День: 20.10.2019

Основы композиции в конструктивных искусствах

Основы композиции в конструктивных искусствах. Изобразительное искусство. 7класс 2 урок. Составлено Поповой Е.В. НРМОБУ «Салымская СОШ №2».

Приложенные файлы

• 4399130
  Размер файла: 2 MB Загрузок: 1

ГБОУ школа №428 | ГБОУ школа № 428 Приморского района Санкт-Петербурга

Юридический адрес

197229,  Российская Федерация, Санкт-Петербург, муниципальный округ Лахта-Ольгино, Юнтоловский проспект, дом 51, корпус 6, строение 1.

Часы работы школы

   понедельник-пятница
          с 8:00 до 21:00

               суббота 
         с 8:00 до 16:00

 воскресенье — выходной

Часы приёма администрации

Топехина Ольга Николаевна
Директор школы
Приемный день: вторник c 16:00 до 18:00, кабинет 264, тел. 617-48-88,
e-mail: [email protected]

Колганова Ольга Валентиновна
Заместитель директора по УВР 1-4 классы 
Приемный день: cреда с 16:00 до 18:00, кабинет 237, тел. 617-90-53, 
e-mail: [email protected]

Сотская Ирина Игоревна
Заместитель директора по УВР 5-10 классы 
Приемный день: понедельник c 16:00 до 18:00, кабинет 235, тел.617-58-97
e-mail: [email protected]

Крутова Оксана Сергеевна
Заместитель директора по УВР
Приемный день: пятница с 16:00 до 18:00, кабинет 301, тел.617-48-88
e-mail: [email protected]

Степанова Надежда Евгеньевна
Заместитель директора по АХР
Приемный день: четверг, кабинет 234, тел.617-58-97, 
e-mail: [email protected]

Клюева Дарья Дмитриевна
Администратор, Льготное питание, Платные образовательные услуги
тел.617-48-88, e-mail: [email protected]
Выдача справок, продление ученического билета: вторник/четверг с 16:00 до 18:00

Ребко Лариса Викторовна
Секретарь, подключение к электронному дневнику
тел. 617-60-57

Чичерова Наталия Сергеевна
Социальный педагог 
Приемный день: cреда с 16:00 до 17:00, кабинет 201

Хороброва Татьяна Владимировна
Педагог-психолог
Приёмный день: понедельник, по предварительной записи, кабинет 201

Серёгин Дмитрий Александрович
Заведующий бассейном  
Приёмный день: среда с 15:00 до 16:00, тренерская спортивного зала, 1 этаж, тел. 617-34-59

Учебный год

Дата начала учебного года: 01.09.2020

Дата окончания учебного года: 31.08.2021

Дата окончания учебного периода: 25.05.2021

                       Начало          Окончание

I четверть     01.09.2020      25.10.2020

II четверть    05.11.2020      27.12.2020

III четверть  11.01.2021      21.03.2021

IV четверть  29.03.2021      25.05.2021

1 полугодие  01.09.2020      27.12.2020

2 полугодие  11.01.2021      25.05.2021

Каникулы   

                       Начало          Окончание

Осенние       26.10.2020      03.11.2020

Зимние         28.12.2020      10.01.2021

Весенние      22.03.2021     28.03.2021

Для обучающихся 1-х классов устанавливаются дополнительные каникулы:

с 08.02.2021 по 14.02.2021.

Расписание звонков

1 урок	9.00 – 9.45
1 перемена	9. 45 – 9.55
2 урок	9.55 – 10.40
2 перемена	10.40 – 11.00
3 урок	11.00 – 11.45
3 перемена	11.45 – 12.00
4 урок	12.00 – 12.45
4 перемена	12.45 – 13.05
5 урок	13.05 – 13.50
5 перемена	13.50 – 14.00
6 урок	14.00 – 14.45
6 перемена	14.45 – 14.55
7 урок	14.55 – 15.40

Расписание звонков для 1-х классов 

1 урок	9.00 – 9.35
1 перемена	9.35 – 9.55
2 урок	9.55 – 10.30
Динамическая пауза      10.30 – 11.10
3 урок	11.10 – 11.45
3 перемена	11.45 – 12.00
4 урок	12. 00 – 12.35
4 перемена	12.35 – 12.55
5 урок	12.55 – 13.30

Родительские собрания

11.09.2020

09.10.2020

22.12.2020

02.03.2021

05.05.2021

Состав, баланс и визуальная масса

В предыдущих статьях я писал о концепции баланса применительно к оранжевому и синему цветам, а также к композиции в квадратном формате. Сегодня, я думаю, будет интересно более подробно изучить концепцию баланса применительно к фотографической композиции.

Центральная композиция

Это портрет, который я создал с центральной композицией. Здесь происходит несколько интересных вещей.Во-первых, композиция практически симметрична. Одна половина изображения является зеркальным отражением другой, с некоторыми вариациями. В данном случае это усиливает чувство баланса, создаваемое центральной композицией.

Что произойдет, если мы кадрируем изображение, чтобы сместить лицо девушки не по центру, примерно на треть? Давайте взглянем. Я обрезал его до соотношения сторон 4: 3:

Вы видите разницу? В этом примере глаз побуждает перемещаться по кадру смещением от центра композиции.Смещение лица девушки не по центру позволило создать более динамичную композицию.

Первая версия о балансе, вторая о дисбалансе и добавлении некоторого напряжения в изображение. Сюжет тот же, но одна простая вариация композиции создает два разных эффекта.

Тональный контраст

Портрет также представляет собой интересную проработку тонального контраста. Светлые тона лица и шарфа контрастируют между собой. Примерно треть изображения составляют светлые тона, а остальные темные тона.Здесь мы видим пример того, что некоторые фотографы называют визуальной массой. Светлые тона притягивают взгляд больше, чем темные. Поэтому для создания сбалансированного изображения должно быть больше темных тонов, чем светлых. Если бы соотношение было примерно одинаковым, изображение не было бы таким сбалансированным.

Вот что происходит, если мы кадрируем портрет до квадрата. Соотношение светлых и темных тонов примерно одинаковое. Но чувство баланса между темными и светлыми тонами в оригинале было потеряно:

Вот еще один пример балансировки визуальной массы между светлыми и темными тонами:

А вот еще один пример, иллюстрирующий ту же концепцию:

Фотография разделена на три полосы.Полоски темных тонов вверху и внизу уравновешиваются полоской светлого тона посередине.

Есть и другие способы балансировки этого изображения. Горы занимают нижнюю часть кадра и уравновешиваются большим пространством грозового неба. Горы имеют большую визуальную массу, чем небо, поэтому на фотографии больше неба.

Телеграфный столб в нижней правой трети является фокусом изображения. Он обладает большой визуальной массой, чему способствует его размещение на третях.Визуальная масса телеграфного столба настолько велика, что даже при таком небольшом размере уравновешивается остальной частью изображения.

И, наконец, изображение с композицией, которая на первый взгляд кажется расходящейся с тем, что я говорил ранее о тональном балансе:

На этом снимке светлые тона солончаков уравновешены задумчивыми темными тонами гор и неба вдали.

Дело в визуальной массе и балансе в том, что их сложно сжать до правил вроде правила третей.Каждая сцена индивидуальна, и лучшая композиция может зависеть как от вашего намерения (например, вы хотите сбалансированное изображение или менее сбалансированное с более динамичным напряжением?), Так и от объекта.

Один из лучших способов улучшить композицию ваших изображений — это прочитать как можно больше об этих концепциях, усвоить их, а затем составить композицию в соответствии с «ощущением». Правильно ли вы смотрите в видоискатель? По мере того, как ваше понимание композиции улучшается, ваши фотографии улучшаются.

Освоение фотографии

Моя последняя электронная книга, Освоение фотографии: руководство по использованию цифровых фотоаппаратов для новичков знакомит вас с цифровой фотографией и помогает максимально эффективно использовать цифровые фотоаппараты. В нем рассматриваются такие концепции, как освещение и композиция, а также настройки камеры, которые вам нужно освоить, чтобы делать фотографии, подобные тем, что описаны в этой статье.

7 быстрых советов по использованию визуального баланса для создания лучших фотографий

Баланс — одна из характеристик хорошей композиции.Это способ расположения элементов изображения, создающий ощущение стабильности. Если вы представляете, что ваше изображение представляет собой набор масштабов, все элементы вашей композиции должны быть сбалансированы, чтобы фотография выглядела стабильной.

Есть много способов создать сбалансированные изображения. Самый простой способ добиться этого — использовать симметрию, поскольку она гарантирует баланс слева направо или сверху вниз. Результаты выглядят формальными, организованными и упорядоченными.

Если вы хотите создать сбалансированную композицию, которая выглядит более непринужденной, свободной и энергичной, используйте асимметрию.
Чтобы понять эту концепцию, давайте вернемся к нашей аналогии с набором весов. Если у вас есть несколько мелких предметов с одной стороны, их легко уравновесить одним большим предметом с другой стороны. Визуальный баланс работает очень похоже, но на него может влиять не только размер объектов, но также их стоимость, цвет, текстура, количество, ориентация и изоляция.

Различные цвета, формы и размеры создают разную степень визуального интереса. Итак, чтобы добиться асимметричного баланса, вам нужно расположить элементы с разной визуальной массой при компоновке изображения таким образом, чтобы каждая сторона оставалась сбалансированной.

Есть семь основных факторов, которые следует учитывать при компоновке изображений с учетом визуального баланса. Давайте внимательно посмотрим, как вы можете использовать эти различные факторы, влияющие на визуальный вес, и получить некоторое преимущество.

1 — Цвет

Color обладает множеством свойств, которые могут влиять на визуальный вес объекта по сравнению с другими на фотографии, например насыщенность, яркость, темнота и оттенок. Теплые цвета выходят на передний план и имеют тенденцию весить больше, чем холодные цвета, которые уходят на задний план.Красный привлекает внимание лучше, чем любой другой цвет, и поэтому имеет самый высокий визуальный вес в отличие от желтого, который имеет наименьший визуальный вес. Также яркие цвета привлекают больше внимания, чем приглушенные.

2 — Размер

Крупные элементы кажутся тяжелее мелких. Размер — очевидный визуальный весовой фактор, потому что в физическом мире объект, который больше другого, естественно, будет тяжелее и займет больше физического пространства. Большие элементы требуют большего внимания.Мы, естественно, сначала видим их или в любом случае проводим больше времени, глядя на них.

3 — Значение

Value — мощный инструмент для балансировки изображений. Темные элементы кажутся тяжелее легких. Чем выше значение контрастности (между объектом и фоном), тем тяжелее будет вес объекта.

4 — Текстура

Текстура добавляет визуальный вес элементам на фотографиях. Текстура просто более интересна, и наши глаза привлекают ее.Гладкие участки будут казаться светлее, чем участки с тяжелой текстурой.

5 — Изоляция

Объекты, изолированные в пространстве, кажутся тяжелее, чем объекты, окруженные другими элементами. Посмотрите на изображение ниже с коричневым кружком. Сначала вы смотрите прямо на коричневый круг, потому что больше нечего видеть.

6 — Кол. Акций

Несколько маленьких объектов могут уравновесить один большой объект. Здесь также можно использовать повторение объектов.В приведенном ниже примере три маленькие ягоды уравновешивают большую ягоду.

7 — Ориентация

Вертикальные объекты кажутся тяжелее горизонтальных. Диагональная ориентация имеет больший визуальный вес, чем горизонтальная или вертикальная. Линии могут быть очень сильными в вашей композиции. Обратите на них пристальное внимание.

Помните, вам не нужно балансировать цвет с цветом или свет с темным — вы можете смешивать и сочетать свои визуальные веса.Например, противовесом большой яркой области может быть небольшой красный предмет. Поэкспериментируйте с различными видами баланса и поиграйте с визуальным весом. Посмотрите, что лучше всего подходит для ваших изображений и истории, которую вы хотите рассказать.

Когда вы собираетесь исследовать камеру во время следующей фотосессии, помните о балансе и семи факторах визуального веса. Присмотритесь и попытайтесь определить, какие элементы имеют наибольший визуальный вес при компоновке фотографий, и посмотрите, как они влияют на баланс ваших изображений.

Если у вас есть какие-либо комментарии или вопросы, разместите их ниже. И мы будем рады видеть ваши визуально сбалансированные изображения.

Что такое баланс в искусстве и почему он важен?

Баланс в искусстве — один из основных принципов дизайна, наряду с контрастом, движением, ритмом, акцентом, узором, единством и разнообразием. Баланс относится к тому, как элементы искусства (линия, форма, цвет, значение, пространство, форма, текстура) соотносятся друг с другом в композиции с точки зрения их визуального веса для создания визуального равновесия.То есть одна сторона не кажется тяжелее другой.

В трех измерениях баланс продиктован гравитацией, и легко определить, уравновешено что-то или нет (если не удерживать каким-либо образом). Он падает, если не сбалансирован. На опоре (например, при качании) одна сторона объекта ударяется о землю, а другая поднимается. В двух измерениях художники должны полагаться на визуальный вес элементов композиции, чтобы определить, сбалансировано ли произведение. Скульпторы полагаются как на физический, так и на визуальный вес, чтобы определить баланс.Взаимодействие с другими людьми

Люди, возможно, потому, что мы двусторонне симметричны, имеют естественное желание искать баланс и равновесие. Художники обычно стремятся создавать сбалансированные произведения искусства. Сбалансированная работа, в которой визуальный вес равномерно распределен по композиции, кажется стабильной, заставляет зрителя чувствовать себя комфортно и радует глаз. Несбалансированная работа кажется нестабильной, создает напряжение и вызывает беспокойство у зрителя. Иногда художник сознательно создает несбалансированное произведение.

Скульптура Исаму Ногучи (1904-1988) «Красный куб» — это пример скульптуры, которая намеренно выглядит неуравновешенной. Красный куб ненадежно опирается на точку, контрастируя с серыми, твердыми, устойчивыми зданиями вокруг него, и это создает чувство напряжения и опасения.

Типы весов

В искусстве и дизайне используются три основных типа баланса: симметричный, асимметричный и радиальный. Симметричный баланс, включающий радиальную симметрию, систематически повторяет образцы форм.Асимметричный баланс уравновешивает различные элементы, которые имеют равный визуальный вес или равный физический и визуальный вес в трехмерной структуре. Асимметричный баланс основан больше на интуиции художника, чем на шаблонном процессе.

Весы симметричные

Симметричный баланс — это когда обе стороны фигуры равны; то есть они идентичны или почти идентичны. Симметричный баланс можно установить, проведя воображаемую линию через центр произведения по горизонтали или вертикали и сделав каждую половину идентичной или очень визуально похожей.Такой баланс создает ощущение порядка, стабильности, рациональности, торжественности и формальности. Симметричный баланс часто используется в институциональной архитектуре (правительственные здания, библиотеки, колледжи и университеты) и в религиозном искусстве.

Симметричный баланс может быть зеркальным отражением (точной копией другой стороны) или приблизительным, с небольшими вариациями на двух сторонах, но довольно похожими.

Симметрия вокруг центральной оси называется двусторонней симметрией.Ось может быть вертикальной или горизонтальной.

«Тайная вечеря» итальянского художника эпохи Возрождения Леонардо да Винчи (1452-1519) — один из самых известных примеров творческого использования художником симметричного равновесия. Да Винчи использует композиционный прием симметричного баланса и линейной перспективы, чтобы подчеркнуть важность центральной фигуры, Иисуса Христа. Сами фигуры немного отличаются друг от друга, но их количество с обеих сторон одинаковое, и они расположены вдоль одной и той же горизонтальной оси.

Оп-арт — это вид искусства, в котором иногда используется двухосный симметричный баланс, то есть симметрия, соответствующая как вертикальной, так и горизонтальной оси.

Кристаллографический баланс, который находит гармонию в повторении (например, цвета или формы), часто бывает довольно симметричным. Его также называют мозаичным балансом или сплошным балансом. Вспомните работы Энди Уорхола с повторяющимися элементами, обложку альбома «Hard Day’s Night» на Parlophone от The Beatles или даже узор на обоях.

Радиальная симметрия

Радиальная симметрия — это разновидность симметричного баланса, при котором элементы равномерно расположены вокруг центральной точки, как в спицах колеса или ряби, образованной в пруду, куда упал камень. Таким образом, радиальная симметрия имеет сильный фокус.

Радиальная симметрия часто наблюдается в природе, например, в лепестках тюльпана, семенах одуванчика или у некоторых морских обитателей, таких как медузы. Это также видно в религиозном искусстве и сакральной геометрии, например, в мандалах, и в современном искусстве, например, в «Четырехликой мишени» (1955) американского художника Джаспера Джонса.

Весы асимметричные

При асимметричном балансе две стороны композиции не одинаковы, но, тем не менее, имеют одинаковый визуальный вес. Отрицательные и положительные формы неравноценны и неравномерно распределены по всему произведению искусства, направляя взгляд зрителя сквозь произведение. Асимметричного баланса добиться немного сложнее, чем симметричного, потому что каждый элемент искусства имеет свой собственный визуальный вес по отношению к другим элементам и влияет на всю композицию.

Например, асимметричный баланс может возникать, когда несколько более мелких предметов на одной стороне уравновешиваются большим предметом на другой стороне или когда более мелкие элементы размещаются дальше от центра композиции, чем более крупные. Темную форму можно уравновесить несколькими более светлыми формами.

Асимметричный баланс менее формален и более динамичен, чем симметричный. Это может показаться более случайным, но требует тщательного планирования. Пример асимметричного баланса — «Звездная ночь» Винсента Ван Гога (1889).Темная треугольная форма деревьев, визуально закрепляющая левую часть картины, уравновешивается желтым кругом луны в верхнем правом углу.

«Вечеринка на лодках» американской художницы Мэри Кассат (1844–1926) — еще один динамичный пример асимметричного баланса, в котором темная фигура на переднем плане (нижний правый угол) уравновешивается более светлыми фигурами и, в частности, светлым парусом в верхний левый угол.

Как элементы искусства влияют на баланс

Создавая произведение искусства, художники учитывают, что одни элементы и характеристики имеют больший визуальный вес, чем другие.В общем, применяются следующие правила, хотя каждая композиция отличается, и элементы внутри композиции всегда ведут себя по отношению к другим элементам.

Цвет

Цвета имеют три основных характеристики (значение, насыщенность и оттенок), которые влияют на их визуальный вес. Также может иметь значение прозрачность.

• Значение: более темные цвета кажутся визуально более тяжелыми, чем более светлые. Черный — самый темный цвет и самый тяжелый визуально, а белый — самый светлый цвет и самый легкий визуально.Однако имеет значение и размер формы. Например, меньшая темная форма может быть уравновешена более крупной и светлой формой.
• Насыщенность: более насыщенные цвета (более интенсивные) визуально тяжелее, чем более нейтральные (более тусклые) цвета. Цвет можно сделать менее интенсивным, смешав его с его противоположностью на цветовом круге.
• Оттенок: теплые цвета (желтый, оранжевый и красный) имеют больший визуальный вес, чем холодные цвета (синий, зеленый и фиолетовый).
• Прозрачность. Непрозрачные области визуально имеют больший вес, чем прозрачные.

Форма

• Квадраты обычно имеют больший визуальный вес, чем круги, а более сложные формы (трапеции, шестиугольники и пятиугольники), как правило, имеют больший визуальный вес, чем более простые формы (круги, квадраты и овалы)
• Размер формы очень велик. важный; большие формы визуально тяжелее, чем меньшие, но группа маленьких форм может визуально равняться весу большой формы.

Линия

• Толстые линии имеют больший вес, чем тонкие.

Текстура

• Форма или форма с текстурой имеют больший вес, чем не текстурированные.

Размещение

• Фигуры или объекты, расположенные по направлению к краю или углу композиции, имеют больший визуальный вес и будут смещать визуально тяжелые элементы в композиции.
• Передний план и задний план могут уравновешивать друг друга.
• Элементы также могут уравновешивать друг друга по диагональной оси, а не только по вертикали или горизонтали.

Для достижения баланса можно использовать любой тип контраста: неподвижный или движущийся, гладкий или грубый, широкий или узкий, и так далее.

Баланс — важный принцип, к которому следует обращать внимание, поскольку он так много говорит о произведении искусства и может способствовать общему эффекту, делая композицию динамичной и живой или успокаивающей и спокойной.

Источники

«5 известных оперных художников». Weebly.

«Энди Уорхол». Начальная школа Вайнера.

Beatles, The. «Ночь тяжелого дня». 2009 г. Digital Remaster, Enhanced, Remastered, Digipack, Limited Edition, Capitol, 8 сентября 2009 г.

«Биография». Музей Ногучи, Нью-Йорк.

«Красный куб, 1968 г.» Учебная программа по общественному искусству Нью-Йорка.

«Четырехликая мишень: этикетка галереи». Музей современного искусства, 2009, Нью-Йорк.

«Лодочная вечеринка: Обзор». Национальная художественная галерея, 2018.

«Звездная ночь: этикетка на камбузе». Музей современного искусства, 2011, Нью-Йорк.

Баланс в фотографии

Баланс — один из наименее обсуждаемых принципов хорошей композиции, но, пожалуй, самый важный. Фотографы, сознательно или нет, принимают важное решение для каждого изображения: должна ли композиция быть сбалансированной или несбалансированной? В какой-то степени каждая существующая фотография имеет элементы баланса и дисбаланса, что делает эту тему важной для фотографов, стремящихся улучшить качество своих изображений на самом фундаментальном уровне.

Баланс левого и правого

Когда фотография идеально сбалансирована, это означает, что левая и правая половина фотографии одинаково притягивают взгляд.

Разделение влево-вправо — единственное на ваших фотографиях, которое действительно важно с точки зрения баланса — баланс верх-низ мало влияет на равномерность взвешивания изображения. Точно так же мы видим других людей примерно симметричными, хотя это верно только для оси лево-право. Таким образом, у вас может быть фотография, на которой все объекты находятся внизу, и ее можно будет сбалансировать, если левая и правая половины будут равны по своему визуальному весу.

Представьте, что вы помещаете фотографию на точку опоры — если особенности каждой стороны одинаково привлекают внимание, изображение можно считать сбалансированным.

Баланс против дисбаланса

Баланс или его отсутствие по своей сути делает ваши изображения более или менее безмятежными. При сбалансированном изображении кадр более спокойный, чем кадр, который переключает визуальное внимание в ту или иную сторону. Это имеет логический смысл, особенно когда вы просматриваете изображение ниже:

И второе:

Хотя другие могут видеть это по-другому, изображение сверху кажется мне гораздо более мирным.Изображение внизу, напротив, более напряженное — почему-то оно не выглядит «стабильным» в своем текущем виде, как будто что-то в кадре вот-вот изменится.

Конечно, разные люди могут предпочесть одно изображение другому. Для многих напряженный образ может более эффективно передать историю; для других сбалансированный образ более умиротворен и эстетичен. Все зависит от настроения, с которым вы хотите общаться.

Симметрия

Самый очевидный тип баланса — это тот, при котором изображение идентично на левой и правой половинах.Идеальная симметрия на уровне пикселей невозможна вне компьютерных изображений, но почти симметричной фотографии более чем достаточно, чтобы мы заметили сбалансированную композицию. Взгляните на изображение ниже:

Конечно, узор звезд на каждой стороне фотографии разный, но эта сцена примерно настолько симметричным, насколько это возможно. Объект находится в самом центре этой фотографии, и каждая сторона имеет такой же визуальный вес, что и другая.Я даже выбрал квадратный формат, чтобы подчеркнуть сбалансированность этого изображения.

Основная проблема симметрии заключается в том, что в большинстве сцен нет двух одинаковых половин. И, если вы работаете в жанре с легко доступными симметричными объектами (например, архитектурная фотография), ваши изображения будут стареть, если вы будете компилировать их одинаково.

Асимметричная балансировка

Фотография не обязательно должна быть симметричной для балансировки. В качестве простого примера возьмем изображение ниже: солнце — важный объект в правой части изображения, но волновой узор слева так же привлекает внимание:

Большинство примеров не так очевидны, когда каждая половина фотографии имеет объект, привлекающий одинаковое внимание. Например, главный объект может находиться на одной стороне изображения, но несколько небольших объектов на другой стороне уравновешивают кадр. Или объект может быть достаточно большим, чтобы занимать всю длину изображения, эффективно балансируя себя.

Чтобы изображение было сбалансированным, каждая сторона должна привлекать одинаковый уровень внимания со стороны зрителя.

Что привлекает взгляд?

Чтобы уметь сбалансировать фотографию, вам нужно знать, что привлекает внимание зрителя на фотографии.Вот краткий список:

1. Контрастные области
2. Объекты, которые находятся в фокусе (особенно если большая часть фотографии не находится в фокусе)
3. Яркие пятна
4. Насыщенные предметы
5. Теплые (красный / желтый) цвета
6. Крупные предметы
7. Люди и (в меньшей степени) животные
8. Глаза вашего объекта
9. Направление, в котором смотрит ваш объект (даже если это пустое пространство, оно приобретает визуальный вес, потому что зрители захотят смотреть в том же направлении, что и объект subject)

Это далеко не полный список, но это хорошее место для начала. Каждый раз, когда объект на фотографии выделяется по сравнению с остальной частью изображения, он имеет некоторый визуальный вес. Если вы пытаетесь эффективно сбалансировать фотографию, вы должны расположить элементы так, чтобы они нейтрализовали визуальные эффекты друг друга.

Опять же, как и при размещении изображения на точке опоры, объекты, расположенные по краям фотографии, будут иметь больший вес, чем объекты, расположенные ближе к центру. Итак, чтобы сбалансировать два одинаковых объекта в кадре, вы должны разместить их на одинаковом расстоянии от центра.Или, если в вашей композиции есть только один важный объект, наиболее сбалансированная композиция размещает его вдоль центральной линии.

Практика баланса

Чтобы изменить баланс изображения, быстро взгляните на левую и правую половины кадра. Мысленно отметьте, сколько важных визуальных элементов находится на каждой стороне, проверив элементы в списке выше. Подумайте об удалении каждого объекта от центра кадра — даже объекты, которые обычно не привлекают внимания, будут казаться очевидными, если они находятся рядом с краем вашей фотографии.

Отрегулируйте композицию по своему вкусу, сделав ее более сбалансированной, сдвинув рамку, чтобы визуальный вес был одинаковым с обеих сторон, или полностью исключив отвлекающие объекты из композиции.

Это, конечно, требует практики, но многие ваши знания о композиционном балансе интуитивно понятны. Вот почему новички, как правило, помещают свой объект в самый центр каждого кадра, независимо от ситуации. По своей природе мы склонны делать сбалансированные фотографии, и надлежащая практика может показать нам, как добиться этого в более сложных сценах.

Ваши фотографии не обязательно должны быть полностью сбалансированными, чтобы выглядеть умиротворяющими. Тем не менее, когда вы составляете фотографию, важно понимать, что несбалансированные кадры вызовут напряжение у зрителей. Это не обязательно плохо, в зависимости от ваших целей, но многие фотографы стараются избегать напряженности в своих снимках.

Дисбаланс

На некоторых фотографиях — фактически, на многих фотографиях — определенная степень дисбаланса необходима. Чтобы сцена имела движение и напряжение, ваша композиция почти требует, чтобы сцена не была идеально ровной от одной стороны кадра к другой.В качестве примера возьмите фотографию ниже:

В этом кадре фотография неравномерно распределена между обеими половинами композиции. . Левая часть более яркая и контрастная, плюс она содержит основной объект изображения. При этом кадр не настолько неравномерен, чтобы отвлекать, и уж точно не настолько, чтобы раздражать зрителя. Напряжение несбалансированного изображения очень подходит для этой конкретной фотографии.

Балансировка вертикальных рамок

На первый взгляд может показаться не очень сложным сбалансировать вертикальную фотографию — используйте те же методы, что и для горизонтального изображения, и фотография будет сбалансирована.

Однако вертикальные композиции дают меньше возможностей для расхождения между центром изображения и краем кадра. Как уже говорилось выше, объекты намного больше отвлекают, если они находятся вблизи внешних границ фотографии. Однако на вертикальном изображении объекты, которые едва смещены от центра, уже приближаются к краю кадра. Конечно, это не делает невозможным баланс — вертикальные изображения часто работают так же хорошо, как и горизонтальные, — но вертикальные рамки требуют большей осторожности при балансировке.

Конечно, симметрия все еще работает:

Но в других случаях вертикальная композиция просто должна быть составлена ​​так, чтобы ее основные объекты располагались ближе к центру изображения. На изображении ниже три основных объекта (окно, знак будуара и серфер) образуют треугольник с центром в центре фотографии. Возможно, изображение больше смещено влево, но серфер, кажется, движется вправо, придавая обеим сторонам примерно одинаковый вес.

Panoramas

С другой стороны, очень легко сбалансировать кадр, если вы снимаете панораму. Например, небольшие сдвиги в положении объекта влево-вправо не так важны, как на вертикальных изображениях. Кроме того, в кадре панорамы легче избегать краев, что дает больше места для перемещения по композиции.

На изображении ниже показано, как просто уравновесить два объекта на панораме — птица имеет визуальный вес, подобный волновым узорам, и оба расположены примерно на одинаковом расстоянии от центра.

Мелкие объекты

Иногда баланс изображения зависит от размера показываемого изображения, поскольку важные детали (те, которые могут нарушить баланс) композиции) не видны при меньших размерах. Это может показаться необычной концепцией, но на практике имеет смысл.

В качестве примера возьмем изображение ниже. При отображении в небольшом размере, например, на телефоне, довольно трудно увидеть молнию в левой части изображения.Без этой молнии облака на изображении склонили бы вес изображения к правой стороне. Тем не менее, как есть, изображение выглядит довольно сбалансированным — но только при большом размере.

Другой пример этого эффекта показан на фотографии ниже. Я хотел создать мирный пейзаж с хорошо сбалансированной композицией, но обнаружил, что эту конкретную сцену сложно сбалансировать должным образом. Опять же, при небольшом размере изображение кажется немного более взвешенным с правой стороны, хотя эти эффекты более тонкие, чем на фотографии выше.Но когда изображение увеличено, становится ясно, что небо над водопадом залито звездами, что гораздо больше привлекает внимание зрителя к левой стороне.

Различия, как правило, не столь очевидны, как в этих примерах, но вы всегда должны помнить о влиянии размера дисплея на сбалансированность вашего имиджа.

Постобработка

Возможно, лучший способ исправить (или подчеркнуть) дисбаланс фотографии — использовать локальные корректировки в такой программе, как Lightroom.Это может быть так же просто, как затемнение слишком яркого светлого участка или, возможно, уменьшение четкости объекта, который слишком сильно выделяется. Это также может включать полное удаление объекта с помощью кисти для лечения пятен. Даже кадрирование попадает в эту категорию, поскольку вы перемещаетесь по кадру, пытаясь изменить баланс композиции. Методы, которые вы используете, зависят от ваших навыков постобработки, а также от типа фотографа — например, репортажные фотографы вряд ли будут клонировать объекты из-за этических соображений.

Заключение

Если вы скрупулезно относитесь к своим композициям, вы сможете контролировать степень баланса в большинстве сцен. И, если вы обнаружите сцену, которая не может быть эффективно сбалансирована, вы обычно можете использовать постобработку, чтобы выделить определенные аспекты кадра над другими.

В конечном счете, независимо от того, выбираете ли вы балансировку рамы или нет, важно действовать осмотрительно. Спросите себя, какой образ вы хотите, а затем подумайте, как баланс (или дисбаланс) может помочь вам в достижении вашей цели.Если вы неуловимы — особенно при использовании дисбаланса — вы сможете создавать более сильные и более продуманные композиции, что сводится к улучшению качества ваших изображений.

Типы баланса в искусстве и дизайне и зачем они вам нужны

Узнайте, почему баланс так важен в искусстве и дизайне, и как вы можете применить четыре типа баланса в своих собственных творческих проектах.

Баланс, то есть способ расположения визуальных элементов на макете, является одним из ключевых принципов графического дизайна и искусства, помогая изображению чувствовать себя стабильным и в целом приятным на вид.

Хотя элементы, составляющие изображение, не обладают физической массой, баланс придает этим элементам визуальный вес, позволяя некоторым чувствовать себя тяжелее или легче других. Если вы когда-нибудь смотрели на изображение и думали, что что-то в нем немного отличается от на , но не могли точно определить, почему, вероятно, причиной является плохой учет баланса. Точно так же изображение, на которое приятно смотреть, скорее всего, будет иметь один из четырех типов баланса — симметричный, асимметричный , радиальный или кристаллографический — для получения профессионального результата.

Четыре типа баланса, которые можно использовать в искусстве, дизайне и фотографии: симметричный, асимметричный, радиальный и кристаллографический.

Принцип дизайна, которым часто пренебрегают, признанные художники часто инстинктивно применяют баланс, но мы все можем извлечь выгоду из небольшого образования в балансе, чтобы сделать наши проекты, фотографии и иллюстрации наилучшими из возможных. Читайте дальше, чтобы узнать, как применить четыре типа баланса к своим собственным проектам для создания привлекательных изображений.

---

Что такое баланс в искусстве?

Баланс — это распределение элементов в дизайне или произведении искусства.Человеческий глаз всегда ищет порядок и стабильность в изображениях. Это психологическая причина того, почему нас привлекают симметричные лица и предметы. Присваивая элементам изображения визуальный вес, мы можем способствовать ощущению баланса и стабильности, помогая расслабить глаза и сделать изображение более привлекательным.

Симметрия, при которой изображения имеют повторяющийся, зеркальный аспект, является одним из наиболее интуитивно понятных и распространенных типов баланса. Изображение предоставлено автором YAAV.

Хотя баланс присутствует в некоторых доисторических и ранних произведениях искусства, принцип баланса был формализован художниками, работавшими в период Возрождения.Леонардо Да Винчи особенно прославился своим стремлением к балансу в таких картинах, как Тайная вечеря и его знаменитый рисунок Витрувианский человек ( «Пропорции человеческого тела» ). Да Винчи основал последнее, опираясь на учение римского архитектора Марка Витрувия Поллиона, который утверждал, что пропорции храма должны отражать пропорции человеческого тела, которое, по его мнению, было идеально пропорционально.

---

Всегда ли баланс означает симметрию?

Хотя баланс может сразу напомнить о симметричном балансе, симметрия на самом деле является лишь одним из четырех типов баланса в искусстве и дизайне. Сказав это, принцип симметрии, безусловно, влияет на три других типа, поскольку каждый из них стремится имитировать эффект симметрии на мозг.

Например, в то время как асимметричное изображение не может быть разделено посередине и создать зеркальное отображение с обеих сторон, тот факт, что более тяжелые и более легкие элементы стремятся уравновесить друг друга (например, два легких элемента на один тяжелый элемент), воспроизводит стабилизирующий эффект, который симметрия оказывает на зрителя.

На этом асимметричном изображении более тяжелый элемент (слон) уравновешивается увеличенной высотой более легкого элемента (коза), создавая общее ощущение равенства и баланса.Изображение автора BsWei.

Существует четыре основных типа баланса, которые можно применять в искусстве, дизайне и фотографии, одним из которых является симметрия. Четыре типа:

• Симметричные весы
• Асимметричные весы
• Радиальные весы
• Кристаллографические (или мозаичные) весы

Прочтите, чтобы узнать больше о каждом типе и о том, как вы можете использовать их для создания изображений чувствовать себя более привлекательным, неотразимым и уравновешенным.

---

1. Симметричные весы

Что такое симметричный баланс?

Симметричный баланс достигается за счет придания равного веса элементам в центральной точке композиции. Центральная точка может быть горизонтальной, вертикальной или диагональной. В результате получается повторяющееся или зеркальное (называемое идеально симметричным) изображение, которое кажется полностью одинаково сбалансированным.

Пример симметричного баланса. Изображение предоставлено автором Allexanderh.

Как пользоваться симметричным балансом?

Помните, как в школе создавали симметричные «хлюпающие» рисунки? Эти простые рисунки демонстрируют, как симметрия мгновенно украшает картину, превращая беспорядочную картину в красивое зеркальное изображение.

Симметрия от природы привлекательна — например, мы запрограммированы на то, чтобы находить более привлекательными симметричные грани. Связано ли это с тем, что эволюционная теория говорит нам искать здорового спутника жизни, или просто потому, что нам нравится наводить порядок в в значительной степени неструктурированном и случайном мире, ясно, что почти каждый находит симметричные изображения более приятными для просмотра.

Изображение предоставлено автором pernsanitfoto. Примеры симметрии. Изображение автора Яна Зиберта.

Одним из наиболее полезных применений симметрии является то, что она может привести в порядок некорректные или неаккуратные изображения.Этот тип баланса особенно хорошо работает для широких макетов, таких как полноразмерные веб-дизайны, позволяя дизайнеру повторять изображение и улучшать неудобную область. В симметричных изображениях глаз также притягивается к точке зеркального отражения, обычно в центре изображения. Симметричное изображение может быть хорошей техникой кадрирования, например, для размещения заголовков, призывов к действию или интерактивных кнопок.

Несмотря на то, что симметричный баланс привлекателен и востребован, он также присутствует в визуальной культуре, а это означает, что симметричные изображения могут стать похожими на белый шум.Попробуйте оживить симметричное изображение с помощью некоторого отличия, например другого цвета на одной стороне дизайна. Это поможет держать взгляд зрителя активным, а изображение интересным.

Вы можете увидеть равномерное распределение веса по центральной точке этого изображения. Изображение предоставлено Эриком Кроузом.

---

2. Асимметричные весы

Что такое асимметричный баланс?

Асимметричный баланс возникает, когда элементы в макете различаются, но при одинаковом весе все равно кажется сбалансированным.Могут быть два элемента с одинаковым весом, но разной формы, или один более крупный и тяжелый элемент, уравновешенный парой меньших узловых точек. По сравнению с симметрией, асимметричный баланс может создавать изображения с разным уровнем привлекательности, но, как правило, они создают более интересные и динамичные изображения.

Как использовать асимметричный баланс?

По сравнению с симметрией, достижение идеального асимметричного баланса может потребовать немного больше экспериментов и навыков. Однако в результате могут получиться изображения, которые кажутся совершенно современными, энергичными и привлекательными. Если симметрия была успокаивающим совершенством 1950-х, то асимметрия больше похожа на необычный дух 1960-х. У обеих эпох есть свои дизайнерские достоинства, но есть что-то более интригующее и освежающее в изображениях, которые кажутся немного нестандартными.

Примеры асимметричного баланса. Изображение предоставлено Чейзом Деккером.

Асимметричный баланс — это уверенность и игривость в отношении масштаба, цвета и формы элементов на макете. Идея состоит в том, чтобы не отвлекать взгляд, потому что изображение несимметрично, и в то же время способствовать общему чувству баланса.Если два элемента будут слишком похожи друг на друга, они рискуют выглядеть как плохо выполненная интерпретация симметричного баланса. Попробуйте увеличить один элемент и уменьшить другие, чтобы добиться большей контрастности, или используйте более яркие цвета для меньшего элемента, чтобы он выглядел уравновешенным с более крупными и тусклыми элементами.

Расстояние также может способствовать асимметричному балансу. Большой и тяжелый элемент, который может казаться расположенным дальше или ниже, чем меньший и более легкий элемент, придаст ощущение правильности всему изображению.Расстояние и / или иерархия помогают меньшему элементу не чувствовать себя перегруженным, создавая игровой и сбалансированный образ. Все выигрывают!

Более крупный элемент рядом с меньшим может создать ощущение игривости. Изображение автора Николая Качановича.

---

3. Радиальный баланс

Что такое радиальная балансировка?

Водная рябь, внутренняя поверхность раковин и солнечные лучи обладают успокаивающим действием. Эти типы изображений используют радиальный баланс, чтобы привлечь внимание к центральной точке фокусировки.Элементы равномерно расходятся из центра, создавая сбалансированный, успокаивающий вид.

Как использовать радиальную балансировку?

Радиальный баланс часто естественным образом возникает в окружающей среде — рябь, водовороты, кольца деревьев и лепестки цветов — все это примеры этой прекрасной формы баланса. В графическом дизайне спирали — лучший способ достичь радиального баланса, а также они могут быть полезным методом для привлечения внимания к центру изображения. Рекламные листовки и плакаты для мероприятий часто используют принцип радиального баланса через круглые рамки или рамки, чтобы привлечь внимание клиента к предложению или дате.

В фотографии крупные планы растений и цветов часто демонстрируют врожденный радиальный баланс, позволяющий получать безмятежные и естественно красивые изображения. Иллюстраторы могут создавать свои собственные спиральные конструкции, демонстрирующие радиальный баланс, с круговыми оптическими иллюзиями, использующими принцип радиального баланса и преувеличивающими его гипнотический эффект до крайности.

Изображение предоставлено Лорной Робертс. Примеры радиального баланса. Изображение предоставлено участником Paggi Eleanor.

---

4.Кристаллографические весы

Что такое кристаллографические весы?

Кристаллографический (или мозаичный) баланс достигается за счет придания равного веса большому количеству элементов. В результате получается не идеально симметричный узор, а тип сбалансированного хаоса, в котором несколько различных элементов объединяются в единое целое. Поскольку глаз не может найти единственную точку фокусировки на кристаллографическом изображении, зритель обманывается, принимая изображение как сбалансированное целое, даже если там может быть множество различных и случайных элементов.

Как пользоваться кристаллографическими весами?

Вы можете добиться баланса мозаики в своих рисунках и фотографиях, наполнив макет различными элементами. Слишком разреженные макеты позволят глазу находить отдельные элементы, что ослабит эффект.

Подумайте о картинах Джексона Поллака. Хотя его работы хаотичны и разнообразны по своей природе, в целом создается спокойное и однородное целое. Вы можете использовать разные или похожие элементы и повторять их, чтобы создать кристаллографический эффект.Эти типы изображений часто воспринимаются глазом как фоновый шум, поэтому они хорошо работают в качестве фона и фонов для другой заметной графики или типографики.

Вы также можете позволить себе поиграть с масштабом и пропорциями. Слегка увеличенные элементы не будут подавлять более мелкие при объединении в мозаичный макет. На самом деле пьянящая комбинация элементов произвольного размера может сделать изображение более привлекательным и естественным. Вы также можете использовать похожую или дополнительную цветовую схему, чтобы объединить мозаичные изображения, чтобы они казались еще более сбалансированными.

Изображение автора First_emotion. Изображение предоставлено Милошем Плазачичем. Примеры кристаллографических весов. Изображение предоставлено автором Карстеном Райзингером.

---

Баланс

Баланс — один из принципов, лежащих в основе того, насколько привлекательными мы считаем искусство или дизайн, но часто это считается само собой разумеющимся. Имея немного больше ноу-хау о различных типах баланса и о том, как они могут повлиять на воздействие изображений, вы можете создавать изображения, которые кажутся . .. правильными!

---

Хотите узнать больше о теории дизайна? От того, как использовать черный цвет с впечатляющим эффектом до полного руководства по использованию золотого сечения, не пропустите эти руководства и статьи:

Cover i mage от участника First_emotion .

1.6: Что такое элементы искусства и принципы искусства?

Термины изобразительного искусства разделяются на элементы и принципы искусства. Элементами искусства являются цвет, форма, линия, форма, пространство и текстура. Принципы искусства — масштаб, пропорция, единство, разнообразие, ритм, масса, форма, пространство, баланс, объем, перспектива и глубина. В дополнение к элементам и принципам дизайна художественные материалы включают в себя краски, глину, бронзу, пастель, мел, уголь, чернила, освещение, в качестве некоторых примеров.Этот исчерпывающий список предназначен для справки и объясняется во всех главах. Понимание методов искусства поможет определить и определить, как культура создавала искусство и для чего использовалась.

С годами изменились художественные методы; например, акриловая краска, используемая сегодня, отличается от земной краски наскального искусства, которая использовалась 30 000 лет назад. Люди эволюционировали, открывая новые продукты и методы добычи полезных ископаемых из земли для производства произведений искусства. От каменного века, бронзового века, железного века до эпохи технологий люди всегда искали новые и лучшие изобретения.Однако доступ к материалам — самое значительное преимущество для изменения цивилизаций. Почти каждая цивилизация имела доступ к глине и умела производить сосуды. Однако, если определенное сырье было доступно только в одной области, люди могли бы торговать с другими, кому нужен этот ресурс. Например, на древних торговых путях Китай производил и перерабатывал шелк-сырец в потрясающую ткань, которую венецианцы в Италии очень востребовали для изготовления одежды.

1.24 Композиция Мондриана

Художественные методы считаются строительными блоками для любой категории искусства. Когда художник тренируется в элементах искусства, он учится перекрывать элементы для создания визуальных компонентов в своем искусстве. Методы можно использовать по отдельности или объединить в одно произведение искусства (1.24), сочетание линии и цвета. Каждое произведение искусства должно содержать как минимум один элемент искусства, а большинство произведений искусства — как минимум два или более.

Элементы искусства

Цвет : Цвет — это визуальное восприятие человеческого глаза. Современное цветовое колесо предназначено для объяснения того, как цвета расположены и как цвета взаимодействуют друг с другом.В центре цветового круга находятся три основных цвета: красный, желтый и синий. Второй круг — это вторичные цвета, которые представляют собой смешанные два основных цвета. Красный и синий, смешанные вместе, образуют фиолетовый, красный и желтый, образуют оранжевый, а синий и желтый — зеленый. Внешний круг — это третичные цвета, смесь основного цвета со смежным вторичным цветом.

1.25 Color Wheel

Цвет содержит характеристики, включая оттенок, значение и насыщенность. Основные оттенки также являются основными цветами: красный, желтый и синий.Когда два основных оттенка смешиваются, они создают второстепенные оттенки, которые также являются вторичными цветами: оранжевый, фиолетовый и зеленый. Когда два цвета сочетаются, они создают вторичные оттенки, создавая дополнительные вторичные оттенки, такие как желто-оранжевый, красно-фиолетовый, сине-зеленый, сине-фиолетовый, желто-зеленый и красно-оранжевый.

Значение: относится к тому, как добавление черного или белого к цвету изменяет оттенок исходного цвета, например, в (1.26). Добавление черного или белого к одному цвету создает более темный или более светлый цвет, предоставляя художникам градации одного цвета для затенения или выделения на картине.

1,26 Оттенок, насыщенность и значение

Насыщенность: интенсивность цвета, и когда цвет полностью насыщен, цвет является самой чистой формой или наиболее аутентичной версией. Основные цвета — это три полностью насыщенных цвета, поскольку они находятся в чистом виде. По мере уменьшения насыщенности цвет начинает выглядеть размытым при добавлении белого или черного. Когда цвет яркий, считается, что он имеет максимальную интенсивность.

1.27 Насыщенность

Форма: Форма придает форму произведению искусства, будь то ограничения линии на картине или края скульптуры.Форма может быть двухмерной, трехмерной, ограниченной по высоте и весу, или свободно плавной. Форма также является выражением всех формальных элементов искусства в произведении.

1.28 Форма

Линия: Линия в художественном изображении — это в первую очередь точка или серия точек. Точки образуют линию, которая может различаться по толщине, цвету и форме. Линия — это двухмерная форма, если художник не придает ей объем или массу. Если художник использует несколько линий, он превращается в рисунок, более узнаваемый, чем линия, создавая форму, напоминающую ее внешнюю сторону.Линии также могут подразумеваться, поскольку при движении руки вверх глаза зрителя продолжают движение вверх, даже без реальной линии.

1.29 Линия

Форма : Форма произведения искусства может иметь много значений. Форма определяется как имеющая какой-то контур или границу, независимо от того, является ли она двухмерной или трехмерной. Форма может быть геометрической (известная форма) или органической (форма произвольной формы). Пространство и форма сочетаются в большинстве произведений искусства.

1.30 Форма

Пространство: Пространство — это область вокруг центральной точки произведения искусства, которая может быть положительной или отрицательной, мелкой или глубокой, открытой или закрытой.Пространство — это пространство вокруг формы искусства; в случае здания — это пространство позади, над, внутри или рядом с конструкцией. Пространство вокруг конструкции или другого произведения искусства придает объекту форму. Дети распределяются по картинке, создавая пространство между ними, фигурки становятся уникальными.

1.31 Пробел

Текстура: Текстура может быть шероховатой или гладкой на ощупь, имитируя определенные ощущения или ощущения. Текстура — это также то, как ваш глаз воспринимает поверхность, будь она плоской с небольшой текстурой или отображает вариации на поверхности, имитирующие камень, дерево, камень, ткань.Художники добавляли текстуры к зданиям, пейзажам и портретам с помощью превосходных мазков и слоев краски, создавая иллюзию реальности.

1.32 Текстура

Принципы искусства

Весы: Весы в произведении искусства относятся к распределению веса или кажущемуся весу предмета. Арки построены для структурного проектирования и удержания крыши на месте, позволяя людям проходить под аркой и создавая визуальный и структурный баланс. Это может быть иллюзия искусства, которая может создать баланс.

1.33 Баланс

Контрастность: Контрастность определяется как разница в цветах для создания произведения искусства. Например, черный и белый — это известный резкий контраст, который придает живость произведению искусства или может испортить искусство из-за слишком большого контраста. Контраст также может быть тонким при использовании однотонных цветов, придавая финальному произведению искусства разнообразие и единство.

1.34 Контраст

Акцент: Акцент может быть цветом, единством, балансом или любым другим принципом или элементом искусства, используемым для создания фокуса.Художники используют акцент, как будто помещают золотую нить в темно-пурпурное поле. Цветовой контраст между золотым и темно-фиолетовым заставляет золотые буквы выделяться, становясь центром внимания.

1.35 Акцент

Ритм / Движение: Ритм в произведении искусства обозначает тип повторения, используемый либо для демонстрации движения, либо для простора. Например, на картине с разбивающимися волнами зритель автоматически увидит движение, когда волна закончится. Использование смелых и направленных мазков также добавит движения в картину.

1.36 Ритм / Движение

Пропорция / Масштаб: Пропорция — это соотношение между элементами на картине, например, между небом и горами. Если небо занимает больше двух третей картины, оно выглядит непропорционально. Масштаб в искусстве подобен пропорциям, и если что-то не в масштабе, это может выглядеть странно. Если на снимке изображен человек и его руки слишком велики для его тела, это будет выглядеть неуместно. Художники также могут использовать масштаб и пропорции, чтобы преувеличивать людей или пейзажи в своих интересах.

1.37 Пропорции и масштаб

Единство и разнообразие : В искусстве единство передает ощущение завершенности, удовольствия при просмотре искусства и целостности искусства, а то, как узоры работают вместе, объединяет картину или объект. В отличие от единства, разнообразие должно вызывать изменения и понимание в произведении искусства. Цвета могут обеспечить единство, когда они находятся в одной цветовой группе, а красный всплеск может внести разнообразие.

1.38 Единство и разнообразие

Паттерн: Паттерн — это способ, которым что-то организовано и повторяется в своей форме или форме и может течь без особой структуры в некотором случайном повторении.Узоры могут разветвляться, как цветы на растении, или образовывать спирали и круги в виде группы мыльных пузырей, или казаться неровными в потрескавшейся сухой грязи. Все произведения искусства имеют какой-то узор, даже если его трудно различить; узор будет формироваться с помощью цветов, иллюстраций, формы или множества других художественных приемов.

1.39 Шаблон

Баланс

Баланс

Остаток

• Это умение расположить все элементы так, чтобы никто часть подавляющая.

• Если два объекта весят одинаково, тогда обе стороны весов будут сбалансированы. Если они не то одна сторона опрокинется.

• В композиции баланс виден или ощущается зритель.

Баланс — это визуальный вес или равновесие объекты в композиции.

Баланс инстинктивен и определяется воображая центральную ось, проходящую через картинную плоскость с ожидание того, что будет некоторое равное распределение визуальных вес с обеих сторон.

Идеально сбалансированные картинки, как правило, наскучивают, поэтому обычно это полезно иметь определенную степень дисбаланса для создания визуального напряжения и движение внутри композиции. Некоторые ключевые категории баланса для считать:

Баланс подразумевает, что визуальные элементы в кадре имеют ощущение веса. Большие объекты в целом весят больше мелких предметов, а темные — больше светлых объекты.

Части состав можно описать как приобретение измеримого веса или доминирования, и затем могут быть расположены таким образом, чтобы они казались входящими или выходящими баланса, или иметь тот или иной вид баланса.

Баланс обеспечивает что две половины двухмерной композиции имеют одинаковый вес.

Положение элементов также имеет решающее значение. Мы бессознательно предполагаем центр изображения соответствует точке опоры. Тяжелый груз с одной стороны может уравновешиваться более легким грузом с другой стороны, если более легкий вес расположен на большем расстоянии от точки опоры.

В отличие от физического баланса, визуальный баланс может быть создается как через отсутствие, так и через присутствие.

Картина Dewing интересна и привлекает внимание этой неожиданностью. качественный.

Томас Уилмер Дьюинг Фортепиано 1891

Симметричный баланс: если бы вы нарисовали линии через центр этого типа композиции, обе стороны будут равный зеркальное изображение. Симметричный баланс обычно бывает спокойным, достойным и стабильным.

Отражения пейзажа в стоячей воде — пример почти идеального симметрия.

Отражения могут приобретать абстрактное качество, напоминающее Роршаха. Чернильное пятно, используемое в психологическом тестировании.

Тест Роршаха

http: // www.stupidstuff.org/main/rorschach.htm

Весы симметрии композиция путем систематического повторения узоров формы в композиции.

Самый распространенный симметрия в искусстве — это зеркальная (двусторонняя) симметрия, возможно, потому что это симметрия человеческого тела.

В этой симметрии одна половина композиции повторяется своим отражением в другой половине.

Джозеф Корнелл Без названия (Мальчик Медичи) 1942-52 и Без названия (Принцесса Медичи) c. 1948

Двумерный зеркальная симметрия отражается поперек линии симметрии, а трехмерная зеркальная симметрия отражается через плоскость симметрии, любую плоскость, которая разделяет объект на две зеркальные половины называется плоскостью симметрии.

Асимметричный (неформальный) Баланс

Линн Чедвик Stranger III, 1959 (литой 1996)

sgrais

Асимметричный баланс: композиция, имеющая равные визуальный весов, но формы которых расположены неравномерно.Например, меньшая фигура, расположенная рядом с внешний край композиции может уравновесить большую форму около центра сочинение. Асимметричный баланс активен, динамичен и увлекателен.

Асимметричный баланс может возникнуть, когда несколько более мелких предметов с одной стороны уравновешиваются большим предметом с другой боковые стороны или более мелкие предметы размещаются дальше от центра экрана чем более крупные предметы. Один более темный предмет, возможно, придется уравновесить несколькими более светлыми. Предметы.

Хотя может появиться асимметричный баланс более случайный и менее спланированный, его обычно труднее использовать, потому что художник Необходимо очень тщательно спланировать макет, чтобы убедиться, что он по-прежнему сбалансирован. An несбалансированная страница или экран создает ощущение напряжения, как будто страница или экран может опрокинуться, или что-то может соскользнуть в сторону, так же как неуравновешенный баланс луч наклоняется в сторону

Марк Шагал над Витебском 1914

Картина Шагала как акцент на верх.Темные здания и парящая в небе фигура подчеркивают верхняя половина композиции.

Цвет

Баланс между цветом и ценностью: вес цвета могут стать фокусом на изображении. Теплые тона (красный, пурпурный, желтый) имеют тенденцию продвигаться вперед и / или иметь больший визуальный вес, чем холодные цвета (синий, зеленый, голубой). Большая часть ландшафта состоит из холодных цветов.
Наши глаза нарисованы по цвету.Небольшие участки яркого цвета можно использовать для баланса большие области более нейтральных цветов. Яркая красная юбка слева сбалансирована. большим нейтральным розовым платьем

Поль Гоген Femmes de Tahiti OR Sur la пляж (Таитянские женщины ИЛИ на пляже) 1891

Хорошо рисовать — это просто: правильно нанести нужный цвет. place Пауль Клее

Пауль Клее Древний звук, Абстракция на черном 1925

Форма

Большие плоские участки без особых деталей могут быть уравновешивается меньшими объектами неправильной формы, так как взгляд направлен к более замысловатая форма.

В Передняя танцовщица на этой картине Дега выделяется сложными деталями по сравнению с к большой размытой области позади нее.

Эдгар Дега Л’Этуаль 1876-77

Позиция

С помощью балансир, больший вес ближе к центральной точке может быть уравновешен более легкий вес дальше от центра. Это основа для баланса позиция. Иногда более крупные элементы на одной стороне страницы можно уравновесить меньший элемент, который расположен сам по себе на дальнем конце другой стороны страница.Это очень сложный тип асимметричного баланса, который часто заканчивается выглядят из равновесия. Посмотрите, как маленькая лейка слева используется для уравновешивания больших танцоров справа

Эдгар Дега Танцовщицы практикуют в баре 1876-77

sgrais

Направление взгляда

Ваш взгляд может быть направлен к определенной точке на картинке в зависимости от того, как элементы согласованный.Если люди на картинке смотрят в определенном направлении, ваш глаз тоже будет направлен туда.

Элементы изображения, такие как треугольники или стрелки, также заставят ваш взгляд смотреть в определенную точку и поддерживать баланс картины.

Посмотрите, как смотрят танцоры и музыканты в эта картина Сера привлекает внимание к маленьким газовым фонарям, фокус в этой картине.

Жорж Сёра, Le chahut 1889-90

Павел Strand, Abstraction, Twin Lakes, Коннектикут , 1916

Леонардо да Винчи Ла Joconde 1503-06

Фрэнсис Бекон Кровь на полу 1986

Грант Вуд Американская готика 1930

Сбалансированная диета или пища для размышлений

1.Большая форма визуально тяжелее меньшей формы

?

2. Темная форма визуально тяжелее светлой формы того же размера

. на светлом фоне?

3. Фактурная форма визуально тяжелее гладкой формы того же размера

?

4. Форма, расположенная близко к центральной оси, может быть визуально тяжелее аналогичной форма размещена у внешнего края композиции

?

5.

Штриховка и её разновидности — Мир искусства

Рисунок академического направления качественно передает объём, воздушное пространство и у зрителя появляется ощущение трёхмерности на плоской поверхности листа. Во время рисовании художник создает иллюзию объема с помощью штриховки, старательно нанося штрих за штрихом, в живописи форму лепится цветовым мазком.

Прорабатывая светотеневую структуру рисунка художник моделирует форму предмета, постоянно сравнивая тень (самое темное тоновое пятно) и блик (самое светлое тоновое пятно), а также прослеживать от куда идет свет, который создает собственную тень, рефлекс и падающую тень изображаемого предмета.

Внимательно изучая контрастность этих участков, а не пассивно срисовывая увиденное тоновое пятно, создавая плавный переход полутонов из света в тень, прослеживая границы собственной и падающей теней предметов, можно создать объемный рисунок.

Некоторые мастера рекомендуют штриховать по форме, как хочется погладить этот предмет рукой. Данную штриховку можно заметить на денежных купюрах. Но это не единственная техника нанесения штриха, а одна из многих, перечисленных ниже.

Таким образом, для художника-графика представляется множество способов для воплощения своих творческих идей и личностного самовыражения, поделиться собственным восприятием мира и красоты вокруг. Комбинируя разные типы штриха можно создать действительно уникальное художественное произведение, включая опыт предшественников, импровизируя, создавая что-то новое! Стоит отметить, что от качества ваших материалов зависит благородство и аккуратность вашего рисунка, а вот глубина тона не приравнивается к мягкости карандаша и штрихует наслоением, постепенно усиливая тон и уточняя детали.

1. Штрих по диагонали дает динамичность и легкость рисунку. Используется для создания воздушного пространства и передачи полутона, перехода от света к тени. Накладываются штрихи параллельно друг другу остро заточенным грифелем как мягким так и твердым карандашом. Стоит отметить, что линия и тон — это два главных средства передачи предмета в рисунке. Штрих средствами линии формирует пространство и создает сам пластический образ. Основные виды штриховки: горизонтальна, вертикальная, наклонная и перекрестная.

2. Крестообразная штриховка создает глубину рисунку, тональную насыщенность и реалистичность. Вследствие крестообразной штриховки тень стает глубже, а свет стает ярче. Благодаря наслоением разнообразных линейных штрихов прорабатываются детали, уточняя их форму. Таким образом линия имеет не только композиционную и конструктивную силу, а и пластическое её выражение через построение изображаемого образа.

3. Хаотичный, непроизвольный штрих имеет свои привилегии и хорошо подходит как для набросков, так и для более серьезных и проработанных рисунков. В зависимости от задумки и предмета изображения эта манера может помочь передать определенное состояние или характер предмета, её фактуру. Сами штрихи разной формы и длины дают ощущение шероховатости, линии как «бегают» по форме и обволакивают светотенью.

Различные подходы к штриховке дает широкий выразительный диапазон, линия в её многообразной интерпретации дает возможность для передачи любой поверхности и изображаемый предмет. Этот метод широко используется в дизайне и искусстве иллюстрации, графики. Подача одного и того же предмета вариативна.

Стоит заметить, что видов графических карандашей очень много: графический стержень может быть разного диаметра, что дает больше возможности для художественных эффектов. Также он помещается как уже в готовую деревянную оправу цилиндрической, округлой, треугольной, шестигранной формы, так и в цанговый, металлический карандаш. Каждый грифель имеет свою твердость и указывается определенными буквами и цифрами. Это отображается в соотношении графита и обожжённой глины в составе стержня.

4. Штриховка короткими параллельными линиями передает фактуру на гладких поверхностях и воздушное пространство. Эта классическая штриховка, сочетая в себе как менее насыщенные штрихи, так и более глубокого оттенка, а именно тонкие и толстые линии. Данные сочетания и реализацию графических приемов возможно благодаря сильному или слабому давлению на карандаш, а также в зависимости от наклона грифеля во время рисования на бумаге. Сочетание светлого и более темного штриха по тону создает тонкий переход от света к тени, таким образом появляется объем. Используя в своем художественно-графическом арсенале разные виды нанесения тона (штриховку) и накладывая их друг на друга, можно изобразить свето-теневую градацию в полной мере. Варьируя толстую, темную и короткую штриховку в тенях и светлые, длинные линии на свету поможет создать интересный и объемный рисунок.

Если вспомнить искусство Высокого Возрождения и его главного представителя Леонардо да Винчи, то можно заметить, что рисунки для художника — это маленькие рассказы, в которых он отображает свой взгляд на природу вещей. Это графическое послания людям, в котором помещаются его мысли-формы и их направленное движение. Вместо того, чтобы использовать всем привычные буквы, слова и предложения он выражается средствами линии своего серебряного карандаша, пера или угля.

Как известно Леонардо был не только отличным художником, скульптором, архитектором, ученым и инженером, а и являлся основоположником палеонтологии, утвердил ботанику, как самостоятельную дисциплину. Также глубоко изучал механику, эмбриологию и сравнительную анатомию. В его многообразии увлечений и широте творчества, он искал какой-то тайный смысл бытия. Часто в его записях и набросках можно встретить изображения аллегорического и эмблематического содержания. Как утверждал сам Леонардо да Винчи: «Проси совета у того, кто умеет одержать победы над самим собой».

С художественной точки зрения можно отметить, что Леонардо да Винчи как художник был очень грамотный и придерживался классических образцов того времени, что актуально и сейчас. А именно использование четких параллельных штрихов по форме, плавно изгибая все рельефы поверхности. Дополнительно прорисовывал воздушную среду в рисунке наклонной штриховкой.

Ознакомившись с творчеством ещё одного художника Винсента Ван Гога, можно проследить как он хорошо передает средствами мазка ритмичность в картине, её воздушность и декоративность одновременно. Аккуратно нанося штрих одного размера через определенный регулярный промежуток можно добиться эффекта колебания на поверхности картины, её динамичности. С помощью различных вариаций длины штриха можно передать воздушную перспективу в рисунке или же акцентировать на определенном участке, создать мнимое, нервозное, эмоциональное настроение в графической картине.

5. Тушевка — следующий вид штриховки, которую более подробно изучим. Она передает мягкость тоновых переходов и наделяет рисунок реалистичностью, отлично изображает глубину и бархатистость теневых соотношений. Подходит как для экспрессивных смелых, грубых рисунков, например, быстрых набросков или эскизов к картинам. Передает мягкие, плавные переходы в сентиментальной фотографичной манере. Этой манерой часто пользовался Репин в своем портретном творчестве: на фоне грубых темных штрихов выделял мягкое светлое лицо. Также применяют этот тип штриховки к пейзажу: передний план проработан грубой штриховкой, а задний – мягкой тушевкой. Наклонив графитный карандаш ближе к бумаге и оголив графит на 1 см от деревянной оправы, наносим плашмя широкие и мягкие линии в зону теней. Также можно добиться этого эффекта, используя в своем художественном арсенале графит в форме прямоугольного бруска, особенно это уместно для больших форматов.

6. Рисунки, в которых объем передается точками, прекрасно отображают тончайшие переходы тона и фактуру поверхности предмета. Часто такой техникой пользовались ботаники для передачи изображения растений и животных средствами графики (пера и чернила) в своих научных трудах по изучению живого мира. Также точками можно передать линию или контур предмета в более мягкой форме, избегая резких границ и очертаний, грубого контура.

Иллюстрации, выполненные точками, легкие и немного расплывчатые, не такие четкие, как выполнены перекрестной штриховкой. Зато можно избежать риска ошибиться, наметив предварительно тоновые переходы на предмете. Хоть перекрестная штриховка и имеет свою энергию, динамику и направленность, но в конечном итоге рисунок может выйти немного хаотичным и тяжеловесным. Стоит заметить, что в рисунке для передачи свето-теневой градации используют не только традиционные материалы, как карандаш, тушь, уголь, а и акварель. Карандашом чертят тонкие линии, а акварелью мягко оттеняют и одновременно делают рисунок более контрастным и реалистичным.

На первый взгляд техника пуантилизм или узор точками покажутся доступны каждому в исполнении, потому что результат работы довольно предсказуем: точка за точкой и ваша работа готова! Но это только кажется… Пуантилизм многому не под силу из-за монотонности, однообразия и больших затрат времени в целом. Зато рисунок в конце вас порадует, ваши затраты будут вознаграждены!

Штрихи. Их разнообразие и способы исполнения

Добрый день учащиеся и педагоги!

Наступила III четверть, уже идёт можно сказать, и мы знаем, что в эту пору, точнее  в конце февраля, нас ждёт технический зачёт. И Вы может, помните, что на втором техническом зачёте мы показываем что? Да, гамму, но минорную и в ней штрихи. И вроде бы как вот Вы знаете их, но иногда вместо какого-нибудь «мартеле» – заиграете какое-нибудь, например, «стаккато»! И чтобы такого не было, чтобы все Вы сдали технический зачёт ну очень хорошо и не забыли их после техзачёта, мы поговорим  с Вами о штрихах сегодня более подробно! Итак, штрихи!

Что же такое штрихи?!

Штрихом, можно назвать конкретную форму движения смычка, которая даёт нужный звуковой результат для воплощения данного художественного замысла или намерения. Вы знаете, штрихи бывают разные, для чего? Да, правильно! Чтобы наша музыка была не однообразной, а интересной, разнообразной! Ведь характер делают именно штрихи!

Проходя все 8 классов, Вам встречается огромное количество различных штрихов, особенно в концертах (опять же для чего?) и Вы играете их, как подскажет учитель, но не всегда знаете, как они называются, и, пройдя произведение, забываете их и в следующем уже вспомнить не можете, и опять ждёте подсказки учителя.

Сегодня, мы назовём основные штрихи, которые наиболее чаще встречаются в нашей ученической скрипичной жизни, остановимся на них более подробно и постараемся запомнить их.

Итак, существуют 4 группы штрихов:

• Протяженные
• Маркированные
• Прыгающие
• Смешанные

Ну вот, я думаю, с протяжёнными и прыгающими понятно: (протяжённые – это как бы протягивая – к ним можно отнести такие штрихи как «деташе», «легато», а прыгающие – это те, которые что? Да, прыгают – это «спиккато», «сотийе»). А вот маркированные штрихи и смешанные – что это за штрихи? Ну, давайте подумаем? Маркированные – от слова «маркато» — а «маркато» это как? – «подчёркивая», «выделяя», то есть какие-то особенные, выделяющиеся; к таким штрихам можно отнести «мартеле», «пунктир». А смешанные штрихи – это какие? Это такие штрихи, которые соединяют приёмы как одной, так и  нескольких групп. Как это? Ну, иногда встречаются такие штрихи, которые  вроде не подходят ни к той, ни к другой группе (ну или наоборот, подходят и к той и к другой).

Ну а теперь давайте знакомится с каждым штрихом отдельно, и начнём мы с группы протяжённых штрихов.

«ДЕТАШЕ». В переводе с французского значит «отделять». Штрих «деташе» — это  исполнение каждой ноты отдельным смычком вверх и вниз. «Деташе» – один из наиболее часто применяемых штрихов. Исполняется в пределах всей темповой зоны.  Относится к группе протяжённых штрихов. Почему? Потому что как бы протягивая по струне.

В зависимости от характера музыки «деташе» может исполняться по-разному (в разных частях смычка, а также более мягко, или наоборот, более декламационно).

Следующий штрих это штрих «ЛЕГАТО». Он тоже относится к группе протяжённых штрихов и также как и «деташе» очень часто используется в нашей скрипичной практике. В переводе с итальянского «легато» — это «связно». Одним движением вверх или вниз можно связать от двух и более нот. А одну нотку можно сыграть «легато»? Нет, конечно. Потому что нечего будет связывать. Между собой ноты в «легато» мы связываем вот таким вот обозначением «», дугой или лигой.

«ПОРТАТО». Этот штрих занимает промежуточное место между «легато» и «стаккато». Он употребляется для увеличения артикуляции звуков при «легато» (то есть для того чтобы выделить, подчеркнуть нотки в «легато») и для создания специфического волнообразного звукового эффекта. Штрих напоминает собой мягкое «стаккато» в кантилене. Достигается путём усиления нажима волоса смычка в начале каждого звука «легато» и дальнейшим отпусканием его с помощью мягких пульсирующих движений кисти.  

«БАРИОЛАДЖ». Этот штрих представляет собой быстрое чередование соседних струн в «легато» и в основном встречается в виртуозно-скрипичной литературе. Также относится к группе протяжённых штрихов.

И мы переходим к группе марткированных штрихов.

 «МАРТЕЛЕ». В переводе с французского «мартеле» означает «отбивая» — резкий, отрывистый. Штрих «мартеле» представляет собой острый звук с паузой равной ему по длительности. Вы знакомы с таким штрихом. Для придания какого характера произведению нужен такой штрих как «мартеле»? Для мужественного, героического. Штрих «мартеле» исполняется по принципу «деташе» с остановками, но начинается с резкого «укола» струны, совершаемого нажимом указательного пальца с помощью небольшого вращательного движения предплечья. Остановку нужно сделать для того, чтобы отдохнуть и быстро приготовиться к новому движению. «Уколов» нужно направить смычок свободно к концу. Он должен стремительно, легко и прямо двигаться, как стрела, пущенная из лука. Если сделать всё правильно звук получится решительным, смелым. Для этого, над штрихом следует, конечно, поработать. Да. И чёткое исполнение штриха «мартеле» возможно только до определённых темповых границ, иначе паузы будут потеряны, Вы не успеете приготовиться к новому «уколу» и штрих превратится в «деташе». Помните об этом.

«ПУНКТИР». Также относится к группе маркированных штрихов. «Пунктир» широко применяется в скрипичной литературе и способствуют созданию таких образов и характера как героической маршевости, танцевальности (очень часто используется в танцах, особенно в  таких как «мазурка»), а бывает и употребляется в сурово-трагических эпизодах (например, все мы помним марш «Монтекки и Капулетти» из балета Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта», мы его прослушаем позже). Пунктирные штрихи бывают слитные, то есть слигованные, а бывают разделёнными (этот вид пунктира считается более виртуозным, так как его сложнее выполнить). Порой эти штрихи соединены. В зависимости от характера музыки эти штрихи могут быть более острыми, резковатыми или наоборот, более мягкими, слитными. Но всё-таки основная задача исполнения пунктирного штриха – это добиваться острого яркого короткого звука. Ну а теперь марш «Монтекки и Капулетти». Исполняет Богдан Юсуфханов (11 лет, город Одесса).

«СТАККАТО». Этот виртуозный штрих встречается во многих произведениях. В переводе с итальянского «стаккато» значит «отрывисто». Вы случайно не помните, какой ещё штрих имеет такое же значение? Да, это «мартеле». По характеру он родственен штриху «мартеле», исполняемых несколько раз в одну сторону (вверх или вниз). «Твёрдое стаккато» может исполняться с разной скоростью, но в основном в таком темпе, в котором «мартеле» уже не может быть чётким. «Стаккато» бывает различного размера, от двух и более (пассажей) на смычок. Отрабатывает его лучше следующим способом: начинать с 2-4х звуков на смычок. Играть нужно с акцентом на каждый звук, с небольшими паузами  между нотами. Потом можно пробовать сыграть и более нот на смычок, постепенно ускоряя темп. Главная задача, чтобы каждый звук был отчётливым, не смазанным. Штрих опять же удобно вырабатывать на известном мотивчике из первого упражнения Шрадика.

Вы, наверное, услышали, что я сейчас называла «стаккато» «твёрдым»?! Это не случайно. В нашей практике существует ещё такой штрих как «летучее стаккато» или «стаккато «volant». Они хоть и похожи по названию, но и относятся к разным группам штрихов – «твёрдое стаккато» к группе «маркированных» штрихов, а «летучее стаккато» к группе «прыгающих» штрихов, и исполняются они, естественно, по-разному. И если «твёрдое стаккато» это несколько нот «мартеле» на один смычок, то штрих «летучее стаккато» напоминает собой последовательность штрихов «спиккато» на один смычок. В нотах он обозначается по-разному (показать пример в нотах И.Брамса. «Венгерский танец №5»). Не всегда понятно в нотах, что это именно «летучее стаккато», бывает, конечно, хороший редактор, подпишет, что исполнять нужно именно этим видом «стаккато», бывает, подскажет учитель, а бывает что догадаться нужно самому, исходя из характера произведения, темпа. А исполняется он вот таким образом (продемонстрировать на примере «Венгерского танца №5» И. Брамса).

А в исполнении Ефимова Дмитрия прозвучит этюд-стаккато, который написала Наталья Бакланова. У меня есть замечательное видео. В исполнении величайшего американского скрипача XX века Яши Хейфеца (1901-1987 гг.) прозвучит пьеса «Хора-Стаккато», которую написал румынский скрипач и композитор Григораш Динику. Пьеса почти целиком написана штрихом «стаккато». Итак, слушаем.

«ШТРИХ ВИОТТИ». Этот штрих назван по имени итальянского скрипача Джованни Баттисты Виотти, часто применявшего его в своих сочинениях. «Штрих Виотти» близкий «родственник» «мартеле». Соединив два штриха «мартеле» одним движением смычка мы получим «штрих Виотти». Главное, в нём нужно акцентировать каждый второй звук. После акцента руку нужно освободить. Этот штрих может исполняться всем смычком или же его частью, в зависимости от характера и темпа произведения.

«СПИККАТО». В переводе с итальянского «отрывать». Штрих достигается путём бросания смычка на струну и его отскакивания. При исполнении «спиккато» смычок держится в воздухе над струной, а затем как бы роняется на струну (зацепляя её) и отскакивает от неё подобно шарику, вместе с горизонтальным проведением смычка по струне. Сильно смычок сжимать не нужно, мизинец и большой палец закруглены и не напряжены. Движение кисти при этом напоминает «качели»: влево-вправо.

«СОТИЙЕ». Штрих «сотийе» в переводе с французского «подпрыгивать» — для быстрого, лёгкого движения. В отличие от «спиккато» смычок в «сотийе» не бросается на струну, а как бы сам от неё отскакивает. Но чтобы он «отскачил» – нужно сделать всё правильно. Главное – это «поймать» и запомнить правильные ощущения. Внимание к учителю и тренировка, тренировка и ещё раз тренировка! Начинать изучение штриха нужно как всегда с «деташе», короткого, в середине смычка. Кисть сильно не разбалтывать, акцентировать первые ноты такта. Потом постепенно нужно ускорять темп, штрих должен оставаться ритмичным. Должно появиться ощущение, будто смычок «танцует» на большом пальце. Ещё важно, особенно в дальнейшем, когда штрих уже будет получаться исполнять его в правильной части смычка, потому что каждый смычок – особенный, и лучше подпрыгивает в определённом месте. Нужно найти это «волшебное» место. Как это сделать? Пробовать исполнять штрих от середины смычка и ниже к колодке. Да, штрихом «сотийе» нужно заниматься ежедневно, тогда он точно получится!

Сейчас Даша Васильева покажет Вам кусочек этюда, который целиком написан этим штрихом.

«РИКОШЕТ». Представляет собой прыгающий штрих, в котором смычок после броска на струну, одновременно с горизонтальным проведением, несколько раз ударяет по ней. Этот штрих потому так и называется, потому что, падая на струну и пружиня, смычок рикошетом резво отскакивает от неё (как мяч, который бросить на пол, и он отскачет Бог весть сколько). Играя на скрипке, надо уметь управлять этим рикошетом: смычок, брошенный на струну, должен отскочить определенное количество раз, в определенном темпе, как указано в нотах. Волос при этом смычка должен быть упругим, не перетянутым, иначе управлять им будет сложнее, он будет очень деревянный. Для достижения хорошего качества штриха следует, конечно, потрудиться.

Сейчас Дарья Путилова покажет нам кусочек из этюда, в котором использован штрих «рикошет». Это интересный, на мой взгляд, забавный и очень сложный штрих, и у меня есть ещё одно видео для Вас, на сегодня последнее. В исполнении греческого скрипача Леонидаса Кавакоса прозвучит  Каприс Николы Паганини №1.

А сейчас для Вас небольшой кроссворд. И если Вы сегодня внимательно меня слушали, ответить правильно и быстро Вам не составит труда.

По горизонтали:

1.«БАРИОЛАДЖ» (9 букв)

Этот штрих представляет собой быстрое чередование соседних струн в «легато» и в основном встречается в виртуозно-скрипичной литературе. Относится к группе протяжённых штрихов.

2. «ЛЕГАТО» (6 букв)

В переводе с итальянского — это «связно». Одним движением вверх или вниз можно связать от двух и более нот.  

3. «РИКОШЕТ» (7 букв)

Представляет собой прыгающий штрих, в котором смычок после броска на струну, одновременно с горизонтальным проведением, несколько раз ударяет по ней.  

4. «СТАККАТО» (8 букв)

Этот виртуозный штрих встречается во многих произведениях. В переводе с итальянского тоже означает «отрывисто».  Бывает «твёрдое», бывает «летучее».  

5. «СОТИЙЕ» (6 букв)

В переводе с французского «подпрыгивать» — для быстрого, лёгкого движения. Этот штрих не бросается на струну, а как бы сам от неё отскакивает. Чтобы он получился на смычке нужно найти  «волшебное» место.  

По вертикали:

1. «МАРТЕЛЕ» (7 букв)

С французского означает «отбивая» — резкий, отрывистый. Штрих представляет собой острый звук с паузой равной ему по длительности.  

2. «ПУНКТИР» (7 букв)

  Бывают слитные, то есть слигованные, а бывают разделёнными (более виртуозный). Порой эти штрихи соединены. Основная задача исполнения этого штриха – это добиваться острого яркого короткого звука. Относится к группе маркированных штрихов.

3. «ДЕТАШЕ» (6 букв)

В переводе с французского значит «отделять». Исполняется так: каждая нота отдельным движением смычка вверх и вниз. Относится к группе протяжённых штрихов.

4. «ПОРТАТО» (7 букв)

Этот штрих занимает промежуточное место между «легато» и «стаккато». Штрих напоминает собой мягкое «стаккато» в кантилене.  

5. «СПИККАТО» (8 букв)

В переводе с итальянского «отрывать». Достигается путём бросания смычка на струну и его отскакивания. При исполнении этого штриха смычок держится в воздухе над струной, а затем как бы роняется на струну (зацепляя её) и отскакивает от неё подобно шарику. Движение кисти напоминает по форме «качели».  

Подводя итоги нашей сегодняшней беседы, хочу сказать: все штрихи, и даже некоторые другие, о которых мы сегодня не говорили, в своей школьной жизни Вы обязательно встретите, или уже встретили, кто-то встретит ещё через год или два-три (я сейчас, конечно, имею в виду не «деташе» и «мартеле», а более сложные штрихи). Но надо запомнить – каждый штрих требует своего особенного, чёткого исполнения, так как описано в его определении. И если это «мартеле», то это должен быть отрывистый, резкий звук, без продолжения, если это «стаккато», то оно должно быть «острое», «не смазанное». А что бы было именно так, штрихи требуют к себе особого внимания. И если «деташе» и «легато» мы научились исполнять просто, без тренировки, особенно в простых пьесках, где мы учим текст, а штрихи получаются сами собой, то например такие штрихи как «спиккато», «сотийе» да и «мартеле» тоже – требуют изучения, тренировки именно штриха. То есть, когда мы берем пьесу или любое какое-то произведение (будь то этюд или даже гамма), отдельно от нот, мы должны сначала делать что? Поучить сам штрих, на пустой струне, а потом уже пробовать его соединить с нотами. И если Вы будете следовать этому правилу, то Ваши штрихи будут чёткими, а Ваши пьесы станут ещё выразительнее. А чтобы Вы помнили, как играть штрихи я дарю Вам вот такие памятки!

Спасибо за внимание!

Штрихи

Штрихи можно разделить на две группы – неакцентированные и акцентированные.

Неакцентированные штрихи

1. Легато (legato). Обозначается лигой под или над нотами. Переход от одного звука к другому происходит связанно, без перерыва (без атаки). Основное выразительное качество legato – певучесть звуковой линии, плавность переходов в интервалах.

2. Портато (portato). Обозначается черточками с лигой под или над нотами. Этот штрих исполняется динамически ровно, длительность звука предельно выдерживается до конца в основном в тихих нюансах. Атака – исключительно мягкая, нежная, незаметная, кончик языка едва касается альвеол (тю). Можно пользоваться наиболее мягкой артикуляцией ю, а также более четкой – кю.

Portato – штрих кантиленного, лирического характера.

3. Тенуто (tenuto). Обозначается черточками под или над нотами. Некоторые специалисты называют его détaché, отождествляя с нотой без обозначения и считая, что это одно и то же. С этим нельзя согласиться. В словаре А.Должанского (4-е издание Л., «Музыка», 1964.) говориться: «.. «Tenuto» – выдержанно, точно по длительности и ровно по силе, иначе обозначается черточкой над или под нотой». Для того, чтобы звук до конца выдерживался во времени (продолжительности) и силе (динамике), а лучше даже несколько передерживался (причем этот момент скорее психологический), выдох после атаки следует постоянно немного усиливать, крещендировать, поддерживая, таким образом, полное звучание.

По сравнению с предыдущим штрихом, tenuto чаще исполняется в нюансах большей громкости. Атака более твердая и четкая. Язык плотнее прижимается к верхним зубам или к внутренней части верхней губы, используя артикуляцию тю.

Этот штрих также напевного, протяжного характера, но более активного, волевого звучания.

4. Деташе (détaché). Специального обозначения не имеет. Это слово французское (détacher – отделять). В отличие от предыдущих штрихов, détaché характеризуется незначительным ослаблением силы звука к моменту его окончания, а также, на наш взгляд, минимально укороченным звучанием, особенно в медленных темпах и в более продолжительных нотах, когда между звуками угадываются паузы.

Détaché, наряду с legato, – наиболее распространенный в практике нотного письма штрих, который легко исполняем, но зато маловыразителен. Опытный музыкант, хорошо разбирающийся в стилях, добавляет к «голым» нотам, когда это требуется, нужные и необходимые штрихи. Особенно это уместно в музыке стиля барокко (в восьмых и четвертях) и частично классики.

Известно, что такие композиторы, как И.С.Бах, Г.Телеман, Г.Ф.Гендель, А.Вивальди и другие в своих сочинениях не выставляли штрихи и динамику. Каждый исполнитель сам, на свое усмотрение, делал редакцию исполняемого произведения, не нарушая стиля. При исполнении штриха détaché артикуляция и атака могут быть различными в зависимости от динамики и темпа.

5. Залигованное стаккато. Staccato – слово итальянского происхождения, означающее – отрывисто. Залигованное стаккато его разновидность. Оно обозначается точками с лигой под или над нотами. Соотношение звучания ноты к паузе примерно 3/5 к 2/5, опять же в зависимости от темпа и длительности нот. Этот штрих обычно применяется в спокойных, умеренных и медленных движениях (темпах), а также в тихих нюансах.

Атака языка – мягкая, выдох равномерный и спокойный, прерываемый для соблюдения и обозначения пауз между нотами.

Артикуляция может быть самой разнообразной: и кончиком языка ближе к альвеолам (тю и тё), и средней спинкой языка, посредством прижатия кончика языка к нижним зубам (как было сказано выше – наиболее мягкая атака), и задней частью языка (кю и кё).

6. «Тенутное стаккато». Обозначается точками с черточками под или над нотами. По продолжительности звучания этот штрих примерно схож с предыдущим (3/5 к 2/5), но в отличие от него вписывается в группировках меньшего количества нот для удобства письма и для более эстетического зрительного восприятия. Гораздо удобнее, например, большую группу нот залиговать с точками, нежели выписывать точки с черточками на каждой ноте. Тенутное стаккато лучше применять в группировках из двух-четырех нот, а также в конце фразы для убедительности ее окончания. Оно используется в произведениях всех стилей, от И.С.Баха до современных авторов, и чаще всего в медленных частях. Например, в первых частях си минорной, Ми-бемоль мажорной, Ля мажорной и ми минорной сонат И.С.Баха. Примеров можно привести бесчисленное множество. Артикуляция тю и тё, при которой атака языком должна производиться соприкосновением с верхними зубами или с помощью языка с внутренней частью верхней губы, дающего более четкое звукоизвлечение. В отличие от залигованного стаккато, атака языком при «тенутном» стаккато убедительнее и тверже. Штрих исполняется упруго, с некоторым нажимом и в нюансах средней громкости.

7. Стаккато (staccato). Обозначается точками под или над нотами.

Staccato – штрих легкий и изящный, исполняемый коротко и отрывисто быстрым отдергиванием языка, в результате чего звуки отделяются паузами. Время пауз должно быть значительно больше времени звучания, причем это соотношение меняется в зависимости от темпа и длительности нот. В медленном темпе пауза продолжительнее, в быстром – паузы на слух не прослушиваются, и поэтому стаккато приближается к détaché. В более продолжительных нотах доля паузы больше (1/4 к 3/4). На характер staccato оказывает влияние также и динамика. В нюансах большой громкости staccato звучит акцентированнее и поэтому становится ближе к штриху marcato или martelé.

Staccato исполняется двумя способами – одинарным (простым) ударом языка (простое, одинарное staccato) и двойным (сложным) ударом языка (двойное staccato). При первом способе атака производится соприкосновением, касанием кончика языка к внутренней части губы, или к верхним зубам, или немного выше их – в зависимости от характера и динамики музыки; при этом произносятся слоги тю и тё. При всех способах участвуют диафрагма и мышцы брюшного пресса, благодаря чему staccato получается более упругим, четким, «звучащим» и полетным. При втором способе – двойном, сложном ударе языка работает и кончик и задняя его часть (спинка), чередуя артикуляцию тю-кю, равные по силе.

В отличие от простого staccato, при двойном кончик языка должен находиться за верхними зубами и отталкиваться от них. В очень быстрых темпах кончик языка немного приподнимается, касаясь альвеол. Возникает ощущение вертикального движения языка. Триоли и квинтоли можно исполнять двойным и тройным (т-к-т т-к-т-к-т) ударом языка. При игре двойным ударом языка в быстрых темпах staccato не должно быть отрывистым, слишком коротким, особенно в произведениях классиков – Моцарта, Стамица, Девьена, Плейеля и других.

Стаккатиссимо (staccatissimo) – слово производное и специального обозначения не имеет и поэтому как самостоятельный штрих не существует. Упоминая здесь этот термин, обращаем внимание на то, что выполняется этот вид staccato предельно коротко. Такой характер штриха staccato встречается только в современной музыке.

Акцентированные штрихи

1. Маркато (marcato) – итальянское слово, которое можно перевести как «подчеркнуто», «четко». Обозначается акцентами – галочками под и над нотами. Начало звука акцентированное с последующим его затуханием. Этот штрих по характеру схож со сфорцандо. Выполняется он активной и твердой атакой кончиком языка по внутренней части верхней губы или в верхние зубы (тю или тё). Перед звукоизвлечением язык плотно прижимается к одной из упомянутых точек, а затем резко и быстро отталкивается назад. Под воздействие такой отрывистой атаки происходит отдача в мышцах живота в виде толчка. Таким образом, посыл воздуха в инструмент происходит под стремительным и большим скоростным напором, а начало звука получается сильным и упругим, после атаки следует ослабление выдоха.

При исполнении штриха macato большое значение имеет тренированный артикуляционный аппарат – губы, язык и мышцы, связанные с дыханием, особенно диафрагма, которая всегда должна при выдохе сохранять вдыхательное состояние, а также губы, не расслабляющиеся до окончания звучания штриха.

Если губы после атаки расслабить, как часто бывает, то выходящая струя воздуха потеряет скорость и концентрацию. А, как известно, распыленная струя ведет к расплывчатому и низкому по интонации звуку.

Артикуляция штриха marcato очень сложная и требует постоянной и долгой тренировки.

Используется он в умеренном движении и в сильных нюансах.

2. Мартелé (martelé). Это французское слово можно перевести как «отчеканивание». Обозначается акцентами – клиньями под или над нотами. Звукоизвлечение очень отрывистое, резкое и сильное.

Техника работы исполнительского аппарата та же, что и при marcato. Различие лишь в том, что после активной атаки звук не затухает, а выдерживается по силе до его окончания. Исполняется martelé в основном в подвижном и быстром темпах напористого характера, при этом используется артикуляциятю и тё с атакой в передние верхние зубы.

3. Маркированное стаккато. Обозначается акцентами с точками под или над нотами. Объединяет в себе два вида штриха – marcato и staccato, благодаря чему staccato получается акцентированным.. Исполняется этот штрих легким акцентом и менее коротко, staccato, поэтому длительность звука несколько больше, чем при staccato, а время паузы – меньше.

Артикуляция примерно та же, что и в штрихах marcato и martelé, но работа губ, языка и мышц дыхания менее активная. Поэтому маркированное стаккато отличается легкостью и непринужденностью звучания.

4. Маркированное тенуто. Обозначается акцентами с черточками под или над нотами. Надо сказать, что этот штрих, так же как предыдущий и последующий, можно объединить в одну группу – смешанных акцентированных. Но в отличие от других акцентированных штрихов, при этом штрихе после активной и резкой атаки следует незначительное ослабление звука с последующим его продолжением до конца на одном динамическом уровне, одинаковой силы и без пауз между звуками – как говориться, на одном дыхании.

Артикуляция та же, что и в предыдущих штрихах, – активная, сильная. Можно использовать удар языка по внутренней части верхней губы, а также в верхние зубы (тю, тё).

После атаки выдох немного ослабевает, а затем усиливается и продолжается на crescendo до следующей акцентированной атаки. Звучание этого штриха напоминает удары колокола. Исполняется увесисто, тяжело, записывается, как правило, нотами большой длительности.

5. Маркированное легато. Обозначается акцентами с лигой под или над нотами. Этот штрих артикулируется акцентами с помощью губ (произносится как буква ф), диафрагмы и мышц брюшного пресса с воздействием на эти мышцы резкими выдохами-толчками. Перерывов и пауз между звуками не должно быть, лига не должна нарушаться.

Весь артикуляционный процесс происходит без языка и на одном дыхании.

Если требуется более заметный акцент на каждую ноту, то можно при атаке подсоединить и язык, но так, чтобы не нарушить связь между нотами, то есть legato. Поэтому атака языка должна быть мягкой и пластичной, с легким прикосновением к верхним зубам и частично к альвеолам, а также с использованием артикуляции кю.

Обычно этот штрих употребляется в умеренно-медленном движении музыки. В качестве примера можно привести 15-й такт медленной части Венгерской фантазии Допплера, где используется этот штрих.

Все перечисленные штрихи известны. Но знать теоретически – это еще не значит уметь их выполнять практически. Часто приходится слышать игру флейтистов, лишенную штрихового разнообразия, со слабо развитой артикуляцией. В основном флейтисты (как правило, молодые и начинающие) играют только раздельно и связно, неправильно считая, что раздельно – это staccato, а связно – legato и что этого достаточно.

Штрихом staccato, как правило, серьезно не занимаются, а тем более в совершенно необходимых медленном и умеренном темпах, в которых только и можно достичь развитости и тренированности языка, короткой и четкой атаки и настоящего качественного staccato.

В медленном темпе легче контролировать артикуляцию, качество штриха, используя максимальные паузы между нотами (звуками). Как мы знаем, в быстром темпе нивелируется, сглаживается различие между длительностью ноты и длительностью паузы. Как уже говорилось выше, в быстрых, а тем более в очень быстрых темпах staccato переходит в détaché, а в медленных темпах раздельное исполнение звуков приводит к штриху tenuto. В результате получается так, что исполнитель, не овладев техникой работы языка при исполнении коротких звуков, а значит, и staccato, и других штрихов, требующих соответствующей атаки. На первых же уроках, когда ученик переходит к игре на флейте (после постановки дыхания и игры на голове флейты), он должен осваивать примеры атаки и штрихи legato и staccato. Именно эти штрихи являются основной, исполнительской базой всех других.

Артикуляцией и штрихами надо заниматься самостоятельно и ежедневно, так же как и другими видами техники.

Хорошо тренировать известные нам артикуляции, способы атаки и штрихи в гаммах, как в прямом движении снизу вверх и сверху вниз, так и по ступеням, по несколько квартолей и триолей на каждую ступень гаммы. Эти упражнения надо разучивать в нескольких темпах (примерно в четырех) – медленном, умеренном, подвижном и, когда ученик достигнет определенного технического мастерства, в быстром.

Особое внимание следует уделять развитию артикуляции, атаки и штриха и непосредственно staccato – в трудном для исполнения на флейте нижнем регистре, в звукоряде от соль до до 1-ой октавы.

Существует много различных упражнений, и исполнитель сам может выбрать любое.

В заключение немного остановимся на использовании штрихов в зависимости от стиля, традиций, эпохи. Значительность, активность и достаточное разнообразие штрихов можно наблюдать в произведениях композиторов XVII – середины XVIII века (стиль барокко). Одна из характерных особенностей этого стиля – укороченная длительность восьмых и четвертных звуков в быстрых частях сонат и концертов, близкая к не слишком короткому или маркированному staccato. И наоборот, нехорошо, не в стиле, играть построения из шестнадцатых штрихов staccato – здесь уместен штрих détaché.

Струнники и пианисты, как в прошлом, так и в настоящем играют именно таким образом, и никаких вопросов в этом смысле у них не возникает. К сожалению, большинство наших флейтистов продолжают неправильно исполнять восьмые штрихом détaché, а то и tenuto. Помимо записей выдающихся флейтистов ученикам следует больше слушать исполнение и других замечательных музыкантов – струнников, пианистов.

В классических произведениях (вторая половина XVIII – начало XIX века) штриховая палитра несколько ограничена в активности по сравнению с сочинениями эпохи барокко. Классицизму присущи изящество, легкость, полетность быстрых частей. Поэтому здесь превалирует штрих staccato и legato в различных сочетаниях, комбинациях. Но довольно часто нужно пользоваться и такими штрихами, как маркированное staccato, «тенутное» staccato, маркированное tenuto и другими.

Шестнадцатые в «классике» так же, как и в «барокко», не должны звучать коротко и отрывисто, что ведет к тяжелому, даже грубому исполнению. Стаккато должно быть мягким, деташированным и исполняться расслабленным языком, двойным способом, на легатном выдохе, сохраняя плавность и гибкость линии.

Романтической музыке (начало и конец XIX века) свойственна эмоциональность, экспрессия чувств, яркая образность и контрастность, бурная стремительность пассажей. Чтобы многограннее раскрыть характер образов (лирических, драматических, героических и прочих), надо великолепно владеть разнообразием штрихов, наравне с агогикой и динамикой. Хорошей иллюстрацией этому могут быть сочинения Ф.Шуберта, Б.Ромберга и выдающихся флейтистов XIX века – Т.Бёма, Ж.Демерссемана. Ф.Допплера, Ж.-Л.Тюлу, И.Андерсена и других, много сделавших для развития исполнительского искусства игры на флейте и обогативших ее репертуар.

Ю.Н.Должиков – Нотная папка флейтиста №1.
Тетрадь №1. Методика Упражнения Этюды. Начальные классы музыкальной школы,
– Москва, издательство «ДЕКА-ВС», 2004

основные правила и техники нанесения линий карандашом

Как штриховать шар? Распространенный вопрос среди начинающих художников и людей, решивших научиться рисовать. Будь это профессиональный подход или хобби, технику штриховки проходят все, чтобы с ее помощью научиться создавать объемные и красивые рисунки. В этой статье постараемся ответить на волнующий вопрос и рассказать, какими способами заштриховать круг. Параллельно поговорим о самых популярных видах штриховки.

Виды штриховки

Процесс обучения рисованию, практически все начинают с осваивания техники штриховки. После того, как вы освоите основные типы линий и научитесь их накладывать, создаваемые рисунки станут красивыми, живыми и объемными. С помощью линий можно играть со светом и тенями, что в принципе и добавляет изображению жизни. Вышесказанное говорит о том, что без штриховки в изобразительном искусстве никуда. Она нужна как для создания эскиза, так и для полноценной картины. Давайте разбираться, какая же она бывает. В статье «Основные виды штриховки карандашом» подробно описаны самые популярные техники, здесь не буду повторяться, перечислю лишь самые главные техники, которые выделяют и используют большинство художников:

• параллельная;
• перекрестная;
• круговая;
• точечная.

По названиям техник, не сложно догадаться о каких линиях речь и как их накладывать. В первую очередь выберите себе подходящий по степени жесткости карандаш, также можно воспользоваться ручкой, найдите лист бумаги и давайте начинать правильно штриховать шар.

Важно: мы сейчас не рисуем шар поэтапно, не думаем о его положении на листке бумаги и правильном наложении света и тени, мы занимаемся штриховкой шара карандашом используя разные техники. Однако и этого должно быть достаточно, чтобы шар выглядел круглым и настоящим. Не ищите циркуль, мы не на уроке геометрии, рисуйте такой круг, какой получается. Со временем у вас будут такие круги получатся, что циркуль завидовать будет.

Основные правила, которые нужно соблюдать:

• делать красивый штрих нужно быстрыми и уверенными движениями;
• не рекомендуется в одном рисунке использовать перекрестные штрихи и растушёвку;
• линии нужно накладывать в соответствии с формой.

Параллельные штрихи

Смело можно назвать эту технику одной из самых популярных. С ее помощью легко показать сочетание светлого и темного тона шара. Параллельные линии образовывают ряды, расположенные близко друг к другу. Количеством линий и слоев показываем светлое и темное место круга, чтобы придать фигуре объемности. Добиваемся такого эффекта исключительно с помощью параллельных штрихов.

Перекрестные штрихи

Также, как и параллельные, это один из самых популярных способов нанесения линий. В нем параллельные вертикальные линии перекрываются параллельными горизонтальными штрихами. Количеством слоев вы можете играть светом и выделять темные и светлые участки сферы.

Круговые штрихи

Название говорит само за себя, с помощью кругообразных линий заштриховываете нужный элемент, в данном случае — это круг. На рисунке видно, что в месте частого наложения линий, образовывается темная тень.

Точечные штрихи

Тут понятно без слов, в нем используются точки, с помощью которых заполняется нужная фигура. Принцип такой же, как и в других техниках, в месте, где нужно затемнить ставим больше точек, там, где оставить светлое место — меньше.

По такому же принципу можно заниматься штриховкой шара используя другие техники. Среди которых могут попадаться не одобренные преподавателями способы, но мы, к счастью, не на уроке, поэтому творим, что хотим. Главное соблюдать основные правила и не бояться плохого результата. С каждым новым кругом техника будет все лучше и лучше, а штрихи все качественнее. Не бойтесь пробовать, нарисуйте десять кругов и заштрихуйте разными способами, меняйте при этом карандаши, это поможет определиться какой вид наложения линий получается лучше и какой стержень подходит больше. О том, какие бывают карандаши и стержни, читайте в статье «Художественные карандаши». Практикуйтесь и результат не заставит себя долго ждать.

Какие виды штриховки бывают. Какие бывают виды штриховок

Перед нами рисунок «Бананы», принадлежащий художнику Юрию Юдаев-Рачею. На этом замечательном и очень показательно образце рассмотрим особенности правильной и красивой штриховки.

5 принципов

красивой штриховки:

1. Во-первых, обратите внимание на чёткие параллельные прямые линии. Прямые линии нужно тренировать отдельно, они нужны как элемент штриха, а не сами по себе («глядите, как могу провести прямую без линейки!»). На рисунке эти линии очень хорошо читаются. Чтобы проводить прямые именно так, нужно правильно держать карандаш. Красивый штрих делается уверенными и быстрыми движениями. Линии, проведенные дрожащей неуверенной рукой вряд ли будут смотреться эффектно).

2. Не используется растушёвка. Никто не запрещает тушевать вообще. Но нельзя смешивать в одном рисунке перекрёстное штрихование и тушёвку. Если растирать — то весь рисунок и не оставлять штрихи. Потому что когда графит размазан только в некоторых местах, кажется, будто это следствие общей неаккуратности. Так бывает, например, когда во время штрихования рука ездит по бумаге и размазывает рисунок. Это моветон. Кстати, чтобы избежать размазывания рукой, не забывайте подкладывать под руку чистый листочек.

3. Больше всего внимания уделяется проработке того, что находится на переднем плане, потому что там самые сильные контрасты светотени. В отдалении тональные переходы ровнее и плавнее, всё как будто подернуто дымкой. Это не случайно: это способ передать в рисунке воздушную перспективу.

4. Штрих накладывается по форме, в соответствии с формой. Например, бананах видно, что штрихи чуть закруглены, и так передаётся округлая форма плода. Кроме того, глядя на рисунок, мы видим, что бананы лежат на горизонтальной плоскости, а за ними находится вертикальная плоскость, видимо, это стена. Художник передал нам это именно через направление штриха. Если горизонтальную плоскость штриховать вертикальными линиями, она встанет на дыбы. Что, в общем, отчасти произошло в правом нижнем углу рисунка.

5. Более тёмный тон достигается усилением нажима, перекрёстным штрихованием, и более частым наложением штрихов. Но в первую очередь важно именно перекрещивать линии. Смотрите, даже в самом тёмном месте через штриховку просвечивает бумага. Это даёт общее впечатление чистоты.

И самое главное, не нужно бояться заступить за границу, провести линию неправильно, и т. п. Это ощущение скованности непременно передастся зрителю (если вы решитесь показать кому-то замученный рисунок). Чтобы получилось хорошо, нужно рисовать С УДОВОЛЬСТВИЕМ и меньше думать о результате. Поэтому тренируйте штрихи. Имею в виду специальные упражнения, которые делаются отдельно, так же, как в детстве мы тренировали написание цифр, выводя целые страницы единичек и двоечек.

Чтобы создать красивый рисунок, необходимо овладеть красивым штрихом, растяжкой штриха и светотенью.

Сегодня мы рассмотрим упражнение по штриху.

Что такое штрих?

ШТРИХ — это достаточно короткая линия, выполненная броском руки (точка, бросок)

ШТРИХОВКА — это множество коротких линий, выполненных броском руки.

РАСТЯЖКА — плавный переход от темного (сочного) тона к светлому тону карандаша.

А теперь, делаем упражнение.

Наша задача научиться правильно штриховать и овладеть растяжкой тона через штрих. Прочтите инструкцию, а затем приступайте к выполнению упражнения.

Возьмите мягкий карандаш как ручку. Поставьте вертикально карандаш по отношению к листу бумаги. Затем выполняйте карандашом «точка — бросок» в определенном направлении, как описано ниже в таблице. Стрелкой показано в каком направлении делаем бросок линии.

Старайтесь, чтобы было похоже, как на рисунке. Тренировку хорошо делать мягким карандашом 3М, 6М.

1. Ставим карандаш (желательно вертикально) и делаем бросок.

5. Косой штрих сверху вниз

6.Косой штрих снизу вверх

8. Круглые линии делать броском руки

11. Растяжка: начинайте с сильного нажима карандаша, а затем постепенно снижайте нажим карандаша

12. Нарисуйте вертикальный прямоугольник. Разделите его диагональной линией.

Потренируйте растяжку по нажиму карандаша так, как показано на рисунке

Посмотрите на прямоугольник. У Вас тоже есть сочетание светлого и темного? Если нет, то сделайте упражнение еще раз.

7. Нарисуйте круг. Сделайте растяжку по форме круга (как на рисунке)

9. Повтор линии. Нарисуйте любую волнистую линию.

Затем повторите линию на одинаковом расстоянии.

Повторите линию на одинаковом расстоянии несколько раз.

Такие линии нам необходимо при передаче качества материала

10.Восьмерка. Аналогично, как и в 9 упражнении. Проследите как идет линия.

На одинаковом расстоянии она повторяется.

Подводим итоги:

1. Нарисуем лист растения. Обратите внимание в каком направлении идет штрих. Повторите как на картинке.

2. Предметы, где есть прямые линии, штр

штрихи — это… Что такое штрихи?

Штрих (музыка) — это… Что такое Штрих (музыка)?