Хогарт Уильям (William Hogarth) (1697–1764) Лист № 11 из серии … | Аукционы

Хогарт Уильям (William Hogarth) (1697–1764) Лист № 11 из серии «Прилежание и леность (Industry and Idleness)». 1747.

Бумага, резец, 29×42,8 см (лист), 27×40,3 см (оттиск).

Над изображением выгравировано название: «The IDLE ’PRENTICE Executed at Tyburn.», под изображением гравированные надписи: «Design’d & Engrav’d by Wm: Hogarth Rublish’d according to Act of Parliamt. Sep.30.1747». В правом нижнем углу листа владельческая печать.

Сохранность: небольшие повреждения кромок.

Английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков. Родился в семье бедного учителя латыни. В 1713 году Хогарт, не окончив начальную школу, стал учеником у гравёра по серебру Эллиса Гэмбла, где получил навыки гравировки, работы с металлом и познакомился со стилем рококо. В 1720 году открыл собственную небольшую граверную мастерскую. С 1724 года стал посещать школу живописи и рисунка, основанную в доме придворного художника Джеймса Торнхилла. В 1720–1730 годы Хогарт овладевает искусством книжной иллюстрации. В конце 1720-х годов написал ряд групповых портретов английских семей, так называемые «разговорные портреты». В 1730–1731 годах Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки». Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Следующая серия гравюр — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 году, а в 1745 году появился знаменитый цикл «Модный брак». Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747), «Четыре стадии жестокости» (1751) и «Выборы» (4 гравюры, 1755–1758). Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд исторических картин. В 1757 году Георг II назначил Хогарта главным живописцем; в этой должности он стал преемником своего учителя и тестя Джеймса Торнхилла. Уильям Хогарт наблюдал жизнь людей разного материального достатка, принадлежавших ко всем слоям общества; он был не только талантливым портретистом, но и моралистом, и сатириком. Работы художника актуальны по сей день.

Английский художник Уильям Хогарт: vakin — LiveJournal

Уи́льям Хо́гарт (англ. William Hogarth; 10 ноября 1697, Лондон — 26 октября 1764, Лондон) — английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.

1724 William Hogarth Jean-Francois de Troy La Declaration d’Amour Huile sur Toile 64,8×54,6 cm Williams College Museum of Art

Учился в Хёгле у гравера Э.Геймбла. С 1720 г. посещал занятия в Академии Джеймса Торнхилла, в том же году начал самостоятельно работать как профессиональный художник. Первыми работами Хогарта были книжные иллюстрации, в том числе к сатирической поэме Сэмюэла Батлера «Гудибрас» (1726). Двумя годами позже начал писать маслом групповые портреты небольшого формата и с тех пор постоянно занимался как живописью, так и гравюрой.

В 1730—1731 гг. Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки». Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Неизвестно, была ли его модель, написанная на серии картин) вымышленной или реально существовала. Мы видим на этих картинах ярко накрашенную молодую женщину. Сквозь белила, румяна и помаду просвечивает трагическая судьба человека, вынужденного работать в столь непрезентабельной профессии. В то время посетитель публичного дома мог получить любую женщину, заплатив всего шиллинг.

Следующая серия гравюр — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 г., а в 1745 г. появился знаменитый цикл «Модный брак». Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747), «Четыре стадии жестокости» (1751) и «Выборы» (4 гравюры, 1755—1758). Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд исторических картин. В 1753 г. вышел в свет его трактат «Анализ красоты». В 1757 г. Георг II назначил Хогарта главным живописцем; в этой должности он стал преемником Джеймса Торнхилла. В 1764 художник выпустил свою последнюю гравюру «Конец, или Бездна». В середине 50-ых годов XVIII века почти в любой английской лавочке или книжном магазине можно было купить гравюры Уильяма Хогарта. Лучше любых биографов о нём рассказал автопортрет, композиция которого необычна — это «картина в картине».

Хогарт наблюдал жизнь людей разного материального достатка, принадлежавших ко всем слоям общества; он был не только талантливым портретистом, но и моралистом, и сатириком. В портретной живописи художник был объективен и прямолинеен, что хорошо заметно в «Портрете капитана Т.Корема» (1740, Лондон, Сиротский приют Корема) и «Портрете Саймона Фрейзера, лорда Ловета» (1746, Лондон, Национальная портретная галерея). В искусстве Хогарта, несомненно, важное место принадлежит юмору. Так, в двух знаменитых гравюрах 1751 г. он противопоставил ужасные последствия, ожидающие тех, кто злоупотребляет дешевым джином «Переулок джина», процветанию и благополучию тех, кто отдает предпочтение английскому пиву «Пивная улица». Сатирическое изображение жизни эпохи, особенно в сериях «Модный брак» и «Выборы», ставит его в один ряд с великими романистами-сатириками 18 в.

Источник — Википедия

1730 William Hogarth The Jones Family, La Famille Jones Huile sur Toile 72×91,8 cm National Museum Wales

1733 William Hogarth A Rake’s Progress, La Carriere d’un Roue, scene 3 Huile sur Toile 62,2×75 cm Londres, Sir John Soane’s Museum

1733 William Hogarth A Rake’s Progress, La Carriere d’un Roue, scene 4 Huile sur Toile 62,2×75 cm Londres, Sir John Soane’s Museum

1736 William Hogarth The Four Times of the Day, Evening Huile sur Toile 74×62 cm Upton House, The Bearstead Collection

1736 William Hogarth Les Quatre parties du jours, Midi, Detail

1736 William Hogarth The Four Times of the Day, Noon Huile sur Toile 74×62 cm Upton House, The Bearstead Collection

1738 William Hogarth The Strode Family, la Famille Strode Huile sur Toile 87×91,5 cm Tate

1740 William Hogarth Portrait de George Arnold Huile sur Toile 88,9×68,6 cm Cambridge, Fitzwilliam Museum

1742 William Hogarth The Graham Children Huile sur Toile 160,5×181 cm Londres, National Gallery

1744 William Hogarth Joseph Highmore Pamela dans la chambre avec Mme Jewkes et M B Huile sur Toile 62,7×75,7 cm Tate

1744 William Hogarth Portrait de Mrs Salter Huile sur Toile 76,2×63,5 cm Tate Gallery

1745 William Hogarth L’Acteur David Garrick dans le role de Richard III Huile sur Toile 190,5×250,8 cm Liverpool, National Museum

1745 William Hogarth Le Mariage a la mode, scene 6, La mort de la Comtesse Huile sur Toile 70×90,8 cm Londres, National Gallery

1747 William Hogarth Portrait de Thomas Herring archev^que de Canterbury Huile sur Toile 1127×101,5 cm Tate Gallery

1747 William Hogarth Portrait de Thomas Herring, archeveque de Canterbury, detail

1754 William Hogarth Quatre Images d’une Election, Le Vote aux Hustings 101,5×127 cm

1755 William Hogarth Les Domestiques d’Hogarth, Detail

1759 William Hogarth Sigismonde pleurant sur le coeur de Guiscardo Huile sur Toile 100,4×126,5 cm Tate Gallery

1759 William Hogarth Portrait de Sir Francis Dashwood a ses devotions Huile sur Toile 120×87,6 cm Collection particuliere

1745 William Hogarth Le Mariage a la mode, Planche 4 Le Lever de la

1751 William Hogarth La Rue de la Biere, Beer Street Gravure, eau-forte et burin 38×32,1 cm Paris, bnfComtesse

The Five Orders of Perriwigs by William Hogarth

Hogarth

Hogarth

Cruelty

Bench second state

A Chorus of Singers by William Hogarth

William Hogarth — Absurd perspectives

Автопортрет, 1745

Полностью fotki.com

Английская гравюра XVIII века Уильям Хогарт (William Hogarth) — Виртуальные выставки

Английская гравюра XVIII века Уильям Хогарт (William Hogarth)1697, Лондон – 1764, Лондон

http://www.smolensk-museum.ru/afisha/virtualnie-vistavki/news_1738/

2017-03-02 09:00:00

«…Веселый гражданин Лондона, отважный и стойкий человек, обладающий буржуазным презрением ко всему вычурному и фальшивому» – так назвал Уильяма Хогарта известный английский писатель-сатирик XIX века Уильям Теккерей. Для характеристики личности Хогарта существует множество эпитетов: провокативный, ироничный, дерзкий, изобретательный, искренний, неуживчивый, беспощадно реалистичный, ранимый. Он разный и во-многом – первый.

«Я обратился к совсем новому жанру, а именно к писанию картин и созданию гравюр на современные нравственные темы – области ещё не испробованной ни в одной стране и ни в какие времена».

Все наиболее существенное из того, что было создано Хогартом, относится к этому изобретенному им жанру. Именно в этом жанре он нашел свое артистическое призвание, именно эти картины, выполненные первоначально на холстах, а затем повторенные в гравюрах, обеспечили ему признание и славу.

Хогарт первым стал разрабатывать свои сюжеты как драматический писатель, как театральный режиссер, разворачивая действие одно за другим, от начала к концу. Это было его изобретение.

ОГБУК «Смоленский государственный музей-заповедник»

г. Смоленск, ул.Коммунистическая, 4

+7 (4812) 38 73 73

«…Веселый гражданин Лондона, отважный и стойкий человек, обладающий буржуазным презрением ко всему вычурному и фальшивому» – так назвал Уильяма Хогарта известный английский писатель-сатирик XIX века Уильям Теккерей. Для характеристики личности Хогарта существует множество эпитетов: провокативный, ироничный, дерзкий, изобретательный, искренний, неуживчивый, беспощадно реалистичный, ранимый. Он разный и во-многом – первый.

«Я обратился к совсем новому жанру, а именно к писанию картин и созданию гравюр на современные нравственные темы – области ещё не испробованной ни в одной стране и ни в какие времена».

Все наиболее существенное из того, что было создано Хогартом, относится к этому изобретенному им жанру. Именно в этом жанре он нашел свое артистическое призвание, именно эти картины, выполненные первоначально на холстах, а затем повторенные в гравюрах, обеспечили ему признание и славу.

Хогарт первым стал разрабатывать свои сюжеты как драматический писатель, как театральный режиссер, разворачивая действие одно за другим, от начала к концу. Это было его изобретение.

Хогарт первым так активно ввел в действие топографию Лондона – многие сцены изображены на фоне лондонских улиц, площадей и переулков. Впервые в искусстве город стал не просто местом действия, а живым организмом, со своей меняющейся физиономией, характером, настроением. В искусстве XVIII века это вообще практически первый городской пейзаж.

А еще Хогарт был одним из первых английских теоретиков искусства. Он написал серьезный научный труд – трактат «Анализ красоты», в котором попытался разобраться в сложных вопросах искусства, полагая, что красота заключается в многообразии, что художник должен учиться у природы и как можно больше доверять самому себе.

Именно Хогарт возбудил интерес к гравюре в своей стране. История английской гравюры сравнительно молода. В то время как многие европейские страны на континенте к XVIII веку насчитывали многовековую художественную практику гравюры, Англия не знала ни одного выдающегося явления в этой области. В течение всего XVI и до первой половины XVII века в Лондоне и других городах Англии работало немало мастеров гравюры, но почти все они являлись иностранцами (немцами, голландцами…) и их нельзя отнести к создателям английского искусства. Интерес к гравюре был столь невелик в стране, что значительные чужеземные мастера гравюры, в отличие от живописцев, редко появлялись в то время на Британских островах. Все это в дальнейшем сказалось на специфике английской гравюры, на своеобразии путей, которыми она пошла. Вероятно, по той же причине английская гравюра пережила и свое рождение, и расцвет за короткий период, длившийся одно столетие.

Художественная жизнь Великобритании в XVIII веке была отмечена интенсивностью развития. В молодом буржуазном процветающем государстве с новой силой заговорили английские драматурги и писатели, поэты и публицисты. Отвечая растущему интересу английского общества, в Лондоне открываются многочисленные книжные издательства, сюда устремляются со всех концов страны как в обетованную землю все, мечтавшие прославить себя в науке, литературе, искусстве.

На рубеже XVII-XVIII веков английская графическая школа властно заявила о себе резцовыми гравюрами, офортами, листами, выполненными в технике меццо-тинто. Единственным крупным художником, работавшим офортом в Англии того времени, можно считать художественного самородка Уильяма Хогарта. Под влиянием Хогарта с середины XVIII века расширяется печатное дело, стимулируется развитие графического искусства. Офорт удачно подошел для воспроизведения самого популярного рисунка в Англии XVIII века – карикатуры, расцвет которой был вызван в первую очередь активизацией общественной жизни в стране, вступившей в эпоху промышленного переворота. Именно в Англии, начиная с Хогарта, карикатура получила настоящее право гражданства, стала очень внушительным видом общественной сатиры, и в то же время она постепенно получила определенно художественный характер. В целом же английская карикатура превратилась в Англии в нечто монументальное, ей посвящают силы толпы рисовальщиков. Их продукция не служила какой-либо партии и носила в большинстве случаев несколько анархический характер, но иногда она превращалась в оружие острой борьбы и сведение политических счетов.

Уже с первой половины XVIII века существенно расширился спрос на гравюру, обусловленный ростом просвещения внутри быстро развивающегося класса буржуазии и, как следствие, возросшими эстетическими потребностями большого количества британцев. И, если раньше тиражи гравюр заказывались и спонсировались, как правило, исключительно представителями аристократии (что нередко отражалось в посвящениях произведения меценату), то теперь многие граверы сами стали своими издателями и продавцами (как, например, Хогарт), а также занялись печатанием работ своих собратьев по цеху. Ко второй половине века число издателей и торговцев гравюрами еще более возросло.

В XVIII веке английские гравюры были широко известны и в России. Среди них листы Хогарта пользовались наибольшей популярностью. О Гогарте (так называли Хогарта в России) писали В.А. Жуковский,  Н.М.Языков,  В.Ф.Булгарин и другие.

Композиции Уильяма Хогарта неоднократно повторялись английскими и зарубежными граверами как при жизни автора (часто против его воли), так и после смерти. В собрании Смоленского музея-заповедника хранится коллекция из 99 гравюр, выполненных с оригиналов Хогарта английскими граверами XIX века. Источник поступления произведений в собрание неизвестен. Все листы «с Гогарта» проходят по Инвентарной книге Гравюрного кабинета Смоленской картинной галереи за 1922 год. Более ранних сведений о работах не сохранилось. Виртуальная выставка представляет 43 листа из этой коллекции.

 

Комментарий к гравюрам составлен по материалам:

Алексеев М.П. Уильям Хогарт и его «Анализ красоты». Вступительная статья // Хогарт У. Анализ красоты. –  Л., 1987

Герман М.Ю. Хогарт. – М.: Молодая гвардия, 1971

Серия «Времена»

Модный брак (цикл картин) — это… Что такое Модный брак (цикл картин)?

«Модный брак» (англ. Marriage à-la-mode) — цикл из шести картин Уильяма Хогарта, созданный в 1743—45 годах. В этом цикле Хогарт высмеивает высшее общество.

История создания

Сатирическая серия «Модный брак» стала первой в Англии, высмеивающей нравы высшего общества^[1]. В ней отображена история женитьбы и дальнейшей супружеской жизни сына обедневшего аристократа и дочери богатого торговца. Во всех шести картинах чётко проработаны фигуры персонажей и тщательно продуман интерьер^[2]. В те времена модные браки были очень распространены среди беднеющих аристократов, которые стремились сблизится с богатыми буржуа^[3], это и послужило вдохновением для Хогарта. В этой серии художник высмеивает ситуацию, в которой оказались люди из-за безнравственности общества, поэтому герои картин вызывают у зрителя скорее жалость, чем насмешку

[4]. На основе серии Хогарт в дальнейшем создал серию гравюр.

По-настоящему серия была оценена лишь в XX веке. Сейчас все шесть картин из цикла находятся в Национальной галерее Лондона.

Картины из цикла

Брачный контракт

«Брачный контракт» — первый эпизод цикла, в котором показано подписание брачного контракта. Примечательно, что супруги не смотрят друг на друга: жених любуется своим отражением в зеркале, а невеста заигрывает с другим молодым человеком, адвокатом по имени Сильвертанг^[5]. Отец жениха граф Сквандер^[6] держит в руках свиток с изображением генеалогического древа, а отец невесты — брачный контракт. Отцы супругов больше заинтересованы в браке детей, чем они сами. Благодаря браку семья жениха избежит финансового краха, а семья невесты купит себе связи в высшем обществе^[7].

На картине присутствуют несколько символов. Это собаки, скованные одной цепью и символизирующие описанный брак и картины на стенах («Давид и Голиаф», «Мученичество св. Лаврентия», «Убиение Авеля», «Св. Себастьян», «Юдифь и Олоферн»), пророчащие печальный конец этого предприятия^[1].

Вскоре после свадьбы

Второй эпизод описывает утро из жизни супружеской пары. Часы на стене показывают 1:20. Супруга энергична и радостна, из чего можно заключить, что она только встала, а супруг, судя по костюму и шляпе всю ночь провёл вне дома. Из его кармана торчит дамский чепчик, которым заинтересовалась собачка, но он его даже не замечает. У ног мужа лежит сломанная шпага. Возможно, это намёк на его импотенцию. Из комнаты выходит управляющий имением, держащий в руках неоплаченные счета и лишь один оплаченный^[8]. Беспорядок в комнате свидетельствует о празднестве, которое проводилось недавно. На стене весит картина, изображающая амура среди развалин. Амур играет на волынке, но у него нет стрел. Всё это символизирует неудачный брак.

Графиня провела вечер за игрой в карты. У её ног лежит книга Эдмонда Хойла (Edmond Hoyle) о висте, а чуть дальше разбросана колода карт. В отличие от мужа она бодра и довольно потягивается. Сидит она в неженственной позе с широко раздвинутыми ногами. На юбке графини виднеется большое влажное пятно. Полузакрытыми глазами она смотрит вправо и как будто с помощью карманного зеркальца даёт сигнал кому-то, находящемуся за пределами картины.

На стене в дальней комнате висят три портрета апостолов и одна картина, вероятно, настолько неприличная, что её закрыли зелёной занавеской, из-за которой видна лишь обнажённая ступня.

Визит к шарлатану

Действие третьего эпизода происходит в комнате доктора-шарлатана по имени де ла Пилюль. Доктора посетил виконт вместе с любовницей, стоящей справа от него, которая ещё очень молода, и её матерью. Судя по чёрному пятну на шее, виконт болен венерической болезнью^[9]. Доктор посоветовал виконту принять ртутные пилюли, считавшиеся в то время способом излечения от венерической болезни. Видимо, пилюли не подействовали, и поэтому все присутствующие требуют от доктора другого способа лечения.

Коробочки с пилюлями держат в руках доктора и девочки, ещё одна коробочка есть на стуле виконта^[9]. Виконт угрожающе приподнял трость, а предполагаемая мать девочки держит в руках нож.

Будуар графини

«Будуар графини» описывает утренный туалет графини, во время которого она принимает гостей и кокетничает со своим любовником — тем самым Сильвертангом, с которым она заигрывала на первой картине^[10]. То, как вольготно адвокат расположился на софе, говорит о его особом положении среди гостей. Он показывает графине приглашение на бал-маскарад. За спиной леди Сквардер стоит парикмахер, проверяющей температуру щипцов для завивки на листе бумаги^[7]. Слева от графини сидит её подруга, увлечённая оперным певцом. Оперный певец поёт под аккомпанемент флейты. Их слушают двое джентльменов, один из них ещё не вышел из состояния сонливости и подносит к губам чашку с горячим шоколадом, а другой делает вид, будто слушает певца и пытается дирижировать. За ними сидит тучный джентльмен, похрапывающий открытым ртом. Он не выдержал скуки, царящей на этом приёме. Судя по стеку, который он держит в руках, это сельский сквайр^[10].

Со времени свадьбы прошло некоторое время, художник подчёркивает это с помощью двух деталей. Зеркало на столике и кровать увенчаны короной, а это значит, что отец мужа умер, и сам муж стал графом. На спинке стула графини висит красная лента с коралловой соской, намекающая, что графиня стала матерью. Возможно, няня уже приносила ребёнка для утреннего поцелуя и забыла соску^[7].

Графиня, будучи дочерью торговца, ставшей аристократкой, пытается копировать ритуал «утреннего выхода короля» (фр. lever du roi), практиковавшийся при французском дворе. Он состоял из «малого выхода» (petit lever), когда высшие чиновники сообщали королю последние новости, и «большого выхода» (grand lever) — более открытого приёма, на котором король пил шоколад, его одевали и надевали на него парик. На картине показано, как леди Сквандер устраивает некое подобие «большого выхода». На ней утренней платье, а на коленях часы, показывающие два часа дня. Когда парикмахер закончит свою работу, графиня, вероятно, наденет выходное платье и отправится наносить визиты. Об этом свидетельствует множество приглашений, валяющихся под стулом одного из музыкантов. Некоторые приглашения написаны на рубашке игральных карт. Тем самым художник показывает, что карточные игры были обычным времяпрепровождением в окружении графини^[7].

Вероятно, что полный певец, изображённый в левом нижнем углу картины, — кастрат. Он одет в чрезмерно пышный костюм, в ухе — серьга, на все пальцы надеты кольца, шпилька галстука украшена бриллиантом, а пряжки на штанах и туфлях также инкрустированы бриллиантами. Худой флейтист комично контрастирует с толстым певцом, чей шёлковый жилет едва сдерживает его обрюзгшее тело^[7].

На полу недалеко от графини лежат вещицы, купленные ей на аукционе. С них ещё не успели снять номерки. Слуга-негритёнок в индийском тюрбане показывает на фигурку с оленьими рогами — символ обманутого мужа. Эта статуэтка изображает Актеона, которого Артемида превратила в оленя за то, что он увидел её обнажённой во время купания. После этого Актеон был разорван собственными собаками. В корзинке рядом со статуэткой лежит поднос, на котором видны совокупляющиеся Леда и лебедь. Этот эротический сюжет выбран Хогартом неслучайно. Он намекает на запретные удовольствия и неверность в браке, ведь и Леда, и Зевс, превратившийся в лебедя, изменяли своим супругам^[7].

У ног адвоката художник поместил книгу, на которой можно увидеть название «Le Sopha». Это скандальный роман «Софа» французского писателя Клода Кребийона, написанный в начале 1740-х гг. и вскоре переведённый на английский язык. В нём рассказывается о человеке, наказанном Брахмой и ставшего софой в следующей жизни. Так главный герой стал свидетелем любовных связей, происходивших скорее не из страсти, а от скуки. Книга была написана изящным языком, позволявшим разгуляться воображению, что быстро сделало её популярной^[7].

Картина содержит много намёков на надвигающуюся беду^[10].

Дуэль и смерть графа

Действие пятого эпизода разворачивается в Багнио (дом, где можно снять комнату)^[11]. Судя по костюмам и маскам, лежащим на полу, графиня и адвокат вернулись с маскарада и сняли эту комнату, где и произошла измена мужу. Виконт, следивший за ними, вторгся в комнату и застал их.

Было решено выяснить всё с помощью дуэли на шпагах. Во время дуэли виконт получил смертельное ранение. Его соперник убежал в окно, в комнату вбежали хозяин багнио и охранник. В этот момент графиня стоит на коленях и просит у мужа прощения. На стене висят картины «Суд Соломона» и портрет куртизанки^[11].

Смерть графини

Последний эпизод описывает смерть графини. Прочитав в газете, валяющейся у её ног, что Сильвертанг казнён, графиня принимает смертельный яд. К ней подносят дочку для прощания. На лице дочки чёрное пятно — признак сифилиса, доставшегося ей от отца, кроме того она хромает на одну ногу. Так художник подчёркивает, что потомство этой семьи вряд ли выживет^[7]. Так как у супругов нет детей мужского пола, титул потерян^[12]. Отец графини снимает с её руки обручальное кольцо, немного в стороне доктор разговаривает со слугой и обвиняет его в приобретении яда. На стенах висят картины фламандских художников, описывающие жизнь низших классов. Собака тянется к пище на столе.

Примечания

Литература

• Bernadette Fort and Angela Rosenthal The Other Hogarth. — Princeton: Princeton University Press, 2001.
• Gordon, Ian Marriage A-la-Mode // The Literary Encyclopedia. — 02 August 2003.

Ссылки

Уильям Хогарт — биография и семья

«Автопортрет с собакой» (1745 год). Галерея Тейт, Лондон

Кроме этой картины Уильяма Хогарта с его любимым мопсом известен также автопортрет за мольбертом в парике. Но мы остановимся именно на полотне с собакой Трампом, поскольку художник собрал в нём всё, что ему дорого и мило. Во-первых, любимый пёс, который был верным другом живописца. Во-вторых, три томика любимых книг, авторами которых были Мильтон, Шекспир и Свифт. Из произведений этих гениев черпал идеи своих картин Уильям Хогарт. Описание портрета, которое мы начали, будет продолжено ниже. Художник был очень дружен со Свифтом, который поддерживал стремление живописца сокрушить пороки общества сатирой. Художник, который считал, что в это время ему не было равных в Англии, к своему портрету подошёл с иронией. Он не возвеличивает себя, а изображает в домашней одежде: без парика, с теплой шапкой и в домашнем халате. Его лицо абсолютно спокойно. Этот волевой человек с довольно тяжеловесными чертами лица добился всего в жизни сам и законно гордится этим. Перед ним на переднем плане расположена палитра с волнистой линией, которую он назвал линией красоты. Глаза художника внимательно и открыто смотрят на зрителя. Он вглядывается в нас, изучая своих персонажей. Композиция его очень необычна: картина в картине. Стиль этого автопортрета – натюрморт с элементами барокко, так как он заключен в овал, который широко использовался до конца XVII века.

Значение «хогарт, уильям»

Хогарт, Уильям

(Hogarth, William)

1697, Лондон — 1764, Лондон.

Английский живописец, график и теоретик искусства. Родился в семье школьного учителя. По собственному признанию, с раннего детства имел хороший глаз, любовь к рисованию и вкус к подражанию. Современники свидетельствуют, что он обладал также феноменальной памятью, позволявшей запоминать множество подробностей и деталей, которыми впоследствии насыщал свои композиции. В 16 лет был отдан в обучение к резчику по серебру Э. Гемблу, специализировавшемуся на изготовлении гербов, орнаментированных в стиле рококо. Проведя там 6 лет, овладел, помимо прочего, техникой гравюры на меди. С 1720 начал самостоятельный путь в искусстве. Сначала занимался главным образом репродукционной гравюрой, не гнушаясь для приработка изготовлением вывесок. Первое крупное оригинальное произведение в графике — иллюстрации к Гудибрасу С. Батлера (изд. в 1726). Хогарт рано стал откликаться на злобу дня, выпуская отдельные листы гравюры (Пузыри Южного моря, 1721; Маскарады и оперы, 1723—1724). Уже в них проявились сатирический дар и вполне сложившееся мастерство рисовальщика, сформировавшееся под воздействием Ж. Калло и Ш. А. Куапеля. Заполненные множеством фигур листы представляют собой композиции, пронизанные динамикой броуновского движения толпы. Они полны точных наблюдений над жизненными коллизиями, увиденными глазами критика общественных нравов. Мастер пользуется отдельными приемами народных лубочных картинок, прибегая к аллегориям, а также надписям, поясняющим смысл происходящего. Параллельно он начал осваивать ремесло живописца в Академии на Сент-Мартинс-Лейн (с 1720), изучая технику у Дж. Торнхилла, автора произведших на него большое впечатление барочных росписей в соборе Св. Павла и Гринвичском госпитале. Однако творчество Хогарта складывалось во внутренней полемике с барочной и классицистической эстетикой. Значительное влияние на него оказали голландские художники, в особенности Я. Стен, а также французские мастера рококо и Ватто. В кон. 1720-х Хогарт прославился произведениями небольшого формата, т. н. «разговорными картинами» или «сценами собеседования» (conversation piece), представляющими собой групповые портреты. Со свойственным ему новаторством он освобождает этот жанр от французских и голландских прототипов и делает его фактом английской национальной школы живописи. Известно около 40 полотен, выполненных в большинстве своем между 1729 и 1745. Хогарт обогащает портрет элементами бытового жанра. Его модели объединены общим действием, что снимает в картине момент чинного и принужденного позирования. Среди сюжетов его портретных композиций — сцена за утренним чаем, сватовство, дружеская пирушка, театральное представление и др. (Семейство Вулстон, 1730, Лестер, Художественная галерея; Завоевание Мексики, или Император Индии, 1731—1732, собрание Голуэй; Семейство Строд, ок. 1738, Лондон, галерея Тейт; Капитан лорд Дж. Грэм в своей каюте, 1745, Гринвич, Нац. морской музей). Многочисленные предметы быта, окружающие персонажей, подобраны с острой наблюдательностью, представляя собой психологически верно найденный ключ к каждой композиции. Образно-стилистические находки Хогарта, накопленные в этом жанре, не только подготовили расцвет его портретного искусства 1740—1750-х, но главным образом питали знаменитые сатирические циклы мастера. Одним из непосредственных подходов к ним стало полотно Опера нищего (1728—1729, Лондон, галерея Тейт; несколько вариантов в частных собраниях), написанное на тему пользовавшейся шумным успехом одноименной балладной оперы Дж. Гея, в которой проводились параллели между нравами воровской шайки и высшего общества. Полотно представляет собой групповой портрет известных английских актеров в ролях из этой пьесы. Искусство Хогарта тесно переплетено с театром и литературой XVIII в. Оно питаемо теми же идеями эпохи Просвещения, нашедшими в Англии ярчайшее воплощение в жанрах сатиры и нравоучительного романа, направленных на исправление общественной и частной морали. Творчеству мастера близки критический заряд произведений Дж. Свифта и Т. Дж. Смоллетта, а также юмор и назидательность Г. Филдинга и С. Ричардсона. Хогарт отводил своим темам промежуточное положение между возвышенным и гротеском и считал, что сюжеты, развлекая, должны развивать ум. Он разрабатывал их как драматург, усматривая в картине подобие сцены. Свои композиции он часто строит по законам театрального пространства, как сценическую коробку. Порой человеческие фигуры, особенно в ранних его произведениях, напоминают марионеток. Изображенные персонажи были для него актерами, с помощью жестов и мимики разыгрывающими пантомиму. Будучи мастером мизансцены и блестящим физиономистом, Хогарт достиг также большой выразительности в передаче моментально схваченных поз и движений, фиксирующих эмоцию, раскрывающих внутреннюю логику действия. Подобно писателю, он разворачивает повествование во времени, создавая серии картин, где представлены ключевые события жизни героев: Карьера потаскушки (6 сцен, 1730—1732, живописная версия не сохранилась), рассказывающая историю неопытной провинциалки, попавшей в лапы сводни и в конце концов умирающей, оставив сиротой несмышленыша-сына; Карьера распутника (8 сцен, 1732—1735, Лондон, Музей Соуна), промотавшего наследство и заканчивающего дни в доме для умалишенных — Бедламе; Модный брак (6 сцен, ок. 1743—1745, Лондон, Нац. галерея), где показана история молодой четы, сына графа и дочери богатого купца, ставших жертвами собственного легкомыслия и беспутства. Мир порочных страстей, грубых непристойных развлечений, вульгарных привычек завоевывает у Хогарта великосветские салоны, приходя на смену изысканному политесу и изящным чувствам французских мастеров рококо. Элегантные джентльмены оказываются убийцами, великосветские дамы потаскушками, главными развлечениями знати становятся попойки и азартные игры, приводящие к безумству и преступлению. В каждом из этих циклов наказание зла предстает в образах мрачной мелодрамы. Полотна Хогарта населены массой персонажей, предметов и подробностей, сопоставление которых образует цепь ассоциаций, полнее раскрывающих основной сюжет, обогащая его разнообразием смысловых оттенков. Большую роль, в частности, играют изображения картин на стенах интерьеров, в которых разворачиваются события. Эти «картины в картине» характеризуют социальное положение героев, дают намек на прошлое или предвещают их будущее, иногда пародируют мимику, жесты и позы действующих лиц. Изысканная красота и свежесть палитры, свидетельствующие о прирожденном даре Хогарта-колориста, заостряют по контрасту сатирическую выразительность его холстов. Однако многие исследователи видят в этом главное противоречие в творчестве мастера — несоответствие между формой и содержанием его искусства. Живописные серии и некоторые одиночные композиции были переведены в гравюру. Листы эти пользовались большой популярностью, и, чтобы защитить себя от подделок, он добился принятия первого закона об авторском праве — т. н. Хогарт-акта (1735). В 1747 художник создает серию гравюр назидательного характера — Прилежание и леность (по драме XVII в. На Восток Б. Джонсона, Дж. Чапмена и Дж. Марстана). Задуманные и осуществленные как самостоятельное графическое произведение, они основывались на рисунках, а не живописных полотнах мастера. В них он попытался выразить один из главных идеалов Просвещения — счастье и богатство как награда за добродетельность, трудолюбие, преодоление жизненных превратностей. В 12 листах прослеживается путь двух учеников ткача — трудолюбивого и ленивого. Первый в результате праведной жизни и стараний становится лорд-мэром Лондона, а второй заканчивает виселицей. Морализирующий смысл гравюр усиливают цитаты из Евангелия, данные по нижнему краю листов. Большой художественный интерес представляют рисунки к этой серии. В них есть та свобода и живость в трактовке сюжета и отдельных характеров, которые в большой мере утрачиваются в процессе перевода в гравюру. В 11-м листе Казнь ленивого ученика (1747, Лондон, Британский музей) Хогарт создает панораму современной народной жизни. Менее всего художника интересует собственно герой, судьба которого решена. Повозка, в которой его везут, теряется в людской лавине. На передний план выводится множество персонажей: праздные зеваки, снующие дети, калеки, торговки. Из них-то и состоит безбрежная толпа, до горизонта заполняющая композицию. Их лица настолько индивидуализированы, что некоторые кажутся портретами. Дар Хогарта-рисовальщика недооценен исследователями его творчества. Карандаш мастера точно схватывает характер, движение, выразительность позы и жеста, что искупает допускаемую порой неточность в анатомическом построении фигуры, особенно в ранних рисунках. Художник владел разными графическими техниками. Замечательный Семейный портрет (ок. 1730, Лондон, Британский музей) представляет собой рисунок пером и сангиной, пройденный кистью с тушью и акварелью. Он близок живописной манере мастера и сделан по типу «разговорной картинки». Но в нем больше естественной непосредственности. Создается впечатление, что персонажи не столько позируют, сколько готовятся к сеансу, усаживаясь и продолжая общаться друг с другом. К замечательным образцам портретного искусства Хогарта относится набросок с Симона, лорда Ловата (1746, Лондон, Британский музей), сделанный во время суда над ним. Художник создает близкий героям Свифта образ не сломленного превратностями судьбы старика с крупными чертами лица, цепким взглядом умных, не утративших живого блеска глаз. Карандашный Портрет Томаса Смита (1735, Лондон, Британский музей), чья фигура при неровном свете свечи отбрасывает на стене большую подвижную тень, напротив, трактован с большой мягкостью. Изображение построено на противопоставлении задумчиво склоненной модели и несколько утрированной, напоминающей фантом, тени. В гравюрах и картинах Хогарта 1750-х острота социальной критики усиливается. Беспробудное пьянство простолюдинов стало темой знаменитого Переулка Джина (1751). Здесь художник не только бичует порок, но и ужасается его трагическим последствиям: безделью, нищете и отчаянию. Продажность как политиков, так и избирателей он клеймит в серии Выборы в парламент (4 картины, 1743—1754, Лондон, Музей Соуна). Его сатира на судей в картине Суд (1757, Кембридж, Музей Фицуильям) по своей композиции, по трактовке отдельных типажей предвосхищает творчество Домье. Когда же Хогарт попытался написать так и не состоявшийся цикл картин Счастливый брак, герои которого могли бы стать образцами для подражания, он потерпел неудачу. Положительного героя мастер обрел и воплотил в своем портретном искусстве 1740—1750-х. Созданные им образы, в основном близких людей, полны нравственного и физического здоровья, внутреннего жизнеутверждения. При всей ярко выраженной индивидуальности они объединены открытостью характеров и искренностью чувства. В портретах мастера отсутствует склонность к рефлексии и меланхолии, которая станет звучать в произведениях художников 2-й пол. XVIII в., в особенности у Гейнсборо. Но в них есть то, что Филдинг считал наиболее трудным для живописца, — впечатление, что его персонажи думают. Мужские изображения более монументальны, иногда сопровождаются сложной атрибутикой, раскрывающей род занятий и пристрастия модели. В знаменитом Автопортрете (1745, Лондон, галерея Тейт), где использован излюбленный прием «картины в картине», овальный портрет художника помещен на стопке книг как на пьедестале, рядом сидит верный пес Трамп и лежит палитра с начертанной на ней волнообразной линией, провозглашенной Хогартом линией красоты. Его живописное мастерство в полной мере развернулось в детских и женских портретах (Миссис Солтер, 1744; Дети семьи Грэм, 1742, обе — Лондон, галерея Тейт). Он пишет сочным пятном чистого локального цвета, смело применяя «опыт разложения цветов спектра», сопоставляя контрасты и переходы голубого, зеленого, желтого, оранжевого, розового. Тени в его картинах также полны цвета. Большим разнообразием отличается манера работы кистью — от плотных, не покрывающих друг друга, как бы лепящих форму предметов мазков до прописанных жидкой краской нежных лиц, рук, прозрачных кружев. Все это наполняет его холсты тончайшими вибрациями света и ощущением живого дыхания плоти. Особенно знамениты два портретных эскиза Хогарта: Портреты слуг (нач. 1760-х) и Девушка с креветками (нач. 1760-х, оба — Лондон, Нац. галерея), в которых гениально предвосхищены искания художников 2-й пол. XIX в. В первом из них совмещенные на одном холсте 6 лиц поражают точностью и достоверностью психологической характеристики. Во втором выхваченная из толпы фигура девушки из низов, излучающая оптимизм и полноту душевных сил, написана быстрым, словно летящим волнообразным мазком, который размывает четкие очертания форм и придает внешнюю и внутреннюю подвижность образу. Пронизанная солнечным светом композиция выдержана в изумительно красивой коричневато-золотистой гамме, дополненной розовыми рефлексами. Духом новаторства отмечена и незаконченная картина Свадебный бал (ок. 1745, Лондон, галерея Тейт) из цикла Счастливый брак. Хогарт смело экспериментирует с пространством, строя его на контрасте затемненного, словно зрительный зал во время спектакля, переднего плана и освещенного среднего, где в вихре танца мчатся участники свадебной церемонии. Их фигуры, естественные в своей неуклюжести, полны экспрессии. Выразительность композиции усиливает и необычное совмещение двух источников освещения сцены: серебристого света луны, льющегося в распахнутые двери, и мерцающего блеска свечей в изящно написанной люстре. Деятельность Хогарта отличалась разносторонностью. Он пробовал себя в историческом жанре, в котором, однако, не слишком преуспел (Сигизмунда, 1759, Лондон, галерея Тейт). С 1734 возглавлял Академию на Сент-Мартинс-Лейн, а в 1757 стал главным художником короля. В 1743—1748 посетил Париж. Всю жизнь он вынужден был отбиваться от нападок критиков. Наибольшую ярость мастера вызывали дилетантские рассуждения т. н. конессеров, проповедовавших приоритет «хорошего вкуса» и классических образцов перед натурой. Важным аргументом в этой борьбе должен был стать, по замыслам мастера, трактат Анализ красоты (1753). В нем художник предстает как один из образованнейших людей своего времени, знаток истории искусств, анатомии, ботаники, музыки, танца, театра, литературы и т. д. В 17 главах он излагает взгляд на живописное мастерство сквозь призму своей теории прекрасного и опыта художнической деятельности. Хогарт исповедовал идею превосходства природы над искусством, выступал против установления жестких норм в живописи, отдавая, в частности, предпочтение нарушению пропорциональности ради выразительности образов. Основой красоты он считал гармоническое сочетание единства и разнообразия, которое для него воплощала волнообразная линия. Эта линия является главным элементом всех живых, движущихся и изменяющихся природных объектов. Перенесенная в трехмерное пространство, она становится, по его определению, змеевидной или «линией привлекательности». Идеи Хогарта в известной мере восходили к опыту готического искусства, перекликались с маньеристической теорией Дж. П. Ломаццо, а также практикой стиля рококо. В рассуждениях о колорите художник придерживался постулата о трех первоначальных цветах — красном, желтом и синем, не считая черного и белого. Он говорил о «тенях всех цветов и оттенков» и необходимости сохранять «раздельную яркость красок». На протяжении всей творческой жизни Хогарт стремился утвердить авторитет национальной английской живописи и с гордостью подписал один из своих портретов — «William Hogarth. Anglus pinxit».

Лит.:

Некрасова Е. А. Вильям Хогарт. М., 1933; Сидоров А. А. Хогарт, 1697—1764. М.; Л., 1946; Кроль Е. А. Уильям Хогарт. Л.; М., 1965; Герман М. Ю. Уильям Хогарт и его время. Л., 1977; Хогарт У. Анализ красоты. М., 1987; Beckett R. B. Hogarth. London, 1949; Paulson R. Hogarth. His Life, Art and Times. New Haven; London, 1971. 2 vol.

Т. Воронина

Творчество

Шесть картин и гравюр (не сохранились все картины, часть осталась только в гравюрах) составляют цикл о жизни девушки из провинции, которая в столице стала особой лёгкого поведения. Они были исполнены в 1730–1731 годах («Карьера продажной женщины»). Гравюры стали популярными. Они продавались почти в каждой книжной лавке. Основатель английской школы живописи был прославлен циклами своих картин, которые мы уже упоминали, а также портретами, впечатляющими сатирой на церковь, – «Уснувшая паства» (1728–1729 годы), на творческих людей – «Замученный поэт», и судей – «Донос» (1729 год) и «Суд» (1758 год). На последней картине просто страшно смотреть на лицо судьи, которое напоминает морду бульдога.

Такой мёртвой хваткой вцепится в подсудимого и засудит независимо от вины. Сначала художник раздражал публику и критику яркостью своих произведений. На картины Уильяма Хогарта нападали из-за яркости колорита, изысканной красоты палитры, необычной свежести тем, а он был новатором и реформатором в английской живописи. Если портреты были групповыми, то мастер выстраивал их перед нами как на сцене, рассматривая сюжеты, как писатель, обостряя изображения своих персонажей. Картины Уильяма Хогарта указывают на их вульгарность, развращенность, грубость нравов. Искусство, как считал Хогарт, должно развивать душу и ум, а не только развлекать, как это делало рококо.

Примечания[править | править код]

1. идентификатор BNF (фр.): платформа открытых данных — 2011.
2. William Hogarth
3. William Hogarth (англ.) — 2006. — ISBN 978-0-19-977378-7, 978-0-19-989991-3
4. Lambiek Comiclopedia (англ.) — Lambiek, 1999.
5. Internet Speculative Fiction Database (англ.) — 1995.
6. Discogs (англ.) — 2000.
7. Find a Grave (англ.) — 1995. — ed. size: 165000000
8. Wheatley H. B., Cunningham P. London Past and Present: Its History, Associations, and Traditions. Cambridge, 2011. P. 109—110.
9. Ronald Paulson: Hogarth
   v. 1, New Brunswick 1991, p. 26-37.
10. Uglow J. William Hogarth: A Life and a World. London, 1997. P. 26-261; Transcript of William Hogarth’s Marriage Licence Allegation.

«Девушка с креветками» (примерно 1760-е годы)

Невозможно пройти мимо этого холста, излучающего радость жизни. Изнутри этого портрета идёт свет. Здесь, как и в «Портретах слуг», живописец перестаёт быть сатириком. Он полон восхищения перед юной девушкой, которая, как корону, несёт на голове блюдо с креветками. Изображенная вполуоборот модель освещена солнечными лучами. Работа написана динамичными мощными мазками. В ней нет тонких цветовых переходов. Сложный колорит, который совмещает золотистые, коричневатые и розоватые тона, разложен на простые составляющие. Поэтому появляется впечатление, что картина рождается сама собой на глазах у зрителя. Это моментальное впечатление художника – рывок через столетия к импрессионизму. В этой работе проявилась любовь к простому человеку из народа. Образ продавщицы чрезвычайно обаятелен. Это – одна из самых известных картин художника, в которой он демонстрирует всем естественную основу человека, живущего без маски.

Портреты мастера

Как мужские, так и женские и детские портреты Хогарт почти никогда не писал по заказу. Его героями становятся близкие ему по духу люди. Это либо его родные, либо друзья. Поэтому они окрашены уважением и симпатией к моделям. В них мы не найдем изнеженности и жеманности рококо. Напротив, нам открывается цельность натуры изображенного человека. Также Хогарт показывает их земную полнокровность.

Примером могут послужить «Мисс Мери Эдвардс» (1740 г., частная коллекция, Нью-Йорк), «Дети семьи Грэм» (1742), «Миссис Солтер» (≈ 1741 или 1744 годы). Обе последние картины экспонируются в галерее Тейт (Лондон).

История создания сатирической серии

В 1743–1745 годах Хогарт написал цикл из шести картин. Они высмеивали высшее общество. Сын обедневшего аристократа решил жениться на дочери богатого буржуа и поправить своё материальное положение. Картины Хогарта «Модный брак» – это пародия на high society, которое, забыв о чести и достоинстве, из стремления к материальным благам стремилось приблизиться к ним любым путем, даже неравным браком. Каждая картина Уильяма Хогарта «Модный брак» тщательно и последовательно прослеживает его эволюцию вплоть до смерти всех главных героев. Им супружество не принесло не только счастья, но и разрушило надежды на нормальную человеческую жизнь.

Жизнеописание[править | править код]

Ранние годы[править | править код]

Уильям Хогарт родился в одном из лондонских районов Бартоломью-Клоуз (англ. Bartholomew Close)[8] в семье бедного учителя латыни Ричарда Хогарта и Анны Гиббонс и был первым выжившим ребёнком супругов. Бедность вынудила отца Хогарта заняться корректурой латинских текстов для издателей.

Уильям с раннего детства проявил незаурядные способности к рисованию, был весьма наблюдателен и имел великолепную память на детали. В начальной школе учился неохотно, в основном проводя время за рисованием. В детстве Уильям был вынужден продавать приготовленные матерью народные средства лечения, поскольку идея отца основать кафе, где посетители могли бы общаться исключительно на латыни, потерпела крах. Отец на пять лет попал в лондонскую долговую «Флитскую тюрьму»[9]. Поэтому приступить к учёбе Хогарт смог значительно позже сверстников.

Образование и раннее творчество[править | править код]

В 1713 году Хогарт, не окончив начальную школу, стал учеником у гравёра по серебру Эллиса Гэмбла, где получил навыки гравировки, работы с металлом и познакомился со стилем рококо. В 1718 году умер отец Уильяма и он, будучи старшим ребёнком в семье, был вынужден содержать свою мать и двух сестер, берясь за мелкие заказы. Он изготовлял коммерческие визитки, небольшие гербы и другие мелкие изделия. Такая работа не приносила Хогарту удовольствия, он считал её глупой и скучной, поскольку испытывал тягу к высокому искусству. Прежде всего его интересовала графика. Поэтому вскоре он начал брать уроки живописи в одной из лондонских частных художественных академий, которую основали Льюис Черони и Джон Вандербанк. Хогарт также много занимался самообразованием.

«Замысел Компании Южных морей»

«Маскарады и оперы»

«Беспристрастный взгляд на британскую сцену»

В 1720 году он открывает собственную небольшую граверную мастерскую. Его первыми самостоятельными работами были графические сатиры о крахе акций Компании Южных морей (The South Sea Scheme, ок. 1721), сатиры на маскарады и оперные спектакли (Masquerades and Operas, 1724) и на театральную жизнь Лондона (A Just View of the British Stage, 1724).

Хогарт забросил академию, а с 1724 года стал посещать школу живописи и рисунка, основанную в доме придворного художника Джеймса Торнхилла, известного своими росписями в лондонском Соборе Святого Павла. В 1720—1730 годы Хогарт овладевает искусством книжной иллюстрации. В 1726 году он иллюстрирует известную антипуританскую приключенческую поэму «Хадибрас» Сэмюэла Батлера. Первое живописное произведение Хогарта появилось в 1728 году, это было полотно на сюжет популярной тогда пьесы Джона Гея «Опера нищего».

Женитьба[править | править код]

В 1724 году Хогарт познакомился с 15-летней дочерью Торнхилла — Джейн. Через пять лет, не надеясь получить согласие отца Джейн на брак, Хогарт и его возлюбленная тайно обвенчались в старой Паддингтонской церкви (23 марта 1729 год)[10]. Примириться со своим тестем Хогарту удалось лишь после того, когда он достиг материального благосостояния и признания, как художник.

По воспоминаниям самого Хогарта: «Потом я женился и занялся рисовать небольшие салонные картинки от 12 до 15 дюймов высотой. Поскольку они были новинкой, то имели успех в течение нескольких лет и хорошо продавались».

В конце 1720-х годов Хогарт написал ряд групповых портретов английских семей, так называемые «разговорные портреты» (англ. conversation pieces). К ним относятся «Музыкальная вечеринка» (A Musical Party, 1730, Музей Фицуильяма, Кембридж), «Собрание в доме Ванстед» (The Assembly at Wanstead House, 1729-31, Музей искусств Филадельфии), «Семья Волластон» (The Wollaston Family, 1730, частная коллекция) и «Семья Фаунтейн» (The Fountaine Family, 1730-32, Художественный музей Филадельфии).

Уильям Хогарт, «Модный брак»: описание картины

• Начало серии – подписание брачного контракта, в котором заинтересованы только родители будущих супругов. Молодые даже не смотрят друг на друга. Жених рассматривает себя в зеркале, невеста заигрывает с адвокатом.
• Картина вторая. Это позднее утро супругов, скорее день. Муж провел ночь не дома, а жена – за картами. Они сидят рядом, за одним столом, но не обращают внимания ни на себя, ни на свою половину.

  
  Жена, потягиваясь, безобразно, до неприличия расставила ноги. Муж в прострации развалился на стуле и еле держится на нем. Из кармана его камзола торчит женский чепчик, который пытается достать комнатная собачка. Символом неудачного брака стала картина с Амуром, у которого нет стрел любви.

• Действие третье. Виконт со своей молоденькой любовницей приходят к врачу, чтобы вылечиться от венерической болезни. Судя по разыгравшемуся скандалу, предыдущее лечение пользы не принесло.
• Четвёртый эпизод. В будуаре графини, заполненном скучающими гостями, совершается её утренний туалет. Она пытается копировать «большие выходы» французского короля. Здесь присутствует адвокат, который был на первой картине. В этом доме он – свой человек, которому благоволит графиня. Слуга-негритёнок приносит статуэтку – олень с рогами. Это один из намёков на неверность жены, которых много на полотне.
• Пятая картина. Муж застал жену с любовником, вызвал его на дуэль и получил смертельную рану.

  
  Полуголый амант убегает в окно. Графиня, стоя на коленях, вымаливает прощение у мужа.

• Завершение цикла. Узнав из газеты, которая брошена на пол, о казни любовника, графиня принимает яд. К ней приносят проститься дочь, которая отмечена на лице пятном сифилиса. Других детей в семье не было. Это означает, что род графов вскоре прервётся.

Вот как Хогарт рассказал о нравах современного ему общества.

Подводя итоги, еще раз подчеркнем, что живописец был новатором, который в духе Просвещения показывал изъяны и теневые стороны социума.

«Похождения повесы» — Вспомнить, подумать… — LiveJournal

William Hogarth и Игорь Стравинский

William Hogarth ( 1697 — 1764) — английский художник, основатель и крупный представитель
национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров
в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей
философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества
нравственного начала в человеке и искоренения пороков

William Hogarth (1697-1764)-‘the heir’ London-Sir John Soane’s Museum

В 1951 году Игорь Стравинский написал оперу «Похождения повесы» под впечатлением творчества
Хогарта. По мнению британского композитора Томаса Адеса, опера является «одной из величайших
опер XX века».

William Hogarth (1697-1764)-‘the levée’- London-Sir John Soane’s Museum

«Похождения повесы» — опера Игоря Стравинского основана на сюжетах цикла из восьми картин
и гравюр XVIII века под названием A Rake’s Progress . Стравинский видел эти картины в
1947 году на выставке в Чикаго.
Сюжет о духовной гибели некоего Тома Рейкуэлла, который бросает любимую Энн Трулав ради
наслаждений Лондона в компании Ника Шэдоу, который оказывается Дьяволом. После нескольких
неблагоприятных событий, подстроенных Дьяволом, Том попадает в Бедлам, психиатрическую
больницу к югу от Лондона.

William Hogarth (1697-1764)-‘the orgy’- London-Sir John Soane’s Museum

В 1946 году на экраны вышел американский художественный фильм «Бедлам» (режиссёр Марк Робсон),
творческий коллектив которого вдохновили картины и гравюры Хогарта. В 2003 году в University
of New Hampshire’s Department of Theatre and Dance было создано сценическое шоу под названием
«Похождения повесы», в котором семнадцать актеров и актрис представили свой вариант
интенсивного изучения офортов художника.

William Hogarth (1697-1764)-‘the arrest’- London-Sir John Soane’s Museum

William Hogarth (1697-1764)-‘the marriage’- London-Sir John Soane’s Museum

William Hogarth (1697-1764)-‘the gaming house’- London-Sir John Soane’s Museum

William Hogarth (1697-1764)-‘the prison’- London-Sir John Soane’s Museum

William Hogarth (1697-1764)-‘the madhouse’- London-Sir John Soane’s Museum

Ответы на вопрос «Билет 8 Вопрос 2 Критический реализм Уильяма …»

Основоположником реализма в английской живописи был Уильям Хогарт (William Hogarth) (1697—1764). Создатель общественной и политической сатиры, он стремился глубоко осмыслить действительность своего времени с типичными для нее явлениями: хищным стяжательством, социальными контрастами, столкновениями буржуазных законов с феодальными предрассудками и привилегиями. Это сближает Хогарта с замечательными деятелями театра и писателями-реалистами, и прежде всего с Фильдингом, который обличал пережитки феодального прошлого и уродства буржуазного уклада жизни. Свое искусство он обращает к широкому зрителю, что было новым явлением в художественной жизни Англии.

Хогарт родился в Лондоне в семье учителя; профессиональному мастерству учился у гравера; самостоятельно работать начал в области гравюры и иллюстрации. В это время складывается его метод, основанный на наблюдениях жизни. Его первые живописные произведения в известной мере связаны с графическими. Это серии картин, объединенных сюжетной линией, в живописной форме повествующих о судьбах персонажей различных социальных слоев, иногда навеянных литературой. Таковы «Карьера мота» (1732—1735, Лондон, Музей Соуна), «Модный брак» (1743—1745, Лондон, Национальная галерея) , раскрывающие типичные неблаговидные и подчас трагические явления действительности того времени. Каждая серия завершается ярко выраженной морализирующей концовкой. Распространенные в гравюрах художника, эти серии имели большой общественный резонанс.

Цикл полотен «Карьера мота» (восемь картин) рассказывает о внезапно разбогатевшем юноше, который получил наследство и растратил его в кутежах, а затем попал в дом умалишенных. «Модный брак», наиболее значительная по глубине замысла серия Хогарта, состоит из шести полотен; это правдивая и поучительная история брака по расчету, своего рода живописный «роман нравов». Отдельные персонажи олицетворяют здесь, по существу, целые социальные группы и их взаимоотношения. Открывает серию картина заключения брака, фактически уподобленного торговой сделке разорившегося графского сынка и дочери богатого торговца. Со скучающим видом отвернулись друг от друга молодые, в то время как их родственники оформляют брачный контракт. Картина «Вскоре после свадьбы» продолжает повествование; в ней каждая деталь свидетельствует о бессмысленности существования супружеской четы, о безразличии молодых супругов друг к другу, о кутежах и развале дома, из которого управляющий выносит пачку неоплаченных счетов. Серию завершает трагическая развязка — гибель ее героев. С удивительным мастерством передает Хогарт последовательность хода событий, раскрывает характеры действующих лиц, их взаимоотношения, нравы, привычки. По его картинам можно писать целые рассказы. Каждая из картин — законченное самостоятельное произведение, все вместе они объединены одной идеей и дополняют друг друга. Художник заостряет внимание на узловых моментах повествования, усиливая достоверность изображаемого воссозданием конкретного места действия. Он прибегает к неожиданно резким сопоставлениям и тяготеет к анализу. Остро и насмешливо наблюденные детали позволяют угадывать события, предшествующие и последующие. Такова, например, картина Уильяма Хогарта «Утро в доме новобрачных» (из серии «Модный брак»).

Время около полудня, на полу валяется перевернутый стул, карты разбросаны по ковру, а сборщик долгов в раздражении закатывает глаза. Бессонные ночи, отданные пьянству и игре в карты, чрезмерные траты денег на роскошный дом и причуды ленивой супруги служат предметом сатиры в этой картине. Хогарт подвергает критике не только нравы, но и вкусы, он высмеивает нелепые безделушки на камине, витиевато украшенные часы и мраморный бюст, более похожий на поросенка, чем на римского патриция. Поступив в обучение к Фавору, будущий художник усвоил уроки его ремесла и сбежал с его дочерью. Устав от условных штампов в искусстве, Хогарт создает средствами живописи едкие, порой беспощадные комментарии к социальным проблемам дня, выполняя серии картин, каждая из которых заключает в себе историю. Картины маслом переводились в гравюру, и их широкое распространение принесло художнику известность. Гармония мягких розоватых, серебристых, оливковых тонов способствует передаче внешнего благосостояния внутренне опустошенного мира, обреченность которого находит выражение в суматошном ритме линий, пронизывающем композиции. Хотя картины Хогарта по времени и отчасти по манере живописи близки работам художников рококо во Франции, стиль и остроумие Хогарта являются чисто английскими.

Внимание Хогарта привлекали и другие стороны жизни: с необычайным пафосом он изобличает «дно» Лондона, ужасы пьянства, приводящего бедноту в состояние полного отупления, к утрате всего человеческого (гравюры «Улица Пива», «Переулок Джина», 1751). В ряде работ он высмеивает ограниченность духовенства, показную сторону религии (гравюра «Спящий приход», 1736). Серия картин «Выборы в парламент» (ок. 1754 г., Лондон, Музей Соун) смело обнажает одну из самых темных сторон в общественной жизни Англии: борьбу партий в «гнилых» местечках и сбор голосов, приобретенных у больных и идиотов; по существу, художник обличает всю продажность буржуазной выборной системы. Высмеивая пороки современного ему английского общества, Хогарт чаще всего не искажает действительности, что отличает его работы от карикатуры, но иногда прибегает к приемам гротескного преувеличения.

Бытовая живопись Хогарта с ее злободневной тематикой, безжалостной обличительной силой намного опережает свое время, прокладывая пути критическому реализму в искусстве 19 века, а также развитию бытовой и политической карикатуры, и в этом отношении Хогарт был новатором.

Гуманизм и демократизм Хогарта остро проявляются в реалистических портретах, которые он писал на протяжении всей жизни. Непримиримый противник шаблона светских портретов, он обращается обычно к портретированию родственников, близких ему людей. Исполненные с проникновенностью и теплотой «Автопортрет» (1745), «Портрет миссис Солтер» (1744), портреты слуг (все — в Лондоне, в галерее Тейт) утверждают образы положительных героев, поднимают значение личности вне зависимости от ее социальных рангов. Самый живой и значительный среди них образ — «Продавщица креветок» (1760-е годы, Лондон, Национальная галерея), как бы выхваченный из потока уличной толпы. В этом свободно и смело написанном этюде проявилось глубокое уважение художника к людям труда, и вместе с тем этюд, фиксирующий неповторимо своеобразные черты, дает глубокий обобщающий образ. Обаяние молоденькой, бойкой продавщицы, ее искрящаяся улыбка, стремительность движения подчеркнуты свободной динамикой трепетного мазка. Здесь же с наибольшей яркостью сказались новаторские искания Хогарта-колориста: эффекты разложения цвета, широкая фактура живописи. Все это сближает картину «Девушка с креветками» с замечательными произведениями мировой живописи в этом жанре.

Хогарт — один из первых английских теоретиков искусства. В трактате «Анализ красоты» (1753) он выступал поборником реализма, ищущим красоту в многообразных формах действительности, в самой жизни, отстаивая ведущее место бытового жанра в живописи. Его теоретическая и художественная деятельность тесно переплеталась с общественной, с организацией художественных выставок, с преобразованием преподавания в художественной школе на демократических началах. Хогарт стремился использовать искусство как большую общественную силу. Его сатирические циклы получили широкий отклик в европейском искусстве 19 века. Но в Англии у него не было достойных преемников; не получил дальнейшего развития в английской живописи 18 столетия и бытовой жанр.

Высшие достижения английского искусства второй половины 18 века относятся к жанру портрета, имевшему прочные установившиеся традиции, идущие от Гольбейна и национальной портретной миниатюры. В борьбе с отживающими, устаревшими схемами рождались принципы реалистического портрета. И именно в портретной живописи со всей очевидностью проявилась двойственность мировоззрения ее создателей, косвенным образом отразивших компромисс между идеалами практичной развивающейся буржуазии и стареющей консервативной аристократии. Английские портреты в своем большинстве отмечены стремлением художников к созданию полнокровных живых характеров и в то же время использованием старых традиционных схем парадного портрета.

Уильям Хогарт Картины, биография, идеи

1751

Джин Лейн

Хогарт создал эту гравюру как противодействие тому повальному увлечению джином, которое он наблюдал в Лондоне. На переднем плане этой городской антиутопии — случаи детоубийства (совершенного полуобнаженными женщинами, покрытыми сифилитическими язвами) и голод, вызванный духом, в то время как за спиной толпа вызывает хаос, нищие торговцы продают свои инструменты, чтобы купить еще джина и женщина наливает алкоголь в рот младенца.Бывают также случаи самоубийства, безумия и убийства. Эти действия рассматриваются как предзнаменование более широкого общественного распада, символизируемого разрушающимся зданием вдали.

Работа написана совместно с Генри Филдингом, судьей и одним из друзей Хогарта. Филдинг опубликовал влиятельные труды, в которых анализировал рост преступности и социальных волнений, сопровождавших массовую миграцию городов в столицу в первой половине 18 ^– века. Частично эти проблемы были вызваны парламентским актом 1689 года, который запретил импорт французского вина и спиртных напитков.В результате в Англии начали производить джин, изначально чужеродный спирт. Это было дешево, вызывало привыкание и оказывало влияние на здоровье, продуктивность и преступность. Gin Lane была частью кампании в поддержку Закона о Джине 1751 года, который был направлен на сокращение употребления алкоголя в попытке обуздать социальные беспорядки.

Как историк искусства, Марк Халлетт отмечает, что эта работа действовала как «ужасающая социальная сатира, в которой анонимные нищие алкоголики, чьи черты лица изображены в самых смелых выгравированных линиях, растягиваются, дерутся и умирают среди руин разрушающегося города». .Эти гравюры были нацелены на то, чтобы потрясти рабочий класс и заставить их преобразоваться, и продавались бы по более низкой цене, чем предыдущие гравюры Хогарта. Это обеспечило больший тираж, но цена все равно была бы непомерно высокой для многих. Однако гравюра выставлялась в витринах магазинов, мастерских, кафе и тавернах, что усиливало ее влияние.

Изделие является одним из пары с Beer Street , и оба они созданы для совместного просмотра. В отличие от Gin Lane, Beer Street прославляет традиционно британский напиток, связывая его с процветанием, здоровьем и счастьем и предлагая его как альтернативу джину.Между двумя фотографиями существует множество связей, например, ростовщики, которые так активно проявляют себя в Gin Lane , обветшали и сбежали на Beer Street , так как никому это не нужно. Эти две пьесы, наряду с такими работами, как Четыре стадии жестокости (1751), знаменуют собой переход Хогарта от высмеивания модного высшего общества к резким комментариям о преступности и бедности.

Офорт и гравировка — Галерея Тейт, Лондон

Информация об исполнителе

Биография

Хогарт родился в Бартоломью Клоуз, недалеко от рынка Смитфилд, Лондон, 19 ноября 1697 года, он был старшим из оставшихся в живых девяти детей Ричарда Хогарта и Энн Гиббонс.Его отец открыл кофейню, когда Уильяму было пять лет, но это не удалось, и его отец оказался в долгах. Хогарт жил со своей семьей с 1708 по 1712 год в пределах юрисдикции тюрьмы Флит, и этот опыт он никогда не забывал. Не имея возможности стремиться к чему-то более высокому, в 1713 или 1714 году он поступил в ученики к Эллису Гэмблу, граверу по серебру. В 1720 году он самостоятельно стал гравером, работающим из дома, и был одним из первых подписчиков академии на Сен-Мартинс-лейн, основанной Луи Шероном и Джоном Вандербанком.

Хогарт опубликовал свой первый сатирический эстамп в 1721 году, а первую крупную серию — в 1726 году. Он начал рисовать примерно в 1726 году и добился быстрого успеха, исполняя небольшие жанровые и комические сцены, несколько версий эпизода из оперы The Beggar’s Opera , и предметы для разговора, некоторые из которых предназначены для интерьера, а другие — для улицы. В 1729 году он сбежал с Джейн Торнхилл, дочерью выдающегося историка сэра Джеймса Торнхилла. Прощенная пара получила разрешение переехать в дом Торнхилла на Грейт-Пьяцца, Ковент-Гарден, в 1731 году, но два года спустя они переехали в Голден-Хед, Лестер-Филдс, где Хогарт оставался до конца своей жизни.

В 1730 году Хогарт написал свою первую серию «Современные моральные темы», запустив подписку на гравюры в следующем году; Для него характерно оригинальность в том, что он обходился без гравера и продавца печатной продукции, выполняя эти функции сам. В результате пиратства над его гравюрами Хогарт спровоцировал Закон об авторском праве гравера, отложив публикацию своей второй великой моральной серии, A Rake’s Progress , до тех пор, пока этот закон не стал законом в 1735 году. К этому времени, однако, Rake уже имел уже был пиратским.Также в 1735 году он основал более известную Академию Сент-Мартинс-Лейн, где, по общему мнению, был вдохновляющим учителем; Академия быстро стала центром авангардного искусства рококо в Великобритании.

Чтобы предотвратить переезд комиссии к иностранцу Джакомо Амикони, Хогарт предложил бесплатно нарисовать две большие фрески над лестницей больницы Святого Варфоломея; он закончил их в 1737 году. Разъяренный успехом Жана-Батиста Ван Лоо, другого иностранца, обосновавшегося в Лондоне в 1737 году, Хогарт обратился к портретной живописи и в 1740 году представил в больницу для подкидышей преднамеренно неформальный портрет капитана Корама в полный рост. , из которых он был губернатором-основателем.С идеей создания постоянной выставки, где модные посетители могли бы полюбоваться лучшим в современной британской живописи, он координировал дар художников картин, которые будут висеть в офисах больницы для воспитанников; недавно украшенный зал суда был открыт в 1747 году. Он также продвигал художественное оформление сада Воксхолл, самого популярного из многих садов Лондона, принадлежащих его другу.

В 1743 году Хогарт отправился в Париж, чтобы нанять граверов для книги Marriage à la Mode , опубликованной в 1745 году.Двенадцать пластин Промышленность и праздность , дешевые гравюры, предназначенные для широкой публики, для которых не было произведено картин, последовали в 1747 году. Художник совершил вторую поездку в Париж в 1748 году и был выслан из Кале по обвинению в шпионаже. . В следующем году он купил загородный дом в Чизвике (ныне музей Хогарта). Он оставался активным в течение 1750-х годов, а в 1757 году был назначен королем сержантом Пейнтером. Он возмущался отказом сэра Ричарда Гросвенора купить Sigismunda , который, по сути, он заказал, и становился все более ожесточенным, став жертвой мании преследования.Он был болен целый год между 1760 и 1761 годами. Хотя он представил семь картин на выставку Общества художников в 1761 году, его здоровье ухудшалось, и он умер в Лестер-Филдс 25 октября 1764 года.

[Hayes, John. Британские картины шестнадцатого-девятнадцатого веков . Систематический каталог собраний Национальной галереи искусств. Вашингтон, округ Колумбия, 1992: 120-122]

Уильям Хогарт Стиль и техника

Темы:
Мораль:
Искусство Хогарта в основном сосредоточено на моральных кодексах, которые он и большая часть общества признают.Кодексы, которые регулярно игнорировались людьми из всех слоев общества и которые, по мнению художника, должны быть возвращены вниманию обычных людей.

Commercial Art:
Сделав гравюры популярными, Хогарт также помог вывести искусство в коммерческий мир. Его гравюры можно было печатать в большом количестве и были доступны каждому, и такая коммерциализация также подпитывалась отвращением Хогарта к произведениям великих мастеров, которые высмеивали в его карикатурах.

Из-за итальянского Возрождения у британского искусства никогда не было шанса добиться успеха самостоятельно, и это было то, что Хогарт был полон решимости исправить с помощью своих собственных картин.

В это время визитная карточка также становилась все более популярной, и создание знаков отличия было устойчивой работой, поскольку экономика Англии начала бум из-за увеличения печати, гравировки и инвестиций в мир искусства.

Анализ красоты:
«Анализ красоты» Хогарта сосредоточился на том, что он считал пятью аспектами видения искусства, которые создают успешную картину.Они обозначены как;

1. Фитнес:
Хогарт назвал фитнес понятием общепринятого представления о материальной красоте.

2. Разнообразие:
Относится к степени визуальной стимуляции, обеспечиваемой в работе, и прекрасным аспектам картины или сцены, которые заинтриговали бы глаз.

3. Регулярность:
Как зритель видел объекты и разнообразие форм в общепринятом смысле. Также ссылаясь на то, как объекты, помещенные в работу, были синхронизированы с основным фокусом и дополняли красивый аспект работы.

4. Сложность:
Это касается общих композиционных качеств работы и того, как глаз находит пространственные плоскости и ритм в произведении. Это также смотрит на то, как зритель определил работу приятным образом, когда он или она увидели изображение на двухмерном холсте.

5. Количество:
Насколько художник мог уместиться на холсте и насколько глаз предпочитал разнообразие, а не количество. Однако избыток разных предметов и персонажей в одной композиции может создать хаос, если он не соответствует первоначальному фокусу и поможет подчеркнуть основную тему.

Посредством такого рода анализа искусства Хогарт определил, что змеевик или S-образная кривая в стиле рококо очень важны. Он использовал его, чтобы предоставить зрителю красивую композицию и помочь создать визуальную гармонию и сложность в своей работе. Стиль рококо уделял большое внимание свободным и свободным линиям, чтобы создать красоту, очевидную на многих картинах того периода.

Цвет:
Палитра Хогарта приобрела очень теплые и насыщенные тона, сдержанные разнообразием светлых и темных коричневых тонов.Он в основном использовал темно-коричневые цвета для своих интерьеров и смело использовал черный, чтобы дополнить свои блестящие красные. Красный цвет широко использовался в его работах, особенно в его портретах. В некоторых своих работах Хогарт смешивал цвета, накладывая темные синие и серые тона на белые тона, чтобы создать текстуру ткани и тени.

Composition:
Хогарт создавал свои композиции из множества граней и предметов, используемых таким образом, чтобы создать гармонию в работе. Он включил различных персонажей, необходимых для повествования, не перегружая работу и не создавая хаоса.

Он сделал свои работы визуальным зрелищем и в то же время реализовал свою теорию «анализа красоты», усложнив работу.

Художник вставлял объекты по отношению к главным персонажам, такие как мебель и различные другие реквизиты, чтобы определить глубину и размер, а также добавить смысла произведению.

Brushstroke:
В своих портретных работах и ​​исторических картинах Хогарт использует стиль рококо — свободные мазки в свободно плавной натуре, широкой или тонкой.Даже в своих моральных произведениях, где это переполнено, он продолжает использовать толстую кисть, насыщенную краской, по холсту плавными, свободными мазками.

Хогарт также использовал случайную мазку и слегка прижимал кисть к холсту для более мелких деталей, таких как оборки и оборки там, где это необходимо.

Его самой экспериментальной работой была «Девушка-креветка»; Здесь его мазки больше вдохновлены голландскими мастерами, такими как Франс Хальс и Адриан Брауэр. Краска почти случайна и наносится свободно, без жесткой структуры.

Он использует краску густо, создавая ощущение движения на различных тканях. Свободные свободные линии и развертки позволяют зрителю увидеть текстуру в свете и тени.

Повальное увлечение джином: как Уильям Хогарт уловил дух грузинской Британии

Художник, социальный комментатор и полемист Уильям Хогарт (1697–1764) наиболее известен своими сатирическими гравюрами и картинами о Британии восемнадцатого века — обществе, которое он считал как глубоко ущербный, нецивилизованный и развратный.

Хогарт жил и работал в грузинскую эпоху, когда алкоголь играл центральную роль в обществе — вне зависимости от класса и богатства. Рост потребления дешевого джина с 1700-х годов — пик между 1720-ми и 1740-ми годами — привел к эпидемии запоя, которую историки теперь называют «безумием от джина».

Джин переулок (индекс

)

(фрагмент), 1751 г., гравюра Уильяма Хогарта (1697–1764)

Эта эпоха интоксикации привела к ряду ужасных медицинских и социальных проблем, включая насилие, безумие и часто смерть, и вызвала широко распространенное моральное возмущение, кульминацией которого стало вмешательство парламента и принятие окончательного закона о джине 1751 года.

Неутолимая жажда джина к 1743 году стала настолько сильной, что писатель (и печально известный алкоголик) Сэмюэл Джонсон однажды предупредил, что отнятие джина у бедных слоев населения вызовет «бунт». Для рабочего класса джин был дешевым и простым способом забыть о голоде и невзгодах, и часто его было безопаснее пить, чем загрязненная городская вода со сточными водами.

Тоник прозвали «народным опиумом», «мадам Женева» или «разорением матери», и Хогарт, который внимательно наблюдал за все более пьяным и праздным обществом, задокументировал разлагающее влияние джина лучше, чем любой из его современников.

Хогарт родился в Лондоне в 1697 году и достиг совершеннолетия во время популяризации джина в Великобритании. После политического и религиозного конфликта между Великобританией и Францией производство спирта стало более дешевой альтернативой французскому бренди и пиву, которые ранее были доминирующими формами алкоголя в лондонских тавернах и пивных.

После Славной революции 1688 года, положившей начало правлению Вильгельма Оранского как Вильгельма III, голландский джин был импортирован в Великобританию, и спирт на основе можжевельника (когда-то называемый «женевер» или «женевер») вскоре стал дистиллироваться и распространяться. через Лондон.Напитком наслаждались как беднейшие, так и самые богатые члены общества (включая королевскую семью и знаменитую королеву Анну).

Хотя джин был модным, его нерегулируемое производство означало, что его часто незаконно перегоняли в домах людей, и в раствор добавляли вредные заменители, добавки, которые могли вызвать серьезные проблемы со здоровьем или, в некоторых случаях, смерть — например, серная кислота, известковое масло. и скипидар.

«Магазин джина» по запискам и наброскам

1829 г., офорт Джорджа Крукшенка (1792–1878)

Историк и автор книги Хогарт: Жизнь и мир Дженни Углоу пишет, что джин продавался повсюду — в бакалейных лавках и на корабельных торговцах.В каждом здании был бар », а типичная вывеска над газовыми подвалами Лондона гласила:« Пьяный за пенни; мертвецки пьян за два гроша; чистая солома даром ». К 1730 году, по оценкам, в одном только Лондоне функционировало около 7000 магазинов с джином, которые ежегодно обслуживали около 10 миллионов галлонов «материнских руин».

В 1720-е и 1730-е годы Хогарт прославился не только тем, что был успешным художником, работающим на тему разговоров, но и открыто осуждал современные взгляды и вкусы, особенно богатой элиты.

Начиная с 1730-х годов, Хогарт развивал свою современную мораль, одними из самых известных являются Прогресс блудницы (1732), Прогресс граблей (1734), Брак в моде (1743), Пиво Улица и Gin Lane (1751) и Четыре стадии жестокости (1751). Эти сериалы продемонстрировали, что чрезмерное употребление алкоголя — а также общество, находящееся под влиянием алкоголя и моральной заброшенности — приведет к несчастью и разорению.

Прогресс блудницы

1732 г., гравюра Уильяма Хогарта (1697–1764)

На гравюре выше из «Прогресс блудницы» наивный главный герой Хогарта, Молл Хакабаут (рисунок слева), прибывает в город из сельской местности, где оказывается во владении матери Нидхэм — печально известной сводницы.

Войдя в город, Молл быстро сбивает с пути, и сериал заканчивается ее падением с благодати и преждевременной смертью. На фото 6 серии под названием Moll’s Wake ее гроб превращается в импровизированный бар в таверне — Мать Нидхэм симулирует скорбь, когда сжимает руку в сосуде с духом.

В начале восемнадцатого века рост преступности и проституции был обвинен в чрезмерном потреблении джина — женщины стали более зависимыми от алкоголя (и, следовательно, также сутенеры и мадам, если им посчастливилось заняться проституцией).Женщины со «свободными моральными устоями» стали тесно связаны с джином, так как напиток можно было подавать вне пивных, которые были преимущественно мужскими владениями. Среди других прозвищ джин стал известен как «дамское наслаждение».

В фильме « A Rake’s Progress » Хогарт повествует о падении своего вымышленного персонажа Тома Рэйквелла — наследника богатого торговца, который тратит все свои деньги на проституток, азартные игры и выпивку. В эпизоде ​​« Оргия » Том явно пьян в таверне «Роуз» в Ковент-Гардене, в окружении проституток (с пятнами сифилиса), которые используют его опьянение, чтобы украсть его часы.

Несмотря на свою удачу, Том попадает в тюрьму должников Флит, а затем Бедлам, где он лежит голый, одинокий и безумный. Изображая падение богатых, Хогарт указал своим современникам, что чрезмерные погони за удовольствиями могут привести к гибели любого, включая членов «приличного общества». A Rake’s Progress разоблачил лицемерие богатых, которые часто приписывали эпидемию джина исключительно бедным слоям населения.

Биограф Сэмюэля Джонсона, Джеймс Босуэлл, записал в своих дневниках в 1790 году, что регулярное чрезмерное употребление алкоголя в «вежливой компании» часто приводит к «полному забвению», что, возможно, мало чем отличается от сцены выше, снятой Хогартом.

Две гравюры Хогарта Beer Street и Gin Lane были созданы для совместного просмотра в 1751 году в поддержку Закона о джине того же года.Этот закон (восьмой раз, когда парламент пытался сократить производство джина) был прямым ответом на расследование Генри Филдинга о причинах — позднего увеличения количества грабителей , которое выявило связь между употреблением джина и преступностью:

«В последнее время среди нас возник новый вид пьянства, неизвестный нашим предкам, который, если его не положить конец, непогрешимо уничтожит большую часть низших людей. Пьянство, которое я здесь имею в виду…. этим ядом под названием Джин.

Первый из двух отпечатков, Beer Street, , показывает гармоничную уличную сцену, на которой гражданские лица выглядят веселыми и здоровыми, хотя и полноватыми. Корзины переполнены едой, а мужчины и женщины получают удовольствие от флирта.

Пивная улица (индекс

)

1751 г., гравюра Уильяма Хогарта (1697–1764)

Напротив, Gin Lane представляет собой сцену городского хаоса.Запустение разворачивается, когда помешанные на джине лондонцы вступают в драку в районе Сент-Джайлс — местечке с дурной репутацией в Блумсбери, известном своими борделями и магазинами джина.

Джин переулок (индекс

)

1751 г., гравюра Уильяма Хогарта (1697–1764)

На переднем плане пьяная женщина (воплощение «Mother Gin») не замечает, что ее ребенок падает в хранилище с джином внизу, поскольку она рассеянно нюхает табак.У ее ног в пьяном оцепенении лежит скелет, слабо сжимая в руке бутылку джина. Над его исхудавшей головой молодая мать наливает джин в раскрытый рот малыша.

Реальные события, превратившиеся в городские легенды, породили идею о том, что джин отвлекает матерей от их обязанностей. В 1734 году женщина по имени Джудит Дюфур возмутила общество после того, как задушила своего двухлетнего сына и продала его одежду для джина.

Даниэль Дефо, который ранее выступал за либерализацию производства джина, жаловался, что пьяные матери угрожают произвести на свет «прекрасное поколение с веретенообразными челюстями».В 1726 году «Ссора в таверне» провозгласила: «Когда женщина однажды напивается, я выдаю ее за потерянную, тогда она пренебрегает мужем, детьми, семьей и всем остальным из-за своего любимого напитка». Чрезмерные привычки женщин пить джин были настолько плохи, что в 1750 году писательница Элиза Хейвуд издала популярную книгу «« Подарок для женщин, пристрастившихся к выпивке ».

Больше, чем любой другой художник своего времени, Хогарт увековечил лондонскую эру пьяного и развратного повального увлечения джином через сатирические гравюры.Тем не менее, он уловил безумие тех, кто пристрастился к джину, с состраданием, а также насмешками и снисходительностью — понимая, что лишения и разврат общества привели к тому, что массы стали жертвами напитка.

Лидия Файджес, редактор контента Art UK

Уильям Хогарт: биография, картины и гравюры

Биография

Автопортрет Уильяма Хогарта

Уильям Хогарт родился 10 ноября 1697 года и был сыном Ричарда Хогарта, учителя латинского языка и школьного учителя.Поступив в ученичество на гравера по серебряным тарелкам в пятнадцать лет, Хогарт открыл собственную мастерскую в двадцать три года, посещая школу рисования на Сент-Мартинс-лейн. Однако из-за его естественного отвращения к копированию живых моделей интерес Хогарта к выразительным ценностям подражания быстро развился, что привело к его более позднему присоединению к рисовальной школе сэра Джеймса Торнхилла.

Несмотря на то, что Хогарт был признанным художником к 1730-м годам, у него часто возникали разногласия с продавцами гравюр, которые использовали его работы без компенсации.В ответ Хогарт часто комментировал и критиковал художественный истеблишмент, особенно в своей коллекции теорий The Analysis of Beauty . Хотя аукционы за его работы при его жизни продавались по низкой цене, Хогарт продолжал рисовать портреты для различных покровителей, а затем вернулся к производству гравюр повседневной лондонской жизни в 1751 году.

Художественный стиль и живопись

Лучший способ изучить работы Хогарта. смотрите ли вы на его картины или гравюры через сатирическую и выразительную линзу.В книге «Эстетизм в искусстве » Хогарт говорит читателю, что «лицо — это показатель ума». Другими словами, выражение лица — лучший способ определить и проанализировать характер человека. Хогарт в полной мере использует эту максиму в своих сатирических картинах, таких как серия Marriage a-la-mode .

Урегулирование брака 1743

В шести картинах « Брак в моде » Хогарт высмеивает и критикует идеализацию брака по расчету высшего класса в обществе 18-го века.Например, первая из серии, названная The Marriage Settlement , изображает обанкротившегося графа Скуандерфилда, консультирующегося со своими ростовщиками, гордо указывая на свое генеалогическое древо. Семейная пара, состоящая в браке по договоренности, отодвинута в сторону от картины, будущий жених пристально смотрит в зеркало, а будущая невеста полирует свое кольцо и разговаривает со своим адвокатом.

Присмотревшись к этой картине поближе, вы увидите, что выражения всех персонажей Хогарта, в том числе скованных собак на полу и картины на стене, дополняют сатирическую цель художника — и то, и другое — комментировать экономные браки. и художественный патронаж.

Гравюры с моральным посланием

Моральные послания Хогарта проявляются не только в его картинах, но и в его гравюрах. Предназначенные для более «неискаженной» аудитории, гравюры Хогарта были вырезаны с использованием деревянных блоков для более широкого распространения. В своей серии из четырех картин « Четыре стадии жестокости » Хогарт использует более смелые линии и более сильные акценты, чтобы подчеркнуть возрастающие стадии аморального убийцы. Начиная с мальчика, выражающего свою жестокость по отношению к животным, каждая картина перерастает в мальчика Тома Неро, который вырастает жестоким рабочим, а затем убийцей.

The Reward of Cruelty-1751 г.

На четвертой картине, озаглавленной « The Reward of Cruelty », Нерон казнен за свое убийство, а его тело рассечено и подвергнуто исследованию. Каждая картина завершается этим последним изображением казни Нерона как остатков его жестокости, таких как собака, поедающая его ожесточенное сердце, напоминая зрителю о справедливой награде за прошлые действия.

Краткое содержание урока

Резюме этого урока — когда вы анализируете одну из картин или гравюр Хогарта, смотрите на нее через сатирическую и выразительную линзу.Одна из сильных сторон Хогарта — его способность запечатлеть выражения лиц своих подопечных, которые связаны с его моральным посланием. Поскольку у Хогарта были длительные и часто враждебные отношения с продавцами гравюр и художественными учреждениями, художественный стиль Хогарта стал более популярным после его смерти в 1764 году.

Краткий урок

Работы Уильяма Хогарта, известные своими сатирическими картинами и гравюрами, являются произведениями искусства. отражение того, что он думал о других. По выражению лица Хогарт считал, что это лучший способ определить и проанализировать характер человека.Его работы также содержали моральные послания, которые обычно изображались в сериях, состоящих из нескольких частей.

Результаты обучения

Прочитав этот урок об Уильяме Хогарте, вы сможете:

• Рассказать о жизни Уильяма Хогарта
• Описать стиль Хогарта в искусстве и живописи
• Объясните, что Хогарт думал о выражениях лица и почему они являются ключевым элементом в его работах
• Определите одно из моральных посланий, которые Хогарт вложил в свою работу

Картины Уильяма Хогарта

Уильям Хогарт начал заниматься живописью, получив ранее образование на гравера и гравера по серебру.

Хогарт был художником, известным созданием серий произведений искусства в различных средах, из которых самая известная серия его картин — «Брак в моде». Хогарт утверждал, что сам научился работать с маслами, и существует мало доказательств, опровергающих это. Влияние искусства Хогарта выходило далеко за рамки его исключительных технических навыков, он также обращался к уникальным темам в своей работе.Например, две его знаменитые гравюры под названием «Джин-лейн» и «Пивная улица» отражают политическую предвзятость законодательства, касающегося алкоголя в Великобритании в то время.

Обращаясь к спорным темам, Хогарт заработал репутацию смелого художника, который не уклонялся бы от важных тем своего времени. Он также считается одним из самых талантливых из ранних грузинских художников не только в Великобритании, но и во всей Европе.Как и у всех спорных деятелей искусства, его работы разделили бы мнения, но теперь он пользуется большим уважением в истории европейского искусства, как в гравюре, так и в масляной живописи. Другие известные имена из британского искусства — Дж. М. У. Тернер, Джон Констебл, Томас Гейнсборо и Джордж Стаббс.

Несмотря на известность масляной живописи в мире искусства за последние несколько столетий, это область, которая не была исследована в карьере Хогарта в такой степени, как его гравюры и рисунки.Перед нами стояла задача собрать воедино всевозможные разрозненные ресурсы, чтобы уверенно представить полный каталог его картин. Этого удалось достичь в Уильяме Хогарте Элизабет Эйнберг, которую мы использовали для части содержания этого раздела. Во время его кончины художнику Хогарту был предложен и принят список заказов, которые он никогда не мог бы реально выполнить. Этот список незавершенных картин был задокументирован в различной корреспонденции, найденной при его личности во время его смерти.

Эта информация послужила отправной точкой, с которой биографы начали вести хронику всей его карьеры почти сразу после его смерти. Количество незавершенных заказов может свидетельствовать о том, что его смерть была особенно неожиданной и внезапной. Был период, известный как Хогартомания, который длился несколько десятилетий и привел к множеству неправильных приписываний его карьере ради финансовой выгоды. Картины Уильяма Хогарта, перечисленные в этом разделе, уверенно приписываются его руке и сопровождаются пояснительными описаниями к каждому произведению искусства.

Джошуа Рейнольдс Эдвин Ландсир Ганс Гольбейн

Антипрогресс Хогарта: как отец британской живописи пропал из наших галерей | Уильям Хогарт

Прошло 250 лет со дня смерти Уильяма Хогарта, поэтому я решил навестить его.Я отправился в галерею Тейт Британ, чтобы увидеть его драчливый автопортрет, написанный в 1745 году. Хогарт изображает себя типичным британским художником, более жестким, уличным и остроумным, чем все те европейские мазнецы, чьи работы ценились аристократами-коллекционерами его времени. .

Вы можете увидеть тех континентальных мастеров, искусно пародированных, загромождающих стены дворянского особняка на первой картине его визуального повествования «Брак в моде» в Национальной галерее. Голова Медузы и множество обнаженных тел висят в тускло освещенном великолепии, когда брачный договор заключается между дворянином, нуждающимся в деньгах, и купцом, который хочет дать своей семье голубую кровь.Все это шикарное искусство для Хогарта является своего рода моральным ядом, чей развращающий цинизм способствует бессилию, прелюбодеянию, дуэлям, сифилису и смерти, которые разворачиваются в следующих пяти язвительных сатирических картинах.

До Хогарта вообще не существовало такого понятия, как британское искусство. Было искусство, созданное в Британии такими великими европейскими мастерами, как Рубенс и Ван Дайк. Но именно Хогарт создал идею британской школы, британского стиля. Этот предприимчивый лондонец был колоссально амбициозен.В свой автопортрет в галерее Тейт он включает изображение «змеиной линии красоты», его собственное переопределение красоты как чего-то извилистого, извилистого и живого, а не жесткого и классического. Эта идея с тех пор нашла свое отражение в современной культуре, вплоть до романа Алана Холлингхерста «Линия красоты», получившего награду Букера.

«Урегулирование брака», открывающая картина из серии «Брак в моде» Хогарта, 1743-45. Фотография: Мартин Арглес / Guardian

Итак, британский стиль Хогарта необычен и дикий, как и лондонская жизнь, которая его вдохновила.Прежде всего это реально. Он и его собака оглядываются от своего портрета с грубой правдой. Они солидные. Искусство Хогарта невероятно правдиво и весело. Он всегда видит не прикрытие аристократии, а проститутку, тайно мастурбирующую викарию на похоронах. Белый носовой платок священника, изображенный в этой детали на последнем отпечатке книги Хогарта «Прогресс блудницы», перетекает через его черную сутану в типично хогартском изображении эякуляции. Выражения их лиц завершают рассказ.

Новый вид современного повествования — еще одна художественная революция Хогарта.Он жил в то время, когда родился современный роман, и дружил с писателем Генри Филдингом. В своих предисловиях Филдинг сравнивает собственное искусство с искусством Хогарта. В картинах и гравюрах, написанных маслом, Хогарт рассказывает мрачно-комические истории о граблях и блуднице, убийце и лорд-мэре. Его искусство — один из поистине великих вкладов Великобритании в мировую культуру.

Итак, я добрался до Тейт Британ и направился в его галерею 18-го века. Но где автопортрет Хогарта? Где были другие потрясающие образцы его искусства Тейта? Никуда.Ненавижу стонать (нет, правда), но я должен спросить, почему человек, который изобрел британское искусство, так явно отсутствует в «Прогулке по британскому искусству» Tate Britain.