Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр. Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал. marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

6 техник рисования, которые не связаны с кистью

Дэвид Сикейрос, самый молодой из «большой тройки» мексиканских муларистов, был одним из первых художников, которые избегали кисти.
Он назвал ее, кисть, безотказно веками служившую живописцам, «орудием из волос и дерева». Сикейрос искал новые техники письма, отвечающие современной ему эпохе, и даже создал новаторскую экспериментальную мастерскую в Нью-Йорке в 1936 году.
Там собирались молодые художники, такие как Джексон Поллок, чтобы налить, разбрызгать, использовать аэрограф, в общем, создать новое, попробовать другие пути для искусства.
У них получилось.

Потом уже Хелен Франкенталер и Ив Клейн продолжали экспериментировать с нетрадиционными методами, расширяя лексику живописи, свободно включая капли, пятна, отпечатки тел и цифровой рисунок, и это лишь некоторые.
Вот шесть методов рисования без кисти. Это были инновационные инструменты и технологии.

Расплескивание и капание
Джексон Поллок

В феврале 1956 года журнал Experimental Workshop- Time  обозвал Поллока «Джек-капальщик» (Jack the Dripper).

Он самый знаменитый в своем стиле – разбрызгивания краски на холсте, но вряд ли первооткрыватель.

Японские художники-дзен-буддисты, например, экспериментировали с брызгами чернил еще в 15 веке, задолго до того, как Поллок создал свою первую живопись в середине 1940-х годов.

А точнее, случилось это в 1947году.  Поллок изобретает новую технику, он начинает работать на холстах огромного размера, расстилая их прямо на полу, и разбрызгивает краску с кистей, не прикасаясь ими к поверхности.

Технология брызг и капель Поллока с его взрывоопасными результатами захватила интерес американской общественности, особенно после того, как фотограф и режиссер Ганс Намут  опубликовал кадры с художником за работой в студии.

Комментарий Намута:

«…Влажный забрызганный холст застилал весь пол. Стояла полная тишина. Поллок посмотрел на работу. Затем неожиданно поднял банку и кисть и начал передвигаться вокруг холста. Как будто он вдруг понял, что работа не завершена. Его движения, медленные в начале, постепенно становились быстрее и все более похожими на танец, он швырял чёрную, белую и ржавую краски на холст. Он совершенно забыл о том, что Ли и я присутствуем при этом, казалось, что он не слышит щелчков затвора объектива. Я снимал все это время, пока он увлеченно работал, возможно прошло полчаса. Все это время Поллок не останавливался. Как только у него хватало сил? После он сказал: «Вот и все».

«…Моя живопись никак не связана с мольбертом. Я едва ли хоть раз натягивал холст на подрамник. Я предпочитаю прибить холст к стенке или полу. Я должен чувствовать сопротивление твердой поверхности. На полу легче всего. Я чувствую себя ближе к живописи, ее частью, я могу ходить вокруг нее, работать с четырёх сторон и буквально быть внутри нее. Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю.

Помещая полотна на пол, Поллок брал металлические стержни, кухонные инструменты, полотенца и палочки, хотя эти инструменты редко касались полотна напрямую. «Не имеет большого значения, как наносится краска», — пояснил художник. «Техника — это всего лишь способ рассказать что-то людям».

Роберт Раушенберг 1954-1955

Германн Нич 2013

Заливка

Хелен Франкенталер за работой над большим холстом, 1969. Фото Эрнста Хааса. 

В экспериментальной мастерской Сикейроса впервые увидел свет метод заливки краски непосредственно на холст. И завоевал себе сторонников.

Это техника «случайной живописи» — разлив разных цветов, наплывающих друг на друга, создающая неожиданные, вихревые узоры.

Франкенталер продвинула эту технику еще на шаг вперед в 1952 году с ее основной работой «Горы и море», для которой она наносила краски на непрозрачный холст.
Вместо того, чтобы опираться на холст, краска на этом изображении пропитывала холст — значительный подвиг в эпоху, когда авангардные художники были очарованы плоской живописью.

Совсем недавно британский художник Иэн Дэвенпорт  вылил полоски красок на холсты с помощью шприцев, позволив цветам смешаться и объединиться в нижней части его абстрактных картин.

Хелен Франкенталер 1962
Галерея Гагосян

Линда Бергли Угловая композиция 1969

Скребок, как кисть в руках у мастера

Из фильма Герхарда Рихтера Картина, фильм Коринны Белз.

Создать картину, поцарапав краску…. Да, и этот, теперь часто применимый метод родился не сегодня. Он больше всего связан с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунином, добившегося мощного визуального эффекта с помощью палитры и современного немецкого художника  Герхарда Рихтера, который часто использовал ракель. «С помощью кисти вы управляете, — объяснил Рихтер. «Краска идет по щетке, и вы делаете мазок … С ракелем вы теряете контроль».

Как и в картине Поллока, тайна техники Рихтера вдохновила режиссера Коринну Белз. Для своего документального фильма о Герхарде Рихтере  (2011) Белз провела три года в студии Рихтера, захватив художника. Рихтер тянет, мажет и царапает слои влажной краски, оставляя следы своих движений по поверхности.

Виллем да Кунинг Мэрилин Монро 1954

Печать тела

Ив Клейн, «Антропометрия искусства», «Галерея современного искусства», Париж, 9 марта 1960 года. Фотография Чарльза Уилпа.

Французский художник Ив Клейн создал свои картины «Антропометрия» перед аудиторией. Впервые в «Galerie Internationale d’Contemporain» в Париже в 1960 году выступления Кляйна (в настоящее время многие считают возмутительно сексистскими) показывают обнаженные женские модели, которые художник назвал «человеческими кистями», они прогуливались в с запатентованном Интернационале.

Затем женщины приступили к созданию отпечатков своих тел на гигантских бумажках, которые были расположены на стенах и на полу галереи. За ними Клейн усадил оркестр из 10 инструментов, играющего симфонию монотонной тишины с одной записью, написанную самим художником. Спектакль длился 20 минут, а затем 20 минут молчания.

Ив Клейн, «Антропометрия искусства», голубой период

Келли Феррис, квартет 2015

Аэрография

Чак Клос (Chuck Close)

живопись Марк, 1978-79.

«Чтобы избежать живописного мазания и поверхности, я использую некоторые довольно хитрые средства, такие как лезвия бритвы, электрические дрели и аэрографы», — объяснил художник  Чак Клос  в 1970 году.
Первоначально использую инструмент для ретуширования фотографий, потом аэрографы — сжатый воздух для распыления краски на поверхность, создает плавные градации, которые напоминают фотографии.

Он выбрал эту технику, чтобы изобразить своего друга и художника-живописца Марка Гринволда  в крупномасштабном фотореалистическом портрете   (1978-9).  Для изображения Close применил четыре основных цвета, используемых в цветной печати: голубой, пурпурный, желтый и черный, чтобы воссоздать процесс фотомеханического воспроизведения, используя аэрограф, чтобы тщательно контролировать распределение слоев.

Chuck Close, пожалуй, самый известный художник, использующий аэрограф, но сегодня многие художники также используют технологию аэрографа.

Джейсон Брукс. Кейт 2013

Цифровая живопись

Поллок, Франкенталер, Клейн и Клоуз, возможно, создали картины без кисти, но поп-художник Дэвид Хокни рисует картины даже без краски. Используя свой iPad, стилус и приложение Brushes, Хокни создает яркие пейзажи. «Люди из деревни поднимаются и дразнят меня: «Мы слышим, что вы начали рисовать по телефону », — писал Хокни в каталоге для музея Юнг.

Калифорнийский мультимедийный художник Петра Кортрайт также создает на компьютере картины с цифровым управлением. Она разбивает сотни найденных изображений с помощью Photoshop, часто проводя до 12 часов перед экраном.

Если Сикейрос искал современные техники живописи для индустриальной эпохи, то Хокни и Кортрайт обновили среду цифровой эпохи. Убирая холст, кисть и даже самую краску, художники продолжают изобретать новые методы, которые расширяют наши традиционные представления о том, что нужно предпринять, чтобы сделать картину.

Интуитивная живопись как способ прояснения запроса клиента (Инна Гуляева)

“Нарисуй свою мечту” — прошу я клиентов, которые приходят ко мне на арт-коучинговую сессию и не могут определиться с запросом. Некоторые не могут выбрать из множества желаний одно, другие смутно что-то ощущают, но испытывают сложности в “переводе” этих чувств в слова. “Я чего-то хочу, но чего точно, мне сложно сказать. Чувствую, что внутри есть потенциал, но как его проявить, в какой конкретной области — не знаю”. В этом случае один из инструментов арт-коучинга — интуитивная живопись — помогает плавному “проявлению” желания — сначала в абстрактный рисунок, затем с помощью техники интерпретации интуитивной живописи мы переводим рисунок в слова и планы. 

Абстрактная живопись помогает ответить не только на вопрос “что”, но и также на вопрос “как”. Когда человек знает чего хочет, но не знает “как”. Возможно знает, но не может выбрать среди множество “как” наиболее подходящий для него или нее вариант. Абстрактное рисование дает возможность на время “отключиться” от перебирания вариантов и поговорить со своим бессознательным через творчество.  

Почему интуитивная живопись так эффективна в работе с данными запросами? Как правило, сложности в определении “чего я хочу?”,  “какой вариант достижения цели больше всего мне подходит?” состоит в том, что где-то прячется страх: “А вдруг я выберу не то и не так?”, “Я уже один/два/много раз ошибался/ошибалась, что если ошибусь снова?” и т. д.. Интуитивное рисование помогает обойти эти страхи и попасть в “долину творчества”, в которой находятся наиболее подходящие варианты ответов на вопросы клиента, но он или она не могут пройти в эту долину из-за своего страха. Абстрактное рисование также не дает возможность сразу же оценить то, что рисуется и “включить красный свет” тем вариантам, которые пугают человека. Рисуя, клиент напрямую соприкасается со своим бессознательным и получает наилучшие способы решения для решения своих задач.

Как интерпретировать интуитивную живопись? Подробное описание данной техники есть в моих книгах по арт-коучингу. Один рисунок, при такой подробной интерпретации может дать ответы на многие вопросы. Также есть “экспресс метод”  — краткая (состоящая из трех вопросов) интерпретация абстрактного рисунка. 

Вы спрашиваете своего клиента: “Какой был первый цвет на рисунке? С чем этот цвет у тебя ассоциируется?”. Второй вопрос “экспресс метода”: “Если у тебя эта ассоциация была бы действием, то чтобы это было за действие?”. Третий вопрос: “И какой самый простой и легкий шаг вы сможете сделать в ближайшее время?”

Например, недавно работала через интуитивную живопись с запросом “Хочу написать книгу”. Клиент не знала “как”, что может ей помочь начать книгу писать. В ее абстрактном рисунке первый цвет был желтый и он ассоциировался у нее с легкостью. Тогда я спросила ее: “Если бы легкость была бы действием, то чтобы это было за действие?”. Клиент ответила: “Больше воздуха, прогулок, больше свободного времени для себя”. На третий мой вопрос “И какой может быть первый, самый простой шаг, который вы сможете сделать в ближайшее время?” она ответила: “Больше гулять. Я после работы отвожу ребенка на секцию и сижу, жду окончания ее занятия. На самом деле у меня есть полчаса, и я могу в это время пойти погулять, подышать воздухом, подумать о книге”. 

Еще один из приятных бонусов коучинговой работы через интуитивную живопись — это повышения уровня энергии у клиента.

Помимо нахождения ответов на свои вопросы, клиент получает “энергетический коктейль”, чувствует себя после сессии более творческим и вдохновленным. 

Для коучей я могу предложить прибегать к интуитивному рисованию, чтобы “поймать” поток вдохновения перед работой с клиентами. Есть очень простой способ вхождения в поток энергии и вдохновения — нарисовать три абстрактные картины подряд — одну за одной. Интуитивная живопись дает возможность “покупаться” в волнах своего бессознательного, набраться энергии и креативности, чтобы провести предстоящие сессии легко и творчески. Желаю вам много продуктивных и креативных сессий!

Инна Гуляева
профессиональный сертифицированный коуч МЭУк, г. Москва
Художник, писатель, автор двух книг по Арт-коучингу, психолог EMDR, преподаватель freedomDANCE.

Миниатюра это легко? (о лаковой миниатюрной живописи)

 Сложно рисовать миниатюры? Как вы думаете? 

Казалось бы, главное — уметь рисовать (этому учат везде), управляться с красками-кистями… да и всё, так ведь? 

Нууу. .. если грубо обобщить, то “управляться”, наверное, было бы достаточно. Тогда почему миниатюристов так мало, м?

 

Каждый из Вас легко может представить как рисовать, к примеру, на альбомном листе А4- А3 формата. Лист будет лежать перед Вами на столе, Вы разложите краски-карандаши..  Всё отлично видно: все линии, цвета, переходы, вполне комфортно физически…(если нравится рисовать, конечно же). Это такой классический вариант, который можно представить, потому что так рисовал абсолютно каждый хотя бы раз в жизни (например, на уроках ИЗО в школе). 

 

А теперь как рисует миниатюрист: формат рисунка резко уменьшается до размеров квадратика 3-4 см. Каждое движение руки преобразуется в микродвижение. Каждая линия толщиной с волосок. Если я просто скажу, что это капец как тяжело делать, то этот “капец”  даже представить будет очень сложно. Потому я расскажу на бытовом примере: 

 

Иголка и нитка. Нужно вставить одно в другое. Как мы это делаем: подносим иголку к своим глазам, очень стараемся чтоб она не дрожала. Дальше нужно напрячь зрение и рассмотреть игольное ушко. Увидели? Отлично! Теперь в это крохотное ушко нужно точно-приточно попасть кончиком нити. У всех с первого раза вышло? А теперь выньте, вставьте ещё раз, и ещё, и еще раз. Это и есть процесс работы миниатюриста. Только “вставить нитку в ушко” значит провести тончайшую линию краски четко в нужной доле миллиметра не 1-2 раза, а сотни тысяч раз (никто не считал сколько) для одной миниатюры. И эти сотни тысяч раз растягиваются в 10-ки часов работы над одной “картинкой” на пределе зрительной концентрации и контроля движений руки. 

 

Ну, как, стало легче представить тот самый “капец”? 

Теперь сразу значительно нагляднее понимается стоимость такого объёма труда в написании украшения миниатюрная живопись на камне, не правда ли?

 

Ой, вы сейчас подумаете, что миниатюристы — это, получается, какие-то мазохисты, которые так изощренно издеваются над собой. Только знаете, если б мазохистам не нравилось, они бы это не делали! А если серьезно, то нужен такой склад характера, чтобы получать удовольствие на пределе терпения и напряженный кропотливый труд превращать в произведения тончайшего искусства лаковой миниатюрной живописи.

 

Помните цитату из фильма “Красотка”, когда Эдвард Льюис привёл Вивиан в оперу? 

“Когда люди первый раз слушают оперу, она им сразу или нравится, или нет. Если сразу нравится — они всю жизнь будут любить оперу. А если нет, то они потом смогут научиться ценить её, но опера никогда не станет частью их души.”  Все эти слова точно про художника и миниатюру. Либо сразу и навсегда “часть тебя”, либо просто “ценю прекрасное”.

 

А что касается цены прекрасного…

» Мистер Льюис, могу я узнать, насколько неприличную сумму вы готовы потратить: неприличную или вопиюще непристойную?

— Вопиюще непристойную.

— Какой мужчина!» © Pretty Women.

 

Что такое мультфильмы на стекле или ожившая живопись

Ожившая живопись сегодня, это в первую очередь работы Александра Петрова, известные своей необычайной завораживающей красотой. Его техника создания мультфильмов настолько сложна, что практикуют ее в мире всего несколько человек. Мы решили разобраться, что же такое ожившая живопись и почему каждому кадру подобных мультфильмов место в приличной галерее.

Основная особенность создания мультфильмов в стилистике ожившей живописи состоит в технике создания. Она заключается в том, что художник наносит изображение медленно сохнущей масляной краской (иногда гуашь с глицерином) на стеклянную поверхность, каждый раз добавляя новые мазки прямо перед камерой. То есть заранее приготовленных персонажей и декораций нет.

Этот метод изобрела канадский мультипликатор Каролин Лиф, ее короткометражный мультфильм «Улица», снятый в 1976 году был номинирован на Оскар.

Большой популярностью эта анимационная техника не пользуется из-за ее крайней сложности. Сегодня в этом стиле работают редкие художники — Вэнди Тилби, Аманда Форбис и еще несколько человек, но самым популярным мультипликатором в данном направлении остается Александр Петров.

Петров использовал данную технологию в семи своих работах и получил за них множество наград. За свой самый известный мультфильм «Старик и море», Александр Петров получил премию «Оскар», еще дважды Петров был номинирован на премию американской академии за мультфильмы «Корова» (1990) и «Моя любовь» (1990). Именно Александр Петров в одном из интервью назвал технологию рисования на стекле «Ожившей живописью».

Сама по себе техника создания мультфильмов подобным образом невероятно сложна. С одной стороны – это ювелирная работа, с другой, каждый кадр – это настоящая художественная картина, ожившая живопись, иногда напоминающая картины импрессионистов. Но и это еще не всё. Надо суметь экранизировать произведение, которое сильное само по себе, не испортить его, а еще больше подчеркнуть мысль писателя и вдохнуть в него жизнь.

Казалось бы, все просто и понятно — берется стекло, которое подсвечивается, берутся масляные краски и кисточкой или кончиками пальцев наносится краска на стекло. Но почему же в итоге получается настоящий шедевр? Почему его картины оживают? Почему эта анимация по настоящему завораживает?

Александр Петров утверждает, что лучший инструмент для художника – это его пальцы, которые всегда под рукой. Поэтому, например, для своих картин он использует, как правило, только кончики пальцев. К тому же, руками удобнее управлять рисунком, так как его лучше чувствуешь. В масляные краски, чтобы они не засыхали, добавляется особая смазка для велосипедных цепей. Краска наносится или одним, или несколькими прозрачными слоями. Она на стекле подвижна, легко смешивается, перетекает из одного оттенка в другой, ее легко убрать.

Белые матовые стекла подсвечиваются особым способом снизу. Иногда художники использует 2-3 яруса стекол. В результате в кадре возникает ощущение воздуха и более насыщенного цвета. Благодаря движению краски и стеклу создается динамика рисунка, его легкость и воздушность. Прорисовка каждой «мелочи» должна быть очень тщательной. Именно благодаря таким деталям зритель чувствует эмоции героя, его боль, радость, удивление или печаль.

Рабочее поле при рисовании занимает приблизительно 40 см на 30 см. Рисуется один момент движения, затем он снимается – это один кадр, потом его уничтожают или поправляют и создают следующий рисунок. Другой эпизод – другое мгновение. Эти кадры можно назвать мгновениями так как кадр промелькнет в фильме за 1/24 долю секунды. Получается, что для 1 минуты фильма необходимо нарисовать больше тысячи картин. Следующее мгновение кинокартины рождается путём внесения поправок в предыдущий эпизод. При такой манере к окончанию съемок у художника не остается практически ничего, кроме стекла с последним фрагментом фильма, все плоды трудов — только на пленке. Некоторые художники стиля рисования по стеклу используют ротоскопирование и трехмерное моделирование сцен, прием перенесенный из кинематографа.

Художники рассказывают, что при создании подобных картин ему приходится отдавать всего себя каждому кадру, пускай он и длится всего долю секунды. После создания каждого мгновения его приходиться уничтожать, освобождать место для следующего кадра, даже несмотря на то, что такие произведения порой достойны висеть в хорошей галерее изобразительных искусств.

Фон обычно остается неподвижным, но иногда приходится и его прорисовывать, как например, это было в мультфильме «Старик и море», когда все море было настоящим, оно дышало.

Это невероятно кропотливый труд. Мультфильм может длится всего 10 минут, а на его создание уходит целый год. Например, фильм Александра Петрова «Моя любовь» создавался 3 года! Для 1 минуты фильма надо нарисовать более тысячи картин. Получается, что в день рисуется до 15 таких картин. И в конце работы художник остается перед стеклом только с последним мгновением фильма да с въевшейся в пальцы краской. Всё как в жизни. Прожитые мгновения повторить нельзя.

Сложность создания мультфильмов в данной стилистике отпугивает многих молодых аниматоров. Безусловно, произведения, нарисованные подобным образом не являются наиболее коммерчески успешными, зрительские вкусы сегодня — это в первую очередь мультфильмы, созданные с применением компьютерной графики.

Мультфильмы, подобные работам Александра Петрова, выходят на экраны крайне редко. Каждая новая работа созданная на стекле становится настоящим событием! Именно эти работы сегодня, являются настоящим искусством анимации и ярчайшим явлением в мире изобразительного искусства.

Леня Клопотовский

Вертикальная живопись и иерархия искусств в вчетырехмерном пространстве: botev — LiveJournal

На площади Крестьянской Заставы есть дом, которые перекрашивали за последние полгода раза три (и теперь перекрашивают).

Придумали со сладкой Н. новый вид живописи под условным названием вертикальная живопись. Заключается она вот в чем. На стене, на холсте, вообще на любой плоской поверхности рисуеся картина. Поверх нее рисутеся еще одна. Поверх нее еще одна и так далее. Каждая картина рисуется в обычной, традиционной технике горизонтальной живописи. В случае идеальной краски нужно бесконечное число слоев, в случае же реального мира требуется всего лишь конечное число слоев краски, чтобы картина приобрела объем, т.е. толщину. Получаем некий куб, состоящий из краски, каждый слой которого в плоскости, скажем, XY представляет собой законченную картину. Нарезав теперь этот куб по плоскостям, параллельным плоскости XZ, получим другое множество картин, каждая из которых и будет нарисована в технике вертикальной живописи.

Вообще, рассмотрим четырехмерное пространство (X,Y,Z,T), где T — это время. Объект каждого искусства имеет некоторую ненулевую протяженность по некоторым (не по всем!) координатам. Например, объект живописи — картина, как уже было сказано, имеет ненулевую протяженность по двум координатам (первоначально, например, X и Y). По остальным же координатам обект данного искусства имеет нулевую протяженность. Задача состоит в том, чтобы как-то повернуть этот объект в пространстве так, чтобы некоторые ненулевые компоненты поменялись с нулевыми местами. Естественно, нельзя применять банальное движение в трехмерном пространстве, грубо говоря, объект, с которым мы работаем, является закрепленным. Ниже будут рассмотрены основные виды искусства и операции с ними.

• Живопись, фотография. Ситуация с живописью более или менее подробно изложена выше. От координат (X,Y) легко перейти к координатам (X,Z) или (Y,Z). Можно перейти и к координатам (X,T) или (Y,T), рассматривая в каждый момент времени отрезок картины, перпендикулярный соотв. оси 0X или 0Y. Для перехода к координатам (Z,T) надо сначала перейти к координатам (X,Z) или (Y,Z). Единственное, надо сказать, что двумерные объекты с ненулевой компонентой T не будут, чтрого говоря, объектами живописи, а будут объектами какого-то другого двумерного искусства.


• Скульптура и архитектура. Наиболее простое трехмерное искусство — все его ненулевые компоненты пространственны. Понятно, как сделать из статуи кино — нужно просто нарезать статую на бесконечно тонкие слои (параллельно любой из пространственных плоскостей) и поместить эти слои на плоскости, один слой за другим. Таким образом, из любой статуи может получиться кино, также трехмерный вид искусства, имеющий одной из ненулевых компонент время.


• Перейдем, собственно, к кино — искусству, объект которого имеет ненулевые координаты (X,Y,T). Перейти к координатам (X,Y,Z) можно способом, обратным к тому, которым мы от скульптуры перешли к кино (т.е. наслаивая друг на друга последовательные кадры), перейти же к координатам (X,Z,T) и (Y,Z,T) можно сначала перейдя только что описанным способом к скульптуре, а потом нарезая ее на слои, параллельные соответствующей плоскости.


• Далее, музыка. Музыка, несомненно, является трехмерным пространственным искусством — ее объектом являются колебания воздуха в координатах (X,Y,Z). Поскольку колебаний воздуха только в каких-нибудь двоих пространственных координатах быть не может, мы не можем повернуть это искусство в в четырехмерном пространстве так, чтобы одна из его пространственных координат обратилась в нуль. Зато мы сможем сделать его четырехмерным — когда важно не только искусство издавания звуков, но и искусство их компоновки, то есть, фактически, умение складывать ноты в музыкальные темы. Если же рассматривать тему раз навсегда заданной начальными нотами, то есть исключить импровизацию, то выходом в четвертое измерение будет использование канона.


• Ну и, наконец, литература. В отличие от прочих искусств, литература работает не со зрительными, слуховыми и т.д. центрами в мозгу, а непосредственно с сознанием, или с языком, т.е. продуктом сознания. Язык и сознание содержит в себе и пространство, и время, значит, литература, не содержит нулевых компонент ни по одной из координат (X,Y,Z,T), то есть задача, поставленная нами, решена изначально — как ни поворачивай текст в рассматриваемом четырехмерном пространстве, он всегда будет обладать в этом пространстве объемом, в отличие от прочих искусств.

Таким образом, показана генетическая связь различных искусств друг с другом, выстроена иерархия искусств (от двумерных — к четырехмерным), показано, как объекты различных искусств расположены в некоем «пространстве искусства». Разумеется, предложенная теория не свободна от недостатков и упрощений, некоторые из них я понимаю вполне, а некоторых, возможно, не вижу вовсе. Поэтому я буду благодарен любому прочитавшему и высказавгему критические замечания, или хотя бы — степень разумности высказанных соображений, степень доступности (грубо говоря — понятно ли, что я имею в виду), и убедительность подачи материала. Спасибо.

(art), (article), (math)

О философии живописи У-син — Магазета

Добрый день. Меня зовут Андрей Щербаков. Я являюсь руководителем московской Школы живописи У-син. Сегодня я хотел бы познакомить вас с нашим творчеством, показать картины, которые рисуем мы и учим рисовать наших учеников, а также рассказать о взаимосвязи нашей живописи, системы пяти элементов У-син и китайской традиционной живописи.

Живопись у-син – это техника саморазвития, выстроенная на основе совмещения приёмов китайской живописи го-хуа, системы 5-и элементов у-син и других понятий даосской натурфилософии. Изображение предметов, существ и пейзажей в технике живописи у-син связано больше с познанием их внутренней сути, чем внешней формы. Художник, развивающийся в технике живописи у-син, сосредотачивается на познании принципов следования дао через кисть. В живописи у-син есть несколько базовых принципов.

Первый принцип позволяет художнику проработать свои психологические качества через движение. На первом этапе обучения художник создаёт мазки лишь при помощи движений рукой. Второй этап связан с включением в процесс рисования корпуса, на третьем этапе создание картины превращается в полноценный танец. На последнем этапе для человека, практикующего живопись у-син, важно чувствовать крайне тонкие аспекты движения. Процесс увеличения чувствительности связан с преодолением скованности и ограниченности в движениях. Известным фактом является то, что психологические проблемы человека неразрывно связаны с физическими зажимами. Поэтому можно сказать, что живопись у-син является своеобразной разновидностью телесно ориентированной психотерапии.

Второй принцип – заключается в системе У-Син. 5 элементов у-син, знаменуют собой 5 качеств энергии – дерево, огонь, земля, металл, вода. В живописи каждому из этих элементов соответствует определенное движение, и только этими пятью видами мазков художник У-син пишет свои картины. В этом аспекте живопись у-син больше похожа на ушу, чем на академические техники живописи. Особенно много сходства с синъицюань, где 5 базовых форм соответствуют 5-и элементам у-син.

Третий принцип состоит в совмещении в одном рисунке сразу нескольких искусств. Учась живописи у-син, ученик очень быстро выходит за рамки живописи, когда стремится украсить рисунок каллиграфической надписью. Вследствие увлечения каллиграфией, как правило, просыпается интерес к изучению китайского. Необходимость подобрать красивую надпись влечёт за собой интерес к поэзии. И каллиграфия и живопись основаны на координации движений и дыхания, так что очень скоро ученик начинает осваивать элементы цигун. Интерес к отработке движений и необходимость рисовать всем телом порождает интерес к у-шу, танцам и йоге. Создание рисунка в китайской традиции, как правило, завершается печатью. А ведь печать тоже интересно изготовить самому, и так ученик уже начинает увлекаться резьбой и лепкой. А ведь нарисованную картину нужно ещё и красиво оформить и правильно разместить. И т.д. Таким образом, начиная заниматься живописью у-син, человек оказывается втянутым в процесс постоянного самосовершенствования.

Четвёртый принцип: в непривязанности к художественному результату. Цель художника, развивающегося в живописи у-син – самосовершенствование. Картина, которая получается в результате, выступает лишь как критерий развития художника, не являясь при этом целью самого творческого процесса.

Что такое 5 элементов у-син и как эта система воплощена в живописи.

Лучше всего посмотреть видео, в котором я подробно об этом рассказываю:

В качестве образцов живописи у-син, предлагаю посмотреть видео с моими последними картинами:

Тема живописи У-син весьма обширна, количество картин велико, поэтому, если у вас есть желание познакомиться с творчеством поближе, рекомендую галереи других преподавателей живописи у-син.

---

Нихао! Меня зовут Полина, и я редактирую материалы на Магазете уже больше 10 лет.

Почти все авторы присылают нам свои статьи из чистой любви к Китаю, а мы предлагаем им площадку, на которой они могут поделаться своим уникальным опытом. Мы – сообщество энтузиастов.

Поддержите Магазету и помогите сохранить её бесплатной и без рекламы.

---

Секрет великого искусства эпохи Возрождения: трассировка

Мы считаем само собой разумеющимся, что художники эпохи Возрождения рисовали свои шедевры от руки несколькими гениальными мазками. Но правда в том, что у них были уловки, в том числе и отслеживание.

Названные историками искусства «карикатурами» (от итальянского слова «большой лист бумаги»), эти наброски позволили им создать тестовые версии, которые впоследствии они могли впечатать прямо на произведение искусства. У нас до сих пор есть первые наброски мастеров эпохи Возрождения.

Взять, к примеру, классическую фреску Рафаэля «Афинская школа».»Используйте ползунок ниже, чтобы переключаться между мультфильмом и последней иконой:

Легко предположить, что эти рисунки были всего лишь этюдами для окончательной картины, но новое видео музея Гетти делает процесс достаточно понятным для непрофессионала. Художники фактически использовали эскизы, чтобы нарисовать рисунок на самой картине. Как описано в видео, мы знаем, что это произошло, потому что инфракрасные изображения показали их под произведениями искусства вместе со старыми образцами, которые сохранились до наших дней.Этот процесс работает аналогично тому, как мы используем сегодня точные копии.

Художник начинал с рисунка на бумаге. Затем они поместили лист бумаги, покрытый черным мелом, между ним и холстом и использовали стилус, чтобы обвести рисунок. Под давлением черный мел переместился на холст.

Процесс передачи.

Музей Гетти

Мультфильмы были не просто обычным явлением — их даже повторно использовали в разных картинах.Точно так же, как аниматоры Диснея повторно использовали целую анимацию, художники эпохи Возрождения повторно использовали свои мультфильмы. Как отмечает Музей Гетти в видео, здесь можно увидеть один и тот же контур драпировки на нескольких разных картинах:

Мультфильм использовался три раза.

Музей Гетти

Эти эскизы позволили создать базовую структуру, которую художник или ассистент мог использовать — либо как прямую копию, либо для импровизации на основе оригинального рисунка.

Трассировка была лишь одним из инструментов, которые великие художники использовали для создания некоторых из классических картин мира. Они почти наверняка использовали специальные отражающие устройства и изогнутые зеркала, чтобы делать более точные рисунки.

Чтобы узнать больше о процессе розыска, посмотрите полное видео музея Гетти:

Современное и историческое: роль и функции FineArt Drawing

Джорджо Вазари, известный художник и живописец эпохи Возрождения, красноречиво говорил о важности рисунка в области изобразительного искусства.Вазари утверждает: «Рисование… — необходимое начало всего [в искусстве], а не имея его, у человека нет ничего». Рисунки — это не только начало всего в искусстве, хотя это важный элемент их ценности; они также облегчают творческий процесс художника, описывая увиденное, визуализируя воображаемое и символизируя идеи и концепции. Хотя рисунок широко используется художниками как средство осмысления своих идей для живописи, он также выполняет множество других функций.Некоторые из этих других функций включают в себя: описательный рисунок, орнамент и иллюстрацию, рисунок как социальный комментарий, рисунок как средство прояснения или кристаллизации идеи, рисунок как средство самовыражения.

Каждый художник будет использовать одну или все эти функции в зависимости от того, чего они хотят достичь. Сама функция, которую выполняет каждый рисунок, может быть подчеркнута средствами массовой информации, которые используются для его завершения. Потому что, как важно помнить, рисование выполняется не только карандашом или графитом, но и выполняется с помощью таких средств, как цветной карандаш, пастель, цветной карандаш, тушь и уголь.

Во времена старых мастеров, таких как Микеланджело, Рафаэль и да Винчи, предпочтительной средой был Красный Мел. Большинство их главных картин начиналось как рисунки или «этюды» для окончательной росписи. Сегодня мы рассматриваем эти рисунки как настоящие произведения искусства сами по себе, так же как мы рассматриваем окончательно нарисованное произведение. Во времена великих мастеров эти рисунки считались предварительными и не предназначались для демонстрации. Хотя рисунки собирались и восхищались ими с шестнадцатого века, они рассматривались как исследования, которые дают информацию, а не как полные и независимые работы сами по себе.Сегодня все изменилось, и рисование стало гораздо больше, чем просто средством для достижения цели. Для многих это стало самоцелью.

Рисунки также относятся к той же категории, что и живопись или скульптура, и часто отражают качества и стиль художника, создавшего их. Как и следовало ожидать, рисунки варьируются от репрезентативных до абстрактных и всего, что между ними. В двадцатом веке рост абстрактной живописи и других современных движений изменил роль устоявшихся художественных дисциплин.В современном мире искусства рисунок был переосмыслен и включен в современное понимание как нечто большее, чем просто способ точно изобразить изображение или концептуализировать окончательное произведение искусства. Скорее, это стало для художника средством самовыражения.

Несмотря на то, что роль и функции рисунка с годами изменились, одно остается неизменным. Как Вазари упомянул в приведенной выше цитате, рисование было, есть и будет преподавать как важный аспект художественного процесса — и это жизненно важный и фундаментальный элемент самого изобразительного искусства.

Просмотрите нашу коллекцию Fine Art Drawing для продажи прямо сейчас!

Эта статья была написана для ARTmine Джеффри Шрайером.

Сравнение материалов для рисования и рисования — видео и стенограмма урока

Материалы для рисования

Рисование — это процесс использования инструментов для нанесения отметок на поверхности. Среды для рисования могут быть сухими или влажными. Сухая среда оставляет след из мелких частиц, которые можно растереть или растушевать. Влажная среда использует пигмент в жидкости, возможно, в воде или спирте.Для рисования влажными средами требуется такой инструмент, как ручка или кисть.

К инструментам для сухого рисования относятся карандаши. Вы слышали, что они называются графитными карандашами, но вещество внутри — это графит , смесь углерода и глины, отформованная в карандаш для рисования. Карандаши для рисования бывают разной толщины. Жесткие карандаши создают четкие светлые линии, а мягкие карандаши — темные. Карандаши для рисования используются для набросков и черновой обработки изображений, которые будут обработаны другими способами.

Пастель , еще один материал для сухого рисования, похожа на мел.Их получают путем смешивания порошкообразных пигментов с глиняным связующим, которое позволяет им высыхать в палочки с глубоким цветом. Пастель оставляет более мягкие, более пудровые линии, чем графит. Иногда их называют бархатистыми.

Перо и чернила — это средство для влажного рисования, в котором используются чернила на водной или спиртовой основе. Чтобы рисовать тушью, вы используете инструмент с наконечником или кисти. Эта среда может создавать тонкие точные линии или перистые разводящие линии, в зависимости от того, как она наносится, и от поверхности, на которой она используется.Некоторые чернила на спиртовой основе являются стойкими, что позволяет использовать их с другими носителями.

Материалы для рисования

В процессах окраски пигменты используются в жидком или вязком (густом и гелеобразном) связующем, что позволяет наносить их или наносить кистью. Акварель состоит из пигментов на водорастворимом связующем. Они бывают сухими или пастообразными, и для их использования вы добавляете воду, как правило, на толстую впитывающую бумагу. Они создают тонкие прозрачные пятна цвета и обрабатываются широкими мазками.Акварель также можно использовать для создания линий, похожих на рисунок. В отличие от других красок, акварельные краски нельзя использовать для создания слоев, и вы не можете исправить ошибки, когда они были сделаны.

Масляная краска изготовлена ​​из пигмента на масляном связующем. Масляные краски не растворяются в воде и медленно сохнут на воздухе. Чтобы их разбавить, используйте растворитель, например, скипидар или уайт-спирит. Масляная краска имеет яркий насыщенный цвет, ее можно обрабатывать и обрабатывать. Используется в виде одного толстого слоя краски или кропотливо наносится слой за слоем.Обычно он используется на холсте или деревянных поверхностях и плохо прилипает к некоторым поверхностям, например к пластику.

Акриловая краска — пигмент в полимерной эмульсии. В основном акрил — это пластик. Они быстро сохнут, водорастворимы во влажном состоянии и могут использоваться для самых разных техник, от тонких смывок до толстых тактильных слоев. Они бывают ярких цветов, которые немного темнеют по мере высыхания. Акрил — одна из самых универсальных красок, которую можно использовать на самых разных поверхностях, в том числе на пластике.

Смешивание материалов

Эксперименты — это часть искусства, и многие художники играют с несколькими материалами. Если вы хотите попробовать смешать среды, вот хорошее правило: чем больше слоев вы добавляете, тем сложнее взаимодействие между ними. При использовании несовместимых материалов вещи отслаиваются, трескаются и отваливаются. Если вспомнить школьные уроки естествознания, масло и вода не смешиваются.

Для рисования графитовый карандаш работает как основа с большинством сред. Например, вы можете сделать набросок чего-либо, прежде чем рисовать его.Просто поймите, что, будучи покрытыми краской, эти карандашные линии остаются постоянными. В акварели они могут просвечивать сквозь краску.

Пастель, поскольку она оставляет много сухого пигмента на поверхности, не подходит для использования с другими материалами, включая краски. Пастель толстая и насыщает поверхность цветом. Фактически, некоторые люди говорят, что они «рисуют» пастелью, потому что пастель очень хорошо сочетается и обладает большой глубиной и богатством цвета. Пастель лучше всего использовать самостоятельно.

Что касается пера и чернил, если чернила стойкие, их можно использовать с акварельными красками и акриловыми красками в сочетании с тонкими красками.Сначала проверьте чернила с краской, чтобы убедиться, что они не растекаются, и поменяйте среду, когда первый слой высохнет. Используйте чернила перед акварелью, потому что акварель потечет, если поверх нее нанести жидкие чернила.

Хотите попробовать смешать краски? Акварель и масло не смешиваются. Акриловые краски можно использовать для имитации акварельных мазков, и вы можете начать изображение с акварели и закончить его акриловыми красками. Вы можете рисовать маслом поверх тонкого слоя высохших акриловых красок, а некоторые художники делают черновой рисунок акрилом, прежде чем закончить его более дорогими масляными красками.Нельзя наносить акрил поверх масла, потому что он плохо держится и со временем может отслоиться.

Краткое содержание урока

Художники используют множество средств рисования и живописи. Все художественные материалы состоят из пигментов ; их отличает скоросшиватель . Средства для рисования включают карандаши, сделанные из графита , который представляет собой смесь углерода и глины, отлитую в карандаш для рисования; красочные пудровые пастели , которые похожи на мел при смешивании пигментов с глиняным связующим; и перо и чернила , которые включают влажное рисование с использованием чернил на водной или спиртовой основе.Краски включают акварели , которые сделаны из пигментов в водорастворимом связующем; масляные краски , состоящие из пигмента на масляном связующем; и акрил , которые представляют собой пигменты в полимерной эмульсии.

В каждом случае материал имеет свои уникальные свойства. Экспериментируя со смешиванием сред, помните, что чем больше слоев, тем сложнее работа, а масло и вода не смешиваются. Вы можете использовать карандаши в качестве базового слоя с разными красками, но пастель не смешивается с красками.Некоторые виды пера и туши работают с акрилом и акварелью. Масла будут наноситься на тонкий слой акрила, но акрил нельзя наносить поверх масел.

Почему люди тянутся к искусству

Почему нас тянет к искусству? Почему это заставляет нас чувствовать себя определенным образом? Искусство рассказывает историю, которую разные люди могут интерпретировать по-разному. У всех разные точки зрения на мир, и поэтому искусство может создать впечатление в одном изображении.

Искусство заставляет задуматься о жизни

На одной фотографии, картине, рисунке или скульптуре вы можете нарисовать образ своей собственной жизни.Красота произведения искусства заставляет вас отразить свою жизнь в тот момент времени. Обстановка сцены также важна, потому что она может перенести вас в это место и создать историю. Произведение искусства может быть очень эмоциональным. Это может вызвать у вас печаль, счастье, гнев, сочувствие, желание и связь.

Это универсальный язык, интерпретируемый индивидуально

Художник мог создать искусство для одной цели, но зритель может интерпретировать его по-разному.Нет слов, чтобы описать историю, стоящую за этим. Если искусство длится долго, художник может раскрыть причины, но обычно это зависит от зрителя. Например, простая картина с изображением собаки может означать очень много вещей для зрителя, особенно для человека, у которого недавно умерло домашнее животное.

Искусство карикатуры вызывает смех

Искусство карикатуры уникально тем, что делается быстро. Это мультяшный портрет человека, который может быть очень забавным и забавным. Людей это привлекает, потому что произведение изображает преувеличенное выражение предмета.Они забавны и уникальны, и они отражают эмоции людей в ином свете.

Mark Hall Caricature Art специализируется на карикатурном искусстве для мероприятий и вечеринок, свадеб, выставок, цифровых рисунков и многого другого! Вы можете делать покупки в Интернете и записываться на приемы, а также заказывать рисунки на месте. Свяжитесь с Mark Hall Caricature Art по телефону 720-312-1220 сегодня, если вы планируете вечеринку по случаю дня рождения, которую вы хотите запомнить имениннику и его гостям.

Картины Винсента Ван Гога и полный каталог произведений

Щелкните здесь, чтобы увидеть галерею картин Ван Гога

С ноября 1881 по июль 1890 года Винсент Ван Гог написал почти 900 картин. После своей смерти он стал одним из самых известных художников в мире. Картины Ван Гога захватили умы и сердца миллионов любителей искусства и сделали любителей искусства новичками в мире искусства. Следующие отрывки взяты из писем Ван Гога, описывающих его развитие как художника.Также есть ссылки на страницы, на которых подробно описаны некоторые из самых известных картин Винсента Ван Гога: «Звездная ночь», «Подсолнухи, ирисы, маки,« Спальня »,« Цветущее миндальное дерево »,« Тутовое дерево »,« Ночное кафе »и« Едоки картофеля ».

В декабре 1881 года, в возрасте 28 лет, когда он начал свои первые картины, Винсент написал своему брату Тео о том, чтобы стать художником,

«Тео, я очень доволен своим ящиком для красок, и я думаю, что получаю его. Теперь, после того как я рисовал почти исключительно в течение как минимум года, лучше, чем если бы я начал с этого сразу … Ибо, Тео, моя настоящая карьера начинается с рисования.Вам не кажется, что я прав, если считаю это так? »

Ван Гог работал в лихорадочном темпе, стоил ему денег, вызывая у него психическое и физическое напряжение и не оставляя времени для любого другого источника дохода. Но он был настойчив. В письме от марта 1882 года Ван Гог снова написал своему брату Тео,

: «Хотя я нахожусь в финансовых трудностях, у меня, тем не менее, есть чувство, что нет ничего более прочного, чем« ремесло »в буквальном смысле слова« работа ». своими руками.Если бы вы стали художником, одна из вещей, которые вас удивили бы, — это то, что живопись и все, что с ней связано, — довольно тяжелая работа в физическом плане. Если не брать в расчет умственное напряжение, тяжелые мысли, это требует значительных физических усилий, причем день за днем ​​».

В том же письме к Тео от 1882 года Ван Гог пишет:

«Есть два способа думать о живописи: как не делать этого и как это делать: как это делать — с большим количеством рисунков и небольшим количеством цвета; как этого не делать — много цвета и мало рисунков.«

Есть ли скрытый рисунок под «Мона Лизой»? | Умные новости

15-летнее исследование сканированных изображений, сделанных в 2004 году, выявило невидимые детали, в том числе шпильку для волос. Паскаль Котт

Известная своими дымчатыми глазами и дразнящей улыбкой, Мона Лиза — одна из самых известных картин в мире. Теперь, внимательно изучив любимый шедевр эпохи Возрождения, исследователи обнаружили доказательства того, что Леонардо да Винчи на самом деле использовал угольный рисунок, чтобы передать таинственные черты лица натурщика.

Как сообщает Сара Касконе для artnet News , ученый Паскаль Котт, подробно описавший свои выводы в недавнем выпуске журнала Journal of Cultural Heritage , начал изучать Мона Лиза в 2004 году, когда Лувр попросил его оцифровать ее. с его мультиспектральной камерой высокого разрешения Lumiere Technology. Затем Колетт использовала метод усиления слоев, который позволяет ученым усиливать слабые инфракрасные сигналы и раскрывать новые детали картин, чтобы обнаружить следы скрытого рисунка.

В конечном итоге Колетт сделала более 1650 снимков. Последние 15 лет он анализировал эти данные с помощью соавтора Лайонела Симонота, физика из Университета Пуатье.

«Эти открытия увеличивают и увеличивают тайну создания [ Моны Лизы ]», — говорит Котт Express ’ Джошу Сондерсу . «[В конце концов, мы понимаем, что это работа очень длительного« творческого акта », который длится более десяти лет и состоит из нескольких этапов.”

Новый анализ предполагает, что Леонардо использовал технику под названием spolvero , которая позволила ему перенести эскизы с бумаги на холст с помощью угольной пыли, чтобы нарисовать Мона Лиза .

Мона Лиза — одна из самых известных картин в мире. Общественное достояние через Wikimedia Commons

В беседе с artnet News Котт сказал: «Шпольверо на лбу и на руке выдает полное занижение.”

Леонардо, вероятно, создал Мона Лиза между 1503 и 1519 годами, когда он жил во Флоренции, согласно Британской энциклопедии. Хотя точная личность объекта остается неясной, многие историки искусства считают, что это Лиза Герардини, жена флорентийского купца. Другие предполагают, что Мона Лиза может быть более аллегорической фигурой. Согласно Котту, присутствие того, что может быть арпиной в небе над головой Моны Лизы , может указывать на то, что натурщик является аллегорией справедливости или доброты.

«Эта заколка для волос в небе справа от головы Моны Лизы не может принадлежать портрету человека, потому что во Флоренции это было не в моде в то время. Люди должны были быть одеты определенным образом, чтобы обозначить свою профессию и для благородства, уважающего цвета », — рассказывает Котт Express . « Мона Лиза не может иметь такие волосы, это было невозможно в то время во Флоренции».

Любители искусства со всего мира часто обращают внимание на дымный, похожий на сон вид картины.Леонардо достиг этого эффекта с помощью различных техник рисования, включая сфумато или тонкую штриховку, которая создает плавные переходы между светом и тенью.

Модель Мона Лиза также известна своим захватывающим взглядом; ее глаза, кажется, следят за зрителями, когда они движутся по комнате. Новое открытие Котта может помочь объяснить этот эффект: как отмечает Тесса Соломон для ARTnews , следы сполверо указывают на то, что Леонардо, возможно, сместил позу своего объекта и заставил ее смотреть более прямо на зрителя.

Миллионы людей посещают Мона Лиза каждый год. Фото Педро Фиузы / NurPhoto via Getty Images

Это не первый случай, когда Котт обнаруживает скрытые особенности под поверхностью Моны Лизы . В 2015 году ученый попал в заголовки газет, заявив, что Леонардо нарисовал то же самое, что и сегодня, на более раннем портрете совершенно другой женщины.

Но многие критики и ученые возражали против этой интерпретации: вместо этого историк искусства Мартин Кемп сказал BBC News Ройе Никкхе, детали, раскрытые Cotte’s Lumiere Technology, вероятно, являются отражением «непрерывного процесса эволюции».”

Джонатан Джонс из Guardian повторил оценку Кемпа, предположив, что Леонардо работал над картиной на протяжении всей своей жизни, добавляя детали по мере развития своей художественной философии.

«Конечно, он не сделал ничего более банального, чем нарисовал кого-то еще поверх своего портрета флорентийской женщины», — возражал Джонс. «То, что он сделал, было намного увлекательнее. Он работал над этим портретом до тех пор, пока лицо реального человека не превратилось в миф ».

Изобразительное искусство История искусства Искусство встречает науку Художники Крутые находки Леонардо да Винчи Художники Рисование Ренессанс

Рекомендованные видео

Рисование и раскрашивание человеческого уха

Это не должно иметь никакого значения, но некоторые художники считают, что лучше рисуют левое (или правое) уши лучше, чем их противоположные аналоги.

Сегодня, когда я размышлял о возможных темах для обсуждения, мне пришло в голову, что я проведу различные практические уроки практически для каждой части человеческого лица … кроме одной. Я покрыл глаза, носы, головы и волосы. Как я мог забыть человеческое ухо? Я полагаю, ответ заключается в том, что уши технически не являются частью лица, а являются ее придатком, не говоря уже о том, что они очень часто покрыты волосами. Добавьте к этому, будь то часть лица или голова, они вполне могут быть наименее привлекательной чертой, с которой приходится иметь дело художнику-портретисту.И если бы всего этого было недостаточно, их можно было бы считать самой сложной функцией портрета для рисования или, по крайней мере, для рисования хорошо. Почему? Ведь даже малейшее изменение угла наклона головы к картинной плоскости существенно меняет внешний вид этого «некрасивого» придатка.

Я не знаю, как это сделать проще — фотографии вверху, строка рисунки j только выше. (Хотя рисунки очень похожи, рисунки — это , а не , основанные на на фотографиях.)

Хорошо, давайте сделаем это шаг за шагом. Во-первых, пока мы рисуем, давайте выучим словарный запас. Начните со спирали (за пределами уха), двигаясь к Helix Crux (верхняя часть внешнего уха, затем вниз к мочке (на данный момент мы предположим, что у людей есть только левое ухо). метка, имеющая форму числа «9». На втором этапе мы рисуем внутри этого частично замкнутого пространства контур, отделяющий Антиспираль от раковины, заканчивающийся острой межтрагической выемкой внизу и передней выемкой чуть выше нее.На третьем шаге вы добавляете более короткую линию, параллельную вашей первой, чтобы очертить внешний край уха. И, наконец, вы помещаете U-образную или, возможно, V-образную линию в верхней части, чтобы очертить область, известную как канал Helix, за которой следует еще одна линия, параллельная линии на шаге 3, и линия, которая очерчивает раковину, созданную на шаге 2. Используйте изображение ниже для справки.

Когда вы освоите вид уха сбоку, попробуйте нарисовать рядом с ним (в том же масштабе) переднюю и заднюю часть уха (вверху справа).

Теперь вы понимаете, почему так сложно рисовать уши. В отличие от практически любой другой части головы, как только вы пройдете мочку, большинство художников даже не знают, как называть другие части уха. Приведенный ниже рисунок поможет вам перейти от вида уха сбоку к виду спереди (или наоборот).

Этот навык часто довольно сложно освоить, особенно когда вы добавляете во все углы интервала при вращении головы (ниже).

Линейные рисунки — это только первый шаг. Объемная штриховка ничего не требует меньше, чем проницательное наблюдение, ни с фотографий, ни с жизни.

Хотя уши, как правило, имеют общие общие черты, как и практически все остальные части головы, индивидуальные различия сильно различаются. Насколько по-разному могут быть эти варианты, показывают шестьдесят различных примеров в таблице ниже.Как практически в любой другой области художественного контента, вы учитесь рисовать уши, рисуя МНОГО ушей. К сожалению, потенциальные художники часто пренебрегают этим упражнением по развитию навыков, потому что, вообще говоря, им редко приходится рисовать и раскрашивать много ушей (из-за волос и углов головы), как и другие части головы.

Посмотрите, что я имею в виду, говоря о том, что уши непривлекательны (уродливы).

Авторское право, Джим Лейн Ухо Джима Лейна (ребенок).

Как будто научиться рисовать уха было недостаточно сложно, художник не может даже подумать о попытке нарисовать хорошее ухо, не освоив сначала базовые навыки рисования. Краткая небольшая иллюстрация ниже представляет этот переход от рисования к раскрашиванию уха примерно так же просто, как и все, что я когда-либо видел. Метод рисования мелом отлично работает для некоторых художников, хотя я, как правило, работаю более традиционно: рисую карандашом на белом холсте, рисуя сначала в самых темных затененных областях, затем переходя к средним оттенкам, прежде чем связывать все это вместе с рисунком. более светлые значения (справа).Постоянно помните о разнообразии контрастов. Осторожно, не пытайтесь сделать это с акрилом — масла намного снисходительнее. Поскольку уши включают только различных телесных тонов и пигментации, выбранных художником для других частей лица и головы, фактические используемые оттенки будут широко варьироваться, как показано на выборке ушей, показанной ниже. Мне интересно, принадлежал ли один из них когда-то Ван Гогу.

Важнейший переход от рисунка к рисованию.

Большинство вышеперечисленных ушей используют довольно узкий диапазон значений цвета . Я предпочитаю смесь теплых и холодных тонов — прохладных для внутреннего уха и теплее, когда я двигаюсь наружу.

.