Технические приемы в разных видах изобразительного искусства: 404 Страница не найдена

Содержание

Виды искусства и их классификация

ВВЕДЕНИЕ

Одной из основных задач нашего общества, встающих перед системой современного образования, является формирование культуры личности. Актуальность этой задачи связана с пересмотром системы жизненных и художественно-эстетических ценностей. Формирование культуры подрастающего поколения невозможно без обращения к художественным ценностям накопленных обществом в процессе своего существования. Таким образом, становится очевидна необходимость изучения основ истории искусств.

Для того чтобы наиболее полно понять искусство определенной эпохи необходимо ориентироваться в искусствоведческой терминологии. Знать и понимать суть каждого из видов искусств. Только в случае владения категориально-понятийной системой человек сможет наиболее полно осознать эстетическую ценность памятников искусства.

КЛАССИФИКАЦИЯ ВИДОВ ИСКУССТВА

Искусство (творческое отражение, воспроизведение действительности в художественных образах.

) существует и развивается как система взаимосвязанных между собой видов, многообразие которых обусловлено многогранностью самого (реального мира, отображаемого в процессе художественного творчества.

Виды искусства — это исторически сложившиеся, формы творческой деятельности, обладающие способностью художественной реализации жизненного содержания и различающиеся по способам ее материального воплощения (слово в литературе, звук в музыке, пластические и колористические материалы в изобразительном искусстве и т. д.).

В современной искусствоведческой литературе сложились определенная схема и система классификации искусств, хотя единой до сих пор нет и все они относительны. Наиболее распространенной схемой является его деление на три группы.

В первую — входят пространственные или пластические виды искусств. Для этой группы искусств существенным является пространственное построение в раскрытии художественного образа — Изобразительное искусство, Декоративно-прикладное искусство, Архитектура, Фотография.

Ко второй группе относятся временные или динамические виды искусств. В них ключевое значение приобретает развертывающаяся во времени композиция — Музыка, Литература.
Третью группу представляют пространственно-временные виды, которые называются также синтетическими или зрелищными искусствами — Хореография, Литература, Театральное искусство, Киноискусство.

Существование различных видов искусств вызвано тем, что ни одно из них своими собственными средствами не может дать художественную всеобъемлющую картину мира. Такую картину может создать только вся художественная культура человечества в целом, состоящая из отдельных ви-дов искусства.

ХАРАКТЕРИСТИКА ВИДОВ ИСКУССТВ

АРХИТЕКТУРА

Архитектура (греч. «architecton» — «мастер, строитель») — монументальный вид искусства, целью которого является создание сооружений и зданий, необходимых для жизни и деятельности человечества, отвечая утилитарным и духовным потребностям людей.

Формы архитектурных сооружений зависят от географических и климатических условий, от характера ландшафта, интенсивности солнечного света, сейсмической безопасности и т. д.

Архитектура теснее, чем другие искусства, связана с развитием производительных сил, с развитием техники. Архитектура способна объединяться с монументальной живописью, скульптурой, декоративным и другими видами искусства. Основа архитектурной композиции — объемно-пространственная структура, органическая взаимосвязь элементов здания или ансамбля зданий. Масштаб сооружения во многом определяет характер художественного образа, его монументальность или интимность.

Архитектура не воспроизводит действительность непосредственно, она носит не изобразительный, а выразительный характер.

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Изобразительное искусство-группа видов художественного творчества, воспроизводящих визуально воспринятую действительность. Произведения искусства имеют предметную форму, не изменяющуюся во времени и пространстве. К изобразительному искусству относятся: живопись, графика, скульптура.

ГРАФИКА

Графика (в переводе с греческого — «пишу, рисую») — это, прежде всего рисунок и художественные печатные произведения (гравюра, литография). Она основана на возможностях создания выразительной художественной формы путем использования разных по окраске линий, штрихов и пятен, наносимых на поверхность листа.

Графика предшествовала живописи. Вначале человек научился запечатлевать очертания и пластические формы предметов, потом различать и воспроизводить их цвета и оттенки. Овладение цветом было историческим процессом: не все цвета были освоены сразу.

Специфика графики — линейные соотношения. Она, воспроизводя формы предметов, передает их освещенность, соотношение света и тени и т. д. Живопись запечатлевает реальные соотношения красок мира, в цвете и через цвет она выражает существо предметов, их эстетическую ценность, выверяет их общественное назначение, их соответствие или противоречие окружающему.

В процессе исторического развития в рисунок и в печатную графику стал проникать цвет, и теперь уже к графике относят и рисунок цветными мелками — пастель, и цветную гравюру, и живопись водяными красками -акварель и гуашь. В различной литературе по искусствознанию существуют различные точки мнения по поводу графики. В одних источниках: графика — это вид живописи, а в других — это отдельный подвид изобразительного искусства.

ЖИВОПИСЬ

Живопись — плоскостное изобразительное искусство, специфика которого заключается в представлении при помощи красок, нанесенных на поверхность изображение реального мира, преобразованных творческим воображением художника.

Живопись подразделяется на:

— монументальную — фреска (от итал. Fresco) — живопись по сырой штукатурке красками разведенными на воде и мозаика (от французского mosaiqe) изображение из цветных камней, смальты (Смальта — цветное прозрачное стекло.), керамических плиток.

— станковую (от слова «станок») — полотно которое создается на мольберте.

Живопись представлена разнообразными жанрами (Жанр (французское genre, от лат. genus, родительный падеж generis — род, вид) — художественное, исторически сложившееся внутреннее подразделение во всех видах искусства.):

— Портрет — основная задача передать представление о внешнем облике человека, раскрыть внутренний мир человека, подчеркнуть его индивидуальность, психолого-эмоциональный образ.

— Пейзаж — воспроизводит окружающий мир во всем многообразии его форм. Изображение морского пейзажа определяется термином маринизм.

— Натюрморт — изображение предметов быта, орудий труда, цветов, фруктов. Помогает понять мировоззрение и уклад определенной эпохи.

— Исторический жанр — рассказывает об исторически важных моментах жизни общества.

— Бытовой жанр — отражает повседневную жизнь людей, нрав, обычаи, традиции того или иного этноса.

— Иконопись (в переводе с греческого «молитвенный образ») — основная цель направить человека на путь преображения.

-Анимализм — изображение животного, как главного героя художественного произведения.

В XX в. характер живописи меняется под влиянием средств технического прогресса (появление фото- и видео аппаратуры), что приводит к появлению новых форм искусства — Мультимедийное искусство.

СКУЛЬПТУРА

Скульптура — пространственно — изобразительное искусство, ос-ваивающее мир в пластических образах.

Основными материалами, применяемыми в скульптуре, являются камень, бронза, мрамор, дерево. На современном этапе развития общества, техногенного прогресса расширилось количество материалов, используемых для создания скульптуры: сталь, пластик, бетон и другие.

Существует две основные разновидности скульптуры: объемная трехмерная (круговая) и рельеф:

— горельеф — высокий рельеф,

— барельеф — низкий рельеф,

— контррельеф — врезной рельеф.

По определению скульптура бывает монументальная, декоративная, станковая.

Монументальная — используется для украшение улиц и площадей города, обозначения исторически важных мест, событий и т.

п. К монументальной скульптуре относятся:

— памятники,

— монументы,

— мемориалы.

Станковая — рассчитана на осмотр с близко расстояния и предназначена для украшения внутренних помещений.

Декоративная — используется для украшения быта (предметы мелкой пластики).

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО.

Декоративно-прикладное искусство — вид творческой деятельности по созданию предметов быта, предназначенных для удовлетворения утилитарных и художественно-эстетических потребностей людей.

К декоративно-прикладному искусству относятся изделия, выполняемые из разнообразных материалов и с помощью различных технологий. Материалом для предмета ДПИ может служить металл, дерево, глина, камень, кость. Весьма разнообразны технические и художественные приемы изготовления изделий: резьба, вышивка, роспись, чеканка и др. Основная характерная особенность предмета ДПИ — декоративность, заключающаяся в образности и стремлении украсить, сделать лучше, красивее.

Декоративно-прикладное искусство имеет национальный характер. Так как происходит из обычаев, привычек, верований определенного этноса, приближено к укладу его быта.

Важной составляющей декоративно — прикладного искусства являются народно-художественные промыслы — форма организации художественного труда, основанного на коллективном творчестве, развивающем культурную местную традицию и ориентированном на продажу промысловых изделий.

Ключевая творческая идея традиционных промыслов — утверждение единства природного и человеческого мира.

Основными народными промыслами России являются:

— Резьба по дереву — Богородская, Абрамцево-кудринская;

— Роспись по дереву — Хохломская, Городецкая, Полхов-Майданская, Мезенская;

— Декорирование изделий из бересты — тиснение по бересте, роспись;

— Художественная обработка камня — обработка камня твердой и мягкой породы;

— Резьба по кости — Холмогорская, Тобольская. Хотьковская

— Миниатюрная живопись на папье-маше — Федоскинская миниатюра, Палехская миниатюра, Мстерская миниатюра, Холуйская миниатюра

— Художественная обработка металла — Великоустюжское черневое серебро, Ростовская финифть, Жостовская роспись по металлу;

— Народная керамика — Гжельская керамика, Скопинская керамика, Дымковская игрушка, Каргопольская игрушка;

— Кружевоплетение — Вологодское кружево, Михайловское кружево,

— Роспись по ткани — Павловские платки и шали

— Вышивка — Владимирская, Цветная перевить, Золотошвейная вышивка.

ЛИТЕРАТУРА

Литература — вид искусства, в котором материальным носителем образности является слово.

В сферу литературы входят природные и общественные явления, различные социальные катаклизмы, духовная жизнь личности, ее чувства. В разных своих жанрах литература охватывает этот материал или через драматическое воспроизведение действия, или через эпическое повествование о событиях, или через лирическое самораскрытие внутреннего мира человека.

Литература подразделяется на:

— Художественную

— Учебную

— Историческую

— Научную

— Справочную

Основными жанрами литературы являются:

— Лирика — один из трех основных родов художественной литературы, отражает жизнь путем изображения разнообразных человеческих переживаний, особенность лирики стихотворная форма.

— Драма — один из трех основных родов художественной литературы, сюжетное произведение написанное в разговорной форме и без авторской речи.

— Эпос — повествовательная литература, один из трех основных родов художественной литературы, включает в себя:

— Эпопея — крупное произведение эпического жанра.

— Новелла — повествовательный прозаический (гораздо реже — стихотворный) жанр литературы, представляющий малую повествовательную форму.

— Повесть (рассказ) — литературный жанр, который отличается менее значительным объемом, меньшим количеством фигур, жизненным содержанием и широтой

— Рассказ — Эпическое произведение небольших размеров, которое отличается от новеллы большей распространенностью и произвольностью композиции.

— Роман — большое повествовательное произведение в прозе, иногда в стихах.

— Баллада — лирико-эпическое стихотворное сюжетное произведение, написанное строфами.

— Поэма — сюжетное литературное произведение лирико-эпического характера в стихах.

Специфика литературы есть явление историческое, все элементы и составные части литературного произведения и литературного процесса, все особенности литературы находятся в постоянном изменении. Литература — живая, подвижная идейно-художественная система, чутко реагирующая на изменения жизни. Предшественником литературы является устное народное творчество.

МУЗЫКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Музыка — (от греч. musike — букв. — искусство муз), вид искусства, в котором средством воплощения художественных образов служат определенным образом организованные музыкальные звуки. Основные элементы и выразительные средства музыки — лад, ритм, метр, темп, громкостная динамика, тембр, мелодия, гармония, полифония, инструментовка. Музыка фиксируется в нотной записи и реализуется в процессе исполнения.

Принято разделение музыки на светскую и духовную. Основная область духовной музыки — культовая. С европейской культовой музыкой (обычно называемой церковной) связано развитие европейской музыкальной теории нотного письма, музыкальной педагогики. По исполнительским средствам музыка подразделяется на вокальную (пение), инструментальную и вокально-инструментальную. Музыка нередко соединяется с хореографией, театральным искусством, кино. Различают музыку одноголосную (монодия) и многоголосную (гомофония, полифония). Музыка подразделяется:

— на роды и виды — театральная (опера, и т. п.), симфоническая, камерная и др.;

— на жанры — песня, хорал, танец, марш, симфония, сюита, соната и др.

Музыкальным произведениям свойственны определенные, относительно устойчивые типичные структуры. Музыка использует, в качестве средства воплощения действительности и человеческих чувств, звуковые образы.

Музыка в звуковых образах обобщенно выражает существенные процессы жизни. Эмоциональное переживание и окрашенная чувством идея, выражаемые через звуки особого рода, в основе которых лежат интонации человеческой речи, — такова природа музыкального образа.

ХОРЕОГРАФИЯ

Хореография (гр. Choreia — пляска+ grapho — пишу) — вид искусства, материалом которого являются движения и позы человеческого тела, поэтически осмысленные, организованные во времени и пространстве, составляющие художественную систему.

Танец взаимодействует с музыкой, вместе с ней образуя музыкально-хореографический образ. В этом союзе каждый компонент зависит от другого: музыка диктует танцу собственные закономерности и одновременно испытывает воздействие со стороны танца. В ряде случаев танец может исполняться без музыки — в сопровождении хлопков, выстукивание каблуками и т. п.

Истоками танца стали: имитация трудовых процессов; ритуальные торжества и обряды, пластическая сторона которых имела определенную регламентацию и семантику; пляска стихийно выражающая в движениях в движениях кульминацию эмоционального состояния человека.

Танец всегда, во все времена, был связан с жизнью и бытом людей. Поэтом каждый танец отвечает характеру, духу того народа, у которого он зародился.

ТЕАТРАЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Театр — вид искусства, художественно осваивающий мир через драматическое действие, осуществляемое творческим коллективом.

Основа театра — драматургия. Синтетичность театрального искусства определяет его коллективный характер: в спектакле объединяются творческие усилия драматурга, режиссера, художника, композитора, хореографа, актера.

Театральные постановки подразделяются по жанрам:

— Драма;

— Трагедия;

— Комедия;

— Мюзикл и т.д.

Театральное искусство уходит своими корнями в глубокую древность. Его важнейшие элементы существовали уже в первобытных обрядах, в тотемических плясках, в копировании повадок животных и т. д.

ФОТОИСКУССТВО.

Фотография (гр. Phos (photos) свет+ grafo пишу) — искусство, воспроизводящее на плоскости, посредством линий и теней, самым совершенным образом и без возможностей ошибки, контур и форму передаваемого ею предмета.

Специфическая особенность фотоискусства органическое взаимодействие в нем творческого и технологического процессов. Фотоискусство сложилось на рубеже ХIХ-ХХ веков в результате взаимодействия художественной мысли и прогресса фотографической науки и техники. Его возникновение было исторически подготовлено развитием живописи, ориентировавшейся на зеркальное точное изображение видимого мира и использовавшей для достижения этой цели открытия геометрической оптики (перспектива) и оптические приборы (камера — обскура).

Специфика фотоискусства состоит в том, что оно дает изобра-зительный образ документального значения.

Фотография дает образ художественно выразительный и с достоверностью запечатляющий в застывшем изображении существенный момент действительности.

Жизненные факты в фотографии почти без дополнительной об-работки переносятся из сферы действительности в сферу художественную.

КИНОИСКУССТВО

Кино — искусство воспроизведения на экране запечатленных на пленку движущихся изображений, создающих впечатление живой действительности. Кино изобретение XX в. Его появление определено достижениями науки и техники в области оптики, электротехники и фототехники, химии, и т. д.

Кино передает динамику эпохи; работая временем как средством выразительности, кино способно передать смену различных событий в их внутренней логике.

Кино это синтетическое искусство в него включены органические элементы такие как, литература (сценарий, песни), живопись (мультфильм, декорации в художественном фильме), театральное искусство (игра актеров), музыка, которая служит средством дополнения зрительного образа.

Кино можно условно подразделить на научно-документальное и художественное.

Определены также жанры кино:

— драма,

— трагедия,

— фантастика,

— комедия,

— историческое и т.д.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Культура играет особую роль в совершенствовании личности, в формировании её индивидуальной картины мира, ибо в ней аккумулирован весь эмоционально-нравственный и оценочный опыт Человечества.

Проблема художественно-эстетического воспитания в формировании ценностных ориентаций подрастающего поколения стала объектом внимания социологов, философов, теоретиков культуры, искусствоведов. Данное учебно-справочное пособие является небольшим дополнением к огромному пласту учебного материала касаемого сферы искусства. Автор выражает надежду, что он послужит хорошим подспорьем для студентов, учащихся и всех кому небезразлично искусство.

Роль и значение рисунка в профессиональной деятельности дизайнера Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

на уроках физики по школьному курсу физики, где предлагается иллюстрированный словарь физических терминов с использованием программной среды Adobe Dreamweaver. Разработанный ЭОР имеет следующую структуру:

• Титульный лист дисциплины

• Рабочая программа

• Техническая карта

• Конспект лекций

• Практические занятия

• Иллюстрированный словарь физических терминов

Библиографический список

• Контролирующий материал

• Список литературы

Наш иллюстрированный словарь физических терминов имеет не только текстовое представление терминов, но и графическую форму и элементы мультимедиа.

Использование авторского ЭОР позволяет повысить эффективность усвоения основного материала школьного курса физики для 7 — 11 классов, о чём свидетельствуют результаты опытно-экспериментальной работы в Республиканском центре дистанционного обучения детей-инвалидов.

1. Панюкова С.В. Использование информационных и коммуникационных технологий в образовании: учебное пособие для студентов высших учебных заведений Москва, 2010.

2. Поппер К.Р. Логика и рост научного знания. Составитель, общая редакция и вступительная статья В.Н. Садовского. Москва, 1983.

3. Волошина Т.П., Кашицин В.П., Молчанова О.П. Образование в эпоху новых информационных технологий. Москва, 1995.

4. Панкова Е.В. Использование электронных образовательных ресурсов (ЭОР) в образовательном процессе. Библиотеки и информационные ресурсы в современном мире науки, культуры, образования и бизнеса. Available at: http://www.gpntb.ru/win/inter-events/ crimea2013/disk/012.pdf

5. Земсков А.И. Электронные библиотеки: учебное пособие для студентов университетов культуры и искусств. Москва, 2004.

6. Листопад Н.И. Электронные средства обучения: состояние, проблемы и перспективы. Высшая школа. 2008; 6: 6 — 14.

7. Бородина Т.Ф. Применение электронных образовательных ресурсов в образовательном процессе вуза и определение их эффективности. Молодой учёный. 2014; 13: 241 — 243.

References

1. Panyukova S.V. Ispol’zovanie informacionnyh i kommunikacionnyh tehnologij v obrazovanii: uchebnoe posobie dlya studentov vysshih uchebnyh zavedenij Moskva, 2010.

2. Popper K.R. Logika irostnauchnogo znaniya. Sostavitel’, obschaya redakciya i vstupitel’naya stat’ya V.N. Sadovskogo. Moskva, 1983.

3. Voloshina T.P., Kashicin V.P., Molchanova O.P. Obrazovanie v ‘epohu novyh informacionnyh tehnologij. Moskva, 1995.

4. Pankova E.V. Ispol’zovanie ‘elektronnyh obrazovatel’nyh resursov (‘EOR) v obrazovatel’nom processe. Biblioteki i informacionnye resursy v sovremennom mire nauki, kul’tury, obrazovaniya ibiznesa. Available at: http://www.gpntb.ru/win/inter-events/crimea2013/disk/012.pdf

5. Zemskov A.I. ‘Elektronnye biblioteki: uchebnoe posobie dlya studentov universitetov kul’tury i iskusstv. Moskva, 2004.

6. Listopad N.I. ‘Elektronnye sredstva obucheniya: sostoyanie, problemy i perspektivy. Vysshaya shkola. 2008; 6: 6 — 14.

7. Borodina T.F. Primenenie ‘elektronnyh obrazovatel’nyh resursov v obrazovatel’nom processe vuza i opredelenie ih ‘effektivnosti. Molodoj uchenyj. 2014; 13: 241 — 243.

Статья поступила в редакцию 21. 01.16

УДК 37.05

Kiselyova N.E., Cand. of Art Criticism, senior lecturer, Department of History of Russian and Foreign Arts, Altai State University

(Barnaul, Russia), E-mail: [email protected]

ROLE AND VALUE OF DRAWING IN PROFESSIONAL ACTIVITY OF THE DESIGNER. In the article art concepts, techniques and creative methods of famous masters of the fine arts in the context of historical development are considered. The basics of a concept «drawing» is defined. The technique of training in drawing in Ancient Greece, Renaissance is characterized. Specific techniques used in the Russian school of realistic drawing in XVIII-XIX centuries are revealed. The research reveals a role of drawing as technical training to professional activity of future graphic designers and stylists. Value of graphic disciplines for formation of the informative abilities of the designer inducing pupils to creative creation and an embodiment of deep ideas by disclosure and realization of a plan means of realistic drawing is defined. Training in drawing of art specialties fixes and develops volume and spatial vision of natural motive, understanding of any model as an integral and diverse form, ability to transfer a line, a stroke, tone on paper.

Key words: fine arts, drawing, techniques, history, creativity, design.

Н.Е. Киселева, канд. искусств., доц. каф. истории отечественного и зарубежного искусства Алтайского

государственного университета, г. Барнаул, E-mail: [email protected]

РОЛЬ И ЗНАЧЕНИЕ РИСУНКА В ПРОФЕССИОНАЛЬНОЙ ДЕЯТЕЛЬНОСТИ ДИЗАЙНЕРА

В данной статье рассматриваются художественные концепции, технические приёмы и творческие методы известных мастеров изобразительного искусства в контексте исторического развития. Определяется сущность понятия «рисунок». Охарактеризована методика обучения рисунку в Древней Греции, эпоху Возрождения. Выявлены специфические приёмы русской школы реалистического рисунка xVlII- XIX вв. Раскрываются роль рисунка как технической подготовки к профессиональной деятельности художника-дизайнера и стилиста. Определено значение графических дисциплин для формирования познавательных способностей дизайнера, побуждающих учащихся к творческому созиданию и воплощению глубоких идей путем раскрытия и реализации замысла средствами реалистического рисунка. Обучение рисунку художественных специальностей закрепляет и развивает объёмно-пространственное видение натурного мотива, понимание устройства любой модели как цельной и многообразной формы, умение передавать линией, штрихом, тоном, пятном на бумаге свое восприятие действительности.

Ключевые слова: изобразительное искусство, рисунок, технические приёмы, история, творчество, дизайн.

В настоящее время дизайн представляет собой особую сферу деятельности, связанную с формированием эстетически выразительной предметно-пространственной среды, обогащённой художественными приёмами, заимствованными из других сфер искусства. Рисунок, имея немаловажное значение в дизайне, довольно часто недооценивается в связи с компьютеризацией тех-

нологического процесса. Развивая целый пласт знаний, умений и навыков, занятия рисунком незаменимы в профессиональной деятельности дизайнера и имеют неограниченные возможности для развития творческих способностей студентов, для формирования художественного вкуса и художественных потребностей [1, с. 206]. Рисунок связывает академическое изобразительное

искусство и дизайна такими категориями как форма, пластика и пространство. Убедительное творчество, грамотное владение формой, понимание закономерностей пространства, профессиональное использование средств изобразительной выразительности и принципов создания композиции возможно лишь при вдумчивом и последовательном подходе к разработке любых видов дизайна, знании исторического аспекта становления и развития рисунка. Следовательно, возникает необходимость анализа исторического аспекта развития и становления рисунка и выявления специфики его применения в дизайнерской деятельности.

Рисунок — это изображение, нарисованное при помощи графических средств — точки, линии, штриха, прямой. Своё начало искусство рисунка берёт ещё со времён палеолита, с первых изображений животных, высеченных на камнях, костях, нарисованных в пещерах. Из истории известно, что рисунок появился как средство общения между людьми задолго до письменности, в дальнейшем на его основе развивалось рисунчатое письмо. От искусства древних цивилизаций и до нашего времени учеба изобразительному искусству всегда начинается с рисунка. Рисунок является основой не только графики, но и других видов изобразительного искусства.

Начало теоретического обоснования правил рисования принадлежит египтянам, установивших определенные каноны в изобразительном искусстве. Обучение технике рисования в Древнем Египте осуществлялось по двум направлениям. С одной стороны, вырабатывалось свободное движение руки, чтобы ученик мог легко наносить кистью главные контурные линии на поверхность доски или папируса. С другой — ученик должен был иметь крепкую и твёрдую руку, чтобы уверенно выцарапать контур рисунка на стене для фрески, на камне для барельефа и др.

Древнегреческие художники при разработке своих канонов исследовали человеческое тело. Они утверждали, что сущность прекрасного заключается в стройном порядке, симметрии, в гармонии частей и целого. Художники Греции старались изобразить реальный мир как можно точнее, поэтому в основу метода обучения рисунку было положено рисование с натуры. В эпоху Римской империи само изобразительное искусство, а значит и рисунок, приняло как бы прикладной характер. Поэтому при обучении рисованию преобладало копирование образцов, повторение приемов работы древних греков. Средневековое изобразительное искусство отвергало реалистические тенденции, если они не отвечали религиозному сюжету. Рисунок был направлен не на точность передачи натуры, а на её эмоциональное, духовное состояние [2, с. 14].

Все разновидности технических приемов рисунка, дошедшие до нашего времени в основном сложились в эпоху Возрождения в Италии. Уже тогда в рисунке применялись свинцовые, серебряные и другие металлические грифели (штифты), графит, итальянский карандаш, сангина, уголь, мел, пастель, а также акварель и белила. Рисовали гусиными и тростниковыми перьями, кистями на белой бумаге и бумаге разнообразных цветов тонированной и грунтованной. Всё это привело к исключительному богатству художественных и технических приёмов.

Техника рисунка, сложившаяся в эпоху Возрождения, оказала сильнейшее влияние на последующие поколения художников и стала основой для многих художественных школ, которые выработали свои технические и художественные приемы работы теми же материалами. Строгую, линейную манеру рисунка вырабатывали художники Возрождения, принадлежавшие к флорентийской и римской школам: А. Матеньи, Леонардо да Винчи, Микеланджело.

В эпоху Возрождения открывались законы перспективы, закладывались практические основы отображения технической информации новыми графическими способами. Великим Леонардо да Винчи в наследство потомкам были оставлены графические изображения летательного аппарата, метательных машин. Они были выполнены особым способом, который его современники называли «конической перспективой». Этот способ не потерял свою актуальность и по сей день. В настоящее время он называется «линейной перспективой» и используется в архитектуре, рисунке, живописи, дизайне. Венецианские художники, напротив, рисовали в свободной манере, например Тициан, Паоло Вероне-зе, Якопо Тинторетто предпочитали использовать легкий живописный штрих и пятно. Великими мастерами линейного рисунка, выполненного серебряным штифтом, были Ян ван Эйк, Альбрехт Дюрер, Рафаэль и другие. Художником, блестяще владеющим графитным карандашом, в первой половине XIX века был французский художник Жан Огюст Доминик Энгр [3, с. 28].

Русская школа XVIII и XIX веков также внесла много нового в технику рисунка. Виртуозно владели рисунком О. Кипренский, К. Брюллов и ряд других учеников Академии художеств. Они часто выполняли работы на слегка желтой или голубой бумаге с использованием её тона, что избавляло рисунок от излишней перегруженности листа. Учебные рисунки этих художников украшают в настоящее время крупные музеи изобразительного искусства.

Рисунки русских мастеров А. Лосенко, А. Иванова, И. Репина и многих других дают прекрасные примеры различных приёмов использования материала. И. Репин любил выполнять остропсихологические рисунки графитным карандашом и использовать в них растушку. Из рисунков углем на холсте интересен «Портрет Элеоноры Дузе». Художник применил в нем разнообразные технические приёмы: то уголь кладётся плашмя, особенно при изображении одежды и фона, и слегка растирается, то работа ведется свободным, широким штрихом. Репин очень умело передаёт фактуру платья, кресла, волос с помощью угля и шероховатой поверхности холста [4, с. 31].

Русские художники второй половины XIX века развили и широко использовали в своем искусстве технику соуса как сухого, так и мокрого, когда он разводится водой, подобно акварели. Рисунки В. Серова, Б. Кустодиева, В. Борисова-Мусатова, М. Врубеля представляют собой образцы мастерского сочетания разнообразных рисовальных материалов в одном листе. В. Серов, работая над «Портретом О.К. Орловой», применил уголь, сангину и цветные карандаши. Художник использовал почти все употреблявшиеся в его время художественные материалы, извлекая из них максимальные возможности, необходимые для создания произведения. Ему удалось добиваться простоты и общей гармонии тона, несмотря на сложную технику исполнения. Обладавший высоким мастерством, виртуозной техникой и тонким вкусом, Серов создал немало великолепных рисунков. Особую манеру наложения штрихов М. Врубелем невозможно спутать с почерком другого художника. Чтобы он не изображал -розу в стакане, пейзаж, ребёнка в кроватке — нервные, угловатые, перекрещивающиеся врубелевские штрихи безошибочно узнаются.

Пером, как инструментом рисования, охотно пользовались великие мастера всех поколений Леонардо да Винчи, Микелан-джело, Тициан, Дюрер, Рембранд, Доре, И. Репин, В. Серов, М. Врубель и многие другие. Они оставили нам неповторимые и бесконечно разнообразные перовые рисунки. Обычно рисовали чернилами, тушью, сепией (краской коричневого цвета) на гладкой плотной белой или тонированной бумаге. Часто сочетали технику работы пером и кистью. Приёмы перового рисунка разнообразны, их создавали выдающиеся мастера западноевропейского и русского искусства. Рисунок пером требует от художника точности и уверенности, так как почти невозможно внести исправления.

Таким образом, у каждой эпохи и каждого художника был свой излюбленный инструмент и материал для рисования, который более всего соответствовал его художественному мировосприятию. Так, поздней готике и раннему Ренессансу свойственны чисто линейные инструменты: металлический грифель и перо. В эпоху Высокого Возрождения перо продолжает играть важную роль, но не столько для выделения контура, сколько для штриховки, лепки формы. Вместе с тем происходит обращение рисовальщиков к итальянскому карандашу и сангине (то есть к светотени), а во второй половине XVI века увлечение сочетанием пера и кисти (лавис) свидетельствует о том, что линия и лепка формы в рисунке начинают уступать место пятну, тону. Может показаться, что для рисовальщиков XVII века нет излюбленной техники — всеми они владеют с одинаковой охотой и совершенством. Но если присмотреться поближе, то станет ясно, что всеми техниками рисунка они владеют так, как будто рисуют кистью. Наконец, в XVIII веке явно преобладает многокрасочная техника, и чаще всего в «три карандаша». Таким образом, ясно намечается развитие от линии к пятну и тону [5, с. 204].

Это свидетельствует о том, что у рисунка есть все неисчерпаемые стилистические и тематические возможности. Рисунок, с одной стороны, есть вспомогательное средство живописца, скульптора, дизайнера, с другой стороны — совершенно самостоятельное средство выражения, могущее воплощать глубокие идеи и тончайшие нюансы чувств. Быстрая и послушная техника рисования выявляет органическое сотрудничество руки художника и его фантазии. Ни одна художественная техника не способна воплотить столь непосредственно свежесть и интенсивность выдумки или мимолетность впечатления, как рисунок.

Богатый материал для изучения техники рисунка мировой и русской школ находится в крупнейших художественных музеях. Художники XX и XXI века продолжают развивать традиции русской школы реалистического рисунка и создают много нового в области свободного, островыразительного, экспрессивного, нарушающего традиционные нормы рисунка авангардных направлений.

В настоящее время профессия «дизайнер» интегрирует в себе научное и инженерно-техническое знание со способностью художественно-образной интерпретации проектных ситуаций. Это своеобразный сплав искусства и инженерных знаний. «Сегодня российскому рынку нужны не просто дизайнеры интерьеров или графические дизайнеры, а, прежде всего — конкурентоспособные, социально и профессионально мобильные личности, готовые и способные мыслить проектно, ориентироваться в информационных потоках, решать концептуальные задачи, иметь осознанные цели и ценности» [6, с. 82].

Рассматривая роль и значение рисунка в дизайнерской деятельности, следует отметить, что рисунок для дизайнера является основным средством выражения замысла, первым и начальным этапом в создании проекта или вещи. Являясь путем раскрытия и реализации замысла, процесс рисования является генератором профессиональной культуры дизайнера. Освоение графических дисциплин определяет положительное влияние на процесс формирования познавательных способностей дизайне-

Библиографический список

ра, расширяя круг используемых мыслительных средств и умственных операций, что, в свою очередь, повышает адаптивные профессиональные возможности будущего специалиста.

Таким образом, рисунок служит технической подготовкой специалиста художественной профессии к творческому созиданию. Обучение рисунку художественных специальностей закрепляет и развивает образное видение натурного мотива, умение воспринимать и изображать конструктивную основу, форму предметов, головы и фигуры человека. Студенты должны обладать объемно-пространственным видением натурного мотива, пониманием устройства любой модели как цельной и многообразной формы, умением передавать линией, штрихом, тоном, пятном на бумаге свое восприятие характерного, впечатляющего, эстетически совершенного явления [7, с. 68].

В результате освоения основ рисунка студенты овладевают методами аналитического рисунка в мастерской и приёмами коротких зарисовок, набросков, эскизов от общего к определению частностей, от частностей через изучение деталей к освоению законченного рисунка, обладающего художественными достоинствами. В процессе систематического освоения художественных приёмов, совершенствования своего образного видения окружающего мира, в процессе преодоления трудностей с воплощением своих эмоциональных впечатлений и размышлений на плоскости бумажного листа формируется мировоззрение, мироощущение художника-дизайнера, дизайнера-стилиста.

1. Свиридов Д.А. Развитие у будущих дизайнеров интереса к пластическому решению формы на занятиях по рисунку. Омский научный вестник. 2011; Выпуск № 4-99: 205 — 207.

2. Ростовцев Н.Н. Академический рисунок. Москва: Книга по требованию, 2012.

3. Серов А.М. Рисунок: учебное пособие для педагогических институтов. Москва: ЭКСМО — Пресс, 2002.

4. Киселева Н.Е. Рисунок: учебное пособие. Барнаул. Издательство: АлтГУ, 2013.

5. Киселева Н.Е., Шокорова Л.В. Декоративная композиция как средство развития креативного мышления дизайнеров. Исторические, философские, политические и юридические науки, культурология и искусствоведение. Вопросы теории и практики. Тамбов: Издательство Грамота, 2014; 9 (47): 203 — 205.

6. Зорина А.Ю., Быстрова Т. Ю. Модель взаимодействия профессиональных компетенций в дизайн-образовании: на примере дисциплины «Рисунок». Академический вестник УралНИИ проект РААСН. 2011; Вып. 4: 82 — 85.

7. Шокорова Л.В. Духовно-нравственный потенциал народного искусства и проблемы его реализации в современных социально-культурных условиях. Мир науки, культуры, образования. Горно-Алтайск. 2009; 4: 66 — 69.

References

1. Sviridov D.A. Razvitie u buduschih dizajnerov interesa k plasticheskomu resheniyu formy na zanyatiyah po risunku. Omskij nauchnyj vestnik. 2011; Vypusk № 4-99: 205 — 207.

2. Rostovcev N.N. Akademicheskijrisunok. Moskva: Kniga po trebovaniyu, 2012.

3. Serov A.M. Risunok: uchebnoe posobie dlya pedagogicheskih institutov. Moskva: ‘EKSMO — Press, 2002.

4. Kiseleva N.E. Risunok: uchebnoe posobie. Barnaul. Izdatel’stvo: AltGU, 2013.

5. Kiseleva N.E., Shokorova L.V. Dekorativnaya kompoziciya kak sredstvo razvitiya kreativnogo myshleniya dizajnerov. Istoricheskie, filosofskie, politicheskie i yuridicheskie nauki, kul’turologiya i iskusstvovedenie. Voprosy teorii i praktiki. Tambov: Izdatel’stvo Gramota, 2014; 9 (47): 203 — 205.

6. Zorina A.Yu., Bystrova T.Yu. Model’ vzaimodejstviya professional’nyh kompetencij v dizajn-obrazovanii: na primere discipliny «Risunok». Akademicheskij vestnik UralNII proekt RAASN. 2011; Vyp. 4: 82 — 85.

7. Shokorova L.V. Duhovno-nravstvennyj potencial narodnogo iskusstva i problemy ego realizacii v sovremennyh social’no-kul’turnyh usloviyah. Mir nauki, kul’tury, obrazovaniya. Gorno-Altajsk. 2009; 4: 66 — 69.

Статья поступила в редакцию 24.01.16

УДК 378:78.01

Krasovskaya E.P., Сand. of Sciences (PedagogY), senior lecturer, Professor, Department of Musical and Performing Arts

in Education, Moscow State Pedagogical University (Moscow, Russia), E-mail: [email protected]

PROGRAMMABILITY AS A REALIZATION OF THE IDEA OF THE ART INTERACTION IN FERENZ LIST’S ART: METHODICAL-THEORETICAL ASPECT. The different aspects of using an idea of the art interaction with a view to enriching of the musical image contents by F. List are considered. The special aspects of List’s approach to the implementation of programmability as realization of the idea of the integration of the different fields of artistic vision of reality (music, literature, painting, sculpture, architecture, theatre) are reviewed. The basic tutorial methods used by List to realize the idea of the art interaction in a composer’s art, performing art, pedagogical work are marked out. It is noted that in the modern practice of instrumental education the insufficient attention has been given to an analysis of specific characteristics of the program sound image as a phenomenon appeared as a result of an integration of music and the other kinds of artistic creativity. The author concludes on the need to use the musical and pedagogical heritage of List to improve the methodology of instrumental education of the music students.

Key words: Ferenz List, romanticism, music image, art interaction, program music, composer art, performing art, pedagogical work, interpretation of program music artworks, pedagogy of musical education, instrumental education of students.

Е.П. Красовская, канд. пед. наук, доц., проф. каф. музыкально-исполнительского искусства в образовании

Московского педагогического государственного университета, г. Москва, E-mail: [email protected]

Виды и техники изобразительного искусства

Название: Виды и техники изобразительного искусства

Вид работы: контрольная работа

Рубрика: Культура и искусство

Размер файла: 30,4 Kb

Скачать файл: referat.me-176392.docx

Краткое описание работы: Система классификации искусства на группы пространственных (пластических), временных (динамических), синтетических (зрелищных) видов. Историческое развитие, особенности и приемы использования художественных материалов в графике, скульптуре и живописи.

Контрольная работа по культурологии на тему:

Виды и техники изобразительного искусства

План

1. Виды изобразительного искусства и их особенности

а)ГРАФИКА

б)ЖИВОПИСЬ

в)СКУЛЬПТУРА

2. Техники изобразительного искусства

3. Список литературы

1. Виды изобразительного искусства и их особенности

Искусство (творческое отражение, воспроизведение действительности в художественных образах.) существует и развивается как система взаимосвязанных между собой видов, многообразие которых обусловлено многогранностью самого (реального мира, отображаемого в процессе художественного творчества.

Ко второй группе относятся временные или динамические виды искусств. В них ключевое значение приобретает развертывающаяся во времени композиция — Музыка, Литература.

Третью группу представляют пространственно-временные виды, которые называются также синтетическими или зрелищными искусствами — Хореография, Литература, Театральное искусство, Киноискусство.

А) ГРАФИКА

Б) ЖИВОПИСЬ

Живопись подразделяется на:

— станковую (от слова «станок») — полотно которое создается на мольберте.

— Исторический жанр — рассказывает об исторически важных моментах жизни общества.

— Бытовой жанр — отражает повседневную жизнь людей, нрав, обычаи, традиции того или иного этноса.

-Анимализм — изображение животного, как главного героя художественного произведения.

В) СКУЛЬПТУРА

Скульптура — пространственно — изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах.

Существует две основные разновидности скульптуры: объемная трехмерная (круговая) и рельеф:

— горельеф — высокий рельеф,

— барельеф — низкий рельеф,

— контррельеф — врезной рельеф.

По определению скульптура бывает монументальная, декоративная, станковая.

Монументальная — используется для украшение улиц и площадей города, обозначения исторически важных мест, событий и т.п. К монументальной скульптуре относятся:

— памятники,

— монументы,

— мемориалы.

Станковая — рассчитана на осмотр с близко расстояния и предназначена для украшения внутренних помещений.

Декоративная — используется для украшения быта (предметы мелкой пластики).

2. Техники изобразительного искусства

Техника живописи — совокупность приемов использования художественных материалов и средств.

Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная, настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной техника живописи масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи.

Акварель

Акварель — живопись акварельными красками. Основное качество акварели — прозрачность и воздушность изображения.

Акварель — одна из сложнейших живописных техник. Кажущиеся простота и легкость рисования акварелью обманчива. Акварельная живопись требует мастерства владения кистью, мастерства видения тона и цвета, знания законов смешивания цветов и нанесения красочного слоя на бумагу. В акварели существует множество приемов: работа по сухой бумаге, работа по сырой бумаге («A la Prima»), использование акварельных карандашей, туши, многослойная живопись, работа сухой кистью, заливка, смывание, использование мастихина, соли, применение смешанной техники.

Акварель, несмотря на кажущиеся простоту и легкость рисования, сложнейшая живописная техника. Акварельная живопись требует мастерства владения кистью, мастерства видения тона и цвета, знания законов смешивания цветов и нанесения красочного слоя на бумагу.

Для акварельной работы бумага является одним из важнейших материалов. Важно ее качество, тип, рельеф ,плотность, зернистость, проклейка. В зависимости от качеств бумаги акварельные краски по-разному наносятся на бумагу, впитываются, высыхают.

В акварели существует множество художественных приемов: работа по сырой бумаге («A la Prima»), работа по сухой бумаге, заливка, смывание, использование акварельных карандашей, туши, работа сухой кистью, использование мастихина, соли, многослойная живопись, применение смешанной техники.

Техника по мокрому использует растекание акварели и создает необычные цветовые эффекты. Использование этого приема требует знания степени влажности бумаги и опыта использования самого приема.

Заливка — очень интересный прием в акварели. Плавные переходы цветов позволяют эффектно изображать небо, воду, горы.

Мастихин используется не только в живописи маслом, но и в акварельной живописи. Мастихином можно подчеркивать очертания гор, камней, скал, облаков, морских волн, изображать деревья, цветы.

Впитывающие свойства соли используются для получения интересных эффектов в акварели. С помощью соли можно украсить луг цветами, получить подвижную воздушную среду в картине, движущиеся тональные переходы.

Многослойная живопись насыщенна по цвету. В многослойной живописи используются все художественные приемы работы с акварелью.

Карандаш

Карандаш — материал для рисования. Различают карандаши чернографитные и цветные. Рисунок карандашом выполняется на бумаге с использованием штриховки, тональных пятен, передачи светотени.

Акварельные карандаши — вид цветных карандашей, водорастворимы. Приемы использования акварельных карандашей разнообразны: размывание рисунка акварельным карандашом водой, работа намоченным в воде акварельным карандашом, работа карандашом по мокрой бумаге, и др.

рисунок выполнять сложнее.

С помошью карандаша можно получить бесконечно много оттенков, градаций тона. В рисунке используются карандаши различные по степени мягкости.

Начинают работу над графическим рисунком с конструктивного рисунка, т. е. рисунка внешних контуров предмета с использованием линий построения, обычно карандашом средней мягкости H, HB, B, F, далее в тоновом рисунке, в котором уже отсутствуют линии контуров предметов, а границы предметов обозначаются штриховкой, при необходимости используют более мягкие карандаши. Самый твердый это 9H, самый мягкий 9B.

В рисунке карандашом желательно как можно меньше делать исправлений и аккуратно использовать стирательную резинку, чтобы не оставить пятна, так рисунок будет выглядеть свежим и аккуратным. Растушевкой в карандашном рисунке лучше не пользоваться по тем же причинам. Для нанесения тона применяется прием штриховки. Штрихи могут быть различными по направлению, длине, разряженности, нажиму карандаша. Направление штриха (горизонтальное, вертикальное, наклонное) определяется формой, размерами предмета, движением поверхности в рисунке.

Портрет карандашом получается очень реалистичным и наполненным светом. Ведь с помощью карандаша можно передать множество оттенков, глубину и объемность изображения, переходы светотени.

Рисунок карандашом закрепляется фиксативом, так рисунок не теряет свою четкость, не размазывается даже при его касании рукой и сохраняется надолго.

Масло

Живопись маслом на холсте — самая популярная техника живописи. Живопись маслом дает мастеру безграничное число способов изображения и передачи настроения окружающего мира. Пастозные или воздушные прозрачные мазки, сквозь которые виден холст, создание рельефа мастихином, лессировка, использование прозрачных или кроющих красок, различные вариации смешивания цветов — все это многообразие приемов живописи маслом позволяет художнику найти и передать настроение, объем изображаемых предметов, воздушной среды, создать иллюзию пространства, передать богатство оттенков окружающего мира.

Масляная живопись имеет свою особенность — картина пишется в несколько слоев (2-3), каждому слою необходимо высохнуть несколько дней в зависимости от используемых материалов, поэтому обычно картина маслом пишется от нескольких дней до нескольких недель.

Наиболее приемлемым для масляной живописи является льняной холст. Льняное полотно прочное, отличается живой фактурой. Льняные холсты бывают различной зернистости. Для портрета и живописи с детальной прорисовкой используют мелкозернистый, более гладкий холст. Крупнозернистый холст подойдет для живописи с выраженной фактурой (камни, скалы, деревья), пастозной живописи и живописи мастихином. Ранее в живописи использовалась техника лессировок, нанесения красок тонкими слоями, поэтому шероховатость льняного слоя придавала картине изящность. Сейчас в живописи часто используется техника пастозных мазков. Тем не менее, качество холста важно для выразительности картины.

Хлопковый холст — прочный и недорогой материал, подходит для живописи пастосными мазками.

В живописи маслом используются также такие основы как мешковина, фанера, оргалит, металл, и даже бумага.

Холсты бывают натянуты на картон и на подрамник. Холсты на картоне тонкие и обычно не бывают больших размеров, и не превышают размера 50*70. Они легкие и удобные в транспортировке. Холсты на подрамнике более дорогие, готовые холсты на подрамнике могут достигать размера 1,2м на 1,5м . Законченная картина оформляется в раму.

Перед работой маслом холсты проклеивают и грунтуют. Это необходимо для того, чтобы масляная краска не разрушала холст, и чтобы краска хорошо легла на холст.

Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. В масляной живописи используют технику работы мастихином. Мастихин — инструмент из гибкой стали в виде ножа или лопатки с изогнутой ручкой. Разная форма мастихина помогает добиться различной фактуры, рельефности, объемности. Мастихином можно также наносить ровные, гладкие мазки. Лезвие мастихина можно также использовать для создания тонких линий — вертикальных, горизонтальных, хаотичных.

Пастель

Пастель — один из очень необычных видов изобразительных материалов. Живопись пастелью воздушна и нежна. Тонкость и изящество техники пастели придает картинам живость, где-то сказочность и волшебство. В технике «сухой» пастели широко используется приём «растушёвки», что придаёт эффект мягких переходов и нежности цвета. Пастель наносится на шероховатую бумагу. Цвет бумаги имеет значение. Фоновый цвет, проступая сквозь штрихи пастели, вызывает определённое настроение, ослабляя или усиливая цветовые эффекты рисунка. Картины пастелью закрепляются фиксативом и хранятся под стеклом.

Техника пастели приобрела широкую популярность и достигла своего расцвета в XVIII веке. Пастель обладает свойством придавать любому сюжету необыкновенную мягкость и нежность. В этой технике можно делать любые сюжеты – от пейзажей до рисунков людей.

Преимущества пастели — в большой свободе для художника: она позволяет снимать и перекрывать целые живописные слои, в любой момент прекращать и возобновлять работу. Пастель соединяет возможности живописи и рисунка. Ею можно рисовать и писать, работать штриховкой или живописным пятном, сухой и мокрой кистью.

Приемы работы пастелью разнообразны. Пастельные штрихи втираются пальцами, специальными растушками, кожаными валиками, шелковыми квадратными щеточками-кистями, мягкими тампонами. Техника пастели очень тонкая и сложная в своих наложениях пастельной «лессировкой» цвета на цвет. Пастель накладывается пятнами, штрихами, лессировками.

Для работы пастельными карандашами необходимы основания, удерживающие пастель, препятствующие ее осыпанию. Пастелью работают на шероховатых сортах бумаги, таких как «торшон», ватман, наждачная, на рыхлом, ворсистом картоне, замше, пергаменте, холсте. Наилучшим основанием является замша, на которой написаны некоторые ставшие классическими произведения. Рисунки пастелью закрепляют специальными фиксативами, препятствующими осыпанию пастели.

Непревзойденным мастером пастели был Эдгар Дега. Дега обладал острым глазом и непогрешимым рисунком, что позволило ему добиться в пастели невиданных эффектов. Никогда еще рисунки пастелью не были так трепетны, виртуозно небрежны и так драгоценны по цвету. В своих поздних работах, напоминающих праздничный калейдоскоп огней, Э.Дега был одержим желанием передать ритм и движение сцены. Чтобы придать краскам особый блеск и заставить их светиться, художник растворял пастель горячей водой, превращая ее в некое подобие масляной краски, и кистью наносил ее на холст. В феврале 2007-го на аукционе Sotheby’s в Лондоне пастель Дега «Три танцовщицы в фиолетовых юбках» была продана за $7, 87 млн. В России в

пастели работали такие мастера, как Репин, Серов, Левитан, Кустодиев, Петров-Водкин.

Сангина

Цветовая гамма сангины, материала для рисования, от коричневого до близкого к красному. С помощью сангины хорошо передаются тона человеческого тела, поэтому выполненные сангиной портреты выглядят очень естественно. Техника рисунка с натуры с помощью сангины известна начиная с эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль). Нередко сангину сочетают с углём или итальянским карандашом. Для обеспечения большей долговечности рисунки сангиной закрепляются фиксативом или помещаются под стекло.

Сангина известна еще с античности. Именно тогда сангина позволила ввести в рисунок цвет телесного цвета. Широкое распространение техника рисунка сангиной получила в Эпоху Возрождения. Художники Возрождения разработали и широко использовали технику «трех карандашей»: они наносили рисунок сангиной или сепией и углем на тонированною бумагу, а затем белым мелом высветляли нужные участки.

Слово «сангина» происходит от латинского «сангвинеус» — «кроваво-красный». Это карандаши красно-коричневых тонов. Сангина изготавливается из тонкоперетертой жженой сиены и глины. Как пастель, уголь и соус, сангина является мягким материалом, которому при производстве придается форма четырехгранных или круглых мелков.

С помощью сангины хорошо передаются тона человеческого тела, поэтому выполненные сангиной портреты выглядят очень естественно.

Техника работы сангиной характерна сочетанием широких мазков и растушевок со штрихами остро заточенных брусочков сангины. Красивые рисунки сангиной получаются на тонированном фоне, особенно когда к основному материалу добавляются уголь и мел (техника «трех карандашей»).

Для рисунка выбирают сангину такого оттенка, который лучше отвечает особенностям натуры. Например, обнаженное тело хорошо рисовать красноватой сангиной, а пейзаж — сангиной серовато-коричневой или цвета сепии.

Иногда сангину комбинируют с углем, дающим холодные оттенки. Контраст теплых и холодных оттенков придает особое очарование таким работам.

Для обеспечения большей долговечности рисунки сангиной можно закрепить фиксативом или поместить под стекло.

Темпера

Темпера (от латинского «temperare» — соединять) — связующее вещество красок, состоящее из натуральной или искусственной эмульсии. До усовершенствования масляных красок Я. Ван-Эйком (XV век) средневековая яичная темпера была одним из наиболее популярных и распространенных видов живописи в Европе, но постепенно она утратила свое значение.

Во второй половине XIX века разочарование, наступившее в позднейшей масляной живописи, послужило началом поисков новых связующих веществ для красок, и забытая темпера, хорошо сохранившиеся произведения которой красноречиво говорят за себя, снова привлекает к себе интерес.

В противоположность масляной живописи и старинной темпере новая темпера не требует от живописца определенной системы выполнения живописи, предоставляя ему в этом отношении полную свободу, которую он может использовать без всякого ущерба для прочности живописи. Темпера в отличие от масла быстро высыхает. Темперные картины, покрытые лаком, по красочности не уступают масляной живописи, а в отношении неизменяемости и долговечности, темперные краски даже превосходят масляные.

Материалы и техники графики разнообразны, но, как правило, основой является бумажный лист. Цвет и фактура бумаги играют большую роль. Красочные материалы и техники определяются видом графики.

Станковая графика в зависимости от характера техники подразделяется на два типа: эстамп и рисунок.

Эстамп — от французского estamper — штамповать, оттискивать — оттиск на бумаге. Первоначальное изображение делается не непосредственно на бумаге, а на пластине какого-либо твердого материала, с которой потом рисунок печатается, оттискивается с помощью пресса. При этом можно получить не один экземпляр оттиска, а много, то есть тиражировать графическое изображение. Печатание применяется и в прикладной графике, в плакате, книжной иллюстрации. Но там печатная форма изготавливается с оригинала, выполненного художником, фотомеханическим, машинным путем. В станковой же графике для эстампа печатная форма создается самим художником, поэтому получается ряд экземпляров подлинных произведений

искусства одинаковой художественной ценности, полностью сохраняющих живой и непосредственный отпечаток творческой работы автора.

Сам процесс создания печатной формы из какого-либо твердого материала — дерева, металла, линолеума — называется гравированием (от французского слова graver — вырезать). Рисунок создается с помощью вырезания, процарапывания каким-либо острым инструментом — иглой, резцом. Произведения графики, отпечатанные с гравировальной печатной формы, называют гравюрой.

плоская гравюра — рисунок и фон находятся на одном уровне;

выпуклая гравюра — краска покрывает поверхность рисунка — рисунок выше уровня фона;

углубленная гравюра — краска заполняет углубления, рисунок ниже уровня фона.

В зависимости от материала, из которого создается печатная форма различают разные виды гравюры:

Литография — печатной формой является поверхность камня (известняка). Камень очень гладко полируется и обезжиривается. Изображение на литографический камень наносится специальной жирной литографической тушью или карандашом. Камень смачивается водой, далее накатывается краска, пристающая только к ранее нанесенному рисунку. Литография изобретена в 1798 году. В 19 веке получает распространение в станковой и социально-критической журнальной графике. (Французский художник Оноре Домье: «Опустите занавес, фарс сыгран» 1834г., «Улица Транснонен, 15 апреля 1834 года» 1834г., с 1837 по 1851г. — приблизительно 30 литографических серий — «Робер Манер», «Парижские типы», «Добропорядочный буржуа», «Деятели правосудия».)

Альграфия — плоская печать, техника исполнения аналогична литографии, но вместо камня используется алюминиевая пластина.

Ксилография — гравюра на дереве, вырезается специальным резцом. Краска накатывается на плоскость исходной доски. При печати на бумаге белыми остаются участки, вырезанные резцом. Оттиски представляют собой контурный рисунок толстыми черными линиями. Ксилография появилась в средние века в связи с необходимостью книгопечатания. (Германские художники Альбрехт Дюрер: «Четыре всадника» 1498г. и Ганс Гольбейн Младший серия гравюр «Образы смерти» 1524-1525г.г. )

Линогравюра — гравюра на линолеуме. По технике очень близка к ксилографии. Линолеум — недорогой, доступный материал. Линогравюры более просты в исполнении по сравнению с ксилографией из-за синтетического происхождения используемого материала (однородность, отсутствие мешающих резцу искусственных волокон).

Гравюра по металлу выполняется на цинке, меди, железе, стали. Гравюра по металлу делится на печать с травлением и безтравления. Существует большое количество техник этого вида гравюры — техника сухой иглы (наиболее близка к авторской графике, так как не имеет большого тиража), меццо-тинто («черная печать»), офорт, акватинта, мягкий лак (или срывной лак).

Офорт — от французского eau-forte — азотная кислота. Рисунок процарапывается гравировальной иглой в слое кислотно-упорного лака, покрывающего металлическую пластину. Поцарапанные места протравливаются кислотой, а полученное углубленное изображение заполняется краской и оттискивается на бумагу. (Французский художник Жак Калло: серия «Большие бедствия войны» 1633г., серия «Низшие» 1622г.)

Сухая игла — рисунок наносится непосредственно на металл, путем процарапывания острием твердой иглы штрихов на поверхности металлической доски.

Меццо-тинто — от итальянского mezzo — средний и tinto — окрашеный. Вид углубленной гравюры, в которой поверхности металлической доски гранильником придается шероховатость, дающая при печати сплошной черный фон. Участки доски, соответствующие светлым местам рисунка выскабливаются, выглаживаются, полируются.

Акватинта — от итальянского aquatinta — метод гравирования, основанный на протравливании кислотой поверхности металлической пластины с наплавленной асфальтовой или канифольной пылью и с изображением нанесенным с помощью кисти кислотоотталкивающим лаком. Имеет огромное количество оттенков от черного до белого.

Что касается техники скульптуры, то ее виды можно группировать по различным принципам. Согласно одному принципу технику скульптуры можно разбить на три следующие группы:

Когда рука художника заканчивают всю работу (обработка глины, камня, дерева).

Когда работу художника заканчивает огонь (керамика).

Когда художник дает только модель будущей статуи (отлив в бронзе).

Согласно другому принципу техника скульптуры распадается на три, но уже другие основные группы:

Лепка в мягких материалах (воск, глина) — техника, которую мы называем в узком смысле «пластикой».

Обработка твердых материалов (дерево, камень, слоновая кость), или «скульптура» в прямом смысле этого слова.

Отливка и чеканка в металле.

Список литературы

1. А. В. Луначарский Об изобразительном искусстве

2. Л. А. Неменская Изобразительное искусство. Искусство в жизни человека

Летняя сессия отделения изобразительного искусства

С 27 июня по 17 июля 2021 года проходила летняя сессия отделения ИЗО Школы художественного образования для одаренных детей Пермского края центра «Росток». Сессия проходила на базе санатория-профилактория «Оазис», г. Нытва.

В работе творческой смены приняли участие 79 учащихся учреждений дополнительного образования Перми и Пермского края (17 районов): Пермь (18 человек), Березники (10), Кунгур (9), Кудымкар (2), ЗАТО Звездный (4), Березовский (1), Верещагинский (2), Добрянский (1), Горнозаводский (10), Ильинский (2), Лысьвенский (1), Куединский (1), Краснокамский (2), Нытвенский (6), Осинский (1), Чайковский (1), Чердынский (3), Чусовской (5) районы.

Возраст участников — 9-18 лет. Продолжили обучение 43 человека, 36 человек — новый набор.

Основные направления в работе смены:

образовательная деятельность;
проведение оздоровительных мероприятий;
обеспечение оптимальных условий сохранения и укрепления психофизического здоровья детей;
обеспечение высокого уровня организации досуга.

В течение 21 дня учащиеся занимались по предметам: живопись, рисунок, композиция, ДПИ (текстильная кукла), дизайн, восприятие искусства. Занятия проводились по группам с учетом возраста, способностей детей, годам обучения, соответствующих 5-летней программе «Палитра» центра «Росток» по три часа утром, два часа вечером, а также в режиме консультаций и индивидуальных занятий по мере необходимости.

Образовательный процесс регламентирован образовательной программой, утвержденной педагогическим советом центра «Росток». Деятельность по программе осуществляли лучшие педагоги в области изобразительного искусства: профессиональные художники, члены Союза художников, Союза дизайнеров России, преподаватели высшей категории художественных учреждений Москвы, Омска, Перми.

Предмет «Живопись»

Предмет проходил в двух основных для освоения живописи материалах: акварели и гуаши. Занятия курса акварельной живописи основывалось на богатейшем опыте школы Андрияки (г. Москва). За время летней практики учащиеся успешно справились с новыми для себя приемами работы акварелью. Познакомились с многослойной акварельной техникой: сочетали в одной работе как приемы по-сырому, так и по- сухому, накладывая один слой на другой.

Младшие группы — дети, впервые приехавшие на летнюю практику — попробовали новый для себя жанр и формат работы: работа на пленэре. Выполнили с натуры фрагменты пейзажа (клумба, камни и растения), познакомились с последовательностью написания пейзажа, способами создания общего колорита и освещения, состояния в нем.

Старшие группы, не первый раз приезжающие на пленэрную практику, углубили свои знания в работе с пейзажем: освоили передачу объемов и фактуры в разных породах деревьев, что для многих учащихся является сложной задачей, наглядно изучили световоздушную перспективу на примере разнопланового пейзажа с далями.

Также все учащиеся в различном объеме, в зависимости от возраста и опыта, успешно писали сезонные цветы, ветки растений, ягод, букеты.

Живопись гуашью предполагала развитие колористического видения, общего цветового строя работы, больших цвето-тоновых отношений. Также ребята познакомились с техническими приемами работы гуашью, поэтапным выполнением задания. Таким образом, материал гуашь послужил, в том числе, и подготовкой к масляной живописи: так как на занятиях работы велись с применением принципа трехслойности (прозрачный без белил подмалевок — тень; полупастозный полутон; пастозный свет — передний план).

Задания выстраивались с учетом возрастной группы и по принципу от простого к сложному: от натюрморта, пейзажа с ограниченным пространством к многоплановому пейзажу.

Предмет «Рисунок»

Являясь одной из основ изобразительной деятельности, рисунок предполагает использование графических выразительных средств. В ходе курса обучения учащимися выполнялись задания в традиционных материалах (графитный карандаш, цветной соус, сангина, сепия, уголь), а также материалов, напрямую не относящихся к художественным (штрих, линер, цветные маркеры с акварельным эффектом).

Использование этих материалов на разных видах бумаги (ватман, крафт, пастельная) и внесение в работу авторских, новаторских приемов (растирание, размывание, акварельные приемы, работа ластиком, совмещение графитного карандаша и белого штриха) позволило учащимся создать интересные творческие работы, расширило арсенал возможностей для воплощения творческих замыслов.

Предмет «Композиция»

Курс композиции, как важнейший момент организации художественной формы, призван помочь учащимся придать художественному произведению единство и целостность.

В процессе проведения курса учащиеся познакомились с основной терминологией композиции: главное (доминанта), второстепенное (субдоминанта), ритм, соподчинение, контраст, группировка и её основными средствами: линия, фигура, цвет; выполнили упражнения с целью изучения выразительных возможностей различных средств композиции.

Итогом курса явилось самостоятельное составление композиции на тему «Букет» и «Пейзаж» в абстрактной и стилизованной форме.

Предмет «ДПИ»

В курсе декоративно-прикладного искусства учащиеся школы знакомились с возможностями художественного текстиля: изучали основы создания текстильной игрушки, разрабатывали эскизы авторских игрушек, аксессуаров и украшений.

Итоговой работой стало: реализация творческого проекта «Фантазии цвета индиго» (работы из джинсовой ткани в стиле «апгрейд»), подготовка технологических карт и проведение мастер-классов по изготовлению авторских игрушек и сувениров.

Предмет «Дизайн»

В курсе предмета «Дизайн» этого года было введено много тем на развитие креативного мышления: скетчи (экспериментирование со словами, двухмерными фигурами и шрифтами), doodle (каракули) как способ обработки информации и решения проблем, конструкция (деконструкция) — концептуальная интерпретация формы буквы (буквицы из насекомых, буквицы из технических узлов и конструкций), разработка абстрактных композиций на узлы и соединения, освоение технических приемов макетирования (от простого куба до разработки дачных участков в 3D и товаров народного потребления в виде упаковок).

Предмет «Восприятие искусства»

На занятиях по восприятию искусства учащиеся изучали виды и жанры искусства, критерии оценки классического и современного искусства.

Освоению программы летней сессии, формированию социальных компетенций: коммуникативности, умения работать в команде способствовали и досуговые мероприятия: проведение Дня пожарной безопасности, утренняя зарядка с пробежкой, купание в бассейне, День самоуправления, Посвящение в художники, в которых ребята смогли проявить себя не только как участники, но и как инициаторы и организаторы.

Результаты обучения

За 21 день пребывания на базе санатория-профилактория «Оазис» дети неплохо справились с намеченной программой и добились высоких результатов: из 79 учащихся 10 отличников, 11 человек закончили с одной четверкой.

Отличные результаты показали: Пыхова Анна, ДХШ им. Е.Н. Широкова г. Пермь, Гуляева Анастасия, Ломаев Артем, Коровина Мария ДШИ им. Р.Н. Розен, г. Кунгур, Глумова Мария, ДШИ № 1 г. Чайковский, Кириллова Софья, ДХШ при Художественном училище (техникуме) г. Перми, Франко Мария, ДДТ г. Горнозаводск, Надыльшин Михаил, ДДТ п. Куеда, Борисенко Полина, ДД(Ю)Т г. Березники, Зарубина Юлия, ДШИ г. Чердынь.

Летняя сессия на базе санатория-профилактория «Оазис» прошла ярко, интересно, насыщенно.

Зав. отделением ИЗО — Ольга Григорьевна Оборина.

Изобразительные искусства — это… Что такое Изобразительные искусства?

Изобразительные искусства

Изобрази́тельное иску́сство — специфический вид художественного творчества, создание зрительно воспринимаемых фиксированных рукотворных художественных форм; родовое понятие, объединяющее различные виды живописи, графики и скульптуры.^[1]

Классификация

Изобразительные искусства классифицируют по объектам приложения творческих усилий, используемым художественным и техническим средствам и исторически сложившимся концепциям творчества

Архитектура как дизайн строений все же не относится к изобразительному искусству в строгом смысле, но постоянно взаимодействует и находится в стилистическом соответствии с ним. К изобразительному искусству, с достаточной мерой условности, относят действия акционизма и некоторые другие визуальные произведения неопределённой принадлежности.

Особенности

Для изобразительного искусства характерны произведения, эстетическая ценность и образность которых воспринимается чисто зрительно. Произведения изобразительного искусства могут быть беспредметны и даже нематериальны, (заставка на экране, гарнитура книжного шрифта), но, независимо от материальности и предметности, типичные произведения изобразительного искусства обладают чертами объекта (ограниченностью в пространстве, стабильностью во времени). Способность генерировать объекты — важнейшее свойство изобразительного искусства, связанное с его происхождением, определившее его историю и обуславливающее его развитие. Изобразительное искусство либо создаёт самостоятельные объекты, не имеющие утилитарной ценности (скульптура, живопись, графика, фотоискусство), либо эстетически организует объекты утилитарного назначения и информационные массивы (декоративно-прикладное искусство, дизайн). Изобразительное искусство активно влияет на восприятие предметного окружения и виртуальной реальности.

Средства

Художественными средствами изобразительного искусства в разных его видах являются обращения ко всем аспектам зрительного восприятия (объём, пластика, цвет, светотень, фактура и пр.) — изобразительные средства — и выразительные средства, связанные с характером образности произведения (сюжетно-ассоциативный комплекс). Совокупность характерных для определённого вида или произведения изобразительных средств и специфика их применения называется изобразительным языком.

Влияние

Изобразительное искусство предельно исторично и специфично для этнокультурных сообществ (религиозный запрет на фигуративность определил его характер в культурах иудаизма и ислама, возникновение пейзажного жанра обусловлено урбанизацией и т. д.). Вместе с тем эстетическое качество произведений совершенно не зависит от времени и условий их возникновения и доступно восприятию инокультурного человека, достаточно развитого эстетически.

Произведения изобразительного искусства, наряду с архитектурой, являются единственными сохранившимися до наших дней свидетельствами духовной культуры многих исчезнувших цивилизаций. По современным археологическим данным изобразительное искусство возникает в начале верхнего палеолита (ориньяк) и ассоциировано с появлением человека современного типа. Источниками изобразительных форм были «натуральные макеты» охотничьей добычи, цветные отпечатки рук, «макароны» (сплетения параллельных линий, нанесённые пальцами на стены пещер) и некоторые другие продукты деятельности древнего человека. Практически одновременно возникают монументальная живопись на стенах пещер, первобытные формы графики и скульптура. Развивается анималистический жанр (основной корпус произведений каменного века) и изображения человека (палеолитические «Венеры», позже — сцены охоты).

Изобразительным искусством немедленно осваиваются новые отрасли человеческой деятельности. Совершенствование материальной культуры в мезолите и неолите приводит к зарождению декоративно-прикладного искусства в различных видах. Возникновение в историческое время письменности приводит к появлению каллиграфии. В цивилизациях Древнего мира изобразительные искусства присутствуют уже в значительном жанровом разнообразии, приобретают выраженную этнокультурную специфику, подвергаются теоретическому осмыслению. Формируются развитые представления об авторстве. Изобразительные искусства развивались в тесной связи с архитектурой и письменностью, регулировались канонами древности и «большими стилями» Средних веков и Нового времени. Эти периоды ознаменованы распространением тиражной графики, экспоненциальным развитием живописи и скульптуры, обособлением новых жанров.

На рубеже XIX—XX вв. появляется фотоискусство, оформляется, в современном представлении, дизайн; в традиционных видах намечаются новые неизобразительные направления. В двадцатом веке изобразительное искусство переживает невиданно интенсивный обмен с динамическими видами искусства. Его методы и технологии экспортируются в киноискусство (мультипликация). В то же время акционизм и родственные ему направления вовлекают в изобразительную сферу развёрнутые во времени процессы.

На протяжении двадцатого века продолжают возникать новые виды и подвиды изобразительного искусства, в том числе — связанные с виртуальной реальностью.

Примечания

См. также

Персоналии

Скульпторы
Художники
Коллекционеры искусства

Ссылки

Программа «Изобразительное искусство» курс 4 года

Данная программа комплексная и предполагает изучение следующих предметов: рисунок, живопись, композиция станковая, беседы по изобразительному искусству.

Срок реализации 4 года.

Первый год обучения (6 часов в неделю):

Рисунок −2 часа.
Живопись – 2 часа.
Композиция станковая – 2 часа.

Второй год обучения (6 часов в неделю):

Рисунок −2 часа.
Живопись – 2 часа.
Композиция станковая – 2 часа.

Третий год обучения (6 часов в неделю):

Рисунок −2 часа.
Живопись – 2 часа.
Композиция станковая – 2 часа.

Четвертый год обучения (6 часов в неделю):

Рисунок −2 часа.
Живопись – 2 часа.
Композиция станковая – 2 часа.

Содержание учебного предмета «Рисунок»:

Программа включает целый ряд теоретических и практических заданий, которые помогают познать особенность материальной среды, закономерность строения форм и овладеть навыками графического изображения. Основой обучения является рисование с натуры, где учащиеся приобретают навыки последовательной работы над рисунком от общего к частному, а также усваивают технические приемы от простых к более сложным; воспитываются такие качества как: «постановка глаза», «твердость руки», «цельное видение». Наряду с длительными постановками выполняются краткосрочные зарисовки и наброски так как они обостряют восприятие, развивают наблюдательность и зрительную память.

Содержание учебного предмета «Живопись»:

Основу программы «Живопись» составляют цветовые отношения, строящиеся на цветовой гармонии. На разных этапах дети учатся постепенно осваивать задачи, поставленные перед ними учебной программой: поиск композиционного решения листа, правильного построения предметов, точного восприятия и передачи цветовой характеристики натуры и ее колористического решения, выявления объема цветом, грамотного владения тоном, передачи световоздушной среды.

Содержание учебного предмета «Композиция станковая»:

Композиция станковая – важнейший предмет в образовательном процессе, он учит понимать принципы построения художественного произведения. В процессе обучения дети последовательно осваивают передачу двух- и трехмерного пространства; знакомятся с основными законами, правилами и приемами композиции, изучают ее выразительные средства – ритм, тональная пластика, цвет, линия, силуэт, контраст.

Виды и техники изобразительного искусства контрольная по искусству и культуре

Контрольная работа по культурологии на тему: Виды и техники изобразительного искусства План 1. Виды изобразительного искусства и их особенности а) ГРАФИКА б) ЖИВОПИСЬ в) СКУЛЬПТУРА 2. Техники изобразительного искусства 3. Список литературы Она основана на возможностях создания выразительной художественной формы путем использования разных по окраске линий, штрихов и пятен, наносимых на поверхность листа. Графика предшествовала живописи. Вначале человек научился запечатлевать очертания и пластические формы предметов, потом различать и воспроизводить их цвета и оттенки. Овладение цветом было историческим процессом: не все цвета были освоены сразу. Специфика графики — линейные соотношения. Она, воспроизводя формы предметов, передает их освещенность, соотношение света и тени и т. д. Живопись запечатлевает реальные соотношения красок мира, в цвете и через цвет она выражает существо предметов, их эстетическую ценность, выверяет их общественное назначение, их соответствие или противоречие окружающему. В процессе исторического развития в рисунок и в печатную графику стал проникать цвет, и теперь уже к графике относят и рисунок цветными мелками — пастель, и цветную гравюру, и живопись водяными красками — акварель и гуашь. В различной литературе по искусствознанию существуют различные точки мнения по поводу графики. В одних источниках: графика — это вид живописи, а в других — это отдельный подвид изобразительного искусства. Б) ЖИВОПИСЬ Живопись — плоскостное изобразительное искусство, специфика которого заключается в представлении при помощи красок, нанесенных на поверхность изображение реального мира, преобразованных творческим воображением художника. Живопись подразделяется на: — монументальную — фреска (от итал. Fresco) — живопись по сырой штукатурке красками разведенными на воде и мозаика (от французского mosaiqe) изображение из цветных камней, смальты (Смальта — цветное прозрачное стекло.), керамических плиток. — станковую (от слова «станок») — полотно которое создается на мольберте. Живопись представлена разнообразными жанрами (Жанр (французское genre, от лат. genus, родительный падеж generis — род, вид) — художественное, исторически сложившееся внутреннее подразделение во всех видах искусства.): — Портрет — основная задача передать представление о внешнем облике человека, раскрыть внутренний мир человека, подчеркнуть его индивидуальность, психолого-эмоциональный образ. — Пейзаж — воспроизводит окружающий мир во всем многообразии его форм. Изображение морского пейзажа определяется термином маринизм. — Натюрморт — изображение предметов быта, орудий труда, цветов, фруктов. Помогает понять мировоззрение и уклад определенной эпохи. — Исторический жанр — рассказывает об исторически важных моментах жизни общества. — Бытовой жанр — отражает повседневную жизнь людей, нрав, обычаи, традиции того или иного этноса. — Иконопись (в переводе с греческого «молитвенный образ») — основная цель направить человека на путь преображения. -Анимализм — изображение животного, как главного героя художественного произведения. В XX в. характер живописи меняется под влиянием средств технического прогресса (появление фото- и видео аппаратуры), что приводит к появлению новых форм искусства — Мультимедийное искусство. В) СКУЛЬПТУРА Скульптура — пространственно — изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах. Основными материалами, применяемыми в скульптуре, являются камень, бронза, мрамор, дерево. На современном этапе развития общества, техногенного прогресса расширилось количество материалов, используемых для создания скульптуры: сталь, пластик, бетон и другие. Существует две основные разновидности скульптуры: объемная трехмерная (круговая) и рельеф: — горельеф — высокий рельеф, — барельеф — низкий рельеф, — контррельеф — врезной рельеф. По определению скульптура бывает монументальная, декоративная, станковая. Монументальная — используется для украшение улиц и площадей города, обозначения исторически важных мест, событий и т.п. К монументальной скульптуре относятся: — памятники, — монументы, — мемориалы. проклейка. В зависимости от качеств бумаги акварельные краски по-разному наносятся на бумагу, впитываются, высыхают. В акварели существует множество художественных приемов: работа по сырой бумаге («A la Prima»), работа по сухой бумаге, заливка, смывание, использование акварельных карандашей, туши, работа сухой кистью, использование мастихина, соли, многослойная живопись, применение смешанной техники. Техника по мокрому использует растекание акварели и создает необычные цветовые эффекты. Использование этого приема требует знания степени влажности бумаги и опыта использования самого приема. Заливка — очень интересный прием в акварели. Плавные переходы цветов позволяют эффектно изображать небо, воду, горы. Мастихин используется не только в живописи маслом, но и в акварельной живописи. Мастихином можно подчеркивать очертания гор, камней, скал, облаков, морских волн, изображать деревья, цветы. Впитывающие свойства соли используются для получения интересных эффектов в акварели. С помощью соли можно украсить луг цветами, получить подвижную воздушную среду в картине, движущиеся тональные переходы. Многослойная живопись насыщенна по цвету. В многослойной живописи используются все художественные приемы работы с акварелью. Карандаш Карандаш — материал для рисования. Различают карандаши чернографитные и цветные. Рисунок карандашом выполняется на бумаге с использованием штриховки, тональных пятен, передачи светотени. Акварельные карандаши — вид цветных карандашей, водорастворимы. Приемы использования акварельных карандашей разнообразны: размывание рисунка акварельным карандашом водой, работа намоченным в воде акварельным карандашом, работа карандашом по мокрой бумаге, и др. рисунок выполнять сложнее. С помошью карандаша можно получить бесконечно много оттенков, градаций тона. В рисунке используются карандаши различные по степени мягкости. Начинают работу над графическим рисунком с конструктивного рисунка, т.е. рисунка внешних контуров предмета с использованием линий построения, обычно карандашом средней мягкости H, HB, B, F, далее в тоновом рисунке, в котором уже отсутствуют линии контуров предметов, а границы предметов обозначаются штриховкой, при необходимости используют более мягкие карандаши. Самый твердый это 9H, самый мягкий 9B. В рисунке карандашом желательно как можно меньше делать исправлений и аккуратно использовать стирательную резинку, чтобы не оставить пятна, так рисунок будет выглядеть свежим и аккуратным. Растушевкой в карандашном рисунке лучше не пользоваться по тем же причинам. Для нанесения тона применяется прием штриховки. Штрихи могут быть различными по направлению, длине, разряженности, нажиму карандаша. Направление штриха (горизонтальное, вертикальное, наклонное) определяется формой, размерами предмета, движением поверхности в рисунке. Портрет карандашом получается очень реалистичным и наполненным светом. Ведь с помощью карандаша можно передать множество оттенков, глубину и объемность изображения, переходы светотени. Рисунок карандашом закрепляется фиксативом, так рисунок не теряет свою четкость, не размазывается даже при его касании рукой и сохраняется надолго. Масло Живопись маслом на холсте — самая популярная техника живописи. Живопись маслом дает мастеру безграничное число способов изображения и передачи настроения окружающего мира. Пастозные или воздушные прозрачные мазки, сквозь которые виден холст, создание рельефа мастихином, лессировка, использование прозрачных или кроющих красок, различные вариации смешивания цветов — все это многообразие приемов живописи маслом позволяет художнику найти и передать настроение, объем изображаемых предметов, воздушной среды, создать иллюзию пространства, передать богатство оттенков окружающего мира. Масляная живопись имеет свою особенность — картина пишется в несколько слоев (2-3), каждому слою необходимо высохнуть несколько дней в зависимости от используемых материалов, поэтому обычно картина маслом пишется от нескольких дней до нескольких недель. Наиболее приемлемым для масляной живописи является льняной холст. Льняное полотно прочное, отличается живой фактурой. Льняные холсты бывают различной зернистости. Для портрета и живописи с детальной прорисовкой используют мелкозернистый, более гладкий холст. Крупнозернистый холст подойдет для живописи с выраженной фактурой (камни, скалы, деревья), пастозной живописи и живописи мастихином. Ранее в живописи использовалась техника лессировок, нанесения красок тонкими слоями, поэтому шероховатость льняного слоя придавала картине изящность. Сейчас в живописи часто используется техника пастозных мазков. Тем не менее, качество холста важно для выразительности картины. Хлопковый холст — прочный и недорогой материал, подходит для живописи пастосными мазками. В живописи маслом используются также такие основы как мешковина, фанера, оргалит, металл, и даже бумага. «Три танцовщицы в фиолетовых юбках» была продана за $7, 87 млн. В России в пастели работали такие мастера, как Репин, Серов, Левитан, Кустодиев, Петров-Водкин. Сангина Цветовая гамма сангины, материала для рисования, от коричневого до близкого к красному. С помощью сангины хорошо передаются тона человеческого тела, поэтому выполненные сангиной портреты выглядят очень естественно. Техника рисунка с натуры с помощью сангины известна начиная с эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Рафаэль). Нередко сангину сочетают с углём или итальянским карандашом. Для обеспечения большей долговечности рисунки сангиной закрепляются фиксативом или помещаются под стекло. Сангина известна еще с античности. Именно тогда сангина позволила ввести в рисунок цвет телесного цвета. Широкое распространение техника рисунка сангиной получила в Эпоху Возрождения. Художники Возрождения разработали и широко использовали технику «трех карандашей»: они наносили рисунок сангиной или сепией и углем на тонированною бумагу, а затем белым мелом высветляли нужные участки. Слово «сангина» происходит от латинского «сангвинеус» — «кроваво- красный». Это карандаши красно-коричневых тонов. Сангина изготавливается из тонкоперетертой жженой сиены и глины. Как пастель, уголь и соус, сангина является мягким материалом, которому при производстве придается форма четырехгранных или круглых мелков. С помощью сангины хорошо передаются тона человеческого тела, поэтому выполненные сангиной портреты выглядят очень естественно. Техника работы сангиной характерна сочетанием широких мазков и растушевок со штрихами остро заточенных брусочков сангины. Красивые рисунки сангиной получаются на тонированном фоне, особенно когда к основному материалу добавляются уголь и мел (техника «трех карандашей»). Для рисунка выбирают сангину такого оттенка, который лучше отвечает особенностям натуры. Например, обнаженное тело хорошо рисовать красноватой сангиной, а пейзаж — сангиной серовато-коричневой или цвета сепии. Иногда сангину комбинируют с углем, дающим холодные оттенки. Контраст теплых и холодных оттенков придает особое очарование таким работам. Для обеспечения большей долговечности рисунки сангиной можно закрепить фиксативом или поместить под стекло. Темпера Темпера (от латинского «temperare» — соединять) — связующее вещество красок, состоящее из натуральной или искусственной эмульсии. До усовершенствования масляных красок Я. Ван-Эйком (XV век) средневековая яичная темпера была одним из наиболее популярных и распространенных видов живописи в Европе, но постепенно она утратила свое значение. Во второй половине XIX века разочарование, наступившее в позднейшей масляной живописи, послужило началом поисков новых связующих веществ для красок, и забытая темпера, хорошо сохранившиеся произведения которой красноречиво говорят за себя, снова привлекает к себе интерес. В противоположность масляной живописи и старинной темпере новая темпера не требует от живописца определенной системы выполнения живописи, предоставляя ему в этом отношении полную свободу, которую он может использовать без всякого ущерба для прочности живописи. Темпера в отличие от масла быстро высыхает. Темперные картины, покрытые лаком, по красочности не уступают масляной живописи, а в отношении неизменяемости и долговечности, темперные краски даже превосходят масляные. Материалы и техники графики разнообразны, но, как правило, основой является бумажный лист. Цвет и фактура бумаги играют большую роль. Красочные материалы и техники определяются видом графики. Станковая графика в зависимости от характера техники подразделяется на два типа: эстамп и рисунок. Эстамп — от французского estamper — штамповать, оттискивать — оттиск на бумаге. Первоначальное изображение делается не непосредственно на бумаге, а на пластине какого-либо твердого материала, с которой потом рисунок печатается, оттискивается с помощью пресса. При этом можно получить не один экземпляр оттиска, а много, то есть тиражировать графическое изображение. Печатание применяется и в прикладной графике, в плакате, книжной иллюстрации. Но там печатная форма изготавливается с оригинала, выполненного художником, фотомеханическим, машинным путем. В станковой же графике для эстампа печатная форма создается самим художником, поэтому получается ряд экземпляров подлинных произведений искусства одинаковой художественной ценности, полностью сохраняющих живой и непосредственный отпечаток творческой работы автора. Сам процесс создания печатной формы из какого-либо твердого материала — дерева, металла, линолеума — называется гравированием (от французского слова graver — вырезать). Рисунок создается с помощью вырезания, процарапывания каким-либо острым инструментом — иглой, резцом. Произведения графики, отпечатанные с гравировальной печатной формы, называют гравюрой. плоская гравюра — рисунок и фон находятся на одном уровне; Что касается техники скульптуры, то ее виды можно группировать по различным принципам. Согласно одному принципу технику скульптуры можно разбить на три следующие группы: Когда рука художника заканчивают всю работу (обработка глины, камня, дерева). Когда работу художника заканчивает огонь (керамика). Когда художник дает только модель будущей статуи (отлив в бронзе). Согласно другому принципу техника скульптуры распадается на три, но уже другие основные группы: Лепка в мягких материалах (воск, глина) — техника, которую мы называем в узком смысле «пластикой». Обработка твердых материалов (дерево, камень, слоновая кость), или «скульптура» в прямом смысле этого слова. Отливка и чеканка в металле. Список литературы 1. А. В. Луначарский Об изобразительном искусстве 2. Л. А. Неменская Изобразительное искусство. Искусство в жизни человека

Техники изобразительной живописи Визуальный индекс

Техника рисования: перо и акварель

Визуальный указатель приемов рисования Ручка и акварель на бумаге для зарисовок. Размер прибл. А5. Фото © Марион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена About.com, Inc.

Визуальный указатель техник рисования

Если вы когда-нибудь задумывались, «как художник это сделал?» и ищете ответы, значит, вы попали в нужное место. Эти фотографии различных техник рисования помогут вам узнать, что использовалось для создания различных эффектов и стилей рисования, и как научиться делать это самостоятельно.

Эти перья были нарисованы акварелью поверх водостойких или стойких черных чернил.

Самое важное, что нужно помнить при работе с пером и акварелью, — это то, что чернила в ручке должны быть водонепроницаемыми, иначе они будут размазываться, когда вы наносите акварель. Я знаю, это кажется очевидным, но если у вас есть разные ручки, слишком легко выбрать одну, которая не является водонепроницаемой или долговечной. Этикетка на ручке скажет вам, иногда с небольшим символом, а не словом.

В зависимости от ручки и бумаги вам, возможно, придется подождать минуту или две, пока чернила полностью высохнут, прежде чем добавлять акварель. Вы скоро узнаете, потому что чернила немедленно растекутся, если они не полностью высохнут (или не водонепроницаемы). К сожалению, как только это случилось, вы не можете отменить его, поэтому вам придется либо начинать заново, либо спрятать его под непрозрачной краской, либо нарисовать карандашом и водой. Гуашь смешивается с акварелью или, если у вас есть тюбик «белой акварели», он тоже будет непрозрачным.

Можете ли вы сначала нарисовать акварель, а затем перо сверху? Определенно, но подождите, пока краска высохнет, чтобы чернила не растекались (растекались во влажных волокнах бумаги). Лично мне легче сначала поработать пером, так как легче отслеживать, где я нахожусь на изображении.

Техника рисования: водорастворимое перо влажной кистью

Эта фигура была нарисована водорастворимой черной ручкой и кистью с чистой водой.

Если вы используете перо и акварель, вы должны быть уверены, что используете ручку с водостойкими чернилами, так как вы не хотите, чтобы чернила размазывались и растекались. Но для монохромной картины использование водорастворимого пера и последующее превращение его в жидкие чернила, проведенное по нему влажной кистью, может создать прекрасный эффект.

В результате получается смесь линии и тона (два элемента искусства).Степень растворения линии зависит от того, сколько воды вы нанесете (насколько мокрая кисть), насколько агрессивно вы проведете по линии и насколько впитывающая бумага. Производимый тон может варьироваться от очень светлого до довольно темного. Вы можете полностью потерять линию или немного смыть с нее тон, не меняя характера линии.

Немного практики, и вы скоро почувствуете это. Черные, конечно, не единственный вариант. Водорастворимые ручки бывают самых разных цветов.

Техника рисования: водорастворимая чернильная ручка (цветовые вариации)

Визуальный указатель приемов живописи.

Цветовые вариации в этом произведении искусства были созданы одной якобы «черной» ручкой!

Работа влажной кистью по рисунку, выполненному пером с водорастворимыми чернилами, превращает линию в смывку чернил. В зависимости от того, сколько воды вы используете, большая или меньшая часть лески растворяется.

Весьма зависит от того, какая цветная стирка у вас получится, от чернил; это не всегда то, чего можно было ожидать, особенно с более дешевыми ручками. (Потенциальная проблема с использованием дешевой ручки заключается в том, насколько светостойкими могут быть чернила, но они отлично подходят для экспериментов, просто держите результаты подальше от прямых солнечных лучей.) В примере на фотографии я использовал черную маркерную ручку, которую купил в супермаркете по прихоти, черную ручку для письма Berol. Как видите, он «растворился» в двух цветах, результат, который я считаю привлекательно эффективным и выразительным.

Насколько водорастворимой может быть ручка, зависит от бренда, но отправной точкой является поиск ручки, в которой нет надписей «водонепроницаемый», «водостойкий», «водостойкий при высыхании» или «постоянный». «. Время высыхания чернил на бумаге также может иметь значение; некоторые водонепроницаемые ручки будут немного размазываться, если сразу нанести воду.

Техника рисования: рисование акварелью

Визуальный указатель приемов рисования Вверху: акварельный слой, ожидающий высыхания. Внизу: Обведено синим карандашом Derwent Graphitint. Фото © 2012 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена About.com, Inc.

Работа цветным карандашом над акварельной картиной — полезный прием для добавления деталей.

Концепция рисования карандашом, к которому вы затем добавляете акварельную краску, знакома, но почему-то мысль о работе с «средой для рисования» поверх высохшей акварели некоторыми рассматривается как «обман».Как будто однажды начав работать с краской, назад уже не вернуться. Это так неправда! Разделение между рисунком и живописью искусственное; Важно то, что вы создаете.

Острый карандаш — идеальный инструмент для добавления мелких деталей и создания четких краев. Многим людям легче контролировать направление и ширину линии карандашом, чем кистью. Если держать руку на палке для мала, контроль еще больше увеличивается.

Держите кончик карандаша очень острым и не поленитесь его заточить.Вращение его в пальцах во время использования помогает удерживать точку. Если вы действительно ненавидите заточку, начните с полдюжины одинаковых карандашей и поменяйте их местами.

В приведенном здесь примере я работал поверх акварельной картины (после того, как она полностью высохла!), Используя темно-синий графитовый карандаш. В частности, индиго из диапазона Graphitint от Derwent (Buy Direct), который имеет темную землистость, отличную от обычного цветного карандаша. Кроме того, он водорастворим, поэтому было очень важно, чтобы акварель была полностью сухой! Как видите, это позволило мне сделать края более четкими и добавить тени.Обратите внимание, например, на то, как он изменил рот, создал тень на мочке уха и нижней части воротника, а также обозначил край рубашки.

Очевидно, вам не обязательно использовать водорастворимый карандаш для этой техники. Это было то, что у меня было под рукой, но я выбрал его с мыслью, что могу превратить его в краску, если захочу.

Техника рисования: соль и акварель

Картина написана солью на влажной акварельной краске.

Когда вы рассыпаете соль на влажную акварельную краску, соль впитывает воду в краске, растягивая краску по бумаге в виде абстрактных узоров. Используйте крупную соль, а не мелкую, так как чем больше кусок соли, тем больше она впитается. Когда краска высохнет, аккуратно сотрите соль.

Поэкспериментируйте с разной степенью влажности вашей акварельной краски и количеством соли, которую вы используете, пока не почувствуете ее.Слишком высохнет, и соль не впитает много краски. Слишком влажно или слишком много соли, и вся краска впитается.

• Как использовать соль для создания снежинок акварелью

Техника рисования: глазурь

Визуальный указатель приемов живописи. Фото © Марион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена About.com, Inc.

Эти «сложные цвета» были созданы с помощью нескольких глазурей.

Если вы смотрите на картину, в которой есть «сложные цвета», где цвета имеют глубину и внутреннее свечение, а не кажутся твердыми и плоскими, то они почти наверняка созданы с помощью остекления.Это когда несколько слоев цвета наносятся друг на друга, а не являются одним слоем краски.

Ключ к успешному глазурованию — не красить новый слой глазури до тех пор, пока текущий слой полностью не высохнет. С акриловыми красками или акварелью вам не придется долго ждать, пока это произойдет, но с масляными красками вам нужно набраться терпения. Если вы нанесете глазурь на все еще влажную краску, краска смешается, и вы получите то, что называется физической смесью, а не оптической смесью.

• Как красить глазурь

Техника рисования: Капли

Визуальный указатель приемов живописи. Фото © Марион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена About.com, Inc.

Этот эффект достигается за счет того, что жидкая краска стекает вниз и после высыхания покрывается прозрачной глазурью.

Включение капель в картину, независимо от того, случаются ли они намеренно или случайно, может дать результат, который интригует и привлекает зрителя. Если вы рисуете жидкой краской (жидкой, текучей) на вертикальном холсте, например, при работе за мольбертом, а не на столе, то вы можете использовать гравитацию, чтобы добавить «счастливую случайность» или случайный элемент к изображению. рисование.Нанесите много жидкой краски на кисть, а затем позволив большому количеству краски соскользнуть с кисти в одном месте (прижав кисть к холсту, но не перемещая ее), вы получите небольшую лужицу краски на холсте. При достаточном количестве краски сила тяжести потянет ее вниз.

Вы можете облегчить процесс, выдавив краску пальцами и дуя на лужу с краской, чтобы начать капание. (Дуйте в том направлении, в котором вы хотите стечь.) С сильными каплями (теми, с которыми течет много краски) вы можете вращать холст, чтобы управлять тем, где он течет.

На фото изображена деталь с моей картины «Дождь / Огонь», созданной акриловыми красками. Когда начальный слой красного не совсем высох, я нанес жидкую оранжевую краску и дал ей стечь. Если вы посмотрите на верхнюю часть, вы можете увидеть, где я разместил свою кисть, каждый раз перезагружая краску, в ряд поперек. По мере того, как краска капала, она смешивалась с еще влажной красной краской. Это, а также слой темно-красной глазури, добавленный после того, как все высохло, поэтому капли больше оранжевого цвета вверху, чем внизу.

Если вы работаете с масляной краской, разбавьте краску маслом или спиртом, в зависимости от того, в какой части картины вы находитесь. Если вы используете акрил, подумайте об использовании какого-нибудь средства для глазури, так как вы не хотите слишком разбавлять краску. Как вариант, используйте жидкий акрил.

С акварелью неважно, сколько воды вы добавляете в краску. Вы можете помочь определить направление капель краски, сначала проведя по картине кончиком влажной чистой кисти.

Гравитационная живопись

Вы можете пойти дальше рисования каплями, используя среды, которые стимулируют растекание и растекание краски. Затем вы используете гравитацию, чтобы тянуть краску, наклоняя и поворачивая холст, чтобы изменить направление.

На фотографии показаны два морских пейзажа, которые я рисовал, где я повернул большой холст на 90 градусов, чтобы краска растягивалась под действием силы тяжести. Нанесенный в результате след отличается от того, который создается кистью: более рыхлый, более случайный, более органичный.Мокрая краска, которая капает, должна стать краем моря, рябью на мелководье у берега. Когда он высохнет, я могу повторить процесс другим тоном. После этого я брызну на берег белой пеной.

Для акриловой краски различные производители выпускают присадки, улучшающие текучесть, которые снижают вязкость краски, поэтому она очень легко растекается. Это не научное описание, но я думаю, что текучая среда делает краску более скользкой, поскольку то, как она скользит и скользит по холсту, сильно отличается от краски, разбавленной только водой.Для масляной краски добавление растворителя или алкидной текучей среды будет способствовать растеканию краски.

Я либо смешиваю текучую среду и рисую на своей палитре, а затем наношу ее кистью на свою картину. Или я капаю немного текучей среды прямо на холст в еще влажную жидкую краску. Каждый производит различный тип знака; экспериментирование научит вас тому, что вы можете получить. Помните, если вам не нравится результат, вы можете либо стереть его, либо перекрасить. Это не катастрофа, это просто шаг в процессе создания.

Техника рисования: слои краски, не смешанные

Море на этой картине создано путем наложения разных голубых оттенков друг на друга с минимальным смешиванием.

Море часто мерцает, меняя цвета и тона, когда мы смотрим на него. Чтобы попытаться запечатлеть это, я использовал различные оттенки синего и белого в разбитых слоях, чтобы просвечивать кусочки каждого, вместо того, чтобы рисовать море однородным, хорошо смешанным цветом.

Самый темный синий — это берлинская лазурь, часть которой была масляной акриловой краской и акриловыми чернилами. Более светлый синий — это лазурно-синий (краска), а самый светлый кобальтовый бирюзовый (краска). Также есть акриловые чернила морского синего цвета. Плюс титановая белила и, в небе и на земле, немного коричневой коричневой краски.

Я использовал немного краски прямо в тюбике, немного разбавил водой, глазурью и акриловыми средами, улучшающими текучесть. Добавление белого, чтобы сделать прозрачный синий более непрозрачным, добавляет вариации цвета.

Синие краски наносятся друг на друга, иногда длинными мазками, иногда короткими. Направление маркировки важно и должно повторять предмет. Здесь я работал горизонтально, следуя за горизонтом и немного приближаясь к береговой линии, так как волны будут изгибаться естественным образом.

Я избегал полностью смешивать цвета (соблазн при рисовании мокрым по мокрому). Позвольте каждому цвету проявиться и позвольте кусочкам заглядывать сквозь слои. Лучше смешайте слишком мало, чем слишком много.Если в результате получается резкий край, который кажется навязчивым, вы можете смягчить его, поместив немного другого синего цвета поверх него, а затем смешав края этого.

Нарисуйте слой на слое, добавьте и скройте. Не ждите, что с первого раза все будет правильно, не удаляйте то, что «неправильно», а работайте над этим. Все это добавляет глубины окончательной картине. Я обычно работаю над такой картиной в течение нескольких дней, что дает время для полного высыхания краски и созерцания того, что я сделал. Не забывайте регулярно отступать, так как на расстоянии и вблизи картина выглядит совершенно иначе.

Техника рисования: смешивание цветов

Визуальный указатель приемов живописи. Техники живописи изобразительного искусства. Смешивание цветов. Фото © Марион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена About.com, Inc.

Мягкий переход цветов на этой картине был достигнут путем смешивания еще влажной краски.

Если вы сравните темно-оранжевый цвет на солнце с тем, что на вершине холма на этой картине, вы увидите, что холм имеет очень четкую твердую кромку, в то время как солнце имеет мягкий край, переходящий в оранжевый. и желтый.Это делается путем смешивания цветов, когда они еще влажные.

Если вы рисуете маслом или пастелью, у вас будет много времени на растушевку. Если вы работаете с акрилом или акварелью, вам нужно действовать быстро. Чтобы смешать, вы наносите цвета рядом друг с другом, затем берете чистую кисть и аккуратно проходите по месту пересечения двух цветов. Вы не хотите добавлять лишнюю краску или резко останавливать цвет.

Техника рисования: радужная масляная пастель как фон для рисования

Наглядный указатель техник рисования Золотой фон для этого линопринта был создан с помощью переливающейся масляной пастели, смешанной гладко.Фото © 2011 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена About.com, Inc.

Фон для этого линопринта был создан золотой переливающейся масляной пастелью.

Одной из проблем с золотой краской может быть получение ровной гладкой поверхности. Итак, для этого линопринта я использовал переливающуюся масляную пастель, которую затем растушевал пальцем. Еще одним преимуществом было то, что мне не пришлось ждать, пока он высохнет, прежде чем печатать на нем линогравюру.

Примечание. Для печати поверх масляной пастели я использовал чернила для рельефной печати на масляной основе, а не чернила на водной основе.Пастель сместится и немного сотрется, если вы дотронетесь до нее, поэтому работы нужно защищать стеклом. Используя эту технику для одноразовой карты, я бы использовал один из тех сложенных форматов, где фактически есть монтирование поверх изображения. Подберите правильное освещение, и радужные пастельные снимки получатся красивыми, поэтому создание отпечатков с художественных работ — определенно лучший вариант.

• Масляная пастель Sennelier

Художественные методы разбрызгивания

Визуальный указатель художественных приемов. Распыление может быть выполнено одним цветом или несколькими, чтобы создать слои цвета, как показано в этих примерах.Фото © 2011 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена About.com, Inc.

На этой фотографии показаны две детали морского пейзажа, где береговая линия была нанесена методом разбрызгивания по сграффито.

В следующий раз, когда вы будете менять зубную щетку, не выбрасывайте старую, а положите ее в коробку для произведений искусства. Это идеальный инструмент для разбрызгивания. Вы окунаете кисть в жидкую краску, наводите ее на картину, затем проводите пальцем (или мастихином, ручкой кисти или кусочком карты) по щетине.Не забудьте сделать это по отношению к себе, чтобы краска расплескалась подальше от вас.

При использовании этой техники получается распыление небольших капель краски. Если вам нравится абсолютный контроль или вы не любите беспорядок, вероятно, вам не понравится этот метод. Хотя вы можете контролировать или направлять, куда пойдет краска, в некоторой степени с практикой, она любит распыляться и попадать в места, которых вы не ожидали.

Размер капель зависит от того, насколько жидкая краска, сколько у вас на зубной щетке и от того, как вы ее наносите.Для разбрызгивания не нужно использовать зубную щетку, подойдет любая щеточка с жестким ворсом. Сначала попробуйте это сделать на странице в альбоме для рисования или на клочке бумаги. Или, если вы нанесете это на полностью высохшую картину, вы можете стереть краску и попробовать еще раз. (Хотя, если вы используете акрил, поторопитесь, краска быстро высохнет.)

Чтобы остановить распыление краски в определенной области, замаскируйте ее. Самый простой способ — это удержать или закрепить скотчем кусок бумаги или ткани, чтобы закрыть область, на которую вы не хотите, чтобы на нее брызнули брызги.

Водорастворимый графит Art Techniques

Это исследование рисунка было создано с водорастворимым графитом. Сначала были нарисованы линии, а затем водяной кистью превратил часть графита в краску. Я также снял немного цвета прямо с карандаша с помощью водной кисти и нарисовал карандашом еще влажные участки на бумаге. Техника такая же, как и с акварельными карандашами, за исключением того, что вы работаете только в серых тонах.

Когда вы можете использовать водорастворимый графитовый карандаш насухо на сухой бумаге, он даст те же результаты, что и обычный карандаш. Обработайте его кистью и водой, затем графит превратится в серую прозрачную краску, как акварель. Работая с ним на влажной бумаге, вы получаете мягкую широкую линию, расширяющуюся по краям.

Водорастворимые графитовые карандаши бывают разной степени твердости, а также карандаши с деревом вокруг них или карандаши из бездревесного графита. Преимущество бездревесной версии состоит в том, что вам никогда не нужно останавливаться, чтобы точить ее.Вы просто отрываете кусок обертки, чтобы открыть большую часть графитовой палочки. Вы можете заострить графитовую палочку в острие с помощью точилки, как обычный карандаш, но еще проще быстро придать ей острие, перемещая ее вперед и назад по бумаге.

Художественные техники: гуашь, цветной карандаш

Будучи непрозрачным, слой гуашевой краски скроет любые следы карандаша под краской гораздо больше, чем акварель.Но вы можете работать поверх него карандашом (графитовым или цветным), а также рисовать еще влажной краской, как я сделал на этом рисунке.

Как вы можете видеть на изображении картины, следы, нанесенные коричневым карандашом гуашевой краской, различаются. Кое-где краска сдвинулась в сторону, но на бумаге не осталось следов карандаша. В других местах он сдвинул краску и оставил коричневую линию. (Оба эти метода можно назвать техникой сграффито.) Там, где краска была сухой, цветной карандаш оставил линию поверх краски.Таким образом, с помощью одного карандаша можно наносить краской самые разные отметки.

Я действительно понимаю, что фиолетовый — это не цвет, связанный с хорошим здоровьем, и это может показаться странным выбором для рисования фигур. Но я израсходовал остатки краски ближе к концу сеанса рисования жизни и не хотел брать новую краску. Пурпурный цвет лучше, чем зеленый лайм, который можно увидеть на плечах. Это определенно нездоровая бледность! Я попытался сосредоточиться на тоне, а не на оттенке, затем использовал карандаш, чтобы добавить немного четкости форме фигуры.

Живопись изобразительного искусства: Термины и методы

Акварельная живопись

Акварельная живопись — это метод создания изображений с помощью красок с водорастворимым связующим. Когда вы добавляете воду, получается яркая, прозрачная, быстро сохнущая краска. Художники-акварелисты должны бесстрашно относиться к своей работе. Если они допустили ошибку, им придется начинать заново, потому что вы не можете закрасить акварелью, чтобы исправить это!

Акварельные рисунки обычно выполняются на плотной бумаге.Вы можете получить прекрасные эффекты с акварельной краской с помощью тонкой смывки , когда бумага смачивается водой, а затем наносится тонкими слоями краски. Затем вы можете обрабатывать другие цвета с помощью процесса мокрый по мокрому , что означает нанесение более тонких линий цвета на еще влажную поверхность. Акварель также можно наносить сухой кистью в технике . Окунув кисть в краску с гораздо меньшим количеством воды и используя ее на сухой бумаге, вы получите более глубокий цвет и более схематичные сплошные линии.

Набор акварельных красок с кистью и пример нанесения краски

Масляная живопись

Некоторые из самых известных художников в мире, в том числе Леонардо да Винчи и Винсент Ван Гог, работали с масляными красками . В отличие от акварели масляные краски изготавливаются на связующем из натурального водостойкого вещества, такого как льняное или маковое масло. В результате получается густая маслянистая краска насыщенного цвета, которую можно наносить слоями.Масляные краски сохнут долго, и если вы сделаете ошибку, вы можете переделать ее или закрасить. Масляные краски можно наносить кистью или ножом, и использование разных инструментов дает разные эффекты на поверхности краски. Художники выдавливают краску на палитру, плоскую опору, которую они могут держать в руке, чтобы нужные цвета были рядом. Картины маслом можно делать на подставках из дерева, натянутого холста или даже металла.

Пример палитры масляной живописи

Есть два подхода к масляной живописи.Если вы работаете с непрямым способом , вы аккуратно завершаете рисунок объекта, а затем добавляете монохромный (вариации одного цвета) подмалевок на холст. Вы даете этому слою высохнуть, а затем добавляете более тонкие слои более прозрачной краски. Это называется остеклением , и оно позволяет просвечивать детали рисунка и подмалевка, но добавляет яркого цвета. Каждый слой высыхает до того, как будет добавлен следующий, а завершение одной картины может занять месяцы.Леонардо да Винчи работал косвенно.

С другой стороны, при рисовании direct , также известном как alla prima , вы наносите краску прямо на холст без большого количества подмалевок. Художник блокирует области цвета, снова работает с областями, чтобы добавить больше деталей, и может работать быстрее, чем косвенные методы. Иногда слоям все же дают высохнуть между слоями, но глазури используются редко. Художники также могут использовать краску очень густо, что создает текстуру и объем — этот тип живописи известен как impasto .Винсент Ван Гог работал в прямом стиле живописи.

Акриловая живопись

Один из новых типов красок, доступных художникам, — это акрил , изобретенный в 1940-х годах. Они содержат эмульсию пластичного полимера в качестве связующего и известны своей гибкостью. У них более короткое время высыхания, чем у масел, но их можно использовать для медленного высыхания. Их можно разбавить и промыть кисти в воде, но при высыхании акриловая краска становится водостойкой. Техники масляной живописи работают с акриловыми красками, но вы также можете использовать их так же, как акварель.

Примеры акриловых красок

Это три самых популярных метода окраски, но есть и другие. Лучший способ узнать о разных видах живописи — это попробовать. Так что не бойтесь приключений — возьмите несколько красок по своему выбору и узнайте, что вы можете с ними сделать!

Краткое содержание урока

Художники создавали изображения красками на протяжении тысячелетий. Краска представляет собой комбинацию порошкового пигмента и связующего , который удерживает краску и позволяет ей растекаться.Художники используют разные типы красок, например, акварель , которую можно использовать для стирки, , техник мокрого по мокрому, или техник сухой кисти, ; масляная краска , которая является более универсальной и может использоваться в непрямом методе с использованием глазури. Масла также можно наносить прямым способом, иногда в очень густых слоях, называемых impasto . Более новый тип краски acrylics водорастворим во влажном состоянии, но при высыхании дает стойкое покрытие.Он предлагает гибкость, и художник может использовать масляные и акварельные методы.

Какие бывают виды изобразительного искусства?

Какие три художественные классификации?

Во всех изобразительных искусствах для описания произведений искусства используются три классификации. Независимо от того, является ли произведение двухмерным или трехмерным, оно всегда относится к одному из этих трех основных типов.

Изобразительное искусство

Изобразительное искусство может описывать любое произведение искусства, которое изображает легко идентифицируемые или узнаваемые предметы.Изобразительное или фигуративное искусство — наиболее широко признанное искусство, признанное массами. Эта группа также имеет самый большой доступный объект искусства, потому что два других типа, абстрактный и беспредметный, являются относительно новыми стилями.

Самое старое и классическое искусство относится к категории изобразительного искусства. Несмотря на изображение реальных объектов, фигуративное искусство не всегда гиперреалистично; он не должен точно отображать объект, как фотография. Примеры представительных художников включают Леонардо да Винчи, Винсент Ван Гох, Микеланджело, Эдвард Хоппер и Фрида Кало.

1. Абстрактное искусство

Абстрактное искусство берет предметы или вдохновение из реальности, но представляет их способами, которые отличаются от того, как мы рассматриваем те же предметы в нашей повседневной реальности. Абстракции всего около 200 лет, и она до сих пор остается непонятым художественным стилем, несмотря на стремительный рост ее популярности. Примеры художников-абстракционистов включают Жоржа Брака, Марка Ротко, Анри Маттиса и Джаспера Джонса.

Беспредметное искусство

Беспредметное искусство ничего не берет от реальности.Его можно принять за абстракцию, но отличается, потому что в действительности нет основы. Вместо этого беспредметное искусство использует элементы, материалы и принципы искусства таким образом, чтобы создавать визуально стимулирующие работы. Примеры беспредметных художников: Джексон Поллок, Василий Кандинский, Пит Мондриан и Соня Делоне.

Изобразительное искусство

Изобразительное искусство — это стиль искусства, который разработан в первую очередь для того, чтобы быть эстетически красивым. Это определение отличает изобразительное искусство и ставит его выше декоративного и коммерческого искусства, которое также выполняет некоторую практическую функцию.Высокое искусство позволяет в полной мере выразить и проявить воображение художника, не ограниченное какими-либо коммерческими или практическими соображениями, такими как функциональность.

В то время как изобразительное искусство как коллектив может включать семь форм искусства, изобразительное искусство традиционно ограничивается тремя видами изобразительного искусства: живописью, скульптурой и архитектурой. Однако более широкие интерпретации изобразительного искусства расширились бы, включив в него рисунок. Рисунки мастеров сами по себе считаются изящным искусством, даже если они предшествовали живописи или трехмерным формам искусства.

Термин «изобразительное искусство» использовался для западного искусства с эпохи Возрождения и далее, чтобы отличать определенные формы искусства от новых форм коммерческого дизайна или работы ремесленников.

То, что отличает это искусство от «хорошего», не связано с комментарием к рассматриваемому качеству произведения искусства. Вместо этого определение относится к методу и чистоте дисциплины. Другие визуальные формы искусства могут быть высокого качества, не будучи классифицированными как «изобразительное искусство».

«Изобразительное искусство» — это преимущественно западный термин, но в других культурах наблюдались аналогичные различия между «высоким» и «низким» искусствами.Три изящных искусства — живопись, скульптура и архитектура — иногда также называют «основными искусствами», а «второстепенные искусства» относятся к стилям коммерческого или декоративного искусства.

Архитектура — единственная форма изобразительного искусства с чувством полезности или элементами практичности. Однако не все повседневные постройки попадут в классификацию прекрасной архитектуры. Чувство красоты и креативность по-прежнему должны быть на первом плане в дизайне архитектора.

Известные художники изобразительного искусства обычно пользуются более высоким статусом и известностью при жизни или посмертно, чем их коммерческие и декоративные коллеги.Старое искусство, такое как классическое искусство древностей, обычно считается изящным искусством. Известные прекрасные художники включают «старых мастеров», работавших между эпохой Возрождения и 1800-х годов, таких как Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Хотя многие старые или классические произведения искусства считаются изобразительным искусством, современное искусство также может попадать в эту категорию. С 1800-х годов в импрессионизме, экспрессионизме и других жанрах современного искусства появился новый класс изящных художников. В эти жанры входят такие известные художники, как Пабло Пикассо, Винсент Ван Гог, Джексон Поллок, Клод Моне и Умберто Боччони.

Многие современные изобразительные художники расширили определение изобразительного искусства, черпая вдохновение или элементы из других изобразительных искусств. Однако уникальный, ограниченный характер их искусства и безудержная творческая свобода поддерживают элитный статус современных изобразительных художников. Среди известных современных изобразительных художников современности — Дэвид Краков, Джефф Кунс, Яёи Касума, Барбара Крюгер, Дэмиен Херст и Ай Вэй Вэй.

2. Декоративное искусство

Декоративное искусство часто упускается из виду как вид искусства, поскольку оно функционально и красиво.Декоративное искусство может использоваться как синоним «ремесла»; дизайн и изготовление одновременно красивы и функциональны.

К декоративно-прикладному искусству относятся предметы, созданные для интерьеров зданий и дизайна интерьеров, но обычно не включают архитектуру.

Декоративное искусство может включать предметы повседневного обихода, но отличается от серийных версий этих предметов. Чтобы считаться декоративным искусством, объект обычно должен быть сделан вручную специализированным мастером или мастерицей.

К распространенным средствам декоративного искусства относятся керамика, изделия из стекла, изделия из дерева, текстиль, эмаль и изделия из металла. Каждая из этих сред может состоять из нескольких подкатегорий; например, текстильная среда включает в себя все, от дизайна одежды до настенных гобеленов, плетеных изделий, вышивки и тканей для интерьера.

Декоративное искусство встречается в культурах по всему миру. Среди самых известных художников-декораторов — текстильный дизайнер Уильям Моррис, ювелир и производитель керамики Питер Карл Фаберже (создатель печально известных яиц Фаберже).Художники-декораторы часто неизвестны по сравнению со своими коллегами в живописи или скульптуре. Тем не менее, их работа не менее важна в рассказывании истории и историй культур прошлого и настоящего.

3. Коммерческое

Коммерческое искусство, как и декоративное искусство, может быть функциональным и красивым. Коммерческое искусство — это творческая услуга, которая создается для коммерческих целей, например, для рекламы. Коммерческое искусство используется для стимулирования продажи и заинтересованности в услугах, продуктах и идеях.Бренды и компании будут использовать коммерческое искусство, чтобы донести до аудитории что-то конкретное.

Коммерческое искусство может включать графический дизайн, фотографию, иллюстрацию, анимацию, эстамп, телевидение, дизайн одежды, визуальные эффекты, промышленный дизайн и анимационную графику. Коммерческое искусство обычно встречается в таких средствах, как журналы, веб-сайты, приложения, телевидение, дисплеи магазинов и упаковка продуктов.

Этот вид искусства окружает нас повсюду. Коммерческие художники часто несут ответственность за визуальные эффекты, которые мы видим каждый день, от логотипов до рекламных щитов, телевизионной рекламы и т. Д.Это искусство массового производства, предназначенное для широкой аудитории.

Коммерческое искусство часто можно увидеть в новых формах медиа, но на самом деле оно использовалось веками для продвижения товаров. Этот вид искусства используется не только брендами и предприятиями, но и как форма общения между правительствами и военными. Знаменитые плакаты о вербовке на войну, правительственная пропаганда и даже проекты общественных работ были разработаны художниками-коммерсантами. Знаменитый лондонский логотип Tube, ранние плакаты Coca-Cola и плакаты с супом Энди Уорхола Кэмпбелла — все это фантастические образцы коммерческого искусства.

Коммерческие художники либо нанимаются, либо получают заказы для создания произведений искусства для платежеспособных клиентов. В отличие от художников изобразительного искусства, коммерческие художники обычно следуют инструкциям, но все же могут иметь достаточно творческой свободы или чутья для создания экспериментального или новаторского коммерческого искусства.

Многие художники-новаторы, ставшие популярными во времена модерна, ар-деко и поп-арта, были коммерческими художниками. Среди известных коммерческих художников — Энди Уорхол, Норман Роквелл, Альфонс Муха, Такаши Мураками и Сальвадор Дали.

Некоторые художники начали свою карьеру в коммерческом искусстве, а затем перешли в изобразительное искусство, или наоборот. Эти художники часто несут ответственность за стирание границ между высоким и низким искусством и бросают вызов представлениям об исключительности, которые часто возникают в изобразительном искусстве. Энди Уорхол создавал произведения искусства для таких брендов, как Campbell’s Soup и Brillo, прежде чем стать известным художником, которым его называют сегодня.

Современные художники, такие как Такаши Мураками, еще больше стирают границы, создавая изобразительное искусство, использующее стили и мотивы «низкого» коммерческого искусства, такого как аниме.Мураками выставляет и создает как изобразительное искусство, так и коммерческое искусство массового производства, часто в сотрудничестве с такими брендами, как Louis Vuitton, и такими исполнителями, как Канье Уэст и Билли Эйлиш.

Заключение

В настоящее время термин «изобразительное искусство» используется для обозначения как изобразительного искусства, коммерческого искусства, так и прикладного декоративно-прикладного искусства и ремесел. Однако так было не всегда. До 20 века термин «художник» часто использовался только для художников, работающих в сфере изобразительного искусства.

Художники, специализирующиеся на ремеслах, ремеслах, рекламе или средствах массовой информации прикладного искусства, часто упускались из виду. В настоящее время навыки и талант художников во всех формах изобразительного искусства оцениваются гораздо шире.

Что такое изобразительное искусство? — Определение и типы — Видео и стенограмма урока

Восприятие изобразительного искусства

Некоторые люди утверждают, что все, что сделано по заказу или для клиента, не является изобразительным искусством, но природа искусства и художников со временем изменилась. Были заказаны такие известные художники, как Леонардо да Винчи и Микеланджело, и мало кто будет спорить, что потолок Сикстинской капеллы — это не искусство.

Кроме того, уже давно существует ощутимая разница между изобразительным искусством и декоративными искусствами или ремеслами , такими как стекло, керамика и текстиль, которые имеют утилитарное или прикладное назначение. Декоративно-прикладное искусство, как правило, функционально. Каким бы эстетичным ни был персидский ковер с тонкой тканью, он служит основной цели в качестве напольного покрытия.

Определение изобразительного искусства расширилось и изменилось на протяжении 20-го и 21-го веков с развитием новых средств массовой информации, таких как фотография и цифровые форматы.Кто знает, какие новые средства будут использоваться для создания изобразительного искусства в будущем.

2-D Fine Art

Некоторые виды изобразительного искусства двумерны. Самый простой — это рисунок , , или идея использования такого инструмента, как карандаш, ручка или уголь, для создания линий или теней, практика, фундаментальная для многих других видов изобразительного искусства. Другой тип двумерного изобразительного искусства — это живопись , которая включает в себя такие материалы, как акварель, масло и акрил. Картина может быть создана на деревянном панно, холсте или практически любой другой поверхности.

Другие типы двумерного изобразительного искусства могут включать процессы, которые создают более одного изображения. Гравюра включает использование травления, гравировки или трафаретной печати для переноса изображения с одной поверхности на другую, как правило, в очень высоком качестве и в ограниченных количествах, чтобы квалифицироваться как изобразительное искусство.

То же самое верно и для фотографии , где намерение и сообщение, мастерство художника и качество печати определяют, является ли это произведением искусства.Например, фотография тюбика зубной пасты, сделанная для рекламы, не будет считаться изящным искусством, потому что она предназначена для продажи продукта, в отличие от драматического черно-белого пейзажа, тщательно снятого, чтобы подчеркнуть контрастирующие темные и светлые тона и Детали.

3-D Fine Art

Изобразительное искусство также может быть трехмерным. Скульптура — это вид изобразительного искусства, который включает лепку из глины, литье из бронзы, резьбу по камню или дереву, шитье и ткачество или сварку металла.На самом деле изобразительное искусство определяется намерением, а не конкретными средствами, с помощью которых оно создается, например, передовыми материалами, используемыми современными художниками сегодня.

Как видите, изобразительное искусство включает в себя множество различных творческих процессов и материалов. Теперь, когда вы познакомились с изобразительным искусством, оглянитесь вокруг, чтобы увидеть, сможете ли вы найти несколько примеров. А почему бы вам не попробовать создать для себя какое-нибудь изобразительное искусство?

Итоги урока

Давайте рассмотрим.

Изобразительное искусство — это что-то, созданное для эстетических или интеллектуальных целей.Он отличается от декоративно-прикладного искусства тем, что красивый служит практическим целям. Изобразительное искусство может быть красивым или выражать идеи и эмоции, но у него нет другой цели, кроме как быть искусством.

Определение изобразительного искусства может быть неопределенным и со временем изменилось, поскольку художники используют новые средства и методы для создания изобразительного искусства. Типы двухмерного и трехмерного изобразительного искусства включают рисунок или создание изображения с использованием линий и теней; живопись , в том числе краски акварельные, масляные, акриловые; гравюра с такими процессами, как травление, гравировка и трафаретная печать; фотография — особенно гравюры, демонстрирующие цель и умение; и скульптура , включая такие методы, как лепка, резьба и литье.

Техники изобразительного искусства: основы гравюры

Основы гравюры

В то время как большинство типов произведений искусства известны как отдельные части, которые невозможно воспроизвести в точных деталях, гравюра — это вид искусства, в котором используется возможность создания нескольких копий произведения искусства. Акцент делается на дизайне, а не на разнообразии поверхностей, на которые он наносится. Обычно в гравюре используются чернила или краска для создания рисунка на поверхности, будь то бумага, ткань или другой носитель.Печать можно разделить на четыре основные категории: рельефная, глубокая, планографическая и трафаретная. Рельефная гравюра — это один из простейших типов печати, при котором материал вырезан или удален вокруг выступающего рисунка, который должен быть напечатан, так что отображается только рисунок. Глубокая печать — это противоположность рельефной печати, в которой рисунок вырезается таким образом, чтобы удерживать чернила, а затем таким образом печатается. Planographic отличается от двух последних, в которых дизайн печатается с плоской поверхности.Трафарет включает вырезание рисунка из тонкого материала, а затем печать рисунка путем втирания или распыления краски вокруг вырезанных областей.

Ксилография

Ксилография — один из старейших видов рельефной гравюры. Дизайн вырезан из дерева, а затем отпечатан с рельефной поверхности. Ксилография также относится к гравюрам, сделанным с использованием гравюры на дереве.

Гравировка

Гравировка — это старый метод глубокой печати, при котором для создания рисунка используется резьба по металлу.Художникам пришлось потратить годы на то, чтобы научиться без ошибок воспроизводить высококачественный дизайн. Этот метод был особенно труден для освоения художниками, и вскоре он уступил место офорту.

Офорт

Офорт — тоже старый вид глубокой печати. В этом процессе сильная кислота или протрава используются для растворения незащищенных частей металлической поверхности. Это создало дизайн и стало намного более простым методом для художников.

Литография

Литография была одним из первых применявшихся методов планографии.Используется плоский камень или металлическая пластина, а для создания части рисунка, не содержащей изображения, используется какой-то устойчивый к чернилам материал. Затем он наносится чернилами и прижимается к поверхности для создания изображения.

Шелкография

Трафаретная печать или шелкография — это тип трафарета, который включает в себя разработку изображения с последующим нанесением краски или чернил через трафарет, который обычно называют шелкографией. Изображение по трафарету блокирует чернила с другой стороны, создавая изображение.

Монотипия

Монотипия — это уникальный тип гравюры, поскольку, хотя перепечатка возможна, обычно имеется только одна допустимая печать, которая является первой.Краска или чернила наносятся на гладкую поверхность, такую как медь или стекло, а затем с помощью печатного станка изображение прижимается к листу бумаги. Большая часть краски или чернил удаляется при первом нажатии, поэтому отпечатки после первого считаются «призрачными».

Монопринт

Монотипы и монопринты очень похожи и часто используются как синонимы, но между ними есть определенная разница. В то время как монотипия использует гладкую поверхность, монопринты могут использовать гравюры на дереве, литографические пластины или даже гравированные пластины.То, как они окрашены или окрашены чернилами, делает отпечаток уникальным, поэтому монопринты также обычно дают только одно приемлемое изображение.

Цифровая печать

Цифровая печать — это тип печати, при котором цифровое изображение печатается на поверхности (бумаге, ткани и т. Д.). Этот тип печати обычно используется на лазерных или струйных принтерах. Этот метод стал чрезвычайно эффективным в наше время, поскольку цифровой файл действует как печатная форма, что позволяет экономить время и деньги.Хотя качество может иногда снижаться из-за повреждения файла или неработоспособности принтера, постоянно вносятся корректировки для улучшения цифровой печати.

Изображение фольги

Изображение на фольге — это более поздний вид печати. Используя тот же процесс, что и коммерческое тиснение фольгой, формирование изображения фольги позволяет создавать уникальные отпечатки с использованием цветной фольги. Изображение на фольге можно использовать вместе с более стандартными формами печати, такими как рельеф, глубокая печать, литография и трафарет.

Для получения дополнительной информации перейдите по этим ссылкам:

1.7: Художественные материалы и методы

Художественные материалы и методы

Художественные материалы и методы — это все, что художник использует для создания искусства в любой комбинации. Материалы и методы также можно определить как процесс изготовления или изготовления предмета искусства, такого как бронза, которую необходимо расплавить и вылить в форму, чтобы стать законченным произведением искусства. Камень должен быть добыт, транспортирован и вырезан, прежде чем его можно будет считать произведением искусства.Хлопок будет подбираться, очищаться, наматываться в нить, окрашиваться и вплетаться в ткань, прежде чем лоскутное одеяло создаст лоскутное одеяло. Добытые минералы измельчаются, смешиваются и помещаются в трубы, прежде чем художник создает картину. Художественные материалы — это инструменты художника. Этот список далеко не полный; тем не менее, он охватывает большую часть искусства в этом учебнике.

Aquatint: Aquatint используется в глубокой печати для создания следов на металлической пластине. Пластина и бумага прижимаются друг к другу, создавая перенос чернил на бумагу.Художник наносит протраву на рисунок тарелки, а затем канифолью для создания тонального эффекта. Тональные вариации на пластине — желаемый результат.

Атмосферная перспектива: Эффект перспективы и расстояния возникает, когда горы на заднем плане окрашиваются в более светлый и серый цвет, чем горы на переднем плане, — обычная техника пейзажистов.

Барельеф: Французское слово, означающее «низкий рельеф» на камне, дереве или скале, что придает резьбе трехмерный вид.Слово «рельеф» происходит от латинского глагола «релево», означающего поднимать. Скульптура выглядит так, будто появляется над фоном. Однако художник обрезает фон, добавляя различные степени глубины, чтобы определить, насколько сильно скульптурная часть выделяется на фоне.

Кирпич: Кирпич возник в Месопотамии около 7500 г. до н.э. и до сих пор используется во многих формах, полученных путем смешивания земли и воды. В других цивилизациях кирпичи делали из глины, глины, песка и воды и сушили на солнце до затвердевания.

Кисть и чернила: Кисти были сделаны из многих материалов, включая бамбук, дерево, кость, перья с металлическими наконечниками для управления потоком чернил. Железно-галловые чернила имеют пурпурно-черный цвет и сделаны из дубильных кислот и солей железа из различных овощей. Погружные ручки использовались для переноса чернил из бутылки на бумагу для рисования.

Камера: Камера представляет собой визуальное приспособление для записи изображений. Слово камера происходит от латинского слова «камера-обскура», что означает «темная камера».’

Резьба: Резчики используют инструмент для придания формы материалу путем вырезания или соскабливания частей от первоначальной формы, создавая скульптуры из дерева, камня, глины, кости, слоновой кости или любого подходящего материала. Для вырезания используется несколько типов инструментов, и разные цивилизации разработали разные инструменты в зависимости от доступных природных ресурсов.

Мел: Мел очень похож на пастель, но вместо измельчения камня в мелкий порошок мел остается в своем естественном состоянии.Мел — это известняк, образовавшийся около 100 миллионов лет назад, когда он изначально находился под водой. Сегодня мел добывают из земли, и мел прессуют в цилиндрические формы, знакомые сегодня в классах.

Древесный уголь: Древесный уголь является обычным элементом на протяжении всей жизни человека. Древесный уголь является побочным продуктом сжигания древесины.

Кьяроскуро: Кьяроскуро — итальянское слово, означающее «светлый-темный» и означает использование резких контрастов между темным и светлым. Смелые контрасты создали драматическую композицию и широко использовались художниками эпохи Возрождения и барокко.Темные цвета оживляли их картины, а цвета создавали тени, придающие картинам глубину. Темные цвета оживляли их картины, а цвета создавали тени, придающие картинам глубину. Глубокие цвета содержали больше, чем просто черный, и художники сочетали другие цвета с черным в зависимости от желаемого результата.

Глина: На протяжении миллионов лет земная кора плавилась, перемещалась, сдавливалась, растрескивалась, растрескивалась под воздействием погоды, создавая слой верхнего слоя почвы с различными отложениями горных пород и глины.Реки около первых цивилизаций прорезают верхний слой почвы, обнажая слои глины и обеспечивая легкий доступ к сырому продукту. Мелкие частицы ила в глине придают материалу пластичность, а при добавлении воды он становится связным продуктом. Ил состоит из полевого шпата (самый распространенный минерал на земле), кремнезема и щелочей, таких как железо, которые придают глине красновато-коричневый цвет.

Коллаж: Коллаж от французского слова coller «клеить» — это художественная техника сборки различных произведений искусства в одно связное произведение искусства.Чаще всего используются газеты, журналы, краски, фотографии и найденные предметы, приклеенные к листу бумаги или холсту. Коллаж был изобретен сразу после изобретения бумаги в Китае около 300 г. до н. Э.

Композиция: В изобразительном искусстве композиция означает размещение визуальных элементов в картине или произведении искусства. Он также обозначает организацию людей, виньетки и освещение. Композиция важна независимо от того, изображает ли художник людей, фрукты или пейзаж.

Бетон: Легкий бетон веками использовался в строительстве; однако за последние 100 лет он стал более надежным и предсказуемым. Бетон представляет собой смесь легкого крупного заполнителя с мелкими заполнителями, такими как сланец, глина или сланец. Преимущества нового легкого бетона включают снижение нагрузки для более быстрой скорости строительства, более длительный срок службы и превосходную тепловую защиту по сравнению с кирпичом.

Хлопок: существует примерно с 4500 г. до н.э. и используется для изготовления одежды или ткачества.Хлопковый завод дает целлюлозную нить, вымытую и окрашенную, чтобы вплетаться в хлопчатобумажный материал. Он не растягивается, что делает его очень прочной тканью для одежды.

Чертеж: Рисунок — основа всего искусства. Рисование интуитивно понятно и является частью функции нашего мозга, используемой для нанесения меток на поверхность. Большинство людей когда-нибудь рисовали в своей жизни, будь то в школе или дома. Рисование — это простое упражнение, чтобы передать мысль или поделиться опытом с другим человеком. Рисование также может быть трудным и сложным, и только со временем и практикой можно поправиться.

En Plein Air : Французское выражение для художников, рисующих на открытом воздухе, также называемое Peinture Sur le motif, «рисование того, что видят глаза».

Ракурс: Использование ракурса — это метод создания перспективы путем увеличения части объекта, более близкой к зрителю.

Фрески: Роспись фресками — это старинная техника живописи, созданная путем затирки мокрой известковой штукатурки на стену или потолок. После высыхания штукатурки картина становится стойкой и прослужит до тех пор, пока штукатурка не будет повреждена.После высыхания штукатурки расписывают сцену.

Функция: При создании архитектурных чертежей основное правило состояния проекта: форма следует за функцией. Визуальный принцип для архитектуры означает, что форма здания или сооружения должна в основном основываться на его запланированном назначении. Для создания домов, деревень или городской планировки строители полагались на прямые, угловые, изогнутые или соединенные линии, а те, кто планировал город, обычно использовали макет системы сетки при планировании поселений.Архитекторы формулируют идеи и определяют концепции новых зданий, отображая несколько слоев здания в трехмерных концепциях, выцарапанных в грязи, написанных на бумаге или сегодня с помощью компьютера.

Гессо: Традиционно левкас изготавливали на основе белого пигмента с добавлением мела и связующего вещества. Левкас использовался для подготовки основы на деревянных панелях или холсте до того, как художник нанесла краску. В современном левкасе наряду с пигментами используются акриловые полимеры и латекс, что придает ему большую гибкость при нанесении.

Стекло: Кремнезем является наиболее распространенным компонентом стекла, аморфного твердого материала, также известного как песок, и при нагревании становится прозрачным даже с добавлением цвета. Стекло может быть помещено в плоскую раму, чтобы сделать лист стекла, или выдуваться. Выдувание стекла существует уже около 3000 лет и представляет собой художественный метод плавления стекла на конце длинной металлической трубки и продувки через трубку, в результате чего стекло расширяется.

Гармония: Масштаб — это отношение между произведением искусства и его проявлением в пространстве.Оно может быть значительно больше жизни или меньше жизни. Пропорция — это относительный размер искусства и гармония, найденная в произведении.

Нефрит: Минеральный нефрит — это метаморфическая порода, состоящая из различных силикатов, либо нефрита, сделанного из силикатной комбинации магния и кальция, либо жадеита, также силиката из натрия и алюминия.

Линейная перспектива: Набор параллельных линий, уходящих в горизонт, которые, кажется, перемещаются все ближе и ближе, пока не соприкасаются.Линейная перспектива может создать иллюзию трехмерного пространства на листе бумаги или картине.

Белье: изготовлено из волокон льна и известно во всем мире благодаря своей впитывающей способности и способности сохранять прохладу в жаркую погоду. Это также старейшее культурное растение в мире. Прочные льняные волокна сотканы из самого гибкого, тонкого и пользующегося большим спросом материала из когда-либо производимых.

Литография: Греческое слово, означающее «камень» и «письмо».«Литография — это печать текста или изображений с гравированного камня или металлической пластины, основанная на том принципе, что масло и вода не смешиваются. Используя жирную ручку, художник рисует прямо на камне, добавляя кислоту, чтобы протравить незащищенные части. рисунка на камне. Смешанные чернила наносятся на влажный камень, вода притягивается к нетравленой части камня, чернила притягиваются к протравленной части. Камень и бумага прижимаются друг к другу, и изображение переносится на бумагу.

Мрамор: Мрамор образуется, когда известняк изменяется под воздействием тепла и давления и перекристаллизуется в породу светлого цвета, часто белого цвета. Мрамор обычно представляет собой доломит или кальцит по происхождению и представляет собой комбинацию перекристаллизованных карбонатных элементов под воздействием тепла, сжатия или давления, которые превращаются из одного типа породы в более твердую породу. Примеси в известняке вызывают цветные пятна. Мрамор находится в обширных залежах, обычно на глубине нескольких сотен футов в горах.Люди добывали мрамор в течение сотен лет в шахтах или карьерах и использовали мрамор в зданиях и скульптурах.

Обработка мрамора: Мрамор — это метаморфическая порода, которая раньше была известняком. Мрамор обычно представляет собой доломит или кальцит по происхождению и представляет собой комбинацию перекристаллизованных карбонатных элементов в результате нагрева, сжатия или давления, которые превращаются из одного типа породы в более твердую породу. Мрамор был достаточно мягким, чтобы его можно было вырезать, и излюбленным материалом скульпторов. Мрамор добывают в карьерах и используют для создания статуй с помощью молотка и долота, чтобы удалить ненужный материал, чтобы обнажить фигуру, когда она выходит из мрамора.

Масса: Масса — это трехмерный объем произведения искусства. Объем и плотность придают искусству воспринимаемый вес. Один из принципов архитектуры и требование к строителям — это концепция сопротивления гравитации и то, как использовать природные материалы в любой культуре для строительства здания. Исаак Ньютон показал, как гравитация работает как сила, а Альберт Эйнштейн теоретизировал гравитацию как искривление пространства-времени; однако у древних цивилизаций такой информации не было.

Процесс литья металла: Наиболее распространенной формой литья металла является процесс литья по выплавляемым моделям, который восходит к 4000 г. до н. Э. Отливка бронзовой статуи может быть сложным процессом; однако многие скульптуры можно сделать из одной формы. Бронза, пожалуй, самый популярный металл для литья скульптур. Обычно бронза состоит на 10% из олова и на 90% из меди нагревается, смешивается и разливается в формы. Ранние цивилизации обнаружили, что бронзовые орудия и оружие были более эффективными, чем орудия каменного века, что привело к изобретениям, продвигавшимся цивилизациями.

Процесс моделирования : Глина для лепки — это любая группа пластичных веществ, таких как пластик или глина, для создания скульптуры. Моделирование — это аддитивный метод, в отличие от резьбы, и художник добавляет материал к скульптуре.

Мозаика: Мозаика создается путем создания изображений с использованием небольших кусочков цветной плитки, камня или стекла. Мозаики используются на стенах, потолках и даже на полу, поскольку они долговечны и служат веками. Художники создают мозаику, приклеивая к стене небольшие кусочки стекла или камня, а когда она высыхает, нанося раствор поверх нее, фиксируя мозаику на месте.

Краска: Краска представляет собой комбинацию связующего вещества и цвета, смешанных с образованием жидкости, высыхающей в виде твердого вещества. На протяжении веков были изобретены различные типы красок, в том числе масло, акрил и акварель, в дополнение к традиционным краскам ранних цивилизаций. Краска также может храниться в баллончиках под давлением, которые выпускаются, когда клапан опускается вниз, в результате чего образуется тонкий туман краски.

Бумага: Бумага была изобретена в древнем Китае, но не стала популярной в Европе до 14 века.Бумагу из льняной тряпки оставили гнить в больших чанах с водой. Они штамповали, пока полотно не превратилось в целлюлозу, разливали по формам и оставляли сушиться. В результате были получены большие листы бумаги, пригодные для использования в недавно изобретенном печатном станке. Бумага также была недорогой в производстве и служила средством создания информации для большего числа людей, чем дорогой пергамент.

Пастель: Пастель представляет собой тонкоизмельченный порошкообразный пигмент, смешанный со связующим. Современные пастели, изобретенные в 17 веке, производились на станках, давая стандартный продукт.

Перспектива и глубина: Художник, который рисует пейзажи на двухмерном куске дерева или панно, использует иллюзию глубины, трехмерное ощущение и чувство реальности, привлекая зрителя к сцене.

Фотография: Фотография — это искусство захвата изображения и создания фотографии из него. Фотография фиксирует свет в определенный момент времени, записывая свет, создаваемый изображением, на высокочувствительном материале.Фотопластинки использовались для захвата изображений до изобретения пленки. Стекло имело тонким слоем эмульсию чувствительных солей серебра. Когда свет попадал на пластину, он фиксировал изображение на стекле. Широко используемые для профессионалов, ищущих детали, пластины не искажали изображение, как это могло быть на пленке.

Фотомонтаж: Фотомонтаж — это группа фотографий, сделанных путем вырезания фотографий и приклеивания их к листу бумаги, или монтаж может быть выполнен в программе для обработки цифровых фотографий, такой как Adobe Photoshop.Монтаж может выглядеть как реалистичное бесшовное фото или представлять собой абстрактную композицию.

Пуантилизм: Пуантилизм — это форма рисования с использованием крошечных точек вместо мазков кисти. Пуантилизм наносится небольшими точками чистого цвета путем наложения дополнительных цветов прямо на холст, комбинируя глазами зрителя, чтобы сформировать изображение.

Шелк: — это волокно из кокона тутового шелкопряда, который питается листьями шелковицы и затем плетет кокон.Кокон моют в горячей воде, которая убивает тутового шелкопряда, оставляя тонкую призматическую структуру, называемую шелковой нитью. Перешит и прядет в шелковую нить и раскрасил тысячи цветов. Нить движется по Великому шелковому пути вокруг Азии и Европы.

Шелкография: Шелкография — это процесс печати с использованием шелковой сетки в деревянной раме для переноса изображения на другую поверхность, например футболку.

Эскиз: Эскиз — это рисунок от руки, представляющий то, что видит художник, но не обязательно готовую работу.

Камень: Камни — это твердые частицы различных типов твердого минерального вещества, используемые для строительных конструкций. Камни легко найти по всей планете, и многие цивилизации до сих пор используют камень для строительства. Известняк — это осадочная порода, в основном состоящая из кальцита и арагонита и обычно имеющая куски скелета морских организмов. Здания были спроектированы и спроектированы с учетом углов, опор, открытых пространств, колонн, крыш, высоты и ширины, все в зависимости от разновидности доступного камня.Следы карьеров на сохранившихся структурах показывают, как большинство людей использовали деревянные клинья, пропитанные водой, чтобы расколоть камень по его естественным линиям разломов. Камень длится долго, и некоторые из единственных сохранившихся частей цивилизации — это каменные скульптуры.

Терракота: Терракота в переводе с итальянского означает «обожженная земля» и используется для описания любого типа глиняной посуды.

Веллум: Веллум происходит от латинского слова vitulinum, что означает «сделанный из теленка».«Они использовали пергамент из телячьей кожи для изготовления книг или свитков. Веллум гладкий, прочный и обычно белого цвета, это отличное средство для письма.

Объем: Объем произведения искусства также может иметь много значений, особенно если вы сравниваете двухмерную картину с трехмерным сосудом. Объем обычно применяется к трехмерной работе и обозначает объем пространства, которое она содержит. Сосуд обычно имеет такой же объем, что и сосуд такого же вида и размера, и может занимать такое же пространство на полке, но при этом может иметь пространство вокруг себя.

Ткачество: Ткачество — это искусство текстильного производства, когда две нити переплетаются под прямым углом друг к другу, в результате чего получается какой-то тип ткани или ткани. Основа — это пряжа, прикрепленная к ткацкому станку, а уток — это пряжа, переплетенная через чередующиеся пряжи основы, чтобы создать узор.

Сварка: Сварка — это процесс изготовления скульптур, соединяющий металлические материалы с помощью припоя и нагрева. Для сварки могут использоваться разные источники топлива, в том числе газовый, электрический и лазерный.Кузнечная сварка на протяжении тысячелетий использовалась кузнецами для соединения деталей из железа и стали.

Шерсть: — это волокно, полученное при стрижке овец, лам или яков, вплетенное в одежду, которая сохраняет тепло даже во влажном состоянии. Шкуры животных стригут, стирают и прядут в пряжу, которая является одной из самых теплых тканей даже во влажном состоянии. Шерсть окрашивается и обычно ткется на больших ткацких станках.

Трехмерные чертежи: Трехмерные чертежи обычно представляют собой здание, форму или объект, имеющий более одного измерения

Оценка искусства — это путешествие, посвященное познанию, открытию культур и их искусства, которое сохранилось после того, как они покинули давние поселения.Искусство — это форма творческого человеческого самовыражения, длящаяся дольше, чем культура, здания, правительство или религия, и открывающая окно в прошлое. Искусство — это осязаемый элемент былой культуры, которую мы можем сохранить сегодня, хотя ей 30 000 лет, это небольшой остаток прошлой жизни.

Мы изучаем искусство, чтобы научиться нести ответственность за человеческое культурное искусство и принимать разнообразие людей и их образ жизни. Глядя в прошлое, мы можем увидеть влияние цивилизаций и времени на культуру и искусство сегодня.Например, шелк производят и ткут в Китае, но за сколько времени он распространился по Азии и Европе? Шелковый путь был коммерческим предприятием, поддерживающим транспортировку и продажу произведений искусства на тысячи миль. Сегодня Интернет — это наше влияние, и у нас есть доступ к миллионам товаров на наших компьютерах. Исследования проходят быстрее и проходят за световые секунды, позволяя нам увидеть остальной мир и их искусство, давая возможность изучать и ценить искусство, а не просто проходить мимо с предвзятым суждением.Когда вы понимаете культуру, вы можете понять искусство, оно применимо к наскальному искусству и до сих пор остается в нашей технологической культуре.

ПРОСТО СМОТРЕТЬ!

Все методы печати в одном месте

В то время как большинство типов произведений искусства идентифицируются как отдельные части, которые невозможно полностью воспроизвести, методов печати представляют собой исключительный набор практик, позволяющих создавать несколько копий одного произведения искусства. . Таким образом, гравюры считаются оригинальными произведениями искусства, несмотря на то, что такие произведения искусства могут существовать в количестве экземпляров . С практической точки зрения оттиски производятся с единственной исходной поверхности, известной под своим техническим названием как матрица или пластина . После создания матрицы на блоке, пластине, камне или трафарете изображенный дизайн переносится путем контакта на поверхность фактического изделия, которое затем становится отпечатком. Обычные мелкие репродукции обычно производятся ограниченным тиражом, и каждый отпечаток должен быть пронумерован и подписан лично художником.После этого матрицу обычно уничтожают, чтобы предотвратить дальнейшие распечатки.

Многие современные читатели склонны слышать слова техника печати и сразу же думать о коммерческой продукции, производимой механическим способом, такой как книги, газеты и текстиль. Тем не менее, техники гравюры обычно относятся к набору методов, с помощью которых создается репродукция изобразительного искусства , оригинальное творение художника, который вместо кисти или стамески решил использовать инструменты гравюры для самовыражения.Обычно возможность иметь несколько оригиналов не является решающим признаком для автора при выборе эстампа по сравнению с другими носителями. Вместо этого, то, что кажется ключевой характеристикой, — это уникальные визуальные качества, которые есть в арсенале всех типов гравюры.

Различные техники печати

Многие эксперты сходятся во мнении, что техники гравюры можно условно разделить на четыре основные категории: рельеф, глубина печати, планография и трафарет. Рельефный метод — один из простейших типов печати, при котором материал вырезан или иным образом удален вокруг выступающего рисунка, который должен быть напечатан.Здесь краска наносится на приподнятую поверхность матрицы. С технической точки зрения, глубокая печать является обратной по отношению к рельефному методу — чернила наносятся под исходную поверхность матрицы, как, например, в случае с методами гравировки и травления. Разница между методом рельефной / глубокой печати и методом планографическим методом заключается в том, что в последнем дизайн печатается на плоской поверхности. Матрица сохраняет свою первоначальную поверхность, но специально подготовлена для передачи изображения.И последнее, но не менее важное: трафарет — это особый вариант гравюры, который включает вырезание рисунка из тонкого материала с последующей печатью рисунка путем втирания или распыления краски вокруг вырезанных пространств. Этот метод чрезвычайно популярен в мире уличного искусства, поскольку трафареты — один из самых популярных приемов, которые используют городские интервенты.

Самые популярные способы печати

Все типы эстампов основаны на идее умножения дизайнов из матрицы, но все методы несут в себе собственный набор отличительных стилей, инструментов, материалов и, в конечном итоге, визуального оформления. В зависимости от того, чего они хотят достичь, авторы выбирают разные типы эстампов, и различия между окончательными произведениями искусства могут быть довольно значительными. Следует отметить, что многие техники гравюры часто комбинируются, особенно если они относятся к одной методической категории. Теперь мы рассмотрим то, что мы считаем девятью наиболее популярными техниками гравюры, чтобы исследовать как их технические процессы, так и общие характеристики.

Совет редактора: Библия гравюры: полное руководство по материалам и методам

Неизменно популярный, гравюра переживает возрождение, но всеобъемлющего современного руководства по этой теме не существует.Книга The Printmaking Bible: The Complete Guide to Materials and Techniques , насчитывающая более 400 страниц и упакованная 1000 полноцветных фотографий и иллюстраций, является исчерпывающим справочником по тонкостям всех разновидностей серьезных техник печати, которые практикуются сегодня. Подробные инструкции сопровождаются профилями, которые показывают, как работающие авторы создают свои отпечатки. Историческая информация, советы по устранению неполадок и обширный раздел ресурсов предоставляют более бесценные инструменты. Идеально подходит для студентов, ценителей печати и коллекционеров, Библия гравюры: полное руководство по материалам и методам — действительно лучший сборник для всех, кто участвует в этой творческой и влиятельной художественной форме.

Избранные изображения: Рой Лихтенштейн — Плачущая девушка — Изображение взято с georgetownframeshoppe.com; Эрнст Людвиг Кирхнер — Две головы смотрят друг на друга, 1930 — Изображение взято с wikiart.org; Джозеф Хогарт — После Стэнфилда C1840 — Изображение взято с сайта albion-prints.com; Ричард Гамильтон — Адонис на фронтах (фрагмент) — Изображение взято с img.nowness.com;

Гравюра на дереве

Гравюра на дереве — старейшая техника гравюры, которая включает в себя вырезание изображения на деревянной поверхности перед нанесением на нее чернил с помощью валика, после чего следует печать, оставляя изображение только там, где блок не был вырезан. Оставляя вырезанное изображение негативным, автор может создавать очень подробные детали, которые визуально обогащаются лишь редкими следами текстуры древесины. Ксилография, зародившаяся в Китае и попавшая на Запад в 13 веке, была освоена немецким художником 15 века Альбрехтом Дюрером , который вывел древний метод на совершенно новый художественный уровень. Спустя столетия экспрессионисты, такие как Эрнст Людвиг Кирхнер и Эмиль Нольде , возродили традицию гравюры на дереве, исследуя графический потенциал среды с помощью агрессивных знаков и плоских цветовых плоскостей.

Избранные изображения: Эмиль Нольде-Фишдампфер, 1910 — Изображение взято с wikimedia.org; Патрик Сайлер — Злокачественная луна Палауза, 1986 — Изображение с сайта patricksiler.com

Линогравюра

Аналогичная, но гораздо более современная версия гравюры на дереве, линогравюра , сделана методом, в котором лист линолеума используется в качестве рельефного основания, на котором формируется рисунок. Композиция вырезается на поверхности линолеума острым ножом или стамеской, при этом приподнятые и нерезанные участки являются зеркальным отображением деталей, которые будут напечатаны.Хотя фактическая печать может быть сделана вручную или с помощью принтера, результат всегда один и тот же — напечатанная композиция с четкими и плавными линиями, визуально гораздо более плавная, чем любая гравюра на дереве.

Рекомендуемые изображения: Дженнифер Худ — Туман войны — Изображение взято с сайта hoodzpahdesign.com; Кэтрин Хауэл — Без названия — Изображение предоставлено redbubble.net

Травление

Чтобы получить травление , авторы вырезают рисунок на покрытой воском металлической пластине, а затем погружают всю матрицу в сильную кислоту.После того, как химикаты обнажат линии и оставят воск практически неповрежденным, на пластину можно нанести чернила и прижать. Считается, что процесс травления, входящий в категорию глубокой печати, был изобретен Дэниелом Хопфером (1470-1536), который использовал этот способ украшения доспехов. Его большим преимуществом было то, что он не требовал специальных навыков в области металлообработки и был относительно легким в освоении для любого, кто имел некоторое образование в области рисования. Отпечатки, полученные травлением, обычно линейны и содержат мелкие детали и контуры.Хотя легендарный Rembrandt считается величайшим мастером этого метода, многие современные авторы также работали с офортами. Такие авторы, как Франсиско Гойя , Отто Дикс , Пабло Пикассо и Сай Твомбли , — это лишь некоторые из имен, которые сразу приходят на ум.

Рекомендуемые изображения: Карл Вильгельм Кольбе — Et in Arcadia ego, 1801 — Изображение взято с artinprint.org; Роберт Хиллс — Лошади, 1801 — Изображение с альбиона.com; Тереза Оахака — Смеющийся клоун — Изображение взято с bp.com

Гравировка

Наиболее щадящим вариантом травления является процесс гравировки , метод, который требует, чтобы художник вырезал свое изображение непосредственно на металлической пластине. За счет удаления воска и химических этапов травления гравировка оставляла гораздо меньше места для ошибок и требовала большого мастерства. Матрица обычно изготавливается из меди. Несмотря на свою сложность, этот метод дает уникальное и узнаваемое качество линии, которое характеризуется устойчивым, продуманным внешним видом и чистыми краями. Еще одно преимущество гравировки заключается в том, что процесс печати можно повторять много раз, прежде чем на пластине начнут появляться признаки износа. С помощью этого метода художник может легко создать несколько сотен копий всего с одной матрицы. Многие авторы работали с гравированными гравюрами, в том числе такие имена, как Пабло Пикассо, Альберто Джакометти и Хуан Миро . Вышеупомянутый Альбрехт Дюрер также был мастером этой техники.

Рекомендуемые изображения: Альбрехт Дюрер — Святой Иероним, 1514 г. — Изображение с wikimedia.org; Уильям Блейк — Опера нищего, действие III — Изображение взято с tate.org.uk; Роберт Додд — Индийский император, 1792 — Изображение с tate.org.uk

Монотипия

Монотипия — это термин, используемый для определения техник гравюры, при которой выпускается одна копия, а не несколько. Процесс монотипирования включает манипулирование дополнительными чернилами на ранее протравленной и окрашенной чернилами пластине. После чего на новую поверхность переносится точная обратная сторона оригинального рисунка, первоначальный дизайн и его детали навсегда теряются.Многие известные авторы работали с этим методом, например, Эдгар Дега и Жан Дюбюффе . Их работы с монотипиями были полны спонтанности и хвалили за живописное качество финальных изображений, несмотря на то, что такая техника бросала вызов фундаментальным определениям гравюры. Следует отметить, что некоторые фрагменты монотипии могут привести к второму и более слабому впечатлению, которое называется призраком и считается гораздо менее достойным отпечатком, чем исходный отпечаток.

Рекомендуемые изображения: Рут Гессе — Серия клеток — Изображение взято с сайта ruthhessemonotype.com; Патрисия Канелаке — Unleashed — Изображение через patriciacanelake.com

Литография

Литография, часто считающаяся самым сложным из когда-либо изобретенных методов печати, требует, чтобы разработанный рисунок наносился непосредственно на камень или металлическую пластину с помощью инструмента на масляной основе. Затем наносится кислота, которая переносит смазку на поверхность и оставляет изображение прожженным на матрице.Затем наносится водорастворимое вещество для герметизации участков, не покрытых рисунком. Наконец, камень или металл увлажняют, при этом вода остается только на поверхности, не покрытой жирными остатками конструкции. Основанная на химическом отталкивании масла и воды литография была изобретена в 1798 году Алоисом Сенефельдером . Более современной версией этого метода является фотолитография , метод, при котором изображение фиксируется фотографическими процессами на металлических пластинах.

Рекомендуемые изображения: Томас Харт Бентон — Посадка, 1939 — Изображение с сайта ohio.edu; Матрица для литографии — Изображение взято с wikimedia.org

Скриншот экрана

Один из самых распространенных методов печати, когда-либо изобретенных, процесс трафаретной печати начинается с нанесения трафарета, блокирующего чернила, на трафарет. Когда чернила наносятся, они выборочно проходят сквозь и переносят изображение на землю. Первоначально используемый в коммерческих целях в начале 20-го века, этот процесс процветал, поскольку технология быстро развивалась к 60-м и 70-м годам.Из всех типов печати это единственный метод, который был популяризирован только одним художником, и это, конечно же, Энди Уорхол , автор величайших трафаретных принтов, примеров на сегодняшний день. Рой Лихтенштейн , еще одна икона поп-арта, также сделал свою долю трафаретных принтов.

Featured Images: Энди Уорхол — Большое электрическое кресло. Изображение с сайта letsexploreart.com; Рой Лихтенштейн — Пистолет 1964 — Изображение взято с сайта huffingtonpost.com; Рой Лихтенштейн — Овальный кабинет, 1992 — Изображение предоставлено Sotheby’s; Энди Уорхол — Мэрилин Монро, 1967 — Изображение с Викимедиа.org

Цифровая печать

Самая современная из всех техник печати в нашем списке, цифровых отпечатков производятся с использованием компьютера и обычно печатаются на струйном принтере. В результате получаются однородно окрашенные изображения с высокой степенью насыщенности деталей. Следует отметить, что цифровой оттиск считается оригинальным произведением только в том случае, если он был задуман как уникальное произведение искусства. — он не должен быть копией или воспроизведением произведения искусства, первоначально сделанного на другом носителе.Хотя этот метод требует наименьшего количества практических навыков, цифровые отпечатки действительно сияют в отделе деталей, поскольку никакой другой процесс не может привести к более точным отпечаткам.

Избранные изображения: Карл МакКроу — AKA0 — Изображение с сайта pinterest.com; Дэвид Кинг Рувим — Прочтите между строк, 2015 — Изображение взято с wikimedia.org; Симен Йохан — Из серии «Пока не придет Царство», без названия № 183, 2015 — Изображение © Simen Johan

Передача

Печатный трансфер — это общая этикетка для техники передачи изображения с одной поверхности на другую, будь то распространение, отслеживание, толкание или любой другой ручной метод.Эту практику уже давно внедрили бесчисленные художники, которые использовали ее в различных художественных приложениях. Он восходит к эпохе Возрождения 14 века, когда художники создавали фрески, которые требовали переноса подготовительных рисунков или рисунков на влажную штукатурку. Другой пример — многовековая техника украшения эмали и керамики. Из всех современных художников Роберт Раушенберг был самым известным мастером перевода. Он использовал эту технику в 1960-х годах, чтобы делать рисунки из найденных изображений, собранных из газет и журналов, которые он окунал в воду и прикреплял лицевой стороной вниз к бумаге.