Зевксис и паррасий: Зевксис и Паррасий
Зевксис с Паррасием поспорили, кто лучше распишет стену храма. Собрался народ, вышли двое соперников, у каждого росписи под покрывалом. Зевксис отдернул покрывало — на стене была виноградная гроздь, такая похожая, что птицы слетелись ее клевать. Народ рукоплескал. «Теперь ты отдерни покрывало!» — сказал Зевксис Паррасию. «Не могу, — ответил Паррасий, — оно-то у меня и нарисовано». И Зевксис, и Паррасий – реально существовавшие исторические персонажи. К IV веку до н. э. в Греции существовало несколько прославленных школ рисунка: Сикионская, Эфесская, Фиванская. Эти школы имели различные методические установки.
Точная дата рождения Паррасия неизвестна, но работал он во второй половине V века до новой эры.  И высказывание Плиния о Паррасий говорит о том, что методика обучения рисунку в то время в Греции была поставлена на должную высоту.
Как передают историки, Паррасий пользовался большим авторитетом среди своих коллег и как художник, и как ученый-теоретик. Он разработал канон пропорций человеческого тела, которым пользовались многие его ученики и последователи, написал специальный трактат о рисунке, в котором особое место уделил линии. При обучении рисунку Паррасий требовал прежде всего обратить внимание ученика на роль и значение линии как основного средства выражения формы на плоскости. Раскрывая специфику линейного рисунка, как ее трактовал Паррасий, Плинии пишет: «…Ведь рисовать тела и их поверхности трудно, но многие в этом достигли славы, зато рисовать одни только очертания и ограничивать пределы оканчивающегося рисунка — редко кому да удается. Ведь контур должен состоять только из своей линии и так обрываться, чтобы намекать на то, что скрыто». Паррасий придерживался определенной методической последовательности построения изображения, которая в его законченных произведениях становилась незаметной, однако была необходима начинающим художникам.  Об этом в свое время писали Антигон и Ксендкрат, анализировавшие его произведения, об этом не случайно упоминает Плиний: «В его картинах и бумагах видны многие следы грифеля, которые, как говорят, очень полезны художникам.
В своем трактате о живописи Альберти пишет: «Сначала мы скажем об очертании. Очертанием в живописи будет то, что кругом очерчивает поля. В этом Паррасий, тот живописец, что у Ксенофонта беседует с Сократом, был, говорят, весьма опытен и много изучал эти линии.» Живописец Паррасий, по ряду свидетельств, а также судя по надписям на многих его изображениях, ходил в пурпуре и с золотым венком на голове. Однажды на Самосе он вступил в состязание с другим живописцем; противник почти не уступал ему в мастерстве, и Паррасий был побежден (его картина изображала спор Аякса с Одиссеем за оружие Ахилла). После своей неудачи он с изысканным остроумием ответил на сочувственные слова одного из друзей, сказав, что сам не страдает из-за поражения, но печалится за сына Теламона, уже второй раз побежденного в этом споре. Вторая половина V в. до н. э. ознаменовалась важным сдвигом в изобразительном искусстве: художники Аполлодор из Афин, Зевкис из Гераклеи (Южная Италия) и Паррасий из Эфеса, стремясь к созданию живых человеческих образов, разработали линейную и воздушную перспективу, светотеневую моделировку, более тонкий и богатый колорит.
Являясь замечательным художником, Аполлодор в то же время был и прекрасным педагогом. Его учеником был прославленный живописец древности Зевксис, которого сам Аполлодор в одной из сочиненных им эпиграмм назвал «похитителем своего искусства». Зевксис (420—380 годы до н. э.) был родом из Гераклеи на Сицилии, учился у Аполлодора в Афинах, а затем открыл свою школу в Эфесе Славу ему принесла картина «Елена», которую жители Агригента предназначили в дар святилищу Геры Лакинии. Затем он перебрался в Афины, где его учение сравнивается с доктриной софистов, поскольку он призывает творить искусство ради искусства. Здесь он написал и другие картины, из которых ценители особенно выделяли «Эрота в венке из роз», «Семейство кентавров» и «Пана».  За свои картины он получал огромные деньги и накопил колоссальное состояние. На склоне лет он даже перестал работать за деньги и дарил свои произведения царям и городам, заявляя, что его картины превосходят всякую цену. Вел он очень роскошную жизнь и показывался в публичных местах в золоте и пурпуре.
Как художник и педагог Зевксис был очень требовательным как к ученикам, так и к самому себе. «Передают, что …впоследствии Зевксис нарисовал мальчика, несущего виноград, к винограду подлетели птицы, и Зевксис, рассердившись на свою картину, обнаружил то же самое благородство, заявляя: «Виноград я нарисовал лучше, чем мальчика, потому что, если бы я и мальчика нарисовал вполне удачно, птицы должны были бы его бояться». По легенде смерть Зевксиса тоже связана с рисунком — он как-то изобразил морщинистую старуху, портрет получился таким смешным, что Зевксис смеялся, смеялся, да и от смеха умер… Вместе с Зевксисом продолжал развивать принципы реалистического искусства другой замечательный художник того времени Паррасий.  Плиний пишет о нем: «Паррасий родился в Эфесе и сам многое внес в область своего искусства. Он первый придал живописи симметрию, первый стал передавать игру лица, изящество волос, красоту лица, по признанию художников достигши первенства в контурах. В этом заключается высшая тонкость живописи»
Согласно Плинию Старшему, Зевксис и Паррасий работали в технике восковой живописи. (произведения не сохранились). Восковая живопись, вид живописной техники, при которой связующим краски веществом служит воск. Благодаря его малой химической активности и влагоустойчивости произведения, выполненные восковой живописью, сохраняют в течение многих веков первоначальную свежесть локального цвета, плотность и фактуру красочного слоя. Восковая живопись с 14 в. до н. э. применялась в Древнем Египте для окраски фасадов храмов. В Древней Греции к 5 в. до н. э. была выработана технология наиболее прочной восковой живописи горячим способом (энкаустика, от греч. enkaio — выжигаю): сильно подогретые восковые краски наносились на нагретый раскалённой бронзовой лопаткой участок основы.  К картине Вермеера |
Родился он в Эфесе, в семье художника Эвменора. Из Эфеса Паррасий перебрался в Афины, где принимал участие в украшении Акрополя под рукодоством Фидия. Он был автором рисунка битвы с кентаврами для щита Афины Промахос. По свидетельству Плиния Старшего Паррасий первый ввел в живопись симметрию, выразительность в лице, изящество в волосах. Он прославился натурализмом изображения и совершенством пропорций. Античные авторы ценили его за умение передавать объем контурными линиями и светотенью, изображать физические страдания и душевные движения. К сожалению, работы Паррасия не сохранились, и судить о его мастерстве можно только по отзывам их видевших и немногим сохранившимся копиям других художников. Картина Паррасия «Прикованный Прометей, терзаемый орлом, и Геракл» сохранилась на многочисленных вазах, а «Жертвоприношение Ифигении» Тиманфа — в помпеянской копии.
В руках Паррасий носил посох, обвитый золотом, ремни на сандалиях были тоже золотые. Рассказывают, что он работал охотно и быстро, всегда веселый и не знающий затруднений, потому что и пел, и насвистывал, стараясь прогнать усталость.
Вопрос. Живопись 5 в. до н. э. Полигнот, Зевксис, Паррасий — КиберПедия
В V в. до н. э. зарождается понимание сюжетной ситуации в живописи, мастера монументальной живописи стремятся передать не только внешний телесный облик, но и внутреннее духовно-нравственное состояние своих героев. Живописцы овладели реалистическим изображением человека, взаимосвязи групп людей.
Господствующей техникой монументальной живописи V в. до н. э. была фреска (живопись по сырой штукатурке), со второй половины века вошли в употребление клеевые, а также восковые краски (так называемая энкаустика).
Энкаустика — техника писания картин горячими, растопленными до жидкого состояния восковыми красками. При энкаустическом способе живописи высохшие и затвердевшие краски достигают большой красочной интенсивности и сохраняются в течение столетий. Крупнейшие греческие живописцы — Аполлодор, Павсий, Паррасий — создавали монументальные энкаустические стенные картины.
Одним из больших преимуществ энкаустики было то, что она давала возможность применять все цвета краски, включая тончайшие нюансы. При энкаустике достигается такая интенсивность, как ни в каком другом роде живописи. Сохранились только энкаустические станковые портреты, написанные на деревянных досках в Египте в эллинистическо-римскую эпоху. Это так называемые фаюмские портреты (найденные в Фаюме), их клали с покойником в саркофаг. Стенная энкаустическая живопись греков, пользовавшаяся таким громадным успехом и в греческом и в римском мире, не дошла до нас. Энкаустика была дороже фрески, но достигала больших красочных эффектов.
Разновидностью энкаустики является восковая темпера, отличающаяся яркостью и сочностью красок.
Почти единственный и относительно лучший по качеству подлинник живописи V в. до н. э. — роспись фресковой техникой саркофага «Гробницы ныряльщика». Она посвящена изображению пиршества-симпосия.
| |||
| |||
В росписи были использованы белый, коричневато-вишневый, более светлый красновато-терракотовый, голубой, розовый и черный цвета. Мастер гробницы отказывается от условного черного силуэта и обращается к более близкому природе человеческого тела красноватому тону.
Вторая половина V в. до н. э. ознаменовалась важным сдвигом в изобразительном искусстве: художники Аполлодор из Афин, Зевкис из Гераклеи (Южная Италия) и Паррасий из Эфеса, стремясь к созданию живых человеческих образов, разработали линейную и воздушную перспективу, светотеневую моделировку, более тонкий и богатый колорит.
Настоящая революция в области рисования и методов обучения приписывается Аполлодору Афинскому (около V века до н.
э.), которого Плиний относит к «светочам искусства». Аполлодор считается первым скиографом, то есть тенеписцем, и вместе с тем первым станковым живописцем, включившим в технику живописи смешивание красок и их градаций сообразно свету и тени.Заслуга Аполлодора заключается в том, что он впервые ввел светотень и стал модулировать тоном объем формы в рисунке. До Аполлодора греческие художники изображали форму предметов одними линиями и не представляли себе, как можно иначе передать форму предмета на плоскости.
ПОЛИГНОТ
Во второй четверти и в середине V в. до н. э. величайшим мастером живописи почитался Полигнот — мастер больших настенных многофигурных композиций, отличающихся благородной сдержанностью и торжественным величием целого.
Одной из самых знаменитых работ Полигнота была роспись «Лесхи книдян» (зал для собраний и развлечений) в Дельфах, описание которой сохранил нам Павсаний. Сюжеты фресок взяты из «Илиады» и «Одиссеи»: разрушение Трои и путешествие Одиссея в подземный мир.
Это были композиции из многофигурных расположенных на разной высоте сцен с варьирующимся фоном. Покоренный город, убитые троянцы, лагерь ахейцев, Елена в окружении своих служанок, пленные троянки, деревянный конь, сражающийся Неоптолем, бегство Антенора с семьей, другие герои, — все это было изображено на одной фреске. На другой, посетитель видел подземную реку Ахеронт, лодку Харона, великое множество томящихся в подземном мире душ, Орфея со слушателями и еще несколько героев и героинь. Вероятно, эта роспись в Дельфах была последней и самой грандиозной работой Полигнота (датируют ее ок. 450 до н.э.).
Большим достижением Полигнота явилось то, что он передавал состояние души не только через общую пластику движения, но и прибегал наряду с жестом к зачаткам передачи мимики. Древние ссылались на то, что он движением бровей придавал лицу живость.
Новым было стремление Полигнота видоизменить формы композиционного построения многофигурных сцен.
Древние авторы упоминают об отдельных предметах природы и обстановки, сюжетно связанных с действиями героев, например о камешках морского берега, но изображенных не на всей картине, а лишь для определения местонахождения героя.
«До коня продолжается морской берег, и на нем видны камешки, далее на картине нет моря», — говорит Павсаний, описывая картину Полигнота «Гибель Трои». Видимо, Полигнот и другие живописцы 5 в. до н.э. еще не до конца осознавали все возможности живописи и не ощущали принципиальной разницы между изображением гальки морского берега на рельефе (как в сцене рождения Афродиты на «Троне Людо-визи») и задачей изображения морского побережья на картине. Никаких сведений о решении Полигнотом задач перспективы или светотени у древних авторов нет.
Известно, что Полигнот употреблял только четыре краски (белую, желтую, красную и черную). Согласно описаниям, цвет у Полигнота носил характер раскраски и цветная моделировка фигуры им почти не применялась.
Характерно, что Полигнот, как и мастера вазописи, вводил в фреску надписи с именами участников действия, стремясь тем самым конкретизировать изображения.
|
Танцовщицы и акробатки. Роспись гидрии. Деталь. Неаполь
Зевксис
Зевксис из Геракле́и — древнегреческий живописец, работавший в 420—380 годах до н. э.
Ученик афинского живописца Аполлодора, основатель эфесской школы живописи, произведения которой «отличались вообще чувственною иллюзией и внешнею прелестью».
Произведения художника до наших дней не сохранились: «по утрате Грециею независимости лучшие произведения Зевксиса попали в Рим; отсюда впоследствии они были перевезены в Константинополь, где погибли все до единого при неоднократно случавшихся пожарах» уже во времена Павсания. Поэтому все суждения о творчестве Зевксиса, основываются на свидетельствах древних авторов, например, у Лукиана Самосатского. Согласно им, Зевксис в своей работе опирался на вдумчивое изучение натуры, глубокое знание техники и технологии изобразительного искусства.
Большое внимание он уделял разработке идеальных пропорций человеческого тела, колористике, а также построению формы посредством светотени, значительно усовершенствовав эту методику.
По свидетельству современников работы Зевксиса отличались редкостным реализмом; особенно хорошо он передавал он красоту молодого женского тела. Упоминается также, что художник «писал фигуры в размере несколько большем против натуры».
Своими трудами Зевксид приобрёл не только громкую славу и колоссальное состояние, позволившими ему вести роскошную жизнь и вызвавшими в нём непомерную гордость. На праздники и в общественные места он выходил в пурпурных одеждах, расшитых золотыми монограммами (шифрами) художника. Со временем Зевксис перестал брать деньги и дарил свои произведения правителям, храмам и городам, утверждая, что его произведения «превосходят всякую цену».
Из произведений Зевксиса наибольшей известностью пользуется портрет Елены Троянской, написанный в дар храму Геры в Кротоне (по другим свидетельствам — в Агригенте).
Среди других работ Зевксиса, заслуживших славу, называются:
· «Пенелопа»,
· «Семья кентавров» — по свидетельству древних писателей, в этой картине «грация соединялась с живою характерностью»,
· «Зевс, окруженный сонмом богов» / «Зевс на троне»,
· «Связанный сатир Марсий»,
· «Геркулес-дитя (удушающий змей)»,
· «Эрот, увенчанный розами».
«Семья кентавров» (про эту картину в методичке упоминается)
Древнегреческий писатель Лукиан пишет о картине:
— «Среди других смелых созданий Зевксиса имеется картина, изображающая женщину-гиппокентавра, которая заботливо кормит грудью двух детенышей-близнецов, маленьких гиппокентавров. … Повыше, словно стоящий на страже, изображен гиппокентавр, — без сомнения, муж той, что кормит обоих малюток; он выглядывает, смеясь, скрытый до половины своего лошадиного тела, и в правой руке держит, подняв над собою, молодого львенка, как будто шутя хочет попугать малышей.
— Что касается остальных достоинств этой картины… они во всей полноте обнаруживают силу искусства: безукоризненно правильный рисунок; краски, составленные с полной естественностью и в меру наложенные; надлежащее распределение тени; умелая передача величины; равновесие и соразмерность частей и целого.
Существует анекдот о состязании, происходившем между Парразием и Зевксисом. Якобы для этого состязания Зевксисом была написана кисть винограда с таким совершенством, что к ней слетались птицы, принимая её за настоящую; Парразий же ввёл в заблуждение даже своего соперника превосходно написанной занавеской, которая показалась тому действительной.
Легенда посвященная, пожалуй, самой известной картине Зевксиса – «Елена Троянская», в которой художник, как пишут «лучше всего передал красоту молодого, здорового женского тела».
«Елена Троянская» была написана для жителей Кротона, которые с большими издержками пригласили к себе великого мастера специально для исполнения этой картины.
Кротонцы приняли Зевксиса со всевозможными почестями и прислали ему на показ всех красивейших девушек своего города, чтобы он из них выбрал лучшую для позирования. Из их числа художник отобрал пять натурщиц и, списывая то с одной, то с другой наиболее прекрасные формы, создал столь идеальный образ женщины, что «взглянуть на него было неземным наслаждением».
О том, как Зевксис «рисовал красивейшую женщину Греции Елену», нам поведал Плиний.
К сюжету этой истории неоднократно обращались художники, начиная со Средневековья:
Миниатюра из средневекового манускрипта Доменико Беккафуми фреска
«Зевксис рисует портрет Елены для
храма Геры в Кротоне»
Около 1524-1525 гг.,
палаццо Бинди Сегарди,Италия
Паррасий
Паррасий (первая пол. V века до н. э.) — древнегреческий живописец; основатель ионической малоазийской школы живописцев (подробнее о школе ниже).
Паррасий был родом из Эфеса, сын и ученик Евдема, современник и соперник Зевксида.
Как гласит предание, он установил канон пропорций человеческого тела; произведения его отличались тонкостью выражения лиц и правильностью контуров. Он писал преимущественно мужские фигуры, главным образом богов и героев, которых иногда соединял в довольно сложные группы. Ему приписываются также сцены аллегорического и жанрового содержания, порой весьма фривольного характера.
Насколько Паррасий был силён в передаче экспрессии (выразительности), свидетельствует дошедшее до нас предание о написанной им картине «Афинский демос», в которой, будто бы, были выражены все характерные черты афинян. Описывая картину Паррасия «Афинский демос» – персонификацию жителей Афин, Плиний Старший писал, что художник представил их на ней «переменчивыми, холеричными, несправедливыми, непостоянными, но также благодушными, и сострадательными, жалостливыми, хвастливыми, возвышенными и смиренными, свирепыми и робкими – и все это в одно и то же время»
Паррасий, по словам Плиния, первый стал передавать сложную мимику лица, раскрывать разнообразные душевные состояния героев.
Паррасий выбирал для своих картин сюжеты драматические, такие, где можно было показать сильные эмоции, например «Прикованный Прометей, терзаемый орлом, и Геракл».
Он был надменен и горд, носил пурпурный плащ, венец и украшенную золотом палку. В состязании с Тиманфом Самосским он потерпел поражение; победу одержала картина Тиманфа, изображавшая Аякса в борьбе с Одиссеем за оружие Ахилла. По этому поводу Паррасий сказал: «Жаль, что Ахилла опять победил один из недостойных».
Известно также его состязание с Зевксидом, нарисованный виноград которого привлекал птиц; Паррасий же ввел в заблуждение самого Зевксида, изобразив занавес, покрывавший виноград. Древние знали множество его драгоценных работ; в эпоху императоров многие работы Паррасия находились в Риме и служили образцами художникам, старавшимся подражать ему.
Дорическая и ионическая школы:
Ионическое (или ионийское) искусство по преимуществу было связано с культурой торговых полисов островной и малоазийской Греции, большинство которых было населено ионийской группой греческих племен; в целом это искусство отличалось большим изяществом, декоративной утонченностью, интересом к передаче движения.
Дорическое (или дорийское) направление было связано главным образом с областями материковой Греции, преимущественно населенной дорийцами. Дорические мастера особенно настойчиво разрабатывали задачи создания монументального героического искусства; их заслуга заключалась прежде всего в правдивой передаче человеческого тела и его пропорций.
В методичке еще упоминается Тиманф.
Тиманф — знаменитый живописец — младший современник Зевксиса и Паррасия; его деятельность захватывает и начало 4 в. до н. э. В состязании с Паррасием на лучшую картину о споре Аякса с Одиссеем Тиманф вышел победителем. Особенно славилось его произведение «Жертвоприношение Ифигении». В Помпеях сохранилась фреска ремесленной работы на эту тему, ее можно считать более или менее свободным переложением картины Тиманфа.
Античное Искусство. Живопись Греции второй половины 5 в. до н. э.
Агафарх, Аполлодор. Агафарх — художник театральных декораций, писавший декорации для последних трагедий Эсхила.
Ему принадлежит заслуга изображения предметов в перспективном сокращении, что помогало создавать иллюзию глубины пространства. Декорации в греческом театре представляли собой переносные кулисы, изображения на них условно показывали место действия. Изобретение нового приема — игры светотени древние приписывали Аполлодору Афинскому. Он ввел в свою палитру полутона, без которых нельзя было изобразить переход к тени. Древние прославили Аполлодора и дали ему прозвище «Скиаграф», т. е. «Тенеписец». С именем Аполлодора связывается и рождение настоящей станковой картины — он стал писать темперой на грунтованных досках.Зевксис. Современниками Аполлодора были Зевксис и Паррасий, знаменитейшие живописцы античности. Зевксис из Гераклеи (в древности было два города под названием Гераклея, источники не указывают, из какого именно был родом художник) умел придумывать сюжеты занимательные, показывающие интересное действие. Особенно Зевксис прославился своим живописным мастерством. Известный исторический анекдот о птицах, прилетавших клевать виноград на картине Зевксиса, говорит о том, что ягоды, вероятно, были изображены почти иллюзорно.
Наиболее знаменитыми были его картины «Младенец Геракл, душащий змей» (повторение сохранилось в Помпеях), «Елена», для создания которой он выбрал пять красивейших девушек, чтобы соединить их прекрасные черты в один образ Елены. Славилась его картина «Семья кентавров», описание которой сделано Лукианом (2 в. н. э.).Паррасий. Второй из великих живописцев Паррасий родом из Эфеса начал работу во времена Фидия. Для статуи Промахос он сделал рисунок украшения щита; по его рисунку чеканщик Мис выбил рельефы.
Паррасий, по словам Плиния, первый стал передавать сложную мимику лица, раскрывать разнообразные душевные состояния героев. Паррасий выбирал для своих картин сюжеты драматические, такие, где можно было показать сильные эмоции, например «Прикованный Прометей, терзаемый орлом, и Геракл».
Тиманф. Третий знаменитый живописец — младший современник Зевксиса и Паррасия был Тиманф, деятельность которого захватывает и начало 4 в. до н. э. В состязании с Паррасием на лучшую картину о споре Аякса с Одиссеем Тиманф вышел победителем.
Особенно славилось его произведение «Жертвоприношение Ифигении».В Помпеях сохранилась фреска ремесленной работы на эту тему, ее можно считать более или менее свободным переложением картины Тиманфа.
Картины Паррасия и Тиманфа, открывавшие новый мир — мир глубоких человеческих чувств, не могли не найти подражателей среди мастеров вазовой росписи. И среди распространенных в это время белых лекифов (т. е. покрытых белой облицовкой) и среди краснофигурных ваз аттической и южноиталийской греческой работы конца 5—4 вв. до н. э. можно найти много трагических и драматических образов, исполненных в духе картин Паррасия и Тиманфа.
Павсон. Вместе с мастерами, воспевавшими в искусстве идеал красоты прекрасного доблестного гражданина, величие олимпийских богов, работал мастер другого направления — Павсон.
Аристотель пишет, что «Полигнот изображал людей лучшими, Павсон худшими…». Вероятно, Павсон создавал образы отнюдь не прекрасные, а раскрывал черты смешные и безобразные. Может быть, это были сатирические карикатуры.
В период острой политической борьбы в последние десятилетия 5 в. до н. э. такие художники должны были появиться; их острые сатирические характеристики могли высмеивать политических противников так же, как это мы видели в комедиях Аристофана.
В последние десятилетия 5 в. до н. э. были построены, как говорилось выше, храм Ники Аптерос, Эрехтейон, храм Аполлона в Фигалии (см. архитектуру 5 в. до н. э.).
Фриз храма в Фигалии. Рельефные фризы, украшавшие эти сооружения, представляют собой дальнейшие шаги в развитии искусства пластики и, в частности, рельефа. Храм в Фигалии имел 30-метровый фриз. Он опоясывал целлу с внутренней стороны. На рельефе были изображены сцены: амазономахии и кентавромахии (Лондон, Британский музей). Баталии отличаются большой динамичностью, сильными резкими движениями, смелостью ракурсов, выразительностью жеста и мимики. Фигуры поставлены тесно, почти всюду обозначена под ногами почва. Кентавры охарактеризованы традиционно, напоминают кентавров на Олимпийском храме.
Если общее композиционное решение могло быть дано аттическим художником, прибывшим сюда вместе с Иктином и повторивший здесь излюбленные афинские сюжеты, то исполнение фризов отличается от работ аттических скульпторов. Фризы скорее продолжают традиции Олимпийского фронтона, чем скульптур Парфенона.Фриз храма Ники Аптерос. Фриз храма Ники Аптерос, созданный приблизительно в то же время, что и фриз Фигалии, носит иные черты. Изображение олимпийских богов очень близко по стилю к фризу Парфенона. Битва греков с варварами динамична, фигуры размещены свободно, контуры фигур плавные, моделировка мягкая.
Рельеф Пиргоса. Особенно замечателен рельеф длиной 35 м, украшавший баллюстраду Пиргоса — укрепленного выступа скалы Акрополя, на котором стоял храм Ники. Содержанием этого рельефа, отличающегося изяществом форм, было прославление Афины: многочисленные Ники в присутствии богини, которая изображена здесь два раза, ведут жертвенных быков, поднимают трофеи, приносят жертвы.
Скульптура Эрехтейона.
Фриз на Эрехтейоне был исполнен в необычной для греческих фризов технике: на фоне черно-синего элевзинского мрамора выделялись белые мраморные фигуры (от которых дошли лишь небольшие части).Зато хорошо сохранились знаменитые шесть кариатид с южного портика храма. Они напоминают девушек с фриза Парфенона в длинном пеплосе. Капитель на головах девушек не имеет волют; антаблемент не полный, в нем нет фриза, что облегчает тяжесть, которую поддерживают кариатиды.
Дмитрий из Алопеки. В последнюю четверть 5 в. до н. э. работал замечательный греческий портретист Дмитрий из Алопеки (один из районов Аттики). Его деятельность захватывает и первую четверть 4 в. до н. э.
Древние подчеркивали, что Дмитрий был мастером, который «создавал человека», в отличие от художников, изображавших богов, т. е. указывалось на правдивое без идеализации изображение определенного лица.
Дмитрий, работы которого известны лишь по римском копиям, передавал с большим вниманием индивидуальные черты лица портретируемого, его возраст, ничего не приукрашивая, не сглаживая неправильных или некрасивых черт.
<<< Античное Искусство. Изобразительное искусство Греции 5 в. до н. э.
Античное Искусство. Искусство Греции 4 в. до н. э. Греция в 4 в. до н. э. >>>
Иллюстрации к разделу >>>
М. Л. Гаспаров «Занимательная Греция»
М. Л. Гаспаров «Занимательная Греция»М. Л. Гаспаров «Занимательная Греция»
ЗНАМЕНИТЫЕ ХУДОЖНИКИ
Праксителя спросили: «Какие твои статуи больше тебе нравятся?» Он ответил: «Те, которые расписывал художник Никий».
Мы привыкли к белым статуям в наших музеях и забываем, что у греков статуи были раскрашены: открытые части тела в телесный цвет, одежда — в красный и синий, оружие — в золотой. Глаза мраморных статуй кажутся нам слепыми именно потому, что зрачки у них не вырезывались, а писались по мрамору краскою. Храмы тоже не были целиком белые: фриз и фронтоны раскрашивались, обычно в синий цвет, и на этом фоне, как живые, выступали статуи и барельефы.
Греки любили яркость. Неудивительно, что они любили и живопись. Но греческую живопись мы знаем гораздо хуже, чем греческую скульптуру: картины сохраняются труднее, чем статуи. «Древнюю архитектуру мы знаем по развалинам, скульптуру по копиям, живопись по описаниям», — сказал один ученый. Поэтому нам больше приходится принимать на веру то, что рассказывали греки о своих знаменитых художниках.
С чего началась живопись? С любовного свидания. Одной девушке было жалко расставаться со своим возлюбленным, и она сделала вот что: поставила его так, чтобы луна отбрасывала на стену его тень, и обвела эту тень углем. Юноша ушел, а тень осталась. Эта первая в мире картина будто бы долго хранилась в одном из коринфских храмов.
Потом началось совершенствование. Греки точно сообщали, какой художник первым начал отличать мужские профили от женских; какой — рисовать головы повернутыми и вскинутыми; какой — изображать говорящих с открытым ртом; какой — класть тени, чтобы фигуры казались выпуклыми. Эти картины, наверное, нужно представлять себе по образцу рисунков на вазах; все в профиль, все застывшие в простых и сразу понятных позах, задние фигуры не меньше передних, а выше их, так что картина кажется не окном в глубокое пространство, а стеной, покрытой многофигурным ковром. Таковы были знаменитые картины художника Полигнота на афинской городской площади: «Взятие Трои» и «Битва при Марафоне», каждая в целую стену.
Греки рисовали, как рисуют дети: сперва чертили контур, потом его закрашивали. Красок поначалу было только четыре: белая, желтая, красная, черная. Лучшую белую делали из известняка с острова Мелоса (отсюда наше слово «мел»), лучшую желтую — из аттической глины, красную привозили с Черного моря, а для черной пережигали виноградные косточки или даже слоновую кость. Современные художники чаще всего пишут масляными красками на холсте; в Греции этого не было. Когда расписывали стены по сырой штукатурке, то разводили краски прямо водой, они всасывались и засыхали; потом такой способ стали называть «фреска». А когда писали на деревянных досках, то приготавливали краски не на масле, а на яичном желтке (этот способ потом назывался «темпера», так работали средневековые иконописцы) или на растопленном воске (этот способ потом вышел из употребления, и секреты его утрачены).
Труднее всего было изобразить две вещи: красоту и выражение лица. Когда Гомеру нужно было описать Елену, взошедшую на троянскую стену, он не стал говорить, как она была прекрасна, — он сказал: «Старцы троянские посмотрели на нее и молвили: «Да, за такую красоту не жаль вести такую войну!» У художников такого выхода не было. Один живописец в отчаянии попробовал написать Елену золотыми красками — ему сказали: «Ты не сумел сделать Елену красивой и сделал ее нарядной».
Другой живописец должен был изобразить пир двенадцати богов. Картина осталась недоконченной: художник начал писать лица младших богов, истратил на них все свои способности, и на Зевса у него не хватило сил.
Третий живописец, встретившись с такой же трудностью, справился с ней умнее. Он писал «Жертвоприношение Ифигении» — как перед походом на Трою царь Агамемнон по воле богов отдает на смерть свою родную дочь. Девушку несут к алтарю герои Одиссей и Диомед, на их лицах — скорбь; у алтаря стоит с ножом жрец Калхант, на его лице — еще более тяжкая скорбь; Ифигения простирает к He6у руки — скорбь на ее лице почти неописуема; а лицо отца, самого Агамемнона, художник даже не пытался изобразить и окутал ему голову плащом. Эта изобретательность его прославила.
Самыми знаменитыми в живописи были две пары соперников: в V веке Зевксис и Паррасий, в IV веке Апеллес и Протоген.
Зевксис с Паррасием поспорили, кто лучше напишет картину. Собрался народ, вышли двое соперников, у каждого в руках картина под покрывалом. Зевксис отдернул покрывало — на картине была виноградная гроздь, такая похожая, что птицы слетелись ее клевать. Народ рукоплескал. «Теперь ты отдерни покрывало!» — сказал Зевксис Паррасию. «Не могу, — ответил Паррасий, — оно-то у меня и нарисовано». Зевксис склонил голову. «Ты победил! — сказал он. — Я обманул глаз птиц, а ты обманул глаз живописца».
Зевксис недаром выбрал предметом для своей картины виноградную гроздь: это он умел изображать как никто. Однажды он написал мальчика с гроздью в руках, и опять птицы слетались и клевали ягоды, а народ рукоплескал, Недоволен был только сам Зевксис. Он говорил: «Значит, я плохо написал мальчика: если бы мальчик был так же хорош, птицы боялись бы подлетать к ягодам».
У Апеллеса с Протогеном состязание было необычное. Однажды Апеллес пришел к Протогену и не застал его дома. Он взял кисть, набрал желтой краски и провел по его стене тонкую-тонкую черту. Вернувшийся Протоген воскликнул: «Только Апеллес мог писать так тонко!» — схватил кисть и провел поверх Апеллесовой черты еще более тонкую свою, красную. На другой день опять пришел Апеллес, увидел эту черту в черте и вписал в них еще одну, черную, самую тонкую, и Протоген признал себя побежденным. Кусок стены, где состязались два художника, потом вырезали и бережно хранили. В галерее римского императора Августа среди многофигурных мифологических картин этот белый квадрат с тремя цветными линиями казался совсем пустым — и оттого вызывал особенный восторг.
Когда Апеллеса спрашивали, кто пишет лучше, он или Протоген, Апеллес отвечал: «Владеем кистью мы одинаково, но класть кисть вовремя лучше умею я». Это значило, что слишком долгая работа над картиной бывает и вредна: картина становится как бы вымученной. Но это не значило, что труд художника не нужен: он нужен, и повседневно. Правилом Апеллеса было: «ни дня без черты!» Потом писатели перетолковали это и для себя: «ни дня без строчки!»
Как когда-то над Поликлетом, так и над Апеллесом иногда стояло не очень понимающее начальство. Однажды Александр Македонский посмотрел на свой конный портрет и стал критиковать его вкривь и вкось. А конь Александра посмотрел на нарисованного коня, потянулся к нему и заржал. «Видишь, царь, — сказал Апеллес, — конь твой разбирается в живописи лучше, чем ты».
А другой случай того же рода перескажем лучше словами Пушкина:
Картину раз высматривал сапожник
И в обуви ошибку указал.
Взяв тотчас кисть, исправился художник.
Вот, подбочась, сапожник продолжал:
«Мне кажется, лицо немного криво…
А эта грудь не слишком ли нага?..»
Тут Апеллес прервал нетерпеливо:
«Суди, дружок, не свыше сапога!»
История методов обучения рисованию, зарубежная школа рисунка — Н. Н. Ростовцев
Методы преподавания рисования в Древней Греции, 3 часть
Развитие и совершенствование мастерства, а вместе с тем и методов преподавания всегда требовали общения и соревнования между художниками-педагогами. О таком общении и товарищеском соперничестве между Зевксисом и Паррасием Плиний писал: «Про Паррасня передают, будто он вступил в состязание с Зевксисом. Зевксис принес картину, на которой виноград был нарисован так удачно, что подлетали птицы. Паррасий же принес полотнище, нарисованное так правдоподобно, что Зевкспс, гордясь этим приговором птиц, стал требовать, чтобы полотнище было убрало и чтобы была показана сама картина, а затем понял свою ошибку и под влиянием благородного стыда уступил пальму первенства Паррасию, так как сам он обманул птиц, а Паррасий его самого, художника». Данные исторические сведения нас интересуют не в смысле их достоверности или анекдотичности, а со стороны характеристики общего направления изобразительного искусства, развития методов преподавания. Рассказы Плиния о древних художниках, несмотря на их анекдотичность, очень красочно характеризуют стиль и направление изобразительного искусства того времени.
Как передают историки, Паррасий пользовался большим авторитетом среди коллег и как художник, и как ученый-теоретик. Он разработал канон пропорций человеческого тела, которым пользовались многие его ученики и последователи; написал специальный трактат о рисунке, в котором особое внимание уделил линии. При обучении рисунку Паррасий требовал прежде всего обратить внимание ученика на роль и значение линии как основного средства выражения формы на плоскости. Раскрывая специфику линейного рисунка, как ее трактовал Паррасий, Плиний писал: «…ведь рисовать тела и их поверхности трудно, но многие в этом достигли славы, зато рисовать одни только очертания тел и ограничивать пределы оканчивающегося рисунка редко кому удается. Ведь контур должен состоять только из своей линии и так обрываться, чтобы намекать на то, что за ним находится, и указывать на то, что скрыто».
Это уже яркая характеристика теоретических основ методики обучения рисунку, которым должны были следовать учителя и начинающие художники. Видимо, здесь Паррасий раскрывал методическую последовательность построения изображения, которая в его законченных произведениях становилась незаметной, но которая была необходима начинающим художникам. Об этом в свое время писали Антигон и Ксенократ, анализировавшие его произведения, об этом не случайно упоминает и историк Плиний: «В его картинах и бумагах видны многие следы грифеля, которые, как говорят, очень полезны художникам».
Хотя и трудно дать серьезный научный анализ методики обучения рисованию в Древней Греции по отрывочным сведениям древних писателей, но все же какая-то доля истины содержится и в них, и мы можем сделать по ним определенные заключения.
Совершенно бесспорно, что при рисовании соблюдались ясность и четкость изображения предмета. Линия в рисунке играла первостепенную роль. При изображении предмета художник должен был четкими, без лишних штрихов и росчерков, линиями наметить форму предмета. А это можно было сделать только в результате многолетней школьной выучки. Мало того, что греческие художники владели высокой техникой рисунка, они прекрасно знали форму и строение человеческого тела. Об этом убедительно свидетельствуют произведения вазовой живописи, скульптуры и копии с произведений греческих художников, выполненные римскими живописцами.
Изображая форму предметов, как это явствует из сведений древних писателей, греческие художники не ограничивались только линейными изображениями, но наглядно и убедительно передавали средствами светотени (тона) объем и фактуру предметов. Для иллюстрации приведем выдержки из описания картин Филострата-старшего. Описывая картину «Пиндар», Филострат дает о ней яркое представление: «Думаю, ты удивляешься, почему эти пчелы здесь нарисованы с такой точностью? Ты видишь ясно их хоботок, лапки, крылья, цвет их тельца; и это все нарисовано не мимоходом, не кое-как, ибо разнообразием красок картона передает все так, как бывает в природе».
Давая описание другой картины, Филострат отмечает: «Удивительно хорошо удалось художнику нарисовать до мелочей точно паука, передать всю раскраску его точками, как в природе, все его шелковистое тельце, такое злое и дикое. Только хороший мастер, искусный в передаче реальности, так может писать. Сверх того он изобразил и тонкие нити его паутины. Смотри! Вот эту толстую нить паук приделал к углу квадратом, как канат у станка, а к этому шнуру прилажена тонкая ткань; она состоит из нитей, идущих во много рядов, закругленных как на гончарном станке».
Таким образом, мы можем сделать вывод, что греческие художники стремились к реальности изображения, часто доходя до иллюзорности, как, например, виноград Зевксиса, соты, пчелы, паук, описанные Филостратом. Отсюда ясно, что для приобретения навыков подобного мастерства нужна была хорошая школа рисунка, рисунок был основой изображения.
Аполлодор Афинский.
Аполлодор (430-400 до н.э.) — афинский художник. За введение использования света и теней в биографии Аполлодора было получено прозвище «тенеписец». Среди его нескольких известных работ – «Ajax Struck by Lightning», «Priest in the Act of Devotion». Обе работы были в Пергаме. Ни одна не сохранилась.
Зевксис.
Зевксис — древнегреческий живописец конца 5 — начала 4 вв. до н. э. Работал в разных городах Греции и Италии. Одним из первых использовал светотеневую моделировку, стремясь к иллюзорности изображения. Картины Зевксиса («Елена», «Семья кентавров», «Младенец Геракл, удушающий змей») известны по античным литературным источникам и позднейшим повторениям в римских росписях (дом Веттиев, Помпеи) и мозаиках (вилла Адриана в Тиволи, близ Рима).
Паррасий.
Паррасий — древнегреческий живописец 2-й половины 5 в. до н. э. Работал в Афинах. Произведения Паррасия не сохранились и известны по описаниям. Античные авторы ценили у Паррасия умение мастерски передавать объём контурными линиями и светотенью, изображать физические страдания (картина с Филоктетом) и душевные движения (картина с Одиссеем, симулирующим безумие).
Тиманф.
Тиманф — древнегреческий живописец, родом из Кинфа, трудившийся в Сикионе в 400 г. до н.э. Работы этого художника, не достигая до совершенства произведений Апеллеса, тем не менее отличались большою законченностью в техническом отношении и чрезвычайною выразительностью изображенных сцен и действующих лиц. Среди важнейших картин Тиманфа древние писатели указывают «Жертвоприношение Ифигении», «Коварно убитого Паламеда», «Аякса в споре из-за оружия Ахиллеса», «Спящего Циклопа» и «Эрота».
Вазопись.
Чернофигурная вазопись.
Со второй половины VII в. до начала V в. до н. э. чернофигурная вазопись развивается в самостоятельный стиль украшения керамики. Всё чаще на изображениях стали появляться человеческие фигуры. Композиционные схемы также подверглись изменениям. Наиболее популярными мотивами изображений на вазах становятся пиршества, сражения, мифологические сцены, повествующие о жизни Геракла и о Троянской войне. Как и в ориентализирующий период, силуэты фигур прорисовываются с помощью шликера или глянцевой глины на подсушенной необожженной глине. Мелкие детали прочерчивались штихелем. Горлышко и дно сосудов украшались узором, в том числе орнаментами, в основу которых положены вьющиеся растения и пальмовые листья (т. н. пальметты). После обжига основа становилась красной, а глянцевая глина приобретала чёрный цвет.
Белый цвет впервые стали использовать в Коринфе и прежде всего для того, чтобы отобразить белизну кожи у женских фигур. Другие центры производства керамики, как, например, Афины, заимствовали технику коринфского вазописного стиля. К 570 г. до н. э. Афины даже превзошли Коринф по качеству своих ваз и размаху производства. Эти афинские вазы получили в искусствоведении название «аттическая чернофигурная керамика». Впервые мастера гончарного дела и художники-вазописцы стали с гордостью подписывать свои произведения, благодаря чему их имена сохранились в истории искусства. Самым знаменитым художником этого периода является Эксекий. Кроме него широко известны имена мастеров вазописи Пасиада и Хареса. Начиная с 530 г. до н. э. с появлением краснофигурного стиля чернофигурная вазопись теряет свою популярность. Но и в V в. до н. э. победителям спортивных состязаний на так называемых Панафинеях вручались панафинейские амфоры, которые выполнялись в чернофигурной технике. В конце IV в. до н. э. даже наступил короткий период ренессанса чернофигурной вазописи в вазописи этрусков.
Обман может быть правдивым?
Поспорили два художника — Зевксис и Паррасий: кто из них лучше. Зевксис нарисовал виноградную гроздь и поставил картину возле открытого окна. Пролетавшие мимо птицы увидели виноград, сели и попытались клевать нарисованные ягоды. Пришла очередь Паррасия. „Ну и где твоя работа?“ — „Там, за занавеской“. Зевксис подошел к занавеске и попытался её отдёрнуть. А она оказалась нарисованной. Легенда родилась в Древней Греции, примерно за 500 лет до нашей эры.Три возраста Сальвадор Дали
Она более правдива, чем может показаться на первый взгляд. Дело в том, что многие птицы не обладают стереоскопическим зрением, поскольку глаза у них расположены по обе стороны головы. То, что видит один глаз, не видит другой. Из-за отсутствия общего поля обзора мозг не может сформировать объёмное изображение. И опытные охотники знают, что примитивная, не раскрашенная модель уточки привлекает летящего селезня не хуже живой подсадной птицы.
Для нас в греческой легенде важно то, что картина обманула не птиц, а глаз мастера-живописца. У русского художника XIX века Фёдора Толстого есть картины, перекликающиеся с сюжетом древнегреческой легенды. На одной из них — натюрморт, „прикрытый“ листом кальки. Один её угол загнут. И эта часть натюрморта выглядит столь достоверной, что невольно испытываешь желание сдвинуть кальку ниже, чтобы увидеть изображение полностью. Картины этого типа получили название „обманки“, хотя речь идёт едва ли не о самом правдивом из всех жанров живописи.
Федор Толстой Архитектура под бумагой
Появление такого рода картин стало возможным только после изобретения перспективы, светотеней и… масляных красок. Рецепты их приготовления встречаются ещё в книгах XIII века. Но лишь в начале XV века голландский художник Ян ван Эйк (1390–1441) настолько улучшил технологию приготовления красок, что его нередко называют изобретателем техники живописи маслом. Он первым по-новому применил её, накладывая тонкие прозрачные слои красок один поверх другого, достигая исключительной глубины и богатства цвета, а также тонкости светотеневых и цветовых переходов. После Яна вана Эйка художники получили возможность добиваться такого изображения, которое нетрудно было спутать с оригиналом.
Портреты и овощей, фруктов и цветов … Джузеппе Арчимбольдо
Родоначальник жанра обманок в России — Григорий Теплов, художник, поэт, музыкант, философ, государственный деятель XVIII века. Жаль, что репродукции обманок в журналах и книгах неспособны передать ощущение, которое появляется при взгляде на оригинал. Кстати, поэтому обманки редко увидишь в книгах по искусству. В значительной степени это объясняется разницей в размерах картины и её печатной репродукции, а также тем, что нужный эффект обычно возникает в зависимости от расстояния между изображением и зрителем.
Григорий Теплов. Натюрморт-обманка. 1737 год. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Существует ещё один вид обманок. В Русском музее в Петербурге, например, есть картина Петра Дрождина, художника XVIII века. На ней автор изобразил семью своего учителя художника Антропова. Присмотревшись, замечаешь, что отец и сын стоят рядом не с женой и матерью, а с её портретом. Край мольберта, сначала казавшийся светлым проёмом в стене, отделяет стоящих от изображения.
Дрождин, Петр Семенович
Портрет художника А.П. Антропова с сыном перед портретом жены. 1776
Тема весьма объемная и ее можно продолжать)
болаграмм
болаграммсостязание зевксидов и парразий
[от Д. Кунце, Идея Art 3: Третий способ изучения искусства , 2000]
В Древней Греции были два знаменитых художника, Зевксис и Парразий. Каждый был на пике своих способностей, никто не знал, как выбирать между ними. Однако они решили решить вопрос раз и навсегда, проведя «малярную дуэль» в строго контролируемых условиях.Они выделили себе две части стены, каждая из которых была невидима для другой, чтобы они могли работать наедине. Каждый художник должен был нарисовать фреску — фреску из пигмента на мокрой штукатурке. Тщательно собранное жюри зрителей должно было просмотреть обе картины и присудить одну премию, навсегда положив конец утомительному и неразрешимому соперничеству.
Считалось, чтоЗевксис имеет преимущество в этом состязании. Хотя его картины в конечном итоге не оценивались лучше, чем картины Парразиоса, они всегда имели сильный первоначальный эффект.Они могли «выбить вам глаза», как говорится, с помощью уловок trompe-l’oeil , или суперреализма. Парразий знал те же уловки, но был более изощренным. Вы должны любить его картины из-за их эффектов замедления, которые иногда делали их менее симпатичными вначале. Парразиос, более тонкий и, вероятно, более талантливый, потому что его работы требовали времени и выдерживали, по иронии судьбы, менее вероятно, чтобы победить Зевксиса, который был мастером первоначальной неожиданности. Соревнование действительно было связано с способностью Парразиоса обдумать эту дилемму.
Когда пришло время судить только что завершенные картины, собралась аудитория избранных критиков, а за ними — большая толпа зрителей. Зевксис был внешне спокоен и уверен в себе. Похоже, он думал, что он подготовил свои лучшие работы для этого важного события. За занавеской (важно было раскрыть работу сразу) шедевр его жизни.
Представитель жюри попросил Зевксиса задернуть занавеску. Когда он это сделал, толпа и присяжные ахнули, увидев вазу с фруктами, жалобную и простую.Как мог в такой ситуации великий художник довольствоваться тем, что нарисовал вазу с фруктами? По общему признанию, это был прекрасно нарисованный натюрморт. Отблеск света на бледно-зеленой поверхности груш делал их влажными и твердыми. Вы практически могли попробовать гранаты.
После долгого периода молчания птица слетела со своей точки обзора на вершине стены прямо в расписную вазу с фруктами, из которой она надеялась украсть виноград.Ударившись о стену, птица упала на землю, став жертвой иллюзии.
Без сомнения, это доказало то, что жюри и аудитория едва ли могли прийти к выводу: что реализм картины заставил ее выйти за свои пределы, как искусственную; настоящим судьей была птица, которую никто не мог обвинить в фаворитизме. Когда охота толпы утихла, Зевксис был уверен, что выиграл, независимо от того, какое выступление Парразиос. На какую лучшую демонстрацию он мог надеяться? Уверенность Зевксиса заставила его выпрямиться, глубоко вздохнуть и излучить новообретенную человечность, которую он обратил на Парразия, стоявшего на краю открытого круга зевак.«А теперь давайте посмотрим на несомненно превосходную работу Парразиоса. «А теперь давайте взглянем на несомненно превосходную работу моего уважаемого коллеги», — предложил он тоном, который предполагал, что он проявит великодушие в своей победе, всегда посылая немного работы Парразиосу, если его собственная студия будет слишком занята.
Парразий симулировал или честно продемонстрировал (трудно сказать какой) кроткий, но добродушный тон. Слегка поклонившись, он ничего не сказал, а слегка повернулся к тому месту, где должна была быть видна его фреска.Толпа шаркала и бормотала. К этому времени Зевксис стал их лидером.
Теперь, стоя у стены Парразия, толпа стала нетерпеливой. Даже занавеска стала выглядеть немного безвкусной. Зевксис, не желая слишком смущать своего соперника, вышел вперед после долгого перерыва и напрямую обратился к художнику. «Я думаю, — сказал он, — пора посмотреть, что вы, возможно, сделали. Не могли бы вы оказать нам честь, задернув занавес? »«
Это невозможно, — ответил Парразиос. Присяжные, аудитория и Зевксис думали, что Парразиос был на пределе возможностей, что он был эмоционально подавлен близостью поражения.«Конечно, — вставил Зевксис, пытаясь смягчить удар неизбежного, — мы были бы очень рады увидеть вашу работу, но мы становимся немного нетерпеливыми, стоя на палящем солнце. Просто покажите нам картину ».
После паузы Парразиос ответил: «Ты смотришь на это». Зрители внимательнее сосредоточились на стене, наконец осознав, что они смотрят на картину с занавеской.
Необязательно быть греком, чтобы сделать вывод, что приз достался Парразиосу или что причина заключалась в том, что, хотя Зевксис обманул птицу, Парразиос сумел обмануть не только людей, но и своих коллег-профессионалов.
Более тонкая правда в истории о человеческом восприятии по сравнению с восприятием животных. Птица пошла за пищей и зависела от внешнего вида винограда, который она могла бы съесть в какой-то вечный момент на птичьем небе: своего рода бихевиористская «оперантная обусловливающая» ситуация, когда стимул и награда следуют друг за другом. в тесной последовательности. Человеческая ситуация иная, о чем свидетельствует этот анекдот. Люди видели не что-то похожее на виноград, а покров того, что они хотели видеть.Их обманули, потому что они ожидали сокрытия того, чего хотели. Они автоматически ценили только то, что было невидимым, недоступным. Привыкли к укрытиям,
они не стали внимательно изучать картину занавеса. Их обманули собственные ожидания, даже если занавес был плохо покрашен.
Первую мораль истории можно было бы назвать главной истиной аудитории. Хорошие художники могут обмануть наше естественное «я», великие художники обманывают наше культурное — наше настоящее «я».Более глубокая мораль предназначена для художников и студентов-критиков искусства. Это связано с правилом, которому нужно следовать. Когда дело доходит до обмана людей, вы можете положиться на них, чтобы оправдать их собственные ожидания. И люди ждут фокусов! — В данном случае простая шторка. Поэтому хороший художник дает хороший трюк: нарисованный виноград, который обманывает самих себя. Великий художник дает отличный трюк: как бы трюк2. Великий художник предвосхищает нашу склонность к трюкам и трюкам, делая ловушки для людей.
Болаграмма противопоставляет переходные отношения между аудиторией и иллюзией (приостановка недоверия молчит — аудитория «знает», что картина является иллюзией) с «интранститивной» связью между нетерпением аудитории и их легковерным потреблением картины. занавес. Этот анекдот наглядно демонстрирует «теорию двух экранов», поскольку есть «две стены», стена Зевксиса, которая должна исчезнуть благодаря совместному согласию аудитории, желающей быть втянутой иллюзией ($) и стеной Парразия, это действительно ДЕЙСТВИТЕЛЬНО появляется, хотя его (с занавеской) не существует.Маленький объект желания, нетерпения, излишка события возвращается в «центр» Другого, созданный аудиторией, авторитарную основу нарисованной иллюзии.
Сравните этот рассказ с начальными строками «художественного» стихотворения Набокова (стихотворение, предположительно написанное одним из персонажей романа, Бледный огонь ). Стихотворение проясняет анекдот странным образом случайным образом.
Я был тенью убитого свиристеля
Ложной лазурью в оконном стекле;
Я был пятном пепельного пуха — а я
Жили, летели в отраженном небе.
И изнутри тоже я бы продублировал
Я, моя лампа, яблоко на тарелке:
Не укутывая ночь, я бы пустил темное стекло
Повесьте всю мебель над травой.
И как восхитительно, когда падает снег
Покрыл мой взгляд на лужайку и дотянулся до
Как сделать стул и кровать ровной стойкой
На этом снегу, в этой кристальной стране!
© 2012, Дональд Кунце, все права защищены
Есть такой жанр живописи — коряга.Приемы живописи
Тромлей или оптическая иллюзия — техника и направление в современной живописи, основанное на эффектах оптических иллюзий. Цель трюка — создать эффект пространства и объема на плоской поверхности или на нескольких поверхностях, которые складываются в трехмерные изображения под определенным углом обзора.
История развития
Впервые trompe l’oeil использовалось во времена Древнего Рима и Греции. Самая распространенная иллюзия — реалистичное изображение окна, ниши, двери, атриума на плоской поверхности стены.Оптическая иллюзия использовалась для визуального расширения пространства комнаты. Вершина искусства при использовании техники «trompe l’oeil» — создать максимально правдоподобную иллюзию. Одним из величайших представителей этого направления в Греции был Зевксис. Реалистичный trompe l’oeil на стенах не позволял усомниться в существовании изображенного объекта даже при внимательном рассмотрении с близкого расстояния.
Проект
ОПТИЧЕСКИЕ ИЛЛЮЗИИ В ИНТЕРЬЕРЕ
Сочетание слов «оптический» и «иллюзия» у большинства из нас, вероятно, вызовет вполне естественные ассоциации: мираж в пустыне; или призрак, парящий по коридорам загадочного замка; или, на худой конец, манипуляция циркового фокусника: «Ловкость рук против остроты глаз!» На первый взгляд, какое отношение вся эта визуальная иллюзия имеет к искусству дизайна интерьера? Но оказывается, что «оптическая иллюзия» (эффект trompe-l «œil fr.) Также является техническим приемом в искусстве, цель которого — создать оптическую иллюзию того, что изображаемый объект находится в трехмерном пространстве, в то время как на самом деле он изображен в двухмерной плоскости. Классическим примером использования этой техники в интерьере комнаты является нарисованный на холсте очаг в туалете Папы Карло.
Trompe l’oeil уже давно используется в дизайне интерьеров. Одним из ее авторов считается ученик великого Рембрандта, известного голландского художника Хугстратена Самуэля Ванга.Однако драматическую поэзию тени и света в творчестве своего наставника он противопоставил иллюзионистскому воспроизведению реальных предметов и пространства в живописи. Хугстратен не только рисовал картины в стиле trompe l’oeil, но также работал над альковами и анфиладами комнат, которые предположительно были видны через дверные проемы, а также проектировал так называемые «волшебные коробки», которые представляли собой коробки с объектами, изображенными на них. внутренние стены. Один из них даже получил место в Национальной галерее в Лондоне!
Но на самом деле человечество обнаружило в искусстве эффект оптической иллюзии намного раньше.Он широко использовался с древних времен. Достаточно вспомнить легенду о двух художниках, которые спорили, кто из них лучше раскрасит стену храма. Их звали Зевксис и Паррасий. Когда они на глазах у публики стали демонстрировать образцы своих работ, произошло невероятное: как только Зевксис стянул покрывало, взору изумленных зрителей открылась гроздь винограда, причем сделанная настолько реалистично, что птицы сразу же устремились к рисунку, пытаясь склевать виноград.
Теперь твоя очередь, — напомнил Зевксис своему противнику, насмешливо кивнув своему скрытому экземпляру.
На что он, скромно глядя вниз, ответил:
Не могу, дорогой друг, это покрывало нарисовала.
И Зевксис был вынужден признать:
Победа твоя, Паррасий … Я обманул глаза птиц, но ты сумел обмануть глаза художника!
Конечно, Зевксис и Парразий не были первыми, кто применил технику, которая в дальнейшем получила название техники тромплета.И Hoogstraten не последний. История искусства и архитектуры знает множество примеров его использования.
Но даже в наши дни trompe l’oeil чрезвычайно модно и популярно. Вы только посмотрите, какую оригинальную ширму для библиотеки изготовил некий мастер из состаренного дерева и кожи. Чья-то рука берет с полки один из фолиантов. Цена этого шедевра — более тысячи евро.
Не отстают и отечественные мастера. Например, поклонников более современного дизайна вряд ли оставят равнодушными интерьеры спален, разработанные специалистами известной компании Vecor:
.Тиснение на стене в виде гигантской ветки папоротника, напоминающее морозный узор на стекле, в сочетании с зеркалом превращает обычную комнату в покои сказочного дворца.
А новейшие материалы позволяют создавать поистине футуристические интерьеры:
Тромлей как архитектурный объект — это целое культурное явление. Много примеров его использования можно найти во французском Лионе. Например, так называемая «стена ткачей» площадью 1200 квадратных метров. Издалека трудно поверить, что все это не реальная перспектива, а «грандиозный розыгрыш» — всего лишь одна расписная стена.
А то, что делают мастера граффити, — Зевксис и Паррасий могли позавидовать.Вот одна из последних картинок, промелькнувших в Интернете:
Вам не кажется, что вы действительно хотите, оставив позади шумный город, повернуть руль в сторону этого волшебного туннеля и добавить газа?
Но, наверное, будет лучше, если мы, миновав внешние стены, все же вернемся во внутренние интерьеры.
В полной мере преимущества взятия trompe l’oeil можно оценить при отделке помещений с неудачной планировкой — он скроет все дефекты и неровности в стенах, а мрачные длинные коридоры и унылые комнаты без окон может превратить в просторные террасы, залитые солнечным светом.Ведь создание оптических иллюзий в интерьере преследует две основные цели: либо показать то, чего на самом деле нет, либо скрыть то, что существует на самом деле.
В арсенале современных дизайнеров интерьеров главным оружием по-прежнему остается трехмерная роспись и зеркала. Использование последних иногда открывает глазу такие фантастические картины, что в них трудно отличить действительность от мира через зеркало:
Что касается живописи, то «trompe l’oeil» — рисунки, в которых «объем» придается нарисованным объектам — можно создавать на потолках и стенах, создавая целые иллюзорные миры:
и более скромных иллюзий.Например: птица «утонула» на краю кровати,
кошек, выбравших диван …
Все это визуальный обман, рисунки, но очень реалистичные. Первоначальной субтехникой тромплея является создание т. Н. «Падающие» предметы, такие как: наклонные книжные полки, с которых тяжелые книги вот-вот упадут на пол,
или странно однобокий книжный шкаф:
Еще один вариант выполнения trompe l’oeil в интерьере комнаты — это использование специальных фотообоев с объемным рисунком, или, как их еще называют, 3D обоев.Они могут быть обычными или содержать целую панораму. Сегодня сюжеты, материал и выбор фотообоев достаточно широки, что позволяет проводить поистине кардинальные преображения того или иного помещения.
Забавные оптические иллюзии также можно создавать на предметах интерьера. Какие эмоции, например, может вызвать созерцание унитаза, на круг которого кто-то «бросил» кусок ржавой колючей проволоки!
«Что? Тебе понравилось?»
Похоже, что опустить задницу проще не будет и на таком оригинальном диване:
Будь то божественный эротический диван в виде красивых женских губ в зеркальном интерьере…
Trompe l’oeil дает дизайнеру интерьера поистине безграничные просторы для воображения. Начиная с обычного дивана, превращая его тканевую обивку в кожу, с реалистичными складками и потертостями последней, можно шагнуть дальше. На стенах отлично будут смотреться нарисованные драпировки, которые помогут придать комнате роскошный вид и даже позволят обойтись без настоящих штор. Выполненный в аналогичном ключе «trompe l’oeil» позволяет скорректировать геометрию комнаты, выделить необходимые зоны или отдельные предметы мебели и даже добавить пространства, зрительно увеличив площадь.Последнего эффекта можно добиться и с помощью объемных изображений: раскрашенные окна или «отсутствующие» стены, раскрывающие уличные пейзажи, — довольно распространенный прием.
Потолок тоже не игнорируется …
Я просто хочу коротко назвать эту картинку: «Аминь …»:
Для украшения больших помещений можно использовать «висящие» в воздухе кубики, шары, трапеции, картины с объемным изображением криволинейных поверхностей. А для небольших помещений специалисты советуют воздержаться от выбора масштабных композиций, ведь зрителю нужна определенная перспектива, а для ее восприятия требуется определенное расстояние — не менее трех метров.В этом случае можно обойтись мелочами: кухонную скатерть в технике декупаж можно украсить иллюзорными столовыми приборами; шторы — повешенными на них кошками или жирафом, засунувшимся за карниз; мягкая мебель — самые разные предметы домашнего обихода.
Вот что сказано о технике тромплей на сайте http://secondstreet.ru/
«Рисунок на стене, мебели или шторах может заказать художник. Или попробуйте все сделать самостоятельно.Перенесите понравившийся мотив на стену с помощью карандаша и копировальной бумаги, затем раскрасьте акриловыми красками. Реалистичность рисунка достигается за счет тщательной прорисовки, очень важны такие детали, как «тень», отбрасываемая в соответствии с освещением комнаты, а также эффекты «кракелюра» (патины) и «старения». «Мрамор» нужно покрыть трещинами, «дерево» — дырами, проеденными жуками-древоточцами, а «старая оконная рама» — добавить несколько слоев краски … Нарисуйте цветными карандашами перья и волосы животных и птиц.Затем с помощью пульверизатора нанесите финишный лак, чтобы закрепить краски, чтобы готовую картину можно было потом мыть.
Таким образом, можно сделать вывод, что техника trompe l’oeil — один из самых перспективных приемов оформления интерьеров. С его помощью вы можете добиться главного, чего мы хотим добиться при украшении вашего дома — его оригинальности и неповторимости. И эта цель вполне достижима. Ведь границ фантазии нет, а значит, новые идеи тромплея будут заменены уже реализованными.
Плиний пишет о уже известном нам древнегреческом художнике Зевскисе: «Сообщается, что … позже Зевксис нарисовал мальчика, несущего виноград, птицы взлетели к виноградникам, и Зевксис, рассердившись на его картину, обнаружил то же благородство. , заявив: «Я рисовал лучше, чем мальчик, потому что, если бы я рисовал мальчика достаточно хорошо, птицы должны были бы его бояться. «
Конечно, нетрудно предположить, что массовое использование «электронных картинок» вместо привычных фотообоев и зеркал не за горами.
Живописная разгрузка монитора нашего компьютера в виде какой-то плавающей рыбы — разве это не элемент неотромлеи (если, конечно, такой термин существует)?
Кажется, что вышеописанные приемы оформления интерьера тоже должны быть преданы забвению. Но это маловероятно. Магия оптической иллюзии заключается как раз в том, что она создается материальными для себя предметами: зеркалом, краской, холстом, кистью. Можно ли все это оцифровать? Конечно, будут попытки это сделать.Но тогда мы никогда больше не сможем почувствовать прохладную твердость дружеского рукопожатия мистера Тромпли …
«Ой, обмануть меня нетрудно! …
Я сам рад обмануться! «
A.S. Пушкин
Примечание: при обработке материала использовались иллюстрации с различных открытых сетевых ресурсов, в т.ч. с сайта компании
«Ах, обмануть меня нетрудно! ..
Я сам рад обмануться! «
А.Пушкин «Признание»
В истории европейского искусства есть необычные картины, которые стоят особняком и называются «trompe l’oeil» или «trompe-l»; il, «оптическая иллюзия»).
По внешнему виду обманка — это просто натюрморт, но отличить ее от натюрморта несложно, автор обманки слишком явно пытается выдать рукотворный образ (живопись, рисунок, фреска или мозаика) как часть реального мира.
Использование обоих терминов («trompe l’oeil» и «trompe l’oeil») для обозначения картин этого жанра является законным.
Считается, что trompe l’oeil лучше всего рассматривать в оригиналах, поскольку репродукции в журналах и книгах не могут передать всей полноты ощущений.
Это во многом связано с тем, что желаемый эффект «обмана» обычно связан с размером оригинала и расстоянием между изображением и зрителем.
Художественная критика этого жанра почти не замечает, а в «Истории искусства» флейты встречаются с трудом.
Многие тромпели, несмотря на то, что их главной задачей было лишь ввести зрителя в заблуждение, имеют несомненную художественную ценность, особенно заметную в залах музеев, где подобные композиции, конечно, не могут обмануть зрителя, но неизменно вызывают у него искреннее восхищение.
История фальшивых картин восходит к Древней Греции. Легенда гласит, что в VI веке до нашей эры жили два выдающихся художника Зевксис из Гераклеи и Паррасий из Эфеса, которые однажды спорили, кто лучше напишет картину.
Собрался народ, вышли соперники, каждый держал картину под покрывалом.
Зевксис откинул обложку — на картинке была гроздь винограда, такая похожая, что птицы собирались клевать ее. Народ аплодировал. «А теперь отодвинь завесу!» — сказал Зевксис Паррасию.
«Я не могу, — ответил Паррасиус, — покрывало натянуто». Зевксис склонил голову и сказал: «Ты выиграл! Я обманул глаза птиц, а ты обманул глаза художника. «
Распространению этой живописи уже в наше время способствовало изобретение перспективы, светотени, но особенно … масляных красок.
Рецепты их изготовления найдены в книгах XIII века. В начале 15 века великий голландский художник Ян ван Эйк настолько усовершенствовал технологию изготовления красок, что его считают изобретателем масляной живописи.
Он первым добился в своих работах исключительной глубины и богатства цвета, а также тонкости обрезки и цветовых переходов.
После Яна ван Эйка художники смогли создать образ, который легко спутать с дикой природой.
Расцветом тромплетов в Европе стал 17 век, и это касается, в первую очередь, Италии, Голландии, Бельгии, Франции.
Правда, первым европейским trompe l’oeil после античности считается знаменитая картина итальянца Якопо де Барбери «Куропатка и железные перчатки» (1504, Старая пинакотека, Мюнхен), созданная в 16 веке.
В нем уже были все признаки тромплея — виртуозная иллюзорность образа (перья убитой птицы, сверкающий металл рыцарской перчатки), а главное, художник заставляет зрителя задуматься — двухмерный живопись перед собой или трехмерные реальные объекты?
В конце концов, даже нарисованный лист бумаги с подписью мастера настолько реален, что кажется, что он колеблется от нашего дыхания.
Выдающимися создателями фокусов 17 века были ученик Рембрандта, голландец Самуэль ван Хогстратен и флеминг Корнелис Норбертус Гейсбрехт, ставший придворным художником датского короля.
Мастера трюка использовали множество приемов, чтобы заставить зрителя захотеть прикоснуться к объектам на картине.
Они писали полузакрытые шторы, загнутые уголки листов бумаги, создавали иллюзию прикрепленного к стене листа бумаги, молотка в гвозде и так далее.
Скрытые от глаз фрагменты предметов и надписей побуждали человека потянуться, чтобы отодвинуть иллюзорную завесу и увидеть объект или прочитать фразу целиком.
Мастера умело использовали светотень, передали блеск стекла, металла, тщательно закрашивали фактуру предметов, стараясь сделать их ощутимо реальными.
Поскольку тромплеты в принципе делались для того, чтобы ввести зрителя в заблуждение, иногда их не вставляли в кадр, чтобы они выглядели как можно более естественно.
Внимательно рассматривая эти картины, зритель часто «… сам был рад обману», восхищаясь мастерством и грацией их исполнения.
Жанр художественного трюка XVII века оказался тесно связанным с искусством разного уровня, эмоционально сочетая виртуозные, но только любопытные трюки Хугстратена и Гейсбрехта, например, с высочайшим искусством Питера де Хоха и Вермеера Делфтского.
В России самым известным мастером тромплея был художник начала XIX века граф Федор Толстой. Он был почетным членом многих европейских художественных академий.
Сложно даже сказать, какие работы в первую очередь приходят в голову любителю искусства при упоминании его имени, но это были фальшивые картины, которые он часто делал на заказ, в том числе для императриц Марии Федоровны и Елизаветы Алексеевны.
И в этом искусстве Федору Толстому трудно найти равных.
Он столько раз повторил свою знаменитую акварель «Ягоды красной и белой смородины» (1818), что сам художник сказал: «… можно не в шутку сказать, что моя семья ела только смородину ».
Следует также отметить, что усиление иллюзорности, присущее топорам, увеличивая« материальную »реальность, уменьшает пространственную реальность. фиксированная точка зрения.Не случайно идеальным объектом изображения в таком натюрморте считается стена и прикрепленный к ней лист бумаги или столешница с нанесенной акварелью или гравировкой. взгляд зрителя направлен перпендикулярно плоскости рисунка — горизонтально или сверху вниз.
С одной стороны, трэмпли могут показаться данью первобытному натурализму или т.н. «Нехудожественный» иллюзионизм, демонстрирующий мастерство художника и не более того.
Вот просто деревянная доска или дверца шкафа, а на ней узкие полоски кожи, прибитые гвоздиками, старинные печатные буквы, гребень, гусиное перо, нож для ее «заточки», броши, бантики, ножницы.
Эти образы волнуют нас, но в то же время раздражают какой-то «границей» ощущений. Ни картинка, ни реальность для вас.
В самом жанре обмана лежит, как сказал бы М. Булгаков, «разоблачение всякого волшебства», сама картина показывает нам, как искусство обманывает нас.
В данном случае это самый ироничный и в то же время самый виртуозный из жанров европейского искусства.
С другой стороны, обманка выступает в искусстве как определенный этап в развитии фундаментального представления о том, что такое искусство.
Более того, обман как жанр — это не просто сцена, не просто тщательно нарисованные иллюзионистски нарисованные наборы объектов; это тоже воплощено не в словах, а в красках и линиях, познании природы искусства.
Это своего рода попытка ответить на болезненный вопрос вечного диалога художника и зрителя о том, где проходит линия, отделяющая нарисованный мир, то есть мир искусства, от того, что мы условились называть миром искусства. реальность. Собственно говоря, именно этот край и является основным содержанием фейковых картинок.
На первый взгляд простые картины, называемые «trompe l’oeil», вызывают такие непростые размышления, хотя на самом деле речь идет о чуть ли не самом правдивом из всех жанров живописи.
Техника «Тромплей» (правильно — « Trompleuy » от французского « trompe-l» œil — «оптическая иллюзия») издавна использовалась художниками для создания очень интересного декоративного эффекта — иллюзия трехмерного пространства , изображение, которое на самом деле не существует .
Это очень древняя декоративная техника. Некоторые из первых упоминаний о нем встречаются в древнегреческих рукописях. Кроме того, древнеримские художники использовали эту технику для создания оптических иллюзий, чтобы расширить жилое пространство, чтобы небольшая или узкая комната выглядела более просторной или более высокой, чем она была на самом деле.Для этого на стене рисовали trompe l’oeil — светлое окно на глухой стене, дверь или патио (патио). Также техника trompe l’oeil помогла трансформировать различные предметы и превратить их в интересный декоративный объект.
Современные художники также часто используют эту технику, чаще всего на стенах и мебели.
Но есть и более масштабные работы! Такие картины очень необычно смотрятся на стенах домов или на тротуарах.
Возможности использования trompe l’oeil поистине безграничны
Технику trompe l’oeil можно сочетать с традиционным и художественным декупажем и создавать красиво декорированные изделия, даже если вы не являетесь мастером росписи. Конечно, украсить огромную по площади поверхность будет довольно сложно, но вот мебель или стена в комнате нам вполне по силам!
Декупаж в технике trompe l’oeil используется для украшения самых разнообразных предметов и предметов: стен, дверей, мебели, подносов, посуды и т. Д.
Работа сразу в двух техниках — декупаж и тромплей — очень увлекательное занятие. Для работы можно использовать любую бумагу для декупажа: рисовую бумагу для декупажа или классические декупажные открытки с изображениями цветов, предметов, птиц, насекомых. Их нужно просто аккуратно, четко по контуру вырезать, наклеить на поверхность и, используя теневую раскраску, придать рисунку трехмерность, видимость объема. Вы также можете использовать распечатки.
Многие ведущие зарубежные производители также печатают изображения, специально предназначенные для создания «приманок».На них изображены различные канцелярские товары, конверты, кружевные салфетки, украшения, цветочные горшки, полки с книгами или посудой и т. Д. Такие рисунки в стиле декупаж позволяют очень легко работать в технике trompe l’oeil. Ниже показаны образцы из и:
Если вы делаете это на столе или подносе, то достаточно создать фон, наклеить картинки, раскрасить и растушевать тени.
Если вы решили совместить trompe l’oeil с декупажем для декора на вертикальной поверхности (на стене, на стене шкафа и т. Д.), То для того, чтобы коряга выглядела надежно, придется учесть некоторые законы художественной перспективы.
С помощью нескольких иллюстраций мы наглядно покажем , как легко создать трехмерное изображение .
1) На подготовленной для декорирования поверхности отметьте три параллельные горизонтальные линии (рис.1): линия горизонта (A), средний план (B) и передний план (C). Расстояние между линиями зависит от точки зрения наблюдателя, расположение точки обзора зависит от местоположения наблюдателя.
Горизонт всегда должен находиться на уровне глаз наблюдателя. Всегда следует помнить, что чем ниже точка обзора, тем дальше друг от друга проходят линии среднего и переднего плана. По мере того, как точка зрения повышается, расстояние между ними уменьшается.
Теперь определите точку схода (X), где будут соединяться все перспективные лучи.В нашем примере точка схода совпадает с точкой обзора (мы как бы смотрим от правого нижнего угла к левому верхнему).
2) Рассмотрим пример, где нам нужно изобразить комнату или глубокую нишу (рис. 2): две стены и пол (D). Чтобы начать формировать перспективу, нарисуйте линии, соединяющиеся в точке схода (X). Красная линия на рисунке обозначает границу между стеной и полом. Проведите вертикальную линию от точки пересечения этой линии с линией средней плоскости (на картинке она также показана красным цветом).Вы сами выбираете высоту вертикальной балки в зависимости от того, насколько большим будет создаваемое вами трехмерное пространство.
Итак, мы уже построили дальнюю стену комнаты.
Перспективные линии, расположенные на площади пола (отмечены голубым цветом), можно использовать для рисования паркета (паркетных досок). Далее, если вы хотите изобразить на стенах окна, подоконники, то это нужно сделать, обязательно соблюдая заданные стенами координаты. Очень важно, чтобы лучи перспективы всегда попадали в точку схода (X).
3) Если вместо досок на полу вы хотите изобразить плитку, то в этом случае нужно провести дополнительные горизонтальные линии на площади пола. Как это сделать правильно — на рис. 3. Чтобы правильно определить места пересечения этих горизонтальных линий с уже обозначенными лучами перспективы (синие линии), проведите диагональ от точки E (справа внизу) до крайней левой точки. F на среднем уровне.
Теперь — проведите параллельные горизонтальные линии через все точки, полученные в результате пересечения перспективных лучей с диагональной линией EF.Макет плитки готов!
Но следует учитывать, что правильно изобразить плитку для пола довольно сложно, для этого нужно обладать определенным навыком. Поэтому лучше выбрать вариант пола из досок или изобразить покрытие из каменных плиток сложной формы (как в средневековых замках). Это не только поможет создать иллюзию старины, но и скроет ошибки рисования. К тому же очень правильная имитация напольного покрытия может и будет свидетельствовать о профессионализме рисовальщика, но смотреться это будет очень холодно и академично.Такую правильность будет сложно сочетать с элементами декупажа.
Теперь давайте рассмотрим примеры построения трехмерного изображения на любой поверхности.
4) Как и раньше, расположите точку обзора … Если она в центре, то нужно нарисовать три стены и пол (рис. 4а), если сбоку, то две стены и пол (рис. 4б).
5) Теперь закрасьте заднюю стенку , а затем — боковую или одну сторону. Предлагаем в работу, так как они обладают хорошими укрывистыми свойствами и позволяют исправить ошибки на сложных участках рисунка — в углах и на стыках стен.
После того, как краски высохнут, можно нанести еще один слой краски, чтобы скрыть предыдущие шаги работы (нарисованный макет).
Лучший способ рисовать идеально прямые линии — использовать острую круглую кисть.
6) Чтобы картина выглядела более реалистично, рекомендуем подбирать разные оттенки цвета для разных стен. .
На стенах можно дополнительно нарисовать полосы или узоры (если нужно имитировать обои).
7) Приступим к декору пола.Для начала нужно равномерно покрасить его одним слоем краски. Затем карандашом нарисуйте линии пола — доски или плитки (как это сделать — см. Выше).
Затем более темной краской с помощью круглой острой кисти нарисуйте разделительные линии. Совсем не обязательно делать их идеально прямыми и сплошными, даже если у нас старые, изношенные полы). Для реалистичности позвольте каждой плитке или доске отличаться по цвету и однородности от других плиток или досок. Также можно добавить трещины и выбоины, чтобы состарить пол.
8) Далее можно нарисовать окно на боковой стене, соблюдая правила перспективы. … Советуем сначала сделать набросок легким прикосновением грифеля карандаша, а уже потом использовать кисти и акриловые краски.
9) Теперь можно переходить непосредственно к декупажу — вырезанию и оклейке рисунков мебели, цветов в горшках и других предметов интерьера для заполнения трехмерного пространства.
10) В заключение можно добавить различные детали — занавески на сервант, веточки и листья на комнатных растениях, а также тени.
Светотень играет важную роль в создании имитации трехмерного пространства. При рисовании и растушевке теней вокруг объектов (наклеенные аппликации) следует учитывать, что по мере удаления от источника света тени становятся более прозрачными, а по мере приближения — более толстыми. Избегайте рисования четких теней вдали от объекта … Но длинные тени рисовать очень сложно. Если у вас недостаточно опыта, то лучше рисовать размытые тени без четкого контура возле объекта.Такие тени всегда производят более достоверное впечатление, чем просто неверные изображения. При растушевке теней вам очень полезно дать возможность растушевывать их равномерно и делать плавные переходы и смешения цветов.
Перед тем, как приступить к рисованию теней, необходимо продумать вырезанные аппликации. Бывает, что на них уже размечены участки со светотенью и их нужно размещать с учетом направления света.
Чтобы изобразить тени от предметов на столе или полке, вы должны прежде всего решить, с какой стороны будет находиться источник света, и нарисовать тени в противоположном направлении.
Также при склейке приложений не забывайте, что объекты визуально уменьшаются по мере удаления от наблюдателя, а фигуры на переднем плане всегда выглядят крупнее.
11) После высыхания краски осталось покрыть всю работу защитным лаком.
Битва при Ливорно, 14 марта 1653 г., битва во время Первой англо-голландской войны.
Во-первых, картина выглядит знакомой и кажется, что вы видели ее уже много раз.Впечатляющая морская сцена с клубами дыма, поднимающимися из-под парусов. Но подождите минутку. Что, что в правом нижнем углу? Какая-то скомканная записка….
Йохан Клоппер.
Это всего лишь один пример обмана. Тромплей или обманка (фр. Trompe-lœil, «оптическая иллюзия»). Это техника в искусстве, цель которой — создать оптическую иллюзию того, что изображаемый объект находится в трехмерном пространстве, а в действительности нарисованные в двухмерной плоскости …
История искусства полна ими — праздничные столы ломятся от деликатесов, обои манят в фантомный коридор.Что важно для оптического трюка, trompe l’oeil может принимать любые формы и размеры.
Все началось с конфронтации. Однако многие великие изобретения начались с конкурса.
Зевксис и Паррасий спорили, кто лучше красит стену храма. Собрался народ, вышли по два соперника, каждый под одеялом картины. Зевксис откинул крышку — на стене висела гроздь винограда, такая похожая, что птицы собирались клевать ее. Народ аплодировал.
«Теперь отодвинь завесу!» — сказал Зевксис Паррасию.
«Я не могу, — ответил Паррасий, — я нарисовал это». Зевксис склонил голову. «Ты победил! — он сказал. «Я обманул глаз птиц, а ты обманул глаз художника».
И Зевксис, и Паррасий — реальные исторические персонажи.
Занавес был всего лишь иллюзией. Своими трудами Зевксид приобрел не только громкую славу и колоссальное состояние, которые позволили ему вести роскошную жизнь и вызвали у него чрезмерную гордость.
По праздникам и в общественных местах выходил в пурпурных одеждах, расшитых золотыми монограммами художника.
Со временем Зевксис перестал брать деньги и пожертвовал свои работы правителям, храмам и городам, утверждая, что его работы «превосходят любую цену».
Себастьян Соммар
Уго де Ланнуа, Квентин Пуле.
Корнелис Норбертус Гисбрехтс (ок. 1630 — после 1683) — фламандский живописец, мастер натюрморта и техники фокусов.
О жизни художника мало что сохранилось. Гисбрехтс родился в Антверпене, предположительно после 1630 года.
Около 1660 года Гисбрехтс был зачислен в гильдию художников Антверпена Св.Люк.
С 1668 по 1672 год он жил в Копенгагене, будучи придворным художником датских королей Фридриха III и Кристиана V.
Корнелис Норбертус Гисбрехтс
С тех пор художники, граверы и иллюстраторы упивались возможностью обмануть своих зрители с этим умным эффектом играют с перспективой, стирая грань между реальным и фальшивым.
Карл Ховерберг, Ливрусткаммарин. CC BY-SA.
Необычные украшения и сад иллюзий.Есть такой жанр живописи
Тромплей (фр. Trompe-l «œil», «оптическая иллюзия»)
техническое устройство в искусстве, предназначенное для создания оптического
иллюзия, что изображенный объект находится в трехмерном пространстве, а
, хотя на самом деле нарисовано в двухмерной плоскости.
Спасаясь от критики, Пер Боррель дель Касо, 1874 г.
Эта техника использовалась еще в Древней Греции и
Древний Рим. Типичный пример античного trompe l’oeil — настенное изображение окна,
двери или атриум, чтобы создать ложный эффект, будто комната больше, чем она есть
есть.
Одна из популярных древнегреческих историй рассказывает о
спор между известными художниками. Зевксис создал такой реальный и
убедительных снимков, что прилетели птицы и клюнули нарисованный виноград.
Зевскис спросил своего соперника Парразия, может ли он бросить
Занавеска, разорванная на клочья, чтобы оценить это. Но я обнаружил, что это
шторка задернута. Итак, Зевксис ввел птиц в заблуждение, а Паррасий представил
заблуждение Зевксиса.
С пониманием законов итальянской точки зрения
художников позднего кватроченто, таких как Андреа Мантенья и Мелоццо да Форли, начинали
красить стены и своды, в основном фрески, используя законы перспективы.
для создания эффекта увеличения пространства.Этот тип trompe l’oeil известен как di
sotto in sù, сверху далее в переводе с итальянского.
Потолочные фрески Андреа Мантеджаве
Camera degli Spoosi в Палаццо Дукале в Мантуе
_____
Купол иезуитской церкви в Вене работы
Андреа Поццо (1703)
_____
Мраморный бюст с прозрачной вуалью, 20 век,
Музей Бэнкфилда
_____
Оборотная сторона картины, 1670, масло,
холст, Государственный музей искусств, Копенгаген.
_____
Луи Леопольд Бойи (1761-1845), Grappe de raisin
en trompe l «oeil
_____
Эдвард Кольер
_____
Паоло Веронезе, 1560-1561
_____
Антонелло да Мессина, Salvator Mundi, 1465
Техника «Тромплей» (правильно — « Trompleuil » от французского « trompe-l» œil — «оптическая иллюзия») издавна использовалась художниками для создания очень интересного декоративного эффекта — иллюзия трехмерного пространства , изображение, которое на самом деле не существует .
Это очень древняя декоративная техника. Некоторые из первых упоминаний о ней были найдены в древнегреческих рукописях. Также древнеримские художники использовали эту технику для создания оптических иллюзий, чтобы расширить жилое пространство, чтобы небольшая или узкая комната выглядела просторнее или выше, чем была на самом деле. Для этого на стене рисовали trompe l’oeil — светлое окно на глухой стене, дверь или патио (патио). Также техника trompe l’oeil помогла трансформировать различные предметы и превратить их в интересный декоративный объект.
Современные художники также часто используют эту технику, чаще всего на стенах и мебели.
Но есть и более масштабные работы! Такие картины очень необычно смотрятся на стенах домов или на тротуарах.
Возможности использования trompe l’oeil поистине безграничны
Технику trompe l’oeil можно сочетать с традиционным и художественным декупажем и создавать красиво декорированные изделия, даже если вы не являетесь мастером росписи.Конечно, украсить огромную по площади поверхность будет довольно сложно, но вот мебель или стена в комнате нам вполне по силам!
Декупаж в технике trompe l’oeil используется для украшения самых разнообразных предметов и предметов: стен, дверей, мебели, подносов, посуды и т. Д.
Работа сразу в двух техниках — декупаж и тромплей — очень увлекательное занятие. Для работы можно использовать любую бумагу для декупажа: рисовую бумагу для декупажа или классические декупажные открытки с изображениями цветов, предметов, птиц, насекомых.Их нужно просто аккуратно, четко по контуру вырезать, наклеить на поверхность и, раскрашивая тени, придать рисунку трехмерность, видимость объема. Вы также можете использовать распечатки.
Многие ведущие зарубежные производители также печатают изображения, специально предназначенные для создания «приманок». На них изображены различные канцелярские товары, конверты, кружевные салфетки, украшения, цветочные горшки, полки с книгами или посудой и т. Д. Такие рисунки в стиле декупаж позволяют очень легко работать в технике trompe l’oeil.Ниже показаны образцы из и:
Если вы делаете на столе или на подносе, то достаточно создать фон, наклеить картинки, раскрасить и растушевать тени.
Если вы решили совместить trompe l’oeil с декупажем для декора на вертикальной поверхности (на стене, на стене шкафа и т. Д.)), то для того, чтобы загвоздка выглядела надежно, придется учесть некоторые законы художественной перспективы.
С помощью нескольких иллюстраций мы наглядно покажем , как легко создать трехмерное изображение .
1) На подготовленной для декорирования поверхности отметьте три параллельные горизонтальные линии (рис. 1): линию горизонта (A), средний план (B) и передний план (C). Расстояние между линиями зависит от точки зрения наблюдателя, расположение точки обзора зависит от местоположения наблюдателя.
Горизонт всегда должен находиться на уровне глаз наблюдателя. Всегда следует помнить, что чем ниже точка обзора, тем дальше друг от друга проходят линии среднего и переднего плана. По мере того, как точка зрения повышается, расстояние между ними уменьшается.
Теперь определите точку схода (X), где будут соединяться все перспективные лучи. В нашем примере точка схода совпадает с точкой обзора (мы как бы смотрим из правого нижнего угла в сторону левого верхнего).
2) Рассмотрим пример, где нам нужно изобразить комнату или глубокую нишу (рис. 2): две стены и пол (D). Чтобы начать формировать перспективу, нарисуйте линии, соединяющиеся в точке схода (X). Красная линия на рисунке обозначает границу между стеной и полом. Проведите вертикальную линию от точки пересечения этой линии с линией середины (на картинке она также показана красным цветом). Вы сами выбираете высоту вертикального луча в зависимости от того, насколько большим будет трехмерное пространство, которое вы создаете.
Итак, мы уже построили дальнюю стену комнаты.
Перспективные линии, расположенные на площади пола (отмечены голубым цветом), можно использовать для рисования паркета (паркетных досок). Далее, если вы хотите изобразить на стенах окна, подоконники, то это нужно сделать, обязательно соблюдая заданные стенами координаты. Очень важно, чтобы лучи перспективы всегда попадали в точку схода (X).
3) Если вместо досок на полу вы хотите изобразить плитку, то в этом случае необходимо провести дополнительные горизонтальные линии на площади пола.Как это сделать правильно — на рис. 3. Чтобы правильно определить места пересечения этих горизонтальных линий с уже обозначенными лучами перспективы (синие линии), проведите диагональ от точки E (справа внизу) до крайней левой точки. F на среднем уровне.
Теперь — проведите параллельные горизонтальные линии через все точки, полученные в результате пересечения перспективных лучей с диагональной линией EF. Макет плитки готов!
Но следует учитывать, что правильно изобразить плитку для пола довольно сложно, для этого нужно обладать определенным навыком.Поэтому лучше выбрать вариант пола из досок или изобразить покрытие из каменных плиток сложной формы (как в средневековых замках). Это не только поможет создать иллюзию старины, но и скроет ошибки рисования. К тому же очень правильная имитация напольного покрытия может и будет свидетельствовать о профессионализме рисовальщика, но смотреться это будет очень холодно и академично. Такую правильность будет сложно сочетать с элементами декупажа.
Теперь давайте рассмотрим примеры построения трехмерного изображения на любой поверхности.
4) Как и раньше, расположите точку обзора … Если она в центре, то нужно нарисовать три стены и пол (рис. 4а), если сбоку, то две стены и пол (рис. 4б).
5) Теперь закрасьте заднюю стенку , а затем — боковую или одну сторону. Предлагаем в работу, так как они обладают хорошими укрывистыми свойствами и позволяют исправить ошибки на сложных участках рисунка — в углах и на стыках стен.
После высыхания красок можно нанести еще один слой краски, чтобы скрыть предыдущие этапы работы (нарисованный макет).
Для рисования идеально прямых линий лучше всего использовать острую круглую кисть.
6) Чтобы картина выглядела более реалистично, советуем выбирать разные оттенки цвета для разных стен. .
На стенах можно дополнительно нарисовать полосы или узоры (если нужно имитировать обои).
7) Начнем с декора пола. Для начала нужно равномерно покрасить его одним слоем краски. Затем карандашом нарисуйте линии пола — доски или плитки (как это сделать — см. Выше).
Затем более темной краской с помощью круглой острой кисти нарисуйте разделительные линии. Необязательно делать их идеально прямыми и сплошными, даже если у нас старые, изношенные полы). Для реалистичности позвольте каждой плитке или доске отличаться по цвету и однородности от других плиток или досок. Трещины и выбоины также можно покрасить, чтобы состарить пол.
8) Далее можно нарисовать окно на боковой стене, соблюдая правила перспективы. … Советуем сначала сделать набросок легким прикосновением грифеля карандаша, а уже потом использовать кисти и акриловые краски.
9) Теперь можно переходить непосредственно к декупажу — вырезанию и оклейке картинок с изображением мебели, цветов в горшках и других предметов интерьера для заполнения трехмерного пространства.
10) В заключение можно добавить различные детали — занавески на сервант, веточки и листья на комнатных растениях, а также тени.
Светотень играет важную роль в создании имитации трехмерного пространства. При рисовании и растушевке теней вокруг объектов (наклеенные аппликации) следует иметь в виду, что по мере удаления от источника света тени становятся более прозрачными, по мере приближения они становятся более плотными. Избегайте рисования четких теней вдали от объекта … Но длинные тени рисовать очень сложно. Если у вас недостаточно опыта, то лучше рисовать размытые тени без четкого контура возле объекта. Такие тени всегда производят более достоверное впечатление, чем просто неверные изображения. При растушевке теней это очень полезно для вас и дает возможность растушевывать их равномерно и делать плавные переходы и смешения цветов.
Перед тем, как приступить к рисованию теней, необходимо продумать вырезанные аппликации.Бывает, что на них уже размечены участки со светотенью и их нужно размещать с учетом направления света.
Чтобы изобразить тени от предметов на столе или полке, вы должны прежде всего решить, с какой стороны будет находиться источник света, и нарисовать тени в противоположном направлении.
Также при склейке приложений не забывайте, что объекты визуально уменьшаются по мере удаления от наблюдателя, а фигуры на переднем плане всегда выглядят крупнее.
11) После высыхания краски осталось покрыть всю работу защитным лаком.
Тромлей или оптическая иллюзия — техника и направление в современной живописи, основанное на эффектах оптических иллюзий. Цель трюка — создать эффект пространства и объема на плоской поверхности или на нескольких поверхностях, которые складываются в трехмерные изображения под определенным углом обзора.
История развития
Впервые trompe l’oeil использовалось во времена Древнего Рима и Греции.Самая распространенная иллюзия — реалистичное изображение окна, ниши, двери или атриума на плоской поверхности стены. Оптическая иллюзия использовалась для визуального расширения пространства комнаты. Вершина искусства при использовании техники «тромпель» — создание максимально правдоподобной иллюзии. Одним из величайших представителей этой тенденции в Греции был Зевксис. Реалистичная trompe l’oeil на стенах не позволяла усомниться в существовании изображенного объекта даже при близком рассмотрении с близкого расстояния.
Сад иллюзий можно оформить с помощью зеркал и различных техник trompe l’oeil.Посмотрите на фото ниже необычные украшения для сада и убедитесь, что эти приемы доступны каждому. В статье рассматриваются некоторые необычные украшения, позволяющие сформировать неординарный ландшафтный дизайн. Их использование может быть реализовано в различных вариациях.
Как сделать оптическую иллюзию?
Далее давайте посмотрим, как создать оптическую иллюзию в вашем саду, используя различные техники. Обманы использовались в садовом дизайне на протяжении веков. Их изобрели древние греки (они сделали колонны храмов слегка сужающимися кверху, что зрительно прибавило им высоты), также применялись в русских усадьбах — например, на границах владений устанавливали приоткрытую дверь, то издалека изображение будет казаться настоящими живописными полотнами, искусно замаскированными зеленью, с изображенными на них далекими видами с деревней, лугами и пасущимися стадами.
Не стоит относиться к садовому пространству только как к месту тяжелого физического труда, это как раз то место, где можно проявить свои художественные способности. Существует множество хитростей с использованием шпалер, красок и зеркал, с помощью которых можно украсить пространство, не подходящее для выращивания растений.
Техника Тромплея
Оптическая иллюзия, или техника trompe Voeil (фр. Trompe Voeil) — техника в искусстве, цель которой — создать оптическую иллюзию.С помощью этой техники объект, нарисованный в 2D-плоскости, кажется, существует в 3D. Эта техника, зародившаяся в Древнем Риме, успешно применяется до сих пор. Покраска обманкой в саду проводится водорастворимыми пигментами по влажной штукатурке, масляными красками по сухой поверхности, акриловыми красками, матовым или глянцевым лаком, также используются атмосферостойкие краски.
Тромплей — очень интересная и эффективная техника, но при ее использовании необходимо соблюдать определенные условия — для рисования нужна перспектива, между стеной и зрителем должно быть не менее 3 м.Обязательно соблюдайте масштаб рисунка: все изображения должны быть соизмеримы с ростом человека.
Обман в саду — картина, в которой используются особые приемы перспективной живописи, благодаря которым человек, глядя на нее под определенным углом, воспринимает ее как действительность. Чаще всего пишут пейзаж, видимый с заданного места. Изображена также садовая калитка, за которой якобы находится соседний сад; Эффектно смотрится фальш-окно, нарисованное на стене, с настоящим оконным ящиком и настоящими растениями в нем.Конечно, с близкого расстояния видно, что это картина, но чем дальше от рисунка, тем сильнее иллюзия объемности пространства, осязаемости предметов и форм. Обман — это окно в другой мир; он ломает грань между реальностью и фантазией. Trompe l’oeil особенно эффективен в небольших садах, где недостаточно места и особенно ценится возможность его увеличить.
Можно устроить дверь в заборе. Если вы потянете за ручку этой двери или просто посмотрите на нее, вы узнаете «страшную» тайну — она никуда не ведет, это садовая иллюзия, загвоздка.Дверь жестко крепится к забору, возле которого находится площадка для барбекю, и ставится рядом с ней.
Садовые дизайнеры часто советуют скрывать не очень привлекательные стены или заборы декоративными решетками и лианами, но это не единственный вариант, вы можете «замаскировать» забор с помощью панелей. Рисунок на стене или заборе — это не только произведение искусства, но и прекрасная возможность зрительно увеличить пространство и превратить скучную ровную вертикальную поверхность в море или сад, смотрящий в перспективу.
Перечислим наиболее часто используемые методы изменения пространства:
1. Обман зрения с помощью похожих друг на друга предметов
Если посадить два дерева или куста одинакового размера и формы в начале и в конце дорожки, зритель сделает определенный вывод о расстоянии между ними (и, соответственно, о длине дорожки). А теперь представьте, что будет, если дальнее дерево или куст заменить на меньшее, но идентичное по форме.У зрителя будет иллюзия, что расстояние между двумя деревьями или кустами больше, чем есть на самом деле. Таким образом, «играют» не только деревья и вообще, но и шары, вазоны, камни и другие повторяющиеся предметы. Визуально «растянуть» путь поможет следующий прием: вначале сажаем растения с крупными листьями, например, большие хозяева с огромными листьями, а в конце — мелколистные растения, такие же хозяева, например, но среднего или небольшого размера с мелкими листьями, но похожими по цвету.
Окраска работает по тому же принципу: если в начале пути вы сажаете растения с зелеными, желтыми или пестрыми листьями и красными, желтыми и белыми цветами, а вдали растения в голубоватых, зеленовато-серых и серебристых тонах, тогда это расстояние будет казаться больше, чем оно есть на самом деле, из-за того, что создается иллюзия, будто на голубоватые растения наложена воздушная дымка, то есть они расположены достаточно далеко. Грамотное использование таких оптических эффектов буквально раздвигает границы сада.
2. Использование специальных конструкций
Конструкция из деревянных реек, прикрепленных к забору, изображающая арку с туннелем, в центре которого закреплено зеркало, создает иллюзорное ощущение, будто сад продолжается за стеной — нужно просто пройти через арку.
Садовое пространство изменится, если изобразить на заборе фасад дома с объемной крышей наверху. Такое ложное панно сродни театральной декорации; в этом случае фрагмент забора становится садовой розыгрышем, изображая примыкающий к забору дом.Вместо стекла в его окна вставлены зеркала, в которых отражается сад.
Для тех же целей можно использовать деревянную беседку. Если поставить его переднюю часть (фасад) вплотную к забору, а на задней стене нарисовать приоткрытую дверь, как бы ведущую куда-то вдаль, то снова сработает оптическая иллюзия — то, что изображено на картине издалека, будет казаться реальным .
Если вам особенно удачно смотрится уголок сада, вы можете заключить его в достаточно большой деревянный или металлический каркас, например, 2.4х4 м, установлен перед ним. Смотрится очень эффектно и оригинально.
3. Создание ложной перспективы с постепенно сужающимися дорожками
К сожалению, этот метод подходит только для гравийных дорожек. Если использовать этот прием для мощеной, то швы между тротуарной плиткой будут оголять вас. Эффектно дополнить такую дорожку скамейкой уменьшенных размеров или соответствующим вазоном для цветов. Эта техника работает только в одном направлении, на другой стороне дорожки эффект будет противоположным.
4. Заимствованный ландшафт
Суть этого старинного метода — визуальное включение в садовое пространство территорий или элементов, не принадлежащих этому саду. Если рядом с садом есть река, поле или большой луг, вы можете создать впечатление, что они являются частью вашего владения. Эта универсальная техника была изобретена китайцами несколько десятков веков назад. Например, они включили далекую пагоду в садовое пространство как его часть, а не как объект далеко.Сад открылся миру, и далекая гора «вошла в сад». Важным моментом для реализации этой идеи является создание крыльев, в которых можно играть камнями, архитектурными сооружениями, композициями из деревьев и кустарников, с их помощью вы создадите в саду многогранные «театральные декорации».
5. Роспись стен
Хорошо для тех садоводов, которым нравится вдалеке речка, поле или лес, прилегающий к забору, но не расстраивайтесь, а тем, у кого нет ничего интересного за пределами дачного участка, есть способ «подтолкнуть» «такие границы.На свободных стенах построек или на заборе можно изобразить «волшебный пейзаж» атмосферостойкими красками.
Зеркала в ландшафтном дизайне в саду и их фото
Большие зеркала в саду, завершающие парковую аллею, — это старые садовые тромпы, их можно использовать не только для больших, но и для маленьких пространств.
Еще один вариант — закрыть арочный пролет зеркалом. Путь, ведущий к такой псевдо-арке, должен вести к ней под углом, чтобы человек мог видеть свое отражение и разгадывать трюк, только когда он подойдет достаточно близко.Надо хорошо продумать отражение в таком зеркале, там должен отражаться красивый сад, а не угол дома, например. Зеркала прекрасно работают как садовый тромпель с решетками, арками и воротами. Чаще всего тромпель устраивают в конце садовой дорожки, тогда обман раскрывается только тогда, когда зритель приближается к иллюзорному объекту.
Потрясающая садовая картина, «сделанная» с помощью зеркала, также может быть открыта с садовой скамейки.Само зеркало должно быть в тени, наиболее подходящей северной или северо-западной экспозицией. Края зеркала маскируются не только с помощью арки, это можно сделать деревьями и кустарниками или рамой, деревянной или металлической. Иногда к неподвижному забору прикрепляют зеркало, делая это место похожим на арку или калитку и имитируя переход в другую часть сада.
Если какая-то композиция в саду кажется вам особенно привлекательной, можно поставить перед ней большое зеркало в шикарной раме.Композиция отразится в зеркале, и вы получите красивый рисунок, который будет меняться в соответствии с сезонными изменениями в саду.
В дверцы шкафа для хранения садового инвентаря, размещенного рядом с садовой дорожкой, можно вставить зеркала, в «зеркальном» варианте он будет полностью незаметен, вы не увидите двери, а отражается в зеркалах сад.
Зеркала в ландшафтном дизайне могут волшебным образом изменить пространство небольшого сада, но их стоит устанавливать под углом к посетителю, вдруг видеть свое отражение в зеркале перед собой не очень приятно.
Посмотрите на зеркала в саду на фото, это поможет вам развить собственные идеи их использования:
Галерея фотографийЧто нужно для создания trompe l’oeil в саду? Это требует воображения, художественных способностей, знания законов перспективы. Иллюзия создается с помощью двух факторов — угла зрения и игры света. Обман кажется реальностью только с определенного угла зрения, поэтому важно не только придумать и воплотить композицию, но и продумать, как ее преподнести, ограничив угол обзора отвлекающими объектами — статуей, группа кустарников, растений в кадке.Организовывать садовую иллюзию необходимо тщательно, продумывая идею и все детали, иначе получится смешно и даже пошло.
Я хочу затронуть тему изобразительной техники под названием Тромплей ( Trompley (фр. Trompe-l «il,» обман видение «) — технический прием в искусстве, цель которого — создать оптическую иллюзию. что изображаемый объект находится в трехмерном пространстве, а на самом деле он нарисован в двухмерной плоскости.) В последнее время в моду вошло понятие 3D, но кроме самого названия (без учета современных технологий) в принципе ничего не изменилось. Этот прием использовался уже в Древней Греции и Древнем Риме. Типичный пример античного trompe l’oeil — настенная роспись окна, двери или атриума, создающая ложное впечатление, будто комната больше, чем она есть на самом деле.Одна из популярных древнегреческих историй рассказывает о споре между известными художниками. Зевксис создавал настолько реальные и убедительные картины, что прилетали птицы и клевали нарисованный виноград.Зевскис спросил своего соперника Парразия, может ли он сбросить рваную занавеску с картины, чтобы оценить ее. Но я обнаружил, что этот занавес был покрашен. Итак, Зевксис ввел птиц в заблуждение, а Паррасий обманул Зевксиса.
Действительно, не избалованному человеку в средние века эта работа казалась чем-то запредельным и мистическим, поэтому служители культа немедленно взяли ее в свои руки. Многие работы древних мастеров по сей день радуют глаз и поражают воображение. Понимая законы перспективы, итальянские художники позднего кватроченто, такие как Андреа Мантенья и Мелоццо да Форли, начали рисовать стены и своды, в основном фрески, используя законы перспективы, чтобы создать эффект увеличения пространства.Этот тип trompe l’oeil известен как di sotto ins, в переводе с итальянского сверху.
Потолочные фрески Андреа
Мантенья в Камере дельи Спози в Палаццо Дукале в Мантуе
светских интерьеров, в которых исчезает граница между реальным и живописным.
Архитектура, стены и своды, аутентичные и расписные лепные украшения
(фрески в римском стиле). церкви Сан-Франческо в Мондови, 1676-1679, и Сант-Игнацио в Риме, 1685-1699; в Зале Геркулеса во дворце Лихтенштейна в Вене, 1704-1707).Около 1665 года Андреа дель Поццо вступил в орден иезуитов. Генерал — начальник Общества иезуитов Олива, утонченный и высокообразованный человек, любил искусство. Во время его пребывания на посту генерала иезуиты Рима полностью переняли стиль барокко. Он активно поддерживал три великих произведения искусства: завершение церкви Святого Андрея в Квиринале, украшение Гезу и роспись Святого Игнатия. Шедевром его таланта является потолок церкви Святого Игнатия Лойолы в Вечном городе
. Храм освятили в 1662 году, но на возведение купола по приказу иезуитов не хватило денег.Выгоднее оказалось пригласить брата-иезуита Поццо, чтобы он на холсте диаметром 17 метров создал захватывающую дух иллюзию свода несуществующего купола с изображением Апофеоза Святого Игнатия. . В пол чудо-храма вмонтирован белый камень, то есть место, с которого лучше видна иллюзия на подвесном потолке.
| | Один из авторов этого стиля принадлежит Хогстратен Самуэль Ван, голландский художник, ученик Рембрандта.Отказавшись от драматического стиля своего учителя, он увлекся иллюзионистическим воссозданием реальных предметов и пространства в технике живописи. Хугстратен написал | |
Старые картины. Картины известных авторов
Живопись по важности для развития человеческой цивилизации с уверенностью может быть сравнена с изобретением сельского хозяйства, письма или музыки.
После открытия, в 1879 году, на сводах пещеры Альтамира, в Испании, удивительных по своей пластичности и выразительности изображений животных современный мир узнал о наскальных рисунках древних людей. В ходе изучения этого культурного феномена ученые обнаружили множество памятников в разных уголках мира, от Европы до Северной Америки. Уникальные рисунки, изображающие различные виды животных, флоры и фауны, сцены охоты и рыбалки, геометрические формы и узоры, поразительно натуралистичны, с использованием светотеневого моделирования и законов перспективы, а иногда они стилизованы и декоративны в своей интерпретации.
В научных кругах ведутся многочисленные споры и дискуссии о назначении рисунков. Некоторые ученые считают, что рисунки служили частью ритуалов «охотничьей магии» и должны, по представлениям первобытных людей, приносить удачу на охоте.
Существует гипотеза, что геометрические узоры в пещерах были элементами единой системы коммуникации, которую Homo sapiens использовал для хранения и передачи информации: на примитивных картах или в виде памяток для запоминания важных мифов или ритуалов.Существует также удивительная, на первый взгляд, версия, что изображения, которые принято считать сценами охоты, на самом деле представляют собой схемы расположения ярких созвездий во время важных событий, а древние люди уже в каменном веке знали об этом предвкушении. равноденствий. Изображения из пещеры Ласко отражают тот факт, что около 17 тысяч лет назад на Землю упал большой метеорит.
Живопись, как отражение окружающей действительности, сопровождала человека сквозь века.Благодаря сухому климату Египта до нас дошли прекрасные памятники древнеегипетской живописи. Назначение картины и рельефа — увековечить жизнь умершего в загробной жизни. Магические достоинства изображения и живописи во многом зависели от качества картины и, следовательно, от тщательности, с которой они были выполнены, кроме того, качество графики так же важно, как и содержание, содержащееся в их формах. Визуальная система, специфический канон и общий стиль древнеегипетской живописи оказали огромное влияние на развитие мирового искусства.
В тесном контакте с древнеегипетской цивилизацией находилась Крит-микенская, первые центры культуры, которые были открыты Генрихом Шлиманом в Микенах (1876 г.) и Артуром Эвансом на острове Крит (с 1899 г.).
Распространенный в этой культуре культ быка и уникальные дворцовые комплексы сложной архитектуры, украшенные росписями, легли в основу греческих мифов о Минотавре. Главным украшением дворцовых покоев была роспись — наиболее полное и прекрасное выражение критского художественного идеала.Узоры и фигурные изображения на стенах залов обычно располагались до самого потолка; в некоторых комнатах картины покрывали потолок. Самым красивым и ярким был т.н. Тронный зал — культовый зал, расположенный на втором этаже западной части дворца. На его розово-красных стенах художники изобразили грифонов (существ с львиным телом и головой и крыльями орла) среди цветущих лилий.
Критско-микенские картины своими мотивами (сцены охоты на львов, изображения кошек, ловящих птиц) напоминают древнеегипетское искусство.Вероятно, здесь сказались торговые отношения критян-мореплавателей с Египтом. В то же время крито-микенская живопись во многом отличается от египетской монументальной строгостью и симметричностью. Работы критских художников отличаются причудливыми узорами и асимметричными формами. Даже те фрески Кносского дворца, на которых изображено торжественное шествие с жертвенными дарами и культовыми церемониями, отличаются яркостью и яркостью разноцветных красок.
Многие росписи посвящены танцам, застольям, театральным постановкам, детским играм.Совсем не похожие на суровых и величественных египетских сфинксов, грифоны из тронного зала, напоминающие мирных ручных животных, игриво машут хвостами на арене цирка.
В конце XVI в. До н.э. На Крите произошла страшная катастрофа: некогда цветущие города превратились в руины. Скорее всего, причиной стало какое-то стихийное бедствие. Долгое время критские города не могли оправиться от разрушений. В XV в. До н.э. на них напали ахейские племена, которые окончательно уничтожили цивилизацию Крита.
К сожалению, история живописи древних классиков, греков и римлян (с V века до нашей эры), кажется сплошной загадкой. До нашего времени не дошла ни одна картина в полном смысле этого слова. Известно, что греки ценили и почитали своих художников, среди которых были Аполлодор, Зевксис, Полигнот, Паррасий, Апеллес и другие. Аполлодор и Зевксис занимались станковой живописью. Созданные ими картины украшали жилища горожан или хранились в специальных помещениях — пинакотеке.Современники восхищались умением живописцев реалистично и убедительно рисовать с натуры и тонко передавать душевное состояние моделей. Уже в те далекие времена художники умели мастерски применять светотени, использовать иллюзию, добиваясь абсолютного сходства с предметом изображения. Древние источники говорят, что Зевксис настолько достоверно написал гроздь винограда, что птицы пытались ее клевать.
В Древнем Риме живопись ценилась намного больше, чем скульптура.Римские дворцы, общественные здания, амфитеатры украшали скульптуры, настенные росписи, мозаики и картины. Из уцелевших памятников до нас дошли фрески из Помпеи, где мы видим изображенные в ярких красках бытовые сцены, натюрморты и мифологические сюжеты, в которых появлялись боги и герои. Свободная пластика фигур, естественно расположенных в окружающем пространстве или точно связанных с плоскостью стены, яркие красочные сочетания, многогранность композиционного построения — характерные черты древнеримской живописи.
После упадка Римской империи развитие живописи стало неразрывно связано с силой распространения христианства. Становление христианства как философской и религиозной системы было сложным и длительным процессом. На смену непримиримости христианства со всем, что несло клеймо язычества, пришел компромисс между христианским и античным мировоззрением. Первые картины в катакомбах отражают переход от эллинистического художественного натурализма (методов иллюзионистической передачи изображаемого) к все более обобщенным и менее натуралистическим формам.Стилистически между языческими и христианскими фресками много общего, но по сравнению с помпейской живописью, со светской живописью, украшающей жилища, это деревенские, небрежные, часто почти непрофессиональные зарисовки. Однако они связаны с шедеврами римской живописи общей манерой — легкостью контура, неискоренимой памятью о законах анатомии человека, свободой позы, жеста и поворота фигуры.
Христианство принесло с собой формирование религиозной живописи — иконописи.В узком смысле, принятом в истории искусства, иконами принято называть изображения, выполненные в рамках восточно-христианской традиции на твердой поверхности (в основном на липовой доске, покрытой левкасом) и снабженные специальными надписями и знаками. Предание относит создание первых икон к апостольским временам и связано с именем евангелиста Луки. Самые старые дошедшие до нас иконы (не считая фресковой росписи в катакомбах) относятся к VI веку и выполнены в технике энкаустики на деревянной основе.
Средние века создали культуру, отличную от древней.
Это время господства монотеистической христианской религии в Византии и Западной Европе. Византия оставалась единственным хранителем эллинистических культурных традиций, вбирая в себя традиции искусства Египта, Сирии, Ирана. Искусство Византии находилось под влиянием восточных культов, мистических учений, христианской символики и, оставаясь антропоморфным, давно утратило ясность и целостность классического мировосприятия.Блеск и великолепие, золото и мрамор, блеск и сияние — все оказалось уместным как символ духовного блаженства. Особенно примечательны византийские мозаики — наиболее характерное творение византийского гения. Техника мозаики сложна и требует большого искусства. Различные кубики смальты, из которых изображения выкладываются на стене, мерцают, вспыхивают, мерцают, отражая свет. Удивительные по своему значению, созданные при отсутствии единого строгого канона, мозаики Собора Святой Софии и Равенны представляют собой сцены из истории Нового Завета, образы апостолов и раннехристианских святых.
Византийское искусство распространилось с христианством за пределы империи, в древних русских городах — Киеве, Новгороде, Твери, Пскове и Москве, где оно стало основным типом русской средневековой живописи и стимулировало появление многочисленных центров художественного мастерства. Высшей точкой в развитии византийской традиции на Руси является творчество Феофана Грека, Андрея Рублева и Дионисия. Их работы отличает благородство формы, торжественная и возвышенная ритмичность, изысканность цветовой гаммы.
Начиная с 11 века в Европе восторжествовал романский стиль, который позже уступил место готике. Романская живопись отличается формальностью стиля, лишенного натурализма и гуманизма. Сюжетные программы настенных росписей, где доминирует повествовательный принцип, строились на идее непримиримой борьбы божественного блага и греховности человека как выражения дьявольского зла, нерушимости установленного Богом мирового порядка, который управляет Страшный суд в конце времен.
В целом романское искусство отражает рост политической и экономической стабильности в Европе. Высокие налоги и введение церковной десятины давали средства на строительство новых церквей и их украшение статуями, фресками, картинами, что, в свою очередь, привлекало в церковь все больше и больше горожан и тем самым увеличивало прибыль церковных учреждений.
Религиозное по форме, готическое искусство более чувствительно, чем романское, к жизни, природе и человеку. Он включает в себя весь объем средневековых знаний, сложных и противоречивых идей и переживаний.В мечтательности и волнении образов готики, в патетическом подъеме духовных порывов, в неутомимых поисках ее мастеров ощущаются новые веяния — пробуждение разума и чувств, страстное стремление к прекрасному. В средние века византийский иконографический стиль отождествлялся с эстетикой раннехристианской живописи. Указ папы и папская курия предписывали, чтобы этот стиль, как по форме, так и по содержанию, считался единственно приемлемым для религиозного искусства.Художники Италии, Франции и Северной Европы нашли различные способы выйти за рамки византийского стиля. Они стремились решить задачу реалистичного пространственного изображения предметов, соединить все элементы картины в единое целое, как бы собирая пространство из разрозненных изображений, объединяя их в сцену. Эта особенность характерна для таких мастеров живописи, как Чимабуэ, Дуччо, Фра Анджелико, Джотто, Анри Белшоз, Мартини Симоне.
Возросшая духовность готического искусства, растущий интерес к человеческим чувствам, к красоте реального мира подготовили расцвет искусства Возрождения.Италия считается родиной Возрождения, потому что именно Италия на западноевропейском пространстве является прямым наследником античной культуры. Проторенессанс, с его повышенной секулярностью по сравнению с прошлыми традициями в живописи, времен Дюшенто (1200-е годы) и Треченто (1300-е годы) проложил путь новому гуманизму. В эту эпоху возник интерес к человеку как к сознательной и думающей личности. Это время перехода от мастера к художнику-творцу, от безымянного мастера к автору.Человек становится подобным Богу, он творец на земле, он высшее существо, созданное высшим.
Эпоха Возрождения преобразила изобразительное искусство, наполнив его живописной телесностью и земным объемом. Художники научились в полной мере использовать контрасты света и тени как средство моделирования объемов и создания художественного образа. Еще одна находка эпохи Возрождения — прямая и линейная перспектива. Художники кватроченто демонстрируют свое мастерство владения и знания перспективы.
Для средневекового человека небо имело особую привлекательность; Для человека эпохи Возрождения горизонт и пейзаж имеют такую привлекательность. С помощью научных знаний, геометрии и математики художники создают идеальный мир, не просто имитируя природу, но преображая ее. В начале 15 века Филиппо Брунеллески, флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получить идеальные изображения трехмерного пространства на плоском полотне картины.Пьеро делла Франческа — еще один мастер, которого по праву называют «отцом» линейной перспективы. Он пишет трактат «О перспективе в живописи», где учение о перспективе выводит на теоретический и практический уровень. И, конечно же, один из самых известных деятелей Возрождения Леонардо да Винчи не оставил без внимания этот вопрос и написал работу «О живописи и перспективе», в которой полемизировал со своими предшественниками, выделив три типа перспективы: линейную. , воздушно и живописно.
Эпоха Возрождения открывает новые сюжеты и жанры, древняя мифология переплетается с христианством, трактовки образов становятся неоднозначными. Портрет широко разработан и переходит от профиля к изображению анфас, раскрывая характер и внутренний мир изображаемого человека. Происходит формирование пейзажа как жанра, как фонового изображения в портретах и религиозных картинах, ему придается все большее значение.
За произведения выдающихся мастеров Возрождения — Рафаэля, Микеланджело, Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли, Мазаччо, Филиппо Липли, А.дель Кастаньо, П. Уччелло, Фра Анджелико, Д. Гирландайо, А. Поллайоло, Верроккьо, Пьеро делла Франчески, Андреа Мантелла, Пьетро Перуджино, Джорджоне, Тициан характеризуются чувством гармоничного устройства мира, апелляцией к этическим нормам. и гражданские идеалы гуманизма, радостное восприятие красоты и разнообразия реального мира, любовь к повествованию и смелая игра художественной фантазии.
В произведениях мастеров Высокого Возрождения Джорджоне, Тициана, Веронезе и Тинторетто словно воплощены праздничность и светящаяся мягкость Венеции.Кажется, что они несут световую энергию. Цвет на их полотнах состоит из множества оттенков, при этом кажется прозрачным.
Итальянское искусство эпохи Возрождения оказало сильное влияние на соседние страны — Нидерланды, Францию, Германию.
Творчество голландских художников, перенявших достижения мастеров итальянского Возрождения, в свою очередь оказало влияние на итальянцев. Усовершенствованная выдающимся художником Яном ван Эйком техника масляной живописи, называемая фламандской манерой, широко распространилась по всей Европе.
Особенностью фламандского возрождения было умышленное искажение действительности и создание гротескных образов. Также для живописи северных стран характерны архаичность, религиозность, символизм — их искусство меньше связано с древностью.
Критика пороков общества, демонстрация негативных эпизодов жизни — отличительная черта нравоучительного художника Иеронима Босха.
В творчестве Питера Брейгеля мы видим противостояние добра и зла, проявление скрытого смысла явлений, безумие и бессмысленность человеческого существования.Религиозные сюжеты переплетаются с бытовыми.
Великие мастера Северного Возрождения, как и гениальные итальянцы — Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, относились к искусству как к средству познания мира. Ян ван Эйк, Альбрехт Дюрер, Лукас Кранах, Ганс Гольбейн не вернулись к античности «напрямую», как это сделали итальянские мастера, а пересмотрели каноны прошлого века. Это был новый путь духовного, спиритуалистического и мистического искусства.
Религиозные тенденции и перемены, бушевавшие в то время, проявились в творчестве этих мастеров.Реформация, ставшая «свежей кровью» в застойном католическом болоте, прежде всего повлияла на создание новых христианских образов в живописи.
В конце XV века испанская реконкиста закончилась, и Испания после открытия Америки Колумбом в 1492 году стала не только свободным и единым, но и самым богатым государством. Власть королей требовала своего прославления в живописных образах. Так называемый золотой век испанской живописи начинается с творчества Эль Греко. Его картина представляет собой совершенно оригинальную эмоционально-художественную систему, возвращающую зрителя в готический мир.
Во второй половине XVI века небольшие итальянские города-государства пережили глубокий кризис. В Европе нарастала волна религиозных преобразований. Италия, где находился папский престол, укрепляла католицизм, противопоставляла гуманистическому развитию общества его ориентацию на древнюю, а значит, и на языческую, дохристианскую классику. В искусстве возникает маньеризм, плавно переходящий в барокко. Слово «барокко», что в переводе означает «причудливый», стало обозначением основного стиля XVII века.В творениях мастеров этого направления внимание открыто к бытовым народным сюжетам и персонажам. Расширяется круг сюжетов — помимо картин на религиозно-мифологические темы, есть сцены из кабачков, музыкантов, гадалок. Натюрморт становится самостоятельным жанром. Микеланджело да Караваджо был одним из мастеров барокко.
Традиционные религиозные сюжеты получили от художника совершенно новую, интимную психологическую интерпретацию. Художник внес большой вклад в становление жанра повседневной жизни.Свет в его работах освещает основные части композиции и подчиняется не законам оптики, а только воле художника. Светотень — яркие вспышки и глубокая тьма — придает драматизм каждой его сцене. Последователи и подражатели Караваджо, которых сначала называли караваджистами, переняли буйство чувств и характерную манеру Караваджо, а также его натурализм в изображении людей и событий. Болонский академизм, противоположный каравагизму, был представлен Аннибале Карраччи и Гвидо Рени.Прославилась и венецианская школа, где большой популярностью стал жанр веды, городского пейзажа. Самый известный автор таких произведений — Д. А. Каналетто.
Фламандский художник Питер Пауль Рубенс считался самым известным художником в Европе XVII века. В антверпенскую мастерскую Рубенса, придворного художника правителей католических Нидерландов, испанской инфанты Изабеллы и эрцгерцога Альберта, поступали заказы со всей Европы — из Англии, Испании, Италии и Франции.Рубенс в разных жанрах писал церковные и мифологические композиции, портреты, декоративные и аллегорические панно, сцены охоты и пейзажи. Прославление красоты и радость жизни сделало Рубенса любимым художником современников.
Стиль барокко в Испании воплотился в более жестком, строгом воплощении, воплощенном в творчестве таких мастеров, как Диего Веласкес, Хосе Рибера и Франсиско де Сурбаран, Бартоломе Эстебан Мурильо. Это время называют «золотым веком» испанской живописи.
Искусство Испании отличается декоративностью, капризностью, изысканностью форм, дуализмом идеального и настоящего, телесного и аскетичного, нагромождения и алчности, возвышенного и смешного.
В начале 17 века была провозглашена независимость Нидерландов от испанской короны. Следуя своей вере — кальвинизму, голландцы не украшали церкви. Основными в голландском искусстве были жанровые картины не религиозного характера, а наполненные бытовым, бытовым содержанием.Очень популярные натюрморт и пейзаж быстро превратились в отдельные жанры. Голландские художники разработали блестящую технику передачи эффекта скольжения света по поверхности различной фактуры.
Искусство Рембрандта ван Рейна стоит особняком во всем мировом искусстве. Огромное универсальное значение его творчества неоспоримо. В отличие от большинства голландских художников, Рембрандт продолжает интересоваться мифологическими и библейскими темами. Именно они позволили мастеру вознести обыденность до вершин легенд.Рембрандт удивительно передает свет. Его магическое поле окутывает фигуры и лица золотым нимбом. Сияющее сияние мягко передает объем, рельефность толстых мазков наложена на прозрачные поверхности. Трансформируя и поэтизируя мир, художник раскрывает его скрытые глубины.
Во Франции королевский двор настолько повлиял на развитие культуры страны, что даже доминирующие стили были названы в честь правителей: «Стиль Людовика XIII», «Стиль Людовика XIV», «Стиль Людовика XV», » Стиль Людовика XVI ».
Древнее искусство оказало решающее влияние на его творчество. Его героям присущи благородные чувства, они идеально красивы, их жесты сдержаны, скульптурно величественны. Композиции строго выверены по законам геометрии. Однако, опираясь на принципы рационализма, классицизм Пуссена, прежде всего, руководствовался высокими духовными идеалами.
Стиль классицизма развивается во Франции с 17 века. Термин происходит от латинского слова classicus, что означает «образцовый».Классики отвергли эстетику барокко с ее хаосом и экспрессией. Их искусство холодно и рационально. Для художников-классицистов разум преобладает над чувствами, строгий идеал противопоставляется причудливости форм барокко. Классицизм и барокко долгое время существовали бок о бок, представляя два полюса европейского искусства.
Для классицистской традиции характерно разделение жанров на высокие и низкие. Этот принцип соблюдался в живописи, литературе и драматургии. К высоким жанрам относились исторический, мифологический и религиозный.В таких рассказах часто звучат героические мотивы, которые можно сравнить с одой писателей и трагедией драматургов. Натюрморт, пейзаж и портрет относились к категории невысоких. Такие сюжеты считались менее значимыми, бытовыми.
Восемнадцатый век был апофеозом конца эпохи феодализма и перехода к капиталистическому обществу. В это время изменения ощущались особенно ярко. Преобразования произошли во всех сферах жизни — политической, общественной, социальной.В обществе происходили глобальные изменения. Появились политические партии и периодические издания. Возрос интерес к науке — географии, археологии, истории, экономике, техническим дисциплинам. Все это не могло не сказаться на особенностях живописи того времени. Интерес к проблеме «личность — общество» по-прежнему оставался на первом плане.
Художники передали свое видение мира через изображение повседневных сцен, типичных ситуаций, повседневных образов.
Доминирующими стилями того времени были: барокко, впоследствии перешедшее в рококо, классицизм и реализм.Рококо и барокко были отражением выбора аристократии. Отсюда пышность, пышность и красочность, которые так часто критиковали представители прогрессивных масс. Антуан Ватто, Франсуа Буше, Оноре Фрагонар изображают мир, наполненный «поэзией удовольствия», игрой и очарованием.
Композиции картин в стиле рококо напоминают театральные сцены, герои танцуют, играют музыку, отдыхают, гуляют в парке. Завидные сцены беззаботной жизни.
Реализм был олицетворением идеалов низов — купцов, ремесленников, крестьян.Именно в этой части общества сильнее всего ощущались настроения того времени. Художники-реалисты стремились изобразить жизнь без прикрас, но для этого использовали аллегорические сюжеты — мифы, басни, легенды.
Они высмеивали высокомерие знати и лицемерие буржуазии. Величайшее достижение реализма в живописи — творчество Жана Батиста Шардена. Он практически игнорировал моду на изящные сюжеты и парадные портреты. Он был художником третьего сословия.Но в результате его работа была вне времени. Невольно задумываешься, сколько любви к окружающему миру читается в его картинах. Похоже, Шарден восхищался буквально всем, что видел вокруг.
Непревзойденным мастером городского пейзажа — ведута, который стал особенно популярным в 18 веке, был Каналетто. Ему замечательно удалось передать сложное пространство Венеции, волшебные переливы света, отражающиеся в водах каналов, и великолепие архитектуры, то сверкающей от солнечных лучей, то погруженной в таинственную тень.
А во второй половине 18 века, благодаря обнаружению фресок при раскопках Помпеи, началась эпоха неоклассицизма. Стиль обрел новое дыхание, и главным его представителем стал Жак-Луи Давид с его лаконичными полотнами, полными трагедии и героизма. Об этом художнике говорили, что он «предвосхищал французскую революцию» своими полотнами. В его творчестве прославились мужество и долг истинных граждан и патриотов.
Русское искусство шло своим изолированным путем развития.Реформы Петра Великого, стремившегося сделать Россию европейским государством, оказали сильное влияние на развитие русской культуры. Растущее российское государство нуждалось в живописи «героическое и возвышенное», поэтому основное внимание уделялось историческому жанру. Однако огромный интерес к новым персонажам, личности сделал портрет ведущим жанром в русском искусстве XVIII века. Выдающимися мастерами этого жанра были Иван Никитин, Андрей Матвеев, Иван Вишняков, Алексей Антропов, Иван Аргунов и Федор Рокотов, Владимир Боровиковский, Дмитрий Левицкий и Антон Лосенко.Прелесть их полотен заключается в точности передачи индивидуальных черт персонажей с проникновением в их тонкие и сложные эмоциональные переживания. Жанр портрета был также широко развит в Англии, которая переживала эпоху необычайного экономического подъема. Он показывает влияние рококо и романтизма, традиции голландской живописи и сентиментализма. Видными представителями портретного искусства Англии были Джошуа Рейнольдс и Томас Гейнсборо.
Девятнадцатый век с идеями либерализма и социализма открыл ценность уникальной человеческой личности.И живопись стала искать интимные связи с человеческой душой. Художественные направления 19 века — классицизм, романтизм, академизм, реализм, импрессионизм, символизм и другие, каждое по-своему, искали способы понять смысл жизни человека, его место во Вселенной, искали новые методы. отражения действительности и новые способы воздействия на человека.
Зародившись в 18 веке, классицизм продолжал развиваться, в то время как в разных странах его развитие имело индивидуальные особенности.Художники этого направления снова обращаются к изображениям античности. Однако через классические сюжеты они пытаются выразить революционные настроения — стремление к свободе, патриотизму, гармонии между человеком и обществом.
Отшвырнувший от классицизма романтизм — емкое направление, нашедшее отражение в искусстве многих стран. Его смысл — возвеличивать революционную борьбу, создавать новые каноны красоты, раскрашивать картины не только кистью, но и сердцем. Во главу угла ставится эмоциональность.Для романтизма характерно введение аллегорических образов в вполне реальный сюжет, искусная игра светотени. Представителями этого направления были испанец Франсиско Гойя, немец Каспар Давид Фридрих, француз Антуан-Жан Гро, Теодор Жерико, Эжен Делакруа, британец Уильям Тернер. В России к романтике относят произведения Карла Брюллова, Ореста Кипренского, Василия Тропинина и Айвазовского.
Интересным явлением XIX века стало появление ассоциаций, протестующих против академизма.«Назаряне, или Союз Святого Луки» — группа немецких и австрийских мастеров, стремившихся возродить религиозную наивность искусства Средневековья и Раннего Возрождения, противопоставив ее «академической живописи» культуры. Высокого Возрождения.Как и назареи, члены прерафаэлитского объединения английских художников видели свой идеал нравственности и духовности в патриархальном средневековье, чьи работы, в свою очередь, повлияли на развитие стиля модерн.
Другой Творческим объединением, повлиявшим на развитие мирового искусства, стала Барбизонская школа.Пейзажисты Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Жюль Дюпре и другие близкие по своему творчеству художники создавали национальный реалистический пейзаж своей Родины с бытовыми мотивами с участием простых людей, занятых трудом. Характерной техникой барбизонской школы, предвосхищающей импрессионизм, было создание этюда на открытом воздухе с последующим окончательным завершением работы в мастерской.
Испанский художник Франсиско Гойя, отразивший в своих работах беспрецедентную жестокость войны между армией Наполеона и испанцами, оказал серьезное влияние на развитие европейской живописи и ее создания.
% PDF-1.6 % 1 0 объект > эндобдж 5 0 obj > эндобдж 2 0 obj > ручей 2016-05-12T10: 30: 48 + 02: 002016-05-12T10: 30: 23 + 02: 002016-05-12T10: 30: 48 + 02: 00Adobe Acrobat Pro 10.0.0application / pdfuuid: 93ec5947-228d-48e1 -901b-ec6ea583d36buuid: 82d3ebda-2271-4fe5-b9ad-3aac1b04ed90 Adobe Acrobat Pro 10.0.0 конечный поток эндобдж 3 0 obj > эндобдж 4 0 obj > эндобдж 6 0 obj > / XObject> >> / Аннотации [18 0 R] / Родитель 3 0 R / MediaBox [0 0 595 842] >> эндобдж 7 0 объект > / Шрифт> >> / Повернуть 0 / StructParents 0 / Тип / Страница >> эндобдж 8 0 объект > / Шрифт> >> / Повернуть 0 / StructParents 1 / Тип / Страница >> эндобдж 9 0 объект > / Шрифт> >> / Повернуть 0 / StructParents 2 / Тип / Страница >> эндобдж 10 0 obj > / Шрифт> >> / Повернуть 0 / StructParents 3 / Тип / Страница >> эндобдж 11 0 объект > / Шрифт> >> / Повернуть 0 / StructParents 4 / Тип / Страница >> эндобдж 12 0 объект > эндобдж 13 0 объект > эндобдж 14 0 объект > эндобдж 15 0 объект > ручей xWMoF] 7X (IcX% Z8 @ стр./?
Тщеславие искусств и наук Генри Корнелиуса Агриппы, рыцаря …
CHAP. XXIV.
Живопись.
Живопись — прекрасное искусство, имитирующее формы естественных вещей, точным описанием черты лица и удачный выбор цветов. Это было когда-то в таком почете, что заведующий всеми либеральными науками. Не менее либеральный чем Поэзия, по мнению Горация.
—Художники и поэты имеют свободный отпуск
С равной властью осмеливаться и обманывать.
Ибо Живопись есть не что иное, как немая Поэзия и Поэзия. говорящая картинка; так близки они к каждому другое: как Поэты, Художники изображают Истории и Фабрики, и представления всех вещей; выражая и изображая свет, великолепие, тени, высоту и глубину. Более того, он заимствует у Opticks, чтобы обмануть достопримечательность; и на одной картинке, когда ситуация меняется, для представления различных форм прицелу: и что Скульптура не может достигнуть, это достигает: он представляет в живые цвета, огонь, лучи, свет, гром, молния, вечер, утро, рассвет, тучи, людские страсти, чувства Разума и даже почти Сам Голос; и Стр.70 путем фальсификации мер и размеров делает эти кажутся вещи, которых нет; и те вещи которых нет, чтобы казаться таковыми.Как рассказывается о Зевксисе и Парразий, Художники, которые боролись за превосходство, первый показал нарисованный виноград, так что Птицы прилетели, чтобы поесть ими. Другой показывал Покрывало только окрашенное; что делалось так редко, что когда Первый пошел отложить это, чтобы он мог увидеть мастерство, которое было под, и нашел его Ошибка, он был вынужден уступить Победу Латэтеру: тогда как он обманул только Птиц, но Паррасий художник. И Плиний сообщает, что в По пьесам Клавдия была такая прекрасная живопись, что Вороны прилетели к представлению Плитки, ошибочно принимающие их за верхушки домов.И тот же Плиний рассказывает, как это было найдено опытом, что пение птиц было ограничено вид нарисованного Дракона. Кроме того, это всегда приписывается живописи, что во всех ее произведениях нужно понять и оценить больше, чем быть увиденным, как старательно выяснил Плутарх в своей Иконки; так что хотя Искусство было необычным, но все же его изобретательность превышает искусство.Мужчина с трубкой и книгой (автопортрет) Геррита (Джерарда) Доу: история, анализ и факты
Эта фотография DOE в различных источниках имеет альтернативные названия — «Человек с трубкой и книгой» (Национальная галерея искусств в Вашингтоне) или «Мужчина курит трубку» (Рейксмузеум, Амстердам).И хотя ни в одном из них официально нет никаких указаний на то, что художник изобразил себя, описание на сайте Rijksmuseum отображает панно, содержащее слова Zelfportret van Gerard Dou (автопортрет Жерара Доу).«Человек с трубкой» — редкий образец тромпеля или «оптической иллюзии» (фр. Trompe-l’œil «иллюзия») в творчестве живописца. Традиционно художники использовали trompe l’oeil, «прилипая» к изображению витой этикетки (cartellino), на которой он ставил свою подпись.Здесь обманчивый эффект создает занавес, который в Нидерландах в XVII веке защищал картины от света и пыли. Он переместился вправо и показывает зрителю образ курящего у окна человека. Немаловажную роль в иллюзии играет изысканная техника Доу, создавшего почти осязаемые тонко затененные ткани, кольца и карниз. Человек, тень которого падает на каменное окно, кажется настоящим, как книга, лежащая на подоконнике. Но их «реальность» противоречит тонкой черной рамке, окружающей изображение.
Большинство иллюзорных панно Доу невелико по размеру, и зритель не сомневается, что он видит загвоздку. Здесь оптический эффект создает ощущение реальности как «картинка в картинке» — объект этой работы может быть любого размера.
Одно из самых популярных описаний тромблея, найденное в «Естественной истории» римского автора Плиния Старшего. Он говорит о соревновании двух художников — греков сексизма и парижан. Сначала написал такой реалистичный виноград, что птицы пытались его заклевать.В ответ на второй оппонент предложил приподнять занавеску, скрывающую его картину. Оказалось, что ткань красилась. «Сикис обманул птиц, а Паризи обманула Севчика», — заявил проигравший, признав свое поражение.
Не исключено, что занавес на переднем плане картины ДОЭ — искусный и нарочитый намек на сюжет.
