Мазки маслом

Мазок в живописи

Для понимания сути изобразительных процессов мы знакомим наших учеников с дополнительными понятиями и тонкостями, возникающими в процессе обучения живописи.
Знание составных частей и так называемых «технических мелочей» усиливает понимание искусства в целом и живописи, в частности.
Мазок в живописи это один из ярчайших примеров того, как небольшая техническая особенность влияет на произведения художников и формирует целые стили.

Мазок — это маленькая часть живописной работы, его можно сравнить с кирпичиком, из которого собирается целый дом, а из мазков, сложенных в определенной последовательности, получаются настоящие произведения искусства.

Сам мазок – это не просто механическое движение кисти с краской, а трансляция мыслей и чувств художника.
Посредством кисти художник определяет, как будет ложиться краска на плоскость картины, как будет выглядеть конечный результат, какое будет от работы впечатление.

На других языках слово Мазок пишется как — Stroke (англ.), Touche (франц.), Pinselstrich (нем.) и переводится как «след кисти» на поверхности красочного слоя.

Владение техникой мазка — это составная часть живописной грамоты, такая же незаменимая как понимание гармоничных цветов, работа с тонами и распределение планов.
Из мазков лепится форма, и предметы материализуются на холсте. От того, каким видом мазка будет пользоваться художник, зависит не только внешний вид изображенного объекта, но и смысловое наполнение, которое он в себе несет.

Виды живописных мазков.

Как и любой технический метод, мазок имеет различные виды.

Гладкий (скрытый) – используется при гладком ровном письме, когда нужно подчеркнуть текстуру изображаемого материала. Хорошим примером служит живопись XVIII века: при совершенно ровной поверхности вся работа состоит из небольших мазков, просто их края настолько сглажены, что различимо только при тщательном рассмотрении.

Для того, чтобы рассмотреть практически «под лупой» любое произведение искусства хоть в Третьяковской галерее, хоть в Ватикане или Флоренции, появился уникальный сервис от Google под названием – Googleartproject. В этом проекте представлены практически все знаменитые музей мира, созданы виртуальные панорамы, где можно рассмотреть любую картину с фантастическим увеличением, так как все работы отсняты в сверхвысоком разрешении – 14 млрд. пикселей. Рекомендуем.

Пастозный (фактурный) – мазок, интенсивность которого зависит от замысла автора, изображаемой натуры или сюжета. Суть этого вида передает происхождение слова, «pastoso» по-итальянски обозначает «тестообразный». Работа ведется плотными, не просвечивающимися слоями, в некоторых случаях толщина слоя может достигать нескольких мм (!), благодаря этому создается определенный рельеф, с помощью которого можно подчеркнуть форму предмета.

Лессировочный (жидкий, прозрачный) – такой вид не является мазком в чистом виде, однако, с помощью него создается красочная фактура. Это постепенное накладывание полупрозрачных легких мазков до получения необходимого цвета или тона.

Как пользоваться мазком.

Мазок — это главный инструмент живописца. То, насколько вы освоите его технику, повлияет на разработку собственного стиля и манеры, а это, в свою очередь, будет выделять вас среди других художников.

Как пользоваться мазком в процессе обучения живописи.

• Менять вид и форму мазка. Хорошим заданием в работе над учебным натюрмортом является смешивание видов и форм мазков. Можно опробовать их на деле, понять, какими свойствами обладают, попытаться сделать цельную композицию из разных мазков.
• Располагать мазок по форме предмета. Моделировать предмет с помощью мазка, представлять структуру предмета и располагать на ней мазки так, чтобы они подчеркивали и проявляли конструкцию, менять направление мазков в зависимости от положения плоскостей.
• Для передачи пространства. Использовать мазок для изображения передних и задних плоскостей. Передние планы решать более фактурными и плотными мазками, задние планы, наоборот, прозрачными легкими. За счет этого будет появляться глубина и пространство.

Почему важно углубляется в такие детали? Ответом является то, что позволяло учить многие поколения живописцев – копирование достойных образцов. Правильное копирование подразумевает точное повторение техники, а этого можно достичь только «разобрав» работу на составные части, которыми является мазки. Точное копирование мазков может в итоге привести к целой картине. Если удалось сделать хорошую копию, то это — важный шаг в постижении техники художника, а значит, повышении своего мастерства.

Наши Уроки живописи проходят в Москве, расписание, цены, адрес вы можете найти в соответствующих разделах сайта, если останутся вопросы, звоните по телефонам: 8 903 669-66-79 или 8 903 668-69-36.

Создаем реальность

Смотреть на мир широко раскрытыми глазами

Учимся рисовать сами

Существует несколько способов, научится рисовать. Можно рисовать карандашом, тушью, углем, красками… Сначала нужно научиться линиям, для этого нужна твердая рука, острый глаз. Необходимо мыслить, видеть рисунок во всей его совокупности. Все линии должны соединяться между собой. Для начала сделайте набросок карандашом. Затем выберите, чем вы будете рисовать, тушью, акварелью или масляными красками.

Давайте рассмотрим рисунки мазками. Масляная живопись — одна из разновидностей живописной техники, отличительными чертами которой являются применение растительного масла как основного связующего вещества и определенные приемы работы с красками.

Я любил рисовать карандашом. Но по мере моего совершенствования, моим любимым видом самовыражения является масло. В качестве основы для масляной живописи используются холст, картон, дерево, металл, требующие предварительной грунтовки.

Красочный слой может быть тонким и густым, прозрачным и плотным, блестящим и матовым. Масляная живопись может быть и многослойной (с обязательным перерывом для высыхания каждого слоя) или по сырому, после окончания работы требующая подсыхания красок. Особенностью масляных красок является то, что после высыхания они долго сохраняют свой цвет, это дает большую возможность для передачи авторского замысла.

Живопись масляными красками выгодно отличается от акварели тем, что дает возможность быстро наносить поправки и переписывать заново различные участки холста. Положенный на холст мазок краски сохраняет, высыхая, свой первоначальный вид и не светлеет, как это бывает с акварелью или гуашью. Масляной краской можно придать полупрозрачный вид при помощи разбавителей (масла или лака).

Работать вначале надо обязательно большой кистью, переходя от одного участка к другому. Когда весь холст будет закрыт большими мазками, тогда яснее для вас станут, цветовые отношения и можно будет вносить в работу коррективы, поправки и изменения, переходя к несколько меньшим по размеру кистям.

Во время работы ни в коем случае не следует подбирать и смешивать краски на холсте. Вся краска должна быть только на палитре.

Если мазок положен на холст неверно, то его лучше осторожно очистить лезвием безопасной бритвы, но не мазать сверх него новой краской, так как получается грязь.

Не следует для смесей брать много красок, достаточно взять две-три.

Работы, выполненные маслом надо оберегать от сырости и от резкого колебания температуры. Если работы висят на стене, то нужно регулярно вытирать с них чистой тряпочкой пыль.

Что такое мазок? Мазок — термин в живописи, означающий след кисти на поверхности красочного слоя. Характер мазка зависит от изображаемой натуры, от намерений художника и от используемых им технических приемов.

Мазок может быть скрытым (при гладком письме) или четко выраженным, пастозным в зависимости от темперамента живописца.

1. Мазок не должен быть сухим – на бумаги не должно оставаться не закрашенных мест. Но, если на кисти слишком много воды, краска стекает вниз по бумаге.

2. Пока мазок не высох, мы не кладем мазков рядом с ним — мазки не должны ложиться в сыром виде друг на друга.

3. Мазок после того как его положили нельзя перекрашивать. Надо стараться сразу попасть в нужный тон. Если мазок неверен, его надо не исправлять, а скомпенсировать в ходе дальнейшей работы за счет соседних мазков. Постарайтесь найти как можно больше цветовых оттенков — пусть у Вас не будет двух одинаковых мазков.

4. Первый мазок кладем по самому темному месту – он сразу придаст тон нашей картины.

5. В начале работы не кладем больше двух мазков на одном предмете. Но если один мазок положен по освещенной части предмета, другой мазок нам надо положить в тени этого предмета.

6. Сначала работаем в середине рисунка, и постепенно подходим к краям изображения. Когда мы сделаем первый слой, возвращаемся опять к середине листа. Теперь мазки второго слоя кладем вплотную к высохшим мазкам первой. Блики на поверхностях оставим белыми.

7. Мазок можно класть по форме. На границах формы мазок лучше класть вдоль линии — это способствует сохранению рисунка.

8. Когда прорабатываются такие детали как отверстие ручки чашки, следует класть тон параллельно как в отверстии, внутри ручки, так и снаружи. Надо следить за тем, чтобы тон внутри ручки и снаружи не отличался.

9.Сначала начинаем рисовать светлые предметы, светлые предметы очень легко можно сделать темными. Эти предметы следует писать тогда, когда будет, написана основная часть картины.

Итак, следует без страха преодолевать трудности. Если вы хотите научиться рисовать, вперед, лишь на первый взгляд представляются неопределимыми трудности, определите свои наклонности и предпочтения, в интернете много материалов, книг, которые научат вас рисовать всё, что вы захотите. Начните, смелее, и навыки позволят овладеть подлинным мастерством.

Рассмотрим несколько работ, из них моя работа первая, маки. Вначале я показываю фотографию, выбранный мною пейзаж. Затем аналогичный результат. Но сразу предупреждаю, работа маслом, мазками всегда смотрится на расстоянии. Я сфотографировал работу вблизи, чтобы можно было рассмотреть картину, увидеть мазки.

Первые шаги по освоению техники могут оказаться трудными. Для начала возьмите сюжеты простые, сюжеты для копирования. В первое время не следует пренебрегать копированием имеющих моделей. Задача значительно облегчается для начинающего художника. Дерзайте.

«МЫ ДЕЛАЕМ МИР ЛУЧШЕ»

Приветствую Вас на сайте «Создаем реальность». Я – творческая личность.Предлагаемые материалы просто и понятно расскажут вам о том, как сделать свое жилище более теплым, уютным и приветливым. В моих статьях я попытаюсь учесть все тонкости, с которыми вы можете столкнуться, в процессе обдумывания или претворения в жизнь своей дизайнерской фантазии.

Мазки маслом

Многие начинающие художники настойчиво отыскивают книги, в которых были бы описаны приемы наложения красок и рецепты смесей, похожих на основные цвета природы. Чем больше вы будете заниматься живописью, особенно, пейзажными этюдами, тем быстрее поймете, что краски природы разнообразны и изменчивы и заранее установить какие-либо пропорции для составления красок на палитре невозможно.

Как смеси, так и приемы наложения мазков художник каждый раз отыскивает заново. В этом трудность и в этом увлекательность творчества. Некоторые, к сожалению, избегают поисков различных приемов изображения натуры и упрощают живопись, сводят ее к раскраске и однообразной тушевке, не используя богатых возможностей масляной техники и не передавая многих качеств натуры.

С первых же шагов в живописи надо стараться находить такое направление мазков, которое помогало бы выразить ваше видение формы, понимание строения и структуры изобразительной плоскости. Поставив перед собой, например, задачу объемно-пространственного решения этой плоскости, постарайтесь не только увидеть, но еще и глубоко почувствовать, что все формы объемны, и поверхность их состоит из различно повернутых в пространстве участков.

Часто мазки в этюде нужно направлять согласно поворотам участка формы, как бы граня и выстилая ее. Свойство масляных красок – давать то густые, плотные, то прозрачные и тонкие мазки. Оно широко используется для подчеркивания выпуклостей более плотной пропиской, для передачи прозрачности и воздушности теней тонкослойным письмом. Надо пробовать все эти приемы, снимая где нужно излишки краски мастихином или, наоборот, нанося корпусные, густые мазки. Старайтесь подчеркнуть и весомость ближних планов, написать их иначе, чем дали, энергичнее написать то, что и по цвету или по освещению самое яркое, сочное, ибо, как говорил Чистяков, “по натуре и прием”.

Некоторые начинающие художники задают вопрос: “А вот старые мастера писали гладко. Разве теперь нельзя так писать?” Когда будете в картинных галереях, внимательно изучите, как написаны работы мастеров разных эпох. Прежде всего заметьте, что художники писали и пишут по-разному. Выше мы говорили, что даже краски на палитре они размещают каждый по-своему. Конечно, “почерк”, манера, система письма картин различны и определяются совокупностью многих причин, из которых можно назвать и характер дарования художника, и те традиции, в которых он воспитывался, и новые творческие поиски, без которых не бывает движения в искусстве. Не будем здесь говорить об исторических условиях, в которых протекало творчество каждого мастера. Касаясь же технической стороны, скажем, что как ни разнообразно работали мастера, но мазками писали во все времена, а не только в наше.

Внимательно вглядевшись в структуру красочного слоя самой “гладкой” живописи, вы убедитесь, что под слоем музейного лака чувствуются пусть легкие, но мазки, словно выстилающие форму. Художники будто ощупывают кистью рельеф формы, буквально лепят его. Вот что писал Суриков, побывав в Италии и познакомившись с творениями художников эпохи Возрождения: “Кто меня маслом по сердцу обдал, то это Тинторет. Говоря откровенно, смех разбирает, как он просто неуклюже, но как страшна мощно справлялся с портретами своих краснобархатных дожей. Он совсем не гнался за отделкой. Ах, какие у него в Венеции есть цвета его дожеских ряс, с такой силой спаханных и пробороненных кистью, что, пожалуй, по мощи выше “Поклонения волхвов” Веронеза” * .

* (В. Суриков. Письма 1868-1916 гг. М.- Л., “Искусство”, 1948, стр. 70.)

Иные неискушенные в живописи зрители при виде “с такой силой спаханных и пробороненных кистью” картин наивно полагают, что они не закончены.

Репин в одном из своих писем убедительно развеял сомнения в законченности выразительно написанных полотен и ясно показал, чем диктуется почерк художника: “Веласкез – такая глубина знания, самобытности, блестящего таланта, скромной штудии, и все это скрывается у него глубокой страстью к искусству, доходящей [до] экстаза в каждом его художественном произведении, вот откуда происходит его неоконченность (для непросвещенного глаза), напротив, напряжение глубокого творчества не позволяло ему холодно заканчивать детали, он погубил бы этот дар божий, который озарял его только в некоторые моменты: он дорожил им. И какое счастие, что он не записал их сверху, не закончил по расчету холодного мастера. ” *

* (И. Репин. Письма. 1873-1898 гг. М.-Л., “Искусство”, 1946, стр. 73-74.)

И каким презрением к “расчету холодного мастера” дышат строки другого письма – В. Сурикова: “На выставке есть картины Мейсонье. Народ кучей толпится у них. Та же филигранная отделка деталей, и это, по-видимому, сильно нравится публике. Как же, хоть носом по картине води, а на картине ни мазка не увидишь! Все явственно, как говорят в Москве. Нет, мне кажется, что Мейсонье нисколько не ушел дальше малохудожественных фламандцев: ван-Дер-Хальста, Нетчера и других. Невыносимо фотографией отдает” * . Вот какое неприятное впечатление произвела на большого художника “гладкая” живопись, которую по заблуждению некоторых считают самой красивой, законченной. Здесь под внешней “законченностью” скрывалось равнодушие натуралиста к живой сути природы, действительности, поэтому его рука с холодным расчетом выписывала второстепенное, мелочи, которые, как мишура, прикрывали пустоту, отсутствие образного начала в картине.

* (В. Суриков. Письма 1868-1916 гг. М.-Л., “Искусство”, 1948, стр. 64.)

В истории искусства много примеров и утонченно моделированной живописи, исполненной с глубоким смыслом и поражающей силой художественной выразительности. Картины Брейгеля, например, показывают жизнь в самых, казалось бы, незначительных и зачастую мрачных, уродливых подробностях, но и здесь он оставался на высоте широких философских взглядов на судьбы людей, получивших выражение в известной картине “Слепые”. Картины Гольбейна, Гирландайо, Ван-Эйка и более поздние портреты наших живописцев Левицкого, Рокотова отличаются тщательностью деталировки и в то же время целостностью решения, глубиной колорита.

Но чтобы живо раскрыть перед зрителем мощь и пластическое богатство формы, чтобы страстно выразить свое волнение при виде ярких вспышек света, сочности цвета, живописцы наносят мазки иногда и в палец толщиной, “пашут кистью”. Нередко это происходит не по расчету: через руку на кисть передается ток, вызванный вспышкой большого творческого волнения, охватившего художника, восхищенного живописностью натуры, природы.

Так же, как “гладкая” живопись большого мастера не имеет ничего общего с дилетантской “склизкой” тушевкой кистью, так и темпераментная лепка формы крупнейших живописцев, основанная на точном знании и огромном опыте, не может быть подделана “машистой” рукой небрежного равнодушного художника.

Говоря о разных манерах живописи, мы хотим предостеречь вас от слепого подражания даже самым любимым мастерам. Ведь и у них, настоящих художников, техника никогда не была самоцелью!

Убедившись, что надо писать мазком, запомните: каждый мазок должен быть целесообразным, отвечать изобразительной задаче этюда. Неправильно было бы думать, что в масляной живописи нет никакой системы. Наоборот, в поисках разнообразных приемов живописного выражения впечатлений, замыслов надо придерживаться той или иной системы письма, определенного порядка “раскрытия” холста.

Масляными красками пишут в основном двумя способами: с подмалевком или без подмалевка. Первый способ требует многократного возвращения к натуре и сложной подготовке “ложа” для живописи (подмалевка), поэтому он применяется в основном для работы в мастерской, реже – в длительных многосеансных этюдах на воздухе. Шире используют второй способ, которым можно выполнять и многосеансные этюды, и кратковременные “нашлепки”.

В процессе работы над этюдом без подмалевка можно делать и лессировки, то есть наложения тонких слоев краски на уже прописанные участки для получения новых оттенков. Но это требует большого умения и опыта. На первых порах овладейте обобщенной лепкой формы, а в основном ограничивайтесь этюдами по одному сеансу (полтора-два часа).

О методе и о том, как вести кратковременные этюды, вы уже знаете из введения, а теперь расскажем подробнее, как писать без подмалевка более длительные этюды.

Техника а-ля прима (алла прима). Эта техника в настоящее время наиболее популярна, так как больше других отвечает задачам изображения “формы в среде”, задачам пленэрной живописи с присущей ей воздушностью, мягкостью и просветленностью колорита, а также непосредственностью манеры исполнения. Она быстрее развивает навыки целостного решения этюдов. Суть ее заключается в том, что “. художник ставит себе задачу сразу воспроизводить в красках все то, что он видит в натуре, т. е. цвет, форму, светотень и пр., не прибегая к расчленению этой сложной задачи на отдельные моменты работы” * .

* (Д. Киплик. Техника живописи. М.- Л., “Искусство”, 1950, стр. 236.)

При этом, как правило, работа ведется “по сырому”. Даже после первого сеанса живописец пишет по невысохшему слою или определенным образом освежает появившуюся на нем подсыхающую пленку. Это первый и наиболее распространенный способ а-ля прима. Поэтому мастера стремятся писать этюды в этой технике за один прием. Так написаны И. Репиным знаменитые этюды к картине “Государственный совет”. Но не всякий художник, тем более начинающий, может справиться с работой за один сеанс.

Как писать а-ля прима в один прием, вы уже знаете. Как же работать “по сырому” несколько сеансов? Чтобы красочный слой медленнее высыхал, незаконченный этюд ставят “лицом” к стене в прохладном, но не сыром помещении. Употребляют также медленно сохнущие цинковые белила. Если пленка на красочном слое все-таки появилась, то ее растворяют. Для этого перед началом очередного сеанса красочную поверхность протирают срезом дольки чеснока (лука) или лаком для живописи. Если пленку не удалить, то краски неминуемо пожухнут и получится то увядание цвета, пестрое чередование матовых, пожухлых пятен с сохранившими блеск красками, которое так удручает неопытных живописцев, не соблюдающих правила письма “по сырому”.

Живопись в технике а-ля прима, как правило, ведется тюбиковыми красками, без их разбавления.

Работая пастозно, художник должен заботиться о том, чтобы вначале не было слишком толстого слоя краски, особенно в первом сеансе. Избыток краски снимается мастихином, а фактурному письму отводятся последующие сеансы, на которых наносятся наиболее сочные мазки и цвета предельной силы там, где живописец определил самые яркие цветовые пятна мотива.

Система построения цветовой гаммы в этой технике, как вы уже знаете, заключается в том, что холст сразу в нескольких местах настраивается в основных цветовых отношениях. Иогансон образно сравнил этот процесс с раскладкой сначала крупных камней цветной мозаики, а затем все более и более мелких камешков различных оттенков по всему холсту сразу. Методом “раскладки” выполнены поздние этюды Рембрандта.

Если, например, пишут пейзаж, то один-два мазка набрасывают там, где наблюдают самое понятное по цвету пятно, тут же два-три мазка наносят на изображение неба, дерева, травы, постройки и т. д. Иными словами, вскрывают цвет всех элементов в пейзаже отдельными ударами по всему холсту. После сравнения и уточнения разложенных крупных мазков наносят новые цветовые оттенки. Не забывая о целостности этюда, все полнее раскрывают холст в цвете. Дальнейшая более тонкая моделировка форм зависит от той задачи, которую преследует художник в своей работе. В технике а-ля прима возможно как очень обобщенное изображение натуры, так и тончайшее моделирование форм “до последних точек” (по выражению Чистякова).

Нередко сначала пишут тени теплее и светлее, а освещенные места темнее и холоднее, то есть выдерживают общую гамму этюда в приглушенных тонах, как бы оставляя про запас для завершающих ударов кистью наиболее яркие цветовые контрасты. Как правило, самые сильные цветовые звучания на свету и тени акцентируются в последний момент, когда работа подходит к концу. Здесь очень уместны решительные и энергичные удары пастозными мазками.

Для решения мотивов с резко выраженным контрастом света и тени используют и прием ведения этюда от самого темного цвета к самому светлому. Однако он, хотя и помогает найти светотеневые отношения, часто наталкивает начинающих на перечернение цвета теней. Чтобы этого избежать, учитесь выявлять контраст освещенных и затемненных участков не только по светлоте цвета, но и по цветовому оттенку – холодному или теплому. Надо сразу найти, пользуясь методом сравнения, тени и свет по их цветовым оттенкам, где цвет теплее и насыщеннее – в тени или на свету.

Опытные мастера используют и другой способ техники а-ля прима, который отличается от предыдущего тем, что первоначально холст широко закрывают “в протирку”, разжижая краски скипидаром, нанося их подобно акварели. Известно, что некоторые мастера первоначальную прописку делают не масляными красками, а акварелью или темперой (если грунт эмульсионный). Это исключает пожухлости из-за неравномерного просыхания слоев масляной краски. В этот момент объемность формы почти не моделируется, так как цель первоначальной широкой и тонкослойной прописки сводится к выявлению основных цветовых отношений, общих цветовых масс (пятен) мотива.

Холст очень влияет на цвет тонкого красочного слоя, и это надо использовать, подобно тому как в акварели используют белую бумагу, не делая, однако, скидок на несовершенство первой цветовой настройки холста. Надо сразу правильно взять цветовые отношения, завязать этюд в цвете.

В дальнейшей работе вводятся пастозные мазки, особенно фактурно решаются освещенные участки и фон, а тени по возможности прописываются тонкослойно. Таким образом, в технике а-ля прима возможны различные варианты наслоения красок и разнообразные приемы обработки фактуры.

Изучение техники а-ля прима помогает понять, как практически вести многосеансный этюд “от общего к частному”.

В отличие от кратковременных этюдов, фиксирующих мимолетные явления в природе или выполняемых для изучения той или иной особенности мотива, длительные этюды предназначены для более полного изучения натуры. Здесь ставится задача – за несколько сеансов, каждый из которых на пленэре длится не более двух, а в мастерской до трех часов, не только передать основные цветовые отношения, но и богаче решить колорит этюда, провести моделировку формы от обобщенной лепки до необходимой деталировки.

Моделируя форму, особое внимание обращайте и на цветовой контраст между оттенками фона и предмета. Тогда приемы прописывания “касаний” не сведутся лишь к механической обработке мазков, которыми лепится форма “с боков”. Эти приемы у художников различны. То, пальцем прижимая мазки, стирают границы соседних участков на фоне и предмете. То мазки, которыми лепилась форма, размашисто вписывают в мазки на фоне. То, наоборот, делают засечки краев формы предметов, где это нужно, следя особенно за тем, чтобы они не были по цвету плотнее и ярче, чем оттенки самых выпуклых мест. Но нигде не допускается при этом жесткая обрезка “контура” вокруг всей формы, и мазки не обводятся по этому “контуру”. Моделировка формы завершается широким обобщением этюда.

Чтобы не набрасывать краски наугад, художник, еще имея перед собой чистый холст, старается разобраться в особенностях мотива и сформировать в своем представлении его живописный образ. И если это необходимо в работе над односеансным этюдом, то к длительному этюду приступают только тогда, когда в предварительных набросках найдена его цветовая композиция, в нашлепках “нащупаны” основные цветовые соотношения мотива, задумана общая гамма, отвечающая живописным особенностям натуры.

Навыки, приобретенные в занятиях односеансными этюдами, помогут вам правильно подойти к работе над многосеансными этюдами. Но для продолжения живописи на обобщенно записанном холсте необходимы новые навыки, знание системы последовательных прописок холста и раскрытия цветового богатства натуры. Сводить работу над новыми этюдами лишь к накоплению деталей, как бы растягивая на долгие часы выписывание того же односеансного этюда, конечно, нельзя.

Начинающих художников, пишущих длительный этюд бессистемно, нередко волнует то, что уже на следующий день тускнеют краски, появляется жухлость. Причина этого – не только плохое состояние грунта, но и неумение вести работу последовательно и технически грамотно. Если, как говорил Юон, “техника заключается в умении предельно высоко использовать материалы, имеющиеся в распоряжении художника”, то работа над длительными этюдами для учащегося является одновременно и таким уроком, на котором еще глубже познаются особенности различных материалов и технических приемов, постепенно вырабатывается свой почерк и свой подход к технике живописи.

Готовясь к серьезным занятиям живописью, вникните в глубокий смысл слов Юона: “В процессе работы чувства художника направляются не только на восприятие внешнего мира – они в то же время касаются и понимания качеств и свойств самих материалов и орудий производства, всех их потенциальных особенностей для использования в нужный момент. Далеко не безразлично, какой кистью проделать требуемую часть работы: кисть для живописца то же самое, что тот или иной нож или пинцет для хирурга. Свойство и качество ткани полотна. состав грунта полотна и его фактуры, краски в своих химических соединениях, с их относительной плотностью или прозрачностью. вязка волос кистей. связующие вещества для живописи. образуют сложную и многообразную науку – технологию художественных материалов и требуют к себе не меньшего внимания, чем само мастерство или чем знание законов природы. Качество живописи, ее цвет и светосила находятся в неизбежной зависимости от свойств живописных материалов” * .

* (К. Юон. О живописи. М., Изогиз, 1937, стр. 151 – 152.)

Чтобы глубже понять технику а-ля прима, в которой преимущественно пишутся этюды с натуры, и чтобы расширить свои представления о многообразии систем масляной живописи, полезно познакомиться и с другими способами построения красочного слоя картины. Эти знания могут быть использованы в самостоятельной творческой практике, помогут узнать “тайну” создания произведений выдающихся мастеров прошлого и крупнейших живописцев современности и оценить их живописные качества.

Картины маслом: как это делается? Техника живописи | Обучение

В живописи цвет всегда гармонирует с формой, обогащает ее. Поэтому, важно уметь не только писать маслом, но и делать предварительные наброски на холсте, предваряющие работу в цвете. Рисунок должен помогать художнику в работе с красками.

Нужно предварительно точно наметить место каждой формы, передать ее пропорции и характер. Рисунок лучше выполнить такими материалами, которые не смешаются в дальнейшем с красками, не будут загрязнять цвета и оттенки.

Как правило, предварительный рисунок делают углем: точно и строго прочерчивают основные контуры предметов, но в процессе письма на них полностью не полагаются. Уточнение форм происходит непосредственно при нанесении красок. Некоторые художники пишут сразу красками на холсте, без предварительного нанесения рисунка. Но для этого необходим большой опыт в рисунке и живописи.

‘ + ‘ ‘ + ‘ ‘ + ‘

Так как краски от природы разнообразны, а оттенки изменчивы, заранее установить какие-либо пропорции для смешения красок на палитре невозможно. Как смеси, так и приемы наложения мазков художник каждый раз отыскивает заново. В этом трудность и увлекательность творчества.

Масляными красками пишут в основном двумя способами: с подмалевком и без него. Первый способ требует многократного возвращения к натуре и сложной подготовки самого подмалевка, применяется в основном для работы в мастерской. При помощи второго способа можно выполнять и многосеансные этюды, и кратковременные работы.

Существует несколько приемов письма маслом

Техника а-ля прима — «по сырому», без подмалевка — при которой даже после первого сеанса художник пишет по невысохшему слою или определенным образом освежает появившуюся на нем подсыхающую пленку. Это первый и наиболее распространенный способ а-ля прима. Многие мастера стремятся писать этюды в этой технике за один прием.

Можно также работать «по сырому» несколько сеансов. Чтобы слой краски медленнее высыхал, употребляют медленно сохнущие цинковые белила, а незаконченный этюд хранят в прохладном, но не сыром помещении. Появившуюся пленку на красочном слое растворяют — перед началом работы поверхность краски протирают соком лука или чеснока либо специальным лаком для живописи. Необходимо заботиться о том, чтобы вначале работы не было слишком толстых слоев краски, особенно на первом сеансе.

Нередко сначала пишут темные места теплее и светлее, а освещенные — темнее и холоднее, то есть выдерживают общую гамму этюда, а затем прописывают наиболее яркие цветовые контрасты. Самые сильные цветовые оттенки на свету и в тени выделяют в последний момент, когда работа подходит к концу.

Техника многослойной живописи основана на наслоении нескольких красочных слоев. Она отличается от письма «по сырому» тем, что каждый слой краски основательно просушивается перед нанесением последующего. Процесс работы состоит из следующих этапов: подмалевки, пастозной прописки и лессировки.

В технике многослойной живописи подмалевок имеет немного иное значение, чем первая тонкослойная прописка в а-ля прима. Нередко он делается гризайлью: используются белила и какая-либо темная краска. Иногда такой подмалевок делают по тонированному, например, по серому грунту. При этом белила для моделирования освещенных мест наносят густыми мазками, а темной краской тонким слоем прописывают тени. Далее живопись ведется полупастозно, то есть в полутонах: густыми мазками в светлых местах и тонкими слоями — в тенях.

Подмалевок также можно сделать акварелью или темперой. Этими водяными красками пишут только на эмульсионном грунте. Такой подмалевок затем требует полного покрытия масляными красками, так как полученный тон будет отличаться от последующих мазков маслом.

Вторая прописка начинается только после просушки подмалевка. Если он выполнен гризайлью, то вторую прописку лучше делать лессировочно.

Лессировки — это тонкие, прозрачные слои красок, наносимые на другие, уже основательно засохшие. Лессировать можно всеми красками, кроме сильнокроющих — кадмиевой, неаполитанской желтой, английской красной — а также белил. Следует также учитывать, что одни лессирующие краски прозрачны (например, изумрудная зеленая), другие полупрозрачны.

Стоит отметить, что никаких строгих рецептов наложения мазков и красочных слоев не существует. Фактуру и характер мазка следует искать в зависимости от особенностей изображаемой натуры и своих склонностей к той или иной технике исполнения работы. Так, прежде чем отвергнуть ту или иную смесь, полученную на палитре, попробуйте различные варианты наложения мазка. Иногда оттенок, казавшийся неудачным, хорошо вписывается в этюд, если положить его, например, горизонтально, а не вертикально.

Как видите, зная некоторые особенности поведения красок, написать картину маслом сможет и не профессиональный художник.

Теги: творческая мысль, краска, живописец, рисование, живопись, мастерство, увлечение, советы, изображение, искусство, досуг, хобби, культура

Картина маслом — Oil painting

Процесс окраски пигментами, связанными с олифой.

«Холст, масло» перенаправляется сюда. Об альбоме см. Холст , Масло . Фрагмент самой старой масляной картины в мире (~ 650 г. н.э.), созданной в Бамиане, Афганистан.

Масло представляет собой процесс окраски с пигментами средой с олифы в качестве связующего вещества . Обычно используемые высыхающие масла включают льняное масло , маковое масло семян , масло грецкого ореха , и сафлоровое масло . Выбор масла придает масляной краске ряд свойств , таких как количество пожелтения или время высыхания. Определенные различия в зависимости от масла видны и в блеске красок. Художник может использовать несколько разных масел в одной картине в зависимости от конкретных пигментов и желаемых эффектов. Сами краски также приобретают определенную консистенцию в зависимости от среды. Масло можно кипятить со смолой , такой как сосновая смола или ладан , для создания лака, ценимого за его тело и блеск.

Самые старые известные картины маслом были созданы буддийскими художниками в Афганистане и датируются 7 веком нашей эры. Техника связывания пигментов маслом была известна в Европе как минимум к XII веку. Принятие масляной краски европейцами началось с ранней нидерландской живописи в Северной Европе, и на пике Возрождения техники масляной живописи почти полностью заменили использование темперных красок в большинстве стран Европы.

В последние годы стала доступной масляная краска , смешивающаяся с водой . Водорастворимые краски либо разработаны, либо добавлен эмульгатор , который позволяет разбавлять их водой, а не разбавителем для краски , и позволяет при достаточном разбавлении очень быстрое время высыхания (1-3 дня) по сравнению с традиционными маслами (1 -3 недели).

Методы

Традиционные техники масляной живописи часто начинаются с того, что художник рисует предмет на холсте углем или разбавленной краской. Масляную краску обычно смешивают с льняным маслом, уайт-спиритом или другими растворителями, чтобы сделать краску более жидкой, более быстрой или медленной. (Поскольку растворители разжижают масло в краске, их также можно использовать для очистки кистей.) Основное правило нанесения масляной краски — « жир по сравнению с постным », что означает, что каждый дополнительный слой краски должен содержать больше масла, чем слой. ниже, чтобы обеспечить надлежащее высыхание. Если в каждом дополнительном слое будет меньше масла, окончательная картина потрескается и отслоится. Это правило не гарантирует постоянства; именно качество и тип масла обеспечивают прочную и стабильную пленку краски.

Есть и другие среды, которые можно использовать с маслом, в том числе холодный воск, смолы и лаки. Эти дополнительные материалы могут помочь художнику отрегулировать прозрачность краски, блеск краски, плотность или «тело» краски и способность краски удерживать или скрывать мазок кисти. Эти аспекты краски тесно связаны с выразительной способностью масляной краски.

Традиционно краска чаще всего переносилась на окрашиваемую поверхность с помощью кистей , но есть и другие методы, в том числе с помощью мастихина и тряпки. Масляная краска остается влажной дольше, чем многие другие типы материалов художников, что позволяет художнику изменять цвет, текстуру или форму фигуры. Иногда художник может даже удалить весь слой краски и начать все заново. Это можно сделать тряпкой и немного скипидара на время, пока краска влажная, но через некоторое время затвердевший слой необходимо соскоблить. Масляная краска сохнет за счет окисления , а не испарения , и обычно высыхает на ощупь в течение двух недель (некоторые цвета высыхают в течение нескольких дней). Обычно он достаточно сухой, чтобы его можно было покрыть лаком за шесть месяцев до года.

История

Самые ранние обнаруженные масляные картины (~ 650 г. н.э.), изображающие буддийские образы в Бамиане , Афганистан.

Самые ранние из известных сохранившихся масляных картин датируются примерно 650 годом нашей эры на стенах в Бамиане в Афганистане . Эти настенные росписи являются буддийскими работами в поселении вдоль Шелкового пути . Они отображают широкий спектр пигментов и связующих, и даже включают использование последнего слоя лака. Эта утонченность этой техники живописи и сохранение картин до наших дней позволяет предположить, что масляные краски использовались в Азии еще до VII века.

Большинство европейских источников эпохи Возрождения , в частности Вазари , приписывают «изобретение» масляных красок северноевропейским живописцам 15 века и, в частности, Яну ван Эйку. Однако Теофил ( Роджер из Хельмарсхаузена ?) Четко дает инструкции по рисованию маслом. в его трактате « О различных искусствах» , написанном около 1125 года. В этот период он, вероятно, использовался для росписи скульптур, резьбы по дереву и деревянной арматуры, возможно, особенно для наружных работ. Наружные поверхности и поверхности, такие как щиты, используемые как на турнирах, так и в качестве украшений, были более долговечными при окрашивании масляными красками, чем при окрашивании традиционными темперными красками. Тем не менее, ранняя нидерландская живопись с такими художниками, как Ван Эйк и Роберт Кампен в начале и середине 15 века была первой, кто сделал масло обычным средством рисования и исследовал использование слоев и глазури , а затем остальную часть Северной Европы и только потом Италия.

Такие работы были написаны на деревянных панелях , но к концу 15 века холст стал использоваться в качестве опоры, так как он был дешевле, легче транспортировать, позволял большие работы и не требовал сложных предварительных слоев левкаса (штраф вид штукатурки). Венеция , где парусник был легко доступен, была лидером по переходу на парусину. Росписи малых шкафов также делались на металле, особенно на медных пластинах. Эти опоры были более дорогими, но очень прочными, что позволяло детализировать сложные детали. Часто для этой цели повторно использовались печатные формы от гравюры . Растущее использование нефти распространилось по Италии из Северной Европы, начиная с Венеции в конце 15 века. К 1540 году предыдущий метод рисования на панно (темпера) практически исчез, хотя итальянцы продолжали использовать фрески на основе мела для настенных росписей, которые были менее успешными и долговечными в более влажном северном климате.

В методах эпохи Возрождения использовалось несколько тонких почти прозрачных слоев или глазурей , обычно каждому давали высохнуть перед добавлением следующего, что значительно увеличивало время работы картины. Подмалёвки или земля под них были обычно белым цветом ( как правило , левкас покрыта грунтовкой), что позволяет свету отражаться назад через слои. Но Ван Эйк и Роберт Кампен немного позже использовали технику « мокрое по мокрому» , нанося второй слой вскоре после первого. Первоначально целью было, как и в случае с установившимися техниками темперы и фрески , создать гладкую поверхность, когда не обращали внимания на мазки или текстуру окрашенной поверхности. Среди самых ранних эффектов импасто , использующих рельефную или грубую текстуру на поверхности краски, есть эффекты из более поздних работ венецианского художника Джованни Беллини , около 1500 года.

Это стало гораздо более распространенным явлением в 16 веке, когда художники начали привлекать внимание к процессу своей живописи, оставляя очевидными отдельные мазки кисти и грубую окрашенную поверхность. Другой венецианец, Тициан , был в этом лидером. В 17 веке некоторые художники, в том числе Рембрандт , начали использовать темные грунты. До середины 19 века существовало разделение на художников, которые использовали «эффекты манипуляции» в своих лакокрасочных материалах, и тех, кто продолжал стремиться к «ровной, стеклянной поверхности, с которой были изгнаны все свидетельства манипуляций».

До XIX века художники или их ученики шлифовали пигменты и смешивали краски для различных живописных материалов . Это затрудняло переносимость и ограничивало большинство работ по рисованию в студии . Ситуация изменилась, когда тюбики с масляной краской стали широко доступны после изобретения американским художником-портретистом Джоном Гоффе Рэндом сжимаемой или складной металлической трубки в 1841 году. Художники могли быстро и легко смешивать цвета, что впервые позволило создать относительно удобный пленочный слой. воздушная живопись (распространенный подход во французском импрессионизме ).

Ингредиенты

Само льняное масло получают из семян льна , обычной волокнистой культуры. Лен , «опора» для масляной живописи (см. Соответствующий раздел), также происходит из льняного завода. Сафлоровое масло, масло грецкого ореха или маковое масло иногда используются для создания более светлых цветов, таких как белый, потому что они «желтеют» меньше при высыхании, чем льняное масло, но у них есть небольшой недостаток, заключающийся в более медленном высыхании, и они могут не обеспечивать самой прочной пленки краски. Льняное масло имеет тенденцию к высыханию желтого цвета и может изменить оттенок цвета.

Последние достижения в химии привели к созданию современных водосмешиваемых масляных красок, которые можно использовать и очищать водой. Небольшие изменения в молекулярной структуре масла создают это свойство смешиваемости с водой .

Подставки для масляной живописи

Самые ранние картины маслом представляли собой почти все панно на дереве, которые были приправлены и приготовлены в сложном и довольно дорогостоящем процессе, когда панель строилась из нескольких кусков дерева, хотя такая основа имеет тенденцию к деформации. Панно продолжали использоваться и в 17 веке, в том числе Рубенсом , который написал несколько больших работ по дереву. Художники из итальянских регионов перешли к холсту в начале 16 века, отчасти из-за желания рисовать более крупные изображения, которые были бы слишком тяжелыми в качестве панелей. Парусная парусина была сделана в Венеции, поэтому она была доступнее и дешевле, чем дерево.

Картины меньшего размера с очень мелкими деталями было легче рисовать на очень твердой поверхности, а деревянные панели или медные пластины, часто повторно использовавшиеся в гравюре , часто выбирались для живописи небольшого шкафа даже в 19 веке. Портретные миниатюры обычно использовали очень твердые опоры, в том числе слоновую кость или жесткую бумажную карточку.

Традиционные холсты художников изготавливаются из льна , но используются менее дорогие хлопчатобумажные ткани. Сначала художник готовит деревянную раму, которая называется «носилки» или «ситечко». Разница между этими двумя названиями заключается в том, что подрамники слегка регулируются, а сетчатые фильтры жесткие и не имеют регулируемых угловых выемок. Затем полотно натягивают на деревянную раму и плотно прикрепляют скобами к заднему краю. Затем художник наносит « размер », чтобы изолировать холст от кислотных качеств краски. Традиционно холст покрывали слоем животного клея (современные художники используют клей для кожи кролика) по размеру и загрунтовали свинцово-белой краской, иногда с добавлением мела. Панели были приготовлены из гипса , смеси клея и мела.

Современный акриловый « левкас » изготовлен из диоксида титана на акриловом связующем. Его часто используют на холсте, тогда как настоящий левкас не подходит для холста. Художник может нанести несколько слоев левкаса, отшлифуя каждый слой после высыхания. Акриловый левкас очень сложно шлифовать. Один производитель делает «шлифованный» акриловый гипс, но он предназначен только для панелей, а не для холста. Можно сделать левкас определенного цвета, но чаще всего левкас, покупаемый в магазине, бывает белого цвета. Слой левкаса, в зависимости от его толщины, будет втягивать масляную краску в пористую поверхность. Избыточные или неровные слои левкаса иногда видны на поверхности готовых картин как изменение, которое не связано с краской.

Стандартные размеры масляных картин были установлены во Франции в 19 веке. Стандарты использовались большинством художников, а не только французами, поскольку это было — и, очевидно, до сих пор — поддерживается основными поставщиками материалов для художников. Размер от 0 ( toile de 0 ) до размера 120 ( toile de 120 ) разделен на отдельные «серии» для фигур ( рисунок ), ландшафтов ( paysage ) и морских пехотинцев ( морских ), которые более или менее сохраняют диагональ. Таким образом, цифра 0 соответствует по высоте пайджейджу 1 и морской пехоте 2 .

Хотя использовались такие поверхности, как линолеум , деревянные панели , бумага , шифер , прессованная древесина , мазонит и картон , самой популярной поверхностью с 16 века был холст , хотя многие художники использовали панели в 17 веке и позже. Панель дороже, тяжелее, сложнее транспортировать и склонна к деформации или расколу в плохих условиях. Однако для мелких деталей абсолютная прочность деревянной панели имеет преимущество.

Процесс

Традиционная деревянная палитра, используемая для удержания и смешивания небольшого количества краски во время работы.

Масляная краска изготавливается путем смешивания пигментов красок с масляной средой. Начиная с XIX века, различные основные цвета приобретаются в тубах для краски, предварительно подготовленных перед началом окраски, дополнительные оттенки цвета обычно получаются путем смешивания небольших количеств вместе в процессе окраски. An палитра художника , традиционно тонкая деревянная доска удерживается в руке, используется для хранения и смешивания красок. Пигменты могут представлять собой любое количество природных или синтетических веществ с цветом, например сульфиды для желтого цвета или соли кобальта для синего цвета. Традиционные пигменты основаны на минералах или растениях, но многие из них оказались нестабильными в течение длительного времени. Современные пигменты часто используют синтетические химические вещества. Пигмент смешивают с маслом, обычно льняным, но можно использовать и другие масла. Различные масла по-разному сохнут, что создает разные эффекты.

Художник чаще всего использует кисть для нанесения краски, часто поверх наброска объекта (который может быть выполнен в другой среде). Кисти изготавливаются из различных волокон для создания различных эффектов. Например, кисти, сделанные из свиной щетины, можно использовать для более смелых мазков и текстур импасто. Кисти Fitch для волос и волос мангуста тонкие и гладкие, поэтому хорошо подходят для портретов и работы с деталями. Еще дороже кисти из красного соболя ( ласки ). Кисти высшего качества называются « колинский соболь »; эти щеточные волокна взяты из хвоста сибирской ласки . Эти волосы сохраняют тонкую форму, плавно обрабатываются и обладают хорошей памятью (они возвращаются в исходную точку, когда их отрывают от холста), известную художникам как «щелчок» кисти. Мягкие волокна без защелки, такие как беличья шерсть, обычно не используются художниками масляными красками.

В последние несколько десятилетий на рынке появилось много синтетических кистей. Они очень прочные и могут быть довольно хорошими, а также экономичными .

Кисти бывают разных размеров и используются для разных целей. Тип щетки также имеет значение. Например, «круглая» кисть заостренная, используемая для детальной работы. «Плоские» кисти используются для нанесения широких полос цвета. «Брайт» — это плоская кисть с более короткими волосками, используемая для «втирания». «Фундук» — плоская кисть с закругленными углами. «Эгберт» — очень длинная и редкая кисть фундука. Художник может также наносить краску мастихином, который представляет собой плоское металлическое лезвие. Мастихин также можно использовать для удаления краски с холста при необходимости. Для нанесения или удаления краски можно использовать различные нетрадиционные инструменты, такие как тряпки, губки и ватные палочки. Некоторые художники даже рисуют пальцами .

Тюбики с краской

Старые мастера обычно наносили краску слоями, известными как «глазурь», метод, также называемый просто «непрямой росписью». Этот метод был впервые усовершенствован путем адаптации техники рисования яичной темперой (яичные желтки использовались в качестве связующего вещества, смешанного с пигментом) и применялся ранними нидерландскими художниками в Северной Европе с пигментами, обычно размалываемыми в льняном масле . В наше время этот подход получил название «смешанная техника» или «смешанный метод». Наносится первый слой ( подмалевок ), часто окрашенный яичной темперой или краской, разбавленной скипидаром. Этот слой помогает «тонизировать» холст и скрыть белый цвет левкас. Многие художники используют этот слой для наброска композиции. Этот первый слой можно отрегулировать перед тем, как продолжить, что является преимуществом по сравнению с методом «карикатуры», используемым в технике фрески . После того, как этот слой высохнет, художник может приступить к рисованию «мозаики» из цветовых образцов, работая от самого темного к самому светлому. Границы цветов смешиваются, когда «мозаика» завершена, а затем оставляются сохнуть перед нанесением деталей.

Художники более поздних периодов, таких как эпоха импрессионистов (конец 19 века), часто расширяли этот метод мокрого по мокрому , смешивая влажную краску на холсте, не следуя подходу эпохи Возрождения наслоения и глазури. Этот метод еще называют « алла прима ». Этот метод был создан благодаря появлению живописи на открытом воздухе, а не внутри студии, потому что, находясь снаружи, у художника не было времени, чтобы дать каждому слою краски высохнуть перед добавлением нового слоя. Некоторые современные художники используют комбинацию обеих техник, чтобы добавить смелого цвета (мокрый по мокрому) и получить глубину слоев с помощью глазури.

Когда изображение закончено и высыхает в течение года, художник часто покрывает его слоем лака, который обычно состоит из кристаллов даммаровой камеди, растворенных в скипидаре. Такие лаки можно удалить, не повредив саму масляную картину, для очистки и консервации . Некоторые современные художники решают не покрывать свои работы лаком, предпочитая поверхность без покрытия.

Примеры известных работ

• Мотив из Тарту , Виллем Ормиссон, 1937 г.

Рекомендации

дальнейшее чтение

%d0%bc%d0%b0%d0%b7%d0%be%d0%ba %d0%bc%d0%b0%d1%81%d0%bb%d0%be%d0%bc PNG, векторы, PSD и пнг для бесплатной загрузки

естественный цвет bb крем цвета

1200*1200

green environmental protection pattern garbage can be recycled green clean

2000*2000

дизайн плаката премьера фильма кино с белым вектором экрана ба

1200*1200

be careful to slip fall warning sign carefully

2500*2775

3d модель надувной подушки bb cream

2500*2500

blue series frame color can be changed text box streamer

1024*1369

prohibited use mobile phone illustration can not be used

2048*2048

чат комментарий образование синий значок на абстрактных облако сообщение

5556*5556

black and white train icon daquan free download can be used separately can be used as decoration free of charge

2000*2000

дизайн логотипа bc значок буквы b

8333*8333

be careful with fire pay attention to fire pay attention to fire warning icon

2000*2000

Золотая буква b логотип bc письмо дизайн вектор с золотыми цветами

8334*8334

logo design can be used for beauty cosmetics logo fashion

1024*1369

Косметический bb Крем Дизайн Плаката косметический Косметика постер Реклама косметики Плакат

3240*4320

буква bc 3d логотип круг

1200*1200

happy singing mai ba sing self indulgence happy singing

2000*2000

элегантный серебряный золотой bb позже логотип значок символа

1200*1200

bb крем ню макияж косметика косметика

1200*1500

логотип bc

1200*1200

chinese wind distant mountain pine tree chinese style pine tree chinese style poster can be combined

3600*2475

в первоначальном письме ба логотипа

1200*1200

flowering in spring flower buds flowers to be placed plumeria

2000*2000

сложный современный дизайн логотипа с биткойн символами и буквами bc

8331*8331

bb логотип письмо дизайн вектор простые и минималистские ключевые слова lan

1202*1202

be careful of potholes warning signs warning signs caution

2000*2000

логотип готов использовать год до н э

6667*6667

bb логотип

2223*2223

be careful of electric shock safety icon caution

2240*2856

bc beauty косметический логотип дизайн вектор

8542*8542

3d счетное число 81 с прозрачным фоном и редактируемым

1200*1200

be careful to fall prohibit sign slip careful

2300*2600

Векторная иллюстрация мультфильм различных овощей на деревянном ба

800*800

slip carefully fall down icon alert class be

2000*2000

в первоначальном письме векторный дизайн логотипа шаблон

1200*1200

Креативное письмо bb дизайн логотипа черно белый вектор минималистский

1202*1202

bb крем элемент

1200*1200

розовый бб крем красивый бб крем ручная роспись бб крем мультфильм бб крем

2000*3000

bb логотип дизайн шаблона

2223*2223

bb логотип градиент с абстрактной формой

1200*1200

attention be careful cut icon danger

2500*2000

safety slogan be careful pay attention to safety caution

2000*2000

до н э центр красоты дизайн логотипа вектор

8542*8542

bb градиентный логотип с абстрактной формой

1200*1200

год до н э письмо логотип

1200*1200

год до н э письмо логотип

1200*1200

3d золотые числа 81 с галочкой на прозрачном фоне

1200*1200

аэрозольный баллончик увлажняющий лосьон bb cream парфюм для рук

3072*4107

madar e be sheer Исламская каллиграфия бесплатно png и eps

5000*5000

две бутылки косметики жидкая основа белая бутылка крем bb

2000*2000

safety signs be careful to meet be careful of steps beware of burglary

3000*4824

Как написать картину маслом за компьютером

Мне жутко нравится это занятие, или, вернее сказать, упражнение, и я не раз проделывал его – пародии на классические картины. Я многое узнал, занимаясь этим.

Мой обычный стиль очень «чист», я стараюсь быть точным, рисовать только одной кистью – круглой мягкой. Но, на этот раз всё было иначе. Чтобы иметь возможность эмулировать классическую масляную живопись, я перешерстил все наборы кистей в Photoshop, попытался найти новый подход к работе.

«Эмулировать классическую масляную живопись» — это звучит глуповато, да. Существует так много стилей, техник, мазков… Однако я уверен, вы понимаете, о чем я. Магия исключена, но я готов поделиться с вами своими советами.

1. Найдите хороший референс

В наше время легко найти классические картины маслом в большом разрешении, например на Art Renewal Center. Уделите время изучению референса. У каждого художника была своя техника, и вы должны с ней разобраться прежде, чем начать рисовать.

Будьте внимательны к цветам и тонам, не используйте инструмента «пипетка». Смотрите на картину и пытайтесь понять, где какие присутствуют цвета, и почему: почему художник нарисовал тени оливковыми, почему добавил красной краски на кончик носа?

2. Настройте инструментарий

Я работаю в Photoshop, но это не значит, что вы не нарисуете шедевра в любой другой программе. Я не думаю, что стоит тратить время на создание собственных кистей, просто попробуйте все базовые кисти с разными настройками.

Чтобы картина маслом выглядела действительно таковой, я делал упор на текстурированные кисти.

3. Работайте по-своему

Вы рисуете с помощью компьютера, а это значит, что можно делать ошибки, пробовать разные подходы, снова и снова. Отличное преимущество!

Несколько лет назад я нарисовал карикатурный автопортрет Уильяма Бугро. Процесс был отчасти хаотичен. После последнего штриха я добавил текстуру.

Вы можете, как и я, работать с чистой работой, а потом добавить текстуру, или сразу рисовать специфически с помощью кистей с уменьшенным нажимом. Можно создать кучу корректирующих слоев и попробовать разные настройки. Экспериментируйте!

4. Используйте стиль

Рисование – это игра. Нарисовать портрет маслом мультяшного персонажа – совершенно нормально.

5. Забудьте все, что вы знали о свете

Только свет неба и свечей! Избегайте яркого современного освещения.

6. Забудьте все, что вы знали о нормальном рисунке

Истинная слабость современного цифрового художника. Они все помешаны на цветовом и прочих балансах, но нет, нет. Если вы подражаете классической живописи, не используйте чисто черного, не используйте чисто белого. Забудьте об идеальном контрасте. Ваша задача иная: делайте ошибки, разбавляйте картину несовершенством.

7. Используйте текстуру

Вы с легкостью найдете текстуру холста в Интернет. Добавьте его с помощью слоя с режимом «overlay» и увеличьте прозрачность. Вдобавок, можете нарисовать несколько царапин или трещин краски.

8. Попробуйте писать маслом в реальности

Лучший из советов, что я мог вам дать.

Я только закончил свою версию автопортрета Леона Бонна, и могу сказать, что эта картина принесла мне истинное удовольствие.

Как отличить написанную картину маслом от печати на холсте?

Существует три варианта напечатанных на холсте картин: просто печать с последующим покрытием лака, печать с обработкой текстурным гелем и печать с доработкой маслом. Есть еще бюджетная печать на холсте водорастворимыми чернилами, если на него брызнуть водой, то краски потекут, такой постер даже лаком не покрыть, поскольку чернила растекаются.
Постер без обработки гелем или маслом достаточно легко отличить от авторской живописи и он, как правило, недорогой. Сложнее с двумя другими вариантами, поскольку они делаются для имитации живописи и обмана вашего зрения, а иногда и для опустошения вашего кошелька.

Как же тогда отличить написанную картину от компьютерной подделки на холсте?

• Если вы тонко чувствуете цвет, то вас будет очень сложно обмануть, поскольку даже самое дорогостоящее оборудование не может передать всё богатство оттенков и нюансов цветовых переходов.
• В интернете часто попадаются ошибочные советы. Например, оригинальные картины художников в галереях и салонах имеют скромный ассортимент — не больше ста работ, тогда как в магазинах с постерами выставлены на продажу тысячи картин.
• Относительно невысокая стоимость так же не говорит о том, что перед вами — картина или постер.
  К сожалению у многих художников бывают тяжелые времена… Например, Сезанн — складывал свои холсты в тачку и заглядывал в каждую открытую дверь, чтобы получить хотя бы 50 франков и расплатиться с бакалейщиком. Алексей Саврасов за еду и выпивку расписывал стены трактиров. Многие великие художники умерли в нищете: Сандро Боттичелли, Ян Вермеер, Рембрандт, Амедео Модильяни, Поль Гоген, Альфред Сислей и др.
• Высокая стоимость тоже ни о чем не говорит, поскольку аферисты для правдоподобия могут дорого продавать разукрашенный маслом принт.
• Отсутствие подписи автора тоже не говорит ни о чем, поскольку аферист и на постере сможет быстро, легко и красиво сделать подпись.
  Если вы хоть раз посещали мастерскую художника и смотрели его картины, то наверняка заметили, что иногда попадаются картины без подписи.
  Караваджо, Рубенс, Рембрандт, Франс Хальс, как и Средневековые художники, крайне редко подписывали свои картины. Много картин без подписи у Винсента Ван Гога, Клода Моне, Исаака Левитана и др. Микеланджело расписался только на одной своей скульптуре — «Пьета».
• Некоторые галеристы предлагают взглянуть на края картины — если они ровные, то перед вами постер.
  Но это не совсем корректный способ определения, поскольку если художник пишет без подрамника, то для эстетики или для того, чтобы не ошибиться с размером и потом не пришлось заказывать более дорогой нестандартный подрамник, он может заклеить края бумажным скотчем и в результате получится красивый ровный край.

  Перед написанием картины художник может заклеить края бумажным скотчем и в результате получится красивый ровный край. Чаще всего этот способ используют для графики и реже для живописи.

• Обычно при написании картины, художник берется руками за торцы картины, оставляя там краску и следы пальцев, поэтому в большинстве случаев боковины настоящей картины будут запачканы, а при печати они останутся идеально чистыми. Но никто не мешает аферистам подкрасить печать маслом и оставить аналогичные следы на боковине.

  Так выглядят торцы живописных картин, правда это можно легко подделать. По ним дополнительно видно: Варианты 1, 3 и 4 написаны на недорогом фабричном холсте, скорее всего китайском. Варианты 4 и 7 — если подрамник не модульный, то провисшую картину будет достаточно сложно перетянуть. Вариант 6 — пожалуй, самый худший холст из этих семи вариантов. Вариант 2 — у художника был очень сильный приступ жадности (пожалел двух сантиметров холста), когда картина провиснет, а она при такой натяжке точно провиснет, то ее не перетянуть и придется уменьшать изображение на 1см. Единственный плюс — так делают только художники и это точно не принт. Варианты 5 и 7 — неплохой репинский холст, пожалуй один из лучших в нашей стране. Этот холст визуально легко узнаваем и на таком холсте точно не печатают.

• Отсутствие подрамника не говорит о том, что перед вами постер, поскольку художники часто хранят картины в холстах — так картины занимают гораздо меньше места и хороший подрамник стоит достаточно дорого. К тому же никто не мешает аферистам натянуть контрафакт на подрамник или изобразить следы снятия с подрамника.
• Отсутствие следов от подрамника тоже не говорит о том, что перед вами печать на холсте. Иногда художники пишут на фабричных холстах не натягивая на подрамник, прикалывая или пристреливая холст к фанере или другому ровному основанию. Например, если надо написать картину и затем переслать в холсте, то не имеет смысла покупать подрамник, натягивать не него картину, а затем снимать холст с подрамника.

  Иногда художники пишут картину маслом не натягивая холст на подрамник.

• Посмотрите на холст с обратной стороны, если он имеет различные неровности, узелки, уплотнения — скорее всего, перед вами картина маслом, правда на некачественном холсте. В качественном холсте для живописи допускается один узел на квадратный метр.
  Обычно для печати используют гладкий, идеально ровный холст. Но иногда художник использует импортный фабричный гладкий холст, который достаточно сложно отличить от качественных холстов для печати.

  	Так выглядит некачественный льняной холст для живописи с обилием узлов, которые художники часто сбривают и тем самым разрушают холст.
  	Существует большое разнообразие холстов для живописи с различной текстурой и составом. На фото грунтованные льняные холсты в рулоне, которые продаются по метражу.
  	Существует большое разнообразие холстов для печати с различной текстурой и составом.

• Самое надежное и простое правило: переверните картину обратной стороной и посмотрите на яркий свет (солнце, лампа или фонарик). Как правило, большинство картин написаны в 2-3 слоя и каждый цвет и слой имеет свою толщину, поэтому при просмотре на свет картина будет иметь неоднородный рисунок. Печать же имеет стандартную толщину красочного слоя по всему изображению, поэтому на просвет мы увидим однородный рисунок.
• Есть еще очень простой и надежный способ проверки — возьмите лупу с хорошим увеличением и увеличьте фрагмент картины, даже у «гладкой» живописи вы увидите мазки.
• Иногда постер на холсте покрывают вручную кистью прозрачным текстурным гелем, поэтому изучите характер мазков на картине, в отличии от живописных, гелевые мазки всегда прозрачные.

  Так выглядит фрагмент постера покрытого прозрачным текстурным гелем.

• Принтер печатает точками (пикселями) с набором от четырех до восьми цветов и при увеличении лупой эти точки легко заметить. Если перед вами разукрашенный принт, то осмотрите картину внимательно через лупу и вы точно найдете непрокрашенный участок с пикселями, поскольку досконально прокрашивать принт гораздо дольше, чем написать повтор картины вручную.

  Так выглядят пиксели на фрагменте напечатанного изображения при увеличении лупой.

• Если картина писалась на заказ, то вам упростят задачу фото процесса работы художника над картиной

  Фотографии процесса работы художника над копией картины Эмиля Мунье.

• К сожалению, покупка непосредственно у художника не гарантирует вам на 100% покупку оригинала. У нас двадцатилетний опыт общения с художниками и бывали случаи, когда художники под видом авторской живописи приносили нам «попачканный маслом» принт и потом искренне удивлялись, когда мы полностью прекращали с ними сотрудничество.
• К сожалению, иногда галерейщики сами далеки от искусства или новички в этой отрасли и могут по незнанию или невнимательности под видом живописи взять у художника доработанный маслом постер.
  Поэтому, если у вас есть сомнения по картине, попросите у продавца доказательства оригинальности работы. Если они профессионалы, то с удовольствием помогут вам и покажут как отличить живопись от печати на холсте.

• Мы бы не рекомендовали покупать живопись в магазинах которые занимаются печатью на холсте, поскольку очень большой шанс купить разукрашенный маслом или покрытый фактурным гелем принт.

Рубрика: изобразительное искусство, как купить картину, практические советы

© Материал подготовлен художественной галереей Арт СПб
При полном или частичном копировании прямая ссылка на сайт — www.art-spb.ru обязательна!

Купить картину маслом Копии картин на заказ Шедевры живописи Картины на заказ

МАСЛЯНАЯ ЖИВОПИСЬ — информация на портале Энциклопедия Всемирная история

МАСЛЯНАЯ ЖИВОПИСЬ — вид жи­во­пис­ной тех­ни­ки, ис­поль­зую­щий рас­ти­тель­ное мас­ло в ка­че­ст­ве основного свя­зую­ще­го ве­ще­ст­ва.

Крас­ки об­ра­зу­ют­ся рас­ти­ра­ни­ем не­ор­га­нических пиг­мен­тов в от­бе­лён­ном льня­ном мас­ле, ино­гда с до­бав­ле­ни­ем оре­хо­во­го и под­сол­неч­но­го. Свя­зую­щие свой­ст­ва ма­сел бы­ли из­вест­ны как в ан­тич­но­сти, так и в Ев­ро­пе с XII века (опи­са­ны в трак­та­те Тео­фи­ла «О раз­лич­ных ис­кус­ст­вах», около 1100 года). Од­на­ко ро­ж­де­ние масляной живописи про­изош­ло толь­ко по­сле то­го, как в начале XV века ни­дерландский ху­дож­ник Я. ван Эйк про­де­мон­ст­ри­ро­вал её прин­ци­пи­аль­но но­вые жи­во­пис­ные воз­мож­но­сти, по­зво­ляю­щие пре­одо­леть ко­ло­ри­стичную ог­ра­ни­чен­ность тра­диционной тех­ник средневековой жи­во­пи­си (тем­пер­ной жи­во­пи­си, мо­заи­ки, вит­ра­жа, фре­ски и др.). В Ита­лии пе­ре­ход к масляной живописи в се­ре­ди­не и второй половине XV века так­же был вы­зван ин­те­ре­сом к цве­ту. Под влия­ни­ем ни­дерландского искусства (мас­те­ром, прив­нёс­шим на итальянскую поч­ву северную тех­ни­ку масляной живописи, счи­та­ет­ся Ан­то­нел­ло да Мес­си­на) в мас­тер­ских ху­дож­ни­ков-ко­ло­ри­стов (Пье­ро дел­ла Фран­че­ска, Джо­ван­ни Бел­ли­ни, А. дель Вер­рок­кьо) этот пе­ре­ход осу­ще­ст­в­лял­ся че­рез ис­поль­зо­ва­ние сме­шан­ной тех­ни­ки, ко­гда ниж­ние слои вы­пол­ня­лись тра­ди­ционной тем­пе­рой, а верх­ние — мас­лом.

В от­ли­чие от др. тех­ник, масляная живопись соз­да­ва­ла ус­ло­вия для мно­го­слой­но­го пись­ма: пре­лом­ляю­щая спо­соб­ность у мас­ла вы­ше, чем у яич­ной тем­пе­ры, бла­го­да­ря че­му мно­гие пиг­мен­ты в со­че­та­нии с ним при­об­ре­та­ют про­зрач­ность. Так воз­ник ме­тод ра­бо­ты лес­си­ров­ка­ми (мно­го­крат­ное на­ло­же­ние по­лу­про­зрач­ных сло­ёв, ли­шав­ших цвет од­но­знач­ной оп­ре­де­лён­но­сти), от­крыв­ший путь к дли­тель­ной (в идеа­ле — бес­ко­неч­ной) ра­бо­те с цве­том. Он по­зво­лил пе­рей­ти от оп­ти­че­ско­го сме­ше­ния, ко­то­рым поль­зо­ва­лись мо­заи­ка и вит­раж, к не­по­сред­ст­вен­но­му соз­да­нию слож­но­го цве­та, от на­ло­же­ния сло­ёв друг на дру­га, как во фре­ске и книж­ной ми­ниа­тю­ре, к их взаи­мо­про­ник­но­ве­нию, ко­гда ниж­ние слои про­све­чи­ва­ли сквозь верх­ние, от ли­ней­но-гра­фи­че­ских по пре­иму­ще­ст­ву спо­со­бов раз­ра­бот­ки цве­то­во­го пят­на к его бо­лее тон­ко­му мо­ду­ли­ро­ва­нию, от слож­ной тех­но­ло­гии, тре­бую­щей кол­лек­тив­ных уси­лий, к пла­стич­но­му ма­те­риа­лу и не­по­сред­ст­вен­ной ин­ди­ви­ду­аль­ной ра­бо­те с ним. Дли­тель­ное вы­сы­ха­ние сло­ёв да­ва­ло воз­мож­ность из­ме­не­ний в хо­де ра­бо­ты и тем са­мым вно­си­ло им­про­ви­за­ци­он­ность в жи­во­пис­ный про­цесс, ко­то­рая поч­ти от­сут­ст­во­ва­ла у средневековых тех­ник, тре­бо­вав­ших вы­со­кой точ­но­сти пред­ва­рительного пла­ни­ро­ва­ния. Масляной живописи ока­зал­ся до­сту­пен лю­бой мас­штаб, от ми­ниа­тюр­но­го до мо­ну­мен­таль­но­го, а так­же раз­но­об­ра­зие спо­со­бов на­ло­же­ния цве­та (им­па­сто, мно­го­численные лес­си­ров­ки, ин­ди­ви­ду­аль­ный ха­рак­тер маз­ка, соз­даю­щий различные эф­фек­ты — от ка­жу­ще­го­ся от­сут­ст­вия фак­ту­ры до ощу­ще­ния рель­еф­ной по­верх­но­сти).

По­яв­ле­ние масляной живописи от­кры­ло но­вый этап в ис­то­рии ев­ропейской жи­во­пи­си, соз­да­ло ус­ло­вия для по­ста­нов­ки и ре­ше­ния мно­го­об­раз­ных ко­ло­ри­стических за­дач. С ос­вое­ни­ем масляной живописи не­раз­рыв­но свя­зан про­цесс ста­нов­ле­ния стан­ко­вой жи­во­пи­си. Ос­но­вой для масляной живописи пер­во­на­чаль­но бы­ли де­ре­во и ре­же ме­талл, за­тем холст (по­кры­вае­мый грун­том) и бу­ма­га (кар­тон). На за­вер­шаю­щем эта­пе ра­бо­ты над кар­ти­ной до второй половины XIX века ис­поль­зо­ва­лись по­кров­ные ла­ки, об­ра­зую­щие за­щит­ный слой и при­даю­щие рав­но­мер­ный блеск жи­во­пис­ной по­верх­но­сти. Дос­туп­ность масляной живописи и про­сто­та поль­зо­ва­ния ею, вы­со­кие ка­че­ст­ва ко­неч­но­го ре­зуль­та­та (при­вле­ка­тель­ная бле­стя­щая по­верх­ность, воз­мож­ность пе­ре­да­чи объ­ё­ма и про­стран­ст­ва, ими­та­ции всех др. про­ст­ран­ст­вен­ных ис­кусств), дол­го­веч­ность обу­сло­ви­ли её ши­ро­кую по­пу­ляр­ность: уже в начале XVI века она ста­ла наи­бо­лее распро­стра­нён­ной жи­во­пис­ной тех­ни­кой в Ев­ро­пе, ос­та­ва­ясь та­ко­вой до середины XX века. Срав­ни­тель­но ред­ко жи­во­пись мас­лом (ино­гда в со­че­та­нии с вос­ком) ис­поль­зо­ва­лась в мо­ну­мен­таль­ном ис­кус­ст­ве вме­сто тра­диционной тех­ни­ки фре­ски (Ле­о­нар­до да Вин­чи; мас­те­ра XIX века — Ф. Гойя, Э. Де­лак­руа, В. М. Вас­не­цов и др.).

© Большая Российская Энциклопедия (БРЭ)

Научитесь рисовать большими кистями, и каждая композиция будет мощной

От натюрморта к пейзажу — научитесь рисовать с одинаковыми ступенями на вес золота

Лимонный клин (масло, 6 × 6) Карен О’Нил.

Научитесь рисовать — смело и большой кистью. Карен О’Нил покажет вам, как это сделать, в этой обширной пошаговой демонстрации рисования. И помните: от сочных цитрусовых натюрмортов до пейзажной живописи подход к композиции всегда сводится к одним и тем же шагам.

Но это не означает, что найти мощную композицию всегда легко, поэтому Johannes Vloothuis ‘Paint Along 43 задан для покрытия Composition Made Easy: Lessons to Strength Your Painting .Зарезервируйте свое место для занятий и получите инсайдерские знания от одного из лучших преподавателей живописи, преподающего сегодня! Наслаждаться!

Начальные формы

1. Использование яркой лампы № 12. Если вы не привыкли к такой большой кисти, я рекомендую уделить пять минут и просто поиграть мазками на ненужной поверхности. Когда вы почувствуете себя комфортно, нарисуйте большие формы лимона. Для меня это сводилось к кожуре и сегментам.

2. Сделайте каждую форму одним штрихом №12 ярких. Сделайте несколько искусственных движений в воздухе. Задумайтесь о том, как вы хотите, чтобы произошел удар, а затем сделайте это. Фигуры соединяются, образуя плоскую плоскость или сторону лимона в тени.

3. Используя тонкий край блестящей синтетической щетины № 10, я получаю четкие, чистые края — без использования маленькой кисти. Учитесь рисовать большими кистями не потому, что это легче, а потому, что это заставляет вас действительно осознавать каждый штрих, который вы наносите. Это ключ ко всему этому!

4.Используя яркую бумагу № 8, я положил цедру лимона одним непрерывным четким движением. Тот факт, что вы используете кисть большего размера, не означает, что нет точности. Не забывайте по-прежнему делать легкие, контролируемые движения.

Принеси большие силы

5. Моя поношенная № 20 яркая быстро работает с формами переднего и заднего плана. Мамонт, да? В большой кисти много силы. Не бойтесь его использовать. Начните с рисования им фона и сделайте это оттуда.

6. Тем же ярким №20 блокирую отбрасываемые тени. Обратите внимание на разнообразие штрихов. Большие кисти не означают, что вы получаете одномерное искусство. Каждая кисть имеет одинаковые возможности, но в разном масштабе. Все зависит от того, как вы это используете.

7. Полностью заблокировав форму тени, я провожу тонкие линии под лимоном с краем № 10 ярким. Этой же кистью я также делаю более тонкие движения формы полукруга в центре лимона и намечаю линии, разделяющие его сегменты.

8. С помощью яркой синтетической щетины № 12 и одного решительного мазка я перекрашиваю кожуру, перекрашивая дольку лимона слева от нее.

9. Мне нужен светлый цвет №4, чтобы затемнить центральную форму семени. Кисть большего размера не дала бы мне необходимого контроля для этого быстрого и небольшого мазка, но я призываю вас попробовать. Вы многому научитесь, даже если вам придется немного переделать.

Сладкая победа!

10. Lemon Wedge (масло, 6 × 6) готово! Я уловил сущность лимона; свет работает, и каждый штрих вносит свой вклад в композиционное движение картины. Пока краска была еще влажной, я поцарапал свою подпись ручкой кисти №4.

Краски в изобилии!

Большие кисти отлично подходят для работы с упрощенным объектом. Посмотрите, как это сделать, в этой мини-демонстрации видео-мастерской.

* Статьи, написанные Чери Хаас

Картины маслом * Штрихи красным

Картины маслом

Картины маслом имеют давние традиции в истории искусства.Многие из величайших творцов мира использовали этот материал для создания своих шедевров, и его наследие живет сегодня как одно из самых популярных средств массовой информации.

Акрил и масло — два самых известных типа красок, используемых современными художниками. Я использую эти два средства. Но в чем разница между акриловыми и масляными красками? Конструкция масел имеет значение. В масляных красках используются пигменты, взвешенные в масле (обычно в льняном семени), а цвета акриловых красок связаны с использованием эмульсии акрилового полимера.Акрил можно разбавить водой, но масляные краски требуют скипидара, льняного масла или уайт-спирита. См. Эту ссылку, чтобы узнать больше — https://mymodernmet.com/oil-painting-techniques/

Как я начал использовать масла

Моё создание рефератов началось с акриловых красок. Этого не было до; Я часто заходил в галерею в Неаполе, где владелец галереи спросил меня, почему я не создаю свои красивые абстракции маслом. Конечно, я как обычно сказал о том, что акрил быстро сохнет.Но она настоятельно рекомендовала мне попробовать масла.

Что ж, я вернулся домой, исследовал, какие масляные краски самые лучшие, и открыл для себя масляные краски Gamblin. Я купил несколько масляных красок Gamblin и попробовал. Должен сказать, я полностью доволен опытом создания своих рефератов с использованием масел.

Пигменты масляных красок имеют насыщенный тон и блестящую поверхность. Кроме того, масляные краски сохнут медленно, что дает мне время сменить рисунок после того, как я нанесу начальный мазок.Это полная противоположность акрилу; но мне нравятся изменения в методах и техниках. Масляные краски Gamblin бывают разных ярких цветов, и с ними легко работать. Результатом я вполне доволен.

Сейчас я создаю свое современное абстрактное искусство с использованием масел, акрила и иногда даже объединяю их в абстрактное искусство в смешанной технике. Я считаю, что и масло, и акрил приносят удовольствие.

Почему Гамблин для моих картин маслом Масляные краски

Gamblin имеют роскошные цвета и современные краски, которые более безопасны и долговечны.Я считаю, что у них исключительное качество и доступная цена для масляных красок профессиональных художников. Одна из их выдающихся особенностей заключается в том, что все масляные краски Gamblin Artist’s Oil абсолютно нетоксичны. Для своей современной абстракции я нахожу идеальные цвета в линии Gamblin.

Как Gamblin производит нетоксичные масла

Щелкните эту ссылку, чтобы узнать больше о масляных красках Gamblin — https://gamblincolors.com/about-gamblin/about-gamblin-artists-colors/

Изготовленные из лучших доступных сортов пигментов (да, есть различия), масла Gamblin Artist’s Oils обладают великолепными рабочими свойствами, и каждый цвет обладает уникальными характеристиками с точки зрения текстуры, оттенка и силы окрашивания.Цветовая гамма включает как исторически достоверные краски, так и современные оттенки, полученные синтетическим путем.

Все масляные краски Gamblin Artist’s Oil совершенно нетоксичны, так как большинство из них сделано с использованием льняного масла щелочной очистки в качестве связующего, которое создает прочную, гибкую пленку краски и желтеет значительно меньше, чем льняное масло холодного отжима, традиционное связующее в масле. краски. Выберите цвета используйте сафлоровое масло в качестве связующего. Эти растительные масла не только совершенно нетоксичны, но и широко используются в продуктах для здоровья и красоты, поэтому вы можете быть уверены в их безопасности.

Gamblin предлагает ряд современных красок на основе быстросохнущей алкидной смолы на соевой основе, в состав которых входит самый мягкий из имеющихся растворителей: Gamsol. Разбавитель и очиститель кистей Gamsol установил стандарт безопасности в студии и позволяет художникам работать в традиционных и современных техниках рисования.

Техника масляной живописи

Я использую некоторые из моих техник рисования акрилом для своих масляных картин; однако мое нанесение масел требует корректировки, поскольку консистенция и состав масляной краски сильно отличаются от акриловых красок.В дополнение к мастихинам, нанесению сухой кистью и, что удивительно, разбрызгиванию, я использую другие техники масляной живописи в своих рефератах. Ниже приведены несколько дополнительных техник масляной живописи для создания моих работ.

Нанесите краску на кисть или мастихин

Я загружаю кисть или мастихин большим количеством краски, стараясь не смешивать цвет слишком сильно. Я делаю это, окунувшись непосредственно в емкость с маслом или с краски на палитре. Эта техника недостаточного перемешивания краски с использованием кисти / ножа дает отличный эффект полос.Эта техника полос эквивалентна тому, что достигают художники-акварелисты, когда загружают свои кисти несколькими чистыми цветами и наносят один мазок большим количеством воды, позволяя цветам растекаться в завихрениях на бумаге.

Соскоб и повторное нанесение

Соскребание краски и последующее нанесение мастихином — это техника, которую я иногда использую. Я соскребаю участок с холста и повторно наношу его одним мазком мастихина, чтобы некоторые из тех цветов, которые я нанес кистью, просвечивались полосами.Я соскребаю с палитры большое количество краски и накладываю ее легкими прикосновениями, чтобы создать более рваный, пастообразный слой краски.

Использование слоев

Толстый слой битого импасто может преобразить скучный участок. Масляная живопись позволяет мне полностью закрасить и полностью покрыть другие слои краски, пока они высохнут. Когда я использую несколько слоев, я начинаю с более тонких слоев краски, часто более светлых цветов. Я медленно работаю над более толстыми слоями и более темными цветами.

Неформальные мазки кистью

Я часто использую неформальные мазки кисти, которые не повторяют узор, а идут в разных направлениях. Эти мазки покрывают холст плавными цветными пучками. Я использую эту технику как с густой, так и с разбавленной краской. Вы не поверите, но простой мазок кисти может придать моей картине объем и форму. Я наношу краски разных цветов разными мазками кисти, чтобы добиться различных эффектов.

Использование сред Gamblin

Все красители влияют на масляные краски из тюбика следующим образом: они изменяют рабочие свойства краски, влияют на скорость высыхания, увеличивают прозрачность и изменяют качество поверхности (от глянца до матового).Разница от одного средства рисования к другому заключается в том, как они это делают. Я использую много разных сред Гамблина для создания своих масляных абстрактных картин, чтобы каждая из них отражала меня по-своему.

Для быстрого ознакомления с материалами Gamblin щелкните по этой ссылке: Руководство по материалам для масляной живописи

Итак, мое портфолио абстрактных картин изобразительного искусства будет по-прежнему включать картины маслом, написанные в различных техниках. Кто знает, может, я даже придумаю новые способы нанесения масляных красок.

Не бойтесь чувствовать,

Красный

Смотрите все творения Red’s Creations в ее галерее .

Посмотреть страницу Red www.facebook.com/StrokesbyRed или www.instagram.com/strokesbyredartist

Важность мазков кистью в масляной живописи

Важность мазков кисти в живописи.Автор Don Finkeldei: В этой статье объясняется, как лучше всего использовать размер кисти, длину мазка, направление и детализацию на каждом этапе рисования.

Я обнаружил, что большинство начинающих художников (я тоже это делал) делают все штрихи либо вертикальными, либо горизонтальными без изменения размера штриха, давления, интенсивности цвета, значения или направления … и мало заботясь об объекте, относящемся к другие планы ценностей. Нет необходимости с самого начала заострять внимание на деталях.

Следует использовать большую кисть для моделирования каждого объекта в пределах каждой соответствующей плоскости значений.Самыми широкими ценностными планами в ландшафте являются небо, горизонтальные, наклонные и вертикальные (определенные и подробно объясненные Джоном Карлсоном). В каждой плоскости значений также есть объекты, которые необходимо смоделировать в трех областях (светлая сторона, переходная область и тень). Каждый объект в своей ценностной плоскости имеет отношения к объектам и условиям освещения в каждой из других ценностных плоскостей. См. Эту статью.

Я считаю картину трехэтапным процессом.

1. Начальный блок на этапе .Большие области одинакового значения, оттенка и насыщенности цвета для каждого объекта в плоскости значений. Для каждого объекта в каждой плоскости есть теневые области, переходные области и области полного освещения (небо, земля, вертикальные и наклонные плоскости). Между каждым ценностным планом существуют отношения ценностей. Увидеть световые и ценностные планы. Создайте все эти большие области моделирования одним или несколькими жирными мазками самой большой кисти, которую вы можете использовать. Используйте мазки кистью под разными углами и нажимом. Разбивайте предметы с неравными мерами (расставьте по-разному, без повторения).Не придирайтесь к ним и не мазайте их, не задумываясь. На более позднем этапе области можно будет детально откорректировать. Не проектируйте поп-деревья на палочке. Деревья имеют огромное разнообразие форм.
2. Этап моделирования. Здесь детали начинают проявляться в каждой области объекта в каждой ценностной плоскости. Дерево, здание, линия деревьев, река, камни и т. Д. Кисть меньшего размера на этом этапе хороша … но не слишком мелкая. Измените значение очень немного и / или измените оттенок, сохраняя значение неизменным (большинство великих картин создаются путем изменения оттенка, но с сохранением значения).Это детали в каждом объекте … и связанные с каждой ценностной плоскостью.
3. Финишный этап. Это когда добавляешь акценты. На этом этапе вы можете использовать небольшую кисть … или даже лезвие мастихина. Акценты могут быть мазками кисти, которые имеют большее или меньшее значение, чем при обычном моделировании. Яркий ствол осины, несколько листьев на светлой стороне дерева, свет, отражающийся от крыши здания. Это также может означать несколько мазков кисти очень темных областей у основания деревьев, кистей или других объектов.

Помните, что вы также должны контролировать края с помощью кисти. Обычно я делаю это после того, как смело добавляю мазок. Как правило, используйте несколько резких краев, где контраст значений наиболее высок. Обычно на переднем плане и / или в зоне фокусировки.

Рекомендуемый совет художника: Андреа Прамук — выделение мазков кисти и текстуры поверхности масляной краской

Подчеркивание мазков кисти и текстуры поверхности масляной краской

Я открыл для себя панели Gessobord ™ около 5 лет назад, когда искал жесткую альтернативу натянутому полотну.Для детализированной и гладкой масляной живописи, которую я делал, Gessobord ™ был идеальным выбором.

Gessobord ™ — древесноволокнистая плита, грунтованная акриловым гипсом, подходящая для использования с маслами и акрилом. Я использую панели с люлькой. У них такая же подвижность, как у натянутого холста, и я могу повесить их прямо на стену во время работы. В качестве бонуса мелко отшлифованная поверхность Gessobord ™ дает мне полный контроль над мазками кисти, а также над методами нанесения глазури и протирки.

Вместо того, чтобы использовать карандашный набросок, я иногда начинаю с нанесения рисунка краской, разбавленной скипидаром, чтобы можно было легко протереть участки мягкой сухой тканью или тканью, смоченной небольшим количеством льняного масла.Я могу изменять области, создавать значения и общие формы, используя этот метод, без необходимости следовать фиксированному карандашному рисунку. Gessobord ™ отлично выдерживает все эти трения, не нарушая целостности поверхности.

Всегда пишите «жир вместо постного». При укладке начальных слоев краски важно использовать краску, разбавленную скипидаром. Эти первые слои краски должны приклеиваться к левкасу, чтобы последующие слои краски прилипли и правильно высохли. Gessobord ™ обладает небольшой абсорбирующей способностью, поэтому при использовании этой техники образуется хорошее сцепление.

Я начал эту картину, свободно следуя рисунку тонкими слоями золотого цвета. Я решил использовать золото, потому что я использую нижнюю окраску, чтобы определить цветовую схему для остальной части картины. Варьируя толщину краски, я установил форму и глубину песчаной дюны. Более толстые области краски служат подсказкой, где я буду глазировать более темными цветами для теней, а более тонкие области показывают мне, где добавить света. Детали оставлены очень незакрепленными до самого конца картины.Вначале важнее сосредоточиться на общем ощущении от картины, а не на мелких деталях.

После этих начальных слоев я дал картине высохнуть в течение как минимум одной недели. Мне нравится быть уверенным, что нижняя окраска полностью высохла, прежде чем я начну добавлять более толстые слои краски и глазури, чтобы, когда я стираю слой краски, нижняя окраска не уходила с ним. Обычно я использую несколько типов носителей. Стандартная среда для рисования — 1/3 масла, 1/3 дамарового лака и 1/3 скипидара.Я также использую среду для рисования копалом и сафлоровое масло, чтобы ускорить высыхание. Сафлоровое масло дает более чистый цвет, чем льняное масло, которое может иметь коричневый оттенок.

На этом втором этапе я использую больше краски, чем средний, если мне не нужна мягкая тень, как показано на дюне. Я позволил золоту просочиться сквозь пурпур, что заставляет тени ложиться, а не плыть по песку. Я также позволяю другим цветам сливаться друг с другом. Например, цвет, используемый в растениях, когда он растекся до золота, добавил глубины их теням и действительно соединил их с песком.

Текстура также была проблемой в этой части. Мне нужна была очень гладкая поверхность для эффекта песка. Используя очень мягкую кисть для мытья или растушевку с натуральной щетиной, я мягко прошла по области, чтобы растушевать и сгладить мазки кисти, оставив красивую поверхность, на которой можно добавить окончательные детали.

После того, как я нарисовал 2-4 слоя краски и средний (давая каждому слою полностью высохнуть между ними), я добавил последние штрихи. Это моя любимая часть картины, потому что я могу работать с тяжелой краской, определять мелкие детали и оставлять очень рыхлые живописные мазки кисти, которые, казалось бы, отрываются от панели.Трудно добиться того же эффекта при использовании холста из-за его упругости и текстуры. Однако на Gessobord ™ я могу получить очень гладкие участки, которые красиво контрастируют с толстыми рисованными мазками на жесткой поверхности. Деревянные панели на самом деле показывают мазки кисти более отчетливо, чем холст. Если вы хотите оживить и подчеркнуть важность мазков кисти и текстуры поверхности с помощью масел, я бы посоветовал поэкспериментировать с Gessobord ™.

---

Для получения дополнительной информации о художнике посетите http: // www.andreapramuk.com.

Как сделать смелые мазки кистью — Практическое руководство — Художники и иллюстраторы

Художник Лиз Балквилл помогает создавать смелые мазки кистью

Лиз Балквилл, Блюз, холст, масло

Задача: Используйте большую кисть, чтобы ваши следы были жирными и выразительными.

Что вы узнаете: Чем меньше, тем лучше, а использование кисти большего размера не только делает рисунок более выразительным, но и упрощает его, так как вынуждает исключить ненужные детали.

Что делать: Создайте интересную композицию при естественном или искусственном освещении. Используйте видоискатель, чтобы упростить компоновку в шаблон из двух или трех значений массы. В моем примере The Blues , изображенном ниже, я выбрал несколько объектов из моей студии с различными формами и текстурами. Я расположил их в форме круга на полированной поверхности стола, что дало мне небольшое отражение для дополнительного интереса. На небольшой подготовленной доске нарисуйте основные формы тонкой прозрачной масляной краской.

Используя кисть с самой большой щетиной, которая не кажется слишком громоздкой, нанесите первую цветную заметку. В моем примере я начал с Ультрамарина на более светлой верхней части бутылки и продолжил связывать одну цветовую ноту со следующей, соседней. Найдите время, чтобы обдумать направление каждого мазка, чтобы он лучше всего описывал форму объекта, который вы рисуете. Вы должны начать понимать, что этот подход больше похож на скульптуру, чем на рисование, и что качество поверхности картины придает дополнительную выразительность вашей работе.

После того, как вы определились с цветом и направлением, принятие решения окончено, и вы можете нанести смелый и решительный мазок на свою картину. Поэкспериментируйте с кистями разной формы. Квадратная плоская головка позволит вам, например, создавать хорошие точеные следы.

Проект Лиз Балквилл — www.lizbalkwill.blogspot.co.uk

Похожие истории

Июльский выпуск уже вышел

Попробуйте это ежедневное художественное задание …

Автор

Художники и иллюстраторы

Artists & Illustrators — самый популярный британский журнал для практикующих художников, который в равной степени актуален как для профессионалов, так и для начинающих любителей, а также для тех, кто рисует исключительно для удовольствия.Полный пошаговых практических советов, собственных работ читателей, эксклюзивных статей об известных именах и экспертных тестов продукции, это лучшее издание для каждого художника, ищущего вдохновения, независимо от того, предпочитает ли он живопись, рисунок или гравюру.

Как нарисовать женский портрет с нуля — Картина маслом свободными мазками — Академия старых мастеров

Урок искусства 51, часть 5

Как нарисовать женский портрет с нуля

Научитесь рисовать, как старые мастера!

Онлайн-курс Академии старых мастеров

Самостоятельное обучение, онлайн-видеокурс для самостоятельного изучения Пожизненное членство Единовременный платеж: 487 $ Зарегистрируйтесь сейчас!

Заочный курс + онлайн курс

Персональное обучение 1-2-1 от преподавателей Академии Пожизненное членство Единовременный платеж: 997 $ Зарегистрируйтесь сейчас!

«Вернуться к списку уроков искусства

Картина маслом со свободными мазками

Это второй сеанс фотосъемки.Первый был о портрете, а теперь перейдем к рукам и одежде натурщика.

Смесь коричневой краски приготовлена; этот коричневый цвет визуально приближен к цвету волос. С помощью кисти делаем очертания рук и одежды.

Весь рисунок выполнен мазками от руки. На этом этапе не нужно быть слишком точным. Примерный контур рук оставляет вам свободу выражения.Для этого лучше всего подойдет жесткая щетка. Жесткой кистью можно применить две техники: во-первых, она позволяет наносить толстые мазки масляной краски, а во-вторых, вы можете работать полусухой кистью, втирая краску в холст, в результате чего остаются едва заметные следы цвета.

Фон вокруг рисунка должен быть закрашен так, чтобы он перекрывал рисунок примерно на полдюйма. Это сделано намеренно, поэтому вы можете использовать эту перекрывающуюся границу, чтобы сгладить краску фона с фигурой, тем самым сделав контур фигуры более мягким.

Цвет фона неоднородный. Должен наблюдаться постепенный переход от более темных оттенков к более светлым, хотя гамма остается прежней. Но следует помнить, что светлые тона заменяют темные от левого верхнего угла до правого низа холста.

Чтобы нарисовать ткань, мы смешиваем средний тон, над которым будем работать, чтобы сделать его светлее в светлых областях и темнее в тенях.

Заполняем все пустоты одежды средним тоном, оставляя область рук нетронутой.

Делаем более темные участки ткани пятнами более темного цвета.

при необходимости смешиваем границы между полутонами и более темными пятнами, делая их более мягкими. В остальных частях полотна границы остаются резкими и контрастными.

Смешиваем темно-коричневый цвет для создания теней. Этот темно-коричневый цвет не потускнеет после высыхания. Для этого мы используем коричневые и интенсивно красные краски: для основы использован Vandyke Brown с добавлением Burnt Sienna и Alizarin Crimson.При раскрашивании наряда мы также добавляем другие цвета, чтобы обогатить нюансы.

Например, серо-синий используется для теней, что добавляет одежде холодных оттенков. Этот серо-синий цвет представляет собой смесь желтовато-белого, ультрамарина и жженой сиены. Эта смесь наносится толстым слоем.

Наряд специально сделали толще. Он выделяет лицо натурщика, сделанное тонкими слоями.
Пора продолжить красить руки. Сначала мы наносим темную краску на самые темные участки рук.Для эффекта использован тот же серо-голубой цвет — тот, который нанесен на тени наряда.

Телесный цвет идет рядом, и граница между ними смешивается, поэтому цвета постепенно переходят друг в друга.

Те же краски используются для второй руки, но мы начинаем от светлых участков к более темным и смешиваем границу между тонами.

Таким образом, шаг за шагом мы закончим роспись рук.

Научитесь рисовать, как старые мастера!

Онлайн-курс Академии старых мастеров

Самостоятельное обучение, онлайн-видеокурс для самостоятельного изучения Пожизненное членство Единовременный платеж: 487 $ Зарегистрируйтесь сейчас!

Заочный курс + онлайн курс

Персональное обучение 1-2-1 от преподавателей Академии Пожизненное членство Единовременный платеж: 997 $ Зарегистрируйтесь сейчас!

Как сделать картину маслом гладкой?

Художник, стремящийся к гладкой отделке масляной живописи, может быть разочарован, если пятна остаются даже после смешивания масляной краски с помощью мягких кистей.Голубая гладь неба или воды выдаёт нежелательные следы кисти. Как художнику добиться эффекта аэрографии с помощью красок?

Гладкие эффекты масляной краской

Плавные эффекты для масел Рэйчел Ширли

Достижение гладких эффектов в краске создаст высококачественную отделку масляной живописи, желаемую для реалистичности, но следующие методы могут затруднить плавное смешение.

Выполнение масляной картины alla prima или за один присест. Этот начальный слой масляной краски часто оставляет незавершенный или поврежденный вид, что придает масляной живописи свежесть, но несовместимо с созданием гладкого красочного слоя.

• Использование щеток из борового волоса или щетины с большей вероятностью оставит мазки кисти или впадины на масляной картине из-за природы царапающего эффекта жесткой щетины на масляной краске.
• Попытка смешать тонкий слой масляной краски часто бывает затруднительной из-за прозрачности слоя краски, который может иметь разную толщину.Это будет еще хуже, если основная краска будет контрастного цвета, например, при рисовании синей краской поверх оранжевого слоя краски или имприматуры.
• Работа в импасто или слишком толстое нанесение масляной краски оставляет нежелательные следы кисти на слое краски, особенно при использовании пасты.
• Попытка создать гладкие эффекты масляной краской может быть затруднена при нанесении краски на шероховатую поверхность, такую ​​как высушенный импасто или грубый холст.

В моем клипе на Youtube более подробно показано, как получить плавные эффекты масляной краской.Как видно, использовались льняное масло, тряпка и мягкий соболь. Посмотрите, как получить плавные переходы масляной краски от темного к бледному, а затем как добиться плавного перехода от одного цвета к другому.

Как глазировать масляной краской для гладкой поверхности

Достичь эффекта аэрографии масляными красками можно с помощью следующих советов по глазированию масляной краской, но практика поможет добиться совершенства.

Нанесение глазури масляной краской — один из лучших способов добиться сверхгладкой поверхности.Просто нанесите первый слой масляной краски на гладкую окрашиваемую поверхность, такую ​​как загрунтованный МДФ или панель. Обращайтесь с краской так, как будто она будет последней, даже если она никогда не будет идеальной. Как можно больше растушуйте краску, счистите все выступы, впадины и неоднородные участки. Для этого используйте мягкую щетку из соболя.
Дайте краске высохнуть на ощупь в течение нескольких дней. Нанесите второй слой с небольшим количеством льняного масла. Это соответствует правилу жирности над постным, что добавляет гибкости верхним слоям масляной краски и предотвращает ее растрескивание.Добавление льняного масла также добавляет прозрачности краске, которая добавит глубины цвету и уменьшит появление дефектов на нижнем слое.

При необходимости повторите процесс в третий раз. Я часто считаю, что трех слоев будет достаточно, хотя некоторые художники используют четыре или больше. Старые мастера наносили на свои картины маслом дюжину или больше глазурей, чтобы улучшить их отделку.

Нажмите, чтобы купить на Amazon

Как создать гладкий слой краски для масел

Еще один способ придать масляной живописи эффект аэрографии — это техника, которую я обнаружил экспериментально.После нанесения краски мягкой кистью промокаю слой мягкой чистой тряпкой. Равномерно и осторожно надавливайте, поправляя тряпку на чистом участке по мере движения по картине. Не волнуйтесь, если тряпка случайно запачкает детали, ее всегда можно приложить повторно.

Подобно глазурованию, повторите процесс, когда первый слой краски высохнет. Эта техника нанесения мазков отлично подходит для сглаживания областей на портретах, подводных сценах, небе и других больших цветных областях. Создание плавной градации цвета в живописи может быть достигнуто путем постепенного изменения цветового сочетания в глазури по мере продвижения.

Как плавно смешать масляную краску

Гладкий слой краски идеально подходит для достижения суперреализма масляной живописи, например, больших пространств неба, моря или для создания плавных эффектов на портретах. Старый мастер наносил масляную краску в прозрачной форме или в виде глазури, чтобы уменьшить недостатки и придать цвету глубину. Я часто нахожу достаточно двух глазурей, хотя можно нанести и больше. Глазури можно наносить мягкой кистью или протирать мягкой тряпкой. К каждому слою краски следует добавлять немного льняного масла, чтобы придать эластичности верхнему слою.

Внешние ссылки на связанные техники масляной живописи

.