«Чем вас привлекают картины акварелью?» – Яндекс.Кью

Акварельные картины — такие легкие, свежие,создающие особую атмосферу произведения. Неспроста акварельное произведение считается самой воздушной из всех известных. Художник может работать с акварелью в в любом стиле, экспериментируя с эффектами. Можно работать в мокрой технике, рисуя по мокрой бумаге или накладывая цвета друг на друга, что используется редко. Специфика и превосходство акварельной живописи. Акварельная живопись — это рисунок, некоторый сделан особенными растворимыми водой красками. Могут применяться инструменты, свойственные графике: маркер, ручка, тушь, линер. Главное различие акварели от иных видов красок — невесомость и легкость. Она быстро пропитывается в бумагу, а когда высыхает, через цвет проглядывает микро текстура бумаги. Поэтому работа написанная акварелью смотрится лёгкой — невесомой. Для создания картин употребляются различные техники: дифференцированное размытие — бумага смачивается и пигмент наносится и растекается и высыхает естественным путем; остекленение — перед тем как нанести один цвет на другой на другой, любой из них хорошо просушивается; по-мокрому — бумага смачивается всякий раз перед нанесением краски; сухой кистью — употребляется сухой пигмент на влажной кисти, при всем при этом выходит рисунок, похожий на карандашный; лессировка — пигмент причиняют слоями, от светлого к темному. Проскребавание

— дабы отбелить необходимые участки, с поверхности устраняют краску, процарапывая ее; и другие. Известнейшие художники, акварелисты это: Рафаэль Санти , Альбрехт Дюрер, Ван Дейк , Джон Констебл , Пол Сандби . В первую очередь посредством акварели основывают ландшафты — реалистичные, воздушные, с натуральной имитацией атмосферных явлений (дождя, ветра, грозы сиречь состояния натуры спустя бури). Неплохо получаются натюрморты, бытовые сюжеты. Иногда — портреты. Для какого экстерьера годятся Акварельные работы часто используют в современном интерьере. Где нет жестких ограничений в оформлении, расстановке мебели, но в то же время выдержан общий стиль, а также в помещении в стиле гжель, модерн, прованс, кантри, минимализм или хай-тек. Это зависит от цвета и техники исполнения рисунка. В интернет-магазине SwamiArt вы сумеете купить акварельные пейзажи и прочие сюжеты современных художников. Работы возможно купить сразу или заказать через оператора с доставкой по Москве и всей России. Мы представляем картины с хорошей ценой, а произведения искусства, которые будут радовать вас не один год.

На сайт Swamiart.ru

20 картин, заряженных солнечной энергией / AdMe

Многих из нас это лето не балует солнечной и теплой погодой, но AdMe.ru уверен: это не повод унывать. Мы знаем наверняка, что подлинное искусство способно согревать.

В этом обзоре мы собрали работы современных художников, воспевающих солнце во всех его проявлениях: от запутавшихся в тумане утренних лучей до последних отблесков вечерней зари. Осторожно: на картинах столько летнего воздуха, что может закружиться голова.

Солнечные зайчики Лорана Парселье

Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) — это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.

Уютные цвета Педро Ролдана Молина

Испанца Педро Ролдана Молина (Pedro Roldán Molina) отличает любовь к теплым цветам и особая техника исполнения картин: сочетание гладких и объемных текстур, включение в реалистичные работы элементов импрессионизма. В его живописи сказка легко и изящно соединяется с обыденностью.

Закатное море Альфредо Наварро 

Альфредо Наварро (Alfredo Navarro Montllor) влюблен в море, и, кажется, оно отвечает ему взаимностью. Его отец был художником и всегда поддерживал сына в  его художественных начинаниях. Альфредо начал рисовать с 5 лет, постепенно отец учил его технике масляной живописи, и с 13 лет мальчик начал писать маслом. Наварро считает свой метод работы пограничным между реализмом и гиперриализмом.

Прозрачное утро Оксаны Кравченко

Любимая тема екатеринбургской художницы Оксаны Кравченко — красота и свежесть цветов. В ее работах доминируют прозрачный свет, пастельные цвета и общее настроение нежности и неподдельного счастья.

Деревенские дворы Вячеслава Палачева

Пейзажист Вячеслав Палачев — художник в третьем поколении. На своих картинах он не просто изображает деревенские виды: внимание к деталям и неподдельная любовь к природе помогают передать тончайшие переходные состояния — утренний туман, последние лучи заходящего солнца, свежесть после дождя. В эти картины хочется окунуться с головой.

Солнце Греции в акварели Пантелиса Зографоса

Пантелис Зографос (Pantelis Zografos), сын и внук художников, родился в Афинах и жил в Греции вплоть до 1971-го года, а затем переехал в США. Там художник живет и по сей день. Акварели с видами Греции – это дань Родине и людям, которые сформировали его как личность. В каждой картине заметна ностальгия по родным краям. Возможно, именно она помогает художнику создавать настолько яркие и пронзительные полотна.

Распахнутые окна Стивена Дарбишира

Картины Стивена Дарбишира (Stephen Darbishire) можно описать одним словом — «уют». Художник живет на ферме в горах и наслаждается красотой окружающих пейзажей, сменой времен года и простыми радостями деревенской жизни. Его работы дышат покоем и умиротворением.

Небесная симфония Скотта Нейсмита

Картины шотландского художника Скотта Нейсмита (Scott Naismith) вдохновлены природой его родной страны, их можно назвать гимном этого живописного края. Небо, земля, море – вот и все, на чем концентрирует свое внимание художник – яркие полоски цвета, переданные с поразительной реалистичностью, несмотря на явный схематизм изображения.
 

Лучистая акварель Абе Тошиюки

Абе Тошиюки (Abe Toshiyuki) получил художественное образование и 20 лет посвятил преподаванию, ни на минуту не оставляя мечту стать художником. В 2008 году он наконец забросил учительскую профессию и полностью посвятил себя творческой самореализации.

Летние каникулы Каролин Блиш

Глядя на акварели Каролин Блиш (Carolyn Blish) трудно поверить, что всё её художественное образование уместилось в две недели уроков у известного художника Эдгара Уитни.  Сейчас Каролин является членом американского Акварельного Общества и американской Лиги профессиональных художников. А мы можем любоваться ее солнечными работами, от которых веет теплом беззаботного детства.

Современная акварельная. Восхитительные акварельные картины современных художников

Лекарство для тех, кто устал от трэша и суеты. В мире, где на нас ежедневно сваливаются тонны информационного мусора, иногда так хочется отрешиться от всего, вдохнуть полной грудью и остановить свой взгляд на чем-то спокойном, не вызывающем никакого раздражения и дискомфорта. Мы считаем, что лучший отдых для ума и зрения — это погружение в мир искусства. В этом обзоре мы собрали такие работы акварелистов, которые наполнят вас тишиной и станут глотком свежего воздуха в жаркий городской день.

Путешествие в Париж с Тьерри Дювалем

Родившийся в Париже художник Тьерри Дюваль (Thierry Duval) много путешествовал. Отсюда и наличие целых серий картин «по географическому признаку». Тем не менее, любимым местом автора был и остается Париж. Львиная доля работ посвящена именно городу влюбленных. Дюваль пишет картины исключительно акварелью. При этом у него есть своя собственная техника многослойного нанесения краски, что позволяет создавать картины практически с гиперреалистичной детализацией.

Жаркий полдень Канта Харусаки

Канта Харусаки (Kanta Harusaki) — японский акварелист, родился в Кумамото, работать акварелью начал в возрасте 32 лет. Харусаки любит писать, используя «wet brush», но сохраняя правильность рисунка. Он умеет мастерски и достоверно передать прозрачнейший легкий цвет,а также свет и пространство. Зрители восхищаются умением художника передать чёткие контуры бликов и листвы, сочетая это с техникой «по-мокрому».

Живая вода Дэвида Драммонда

Дэвид Драммонд (David Drummond) — американский художник, 20 лет назад влюбившийся в пейзаж водохранилища Пауэлл. Теперь он не устает изучать каждый уголок этого удивительного места и запечатлевать его при помощи акварели. Драммонда интересуют разные состояниия воды, «настроение» природы и перемены в нем. Как обладатель ученой степени по физике, Драммонд со всей научной ответственностью подходит к творчеству, поэтому его акварели кажутся настолько живыми и реалистичными.

Деревенское утро Кристиана Гранью

Француз Кристиан Гранью (Christian Graniou) часто изображает на своих картинах провинциальные пейзажи. Несмотря на то, что детальная прорисовка его не привлекает, а свет оказывается распределенным по всему пространству, работы художника вызывают ощущения простора и заполненности воздухом.

Вечернее спокойствие Джозефа Збуквича

Сегодня австралиец хорватского происхождения Джозеф Збуквич (Joseph Zbukvic) считается одним из столпов акварельного рисунка во всем мире. Художник влюбился в акварель буквально с первого мазка, его поразила неприрученность и индивидуальность этой техники. Он считает, что она живет собственной жизнью. Ее невозможно изучить, не существует способа контролировать поведение акварели. Только объезжать, словно дикую лошадь. Причем ежедневно заново.

• Каковы мировые тенденции в искусстве акварели?
• Что ценят в акварели более всего?
• Кто является самым популярным художником в мире?

Пожалуй, лучше всего на этот вопрос ответит I Международный конкурс Акварели (The 1st World Watercolour Competition), проведенный популярным журналом “The Art of Watercolour”.

В конкурсе приняло участие 1615 художников. Было представлено 1891 акварель. Жюри отобрало сначала 295 полуфиналистов, а затем 23 финалиста. Призами победителей награждены 7 художников.

Работы всех участников напечатаны в каталоге конкурса.

И это дает замечательную возможность увидеть “лицо” – лучшие акварели 2014 года.

В первую очередь, просмотрев каталог, я увидела следующее:

Лучшие акварели мира: основные тенденции

Пейзажи, как всегда, в большинстве. Особенно городские.

И если они как-то необычно поданы, то вполне могут оказаться в финале.

Как эта работа William Hook, художника из США:

Одной из самых популярнейших тем являются портреты стариков.

Хотелось бы думать, что это от всеобщей любви и уважения к пожилым людям, от интереса к их жизни от желания понять, чем они живут, увидеть отпечаток времени на их лицах.

Вот пара страничек каталога:

А может тема поднимается многими, поскольку художник является отражением общественного сознания. И часто художники отражают в своих картинах острые социальные проблемы…

Да, тема национальных меньшинств и эмигрантов, кстати, тоже частенько всплывает …

Как бы то ни было, среди 7 работ победителей две являются портретами стариков.

Первое место, победитель конкурса – Cheng-Wen Cheng, художник из Тайваня с картиной “Любящая мать”:

Серебряная медаль конкурса досталась китайскому художнику Guan Weixing за картину “Курящий старик”:

Вам уже интересно, кто получил Бронзовую медаль?. .

На третьем месте – (радуйся Поднебесная!) китайский же художник Liu Yi. Полагаю, многие знакомы с его творчеством по композициям с балеринами.

На конкурсе была представлена работа “Китайская девушка”:

Не знаю, как вы, а я вижу в этом хороший знак. Восток и Запад становятся ближе друг другу. Восточные художники пишут в традиционной европейской манере, а европейцы, наоборот, изучают гохуа и суми-е, рисуют гейш и сакуры… Такие примеры в каталоге тоже есть.

Вот, например, акварель аргентинской художницы Stella Escalante:

Кстати, ещё одно наблюдение – ОЧЕНЬ мало акварелей с цветами . На весь каталог с более чем 1800 работами и 30 штук не наберется…

Причем большинство из них – во второй части каталога, “в шлаке”, как я это назвала. А как еще назвать отсеянных авторов, чьи акварели не прошли отбор в полуфинал? Шлак и есть.

Моя работа, кстати, тоже в этом ряду… 🙂 Вот пара этих “серых” страничек, открытых наугад:

На серых страничках, в большинстве своем встречаются какие-то любительские работы, с плохоньким рисунком и бедные по технике.

Однако, есть и очень хорошие, известных художников. Но жюри их не оценило.

Трудно было ему, жюри… Это ведь всегда вопрос – как судить? Что брать за мерило?

И если со слабым рисунком и композицией в целом все понятно, вопросов нет – сразу в шлак, то среди профессионалов уже приходится думать.

Что поставить во главу угла? Социально-значимые темы? Реализм? Новаторство в технике? Или, наоборот, верность традициям?

Безусловно, этими же вопросами задаются и художники.

Участие в конкурсе – это возможность посмотреть на свое творчество со стороны. Кто я? Куда иду? Где я в ряду других художников? Интересно ли людям то, что интересно мне?

Именно эти вопросы сподвигли меня представить на конкурс акварели, которые не до конца понятны мне самой. Это энергетическая живопись. Работы, сохраняющие некую энерго-информационную составляющую.

Марина Трушникова. “Мир кристалла”

Я показывала эту акварель в блоге год назад. Возможно вы помните ту практику, которую я предлагала. Было очень много комментариев, давших мне понять, что люди сейчас более чувствительные в своем восприятии. И то, что мы называем абстракцией, может давать нам самые разные чувства и воспоминания.

К сожалению, со сменой сайта пропали и комментарии. Если хотите, опробуйте эту практику на себе, напишите свои впечатления. Это здесь:

А мы вернемся к “белым” и “черным” страницам каталога.

На белых размещены лучшие акварели – работы полуфиналистов. Приятно было увидеть там Константина Стерхова, Евгения Кисничана, Илью Ибряева.

А еще приятней было лицезреть в числе 23-х финалистов наших соотечественников Елену Базанову и Дмитрия Родзина.

Елена Базанова. “Конец зимы 2012. Яблоки”

Дмитрий Родзин. “Лето”

Как видите, большинство работ финалистов очень реалистичны .

Вот, например, акварель литовской художницы Egle Lipeikaite:

Или вот француз Georges Artaud, он получил приз в номинации “Лучший французский художник”:

Прямо-таки медитация на воду… Мне нравится. Всё приятней, чем смотреть на работы другого финалиста, американского художника Andrew Kish III.

Акварель – (от франц. aquarelle – водяной, от лат. aqua – вода) краска для живописи. В ее состав входят мелко растертый пигмент, и легко растворимые в воде клеи растительного происхождения – гуммиарабик и декстрин. Мед, сахар и глицерин удерживают влагу.

Акварель – легка, прозрачна, вместе с тем сложна. Не терпит исправлении. Краска эта известна с древнейших времен. Их применяли в древнем Египте, древнем Китае и в странах античного мира.Акварель нуждается в особой, пористой бумаге. Она была изобретена в Китае. Краска легко впитывается в нее. Но сложность в прозрачности — нельзя перекрыть один цвет другим — смешаются. Испоравить ошибку невозможно, разве что обыграть нечаянно появившееся пятно. Различают акварель «по-мокрому» и акварель «сухой кистью». Я люблю первый прием. Он носит еще название «а ля прима». Она легче, прозрачнее.

В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Одним из художников Ренессанса, добившихся больших успехов в акварельной живописи был Альбрехт Дюрер . Примером тому может послужить его работа «Заяц».

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Заяц

Альбрехт Дюрер (1471-1528) Примула обыкновенная, 1503. Вашингтон, Национальная Галерея Искусств

В XVIII-XIX века благодаря Томасу Гёртину и Джозефу Тёрнеру акварель стала одним из важнейших видов английской живописи.

Томас Гёртин (Thomas Girtin), английский художник (1775-1802) Руины замка Савой

Томас Гертин – молодой художник, умер в возрасте 27 лет, но его по праву называют выдающимся художником. Он очень быстро выработал свой стиль: отметая некоторые старые каноны, убирая ограниченное в рисунке, стал отказываться от разработки переднего плана, стремился запечатлеть незамкнутое пространство, стремясь к панорамности.

Тёрнер. Внутренний двор церкви Kirkby Lonsdale

Акварелист также постоянно совершенствовал свою технику, изучал природу движения воды и воздуха.

К началу XIX века в своих акварелях он достигает силы и выразительности, обычно присущей живописи маслом. Отбрасывая излишнюю детализацию, он создал новый тип пейзажа, посредством которого художник раскрывал свои воспоминания и переживания.

Новации Гёртина, начавшего пользоваться акварелью для картин большого формата, и Тёрнера, существенно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста, вызвали к жизни дальнейший подъём английской акварели в творчестве и художников-пейзажистов.

Английская традиция акварели оказала сильное влияние на русских художников, прежде всего тех, кто был связан с императорской Академией художеств, находившейся в столице империи — Санкт-Петербурге.

Первое имя в летописи русской акварели — Петр Фёдорович Соколов.

Он исполнял портреты своих современников.

Акварельная живопись Петербурга и России достигла исключительного расцвета в последние десятилетия XIX и первые два десятилетия ХХ века. Во времена, когда ещё не было фотографий, быстрота исполнения, минимальное количество утомительных сеансов позирования, воздушность колорита – во всем этом нуждалось русское общество. И поэтому, именно акварель пользовалась успехом в высших и средних его слоях.

Эдуард Петрович Гау . Гатчинский дворец НИЖНИЙ ТРОННЫЙ ЗАЛ. 1877

Свою оригинальную дань искусству акварели принесли такие живописцы, как Илья Репин , Михаил Врубель , Валентин Серов , Иван Билибин .

Врубель

В.Серов Портрет И.Репина

Иван Яковлевич Билибин (1876-1942). На берегу реки. Карандаш, акварель

Важным этапом в развитии русской акварели стала организация в 1887 году «Общества русских акварелистов», возникшего из кружка акварелистов. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. Его первым председателем был избран А. Н. Бенуа. Общество вело активную выставочную деятельность, проведя за 1896-1918 гг. тридцать восемь выставок. Его членами были А. К. Беггров, Альберт Бенуа, П. Д. Бучкин, Н. Н. Каразин, М. П. Клодт, Л. Ф. Логарио, А. И. Мещерский, Е. Д. Поленова, А. П. Соколов, П. П. Соколов и другие.

АЛЕКСАНДР БЕГГРОВ Галера. Тверь. 1867.

Задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов», несомненно, выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства. Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников.

Акварельная живопись увлекала и членов объединения «Мир искусства» Александра Бенуа (1870-1960), Льва Бакста (1866-1924), Ивана Билибина (1876-1942), Константина Сомова (1869-1939), Анну Остроумову-Лебедеву (1871-1955). Акварелью владел поэт Максимилиан Волошин (1877-1932), рисунки которого пересекались с его поэтическими произведениями.

Лев Самойлович Бакст. Танцовщица из балета Жар-птица. 1910. Акварель.

Иван Билибин

К.Сомов. Купальщицы. 1904. Бумага, акварель.

Александровский дворец в Детском Селе (акварель) П А Остроймова-Лебедева

Волошин

Среди крупнейших мастеров-акварелистов XX века Н. А. Тырса, С. В. Герасимов, А. А. Дейнека, С. Е. Захаров, М. А. Зубреева, А. С. Ведерников, Г. С. Верейский, П. Д. Бучкин, В. М. Конашевич, Н. Ф. Лапшин, В. В. Лебедев, Г. К. Малыш, А. Н. Самохвалов, С. И. Пустовойтов, В. А. Ветрогонский, В. С. Климашин, В. К. Тетерин, А. И. Фонвизин и другие.

Тырса Н.А. Портрет Анны Ахматовой. 1928 Бумага, черная акварель

А.А.Дейнека

Итак, некоторое время назад у нас состоялся разговор о восприятии картин в отрыве от имени художника, и всего того, что за именем стоит. Почитать о начале можно здесь
Сегодня я расскажу, кто есть кто.
Общие выводы из ваших комментов и опроса моих знакомых — качественный уровень картины видно сразу. Некоторую безуминку или странность тоже, но очень часто люди путаются, то ли это признак современного искусства, то ли просто нечто непонятное… Различить русского, китайского, европейского художника тоже оказалось сложным. Угадали единицы, да и то, в основном только потому, что узнали авторов картин.

Акварель №1
Английский художник — Уильям Тернер (1775-1851)
Он потрясающий.
Стоимость каждой его картины десятки миллионов фунтов стерлингов. Обязательно посмотрите его акварели, но не в интернете, а желательно хотя бы в бумажных репродукциях

Акварель №2
Питерский акварелист — Сергей Темерев.
Его журнал sergestus
Нашла случайно, когда искала в жж тех, кто рисует акварелью. Мне очень нравится его картины — и морские пейзажи, и очень необычные натюрморты. Мечтаю как-нибудь попасть на мастер-класс:))

Акварель №3
Константин Кузема. Современный питерских художник. 100 лучших акварелистов мира и все такое:) Про него сейчас очень много говорят, особенно те, кто учиться рисовать.
Сайт, на котором можно посмотреть другие работы или почитать полезные статьи про технику http://kuzema.my1.ru
Но лично я к его картинам отношусь глубоко равнодушно. Не трогает и все.

Акварель №4
Автор — Джозеф Збуквич (Joseph Branko Zbukvic). Родился в 1952 в Хорватии. Позже переехал в Австралию.
Один из самых признанных акварелистов в мире. Его картины и техника просто потрясают воображение. Можно написать его имя в гугле или яндексе и наслаждаться:)

Акварель №5

Это мой трехминутный эскиз, к этой последней акварели:

Где эскиз и где акварель?:) Мне просто хотелось кое-что проверить, и я прикинула композицию пока рисовала вместе с дочкой. Хотя самый популярный ответ был, что именно этот художник из Китая:) Вот они, мои восточные корни:))))) Эта работа совершенно неправильная, потому что всю акварельную краску я мешала с белилами, чтобы проверить, как это будет влиять на подтеки.

Акварель №6
Константин Стерхов.
Он интересен тем, что ведет крайне информативный блог про акварелистов, берет у них интервью без привязки к языковым и географическим барьерам. Живет в Питере, но иногда дает мастер-классы в Москве.
Блог http://sterkhovart.blogspot.ru/
Страница на фейсбуке

Акварель часто называют самой непослушной, самой капризной краской. С ней трудно работать, ее трудно хранить, она непредсказуема и требует от художника максимальной сосредоточенности. Зато те, кому удалось ее покорить и приручить, знают секрет создания по-настоящему потрясающих работ, глядя на которые задаешься единственным вопросом: «Кому они продали душу, чтобы так рисовать?»

Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс .

Дождливая акварель Лин Чинг Че

Талантливому художнику Лин Чинг Че (Lin Ching-Che) 27 лет. Его вдохновляет осенний дождь. Пасмурные городские улицы вызывают у парня не тоску и уныние, а желание взять в руки кисть. Лин Чинг Че пишет картины акварелью. Разноцветной водой он воспевает дождливую красоту мегаполисов.

Кипящая фантазия Аруша Воцмуша

Акварельная магия, или Как нарисовать все, что душе угодно

Картинок в голове и эмоций от увиденной реальной красоты море. Особенно летом! И так хочется показать свое видение и поделиться вдохновением, но не умеется? — (Значит, пришла пора научиться рисовать акварелью! Приручить эту непослушную краску, которая завораживает своей спонтанностью, передает игру света и эмоции, еще никогда не было так легко. Книга «Как понять акварель» поможет и новичкам, и опытным мастерам найти баланс между осторожностью и риском.

Спонтанная, свободная, прозрачная, яркая, волшебная. Акварель. Познакомимся с ней поближе?

Картинок в голове и эмоций от увиденной реальной красоты море. Особенно летом! И так хочется показать свое видение и поделиться вдохновением, но не умеется? — (Значит, пришла пора научиться рисовать акварелью! Приручить эту непослушную краску, которая завораживает своей спонтанностью, передает игру света и эмоции, еще никогда не было так легко.

Эта книга поможет и новичкам, и опытным мастерам найти баланс между осторожностью и риском. Известный художник и опытный преподаватель Том Хоффманн раскрывает тайны акварельной живописи и делится профессиональными хитростями. Спонтанная, свободная, прозрачная, яркая, волшебная. Акварель. Познакомимся с ней поближе?

200 листов красоты

Пожалуй, это одна из самых красочных и больших книг, которые у нас есть. Почти 200 картин лучших акварелистов под одной обложкой! Их общий знаменатель — уважение к краске и уверенность при работе с ней. Эта книга научит вас думать, как акварелист.

Иллюстрация из книги

«Друзья по акварельной болезни, весь день хожу в эйфории! Моё любимое @miftvorchestvo издали невероятную книгу по акварели. Она про то, как ПОНИМАТЬ акварель. Много текста, много прекрасных картин разных художников, много упражнений», — отзыв в инстаграме @oguseva.

«Если иметь всего одну книгу по акварели, я бы выбрала эту», — отзыв в инстаграме@oguseva.

О, вы проведете с этой книгой много удивительных часов. Порой вы будете просто подносить эту книгу близко к носу и всматриваться в иллюстрации, потому что художники талантливые, а картины их выразительные и сочные. А иногда вы будете рисовать, как одержимые, потому что не рисовать станет невозможно. Ведь инструкции очень подробные, а желание подружиться с акварелью неуёмное.

Почему вы хотите нарисовать именно это?

Обычно художник пишет не столько предмет изображения, сколько свое понимание предмета изображения. На картине мы видим тот или иной сюжет через призму восприятия самого художника. Большая часть удовольствия от созерцания живописных шедевров заключается в том, что мы — осознанно или нет — проникаем в авторский замысел.

Выбрав предмет изображения, спросите себя: «Что именно в нем меня привлекает?». Разобраться в причинах — первое, что следует сделать перед тем, как приступить к работе.

Прежде чем принимать решения о том, как писать, нужно сосредоточиться на том, почему я хочу это сделать. Подумайте об этом — и тогда то, что привлекло вас изначально, гарантированно станет частью готовой работы.

Художник, научившийся разделять то, что следует и что не следует изображать, смело воплощает любые свои идеи.

Видеть слоями

Сколько нужно слоев, чтобы воплотить замысел? Каждый слой прозрачен, поэтому все предыдущие слои будут видны, даже если вы уже полностью закрасили бумагу. Первый слой редко покрывает страницу целиком. Как правило, следует оставить некоторые области незакрашенными и не накладывать слой цвета там, где итоговый цвет должен быть совсем другим.

Перед тем как приступить к написанию картины, нужно задать себе несколько ключевых вопросов.

• К чему вы стремитесь: к спонтанности или точности?
• Получится ли залить всю форму таким цветом, поверх которого можно будет написать все остальное?
• Какой процент первого слоя будет виден после наложения последующих слоев?
• Нужно ли обойти какие-то участки?
• Нужно ли что-то сделать, пока краска не высохла?

В этом этюде почти везде хватило двух слоев. Он написан достаточно вольно, однако здесь присутствует ощущение света и пространства. Попробуйте представить первый слой без наложения второго. В какой момент была создана иллюзия света? А пространства? — Иллюстрация из книги

Чтобы не перегрузить картину деталями, попробуйте проделать следующий прием. Посмотрите на фотографию или на то пространство, которое находится перед вами, сильно прищурившись. Мелкие детали сольются в сплошные пятна и вам будут сразу понятны основные формы, цвета и даже слои, из которых состоит будущая картина.

Гораздо лучше намекнуть на сложность объекта, чем воспроизвести ее.

Картина достаточно реалистична, но если посмотреть на отдельные формы, станет ясно, что художник не бездумно скопировал фотографию. Напротив, он выбрал самые яркие, самые значимые элементы в каждой части, а все остальные исключил. — Иллюстрация из книги

Смелость цвета

Цвет — самая субъективная и самая интересная переменная в живописи. То, как мы подбираем цвета, зависит от таинственной комбинации восприятия, ассоциаций и интуиции. Этот процесс сложно объяснить другому человеку, особенно учитывая тот факт, что люди видят цвета немного по-разному.

Цвет — это настроение. — Иллюстрация из книги

Выбор цвета может быть самым смелым. Пока сохраняется правильное соотношение тонов, иллюзия света, пространства и материальности на картине может быть удивительно правдоподобной. Посмотрите на предмет изображения и спросите себя: «Насколько точным я должен быть?»

Малиново-фиолетовая собака. Фантастически и в то же время абсолютно правдоподобно. — Иллюстрация из книги

Умение полагаться на интуицию — залог развития собственного стиля. Конечно, это более рискованно, чем работать по правилам, но зато более интересно. Как только в ход пошли краски, решения принимаются спонтанно. Разве есть время на раздумья, когда в руке кисть, а в зубах зажата еще одна?

Расширение горизонтов

Вас вполне может устраивать содержание ваших картин. Но наверняка есть предметы и сцены, которых вы избегаете, хоть они вам и нравятся, потому что кажутся сложными.

Я живу недалеко от залива и летом много времени провожу на острове. Однако за первые 20 лет своей жизни здесь я умудрился ни разу не нарисовать воду. Я боялся ее изображать. Когда я начал преподавать, было все труднее оправдать тот факт, что я избегаю чего-то, чему учу других. И мне пришлось начать писать воду.

Определив предмет или средство изображения, которое вас отпугивает, исследуйте работы других художников и не стесняйтесь заимствовать их приемы.

«Работать с водой было настолько сложно, насколько я себе это представлял. Впрочем, оказалось, что это еще и интересно. После пары лет практики на берегу залива я начал с нетерпением ждать каждой возможности писать пейзажи с водой». — Фото с обложки книги

Расширить число предметов изображения, с которыми вы работаете, — все равно что завести нового друга. Мир сразу становится больше и интереснее.

Еще в книге:

• Исследовательский подход и анализ каждой приведенной в книге картины, что получилось и что не получилось
• Особенности карандашного эскиза для акварельного рисунка
• Как достигнуть баланса тона, цвета, композиции
• Cемь самых важных вопросов о рисунке, который вы создаёте
• Когда форма и содержание в гармонии
• Как разложить на слои предмет изображения
• Учимся увлажнять бумагу и кисть (да, тут не все так просто)
• Как понять, с чего начать и когда остановиться
• Гризайль в пяти тонах
• Как создать иллюзию пространства
• Учимся сдержанности
• Техника работы с темными и светлыми цветами
• Прием отвлеченной вовлеченности
• Как исправлять ошибки, если вас что-то не устраивает в готовой работе
• Как учиться у самого себя

Среди акварельных техник нет единственно верной, лучший способ найти свою — попробовать разные. Дайте себе время понять, когда и чем вам следует озаботиться, чтобы в остальном вы были беззаботны. Экспериментируйте и наслаждайтесь процессом.

Яркой акварели, вкусных карамелек и солнечных зайцев вам!

ТОП-25 лучших картин художников маринистов

Мы собрали для вас восхитительные пейзажи с изображением морской стихии. Здесь представлены великие и современные художники-маринисты разных направлений живописи, а также представители цифрового искусства.

Морские пейзажи известных и современных художников, от которых захватывает дух

Что мы подразумеваем под словом “лучшие”? В этом списке оказались морские пейзажи великих художников и молодых авторов, жемчужины современного и классического искусства. Мы отобрали масляные полотна из богатейших арт-галерей и новые работы, популярные в сети. Так или иначе, этими шедеврами искренне восхищаются, мечтая украсить свой дом “портретами” водной стихии. Какое произведение придется по вкусу именно вам?

1. Иван Айвазовский, “Девятый вал”

Айвазовский и море неразрывно связаны друг с другом. Великий русский маринист посвятил водной стихии всю жизнь, создав несколько сотен произведений с изображением моря и кораблей. “Девятый вал”, пожалуй, самая известная из его работ. Полотно иллюстрирует горстку людей, потерпевших кораблекрушение и выживших после жуткого шторма. В произведении чувствуется тревога, но теплый солнечный свет олицетворяет надежду и указывает путь к спасению.

2. Л. А. Афремов, “Касание горизонта”

Афремова сложно назвать типичным маринистом. Известный художник, скорее, заядлый импрессионист, которому близка морская тематика. Его работы наполнены красками и выполнены в уникальной манере, выделяющей руку мастера среди прочих.

3. Клод Жозеф Верне, “Кораблекрушение во время шторма”

Верне — мастер эпических полотен. Французский живописец прославился как автор грандиозных картин с изображением шторма. Бушующее море приводило в восторг аристократов XVIII века, которые охотно украшали работами Верне свои дворцы и поместья по всей Европе.

4. Зарина Форман, “Гренландия”

Пора разбавить наш ТОП работами современных мастеров. “Гренландия” — это целая серия картин, созданных талантливой художницей из Австралии. Её картины в жанре гиперреализм посвящены единственному герою — воде. Стихия на полотнах Зарины настолько реалистична и холодна, что по коже пробегают мурашки.

5. Бато Дугаржапов, “Ласпи”

Если будете рассматривать полотно Бато Джулиатова вблизи, совершенно ничего не поймете. Но стоит отойти на несколько шагов, как перед взором откроется великолепный пейзаж. Сверкающее море, освещенное солнцем, словно оживает и разливается яркими красками.

6. Эдвард Брайен Сигоу, “Баржи на тихой воде”

Работа талантливого импрессиониста родом из Англии. Сигоу учился мастерству художника сам, не посещая модных школ и частных репетиторов. Тем не менее, талант привел живописца к успеху и признанию Британского Королевского Дома. Сегодня Эдварда Сигоу называют одним из крупнейших импрессионистов-пейзажистов последнего времени.

7. Кацусика Хокусай, “Большая волна в Канагаве”

Картины Кацусики Хокусая — гордость японской культуры. Художника считают самым известным и любимым на Западе гравером из страны восходящего солнца. Картина “Большая волна в Канагаве” выполнена в стиле Укиё-э и является частью серии морских пейзажей “Тридцать шесть видов Фудзи”.

8. Поль Синьяк, “Сен-Тропе после шторма”

Эта картина — жемчужина коллекции музея Аннонсиад в Сен-Тропе. Художник был заядлым путешественником и любил ходить под парусом в поисках вдохновения и подходящих ландшафтов. Здесь Синьяк часто экспериментировал, комбинируя масляные краски с акварелью, что давало интересный результат.

9. Клод Лоррен, “Высадка царицы Савской”

Пейзаж как самостоятельный жанр стал развиваться только в XVII веке. До этого морскую гладь или бушующие волны никогда не ставили в центр сюжета. Художник писал пейзаж только в привязке к какому-нибудь историческому, религиозному или мифологическому событию. Знаменитое произведение Клода Лоррена не оказалось исключением.

10. Клод Моне, “Впечатление. Восход солнца”

Картина, изображающая порт Гавр, является знаковой в истории искусства. Именно эта работа и множество последующих творений Клода Моне положили начало эпохе импрессионизма.

11. Рембрандт, “Шторм на Галилейском озере”

Рембранта нельзя отнести к маринистам, поскольку это единственное полотно художника, на котором изображен морской пейзаж. Но именно из-за этого факта произведение так выделяется на фоне остальных. Кроме того, полотно прославилось своим бесследным исчезновением — шедевр был украден в 1990 году, его местоположение до сих пор неизвестно.

12. Аркадий Рылов, “В голубом просторе”

Птицы у воды — настоящая “фишка” знаменитого русского художника. Мастер был предан своей страсти и писал при любых обстоятельствах. Полотно с лебедями, например, было создано в жутких условиях ледяного Петрограда. Автор вспоминал, что в его самоваре замерзала вода, а сам художник был вынужден спать под двумя одеялами и шубой.

13. Алексей Боголюбов, “Афонское сражение 9 июня 1807 года”

Десятки полотен с изображением парусников вышли из-под руки Боголюбова. Сегодня величественные покорители моря с иллюстрации Афонского сражения выставлены в военно-морском музее. Это не только прекрасное произведение искусства, но и памятник истории.

14. Каналетто, “Вид мола от Бачино ди Сан-Марко”

Перенесемся в Италию, где писал свои великолепные пейзажи художник Каналетто, он же Джованни Антонио Каналь. Глава венецианской школы ведутистов писал искусные городские пейзажи, но поскольку водоемы — неотъемлемая часть Венеции, марина часто присутствует в его работах.

15. Уильям Тернер, “Последний рейс корабля «Отважный»”

Сложно выбрать что-то одно из портфолио Тернера, поскольку каждое его полотно гениально. Но это, пожалуй, одна из самых известных работ живописца. Картина изображает паровой буксир, который тянет боевой корабль английского флота из последнего рейса на разборку в доки.

16. Ван Гог, “Вид моря близ Ле Сент-Мари-де-ла-Мер”

Не вспомнить великого Ван Гога в этом ТОПе было бы преступлением. Художник написал эту картину на юге Франции, когда отправился в маленький рыбацкий городок поправить здоровье у моря. Живописец называл Средиземное море переменчивым, по цвету похожим на макрель: в один момент оно синее, в другой — фиолетовое или зеленое.

17. Марек Ланговский, “К шторму”

Марек Ланговский — всемирно известный маринист родом из Польши. Он прославился не только морскими, но и городскими и природными пейзажами. Импрессионист до сих пор создает свои шедевры, параллельно занимаясь искусством фото.

18. Артем Чебоха, цифровой маринизм

Современное искусство живет не только благодаря краскам и кисти, но и магии Photoshop. Пиксельные труды молодого художника сложно отличить от традиционной живописи. Его фантастические сюжеты настолько реалистичны, что оживают в нашем воображении.

19. Дехонг Хе, цифровой маринизм

Иллюстратор из Сингапура прославился невероятными работами в цифровом формате. Море Дехонг Хе величественно и волшебно! Картина заставляет восхищаться и одновременно страшиться могущества стихии.

20. М. А. Алисов, “Морской пейзаж”

Искусный маринист считается лучшим учеником Ивана Айвазовского. Алисов написал множество работ, посвященных морю. Сейчас его картины выставляются в лучших художественных музеях Украины.

21. Георгий Дмитриев, “Маяк и солнце”

Георгий Дмитриев — современный маринист, влюбленный в море. Волна Дмитриева достойна восхищения, поскольку выполнена в лучших традициях Айвазовского. Живое и дышащее море художника всегда находится в движении, словно вот-вот выйдет за пределы холста.

22. Алексей Адамов, “У причала”

Еще один современный русский маринист, заслуживший любовь искусствоведов. Его пейзажи можно увидеть на престижных выставках России и США, а репродукции полотен неизменно пользуются популярностью у дизайнеров.

23. Том Нельсен, “Изумрудный прибой”

Возможно ли поверить, что это не настоящие волны? Потрясающая работа кисти современного мариниста. Американский художник создаёт настоящие шедевры в жанре морского пейзажа. В своем мастерстве Тому Нельсену сложно отыскать равных.

24. Илья Репин, “Какой простор”

Картина знаменитого русского классика вызвала бурю негодования среди его современников. Работу критиковали из-за несвойственного кисти Репина легкомысленного и эмоционального сюжета. Нотки импрессионизма, которые чувствуются в произведении, наталкивали на мысль о потокании западным течениям. Но Репин не хотел никому подражать или вкладывать в полотно особый подтекст. Он просто увидел пару студентов, которых застигла непогода у моря. Душа художника запела при виде чудесной сцены, поэтому он не задумываясь увековечил её на холсте.

25. Тим Томпсон, “Парусник”

Произведения английского мариниста легко узнать по строгим геометрическим формам парусников, развивающимся над морскими просторами. На полотнах живописца можно встретить и корабли XIX века, и современные яхты.

Почему живопись маринистов так популярна в мире

Морской пейзаж целиком заслуживает выделения в отдельный жанр. Изображение водной стихии требует особого мастерства и страсти, оно подчиняется собственным законам. Картины маринистов с кораблями и берегами далеких городов будоражат воображение.

Море — это символ путешествий, бесконечности, свободы. Если всё это вам по душе, значит, маринисты корпели над холстами не зря. Кроме того, морские пейзажи передают определенное настроение: корабль посреди бури — величие и тревога, лодка на тихой водной глади — безмятежность и покой, игривые волны с разноцветными переливами — радость к жизни. Как и человек, море может быть разным!

История голландской акварели. Картины художников — Журнал по дизайну и культуре

Совершая тур в Нидерланды, и сегодня можно встретить равнинные пейзажи этой страны, облагороженные трудом ее трудолюбивого народа. Почти такими же их представляли и картины художников, работавших в технике акварели. Развитие голландской акварельной школы берет начало в XVII веке. В одноцветной водяной технике бистра, а также в рисунке пером художники того времени, изображавшие скромную голландскую природу, достигли высокого совершенства. Свои произведения они доводили до полной завершенности, уделяя большое внимание композиционному построению, светотени. С середины столетия в одноцветную палитру бистра вводится тушь, создающая богатую тоновую гамму. Появление голландской акварели совпало с творчеством Рембрандта. Он в совершенстве владел маслом, техникой гравюры, а также и бистром. С помощью эффектов освещения мастер достигает высокой красоты в самой обычной композиции, портрете, пейзаже.

РембрандтХарменс ван Рейн: Хижина у воды. 1650 г.

Рембрандт, как все великие живописцы, обращался к широкому набору художественных средств, виртуозно используя их возможности.

В ранние годы он выполнял рисунки серебряным карандашом. Позже для создания светотеневых эффектов он стал применять итальянский карандаш и сангину, работая гусиным пером и просто палочкой, которую обмакивал в краску. Иногда он сочетал на одном и том же листе несколько разных средств, вводил акварельную тонировку, пользовался белилами. Но его излюбленной техникой всегда оставалось перо, особенно пластичное и гибкое в руках гения. Рембрандт соединял и два цвета коричневый бистр и тушь, как и многие его современники. Живописец комбинировал теплые и холодные оттенки, добиваясь живого впечатления. Постоянно совершенствуя возможности водяной техники, он расширял диапазон применения того или иного художественного материала, добавлял в краску белила, накладывал ее на влажную поверхность листа, размывал штрихи, применял не только кисть, но и палец. В его руках любое средство оказывалось пригодным для воплощения творческого замысла. Например, Уснувшая девушка выполнена пером, а кажется, будто свободным, смелым движением кисти. Складывается впечатление, что рисунок сделан просто ради удовольствия в случайные минуты. Подкрашенный отмывкой фон контрастирует с фигурой и создает живописное пространство, основанное на свете и воздухе. Эту особенность творчества Рембрандта заимствовали импрессионисты, для которых мгновенное впечатление составляло основу произведения. Если ранние пейзажи Рембрандта пронизаны драматическим духом бурное небо, контрасты света и тени, то позднее в изображениях природы появляются интимные мотивы. Он показывает окрестности Амстердама с их спокойной жизнью: деревушки, каналы, маленькие избы, группы деревьев на берегу реки. Любая, даже самая мелкая деталь становится значительной.

Рембрант. Львица. Перо с отмывкой, бистр. Британский музей

Во времена Рембрандта одноцветную акварель совершенствуют многие художники Голландии, среди них Ван Хоогстратен, Антони Ворсом, Альберт Кейп, Алларт ван Эвердинген.

Они работали в основном бистром, иногда в смешении с тушью, употребляя перо для уточнения и моделировки формы. Антони Ворсом расширяет свою палитру, вводя в нее, кроме бистра и туши, синий цвет индиго, делая пейзажи более разнообразными по колористической и тоновой гамме. Произведения голландских пейзажистов XVII — XVIII веков носят камерный, интимный характер: они изображают уютные мотивы родной природы с их провинциальной архитектурой, мельницами, людьми, животными. С введением многоцветной палитры в XVIII веке появляется плеяда мастеров, которая определила новый стиль голландской акварели в картинах художников. Они используют эту технику, создавая не только пейзажи, но и сюжетные композиции, портреты.

Рембрандт Харменс ван Рейн: Хижина у воды. 1650 г.

Для таких мастеров, как Ян Хулсвит, Абрахам ван Стрей, Андреас Шелфхаут, Якоб Марис, акварель становится более привлекательной, чем масло. Якоб Марис один из известных представителей гаагской акварельной школы, проявляет особое внимание к различным состояниям природы. В пейзаже Городской вид он достигает мягкости форм, которые по мере удаления как бы растворяются в пространстве. Пейзаж с мельницами по своей законченности и выразительности не уступает масляной живописи. Акварель гаагской школы характеризуется многочисленными отмывками, которые передают живописно-серую атмосферу Нидерландов.

В XIX веке в Голландии становится популярной техника гуаши, а в акварель включаются белила.

Белила применял в своих акварелях Брейтен. Освободившийся от академических акварельных приемов, он довел до совершенства письмо по влажной поверхности листа. Белила, лежащие поверх других цветов, сохраняют в своей основе прозрачность акварельной техники. Что же касается чистой акварели, то здесь пальма первенства принадлежит Г. Брейнеру и И. Йонткинду. Отказываясь от старой академической школы, эти мастера устремились к поискам новых стилистических приемов письма и цветовых решений. Йонткинда, совершенствовавшегося во Франции, можно считать наследником Делакруа. Он отказался от академической живописи и стал употреблять для моделирования формы мелкие мазки чистых красок, которые доминируют в цветовом строе произведения. В акварелях, выполненных в Голландии, Нормандии или в Париже, Йонткинд изображает не только конкретную местность, но явления самой природы, ее изменчивый колорит. Работы отличаются удивительно свободным почерком. Художник улавливает мельчайшие цвето — световые нюансы в явлениях природы, соединяя их в единое целое. Йонткинд писал очень быстро, и часто выполненные им за один сеанс акварели кажутся законченными произведениями. Пейзажи оживляются присутствием людей, вереницами барж, прохожими на мостах Сены и бульварах Парижа. Мастерство Йонткинда отметил Поль Синьяк: Одним уверенным штрихом, одним бликом света Йонткинд фиксирует самую их жизнь, передает самую их сущность, их движение, все то, что их характеризует, все то, что заставляет без колебаний и оговорок полюбить их. Работая непосредственно на природе, мастер тонко чувствует переходы освещения, движение облаков и воды. Он не ограничивается передачей увиденного, его усилия направлены на поиски типического в жизни города или провинции.

Йонгкинд, Иоган Бартолд: Ветряные мельницы, 1869 г. Кембридж.

Прожив много лет во Франции, Йонткинд сохранил верность Голландии.

О своей родине он говорил: «Страна прекрасна по своему национальному духу; я говорю национальному, так как мельницы, порты, аллеи, деревья все это носит национальный характер». И потому художник еще более пристально изучал природу, чем барбизонцы. «В небе, говорил П. Синьяк, где другие видят только пустую плоскость, потому что они так знают, Йонткинд, который смотрит, открывает множество различных элементов». П. Синьяк давал высокую оценку Йонткинду, его колористическому мастерству, редким сочетаниям красок, с помощью которых он добивался тончайшей игры света и цвета. Йонткинду во многом помогли свежесть и яркость красок Делакруа, Констебла и Тернера, достижения романтизма. В позднейший период творчества акварели, над которыми мастер работал в Гренобле, отличаются большей экспрессией и свободой письма. В натурных пейзажах он запечатлевал неустойчивые явления природы: гонимые ветром облака, разрывы туч, эффекты светотени. Всматриваясь в его акварельные листы, можно с уверенностью сказать, что Йонткинд использовал лишь один предварительный карандашный рисунок, определяющий композиционное решение мотива и ход письма. Он следовал за Делакруа, Коро, Руссо, предваряя развитие импрессионизма.

При подготовке публикации были использованы материалы статьи
«Голландская акварель» А. Михайлова, М. 1989 г.

ГАЛЕРЕЯ:

«Возвращение блудного сына». Рембрандт Харменс ван Рейн. Акварель

«Цветы». Ян Ван Ос. Акварель. 18 век.

«Алегория». Ян де Вит. Акварель, 18 век

20 самых известных художников мира и их знаменитые картины

Рафаэль Санти (1483 – 1520)

Рафаэль был творческой, всесторонне развитой и одаренной личностью, поэтом и величайшим художником, чьи работы очень ценились в Ватикане. Это один из величайших художников мира, который нашел особую манеру изображения пространственной перспективы, как в «Обручении Девы Марии».

Известные работы:

«Святой Георгий и дракон» (1506).

«Донна Велата» (1515).

«Диспут о Святом Причастии» (1510).

«Преображение Господне» (1520).

«Сикстинская Мадонна» (1512).

В «Сикстинской Мадонне», самом известном его шедевре, впечатляет буквально все – от одухотворенного лица девственницы до прорисовки «облака свидетелей» духовного мира. Одна из «простеньких» его графических работ была продана на аукционе Сотбис за 30 млн фунтов стерлингов.

Рембрандт Ван Рейн (1606 – 1669)

Среди самых известных художников он считается менее знаменитым, но ему удалось опередить время и внести свою лепту в мировую сокровищницу:

«Даная» (1647).

«Ночной дозор» (1642).

«Саския в образе Флоры» (1634).

«Блудный сын в таверне» (1635).

«Возвращение блудного сына» (1669).

В Эрмитаже выставлено «Возвращение блудного сына», знаковое полотно на библейский сюжет. Это вечная тема взаимоотношений отцов и детей, где четко видно – сострадание отца к неразумному юноше превыше справедливого гнева владельца большого имения.

Сальвадор Дали (1904 – 1989)

Самый эпатажный среди наиболее известных художников – Сальвадор Дали, с его особым способом мышления и трансформации образов. Многие, впервые разглядывая его полотна, восклицают: «Как можно было до такого додуматься?!». Сложно забыть его работы, особенно лихо закрученные усы с автопортрета и эти текущие циферблаты.

Известные работы:

«Постоянство памяти» (1931).

«Архитектонический «Анжелюс» Милле» (1933).

«Распятие Христа» (1954).

«Живой натюрморт» (1956).

«Лик войны» (1941).

Испанец Сальвадор Дали был одинок из-за широты ума, сложным для понимания обывателями. Он был сюрреалистом, гением, но только не безумцем.

Сандро Боттичелли (1445 – 1510)

Один из наиболее значимых мастеров Возрождения внес большой вклад в развитие особой манеры флорентийской школы живописцев. Пример – «Поклонение волхвов» на библейский сюжет.

Известные работы:

«Благовещение» (1490).

«Поклонение волхвов» (1482).

«Мистическое Рождество» (1501)

«Аллегория силы» (1470).

«Рождение Венеры» (1485).

«Рождение Венеры» из пены морской – одно из всемирно известных полотен самого выдающегося художника XV века. Сегодня это один из наиболее растиражированных образов.

Поль Гоген (1848 – 1903)

Рассказывая о великих художниках мира, нельзя не вспомнить о французском живописце Гогене. Его считают противоречивой фигурой в искусстве, в основном из-за влияния этнических мотивов на его манеру, как в полотне «День божества» (Таити).

Известные работы:

«День божества» (1894).

«Борьба Иаков с Ангелом» (1888).

«Желтый Христос» (1889).

«Больше никогда» (1867).

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идём?» (1898).

Светское общество осуждало его за женитьбу на таитянке. Островитяне его боялись, видя в нем «демона», из-за которого они страдали бессонницей. Коллеги не принимали новаторства его полотен, обвиняя в расизме и женоненавистничестве. Но это не помешало ему войти в золотую двадцатку гениальных художников.

Микеланджело Буанаротти (1475 – 1564)

Он был итальянским художником в расцвет эпохи Возрождения. А еще он был непревзойденным скульптором и архитектором, украсившим Рим своими шедеврами. Каждое утро в Ватикан стекаются толпы туристов, чтобы восхищаться изваянием Матери Иисуса Христа, только что снятого с креста.

Известные работы:

Базилика Св.Петра в Ватикане.

«Фреска «Страшный суд» (1541).

«Давид», мраморная статуя (1504).

«Пьета», скульптура (1499).

«Сотворение Адама» (1512).

Две соприкасающиеся кисти руки – шедевр, который не смогли превзойти другие всемирно известные художники. Это фрагмент фрески «Сотворение Адама», где зрителей смущает не только откровенная нагота, но и пупок на животе юноши. Его не должно быть у существа, появившегося на свет не в результате рождения из материнской утробы, а по замыслу сотворения первых людей.

Густав Климт (1862 – 1918)

Среди великих австрийских художников почетное место занимает один из самых ярких представителей европейского модерна. Его «Поцелуй» и «Золотая Адель», написанные в особой манере, входят в 20-ку самых дорогих картин, проданных на аукционах после смерти гения.

Самые известные работы:

«Поцелуй» (1908).

«Портрет Адели Блох-Бауэр» (1907).

«Юдифь и голова Олоферна» (1901).

«Портрет Адели Блох-Бауэр» был выкраден нацистами. Он выставлялся в картинной галерее, был продан на закрытых торгах за 135 млн долларов. Но его законная владелица, получившая шедевр по наследству, смогла отсудить право обладания и по-своему распорядится репродукцией.

Эдвард Мунк (1863 – 1944)

Никому из великих художников не удавалось запечатлеть на полотне запахи и звуки. Но есть одно исключение – глядя всемирно известный шедевр норвежца Мунка, слышишь внутри себя этот полный тревоги и отчаянья, пронзительный «Крик». Образ был навеян переживаниями от посещения сестры в сумасшедшем доме, стоявшего возле бойни. Смешанные звуки умалишенных и обреченных животных порождали в нем ужас, дополненный ожиданием той же участи.

Картины Мунка:

«Крик» (несколько версий).

«Танец жизни» (1900)

«Мадонна» (1895).

«Меланхолия» (1896).

Имя Мунка упоминалось в серии нашумевших ограблений картинных галерей. «Крик», «Мадонну» и другие работы разыскивали месяцами, пока не вернули. Но самым узнаваемым остается вытянутое лицо плывущей фигуры на мосту Осло в Христиании. Кто это или что это? Эксперты так и не пришли к единодушному мнению. Но образ растиражирован в кино и поп-арте.

Поль Сезанн (1839 – 1906)

Творчество французского живописца имело огромное влияние на известных мировых художников эпохи постимпрессионизма ХХ века. Благодаря творческим изысканиям, лучшие работы написаны в разной манере.

Известные работы:

«Молодая итальянка» (1896).

«Пьеро и Арлекин» (1888).

«Берег Марны» (1888).

«Игроки в карты» (1893).

«Гора Сент-Виктуар и Черный замок (1906).

Уход от масляных красок и работа акварелью принесла еще больше легкости его творениям. Приверженцы классики его так и не поняли, но это не умаляло его таланта.

Эдуард Мане (1832 –1883)

У знаменитых художников часто бывает, что мировое признание приходит после разгромной критики одной из самых «провальных» работ. Один из родоначальников французского импрессионизма. Эдуард Мане картиной «Олимпия» бросил вызов фальшивому пуританству общества. Никому до него не удавалось так реалистично отражать мысль и едва уловимые эмоции, преображающие лица его натурщиц. Он высмеял нравы общества, тайно мечтавшего о разврате и вседозволенности, но тщательно прикрывавшего свою сущность фраками и оборками.

Какими только эпитетами не обсыпали обнаженную натуру, лишенную изъянов. Служанку на заднем плане даже сравнивали с самкой гориллы. Однако это полотно входит в сокровищницу мирового искусства, и это одна из самых узнаваемых работ того времени.

Известные полотна:

«Олимпия» (1863).

«Бар в «Фоли-Бержер» (1882).

«Аржантей» (1874).

«Балкон» (1868).

«Портрет Берты Моризо» (несколько полотен).

Существует несколько портретов Берты Моризо, его возлюбленной. Еще вначале своих творческих поисков Мане перешел от живописи к портрету. Эксперты так и не пришли к единодушному мнению в том, является ли полотно «Любитель абсента» автопортретом или зарисовкой незнакомца.

Иероним Босх (1450 – 1516)

Самым непонятным для современников и потомков среди известных художников эпохи Возрождения остается Босх. Его картины – аллегорическое изображение библейских образов и сцен ада с мифическими существами, наполовину людьми и полу-демонами одновременно.

Известные работы:

Триптих «Сад земных наслаждений» (1510).

Цикл «Блаженные и проклятые» (1505).

«Искушения Святого Антония» (1506).

«Семь смертных грехов» (1480).

«Несение креста» (1500).

«Брак в Кане Галилейской» (1501).

Жизненный путь человеческих душ, со времен грехопадения Адама и Евы, была его любимая тема. Путь от земных наслаждений до адских мук – в слегка ироничных, но таких узнаваемых картинах Иеронима Босха. Впечатляют также лица, изображенные в массовых сценах, на библейские сюжеты. Его последователи научились писать в подобной манере, но так не смогли превзойти великого мастера.

Анри Матисс (1869 – 1954)

Матисса считают основоположником и ярким представителем школы фовизма во французской живописи. Попытки передать настроение через цвет сделали его одним из самых ярких новаторов ХХ века. Матисс своими известен творческими изысканиями, поэтому некоторые его работы больше похожи на полотна других живописцев. Танец из 5 красных фигур – самое известнее полотно, его используют в качестве эмблемы международных мероприятий.

Другие работы:

«Радость жизни» (1906).

«Женщина в шляпе» (1905).

«Роскошь, Спокойствие и Наслаждение» (1905).

«Голубая обнаженная» (1907).

Художники-импрессионисты, современники Анри Матисса, в чем-то тоже повлияли на творческие изыскания великого художника, но он остался верен своему направлению.

Фрида Кало (1907 – 1954)

Мир знает много талантливых живописцев. Но в 20-ке гениев есть только одна женщина с мужским характером – мексиканка Фрида Кало. Она писала, в основном, автопортреты, но в разных образах, дополненных аллегорией.

Известные работы:

«Две Фриды» (1939).

«Натюрморт «Да здравствует жизнь» (1951).

«Обнимая любимца мира» (1949).

«Размышляя о смерти» (1943).

«Корни – 2» (1943).

Художница прожила нелегкую жизнь, у нее было слабое здоровье, но Фрида занималась боксом даже с полиомиелитом, будучи бойцом по натуре. Она имела неуемную фантазию и особый почерк, которому позавидовали бы многие начинающие живописцы. Она писала свои полотна на грани сюрреализма, символизма и натурализма.

Франсиско Гойя (1746 – 1828)

Типичный представитель эпохи романтизма. При дворе испанского короля Гойя быстро утратил свой идеализм, присущий многим великим художникам. Видя человеческие пороки, не мог оставаться прежним. В своих полотнах изображал грешное и святое – «Экстаз Св. Антония».

Некоторые картины:

«Шабаш ведьм» (1798).

«Маха обнаженная» (1800).

«Сумасшедший дом» (1819).

«Свадьба» (1792).

«Распятие Христа (1780).

«Сострадание» (1774).

Как художник, Гойя был очень плодовитым. За 82 года жизни он оставил миру больше сотни полотен высокого художественного уровня. Испанец с тонкой душевной организацией и ранимой душой смотрел на мир доверчивыми глазами. Но, в отличие от большинства всемирно известных художников, сумел разбогатеть на своем творчестве и дорасти до должности придворного портретиста.

Знаменитые художники очень разные по тематике работ и стилю изображения. Многие работы узнаваемые, над другими репродукциями горами спорят эксперты, обсуждая, подлинник это или хорошая копия. Сегодня любую картину можно найти на просторах интернета, сделать компьютерную версию для раскраски по номерам, распечатать на обоях или сделать вышивку. Но нельзя претендовать на авторство, потому что все знают, что это Ван Гог, Рембрандт, Мунк или Пикассо.

Смотрите также:

Картины Клода Моне

Картины Леонардо да Винчи

Картины Винсента Ван Гога

Картины Пабло Пикассо

Картины Питера Пауля Рубенса

Картины Пьера Огюста Ренуара

Картины Рафаэля Санти

Картины Рембрандта Ван Рейна

Картины Сальвадора Дали

Картины Сандро Боттичелли

Картины Поля Гогена

Картины Густава Климта

Картины Анри Матисса

Картины Поля Сезанна

Известных художников-акварелистов — Университетское искусство

АЛЬБРЕХТ ДЮРЕ

Акварель существует с самого зарождения живописи, но не получила широкого распространения до эпохи Возрождения. Немецкий гравер Альбрехт Дюрер был одним из первых практиков и нашел этот материал идеальным для небольших подробных исследований.

Альбрехт Дюрер, Заяц, 1502

УИЛЬЯМ БЛЕЙК

Акварель оставалась второстепенной дисциплиной в мире живописи в течение некоторого времени, пока английский гравер и поэт Уильям Блейк заново не открыл ее иллюстративную силу, когда он использовал ее для раскрашивания гравюр вручную.

Уильям Блейк, Древний днями, 1794

J.M.W. ОБОРОТНИК

Немного более молодой современник Блейка, Дж. М. У. Тернер также обнаружил, что акварель является идеальным средством для пленэра. живописи. Поразительно атмосферные и выразительные картины Тернера, изображающие сельскую местность и морские пейзажи Европы, предвосхитили движение импрессионистов более чем на 50 лет и превратили пейзажную живопись в жизненно важную дисциплину там, где раньше она была прерогативой любителей-натуралистов и любителей.

Дж. М. В. Тернер, Замок Долбадарн, 1799

Дж. М. У. Тернер, Венеция, глядя на восток с Гайдекки, восход солнца, 1819

ТОМАН МОРАН

В то же время в Соединенных Штатах британец Томас Моран писал пейзажи еще малоизвестных западных Скалистых гор. Он даже был включен в одну из первых экспедиций в то, что впоследствии стало Йеллоустонским национальным парком. Акварели были одними из многих инструментов его ремесла.

Томас Моран, Castle Geyser, Верхний бассейн Гейзера, 1871

ДЖЕЙМС МАКНИЛ УИСТЛЕР

Хотя вы, возможно, знаете его работы по знаменитой картине его матери, которую он написал, Джеймс Макнил Уистлер был еще одним британцем, весьма искусным в акварели. Чрезвычайная портативность носителя сделала его полезным для быстрых набросков, где бы Уистлер ни находился. Его энергичные, сокращенные мазки и экономичные мазки цвета контрастируют с гораздо более мрачной палитрой и сдержанным нанесением знаков на его картинах маслом.

Джеймс Эббот Макнил Уистлер, Цветочный рынок, 1885

WINSLOW HOMER

Пожалуй, самым известным акварелистом XIX века был Уинслоу Гомер. Гомер был в основном художником-самоучкой, который так тщательно использовал акварель для своих многочисленных пейзажей, морских пейзажей и сцен повседневной жизни в Америке 19-го века. Уважение Гомера к возможностям акварели побудило многих его современников тоже попробовать ее.

Уинслоу Гомер, Голубая лодка, 1892

ДЖОН СИНГЕР САРЖЕНТ

Джон Сингер Сарджент родился в Америке, но работал в основном в Англии.Он был известен своими портретами маслом, но во время своих многочисленных путешествий он задокументировал большую часть своего окружения акварелью, изображая предметы, которые он никогда не пытался рисовать маслом, например эту церковь в Венеции, Италия.

Джон Сингер Сарджент, Санта-Мария-делла-Салюте, 1904 г.

ПОЛ КЛИ

В то же время в живописи произошел значительный сдвиг в сторону абстракции в начале 20-го века, и многие движения, последовавшие за импрессионизмом, привели к другим направлениям для исследования акварели.Работы швейцарца Пауля Клее варьировались от экспрессионизма до кубизма, и акварель играла роль в его абстрактных исследованиях.

Пауль Клее, Красные и белые купола, 1914

ГРУЗИЯ O’KEEFFE

В США Джорджия О’Кифф использовала акварель как средство исследования ярких цветов и света, свидетелем которых она стала после переезда в сельскую местность Нью-Мексико.

Джорджия О’Кифф, Санрайз, 1916

ЭДВАРД ХОППЕР

Эдвард Хоппер интересовался более тонкими качествами света и тем, как они могут быть полезны при изображении мест, пережитых американцами.

Эдвард Хоппер, Адамс Хаус, 1928

ДЖЕЙМИ УАЙТ

Американский художник Джейми Уайет часто рисовал акварельными красками drypoint , где используется очень мало воды. Преемник отца Эндрю и деда Н.С. Уайета, оба восхищались американскими художниками, Джейми большую часть своей карьеры посвятил изображению сельских пейзажей Новой Англии и продолжает активно работать по сей день.

Джейми Уайет, Слейтон Хаус, 1968

Сегодня современная акварельная сцена так же жизнеспособна и активна, как и когда-либо, и многие художники со всего мира посвятили себя этой драгоценной среде.Как вы примете участие в формировании этого развития акварели?

Впечатляющих акварельных картин известных памятников старой Европы

Водопад Кейла-Йоа. Эстония

Древняя европейская архитектура прекрасно сочетается с акварельным искусством и по сей день вдохновляет бесчисленное количество художников. Но не только талант необходим, чтобы передать дух определенного места, зрение так же важно, как и способность точно нарисовать определенное место.

На мой взгляд, российский графический дизайнер и художник-акварелист Элеонора Милль обладает исключительным талантом понимать и преобразовывать дух определенного места на бумаге. Элеонора путешествует по миру, делая несколько живых набросков на каждый предмет, а затем создает финальную картину в своей студии. Милл в основном специализируется на европейской архитектуре, и в этой коллекции произведений искусства я продемонстрирую работы Милля в разных местах по всей Европе.

Подробнее: Instagram

В Таллинне мерцает солнце

«Перемирие под сенью золотого века» Аахен.Германия

Oteppe, Льеж, Бельгия

Прекрасный Франкфурт с глинтвейном и рождественской ярмаркой

Брюгге, Бельгия

Бельгия

Выборг, Россия

Бернкастель-Кус, Германия

Санкт-Петербург, Россия

Хаапсалу, Эстония

Амстердам, Нидерланды

Ботанический сад Санкт-Петербурга

Город Хвар, остров Хвар, Хорватия

Цитадель Намюра, Бельгия

Замок Рейнхардштайн, Бельгия

Тарту, Эстония

Моншау, Германия

Левен, Бельгия

Бельгия

Намюр, Бельгия

(Посещений 1 раз, сегодня 1 посещений)

известных китайских художников-акварелистов

Акварель, улица (1957), китайский художник: Си Де Цзинь

Китайский художник акварелью: Си Де Цзинь (1923-1981)

Си Де Цзинь родился в провинции Сычуань, Китай.В 1948 году окончил Художественную академию Ханчжоу по специальности акварель. Он переехал на Тайвань и позже получил премию Чун Шань в 1975 году. Си Де Цзинь преподавал на факультете архитектуры Университета Цмчан и в Национальном педагогическом университете Тайваня. Он ненадолго уехал в Париж на 3 года.

Акварельная живопись, Мирный сад (1997), 96 × 106 см, известного художника Дин Шао Цюаня.

Художник: Дин Шао Куанг (1937-)

Дин Шао Куанг, также известный как Тин Шао Куанг, родился в Шаньси.Он окончил Центральную академию искусств и ремесел в 1962 году. В 1962-1980 годах он преподавал в Академии художеств Юньнани. Его самой известной картиной была большая фреска для Большого Зала Народов под названием «Сишуаньбаньна, место красоты и чудес». Он переехал в США в 1980 году. Его работы широко выставлялись. Одна из его гравюр на дереве: «Свет прав человека», выпущенная ООН по всему миру в 1993 году, «Материнство» в 1994 году и «Религия и мир» в 1995 году. Шесть его картин были изготовлены с марками и собраны в Женеве. (** Еще картины этого художника)

Акварель, сцена Пекина (1954), 46,5 × 36,5 см, художник Ву Гуань Чжун

Автор: У Гуаньчжун (1919-2010)

У Гуаньчжун родился в провинции Цзянсу. Он изучал искусство в Национальной академии искусств в Ханчжоу, затем посещал классы масляной живописи в Национальной школе изящных искусств в Париже, получая государственную стипендию. Он был лектором в Центральной академии изящных искусств в Пекине, университете Цинхуа, Пекинском педагогическом колледже изящных искусств и Центральном институте искусств и ремесел.У Гуанчжоу стал ведущим мастером китайской живописи 20-го века и познакомил своих учеников с западным искусством и абстрактными формами. Он использовал принципы западной живописи, но добавил духовые и тональные вариации чернил, характерные для китайского стиля. В 1992 году выставка «У Гуаньчжун: китайский художник ХХ века» в Британском музее в Лондоне.

---

новых «8-битных» акварельных картин, вдохновленных знаменитыми произведениями искусства и иконами поп-культуры Адама Листера

Изобразительное искусство

#рисование #поп-культура #Звездные войны #акварель

4 января 2016

Кейт Серзпутовски

Бар в отеле Folies Bergere

Адам Листер (ранее здесь и здесь) воссоздает известные произведения искусства с помощью акварельных картин, которые выглядят так, как будто они были взяты непосредственно из Atari 1980-х годов.Модулированная техника делает каждое изображение футуристическим, даже если работа представляет собой переосмысление произведения Жоржа Сёра конца XIX века «Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт ».

Помимо воссоздания известных картин в этом почти кубистическом стиле, Листер также пишет портреты известных поп-икон, более ранних работ, включая Попая и Дарта Вейдера. В сентябре этого года Листер провел персональную выставку в White Walls в Сан-Франциско под названием «Разъяснение.На выставке были представлены многие из его работ обычного размера, а также несколько миниатюрных картин, на которых изображены предметы от досок «Монополия» до знаменитой тигровой акулы Дэмиена Херста, взвешенной в формальдегиде (« Физическая невозможность смерти в сознании живущего человека »). .

Вы можете просмотреть его печатные издания ограниченного тиража и новые выпуски на его веб-сайте здесь.

Великая волна, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Афинская школа, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Олимпия имени Мане

Дама с горностаем по да Винчи

La velata по Рафаэлю

bb8, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Боба Фетт и Дарт Вейдер, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Херст, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Монополия, изображение предоставлено White Walls San Francisco

Popeye, изображение предоставлено White Walls San Francisco

#рисование #поп-культура #Звездные войны #акварель

Имеют ли для вас значение такие рассказы и художники? Станьте колоссальным членом и поддержите независимые публикации в области искусства.Присоединяйтесь к сообществу читателей-единомышленников, которые увлечены современным искусством, помогите поддержать нашу серию интервью, получите доступ к партнерским скидкам и многое другое. Присоединяйся сейчас!

---

---

---

---

---

Art with the Magical Color Blue

Синий цвет называют волшебным оттенком, способным вызывать расслабление, умиротворение и вдохновение и даже связывать нас с высшими состояниями сознания. Достаточно сказать, что если вы хотите привнести какие-либо из этих качеств в свое физическое окружение, ищите искусство с синим цветом.Вы можете выбирать из множества различных оттенков цвета, встречающихся в различных стилях искусства. Варианты синего цвета могут различаться по оттенку, цветности (также называемой насыщенностью, интенсивностью или красочностью) или яркостью (или значением, тоном или яркостью).

В этой презентации мы делимся «синими» работами известных художников прошлого, а также нескольких современных художников, входящих в онлайн-галерею «Исцеляющая сила искусства и художников». Мы также предлагаем некоторые новые и хорошо известные факты о преимуществах цвет синий и известные цитаты.

«Голубые водяные лилии» Клода Моне, написанные в 1916-1919 годах. Сейчас он находится в коллекции Музея Орсе, Париж, Франция.

Клод Моне создал множество картин, в которых использовался синий цвет, например «Голубые водяные лилии», показанные выше. Умиротворяющее присутствие синего цвета в этой картине неоспоримо.

Анри Матисс, «Голубая обнаженная» II, вырезы из бумаги, нарисованные гуашью, приклеенные к бумаге, наклеенной на холст, 45,7 ″ × 35 ″.

«Голубая обнаженная» — это серия цветных литографий Анри Матисса, сделанных из вырезок, изображающих обнаженные фигуры в различных положениях.Художник создавал их, вырезая и раскрашивая листы бумаги вручную после операции по поводу рака, и продолжал до своей смерти в 1954 году. Вы можете больше узнать о его серии вырезок в книге «Анри Матисс и исцеляющая сила искусства». ».

«Синий» — это название четырех акварельных картин, написанных Джорджией О’Киф в 1916 году. Это был один из наборов акварелей, которые она создала, исследуя монохроматическую палитру с рисунками, не отражающими конкретные объекты.

Джорджия О’Киф, синий № 1, около 1916 г., бумага, акварель, графит, 15.9 ″ x 10,9 ″. В коллекции Бруклинского музея.

О синем цвете Василий Кандинский писал: «Чем глубже становится синий цвет, тем сильнее он призывает человека к бесконечному, пробуждая в нем стремление к чистому и, наконец, к сверхъестественному…»

Итальянский художник Джотто выразил свою сильную одержимость синим цветом в своей картине потолка капеллы Скровеньи в Падуе, Северная Италия.

Пикассо пережил свой знаменитый «голубой период» между 1900 и 1904 годами.Это был его ответ на его эмоциональные потрясения и финансовую нужду. Цвет доминирует в каждом произведении, и настроение, которое пронизывает эти работы, — это настроение глубокой меланхолии.

Подробнее об этих художниках и их использовании цвета можно прочитать в статье «Мастера-художники и их связь с цветом».

Художники-участницы делятся искусством с «синим» цветом

Мы надеемся, что вам понравится эта презентация «Синий» некоторых художников-участников, которые используют этот цвет по-разному.Нажмите на их имена, чтобы посетить их страницы. Также посетите их веб-сайты, чтобы увидеть больше их работ.

Андреа Робинсон, Новый пейзаж, холст, масло, 12 ″ x 18 ″.

Андреа Робинсон широко выставляется в Новой Зеландии и за рубежом в галереях и выставках альтернативного пространства в дополнение к международным он-лайн международным галереям. Отмеченный наградами художник, заботящийся об окружающей среде, заявляет: «Создание произведений искусства так же важно для меня, как воздух, которым я дышу. Я люблю прославлять природу и раскрашивать окружающую природу, чтобы вдохновлять и воодушевлять зрителей.”

Знаете ли вы эти факты о синем цвете? Комаров синий цвет привлекает вдвое больше, чем любой другой цвет. Синие птицы не видят синий цвет. Совы — единственные птицы, которые могут видеть синий цвет.

Питер Н. Ван Гизен, В туманный свет, холст, акрил, 24 ″ x 30 ″.

Питер Н. Ван Гизен, известный своими картинами «Сохраняя вечную ауру природы», является активным членом Федерации канадских художников и провел множество выставок, в том числе в Художественной галерее Большой Виктории.Он делится: «Я проникаю в ткань мира, чтобы исследовать динамику напряжения и эластичности, создавая образы, основанные на взаимодействии тьмы и света…»

Знаете ли вы это о синем цвете? Синий цвет имеет библейское значение, символизируя небесную благодать. Деву Марию часто изображают в синей одежде.

Мэри Чаплин, Голубое солнце, холст, акрил, 39,37 ″ x 39,37 ″.

Мэри Чаплин получила множество похвал, включая публикацию ее работ в нескольких публикациях, в том числе на обложке журнала Artists Magazine .Художник заявляет: «Я делюсь своей силой, позитивом, энергией, основанной на балансе и силе цветов, форм в свете, сохраняющих эфемерное ощущение красоты и хрупкости, как метафору жизни в целом».

Знаете ли вы этот факт о синем цвете? Слово «Ультрамарин» происходит от латинского «ультра», означающего «за пределами», и «кобыла», означающего «море». Это один из старейших синих пигментов. Самые ранние свидетельства использования этого цвета относятся к 6-7 векам нашей эры и могут быть найдены в храмах Бамиана, Афганистан.

Кейси Шеннон, «Синие бутоны», суми (тушь) и акварель, 8 ″ x 8 ″.

Кейси Шеннон — современный художник суми-э. Среди ее многочисленных наград — престижная премия Sumi Art Cultural Award от храма Нефритового Будды, провинция Лайонин в городе Аншань, Китай. Художник поясняет: «Суми-э выражает характер и душу художника. Это медитативный процесс, личный в духовном плане. Понимание этой концепции было в центре моего искусства ».

Знаете ли вы это о синем цвете? В цветотерапии синий управляет горлом и щитовидной железой, поэтому он играет важную роль как в речи и общении, так и в метаболических функциях организма.

Тери Ли Тид, Безмятежность, фотография, сделанная из Смоки-Маунтинс в Северной Каролине. Чероки называют эту местность Шаконаж, страной голубого дыма.

«Искусство исцеляющего духа» Тери Ли Тид выставлялось на многих выставках жюри, и она является лауреатом награды за выдающиеся достижения на кураторских выставках Manhattan Arts International. Она заявляет: «Когда мы открываем наши сердца и создаем искусство с намерением делиться любовью, мы дарим себе и миру силу исцелять».

Вы знаете эту цитату Базза Олдрина о нашей голубой планете? «Когда я смотрю на Луну, я чувствую себя как на машине времени.Я вернулся к той драгоценной точке времени, стою на мрачном — но прекрасном — Море Спокойствия. Я мог видеть нашу сияющую голубую планету Земля, балансирующую во тьме космоса ».

Рупа Дадли, Cosmic Connection, акрил, 20 ″ x 16 ″.

Рупа Дадли создает смелые, красочные и драматические картины, которые затрагивают чувства и бросают вызов интеллекту. Она выставляла свое искусство на многих выставках жюри. Она заявляет: «Я пытаюсь рассказать историю с помощью картин, которые я создаю. Моя цель — дать визуальный голос абстрактным концепциям и сновидениям.”

Знаете ли вы это о синем цвете? Есть свидетельства того, что еще в 600 году до нашей эры майя использовали свой собственный синий цвет. Maya Blue можно найти в древнем городе Чичен-Ица. Пигмент приобрел известность в 8 веке, когда он широко использовался для росписи фресок классического периода майя.

Кэролин WarmSun, Forest Reverie, смешанная техника

Кэролайн WarmSun вдохновлена ​​природным миром, который она описывает как «источник чудес, вдохновения и исцеления.Мне нравятся элегантные системы естественного мира и взаимосвязь всех вещей, обогащенные моим изучением индейской духовности и буддизма. Моя работа направлена ​​на то, чтобы отразить дух природы и природу духа ».

Знаете ли вы этот факт о синем цвете? Говорят, что королевский синий был создан мельниками из Роде, Сомерсет, консорциум которых выиграл конкурс на изготовление платья для королевы Шарлотты, супруги короля Георга III. Императорский синий записан как альтернативное название традиционного королевского синего цвета.

Дорит Брауэр, «Восход», холст, масло, 30 ″ x 30 ″

Картины Дорит Брауэр в ее «Серии космического возрождения» были написаны разными оттенками синего. Они вызывают расслабление, умиротворение и вдохновение и могут соединить зрителей с высшими состояниями сознания. Каждая картина отправляет нас в свое внутреннее путешествие.

Она рассказывает о синем цвете: «Я выбрала синий в качестве преобладающего цвета в моей серии« Космическое возрождение »2020 года из-за его успокаивающего эффекта. Во многих культурах синий цвет несет мир и символизирует защиту и истину.”

Дж. Карли Адамс, «Взгляд сквозь тюльпаны», фотография, размеры меняются.

Дж. Карли Адамс запечатлела ряд прекрасных пейзажей, с которыми она сталкивается в мире природы. Одна из ее фотографий была выбрана для онлайн-выставки «Наша связь с природой» «Целительная сила ИСКУССТВА и ХУДОЖНИКОВ». Она заявляет: «Я хочу, чтобы люди интересовались моими фотографиями, видели красоту и получали чувство покоя и спокойствия».

Знаете ли вы этот факт о синем цвете? Искусство с преобладанием синего цвета настоятельно рекомендуется для терапевтических кабинетов, где оно способствует выздоровлению, и в офисах, где оно улучшает обучение и ясное мышление.

Мэри Лу Доре, «Айсберг на закате», картина акрилом, 54 ″ x 54 ″.

Мэри Лу Даурэ, художница из Калифорнии, провела множество выставок по всей территории США, в том числе одну в Музее Вирджинии. Ее исландские картины маслом были показаны на Олимпийских играх в Лондоне под эгидой «Искусство олимпийцев». Она утверждает: «Мое искусство отражает мою творческую реакцию на путешествия и глубокую озабоченность по поводу причин и последствий разрушения климата Земли…»

Знаете ли вы этот факт о синем цвете? Синий в фэн-шуй имеет естественное сходство с водой и, таким образом, разделяет с этим элементом потенциал, чтобы быть либо спокойным и успокаивающим, либо свободно текущим и раскрепощенным.

Джулия Андервуд, Oceans

Джулия Андервуд создает яркие картины с богатыми цветами, ритмичными кривыми и плавными движениями, которые вызывают чувство блаженства и спокойствия. Она применяет свои знания принципов фэн-шуй в своем искусстве, которое охватывает множество стилей, всегда позитивно и обнадеживающе.

Она рассказывает о синем цвете: «Водная стихия и поток общения. Синий поддерживает поток информации. Светлый синий цвет способствует умиротворению и умиротворению.Темный синий цвет хорош для безопасности, защищенности и защищенности и хорош для богатства и благословений, а также для карьеры вашего дома или офиса ».

ПОЖАЛУЙСТА, ПОДЕЛИТЬСЯ

к

10 самых известных картин природы

На протяжении всей истории человечества большая часть нашего искусства восходит к изображениям природы в той или иной форме. Многие из самых популярных стилей живописи затрагивают естественные сцены, включая животных, пейзажи, деревья, цветы и почти все, что можно найти в дикой красоте Земли.

Некоторые из величайших художников в истории стремились изобразить природу различными способами, в том числе те, которые придерживаются высокого уровня реализма, или акварельные картины, в которых основное внимание уделяется естественным оттенкам различных существ и растений.

Природа часто служила источником вдохновения для многих популярных художников в какой-то момент их жизни.

Немногие художники обладали способностью запечатлеть природу во всем ее редком великолепии, но некоторым удалось создать произведения, которые подчеркивают некоторые из самых впечатляющих аспектов природы.Вот 10 самых известных картин природы в истории.

Известные картины природы

1.

Кувшинки — Клод Моне

Клод Мани посвятил большую часть своей карьеры художнику рисованию различных сцен в собственном цветочном саду, которым он очень гордился и который поддерживал.

Его работа «Кувшинки» была написана в 1906 году как часть расширенной серии знаменитых картин, изображающих множество различных сцен естественного великолепия в саду.

Моне начал рисовать работы в разных ракурсах его сада, с акцентом на небольшой пруд и пешеходный мост художника. На протяжении многих лет Моне стремился глубже понять, что именно делало эти сцены такими привлекательными с их красочным очарованием.

«Водяные лилии» — это особая картина, полностью посвященная воде в его саду и множеству различных кувшинок, разбросанных по пруду.

Эти работы получили высокую оценку искусствоведов и энтузиастов за глубоко красочное изображение безмятежных наблюдений за природой.Моне смог запечатлеть сад во всей его красоте с помощью композиций, которые почти не имеют себе равных, если принять во внимание самые известные картины природы в истории.

2.

Тигр во время тропической бури (удивлен!) — Анри Руссо

Анри Руссо начал свою художественную карьеру вне круга популярных художников и критиков своего времени.

Его работа под названием «Тигр во время тропической бури (удивлен!)» Была одной из его ранних картин и была высмеяна некоторыми критиками как слишком детская.Тем не менее, некоторые любители искусства увидели множество различных красочных слоев как один, заслуживающий восхищения, когда он был впервые показан в 1891 году.

На картине изображен тигр посреди мощной бури, готовый наброситься на неизвестную жертву. Позже Руссо прокомментировал, что тигр готовился атаковать группу исследователей. Его использование множества различных зеленых тонов показывает пышную и сложную природу джунглей.

С тех пор многие энтузиасты искусства хвалили работу Руссо за то, что он под другим углом рассматривает часто изображаемые джунгли.Руссо использовал серебряную краску, чтобы изобразить капли дождя, которые, как показано, стекают с исключительно сильным ветром.

Его работы вызывали споры на протяжении всей его жизни, но после его смерти Руссо стал одним из художников, которые особенно любили сцены природы.

3.

Ирисы — Ван Гог

Винсент Ван Гог был одним из немногих художников, у которых была способность извлекать каждую крупицу значения из разных цветов и оттенков природных объектов.Многие из его работ были посвящены цветам, но его картина под названием «Ирисы» была исключительно известна среди тех, кто любит картины с природой.

Ирисы были написаны в 1889 году после того, как Ван Гог пережил особенно темные времена в своей личной борьбе с психическим заболеванием. Он часто занимался членовредительством, в одном случае, как известно, отрезал себе ухо, прежде чем его поместили в приют в Сен-Реми, Франция. Там он написал более 100 работ, многие из которых были посвящены саду учреждения.

Его работа под названием «Ирисы» была написана всего за год до смерти художника и была представлена ​​его братом в Salon des Indépendants.

4.

Оксбоу (река Коннектикут около Нортгемптона) — Томас Коул

Томас Коул написал то, что многие считают одной из самых известных пейзажных картин в истории, в 1836 году. В то время, когда люди в Америке были в значительной степени незнакомы с тем, что ждало впереди на западной границе, работы Коула манили молодую, только что зарождающуюся нацию взглянуть за пределы сказок о дикарях, населяющих мир природы за пределами известных границ их реальности, и принять потрясающую красоту мира природы перед ними.

Он нарисовал сцену с горы Холиок с видом на реку Коннектикут, известную как Бысбоу. На картине изображен пышный великолепный пейзаж во всем его величии с приближением шторма к спокойной долине внизу.

Эта работа была очень популярна с момента ее первой выставки за способность художника показать истинную красоту, которую так ценили многие люди в этом регионе.

5.

Road Near Mont Sainte-Victoire — Paul Cezanne

Поль Сезанн был легендой среди художников постимпрессионистского движения и стал одной из причин, по которым возник кубизм.

Он написал «Дорогу возле Мон-Сент-Виктуар» где-то между 1902 и 1904 годами и получил широкую известность за его уникальную интерпретацию естественных форм и углов, раскрашивая их различными геометрическими узорами.

Сезанн написал несколько работ, посвященных Мон-Сент-Виктуар, но этой удалось привлечь значительное внимание благодаря использованию художником ярких зеленых цветов на фоне тихих синих тонов горного фона.

6.

Взгляд вниз по долине Йосемити — Альберт Бирштадт

Немногие места на Земле вызывают такой трепет, как долина Йосемити в Калифорнии. Альберт Бирштадт был одним из немногих художников-пейзажистов, кому когда-либо удавалось запечатлеть сцену, очень напоминающую безупречные пейзажи долины.

Его работа под названием «Взгляд вниз по долине Йосемити» была закончена в 1865 году и представляет собой сцену, обрамленную монументальными скальными образованиями по обе стороны широкой широкой долины внизу.

Работа получила высокую оценку за невероятно реалистичное изображение естественной красоты Йосемити, особенно за то, как заходящее солнце светит из-за края отвесной скалы справа от картины.

7.

Большая волна у Канагавы — Кацусика Хокусай

Одно из самых знаковых произведений японского искусства — работа Кацусики Хокусая «Большая волна у Канагавы». Работы Хокусая, написанные где-то между 1830 и 1833 годами, сосредоточены исключительно на бушующем море у знаменитой горы Фуги.

Картина была частью более широкой серии работ, которую художник назвал «Тридцать шесть видов горы Фудзи».

Хокусай изображает знаменитый пейзаж в редкой перспективе, в которой больше внимания уделяется набегающим волнам в близлежащем море. Гора Фудзи с любопытством заметна на заднем плане, это белый заснеженный пик, видимый, когда гигантская волна накатывает и разбивается.

Работы Хокусая известны своей способностью художника запечатлеть сложную природу океанских волн в перспективе, которую редко можно увидеть тем, кто редко выходит в океан.

8.

Фламинго — Анри Руссо

Известен созданием работ, посвященных экзотическим сценам и животным, работа Анри Руссо, известная как «Фламинго», долгое время считалась одной из его самых известных сцен с природой. Написанный в 1907 году пейзаж Руссо изображает спокойную сцену на берегу тропического водного пути.

Также читайте: Картины известных птиц

Художники так и не разгласили, были ли места, изображенные на этой работе, реальными, и многие из его величайших поклонников думают, что он, возможно, был вдохновлен своими подвигами во французской армии во время пребывания в Мексике.

На картине изображен пейзаж, разделенный на несколько слоев. Основное внимание уделяется цветам у берегов воды с линией высоких пальм вдали. Фламинго можно увидеть, наслаждаясь водой на берегу в самых разных позах.

9.

Пейзаж Черной Мезы, Нью-Мексико — Джорджия О’Киф

Джорджия О’Кифф известна как один из величайших художников в истории Америки, но ее работа под названием «Пейзаж Черной Мезы, Нью-Мексико» снискала всемирное признание своими яркими красками и мягкими оттенками.

О’Киф написала эту работу в 1930 году, и позже она прославилась своей способностью запечатлеть различные сцены и объекты, связанные с юго-западом Америки.

На картине изображена сцена из региона Черная Меса в Нью-Мексико, который известен своими суровыми и суровыми пейзажами. Картина О’Киф, безусловно, привлекает внимание зрителя благодаря использованию ярких красноватых оттенков на переднем плане, в то время как фон состоит из больших гор, которые, кажется, поднимаются из-под холста.

10.

Колпица розовая — Джон Джеймс Одюбон

Джон Джеймс Одюбон заработал репутацию среди любителей наблюдения за птицами и любителей искусства, так как многие из его самых известных работ посвящены природным сценам с участием различных птиц.

Его работа под названием «Розовая колпица» включала яркие зеленые цвета клюва колпицы, переходящего в ярко-розовое оперение птицы. Картина размещена на мягком голубом, водянистом фоне с редкими скальными образованиями.

Также читайте: Красочные картины

Одюбону удалось подчеркнуть резкость розовых перьев птицы, изобразив существо стоящим перед пышной зеленой травой у воды.

Работа входила в серию «Птицы Америки», которая была выставлена ​​в 1826 году и сразу привлекла внимание выдающихся ученых своего времени. Благодаря работе Одюбона было обнаружено 25 новых видов птиц.

Акварельные картины известных художников рассказывают истории

Акварельные картины известных старых мастеров раскрывают историю миграции акварели с периферии в центр как серьезное средство художественного самовыражения.

На главную »НОВОСТИ» Акварельные картины известных художников рассказывают истории

ШОН ЛЬЮИС

ФИЛАДЕЛЬФИЯ — Акварельные картины крупных американских художников были в центре крупной выставки в Художественном музее Филадельфии, которая прослеживала, как акварель стала серьезным средством художественного выражения среди американских художников.Выставка под названием « Американская акварель в эпоху Гомера и Сарджента » рассматривала рост акварели как серьезного средства художественного выражения и художников, которые сделали ее центром художественного выражения в Соединенных Штатах.

«Американская акварель в эпоху Гомера и Сарджента» — это акварельные картины известных американских художников, которые неохотно использовали акварель как важное средство художественного выражения.

Среди художников, чьи работы были на выставке, были Уинслоу Гомер, Джон Сингер Сарджент, Джон Ла Фарж, Томас Моран и Уильям Трост Ричардс.Другие — Томас Икинс, Джордж Иннесс, Максфилд Пэрриш, Джесси Уиллкокс Смит, Луи С. Тиффани, Чайлд Хассам, Морис Прендергаст, Чарльз Демут и Эдвард Хоппер.

Выставка объединила потрясающие пейзажи, иллюстрации, рисунки для керамики и витражей, которые подчеркнули, как отдельные художники экспериментируют и создают новые работы с использованием акварели. Но что более важно, они напомнили зрителям о важных акварельных картинах и художниках, которые принесли среднюю популярность.

В начале 1800-х годов многие американские художники отвергли акварель как средство выбора из-за связанного с ней клейма. От Гомера до Сарджента и других важных художников акварель рассматривалась как подчиненная другим средствам массовой информации, особенно маслу. Следовательно, он был низведен до второстепенного статуса и ассоциировался с низшим искусством. Акварель не была для серьезных художников или искусства. Например, он был связан с любителями, женщинами и коммерческими художниками, которые не играли ключевой роли в растущем художественном опыте того периода.

Американское общество акварелистов: акварельная живопись, искусство и художники

Основываясь на этом укоренившемся восприятии акварели как маргинальной среды, известные художники 1800-х годов презирали ее. Однако судьба акварели как серьезного средства художественного выражения начала меняться примерно в 1866 году. Именно тогда было основано Американское общество акварелистов. С образованием Общества многие художники начали использовать эту среду, включая Уинслоу Гомера, Джона Сингера Сарджента, Джона Ла Фаржа и Томаса Морана среди многих других.Достаточно скоро акварельные картины начали приобретать известность и конкурировать с картинами маслом среди художников.

Образование Американского общества акварелистов было неотъемлемой частью развития акварели среди художников в Америке. Ежегодная выставка группы ознаменовала поворотный момент в восприятии акварели как серьезного средства массовой информации. Многие акварельные картины «Американская акварель в эпоху Гомера и Сарджента » раскрывают универсальность техники и ловкость художников, создавших их.