Новогодний рисунок пастелью

Подробности

Автор: Марина

Категория: Рисование

 Как нарисовать рисунок зимы, чтобы на нём были подарки, ёлка снег и прочие атрибуты Нового года? Нам повезло.

На прошлой неделе мы участвовали в онлайн-уроке художницы Марины Юкиш. Рисовали новогодний рисунок пастелью. Мероприятие отлично укладывалось в Алёнкин адвент-календарь. Марина предложила 2 рисунка на новогоднюю тему. Мы осилили только первый.  Я сама научилась у Марины нескольким интересным приёмам работы пастелью.

Рисовала, в основном, мама, а дочка помогала. Аутисты — они очень педантичные и аккуратные. Если поручили нарисовать ровный край или ровненько растереть пастель, то будет сделано как надо, хоть до дырок протрём. Совместное рисование – подходящий особым детям способ стимуляции коммуникации, так как необходимо задавать вопросы и отвечать на них, планировать действия.

Этого не хватает детям с аутизмом. К сожалению, фото, с которого рисовали зимнюю картину, у нас нет, поэтому будем ориентироваться на итоговый рисунок.

Новогодний рисунок пастелью

Материалы

1. картон или плотная бумага сероватого цвета,
2. пастель мягкая (отечественную не брали, она оставляет царапины и не очень хорошо растирается),
3. пастельные карандаши белого, серого и красного цвета,
4. ластик,
5. малярный скотч,
6. салфетки (бумажные и влажные),
7. калька (у нас пекарская бумага)

Как нарисовать новогоднюю картину

1. На планшете или мольберте (у нас переносной лёгкий планшет) закрепляем малярным скотчем бумагу. Фиксация бумаги облегчит растирание пастели. 
2. Сделаем набросок композиции пастельным карандашом. Мы сперва попытались рисовать серым цветом, но линии сливались с фоном. Тогда вслед за Мариной перешли на белый карандаш. Нарисовали коробку и два ёлочных шара (закрепили «круг», «квадрат»).
3. Раскрашивание начинается с фона. Тут надо определиться, откуда падает свет, где затемнить фон, где, наоборот, высветлить. Наносим несколько цветов (оттенки синего и фиолетовый в тёмных местах) и растираем пальцем. Чтобы ровнее было, нужна мягкая пастель. Отечественная пастель часто оставляет царапины. Пастелью рисуем не кончиком, а всей боковой поверхностью. Так она ровнее ложится. 
4. Крышка коробки белая. Затенённая боковая сторона с небольшой прозеленью. 
5. Передняя стенка чуть розоватая снизу. Раскрашиваем ёлочную игрушку тремя оттенками красного цвета, стараясь как можно ровнее сделать край. 
6. Внизу шар засыпан снегом. 
7. Сверху у шара есть «вешалка». Она серебристого цвета. Достигается он сочетанием (чередованием) белых и серых частей. «вешалки». Рисуем снег, закрывающий нижнюю часть коробки. Рисуем его мелкими крапинками и не растираем, чтобы передать структуру (рыхлость). Ну, и раскрашиваем второй шар, также стараясь ровный край нарисовать.  
8. Вторая ёлочная игрушка перевёрнута «вешалкой» вниз. На мой взгляд, её можно рисовать или «засыпать» снегом, если мелкие детали напрягают. И переходим к рисованию следующего новогоднего элемента – веток ёлки (хотя судя по длине иголок это сосна). Сперва рисуются тёмные ветки, а на них боковой поверхностью пастельного мелка общая масса зелени, соблюдая переход: нижние ветки тёмные, чем выше, тем светлее. 
9. Когда основная масса нарисована, прорисовываются отдельные иголки. 
10. Не хватает ленты, перевязывающей подарок. 
11. Дорисуем снег. Мелкими крапинками припорошим ёлочные шары, кончики иголок, коробку и ленту на ней. А сверху идёт крупный снег. Белая пастель будет пачкаться красками фона, смешиваться с ними, поэтому вытираем белый карандаш салфеткой. 
12. Снега недостаточно. Поскребём белую пастель ножиком. На рисунок насыплется много меленьких частичек. Стараемся распределить их по всему зимнему рисунку. Закроем рисунок пекарской бумагой (или калькой, если она у вас в наличии) и поверх неё прокатим карандаш. Мы прокатывали скалочкой, не сильно нажимая. Получился интересный эффект. 

Сухой пастели свойственно осыпаться. Если вы хотите сохранить рисунок зимы, то его надо обработать лаком. Есть специальные лаки, но подойдёт обычный лак для волос.

Снимаем с планшета рисунок, помещаем в рамку. Новогодняя картина, нарисованная пастелью, отличное украшение дома или подарок.

Добавить комментарий

Для рисования. Какие нужны материалы для рисования

Для рисования

Следующий набор карандашей, о котором хотелось бы рассказать – простые карандаши «Lyra Rembrandt Art Design». Набор из 12 карандашей от «4Н» до «6В» в металличе… На странице моих материалов для рисования вы можете увидеть все карандаши, которыми я рисую. Ну а теперь, хочется рассказать об их свойствах и способностях боле… Учимся рисовать поэтапно карандашом: с чего начать? С легких уроков рисования. Рисовать уроки можно любым карандашом, но если вы всерьез хотите научиться рисова. .. Вы когда-нибудь видели рисунки пастелью? Красиво, правда? Многие художники ценят пастель для рисования за свежесть тона, свободу и быстроту выполнения работы. П… У вас еще нет скетчбука?? Тогда бегом в магазин за блокнотом для рисования! Хотя если вы еще не знаете, какой скетчбук купить, тогда задержитесь на минутку и пр… Какие самые необходимые материалы для рисования карандашом нужны начинающему художнику. Материалы для рисования карандашом Материалы для рисования карандашом пр… Скетчбук (англ. sketchbook) – это альбом для набросков, эскизник. Хорошая привычка — всегда иметь под рукой sketchbook помогает художнику постоянно развив… Пастель является особым художественным материалом, который применяется как в графике, так и в живописи. Как правило, пастели – это мелки, но есть еще и пастельн… Не утратив популярности и в наше время, угольный карандаш, является старейшим материалом для рисования. Если быть точнее, то все же не карандаш, а именно уголь. … Как и множество других материалов для рисования, карандаши имеют свои типы и особенности. Простые, графитные карандаши, изготовленные из дерева, являются самыми… История карандаша, наверное, начинается еще с того момента, когда первобытные  люди рисовали наскальные рисунки. Не знаю, чем именно тогда рисовали, но предполо… Рисование цветными карандашами очень интересный и увлекательный процесс. И очень простой, на первый взгляд. Но те художники, кто профессионально работает с цвет…

Простые вещи — Уроки рисования карандашами и пастелью

Привет.

Зачем браться за сложные сюжеты, когда не получаются самые простые? Зачем рисовать пейзаж, если не получается пока всего лишь одна травинка или листочек? Почему желание сразу прыгнуть выше головы идет впереди трезвой оценки возможностей? Куда мы так торопимся?

Вопросы выше каждый наверняка задавал себе сам. Я же задаю их не только себе, но и другим людям, которые пытаются научиться рисовать и с первых же рисунков рассчитывают на шедевр. При этом шедевр почему то не получается, настроение человека падает и приходит депрессия с мыслями, что он ни на что не способен и у него никогда не получиться.

Давно уже хотел зафиксировать свои мысли на блоге, т.к. многие вещи повторяю постоянно в письмах, а так будет постоянная страничка, на которую можно в будущем ссылаться.

Вспомните, как вы учились различным вещам? Например, кто то учился играть на гитаре. Невозможно было начать сразу играть классные мелодии, получалось только игра на нервах) Поэтому приходилось учить аккорд за аккордом, прежде чем начинало что-то получаться.

Или возьмем боевые искусства. Пока не освоены базовые движения — не возможно показать высокие результаты в сложных техниках.

Везде нужна постепенность. Только постепенное, последовательное регулярное движение вперед принесет результат. Можно много пытаться сразу рисовать сложные сюжеты, но они так и будут оставаться на среднем, а то и низком уровне, если вы не вернетесь назад изучить основы или по крайней мере сами до них не дойдете опытным путем (что может потребовать гораздо больше времени).

Мне видится два основных подхода к росту навыков рисования:

• регулярно создавать много много различных набросков, скетчей на совершенно различные темы — самый популярный, везде рекламируемый и полезный подход (практически в любой школе вам скажут о том, что нужно рисовать как можно больше и постоянно)
• создание одного рисунка и совершенствование его до бесконечности, пока хватает терпения (не видел, чтобы кто-то рекламировал такой подход в интернете, но в детстве в рисунках именно такой подход давал мне наилучшие результаты).

Применять в рисунке крайне важно оба подхода. Но сегодня мне хотелось бы затронуть именно второй случай, который возможно в силу упорства (или упрямства :-)) я неосознанно применял с детства. Принцип прост — нарисовал, не понравилось, нарисуй это же еще раз. Причем столько раз, пока тебе не понравится.

К примеру, возьмем какой-нибудь простой фрукт — яблоко. Раньше я мог нарисовать его примерно так:

Результат бы не очень меня впечатлил. Но именно на этом моменте я говорил себе — не нужно рисовать еще 10 других яблок или бананов, если видишь, что совсем не то получилось, что нужно. Нужно добить это самое яблоко. Хоть я и не всегда шел этим путем, но оно в итоге дало очень хорошие результаты в последствии. Вспомните, сколько раз в школе мы рисовали одну и ту же закорючку, чтобы нормально начала получаться одна буква.

Когда я узнал, чего мне не хватает, то добыл недостающие знания и попробовал нарисовать так (кстати, одно из моих первых видео на блоге):

Но и на этом я не остановился, т.к. итоговый результат меня не устроил. Поэтому я «родил» еще один, более глянцевый, вариант:

Но и он меня не устроил. Скорее всего будет еще один вариант 🙂

А теперь попробуйте вспомнить, сколько раз вы рисовали один и тот же рисунок?

Или все они были в одном экземпляре даже без предварительных скетчей?

Не так давно мне написал один из моих читателей — Виталий Басалаев.

Виталий очень любит рисовать портреты и за время общения прислал мне очень много своих работ. Но его очень не устраивал результат. До такой степени, что он начинал думать, что уже ни на что не способен и что рисовать красиво научиться ему точно не под силу.

С разрешения Виталия публикую некоторые его работы.

Как видим, Виталий использовал самый популярный метод — рисовал часто и много разных портретов. Но при отсутствии базовых знаний одинаковые ошибки повторялись из портрета в портрет, не давая видимого прогресса.

Мне было очень интересно увидеть, насколько хорошо работает метод рисования одного и того же рисунка несколько раз. Поэтому я предложил Виталию провести небольшой эксперимент, где мы могли бы на собственном опыте убедиться, что несмотря на отсутствие веры Виталия в свои силы, на самом то деле он может рисовать и весьма неплохо!

Суть эксперимента я описывать не буду, в нем я по сути играл роль направляющего, просто показывая Виталию на какие моменты следует обращать в рисунке. Главное — в упражнениях мы использовали «простые вещи» — две обыкновенных груши. Итог эксперимента такой:

Рисунок груш до упражнения под номером 1, а рисунок груш после завершения эксперимента под номером 2:

Само упражнение немного сказалось и на последующих работах Виталия (сравните с первоначальными работами выше):

Оставляйте ваши комментарии под статьей, что по вашему мнению нужно поправить в работах Виталия. Здоровая критика всегда приветствуется! 🙂

В итоге, на простых вещах Виталий узнал, какие могут быть ошибки и куда нужно обращать внимание, чтобы их заметить. В свою очередь благодарю Виталия за его упорство и терпение при выполнении упражнений!

Если вы сами пока не можете замечать свои ошибки, то:

• обращайте внимание на любые участки в рисунке, которые просто интуитивно вам не нравятся и попытайтесь понять, почему они вам не нравятся, что в них отталкивает лично вас
• покажите свои рисунки другим художникам, на худой конец — покажите их родным/коллегам на работе/друзьям, чтобы они оценили и сказали, чтО не так в рисунке (собирайте разные отзывы, интересны как раз разные точки зрения о своем творчестве)

Иначе можно очень долго штамповать рисунки с одними и теми же ошибками, так и не начав улучшать их!

Но в любом случае, если вы только начинаете свое творческое путешествие в живопись или рисунок, особенно в высоко-детализированный рисунок, то как бы это скучно не казалось — начинайте с простых вещей. Как оказалось, многие начинающие художники, которые занимаются по урокам в интернете, не могут показать объем на примере шара или куба, но берутся сразу рисовать иллюстрации со сложными элементами пейзажа, участием в них человека или животных.

Именно поэтому в своих видео-уроках я стараюсь в качестве объектов рисования использовать простые образы. Ведь из множества простых объектов и будет в итоге формироваться полноценный сложный сюжет картины. Поэтому так важно на начальных этапах не пропустить азы рисования на простых формах.

Научитесь находить удивительное в самых простых вещах и вы увидите, насколько интересно их рисовать!

Не забудьте поделиться статьей с друзьями. Удачи!

Похожие записи

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

Pinterest

примеры сочетания цветов в реальных фото

Под влиянием этого цвета замедляется сердечный ритм и дыхание, снижается давление, расслабляется тело, замедляются мысли и снижается аппетит. Символ божественного начала в Древнем Египте, в христианстве — синоним истинности, в йоге — помощник в осуществлении желаний и активации интуиции. Великий Гете характеризовал его как «ничто».

Речь о синем цвете – самом холодном из всех, самом загадочном и неоднозначном.

На уровне ассоциаций он воспринимается как оттенок моря, неба, воды, прохлады, покоя, космоса и вечности. А при использовании в квартире создает ощущение покоя, умиротворяет, понижает активность, вводит в состояние созерцания и медитации, иногда подавляет и угнетает. Более светлая вариация синего – голубой – влияет на психику человека мягче, он больше успокаивает, чем подавляет, пробуждает мечтательность и даже нежность.

Что касается кухни и столовой, присутствие в них сине-голубой гаммы снижает аппетит, замедляет процесс пищеварения и обмен веществ.

Достоинства и недостатки синей кухни

Синий — непростой цвет. На человека он оказывает сильное и неоднозначное воздействие, поэтому использовать его в интерьере многие боятся. Но если разобраться в вопросе, выяснится, что у синеватой гаммы больше достоинств, чем недостатков.

Начнем с преимуществ.

1. Успокаивает и расслабляет. При длительном воздействии затормаживает все процессы в организме.
2. Усмиряет аппетит – огромный плюс для тех, кому это актуально.
3. Выглядит благородно и стильно, подходит для роскошных интерьеров.
4. Светлые оттенки могут визуально расширить пространство и придать свежесть.
5. Хорошо сочетается с различными стилями.
6. Добавит прохлады в жаркие помещения.

Теперь о недостатках.

1. Относится к холодной палитре, поэтому его с осторожностью нужно применять в комнатах с окнами на север и запад.
2. Не подходит для темных помещений, где мало естественного света.
3. Просторную кухню в большинстве случаев сделает неприветливой и безжизненной.
4. В некоторых случаях вызывает апатию, угнетает. Людям, склонным к перепадам настроения, не рекомендовано увлекаться этим цветом.

Хорошо подумайте, как воспринимается синий лично вами. И если негативных чувств не возникает, то смело используйте его в дизайне! Как это сделать грамотно – расскажем далее.

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Новинка

  Быстрый просмотр

  11 980 ₽ 17 114 ₽

  -30%

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

С какими цветами сочетается?

Институт цвета PANTONE утверждает, что синяя палитра включает почти 200 оттенков! Такое количество вариаций позволяет легко сочетать его с другими цветами. Смотрите примеры на фото.

• С белым – классическое сочетание, самое простое, понятное и легкое в реализации. Белоснежный сочетается с любыми вариантами синего от небесного до майолики. Он вносит нотки легкости и непринужденности. Очень стильное решение – использование в синей кухне белой мебели.
• С серым – очень элегантный дуэт, подходит для воплощения классического и строгого дизайна синей кухни. Чем насыщеннее и ярче выбирается синий тон, тем более мягким и разбеленным должен быть серый. Графитовый станет хорошим дополнением к нежно-голубому, а серо-бежевый – к эффектному ультрамарину. Удачным дополнением к этой паре станет солнечно-желтый.
• С желтым – такое сочетание понравится творческим людям, оно подарит ощущение уюта и позитивный настрой. Радостный желтый станет прекрасным компаньоном для среднего по насыщенности василькового, бирюзового, джинсового. Однако с темно-синим желтую палитру нужно сочетать предельно аккуратно, так как обстановка может получиться излишне кричащей.
• С зеленым – такая комбинация встречается повсюду в природе, но «подружить» эти два цвета дома непросто. Сочетание окажется удачным, если будут выбраны разные по контрастности оттенки. К примеру, темно-зеленый и разбеленный голубой.
• С красным – экстравагантный микс, точно не для консервативных людей! Покоя в такой кухне ожидать точно не стоит, сине-красный дуэт бодрит, а иногда и раздражает. Смягчить ситуацию можно, если выбрать благородные синие и бордовые оттенки, либо красный вводить только в качестве акцентов.
• С бежевым – такая коллаборация выглядит очень гармонично, так как вмещает в себя эффектность синего и уют бежевого. Лучше, если бежевого в оформлении кухонной зоны будет больше, чем синевы – это позволит избежать холода и мрачности.
• С коричневым – наиболее приятная для глаз комбинация. Шоколадные оттенки добавят благородства, нейтрализуют холодность и подчеркнут богатство небесной или морской палитры. При этом интерьер лучше выполнить в синих тонах, а коричневые дополнят его в качестве акцентов.
• С розовым – отличная идея для женственной, «кукольной» кухонки. Цвета можно использовать только те, который имеют одинаковую «температуру» – теплую или холодную.

Отделка кухни в синих тонах: подбираем сочетания

Кухни в сине-голубой гамме встречаются нечасто. Но если вы решили, что это ваш цвет, — дерзайте! Но предварительно прочтите об особенностях создания гармоничного и эффектного интерьера.

1. Тона, напоминающие ночное небо или морскую глубину, дизайнеры рекомендуют применять в небольших количествах, так как кухня должна быть уютной. Подойдут лавандовые, небесные, бирюзовые, серо-голубые оттенки.
2. Если душа лежит к темно-синему колеру, применяйте его в деталях: в нижней части кухонного гарнитура, фартуке, текстиле и аксессуарах. Интересная идея – оформить в таком цвете пол.
3. Используйте светлые бирюзовый, лазурный, васильковый для маленьких помещений с плохим освещением. Разбавляйте их пастельными цветами или белым в пропорции 1:1 или 1:2.
4. В интерьере синей кухни выигрышно будет выглядеть дерево в любом виде. Деревянный паркет, столешница или мебель из цельного массива отлично дополнят прохладную палитру и сделают ее более теплой и душевной.
5. Очень привлекательно будет смотреться пол, отделанный натуральным деревом. Для этого подойдет ламинат, паркетная доска или пробка. Если предпочитаете плитку или керамогранит, то выбирайте коричнево-бежевую – для светлой обстановки, и глубокие тона – для более темного окружения.
6. Не рекомендуется окрашивать стены в глубокие тона синевы – такое окружение будет угнетать домочадцев. Особенно это касается небольших кухонь или тех, в которых окна выходят на север. Лучше предпочесть голубоватые полутона, пастельную палитру или нейтральные белоснежный, беж и серый. Материал – не принципиален, можно использовать обычную краску, декоративную штукатурку, виниловые или флизелиновые обои, кафель, стеновые панели с фотопечатью.
7. Идеальный вариант отделки потолка – натяжной или белая краска. Прочие цвета и подвесные конструкции будут еще больше уменьшать пространство синей кухни и рискуют сделать его угнетающим.
8. Фартучную зону можно оформить привычным кафелем, стеклянными или пластиковыми панелями, декоративной штукатуркой и даже листами металла. Выбор материала зависит от стилистики комнаты. Для дизайна в морской тематике хорошо подойдет разноцветная мозаика. Для классических интерьеров подберите плитку, а для «деревенских» — поверхности с деревянной фактурой. Металлический фартук «заиграет» с современными стилями. Если говорить о колористике, тут действует все то же правило контрастов: к темному кухонному гарнитуру подбирайте светлый «задник» и наоборот.

Выбор мебели и аксессуаров для кухни в синих тонах

Решившись на приобретение синего гарнитура, будьте осторожны: этот цвет утяжеляет и без того массивную мебель. Такого кухонного «жителя» стоит окружить воздушными и легкими оттенками. А вот нежно-голубой, бирюзовый, лазурный гарнитур «подружится» с любой обстановкой.

Однотонный синий комплект шкафов великолепно вписывается в современные интерьеры. Но если он кажется вам слишком мрачным, выбирайте двухцветный вариант. При этом верхняя часть обязательно должна быть выдержана в светлой расцветке.

Мебель с матовыми голубоватыми фасадами хороша для нежных кухонек в провинциальном стиле. На фоне обоев с мелким цветочным принтом и окруженная натуральным текстилем, она будет смотреться очень располагающе и душевно.

Современные гарнитуры с глянцевыми поверхностями, наоборот, предназначены для стильных высокотехнологичных пространств. Не забывайте про коварное свойство глянца — он усиливает ощущение холода.

Покупая прочую мебель в кухонную зону, отталкивайтесь от желаемого образа. Если фантазируете о роскошном, эффектном, «богатом» интерьере, делайте выбор в пользу добротной деревянной мебели натуральных расцветок, подберите диван в велюровом или кожаном исполнении, бронзовую или медную фурнитуру. А если в голове есть картинка о воздушном и светлом пространстве, ищите в магазинах белые стол и стулья, льняной или хлопковый текстиль в пастельной цветовой гамме и яркие аксессуары.

В заключение хочется сказать о шторах как о неотъемлемом элементе уютной кухонки. Подберите их в тон одному из предметов меблировки или декора: фартуку, гарнитуру, скатерти или мягкому уголку, — это позволит создать визуальную гармонию. Занавеси могут быть также выполнены в тон стен – такая «уловка» отлично работает на расширение комнаты.

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  38 529 ₽ 55 041 ₽

  -30%

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  44 342 ₽ 63 346 ₽

  -30%

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  56 946 ₽ 81 351 ₽

  -30%

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

• Быстрый просмотр

  Цена за всю кухню

  Общие размеры

Пастель, живопись свет и цвет с Десмондом О’Хаганом

Живопись светом и цветом еще никогда не была такой красивой! Как художник, работающий пастелью и маслом, художник Десмонд О’Хаган любит разнообразие возможностей при работе с пастелью — с таким большим выбором цветов пастель является идеальным выбором для рисования света и цвета. Уравновешивая теплые и холодные цвета, светлые и темные, интенсивные и приглушенные цвета, используя пастель, вы можете создать контрасты, которые приведут к впечатляющим результатам рисования!

Картина пастелью: свет и цвет с Десмондом О’Хаганом

Загляните в рабочий процесс Десмонда

Когда Десмонд рисует, он помнит следующие 4 урока рисования света и цвета пастелью:

• Keep It Simple
• Думайте масштабно, смело, широко
• Оставьте свет для заключительных этапов
• Оставьте детали для заключительных этапов

Посмотрите этот превью из нового видео-семинара Десмонда на ArtistsNetwork.tv, Пастель: свет и цвет , чтобы получить представление о его процессе рисования пастелью, а затем следуйте инструкциям ниже, чтобы получить более подробную информацию о рисовании света и цвета пастелью.

Фото-образец для демонстрации пастельного света и цвета. Автор Десмонд О’Хаган.

. Шаг 1. Выберите отличное эталонное фото

.

Для интересного объекта выберите изображение с диапазоном значений. Этот пионовый натюрморт подсвечен естественным светом, что придает ему приятное сочетание света и темноты с диапазоном посередине.Фотография также демонстрирует отражения и тени на окружающем столе, что добавит интереса этой картине.

---

Dark Shadow and Local Color для пастельного света и демонстрации цвета, Десмонд О’Хаган

Шаг 2: Начните блокировку в темных и темных средних тонах

Не стесняйтесь упростить ссылку на фотографию — отредактируйте человека на заднем плане и упростите лепестки цветка, чтобы создать базовый линейный рисунок, затем начните рисовать, добавляя темные, сохраняя абстрактные формы.Постепенно добавляйте более темные полутона, делая штрихи выразительными и прямыми и переходя к локальному цвету.

---

Шаг 3. Переход к средним тонам

Средние тона для демонстрации пастельного света и цвета Десмонд О’Хаган

Продолжайте прорабатывать теневые области с помощью теплых и холодных цветов и начните улучшать цветы с помощью меньших форм и более светлых оттенков. Не теряйся во всех лепестках. Держите его очень свободным, используя большие жирные мазки. Добавьте реалистичные отражения, обращая внимание на твердые и мягкие края.

---

Шаг 4: более светлые средние тона и финальные детали

Завершена демонстрация пастельных цветов и света Десмондом О’Хаганом.

Переходите от темноты к свету, чтобы выделить цветы и блики в вазе. Для цветов вам даже не нужно использовать белую пастель — работайте от теплого до прохладного, переходя от оранжевого к розовому, а затем охладите его, добавив немного более голубого цвета, чтобы придать изделию окончательный свет. Это создает приятную вибрацию, которая воспринимается как реалистичный свет.

Go For the Glow | Картины пастелью Кристин Иверс

Кристин Айверс, самопровозглашенная «Художница ночи», мастерски рисует глубокие темные и яркие огни пастелью.Используя черный пастельный фон, она может добавить объемности и сияния, чтобы погрузить зрителей в жизнь ее городских сцен.

В этой пастельной демонстрации она делится своими «тремя шагами к свечению» — как нарисовать пастелью великолепные эффекты свечения неона и уличных фонарей.

Чтобы начать рисовать свечение пастелью, вам нужно выбрать последовательность значений, по крайней мере, из трех пастельных карандашей или мягкой пастели. (Вы можете использовать до пяти, шести или семи, если чувствуете, что хотите больше хлопка!)

Шаг 1: Сначала нанесите самый светлый цвет на черную отшлифованную поверхность.

Шаг 1: Примените самое светлое значение

Шаг 2: Обведите первую фигуру кольцом или контуром второго значения.

Шаг 2: Окружите первый цвет вторым значением

Шаг 3: снова нарисуйте форму третьим значением, и вуаля, у вас есть светящиеся пастельные рисунки!

Шаг 3: Окружение формы с третьим значением

** Наблюдайте за Кристиной в действии, чтобы усилить ваше сияние за счет дополнительных световых эффектов!

И если вам это понравилось, мы надеемся, что вам понравится следующая превью статьи из Pastel Journal о Кристине Айверс. И вы можете учиться непосредственно у Кристины с ее четырьмя видеоинструкциями по рисованию от ArtistsNetworkTV.

Пустая кровать (пастель; 17 × 23) Кристин Айверс (PIN ЭТО!)

Картины Кристин Айверс пастелью Деборы Секор
(из Pastel Journal, ноябрь / декабрь 2012)

После четырех десятилетий работы арт-директором Кристин Айверс смогла с самого начала разрабатывать композицию с помощью камеры. Она объясняет, что смотреть через объектив — это огромная часть ее творческого процесса.«Во мне преобладает укоренившийся художник-график», — говорит она. «Меня часто спрашивают, как я могу делать такие замечательные ночные фотографии. Я работаю с фотографией много лет и знаю Photoshop, но я делаю то, что многие люди упускают из виду: я читаю руководство к камере ».

Также, с точки зрения фотографии, художник отмечает, что установка разрешения очень важна. Она выбирает высокое разрешение для каждой фотографии — такое, которое будет достаточно четким, чтобы быть полезным ресурсом.

Сетка, нарисованная на фотографии и доске, позволяет Иверс точно переносить элементы на свою доску.Это особенно полезно при работе с архитектурой, которая часто используется в ее картинах. «Я рисую сетку на фотографии, а затем использую диагональную линию, чтобы правильно соотнести фотографию с моей доской, рисуя нейтральным пастельным карандашом», — объясняет она. Затем Айверс использует пастельные карандаши разного цвета, чтобы начать работу.

Путешествие во времени (пастель, 24 × 18) Кристин Айверс. Узнайте, как рисовать пастелью от Кристины, на ее четырех новых семинарах ArtistsNetworkTV.

Фотографии, которые она делает днем ​​или ночью, становятся больше, чем просто записью времени и места.«Я снимаю» на лету «и обычно вижу истории на фотографиях позже, когда смотрю на них, — говорит она. «Картина« Пустая кровать », например,« »появилась, когда я однажды ночью снимался в Бостоне. Я начал перед галереей и заметил мужчину, стоящего там и смотрящего, как внутри воспроизводится видеопоток. Через сорок пять минут, когда я вернулся, он все еще был там. Я решил, что это потому, что ему не к кому идти домой ».

В поисках свечения

Получите коллекцию «Люди, места и сцены в пастельных тонах», в которую входят четыре новых DVD Кристины, а также набор из 18 пастелей от Great American!

Иверс подходит к ночным картинам иначе, чем к дневным.Поскольку темные цвета так важны, она интегрирует пять или шесть очень темных пастельных палочек одного и того же диапазона в темные области, чередуя теплые и прохладные температуры, притягивая взгляд к картине. «Я использую черный. У меня есть куча огромных черных палочек Sennelier и все темные оттенки, которые производит любой производитель », — говорит Айверс. «Я обнаружил, что две самые темные палочки — это баклажан Людвига и черный Рембрандт.

«Я люблю играть с отражающими объектами — автомобилями, грузовиками, окнами, столбами и колпаками», — добавляет она.«Маленькие точки, штрихи и цветные полосы похожи на леденцы для глаз. Нупастели прекрасно подходят для рисования этих маленьких драгоценных камней, которые создают столько волнения в картине с очень небольшими усилиями. Меня возбуждают тики света, отражающиеся от блестящих поверхностей, но при этом безмятежно тронутые глубиной множества цветов, теплых и холодных, которые составляют световые пустоты ».

Аура света, пронизывающего тьму, очаровывает художника, который описывает мерцающий свет вокруг фар, уличных фонарей или неоновых вывесок как «вызывающий привыкание».«Айверс использует по крайней мере от трех до шести значений, учитывая цветовую температуру, чтобы передать сияние. Начиная с цвета в центре, она затем слегка наносит на него более светлый цвет, чтобы не допустить резких краев. Она может проработать весь световой переход от центра к краю, а затем изменить подход, работая от внешних краев назад внутрь, возвращаясь вперед и назад столько раз, сколько необходимо. «Эти свечения легко нарисовать, не понимая ценности», — говорит она. «Добавьте потерянные и найденные грани ночи, мягкость цвета людей и растений и контраст света и тьмы, и я потеряюсь в картине. Я хочу, чтобы мои зрители открыли для себя то, на что они обычно не тратят время.

«Мне нравится находить то, что лежит между полярно противоположными значениями контраста и температуры», — добавляет Иверс. «Жизнь — это инь и янь. Солнце встает и заходит. Во всем есть противоположность, и я люблю исследовать оба мира. Я учусь на дневном и ночном опыте и передаю то, что узнал от одного к другому. Мне будет скучно рисовать только одну сторону вселенной, поэтому я рисую обе ». ~ DS

DVD-диски с художественной мастерской Кристины включают следующие захватывающие техники рисования пастелью: ночные городские пейзажи, домашние сцены с людьми, пленэр и секреты перспективы и пропорций!

** Подпишитесь на информационный бюллетень Artists Network, чтобы получить вдохновение, инструкции и идеи, и получите бесплатных загрузок на тему «Живопись пастелью: 4 статьи по основам пастели для художников».

Всегда светит поверх тьмы, говорит художник пастели Мэри Бриджид Макки

Мэри Бриджид Макки — художник-самоучка, которая в настоящее время проводит время на работе, исследуя универсальность мягкой пастели.

Ее вдохновляют живописные пейзажи, которые окружают ее дома в Клонмеле, Южная Ирландия, что, в свою очередь, вдохновило ее на выбор цвета в новом мягком пастельном наборе Mary Brigid Mackey Unison. В этом интервью журналу Jackson’s Art Blog она дает нам свои правила рисования пастелью и определяет, что делает сильное произведение искусства.

Лиза: Что заставило вас принять решение стать художником?

Мэри Бриджид: Это никогда не было осознанным решением. Рисование было автоматическим ответом на мои наблюдения за окружающей средой и людьми. Это было и естественно, и необходимо. Я постоянно придумывал способы запечатлеть образы, жизнь, дух или сущность сцен. Всегда задавался вопросом, как я мог бы изобразить их таким образом, чтобы позволить мне поделиться этими моментами, свидетелями которых я стал, с другими людьми. Независимо от того, где я был в своей жизни или в каком направлении она двигалась, я никогда не переставал рисовать в своей голове.Представляю свою интерпретацию в виде картины. После многих лет непрерывного обучения и открытия своего собственного художественного стиля я чувствую, что могу называть себя художником.

Лиза: Как ты научился рисовать пастелью?

Мэри Бриджид: Много лет назад мне подарили пастели, и я сразу в них влюбилась. Они стали моим любимым средством. Я в основном самоучка и учусь методом проб и ошибок, а также путем обширных исследований пастельных картин, техник и стилей.Тем не менее, я посетил два семинара, которые оказали значительное влияние на мое развитие. Первым был мастер-класс по пейзажам с художником из Корка Эдди Янг Сангом. Эдди научил меня не бояться использовать темные цвета, а вместо этого использовать их в своей работе, а также светлые цвета. Второй — мастер-класс по портретной живописи с замечательной американской художницей и педагогом Алисией Сотерленд. Алика подумала, как визуализировать и построить лицо в форме из света и тени.Ее даром мне была уверенность в себе, и теперь я наслаждаюсь путешествием по развитию моего собственного стиля в портретной живописи. В последние годы я много рисовал на пленэре пастелью. Из постоянного рисования пейзажа на натуре я разработал палитру, подходящую для любого времени года. Теперь с моим набором Unison Landscape Set из 36 я могу путешествовать намного легче.

Лиза: Есть ли жизненно важные правила рисования пастелью?

Мэри Бриджит: Основные правила пастели, как и масла, — всегда рисовать светом поверх темного.Для меня самое важное правило, к которому я очень педантично отношусь к чистоте пастели. Если вы будете рисовать грязной пастелью, получится мутная картина. Я чищу свои, встряхивая их в мешках с рисом. Работая над картиной, я промываю каждую картину бумажным кухонным полотенцем сразу после ее использования. Это позволяет избежать загрязнения поверхности другими цветами. Всегда ломайте пастель и используйте ее как кисть. Сторона пастели позволяет наносить крупные мазки, а с помощью края вы можете получить детали, как тонкая кисть.Также я никогда не использую пальцы для растушевки. Вы можете смешиваться с самими пастелями. Чтобы заблокировать большую площадь, можно распределить пастель по поверхности бумажным кухонным полотенцем или малярной кистью. Вы также можете использовать формирователи цвета или лепешки для смешивания цветов. Я всегда говорю своим ученикам «шептать» пастелью, имея в виду наносить их легко, как перышки. Таким образом вы можете нанести много слоев, а также, когда нанесете таким образом, будет легче вносить исправления.

Мэри Бриджит Макки: Тео, 39см x 28см, 2014 г.

Лиза: Какие художники, по вашему мнению, оказали большое влияние на вашу работу?

Мэри Бриджид: Это такой сложный вопрос, потому что есть так много художников, которыми я восхищаюсь, что трудно выбрать.Если бы я выбрал группу, это были бы импрессионисты. Из всех художников в группе я бы сказал, что Ренуар оказал огромное влияние на мою работу. Его пастели не так известны, как Дега, но они очень красивы. Я имел удовольствие увидеть выставку пейзажей Ренуара в Национальной галерее в Лондоне, и они оказали на меня огромное влияние. Мне нравится, как он передает атмосферу своих мест и делает их такими привлекательными для зрителя. Я тоже восхищаюсь его портретами. С такой чувствительностью он рисует свои предметы.Без сомнения, мой любимый ирландский художник — Родерик О’Конор. Его пейзажи, жанровые картины и портреты делают то, к чему я стремлюсь как художник. Когда я смотрю его пейзажи, я переносюсь в эту сцену. Когда я изучаю его портреты, мне кажется, что я вмешиваюсь в эту тему. Я только что отправился в новое путешествие по созданию жанровых картин, одна из которых — «Свободное кресло». Мне будет очень приятно, если я смогу вызвать эмоции у моих зрителей хотя бы малую часть того, что Родерик О’Конор достиг в своих картинах.

Мэри Бриджид Макки: Свободное кресло, 46см x 28см, 2014 г.

Лиза: На какой поверхности вам больше всего нравится работать и по какой причине?

Мэри Бриджид: Мне нравятся шлифованные поверхности для пейзажей, так как я люблю много слоев. Fisher 400 и Uart превосходны, так как они могут впитывать воду, что полезно, так как я часто люблю рисовать акварелью. Также очень важно использовать опору, которая выдержит брызги дождя при рисовании в Ирландии из-за нашей влажной погоды.Я тоже люблю экспериментировать с созданием собственной поверхности. Очень красиво смотрится матовая доска музейного качества, окрашенная Liquitex. Вы можете оставить следы кисти для создания живописного эффекта или отшлифовать их, когда они высохнут, для более гладкой поддержки. Для портретов люблю использовать замшевую матовую доску. Он очень хорошо держит мягкую пастель и позволяет наносить много слоев. Поверхность очень подходит для текстуры кожи, так как она очень гладкая.

Лиза: У вас есть любимый предмет, и если да, то какой он и почему?

Мэри Бриджид: У меня два любимых предмета.Во-первых, это пейзаж. Я люблю рисовать на натуре. Для меня это прилив адреналина. Я научился быстро работать и улавливать суть места, даже когда свет и погода не могут стоять на месте для любого художника. В студии рисую по собственным эскизам и фотографиям. Всегда стремится передать зрителю атмосферу и дух места. Второй мой любимый предмет — портретная живопись. Правильное размещение деталей предметов жизненно важно. Очень важно запечатлеть личность человека.Я считаю, что это удачный портрет, когда зрители комментируют персонажей, не зная их лично.

Лиза: Вы когда-нибудь сталкивались с препятствиями, когда делаете снимок, и если да, то как их преодолевать?

Мэри Бриджид: Конечно, знаю. Но с пастелью легко исправить ошибку, если это просто ошибка в рисунке или цвете, я использую очень жесткую щетку из борового волоса, чтобы удалить пастель с проблемной области, и снова работаю с картиной.Иногда я теряю энтузиазм по поводу произведения. Тогда это становится рутиной, поэтому я откажусь от нее и начну новую работу. Я часто возвращаюсь к этим отброшенным, и страсть к предмету возвращается, и я завершу хорошую картину. В других случаях при втором посещении я обнаруживаю, что композиция или используемые цвета не приятны для глаз. Я буду убирать их. Меня это не огорчает, поскольку я учусь на своих ошибках.

Мэри Бриджид Макки: Килшилан Вудс, 62 см x 46 см, 2006 г.

Лиза: Можете описать типичный день в студии?

Мэри Бриджид: Я начинаю день с прогулки с нашей семейной собакой Уиллоу.Это имеет двойную цель. Тренировка для нас обоих, и время полюбоваться пейзажем. Во время прогулок я часто нахожу сцену, которую вынужден рисовать. Я могу даже поспешить обратно и сделать это, потому что у меня всегда есть готовый пленэр … или я сделаю эталонные фотографии для использования позже. Я люблю рисовать по утрам, потому что тогда я в своих лучших проявлениях. Если работа идет хорошо, я продолжу рисовать до полудня. В некоторые дни мне придется уделять время другой работе, связанной с творчеством художника.Например, фотографирование новых работ для моего сайта, поездки к создателю и подготовка к занятиям и мастер-классам.

Лиза: Что делает сильное произведение искусства?

Мэри Бриджид: «Хорошая картина — это картина, которая заставит зрителя остановиться, погрузиться в картину и захотеть остаться на некоторое время» Я не помню, где я это читала, но это отличное утверждение. Композиция картины важна. Но правила композиции можно нарушить, и все же можно создать хорошее произведение искусства.Хорошая цветовая гармония — важнейший ингредиент. Но именно способность художника вызывать мысли, воспоминания или идеи у зрителя делает хорошее произведение искусства.

Лиза: Где в сети или во плоти мы можем увидеть больше ваших работ?

Мэри Бриджид: Мои работы можно увидеть на моем веб-сайте http://www.marybrigidmackey.webeden.co.uk/ Я являюсь членом одной из старейших арт-групп Ирландии STAG (South Tipperary Art Group), которая была основана сорок семь много лет назад.Мы проводим ежегодную выставку, а также показываем наши работы в общественных зданиях и в Центре искусств Южного Типперэри. Мои работы также представлены на веб-сайтах Unison Pastel и Pan Pastel. Я являюсь одним из основателей Европейской пастельной гильдии, и мои работы представлены на веб-сайте гильдий.

Мэри Бриджит Макки: Комераг Бог, 26 см x 38 см, 2013 г.

Лиза Такахаши

Лиза Такахаши является автором блога с 2013 года и членом команды Джексона с 2006 года.Ее любовь к художественным материалам охватывает масло, акварель, акрил и техники рельефной печати. Наряду с писательством она регулярно выставляет свои работы и преподает линогравюру и живопись в Бристоле и Сомерсете.

Рождение пастели | Гетти Ирис

Присоединяйтесь к нам и поприветствуйте Эмили Бини , нового помощника хранителя рисунков музея Гетти. Эмили работала помощником куратора в Музее Нортона Саймона и помощником куратора в Музее изящных искусств в Бостоне.Ее докторское исследование в Колумбийском университете было сосредоточено на картинах и рисунках Николя Пуссена в связи с придворным балетом семнадцатого века. — Ред.

Проведя два года в отделе живописи Гетти (сначала в качестве дипломированного стажера, затем в качестве научного сотрудника), я был очень рад вернуться в музей в ноябре прошлого года в качестве младшего хранителя рисунков. Присоединение к отделу рисунков было похоже на возвращение домой и одновременное начало нового приключения, возможность подойти к знакомым художникам и произведениям искусства с новой точки зрения.Я не единственный, кто совершил это путешествие: восемнадцать пастелей Гетти, выполненные разными художниками, от Розальбы Каррьеры и Мориса-Квентина де Ла Тура до Эдгара Дега и Одилона Редона, недавно перекочевали из коллекции картин в коллекцию рисунков: действительно просто последовали их примеру.

В качестве стажера у меня была возможность поработать над инсталляциями в пастельной галерее, и поэтому я очень рад, что мой первый проект в Музее позволяет мне вернуться в эту часть коллекции.Инсталляция «Рождение пастели » откроется 6 июня в Южном павильоне музея, исследуя промежуточность пастельной среды, эволюцию в конце семнадцатого и начале восемнадцатого века пастельных «картин» цветных меловых рисунков. в Центре Гетти.

И / И

С кураторской точки зрения пастель занимает двойственное положение. Находясь между линией и цветом, между интимным прикосновением художника и амбициями выставочного произведения, пастель на самом деле не либо / или , а и то, и другое / и .С одной стороны, многие работы пастелью — например, роскошные портреты восемнадцатого века или богато проработанные сцены танцоров Дега — были явно задуманы как картины, призванные соперничать с современными маслами по разнообразию цветов и прикосновений, их высокой степени отделки. , и даже их масштаб. Многие выдающиеся пастелисты также писали маслом, и на сегодняшнем рынке хорошо обработанная пастель такого художника, как Дега, обычно имеет цену, более соизмеримую с ценами его картин, написанных маслом, чем с ценами на его рисунки.

С другой стороны, пастель значительно более хрупкая и более чувствительная к свету, чем масла. Крошащаяся средняя, ​​нанесенная сухим способом палочкой или намоченная и обработанная кистью, обычно не прилегает к основе так же прочно, как вязкая масляная краска. По сути, большинство пастелей — это цветная пыль на странице. Чаще всего они выполняются на бумаге (обычно на холсте), которая со временем может потускнеть или потемнеть. Когда они не на виду, в идеале они должны вести жизнь рисунков, хранящихся неподвижно и плоско, в темноте, под присмотром консерватора (как рисунки Дуайенн Мишель Салливан из музея Гетти).Именно поэтому в прошлом году восемнадцать пастелей Гетти «стали» рисунками, формально переданными, чтобы присоединиться к девятнадцати пастелям, уже находящимся в коллекции рисунков. Но история, которую мы собираемся рассказать в «Рождение пастели », рассказывает о том, как пастель впервые стала живописью…

Цветной рисунок

Самые ранние подходящие пастели — атласные, растекающиеся цвета, изготовленные в виде палочек для продажи в наборах всех мыслимых оттенков — появились только в конце семнадцатого века. Но рисовальщики веками использовали сухие цветные носители — как природные мелки, добытые из земли и нарезанные на палочки, так и изготовленные путем смешивания пигментов со связующими в пасту, которую можно было скатывать в дубинки.Рецепты «пастели» и «пастилок» — самодельных мелков — часто встречаются в трактатах художников эпохи Возрождения, где в качестве связующих рекомендуются рыбный клей, инжирный сок и гуммиарабик.

Коллекция Гетти включает несколько замечательных примеров цветных рисунков мелом из Италии и Франции шестнадцатого века. Среди них — чудесно свободный композиционный рисунок венецианского художника Якопо Бассано и изысканно законченный придворный портрет, приписываемый художнику, ныне известному как L’Anonyme Lécurieux. Оба датируются примерно 1570 годом, но их подходы вряд ли могут быть более разными.Работая на синей бумаге (известной в то время как «турчина» или турецкая бумага и обычно используемой венецианскими художниками того периода для определения средних тонов рисунка), Бассано заложил свой дизайн быстрыми мазками черного мела, а затем использовали белый, желтый, розовый и красновато-коричневый, чтобы исследовать распределение цвета по сцене. Цветной мел здесь служил, по сути, подготовительным инструментом.

Христос изгоняет менял из храма , около 1570 года, Якопо Бассано.Черный и цветной мел на синей бумаге, 17 3/16 × 21 3/8 дюйма. Музей Дж. Пола Гетти, 89.GB.63. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty

Анонимный французский рисовальщик, напротив, использовал тщательно контролируемый подход. Используя только черный и красный мел, он создал иллюзию гораздо более широкой палитры, предлагая коричневые штрихи в усах его ситтера, розовый румянец на его щеках и даже чистый сине-серый цвет для его глаз. При всех очевидных различиях между этими двумя рисунками каждый по-своему предсказывает последующее развитие все более сложных цветных рисунков и, в конечном итоге, пастели.

Портрет бородатого мужчины, поясной, в резаном камзоле , около 1575 года, L’Anonyme Lécurieux. Черный и красный мел, 13 × 8 3/4 дюйма, Музей Дж. Пола Гетти, 2003 г. 10. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty

Картина пастелью

К 1650-м годам мы начинаем видеть менее графический, более «живописный» подход — зачатки современной пастельной техники — в творчестве Роберта Нантёя, художника, работающего в Париже. Его пастельные портреты часто служили основой для гравюр, и тем не менее, в таких работах, как «Портрет монсеньера Луи Дони д’Аттиши » Гетти , Нантей использовал свой скромный набор цветов, больше похожий на масляные краски, с новым богатством и разнообразием прикосновений. , эффективно создавая особые текстуры и блеск кожи, волос и ткани.

Портрет монсеньора Луи Дони д’Лттиши, епископа Риецкого и позже Отенского , 1663, Робер Нантей. Пастель на бумаге, 13 1/2 x 11 дюймов. Музей Дж. Пола Гетти, 98.GG.13. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty

В отличие от более раннего портрета L’Anonyme Lécurieux, здесь медиум полностью покрывает бумажную основу; реальность листа поглощается фикцией подобия. Этот сдвиг может отражать тщательно охраняемый рецепт Нантейля для пастельных карандашей — его более кремовые, более растекающиеся цвета — но он также указывает на изменение его использования среды, от по существу линейного нанесения к более толстому и мягкому, в котором Художник кончиками пальцев размазывал следы, оставленные пастельной палочкой, — практика, известная как «подслащивание».”

Нет пастели «слаще» (или слаще), чем пастели Розальбы Каррьеры, венецианской художницы, которая освоила эту технику в начале восемнадцатого века. Используя синюю бумагу — как ее соотечественник Бассано — и коммерчески производимые пастели, недавно доступные в широком спектре цветов, Каррьера разработала сложные техники, чтобы передать цвет на щеках, блеск на нитке жемчуга, мягкость бархатного плаща. Например, она может нанести кистью слой смоченной пастели, чтобы установить базовый оттенок кожи, а затем снова обработать область сухой пудровой пастелью, чтобы обозначить пушистую поверхность щеки молодой девушки.Потрясающее мастерство и скорость Каррьеры, ее умение создавать лестные образы сделали ее любимым портретистом английских аристократов, посещающих Венецию во время Гранд-тура и получивших приглашения в дворцы Парижа и Вены.

A Muse , середина 1720-х годов, Розальба Каррьера. Пастель на голубой бумаге, 12 3/16 × 10 1/4 дюйма. Музей Дж. Пола Гетти, 2003. 17. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty

Потрясающее мастерство и скорость Каррьеры, а также ее умение создавать лестные образы сделали ее любимым портретистом английских аристократов, посещающих Венецию в рамках Гранд-тура и получивших приглашения в дворцы Парижа и Вены.

Сэр Джеймс Грей, второй баронет , около 1744 года, Розальба Карьера. Бумага, пастель, 22 1/16 × 18 1/16 дюйма Музей Дж. Пола Гетти, 2009. 80. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty

Пастель Триумфальная

В Париже работы Каррьеры пользовались огромным успехом и оказали сильное влияние на французских пастелистов следующего поколения. Выдающимся среди них был Морис-Квентин де Ла Тур, чьи пастели демонстрируют сверхъестественный натурализм.Ла Тур развил безумно успешную практику портретной живописи (среди его натурщиков Людовика XV, его жены и его любовницы), при этом полностью избегая масляных красок. Тот факт, что в 1750 году он был назван peintre du roi (художник короля), говорит об остром соперничестве в этот момент между пастелью и масляными картинами, которое суммируется в единственной впечатляющей работе сегодня в коллекции Гетти.

Портрет Габриэля Бернара де Рье, парижского магистрата и наследника банковского состояния, созданный Ла Туром высотой шесть с половиной футов, является самой крупной пастелью художника и, вероятно, самой большой пастелью, созданной в восемнадцатом веке.Эта картина, составленная из более чем дюжины отдельных листов бумаги и обработанная с помощью головокружительного множества техник, конкурирует с современными масляными портретами во всех аспектах: богатством и разнообразием цветов и фактур, прежде всего тонкостью деталей и отделки. , конечно, по размеру.

Если пастель когда-либо была картиной, то это, конечно, она.

И все же, при всей своей монументальной силе, это произведение более хрупкое, чем может показаться на первый взгляд, подвержено тем же угрозам от вибрации и света, что и другие пастели.Габриэль Бернар де Рье провел последние два года в темноте, терпеливо ожидая своей очереди на стене пастельной галереи. Не могу дождаться, чтобы снова увидеть его этим летом, знаменуя триумф живописи пастелью.

Портрет Габриэля Бернара де Рье , 1739–1741, Морис-Кантен де Ла Тур. Бумага на холсте, пастель, гуашь. 79 × 59 дюймов. Музей Дж. Пола Гетти, 94.PC.39. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty

Использование черной бумаги для рисования пастелью

Меня недавно спросили, почему я не использую черную бумагу.Я предпочитаю бумагу среднего тона. Однако в настоящее время я в основном работаю на светлой бумаге, на которой создаю трехцветный сухой подмалевок. Причина, по которой я не очень люблю черную бумагу, заключается в том, что я не могу сделать на бумаге светлее И темнее. Я имею в виду, что бумага уже установила самые темные оттенки (в значительной степени), поэтому нет возможности сделать темные более темными. Кроме того, все на черной бумаге по необходимости должно быть светлее бумаги (поскольку она темная), будь то среднее значение или светлый оттенок.Из-за этого иногда трудно судить, насколько светлый (или не светлый) цвет, потому что большинство ваших пастелей будут выглядеть светлыми на черной бумаге.

Тем не менее, я решил, что, раз уж у меня было несколько листов черной бумаги UART, я бы попробовал. Я выбрал изображение с темным оттенком. (В предыдущем блоге я писал о своем опыте использования черной бумаги, но в то время моей темой были в основном средние и светлые значения, что означало, что я много прикрывал черной бумагой!)

Моей ссылкой была фотография, сделанная перед собором Барселоны (Catedral de Barcelona).Мне нравится, когда эти три девушки делают селфи — так типично для нашего мира в наши дни (эй, я виноват!). Мне понравилась их поза и связь друг с другом. Я также посмеялся над тем, как их фотосъемка игнорировала сам красивый собор.

И я решил, что поступлю именно так, как вы видите на обрезанной фотографии и уменьшенном изображении ниже.

Исходное фото для «Мы трое» Обрезанное исходное фото

Далее идет эскиз в трех значениях. Заметьте, я не сильно изменился.Мне понравилось преобладание темных оттенков на заднем плане и рассеивание темных оттенков по фигурам.

Еще мне понравилось размещение фонарей. Они создают в своем размещении треугольную форму, которая заземляется светлой полосой тротуара вдоль дна. Средние значения заменяют остальное.

Миниатюра к фильму «Мы трое».

А теперь оформление на черной бумаге! Очевидно, что виноградный уголь — мой обычный инструмент для рисования — не собирался показывать, поэтому я использовал вместо него пастель Гольбейна.Эти твердые пастели прекрасно подходили для рисования. Как видите, меня больше интересует расположение фигур и их взаимосвязь друг с другом, чем детали.

Рисунок для «Мы трое» — пастель Гольбейна на черной бумаге UART 400.

Далее последовали три цвета в трех значениях. Я выбрал желтый для светлых участков, чтобы они выглядели теплыми в белом полуденном свете.

Затем я выбрал синий для средних значений. Причина этого заключалась в том, что большинство этих областей среднего значения холодные, и хотя я часто помещал теплый цвет под очевидный холодный, я знал, что собираюсь выбрать теплый цвет для темных.Если бы я выбрал теплый для средних значений, это означало бы, что у меня будет три теплых цвета. Я решил сделать что-то другое: хотелось, чтобы в начальном подмалевке была некоторая прохладность.

Я выбрал красный цвет для темных областей, чтобы нейтрализовать прохладу глубокой тени в дверном проеме. Еще я хотел вывести тепло самих дверей.

Интересно, что в конце концов я понял, что выбрал три основных цвета для своего первого слоя, даже не осознавая этого!

Первые три цвета в трех значениях.Они создают подмалевок. Применены три значения — черно-белое

• Три исходных цвета
• Три исходных цвета: черный и белый

Пришло время нанести пастель поверх первоначального подмалевка на черной бумаге. Вот и начало.

Начало слоя

Я продолжал добавлять слои до тех пор, пока не был покрыт начальный первый слой (хотя вы все еще можете видеть, как он проходит и усиливает весь эффект).

Второй слой почти готов

Пока что я очень доволен, хотя лица требуют доработки! Именно здесь мягкая пастель кажется мне гигантской, пытаясь проработать детали.Я также поработала над туфлями и фоном (попробовав немного контекста для трех женщин).

Добавлены дополнительные слои и прорабатываются детали.

Еще проработайте детали, особенно лица. Я решил, что фон становится немного занятым и отвлекает наше внимание от женщин, поэтому поработал над ним, чтобы убрать детализацию.

Вы также можете увидеть, как я нанёс больше пастели на тротуар, чтобы скрыть темноту проходящей через него черной бумаги.

Больше настроек на «Мы Трое»!

И, наконец, после еще нескольких касаний (добавление нескольких отметок на рубашку слева, сдвиг фона еще дальше назад и упрощение столбца), я называю это завершением !!

Гейл Сибли, «Мы трое», пастельные тона Unison Color на UART, черный 400, 12 x 9 дюймов.

И пара крупных планов (которые, кажется, показывают более правильный цвет):

Гейл Сибли, «Мы Трое», пастели Unison Color на черном UART 400, детали лица 12 x 9.
Гейл Сибли, «We Three», пастели Unison Color на черном UART 400, 12 x 9 дюймов — детали обуви , «Мы Трое», пастельные тона Unison Color на UART черный 400, 12 x 9 дюймов — в черно-белом цвете

А вот пастели, которые я использовал. Светлые значения находятся в верхнем ряду, затем средние значения, затем темные. Моя самая светлая пастель находится слева, а справа внизу — те краски Гольбейна, которые я использовал для начального рисунка.

14 пастелей Unison плюс две пастели Гольбейна, которые я использовал на черной бумаге UART.

Должен сказать, мне очень понравилось работать над этой черной бумагой. Когда вы работаете над темным предметом, имеет смысл иметь эту темную поверхность для работы. И бумага UART содержит МНОГО пастели!

Используете ли черную бумагу? Если да, то почему? Если вы не используете черную бумагу, по какой причине вы этого не сделаете? Я был бы рад услышать от вас, поэтому, пожалуйста, оставьте комментарий со своими мыслями.

До следующего раза,

~ Гейл

техник рисования пастелью Л. Дайан Джонсон

техники рисования пастелью Л. Дайан Джонсон

По просьбе одного из коллег, я собираюсь нарисовать следующий закат по фотографии, которую он мне прислал. Хотя демонстрация будет окрашена в мягкую пастель, многое из того, что я буду делать, применимо к любым носителям. Перед тем, как рисовать по фотографии, нужно учесть и сделать несколько вещей: 1.Сделайте несколько снимков одного и того же места. При фотографировании делайте снимки до, во время и после захода солнца. У меня иногда бывает несколько десятков фотографий только на одну тему. Фотографии, сделанные до захода солнца, особенно важны для получения информации о тенях. Камеры известны тем, что убивают детали в тенях даже при тщательном замере. Тени могут быть плоскими, открывая только силуэт. Даже профессиональным фотографам сложно работать с тенями. А как художник у вас никогда не может быть слишком много визуальной информации. 2. По возможности красить на месте. Фотографии не содержат такой же информации, как рисование на месте, независимо от того, сколько снимков вы сделаете. Даже если вы будете рисовать в основном по фотографиям, ничто не сравнится с рисованием на месте, чтобы запечатлеть информацию, которую упускает фотография. Создавайте наброски, делайте цветные заметки и т. Д. Вживую, чтобы использовать их вместе с фотографиями еще в студии. 3. Используйте только лучшие фото. Некоторые фотографии лучше оставить как фотографии и не использовать для раскрашивания.Вы не можете нарисовать то, что не видите. Используйте только лучшие фотографии вашего объекта. Увеличьте изображение с негативов или используйте проектор и ручную лупу для работы со слайдами. Даже если вы отклонитесь от фотографии, знание того, от чего вы отклоняетесь, избавит вас от догадок. Если вы будете рисовать определенный предмет снова и снова, вы сможете вносить изменения более авторитетно и уверенно. С фотографиями также есть неотъемлемые проблемы, которые художник должен преодолеть.Я не буду здесь углубляться в эту тему. Просто сказать художникам, работающим с фотографиями, важно, чтобы вы узнали как можно больше об ограничениях и недостатках фотографии, прежде чем использовать их в качестве единственного источника для рисования. 4. Будьте избирательны. Нарисуйте только те элементы на фотографиях, которые создадут отличную картину. Оставьте ненужную визуальную информацию.

НАБЛЮДЕНИЯ С ФОТО: Вот исходное фото, которое я получил.Фото я немного осветила, так как было очень темно. На этой картинке я наблюдаю следующее … Солнце в центре Нет деталей в тени Общая дополнительная цветовая схема Фотография несколько размыта

МОЙ ПОДХОД К ДАННОЙ КАРТИНЕ: Работа меньше из-за отсутствия фотоинформации Раскрашивайте фигуры, а не детали Перемещение элементов для усиления композиции Работа от темного к светлому при покраске

ИСПОЛЬЗУЕМЫЕ МАТЕРИАЛЫ: пастели Сеннелье, Рембрандта, Жиро, Грумбахера, Шминке и Терри Людвига; в различных значениях / температурах фиолетового, синего, оранжевого, розового и желтого цветов. Бумага Canson — «войлочная» сторона (изначально я выбрал доску ручной работы, однако, поскольку многие участники используют бумагу Canson, я буду использовать ее для этой демонстрации).

ПРОЦЕСС, КОТОРЫЙ Я БУДУ ИСПОЛЬЗОВАТЬ: Нарисуйте большие формы, а затем работайте с меньшими От наименьшего количества деталей до наибольшего количества деталей Работа от самых темных темных до самых светлых Краска неплотно Без смешивания

КОМПОЗИЦИОННЫЕ ВОЗМОЖНОСТИ: Из одной только этой фотографии можно составить множество возможных композиций.Здесь показаны лишь некоторые из них: Так как исходное изображение имеет много форм и не содержит реальных деталей, я упрощу свою композицию, изменив положение и увеличив фокус (солнце), чтобы привлечь к нему больше внимания. Мне нравится верхняя левая часть неба, поэтому я переместу ее, а деревья слева направо. Это последняя композиция, из которой я решил нарисовать:

ПЛАНИРОВАНИЕ ПОКРАСКИ: Начну с кусочка стандарта 19.Бумага Canson 5 «x 25» среднего оттенка фиолетового цвета. Этот цвет дополняет апельсин. Покраска в целом будет сдержанной. Чтобы не покрывать светлую бумагу таким большим количеством пастели, я начинаю с этого более темного оттенка. Все цвета всегда будут «читаться», поэтому мне больше всего подходит этот цвет бумаги. Кроме того, фиолетовый воспринимается как «теплый», хотя в целом это холодный цвет. Я использую «войлочную» сторону бумаги, поэтому мне не нужно бороться с обработанными «ямочками» на противоположной стороне.Я использую Homasote в качестве поверхности подложки с несколькими дополнительными листами той же бумаги Canson под моей картиной. Это позволяет поверхности немного «дать», но она не станет мягкой. Если я буду рисовать на Canson без лишних деталей, это будет похоже на рисование на кирпиче. Без этой дополнительной подушки можно потратить много пастели.

ПОКРАСКА:
		С помощью темно-сине-серой пастели сначала прорабатываю самые большие формы.Я решил уменьшить общий горизонт, чтобы открыть больше неба. На исходной фотографии солнце не совсем в центре, не совсем справа, визуально оно имеет тенденцию плавать. Я усиливаю композицию, сдвигая ее вправо. [Примечание: изучение принципа «золотого сечения» или «золотого сечения» может дать вам больше творчества и уверенности при создании ваших композиций.] Я собираюсь удалить одни деревья и переместить другие, чтобы придать больше целостности и единства всей части (надеюсь!)

Я начинаю накладывать самые темные области стороной темно-сине-черной пастели, сначала оставляя все свободным.Если я сделаю плотный рисунок на раннем этапе, картина станет жесткой, и я не буду перемещать вещи, когда это необходимо. Я работаю вокруг всей картины, а не только в одной изолированной области. Все должно быть на одном и том же уровне готовности на протяжении всего пути. Также обратите внимание, что я показываю отражения при создании деревьев.

Затем я блокирую небо и воду, но не так светлую, как в конечном итоге.Я оставляю самые светлые огни и самые темные тени напоследок. Я прорезал отрицательные области, оставленные деревьями и водой. Позже я откорректирую позитив — туда и обратно, пока не добьюсь желаемого эффекта. Помните, что положительное и отрицательное пространство одинаково важны.

Я начинаю терять свой первоначальный набросок, поэтому пришло время пересмотреть структуру моей картины.Я возвращаюсь с NuPastel, чтобы проверить и восстановить пропорции, внести коррективы и прояснить края, прежде чем применять больше цвета.

А теперь самое интересное — рисовать серьезно. Я использую следующие более высокие значения темноты для создания теней и форм деревьев. Совершенно черные силуэты придадут вид «вырез». Хоть и невзрачный, я хочу, чтобы мои деревья были похожи на деревья.Я снимаю не по подобию, а скорее для впечатления или упрощенной версии этой сцены. Силуэты будут более светлыми и размытыми, чем на исходной фотографии, чтобы компенсировать потерю информации камерой. Чтобы создать ощущение глубины, я осветляю самые отдаленные деревья, используя комбинацию среднего фиалки, апельсина и синего.

Теперь, когда композиция и основные цвета указаны, я указываю солнце и работаю более тщательно в каждой области, сравнивая значения, цвета и интенсивности друг с другом.Я постоянно работаю, чтобы «связать» цвета краем пастели, кладя цвета рядом или накладывая поверх них. Вот как я избегаю смешивания. Я хочу, чтобы цвета были живыми и насыщенными, даже если они темные. Работая таким образом, мои цвета остаются чистыми.

Вы заметите, что в этой сцене в основном два уровня, средний и задний — не о чем говорить.Я мог бы сфокусировать ближайшую воду, но это сделало бы воду фокусом, а не солнце.

Я должен быть осторожен с облаками. Излишняя обработка или резкость краев привлечет слишком много внимания к небу. Поэтому я продолжаю упрощать, добавляя средние тона поверх.

Рядом с началом рисования это моя любимая часть — финиш! Добавление светящихся бликов и самых темных темных оттенков — вот что делает картину, в которой используется значение, «поет».Я наношу густую пастель на светлые участки, а тени нанесу более тонкой краской. Я работаю быстро, корректируя цвет и значение, чтобы добиться желаемого эффекта.

Я мог бы продолжить, но на этом я остановлюсь перед последней картиной. Обычно я рисую более детально и с более «полированной» отделкой, однако на этой фотографии не хватало информации, необходимой для детализированного изображения. Я решил, что для этого конкретного объекта лучше всего подойдет съемка ярких, насыщенных цветов с простыми открытыми формами.Вдобавок я использовал более заметные штрихи, чтобы вы могли лучше следить за тем, что я сделал. Надеюсь, это даст вам некоторые идеи и идеи для вашего следующего заката!

© 2001, Л. Дайан Джонсон

Посетите веб-сайт Л. Дайан Джонсон, чтобы увидеть больше ее работ.

Artshow.com | Интервью с артистами и демонстрации

Авторское право © 2001 Artshow.com. Все права защищены.
Веб-страницы и изображения на этом сайте не могут копироваться или распространяться в любой форме без специального разрешения.

Проблемы с масляной пастелью? Проблема может быть в документе

Наша соседка использует уроки искусства ArtAchieve в своем классе 6-го класса и часто заходит к нам домой, чтобы продемонстрировать последние достижения своих учеников.

На этой неделе она снова пришла со стопкой студенческих работ в руке, но вместо того, чтобы хвастаться работами своих учеников, она хотела рассказать мне, насколько разочарованы ее ученики.

Вот проблема, с которой столкнулись дети. Они использовали урок искусства уровня I: «Четыре солнца с четырьмя лицами». Урок предлагает студентам использовать масляную пастель и показывает, как их растушевывать.

Картинка, которая появляется на уроке искусства

Проблема, с которой столкнулся этот класс, заключалась в смешивании.Урок предполагает, что люди используют ластик или кончик пальца, чтобы смешать цвета вместе, но для этого класса смешивание оказалось невозможным.

«Вот, — сказал мой разочарованный учитель / сосед. «Посмотри на эти. Америка так старалась, и посмотрите, какой пятнистой получилась эта картина.

Солнце Америки

«И посмотри на эту щеку на солнце Анджелины.Похоже, она совсем не смешивала, но она очень старалась! »

Солнце Ангелины

«Карли заставил смешение немного поработать, но даже он выглядит грубо».

Солнце Карли

«Что мы сделали не так?» С этими словами она передала мне бумаги.

Проблема # 1

Как только я прикоснулся к бумаге, я понял главную проблему: это была бумага . Он был очень гладким, почти гладким на ощупь.

Я объяснил: : «У твоей бумаги нет зуба».

В этом примере я использовал недорогую бумагу для рисования, но у нее была приятная шероховатость, как «бумага для рисования». Иногда мы называем эту шероховатость «зубом» бумаги. Зуб на бумаге «кусает» масляную пастель и удерживает пигмент на кончике «зубов».”

Бумага, которую я использовал

Когда мы смешиваем пастель, мы растираем пигмент от одного зуба к другому, и пигмент скатывается в крошечные впадины между зубами. Это помогает облегчить смешивание.

Проблема # 2

Вторая вещь, которая пошла не так, это то, что студентов слишком сильно нанесли первый слой масляной пастели .Лучше, чтобы первый слой цвета был достаточно светлым. Если вы раскрашиваете волнистыми, беспорядочными узорами, а не втираете толстый слой в бумагу, на «зубах» остается место, чтобы позже уловить другие цвета, что облегчит процесс смешивания.

Если вы будете следовать этим двум принципам

• используя бумагу с кусочком зуба, и
• нанесение первого слоя цвета легким, беспорядочным мазком,

Вы обнаружите, что масляные пастели легко растушевывать и вознаградят ваши усилия своим насыщенным ярким цветом.

Практикуйте то, что вы только что узнали, на уроках искусства «Четыре солнца с четырьмя лицами». Начни здесь!

Наша соседка использует уроки искусства ArtAchieve в своем классе 6-го класса и часто заходит к нам домой, чтобы продемонстрировать последние достижения своих учеников.

На этой неделе она снова пришла со стопкой студенческих работ в руке, но вместо того, чтобы хвастаться работами своих учеников, она хотела рассказать мне, насколько разочарованы ее ученики.

Вот проблема, с которой столкнулись дети. Они использовали урок искусства уровня I: «Четыре солнца с четырьмя лицами». Урок предлагает студентам использовать масляную пастель и показывает, как их растушевывать.

Картинка, которая появляется на уроке искусства

Проблема, с которой столкнулся этот класс, заключалась в смешивании.Урок предполагает, что люди используют ластик или кончик пальца, чтобы смешать цвета вместе, но для этого класса смешивание оказалось невозможным.

«Вот, — сказал мой разочарованный учитель / сосед. «Посмотри на эти. Америка так старалась, и посмотрите, какой пятнистой получилась эта картина.

Солнце Америки

«И посмотри на эту щеку на солнце Анджелины.Похоже, она совсем не смешивала, но она очень старалась! »

Солнце Ангелины

«Карли заставил смешение немного поработать, но даже он выглядит грубо».

Солнце Карли

«Что мы сделали не так?» С этими словами она передала мне бумаги.

Проблема # 1

Как только я прикоснулся к бумаге, я понял главную проблему: это была бумага . Он был очень гладким, почти гладким на ощупь.

Я объяснил: : «У твоей бумаги нет зуба».

В этом примере я использовал недорогую бумагу для рисования, но у нее была приятная шероховатость, как «бумага для рисования». Иногда мы называем эту шероховатость «зубом» бумаги. Зуб на бумаге «кусает» масляную пастель и удерживает пигмент на кончике «зубов».”

Бумага, которую я использовал

Когда мы смешиваем пастель, мы растираем пигмент от одного зуба к другому, и пигмент скатывается в крошечные впадины между зубами. Это помогает облегчить смешивание.

Проблема # 2

Вторая вещь, которая пошла не так, это то, что студентов слишком сильно нанесли первый слой масляной пастели .Лучше, чтобы первый слой цвета был достаточно светлым. Если вы раскрашиваете волнистыми, беспорядочными узорами, а не втираете толстый слой в бумагу, на «зубах» остается место, чтобы позже уловить другие цвета, что облегчит процесс смешивания.

Если вы будете следовать этим двум принципам

• используя бумагу с кусочком зуба, и
• нанесение первого слоя цвета легким, беспорядочным мазком,

Вы обнаружите, что масляные пастели легко растушевывать и вознаградят ваши усилия своим насыщенным ярким цветом.

Практикуйте то, что вы только что узнали, на уроках искусства «Четыре солнца с четырьмя лицами». Начни здесь!

Наша соседка использует уроки искусства ArtAchieve в своем классе 6-го класса и часто заходит к нам домой, чтобы продемонстрировать последние достижения своих учеников.

На этой неделе она снова пришла со стопкой студенческих работ в руке, но вместо того, чтобы хвастаться работами своих учеников, она хотела рассказать мне, насколько разочарованы ее ученики.

Вот проблема, с которой столкнулись дети. Они использовали урок искусства уровня I: «Четыре солнца с четырьмя лицами». Урок предлагает студентам использовать масляную пастель и показывает, как их растушевывать.

Картинка, которая появляется на уроке искусства

Проблема, с которой столкнулся этот класс, заключалась в смешивании.Урок предполагает, что люди используют ластик или кончик пальца, чтобы смешать цвета вместе, но для этого класса смешивание оказалось невозможным.

«Вот, — сказал мой разочарованный учитель / сосед. «Посмотри на эти. Америка так старалась, и посмотрите, какой пятнистой получилась эта картина.

Солнце Америки

«И посмотри на эту щеку на солнце Анджелины.Похоже, она совсем не смешивала, но она очень старалась! »

Солнце Ангелины

«Карли заставил смешение немного поработать, но даже он выглядит грубо».

Солнце Карли

«Что мы сделали не так?» С этими словами она передала мне бумаги.

Проблема # 1

Как только я прикоснулся к бумаге, я понял главную проблему: это была бумага . Он был очень гладким, почти гладким на ощупь.

Я объяснил: : «У твоей бумаги нет зуба».

В этом примере я использовал недорогую бумагу для рисования, но у нее была приятная шероховатость, как «бумага для рисования». Иногда мы называем эту шероховатость «зубом» бумаги. Зуб на бумаге «кусает» масляную пастель и удерживает пигмент на кончике «зубов».”

Бумага, которую я использовал

Когда мы смешиваем пастель, мы растираем пигмент от одного зуба к другому, и пигмент скатывается в крошечные впадины между зубами. Это помогает облегчить смешивание.

Проблема # 2

Вторая вещь, которая пошла не так, это то, что студентов слишком сильно нанесли первый слой масляной пастели .Лучше, чтобы первый слой цвета был достаточно светлым. Если вы раскрашиваете волнистыми, беспорядочными узорами, а не втираете толстый слой в бумагу, на «зубах» остается место, чтобы позже уловить другие цвета, что облегчит процесс смешивания.

Если вы будете следовать этим двум принципам

• используя бумагу с кусочком зуба, и
• нанесение первого слоя цвета легким, беспорядочным мазком,

Вы обнаружите, что масляные пастели легко растушевывать и вознаградят ваши усилия своим насыщенным ярким цветом.

Практикуйте то, что вы только что узнали, на уроках искусства «Четыре солнца с четырьмя лицами». Начни здесь!

.