Китайские акварели

Ну, во-первых, хотелось увидеть именно вот таких каких-то призеров, с которых я начала этот пост. Увы-увы! Нашла в сети всякие пышные названия типа «королевское общество акварелистов», нашла сообщения о проведении всяких международных биеннале, фестивалей и конкурсов. Но … не нашла ничего о результатах этих мероприятий. И как мне удостовериться, что среди победителей больше всего именно китайских граждан? По этому поводу большая просьба к читателям: будет информация — поделитесь в комментарии! Единственные сведения, которые каким-то чудом удалось раздобыть вот какие. Конкурсы проводятся, я так понимаю, регулярно. Но я располагаю данными только за 2012 год, Shanghai International Watercolour Biennial. На этом биеннале золотую медаль да, действительно завоевал житель Поднебесной Чжао Цзитун за акварельную работу «Взгляд»:

Хорошо, примем это просто как факт: китайцы — непревзойденные мастера акварели. Это подтверждают произведения некоторых современных художников. Liu Maoshan:

А теперь второй пункт. Есть ли какая-то особая причина для этого? Я полагаю, ответ на этот вопрос лежит на поверхности: есть. И эта особая причина в чрезвычайно сильных и продолжительных традициях китайской живописи. Википедия вообще пишет, что Китай — родина акварельной техники:

Акварельная техника стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во 2-м веке нашей эры.

Хотя, конечно же, акварелью в Китае это не называлось. Для написания картин использовали тушь, краски минерального и растительного происхождения. Все они разводились водой. Поэтому и по сей день в ходу термин Watercolour, т. е. краски на воде. Или, если угодно, водяная живопись.

Ну-у, если бы я надумала писать объемную работу уровня искусствоведа, то мне нужно было бы распределить все по историческим периодам: эпоха там Сун, Тан и т. д. Но мы — простые любители и дилетанты, разве мы знаем временные границы этих династий, разве мы сможем запомнить имена и работы художников по разным эпохам?! Вот именно — нет. Поэтому несколько вольно я применю обобщенное и расплывчатое: древний Китай.

Очень интересно, как по мне, это — форма самих картин. Китайские акварели писали на длинных полотнах из бумаги или шелка, на концах полотен имелись деревянные валики, потом эта вся конструкция сворачивалась в свиток. И свитки были двух видов: горизонтальные и вертикальные. Это не просто геометрические термины, от вида свитка зависел и сюжет. Точнее: сюжет и смысл произведения определял форму свитка.

Горизонтальные свитки

Горизонтальные — имели длину в несколько метров, хранились они в специальных коробочках, их доставали и бережно постепенно раскручивали, рассматривая фрагмент за фрагментом. Вот так, в эпоху, когда еще не существовал кинематограф и Интернет, люди в древнем Китае совершали «виртуальные» путешествия. Горизонтальный свиток предъявлял зрителю бесконечно тянущиеся пейзажи с долинами, горами и холмами, покрытыми негустым лесом, с каменистыми островами на глади реки и далекими хижинами, разбросанными по склонам гор.

Горизонтальный свиток — излюбленная форма и для бытового жанра, особенно в том случае, если изображаются сцены городской жизни, объединенные одним сюжетом. Обстоятельность и неторопливость рассказа, начало и конец повествования уподобляют такой свиток литературному произведению. Фактически владелец нескольких горизонтальных свитков имел в своем распоряжении своеобразную библиотеку!

Как образец данного жанра можно привести в пример свиток Чоу Ина «Поэма о покинутой жене» (16-й век). Вместе с героиней мы переходим из павильона в сад, беседуем со служанками, шлем письмо далекому супругу… Общий лирический строй картины передан в неторопливом ритме чередующихся сцен. Фрагменты этого свитка:

Вертикальные свитки

Вертикальный свиток вешали на стену, его сюжетом практически всегда являлся пейзаж. И сейчас я начну фонтанировать дифирамбами! Китайская картина-свиток — это живопись для образованных людей. Художники ставили на свитках свои подписи и печати, посвятительные надписи и стихи. Для того, чтобы появился этот тип живописи, был необходим и ее потребитель, достаточно состоятельный, чтобы иметь дорогой свиток, и достаточно образованный, чтобы оценить его. Китайская живопись находит своего зрителя в среде ученых и поэтов, а также вельмож и государственных чиновников. Государственные должности сверху донизу занимались образованными людьми, «ученость» была одной из высших добродетелей. Я в восторге!

Да, так о картинах. Интересно, что китайские живописцы никогда не работали «на пленере». Их пейзажи не писались с натуры, а создавались воображением в соответствии с традиционными правилами. Классический китайский пейзаж назывался «шань-шуй», что означает «горы и воды». Только не стоит это название трактовать буквально и искать на картине изображение и того, и другого. Все это — символы, и эти символы в древнем Китае понимали как художники, так и зрители.

Ван Вэй, Горы под снегом, 8 век:

Ма Юань, Полнолуние, живопись на шёлке, 12-13 век:

Еще один знаменитый китайский жанр — «хуа-няо» (цветы-птицы). Философская идея этого вида живописи сжато сформулирована таким образом: великое в малом.Одна ветка, один цветок, одно перышко птицы как бы вмещало в себя всю Вселенную!

Еще в 13-м веке Китай испытал монгольское завоевание. В огне войны погибло множество памятников искусства. Не случайно с 19-го века в стране восторжествовали реставраторские тенденции в искусстве: утраченное было столь велико, что его восстановление казалось важнее создания нового. Стоит ли удивляться даже после такого беглого знакомства с китайской культурой, что китайские мастера — лучшие в мире и акварелисты, и реставраторы, и пишут превосходные китайские акварели?!

4.7 / 5 ( 3 голоса )

20 потрясающих акварелей от художников 21 века

Фактрум публикует для вас подборку лучших акварелей, созданные современными художниками.

1. Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

[/media-credit] Любимые темы художника — женщины, которые отражают насыщенность и невинность.

[/media-credit] Дети, играющиеся на пруду с водой.

2. Дождливая акварель Лин Чинг Че

[/media-credit] Удивительная красота дождливой летней ночи.

[/media-credit] Уличная сцена городской жизни в дождливую погоду.

3. Акварели Аруша Воцмуша

[/media-credit] Сюжет картины наполнен тонкой иронией и игрой.

[/media-credit] Картина соткана из детских снов.

4. Очарование Парижа в работах Тьерри Дюваля

[/media-credit] Город утопающий в лучах восходящего солнца.

[/media-credit] Осеннее блаженство.

5. Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

[/media-credit] Подготовка к парусному фестивалю.

[/media-credit] Утреннее катание на гондолах в Венеции.

6. Современные тайны востока глазами Мьё Вин Онга

[/media-credit] Одинокий путник, прогуливающийся солнечным днём по осенней Бирме.

[/media-credit] Свободное времяпрепровождение юных буддистских монахов.

7. Невероятная акварель Джо Фрэнсиса Даудена

[/media-credit] Удивительное спокойствие и красота лесной дороги после дождя.

[/media-credit] Прогулка на лошадях осенним днём.

8. Магия балета от Лю Йи

Картина с разным колористическим решением.

Утончённые образы балерин.

9. Солнечная живопись Абе Тошиюки

[/media-credit] Солнечная, светлая и позитивная картина, дарящая окружающим тепло и радость.

[/media-credit] Ослепительная живопись, залитая теплом и ярким светом.

10. Деревенское утро Кристиана Гранью

[/media-credit] Картина, где много солнца, воздуха и позитивного настроения.

[/media-credit] Деревенское домашнее тепло и ют.

11. Акварельные города Майи Вронской

[/media-credit] Красота зданий Санкт-Петербурга

[/media-credit] Строгий Краков от молодой польской художницы.

Читайте также:

Современные художники в стиле акварели. Акварель и акварелисты

Акварель – (от франц. aquarelle – водяной, от лат. aqua – вода) краска для живописи. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения – гуммиарабик и декстрин. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу.

Акварель – легка, прозрачна, вместе с тем сложна. Не терпит исправлении. Краска эта известна с древнейших времен. Их применяли в древнем Египте, древнем Китае и в странах античного мира.Акварель нуждается в особой, пористой бумаге. Она была изобретена в Китае. Краска легко впитывается в нее. Но сложность в прозрачности — нельзя перекрыть один цвет другим — смешаются. Испоравить ошибку невозможно, разве что обыграть нечаянно появившееся пятно. Различают акварель «по-мокрому» и акварель «сухой кистью». Я люблю первый прием. Он носит еще название «а ля прима». Она легче, прозрачнее.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Одним из художников Ренессанса, добившихся больших успехов в акварельной живописи был Альбрехт Дюрер . Примером тому может послужить его работа «Заяц».

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Заяц

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Примула обыкновенная, 1503. Вашингтон, Национальная Галерея Искусств

В XVIII-XIX века благодаря Томасу Гёртину и Джозефу Тёрнеру акварель стала одним из важнейших видов английской живописи.

Томас Гёртин (Thomas Girtin), английский художник (1775-1802) Руины замка Савой

Томас Гертин – молодой художник, умер в возрасте 27 лет, но его по праву называют выдающимся художником. Он очень быстро выработал свой стиль: отметая некоторые старые каноны, убирая ограниченное в рисунке, стал отказываться от разработки переднего плана, стремился запечатлеть незамкнутое пространство, стремясь к панорамности.

Тёрнер. Внутренний двор церкви Kirkby Lonsdale

Акварелист также постоянно совершенствовал свою технику, изучал природу движения воды и воздуха. К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве и художников-пейзажистов.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

Акварельная живопись Петербурга и России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. Во времена, когда ещё не было фотографий, быстрота исполнения, минимальное количество утомительных сеансов позирования, воздушность колорита – во всем этом нуждалось русское общество. И поэтому, именно акварель пользовалась успехом в высших и средних его слоях.

Эдуард Петрович Гау . Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин , Михаил Врубель , Валентин Серов , Иван Билибин .

Врубель

В.Серов Портрет И.Репина

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942). На берегу реки. Карандаш, акварель

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896-1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

Задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов», несомненно, выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870-1960), Льва Бакста (1866-1924), Ивана Билибина (1876-1942), Константина Сомова (1869-1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871-1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877-1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица. 1910. Акварель.

Иван Билибин

К.Сомов. Купальщицы. 1904. Бумага, акварель.

Александровский дворец в Детском Селе (акварель) П А Остроймова-Лебедева

Волошин

Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Тырса Н.А. Портрет Анны Ахматовой. 1928 Бумага, черная акварель

А.А.Дейнека

Среди призёров Международного конкурса художников-акварелистов в 2014 году были два представителя России,работы которых мы сегодня посмотрим.

Елена Базанова — художник с мировым именем, работающий в технике акварели.

Родилась в 1968 в городе Сланцы Ленинградской области.
Закончила Санкт-Петербургский Академический художественный лицей им. Б.В. Иогансона и Государственную Академию живописи, скульптуры и архитектуры им И.Е.Репина (мастерскую книжной графики).
С 1989 года активно работает с издательствами Санкт-Петербурга, c 1996-го иллюстрирует издания для детей.
С 1995 года — член Союза Художников России.
С 2006 года — член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Работы находятся в галереях и частных коллекциях России, Германии, США, Франции, Англии, Швеции, Исландии, Финляндии, Нидерландов, Казахстана.

На конкурс были выставлены работы.

Зима. Яблоки.

Сейчас Елена — член Общества акварелистов Санкт-Петербурга, регулярно участвующий в сезонных выставках Союза художников, активно выставляющийся как в России, так и заграницей (в Великобритании, Германии, США, Ирландии). На ее счету семь персональных и участие в более чем пятидесяти коллективных выставках в России.

С 2006 года — член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

Три яблока.

Елена Базанова так рассказывает о своем творчестве.

— Почему выбрали именно акварель?

Как мне кажется, я чувствую этот материал, это позволяет мне раскрывать его особенности в очень сложных живописных задачах. Именно это напряжение в работе мне кажется привлекательным, управлять стихией воды и краски — самое захватывающее и интригующее в акварельной живописи.

Букет земляники .

Натюрморт с кукурузой

В каких техниках еще работаете?

Благодаря полученному образованию, я владею самыми разными техниками. Не всеми, конечно, постоянно пользуюсь, нельзя объять необъятное, к сожалению. Люблю делать рисунки мягкими материалами, при иллюстрировании книг часто использую рисование тушью, пером и цветными карандашами.

Лилейники .

Три яблока .

Подсолнухи

Климатисы

— Ваш любимый жанр натюрморт? А как же пейзажи и портреты?

Да, последнее время я много работаю именно в жанре натюрморта. Также пишу портреты животных. Очень хочется сделать новую серию пейзажей и поработать с портретами людей. Так что в моих планах расширение границ жанра.

Этюд с клубникой .

Натюрморт

Вы проиллюстрировали «Алису в стране чуде с». Эти работы совсем не похожи на Ваши натюрморты.

Я не отношу себя к художникам, которые постоянно навязывают свою манеру изображаемой теме, иллюстрируемой книге. Я двигаюсь по пути создания образа, исходя из сути того, что является предметом изображения или иллюстрирования. От этого появляются и разные пластические решения. Иллюстрация не должна создавать барьера для восприятия текста, особенно в детской книге.

Мой опыт работы в книжной иллюстрации достаточно большой. Начиная со студенческих проектов, я старалась достигать максимального единства иллюстраций с текстом и идеей автора.

Натюрморт с красной смородиной .

Горох.

Натюрморт с персиками

Вишня

Дуся
:

Дмитрий Родзин родился в 1969 году в г. Краснодаре.

В 1988 г. закончил Краснодарское художественное училище.

1991-1997 — учился в Российской Академии живописи, ваяния и зодчества в мастерской исторической живописи (дипломная работа — «Изгнание торгующих из храма»).

Среди произведений — исторические и жанровые композиции, портреты, пейзажи, натюрморты, оформление интерьеров, книжная графика.

Участник выставок с 1993 г.

Персональная выставка «После традиции» состоялась в 2002 г. в филиале ГЦТМ им. А.А. Бахрушина (Москва).

В настоящее время живет и работает в Москве.

На конкурсе была представлена работа.

Лето. Ксения и Сонечка.

Живые лилии, сухие розы и нецкэ

Соня.

Отдых.

Детские образы — одна из любимых тем в творчестве Дмитрия. На его картинах — мысли и эмоции маленького человека, его взросление, начало познавания мира. В ряде акварелей художник развивает тему отражений. В них создается двойная иллюзия: иллюзия трехмерности в двухмерном зеркале и иллюзия трехмерности на двухмерном листе бумаги.

Осень

Любопытство.

Windows

Крестик.

День рождения

Петуния.

Просто этюд.

Из тени в свет.

Измайловский парк. Февраль

Арбат.

Черниговский переулок.

Дмитрий Родзин много работает в жанре монументальной живописи. Его росписи находятся, в частности, в резиденции Президента Российской Федерации, Доме Приемов Президента Российской Федерации, резиденции премьер-министра Российской Федерации и Свято-Троицком Серафимо-Дивеевском женском монастыре.

Источники.

http://cleargallery.ru/gallery/open/aid-223

Акварель считается одной из самых капризных и темпераментных красок, несмотря на свою простоту и прозрачность. Осваивать рисование дети начинают именно с акварели, но многие ли знают, насколько же велика на самом деле сила этой безобидной краски?

Краткая история: начало развития

Лучшие акварелисты мира смогли творить свои шедевры благодаря Китаю, где после изобретения бумаги, случившемуся во II веке н. э., акварельная техника получила возможность развиваться.

В Европе первые зачатки появились в странах Италии и Испании, когда бумажные изделия возникли и там (XII-XIII века).

Акварельное искусство вошло в использование позднее других разновидностей живописи. Одной из самых знаменитых первых работ, считающейся образцовой, стала картина «Заяц» лучшего акварелиста мира эпохи Ренессанса — Альбрехта Дюрера в 1502 году.

Затем техникой акварели стали заниматься художники Джованни Кастильоне, а также Антонис ван Дейк, однако образцы работ в подобной технике продолжали оставаться на единичном уровне — факт, который подтверждал Монтабер в своем трактате о живописи. Упоминая об акварели, он не вдавался в подробности, так как считал, что данная техника не заслуживает профессионального серьезного внимания.

Однако акварельная техника получила свою надобность в научных и военных исследованиях, когда археологам и геологам было необходимо запечатлеть изучаемые объекты (животных, растений, природу в целом), а также создать топографические и архитектурные схемы.

Подьем

В XVIII столетии, ближе к середине, акварельная техника стала развлечением в кругах рисовальщиков-любителей. На данное событие повлияли опубликованные заметки Гилпина Уильяма Соури, в которых он описывал провинции Англии.

Также к этому моменту распространилась мода на портретную миниатюру, которую стали осмеливаться изучать дилетанты-художники, используя акварельную технику.

Лучшие акварелисты мира 18 и 19 веков

Настоящий расцвет акварели, превративший ее в главный и значимый образец живописи Англии, произошел в тот момент, когда двое художников, Томас Гертин и Джозеф Тернер, приложили к данному делу свои талантливые руки.

В 1804 году благодаря Тернеру создается организация под названием «Общество акварелистов».

Ранние работы пейзажных иллюстраций Гертина были традиционными по отношению к английской школе, однако постепенно он смог разработать куда более широкое и масштабное романтическое направление пейзажа. Томас стал использовать акварель для более крупного формата.

Второй лучший акварелист мира Джозеф Тернер стал самым молодым художником, получившим статус Он смог создать собственный и потому новый вид пейзажа, при помощи которого имел возможность раскрыть свои воспоминания и чувства. Таким образом, у Тернера получилось обогатить армаду акварельных техник.

Своему громкому имени Джозеф также обязан писателю Джону Рескину, который с помощью своих сочинений смог объявить Тернера самым значимым художником своей эпохи.

Заслуга

Деятельность двух вышеописанных гениев повлияла на видение искусства таких деятелей, как

• пейзажисты Дэвид Кокс и Ричард Банингтон;
• лучший в мире акварелист-архитектор Семуэл Праут;
• профессионалы натюрмортов Семуэл Партер, Уильям Хант, Майлз Фостер, Джон Льюис и девушка Люси Мэдокс, а также многие другие.

Акварель в Соединенных Штатах

Расцвет акварели в Америке приходится на середину XIX века, когда сторонниками данного вида живописи выступают лучшие акварелисты мира, такие как Томас Роман, Уинслоу Хомер, Томас Икинс и Уильям Ричардс.

1. Роль Томаса Романа заключалась в его помощи при создании Йеллоустоунского национального парка. По предложению Кука Томас согласился участвовать в геологической исследовательской работе, отправившись в регион Йеллоустоуна. Его чертежи пробудили большой интерес общественности, что повлекло за собой вхождение региона в список национальных достояний парков.
2. Уинслоу Хомер являлся одним из родоначальников американской живописи реализма. Сумел создать собственную художественную школу. По мнению большинства экспертов, он был одним из лучших пейзажных акварелистов мира, оказавшим свое влияние на дальнейшее (XX век) развитие живописи Америки.
3. Томас Икинс также имел причастность к появлению реализма в живописи наряду с мастером Хомером, указанным выше. Художник увлекался механизмом работы человеческого тела, потому тема обнаженных и полуобнаженных фигур в творчестве Икинса занимала ведущее место. На его работах достаточно часто были изображены спортсмены, а еще более точнее — гребцы и борцы.
4. Мастерство Уильяма Ричардса выражалось в довольно точном сходстве работ с изображением фотографий. Приобрел известность в статусе акварельного горного пейзажиста, а впоследствии и мастера водных картин.

Лучшие акварелисты мира во Франции

Распространение акварельного искусства во Франции связано с такими именами, как Эжен Делакруа, Поль Деларош, Анри Арпинье и профессионала художественной сатиры Оноре Домье.

1. Эжен Делакруа — глава направления романтизма в живописи Европы. Был избран в парижский городской совет и награжден почетным орденом. Первой работой, заявившей его имя, стала картина «Резня на Хиосе», изображающая ужасы греческой войны за независимость. Натурализм доходил до такого мастерства, что критики обвиняли его технику даже в чрезмерно натуральной.

2. Поль Деларош — живописец, являющийся представителем и членом направления академизма. В 36 лет его избрали на пост профессора, преподающего в училище изящных искусств города Парижа. Масштабным произведением всей его жизни является работа «Полукружие», которая вместила в себя 75 гениальных художников прошедшего времени.

3. Анри Арпинье считается одним из лучших акварелистов мира пейзажа во Франции того времени. Помимо изображения природы, он работал в портретном стиле. В его творчестве часто можно увидеть рисовки детей.

4. Оноре Домье являлся не только художником, но и графиком, скульптором, а также специалистом карикатуры. Однажды за работу «Гаргантюа» деятеля направили отбывать тюремный срок. Известность получил благодаря карикатурам на политические, общественные и личные темы, изображая успешных людей Франции своего времени.

Мастера акварели в России

Родоначальником и первооткрывателем русской акварели принято считать Петра Федоровича Соколова — одного из лучших художников-акварелистов в мире. Он являлся прародителем отечественного акварельного портрета, а также входил в число академиков Императорской Академии Художеств в Санкт-Петербурге.

Талантом славились и кровные братья семьи Брюлловых. Карл являлся акварелистом, представляющим направления классицизма с романтизмом, а его старший брат Александр был не только художником, но и архитектором, которому принадлежит множество петербургских проектов.

В 1887 году образовалась организация «Мир Искусства», состоявшая из Ивана Билибина, и художницы Анны Остроумовой-Лебедевой.

В этом же году начинает работать и объединение «Общество русских акварелистов», первым председателем которого являлся упомянутый выше Александр Бенуа.

В XX столетии диапазон отечественных мастеров разрастается. Одними из самых лучших акварелистов мира из России считаются:

• Герасимов Сергей;
• Захаров Сергей;
• Тырса Николай;
• Ведерников Александр;
• Верейский Георгий;
• Тетерин Виктор;
• Зубреева Мария и еще множество других талантливых деятелей.

Настоящее время

В нынешнее время техника акварели не потеряла свою значимость и ее возможности продолжают раскрывать все новые и новые лица. Над капризной и сложной краской работает множество деятелей, ниже будет представлен список только некоторых из лучших акварелистов современности.

1. Томас Шаллер — художник и архитектор из Америки. По поводу акварели признавался, что влюблен в нее за способной выражать уникальный голос художника. В тематических предпочтениях лучшего акварелиста мира архитектура (городской пейзаж) и, конечно же, изображения природы.

2. Тьерри Дюваль — итальянский акварелист, который имеет собственную технику нанесения краски, позволяющую неимоверно реалистично изображать детали и картину в целом.

3. Станислав Золадз — польский художник, специализирующийся на гиперреализме. Творчество интересно тем, что автор исключает присутствие человека и о его существовании напоминают только детали (лодки, дома на горизонте или заброшенные сооружения).

4. Аруш Воцмуш — отечественный акварелист из Севастополя. Свою деятельность называет «чистым наркотиком творчества».

5. Анна Армона — художница из Украины. Ее работы являются очень смелыми, так как она любительница красок, использует их очень экспрессивно.

6. Павел Дмох — еще один акварелист из Польши. Изображает реальный городской пейзаж, объединяя тени и свет с интерьером, экстерьером и архитектурой.

7. Джозеф Збуквич — известнейший австралийский художник. Излюбленную краску он сравнивает с дикой лошадью, которую обуздать до конца никогда не получится. Ближе к сердцу ему лежат темы морского, а также противоположного — городского пейзажа.

Ниже представлено фото лучшего акварелиста мира с его работой.

Представьте себе: одно свое невероятное произведение он смог создать с помощью всего лишь одной краски — быстрорастворимого кофе.

8. Мэри Уайт — американская художница, являющейся одной из самых лучших портретных акварелистов мира. На ее картинах отображаются самые разные личности: пожилые, дети, афроамериканцы, женщины, рабочие и другие.

Лекарство для тех, кто устал от трэша и суеты. В мире, где на нас ежедневно сваливаются тонны информационного мусора, иногда так хочется отрешиться от всего, вдохнуть полной грудью и остановить свой взгляд на чем-то спокойном, не вызывающем никакого раздражения и дискомфорта. Мы считаем, что лучший отдых для ума и зрения — это погружение в мир искусства. В этом обзоре мы собрали такие работы акварелистов, которые наполнят вас тишиной и станут глотком свежего воздуха в жаркий городской день.

Путешествие в Париж с Тьерри Дювалем

Жаркий полдень Канта Харусаки

Живая вода Дэвида Драммонда

Деревенское утро Кристиана Гранью

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

• Каковы мировые тенденции в искусстве акварели?
• Что ценят в акварели более всего?
• Кто является самым популярным художником в мире?

Пожалуй, лучше всего на этот вопрос ответит I Международный конкурс Акварели (The 1st World Watercolour Competition), проведенный популярным журналом “The Art of Watercolour”.

В конкурсе приняло участие 1615 художников. Было представлено 1891 акварель. Жюри отобрало сначала 295 полуфиналистов, а затем 23 финалиста. Призами победителей награждены 7 художников.

Работы всех участников напечатаны в каталоге конкурса.

И это дает замечательную возможность увидеть “лицо” – лучшие акварели 2014 года.

В первую очередь, просмотрев каталог, я увидела следующее:

Лучшие акварели мира: основные тенденции

Пейзажи, как всегда, в большинстве. Особенно городские. И если они как-то необычно поданы, то вполне могут оказаться в финале.

Как эта работа William Hook, художника из США:

Одной из самых популярнейших тем являются портреты стариков.

Хотелось бы думать, что это от всеобщей любви и уважения к пожилым людям, от интереса к их жизни от желания понять, чем они живут, увидеть отпечаток времени на их лицах.

Вот пара страничек каталога:

А может тема поднимается многими, поскольку художник является отражением общественного сознания. И часто художники отражают в своих картинах острые социальные проблемы…

Да, тема национальных меньшинств и эмигрантов, кстати, тоже частенько всплывает …

Как бы то ни было, среди 7 работ победителей две являются портретами стариков.

Первое место, победитель конкурса – Cheng-Wen Cheng, художник из Тайваня с картиной “Любящая мать”:

Серебряная медаль конкурса досталась китайскому художнику Guan Weixing за картину “Курящий старик”:

Вам уже интересно, кто получил Бронзовую медаль?..

На третьем месте – (радуйся Поднебесная!) китайский же художник Liu Yi. Полагаю, многие знакомы с его творчеством по композициям с балеринами.

На конкурсе была представлена работа “Китайская девушка”:

Не знаю, как вы, а я вижу в этом хороший знак. Восток и Запад становятся ближе друг другу. Восточные художники пишут в традиционной европейской манере, а европейцы, наоборот, изучают гохуа и суми-е, рисуют гейш и сакуры… Такие примеры в каталоге тоже есть.

Вот, например, акварель аргентинской художницы Stella Escalante:

Кстати, ещё одно наблюдение – ОЧЕНЬ мало акварелей с цветами . На весь каталог с более чем 1800 работами и 30 штук не наберется…

Причем большинство из них – во второй части каталога, “в шлаке”, как я это назвала. А как еще назвать отсеянных авторов, чьи акварели не прошли отбор в полуфинал? Шлак и есть.

Моя работа, кстати, тоже в этом ряду… 🙂 Вот пара этих “серых” страничек, открытых наугад:

На серых страничках, в большинстве своем встречаются какие-то любительские работы, с плохоньким рисунком и бедные по технике.

Однако, есть и очень хорошие, известных художников. Но жюри их не оценило.

Трудно было ему, жюри… Это ведь всегда вопрос – как судить? Что брать за мерило?

И если со слабым рисунком и композицией в целом все понятно, вопросов нет – сразу в шлак, то среди профессионалов уже приходится думать.

Что поставить во главу угла? Социально-значимые темы? Реализм? Новаторство в технике? Или, наоборот, верность традициям?

Безусловно, этими же вопросами задаются и художники. Участие в конкурсе – это возможность посмотреть на свое творчество со стороны. Кто я? Куда иду? Где я в ряду других художников? Интересно ли людям то, что интересно мне?

Именно эти вопросы сподвигли меня представить на конкурс акварели, которые не до конца понятны мне самой. Это энергетическая живопись. Работы, сохраняющие некую энерго-информационную составляющую.

Марина Трушникова. “Мир кристалла”

Я показывала эту акварель в блоге год назад. Возможно вы помните ту практику, которую я предлагала. Было очень много комментариев, давших мне понять, что люди сейчас более чувствительные в своем восприятии. И то, что мы называем абстракцией, может давать нам самые разные чувства и воспоминания.

К сожалению, со сменой сайта пропали и комментарии. Если хотите, опробуйте эту практику на себе, напишите свои впечатления. Это здесь:

А мы вернемся к “белым” и “черным” страницам каталога.

На белых размещены лучшие акварели – работы полуфиналистов. Приятно было увидеть там Константина Стерхова, Евгения Кисничана, Илью Ибряева.

А еще приятней было лицезреть в числе 23-х финалистов наших соотечественников Елену Базанову и Дмитрия Родзина.

Елена Базанова. “Конец зимы 2012. Яблоки”

Дмитрий Родзин. “Лето”

Как видите, большинство работ финалистов очень реалистичны .

Вот, например, акварель литовской художницы Egle Lipeikaite:

Или вот француз Georges Artaud, он получил приз в номинации “Лучший французский художник”:

Прямо-таки медитация на воду… Мне нравится. Всё приятней, чем смотреть на работы другого финалиста, американского художника Andrew Kish III.

Поделись статьей:

Похожие статьи

5 современных британских акварелистов | Сиэтлская лига художников

Стефани Таквелл, акварель и уголь

В недавней статье «Ресурсный центр» британский поставщик и производитель произведений искусства, Winsor and Newton , сосредоточился на современных акварельных работах нескольких британских художников. При этом они сначала отметили некоторый исторический фон акварели в Англии по сравнению с тем, что было во Французской академии, и, таким образом, процитировали проблему «иерархии» в живописи

«Есть много предубеждений относительно акварели; Парадоксальная среда, которую некоторые считают прекрасным входом в живопись, но многие считают технически сложной и трудной для освоения.”

«В XIX веке Тернер и Констебль ввели акварель в изобразительное искусство; однако Французская Академия, скопированная по всей Европе, создала иерархию предметов, подходящую для серьезного художника; На первом месте история и миф, затем «жанровые» сцены, затем пейзаж и натюрморт. Единственный материал, который они предложили для исторической живописи, — это масло; акварель считалась подходящей для этюдов и ассоциировалась с архитектурной живописью и пейзажем.”

Пять британских художников, занимающихся современной работой, обсуждают использование акварели в своей художественной практике… Приведены несколько художников, которые в настоящее время оспаривают некоторые представления о акварельной среде. Учитывая разнообразный характер современного искусства, неудивительно, что художники используют акварель разными способами, иногда неортодоксальными, которые лучше всего соответствуют их идеям и методам работы.

Альф Лёр, акварель

«Поскольку акварель — это жидкость, я наливаю или капаю ее, — говорит Альф Лёр, — или я подбрасываю ее в воздух, чтобы поймать, когда она упадет!»

Альф Лёр видит почти моральную выгоду в этом материальном вызове; он считает, что вы должны жить со своими ошибками, их нельзя прикрыть или стереть.Ему нравится простота акварели: «вода + пигмент + свет»; ни жирный, ни пластиковый, как акрил ».

Историческая ассоциация акварели с рисованием — это часть того, как лондонский художник Альф Лёр (www.alflohr.net) излагает свои идеи о жизни и творческом процессе;

«Посмотрите на архитектуру, и вы увидите, что наивысший уровень творчества был на стадии первоначального эскиза или рисунка. Остальное — техническое исполнение, выполненное инженерами.Искусство не отличается.

Для меня творчество заключается в эскизе, когда разум все еще свободен для исследований и открыт для вещей, которые могут произойти. Поэтому акварель всегда ближе к жизни и живее, чем грамотно выполненная художественная постановка. Акварель позволяет избежать больших героических упрощений. Ты либо ищешь жизни, либо нет ».

Альф Лор, в студии

Альф Лёр родился в Германии в 1957 году. Учился в Художественной академии Дюссельдорфа и защитил докторскую диссертацию в Королевском колледже искусств в Лондоне.Проведя периоды обучения, исследований и работы в Нью-Йорке, Австралии и Глазго — и это лишь некоторые из них — он выбрал Лондон в качестве своего дома на последние двадцать пять лет. С начала 1990-х годов Löhr сосредоточился на создании небольших акварелей и расширил свои возможности, создав крупномасштабные работы на холсте.

Картины Альфа Лора

В недавнем интервью Альф Лёр ответил на вопрос: «Что такого в картине, что может заставить нас сказать, что она прекрасна? ‘Со следующим:

«Будь то абстрактная или репрезентативная, мы находим (картину) красивой, если видим в ней узор, грацию линий или движения, гармонию или пропорцию.Взгляд бросается в глаза цветовому узору, по тому, как разные цвета соотносятся друг с другом; взгляд улавливается различием и контрастом между тьмой и светом, тишиной и активностью. И все же картина безжизненна, если она слишком контролируема, слишком явно структурирована и организована, а ее объекты слишком совершенны. В правдивом искусстве, как и в правдивом понимании жизни, всегда есть намек или отголосок хаоса, несовместимости, несовершенства, и поэтому каждое красивое произведение искусства также имеет элемент пафоса ».

Стефани Таквелл

Стефани Таквелл одновременно работает над несколькими картинами; это побуждает ее работать быстро и прямо, переключаться между картинами, иногда задерживаться и интенсивно работать, а иногда — быстро двигаться дальше. Для Стефани особые материальные характеристики акварели — это как идея в ее искусстве, так и практическое применение.

«Моя работа — это реакция на грани пейзажа, на встречу суши и моря, где масса встречается с жидкостями.Мое вдохновение лежит на стыке воздуха, суши и моря, мои методы работы лежат в области между намеренным и случайным; плавность и непосредственность акварели, которые позволяют мне интуитивно исследовать эти проблемы ».

«Моя работа … это реакция на движение по ландшафту; Взгляд из поезда, вид с вершины горы, полет на планере или остановка на краю обрыва. Я стремлюсь создать образ, который является квинтэссенцией опыта присутствия в мире в определенный момент.

Стефани Таквелл

Точно так же, как мое вдохновение находится на стыке воздуха, земли и моря, моя творческая практика находится в области между намеренным и случайным. Работа с этими краями требует осознанного осознания и присутствия, которое воплощает в себе мои впечатления от пейзажа. Я работаю последовательно: мои методы работы, как правило, быстрые и прямые, я переключаюсь между рисунком и рисунком, иногда задерживаюсь и работаю интенсивно, а иногда — более экономно и быстро двигаюсь вперед.”

Стефани окончила Голдсмит-колледж в Лондоне в 1975 году и живет в Кардиффе. Лауреат престижной премии за закупку произведений искусства от Университета Гламоргана в 2008 году, присужденный Уэльсу приз на выставке ING Discerning Eye в 2009 году.

Кэрол Робертсон, акварель

Победитель конкурса акварели Sunday Times 2005 года с ее абстрактными картинами, в которых воплощены прозрачные качества акварели, Кэрол Робертсон (www.carolrobertson.net) любит этот материал за его яркость и то, как он впитывается в бумагу. Она считает, что акварель дает качество света от спины к передней и, кажется, отражает свет. Кэрол использует мягкие кисти, чтобы нанести размывки цвета, затем перекрашивает, используя более насыщенную смесь. Иногда она удаляет участки акварели водой и впитывающей тканью, чтобы оставить пятно или след. Она маскирует области изображения и использует мерцание или разбрызгивание в качестве более мягкого неструктурированного контраста с точными линейными деталями.

Картины Кэрол Робертсон прочно укоренились в редуктивных абстрактных условностях. Хотя она не пытается подтвердить или записать то, как выглядит мир, ее работа никогда не отрывается от него. В более ранних работах Робертсон решила использовать квадрат, прямоугольник и круг для их идеальной силы и эстетической красоты. Недавние работы переместились в сторону более неформальных отношений с ландшафтом, архитектурой, природой и окружающей средой, включая понятия быстротечности и изменений.

Кэрол Робертсон 2010

Разноцветные дуги или круги теперь свободно пересекают ее полотна, со столкновениями и пересечениями, регистрирующими вспышки случайности и совпадения, напоминающие маленькие загадочные детали, которые мимолетно изгибаются в поле зрения.

Каждая картина подготовлена ​​с залитыми и окрашенными грунтами, неструктурированными атмосферными цветовыми полями, которые намеренно подчеркивают и дополняют тщательно нарисованные дуги, когда они сталкиваются и пересекаются на своих отдельных орбитах.

Выражение изменчивости и непостоянства в этой работе отражает ее меняющуюся реакцию на мир. Искусство и красота, как бы они ни возникали из жизни, теперь являются защитой от ее разрушительного воздействия. Как сказал Ницше, «у нас есть искусство, чтобы не погибнуть от истины».

«Сила и красота геометрической формы и деталей служат мне катализатором для создания искусства. Принятие формальных ограничений редуктивного и часто повторяющегося геометрического языка устраняет хаос из того, что в противном случае было бы невероятно обширным набором визуальных опций, на которых можно было бы закрепить мое существование. Геометрия позволяет мне сосредоточиться на главном. Это дает мне свободу направлять чувственный или поэтический материал через его уточненные параметры. Со временем моя работа развивается в тандеме с тем, что происходит в моей жизни эмоционально, духовно, интеллектуально и физически.Неизменной константой является моя приверженность работе с неиерархическим и прагматическим языком геометрической абстракции ».

Кэрол Робертсон живет и работает в Лондоне и замужем за другим художником Тревором Саттоном. В основном она художник и гравер, представленная в Великобритании и США галереей цветов, Галлери Вайнбергером в Дании и Peter Foolen Editions в Нидерландах.

В 2005 году она заняла первое место на конкурсе акварелей Sunday Times. Она была научным сотрудником по живописи в Кардиффской школе искусства и дизайна с 2003 по 2008 год.

Ее работы широко выставлялись по всему миру, в последнее время в Нидерландах, Австрии, Японии и США. С 2001 года она работала в Фонде искусств Баллинглена в Ирландии. В 2012 году она работала художником в Художественном саду в Граце, где впервые создала 3D-объекты. В 2013 году она показывает новую серию картин под названием Circular Stories в GalerieallerArt, Блуденц, Австрия.

Барбара Николлс, № 3.Акварель, 2013

Барбара Николлс ’(www.barbaranicholls.co.uk) акварельные рисунки, выполненные с использованием профессиональной акварели Winsor & Newton, предполагают расслоение, созданное в геологических формациях за миллионы лет.

«Я начинаю с создания луж на больших листах бумаги. Я наношу акварель на эту воду и жду, пока пигмент достигнет края воды. Это создает линию цвета. Меня интересует эта линия; у него есть качество, которого я не смог бы иначе достичь.”

«Остаток» Большие акварели, созданные в течение года студийной резиденции в Winsor and Newton London 2013. «Николлс берет в качестве отправной точки системы археологического и географического картографирования, скоплений и отдельных частей материальных останков, запутанных территориальных построений. город (его физическая сущность и исторические слои), а также пластичность реальных материалов, из которых сделана ее работа. Она опирается на существенный (хотя и не произвольный) арсенал технических процессов и устройств, объединяя их вместе, чтобы производить работы связного, но открытого характера, которые требуют, чтобы зритель реагировал на них активно и заинтересованно.”

Барбара Николлс, № 9. 2013

Барбара Николлс работает в широком диапазоне художественных категорий, используя широкий спектр процессов и техник для решения ряда важных вопросов: вопросы эстетической формы, поверхности и глубины, случайности и порядка, ручной работы и готовой продукции, археологические и картографические, а также отношения между работой и игрой. Ее подход, как к предмету, с которым она занимается, так и к его материальному воспроизведению, является аллегорическим или метафорическим, а не буквальным или миметическим.Объекты, создаваемые Николлсом, будь то в основном двухмерные или трехмерные формы, могут, таким образом, рассматриваться как переводы или сложные разработки со своей собственной внутренней логикой, структурами, которые в значительной степени отошли от своих первоначальных источников, но, тем не менее, связаны с ними. посредством умозаключений и аналогий.

Николлс берет в качестве отправной точки системы археологического и географического картографирования, скоплений и отдельных частей материальных остатков, запутанного территориального выравнивания города (его физического и исторического разделения) и пластичности реальных материалов, из которых она работает. сделан.Она опирается на существенный (хотя и не произвольный) арсенал технических процессов и устройств, объединяя их вместе, чтобы производить работы связного, но открытого характера, которые требуют, чтобы зритель реагировал на них активно и заинтересованно.

Барбара Николлс, Веселье-2, 2010

Отдельная работа может отображать несколько явно противоречащих друг другу методов «надписи» технических ноу-хау в ее рамках: рисование, раскрашивание, фрезерование, складывание и разворачивание, отслеживание и отслеживание, шлифовка и заточка.Результатом может быть многослойный, чрезмерно физический кластер плотно упакованных веществ или, наоборот, нечто минималистичное, аккуратно урезанное. Работы Николла иногда лучше описывать как «скопления», чем как обычные картины; они определенно находятся где-то между или рядом с традиционно установленными категориями, и этот гибридный статус является одной из их самых интригующих и соблазнительных черт.

Питер Хаслам-Фокс, акварель

Акварель может иметь особое качество свечения, достигаемое нанесением прозрачной краски на белую бумагу.После нанесения акварельные краски трудно перемещать, и художники по-разному реагируют на этот вызов.

На недавней лондонской выставке Питер Хаслам-Фокс (haslamfox.com) продемонстрировал серию крупномасштабных, детализированных картин:

«Акварель по своей природе неумолима. Фокусировка, необходимая для того, чтобы смело подходить к объекту и получить его с первого раза, воодушевляет. Я считаю, что это особенно актуально для работы в более крупных масштабах ».

”Я стремлюсь омолодить заброшенную среду акварели и подтолкнуть ее в новом направлении.Картины больше опираются на простоту восточных традиций, написанных тушью, чем более требовательные западные работы на бумаге, хотя с помощью цвета и масштаба пытаются объединить два мира.

По большей части самодостаточные, испытуемые выбираются за их врожденную, но простую силу. Точно так же их живопись отражает ясность стиля и концентрацию техники, которыми я очень восхищаюсь в китайской живописи и каллиграфии. Вместо того, чтобы полагаться на детали, изображения для их описания так же зависят от сырой бумаги, как и от краски.«

Базируясь в своей студии в Южном Ламбете, Хаслам Фокс продолжил свои попытки омолодить акварель и, работая над различными частными заказами, он продолжает работать над новыми сериями работ.

Питер Хаслем-Фокс, акварель

Питер Хаслам-Фокс, живет и работает в Лондоне. Он получил несколько наград, в том числе; Приз Бентона за покупку на выставке «The Discerning Eye Exhibition», Mall Galleries (2010) и The RWS / Sunday Times, «Молодой художник» (2008). Его работы выставлялись на смешанных выставках, в том числе; Выставка «Проницательный глаз», галереи торговых центров и весенняя выставка Королевского общества акварелистов, галерея Бэнксайд.”

Питер Хаслам Фокс — лондонский фигуративный художник. По большей части он сам учился, но начал учиться в художественной школе. Он ненавидел это, и вместо этого отправился в Глазго, чтобы изучать историю искусства, а затем продолжил работать в различных профессиях по всему миру, в последнее время работая плотником в Лондоне и золотым мастером в США. Художник Брендан Келли возродил свой интерес к живописи, который он провел под его руководством в течение года, кульминацией которого стала его первая выставка в Ainscough Contempory Art.

Набег на акварель в 2007 году неожиданно привел к созданию его первой серии картин, в которых исследуется архитектурное и социальное разнообразие столицы. Он был назван «Молодым художником» журнала RWS / Sunday Times за 2008 год, а другие работы были представлены на выставке Discerning Eye в 2008 году в торговом центре Mall Galleries и на выставке акварели 21st Century в галерее Bankside в 2009 году.

Сериал, озаглавленный «Повесть о двух башнях», стал его признанной критиками персональной выставкой, открыв галерею Art Work Space в Бейсуотере.Картины были описаны в журнале «Art Of England» как «изысканные произведения современной портретной живописи».

Питер Хаслам-Фокс, акварель

Лучшие 10 современных художников-акварелистов

Что делает акварельное искусство таким уникальным, так это его неумолимая природа: линии, отметки, цвета и формы должны быть нанесены до совершенства с первого раза, поскольку любая попытка закрашивания просто делает весь эффект размытым.Сделанный из пигментов, взвешенных в растворе на водной основе, отличительный материал акварели может быть нанесен практически на все — холст или бумагу, ткань или даже дерево. Крошечные пигменты взаимодействуют захватывающим образом, создавая магические эффекты, которые часто невозможно воспроизвести. Нет, чудо, акварельные портреты и пейзажи просто захватывают дух. Кроме того, акварель, пожалуй, самый распространенный после рисунка и самый простой метод создания с точки зрения того, что вам нужно — поддерживающая основа, обычно бумага, пара кистей, некоторые краски и, конечно же, вода!

Одно из самых ранних известных средств рисования и искусства в мире, акварель, как говорят, возникла около 1 года.4 миллиона лет назад как наскальные рисунки палеолитической Европы. Тем не менее, он начал свой путь как признанная форма искусства с эпохи Возрождения, найдя свое существование на протяжении последующих веков, с серьезным ударом в своем статусе в 19 веке. Сегодня мы знакомы со знаменитыми акварельными портретами и другими произведениями великих художников, таких как Альбрехт Дюрер, Джон Джеймс Одюбон, Уильям Блейк, Дж. М. У. Тернер, Элизабет Мюррей, Джеймс Уистлер, Джон Сингер Сарджент, Пол Клее, Джорджия О’Киф и Эдвард Хоппер.Этот стиль живописи нашел свое отражение и в авангардных движениях, таких как поздний модернистский неоэкспрессионизм, с талантливыми художниками Франческо Клементе, Джулианом Шнабелем, Герхардом Рихтером, Эриком Фишлем и Ансельмом Кифером у руля. Со временем характеристики материала значительно улучшились, акварель теперь такая же долговечная и красочная, как и универсальные масляные или акриловые краски, что позволяет современным художникам-акварелистам играть и принимать более активное участие.Многие художники 21 века продолжают практиковать акварельное искусство в качестве основного или одного из своих художественных интересов. Вездесущая в каждой студии и галерее, где продаются картины в Интернете, акварель штурмом захватывает не только искусство, но и моду, и мир домашнего декора.

Мы составили список лучших художников-акварелистов сегодня со всех уголков мира.

Самый известный своими стеклянными коробками и крупномасштабными минималистскими иллюзионистскими скульптурами, Ларри Белл также создает замысловатые произведения искусства на бумажном холсте, используя смешанную технику и акварель.В первую очередь вдохновленный его склонностью к художественному движению абстрактного экспрессионизма после Второй мировой войны, его работы изображают геометрические композиции и представляют собой куб, объединенный в трехмерную стеклянную форму, известную как кубические скульптуры. Белл также известен как пионер «паровых рисунков» и «работ миражей», которые включают использование техники осаждения тонких пленок и окрашивания листов из различных бумажных материалов, полос полиэфирной смолы, ПЭТ и даже ламинатной пленки. . Очень часто он создавал коллаж из этих материалов, в котором рисунок занимал небольшую часть их поверхности.

Сексуальные изображения, скорее всего, наиболее изученный предмет в истории искусства, но в случае канадской художницы Надин Фарадж он превращается в банальные акварельные картины с более гуманным элементом. Эта техника является основным направлением Фараджа, когда разлитые акварели плавают по поверхности бумаги, образуя обнаженные тела, погруженные в эротическую близость. Их провокационная нота заканчивается фоном, а яркие акварельные пятна представляют собой весь рассказ с некоторой чувствительностью, чувственностью.Эти работы Фараджа теперь можно увидеть по всему миру и в галереях, продающих картины в Интернете, известных своей отличительной визуальной амбивалентностью изображения секса и сексуальности. Некоторые из ее последних работ посвящены вопросам прав человека, дискриминации ЛГБТКИ, феминизма и даже бодипозитива.

Шукран Мораль — самая интересная фигура современного турецкого искусства сегодня. С областями ее интересов, охватывающими все, что не в порядке, или нормы приемлемого, такие как психически больные, отчуждение и изоляция перемещенных иммигрантов, транссексуалов и проституток, Мораль — женщина, которая бесстрашна, высказывая свое мнение среди консерваторов. .Хотя ее акварельные картины, возможно, не играют значительной роли в ее практике, они чрезвычайно сильны и провокационны, часто нарушая границы, как и ее бескомпромиссные перформансы, инсталляции, видео и стихи. Ее художественные идеи глубоко уходят корнями в концепцию феминизма, где она решительно бросает вызов патриархальным традициям, многие из ее работ также исследуют то, как религия влияет на женщин в ее стране, и на нее в частности.

Отчетливо абстрактные и репрезентативные одновременно, работы Сесили Браун включают акварельные портретные картины — обнаженные тела, фрагментированные тела и фигуры (часто в эротических позах), погруженные в яркие цвета и очень выразительные мазки.Пропитанный постоянным потоком цветов, форм, знаков и линий, зрителю обычно требуется время, чтобы понять эстетику того, что он переживает. Хотя ее работы отражают влияние различных художников, ее акварельное искусство, кажется, больше сосредоточено на природе, цветах, животных, зайцах. Возможно, вдохновленные работами Альберта Дюрера, акварельные картины Брауна имеют тенденцию быть более тонкими и простыми по цвету, но менее образными в изображении, демонстрируя чувство двусмысленности — хаоса, который нашел свое существование в гармонии цветов.В первую очередь художник, работающий на холсте и бумаге, Браун также создает гравюры, к которым могут легко получить доступ те, кто хочет покупать произведения искусства в Интернете.

Имя Дона Бачарди является синонимом крупнейшей киноиндустрии в мире, это связано с его самой известной коллекцией акварельной портретной живописи, в которой изображены самые знакомые лица Голливуда. Начав свою художественную карьеру в разгар художественного движения абстрактного экспрессионизма 20-го века, в его портретной живописи были сильные элементы фигуративного искусства.С тех пор, как Бачарди умудрялся выражать сильные эмоции через лица многих, кто хотел быть его натурщиком, часто это была боль, страдание, даже тоска, в том числе музыканты, артисты и обычные люди. Все эти чувства представлены смелым использованием акварели таким образом, что он рассматривается в изображении внутреннего состояния его предметов и считается одним из лучших в этой области.

Молодой художник, родившийся в России, Дима Ребус создает акварельные картины, которые парят где-то между реальностью и сюрреалистичностью.Часто тревожные, его картины изображают людей и их жуткие ситуации, сопровождаемые дерзкими названиями, которые ставят под сомнение современные времена и общества, в которых мы живем. Ребус также создает иллюстрации для нескольких журналов и издательств, одна из его работ стала изображением фильма Saints & Strangers, который транслировался на канале National Geographic и премьера состоялась в 2015 году. Иногда вдохновленный своими русскими корнями, с безупречной техникой он создает чрезвычайно подробные и заставляющие задуматься произведения искусства, отражающие его уникальное видение современного мира.

Лурдес Санчес — еще один блестящий поэтический художник. Работы этого кубинского художника, который в настоящее время проживает в Бруклине, лучше всего описать так: рой цветов, некоторые из которых напоминают ретро-дизайн обоев, некоторые напоминают чернильные пятна, а другие выглядят как цветные узоры, насыщенные полосы, капли и круги. . Согласно ее профилю на ее веб-сайте, она сосредоточена на живописи изобразительного искусства, хотя ее акварельные работы — это те, которые поражают воображение всех, отчаянно желающих повесить на своих стенах.Несомненно, Санчес красиво поэтичен, безмятежен и невероятно способен все это часто изображать через довольно узкую палитру.

Известная своими тщательно проработанными и совершенными крупномасштабными акварельными картинами, изображающими культовую архитектуру, Эми работает исключительно по фотографиям. Ее сюжеты включают строения Дональда Джадда в Марфе, экспериментально спроектированные дома в Калифорнии, популярные иконы модернистской архитектуры, архитектурные фотографии Юлиуса Шульмана, городской пейзаж Нью-Йорка и многое другое.Ее акварельные картины основаны на ее собственных фотографиях этих основных достопримечательностей, построек и небоскребов, и просто очаровывает то, как ей удается рисовать их с такой точностью, используя интенсивно насыщенные оттенки.

Антонио Кальдерара, художник-модернист-самоучка, также работал рисовальщиком и графическим дизайнером. Этот итальянский художник известен своей нефигуративной образностью, вдохновленной работами русского художника-авангардиста Казимира Малевича, голландского художника Пита Мондриана, одного из величайших художников 20 века.Следовательно, большинство его работ основано на геометрическом абстрактном искусстве, а также использует силу живописи цветового поля. После участия в художественной выставке Венецианской биеннале в 1959 году он ограничил свою художественную практику использованием двумерных квадратов и шелкографии. Как художник-акварелист Кальдерара использует те же визуальные идеи и техники, создавая изображения на бумаге и картоне.

Художник-акварелист Екатерины Смирновой вдохновлен пространством и положением человека в такой обширной пустоте.Она известна тем, что рисует большими аппаратными кистями на грубой фактурной бумаге, используя техники разбрызгивания, распыления, протирания и стирки. Большинство ее работ представляют собой огромные рулоны бумаги, часто высотой 2,5 метра, что позволяет ей выходить за пределы физических границ. Согласно веб-сайту Смирновой, недавно она начала внедрять электронику в свои акварельные картины благодаря сотрудничеству с известными учеными, музыкантами и инженерами. Несомненно, ее работы — прекрасный пример того, как этот вид искусства может стать как никогда современным.

Создавая трансцендентные композиции, каждый из этих художников переопределяет современное искусство в своем собственном неповторимом стиле!

Современные китайские акварели

Ян Жуйфэнь, Ван Фу Шэн и Чжан Гуйзэнь — одни из самых талантливых художников-акварелистов Китая.

Любимица художников

Художники отдавали предпочтение акварели из-за ее светящейся прозрачности со времен средневековья, когда они широко использовались для освещения рукописей.Современные акварели представляют собой сложную смесь пигментов и ингредиентов, которые плавно скользят по бумаге при смешивании с водой; и поскольку они водорастворимы, их относительно легко чистить.

Из-за своих световых эффектов многие известные современные художники часто выбирают акварель в качестве предпочтительного средства во время путешествий или прогулок на природе. Но современные акварелисты не просто рисуют пейзажи и городские пейзажи: как обнаружили многие американские художники, тонкие световые эффекты, достигаемые с помощью акварели, могут помочь уловить нюансы абстрактных и натюрмортных композиций.

Акварель, пожалуй, самый эффективный переносной носитель: каждая крошечная трубочка или высушенный пирог (называемый кастрюлей) акварельных красок содержит удивительно большое количество насыщенных, ярких цветов. Художникам-акварелистам также не нужны холсты и деревянные панно: они обычно рисуют на специальной бумаге, сделанной из льняной тряпки.

Развитие в Китае

1930-е годы были необычным периодом для Китая, породившим множество научных школ и выдающихся ученых и талантов.Именно в этот период оформился первый апогей китайской акварельной живописи.

Акварельная живопись, зародившаяся в Европе в 15 веке, превратилась в самостоятельную отрасль живописи в 18 веке в Англии. Сегодня это все еще популярный вид искусства на Западе. Большинство китайских художников, изучавших искусство в Европе и Японии в 1930-х годах, также хорошо владели акварелью. Линь Фэнмянь, Пан Суньцинь и Лю Цзиньтан были одними из самых известных мастеров того времени.Большинство художников того времени были не только искусными художниками, но и учеными с широким кругозором, занимавшимися высокими делами. Даже сегодня их работы по-прежнему считаются очень вдохновляющими.

История акварели — современный цифровой холст

Акварельная среда определяется как пигменты, взвешенные в раствор на водной основе. В целом акварельная краска известна своей полупрозрачные качества и способность растворяться в воде.

Акварельная живопись очень старая, возможно, датируется пещерой. картины палеолита Европы, и был использован для рукописи иллюстрации по крайней мере с египетских времен, но особенно в Европейское средневековье.Однако его непрерывная история как художественной среды начинается с эпохи Возрождения.

знаменитые наскальные рисунки Ласко на юго-западе Франции, в которых используется акварель, относящаяся к 15–9000 гг. до н. э.

Пример рукописной росписи эпохи Возрождения с акварельными деталями на боковых панелях и центральном изображении.

Художник эпохи Возрождения Альбрехт Дюрер обычно считается одним из первых представителей акварели.Он нарисовал несколько прекрасных ботанических, дикой природы и пейзажных акварелей, чтобы использовать как научные образы.

Молодой заяц Альбрехта Дюрера с использованием ранних акварелей, 1502.

Тем не менее, ботанические иллюстрации и иллюстрации дикой природы, возможно, составляют древнейшие и важнейшие традиции акварельной живописи. Ботанический иллюстрации стали популярными в эпоху Возрождения, как вручную окрашенные ксилографические иллюстрации в книгах и рисунки тонированными тушью на пергаменте или бумага.Ботанические художники традиционно были одними из самых требовательные и опытные художники-акварелисты, и даже сегодня акварели — с их уникальной способностью резюмировать, уточнить и идеализировать в полном цвете — используются для иллюстрации научных и музейных публикации. Иллюстрация дикой природы достигла своего пика в 19 веке с такими художниками, как Джон Джеймс Одюбон, а сегодня многие натуралисты полевые гиды по-прежнему иллюстрированы акварельными рисунками.

Акварельная картина из книги Джона Джеймса Одюбона Птицы Америки , изображающая дикой индейки во всех деталях и в цвете.

В конце 18 века английский священнослужитель Уильям Гилпин написал серия очень популярных книг с описанием его живописных путешествий по всей сельской Англии. Еще он проиллюстрировал их самодельными монохромные акварели речных долин, старинных замков и заброшенных церкви. Этот пример популяризировал акварель как форму личного туристическая журналистика. Сочетание культурного, инженерного, научные, туристические и любительские интересы достигли высшей точки в празднование и продвижение акварели как ярко выраженного английского «Национальное искусство».Уильям Блейк опубликовал несколько книг, окрашенных вручную. гравировал стихи, обеспечивал иллюстрации к Dante’s Inferno , и Также экспериментировал с большими монотипными работами акварелью. Среди многими другими значительными акварелистами этого периода были Томас Гейнсборо, Джон Роберт Козенс, Фрэнсис Таун, Майкл Анджело Рукер, Уильям Парс, Томас Хирн и Джон Уорвик Смит.

Три английских художника, которым приписывают создание акварели как независимого зрелого живописного средства, — это Пол Сэндби, которого часто называют «отцом английской акварели», Томас Гиртин, который первым применил ее в широкоформатной, романтической или живописной пейзажной живописи, и Джозеф Мэллорд Уильям Тернер, который довел акварельную живопись до высшей степени силы и изысканности и создал сотни превосходных исторических, топографических, архитектурные и мифологические акварели.

Метод Тернера по поэтапной разработке акварельной живописи, начиная с больших нечетких цветных областей на мокрой бумаге, затем улучшение изображения с помощью серии стирок и глазури, позволили ему создать большое количество картин с «Мастерская эффективности» и сделала его мультимиллионером. Среди важными и очень талантливыми современниками Тернера и Гиртина были Джон Варли, Джон Селл Котман, Энтони Копли Филдинг, Сэмюэл Палмер, Уильям Хавелл и Сэмюэл Праут.

Вид на ущелье Эйвон , акварель Джозефа Мэллорда Уильяма Тернера, датированная 1791 годом.

Акварельная живопись также стала популярной в Соединенных Штатах в 19 веке; Среди выдающихся ранних практикующих были Джон Джеймс Одюбон, а также ранние художники Школы реки Гудзон, такие как Уильям Х. Бартлетт и Джордж Харви. К середине века влияние Джона Раскина, известного общественного мыслителя и меценат, привел к возрастающему интересу к акварельной среде.Американские представители этого средства массовой информации в конце 19-го века включали Томаса Морана, Томаса Икинса, Джона ЛаФаржа, Джона Сингера Сарджента, Чайльда Хассама и, прежде всего, Уинслоу Гомера.

Уинслоу Гомер, Гольфстрим , 1889.

Среди многих художников 20-го века, создававших важные акварельные работы, следует упомянуть Василия Кандинского, Эмиля Нольде, Пауля Клее, Эгона Шиле и Рауля Дюфи. В Америке основными пользователями акварели были Чарльз Берчфилд, Эдвард Хоппер, Джорджия О’Киф, Чарльз Демут и Джон Марин.В этот период американская акварель часто имитировала европейскую. Импрессионизм и постимпрессионизм, но значимые индивидуальные стили процветали в «региональных» направлениях акварельной живописи из 1920-1940-е годы.

Хотя рост абстрактного экспрессионизма, и банальное влияние художников-любителей и рекламы или стили живописи под влиянием мастерских, привели к временному упадку популярность акварельной живописи после 1950 года, акварель продолжает оставаться использовали такие художники, как Марта Берчфилд, Джозеф Рафаэль, Эндрю Уайет, Филип Перлштейн, Эрик Фишль, Герхард Рихтер, Ансельм Кифер и Франческо Клементе.

Like Fete, изображенный ниже, имеет красивую завитушку розового и синего цветов. цвета, но он также имеет тяжелый слой текстуры. Вы даже можете увидеть, где пигмент краски собрался и растекся на листе бумаги для создания туманного пурпурного цвета эти детали крупным планом просто делают искусство еще более ярким. доступны для зрителя.

дюйм Саровар, также изображенный ниже, вы можете увидеть настоящего человека мазки художника.Этот индивидуальный подход сохраняется в живопись и может быть десятки раз переосмыслена десятками разных люди. Текстура изделия, демонстрирующая намеренное прикосновение художник.

Эти небольшие и несколько второстепенные детали очеловечивают произведения искусства и художника, позволяя зрителю увидеть шаги и процесс, необходимые для изготовить оригинальные произведения искусства. Чтобы увидеть и понять художники должны понимать свои решения и причину за их конкретным выбором.Этот внутренний взгляд на процесс сделает Финальная работа намного более впечатляющая для просмотра.

Современная акварель от Кристин Ван Левен

Это динамичное и вдохновляющее руководство от профессионального художника Кристин Ван Левен, владелицы интернет-магазина Hello Lovely People, проведет вас по пути познания, пока вы научитесь играть акварелью.Научитесь использовать основных акварельных техник и принципов для создания красивых, выразительных произведений искусства. С помощью Modern Watercolour откройте для себя , как рисовать акварелью , используя уникальные прозрачные качества среды для создания потрясающих произведений искусства, канцелярских товаров, подарков и многого другого. От выбора ваших первых акварельных красок до обучения смешиванию цветов в уникальную палитру — эта книга поможет вам начать свое творческое путешествие и создать связные, богатые произведения акварельного искусства.

Простые для понимания уроки исследуют использование акварели на различных поверхностях, создают базовые формы , используя забавные техники, и как создавать бесчисленные великолепных эффектов , которые могут быть достигнуты с помощью различных кистей и мазков. Вы даже можете узнать, как добавлять слои размеров и текстуры , а также как работать с техникой резиста для создания красивых узоров и великолепных фонов.

Независимо от того, являетесь ли вы опытным художником, ищущим веселого побега, или новичком, который никогда не держал в руках кисть, в Modern Watercolour найдется что-то для каждого.

Книги Modern Series предлагают увлекательный современный подход к работе с традиционными художественными средствами массовой информации, демонстрируя, что с правильным типом обучения, поддержки и советов успех рисования и рисования может быть достигнут любым художником или творческим типом .

Также в серии Modern: Modern Calligraphy (октябрь 2022 г.), Modern Coloured Pencil , Modern Acrylic и Modern Drawing .

М.Graham & Co. Fine Paints: M. Graham & Co.

Состав и стойкость
Название цветового индекса установлено и опубликовано Американской ассоциацией химиков и колористов по текстилю и Обществом красильщиков и колористов. Название цветового индекса является общей категорией и не относится к конкретному пигменту. Хотя он позволяет художнику сформировать общее представление о непрозрачности, прозрачности и светостойкости пигмента в определенном цветовом пространстве, он не дает окончательной информации.Многие марки пигментов доступны от ряда производителей с очень широким диапазоном физических свойств.

Химическое название
Химическое название — это краткое, обычно используемое обобщенное обозначение типа состава типов пигментов. В сочетании с названием цветового индекса химическое название может использоваться для расширения понимания художниками источника и природы используемого пигмента.

Постоянство
Постоянство цвета является мерой светостойкости пигмента, когда он распределяется в транспортном средстве и подвергается условиям, имитирующим воздействие, обычно присущее предмету изобразительного искусства.Такие оценки обычно считаются зависящими от транспортного средства или среды и могут варьироваться в зависимости от среды — таким образом, пигмент, который является подходящим светостойким для масляного цвета, может не быть светостойким в акварели. Наши рейтинги используют комбинацию исторических данных, ускоренного тестирования и данных от производителей пигментов, чтобы установить один из самых жестких стандартов среди художников-колористов сегодня.

Прозрачность и непрозрачность
Каждый из наших цветов имеет обозначение, указывающее относительные степени прозрачности и непрозрачности.Пожалуйста, рассматривайте это как руководство, потому что любое тонкопленочное покрытие, хотя и не обязательно прозрачное, может интерпретироваться как таковое.

Здоровье и безопасность
Наши цвета были оценены сертифицированным токсикологом в соответствии с действующим законодательством и рекомендациями Комиссии по безопасности потребительских товаров. При необходимости на этикетках содержатся конкретные инструкции по безопасному использованию и обращению, а также информация, требуемая штатом Калифорния для соблюдения Предложения 65.

Художественные краски изготовлены из различных материалов и при правильном обращении не должны представлять серьезной опасности для здоровья, исходя из наших текущих знаний. Мы действительно рекомендуем художникам использовать нормальный безопасный уход и практиковаться при работе с нашим цветом или цветом любого производителя, в том числе не наносить цвет на кожу, стараться не проглотить продукт, не курить / пить или есть во время работы и внимательно читать все этикетки для конкретных предупреждений. Для получения дополнительной информации обратитесь к нашим паспортам безопасности или напишите нам по телефону
M.Graham
PO Box 215
West Linn, OR 97068-0215 ​​

ASTM D4236
ASTM — это стандартная практика маркировки художественных материалов для хронических опасностей для здоровья. Заявление о соответствии этому стандарту появляется на каждой из наших этикеток, чтобы заверить художника в том, что наши рецептуры были независимо проверены сертифицированным токсикологом и что необходимые меры предосторожности и предупреждения имеются для руководства художников.

Дети
Наши цвета — это профессиональные продукты, не предназначенные для детей младше тринадцати лет.

Художник из штата Мэн создает, возможно, самую большую акварель в мире — Барбара Эрнст Прей

ПОРТ-КЛАЙД — У Барбары Прей блестящее резюме: степень бакалавра в колледже Уильямс, степень магистра в Гарварде и стипендия Фулбрайта, которую она использовала для изучения искусства и архитектуры барокко в Германии. Одной из первых ее работ было рисование иллюстраций для New Yorker.

Ее акварели были использованы для двух рождественских открыток Белого дома, а ее картины находятся в коллекциях Смитсоновского музея американского искусства и Бруклинского музея и висят в U.С. посольства по всему миру.

MASS MoCA, крупнейший музей современного искусства в стране после его недавнего расширения и создатель вкуса в современном искусстве с момента его открытия в 1999 году, предложил Прей, пейзажисту в традициях Эндрю Уайета, создать крупномасштабную картину. Показывая новый дом музея в бывшем мельничном комплексе до ремонта и расширения, было добавлено 120 000 квадратных футов. Музей хотел задокументировать мельницу, пока не были повреждены патина отслаивающейся краски и необработанные деревянные полы.

«MASS MoCA Building 6» частично раскрывает интерес художницы Барбары Прей к архитектуре, проявлявшийся на протяжении всей ее карьеры. Изображение предоставлено MASS MoCA

Prey подарил им «MASS MoCA Building 6», который сохраняет бывшую фабрику в сыром виде, с пыльными полами и стенами из красного кирпича. Размер картины без рамы составляет 8 на 15 футов. Prey использовала три листа бумаги размером 8 на 5. В рамке он на фут больше в каждом измерении и весит около 300 фунтов.

«Если есть акварельные картины побольше, музей их не найдет», — сказал директор Джо Томпсон.

«Мы думаем, что это вполне может быть (самый большой), но очень трудно определить это с какой-либо определенностью», — сказал он. «Мы не можем придумать большего, но я не знаю, что это обязательно была цель. Мы говорили о создании акварели, которая заставит вас почувствовать себя в изображаемом пространстве ».

Добыча за работой. В рамке «MASS MoCA Building 6» весит около 300 фунтов. Фотографии любезно предоставлены MASS MoCA

Томпсон предложил проект Prey из-за его личного восхищения акварелистами, которые «добиваются легкости без трения» в своих картинах, и он ставит Prey на первое место в своем списке.Несколько лет назад на коктейльной вечеринке в Беркшире он призвал ее взорвать чашу весов и попробовать что-то действительно грандиозное. «Я спросил ее почти в шутку, и она просто рассмеялась. Как и она, она решила бросить вызов », — сказал Томпсон.

Она предложила внутренний портрет здания, опираясь на свой интерес к архитектуре, который зародился в колледже и проявлялся на протяжении всей ее карьеры, в том числе в серии интерьеров домов собраний штата Мэн, которые она сделала после 11 сентября.

Как и старые фабрики Новой Англии, пространство огромно.Второй этаж, на котором основана картина, площадью более акра, с 400 колоннами и сотнями окон. Есть слои краски и десятилетия грязи. Это был текстильный комбинат и завод электронных компонентов, прежде чем он стал культурным центром.

Картина была открыта, когда весной открылось новое пространство, и висит в атриуме нового здания Роберта У. Уилсона вместе с произведениями ведущих современных женщин-художников Дженни Хольцер, Луиз Буржуа и Лори Андерсон.

В то время как крупномасштабный оригинал будет висеть до трех лет в Массачусетсе, Прей покажет дюжину карандашных рисунков и акварельных набросков комиссии MASS MoCA до 20 сентября в своей галерее в Порт-Клайде вместе с красочными репрезентативными картинами. побережья штата Мэн, которые сделали ее популярной среди президентов, актеров и обычных жителей штата Майн. Одна из картин, представленных в штате Мэн, — это ее последний этюд внутреннего пространства мельницы размером около 24 на 40 дюймов.

Колонна исследования мельничного пространства.

Горизонтальная картина показывает пустую мельницу от пола до потолка между двумя рядами нисходящих колонн, которые уменьшаются в размерах и создают перспективу обширной открытой равнины пространства. Окна в кирпичных стенах заливают поверхность светом. Самой большой проблемой для нее было удерживать вертикально нарисованные линии окон и колонн, чтобы добиться перспективы просмотра пространства.

По словам Томпсона, из-за хрупкости акварели MASS MoCA намерена провести трехлетнюю выставку, и даже такая продолжительность может быть рискованной, учитывая залитый светом характер пространства, в котором она установлена.«Барбара была очень смелой, позволив нам показать, где мы находимся», — сказал он. «Мы будем следить за ним и посмотреть, насколько он сохранится с точки зрения сохранения».

Prey, которая занимается живописью более четырех десятилетий, стала свидетельницей преобразования мельницы еще со времени, когда она училась в колледже Уильямс в соседнем Уильямстауне. Она оставалась связанной с сообществом в качестве преподавателя в Williams и поддерживая студию в Уильямстауне.

Именно там она выполнила большую часть работы над картиной, потому что близость позволяла ей перемещаться между своей студией и музеем во время ремонта, чтобы делать наброски, следить за светом и проверять другие детали пространства во время его преобразования.«Когда я рисовала, он исчезал», — сказала она.

Акварельный светлый этюд.

Prey работала над проектом MASS MoCA около двух лет, хотя большую часть первого года она потратила на то, чтобы выяснить, что она будет делать и как это делать. «Весь процесс является новаторским и в некотором роде новым», — сказала она. «Не было модели, которой я мог бы следовать, или прототипа, на который можно было бы взглянуть. Люди рисовали акварелью больших размеров, но говорят, что это самая крупная ».

Ее ранние исследования были техническими — где купить бумагу для такой большой картины, какую краску использовать, какие кисти.После набросков и рисования она провела от шести до восьми месяцев рисования, сначала в своей студии на Лонг-Айленде, штат Нью-Йорк, где она живет большую часть года и вернулась после отъезда из штата Мэн прошлой осенью, а затем в западном Массачусетсе, где она провела большую часть времени. зимы и весны. Она завершила картину в апреле.

Чтобы сделать детализированную картину настолько большой, она рассматривала ее как серию маленьких картин, концентрируясь на отдельных частях. Поскольку акварель неумолима и быстро сохнет, ей пришлось заранее спланировать и протестировать почти каждый аспект картины.Она сделала несколько ошибок. Она использовала красный оттенок для своих кирпичей, что принесло неожиданные результаты. Раньше она изображала деревянный пол в виде линий, но позже передумала. И в свой последний день рисования — один из последних ее действий — она ​​опрокинула банку с кистями и водой, пролив их со своих лесов на часть готовой поверхности бумаги, обесцвечивая ее и выдавливая.

Карандашный кабинет старой мельницы, которая после ремонта и расширения стала новым домом для MASS MoCA.Второй этаж, на котором основана картина Прей, имеет площадь более акра, с 400 колоннами и сотнями окон.

Она смогла исправить каждую из этих ошибок — быстро смахнув неприятный красный цвет, потратив три дня на стирание линий на полу и промокание водой и следами кисти до того, как они высохнут.

Prey управляет галереей на полуострове Святого Георгия каждое лето на протяжении более 40 лет, как правило, с ее красочными репрезентативными акварельными красками, изображающими дома региона, покрытые галькой, суровые дома и крепкие ели.В своей работе она пытается запечатлеть развивающуюся культуру Порт-Клайд и окружающих рыбацких сообществ, наблюдая и записывая. Она делает то же самое со своими картинами на мельнице.

Прей, 60 лет, рада быть частью разговора о современном искусстве и надеется, что «MASS MoCA Building 6» поднимет ее статус из успешного художника-акварелиста до влиятельного. По ее словам, наличие одной из ее работ вместе с Дженни Хольцер, Робертом Раушенбергом и другими тяжеловесами современного искусства может только помочь.

«Это то, что я должен делать. Вы хотите иметь свой собственный голос, свою собственную историю и свой собственный стиль, и это прекрасная возможность вывести акварель в новом направлении », — сказала она. «Это контекстуализирует мою работу с горсткой очень известных, передовых современных художников. Быть включенным в эту группу — это действительно здорово ».