Художественная школа-студия «Мир в цвете»

«Учась рисовать, вы научитесь видеть по-другому. А это, в свою очередь, улучшит ваши способности к творческому мышлению.
Вы будете удивлены, полагаю, обнаружив, как быстро и легко вы способны научиться рисовать; в равной степени вас удивит, сколь многое из языка зрительно-образного мышления вы уже знаете. И я надеюсь, что вы также откроете для себя, что этот новый язык способен внести ингредиенты, необходимые не только для истинного творчества, но также для отыскания творческих решений проблем повседневной жизни.»

Бэтти Эдвардс,
автор мировых бестселлеров
по обучению рисованию.

Сколько времени вы уделяли рисованию?

Представьте, что в школе чтению уделяли бы столько же времени и внимания, сколько рисованию, а способность читать определялась бы только талантом и предрасположенностью. Как Вы считаете, при таком подходе многие были бы успешны в чтении? Далеко не все!

Есть те, кого родители отправляли в художественную студию «для общего развития». Они умеют рисовать не потому, что любят это или талантливы, а потому, что их научили. Умение рисовать — это такой же навык, как и другие, доступный каждому!

Научитесь рисовать у профессионалов

В «МИР В ЦВЕТЕ» работают профессионалы, которые много лет занимаются художественным творчеством и преподают.

Опыт некоторых из них уже перешагнул границу — 40 лет, а их творчество заслуженно отмечено почетными знаками и грамотами за высокие достижения в культуре.

Работы наших наставников были представлены на многочисленных выставках не только в России, но и за рубежом. Важный критерий в «МИР В ЦВЕТЕ» — преподают только «действующие» художники, потому что мы считаем, что только у таких людей можно получать живые знания и навыки.

Можем с гордостью поделиться тем, что в наш сплоченный преподавательский коллектив входят авторы собственных учебных программ.

Для работы с учениками студии «МИР В ЦВЕТЕ» мы находим лучших мастеров!

Нашей целью было создать художественную студию для взрослых и детей, занятия в которой будут вдохновлять, дарить новые яркие эмоции и, которые помогут овладеть навыками рисования на высочайшем уровне.

Наши преподаватели с энтузиазмом и огромным удовольствием взялись за это дело!

Время стало лучшим доказательством их умений и профессионализма.

Работы учеников студии скажут об этом как нельзя лучше!

Приходите и научитесь рисовать сами и приводите своих детей развиваться в «МИР В ЦВЕТЕ»!

Рисовать с удовольствием

Творчество — это создание нового, результат всегда уникален! В нашей мастерской есть все условия для творческой работы. Мы проводим обучение рисованию взрослых, даже тех, кто не имеет никакой художественной подготовки.

Здесь вместе с преподавателем Вы ставите задачу, выполняете, вносите корректировки, оцениваете результат и… остаётесь довольными! Творческая деятельность очень увлекательна. Профессиональный педагог-художник помогает Вам начать рисовать, развиваться, творчески расти и достигать желаемого!

Наша художественная студия в Орле расположена в удобном месте. Светлое помещение, уютная обстановка и всё необходимое оборудование — здесь можно учиться с комфортом для себя. Есть масса пособий. В процессе работы мы смотрим на большом экране и обсуждаем произведения великих мастеров, чтобы выяснить, как они справлялись с похожими задачами. Во время перерыва пьём чай, узнаём о новых стилях и направлениях творчества, планируем продолжение работы. Всё это создаёт замечательную обстановку и Вы уносите домой свои произведения.

Не важен Ваш сегодняшний опыт рисования, важно кем Вы можете стать!

Умение рисовать – это не дар, как думают многие. Это искусство, которому можно научиться в любом возрасте, невзирая на отсутствие опыта. Если вы всегда восхищались творениями художников и хотели обладать таким талантом, то время пришло. Пора отбросить все сомнения и взять в руки карандаш и кисть! А первые шаги вам поможет сделать художественная школа-студия «Мир в цвете».

Школа-студия предлагает несколько курсов. Здесь каждый найдет то, что ищет. Так, например, на уроках правополушарного рисования вы получите базовые навыки, благодаря которым сможете изображать все, что угодно. А корпоративные занятия – это отличный способ не только развить воображение и нестандартное мышление, но и сплотить коллектив. Также художественная школа-студия предлагает курсы по колористике и академическому рисунку. И, конечно, существует отдельное направление для детей, которое позволит развить творческие способности и привить эстетический вкус в раннем возрасте.

Творчество – это один из способов восстановления душевного равновесия. А изобразительное искусство – это целый мир, из которого можно черпать силы и вдохновение. Погрузитесь в этот волшебный мир ярких красок и незабываемых эмоций с художественной школой «Мир в цвете»! Откройте в себе новые способности, сделайте жизнь интереснее и насыщеннее. Подарите себе удовольствие и убедитесь в том, что рисовать красиво может каждый.

Добавьте творчество в свою жизнь!

Курсы рисования для взрослых — прекрасная возможность развить свои творческие способности и приятно провести время. Конечно, обучение рисованию, как и любому виду творчества — это поступательный процесс. Кому-то для полной вовлечённости нужно пару занятий, кому-то больше: мы все такие разные! Поэтому Вы можете выбирать для себя и совмещать короткие мастер-классы и длительные занятия. Любой навык требует тренировки и совершенствуется в процессе усвоения. Стоит только начать… Художественная студия для взрослых позволяет вырваться из круговорота дел и повседневных забот, войти в прекрасный мир искусства.

Видеть больше красок вокруг каждый день — это счастье. Уметь получать радость от простого течения жизни — это прекрасно! Урок рисования — шаг навстречу радости!

Как нарисовать и раскрасить {РОЗУ}: 6 простых дизайнов

На мой взгляд, роза не имеет аналогов среди цветов, поэтому, когда я захотел нарисовать цветочный узор на наволочке, я решил нарисовать розу. Затем произошло нечто жуткое. Куда бы я ни посмотрел, я начал видеть отпечатки роз.

Мои дети извинились, когда я остановил машину, чтобы сфотографировать простыню с красивой розой на веревке для белья в каком-то доме, но они нарисовали черту, когда я достала камеру, чтобы сфотографировать розу на платье девушки, которую я видел в проходе супермаркета.Я не думаю, что смогу убедить их пойти со мной куда-нибудь в течение некоторого времени.

Но, тем не менее, я нашел свои рисунки — 5 красивых, которые легко подойдут начинающему художнику

Этот пост для новичка, которому трудно легко нарисовать розу, а затем нарисовать ее сносно похожей на розу .

Когда вы начнете рисовать розу, вы обнаружите, что выбор цвета краски будет последней вашей заботой. Какого бы цвета ни был у вас шкаф, наверняка найдется роза этого оттенка.В конце концов, в этом мире существует более 100 сортов роз всех возможных цветов.

Вы можете выбрать цвет своей розы в соответствии с присвоенным им значением. Красная роза — символ любви и романтики. Желтый — символ дружбы, радости и благополучия; Лаванда означает любовь с первого взгляда, а розовый — благодарность, признательность и любовь.

Изучите здесь несколько основных советов по рисованию по ткани, если вы новичок, а также 10 часто используемых техник рисования по ткани.

Эти розовые цветы созданы путем рисования кругов на ткани. Да, нарисовать их так просто. Остальное — простой контур.

Сделайте рисунок на ткани, как показано ниже. Контуры лепестков можно нарисовать позже.

Раскрасьте внутреннюю часть кругов светлым цветом того оттенка, который вам нужен.

Теперь смешайте более темный оттенок, возьмите кисть 0 и нарисуйте контур лепестков.Закончить листья

Это абстрактная роза. Нарисуйте большой круг, а затем придайте его контуру, как на картинке ниже, чтобы получить контур розы. Заполните вашим любимым цветом

Вы можете выбрать способ рисования лепестков любым способом.

Возьмите густую краску для ткани на пальцы или толстую кисть и нарисуйте контуры лепестков.

Здесь можно поиграть в город, играя пальцами, смешивая краску для ткани и нанося ее на розу.Работайте, пока краска еще влажная. Конечно, у вас будет краска под ногтями, и ее очень трудно удалить, но рисовать пальцами очень приятно

Это роза с белым контуром. Вы можете нарисовать контур контуром или кистью 0. Outliner прост в использовании и дает ровный толстый контур.

Залейте розу выбранным цветом. Подождите, пока она полностью высохнет, прежде чем начинать контур

Вы можете нарисовать контур, как показано ранее или как на картинке ниже

Нарисуйте контур розы на ткани . Краска внутри. После того, как вы нарисуете базовый слой, до того, как краска высохнет, нарисуйте карандаш внутри контур лепестка.

После того, как краска высохнет, начните рисовать контуры белым цветом, а затем темной штриховкой для основания лепестков.

Эту розу легко превратить в нашивку-аппликацию. Вам просто нужно вырезать его, оставив поле 1/4 дюйма по периметру, а затем сшить его как аппликацию атласными стежками, как это сделано в этом проекте — Выкройка сумки-мессенджера

Метод 5

Это простой Достаточно розового дизайна с черным контуром и штриховкой.

Нарисуйте розу в форме сердца. Нарисуйте круг внутри, а затем сделайте вокруг него лепестки.

Залейте внутреннюю часть розы своим цветом.

Завершите остальную часть дизайна и дождитесь, пока базовый слой высохнет на ощупь. В противном случае, когда вы рисуете контур, он потечет.

Используя самую тонкую кисть, вы должны нарисовать контур черной краской для ткани, которая разбавлена ​​ровно настолько, чтобы кисть двигалась, и больше ничего.

Когда контур высохнет, сделайте тонкую растушевку ресниц по основанию лепестков. Не наносите на кисть больше краски. Достаточно легкого прикосновения краски, чтобы придать оттенок.

Похожие сообщения:

Вышивка роз — 12 способов вышивки розовых дизайнов

Розы из ткани DIY

‘Самые известные розы из ткани художник »: Картина Томаса Роуза отправилась в Белый дом — Новости — seacoastonline.com

PORTSMOUTH В детстве Томас Роуз прогуливал школу, чтобы ходить в художественные музеи.

Позже он рисовал одежду, продаваемую артистам-драг-исполнителям и панк-рокерам, выставляемые для Обамы, и теперь у него опубликована книга его картин со стихами, которые он написал, чтобы сопровождать их.

Житель Портсмута со своим мужем, Уэйном Аллардом, Роуз описывает свой стиль живописи как иногда геометрический, иногда как ар-деко. Он называет себя «самым известным разорившимся художником в истории».«

» Пишу, рисую и леплю. Я делаю все, кроме чечетки и пою, — сказала Роуз. — Я никогда не пытаюсь быть кем-то другим. Это когда искусство идет наперекосяк ».

Роуз вырос одним из 10 детей в районе Бостона и сказал, что ему скучно в школе, вместо этого он предпочел посетить Художественный музей Фогга.

« Вот где я развил свой вкус к искусству », — сказал он.

Роуз изучал искусство в Бостоне, а также проработал 26 лет старшим хранителем в школьном отделе Сомервилля, штат Массачусетс, что позволило ему выйти на пенсию в возрасте 52 лет.По словам Роуза, которому сейчас 60, он рисовал, учился искусству отделки, смешиванию цветов и нанесению сусального золота.

Он рисовал одежду для магазина Hubba Hubba возле Гарвард-сквер в 1980-х годах, разбрызгивая краску на кожаные куртки и печатая краской, гайками и болтами на рубашках.

«Вся эта уродливая одежда, которую ты больше никогда не захочешь увидеть», — сказал он.

Он и Аллард какое-то время жили во Флориде, где Роуз написала серию картин, вдохновленных птицами возле их дома.Он также изобрел визуальный персонаж, вдохновленный леди Свободой и дядей Сэмом, для картин, которые передают послания мира и равенства. Его работы также включали визуальные ссылки на антикварную мебель и геометрические узоры.

Картина, вдохновленная платьем его покойной матери, «Красные розы для синей леди», заставляет «всех в моей семье плакать», когда они читают стихотворение, которое он написал, чтобы дополнить ее.

Работы Роуз были представлены на пяти выставках в галереях Веро-Бич, Флорида, в том числе «Зеленый и синий, я люблю тебя».«Его сопровождающее стихотворение передает печаль из-за« ненавистного гнева »по отношению к однополым парам и их неспособности в то время заключить брак. Роуз и Аллард поженились 13 лет назад.

Он сказал, что почти выбросил эту картину перед кем-то из бывшего вице-президента Офис Джо Байдена увидел его на выставке, восхитился патриотическими образами и сопровождающим их посланием и спросил, одолжит ли он его для местного офиса кампании Обамы. Роуз сказал, что предоставил девять картин для кампании Обамы и еще одну, которую он сделал в 2013 году, чтобы признать мир День борьбы со СПИДом под названием «Любовь равняется любви» был предоставлен Национальной Демократической партии.

Его картина «Кровь и слезы» была отправлена ​​в Белый дом после того, как Роуз сказал Обаме, что «действительно нравятся твои работы».

Роза обрамляет благодарственные письма на бланке Белого дома, подписанные Мишель и Бараком Обамой, и хранит их у своей постели.

Он может указать на картины, изображенные в его книге «Искусство Томаса Роуза», и вспомнить многие из них, которые он жертвовал, чтобы собрать деньги на благотворительность, политические сборы средств и добрые дела.

«Я чувствую, что это приносит мне хорошую карму», — сказал он.

Роуз также известен как новое дружелюбное лицо за прилавком в благотворительном магазине The Fabulous Find в Киттери, штат Мэн, где он умеет определять ценность подаренных предметов.

«На днях я заработал 60 долларов и потратил 120 долларов», — пошутил он.

Сейчас он и Аллард живут в квартире, которую они любят, но, по словам Роуз, она меньше, чем дома, которые они купили и продали вдвоем, поэтому в студии нет места для рисования. Он сказал, что готов поработать ассистентом художника, чтобы выменять место в студии или обменять на свои картины.По его словам, он также изучает лицензионные соглашения на свои произведения искусства, возможно, с крупными торговыми точками с линиями товаров для дома.

Книгу Роуза можно приобрести на Amazon в Интернете на его собственном веб-сайте theartofthomasrose.com.

Душа розы

• Альфред Лорд Теннисон

Считается, что эта картина, как и несколько других работ Уотерхауса, вдохновлена ​​стихотворением Альфреда Лорда Теннисона. Стихотворение, о котором идет речь, называется «Войди в сад, Мод» и рассказывает историю женщины и ее мысли о потерянной любви. Ниже приводится отрывок из стихотворения, которое конкретно относится к творчеству Уотерхауса. Сходство очевидно, особенно линия:

«И душа розы вошла в мою кровь»

«Войди в сад, Мод» Альфреда Лорда Теннисона:
Заходи в сад, Мод,
Ибо черная летучая мышь, Ночь, пролетела,
Иди в сад, Мод,
Я здесь, у ворот, одна;
И древесные пряности разносятся за границу,
И мускус роз развевается.

Для утреннего бриза,
И планета Любви на высоте,
Начинает падать в обморок в свете, который она любит
На ложе из нарциссов,
Чтобы упасть в обморок в свете любимого ею солнца,
Упасть в обморок в его свете и умереть.

Всю ночь слышали розы
Флейта, скрипка, фагот;
Вся ночь шевелится створкой jessamine
Танцовщицам, танцующим в мелодии
Пока не наступила тишина с просыпающейся птицей,
И тишина с заходящей луной.

Я сказал лилии, «Есть только один
, с которым у нее есть сердце, чтобы быть веселым.

Когда танцоры оставят ее одну?
Она устала танцевать и играть».
Теперь половина дела заходящая луна ушли,
И половина восходящего дня;
Низко на песке и громко на камне
Последнее колесо отзывается эхом.

Я сказал розе, «Короткая ночь идет
В лепете, пирушке и вине.

О юный господин, что это за вздохи
Для того, кто никогда не будет твоим?
Но мое, но мое» поэтому я поклялся розе,
«Во веки веков мой.»

И душа розы вошла в мою кровь,
Когда музыка залилась в зале;
И долго я стоял у садового озера,
Ибо я слышал, как твоя речушка падает
От озера до луга и дальше в лес,
Наш лес, который дороже всех;

С луга так сладко оставили твои прогулки
Что всякий раз, когда мартовский ветер вздыхает
Он оставляет отпечаток твоих ног
Фиолетовым синим, как твои глаза ,
К лесным лощинам, в которых мы встречаем
И долины Рая.

Тонкая акация не дрогнет
Один длинный молочный цветок на дереве;
Белый озерный цветок упал в озеро,
Как дремал на листве пимпернель;
Но роза не спала всю ночь ради тебя,
Зная, что ты обещал мне;
Все лилии и розы проснулись,
Они вздохнули о заре и о тебе.

Королева роз из розового сада для девочек,
Подойди сюда, танцы закончились,
В блеске атласа и мерцании жемчуга,
Королева лилия и роза в одном;
Сияй, головочка, загорая кудрями,
Цветам и будь их солнцем.

Слеза прекрасная упала
Из пассифлоры у ворот.

Она идет, голубка моя, моя дорогая;
Она идет, моя жизнь, моя судьба;
Красная роза плачет, «Она рядом, она рядом»;
И белая роза плачет, «Она опоздала»;
Живокость слушает, «Я слышу, я слышу»;
И лилия шепчет, «Я жду».

Она идет, моя родная, моя милая;
Будь это когда-нибудь такой воздушный шаг,
Мое сердце услышало бы ее и билось,
Будь это земля в земляной постели;
Моя пыль услышала бы ее и билась,
Если бы я пролежал мертвым столетие;
Запустится и задрожит под ногами ее,
И расцветет пурпурным и красным.

Период Розы Пабло Пикассо

Период роз Пикассо длился с 1904 по 1906 год. Этот период означает время, когда стиль живописи Пабло Пикассо использовал жизнерадостный оранжевый и розовый. цвета в отличие от холодных, мрачных тонов предыдущего Синего периода.

В течение этих нескольких лет Пикассо был счастлив в отношениях с Фернандой Оливье, с которой он познакомился в 1904 году, и это имело была предложена как одна из возможных причин, по которой он изменил свой стиль живописи.Появляются арлекины, артисты цирка и клоуны часто в период роз и будет заполнять картины Пикассо на разных этапах его долгой карьеры.

В то время как Голубой период Пабло Пикассо сегодня гораздо более популярен среди широкой публики, его период Розы имеет большую историко-историческую ценность. важность. Во время «периода роз» Пабло Пикассо впервые в своей карьере разработал стилистические средства, которые впоследствии стали часть его стиля Пикассо, который сделал его самым значительным художником 20 века.

Затем, в 1904 году, работа Пикассо обретает романтическое качество в серии картин в более теплых тонах, многие из которых — в цвете. розовый. Картины Пикассо периода роз по-прежнему показывают смирение, но не траур, и в то время как его картины голубого периода, кажется, служат выражают печаль Пикассо, его стиль периода Розы начинает жить своей собственной жизнью, в художественном духе его времени: это не главное — предмет и его содержание, а не сама картина.Пикассо продолжает экспериментировать со стилем, который его субъекты анонимны, в результате чего получается художественная матрица человека, а не человека. См. Например Сидящая обнаженная женщина (1905). Узнается тип человека, а не сам человек. Предмет охарактеризован, а не изображен. Это, хотя и шаг в направление абстрактного искусства — не самая важная черта периода Розы Пикассо.

Прорыв Пикассо в период Розы заключается в плавности линий, которых он начал достигать в 1904 году.Несмотря на то что картина Семья акробатов с обезьяной (1905) довольно классический по стилю, его линия наводит на размышления, как и более поздние, более абстрактные работы Пикассо. Эта тонкость линии — уникальный вклад Пикассо в экспрессионизм. В целом можно сказать, что есть компромисс. между тонкостью и экспрессией, а прямолинейность экспрессионизма кажется классику грубой. За свою карьеру Пикассо продолжит исследовать, как объединить экспрессионизм с классицизмом, процесс, для которого он заложил основу в своем «Периоде роз».

В 1905 году, в возрасте 24 лет, Пабло Пикассо написал «Мальчика с трубкой» вскоре после того, как поселился на Монмартре, Франция. Это Картина маслом на холсте, на которой изображен местный мальчик, который регулярно посещал студию Пикассо на Монмартре, держа трубку в левой руке и в гирлянде из цветов.

Период роз знаменует собой конец развития, в котором Пикассо находит свой стиль образного художника. Годы в Париже заставили его впитать французскую культуру, заменив собой его Голубой период с парижской элегантностью, см. «Девушка в сорочке», 1905 год.Начиная с «Периода роз» Пикассо продолжает время от времени создавать изобразительное искусство, но никогда больше не станет его основным стилем.

Гай Роуз — 126 произведений

Гай Орландо Роуз (3 марта 1867 — 17 ноября 1925) был американским художником-импрессионистом и жителем Калифорнии, получившим национальное признание в конце 19 — начале 20 веков.

Гай Орландо Роуз родился 3 марта 1867 года в Сан-Габриэле, Калифорния.Он был седьмым ребенком Леонарда Джона Роуза и Аманды Джонс Роуз.

Его отец был известным сенатором Калифорнии. Он и его жена вырастили свою большую семью на обширном ранчо и винограднике в Южной Калифорнии — город Розмид в долине Сан-Габриэль носит фамилию. В 1876 году молодой Гай Роуз был случайно ранен в лицо во время охоты со своими братьями. Выздоравливая, он начал рисовать и рисовать акварелью и масляными красками. Он окончил среднюю школу в Лос-Анджелесе в 1884 году и переехал в Сан-Франциско, где изучал искусство между 1885 и 1888 годами в Школе дизайна у Вирджила Уильямса, Уоррена Э.Роллинз и датский художник Эмиль Карлсен. В 1886 году он получил почетные упоминания как в рисовании, так и в живописи маслом; год спустя он был награжден желанной золотой медалью школы Эйвери за живопись маслом и внес натюрморт с «отличным тоном» в Зимний ежегодник Художественной ассоциации Сан-Франциско.

12 сентября 1888 года Роза поступила в Академию Жюлиана в Париже и училась у Бенджамина-Константа, Жюля Лефевра, Люсьена Дусе и Жан-Поля Лоренса, находясь в Париже.В 1888-89 он выиграл стипендию в Академии Делаклюза и внес религиозные и фигурные исследования, а также пейзажи в Парижские салоны в 1890, 1891, 1894, 1900 и 1909 годах. Академия Джулиана — Фрэнк Винсент и Гай Роуз должны были остаться друзьями на всю жизнь.

Роза жила в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк, в 1890-х годах и иллюстрировала для Harper’s, Scribners и Century. Решив вернуться во Францию ​​в 1899 году, он и его жена Этель Роуз купили коттедж в Живерни.В 1900 году он жил в Париже и провел зиму в Бриске, Алжир, где написал три известные картины. С 1904 по 1912 год муж и жена жили в Живерни, и его работы этого периода показывают влияние «мастера» Клода Моне, который стал его другом и наставником.

В 1913-1914 годах Розы провели лето и провели школу рисования на открытом воздухе в Наррагансетте, Род-Айленд. Периодически страдая от последствий отравления свинцом, Роуз и его жена навсегда переехали в Лос-Анджелес, штат Калифорния, в 1914 году.

Между 1918 и 1920 годами Розы не только рисовали в Кармел-бай-зе-Си, штат Калифорния, как дачники, но и стали участниками местной художественной колонии. В 1919 году они арендовали коттедж Кармель художницы Алисы Коминс. Масла Гая появлялись на тринадцатой и четырнадцатой ежегодных выставках Клуба искусств и ремесел Кармель в 1919 и 1920 годах. На последней он показывал «Пляж» и «Мыс». Осенью 1921 года две его картины Кармель в художественной галерее отеля Del Monte в Монтерее, как говорили, «обладали очарованием предмета».. . сделано с большим чувством ».

Это часть статьи в Википедии, используемой в рамках непортированной лицензии Creative Commons Attribution-Sharealike 3. 0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Множество стратегий выживания: Барбара Роуз о живописи после постмодернизма

Приведенный ниже отрывок взят из каталожного эссе историка и искусствоведа Барбары Роуз для выставки «Картина после постмодернизма », посвященной выставке 16 американских и бельгийских художников, включая Уолтера Дарби Баннарда , Ларри Пунс, Вернер Маннаерс и Джорис Гекьер, в которых Роуз считает серьезными доводами в пользу сохранения актуальности живописи в нашу цифровую эпоху.Выставка продлится до 16 ноября в Vanderborght и Cinéma Galeries / the Underground в Брюсселе.

Джорис Гекьер, Без названия (2016)

Эта выставка призвана доказать, что живопись как автономная дисциплина все еще может делать свежие, убедительные заявления как живая, развивающаяся и значимая форма искусства, которая передает гуманистические ценности во все более бесчеловечном, глобальном сетевом мире, управляемом технологиями. Идея о том, что живопись мертва, умирает или становится все менее важной, нашла отражение в новинках, которыми наполняются коммерческие ярмарки искусства, и в растущем числе международных биеннале. Но идея о том, что живопись больше не является живым искусством, не нова. Первым его скорбящим был французский академический художник Поль Деларош. Увидев первый дагерротип в 1839 году, он, как говорят, заявил: «С сегодняшнего дня живопись мертва».

По иронии судьбы, именно фотограф защищал способность живописи терпеть.Первая историческая выставка художников-импрессионистов, состоявшаяся в студии фотографа-портретиста Надара в 1874 году, доказала, что фотография не убивает живопись, а, скорее, что живопись может переопределить себя как жизнеспособный и прогрессивный вид искусства, сосредоточившись на видимых мазках, которые вызывают внимание к различным тактильным поверхностям, тогда как все фотографии имеют однородную гладкую печатную поверхность. Сегодня амбициозная живопись сталкивается с аналогичной ситуацией, поскольку быстро движущиеся пиксельные изображения бросают вызов ее ценностям и практикам. Доступные для всех, а не только для обученных и образованных людей, цифровые технологии присваивают, рекомбинируют и перерабатывают изображения в часто неожиданных и новых визуальных комбинациях, которые создают яркие, мгновенные, мгновенно потребляемые изображения, которые шокируют и трепещут. Но реакции на эти образы, какими бы поразительными или мучительными они ни были, недолговечны и непродолжительны.

Изобразительное искусство, которое является долговечным, остается в музеях и коллекциях после того, как его авторы давно ушли, требует более длительного, глубокого и преобразующего участия.В том же году Деларош заявил, что фотография заменит живопись, и Стендаль посвятил свой большой сложный и многослойный роман «Пармский чартер» «немногим счастливым». Сегодня серьезные художники, создающие столь же сложные и многослойные работы, требующие многих лет навыков и обучения, сталкиваются с тем же недостатком понимания, с которым столкнулись импрессионисты и Стендаль. В контексте массовой культуры с электронной связью, конфронтации лицом к лицу и продолжительного количества времени, необходимого для переваривания, плотные и многогранные произведения искусства не соответствуют стандартам доминирующей культуры мгновенного удовлетворения и легкого развлечения.Не знаю, сохранятся ли их работы через сто лет. Эта выставка — ставка на то, что они это сделают.

Я начал думать о представлении современных американских художников вместе с их бельгийскими коллегами, когда заметил, что есть художники, работающие в обеих странах, чтобы оживить живопись, расширяя ее параметры, а также опираясь на ее основы с уважением к мелким деталям. и тщательное мастерство. Проблема не в том, является ли произведение абстрактным или репрезентативным, а скорее в типе создаваемого пространства и в переопределении образов в этом пространстве.После посещения множества выставок и студий в США и Бельгии я обнаружил, что новая захватывающая работа основана на расширении процессов живописи как средства для вызова образов, которые не были априори и схематизированы, а скорее провокационны и открыты для индивидуальной интерпретации.

Работа, которая особенно меня интересовала, имела изменчивую текстуру, которая определяет плоскость поверхности как тактильное ощущение, уважение к случайности и случайным происшествиям и осознание того, что для этого нужна структура, чтобы не разрушиться до бессвязности.Борьба за сохранение жизни и движения живописи, начатая Сезанном и Мане, остается битвой против цинизма и нигилизма. В 1918 году, когда закончилась Первая мировая война, оставив Европу в пепле, Марсель Дюшан снова произнес похоронный звон живописи в Туме (1918), свое прощание со средой, которая ему наскучила, но продолжала интересовать таких художников, как Леже. , Матисс, Миро, Мондриан и Пикассо. Спустя три года на московской выставке 5х5 = 25 Родченко представил монохромные полотна «Чистый красный цвет», «Чистый синий цвет» и «Чистый желтый цвет» (1921).Он утверждал, что это были последние картины, которые можно было сделать, потому что они сводили искусство к его сути: неотраженной плоскости одного цвета, представляющей только себя. «Я подтвердил, — писал он, — все кончено. Основные цвета. Каждый самолет — это самолет, и не должно быть никакого представления ».

В начале 1960-х годов с целью демократизации искусства художники «поп-музыки» отказались от абстракции, чтобы использовать знакомые образы, знаки и символы популярной культуры, для понимания которых не требовалось никакого образования.Обоснование того, что поп-арт был критикой товарной культуры, быстро обратилось само на себя, когда массы восприняли его графические образы и упрощенный плакат, такой как разборчивость, который имеет больше общего с двухмерностью гравюры и рекламного искусства, чем со сложным пространством живописи. . Однако популярность поп-образов привлекла внимание живописи. Ситуация изменилась в конце 1960-х и на протяжении 1970-х годов, когда снова стало модным осуждать живопись как неуместный пережиток буржуазной культуры.В этой атмосфере политической корректности музеи и галереи бросились принимать формы «радикального искусства», иллюстрирующие различные идеологические платформы.

Дальнейшая атака на живопись как форму заторможенного декора была начата буквалистским, антииллюзионистским минимальным искусством, которое, в отличие от пустых, ярких и блестящих поверхностей поп-арта, имело философскую основу в феноменологии и гештальт-психологии. Затем, в бурные 1980-е и 1990-е, коллекционеры-нувориши проглотили свой голодный аппетит к яркости неоэкспрессионистской фигурации до такой степени, что граффити возвысили до уровня живописи.Изобразительное искусство явно теряет позиции, а счастливых становится все меньше, музеи, все больше посвященные увеличению оплачиваемой посещаемости, и большинство галерей, чьей целью является получение прибыли, отдают предпочтение легко потребляемым популярным стилям. В результате разница между высоким и низким искусством постепенно, но неуклонно стиралась, начиная с 1990 года, когда в Музее современного искусства прошла выставка High and Low: Modern Art and Popular Culture. Внезапно у искусства появилась огромная популярная аудитория в Нью-Йорке, но центр живописи был перемещен в Берлин, где послевоенное поколение, включая художников Георга Базелица, Ансельма Кифера, Маркуса Луперца, Зигмара Польке и Герхарда Рихтера, переопределило — в современных терминах — живописный, экспрессионистский стиль, характерный для немецкого искусства.

Их монументальные живописные работы, однако, были проигнорированы доминирующим американским искусствоведом эпохи после Второй мировой войны, Клементом Гринбергом, героем поколения критиков, получивших образование искусствоведов в ведущих университетах США. Невозможно переоценить важность Гринберга как законодателя вкуса. Гениальный писатель и могущественная властная личность, стройный и элегантный стиль Гринберга сразу же соблазнил читателей. В одном из его первых эссе «К новому лаокоону», опубликованному в «Партизан ревью» в мае 1941 года, приводился довод в пользу превосходства абстрактного искусства как средства сохранения чистоты живописи путем выделения себя из других искусств.

Выделение уникальных свойств среды для сохранения ее чистоты стало центральным элементом критических суждений Гринберга. Таким образом, борьба авангарда превратилась в борьбу за уход от литературного содержания. В своих обзорах в «Нации», для которых он писал еженедельно с 1942 по 1949 год, он настаивал на том, что для того, чтобы оставаться «чистым» и бескомпромиссным, живопись должна быть адресована только зрению. В первую очередь отвлекал предмет, как и любое предположение о пространственности. С этой целью все следы руки должны были быть удалены в пользу мгновенного воздействия на сетчатку.

Для Гринберга налитые и растекающиеся по всей поверхности картины Джексона Поллока создали бестелесную оптическую сеть, воспринимаемую исключительно в визуальных терминах. Отвергая жестикулярный стиль Виллема де Кунинга, обучавшегося в хорошо известной Rijksakademie van beeldende kunsten Амстердама, чтобы оценить живописные стили Рембрандта и Рубенса, Гринберг приветствовал Поллока как мастера будущего, а не прошлого. В течение следующих пятидесяти лет Гринберг следовал этому аргументу, убеждая свою растущую группу поклонников в его неотвратимой истине.

Уолтер Дарби Бэннард, Он меня не любит (2009)

В Европе, с другой стороны, особенно в Бельгии и Нидерландах, пример живописи, основанной на видимых мазках кисти, был частью их собственной исторической традиции, которую продолжали преподавать в академиях изящных искусств в то время, когда американцы были одержимы с новизной. Тем не менее, живопись также подвергалась нападкам во Фландрии со стороны бельгийского историка искусства Яна Хоэта, который, как и Гринберг, был неудачливым художником, которого привлекали стратегии власти.Если Гринберга называли «царем искусства», то Хут был известен как «папа искусства», чья миссия заключалась в том, чтобы маргинализировать картины в пользу инсталляций и новых технологических средств.

Очевидно, как американец, я больше знаком с интерпретацией модернизма Гринбергом, чем с текстами, которые читают бельгийские художники. Однако у меня сложилось впечатление, что в Бельгии — из-за ее богатого и глубоко укоренившегося наследия в искусстве живописи — художники продолжали обучать практическим навыкам, даже когда их отвергали культурные импресарио, такие как Хут, который доминировал в современном бельгийском искусстве в той же мере, в какой Гринберг служил привратником к успеху англоязычных художников.

В США художников презирали не как художников, а как еретиков из догм Гринберга. В Бельгии Хут, столь же влиятельный законодатель вкуса, как Гринберг, использовал свои политические связи, чтобы полностью избавиться от живописи в пользу концептуальных инсталляций и медиа, основанных на технологиях, взятых из далеких уголков мира без уважения к качеству или долговечности. Хёт сосредоточился на действиях, а не на словах, оставив свой след в только что процветающей Европе, в то время как Гринберг приводил свои аргументы в печати и на лекциях по всему англоязычному миру.

В 1964 году Гринберг организовал выставку Post Painterly Painting в Художественном музее округа Лос-Анджелес, настаивая на том, что новым в современной живописи был акцент на ярком цвете, а не на физических жестах. Художники выбрали, по словам Гринберга, избегая толстой краски и тактильных эффектов в интересах оптической ясности. Это правда, что вслед за Поллоком многие молодые художники отказались от обычных кистей, которые подчеркивали тактильный мазок. Уолтер Дарби Баннард был одним из первых, кто отказался от кистей в пользу ракелей, граблей и метел, которые он использовал для нанесения смешанных материалов и гелей, которые делали поверхность буквально рельефной.

Ларри Пунс, чьи ранние картины с ярко окрашенными окрашенными полями, перемежаемыми точками и эллипсами контрастных оттенков, которые соответствовали критериям Гринберга, отказался от включения. Первоначально изучая композицию в Бостонской консерватории, Пунс начал рисовать как геометрический абстракционист с композиций, подобных тем из ранних работ Эда Мозеса, которые напоминают композиции Флеминга Вантонгерлоо и голландца Ван Дусбурга, оба сторонники неопластической группы. De Stijl.Отказавшись от цветовых полей своих точечных и эллиптических картин в конце 1960-х, Пунс начал распылять краску по своим холстам, управляя толстыми слоями пигмента с мастерской ловкостью. Постепенно его живописные поверхности становились все более выразительными, поскольку он загружал их инертными материалами, создающими трехмерный рельеф.

В начале 1960-х и Баннарда, и Пуна превозносили как минималистов; к концу десятилетия они создавали буквальные живописные поверхности, которые были такими же текстурными, как и оптическими. В случае Пуна материальный рельеф поверхности становился все более выраженным, до такой степени, что тени скапливались в трещинах, создавая светотень. Их озабоченность по поводу тактильности и текстуры поверхности указала на направление, в котором передовая живопись начнет сознательно следовать. В конце 1960-х годов настойчивость Гринберга в абсолютной плоскостности была оспорена такими художниками-геометрическими фигурами, как Рон Дэвис и Эл Хелд, которые изобрели способы использования перспективы, основы иллюзионизма, в противоречивой манере, которая подорвала любое прочтение пространства за картиной самолет.В то же время во Франции группа Supports / Surfaces разбирала живопись на составляющие элементы, отделяя холст от поддерживающего подрамника.

Начиная с 1980-х гг., Догма Гринберга подвергалась сомнению по всем направлениям. Европейские критики, такие как Акилле Бонито Олива, впервые использовали термин «постмодернизм» для защиты итальянских художников Трансавангардии, которые смешивали исторические стили в стилизованной фигуре. Фредерик Джеймсон охарактеризовал постмодернизм как разрушение различий между «высокой» и «низкой» культурой путем присвоения китчевых образов массовой культуры в цитатах и ​​репродукциях.Если в 1930-х годах Гринберг разоблачил противоположность китча и авангарда, то спустя полвека постмодернизм позволил идентифицировать их.

Первым крупным перебежчиком от ортодоксии Гринберга был Пунс, который начал проливать толстые слои утолщенного пигмента, накладывая поверхность на поверхность, пока не образовался рельеф, достаточно высокий, чтобы отбрасывать тень. Серьезные художники искали альтернативу бестелесной абстракции Гринберга, обращенной только к зрению. Понимая, что это узкое учение противоречит желанию сохранить целостность эстетического опыта, предоставленного старыми мастерами, они сосредоточились на тактильном качестве чувственных живописных поверхностей, а также на оптическом слиянии цвета и света, экспериментируя с новые виды материалов и разнообразные техники, аналогичные физическим процессам, которые сюрреалисты использовали для создания удивительных образов. Кисти были оставлены на тряпки, губки, швабры и краскопульты. Трафареты использовались для маскировки областей, которые после удаления не отображали изображения, а оставляли контурные формы, края которых не были нарисованы, а возникли в процессе.

Представление Миро об автоматизме как средстве экспериментов с материалами и техниками, позволяющем изображению возникать в процессе, предвосхищает границы современной серьезной живописи. Как и Миро, художники на этой выставке не предвосхищают и изображают формы, а позволяют им проявиться в процессе создания.Описывая свой метод организации случайной импровизации со стабильной структурой, часто сочетающей линейные петли и плоские очертания, Миро заметил: «Работы должны создаваться с огнем в душе, но выполняться с клинической прохладой». Он позволяет разливам и пятнам вызывать пульсирующие формы. Картины Миро могут выглядеть непринужденно, но расположение элементов похоже на картины старых мастеров. Он заставляет глаз перемещаться по поверхности по осям и путям, которые визуально связывают форму с формой. Миро бросил вызов кубистам и угрожал им: «Я сломаю их гитару.«И действительно, с его бесстрашными экспериментами, можно сказать, что Миро определенно это сделал.

Учитывая то, что мы наблюдаем сегодня, Миро вполне мог быть прав. Его новый метод работы включал рыхлую кисть, проливание и промокание разбавленной жидкой краской в ​​сочетании с курсивом, автоматическим рисованием с пунктирными формами, которые часто были неопределенно геометрическими. Ощущение неизмеримого космического пространства характерно для образов многих художников на этой выставке, как американцев, так и бельгийцев, таких как Уолтер Дарби Баннард, Джорис Гекьер, Бернар Гилберт, Карен Гандерсон, Лоис Лейн, Пол Манес, Вернер Маннаерс , Марк Мает, Барт Вандевиджвере и Ян Ванриет.

То, как на самом деле работают художники на этой выставке, часто остается загадкой из-за множества различных техник, которые они используют для нанесения и удаления краски. Это не то, что Гринберг называл «одноразовыми» картинами, выполненными так быстро, что они заканчиваются в тот момент, когда высыхает единственный слой окрашенного цвета. Напротив, каждая картина обрабатывается в течение определенного периода времени, ее композиция оценивает и переоценивает баланс, стремясь к равновесию посредством последующей ретуши.Каждая часть должна успешно функционировать на интегрированной поверхности. Это задача, которую поставил перед собой Сезанн, постоянно пересматривая и корректируя свои пятна краски и их ценные цвета, пока не достигнет желаемого равновесия в течение определенного периода времени.

Теперь можно увидеть минимальную редуктивность в том, чем она является: переходный этап в истории искусства, необходимый для того, чтобы живопись обрела новую свободу в пользу игры воображения. Этот новый вид живописного пространства намекает, а не буквально.Картинная плоскость узнаваемо плоская, но на ней или в ней плавает любое количество индивидуальных видений пространства, которое не является ни академическим иллюзионизмом прошлого, ни живописью как строго буквальным объектом. Новые интерпретации текстуры и пространства с их коннотациями как тактильности, так и метафоры, очевидно, варьируются от художника к художнику.

Художники на этой выставке работают в одиночку, медленно и кропотливо, много раз пересматривая свои композиции. Их работы делаются медленно и требуют времени, чтобы их усвоил зритель.Они скорее замедляют, чем ускоряют время. Их объединяет синкретическое отношение, которое сохраняет то, что остается жизненно важным из искусства прошлого, путем анализа и извлечения сущности живописного.

Барбара Роуз — историк искусства и куратор, живущая в Нью-Йорке и Мадриде, Испания.

Картины роз и цветочные картины акварелью и маслом

Оригинальные картины с розами и Картины с цветами выставлены на продажу — выберите понравившийся оригинал картины из этой коллекции раскрашенных роз и цветов или получите репродукцию .Легко и безопасно купить.

Картины с розами и цветы в наличии

(чтобы просмотреть всю Галерею роз и цветов, прокрутите вниз)

Романтические картины роз

В моей галерее розового искусства вы найдете большую коллекцию расписных роз. Я люблю рисовать белые и желтые розы, розовые и красные розы, оранжевые и фиолетовые розы. Вы найдете потрясающий Дэвид Остин Роуз «Золотое празднование», Юбилейную розу Сангерхауса, Роуз Ингрид Бергман, Роуз Хайди Клум, розы эпохи Возрождения, наследие от Дэвида Остина, восхождение розы New Dawn, розу львов или просто садовые розы.Я люблю создавать свои картины с розами, как будто я стою в саду и чувствую запах розы и солнечный свет или капли дождя на мягких лепестках. Я люблю создавать атмосферу в своих картинах.

Красочные цветочные картины

Кроме роз я люблю создавать и другие цветы картин . Каждый цветок индивидуален и бросает мне вызов. Я создаю картины с розовыми, синими или белыми гортензиями, красочными анютиными глазками, картинами розовых или голубых гибискусов, пионами разных цветов, мальв, красными тюльпанами, белыми нарциссами, подснежниками или белыми маргаритками.

Полная галерея картин с розами и цветами

Ниже вы найдете красивую большую коллекцию нарисованных роз и цветов акварелью и маслом. Просто нажмите на изображение, чтобы увеличить его. Наслаждайтесь просмотром галереи, и если у вас есть какие-либо вопросы, отправьте электронное письмо, используя мою контактную форму.

Для увеличения нажмите на изображения нарисованных роз и цветов

Я также написал много маленьких картин с цветками роз небольшого размера, например, 4 ″ на 4 ″, 6 ″ на 6 ″ и несколько 12 ″ на 12 ″.
Нажмите на изображение, чтобы просмотреть все Картины с розами в этой замечательной коллекции.

Создавать картин с розами и цветами — одна из моих самых больших страстей.

Щелкните заголовок под каждым изображением, чтобы просмотреть другие галереи картин маслом и акварелью:

Комиссии приветствуются

Если вы ищете особую картину, просто отправьте сообщение, используя контактную форму, или посетите страницу комиссионных для получения дополнительной информации.

Информация о покупках

Делать покупки на моем сайте очень просто и безопасно. Я использую Paypal как возможность оплаты. Если вы хотите заказать репродукцию картин, нажмите кнопку «Добавить в корзину».
После этого ваша карта покупок отобразится вверху страницы.

Можно легко добавить еще одну оригинальную картину или принт на вашу карточку покупок или удалить ее. Когда покупка будет завершена, просто нажмите кнопку «Оформить заказ» на своей торговой карте и завершите оплату через Paypal.
Вы оплачиваете только единовременную доставку.

Информация об акварельной бумаге, акваборде и акварельном холсте для моих картин с розами и цветами

Акварельная бумага: Картина должна быть обрамлена за стеклом.
Aquabord: Aquabord — это тонкая доска, которую можно разместить в рамке без стекла.Он будет покрыт лаком.
Акварель Холст: Акварельная бумага 140 фунтов натянута на подрамники, края закрашены, картина будет покрыта лаком. Стекло не нужно, картину можно повесить и без рамы.