Игры — это мое одновременно и хобби и недостаток. Потому что при всем том, что есть прекрасного в играх, они тратят много времени, которое можно было провести не то чтобы более полезно, но результативнее — точно. Тем не менее, очень люблю играть в компьютерные игры, слежу за новинками и всеми историями, немного разбираюсь в индустрии, трендах и т.д. и т.п. И все новинки, которые более-менее находятся на слуху, проходят через меня в той или иной степени. Буквально недавно вышла шикарная вещь Kingdom Come: Deliverance — очень нетрадиционная РПГ, которая всячески доказывает и игроку, и игровой индустрии, и вообще всему миру, что РПГ в сеттинге Средневековья не обязательно должно быть фэнтези, чтобы быть интересным. При этом оно может окупаться и приносить деньги людям, которые делают вот такие штуки. Это вообще восхитительный феномен. Именно сейчас, в период, когда существуют микротранзакции, когда все крупные издательства пытаются выудить из игроков максимум денег, при этом меньше всего вкладывая от себя какую-то инновацию в непосредственно сами игровые проекты, Kingdom Come — это глоток свежего воздуха. Причем это игра от абсолютно безымянной студии, правда, стоит справедливости ради сказать, что в качестве геймдизайнера выступает сценарист и режиссер «Мафии», а «Мафия» — это все-таки веха начала 00-х среди игр. И вот, от безымянной студии вышла такая специфическая игра специфического жанра с, мягко говоря, специфическими механиками — игра достаточно хардкорная и очень удивляет во многих своих моментах. И, несмотря на вот это все, она за неделю продаж продалась миллионным тиражом. То бишь разработчики уже вышли в ноль и начали получать прибыль. За неделю! Безымянная студия! С РПГ без фэнтези!

Очень мне, конечно, хочется отметить в этом вопросе Nier: Automata прошлого года, которая произвела на меня неизгладимое впечатление. Она меня взбудоражила и подарила надежду, что с японской игровой индустрией все не так плохо, как представлялось в последние несколько лет. Некогда японская индустрия очень сильно удивляла Запад очень смелыми и нетрадиционными решениями с очень специфической эстетикой — почему, собственно, японские игры и стали популярными. Это все было очень круто и замечательно. Но в конечном итоге все поглотил маркетинг, и японская индустрия стала сливаться с западной в плане идей, произошло очень много смешений для расширения аудитории, чтобы не только массовая японская аудитория в эти игры повально играла, и отаку-американцы, но и рядовой западный пользователь, которому это ваше «аниме» ни о чем не говорит. И Nier: Automata прям вернула то самое неожиданное и прекрасное, что было характерным когда-то для японских игр. Это потрясающая игра от потрясающего гейм-дизайнера/сценариста/автора Йоко Таро, дай бог ему здоровья. Она очень грамотно сделана. В плане того, как она подана для аудитории и насколько многослойно сделана по привлечению внимания аудитории, по ее удержанию, и по поддержанию интереса. Но это отдельная тема. Я думаю что все, кто читает эти строки и играл в Nier: Automata понимают, о чем я говорю. И Kingdom Come и Nier: Automata — это примеры того, как игры достаточно узконаправленные, выпускающиеся в мир без расчета на то, что они будут хорошо продаваться, продаются миллионными экземплярами. Эти две игры показывают, насколько аудитория изголодалась по таким специфическим нешаблонным проектам. Из последнего это вот то, что хочется отметить.

А также очень хочется отметить две игры, к которым я возвращаюсь, наверное, каждый год. Я для себя обнаружил, что есть две игры, которые я люблю на протяжении практически всей своей жизни. Ну не совсем всей, одну игру с 2007, потому что она только вышла в 2007, а другую где-то с начала 2000-х, по той причине, что у меня тогда только появился первый ПК. С 2000-х я очень люблю, играю, прохожу с модификациями и снова перепрохожу DOOM. Первый и второй. Это легендарная, потрясающе выверенная вещь. Она в малом дарит многое. То есть она очень простая технически, но настолько выверена в плане игровой механики, баланса, что там нет ничего лишнего. Там каждый монстр, каждое оружие, каждый уровень, каждый секрет, каждый айтем — все сделано с умом и находится на своем месте. Сейчас уже, конечно, немного поменялось это представление, но очень продолжительное время, целые декады, когда говоришь «игра», «видеоигра» — и ты ассоциируешь с этим две игры — это либо DOOM, либо Mario. И это не просто так. Вторая игра, которую я очень люблю с 2007 года — это мой guilty pleasure, потому что эта игра на самом деле плохая. Она плохая по механике, в отличие от «Дума» в ней много всего, что работает не так, как могло бы, много того, что могло бы быть, но не получилось. Но она меня очень сильно зацепила своей атмосферой и уникальностью, таких проектов, кроме, разве что, серии «Метро», в которой сейчас наши соседи из студии 4А games делают сиквел Metro Exodus, больше не выходит. Не каких-нибудь нишевых, а именно крупных — с открытым миром, от первого лица — вот это все. Эта игра, естественно, «Сталкер». Все части. Когда я говорил про неотесанность, про нереализованную идею — я подразумевал первую часть, «Тени Чернобыля», 2007 г. «Чистое Небо» для меня стало играбельным вообще только после выхода кучи патчей, и пройти его не матерясь я смог только в прошлом году — преодолел все неприятные воспоминания от первых попыток, поставил горсть патчей и прошел наконец-таки, и игра мне, в общем-то, понравилась. А «Зов Припяти» стоит для меня особняком — там уже авторы набили руку и отладили механику, все технические и геймплейные моменты. И если первые два «Сталкера» я сейчас потребляю исключительно с модификациями, то «Зов Припяти» — это удивительна вещь, когда «Сталкер» хорош изначально в том ванильном, оригинальном виде, в каком он есть. И он становится еще краше и еще лучше с модификациями. То бишь если первым двум модификации просто необходимы, то для «Зова» они уже опциональные.

эпатажный художник из Нижнекамска посвятил свою новую картину женщинам

Художник из Нижнекамска

«В процессе написания этой картины я пришел к выводу, что женственность — это настоящий подвиг. Цель прекрасной половины человечества — нести красоту в этот мир, но, поскольку мы живем в не лучшем из миров, достижения такой цели становится трудной. Повседневные мелкие проблемы, экономический гнет, неправильное питание, деградация моральных и культурных ценностей — все это становится колючей проволокой для тех женщин, которые стремятся к идеалам», — поделился Апостол.

На картине крупным планом изображена девушка с длинными волосами. Она одета в зеленый пиджак, который символизирует не только приход весны, но и, по словам Апостола, новой жизни. Героиня твердо устремила взгляд вверх — ее глаза искрятся пламенем, а в них отражается знак бесконечности. Апостол признался, что и цвет волос Анастасии — рыжий — это символ, который обозначает жизненную силу. Из-под лацкана пиджака девушки выглядывает пантера, охваченная языками пламени.

«Девушка, изображенная на полотне, мечтает о бесконечном, а это символизирует идеалы, которых невозможно достичь. У нее горят глаза, потому что решение двигаться в эту сторону было принято ею самой и она искренне этого желает», — сказал художник.

На заднем фоне Апостол изобразил космос. Позади девушки красуется галактика и крупный символ бесконечности. В этом случае галактика, как рассказал Апостол, выступает в роли вселенной человека.

«Идеалы недостижимы. Человек бы и не стал счастливым, достигнув их. Секрет счастья заключается в самом пути. Лишь пока женщины определили свои идеалы и находятся на пути к ним, они будут счастливы и смогут радовать и вдохновлять окружающих», — подытожил Апостол.

Напомним, в начале февраля Апостол написал картину, посвященную эпидемии, — она получила название «Разоблачение коронавируса».

Сергей Овсейкин: «Я уже все нарисовал, а вам осталось просто посмотреть»

2 августа состоялось открытие выставки Сергея Овсейкина «Сны о городе» в рамках проекта ibis Street art/Street food. Редакция Enter пообщалась с основателем и лидером московской стрит-арт команды ZUKCLUB и узнала, по какому пути проходит художник и как реализовать 100 проектов за 5 лет.

— Расскажите о том, с чего вы начинали?

— Это все произошло давным-давно, еще в школе: мы начали рисовать на улице.

Аббревиатура «ЗУК» – изначально ничего не значила, в один момент нас это достало, особенно достало объяснять, что она ничего не значит. И мы решили придумать ей расшифровку. Звучала она: «Зебра Улетела Куда».

Потом мы пришли к выводу, что люди, которые нас окружают – рисуют не все, но они очень нам близки. И тут мы поняли, что ZUK — это такой клуб по интересам, и сделали приставку club. Так мы и зовемся и по сей день. Могу сказать, что состав команды переменчив, и сейчас ZUKCLUB представляет из себя такой коллектив художников, в который могут войти и другие художники, а также люди, схожие с нами по идейному смыслу.

— Как Казань оказалась на одном из 8 полотен передвижной выставки «Сны о городе»? Что вас вдохновило?

— Меня всегда вдохновляет сам процесс. Процесс, в котором художник находится обычно достаточно долго, думает, смотрит, впечатляется, оттачивает какую-то свою технику, а результатом этого становится произведение. По большей части, вдохновение – это накопившийся опыт, впечатления, которые сначала старательно копятся, а потом выплескиваются в творчество.

Про свои картины я не люблю говорить, для меня крайне важно, что человек сам додумывает их истории. Я уже все нарисовал, а вам осталось просто посмотреть.

— Какая обстановка должна быть вокруг, чтобы творилось хорошо?

— Мы живем в такой стране, где люди ничего не умеют делать заранее. Самая обычная для нас атмосфера – когда завтра уже нужно все сдать. И если мы работаем в таких условиях на протяжении, к примеру, десятка лет, вырабатывается привычка. Когда я работаю, мне вообще все равно, что происходит вокруг. Я просто беру и отхожу, потому что знаю, что работу нужно сделать быстро и в срок. Конечно, если я работаю для себя, в свое свободное время, то делаю все достаточно долго. В Москве есть большая мастерская, где можно уединиться и где все способствует творчеству – с обстановкой проблем нет.

— Расскажите о собственном видении стрит-арта и личном стиле в нем.

— Стрит-арт – это очень субъективное понятие. Если мы посмотрим известных художников этого направления – от стрит-арта там, зачастую, мало что есть. Но не нам с вами это решать – пусть лет через двадцать этим занимаются искусствоведы.

Лично для меня на сегодняшний день очень важно фигуративное искусство, когда я сам разрабатываю образ и вношу в него какой-то смысл. В последнее время я стараюсь много интегрировать абстрактное искусство, которое может подчеркнуть эту фигуративность. И пусть это масло масляное, но именно этот микс из разных стилей является тем, о чем я сейчас думаю и что я сейчас делаю. Я стараюсь делать протестное искусство, когда полотна еще и представляют собой какое-либо высказывание. Зачастую, это социальные проблемы, которые меня волнуют. Я не всегда готов говорить, о чем они, и что именно из себя представляют. Если взять образы, которые я создаю в последнее время, – это митингующие, заключенные, панки, полицейские. Периодически это все еще и замешано с античностью – тут идет сопротивление античных образов людям сегодняшнего дня.

— Как относитесь к тому, что для многих уличное искусство – баловство и ерунда?

— Любой протест – это толчок. Ведь когда тебе что-то запрещают – тебе хочется делать это еще больше. Поэтому, огромное спасибо тем людям, которые нам говорили, что мы занимаемся ерундой. Мы до сих пор этим и занимаемся.

Сегодня я уже хорошо в этом разбираюсь, занимаюсь изучением истории искусства. И для меня абсолютно неважно мнение человека на улице, если я понимаю, что он не имеет художественного образования. Мнения искусствоведов, кураторов, галеристов, организаторов фестивалей стрит-арта – важны, все остальное – нет. Мы не можем угодить каждому, создавая работу на улице. Мимо нее проходят миллионы людей, и каждый нам скажет: «Тут поправь, тут убери». И что мы создадим? Ничего.

— Каково это, быть художником в 21 веке?

— Путь художника похож на путь любого бизнесмена. Сначала ты что-то придумываешь, показываешь это людям, а они тебе в ответ: «Чувак, это вообще что? Ты с этим далеко не уедешь». Потом проходит время, ты продолжаешь упорствовать, а люди вокруг уже перестают это замечать – мол, ладно, он чокнутый, занимается своей ерундой – пусть занимается. Они уже и не против того, что ты делаешь. Потом настает момент, когда ты становишься супер известным, и они говорят: «Да, вот я знал, что он будет классным!».

Люди стихийно меняют свое мнение, поэтому обычно мнение большинства – неправильное. Нужно самому определиться: если ты хочешь заниматься искусством – занимайся им, не хочешь – не занимайся. Если будешь в этом упорен, то это принесет тебе какие-то плоды. У каждого свои запросы. Я понимаю, что занимаюсь этим, потому что это мне нравится. Неважно, платят мне или нет, я все равно буду это делать, как и делал всю свою сознательную жизнь. Искусство не ради искусства, искусство ради себя.

— Ведете ли какой-то подсчет своим работам?

— Нет, их очень много. У нас был проект под названием «100 проектов», мы начали его в 2010 году, а в 2015 году драматургически его закончили. В этой сотне абсолютно разные проекты: персональные выставки, росписи фасадов, проект «Наследие» с портретами известных людей. И мы действительно собрали за 5 лет 100 проектов. Результатом этого сейчас должна стать книга, там будут самые лучшие наши проекты. Я планирую выпустить ее к зиме.

— Есть ли что-то особо любимое во всем разнообразии этой проектной деятельности?

— Есть важные проекты. Один из таких был в Москве, в 2009 году, когда состоялся первый фестиваль монументального искусства. Нам тогда предложили расписать пятиэтажное здание – это был первый раз, когда мы легально нарисовали гигантскую работу в Москве.

Потом мы поехали в Венесуэлу и стали первыми художниками в России, кто сделал свою работу в Латинской Америке. Мы были в настоящем гетто, где нельзя брать с собой больше 5 долларов и работали на территории жилого комплекса, где все были нищие. Но, что удивительно, с тех пор, как мы начали эту работу, люди, живущие там, нам постоянно что-то давали, кормили, приносили питье, песни нам ставили. Было видно, что то, что мы делаем – важно для них. Они поняли, что мы дарим им свое творчество, и вовсе не потому, что нам кто-то заплатил за это деньги. У них огромное сердце. Они нам дали такой мощный фидбэк! Нам шли дарить диски с латиноамериканской музыкой, слепой художник подарил нам бейсбольный мяч с автографами и пожеланиями на испанском… Мы осознали, что наше искусство должно быть именно для тех, кто не может сам себе это купить и позволить. И если раньше мы хотели работать в Америке, то после Венесуэлы я понял, что необходимо создавать свои работы там, где они нужны.

— Какая краска заканчивается быстрее? Есть ли любимые цвета?

— Быстрее заканчиваются черная и белая краски – это база. Каждый художник должен стремиться к своей палитре – это является его отличительной чертой. К этому сложно прийти, но над этим нужно работать. Бывает, когда вы приходите в какой-нибудь музей или видите какую-нибудь старую афишу, которая рисовалась руками, видите цвет – и понимаете, что в жизни никогда еще этого цвета не видели. Цвет может очень многое дать художнику, нужно очень хорошо в этом разбираться. Мы стараемся найти свою палитру, но это процесс, который может занять всю жизнь.

— Какая вещь, из последних, заставила воскликнуть «Вау!»?

— На сегодняшний день я очень интересуюсь индийской культурой, одна из последних книг, которую я читал, была Шантарам. Вот, наверное, она и заставила.

— Бывают ли неудачи? Как с ними справиться?

— Очень часто бывает, что получается не так, как я хочу. Но когда я начинаю общаться с другими людьми, понимаю, что у меня срабатывает 30% из ста, а у них – 1% из ста. И делаю вывод, что я сам себе задираю высокую планку. Ну, не может все получиться – однако, я не прекращаю этого добиваться.

Текст: Анастасия Косова
Фото: Анна Усачева

Развитие зрительного внимания и восприятия

Развитие зрительного внимания и восприятия

Игра «Невнимательный художник» поможет дошкольникам развить внимание и его свойства. Задание простое и рассчитано на детей от 3 до 6 лет.

Сюжет игры

Художник нарисовал картины, но вот беда — он постоянно отвлекался и забывал нарисовать какую-то деталь. В результате его картины получились с ошибками: у ведра нет ручки, у будильника — минутной стрелки. Задача ребенка — дорисовать картины. Для этого он внимательно их разглядывает, находит ошибку и кликает на нее.

Процесс игры

Откройте игру и рассмотрите с ребенком первую картинку. Попросите его найти ошибку и щелкнуть по ней. Чтобы перейти к следующей картинке, нажмите на стрелку внизу экрана.

Адаптация игры под особенности ребенка

В игре нет таймера и картинки сменяются по клику специалиста. Поэтому у вас есть время обсудить картинку, задать вопросы и решить другие задачи. Например:

1.

Попросите ребенка запоминать картинки во время игры, а в конце перечислить их все. Это задание поможет развить объем внимания.

2.

Пусть ребенок внимательно рассмотрит картинку. Это задание поможет развить концентрацию и устойчивость внимания в том числе у детей с ОВЗ.

3.

Помогайте ребенку вопросами, чтобы развить избирательность и переключаемость внимания.

4.

Обсудите с ребенком, что он видит на картинке: как называются предметы, какие он видит детали, что неправильно. Эти вопросы помогут обследовать речь. 

Другие игры для развития внимания: Сказочная ошибка, Фрукты-овощи, В пещере у крота.

Дополнительные материалы

У игры есть печатные материалы — задание, которое можно распечатать на листе А4. С ним можно поработать после занятия или дать ребенку на дом.

Где найти

Искусство улиц — Журнал «Сибирская нефть» — №136 (ноябрь 2016)

«Будет всегда лучше, чем было», — это утверждение, исполненное радостными буквами, появилось несколько лет назад на самой обычной серой стене в самом обычном городе. Выпустил его в свет известный уличный художник Кирилл Кто, добавив в мир немного оптимизма и ярких красок. Эта максима идеально отражает смысл фестиваля «Стенограффия», в рамках которого она, собственно, и была обнародована. Фестиваль, вот уже второй год поддерживаемый «Газпром нефтью», летом прокатился по стране и в ноябре завершился в Санкт—Петербурге

Фестиваль «Стенограффия» родился в Екатеринбурге в 2010 году. Спустя пять лет «Стенограффия» получила поддержку «Газпром нефти», став частью программы социальных инвестиций «Родные города». Расширился не только круг участников (помимо российских художников, в фестивале принимали участие мастера из стран СНГ, Италии, Германии, Швейцарии, Франции, Испании, Бразилии), но и география — за счет регионов присутствия компании. В прошлом году праздник пришел в Оренбург, Ханты-Мансийск, Ноябрьск, Муравленко и пересек Северный полярный круг, отметившись в Новом Порту и Мысе Каменном. Именно в эти населенные пункты неожиданно образовалась очередь из художников — каждый хотел, чтобы его арт-объект существовал на фоне снежных равнин и северного сияния. Эксперимент можно было считать удачным, выиграли все: художники смогли реализовать свои идеи, муниципальные власти получили вместо подпольных бомберов талантливых райтеров*, рисующих не где-попало, а там-где-надо, горожане — положительные эмоции, города — новые достопримечательности. В Екатеринбурге пришлось даже напечатать путеводитель для туристов по местам вновь созданных арт-объектов. Некоторые из них, кстати, попали в ведущие международные каталоги уличного искусства, в том числе и в Google Art Project.

Музыкальное училище в Омске

А в этом году «Стенограффию» принимали еще и в Омске, который летом праздновал свое 300—летие, и в Санкт-Петербурге — городе, который, казалось бы, должен совершенно отторгать идеи граффити и стрит-арта.

Всадник на летящем коне

Как правило, картины, созданные уличными художниками, названий не имеют: стрит-арт — искусство безымянное, за редчайшим исключением. Но если картине на стене дает название народ, значит, все правильно. Значит, город идею художника понял и принял, а картина будет жить. На языке граффитистов это называется «поймать фидбэк», то есть установить обратную связь, вовлечь жителей в диалог. Это и есть мечта, цель каждого, кто работает в стрит-арте.

Медведь стал настоящим символом Ханты-Мансийска

В прошлом году в Ханты-Мансийске Александр Галешников из Екатеринбурга нарисовал медведя в три медвежьих роста, а также луну и звезды. Брутальное животное в городе встретили как родное. Теперь скейтбордисты договариваются пойти кататься «к медведю», «у медведя» назначаются свидания, а приезжим объясняют, как найти Центр для одаренных детей Севера: «Направо, налево, там увидите медведя…» В этом году картина была продолжена: добавилась созданная в той же стилистике рыба. Серое пространство стены уменьшилось, но полностью не исчезло, поэтому здесь горячо спорят о том, кто появится здесь в следующем году: гордый северный олень, лисица или полярная сова.

В Омске преобразилось здание музыкального училища им. В. Я. Шебалина. Екатеринбургский художник Андрей Топоров создал иллюзию, «вскрыв» одну из стен учебного заведения и показав, что происходит внутри: четверо грузчиков ловят падающий рояль. И преподаватели, и учащиеся остались в восторге, а студенческий жаргон обогатился выражением «Ну что, пойдем рояль ловить?», означающим, что надо спешить на занятия.

Фестиваль «Стенограффия» начинается с конкурса эскизов и отбора поверхностей для их исполнения, которые предоставляют муниципальные власти. При этом художникам никто не вправе диктовать, что именно рисовать. Но каждый город имеет свои пожелания, и художники их чутко улавливают. В северных городах, где зима длится девять месяцев в году, появляются очень теплые, яркие, «летние» рисунки — такие, как, например, яркий бумажный кораблик и перевернутый зонтик в Муравленко. В Ханты-Мансийске оживают герои эпоса народов ханты и манси. В Оренбурге техническую будку укрывает пуховый платок. В Омске улицу Чокана Валиханова, местный Арбат, полностью преобразил могучий всадник на летящем коне — Манас, киргизский богатырь. Известный райтер Константин Zmogk (Москва) потратил на создание картины высотой в три этажа два дня и 160 баллончиков с краской. Выбор темы объяснил так: «Меня никто не ограничивал, не ставил никаких рамок, и за это огромное спасибо фестивалю. Почему именно Манас? Благодаря Валиханову, выдающемуся ученому и просветителю, эпос киргизского народа стал широко известен, поэтому на улице его имени и должен был появиться легендарный богатырь…»

Киргизский богатырь Манас украсил один из домов в Омске

Дитяффити

Известный райтер из Новосибирска Марина Ягода на «Стенограффии-2015» работала в поселке Новый Порт. На одноэтажном здании она изобразила девочку, которая любит читать сказки. «Моя миссия была в том, чтобы разжечь огонек интереса к граффити, уличной культуре, — делилась своими впечатлениями Марина, которая еще раз убедилась, что у творчества универсальный язык, ломающий все барьеры. — Дать ребятам возможность выразить себя без рамок, цензуры, навязанных авторитетов. И случилась магия — меня впустили в свой особенный, не всегда понятный детский мир. А я, в свою очередь, рассказала о мире моем: что важно для меня, как все началось. Чего хочу, о чем мечтаю… Мне кажется, я изобрела новое направление в искусстве: дитяффити. Просто берешь понравившегося тебе ребенка и рисуешь им!» Получилось сотворчество, кооперация, праздник: все вместе они — Марина Ягода, ее команда «ТакНадо» и дети — красили стену, на практике постигая, что менять мир к лучшему трудно, но можно.

В этом году Марина Ягода работала в Ханты-Мансийске. На невыразительной городской стене она изобразила Обь и Иртыш, образы двух рек, на месте слияния которых стоит город. «Иртыш и Обь — это мужское и женское начало, это интерпретация Инь и Ян, — объясняет художник. — День и ночь, темная и светлая стороны жизни. Над водой — под водой, сон — бодрствование. ..» Местные романтически настроенные девушки тут же дали такое объяснение картине: влюбленные разлучены и никогда не смогут встретиться, хотя и очень стремятся к этому.

Обь и Иртыш
в Ханты-Мансийске

Вообще же «Стенограффия» обращается в первую очередь к детям и молодежи. В парке Лосева в Ханты-Мансийске группа детей 10–12 лет сгрудилась за спиной художников, которые «убивали» (т. е. разрисовывали) трансформаторную будку. Выяснилось, что это два друга: Паша Дорофеев из Уфы, который творит под никнеймом Знагъ, и Дамир Бозик из Казани. Оба — участники фестиваля «Стенограффия» в Ханты-Мансийске, оба уже закончили свои работы. Павел превратил бетонную коробку на улице Ленина в некое подобие шкатулки с резными объемными стенками, а Дамир нарисовал на стене бетонной трансформаторной будки на улице Калинина птиц, чум, солнце, рыбака и гордого северного оленя. Оба остались довольны тем, что получилось, шли вдвоем по парку, беседовали и увидели «ничейную», разрисованную не слишком талантливыми граффити будку. Прикинули — баллончики остались, не реализованные пока идеи — тоже. В этот самый момент ханты-мансийские дети, воспитанные в любви к своему красивому и чистому городу, стали возмущаться: «Как вам не стыдно! Рисовать на стенах — это плохо!» Паша Знагъ вздохнул, отвлекся от рисования и стал объяснять, что это фестиваль, что будка уже была не слишком красивая, но они это исправят, что здесь они нарисуют шамана с бубном, получится ярко…

Действительно, получалось ярко. Девчонки и мальчишки остались смотреть. Помогали художникам. Встряхивали баллончики. Подсказывали насчет цветовой палитры. Радовались, узнав сказочного героя. Просили: «Дайте порисовать…» В итоге получился в Ханты—Мансийске еще один, не запланированный организаторами фестиваля арт-объект, который находится сейчас на стадии согласования.

В Оренбурге «Стенограффия» заглянула в Детскую клиническую больницу: райтеры вместе с пациентами расписали стену трансформаторной подстанции Смешариками. А участникам фестиваля Марату ReMarik’у и Ивану Крячко досталось техническое здание на территории Омской детской клинической больницы № 3. Сейчас из окон больницы можно рассмотреть смеющуюся девочку, жар-птицу, ученого кота в очках, листающего книгу, Емелю на печи и семейку, которая, как известно, тщетно пыталась вытянуть из земли гигантскую репу. Заведующий травматологическим отделением Михаил Степанов уверен, что такая сказкотерапия, выполненная на высоком профессиональном уровне, идет его пациентам на пользу: «Это положительные эмоции, это намного лучше, чем голая кирпичная стена! Вы не представляете, как это важно для ребят, которые вынуждены ежедневно терпеть боль…»

И кстати, райтер Марат, у которого трехлетний сын, знает, как яркие цвета воздействуют на ребенка. У него дома зеленая кухня, оранжевый коридор, киви на потолке, слоны на стенах, а в ванной вместо плитки — огромная красочная машина…

Сказкотерапия» для пациентов Омской детской клинической больницы

История фестиваля

Фестиваль «Стенограффия» начал работу в Екатеринбурге в 2010 году по инициативе агентства StreetArt. Сегодня он — один из самых масштабных стрит-арт-проектов России. В 2015 году при поддержке «Газпром нефти» фестиваль вышел на межрегиональный уровень. В семи городах было создано 55 уникальных стрит-арт-объектов, над которыми работал 41 художник. В 2016 году фестиваль прошел в девяти городах. Появилось 64 объекта, которые создали 66 художников, в том числе две работы в технике 3D в Омске и световые инсталляции в Петербурге. В мероприятиях фестиваля участвовали десятки тысяч зрителей.

Экология визуального

Запрос на яркие пятна в городах существует давно. Особенно на севере, где главные цвета, воздействующие на жителей, — серый и белый. А нужен еще и красный, сообщающий энергию, и синий, успокаивающий, и зеленый, напоминающий о весне, и оранжевый, цвет оптимистов, и — вся остальная палитра. В приполярном Ноябрьске несколько лет назад местные художники разрисовали две технические будки, и все поняли: это как раз то, что надо. Поэтому, когда в 2015 году фестиваль «Стенограффия» пришел в Ноябрьск, жители дружно поддержали его. Тем более что фестиваль — это не только разрисованные стены, это еще и общий праздник, музыка, соревнования райтеров, граффити-баттлы, мастер-классы, совместные акции, подарки и призы. «Возьмите краску и попробуйте себя в граффити! — призывали диджеи молодежь во всех городах, где проходил фестиваль (краска и полотно предоставлялось). — Рисуйте то, что вы чувствуете!»

Александр Дыбаль,
член правления «Газпром нефти»:

В регионах присутствия компании мы видим запрос на креативные проекты, близкие молодежи и позволяющие расширить культурные горизонты территорий. Реализуя такие проекты, как «Стенограффия», мы не только благоустраиваем города, хоть изначально это основная цель фестиваля, — мы показываем жителям, что город может говорить с ними на одном языке, способен к преображениям и обладает своими уникальными особенностями. По сути, фестиваль создает не так много нового — он акцентирует внимание на том, что уже есть. Раскрывая эти особенности, фестиваль создает некую связь между городами-участниками, обеспечивает своеобразный обмен культурным опытом. Мы уверены, что подобные проекты не только меняют восприятие жителями своих, пусть даже небольших, городов, но и дают импульс к запуску других креативных проектов.

Для чего «Газпром нефти» нужно разрисовывать стены? Почему бизнес поддерживает молодежный фестиваль уличного искусства? Что общего у компании с представителями молодежной субкультуры? Все просто. В данном случае совпадают идеи и миссии — сделать родные города лучше, ярче, удобнее, интереснее, привлекательнее. Стрит-арт создает новое культурное пространство, выявляет креативную часть городских сообществ, с которой потом легко взаимодействовать. Полностью перестроить наши города, многие из которых, увы, выглядят безлико и некрасиво, невозможно, но изменить городскую среду при помощи уникальных арт-объектов вполне реально. Краски меняют пространство, пространство меняет людей, люди меняют мир — процесс запущен.

Дети, считают организаторы фестиваля, не должны расти в некрасивом мире. Иначе, повзрослев, они станут воспроизводить точно такое же, привычное для них, серое невыразительное пространство. Необходимо учить молодое поколение понимать, что нормально — это красиво, а ненормально — это покосившийся забор, полуразрушенное здание, ямы на асфальте, мусор под ногами. Обитание в токсичной визуальной среде небезопасно, вот почему главной идеей «Стенограффии-2016» объявили экологию визуального. И этот призыв услышали в «Газпром нефти».

«Стенограффия» преображает самые скучные и унылые городские объекты

Свет и тени великих

Фестиваль «Стенограффия-2016» завершился грандиозным праздником в Петербурге. Логичнее было бы, если бы арт-объекты появились в спальных районах, не в историческом центре. Но адреса «Стенограффии» в Северной столице находятся именно в историческом центре, охраняемом ЮНЕСКО: недалеко от Сенной площади, в Мошковом переулке, рядом с Исаакиевским собором, на Невском проспекте. При этом ничего криминального, посягающего на историческое наследие! В Петербурге художники рисовали не красками из баллончиков, а… светом и тенью. «Во всех городах мы показываем, что стрит-арт может быть легальным. Таким образом мы боремся с нелегальными граффити, которые пачкают здания и не несут никакого художественного смысла», — говорит Андрей Колоколов, основатель и идеолог фестиваля.

Четыре художника из Екатеринбурга — Андрей Колоколов, Максим Парфенов, Александр Галешников и Таисия Спирина — придумали украсить исторические здания световыми инсталляциями. Идею поддержали городские власти и компания «Ленсвет»: на ноябрьские праздники был запланирован Фестиваль света. На здании Русского географического появились «тени великих» — портреты ученых Карла Бэра, Владимира Даля, Николая Миклухо-Маклая и Федора Литке. На двух домах в Мошковом переулке ребята поиграли потоками света, который приобрел причудливые формы. На здании Российской национальной библиотеки можно увидеть лики писателей — Пушкина, Гоголя, Толстого, Чехова, Достоевского. И, наконец, на водной глади пока еще не замерзшей реки Мойки обнаружились четыре сотни звезд, образующих созвездия. «В Питере часто небо закрыто облаками, жители большого города не видят звездного неба, следовательно, у них звездная недостаточность, — объяснили художники. — Это неправильно, ведь только под звездным небом удается мечтать…»

Игра света и тени стала визитной карточкой «Стенограффии» в Петербурге

Два месяца ушло на изучение истории зданий, создание эскизов, согласования, изготовление трафаретов. Такого еще никто не делал во всем мире, игра света и тени использовалась исключительно в интерьерных галерейных пространствах. А тут — ветер, снег, дождь. Наружная подсветка зданий должна была быть мощной, так как лучи света проходят через фильтры. Как все это установить, закрепить, подключить?

В один из вечеров, когда екатеринбуржцы в очередной раз тестировали оборудование на стене старого дома, к ним подошла интеллигентная питерская старушка. Поинтересовалась, не краска ли это, не маркеры? А то придется им стену ремонтировать за свой счет… Выяснив все обстоятельства, сняла картинку на телефон, тут же выложила ее во «ВКонтакте» и стала получать лайки от друзей. Стало ясно, что эту идею город примет.

И действительно, все получилось. Свет и тени пересказывают историю зданий, благодарные зрители узнают облики великих, созвездия Большой и Малой Медведицы и Дракона расположились под Синим мостом. А художники уже задумались над следующими проектами, при этом масштаб фантазии зашкаливает. Например, возможно ли создать гигантский арт-объект на территории аэропорта Пулково так, чтобы любоваться им из иллюминатора самолета? Найдется ли место для художества на стенах строящегося «Лахта-центра» и что получится, если объединить реальное изображение с его отражением в воде? Не продолжать ли экспериментировать на Невском проспекте и Дворцовой площади, сделав световые инсталляции цветными?

Воплотятся ли в жизнь эти мечты, покажет время. Но будет всегда лучше, чем было!

* Райтинг — это законный рисунок на стене. Бомбинг — нелегальное, наказуемое искусство рисования

Зачем нужны ребёнку задания «Что неправильно нарисовал художник?»

 Только развивая и совершенствуя умение логически рассуждать и действовать, ребенок сможет превратиться в здравомыслящего человека. Логика служит базовым инструментом почти любой науки
 Педагоги и психологи добавят умные слова о том, как важно развитие зрительного восприятия и узнавания (зрительного гнозиса) и  что они используют такие задания в работе по предупреждению возникновения оптической дисграфии. Программу по формированию зрительно-пространственных функций разрабатывают психолог, логопед, воспитатель и инструктор по физической культуре.
 В  основе оптической дисграфии лежат трудности оптического и оптико-пространственного анализа, недифференцированность зрительных представлений, нарушения зрительного восприятия и памяти, недоразвитие пространственного восприятия и пространственных представлений, которые приводят к таким нарушениям как  искажённое восприятие и воспроизведение букв ( неправильное восприятие и воспроизведение пространственного расположения букв, зеркальное написание букв, недописывание элементов и т.п.), замены и смешения графически сходных букв.
Как проводятся занятия
Где ошибся художник?(http://studopedia.info/7-25587.html)
Цель: развивать логическое мышление детей, внимание, зрительное восприятие, память, мелкую моторику пальцев рук.
Оборудование: карты с рисунками, картонные детали этих же картин, фломастеры или цветные карандаши по количеству детей.
Речевой материал: где ошибся художник? Что не верно? Что бывает, чего не бывает? Названия животных и других предметов, названия цветов.
Ход игры:

1. Детям раздаются два варианта картинок: одна раскрашенная с ошибками художника, другая раскрашенная, но основных моментов (ежика, рыбы, птицы) нет. Детям предлагается внимательно рассмотреть картинку с ошибками, найти эти ошибки и исправить их на другой картинке, выложив на нее картонные детали (ежика, рыбы, птицы) туда, куда нужно. Педагог может задать вопросы: «Кто летает? Кто ходит по земле? Кто плавает в воде?» Проверяют все вместе правильность выполнения задания.

2. Детям раздаются цветные картинки с ошибками и им предлагается рассмотреть их, зрительно определить, что же неправильно нарисовал художник. «Найди, где ошибся художник. Чего не бывает?»

3. Детям раздаются нецветные картинки с ошибками художника и предлагается найти эти ошибки и раскрасить их. «Каким цветом раскрасил птицу? Почему неверно? Кто летает?» и т.п.

4. Детям раздаются нецветные картинки с ошибками, и дается задание: «Раскрась птицу красным, воду — голубым» и т.п. Затем, после раскрашивания предлагается найти ошибки художника и указать их,

Где найти такие задания?

Легендарный художник Тора раскрывает персонажа, которого большинство художников рисуют неправильно

В откровенном интервью с легендарным художником и создателем Marvel Comics выяснилось, что созданный им персонаж является одним из тех, которые большинство художников рисуют неправильно.

Legendary Thor Художник Уолтер Симонсон только что показал персонажа номер один, которого большинство современных художников рисуют неправильно. Саймонсон, наиболее известный своей невероятной работой, которую он проделал для Marvel Comics в 1970-х и 80-х годах, недавно заявил, что Бета Рэй Билл, которого он создал в своей арке The Mighty Thor , был нарисован не так, как он намеревался. некоторые артисты с момента его дебюта.

В Beta Ray Bill # 1 , написанном и нарисованном Дэниелом Уорреном Джонсоном, фанаты впервые увидят трагическую жизнь Бета Рэя до того, как он стал космическим героем, которым он является сегодня. Затем проблема переносится в наши дни, когда Бета Рэй Билл сражается с Knullified Fin Fang Fang Foom, ощущая масштабы террора Короля в царстве террора на Земле вплоть до Асгарда.В середине боя Тор нападает, чтобы спасти положение, оставляя Бету Рэя кислым и недовольным. Билл покидает Асгард в конце номера, говоря, что ему нужно найти свой собственный путь и выбраться из тени Тора. После того, как финальная панель была завершена и загорелся знак «Продолжение следует», фанатам была предоставлена ​​эксклюзивная возможность заглянуть в сознание человека, создавшего главного персонажа этого нового комикса.

Связанный: Мстители потерпели неудачу молодых героев, не научившись у Людей Икс

Во время интервью для печати, проведенного Джонсоном, Саймонсон рассказывает о своем опыте работы в индустрии комиксов, прежде чем обсудить проблему с работами Бета Рэя Билла на протяжении многих лет.Художник Thor говорит, что проблема заключается в том, как изображена челюсть Билла, а не в том, как он ее нарисовал сначала. «Это не обычная челюсть, а что-то вроде округлой щели за зубами, навеянной черепом лошади, — пояснил Саймонсон, — но его челюсть не шарнирная, как у лошади. Понятия не имею, как это будет работать в реальной жизни, но это комикс ».

Визуальное представление настроений Саймонсона можно увидеть на изображении выше.Слева — первый печатный рисунок Беты Рэя Билла Уолтера Симонсона с нетрадиционной откидной челюстью лошади на виду. Справа — более свежий рисунок Билла из Unworthy Thor 2017 года от художника Оливье Койпеля, изображенный более реалистично, с плотью, закрывающей зияющие дыры на его лице, которые Саймонсон намеренно оставил. Его вдохновение для Beta Ray Bill на первый взгляд кажется случайным, но беглый взгляд на прошлое Саймонсона и дизайн морды лошади внезапно становятся ясными.

Симонсон изучал палеонтологию позвоночных, которая могла объяснить черепоподобный дизайн Беты Рэя Билла, а также предположить, что уникальное понимание художником структуры скелета — это то, что затрудняет другим художникам рисовать персонажа так, как он изначально представлял.Хотя он прокомментировал разные образы, в которых был изображен его персонаж, художник Thor не показывает никаких признаков горечи, говоря о различных стилях, связанных с Бета Рэем Биллом, на самом деле, как раз наоборот. Саймонсон отметил, что раньше он вел класс комиксов в Школе визуальных искусств в Нью-Йорке, показывая свое желание передать свои таланты будущим поколениям и тем самым поддерживая постоянно растущий, постоянно меняющийся ландшафт индустрии комиксов, который включает в себя своего персонажа.Последние слова легендарного художника Thor Уолтера Симонсона любому начинающему создателю комиксов были: «Комиксы — это тяжелый труд. Привыкай к этому ».

Далее: У нового воина Marvel есть то, что Росомаха уважает

Вызов: все, что мы знаем о сезоне 37

Спенсер Коннолли — читатель, писатель и любитель комиксов.Он начал свою писательскую карьеру в качестве стажера на сайте комиксов. Имея опыт в фотографии местных новостей, он применил то, чему научился во время стажировки, чтобы стать продюсером новостей. Теперь, после нескольких лет профессионального писательского мастерства за плечами, он является членом команды Screen Rant и пишет статьи и новостные статьи для сайта.

Художник нарисовал эти веселые «портреты» людей, которые не хотели платить

1. Buzz

Вы получаете то, за что платите.

Нет ничего более раздражающего, чем люди, которые постоянно присылают вам бесплатные вещи.

Особенно, если они спрашивают, как вы зарабатываете себе на жизнь.

Познакомьтесь с художником Джоном Артоном, который живет в Бирмингеме, Англия. Он супер талантливый.

Нет, серьезно.Просто посмотрите этот портрет Хью Джекмана, который он недавно нарисовал.

Но есть проблема. С самого детства он получал довольно раздражающие и смелые просьбы от людей со всего мира и, наконец, что-то с этим сделал.

Понимаете, у него очень популярный аккаунт в Instagram. И, похоже, люди считают, что это нормально — обратиться к нему и попросить бесплатный рисунок. Правильно — бесплатно.

Итак, он решил полностью проявить свою злость, поделившись этими веселыми постами людей, которые почему-то чувствовали себя вправе получить бесплатный персонализированный рисунок Джона.

Он также делает бесплатные представления о знаменитостях! РЖУ НЕ МОГУ.

«О, ты не делаешь это бесплатно?»

И давайте просто скажем, что для некоторых это право является реальным, и им совершенно не показалось забавным бесплатное искусство Джона.

Джон рассказывает BuzzFeed: «Они меня немного разозлили, и отправить глупую картинку мне показалось забавной. Это было немного терапевтически ».

Чтобы узнать о работе Джона, обязательно загляните на его страницы в Instagram и Etsy. Только не ждите, что он сделает что-то для вас бесплатно.

BuzzFeed Daily

Будьте в курсе последних новостей дня с помощью бюллетеня BuzzFeed Daily!

Часть первая от Droemar на DeviantArt

Ну, я полагаю, что когда-то это было в руках первоначального создателя или творческой группы. Но является ли фанарт «искусством»? В конце концов, Роджер Эберт однажды заявил, что «видеоигры — это не искусство», несмотря на то, что видеоигры являются результатом многих часов искусства и художественных процессов. Над новыми медиа обычно смеются, и как художник цифровых технологий я не придерживаюсь этого определения.

Потребление — это хорошее гражданство

Корпоративность — это социально-политическая организация общества основными группами интересов, известными как корпоративные группы. В большинстве случаев корпоративизм больше касается таких вещей, как сельское хозяйство, военные комплексы и бизнес. Но да, конечно, есть корпорации, занимающиеся визуальной коммуникацией. Это многолюдный мир. Оригинальному искусству сложно найти большое количество поклонников, хотя я бы сказал, что найти аудиторию проще, чем когда-либо.Но какое оригинальное произведение искусства действительно можно сравнить с взбалтыванием My Little Pony или Pokemon?

Если корпоративизм слишком надломлен, вы можете сжать его до идеи, что люди выражают свою индивидуальность с помощью корпоративных логотипов. Ваша решимость выражается Nike, вашу внимательность — Whole Foods и так далее. В Америке это хорошо, и, вероятно, никто не знает этого лучше, чем средний школьник. Если у вас дорогая одежда, вы лучше, чем кто-то, кто носит менее дорогую одежду.Это просто происходит с территорией капитализма, потому что капитализм придает высшую ценность вещам … ну, высокой ценности. В нашем культурном повествовании богатые лучше. Они более нравственны, более трудолюбивы и более успешны. (По крайней мере, так оно и есть; я просто рассказываю историю, не соглашаясь с ней.) И поскольку капитализм — это все о росте и прибыли, хороший постоянный покупатель — это тот, кто потребляет как можно больше, чтобы помочь этому росту. и прибыль.

Я не виню во всем фанарт.Отнюдь не. Но я пытаюсь представить здесь пейзаж, от которого не застрахованы высокие идеалы искусства. Наша культура является потребительской и корпоративной, а искусство отражает ценности современного общества, будь то путем его иллюстрации, критики или постмодернизации.

Стоя на плечах гигантов

Итак, если у нас есть социально-политический ландшафт, где ценится корпоративизм, у нас есть меньший художественный ландшафт, где то же самое. Если хорошо носить футболку с логотипом бренда, то хорошо и нарисовать этот бренд. Этот бренд мгновенно узнаваем, удобен и дружелюбен.Это становится своего рода художественным сокращением слов «комфорт» или «дружелюбие». Визуальный язык очень важен и содержит множество нюансов. И когда фанарт рисует этот бренд, это внезапно становится идентичностью, так же, как и футболка — идентичностью.

И когда ты художник без личности, без техники и без уверенности в себе, мгновенное удовлетворение капиталистического корпоративизма вернет тебя, Джек. Просто нарисуйте это, и вы сразу же подключитесь ко всем, кому нравится этот бренд, мгновенно сформулируйте их на ярком языке визуальной коммуникации.

Меня это больше беспокоит в смысле молодого художника. Я уже говорил, что художники могут быть фанатистами, но фанартисты никогда не будут художниками, и я подробнее остановлюсь на этом чуть позже. Но если молодой художник не рисует ничего, кроме Диснея, вместо того, чтобы выйти и рисовать чертовски живые картины, именно так вы подавляете настоящую художественную индивидуальность. Вот как надоедает арт-директорам смотреть на стиль аниме. Так вы получаете журналы DA и видеоролики на Youtube, в которых жалуются, что учителя не позволяют рисовать аниме.Вот как вы откачиваете значительную часть художественного населения, заставляя думать, что если искусство нелегко и сразу приносит удовлетворение, то заниматься им не стоит.

Лучший потребитель — это тот, кто не думает. Бездумные потребители потребляют больше всего. И когда фанатист рисует что-то, что может напоминать бренд или логотип даже в самом жалком и отдаленном смысле: он считает себя успешным. Они стоят на плечах гигантов, настоящих создателей, не зная, почему эта линия работает, почему этот меч такой формы, почему были выбраны эти цвета и так далее.Они думают, что могут говорить на визуальном языке, на самом деле просто повторяя на нем фразы. Тот, кто популярен, потому что рисует фанарт, воплощает в себе худшие излишества корпоративизма: пустое повторение и реклама, бездумное продвижение бренда и преданность своей реальной индивидуальности корпоративному. Они ничего не знают об усилиях, которые потребовались, чтобы сделать эту вещь успешной, не имеют представления о количестве людей, участвовавших в ее достижении, и их не волнует, что, возможно, сама идея плохая, потому что у нее есть миллион долларов и мгновенный бренд. признание за этим.

«Это просто фанарт»

Я понимаю, что многие молодые художники проводят время, особенно тренируясь, рисуя знакомые вещи, которые им нравятся. Это называется этапом мимикрии, и это вполне действительный этап в художественном развитии. Все мы, наверное, впервые нарисовали чью-то идею. (Думаю, я рисовал динозавров, но в то время я был большим фанатиком Короля Льва, так что считаю.) Я скажу это еще раз для людей сзади: не все аспекты фанарта плохи.

Этапы мимикрии включают в себя трассировку и имитацию, своего рода тренировочное колесо по следу чужих линий и эстетических решений. Проблема со стадией мимикрии в том, что на ней можно застрять.

Покажите мне льва или большую кошку на DA на вкладке «Цифровое искусство», и, вероятно, скажем, в 80 процентах случаев я покажу вам глаз Короля-льва. Не знаю, заметили ли вы, но у настоящих львов этого нет. Причина, по которой существует глаз Короля-льва, заключается в том, что кто-то в Disney сделал этот художественный выбор, чтобы упростить анимационные линии.Я почти уверен, что большинство людей, рисующих этот глаз, делают это не для анимации. Но они все равно это делают. Почему?

Это называется мотив. Мотивы — это то, что художники разрабатывают, чтобы быстро получить информацию, которую они нарисовали сотни раз. Нарисуйте что-нибудь сто раз и у вас сложится мотив. Это часть мышечной памяти. Но когда вы смотрите на глаз Короля-льва и говорите: «Я хочу, чтобы все выглядело так», вы кооптируете развитие собственного мотива. По сути, приписывание чужому представлению о том, как должен выглядеть глаз, вместо того, чтобы придумывать свои собственные.Таким образом, часть вашего визуального языка по умолчанию включает корпоративный язык.

Сейчас у многих художников есть частички идей других людей на их художественном языке. На самом деле, речь идет о том, чтобы подвергнуть себя достаточному количеству средств массовой информации и интерпретировать их по-своему, чтобы собрать свой собственный индивидуальный голос. Но когда каждая часть вашего художественного языка — это аниме, или пони, или собаки Диснея, или что-то еще, и вы не можете нарисовать дерево, чтобы спасти свою жизнь, вы отказались от своей художественной идентичности.И я не могу не чувствовать, что это душераздирающе грустно на экзистенциальном уровне. У вас есть одна жизнь, которую нужно прожить, и вы собираетесь ее провести, повторяя чужие идеи? Не только это, но и идеи корпорации, конечной целью которой является получение прибыли любыми необходимыми средствами?

«Это просто фанарт» — аргумент, который я часто слышу. Это используется в качестве оправдания практически любой критики, которую вы могли бы на нее навесить. Вы художник Шредигера: вы существуете в полной легитимности и в то же время являетесь пустой оболочкой.Кем бы вы ни были в данный момент, у вас есть выбор. Вам не обязательно быть компетентным. Вам не обязательно быть уникальным или авангардным. Вам вообще не нужно быть никем. Это просто фанарт.

И вы тоже совершенно правы.

Пока нет. Как-то. И эта часть заставляет мой мозг болеть.

Фанартисты знают все об авторском праве. Они либо игнорируют его, потому что думают, что это не применимо к ним, либо используют его неправильно, когда думают, что это принесет им пользу.

Ах, бедные похитители поз. Бедные трассеры. Бедные артисты мимикрии, которых кричат ​​за воровство произведений искусства. Да, может быть, этот человек нарисовал лошадей с бровями, которые удивительно похожи на Духа, но вы ВРАЩАЕТЕ их человека искусства! Вы воруете их OC, вы воруете их идеи, воруете, воруете, воруете везде!

Я даже видел этот дурацкий веб-сайт, на котором говорилось, что вам разрешено зарегистрировать авторское право OC. Например, если у вас есть персонаж My Little Pony, нарисованный в стиле « Friendship is Magic » Лорен Фауст, вы можете заявить на него авторские права.Потому что это выдержит суд, идиоты.

И что меня действительно понимает, так это то, что корпоративизм затмевает личность, даже когда они оригинальны. У Лорен Фауст своя личная работа. Он называется Galaxy Girls, и ей это очень нравится. Но есть клип, в котором она выглядит какой-то на пони-коне, выглядя как дерьмо подавленной, потому что вся ее работа над My Little Pony — это то, что привлекает внимание. Она признает, что как бы хотела, чтобы она никогда не работала над этим, и все в толпе приветствуют, и она говорит, что отказывается от своего заявления, но оно есть.Сколько фанатов MLP знают и поддерживают Faust’s Galaxy Girls ? Сколько ещё заботы? Даже чертов Лорен Фауст затмевает корпоративная машина. (Будет ли это честная игра для кого-то, активно работающего в указанной корпоративной машине, — это вопрос другого дня.)

Это часть токсичного фэндома или DArama в меньшем масштабе. Потому что ты можешь рисовать в стиле Лорен Фауст весь день, но не дай бог кому-нибудь так с тобой поступить. Тогда пришло время для издевательств, самодовольных жертвоприношений и просить последователей преследовать вас от вашего имени.

«Фэндомы» во многом стали сокращением от «бессмысленного». Помните, пока вы потребляете, это хорошо. Плевать на то, где и почему. Просто продолжайте рисовать свои бренды.

«Я ХУДОЖНИК! »

Парень по имени Сэм Сайкс сломал, как фандом становится токсичным за 6 шагов:

1. Мне это нравится

2. Я владею этим

3. Я контролировать это

4. Я не могу это контролировать

5.Ненавижу это

6. Я должен это уничтожить.

С этим сложно спорить. Меня больше всего заинтриговал Шаг 2: он принадлежит мне. Я думаю, что это перекресток столкновения личности с корпоративизмом. Когда вся ваша среда требует, чтобы вы отождествляли себя с корпоративными брендами, художник в этом ландшафте неизбежно идентифицирует себя таким же образом. Независимо от того, есть ли в вашей галерее единственное изображение, которое является оригинальной идеей, вы много работали над этим произведением искусства.Рисовали, раскрашивали, разве это не искусство?

Поэтому я понимаю, почему люди так злятся на это. Это личность. Вот как вы себя определяете. Это цепляние и хватание за все, что поможет вам выделиться, получить признание, особенно в подростковом возрасте, который пытается НАЙТИ личность в первую очередь.«Может, это началось с корпоративного брендинга, но это мои ЧУВСТВА, дружище!» Пренебрегать искусством или пренебрегать брендом — значит пренебрегать человеком. Атаковать не только их идентичность, но и идентичность других людей, которые идентифицируют себя через бренд. Добавьте сюда человеческую склонность принимать эмоции за реальность, и вот как вы получите фанатов Рика и Морти, кричащих на сотрудников McDonald’s из-за сычуаньского соуса. Сотнями.

Плохие волосы, неправильное оперение и отсутствие кожных покровов в искусстве динозавров

Иллюстрировать давно вымерших существ — трудная, но важная работа. Не имея живых образцов, которые можно было бы наблюдать, это дело рук «палеохудожников», которые рисуют, раскрашивают или иным образом иллюстрируют существ доисторических времен, какими, как мы думаем, они могли бы быть. Их работа является причиной того, что, когда мы говорим о велоцирапторах, стегозаврах или даже шерстистых мамонтах, мы имеем некоторое представление о том, как они выглядели.

Но поскольку все, что нам нужно, это окаменелости, решить, как бы выглядел динозавр, — это не только наука, но и искусство. И есть по крайней мере один палеохудожник, который думает, что мы можем ошибаться.

C.M. Косемен — стамбульский художник и автор (вместе с Джоном Конвеем и Дарреном Нейшем) книги 2012 года All Yesterdays: Уникальные и умозрительные виды динозавров и других доисторических животных . Косемен, который долгое время был дизайнером существ, всегда интересовался динозаврами, но вместе с Конвеем он начал свою книгу после того, как они начали понимать, что что-то не так.«Мы оба были фанатиками динозавров, но чем больше мы смотрели на эти скелеты и чем больше мы смотрели на изображения, мы замечали, что в большинстве массовых видов искусства динозавров динозавры не рассматривались как настоящие существа», — говорит Косемен.

Самое серьезное палеоискусство основывается на подробных открытиях палеонтологов, которые могут неделями или даже годами работать над составлением наиболее точных описаний древней жизни на основе окаменелостей. Но Косемен говорит, что многие иллюстрации динозавров должны больше ориентироваться на животных, живущих сегодня.Наш мир полон уникальных животных с приземистым жирным телом со всеми видами мягких тканей, которые вряд ли сохранились бы в окаменелостях, таких как мешочки, бородки или кожные лоскуты. «Могут существовать даже формы, которые никто не мог себе представить», — говорит Косемен. «Например, могли существовать динозавры, питающиеся растениями, у которых были панголины или броненосцы, которые не сохранились в окаменелостях. Также могли быть динозавры с иглами дикобраза ».

Редко мы видим такие вариации в изображениях динозавров. Во многих отношениях существует определенное единообразие в том, как мы думаем о динозаврах, что создает некоторые общие тропы в палеоискусстве, которые, по мнению Косемена, можно улучшить.

Один из основных пунктов его разногласий — это то, как мы рассматриваем головы динозавров. «Речь всегда шла о крокодилах», — говорит Косемен. «Самое главное — это зубы и жир на лице. Читатели должны знать, что у всех динозавров, которых они видят во всех средствах массовой информации, и особенно в массовой культуре, кажется, что их головы скручены.У них всегда такие странные ухмылки, когда видны только зубы «. Как он указывает, у большинства животных есть губы, десны и комочки лицевого жира, которые изменяют профиль головы и покрывают зубы. Но на многих иллюстрациях хищных динозавров они обычно отсутствуют, что делает их жестокими, хотя и маловероятными.

«Еще один образ — это то, что я называю образцом« убитых на дороге волос », — говорит Косемен. На некоторых окаменелостях есть следы волос, что, по словам Косемена, может привести к тому, что художники будут изображать своих существ волосами только на тех частях, где они были найдены на окаменелостях.Однако возможно, что у некоторых динозавров было намного больше волос, чем обычно показывают. «Представьте, что вы нашли енота, и только половина его хвоста была покрыта шерстью, а затем перенесите это в живую реконструкцию».

Похожая проблема возникает с относительно недавней тенденцией раздачи перьев динозавров. Хотя это хороший способ добавить цвета и изюминки к иллюстрации, расположение и длина перьев динозавров часто больше основаны на фантазии, чем на какой-либо прошлой реальности.«У нас есть целые крылатые перья, вырывающиеся из разных мест на голове. Или такие вещи, как динозавр-хищник, прыгающий, как ниндзя, и его перья вылезают из его локтей или коленного сустава, или тому подобное », — говорит Косемен. Он думает, что иногда динозавры бывают чрезмерно оперенными, с оперением там, где ему не место, или недостаточно оперенными, что является слишком консервативным с точки зрения общего охвата.

Существует также практика того, что он называет «выделкой перьев», когда художник переносит цветовую палитру перьев живой птицы на динозавра.Учитывая разнообразие и уникальную окраску, характерную для отдельных разновидностей птиц, маловероятно, чтобы какой-либо динозавр имел одинаковые оттенки. «Перья зеленоголовой кряквы существуют в природе только один раз», — говорит Косемен. «Нет никакого способа, чтобы одежда конкретной птицы была воспроизведена у динозавра в прошлом».

Тогда есть проблема пропорции. Косемен говорит, что есть тенденция преувеличивать головы и когти динозавров. Конечно, у многих динозавров были большие когти и устрашающие головы, но на многих изображениях они кажутся почти мультяшными огромными.«Художники иногда делают это наполовину бессознательно, потому что хотят изобразить голову и когти — деловую составляющую предмета», — говорит он.

Ничто из этого не означает, что палеоарт не справляется со своей задачей. Многие из наиболее невероятных аспектов современных иллюстраций динозавров заставляют зверей казаться более сенсационными и в некотором смысле более привлекательными, что помогает будущим поколениям интересоваться палеонтологией. Динозавры выглядят круто.

И проблемы с изображением существ прошлого никуда не денутся. Вполне вероятно, что палеохудожники далекого будущего столкнутся с аналогичными проблемами с существами, которые мы сегодня воспринимаем как должное. Например, возможно, что будущие палеохудожники будут размышлять о том, что черепахи когда-то оставляли свои панцири или что лягушки со своими странными ногами обычно бегали прямо. «Будут всевозможные реконструкции с оленьими рогами со странными перепонками или молодыми оленями, прыгающими со скал, используя свои рога как парапланы», — говорит Коземан.

Если не считать сценария клона в стиле Парка Юрского периода, мы, возможно, никогда не узнаем точно, как выглядели динозавры. Но до того дня у нас есть такие художники, как Коземан, которые продолжают фантазировать о бесконечных вариациях доисторического животного мира, ориентируясь на существ на наших задних дворах. «Не имитируйте их, но посмотрите, какие еще формы они могут принять».

Чтобы узнать больше о палеоискусстве, ознакомьтесь с нашим обсуждением иллюстрации древних акул с Алленом Джоном Грегори.

Исправление 22 сентября: Ранее мы не указали Даррена Нейша как автора книги «Все вчера». Его имя было добавлено.

Проблема скачущей лошади и первый в мире фильм

Теодор Жерико «Дерби 1821 года в Эпсоме»

Лошади появлялись в произведениях искусства на протяжении всей истории. Они появлялись на доисторических наскальных рисунках, например, в Ласко, в храмах и гробницах древних египтян и древних греков, а также в качестве монументальных статуй в период классической античности.Эти изображения свидетельствовали о большом знании анатомии лошадей. Джордж Стаббс, английский художник 18-го века, помог расширить эти знания, рассекая туши лошади, чтобы узнать больше об анатомии животного. Подробные анатомические рисунки Стаббса очень помогли более поздним художникам.

Пик конного искусства пришелся на 19 век, когда скачки стали популярным видом спорта. Пытаясь нарисовать сцены скачек, многие художники осознали, что недостаточно знают лошадей, особенно то, как они передвигаются во время галопа.

Лошади бегают так быстро, что человеческий глаз не может остановить движение их походки. Так что над изображениями лошадей было много догадок. Бегущую лошадь обычно изображали с вытянутыми вперед передними ногами и вытянутыми назад задними ногами, при этом все ступни оторваны от земли — поза, которая физически невозможна. Иллюстраторы и художники, вероятно, пришли к этой идее, наблюдая за собаками, маленьким проворным животным, которое бегает со всеми четырьмя вытянутыми ногами, и предположили, что походка лошади была похожа.Результатом была характерная поза «лошадка-качалка» или «летящий галоп».

Характерный летящий галоп из «Баронета» Джорджа Стаббса, 1794.

Еще одно неточное изображение скачущих лошадей. «Итан Аллен, товарищ и Декстер» Джона Кэмерона, 1828 г.

К концу XIX века произошло нечто, существенно изменившее то, как художники рисовали лошадей.

В 1872 году американский промышленник Лиланд Стэнфорд, основатель Стэнфордского университета, нанял англо-американского фотографа Эдварда Мейбриджа, чтобы он сфотографировал своего любимого рысака Западного в действии.В те дни фотография была медленным процессом, когда пленка должна была экспонироваться в течение нескольких секунд, чтобы сделать фотографию, поэтому объект должен был сидеть неподвижно в течение всего времени экспонирования фотографической пластинки. Все, что много двигалось, казалось размытым.

Мейбридж изначально полагал, что невозможно сделать хороший снимок лошади в движении, но после экспериментов с различным оборудованием и различными химическими веществами ему удалось добиться удовлетворительных результатов.

Майбриджу пришлось приостановить свои эксперименты на два года, когда он предстал перед судом за убийство любовника своей жены. Мейбридж пытался сослаться на безумие, но присяжные отклонили его. Удивительно, но присяжные также оправдали его на основании «оправданного убийства», не принимая во внимание тот факт, что Мейбридж хладнокровно выстрелил в свою жертву в упор. Конечно, помогло то, что Стэнфорд организовал его защиту по уголовным делам.

Идверд Мейбридж в 1899 году.

Майбридж возобновил работу в Стэнфорде в 1876 году, постоянно улучшая и совершенствуя свой фотографический процесс. В «Вскоре после этого» ему удалось сделать единственную фотографию Запада на гоночной скорости, по счастливой случайности со всеми четырьмя ногами животного в воздухе. Стэнфорд был заинтригован и уговорил Мейбриджа использовать несколько камер, чтобы у них была серия фотографий, показывающих походку лошади. На этот раз Мейбриджа попросили сфотографировать еще одну лошадь Стэнфорда по имени Салли Гарднер.

Заморозить скачущую лошадь было нетривиальной задачей. Мейбриджу требовалось сделать несколько снимков за короткое время, каждый из которых экспонировался не дольше нескольких тысячных долей секунды. Чтобы добиться невозможного, Мейбридж использовал 12 ультрасовременных камер, которые он сконструировал сам, и выстроил их, как пушки в галеоне, параллельно пути лошади. Жалюзи каждой камеры управлялись натяжными тросами, которые пересекали путь лошади и приводились в действие ногами лошади.Когда лошадь пролетела через натяжные тросы, звук быстро выстреливающих один за другим затворов камер походил на грохот пулемета.

Оригинальные 12 фотографий Салли Гарднер. На кадрах 2 и 3 четко видна лошадь, полностью оторванная от земли, со сложенными под ней ногами.

Краткая кинолента Мейбриджа впервые запечатлела эфемерные детали, которые глаз не мог различить на такой скорости, такие как положение ног и угол наклона хвоста.Это также решило широко обсуждаемый вопрос дня — есть ли момент в походке лошади, когда все четыре копыта одновременно отрываются от земли? Новаторская работа Мейбриджа установила, что это действительно так, но не так, как изображенные на современных иллюстрациях. Когда лошадь полностью оторвана от земли, ее ноги собраны под телом, а не вытянуты вперед и назад.

Муйбридж также подготовил короткий анимационный клип, используя двенадцать неподвижных изображений, которые он снял с помощью устройства, известного как зоопраксископ, который был важным предшественником кинопроектора.Этот анимационный ролик продолжительностью всего 2 секунды под названием Sallie Gardner at the Gallop считается первым в мире фильмом — прото-фильмом. У него даже есть страница на IMDB.

Салли Гарднер в галопе

Достижения Мейбриджа широко освещались во всем мире, и многие начали приветствовать Мейбриджа как фотографического волшебника. Когда стало казаться, что Мейбридж привлекает к себе всеобщее внимание, Стэнфорд попытался его дискредитировать.В книге « Лошадь в движении: как показано мгновенной фотографией », написанной другом Стэнфорда и наездником Дж. Д. Б. Стилманом, Мейбридж упоминается просто как сотрудник Стэнфордского университета в техническом приложении. Впоследствии Британское Королевское общество искусств, которое ранее предлагало Мейбриджу профинансировать дальнейшие фотографические исследования движения животных, отозвало финансирование. Мейбридж в конечном итоге подал в суд на Стэнфорд, обвинив его в разрушении своей репутации. Но иск был отменен.

Улучшенная установка, которую Муйбридж использовал для фотографирования скачущих лошадей. В этом было 24 камеры.

Другая скачущая лошадь, Энни Г., полученная с помощью описанной выше установки.

Мейбридж начал искать источники финансирования и в конце концов нашел поддержку в Университете Пенсильвании. Под эгидой университета Мейбридж сделал десятки тысяч изображений животных и людей в движении — людей, поднимающихся или спускающихся по лестнице, ударяющих молотком по наковальне, несущих ведра с водой, занимающихся спортом и других повседневных дел.Изображения были опубликованы в огромном портфолио, включающем 780 пластин, содержащих 20 000 фотографий, в новаторской коллекции под названием «Передвижение животных: электро-фотографическое исследование соединительных фаз движений животных». Работа Мейбриджа внесла значительный вклад в развитие науки биомеханики и механики легкой атлетики. Некоторые из его книг до сих пор издаются и используются в качестве справочников художниками, аниматорами и изучающими движение животных и людей.

Эксперты требуют регулирования после последней неудачной реставрации произведений искусства в Испании | Art

Специалисты по консервации в Испании призвали к ужесточению законов, касающихся реставрационных работ, после того, как копия знаменитой картины художника эпохи барокко Бартоломе Эстебана Мурильо стала последней в длинной череде произведений искусства, подвергшихся разрушительному и уродливому ремонту.

Сообщается, что с частного коллекционера произведений искусства в Валенсии реставратор мебели потребовал 1200 евро за чистку картины Непорочного зачатия.Однако работа пошла не так, как планировалось, и лицо Девы Марии осталось неузнаваемым, несмотря на две попытки восстановить его в исходное состояние.

Дело неизбежно привело к сравнению с печально известным инцидентом «Обезьяна-Христос» восемь лет назад, когда набожный прихожанин попытался восстановить картину с бичующим Христом на стене церкви на окраине северо-восточного испанского города. Борха попал в заголовки газет по всему миру.

Также были проведены параллели с неудачной реставрацией полихромной статуи Святого Георгия и дракона XVI века на севере Испании, в результате которой святой воин стал похож на Тинтина или фигуру Playmobil.

Фернандо Каррера, профессор Галицкой школы сохранения и реставрации культурного наследия, сказал, что такие случаи подчеркивают необходимость того, чтобы работа выполнялась только должным образом обученными реставраторами.

«Я не думаю, что этого парня — или этих людей — следует называть реставраторами», — сказал Каррера Guardian.«Давайте будем честными: они бодгеры, которые все портят. Они разрушают вещи ».

Каррера, бывший президент Испанской профессиональной ассоциации реставраторов и консерваторов (Акко), сказал, что в настоящее время закон позволяет людям участвовать в реставрационных проектах, даже если у них нет необходимых навыков. «Можете ли вы представить себе, что кому-то позволено оперировать других людей? Или кому-то разрешено продавать лекарства без лицензии фармацевта? Или кому-то, не являющемуся архитектором, разрешено возводить здание? »

Хотя реставраторы «гораздо менее важны, чем врачи», добавил он, для сохранения культурной истории Испании необходимо строго регулировать сектор подоконника.«Мы видим такие вещи снова и снова, но они продолжают происходить.

«Парадоксально, но это показывает, насколько важны профессиональные реставраторы. Нам необходимо инвестировать в наше наследие, но еще до того, как мы поговорим о деньгах, мы должны убедиться, что люди, которые берутся за такую ​​работу, обучены этому ».

Мария Борха, один из вице-президентов Акко, также сказала, что такие инциденты, как несчастный случай с Мурильо, были «к сожалению, гораздо более частыми, чем вы думаете». В беседе с Europa Press, которая сообщила новости о ремонте Мурильо, она добавила: «Мы узнаем о них только тогда, когда люди сообщают о них в прессу или в социальных сетях, но есть множество ситуаций, когда работы выполняются людьми, которые не обучен.«

Непрофессиональное вмешательство, — добавил Борха, — означает, что произведения искусства страдают и ущерб может быть необратимым».

Каррера сказал, что Испания обладает огромным культурным и историческим наследием из-за различных групп, которые прошли через страну на протяжении веков, оставив после себя свои следы и памятники.

Другая часть проблемы, добавил он, заключается в том, что «некоторые политики просто не обращают внимания на наследие», что означает, что у Испании не было финансовых ресурсов для защиты всех сокровищ своего прошлого.«Нам нужно сосредоточить на этом внимание общества, чтобы оно выбирало представителей, которые ставят наследие в повестку дня», — сказал он.

«Это не обязательно должно быть на самом верху, потому что это явно не похоже на здравоохранение или работу — есть гораздо более важные вещи. Но это наша история ».

24 июня 2020 г. были внесены поправки в стенд и подпись к этой статье, чтобы уточнить, что рассматриваемая картина является копией.

Пещерные люди сегодня намного лучше рисовали животных, чем художники | Наука

Знаменитый пещерный человек в массовой культуре — Фред Флинтстон: тупой и неквалифицированный.В целом мы считаем наскальное искусство, созданное доисторическими людьми, грубым и неточным — просто проблеском художественного мастерства, которое расцветет тысячелетиями позже, в эпоху Возрождения и позже.

Если это ваше впечатление о доисторических людях, новое исследование, опубликованное сегодня в PLOS ONE исследователями из Университета Этвош в Будапеште, Венгрия, может вас удивить. Проанализировав десятки примеров наскального искусства из таких мест, как Ласко, группа, возглавляемая Габором Хорватом, определила, что доисторические художники на самом деле лучше точно изображали походку четвероногих животных, чем художники 19 и 20 веков.

Исследователи оценили доисторических художников на основе знаменательного открытия британского фотографа Эдверда Мейбриджа 1880-х годов о том, что лошади (и, как позже выяснилось, большинство четвероногих животных) при ходьбе двигают ногами в определенной последовательности. «Формула падения ноги», как ее называют, звучит как LH-LF-RH-RF, где H означает «задняя часть», F означает «перед», а L и R означают «влево» и «вправо» соответственно. Во времена Мейбриджа это считалось совершенно новым открытием.

За исключением того, что, как выясняется, доисторические люди, очевидно, тоже знали это — и в большинстве случаев правильно делали это на своих рисунках. Из 39 древних наскальных рисунков, изображающих движения четвероногих животных, которые рассматривались в исследовании, 21 последовательность была правильно отображена, что составляет 53,8%. Из-за множества комбинаций того, как можно изобразить походку четвероногого животного, исследователи утверждают, что простая случайность приведет к 26,7% правильности. Художники-пещерные люди знали, что делают.

Когда исследователи рассмотрели 272 рисунка и статуи четвероногих животных, сделанных в наше время, но до открытий Мейбриджа в 1880-х годах, таких как знаменитый эскиз лошади Леонардо да Винчи, Оказалось, что эти более поздние артисты были намного хуже: у них была правильная последовательность только 16.5% случаев. Примечательно, что даже 686 изученных картин и статуй, которые были созданы не позднее 1887 года, после того как ученые точно знали, как ходят четвероногие животные, все равно получали правильные ответы только в 42,1% случаев.

Даже не считая художников, значительное количество изображений четвероногих животных, сделанных в течение 20-го века специально для точности, также имеют неправильную последовательность, согласно источникам использованный в исследовании.