Древнейшие рисунки России на выставке «Хаос и космос: пещерная живопись Урала»

Перед началом учебного года 31 августа в музейно-выставочном комплексе ИМСГН Южно-Уральском государственном университете откроется выставка, посвященная пещерной живописи. Уникальные фотографии, а также 3D-копии знаменитых уральских пещерных рисунков представят посетителям.

На выставке «Хаос и космос: пещерная живопись Урала» будут представлены древнейшие рисунки России из пещер Шульган-Таш (Республика Башкортостан) и Игнатиевской (Челябинская область), которым около 18 тысяч лет.  Экспозиция объединит авторские фотографии, сделанные в недоступных для посещения туристов местах пещер, а также 3D-копии рисунков, оставленных на стенах первобытными людьми. Кроме того, на выставке продемонстрируют череп мамонта, шерстистого носорога и других представителей мегафауны, вдохновлявших древних художников 18 тысяч лет назад.

«Название выставки „Хаос и космос“ выбрано не случайно.

В пещере Шульган-Таш есть зал Хаоса, в котором мы видим противопоставление суровой природы – каменных стен, завалов, и космоса – представления древнего человека о сотворении мира, воплощенного в наскальной живописи. Рисунки относятся к эпохе верхнего палеолита. В России есть всего три пещеры, в которых обнаружена живопись этого периода, и все они расположены на Южном Урале», – рассказала заведующая музейно-выставочным комплексом «Народы и технологии Урала» ИМСГН ЮУрГУ Юлия Васина.

С помощью цифровых технологий посетители выставки смогут «прогуляться» по двухэтажной пещере Шульган-Таш: на выставке будет представлена 3D модель известного объекта.

Выставка подготовлена при участии Научно-производственного центра по охране и использованию недвижимых объектов культурного наследия Республики Башкортостан, Историко-культурного музея-заповедника «Пещера Шульган-Таш», Института истории и археологии УрО РАН, Института экологии растений и животных УрО РАН, Фонда содействия сохранению культурного наследия «Общественный фонд «Южный Урал».

Выставка будет представлена в помещениях музейно-выставочного комплекса «Народы и технологии Урала» Института медиа и социально-гуманитарных наук ЮУрГУ. Его постоянная экспозиция отражает историческое и культурное наследие Урала, начиная с древнейших времен, и охватывает новейшее время.

Отметим, что 31 августа вместе с выставкой в ЮУрГУ начнет работу Круглый стол «Сохранение уникальных пещерных объектов с настенной живописью эпохи палеолита на Южном Урале». В мероприятии примут участие представители Государственного комитета охраны объектов культурного наследия Челябинской области, Министерства экологии и Министерства культуры Челябинской области.

Выставка «Хаос и космос» открыта с 31 августа до 19 декабря.

Познакомиться с экспозицией можно с понедельника по пятницу с 10:00 до 16:00, вход свободный.

Музейно-выставочный комплекс «Народы и технологии Урала» расположен в главном корпусе ЮУрГУ (пр. Ленина, 76), ауд. 018-020.

Экскурсии по предварительной договоренности, тел: 267-96-16.

---

Читайте нас:

Академический рисунок и живопись, I ступень

Высшее образование онлайн

Федеральный проект дистанционного образования.

Я б в нефтяники пошел!

Пройди тест, узнай свою будущую профессию и как её получить.

Химия и биотехнологии в РТУ МИРЭА

120 лет опыта подготовки

Международный колледж искусств и коммуникаций

МКИК — современный колледж

Английский язык

Совместно с экспертами Wall Street English мы решили рассказать об английском языке так, чтобы его захотелось выучить.

15 правил безопасного поведения в интернете

Простые, но важные правила безопасного поведения в Сети.

Олимпиады для школьников

Перечень, календарь, уровни, льготы.

Первый экономический

Рассказываем о том, чем живёт и как устроен РЭУ имени Г.В. Плеханова.

Билет в Голландию

Участвуй в конкурсе и выиграй поездку в Голландию на обучение в одной из летних школ Университета Радбауд.

Цифровые герои

Они создают интернет-сервисы, социальные сети, игры и приложения, которыми ежедневно пользуются миллионы людей во всём мире.

Работа будущего

Как новые технологии, научные открытия и инновации изменят ландшафт на рынке труда в ближайшие 20-30 лет

Профессии мечты

Совместно с центром онлайн-обучения Фоксфорд мы решили узнать у школьников, кем они мечтают стать и куда планируют поступать.

Экономическое образование

О том, что собой представляет современная экономика, и какие карьерные перспективы открываются перед будущими экономистами.

Гуманитарная сфера

Разговариваем с экспертами о важности гуманитарного образования и областях его применения на практике.

Молодые инженеры

Инженерные специальности становятся всё более востребованными и перспективными.

Табель о рангах

Что такое гражданская служба, кто такие госслужащие и какое образование является хорошим стартом для будущих чиновников.

Карьера в нефтехимии

Нефтехимия — это инновации, реальное производство продукции, которая есть в каждом доме.

В чем разница, и почему Вы должны знать об этом?

Если вы мечтаете о том, чтобы обладать способностью к рисованию, но у Вас нет большого количества опыта, скорее всего Вы связываете его с карандашом.

Но если вы действительно хотите выложить свои мысли, одного карандаша недостаточно. Графический планшет, с хорошим программным обеспечением, подходит лучше всего – он имеет все цветы необходимые вам, и это позволяет удалить любые ошибки без следа.

Есть одна большая проблема с этим. Ручка для планшета несмотря на то что напоминает карандаш, может быть использована в качестве целого набора различных щеток, пастели, древесного угля, маркеров, и даже ластика. Вы можете использовать его, чтобы “покрыть” экран акриловыми красками, масляными красками и чернилами, и смешать это все во что-то совершенно новое. Это – один большой универсальный инструмент — и поэтому, не может использоваться в качестве карандаша!

Если у вас есть некоторый опыт работы с карандашом, даже с раннего возраста, и вы хотите, эффективно использовать графический планшет, вы можете бороться с поиском хорошего обучения для вас. Это потому, что в традиционном искусстве, “рисунок” и “живопись” две совершенно разные вещи, с различными инструментами пользования.

В цифровом искусстве, у вас есть только один инструмент, кисть, таким образом цифровой рисунок и цифровая живопись объединяются в одно. Поэтому, если вам достаточно комфортно с карандашом, но вы боретесь с цифровым искусством, это может быть не потому что вы «не умеете рисовать». Проблема в том, вы смешиваете много методов, некоторые из рисунка, некоторые из живописи, поэтому, когда вы пытаетесь узнать с помощью поиска для “цифрового рисунка”, вы получаете полностью нарисованные портреты.

В этой статье я объясню вам разницу, таким образом вы точно сможете узнать, что вы хотите, не тратя время на обучения, на которое вы не готовы. Таким образом, вы будете прогрессировать быстрее и с меньшими затратами на ненужные разочарования.

Традиционное рисование

Вы можете рисовать многими инструментами. Вы даже можете использовать ваш палец, пока у вас есть поверхность на которой можно делать отметки. Наиболее основное определение рисунка это просто создание линии с помощью остроконечного инструмента. “Заостренность” зависит от масштаба, таким образом, чем больше Ваш рисунок, тем более тупой наконечник разрешен. Вы даже можете рисовать кистью!

Независимо от того, какой именно инструмент вы используете, метод очень похож. Все что вы можете сделать это свинцовые линии, прямые и волнистые, в различных отношениях друг к другу. Дополнительной функцией, зависящей от инструмента, является темнота линии. Маркеры и узкие линии дают вам совершенно черные линии каждый раз; мягкие карандаши (Класс B и ниже) позволяют выбрать из целого градиента серого; жесткие карандаши (НВ и выше) ограничивают вас легкими серыми. Линии самостоятельно не существуют в действительности. Никакой объект не сделан из них, но нашим мозгам, очень эффективным при распознавании образов, не нужно много, чтобы видеть действительность в облаке линий. И потому что линии настолько легко сделать, рисунок стал самой популярной и доступной формой искусства. И потому что линии настолько легко сделать, рисунок стал самой популярной и доступной формой искусств

Для рисунка, чтобы подражать действительности, это должно напомнить образцы, которые ожидает мозг. Поэтому, успешный художник должен знать, какие это модели и как создать их.

Это – то, почему реалистический рисунок превышает нормальное значение определения: это больше не о ведущих линиях, а о строительстве значащих образцов из них. Это умение идентично для традиционного художника и цифрового художника. Вам не нужен графический планшет, чтобы узнать, как рисовать животных или как перспективно работать. И как цифровой художник, Вы можете успешно использовать обучающие программы для пользователей карандаша, также.

Различие заключается в самом инструменте. Они все делают линии, но они могут использовать различные методы, чтобы сделать это. Например, некоторые ручки могут нуждаться в контроле потока чернил, и мягкие карандаши дают Вам различные оттенки серого в зависимости от давления. Если Вы способны использовать мягкий карандаш, переключение на чернила может быть очень неудобным, и наоборот. Есть другой вид образца, который Вы можете создать с инструментами для рисования. Наши мозги очень чувствительны к свету и тени. В рисунке мы можем моделировать тени с темнотой линии и легкость с отсутствием этого. Поскольку в действительности свет и тень сделаны из пятен, не линий, методы работы (например, штрихующий) должны использоваться, чтобы моделировать их.

Этот эффект требует другого умения: понимание света и тени и практику в объеме, имитируя только с линиями. Подводя итог, мы получили пять различных навыков, на которых основан графический рисунок:

• создание преднамеренных линий с заостренным инструментом
• достижение различных оттенков
• штриховка с линиями
• строительство значащих основанных на линии образцов, основанных на анализе действительности
• понимание света и тени

Вы можете также быть великим художником, справившись только с первыми тремя навыками, когда Вы только копируете ссылки, но чтобы стать разработчиком, Вы должны сосредоточиться на последних двух еще с большим усилием.

Если Вы захотите использовать цветные карандаши, то Вы должны будете также понять цвет, который является другой большой задачей, и это не столь легко, как может казаться.

Традиционная живопись

Живопись не отличается от рисования только потому, что Вы используете другие инструменты. Цель и эффект также абсолютно отличаются. Картины созданы с участками цвета, форма которого не может и не должна полностью управляться. Вы можете использовать различные пигменты для этой цели. У них есть различная плотность и смешивающиеся свойства, таким образом, каждый требует другого обращения.

Участки цвета могут моделировать с большим успехом, с которым наш мозг видит мир. Картины могут быть фотореалистичными, но они могут также достигнуть реализма со множеством других стилей. Поскольку Вы можете нарисовать большие области за один раз, нет никакой потребности в искусственных приемах как штриховка, и некоторые пигменты также смешиваются очень хорошо без большего усилия.

Это не означает, что живопись легче. Использование больших участков требует абсолютно другого типа аналитического мышления. Это все еще о создании значащих образцов, но на сей раз это – все о свете, тени и цвете. Поэтому, живопись основана на трех навыках, каждый довольно трудно освоить:

• создание преднамеренных участков цвета (управление потоком пигмента, смешивание цвета)
• понимание света и тени
• понимание цвета

В то время как в рисовании Вы можете создать фантастических животных после изучения анатомии животных, в живописи этого будет недостаточно. Понимание света и тени крайне важно здесь, если Вы не хотите быть абстрактным художником. Поскольку некоторые люди думают, что с пятнами может быть фактически легче, но для большинства из нас, привыкших к форме линий, требуется много времени для усвоения.

От традиционного до цифрового искусства

Когда Вы переключаетесь на Adobe Photoshop, есть только одна большая разница между рисованием и живописью, которая учитывается. Рисунок это линии, которыми Вы управляете, и живопись это пятна, которыми нельзя полностью управлять. В конце концов, даже размер кисти не имеет значения, а ее твердость. Если Вы можете предвидеть форму нанесения прежде, это, вероятно, рисование. Если вы планируете что-то неожиданное, это должно быть живопись.

Это распределение так совершенно, как может быть, потому что оно принимает различные методы во внимание создания. Когда Вы рисуете, независимо от того как хаотично, Вы ожидаете, что некоторые линии появятся, и Вы будете в состоянии обрисовать их сильно в общих чертах в конце. Даже когда Вы используете большие, красочные штрихи, Вы все еще знаете точно, где Вы хотите поместить их. Когда Вы рисуете, Вы смешиваете много пятен вместе. Вы используете хаос, который Ваша непредсказуемая щетка создает, чтобы создать что-то новое. Живопись – процесс постоянной фиксации и наладки — нет никаких прекрасных краев, и заключительный эффект не может быть запланирован на 100%. Вот почему мы не можем нарисовать в векторе (векторное программное обеспечение не может справиться с хаосом).

Оба из этих подходов требуют различных методов. Если Вы знакомы с рисунком, Ваш первый шаг в живопись может стать попыткой нарисовать линии непредсказуемой, текстурированной щеткой. Вы буквально выбираете щетку, сложную в управлении и пытаетесь управлять. Это имеет мало общего с живописью!

Однако имея привычки рисования вы не обречены на строгие линии и плоские цвета навсегда. Вам просто нужно понять, как смешать оба метода в удобном виде.

Расширенный рисунок

Вы можете расширить свой рисунок в Фотошопе при помощи других инструментов, которые не имеют никакого отношения к живописи — или также рисованием. Они не существуют в “традиционной” действительности, но они могут легко использоваться, если Вы знакомы с рисунком.

Преобразование

Есть несколько инструментов в Фотошопе, которые могут использоваться с этой целью:

• Свободное трансформирование (Control-T) в режиме Деформации
• Пластика (Control-Shift-X) Деформация
• Редактирование – Марионеточная деформация

Все эти инструменты позволяют делать что-то достаточно мощное, чтобы назвать обманом. После того как вы нарисуете что-то, вы можете изменить его, либо полностью или только часть. Вы можете создать совершенно новый эскиз после того, как он будет уже нарисован! Вы можете даже нарисовать связку хаотических линий и преобразить их в плоть. Вам только нужно Ваше аналитическое мышление, что рисунок был основан на этом.

Заполнение цветом

Если бы Вы хотели заполнить область, рисуя традиционно, то Вы должны были бы потратить много времени, тщательно пересекая линии, чтобы сделать такой эффект. Вы точно знаете, что Вы хотите сделать — просто потребуется много времени. В Фотошопе Вы можете нарисовать области, которые Вы хотите окрасить с помощью Lasso Tool (L). Вы заметили, я сказал: “рисовать?” Lasso Tool работает так же – вы рисуете область, которую хотите выбрать. Позже вы можете заполнить область цветом, используя Paint Bucket Tool (G), и все это без единого мазка кистью.

Штриховка (затенение)

Заштриховывая плоские цвета удобным путем, вы можете просто нарисовать тени на отдельных слоях, точно так же, как прежде — рисовать с Lasso Tool и заполнить их. Затем изменяя Режим смешивания и/или Непрозрачность, Вы можете сделать штриховку соответствующую плоским цветам ниже.

Смешивание

Чтобы удобно смешать границу между цветами и штриховкой, Вы можете использовать один из многих методов. Они могут рассматриваться как “фальшивка” поклонниками живописного стиля, нов это нет ничего плохого.

Просто это другой стиль, более интуитивный людям, имеющим опыт в рисовании.

Пока это ваше стремление вы можете смело использовать:

• Инструмент «Размытие»
• Инструмент «Микс-кисть»
• Инструментом Lasso выбирает область, затем Фильтр> Размытие > Размытие по Гауссу

Смешивание рисования и живописи

Рисунок и живопись могут быть успешно смешаны вместе, чтобы создать большое произведение искусства. Нет никакой потребности ограничить себя только одним из них!

Обтравочную маску

Живопись не знает правильные края. Живописные штрихи направляются куда хотят, и пытаясь управлять ими Вы убиваете их дух. В Фотошопе Вы можете найти компромисс — Вы можете нарисовать область, которую не пересекут штрихи, несмотря ни на что.

Просто нарисуйте фигуру с Lasso Tool (L) и заполните ее любым цветом. Чтобы вырезать другой слой, удерживайте Alt и щелкните границей между этими двумя. Теперь вы можете рисовать что-либо без замедления по очертаниям!

Живописное смешивание

После рисования и окрашивания чего-то, Вы можете превратить его в живописный стиль просто при помощи надлежащего вида смешивания. На сей раз, вместо того, чтобы использовать “инструмент смешивания”, возьмите текстурированную кисть с переменным Flow (чем тяжелее Вы нажимаете, тем тверже штрих). Используйте Инструмент Eyedropper Tool (I), чтобы выбрать цвет из одной области, и затем поместить тонкий слой этого цвета на краю. Выберите цвет ближе к краю и повторите.

Чем лучше это смотрится без контуров, тем дальше от рисования и ближе это к живописи.

Детали

Когда живопись почти готова, Вы можете дать заключительный блеск, дорисовав детали. Вы можете взять прекрасную, жесткую кисть и добавить некоторые элементы, которые не были бы возможны в традиционной живописи. Вы можете придать жесткие очертания, добавить тонкие волоски здесь и там, и сделать поверхность блестящей, добавив белую точку на ней. Фактически, цифровая живопись – это все о смешивании обоих методов. Когда Вы слышите термин, это редко о работе, подражающей традиционному методу.

Таким образом, мы можем сказать, что цифровой рисунок о том, чтобы быть ограниченным на линия ориентированным процессах, в то время как цифровая живопись использует все возможные методы.

Смешивание процесса

Художник Фотошопа может использовать метод живописи и рисования свободно в любой подходящей фазе процесса создания. Например, если вы хотите создать живое существо, фазы могут выглядеть так:

• Рисование эскизов неопределенной формы, чтобы получить представление (живопись)
• Наладка линий к форме (рисунок)
• Очистка линий (рисунок)
• Создание маски (рисунок)
• Блокирование освещения (рисование или живопись)
• Смешивание (живопись)
• Добавление деталей (рисунок)

Я рисунок или живопись?

Давайте подведем итог всего этого:

1. Рисунок основан на линиях. Вы планируете скелет, как структуру в соответствии с анализом действительности, а затем медленно создаете все больше и больше линий, чтобы создать образец, который ваш мозг будет распознавать.
2. Живопись основана на пятнах (короткие, объемные “линии”). Вы начинаете с грубой оценки окончательной формы, а затем ваяете его, регулируя форму с каждым шагом, и делает кисть меньше, как вы идете.

Самые важные навыки для реалистического рисунка:

• понимание структур, строящих действительность (например, скелет и мышцы собаки)
• преобразование структур к форме линий

В живописи эти навыки:

• понимание света, тени и цвета.
• понимание 3D формы объектов
• смешивание различных размерных и цветных участков, чтобы воссоздать образцы, соответствующие действительности

Если Вы справляетесь со всем этим, Вам необходимо смешать оба метода, чтобы увеличить Ваш технологический процесс, например:

• начиная с эскиза и «красной» линии (рисунок), а затем окраски и затенения (живопись)
• начиная с грубой формы (живопись), использование его как базы для искусства линии (рисунок), и затем окраска и штриховка (живописи)

Заключение

Самый важный урок, который Вы должны извлечь от этой статьи, – то, что процесс цифрового создания не однороден. Поскольку в Фотошопе Вы используете столько различных инструментов с различными особенностями, они также должны использоваться по-разному. Рассматривая их всех как способ рисования (или живописи), Вы излишне ограничиваете себя и Ваш успех.

Будьте гибкими. Используйте методы рисунка, когда они выгодны для Вас и переключайтесь на живопись, когда она может дать Вам больше. Цифровое создание это не единственной техника, и Вы можете сделать лучшее из него, если Вы поймете, какую использовать в любой фазе.

И, снова, обратите внимание на свои слабые места и учитесь через них. Если Ваша штриховка выглядит плохо, не обвиняйте цвета, которые Вы используете, но вместо этого возвращайтесь к основным принципам освещения. Если Вы можете нарисовать красиво, но пропорции всегда выключены, на время обратите внимание на рисование. Ключ это то, что вы видите откуда происходят ваши ошибки и какая техника в точности нанесет урон им.

15-03-2016

Древнейшее в мире изображение животного найдено на острове Борнео

В пещере на острове Борнео археологи нашли древнейшее изображение крупного копытного животного — его возраст составляет до 53 тыс. лет. Находка говорит о том, что пещерное искусство зародилось одновременно и в Европе, и на Борнео.

В пещере на индонезийском острове Борнео обнаружены самые древние наскальные рисунки, изображающие животных — их возраст насчитывает минимум 40 тыс. лет. О находке археологи из Университета Гриффита в Австралии совместно с коллегами из Индонезийского национального центра археологических исследований рассказали в статье в журнале Nature.

Наскальная живопись была впервые открыта в XIX веке в пещере Альтамира в Испании и сразу же привлекла к себе огромный интерес со стороны ученых. Впоследствии наскальные рисунки были открыты в разных уголках мира, от Европы и Африки до Малайзии и Австралии, а также в Северной и Южной Америке.

Одними из древнейших наскальных рисунков считались изображения животных в испанской пещере Эль-Кастильо. Они были созданы около 36 тыс. лет назад. Также в пещерах на острове Сулавеси, к востоку от Борнео, были найдены рисунки, созданные от 23 до 40 тысяч лет назад. Древнейшие наскальные рисунки на Сулавеси — это отпечатки рук, а старейшее изображение животного на Сулавеси создано 35 тысяч лет назад. А в пещере Шове во Франции сохранились 435 сделанных древесным углем детализированных изображений животных возрастом около 30 тыс. лет — в это время на территории Европы стали появляться весьма реалистичные наскальные рисунки.

Рисунки в пещерах Восточного Калимантана на Борнео были открыты в 1990-х годах, однако до сих пор они считались сравнительно молодыми, около 10 тыс. лет. Однако современное радиоизотопное датирование позволило установить точный возраст рисунков.

Минимальный возраст изображения крупного копытного, выполненного красной краской, оказался равен 40 тыс. лет, но может достигать и 53 тыс. лет. Это самое раннее во всем мире изображение, относящееся к фигуративной живописи — изображениям, сохраняющим сходство с реальными объектами. Одного возраста с ним оказались некоторые трафаретные изображения рук, нарисованные неподалеку.

Для датировки использовался уран-ториевый метод.

«Дождевая вода просачивается сквозь известняк и растворяет небольшое количество урана. Уран радиоактивен и со временем распадается, чтобы создать еще один элемент — торий. Скорость распада точно известна», — поясняет Обер.

Обнаруженные в пещере рисунки относятся к разным промежуткам времени. Ранние изображения возрастом от 51-37 тыс. лет изображают животных, в основном дикого быка бантенга, и руки, нарисованные по трафаретам. Все они выполнены красным цветом.

close

100%

На рисунках моложе 20 тыс. лет уже появляются сюжеты — древние художники изображали охоту, ритуальные танцы. На головах некоторых людей — пышные головные уборы, в руках — копья. На кистях рук, выполненных с помощью трафарета, появляются кольца и узоры, возможно, изображающие татуировки. В это время начинают использоваться не только красные, но и черно-фиолетовые пигменты.

Самые поздние рисунки в пещере выполнены черным цветом, они изображают людей, лодки, геометрические фигуры.

Авторы работы отмечают культурный сдвиг, произошедший около 20 тыс. лет назад, когда акцент рисунков сместился с изображения окружающего мира на изображение человека и человеческого опыта. Однако почему это произошло — неизвестно.

close

100%

«Возможно, это отражает появление еще одной волны людей, — предполагает Обер. — Или же это естественная эволюция искусства, совпадающая с началом ледникового максимума и потенциальным увеличением численности населения в той части Борнео, где условия для людей наиболее благоприятные».

Люди на острове появились около 60-70 тыс лет назад, отмечает ученый. Однако примеры пещерной живописи тех лет неизвестны.

«Возможно, они не были найдены и датированы, — говорит Обер. — Может быть, это были разные волны миграции людей, может быть, время прибытия людей на юго-запад Азии и в Австралию определено неправильно, или, возможно, это связано с плотностью населения — популяция могла значительно возрасти».

Находки показывают, что пещерная живопись возникла одновременно в двух местах за тысячи километров друг от друга — и в Европе и на Борнео.

Остается непонятным, кем были люди, создавшие рисунки в пещерах на Борнео, пришли ли они из Австралии или из Азии или, наоборот, попали туда с Борнео — еще предстоит выяснить.

«Пещерное искусство могло быть потенциально экспортировано с Борнео на Сулавеси и далее, до Папуа и Австралии», — считает Обер.

А образец древнейшей абстрактной живописи был найден на территории ЮАР в пещере Бломбос — там был обнаружен отщеп, сделанный из породы силькрет, на котором внимательные ученые заметили три красные полоски, пересекающиеся с шестью другими линиями. Что означал этот символ, вряд ли удастся выяснить, однако ученые уверены, что нанесены они были человеком преднамеренно – при помощи мела из красной охры.

«Эта примечательная находка как минимум на 30 тыс. лет старше самых ранних примеров абстрактной живописи, известных прежде», — пояснили ученые в своей статье. Они сообщают, что ранее подобные орнаменты, состоящие из перекрещивающихся линий, были обнаружены на других артефактах их этой пещеры.

Открыта выставка «Академический рисунок и живопись» в Луховицком КВЦ

23 сент. 2021 г., 10:29

Фото Анны Ивановой

В культурно-выставочном центре Луховицкого историко-художественного музея открыта для посетителей выставка работ победителей муниципальных конкурсов академического рисунка и живописи. Участники – воспитанники детской художественной школы «Штрих» и Луховицкой школы искусств.

В экспозиции более 90 картин шестидесяти участников, возраст которых от 10 до 17 лет. Это ученики и выпускники Луховицких художественных школ. Кроме того, здесь представлены и работы их педагогов: Натальи Муравьевой, Анны Трушиной и Елены Шеховцевой.

«Выставка необычная и по-своему уникальная – впервые у жителей округа Луховицы появилась возможность заглянуть за завесы трудовых будней, познакомиться с рабочими рисунками юных художников по основным учебным предметам: академический рисунок и живопись. Очень интересно и думаю, каждый, кто побывает на выставке получит необыкновенное удовольствие», — сказала директор Луховицкого Центра развития творчества детей и юношества Татьяна Тоистева.

Фото Ольги Иосипенко

Как рассказала педагог-организатор Центра развития творчества детей и юношества Елена Корябкина, эти рисунки – упражнения, которые выполняют все, кто проходит обучение изобразительному искусству от великих мастеров живописи до самых маленьких художников, делающих самые первые шаги в постижении тайны искусства, рисования.

Фото Ольги Иосипенко

Выставка – некий итог и этап, который показывает детям важность ежедневной творческой работы.

«На протяжении последних трех лет педагогические коллективы художественных школ выступали с инициативой, чтобы провести конкурс на выявление лучших ученических работ. Не тематических, «парадных», отшлифованных к различным конкурсам, не иллюстративных, сюжетных, а именно, будничных рабочих. Тех, которые ставят, как говорят специалисты, руку, глаз художника, доводят до автоматизма профессиональные движения и навыки. Многогодичные упражнения, которые приводят к мастерству — это база, благодаря которой раскрываются крылья в творчестве. А талант, фантазия, мастерство, трудолюбие дошлифуют полученные навыки», – подчеркнула Корябкина.

Фото Ольги Иосипенко

На уникальной выставке «Академический рисунок и живопись» отобраны лучшие ученические работы воспитанников за последние шесть лет. Некоторые из участников еще продолжают свое обучение, как например Мария Ушакова, которая учится в 4-м классе ДХШ «Штрих» и пока еще не определилась, чем будет заниматься во взрослой жизни.

«Мне очень нравится заниматься живописью, ездить на пленэры, но стану ли я профессиональной художницей, пока не знаю, вот только рисовать не брошу никогда», — уверена Маша.

В экспозиции выставки представлены также и рисунки тех ребят, которые уже окончили школу, выбрали творческие профессии, и сейчас занимаются живописью на профессиональном этапе – продолжают обучение в художественных вузах, колледжах, институтах, таких как, Строгановское художественное училище, Рязанская радиотехническая академия по специальностям «веб-дизайн» и «компьютерная анимация» и других.

Фото Ольги Иосипенко

Луховицкий художник, руководитель творческого объединения «Окская палитра» Валерий Деев рассказал о том, как трудно было отбирать лучшие работы, ведь каждая из них – это плод кропотливого совместного труда юного художника и его учителя.

«Я 16 лет преподавал в художественной школе «Штрих». Знаю, сколько сил, труда, таланта вкладывают педагоги в своих учеников. Важно, чтобы дети любили и уважали своих учителей и выполняли все их советы и задания. Этот каждодневный тренинг дает возможность раскрыть талант. Помимо программы много нужно заниматься и самостоятельно, дома. Обычно эти рисунки никто не видит, кроме воспитанников и их учителей», — подчуркнул Деев.

У луховичан и гостей нашего города будет возможность посетить выставку до конца сентября по адресу: Луховицы, улица Горького, д.№3а.

Ольга Иосипенко

Источник: http://inluhovitsy. ru/novosti/kultura/otkryta-vystavka-akademicheskiy-risunok-i-zhivopis-v-luhovickom-kvc

Роль рисунка в живописи

 Роль рисунка в живописи

Обучение начинающих художников обычно проводится параллельно  по нескольким дисциплинам: по рисунку, живописи, композиции и т.д. Однако обучение живописи дает хорошие результаты в том случае, если студенты предварительно уже имеют такие знания и навыки в рисунке, как умение перспективно и конструктивно строить предметы, грамотно выполнять тональный рисунок, учитывая объемные, пространственные и материальные качества предметов и передавать их пропорции.

В живописном этюде основной задачей является выражение пластической формы, а ее понимание вырабатывается именно в процессе овладения учебным академическим  рисунком. Поэтому такой рисунок является не только началом, но и основой обучения живописи.

Гармоническое сочетание тона, цвета и рисунка в одно целое – это и есть настоящая живопись. Только заключенные  в правильную форму, верный перспективный рисунок, пространственные свойства цвета вступают в полную силу, они выражают и пространство, и объем, и материальность.

Опыт многих художественных школ свидетельствует о том, что на первоначальном этапе обучения необходимо стремиться,  прежде всего,  дать основательную подготовку по рисунку. Только в этом случае процесс дальнейшего обучения живописи будет проходить наиболее успешно.

В учебном процессе определен тот минимальный объем знаний и навыков по рисунку, которым необходимо овладеть каждому начинающему художнику, чтобы перейти  к живописи. В этот  начальный курс рисунка должны войти и теоретические знания, и выработка практических навыков по следующим вопросам:

1. Элементы наблюдательной перспективы (линия горизонта, перспектива горизонтальных линий и плоских предметов). Конструктивное и перспективное построение предметов, ограниченных плоскостями (куб, призма, интерьер и т.д.).

2. Принцип перспективного построения предметов цилиндрической формы.

3. Светотень геометрических тел (градации светотени на шаре, цилиндре и кубе, элементы воздушной перспективы).

4. Способы передачи объема, материала и пространства в рисунке (характер светотени различных материалов, тоновые отношения, роль линии и штриха в передаче объема, материала и пространства).

По всем этим элементарным вопросам изобразительной грамоты необходимо приобрести не только теоретические знания, но и выработать  практические навыки их реализации в рисунке: видеть пропорции, научиться замечать перспективные изменения, конструктивно строить изображение и располагать его на плоскости бумаги, владеть светотеневой лепкой объёмной формы, уметь выполнять тональный рисунок, в котором предметы изображаются в световоздушной среде. Последнее особенно важно для перехода к изображению цветом. Живописная лепка формы основывается на единстве тоновых и цветовых отношений. Недопонимание роли тона в передаче объемной формы, материала и пространства может усложнить усвоение многих живописных задач.

Картины

Посмотреть все Картины

Коллекция картин Национальной галереи искусств, как и сам музей, началась с Эндрю У. Меллона (1855–1937). Когда в 1941 году Национальная галерея открылась для публики, там была представлена ​​121 картина старых мастеров, которую Меллон подарил народу. Хотя коллекция Меллона, возможно, была небольшой, сами картины были выдающегося качества и включали важные работы итальянских, ранних нидерландских и немецких, голландских, фламандских, французских и британских художников.

Вдохновленный примером Национальной галереи в Лондоне, Меллон надеялся, что его дар привлечет другие дары не менее важного значения. Это желание принесло плоды в 1942 году, когда в дар была передана коллекция Петра А. Уайденер (1834–1915) и его сын Джозеф Э. Уайденер (1872–1943). Многие из картин Уайденера были приобретены в конце 19-го века, и коллекция имеет сплоченный характер, который отражает вкус того периода, отдавая предпочтение итальянскому Высокому Возрождению, голландскому и фламандскому искусству 17-го века и британскому искусству 18-го и 19-го веков.

Третья крупная коллекция, которая сформировала ядро ​​фондов Национальной галереи, поступила от Сэмюэля Х. Кресса (1863–1955), благотворительность которого продолжил его брат Раш Х. Кресс (1877–1963). Большая часть коллекции Кресса составляет почти энциклопедический сборник итальянских картин, датируемых 14-18 веками, но также включает испанские, французские, немецкие и ранние нидерландские картины. Кресс начал дарить картины еще в 1939 году, но большинство из них попало в галерею в 1950-1960-х годах.

Еще одним дополнением и повышением статуса Национальной галереи как художественного музея мирового класса стал подарок в 1963 году от Честера Дейла (1883–1962) французских импрессионистов, постимпрессионистов и художников Парижской школы. Дети Эндрю Меллона, Айлса Меллон Брюс (1901–1969) и Пол Меллон (1907–1999), продолжили традицию своего отца, первоначального благотворителя-основателя Галереи, жертвуя не только средства на приобретение, но и важные работы из своих собственных коллекций.

Хотя эти участники являются одними из самых известных, коллекция картин с момента ее основания пополнилась за счет множества щедрых завещаний и пожертвований.Следует также отметить, что в Галерее находится одна из лучших коллекций американской живописи в Соединенных Штатах, с работами всех жанров с 18 по 20 век.

Некоторые приобретения совершаются путем покупки на основании экспертных рекомендаций кураторов Галереи, но важно отметить, что такие покупки совершаются за счет средств, специально предназначенных для приобретения произведений искусства. Хотя федеральное правительство отвечает за техническое обслуживание и базовую работу Галереи, приобретение произведений искусства поддерживается частным сектором.Успех этого партнерства отражен в большой и превосходной коллекции картин Национальной галереи, охватывающей период с конца 14 по 21 век.

Историческая картина — Художественный термин

Термин «историческая живопись» был введен Французской Королевской академией в семнадцатом веке. Это рассматривалось как наиболее важный тип (или «жанр») живописи выше портретной живописи, изображения сцен из повседневной жизни (так называемая жанровая живопись), пейзажа и натюрморта.(См. Страницу глоссария по жанрам, чтобы узнать больше).

Хотя изначально использовался для описания картин с сюжетами из древнегреческой и римской (классической) истории, классической мифологии и Библии; к концу восемнадцатого века историческая живопись включала современные исторические предметы, такие как батальные сцены, нарисованные художниками Бенджамином Уэстом и Джоном Синглтоном Копли.

Стиль, который считался подходящим для использования в исторической живописи, был классическим и идеализированным — известный как «великий стиль» — и в результате получился известный как высокое искусство.

Роль Империи в истории живописи

В течение первой половины девятнадцатого века историческая живопись была одним из немногих способов, с помощью которых британская публика могла познать свою заморскую империю. В этом контексте историческая живопись стала формой документации. Такие художники, как Бенджамин Уэст и Генри Нельсон О’Нил, стали больше интересоваться сценами недавней и новейшей истории, изображающими людей в современной одежде, а не «вневременной одеждой», как это видно в традиционной исторической живописи.

В 1850-е годы наблюдался сдвиг интереса к более человечным и интимным предметам, а не к воспроизведению живописных литературных или великих исторических тем. Батальные сцены из военного поджанра исторической живописи подверглись критике, потому что на них нельзя было положиться, чтобы быть точными, и несколько картин батальных сцен были выставлены в Королевской академии. «» Филипа Уилсона Стира «Что насчет войны?» Однако там был выставлен номер , что позволяет предположить, что частные отзывы гражданских лиц были, возможно, более честным свидетельством гибели людей, спровоцированной конфликтом за границей (в данном случае суданской войной 1881 года).

Роль исторической живописи резко упала в двадцатом веке, почти полностью исчезнув из художественных кругов после распада империи после Второй мировой войны.

История живописи. Эволюция искусства

Как появилась живопись

История живописи. Живопись возникла в доисторические времена, когда кочевники использовали росписи на скальных стенах.Они рисовали углем, оставляя следы в пещерах, где они проходили.

Недавнее открытие, сделанное в Испании, показало, что самые старые из обнаруженных на сегодняшний день картин, сделанные людьми, были созданы более 42000 лет назад.

История живописи — Наскальное искусство

Кто написал первую картину?

Первая картина была написана первобытными людьми. Считается, что она была написана Homo Neanderthalis в доисторическую эпоху. Археологические раскопки, проведенные в Европе, Африке и Азии, показывают, что первобытные люди были первыми художниками и скульпторами и с помощью этих искусств демонстрировали свою повседневную жизнь.

Археологи и антропологи изучают и датируют эти открытия. Извлеченные из раскопок предметы — исторические документы, достоверные свидетельства начала жизни человека в далекие времена и исчезнувших культур.

Недавнее открытие в пещере Нерха в Малаге, Испания, обнаружило картины возрастом более 42 000 лет, и они могут изменить наши представления об эволюции человечества.

История живописи — Живопись в пещере Нерха, Малага — Испания

Картины были найдены в пещерах Нерхи, в 60 км к востоку от Малаги, в южном регионе Андалусии.

До сих пор археологи считали, что древнейшее искусство было создано в ориньякский период современными людьми.

Но они намного старше и примитивнее, чем картины в пещере Шове-Пон-д’Арк (самые старые из обнаруженных рисунков, возраст которых составляет 32000 лет).

История живописи — Chauvet-Pont-d’Arc Cave

Мы думаем, что история искусства принадлежала исключительно развитым людям, что наша чувствительность была «внутренней частью нас самих, sapiens, потому что мы думаем, что мы мыслители». Это открытие, если оно будет подтверждено дальнейшими исследованиями, доказывает, что эта идея, ориентированная на разумных людей, ошибочна.

Согласно доступным научным данным, эти изображения мог сделать только Homo Neanderthalis, а не Homo Sapiens, что было совершенно немыслимо до этого открытия.

«Угольки находились рядом с тюленями, что не имеет аналогов в палеолитическом искусстве», и мы знаем, что неандертальцы питались тюленями. «И нет никаких доказательств существования homo sapiens в этой части Пиренейского полуострова, — говорят ученые.

Картина эволюции человека

Исследователи считают, что эта пещера была одной из последних точек в Европе, где искали убежище неандертальцы, жившие от 120 до 35 тысяч лет назад.

Где была написана первая картина?

Считается, что первая картина, известная также как наскальная живопись или наскальное искусство, была написана в убежищах, пещерах, которые использовались кочевниками для самозащиты.

Первые росписи стен и потолка пещер.

Эти первые картины, обнаруженные археологами, представляют собой яркие картины с использованием более чем трех цветов. Это картины, которые пытались максимально реалистично имитировать природу, основываясь на наблюдениях, сделанных во время охоты. В пещере в Альтамире в Испании есть наскальная картина с изображением бизона (предка коровы), впечатляющая своими размерами, объемом и использованием техники светотени.

История наскальной живописи — Альтамира

В других местах рисунки, сделанные людьми, подчеркивают успехи охотников, в других изображены животные, отмеченные стрелками.

Каким бы ни было оправдание, желание творить искусство или желание запечатлеть повседневную жизнь того времени, наскальное искусство, сохраненное тысячелетиями, позволило нам сегодня превратить эти места в первые музеи человечества.

Большая часть обнаруженных картин приносит с собой фигуры животных, растений, предметов с разной степенью реализма, есть также графические и абстрактные изображения, сложные сцены, значение этих картин обсуждают многие археологи и ученые. Но в целом они думают, что они могут быть связаны с ритуалами для привлечения хорошей охоты, плодородия, предотвращения опасности или просто придания символического языка идеям, чувствам или повседневной жизни.

История живописи

Каково происхождение живописи?

Происхождение живописи в том виде, в каком мы ее знаем сегодня, историки считают, что она зародилась в период неолита (X тысячелетие до нашей эры), когда наскальная живопись начинает приходить в упадок из-за развития сельского хозяйства и общества, появившегося в Древней Греции. и усовершенствованный позже римлянами.

Около 3000 г. до н.э. на материковой части Греции начали появляться небольшие деревушки, и там началась традиция росписи керамических артефактов, таких как вазы и горшки.

Со второго тысячелетия до нашей эры. в городе Крит возникло монархическое общество со сложной урбанизацией, даже с дворцами, и там появляются первые признаки фресок, но немногие останки сохранились во времени.

Фреска «Прыгающий бык»

Эта фреска, часть Кносского дворца на Крите, Греция, была написана около 1400 г. до н. Э.

Возникли города, и критские модели фресок стали стандартом для всей этой области. Были построены дворцы и большие здания, а стены были окрашены в образном стиле, смешанном с геометрическими узорами с людьми, участвующими в различных мероприятиях, таких как сцены поклонения, игры, дворцовые церемонии, а также животные и пейзажи.

Mestre Dipylon — Вазы, расписанные так называемым Mestre Dipylon, отмечают высшую точку геометрического периода и являются одними из старейших форм погребальных памятников.

Примерно в XI веке до нашей эры в Древней Греции живопись развивалась и принесла с собой несколько новшеств.

Разработка визуальной перспективы и объемного затемнения для придания трехмерной глубины изображению сложных сцен. Картины стали более реалистичными, в дополнение к разработке более естественной и идеалистической модели человеческого тела, которая до сегодняшнего дня стала великой традицией для основы живописи, которую мы знаем сегодня.

В то время использовались следующие материалы: темперирование на основе яиц, эмаль на основе воска, еще одно греческое новшество и париетальные фрески с использованием минеральных и растительных пигментов в водной среде.

Предпочтительными цветами были белый, черный, охристо-желтый и красный; зеленый и фиолетовый были менее стойкими и менее используемыми тонами, а синий был очень дорогим, полученным путем шлифовки полудрагоценного камня, лазурита.

История живописи — Саркофаг Амазонки и Похищение Персефоны

Все эти техники и мотивы легли в основу римской, а затем и западной живописи и до сих пор широко используются в практике современной живописи.

Искусство рисования стало вирусным, когда образовались города и общества и образовалось несколько школ, конкурирующих друг с другом.

Многие художники стали знаменитыми, например, Агатарх, Полигнот, Апеллес и Зевксис, их работы стоили целых состояний и были жадно коллекционированы греками и римлянами. Несмотря на свою важность, он известен в основном своим наследием только римлянам, которые позже передали его в недавнее время.

Расписная деревянная доска, найденная в Коринфе. 6 век до н.э. Национальный археологический музей Афин

Именно римлянам принадлежит большая часть своих нынешних знаний о том, чем была греческая живопись, из-за обширной утраты материальных предметов из-за стихийных бедствий, которые разрушили греческие города и все в них, они были только те, кто учился у греков, как их рисовали.

Хотя греки оставались основным ориентиром на протяжении всей истории римской живописи, римляне смогли внести свои собственные прочтения в сложившуюся традицию, создав индивидуальный язык и создавая новые композиции.

Картина Свадьба Зефира и Клорис, Дом Навильо, Помпеи

Римляне провели греческое исследование трехмерности и построили городские сцены большой архитектурной и пространственной сложности с поразительным пластическим эффектом и иллюзией, которые были нарисованы в нескольких больших пространствах. такие как аристократические дворцы и деревни.Они придавали большое значение пейзажу и натюрмортам.

Большое значение придали пейзажу и натюрмортам.

Его заключительные этапы демонстрируют влияние восточного и египетского искусства и развивают яркий и элегантный стиль, названный «барокко».

Рубенс: Последствия войны, 1637-38 гг. Палаццо Питти, Флоренция

Картины, вписанные в архитектурные декорации, демонстрируют любовь к деталям и сцены с большой выразительной силой. Помимо фресок, римляне были пионерами и использовали другие типы материалов для выражения живописи, такие как ткань, дерево, слоновая кость, металл, камень и холст.

Наказание Иксиона: Дом Веттиев, Помпеи, Четвертый стиль (60–79 гг. Н. Э.).

В конце своего пути, возможно, из-за растущего христианского влияния, они отказались от греческой ссылки. Скорее, то, что так присутствовало как обнаженные люди и натуралистическое изображение, уступает место более иератическому и схематическому стилю, который позже служит основой для палеохристианской живописи.

История живописи

Раннехристианская живопись была переломным моментом между античной и средневековой живописью и по-прежнему давала много субсидий художникам эпохи Возрождения, неоклассицизма и романтизма.

Самое древнее известное изображение Марии с младенцем Иисусом. (II век, Катакомбы Санта-Присцилы, Рим)

История живописи

Какое значение имеет живопись?

Важность живописи обусловлена ​​тем, что она стара, как история человечества. Историки, философы, антропологи пытаются найти ответы на вопросы о нашем собственном существовании, и живопись — один из способов, которыми они пытаются объяснить развитие исчезнувших цивилизаций и культур.

«Мы познаем историю человечества через искусство»

Начиная с наскальных рисунков, сделанных первобытными народами, человек пытается выразить свои убеждения, свою деятельность, свою повседневную жизнь и то, как он видит мир вокруг себя.Вот почему история искусства обычно организована в периоды, которые следуют за самим развитием цивилизаций.

Реконструкция Australopithecus afarensis, гоминида, который развил двуногость, но не обладал большим мозгом современного человека.

После роста христианства среди римлян они отказались от классического греческого стиля живописи и разработали картину со своим собственным, более сложным языком, добавив сценарии, пейзажи, натюрморты, которые позже послужат основой для того, что мы знаем. сегодня как живопись модерн.

Тони Роберт-Флери (1837-1911) — Последний день Коринфа — Роберт-Флери описывает момент, когда римская армия вошла в разграбленный город.

Живопись настолько важна, что стала одной из основных форм представления и общения первобытных народов, начиная с эпохи Возрождения и до наших дней.

Битва при Сан-Романо, часть войн между Сиеной и Флоренцией. Живопись Паоло Уччелло, 1438, Лондонская национальная галерея,

. Начиная с XIX века, с промышленной революцией, станковая живопись потеряла свой рынок из-за появления фотографии.

И благодаря художественным галереям она снова получает пространство, настолько, что она живет на пике своего развития, благодаря выставкам художников начинают узнавать в разных частях света.

Анри Матисс, Galerie Maeght / Le Noir est un Couleur, 1946 / Энди Уорхол, Выставка величайшей звезды века, 1974

С развитием современного искусства и новых технологий художники адаптировали техники, создавая новые формы репрезентации и визуального выражения.

Некоторые художники экспериментируют с живописью с другими формами искусства, такими как фотография, например, создавая коллажи и принты, таким образом, рождаются новые направления живописи, такие как дадаизм и поп-арт, создающие новые формы представления и визуального выражения.

В настоящее время живопись важна как никогда и ценится различными профессионалами, которые используют ее как основу в своей работе, например:

Дизайнеры, стилисты, иллюстраторы

Живопись преодолела территориальные и технические барьеры, заново изобрела себя за тысячи лет, от наскальной живописи до поп-арта, мы можем сказать, что важность живописи состоит в том, что она стала способом самовыражения человечества и на нее повлияла наша культура. , даже политика и экономика.

Картина сопровождает человека на протяжении всей его истории.

История живописи — Мона Лиза — самая заметная и известная работа Леонардо да Винчи.

Смотрите тоже:

Что такое абстрактное искусство? Типы, характеристики Объектив

Искусство фотографии в поп-культуре!

Лучшие обложки альбомов художников-визуалов

Товары для искусства — Walmart.com

На что обращать внимание при покупке товаров для искусства

Если вы решили, что хотите исследовать свою творческую сторону, вам понадобится несколько принадлежностей для художников.Если вы заинтересованы в рисовании эскизов, рисовании или работе с пастелью, вы можете найти только те продукты, которые вам нужны для начала работы. Когда вы будете готовы пойти по магазинам за красками, кистями, альбомами для рисования и многим другим, воспользуйтесь несколькими полезными советами.

Краска

Немногие формы искусства позволяют начинающим художникам проявлять творческие способности, например рисовать. Если вы только учитесь рисовать, выбирайте акварельные или акриловые краски. Эти легко смешиваемые краски имеют водную основу, поэтому вам не понадобятся разбавители для краски для очистки.При покупке акварели выбирайте набор из восьми-десяти прозрачных цветов. Если вы ищете акриловые краски, выбирайте тяжелые краски для тела, которые при необходимости можно разбавить водой. Выберите не менее шести цветов, включая красный, зеленый, синий, желтый, черный и белый, так как эти цвета можно смешивать, чтобы получить множество других цветов.

Кисти для рисования

После того, как вы приняли решение о красках, вам понадобится несколько кистей. Кисти бывают разных форм и размеров, поэтому вы можете начать с набора для начинающих, который обычно включает в себя множество кистей для создания различных мазков и техник.

Кисти

содержат натуральную щетину из шерсти животных или синтетическую щетину из нейлона, полиэстера или их смеси. Поскольку кисти с натуральной щетиной более дорогие, новички часто сначала обращаются к синтетическим щеткам. Когда вы освоитесь с рисованием, поэкспериментируйте с обоими типами кистей, чтобы увидеть, какой из них вы предпочитаете.

Маркеры для рисования и рисования

Если вам нравится создавать яркие цветные рисунки или если вам нравятся книжки-раскраски для взрослых, маркеры для рисования для вас.В зависимости от того, сколько цветов вы хотите, вы можете найти упаковки из восьми, 24 и даже 72 маркеров, и они бывают разных стилей.

Для маркеров, которые пишут на бумаге, холсте, стекле, металле и т. Д., Выберите маркеры с непрозрачной краской на масляной или водной основе. Эти маркеры обеспечивают красочную матовую поверхность, которая не растекается и не выцветает. Если вам нужны маркеры, которые создают мелкие детали, тени и переходы, выбирайте маркеры с тонким наконечником на одном конце и широким наконечником на другом.

Карандаши цветные

Нужна ли вам небольшая упаковка из восьми или огромная упаковка из 100 штук, цветные карандаши — уникальные инструменты для рисования и раскрашивания. При покупке цветных карандашей качество имеет значение. Ищите карандаши с надписью «профессиональный» или «художник». Обычно в них содержится больше пигмента, что означает более насыщенный цвет. Если вы хотите, чтобы цветные карандаши легко смешивались, выбирайте продукты на масляной основе, а не на восковой основе.

Наборы для рисования

Если вы хотите купить много художественных принадлежностей в одной удобной упаковке, купите художественный набор. Во многих художественных наборах есть деревянные или кожаные футляры с ручками и фиксирующими застежками, что делает их идеальными для занятий рисованием и путешествий.

Для роскошного художественного набора купите один с блокнотом для рисования, блокнотом для акварели, акварельными красками, кистями, лотками для смешивания, масляной пастелью, цветными карандашами, карандашами для рисования, точилкой, линейкой, ластиком и цветовым кругом. . Наборы для рисования — хороший вариант, если вы интересуетесь многими видами искусства.

Альбомы для рисования

Если вы учитесь рисовать, вам просто необходимо иметь альбом для рисования. Эти удобные подушечки можно использовать для отработки композиции, затенения, растушевки и других техник рисования.Альбом для рисования также помогает хранить ваши творческие идеи в одном удобном месте. Помимо рисования в альбоме для рисования, вы можете планировать картины, скульптуры и другие произведения искусства.

Если вы начинающий рисовальщик, начните с альбомов размером 9 x 12 дюймов и поищите бумагу для набросков средней толщины — 80 фунтов. Выберите альбом для рисования в твердом переплете, а не версию с проволочным переплетом, если вы хотите создавать более крупные чертежи, которые переходят с одной страницы на другую.

Холсты

Для художника свежий холст открывает безграничные возможности.По сути, холст — это ткань, натянутая на деревянную раму. После того, как ткань натянута и сшита скобами, ее грунтуют для окраски с помощью вещества, называемого левкасом.

Если вы покупаете недорогой художественный холст, выберите холст из хлопковой ткани утки. Если вы ищете холст более высокого качества, выбирайте полотно из льна. Эта ткань имеет более плотное переплетение, чем хлопок, что означает, что она более прочная и устойчивая к плесени и плесени. Хотя многие холсты предназначены как для масляной, так и для акриловой краски, рекомендуется прочитать этикетку перед покупкой.

Мольберт

Мольберт дает художнику ряд преимуществ. Это помогает создать более точную картину, а работа в вертикальном положении предотвращает осаждение пыли на краске. Если вам нравится рисовать на открытом воздухе, выберите легкий портативный мольберт, который легко складывается. Если вы работаете в студии, выберите более крупный и тяжелый мольберт, и если вы хотите установить мольберт в своем доме или квартире, вы можете подумать о настольном мольберте.

10 самых известных картин: Шедевры, которые все мы знаем и любим сотни тысяч — произведений искусства в их коллекциях.

Но немногие драгоценные люди когда-либо достигают славы, необходимой для того, чтобы по-настоящему считаться именами, известными каждой семье.

Поскольку «знаменитый» — это субъективный термин, CNN Style обратилась к Google, чтобы узнать, какие картины возглавляют результаты поиска по всему миру за последние пять лет. Мы сравнили десятки популярных шедевров — от таких классических произведений, как «Мона Лиза», «Великая волна». off Kanagawa »и« Salavator Mundi »до более современных произведений, таких как« Nighthawks »и даже серии« Dogs Playing Poker ».

На основании этих результатов мы составили 10 картинок, которые чаще всего ищут в мире:

1.«Мона Лиза»

Если вы сомневались в бешеной популярности «Моны Лизы», толпа в Лувре убедит вас. Кредит: Эрик Феферберг / AFP / Getty Images

Художник: Леонардо да Винчи
Предполагаемая дата: 1503 до 1519
Где это увидеть: Лувр (Париж)

Неудивительно, что самый известный Картина в мире — таинственная женщина с загадочной улыбкой. Но это одно из немногих фактов об этом произведении искусства.

Считается, что на картине изображена Лиза Герардини, жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо, но эксперты не уверены. Это действительно было новшество в искусстве — картина является самым ранним известным итальянским портретом, который, по данным Лувра, где он был впервые установлен в 1804 году, так тесно сфокусирован на натурщице в поясном портрете. Знаете ли вы? Историки говорят, что до 20 века «Мона Лиза» была мало известна за пределами художественных кругов. Но в 1911 году бывший сотрудник Лувра украл портрет и два года прятал его.Эта кража с тех пор помогла картине закрепиться в популярной культуре и познакомила миллионы людей с искусством эпохи Возрождения.

2. «Тайная вечеря»

Посетители фотографируют «Тайную вечерю» («Il Cenacolo или L’Ultima Cena») в монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, Италия. Предоставлено: Мигель Медина / AFP / Getty Images

Художник: Леонардо да Винчи
Предполагаемая дата: 1495 — 1498
Где это можно увидеть: Санта-Мария-делле-Грацие (Милан, Италия)

Леонардо, оригинал «Возрождения» Человек «- единственный художник, дважды фигурирующий в этом списке.

Написанная в эпоху, когда религиозные образы все еще были доминирующей художественной темой, «Тайная вечеря» изображает последний раз, когда Иисус преломлял хлеб со своими учениками перед распятием.

Картина на самом деле представляет собой огромную фреску — 4,6 метра (15 футов) в высоту и 8,8 метра (28,9 футов) в ширину, что делает просмотр незабываемым.

Знаете ли вы? Фреска пережила две угрозы военного времени — войска Наполеона использовали стену трапезной, на которой была написана фреска, в качестве учебной стрельбы.Он также находился в воздухе в течение нескольких лет, когда бомбежка во время Второй мировой войны разрушила крышу доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане.

3. «Звездная ночь»

Туристы смотрят на «Звездную ночь» Винсента Ван Гога в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Предоставлено: Виктор Фрайле Родригес / Корбис / Getty Images

Художник: Винсент Ван Гог
Дата: 1889
Где это можно увидеть: Музей современного искусства (Нью-Йорк)

Сравнительно абстрактная живопись является отличительным примером новаторского и смелого использования Ван Гогом толстых мазков. Яркие синие и желтые цвета картины и мечтательная кружащаяся атмосфера на протяжении десятилетий интриговали ценителей искусства .

Знаете ли вы? Ван Гог жил в приюте в Сен-Реми, Франция, лечился от психического заболевания, когда написал «Звездную ночь». Его вдохновил вид из окна его комнаты.

4. «Крик»

«Крик» Эдварда Мунка установлен для специальной выставки в Токийском Метрополитен-музее.Предоставлено: The Asahi Shimbun / Getty Images

Художник: Эдвард Мунк
Дата: 1893
Где это можно увидеть: Национальный музей (Осло, Норвегия — открытие в 2020 году) и Музей Мунка (Осло — до мая. 2020) Обо всем по порядку — «Крик» — это не отдельное произведение искусства. Согласно блогу Британского музея, есть две картины, две пастели и неопределенное количество гравюр. Картины хранятся в Национальном музее и Музее Мунка, а в 2012 году одна из пастелей была продана на аукционе почти за 120 миллионов долларов.

Как и в случае с «Моной Лизой», дерзкие кражи (1994 и 2004 гг.) Двух версий картины «Крик» помогли повысить осведомленность публики о произведениях искусства. (Оба в итоге были найдены).

Знаете ли вы? Андрогинная фигура на переднем плане картины в стиле модерн не издает крика, а, скорее, пытается заглушить пронзительный вопль, исходящий от природы. Он был вдохновлен реальным опытом, который получил Мунк во время прогулки на закате в Осло, когда драматический красный оттенок захлестнул его чувства.

5. «Герника»

Вид на «Гернику» Пабло Пикассо в музее королевы Софии в Мадриде, Испания. Кредит: Денис Дойл / Getty Images

Художник: Пабло Пикассо
Дата: 1937
Где это можно увидеть: Museo Reina Sofía (Madrid)

Это самая последняя картина в этом списке, на которой изображен немецкий воздушная бомбардировка города Герника в регионе Басков во время гражданской войны в Испании.

Картина выполнена в характерном стиле Пикассо, и ее неуклонное исследование ужасов войны сделало ее неотъемлемой частью культуры и истории 20-го века.

Знаете ли вы? «Герника» была перевезена на хранение в Метрополитен-музей современного искусства в Нью-Йорке во время Второй мировой войны. Пикассо потребовал продлить срок пребывания до тех пор, пока в Испанию не вернется демократия. Наконец, он вернулся в Мадрид в 1981 году, через шесть лет после смерти давнего испанского диктатора генерала Франсиско Франко.

6. «Поцелуй»

Посетители восхищаются «Поцелуем» Густава Климта в Верхнем Бельведере в Вене, Австрия. Предоставлено: Омар Маркес / Агентство Анадолу / Getty Imagesges

Художник: Густав Климт
Предполагаемая дата: 1907–1908
Где это можно увидеть: Музей Верхнего Бельведера (Вена, Австрия)

С No.6, мы переходим от исследования ненависти к исследованию любви к любимому «Поцелую» Густава Климта.

Из «Золотого периода» Климта византийское художественное влияние можно увидеть в очень декоративных одеждах , которые носит страстная пара в натуральную величину. Верхний Бельведер говорит, что в «Поцелуй» Климт делает «общее аллегорическое заявление о люблю быть в центре человеческого существования «. Учитывая его магнетическую привлекательность, люди, кажется, соглашаются.

Знаете ли вы? Пока «Поцелуй» не выставлен на продажу, другие работы Климта покупаются и продаются за огромные суммы.Опра Уинфри продала работу 1907 года «Портрет Адели Блох-Бауэр II» за 150 миллионов долларов в 2016 году, что принесло 60 миллионов долларов прибыли.

7. «Девушка с жемчужной сережкой»

Журналист фотографирует «Девушку с жемчужной сережкой» Иоганна Вермеера в музее Маурицхейс в Гааге, Нидерланды. Кредит: Мишель Порро / Getty Images

Художник: Йоханнес Вермеер
Предполагаемая дата: 1665
Где это увидеть: Маурицхейс (Гаага, Нидерланды) Этого интригующего фаворита часто сравнивают с «Моной Лизой». «Помимо стилистических различий, технически« Девушка с жемчужной сережкой »- это даже не портрет, а« tronie »- голландское слово, обозначающее картину воображаемой фигуры с преувеличенными чертами.

Шедевр холста, масло великолепен в своей простоте. Девушка в сине-золотом тюрбане и огромной жемчужной серьге — это весь центр внимания, за ее спиной только темный фон.

Знаете ли вы? В то время как Маурицхейс подвергался ремонту с 2012 по 2014 год «Девушка с жемчужной сережкой» гастролировала по США, Италии и Японии.Он собирал огромные толпы, что еще больше укрепило его статус одного из самых известных произведений искусства в мире.

8. «Рождение Венеры»

Журналист исследует «Рождение Венеры» итальянского художника Сандро Боттичелли во время пресс-показа в галерее Уффици во Флоренции, Италия, в октябре 2016 года. Фото: Альберто Пиццоли / AFP / Getty Images

Художник: Сандро Боттичелли
Предполагаемая дата: 1485
Где это можно увидеть: Le Gallerie Degli Uffizi (Флоренция, Италия) Самая старая картина в десятке лучших и по большей части конкурирующая с «Поцелуем» чувственный, «Рождение Венеры», вероятно, был заказан членом богатой и любящей искусство семьи Медичи, которая веками правила Флоренцией и близлежащими районами.

Соединив возобновившийся интерес к классической греческой культуре со стилем раннего Возрождения, Боттичелли создает незабываемую фигуру с Богиней Любви, появляющейся из огромной раковины морского гребешка.

Знаете ли вы? «Венера» Боттичелли имеет два существенных отличия от большинства других работ его современников. Во-первых, он писал на холсте, а не на более популярном дереве. Во-вторых, в то время нагота была редкостью — так что было смело, что Венера полностью обнажена без ее длинных распущенных волос и руки (едва), покрывающей самые интимные части ее тела.

9. «Менины»

«Менины» Диего Веласкеса в музее Прадо 19 ноября 2013 года в Мадриде, Испания. Кредит: Денис Дойл / Getty Images

Художник: Диего Веласкес
Дата: 1656
Где это увидеть: Музей Прадо (Мадрид)

Мадрид — единственный город в этом обзоре, где вы найдете два из 10 самых известных картин, первая из которых «Герника» в № 5 и «Лас Манинас» здесь, в № 9.

Расположенный в популярном (и огромном) Прадо, «Лас Менинас» — это не только самая большая картина Диего Веласкеса. знаменитая картина, это также одна из его самых больших картин.Сложность работы веками восхищала искусствоведов и публику.

Картина выполняет двойную функцию портрета. Он служит групповым портретом испанской королевской семьи, но это также автопортрет самого Веласкеса за работой (слева).

Знаете ли вы? «Лас Менинас» был заказан королем Испании Филиппом IV, правившим с 1621 по 1665 год. Он оставался в королевском дворце до 1819 года, когда перешел к Прадо.

10. «Сотворение Адама»

«Сотворение Адама» на потолке Сикстинской капеллы в Ватикане завершает список 10 самых известных картин.Предоставлено: VCG / Corbis / Getty Images

Художник: Микеланджело
Дата: 1508–1512
Где это увидеть: Сикстинская капелла (Ватикан)

Самая известная работа известного художника Микеланджело охватывает часть Потолок Сикстинской капеллы — чтобы увидеть его, нужно посмотреть вверх. Сцена изображает Бога и Адама с протянутыми руками, их пальцы почти соприкасаются. Это одно из самых тиражируемых изображений в истории.

Мускулистая форма Адама намекает на другой талант Микеланджело — его «Давид», возможно, самая известная скульптура в мире.Вы можете увидеть высокую мраморную статую в Галерее Академии во Флоренции.

Знаете ли вы? Потолок Сикстинской капеллы потускнел из-за многовекового воздействия дыма свечей и многого другого. После долгой и тщательной уборки, закончившейся в 1989 году, люди были шокированы, увидев яркие, живые цвета, которые изначально использовал Микеланджело.

Еще пять картин, которые подошли близко

Вот еще пять известных картин, которые были близки к тому, чтобы войти в топ-10:

• «Американская готика» (Грант Вуд, Институт искусств Чикаго)
• » Кувшинки »серия (Клод Моне, различные музеи мира)
• « Постоянство памяти » (Сальвадор Дали, Музей современного искусства в Нью-Йорке)
• « Ночной дозор » (Рембрандт, Рейксмузеум) в Амстердаме)
• «Сад земных наслаждений» (Иероним Босх, Музей Прадо, Мадрид)

Что такое пленэрная живопись?

Что такое пленэрная живопись?

Художники, зарисовывающие в Белых горах Уинслоу Гомер, 1868, картина маслом.

Пленэрная живопись — это оставить позади четыре стены вашей студии и погрузиться в живопись и рисование в пейзаже. Эта практика восходит к столетиям, но французские импрессионисты превратили ее в искусство. Их желание рисовать свет и его изменчивые, эфемерные качества в сочетании с созданием переносных тюбиков с краской и мольберта — предшественника современных мольбертов для пленэров — предоставили художникам свободу рисовать «на пленэре», что является Французское выражение «на свежем воздухе».”

Получите бесплатную электронную книгу по технике пленэрной живописи! БЕСПЛАТНО и доступно только подписчикам электронного бюллетеня Artist Daily. Введите свой адрес электронной почты в поле ниже, чтобы получать бесплатную электронную книгу, а также электронные бюллетени с советами по рисованию на пленэре и многим другим!

[fw-capture-inline campaign = »RCLP-confirm-plein-air» thanks = «Спасибо за загрузку!» интерес = «Искусство» предложение = «/ wp-content / uploads / pdfs / Plein-Air-Freemium. pdf»]

Эскизы позволяют художникам улучшить общий дизайн картины и быстро запечатлеть цветовые заметки в пейзаже.Художник-пленэр также может использовать фотографии, чтобы помочь создать картину, хотя обычно они вступают в игру после того, как художник покинул место рисования под открытым небом для удобства студии. Художник часто использует фотографии, чтобы запечатлеть детали — например, конкретную текстуру травы или форму излучины реки — но большинство художников избегают использования фотографий в качестве индикаторов цвета и ценности.

Сегодня пленэрная живопись — это процветающее направление в нашем мире искусства. Художники собираются вместе для «раскрашенных» экскурсий, семинары, посвященные этой практике, проходят круглый год и от побережья до побережья, а художники-пейзажисты находят, что пленэрная живопись является таким же полезным и мощным опытом, как и для первых пленэров. все те годы назад.

Техники пленэрной живописи: Живопись светом

Анахайм Свечение Джеймса Герни, 2006, картина маслом.

Когда вы рисуете на основании наблюдений, будь то на месте или в помещении, вы столкнетесь с несколькими различными источниками света, включая прямой солнечный свет, пасмурное небо, оконный свет, свет свечей и электрический свет. Эти типы света, а также другие, обладают отличительными качествами, которые вы должны понимать, чтобы рисовать их убедительно.

Прямой солнечный свет
В ясный солнечный день работают три разные системы освещения: солнце, голубое небо и отраженный свет от освещенных объектов.Из этих трех источников света два последних полностью исходят от Солнца и, следовательно, должны ему подчиняться.

Пасмурный свет
Слой облаков рассеивает солнечный свет, устраняя резкие контрасты света и тени. Одно из достоинств облачного света заключается в том, что он позволяет рисовать формы в их истинных цветах без резких контрастов света и тени.

Уличные фонари и ночные условия
Современный ночной пейзаж включает лампы накаливания, флуоресцентные, неоновые, ртутные, натриевые, дуговые, металлогалогенные и светодиодные лампы и, конечно же, лунный свет.У каждого есть своеобразное спектральное распределение мощности. Вот несколько советов, если вы хотите узнать больше о ночном освещении:

— Разнообразие цветов наружного освещения лучше всего видно при ночном полете над городом.

-Фотографируйте цифровой камерой, установленной в ночное время. Новые камеры отлично подходят для съемки низкоуровневых световых эффектов.

— Попробуйте нарисовать городскую ночную живопись, используя переносной светодиодный светильник, чтобы осветить свою палитру.

— Джеймс Герни, из Plein Air Painting , Spring 2011 и адаптировано из книги Джеймса Герни, Color & Light: A Guide for the Realist Painter

Основы пленэра: живопись водой

Спокойствие II Джона Халси, акварель.

Вода — это, пожалуй, один из самых сложных предметов для убедительного рисования в пейзажной живописи. Независимо от того, вдохновлен ли он океаном, рекой, прудом или озером, каждый предмет требует изученного знакомства и часто совершенно разных способов обращения с краской. Вот лишь несколько советов, которые мы считаем полезными при рисовании водой:

1: Небо и вода обычно имеют одинаковые цвета, хотя вода будет более темной по цвету. Нарисуйте сплошной горизонт или береговую линию и одновременно заблокируйте их, чтобы убедиться, что у них одинаковые цвета.

2: Океанские волны в постоянном движении представляют собой проблему для художника-пленэра, потому что вы хотите запечатлеть движение и световые эффекты, возникающие в прибойных волнах. Волна меняет цвет и значение по мере того, как набирает высоту, и становится более тонкой непосредственно перед тем, как сломаться. Пока волна не начнет разбиваться, она будет иметь цвет неба. Когда он поднимается, он становится прозрачным окном в саму волну, становясь зеленоватым, и может даже на мгновение принять цвет песка, как только он разбивается.Отличный способ быстро научиться рисовать волны — рисовать только мастихином.

Получите бесплатную электронную книгу по технике пленэрной живописи! БЕСПЛАТНО и доступно только подписчикам электронного бюллетеня Artist Daily. Введите свой адрес электронной почты в поле ниже, чтобы получать бесплатную электронную книгу, а также электронные бюллетени с советами по рисованию на пленэре и многим другим!

[fw-capture-inline campaign = »RCLP-confirm-plein-air» thanks = «Спасибо за загрузку!» интерес = «Искусство» предложение = »/ wp-content / uploads / pdfs / Plein-Air-Freemium.pdf »]

3. Стоячая вода в озерах, прудах и даже спокойных реках представляет собой сложную задачу создания отражений, часто наполненных цветами восхода или заката. Максфилд Пэрриш использовал для создания модельного пейзажа на зеркале, чтобы получить правильные отражения в своих реалистичных студийных картинах. Однако на пленэре мы должны анализировать на месте и передавать эти отражения более свободным, более жестким образом. Если отражение не является объектом , попробуйте передать его как большую тональную массу цвета, а не как множество отдельных штрихов.Имейте в виду, что отражения всегда темнее самого объекта.

–Джон Халси и Энн Трасти

Живопись на открытом воздухе быстро и осознанно

Classical Reference I Маддин Инсалако, 2008, холст, масло.

Окрашивание снаружи затруднено из-за непостоянного света и постоянно меняющихся атмосферных условий окружающей среды.Хотя пленэрные картины ценятся за их непосредственность и свежесть, один из лучших способов научиться искусству пленэра — быть организованным и осознанным.

Чтобы максимально использовать свое время, рисуя на открытом воздухе, начните с плана и подходите к рисованию методично с самого начала. В азарте перед тем, как начать рисовать, многие художники прыгают прямо и начинают покрывать поверхность цветом до того, как композиция будет четко прорисована и до того, как они действительно проанализируют предмет, пространство, которое нужно изобразить, и его цвет в абстрактных живописных терминах.

Ваша палитра: Упорядоченная палитра помогает вам более внимательно рассматривать то, что вы рисуете. Совместите саму палитру с поверхностью рисунка. Когда мы смешиваем краску на палитре, которая тесно связана с поверхностью, мы делаем небольшой шаг к точности цветопередачи.

Предварительное смешивание цветов: Используя мастихин, смешайте лужи краски, которые отражают все важные области композиции, спроецированные на палитру. Смеси должны быть сопоставлены на палитре во взаимосвязях, так как они будут появляться на поверхности.Мастихин позволяет получать самые чистые смеси, а также является лучшим инструментом для проверки точности цвета. Смешайте однородный цвет, возьмите заряженный нож и поместите его вытянутой рукой рядом с элементом реального ландшафта, который вы пытаетесь смешать.

Укладка в композиции: Начиная с дистанции пространства (вверху холста) и постепенно продвигаясь вперед (к низу), я раскладываю цвета по мере их смешивания. Мое общее правило — работать задом наперед, изнутри наружу (например, сначала закрашивать темные внутренние части деревьев, а затем свет на листьях) и снизу вверх (например, рисовать землю перед тем, как рисовать траву, растущую на ней). наверху).Таким образом, слои краски отражают фактические пространственные отношения в ландшафте.

— Маддин Инсалако, с Пленэрная живопись , осень 2011

Техники пленэрной живописи: как рисовать облака

Чистая вода, квартиры Багамы Джозефа МакГерла, картина маслом.

Небо — это буквальная и образная вершина любой пейзажной живописи, и в небесных просторах есть возможности для любого количества форм и стилей облаков, от остроконечных и вихревых до массивных и крупных.Вот наиболее часто встречающиеся в природе облачные образования и советы, как их изобразить, когда вы рисуете на улице.

Кучевые облака: это, вероятно, наиболее часто встречающиеся облака, обычно присутствующие в ясные, ясные и солнечные дни. Они напоминают огромные кучи пухлой шерсти и плавают по небу на разной высоте, при этом сторона облака, обращенная к солнцу, обычно очень яркая, а сторона, более удаленная от солнца, обычно кажется темной с яркими краями.

Перистые облака: Тонкие и высоко в небе облака на самом деле состоят из кристаллов льда, образовавшихся в результате замерзания капель переохлажденной воды, и обычно присутствуют в ясный день. Перистые облака иногда называют «перьевыми» облаками или «кобыльими хвостами» и указывают направление движения воздуха на высоте, которая обычно составляет около пяти-шести миль.

Stratus: Эти облака почти можно описать как слой слоистого тумана, который низко спускается к горизонту в серые дни, обычно зимой.Они часто слоистые и иногда имеют горизонтальные полосы формы, указывающие на возможность дождя. Художники часто считают, что эти облака легче всего рисовать из-за их простой формы и рисунка.

Нимб: Нимбусные облака — это атмосферные облака, толстые по текстуре и темные по цвету, но почти зонтичные по форме. Их темнота отражает количество воды, которую они несут, и то, что осадки могут достигать земли в виде дождя, снега или града. Маленькие рваные части этих облаков, плавающие на нижнем уровне, часто называют «скадом».”

300 Анализ картин и полное собрание сочинений

Винсент Ван Гог (1853-1890), пожалуй, самый известный художник в мире, многие воспринимают его как «безумного» художника, человека, который рисовал в безумии, или просто измученной души, которая отрезает ему ухо. Его художественный гений часто затмевают те, кто видит в его картинах всего лишь визуальное проявление его беспокойного ума. Хотя отчасти это может быть правда, в действительности его новаторский и уникальный художественный стиль имел огромное значение для множества художников, следовавших за ним.Даже когда он открыто находился под влиянием своих предшественников или современников, его искусство оставалось идентифицируемым его собственным, развивая отличительный стиль, который не был принят публикой, покупающей искусство в его собственное время. Карьера Винсента Ван Гога как художника была недолгой, но его картины произвели революцию в художественной практике и стилях. Интенсивность его видения, его прекрасное чувство цвета и необычайная смелость его техники создали шедевры, которые глубокое влияние на искусство ХХ века.

Ранние годы 1881–1883 ​​

Хотя первая официальная работа художника после окончания школы была связана с искусством, всерьез рисовать он начал лишь несколько лет спустя. В 16 лет Винсент Ван Гог поступил подмастерье в филиал своего дяди. Goupil & Cie, арт-салон в Париже. Должность предполагала путешествия и, безусловно, знакомство с современным искусством того времени, но Ван Гог перешел к религиозной работе и ненадолго проработал в качестве специалиста. Книготорговец до создания первой картины Ван Гога.

Его ранние работы, выполненные с 1881 по 1883 год, отражают внимание новичка к деталям, а также намеки на зарождающийся гений, которые полностью проявятся в его более поздних картинах. Хотя его зарисовки акварельные рисунки на первый взгляд могут показаться двумерными и дилетантскими, они интересны с точки зрения их свидетельства ранних исследований Ван Гога в области реализма.

Винсент Ван Гог создал свои первые рисунки, находясь в доме своих родителей в Эттене, Нидерланды, обучаясь главным образом книгам по анатомии, перспективе и художественной технике.Художник ограничился своим первым рисунки в черно-белую палитру, полагая, что владение этой дисциплиной необходимо, прежде чем пытаться работать в цвете.

Его первые рисунки людей изображают различных крестьян в статичных позах, некоторые в профиль, в то время как его главные пейзажи в основном представляют собой исследования в перспективе. В своих ранних рисунках пером и акварелью Винсент использовал тень и свет, а не цвет, чтобы создать измерение.Основываясь на значительном влиянии таких мастеров, как Милле, Рембрандт и Домье, художник сосредоточил внимание на человеческой фигуре. имел решающее значение для его художественного развития.

В середине 1881 года Винсент Ван Гог участвовал в кратком периоде обучения у Антона Мауве, мастера Гаагской школы искусств. Мауве не только охватил основы, но и познакомил своего ученика с акварелью и масла, тем самым расширяя возможности художника. В одной из его первых картин «Натюрморт с капустой и сабо» Винсента использованы мрачные землистые тона. характеризуют его ранние работы в голландском стиле.Он также отличается богатым всплеском цвета, предвестником грядущего блестящего стиля живописи Ван Гога.

Одно из первых набегов Винсента Ван Гога в пейзаж, жанр, на котором он сосредоточился на протяжении всей его карьеры, «Вид на море в Схевенингене», завершенный в Август 1882 г. изображает активный вид на набережную недалеко от Гааги. Реализм сцены на самом деле очевиден на самом полотне, с песчинками от ненастной погоды, все еще вкрапленными в холст. масла.В работе представлены элементы школы импрессионистов с ее нечеткими, но подвижными фигурами на переднем плане, прерывистыми мазками кисти, указывающими на бурлящий прибой, и темными формами, наводящими на размышления. грозовых облаков, над головой.

Гаага

Резиденция Винсента Ван Гога в Гааге в 1882 и 1883 годах оказалась продуктивным периодом, когда он продолжал оттачивать свою технику и исследовать похожие, но свежие темы. За это время он получил свои первые заказы на несколько рисунков городских пейзажей в Гааге от дяди, который также был торговцем произведениями искусства.

Пейзаж Ван Гога, изображающий Ламповые поля 1883 года, свидетельствует о пробуждении художника к выразительному использованию света и цвета, столь заметному в его более поздних работах. в На переднем плане картины гиацинты белого, синего, розового и золотого оттенков заполняют садовые ящики, ведущие к далекому склону холма и небу, заполненному белыми облаками. Затененные дома с соломенными крышами кадрируйте сцену, пока садовник ходит между ящиками на среднем расстоянии.

То, что делается с любовью, делается хорошо.”

— Цитата Винсента Ван Гога

Средние годы: 1884-1887

В эту эпоху жизни Винсента Ван Гога неудавшаяся любовная связь, смерть его отца и недолгий период учебы в Антверпенской академии создали мрачный фон для продолжающегося художественного развития Винсента. Во время пребывания в северной деревне Нуэнен с конца 1883 по 1885 год художник сосредоточился на аграрных сценах крестьян, работающих на земле, и ткачей, занимающихся своим ремеслом.В 1885 году художник произвел «Едоки картофеля», произведение, которое многие считают его первым шедевром. В этом изображении фермерской семьи, сидящей за своим скромным столом, Винсент Ван Гог обращается к влиянию Рембрандт в силу темной обстановки, тем не менее наполненной личностью и жизнью. Грудная тарелка с картофелем демонстрирует простое богатство тех, кто зарабатывает себе на жизнь на земле. Комфортная атмосфера, освещенная теплым светом единственной лампы, вдохновляет зрителя на то, чтобы принять участие в этой скромной, но приятной сцене.

Впечатления от Парижа

В 1886 году Винсент Ван Гог посещал художественные классы в Антверпенской академии, но оставался там только часть года. Переехав к своему брату Тео в Париж, Винсент учился у художника Кормона и приехал сюда. на контакт с сокурсниками Анри де Тулуз-Лотреком, Джоном Расселом и Эмилем Бернаром.

Тео, торговец произведениями искусства, познакомил своего брата с работами выдающихся художников-импрессионистов, таких как Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар. и Жорж Сёра, оказавшие сильное влияние на будущие картины художника.Винсент познакомился и подружился с художником Поль Гоген в тот же период, и блестяще окрашенные картины Гогена также оказали влияние на искусство голландца.

В 1887 году Винсент Ван Гог экспериментировал с техникой пуантилизма, которую придерживался Сёра, который использовал ее в таких работах, как «Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт». В одном из своих многочисленных автопортретов: «Автопортрет в серой фетровой шляпе», Винсент использует крошечные точки светоотражающего цвета, чтобы покажите человека с острыми чертами лица и усталым от мира выражением лица человека, который видел больше, чем ему положено.

Именно в это время у художника появился интерес к укиё-э, японским гравюрам на дереве, которые он и такие современники, как Клод Моне и Эдгар Дега начал коллекционировать, и это вдохновило его на картины, отражающие влияние японского искусства на его художественное видение.

Интерпретация Ван Гога 1887 года «Куртизанка», работа Кейсая Эйзена, отличается яркими красками, которые намного превосходят оригинал. Он выбрал фон пруд с лилиями вместо цветущей сакуры Эйзена.

Я мечтаю рисовать, а потом пишу свою мечту »

— Цитата Винсента Ван Гога

Последние годы: с 1888 по 1890 год

Винсент Ван Гог переехал из парижского дома Тео в Арль на юге Франции в 1888 году, где снял «Желтый дом». Весной он писал цветущие пейзажи Прованс и морские пейзажи в соседнем Сент-Мари-де-ла-Мер. В этот продуктивный период жизни художника он также написал ряд портретов, в том числе серию портретов. Семья Рулен.

В то время как Винсент Ван Гог готовил комнату в своем Желтом доме для размещения Гогена, который планировал посетить Арль на длительный срок позже в этом году, Винсент Ван Гог также работал над своей второй серией фильма. Картины подсолнухов. Он создал первую серию, когда жил со своим братом в Париже. Картины художника с подсолнухами представлены в различных фонах и аранжировках. больших золотых цветов, каждый похожий, но различный. Искусствоведы особенно ценят эти работы за новаторское расширение желтой цветовой гаммы.Другие ценят картины за их уникальное сочетание простоты и запоминающихся деталей.

Визит Гогена

Несмотря на то, что Винсент Ван Гог очень ждал, прибытие Гогена в Желтый дом в октябре 1888 года не закончилось так, как планировалось. Сначала у обоих художников был плодотворный период в карьере, но разногласия и споры испортили продуктивный характер их визита. Напряжение между ними достигло кульминации в конце декабря, когда Винсент якобы напал на своего коллегу с бритвой и потерпел неудачу. чтобы заняться, отрежьте часть собственного уха.Следующие несколько дней Винсент Ван Гог провел в больнице Арля.

Впоследствии художник попал в приют в Сен-Реми-де-Прованс, и, хотя он боролся с быстрым умственным расстройством, он создал серию стилистически разнообразных картин, которые изображена сама больница, а также ее окрестности, оливковые деревья и кипарисы.

Винсент Ван Гог написал свою блестящую работу 1889 года «Ирисы» в саду Сен-Реми во время своего пребывания там. Картина, в которой также присутствуют некоторые черты японской гравюры на дереве. как склонность художника к цвету и свету, благодаря вмешательству Тео, участвовала в ежегодной выставке Societe des Artistes Independant в Париже вместе с картиной Ван Гога, Звездная ночь над Роной.Престижная выставка представила гений художника более широкой аудитории, чем когда-либо прежде.

Я вложил все свое сердце и душу в свою работу и потерял рассудок в процессе ».

— Цитата Винсента Ван Гога

Последние дни и смерть

Из-за болезни, которая все больше и больше сказывалась на его повседневной деятельности, последние месяцы жизни Винсента Ван Гога, тем не менее, были для него самыми продуктивными.На фоне постепенно растущего признания его работы он вступил в период чрезвычайной плодотворности в свои последние 60 дней на Земле. Пшеничное поле с воронами считается последней работой Винсента Ван Гога.

Приближаясь к концу своей жизни, художник перешел к зеленому и синему цветовому спектру, характерному для соломенных коттеджей в Кордевилле. Он также предпочитали изогнутые, волнистые линии для обозначения движения и энергии, такие как линия забора на переднем плане картины и верхушки деревьев позади.Искажение привычных форм, например, самих коттеджей, выводит произведения искусства за пределы импрессионизма к новым итерациям самовыражения. Винсент Ван Гог создавал совершенно новый постимпрессионистский стиль, приближаясь к дню своей смерти в возрасте 37 лет.

27 июля 1890 года Винсент Ван Гог был ранен в живот и скончался ранним утром 29 июля 1890 года в своей комнате в Оберж Раву в деревне Овер-сюр-Уаз на севере Франции.Хотя официальные История утверждает, что Ван Гог покончил жизнь самоубийством, последние исследования показывают, что смерть Ван Гога могла быть вызвана несчастным случаем.

Влияние Винсента Ван Гога

Сегодня Винсент Ван Гог считается величайшим голландским художником со времен Рембрандта. Художественный стиль Ван Гога оказал значительное влияние на множество последовавших за ним художников.Его работы ознаменовали развитие школ фовизма, экспрессионизма и модернизма 20 века.

В течение десятилетия после смерти Ван Гога его бывшие коллеги, в том числе Гоген, Поль Сезанн и Анри де Тулуз-Лотрек, а также современники, такие как Эдвард Мунк и Густав Климт продолжали вводить новшества, вбирая в себя влияние ныне господствующей школы Импрессионизм, а также постэкспрессионизм Ван Гога в новых художественных стилях.

Винсент Ван Гог не дожил до признания своего таланта. При этом он не мог даже мечтать о том, что станет непреходящим источником вдохновения для последующих поколений художников.