку имеет такая статистика? Должен ли я заниматься выделением дней, которых у меня никогда не было и никогда не было обещано? Должен ли я отмечать каждый день своей жизни, как будто я вычитаю из этого воображаемого клада? Нет, наоборот, я буду добавлять каждый день своей жизни к своему сокровищу прожитых дней. И с каждым днем ​​мое сокровище будет расти, а не уменьшаться.

—Роберт Браулт, 2011 г.

Возвращение натюрморта

Вы помните те дни в художественном классе, когда вы создавали виньетку из книги, яблока и цветка, а затем рисовали ее? Этот урок натюрморта пришел и ушел, но когда дело доходит до современного дизайна , натюрморт снова вернулся на наш радар. С размахом! Недавнее возрождение натюрмортной фотографии выдвинуло на первый план геометрические формы, смелые цвета и скульптурные формы, подняв предметы повседневного обихода и художественные группы на новый уровень!

В сегодняшнем посте мы взглянем на нескольких очень новаторских художников, дизайнеров и фотографов, занимающихся натюрмортами, и исследуем, чему их талант может научить нас в творчестве в наших собственных интерьерах…

Современный натюрморт

Современный натюрморт варьируется от смелого и красочного до приглушенного и минималистского.Давайте познакомимся с несколькими художниками и фотографами, ведущими натюрморт в новом направлении:

Эрик Трин

Обсуждая свою работу, талантливый художник и дизайнер Эрик Трин делится: «Я проектирую, создавая, а не рисую, и лично проектирую и создаю все, что носит мое имя. Мои проекты варьируются от небольшого дизайна / сборки для коммерческих клиентов до мебели, скульптуры и декоративных предметов для дома. Я бы поместил себя в середину тройной диаграммы Венна искусства, ремесла и дизайна, которая может быть действительно захватывающей, а иногда и действительно сбивающей с толку.«Мы в восторге!

Серия «Alley-Oop» Эрика Трина

Выше и ниже мы видим фотографии различных произведений Trine, выполненных для совместного проекта под названием «Alley-Oop:

«. Пьесы из Alley-Oop Эрика Трина

Обладая множеством форм и цветов, от геометрических до конфетных, эти изделия были представлены в инсталляции в Покето. Они также стали предметами серии фотосессий, которые позже превратились в гравюры и открытки. Сегодня мы празднуем именно эти фотографии!

Красочная виньетка из проекта Alley-Oop Эрика Трина

Хотите узнать больше об Эрике Трине? Посетите его веб-сайт, на котором также есть магазин.

Ричи Талбой

Бруклинский фотограф Ричи Талбой использует в своих ярких работах множество мотивов, сочетающих ретро и современность. Например, две фотографии натюрморта, представленные ниже, взяты из его серии «После Мемфиса», которая передает яркость дизайна Мемфиса-Милана. Мемфисские произведения были популярны в 1980-х годах и определенно переживают серьезное возрождение, пока мы говорим.

Фотографии из серии After Memphis Ричи Талбоя

Talboy также привнесли ощущение ретро в свою серию летних Олимпийских игр, созданную в сотрудничестве с арт-дирекцией, дизайном и студией творческого консалтинга gg-ll из Нью-Йорка.Фактически, концепция, художественное оформление и стиль декорации для этого следующего дуэта изображений были предоставлены gg-ll.

Серия летних Олимпийских игр Ричи Талбоя Работы

Talboy четкие, яркие и игривые, сочетание, перед которым мы не можем устоять. Посмотреть другие фотографии Ричи Талбоя можно здесь.

Александр Кент

Лондонский фотограф Александр Кент фокусируется на современном натюрморте, исследуя такие элементы, как цвет, ракурс и границы. От его рекламных работ до личных проектов — образы Кента потрясающие и смелые. [через Ignant]

Фотография натюрморта Александра Кента

На изображениях выше и ниже белый фон представляет собой чистый лист для мощного дизайна, который украшает каждое пространство. Цвет свободно, но точно перетекает от источника света к стене, мебели и полу.

Современные натюрморты от Александра Кента

Результат: заманчивое взаимодействие света и тьмы, которое бросает вызов нашему определению организованного пространства. Узнайте больше об Александре Кенте здесь.

Натюрморт в домашнем стиле

Вы так же увлечены, как и мы ?! Мы не можем не вдохновляться бесстрашным подходом этих талантливых людей к дизайну.И мы также не можем не заметить, как современные ритейлеры перенимают натюрморты в своих фотосессиях. Вы помните эти подушки от ferm LIVING? Мы рассказывали о ferm LIVING в различных статьях, в том числе в этой статье о дизайне, посвященной материалам и простым формам.

Геометрические подушки от ferm LIVING

В фотографиях продуктов ferm LIVING определенно присутствует качество натюрморта, и на этих фотографиях часто присутствуют геометрические формы и необычные цветовые сочетания. Ниже мы видим серию черно-белых подушек на фоне пастельных тонов и королевского синего:

Черно-белые подушки от ferm LIVING

Чему эти изображения (в том числе примеры натюрморта вверху поста) могут научить нас дизайну дома? Во-первых, никогда не помешает думать о каждой виньетке как о художественной группе , как показано деревянными подсвечниками на следующем изображении:

Подсвечники от ferm LIVING

Не кладите свой декор (даже кухонные принадлежности) за закрытые двери. Покажите их с гордостью и внимательным вниманием. Ниже мы видим серию разделочных досок от ferm LIVING:

Разделочные доски и другие кухонные принадлежности от ferm LIVING

Еще одна студия дизайна, специализирующаяся на виньетках, вдохновленных натюрмортами, — Ladies & Gentlemen. Их изделия — настоящие произведения искусства, а их фотографии наполнены современными дизайнерскими идеями. Поскольку мы уже являемся поклонниками тропических растений, геометрических форм и зеркальных поверхностей, изображение ниже (с изображением стеллажей Mirage) сразу же вызвало у нас интерес:

Стеллажи Mirage от Ladies & Gentlemen Studio

На следующем изображении мы видим трехстворчатую полку на двухцветном фоне.Эта фотография — отличное напоминание о том, что уделяет столько же внимания тому, что скрывается за вашим декором, сколько самому декору.

Tri-полка от Ladies & Gentlemen Studio

Эти полки с шестигранным углом захватывают дух. Не только дизайн удивительно, фотография является свидетельством того, что есть неоспоримо значение в два тона стен и интересные аранжировки простых материалов, таких как дерево, металл и камень.

Угловая полка Hex Corner от Ladies & Gentlemen Studio

В заключение мы расскажем о трех предметах, выставленных на продажу в лондонской фотолаборатории, включая этот подписанный фотопринт от Gemma Tickle под названием Pop Print 1.Хотите добавить немного натюрморта в свое жилище? Почему бы не купить современный натюрморт или принт ?!

Gemma Tickle Pop Print 1 из Darkroom

Эти тотемные светильники от Джейми Жюльен-Брауна прославляют искусство инновационной скульптуры. Изготовленные из стеклянных и керамических абажуров из личной коллекции Жюльена-Брауна, эти предметы вдохновляют нас на создание собственного скульптурного искусства. Не то чтобы мы могли повторить артистизм, который здесь присутствует. Но работы Жюльена-Брауна не могут не побудить нас найти художника внутри себя, особенно когда речь идет о наших собственных пространствах.

Тотемные огни от Джейми Жюльен-Брауна

В заключение мы расскажем об этих геометрических объектах из цемента от Serax, которые доступны в Darkroom. Заинтересованы в создании виньеток, вдохновленных натюрмортами, в домашних условиях? Приобретайте предметы, которые побуждают вас объединять скульптурные элементы в современные группы! Эти географические формы — отличное место для начала.

Цементные геометрические объекты от Serax через Darkroom

Мы надеемся, что сегодняшний пост вдохновил вас на поиски работ талантливых художников и дизайнеров. И, конечно же, сделать ваш дом местом, отражающим ваше истинное творчество!

Домашняя страница

Let It Snow Santa

Впереди вас ждет захватывающий опыт рисования.. . Первый интерактивный конгресс Синди Харрисон в прямом эфире Artful Webinar, 16-21 марта 2021 года. Вы можете загрузить каталог сейчас или заказать печатную копию на Amazon в ближайшее время. Регистрация открывается 27 ноября. Присоединяйтесь ко мне в пятницу, 19 марта, с 15:00 до 21:00 EST, чтобы нарисовать Let It Snow Santa Banner.

Этот веселый класс показывает красочного и праздничного Санты и его маленького приятеля-снеговика. Класс — это изучение повторения и баланса цвета и элементов дизайна, которые создают единство всей картины.Изучите основы добавления небольших штрихов, которые превращают композицию из обычной в необычную. Учебное пособие также включает небольшой и более быстрый проект, в котором есть только снеговик и трафарет на орнаменте. Учебное пособие для класса включает выкройки, расширенные инструкции, два видео и 8 страниц фотографий.

Санта нарисован на холсте с деревянным верхним и нижним колонтитулами. Общий размер баннера составляет 7 дюймов на 21,5 дюйма. Размер деревянного орнамента-снеговика составляет 4,5 дюйма на 6 дюймов.75 ”. Будет доступен комплект баннеров, включающий холст, деревянные верхний и нижний колонтитулы, два трафарета и небольшую банку текстурной пасты. Также будут продаваться отдельные предметы, в том числе украшение снеговика.

Нажмите ЗДЕСЬ, чтобы увидеть фотографии и цены.

Предметы будут доступны для покупки 27 ноября после открытия регистрации.

НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, чтобы увидеть каталог Artful Webinars LIVE Interactive Convention и дополнительную информацию.

Ожидается в ноябре 2021 года.Мы будем рисовать Tuckered Teddy. Надеюсь, ты к нам присоединишься! Не могу дождаться!

Информация о веб-семинаре: Щелкните здесь, чтобы перейти на веб-семинар Artful Ornament Club

Недавно выпущенные

Теперь у нас есть запас акриловых красок и материалов DecoArt Premium

Мы предлагаем их по сниженной цене в течение ограниченного времени.

Нажмите здесь или на фото, чтобы приобрести

Семинар по цветным карандашам с Эми Линденбергер, CPSA, CPX

5, 6, 7 ноября 2021 г.
Два проекта

Мы рады приветствовать нового учителя, Эми Линденбергер, на нашей программе семинара по цветным карандашам 2020 года.Эми проводит семинары по различным предметам и техникам цветного карандаша. Она с отличием окончила Университет Акрона, Огайо, со степенью бакалавра изящных искусств в области рисования. В 1990 году она стала членом Американского общества цветных карандашей (CPSA), а в 2013 году CPSA присвоила ей статус подписи в цветных карандашах и работах в смешанной технике (CPX). Она твердо верит, что цветной карандаш дал ей огромные возможности и творческое совершенство.

Я посетил семинар Эми в начале 2019 года и был впечатлен не только ее работой, но и ее стилем преподавания и объемом информации, которой она поделилась.Эми поделилась справочной информацией о различных типах / марках цветных карандашей, а также своей диаграммой образцов и методиками планирования проекта. Я попросил ее поделиться этой информацией и для нашего семинара. Она также познакомила нас с некоторыми техниками разминки и практическими упражнениями. У учеников в классе был разный опыт работы с цветными карандашами, и она смогла помочь каждому на их уровне.

Я попросил Эми сделать портрет на темном фоне и небольшой натюрморт. Я искал картины, отличные от тех, что мы предлагали ранее…. как по тематике, так и по стилю. Планируется потратить два дня на портрет (включая разминку) и один день на натюрморт.

Мы надеемся, что вы присоединитесь к нам в 2020 году на нашем ежегодном семинаре по цветным карандашам. Я верю, что вы уйдете, пополнив свои знания и навыки цветным карандашом!

Регистрация осуществляется в порядке очереди. Вы можете зарегистрироваться онлайн или заполнить письмо в Регистрационной форме и отправить его Бренде Стюарт вместе со своим депозитом, чтобы обеспечить себе место.

Семинары проходят в отеле Best Western Historic.

Присоединяйтесь к нам на семинар в 2021 году

Весенний семинар по натюрмортам
TBD

Информация о семинаре:
Это наш ежегодный семинар по натюрмортам. Изображение груши и олова, показанное выше, будет нашим основным проектом. Бренда надеется, что время обучения позволит ей представить еще один натюрморт, на котором изображен высокий кувшин с грушей и виноградом.

Многие студенты-акварелисты просили добавить к картине Карсанной Лили, которую мы нарисовали несколько лет назад. Сейчас Бренда разрабатывает две картины меньшего размера, которые станут хорошими компаньонами лилии.

Ориентация начинается в 13:00 в четверг после обеда. После краткого ознакомления вы подготовите поверхность для семинара.

Пятница, суббота и воскресенье посвящены написанию проектов семинаров. В воскресенье полный день рисования. Класс открыт в 8 утра, а урок начинается в 9 утра.

Рождественский семинар феерии
16, 17, 18, 19 сентября 2021 года
День акварели: 15 сентября. 2021

По многочисленным просьбам Санта-Клаус вернулся на наш осенний семинар. Вы не захотите пропустить это!

Обновления последуют в день акварели, но они будут связаны с Рождеством.

Чтобы зарегистрироваться онлайн и узнать больше о размещении для семинаров и предложениях по поездкам, щелкните здесь, чтобы перейти на страницу семинара в Вильямсбурге.

Все семинары проводятся в отеле Best Western Historic .

Новые возможности полета и наземного транспорта

Если возможно, мы рекомендуем прибыть за день до первого дня семинара и запланировать отъезд на следующий день после его завершения. Последний день семинара включает полный учебный день.

Лучшие аэропорты для полетов: международный аэропорт Ньюпорт-Ньюс / Вильямсбург — Патрик Генри Филд (PHF) или международный аэропорт Ричмонда (RIC).

Поскольку расходы на наземный транспорт из аэропортов Вильямсбург / Ньюпорт-Ньюс и Ричмонд в последние годы возросли, мы изучаем более дешевые варианты для наших студентов семинаров.Щелкните ссылку ниже, чтобы просмотреть найденные нами варианты. Приведенные ниже цены и информация были собраны для общей информации и сравнения. Эти цены могли измениться.

Информация в формате PDF для печати здесь

Информационные видео

Masterson Palette

Fine Line Work

Боковая загрузка кисти

Ruling Pen

Блог Бренды

Если вы хотите получать самые свежие новости события и обновления от Бренды, вы захотите подписаться.Просто щелкните Блог Бренды здесь или в строке меню вверху страницы и следуйте инструкциям.

Уведомление о информационном бюллетене

Если вы в настоящее время не получаете нашу информационную рассылку, вы можете подписаться, перейдя по ссылке на информационный бюллетень здесь или в строке меню вверху страницы и введя свою информацию. Мы уважаем вашу конфиденциальность. Мы не собираем личную информацию, когда вы посещаете наш веб-сайт, если вы не вводите ее специально в форме, хотя определенная неличная информация собирается автоматически нашей статистической программой, когда вы посещаете наш веб-сайт.Эта информация не идентифицирует вас лично. Вся предоставленная вами информация строго конфиденциальна. Мы не будем передавать, продавать или иным образом распространять вашу электронную почту, номер телефона, домашний или рабочий адрес или любую другую личную информацию о вас каким-либо сторонним агентствам, за исключением уполномоченных правоохранительных организаций. Вот ссылка для просмотра нашей полной Политики конфиденциальности.

Если вы получали информационные бюллетени и не получали нашу последнюю информационную рассылку. . . .

Мы просим вас повторно подписать на для получения наших информационных бюллетеней.Нам пришлось перейти на новый сервер, и некоторые из наших адресов необходимо обновить. Спасибо, и мы надеемся, что вы и дальше будете получать наши информационные бюллетени.

Если вам нравится декоративное искусство, вы изучаете новые техники рисования и читаете о том, что делают другие художники-декораторы, подумайте о вступлении в Общество художников-декораторов.

Для получения дополнительной информации пишите по адресу: SDP, 393 McLean Blvd., Wichita, KS 67203 или посетите их веб-сайт декоративных красок.org

Головокружительное красочное искусство и декор Натали дю Паскье в Институте современного искусства

Головокружительное красочное искусство и декор Натали дю Паскье в Институте современного искусства

Натали дю Паскье — одна из основательниц влиятельной итальянской группы постмодернистского дизайна Мемфис. Ее красочная и захватывающая инсталляция в ICA — это одновременно искусство и дизайн. Ефрем называет это игривым, но основанным на приверженности художника принципам дизайна, структуры и систем.Прогулка по картинам, коврам, мебели и натюрмортам с предметами и мебелью демонстрирует бесшовное и естественное взаимодействие искусства и дизайна.

Ретроспектива Натали дю Паскье в Институте современного искусства разворачивается как урок того, как вещи идут (а иногда и не идут) вместе. Переиздание выставки Дю Паскье 2016 года в Kunsthalle Wien в Вене, галереи наверху ICA мастерски преобразованы в головокружительную экспозицию картин, расписных стен (как в отделке интерьеров), мебели, скульптур, рисунков, нестандартных обоев, инсталляций и ковров.

Важно отметить, что выставка, разработанная Дю Паскье, «структурирована как город, где каждая комната функционирует как здание и сосредоточена на различных аспектах ее мышления и творческого процесса», согласно тексту выставки. Хотя аналогия между «комнатами как зданиями» и «творческим процессом» не очевидна без побуждения зрителя увидеть это, разделение и последовательность работ явно выражены и чрезвычайно полезны при столкновении с широтой работы на выставке.

(Вид инсталляции с натюрмортами) Слева направо: «Коллегаменто», 207 холст, масло, 39 × 59 дюймов; Обои «Венский солнечный свет», 2017 год, производство ZigZagZurich; «Дисордина», 2007 г. Холст, масло 39 × 59 дюймов; «Con Le Ombre Che Cadono», 2004 г., холст, масло, 39 × 59 дюймов. Изображение предоставлено Институтом современного искусства.

Прогулка назад по выставке и роли натюрмортов

Это не было преднамеренным, что я впервые вошел на выставку через черный ход, случайно пропустив настенный текст куратора и брошюры выставки.Поднимаясь по пандусу ICA на шоу, я останавливаюсь на повороте и замечаю шесть абстрактных геометрических значков, висящих высоко на стене. Я мысленно каталогизирую изображения — которые напоминают мне геометрические иероглифы — и двигаюсь дальше, появляясь в галерее, заполненной большими и ярко раскрашенными натюрмортами, написанными маслом.

Натюрморты — хорошее место для начала, они остаются важной составляющей на протяжении всего шоу. От репрезентативных до абстрактных, объекты на картинах скользят и скользят по непредсказуемой сетке перспективы, в которой узнаваемые изображения (воронка, фрукты, ваза) становятся геометрическими фигурами, которые превращаются в абстрактные футуристические пейзажи, которые в конечном итоге сводятся к формам и цветам. отношения, которые являются не столько изображением, сколько деконструкцией изображения.

Продолжая, я встречаю несколько комнат и пространств, окрашенных в единый цвет или узор. Например, одна комната окрашена в розовый цвет висмута (цвет, обильно использованный на всей выставке), заполнена небольшими изометрическими архитектурными рисунками; другая комната — голубая малиновка, занята небольшими натюрмортами, портретами как предметов, так и людей, а также небольшими скульптурами, расположенными на паре узких полок, опоясывающих пространство.

(Синяя комната с полками, упомянутыми в эссе) Вид установки.Изображение любезно предоставлено Институтом современного искусства (изображения, относящиеся к скульптуре Штайнбаха в эссе) Слева направо: «Nature Morte n ° 13», 2002 г. Фарфор на деревянной основе 17x23x7 дюймов; «Nature Morte n ° 6», 2002 г. Фарфор на деревянной основе 15х10х23 дюйма. Изображение предоставлено Институтом современного искусства.

Источник названия шоу: «Большие объекты не всегда молчат»

Еще одна комната, небольшая ниша в сером линкоре, содержит инсталляцию со звуком. Три геометрические фигуры в человеческом масштабе выступают из стены с низким рельефом, с записанным звуком, исходящим от центрального объекта.Звук — это Дю Паскье, возящийся в своей студии, наложенный голосом ее соавтора, музыканта и поэта Стива Пикколо, читающего список бессмысленных словосочетаний, которые регистрируются где-то посередине между сюрреалистическим и невозмутимым юмористическим. Работа по иронии судьбы монотонна и монохромна и описана Дю Паскье как катализатор названия шоу — «Большие объекты не всегда молчаливы».

В этот момент организация вещей начинает становиться предметом внимания. Не концептуальная часть как таковая, а функциональное ориентирование и понимание того, как индивидуальные работы связаны с большим целым.Вспоминая геометрические иероглифы на рампе, это те основные изображения, которые я нахожу встроенными во многие работы на всей выставке в различных итерациях и комбинациях. Эти геометрические формы становятся ключом к теоретической карте и синтаксису более обширной работы Дю Паскье.

Дю Паскье и другие художники, работающие с функциональным или искусственно функциональным дизайном

Как член-основатель итальянской группы постмодернистского дизайна Memphis, производившей мебель и другие утилитарные предметы с 1981 по 1986 год, а затем в основном как художник с 1987 года по настоящее время, эстетика Дю Паскье предпочитает непредсказуемые сочетания узоров и цветов, которые служат примером ее художественного творчества. Его интересы варьируются от графической смелости африканского текстиля до дизайна Wiener Werkstätte и движения Arts and Crafts.И наоборот (и я говорю это, потому что искусство и ремесло — это оборотная сторона утилитарного) ее утилитарная иконография и архитектурная точность связаны с современным искусством, которое также находится на пересечении искусства и дизайна, с неожиданными параллелями между поэтическими комбинациями натюрмортов Хаима Штайнбаха. найденных объектов; Ковровая мебель Андреа Циттель; а также концептуальные и скульптурные извращения Роя МакМакина и Аллана Векслера в дизайне мебели и архитектуре.

(Вид инсталляции в главной галерее) Изумруд, 1985 г. Боковая панель из дерева, ламината и зеркала 39x15x75 дюймов.Изображение предоставлено Институтом современного искусства.

Спектакль как «творческое пространство» художника

Big Objects Not Always Silent — это, в конечном счете, «инсталляция, состоящая из экспоната», который разбирает себя и снова объединяет себя посредством интерполяции дизайна, архитектуры, живописи, скульптуры, формы, масштаба, цвета, рисунка, изображения; а через натюрморты возникает явный интерес к изучению формальных способов видения. Du Pasquier дидактичен (это не значит, что он уничижительный.Она обучает нас своему идиосинкразическому способу видения вещей) освежающе игривым и неожиданным способом сочетания предметов, изображений, узоров и цветов вместе. Подавая на обед тарелку с инструментами в натюрмортах или одержимо изображая кирпич как скульптуру, она обезоруживает своим остроумием и экспериментированием. Подобно тому, как Штейнбах сочетает маски Йоды с бумбоксом или что игривый утопизм Циттеля предполагает, что ковер может быть ориентиром для расстановки мебели, Дю Паскье также играет на сложной эстетической и концептуальной арене того, как вещи идут вместе с самоучкой. непредсказуемость, когда ее ковры висят высоко на стене, а также под ногами, размывая границу между картиной и стеной, на которой она находится, и концептуализируют всю выставку как ее творческое пространство, что я очень рад испытать.

Натали дю Паскье, «Большие объекты не всегда молчат», Институт современного искусства, icaphila.org/ 13 сентября — 23 декабря 2017 г. Проверьте веб-сайт, чтобы узнать дни и часы.

Для дальнейшего чтения:

Nathalie Du Pasquier
Memphis design group
Haim Steinbach
Andrea Zittel
Roy McMakin
Allan Wexler

(Автор упоминается в эссе) Андреа Циттель, A-Z Carpet Furniture: Cabin, 2012 Нейлоновый ковер 144 x 192 дюйма.Изображение предоставлено Институтом современного искусства.

элементов искусства | Введение в концепции искусства

1. Строка

Есть много разных типов линий, каждая из которых характеризуется тем, что длина больше, чем ширина. Линии могут быть статичными или динамическими, в зависимости от того, как художник решает их использовать. Они помогают определить движение, направление и энергию в произведении искусства. В повседневной жизни мы видим линию вокруг нас; телефонные провода, ветки деревьев, инверсионные следы от реактивных самолетов и извилистые дороги — вот лишь несколько примеров.Посмотрите на фотографию ниже, чтобы увидеть, как линия является частью естественной и искусственной среды.

На этом изображении грозы мы видим много разных линий. Конечно, на изображении преобладают неровные извилистые линии самой молнии, за которыми следуют прямые линии структур горизонта и береговой линии. Есть и более тонкие линии, например, огни вдоль зданий. Линии даже подразумеваются отражениями в воде.

Линии Наски на засушливых прибрежных равнинах Перу, датируемые почти 500 г. до н.э., были вцарапаны в каменистой почве, изображая животных в невероятном масштабе, настолько больших, что их лучше всего рассматривать с воздуха.Давайте посмотрим, как изготавливаются разные виды лески.

« Las Meninas » Диего Веласкеса 1656 года, якобы портрет инфанты Маргариты, дочери короля Филиппа IV и королевы Испании Марианы, воплощает в себе великолепный художественный гений; его огромный размер (почти десять квадратных футов), живописный стиль натурализма, световые эффекты и загадочные фигуры, размещенные на холсте, включая самого художника, — одна из величайших картин в истории западного искусства.Давайте рассмотрим его (ниже), чтобы узнать, как Веласкес использует основные элементы и принципы искусства для создания такого шедевра.

Диего Веласкес, Las Meninas, 1656, холст, масло, 125,2 x 108,7 дюйма. Прадо, Мадрид. CC BY-SA

Фактические строки — это те, которые присутствуют физически. Край деревянного подрамника слева от Las Meninas представляет собой реальную линию, как и рамки для картин на заднем плане и линейные декоративные элементы на некоторых платьях фигур.Сколько других актуальных линий вы можете найти на картине?

Подразумеваемые линии — это линии, созданные путем визуального соединения двух или более областей вместе. Взгляд на инфанту Маргариту — светлую центральную фигуру в композиции — от менин , или фрейлин, слева и справа от нее — подразумеваемые линии. Они визуально связывают фигуры. Визуально соединяя пространство между головами всех фигур на картине, мы получаем ощущение неровной подразумеваемой линии, которая удерживает нижнюю часть композиции в движении, уравновешивая ее с более темными, более статичными верхними областями картины.Подразумеваемые линии также могут быть созданы, когда две области разного цвета или тона объединяются. Можете ли вы выделить на картине другие предполагаемые линии? Где? Подразумеваемые линии встречаются и в трехмерных произведениях искусства. Скульптура Лаокоона ниже , , фигура из греческой и римской мифологии, вместе со своими сыновьями задушена морскими змеями, посланными богиней Афиной в качестве гнева на его предупреждения троянцам не принимать троянского коня. . Скульптура изображает предполагаемые линии в движении, когда фигуры корчатся в агонии против змей.

Laocoon Group, римская копия с греческого оригинала, Музей Ватикана, Рим. Фото Мари-Лан Нгуен. CC BY-SA

Прямые или классические линии придают композиции структуру. Они могут быть ориентированы по горизонтальной, вертикальной или диагональной оси поверхности. Прямые линии по своей природе визуально стабильны, но при этом задают направление композиции. В Las Meninas вы можете увидеть их на опорах холста слева, настенных опорах и дверных проемах справа, а также на заднем плане в матрицах на стенах между картинами в рамке.Более того, небольшие горизонтальные линии, созданные по краям лестницы на заднем плане, помогают закрепить весь визуальный дизайн картины. Вертикальные и горизонтальные прямые линии обеспечивают наиболее устойчивые композиции. Диагональные прямые линии обычно визуально более динамичны, нестабильны и наполнены напряжением.

Прямые линии, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон. CC BY

Выразительные линии изогнуты, что придает произведению искусства органичный и динамичный характер. Выразительные линии часто закруглены и идут неопределенными путями.В Las Meninas вы можете увидеть их в фартуках на платьях девочек, а также на сложенных задних лапах собаки и выкройке пальто. Посмотрите еще раз на Laocoon , чтобы увидеть выразительные линии в развевающихся конечностях фигур и извилистую форму змей. Действительно, кажется, что скульптура состоит только из выразительных линий, форм и форм.

Органические линии, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY

Существуют и другие виды линий, которые обладают характеристиками вышеперечисленных, но вместе взятые помогают создавать дополнительные художественные элементы и более богатые и разнообразные композиции.Обратитесь к изображениям и примерам ниже, чтобы ознакомиться с этими типами линий.

Контур или контур является самым простым из них. Они создают контур по краю фигуры. Фактически, очертания часто определяют формы.

Outline, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY

Линии штриховки повторяются с короткими интервалами, как правило, в одном направлении. Они придают оттенок и визуальную текстуру поверхности объекта.

Hatch, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон.CC BY

Штриховки обеспечивают дополнительный тон и текстуру. Их можно сориентировать в любом направлении. Многослойные линии штриховки могут придавать объектам богатый и разнообразный оттенок, манипулируя давлением инструмента рисования для создания большого диапазона значений.

Crosshatch, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY

Качество линии — это чувство характера, встроенное в способ представления линии. У некоторых линий есть качества, которые отличают их от других.Резкие, неровные линии создают отрывистое визуальное движение, в то время как органические плавные линии создают более комфортное ощущение. Извилистые линии могут быть геометрическими или выразительными, и вы можете увидеть в примерах, как их неопределенные пути оживляют поверхность в разной степени.

Lines, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY

Хотя линия как визуальный элемент обычно играет вспомогательную роль в изобразительном искусстве, есть замечательные примеры, в которых линия имеет сильное культурное значение как основной предмет.

Каллиграфические линии используют скорость и жест, больше похожие на мазки, чтобы придать произведению искусства плавный лирический характер. Чтобы увидеть это уникальное качество линий, посмотрите работы китайского поэта и художника Дун Цичана, датируемые династией Мин (1555–1637). Более геометрический образец из Корана, созданный в стиле арабской каллиграфии, датируется 9 ^-м годами.

Оба этих примера показывают, как художники используют линию как форму письма и визуального искусства.Американский художник Марк Тоби (1890–1976) испытал влияние восточной каллиграфии, приспособив ее форму к акту чистой живописи в рамках современного абстрактного стиля, описываемого как белое письмо.

2. Форма

Форма определяется как замкнутая область в двух измерениях. По определению формы всегда плоские, но сочетание форм, цвета и других средств может сделать фигуры трехмерными, поскольку образует . Формы можно создавать разными способами, самый простой — обведя область контуром.Их также можно создать, окружив область другими формами или разместив рядом друг с другом различные текстуры — например, форму острова, окруженного водой. Поскольку они сложнее линий, формы обычно более важны в расположении композиций. Приведенные ниже примеры дают нам представление о том, как создаются формы.

Geometric Shapes, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY

Возвращаясь к Las Meninas Веласкеса, это, по сути, сочетание форм; органические и резкие, светлые, темные и средние тона, которые укрепляют композицию в большей форме холста.Глядя на это с этой точки зрения, мы можем рассматривать любое произведение искусства, будь то двухмерное или трехмерное, реалистичное, абстрактное или необъективное, только с точки зрения форм.

Геометрические формы и органические формы

Фигуры можно разделить на геометрические и органические. Примеры геометрических фигур — это те, которые мы можем распознать и назвать: квадраты, треугольники, круги, шестиугольники и т. Д. Органические формы — это те, которые основаны на органических или живых существах или имеют более свободную форму: форма дерева , морда, обезьяна, облако и т. д.

3. Форма

Форма иногда используется для описания формы, имеющей подразумеваемое третье измерение. Другими словами, художник может попытаться сделать части плоского изображения трехмерными. Обратите внимание на рисунок ниже, как художник делает различные формы трехмерными с помощью затенения. Это плоское изображение, но кажется трехмерным.

Это изображение не имеет ограничений авторских прав.

Когда изображение невероятно реалистично с точки зрения его форм (а также цвета, пространства и т. Д.)), например, эту картину Эдварта Кольера, мы называем это trompe l’oeil , что по-французски означает «обмануть глаз».

Эдварт Кольер, Trompe l’oeil с письменными материалами ,
холст, масло, ок. 1702.
Это изображение находится в общественном достоянии.

4. Космос

Пространство — это пустое пространство вокруг или между реальными или подразумеваемыми объектами. Люди разделяют пространство на категории: есть космическое пространство, эта безграничная пустота, в которую мы попадаем за пределами нашего неба; внутреннее пространство, которое находится в умах и воображении людей, и личное пространство, важная, но нематериальная область, которая окружает каждого человека и которая нарушается, если кто-то другой подходит слишком близко.Изобразительное пространство плоское, а цифровое царство находится в киберпространстве. Искусство реагирует на все эти виды пространства.

Многие художники озабочены пространством в своих работах так же, как, скажем, цветом или формой. У художника есть много способов представить идеи пространства. Помните, что многие культуры традиционно используют изобразительное пространство как окно для просмотра реалистичного предмета, и через предмет представляют идеи, повествования и символическое содержание. Нововведение линейной перспективы , подразумеваемой геометрической живописной конструкции, датируемой Европой пятнадцатого века, дает нам точную иллюзию трехмерного пространства на плоской поверхности и, кажется, уходит вдаль за счет использования линия горизонта и точка (и) схода .Вы можете увидеть, как одноточечная линейная перспектива настроена в примерах ниже:

Одноточечная линейная перспектива, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон. CC BY

Одноточечная перспектива возникает, когда кажется, что удаляющиеся линии сходятся в одной точке на горизонте, и используется, когда плоская передняя часть объекта обращена к наблюдателю. Примечание. Перспектива может использоваться для отображения относительного размера и углубления в пространство любого объекта, но наиболее эффективна для трехмерных объектов с твердыми краями, таких как здания.

Классическим произведением эпохи Возрождения, использующим одноточечную перспективу, является картина Леонардо да Винчи Тайная вечеря 1498 года. Да Винчи создает произведение, помещая точку схода прямо за головой Христа, таким образом привлекая внимание зрителя к центру. Его руки отражают удаляющиеся линии стены, и, если мы будем следовать за ними как линиями, они сойдутся в одной точке схода.

Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, 1498. Фреска. Санта-Мария-делла-Грацие. Работа находится в открытом доступе.

Двухточечная перспектива возникает, когда вертикальный край куба обращен к наблюдателю, открывая две стороны, которые уходят вдаль, по одной на каждую точку схода.

Двухточечная перспектива, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон. CC BY

Посмотрите на Парижскую улицу Гюстава Кайботта «Дождливая погода» 1877 года, чтобы увидеть, как двухточечная перспектива используется для точного обзора городской сцены. Однако композиция художника более сложна, чем просто использование перспективы.Фигуры намеренно размещены так, чтобы направить взгляд зрителя от правого переднего края картины к левому переднему краю здания, который, как нос корабля, действует как тесак, погружая обе стороны к горизонту. В разгар этого визуального спада фонарный столб твердо стоит посередине, чтобы удерживать наш взгляд от выхода прямо из задней части картины. Кайботт включает в себя маленькую металлическую руку в верхнем правом углу столба, чтобы снова направить нас по горизонтальному пути, теперь не позволяя нам оторваться от верхней части холста.Несмотря на то, что левая сторона работы относительно скудна, художник наполняет правую резкими и органичными формами и формами в сложной игре положительного и отрицательного пространства.

Система перспективы — это культурная конвенция, хорошо подходящая для традиционной западноевропейской идеи «истины», то есть точного, ясного представления наблюдаемой реальности. Даже после изобретения линейной перспективы многие культуры традиционно используют более плоское живописное пространство, полагаясь на перекрытие , разницу размеров или , вертикальное размещение компонентов в двухмерном произведении искусства.Изучите миниатюрную картину Третьего двора дворца Топкапы из Турции четырнадцатого века, чтобы сопоставить ее живописное пространство с пространством линейной перспективы. Он состоит из нескольких различных точек обзора (в отличие от точек схода), все очень плоские по отношению к картинной плоскости. В то время как общее изображение видно сверху, фигуры и деревья выглядят как вырезы, словно парящие в воздухе. Обратите внимание, что башни слева и справа расположены боком к картинной плоскости.Деревья и люди, занимающие верхние части изображения, должны восприниматься как более удаленные от зрителя по сравнению с теми деревьями, зданиями и людьми, расположенными в нижней части картины. Это пример вертикального размещения.

Как бы «неверно» это ни выглядело, картина дает подробное описание ландшафта и построек на территории дворца.

Третий двор дворца Топкапы, из Hunername, 1548. Османская миниатюра, музей Топкапы, Стамбул.CC BY-SA

После почти пятисот лет использования линейной перспективы западные идеи о том, как пространство точно изображается в двух измерениях, претерпели революцию в начале ^-го -го века. Молодой испанский художник Пабло Пикассо переехал в Париж, тогдашнюю столицу искусства западной культуры, и в значительной степени заново изобрел живописное пространство с изобретением кубизма, кардинальным образом ознаменовавшимся его картиной Les Demoiselles d’Avignon в 1907 году. На него частично повлияла картина. точеные формы, угловатые поверхности и непропорциональность африканской скульптуры (вернемся к мужской фигуре из Камеруна) и маскоподобные лица ранних иберийских произведений искусства.Чтобы получить дополнительную информацию об этой важной картине, послушайте следующий вопрос и ответ.

В начале 20 века Пикассо, его друг Жорж Брак и несколько других художников изо всех сил пытались разработать новое пространство, которое, по иронии судьбы, опиралось на плоскость плоскости изображения для переноса и оживления традиционных предметов, включая фигуры, все еще жизнь и пейзаж. Кубистические картины, а в конечном итоге и скульптуры, стали сочетанием различных точек зрения, источников света и плоских конструкций.Это было так, как если бы они представляли свой предмет разными способами одновременно, все время меняя передний план, средний план и задний план, так что зритель не уверен, где одно начинается, а другое заканчивается. В одном из интервью художник объяснил кубизм так: «Теперь задача состоит в том, чтобы пройти, обойти объект и придать результату пластическое выражение. Все это — моя борьба за то, чтобы порвать с двухмерным аспектом * »(от Александра Либермана, Художник в своей мастерской, 1960, стр. 113 ).Общественная и критическая реакция на кубизм была по понятным причинам негативной, но эксперименты художников с пространственными отношениями отразились на других и стали — наряду с новыми способами использования цвета — движущей силой в развитии движения современного искусства, которое основывалось на плоской плоскости. картинный самолет. Вместо окна, в которое можно смотреть, плоская поверхность становится площадкой, на которой можно строить формальные композиции из форм, цветов и композиций. Чтобы увидеть другую точку зрения на эту идею, вернитесь к обсуждению абстракции в первом модуле.

Вы можете увидеть радикальные изменения кубизма, внесенные в пейзаж Джорджа Брака La Roche Guyon с 1909 года. Деревья, дома, замок и окружающие скалы составляют почти единую сложную форму, ступеньками вверх по холму, имитирующими отдаленный холм на вверху, все это стремительно поднимается вверх и наклоняется вправо в неглубоком графическом пространстве.

Жорж Брак, Замок в Ла-Рош-Гийон, 1909. Холст, масло. Музей Стеделика ван Аббе, Эйндховен, Нидерланды. Под лицензией GNU и Creative Commons

По мере развития кубизма его формы становились еще более плоскими.Картина Хуана Гриса The Sunblind 1914 года воспроизводит натюрморт на холсте. Элементы коллажа, такие как газета, усиливают плоскостность изображения.

Хуан Грис, Слепота, 1914. Холст, гуашь, коллаж, мел, уголь. Галерея Тейт, Лондон. Изображение под лицензией GNU Free Documentation License

Нетрудно понять важность этой новой идеи пространства, если поместить ее в контекст сопоставимых достижений науки на рубеже XIX века.Братья Райт поднялись в воздух с двигателем в 1903 году, в том же году Мария Кюри получила первую из двух Нобелевских премий за свою новаторскую работу в области радиации. Новые идеи Зигмунда Фрейда о внутреннем пространстве разума и его влиянии на поведение были опубликованы в 1902 году, а расчеты Альберта Эйнштейна по теории относительности, идея о том, что пространство и время взаимосвязаны, впервые появились в 1905 году. и изменили то, как мы смотрим на себя и наш мир.Действительно, Пикассо, говоря о своей борьбе за определение кубизма, сказал: «Даже Эйнштейн не знал этого! Состояние открытия находится вне нас самих; но ужасно то, что, несмотря на все это, мы можем найти только то, что знаем »(из Picasso on Art, A Selection of Views by Dore Ashton, (Souchere, 1960, стр. 15).

Трехмерное пространство не претерпевает этой фундаментальной трансформации. Это остается визуальной и актуальной связью между положительным и отрицательным пространством.

5. Ценность и контраст

Значение (или тон) — это относительная светлота или темнота одной формы по отношению к другой. Шкала значений, ограниченная на одном конце чистым белым, а на другом — черным, между серией постепенно более темных оттенков серого, дает художнику инструменты для выполнения этих преобразований. На шкале значений ниже показаны стандартные вариации тонов. Значения в более светлом конце спектра называются высокими, а значения в более темном — сдержанными.

Value Scale, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон, CC BY

В двух измерениях использование ценности придает форме иллюзию формы или массы и придает всей композиции ощущение света и тени. В двух приведенных ниже примерах показано, как значение влияет на изменение формы на форму.

2D Form, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон, CC BY

3D Form, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон, CC BY

Эта же техника воплощает в жизнь то, что начинается с простого рисования линии головы молодого человека в «Голове юноши и правой руки» Микеланджело 1508 года.Затенение создается с помощью линии (см. Наше обсуждение линии ранее в этом модуле) или тонов, созданных с помощью карандаша. Художники варьируют тона в зависимости от силы сопротивления карандаша и бумаги, на которой они рисуют. Грифели карандаша для рисования различаются по твердости, и каждый из них дает разный тон, чем другой. Смывка чернил или цвета создает значения, определяемые количеством воды, в которой растворяется среда.

Использование высококонтрастного , , помещающего более светлые ценные области на более темные, создает драматический эффект, тогда как низкоконтрастный дает более тонкие результаты.Эти различия в действии очевидны в картине «Гвидитта и Олоферне» итальянского художника Караваджо и фотографии Роберта Адамса «Без названия», Денвер 1970-74 годов. Караваджо использует высококонтрастную палитру для уже драматической сцены, чтобы увеличить визуальное напряжение для зрителя, в то время как Адамс намеренно использует низкий контраст, чтобы подчеркнуть унылость пейзажа, окружающего фигуру на велосипеде.

Караваджо, Guiditta Decapitates Oloferne, 1598, холст, масло. Национальная галерея итальянского искусства, Рим.Работа находится в общественном достоянии

6. Цвет

Цвет — самый сложный художественный элемент из-за сочетаний и вариаций, присущих его использованию. Люди по-разному реагируют на сочетания цветов, а художники изучают и используют цвет отчасти, чтобы придать желаемое направление своей работе.

Цвет — основа многих видов искусства. Его актуальность, использование и функция в данном произведении зависят от носителя этого произведения. В то время как некоторые концепции, связанные с цветом, широко применимы в средствах массовой информации, другие — нет.

Полный спектр цветов содержится в белом свете. Люди воспринимают цвета из света, отраженного от предметов. Например, красный объект выглядит красным, потому что он отражает красную часть спектра. При другом свете он был бы другим цветом. Теория цвета впервые появилась в 17, ^и годах, когда английский математик и ученый сэр Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет можно разделить на спектр, пропустив его через призму.

Изучение цвета в искусстве и дизайне часто начинается с теории цвета . Теория цвета делит цвета на три категории: первичные, вторичные и третичные.

Основным используемым инструментом является цветовое колесо, разработанное Исааком Ньютоном в 1666 году. Более сложная модель, известная как цветовое дерево, созданная Альбертом Манселлом, показывает спектр, составленный из наборов оттенков и оттенков на связанных плоскостях.

Существует несколько подходов к организации значимых отношений цветов.Большинство систем различаются только структурой.

Традиционная модель

Традиционная теория цвета — это качественная попытка систематизировать цвета и их отношения. Он основан на цветовом круге Ньютона и продолжает оставаться наиболее распространенной системой, используемой художниками.

Синий Желтый Красный Цветовое колесо. Выпущено под лицензией GNU Free Documentation License

Традиционная теория цвета использует те же принципы, что и субтрактивное смешение цветов (см. Ниже), но предпочитает разные основные цвета.

• Основные цвета — красный, синий и желтый. Вы находите их на одинаковом расстоянии друг от друга на цветовом круге. Это «элементальные» цвета; не производятся путем смешивания каких-либо других цветов, а все остальные цвета являются производными некоторой комбинации этих трех.
• вторичный цвета оранжевый (смесь красного и желтого), зеленый (смесь синего и желтого) и фиолетовый (смесь синего и красного).
• третичных цветов получаются путем смешивания одного основного цвета и одного вторичного цвета.В зависимости от количества используемого цвета могут быть получены разные оттенки, например, красно-оранжевый или желто-зеленый. Нейтральные цвета (коричневый и серый) можно смешивать, используя вместе три основных цвета.
• Белое и черное не входят в эти категории. Они используются для осветления или затемнения цвета. Более светлый цвет (полученный путем добавления к нему белого) называется оттенком , а более темный цвет (полученный путем добавления черного) называется оттенком .

Смешение цветов

Представьте, что цвет — это результат отражения света от поверхности.В таком понимании цвет можно представить как соотношение количества смешанных вместе основных цветов. Цвет создается, когда части спектра внешнего источника света поглощаются материалом и не отражаются обратно в глаза зрителя. Например, художник наносит синюю краску на холст. Химический состав краски позволяет поглощать все цвета в спектре, кроме синего, который отражается от поверхности краски. Общие приложения теории субтрактивного цвета используются в изобразительном искусстве, цветной печати и обработке фотографических позитивов и негативов.

• Основными цветами являются красный, желтый и синий.
• вторичные цвета — оранжевый, зеленый и фиолетовый.
• третичные цвета создаются путем смешивания основного цвета со второстепенным.
• Черный смешан с использованием трех основных цветов, а белый означает отсутствие всех цветов. Примечание: из-за примесей в субтрактивном цвете невозможно создать настоящий черный посредством смешения основных цветов. Благодаря этому результат ближе к коричневому.Подобно теории аддитивного цвета, светлота и темнота цвета определяются его интенсивностью и плотностью.

Субтрактивное смешение цветов. Выпущено под лицензией GNU Free Documentation License

Атрибуты цвета

Цвет имеет множество атрибутов. Каждый из них влияет на то, как мы его воспринимаем.

• Оттенок относится не только к цвету, но и к его вариациям.
• Значение (как обсуждалось ранее) относится к относительной яркости или темноте одного цвета рядом с другим.Ценность цвета может повлиять на его восприятие. Цвет на темном фоне будет светлее, а тот же цвет на светлом фоне — темнее.
• Насыщенность означает чистоту и интенсивность цвета. Основные цвета являются наиболее интенсивными и чистыми, но они уменьшаются по мере смешивания с образованием других цветов. Создание оттенков и оттенков также снижает насыщенность цвета. Два цвета лучше всего работают вместе, когда они имеют одинаковую интенсивность.

Взаимодействие цветов

Помимо создания иерархии смешивания, теория цвета также предоставляет инструменты для понимания того, как цвета работают вместе.

Монохромный

Простейшее цветовое взаимодействие — монохромное. Это использование вариаций одного оттенка. Преимущество использования монохроматической цветовой схемы заключается в том, что вы получаете высокий уровень единства во всем произведении искусства, потому что все тона связаны друг с другом. См. Это в книге Марка Тэнси «Деррида Запросы к человеку» 1990 года.

Аналогичный цвет

Аналогичные цвета похожи друг на друга. Как следует из их названия, аналогичные цвета могут быть найдены рядом с один за другим на любом цветовом круге из 12 частей:

Аналогичный цвет, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY

Эффект аналогичных цветов можно увидеть на картине Поля Сезанна, написанной маслом. Auvers Panoromic View

Цветовая температура

Цвета воспринимаются как имеющие температуры , связанные с ними.Цветовой круг разделен на теплых и холодных цветов. Теплые цвета варьируются от желтого до красного, а холодные — от желто-зеленого до фиолетового. Вы можете добиться сложных результатов, используя всего несколько цветов, если объедините их в теплые и прохладные наборы.

Теплый холодный цвет, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон. CC BY

Дополнительные цвета

Дополнительные цвета находятся прямо напротив друг друга на цветовом круге.Вот несколько примеров:

• фиолетовый и желтый
• зеленый и красный
• оранжево-синий

Additional Color, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY

Синий и оранжевый дополняют друг друга. При размещении рядом друг с другом дополнения создают визуальное напряжение. Эта цветовая схема желательна, когда требуется драматический эффект с использованием всего двух цветов.

7. Текстура

На самом базовом уровне трехмерные произведения искусства (скульптура, керамика, текстиль, изделия из металла и т. Д.)) и архитектура имеют фактическую текстуру , которая часто определяется материалом, который использовался для ее создания: дерево, камень, бронза, глина и т. д. Двумерные произведения искусства, такие как картины, рисунки и гравюры может попытаться показать подразумеваемую текстуру с использованием линий, цветов или других способов. Когда картина имеет большую фактическую текстуру от нанесения толстой краски, мы называем это impasto .

Первое изображение ниже представляет собой скульптуру, и, как и все трехмерные объекты, она имеет фактической текстуры .

Следующие два изображения являются частями картины Яна ван Эйка « Портрет Арнольфини ». Здесь художник создал подразумеваемой текстуры . Если бы вы прикоснулись к этой картине, вы бы не почувствовали ткань одежды и ковра, деревянный пол или гладкий металл люстры, но наши глаза «увидят» текстуру.

4 предложения для натюрморта

В обзоре нашей работы над натюрмортами и его ценности, который был очень успешным среди моих студентов, я хотел бы предложить рабочий лист, который вы можете использовать разными способами.Вот четыре разных предложения на одну и ту же тему, из которых вы можете найти много других идей. Темы, которые могут быть рассмотрены: натюрморт , положение фигур в пространстве , свет и тень (образуют тень и отбрасывают тень), светотень , смешанная техника , теория цвета , зентанглы ….

Здесь вы можете найти три рабочих листа для печати с маленькими и большими бутылками.

1-е предложение : бутылки с цветными полосами, закрепленные на белом листе с черным фоном.Вы можете ощутить светотень, подумав о расположении фигур в пространстве, а затем нарисовать отбрасываемые тени на белой поверхности.

2-е предложение : бутылки с карандашом для света и тени на цветном фоне, подчеркивающем свет и тени. Здесь вы можете поработать как над правильным расположением предметов, так и над выбором цвета. Например, вы можете сделать фон из цветного картона дополнительных цветов, теплого или холодного… Альтернативой картону может быть нанесение фона темперой, как в работе, которую вы можете увидеть здесь.

3-е предложение : бутылки большего размера, расположенные вертикально, раскрашенные цветными карандашами и наклеенные на фон коллажа.

4-е предложение : Бутылки черно-белые, с тенями их формы и отбрасывающими тенями, нарисованные карандашом на фоне zentangle, нарисованные черной ручкой. Даже здесь вариантов может быть много, фон может быть цветным, а не черным, с рисунком zentangle на белом фоне или с украшениями, выполненными белым карандашом на черном картоне.

У вас есть другая идея? Вы можете предложить его своим ученикам, нарисовать, сфотографировать, а затем отправить мне, чтобы мы могли расширить список!

Здесь у нас есть новое предложение от Хелен , специального учителя рисования из Великобритании. В настоящее время она преподает в Малайзии в качестве волонтера в школе для беженцев . Она обучает детей от 12 до 18 лет, и у нее очень ограниченные ресурсы. Она взяла вашу идею с тенями карандашом, а затем использовала масляную пастель, чтобы добавить цветы.Спасибо, Хелен!

Здесь у нас есть предложение учителя Паолина Криспас , более известного как маэстра Лина . Она учитель литературы, истории и искусства в начальной школе Margherita Hack, в Bagnaria Arsa (Удине), в Италия . Ее ученики в 5-м классе нарисовали эти цветные бутылки и вазы цветными карандашами. Наклеили бутылки на круглый стол и черный фон. Мне нравится идея с бутылками «танцор», это весело! Спасибо, Лина!

Нравится:

Нравится Загрузка…

Анри Матисс Картины, биография, идеи

Краткое содержание Анри Матисса

Анри Матисс широко известен как величайший колорист 20 ^-го века и соперник Пабло Пикассо по важности его нововведений. Он появился как постимпрессионист и сначала добился известности как лидер французского движения фовизм. Хотя он интересовался кубизмом, он отвергал его и вместо этого стремился использовать цвет в качестве основы для выразительных, декоративных и часто монументальных картин.Как он однажды противоречиво написал, он стремился создать искусство, которое оказывало бы «успокаивающее, успокаивающее воздействие на разум, скорее, как хорошее кресло». Натюрморт и обнаженная натура оставались любимыми предметами на протяжении всей его карьеры; Северная Африка также была важным источником вдохновения, и к концу своей жизни он внес важный вклад в создание коллажей, выпустив серию работ с вырезанными из цветов формами. Он также высоко ценится как скульптор.

Достижения

• Матисс использовал чистые цвета и белый цвет открытого холста, чтобы создать наполненную светом атмосферу в своих фовских картинах.Вместо того, чтобы использовать моделирование или затенение для придания объема и структуры своим картинам, Матисс использовал контрастные области чистого немодулированного цвета. Эти идеи были для него важны на протяжении всей его карьеры.
• Его искусство сыграло важную роль в подтверждении ценности украшения в современном искусстве. Однако, хотя в народе он считается художником, преданным удовольствиям и довольству, его использование цвета и рисунка часто преднамеренно дезориентирует и тревожит.
• Матисс находился под сильным влиянием искусства других культур.Увидев несколько выставок азиатского искусства и побывав в Северной Африке, он включил некоторые декоративные качества исламского искусства, угловатость африканской скульптуры и плоскостность японских гравюр в свой собственный стиль.
• Матисс однажды заявил, что он хочет, чтобы его искусство было «гармоничным, чистым и безмятежным, лишенным тревожных или удручающих тем», и это стремление оказало важное влияние на некоторых людей, таких как Клемент Гринберг, который смотрел на искусство, чтобы обеспечить убежище от дезориентации современного мира.
• Человеческая фигура занимала центральное место в творчестве Матисса как в скульптуре, так и в живописи. Его важность для его фовистских работ отражает его чувство, что в импрессионизме этому предмету не уделялось должного внимания, и он по-прежнему остается важным для него. Иногда он резко фрагментировал фигуру, иногда относился к ней почти как к криволинейному декоративному элементу. Некоторые из его работ отражают настроение и индивидуальность его моделей, но чаще он использовал их просто как средство выражения своих собственных чувств, сводя их к цифрам в своих монументальных проектах.