Рисовать с натуры или по фотографиям? “За” и “против”.

В очередной раз получив от учеников вопрос “Можно ли рисовать по фотографиям?”, я решила написать по этому поводу статью, чтобы раскрыть свою позицию.

Когда я встречаю где-нибудь на художественных форумах, как бывалые художники учат новичков, что рисование по фото – дурной тон, что делать этого ни в коем случае нельзя, то понимаю, что такой художник либо является только теоретиком от искусства, либо просто лукавит.

Предполагается, что можно рисовать только с натуры и на пленэре? А все остальное – жалкая подделка под природу?

Но давайте вспомним, что пленэр вошел в историю живописи не столь уж давно. Рисовать на природе художники начали только в 19 веке! Да, и фотографии тогда не было, рисовали по памяти. Но столь уж сильно потеряло искусство, заменив память художника на фотографию? Ведь память – вещь избирательная, всех деталей не запечатлеет.

Кроме того, в некоторых случаях, работа на пленэре для самой техники письма является не лучшими условиями. Той же акварелью, к примеру, зимой на морозе не порисуешь – вода замерзает…

Тем не менее, я не хочу сказать, что рисовать по фотографии можно и нужно. В этом вопросе, мне кажется, нельзя быть категоричным. Как и во многих вещах, здесь есть свои “за” и “против”. Попробую раскрыть эти моменты.

 Рисовать с натуры или по фото: “за” и “против”.

Фотография “одноглаза”, отображает объект более плоским, чем видит глаз.

Действительно, если вы посмотрите на какой-то близкий объект сначала двумя глазами, а потом одним, то увидите, что предмет стал “менее живым”, менее объемным.

Рисуя с натуры, мы можем передать это впечатление объема, а, рисуя по фото, лишаем рисунок части “жизни”.

Рисовать по фотографии легче, особенности объема виднее.

Для начинающих рисование по фото – спасение. Здесь они наглядно видят объем на двумерной плоскости листа, могут анализировать какой цвет они видят на том или ином участке картины и без потерь переносить эти впечатления на двумерный же лист бумаги.

Передача же зрительных ощущений от 3D объекта часто вызывает ощущение потерянности и бессилия. Как следствие, многие люди бросают рисование, отчаявшись разобраться с передачей объемной формы на плоском листе.

Фотография на первом этапе обучения – отличный помощник. Но не стоит застревать на этом этапе. Лучше рисовать с натуры и по фотографии одновременно, чтобы иметь возможность понять, как и что видит глаз на натуре.

Фотография искажает размеры предметов дальнего плана.

Думаю, вы замечали, что при попытке сфотографировать пейзаж, где есть глубина пространства, вы просто теряете объекты среднего плана. Они сильно сжимаются в высоту. Так, поразившие вас высокие горы, на фото выглядят лишь холмами. А тропика в поле, которую видит глаз, на фотографии просто исчезает.

Фотографии можно сделать в условиях, не подходящих для пленэра.

И это, я бы сказала, огромный плюс. Фотоаппарат позволяет нам запечатлевать те пейзажи,  в которые художнику со своим мольбертом не  попасть. А ну-ка попробуйте порисовать на вершине Эльбруса или посередине оживленного шоссе, в лютый мороз или под дождем! Только фотоаппарат сохраняет для искусства эти образы.

Фотография статична.

Человек же воспринимает мир не только глазами, но и всеми остальными чувствами. И может передать это в картине.

Фото способно запечатлеть мимолетную натуру.

Есть моменты, когда натура просто не будет позировать художнику. Летящая птица, животное в прыжке, сверкнувшая молния, да даже просто быстро увядающие цветы – все это сохраняет для нас фотография.

 Фото не передает тонкие оттенки цветов.

Да, фотография изменяет цвет, делает его проще, сближая тона. И в целом краски на фото совсем не те. И против света фотография засвечивается, нужно быть семи пядей фотографом, чтобы сделать качественный, близкий к реальности снимок…

Фотография допускает эксперименты с цветом.

Вы можете экспериментировать с фото, придавая ему разную насыщенность, меняя оттенки цвета, придавая при этом разное настроение мотиву. Так серенький невзрачный пейзаж может стать таинственным, мистическим или ярким и праздничным.

Ни одно фото не даст столько впечатлений и адреналина, как работа на пленэре.

Да, это прекрасно – сидеть на полянке, слушать пение птичек, сливаясь воедино с природой. При этом в душе наступает особое состояние, за которым художники вновь и вновь едут на пленэр. И не важно, что картина на пленэре в 90% случаев – лишь подсобный материал, который, возможно, никогда не станет картиной, но зато какой приятный процесс!

 Фотография запечатлевает детали.

Ну, это уже слабый плюс по сравнению с аргументом выше. Просто в дополнение к этюду, написанному на пленэре, фотография станет хорошим дополнением. Лучше сделать несколько фотографий и общего плана пейзажа, и отдельных его деталей. В совокупности с пусть даже простеньким этюдом на пленэре это станет огромный подспорьем при работе в студии, для создания солидной картины.

Как видите, у фотографии, как источника для картины, есть немало плюсов. Вряд ли современное искусство может совсем обойтись без фотографии. Да и для чего вводить ограничения? Ведь важно не как ты рисуешь, а что получаешь в результате.

Поэтому рисовать с натуры или по фото – каждый выбирает для себя сам.

Я “ЗА!” пленэр и “ЗА” фотографию.

А что выбираете вы? Напишите в комментариях!

* статья проиллюстрирована фотографиями из наших арт-путешествий:

Если материал вам понравился, поделитесь им с друзьями!

ТОП-5 популярных материалов блога: 

Как рисовать окружение — Gamedev на DTF

Пошагово рисуем пейзаж с домиком на примере курса «Основы создания окружения». Упражнения и советы из статьи можно использовать вне курса.

4327 просмотров

Что такое окружение и зачем оно нужно?

Окружение — это все, что находится в поле зрения зрителя. Это может быть и интерьер залитой солнцем комнаты, и горный пейзаж, и даже рубка управления космическим кораблем. Задача художника по окружению — убедить зрителя в реальности придуманного мира. Поэтому такие специалисты особенно востребованы в киноиндустрии и геймдеве — там, где нужно визуализировать новые миры, которые еще находятся в головах сценаристов.

Для создания полноценных иллюстраций тоже нужно знать, как рисовать окружение. В противном случае каждая работа будет представлять собой персонажа или предмет в вакууме.

Иван Смирнов

Основатель Smirnov School

Востребованность специалистов по окружению подчеркивает и эксперт мирового уровня по игровому движку Unreal Engine 4, технический художник Том Шеннон.

Спрос на художников по окружению гораздо выше, чем на тех, кто рисует только персонажей, например. Эта сфера очень широка — будь то концепт-арт, рекламные постеры для проекта или даже иллюстрация фейкового скриншота из еще не вышедшей игры.

Поговорим о том, как нарисовать пейзаж и на каких моментах заострить внимание.

Блок 1. Планируем наполнение

На этом этапе мы формируем идею и выдаем ее на бумагу: придумываем, какие объекты изобразим, и как они будут выглядеть.

Подбираем элементы окружения и выбираем главное

Представьте, что вы решили нарисовать вид из окна. Вы изобразите дома, деревья, машины. Все это — элементы окружения, которые в цифровом рисовании называют пропсами. Само слово «props» переводится с английского как «реквизит». Чистый холст в таком случае выступает сценой, на которой художник расставляет декорации.

На сцене должен присутствовать главный герой, к которому будет прикован взгляд зрителя. Это необязательно должен быть живой персонаж: внимание может привлечь и домик на опушке леса, и огромное старое дерево, и даже груда камней. Такой композиционно значимый объект будет «лэндмарком» — достопримечательностью в окружении. Это частный случай пропса, который должен выделяться среди всех остальных.

На курсе студенты рисуют домик в лесу или в любом другом окружении. Почему именно домик? Дело в том, что архитектурный объект в среде — это наиболее частый сценарий для иллюстраций окружения. Когда студенты научатся изображать простую постройку, они смогут взяться и за более сложные задачи — рисовать, к примеру, дворцы, замки или целые города.

Подход к дизайну пропсов

Разобравшись, какими объектами мы собираемся заполнить окружение, нужно поразмыслить над их внешним видом. В концепт-арте художники обычно начинают работу с силуэта, который является базовым и самым важным элементом дизайна.

На первый взгляд нет ничего сложного в том, чтобы придумать силуэт для домика. Но проблема может возникнуть на следующем этапе, во время отрисовки: будет непросто нарисовать объект внутри выбранного силуэта, если изначально не подумать о том, зачем добавляются те или иные элементы.

Поэтому перед работой над дизайном пропсов нужно тщательно изучить структуру объекта, который мы хотим изобразить, и формы, из которых он состоит. В этом деле помогут референсы и статья о скетчинге, где мы рассказывали о работе с примитивами, а также материал по «анатомии» дома.

Упражнение 1. Делаем эскизы из простых форм

Чтобы лучше понимать принципы работы с примитивами, студенты рисуют несколько вариантов домика. Их собирают из простых форм, словно конструктор, комбинируя кубы, цилиндры, сферы и т.д. Сначала рисуют один элемент, а потом постепенно добавляют к нему остальные (см. пример ниже). При этом важно сочетать формы так, чтобы они не были одинаковыми по размеру и весу. В гармоничном дизайне должны прослеживаться большие, средние и малые формы.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Неудачное сочетание форм

Как уже говорили выше, студенты собирают домик, словно конструктор из простых геометрических фигур. В процессе они порой забывают, что объект должен содержать разные по размеру формы — в итоге получается, что формы имеют одинаковый вес и спорят между собой.

Решение

Тщательно анализируйте референсы. Разбейте изображенные на них объекты на составные части разной формы и размера. Не приступайте сразу к прорисовке кирпичиков и окошек. Идите от общего к частному: сперва силуэт, а затем — детали.

Ольга Морозова

ментор курса «Основы создания окружения»

Риск 2. Выбран неинформативный ракурс

Строго фронтальное изображение объекта — ошибка, из-за которой зритель плохо чувствует форму и объем. Он не может представить нарисованное в трехмерном виде, поскольку для этого нужно видеть не только переднюю стену домика, но и боковую.

Решение

При работе над дизайном объектов используйте информативные ракурсы. Лучше всего изобразить пропсы в ¾ . Так будет проще передать их объем и пропорции.

Сочетание прямоугольных и округлых форм в правильно подобранном ракурсе улучшают читаемость и восприятие домика.

Блок 2. Выстраиваем композицию

На первом этапе разработки окружения мы придумали, чем наполнить сцену и выбрали конечный дизайн домика. Самое время расставить все по местам.

Нужно задуматься, для чего мы вводим те или иные элементы в работу. Каждый из них должен направлять взгляд зрителя в нужную нам сторону. В противном случае есть риск, что часть элементов ухудшит работу просто из-за того, что мы не знаем, как ими пользоваться.

Как удачно расположить элементы на картине

Композиция в рисовании — это способ расположения и соотношения всего, что изображено на холсте. Она нужна для гармоничного сочетания элементов окружения и контроля за вниманием зрителя. Работа с хорошей композицией выглядит целостной и понятной.

Существует много вариантов построения композиции. В качестве примера разберем один из самых популярных и поговорим о нюансах в расположении объектов.

Правило третей

Для создания композиции по этой схеме нужно разделить холст на 9 равных частей с помощью перпендикулярных линий, чтобы получилось подобие сетки. Точки пересечения этих линий — наиболее удачное место для расположения лэндмарков.

Нюансы — определяем положение горизонта

От того, как мы расположим условную линию, разделяющую небо и землю, зависит восприятие картины. Линия горизонта определяет точку, с которой зритель смотрит на изображенный сюжет и является основой для построения всей перспективы.

Посмотрите на пример ниже. Низкий горизонт на картине слева создает ощущение огромного воздушного пространства над землей. Небо перетягивает на себя основное внимание зрителя. Персонаж на картине справа кажется высоким и величественным не только из-за того, что он едет на лошади, но и потому, что точка зрения зрителя гораздо ниже уровня глаз всадника. Он останется выше, даже если спешится.

Еще один пример. Высокая линия горизонта слева перетягивает внимание зрителя с неба на землю и позволяет увидеть сцену с высоты птичьего полета. На картине справа горизонт находится на уровне глаз зрителя, что позволяет нам почувствовать себя участниками действия.

Нюансы — расположение масс

От того, как вы обойдетесь с пропсами разной массы в работе, будет зависеть гармоничность композиции. Вариантов уравновешивания масс много: например, крупный и проработанный лэндмарк можно сбалансировать меньшим объектом по другую сторону от центра холста. Подробнее о вариантах расположения масс можно прочесть в статье «15 типов композиции для художников».

Упражнение 1. Анализируем референсы и строим композицию

На этом этапе начинающим художникам будет полезно проанализировать работы более опытных коллег. Это помогает понять, как мастера решают вопросы композиции, где располагают лэндмарк и как подводят к нему взгляд зрителя. Чтобы анализ вышел более понятным и ощутимым, можно сделать простые композиционные стадики. Главное — делать это вдумчиво и подмечать нюансы композиции, а не просто срисовывать.

Затем можно приступить к простраиванию своей композиции с опорой на референсы. Лучше сделать несколько разных вариантов.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Не соблюдается принцип равновесия

Бывает, что большая часть пропсов располагается в одной части листа, а вторая при этом остается пустой. Это портит композицию, поскольку в ней нет баланса. Объекты на перегруженной части будут плохо считываться, что утомит взгляд зрителя. А в пустой зоне отдыха ему будет не за что зацепиться.

Решение

Постарайтесь равномерно распределять визуальные массы на холсте. Объекты можно располагать группами — нарисовать рядом с домом дерево и ведущий к нему забор, стайку птиц на фоне облаков и т.д.

Важно также помнить, что чем выше детализация, тем больше внимания привлечет объект. Например, домик должен быть прорисован в деталях, а вот кусты вокруг него — нет. Это нужно, чтобы не перетянуть фокус внимания с главного объекта на второстепенные.

Ольга Морозова

Риск 2. Выбран неудачный формат кадра

Иногда форма лэндмарка не подходит под выбранную ориентацию кадра. Попытка вписать высокую башню в горизонтальный кадр или зажать длинное строение в тесные рамки вертикального — рискованная.

Решение

Нужно опираться на уже заданное движение форм лэндмарка. Горизонтальная ориентация холста поддержит движение приземистого домика, усилит ощущение его формы. Важно рассматривать кадрирование как часть композиции, а не что-то второстепенное.

Для высокого строения ментор советует выбрать вертикальную ориентацию кадра. Автор: Степанов А.

Блок 3. Добавляем цвет и освещение

На предыдущем этапе мы определились с композицией и расставили все объекты на холсте. У нас готов монохромный рисунок или очищенный от всего лишнего лайн. Теперь пришло время придать ему цвет, объем и плановость.

Композиция цвета и освещения

Задача каждого аспекта композиции — управлять вниманием зрителя. Мы приступаем к этому с самого начала, когда ищем формы для лэндмарков и пропсов. Потом мы используем направляющие и силуэты, соотношение визуальных масс и ориентацию кадра. Цвет и свет — мощный инструмент, способный усилить эффект от всего вышеперечисленного.

При работе с цветами важно помнить о том, чтобы они не спорили между собой. Для этого они должны отличаться по тону, яркости и насыщенности. Разной должна быть и площадь цветовых пятен, чтобы рисунок не превратился в однородную массу. В хорошей работе легко читаются база, нюанс и акцент (БНА).

Что это такое?

1. База — цвет, который занимает на холсте наибольшую площадь. Остальные цвета художники подбирают по отношению к нему.

2. Нюанс — дополнительный к базе цвет, обычно — сосед на цветовом круге.

3. Акцент — цвет, наиболее контрастный к базе. Он самый заметный, хоть и имеет наименьшую площадь.

Посмотрим работу БНА на примере:

Цвет и свет неразрывно связаны между собой. От уровня освещенности зависит тон и насыщенность цветов, а значит и то, насколько они будут заметны. Когда мы добавляем свет на некую поверхность, мы сигнализируем зрителю «смотри сюда», а когда затеняем — наоборот.

Важно отметить, что глаз ищет не столько самый светлый участок, сколько самый контрастный. Поэтому черное пятно на светлом фоне привлечет не меньше внимания, чем светлое на темном.

В рамках курса мы рассматриваем наиболее простую схему освещения, когда свет мягко концентрируется на домике, будто в ясный солнечный день. Так студенты могут свободно работать с чистыми цветами и прорисовать детали, которые не потеряются в мягких, не сильно контрастных тенях.

Как придать работе глубину с помощью планов

Не стоит забывать про разбивку работы на планы — ближний, средний и дальний. Без них рисунок будет казаться плоским; у зрителя не появится ощущение трехмерного пространства.

Как работает плановость? В большинстве случаев достаточно соблюдать переход от темного ближнего плана к светлому дальнему. По мере удаления от зрителя тон становится светлее, а объекты теряют детализацию из-за того, что молекулы воды и пыли в воздухе становятся плотнее и мешают обзору. Это называется воздушной перспективой.

Упражнение 1. Подбираем цветовую палитру

Изучив теорию, переходим к практике и выбору цвета. На этом этапе нужно сделать несколько вариантов цветовых композиций и освещения. Не забывайте подбирать референсы и к цветовым схемам: желательно использовать сразу несколько референсов для каждой композиции.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Используется «грязный» цвет

Блеклые цвета с примесью серого нередко портят работы начинающих художников. Цвет становится грязным при смешении исходных цветов с неподходящими параметрами насыщенности и яркости. В таком случае краски выглядят сероватыми и блеклыми.

Решение

Не нужно бояться напортачить в учебной работе, особенно если вы работаете в цифре. На первых этапах можно брать цвета пипеткой напрямую с референсов и смотреть на их положение в цветовом пространстве. Но если вы хотите расти дальше как художник, то нужно обязательно изучить теорию цвета, чтобы понять, как он ведет себя в различных условиях.

Ольга Морозова

Можете прочесть статью о том, как справиться с проблемой грязных цветов.

Риск 2. Несоблюдение принципа теплохолодности

Студенты порой подбирают палитру, где присутствуют только теплые или только холодные цвета. Такая работа может выглядеть скучно.

Решение

В стандартных условиях мы всегда видим цвета разной температуры в своем окружении. Это соответствует базовому правилу живописи, согласно которому теплый свет дает холодные тени и наоборот. Оно работает в большинстве случаев за редким исключением.

Блок 4. Добавляем завершающие штрихи

На данном этапе наша работа уже должна иметь приемлемый вид — все расставлено по правилам композиции, в рисунке есть плановость, точка фокуса, цвет и освещение. Пришло время финализировать рисунок.

Детали

Первый шаг на этом этапе — детализация. Не стоит тут же бросаться прорисовывать каждый листик на деревьях. Лучше отдалить работу, посмотреть на нее свежим взглядом или даже попросить посмотреть кого-нибудь из знакомых. Обратите внимание на участки, к которым вы хотите привлечь внимание зрителя — здесь и нужно заняться детализацией.

Всегда стоит помнить, для чего мы делаем рисунок. От этого зависит требуемый уровень детализации. Если вы создаете концепт, то для него может быть достаточно лайна, цвета и освещения. А для детальной иллюстрации пригодятся навыки рендера материалов.

Домик — самый прорисованный элемент на картине. Автор: Кулакова Виктория.

Постобработка

Доводим картинку до коммерческого вида с помощью постобработки. Например, если работе не хватает контраста, можно сделать копию рисунка на новом слое, поставить ей режим наложения Soft Light или Overlay, а затем отрегулировать прозрачность.

Для того, чтобы проверить, все ли в порядке с насыщенностью, поверх картинки можно наложить новый слой с серой заливкой. Затем нужно выбрать режим наложения Luminosity. На слое с заливкой яркие участки должны быть там, где это выгодно композиционно — например, в месте, к которому мы хотим привлечь внимание зрителя.

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Закапывание в детали

Порой студенты слишком увлекаются рисованием деталей. Из-за этой ошибки работа становится перегруженной, теряется центр фокуса.

Решение

Почаще отдаляйте работу. Помните, что детальной проработки требуют только фокусные точки и точки интереса, все остальное пространство нет смысла досконально прорисовывать. Важно целостное ощущение от работы.

Ольга Морозова

Риск 2. Некорректная разбивка на планы

При добавлении цвета и освещения может измениться тон элементов на картине. Из-за этого работа потеряет глубину и станет выглядеть плоской, станет сложно определить, что находится ближе, а что — дальше.

Решение

Почаще переводите свою работу в ч/б, чтобы проверить, не спорят ли объекты по тону, не размылись ли планы. Помните, что объект, который находится ближе к зрителю, будет темнее и теплее по цвету при дневном освещении. По мере удаления он будет светлеть и приобретать холодный оттенок в соответствии с правилами воздушной перспективы.

Елена Ушанова

ментор курса «Основы создания окружения»

Блок 5. Превращаем дневное окружение в ночное

После того, как вы нарисовали дневной пейзаж, можете попробовать превратить его в ночной. Здесь действуют уже другие правила, о которых мы расскажем ниже. На курсе этот блок является бонусным для всех, кто дошел до конца обучения.

Меняем цветовую гамму

Описанный здесь пайплайн позволяет легко превратить дневное окружение в ночное. Изменения происходят на этапе работы с цветом и освещением. Цветовая гамма становится более ограниченной, поскольку человеческий глаз при недостатке света плохо различает цвета. Сторонние источники освещения при этом начинают активнее влиять на окружающие объекты и доминировать над собственными цветами предметов.

Иначе работает и плановость — объекты будут темнеть по мере удаления, а не светлеть, как это бывает при дневном свете. Глазам попросту не хватает света, чтобы увидеть то, что находится на расстоянии.

Изображая ночь, художники обычно рисуют так называемый «синий» час. Это время, когда солнце только скрылось за горизонтом или еще собирается взойти. В такие моменты небосвод остается достаточно ярким, чтобы можно было различить детали объектов окружения. В то же время зритель понимает, что изображена ночь или поздний вечер.

Вот пример синего часа в рисунке:

Распространенные риски и как их исправить

Риск 1. Недобор в цвете

Если слишком сильно ограничить палитру цветов, работа становится почти монохромной.

Решение

Изучайте референсы и не бойтесь работать с цветом! Конечно, ночью все кошки серые, но один из крутейших навыков художника — показать, что кошка серая, с помощью фиолетового цвета!

Ольга Морозова

Как закрепить результат?

За курс каждый студент рисует одну детализированную работу. Конечно, этого недостаточно, чтобы сразу стать профи. Курс дает рабочий пайплайн, однако без регулярной практики не будет профессионального роста.

Студентам мы предлагаем закрепить знания челленджем #envifive4ivan . Его суть в том, чтобы нарисовать 5 работ по пайплайну курса. Темы для челленджа можно поискать на pinterest или, например, нарисовать пять домиков разных персонажей: домик ведьмы, домик алхимика, домик кузнеца и так далее.

1. Необходимо владеть навыками, преподаваемыми на курсах «Основы CG рисунка», «Скетчинг и формы», «Рендер материалов». Новичкам будет сложно создать иллюстрацию окружения без базовых навыков.

2. Графический планшет или iPad с Apple Pencil.

3. От 7 до 14 свободных часов в неделю.

4. Желание и готовность рисовать!

Дополнительные материалы

Текст написал Богдан Дудниченко, автор в Smirnov School. Мы готовим концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Если придёте к нам на курс, не забудьте спросить о скидке для читателей с DTF.

Стрит-арт-художники — о том, как рисовать граффити, чтобы их не закрашивали

Сегодня коммунальные службы всё чаще закрашивают работы даже самых известных уличных художников. При этом к ним же зачастую обращаются застройщики и культурные организации, чтобы преобразить свои внутренние дворики и стены зданий. Strelka Mag поговорил с тремя уличными художниками о том, каково это — рисовать на улицах, зачем делать проекты под заказ и чем особенны выставки стрит-арта.

Источник: Андрей Адно / facebook.com/andreyadno

О РИСУНКАХ ПОД ЗАКАЗ

Анастасия Владычкина, арт-группа «Явь»

Источник: Арт-группа Явь / vk.com/yav_zone

Источник: Арт-группа Явь / vk.com/yav_zone

Источник: Арт-группа Явь / vk.com/yav_zone

«Все наши самостоятельные работы в городе мы делаем на свои деньги. При средней зарплате и полном рабочем дне в офисе довольно сложно заниматься стрит-артом. Самые интересные, масштабные и дорогостоящие идеи реализовать не получается, а денег зачастую не хватает и на личные потребности. Мы стремимся к тому, чтобы у нас появилась возможность уйти из офиса и заниматься только „Явью“ — хотим зарабатывать любимым делом, а не тратить годы на работу в офисе. В этом помогают коммерческие проекты: они дают ресурсы для новых уличных работ, а также возможность создать действительно большие проекты. Такие рисунки намного проще делать: полиция не заберёт в отделение, прохожие не будут приставать, а коммунальщики потом ничего не закрасят. Но при этом такие проекты никогда не будут политическими или остросоциальными. На эти темы мы не рисуем за деньги.

Мы берёмся за те заказы, в которых у нас есть большая свобода действий, а заказчик не политизирован и готов дать нам время, оплатить работу и выполнить райдер. Он у нас простой: туалет, раковина, место для хранения вещей, розетка и подъёмники, если для работы это нужно. Одним из последних наших заказчиков была строительная компания „ЦДС“: они хотели, чтобы на стене их здания просто появился рисунок. У нас не было чёткого ТЗ и никаких ограничений, и сроки мы себе поставили сами. Поскольку проект находится в спальном районе, мы решили сделать что-то спокойное, не вызывающее. Здесь же расположена детская площадка, поэтому наш рисунок должен был быть понятен и доступен детям. Мы также решили, что он должен выполнять не только эстетическую, но и образовательную функцию — так мы и выбрали сюжет романа „Евгений Онегин“. Мы стремились по-новому переосмыслить роман, отразить на стене наше восприятие, а зрителя заставить задуматься. Готовый макет отправили на согласование, и его приняли без правок. Позже мы узнали, что был конкурс, и свои наброски прислали ещё несколько стрит-артистов. Получается, мы скорее выиграли грант, чем реализовали коммерческий проект».

О ПРОЕКТАХ ДЛЯ ВЫСТАВОК

Алексей Luka

Источник: Алексей Luka

«Проекты для выставки требуют больше времени, чем уличные, но в таких случаях есть возможность всё спланировать заранее, найти нужные материалы и тщательно подготовиться. Работы, созданные сразу на улице, спонтанны и всегда связаны с окружающим пространством — вписываются или продолжают и дополняют его. Галерея — это полностью чистое место, поэтому в ней такого эффекта добиться сложнее, нужно создавать атмосферу с нуля.

Последняя групповая выставка, в которой я принял участие, прошла в 2018 году и была посвящена выходу книги „Части стен 2“. Это первое масштабное исследование уличного искусства России от Калининграда до Петропавловска-Камчатского. Конкретных требований к проекту не было: идея заключалась в том, что работа должна была быть не только вписана в определённый контекст, но и иметь прикладную функцию. В моём случае это была серия работ на старых зданиях: работа в виде колонны поддерживала крышу или закрывала оконный проём без стекла».

О ГРАФФИТИ НА УЛИЦАХ

Андрей ADNo

Источник: Андрей Адно / facebook.com/andreyadno

Источник: Андрей Адно / facebook.com/andreyadno

Источник: Андрей Адно / facebook.com/andreyadno

Источник: Андрей Адно / facebook.com/andreyadno

«Все свои работы на улицах я всегда рисую один и делаю это только днём. За последние десять лет я ни разу не сталкивался с проблемами с полицией — единственный раз меня забрали в отделение в 2008 году. Когда долго живёшь в городе, всегда подмечаешь места, подходящие для нового рисунка. Карта потенциальных пространств для работ есть в голове у каждого уличного художника. В 2012 году я даже создал мобильное приложение, с помощью которого можно было сохранить такие места себе в карты.

Рисуя в городе, нужно всегда быть готовым к тому, что работу могут закрасить уже через час, ведь улица принадлежит всем. Но большинство моих работ всё ещё сохранились. На самом деле, для меня реализация собственных идей на улицах не сильно отличается от создания инициированных кураторами или организаторами фестивалей работ. Во втором случае художнику лишь предоставляют все условия, например материалы и гонорар, а в сам процесс вовлекаются минимально: организаторы всегда заранее знакомы со стилем и видением художника, поэтому обычно не вмешиваются в творчество».

​

В феврале «Стрелка» совместно с посольством Великобритании и организацией Create London провели серию семинаров и лекций City&Culture в пяти российских городах. Эксперты обсуждали, как искусство помогает решать социальные проблемы, почему будущее городов зависит от художников и могут ли авторы стрит-арта договориться с городскими администрациями.

«Подземный» художник Максим Шаговиков — о том, как рисовать людей в метро – Москва 24, 15.12.2014

Фото: vk.com/shagovikov_m

В метро у нас нет времени смотреть по сторонам. Мы торопимся вскочить в вагон, перечитываем конспекты, обновляем соцсети или просто сидим с закрытыми глазами — досыпаем.

Но есть среди нас те, для кого метро — остров сокровищ, подмостки театра и волшебная планета. Это — московские подземные художники. Люди, вооруженные карандашами, ручками, маркерами и блокнотом, использующие путь от станции до станции для наблюдений.

Корреспондент сетевого издания поговорила с Максимом Шаговиковым, основателем проекта ART OF METRO — сообщества людей, которые стремительно фиксируют пассажиров метрополитена.

Иллюстрация: Максим Шаговиков, предоставлено автором

— Расскажите о своем творческом пути. Давно ли рисуете? Есть ли у вас профессиональное художественное образование?

— Рисую я с самого детства, но серьезно начал с 2006 года. Окончил Институт экономики и культуры, получил высшее образование по специальности «Дизайн интерьеров». Но заниматься интерьерами не стал, меня больше интересовали кино и мультипликация. После окончания института попал в пост-продакшн студию, с этого момента началась моя карьера художника.

— Какими материалами удобнее всего пользоваться в метро, чтобы быстро и четко зафиксировать увиденную картинку?

— Я делаю скетчи на планшете — это удобно, быстро и современно, а кроме того — неограниченная цветовая палитра и выбор кистей. Попробуйте представить, что вы заходите в вагон, достаете карандаш, скетчбук и начинаете делать набросок. Потом вы захотели добавить цвет, достаете связку карандашей, ищете подходящий и… ваш натурщик уже выходит… Традиционные материалы я тоже использую, но реже.

Иллюстрация: Максим Шаговиков, предоставлено автором

— Скетчинг как жанр – чего он требует от художника? Доступен ли он зарисовщику любого уровня, или тут нужна серьезная подготовка?

— Это направление хорошо тем, что доступно каждому, нужен только блокнот и ручка. Конечно, чтобы добиться серьезного результата нужна хорошая база знаний об анатомии и светотени.

— Ваш стиль рисования – какой он, вы сами его как-то называете?

— Я не люблю вешать ярлыки. Конечно, существуют различные стилистики рисования, но я не отношу свои работы к какому-то определенному. Оттачивание навыков в метро лишь одна сотая часть того, что я рисую. Меня интересует все, от традиционной живописи до анимации. Я пробую, оттачиваю, смешиваю, пытаюсь внести что-то свое.

— Как люди реагируют, когда замечают, что вы их рисуете? Какие реакции встречаются чаще всего, были ли необычные случаи? Просили ли вас присылать портреты по почте, предлагали ли денег?

— Денег не предлагали, рисунки не просили, я чаще их сам отдаю, если рисую на бумаге, а в цифровом формате просто показываю людям на месте.

Необычный случай случился со мной в канун 2013 года. Ехали с супругой за подарками, напротив нас сел мужчина и начал мне позировать, заметив, что я его рисую. Так мы проехали почти 20 минут, завязав под конец беседу. Оказалось что он тоже художник, и зовут его Николай Федорович Тронза. Мы быстро обменялись контактами, договорились созвониться и встретиться, чтобы я мог передать рисунок. После окончания праздников я позвонил и мы договорились о встрече у него в мастерской. Николай встретил нас очень гостеприимно, напоил чаем, рассказал о себе и показал огромную коллекцию своих картин. Расстались мы на доброй ноте.

Иллюстрация: Максим Шаговиков, предоставлено автором. Изображен Николай Тронза

— Вы рисуете только самих пассажиров — почему не зарисовываете станции, вагоны, метро без людей?

— Я ценю свое время, поэтому чаще всего рисую в пути, по дороге на работу и обратно. Вокруг кто-то читает книгу, кто-то залипает на карте, ну а кто-то просто спит. Я рассматриваю людей как персонажей своих будущих рисунков, чем больше я запомню/нарисую, тем богаче будет палитра эмоций моих работ. Рисовать вагоны мне не интересно.

— Вы чувствуете себя неуютно, когда все смотрят, как вы работаете: заглядывают через плечо, недоумевают?

— Абсолютно нет. Живой интерес только подбадривает. Когда я рисую, то стараюсь быть предельно сконцентрированным. Все смотрят, а я тренирую свое внимание, стараюсь не рассеивать взгляд — это полезный навык для художника.

Иллюстрация: Максим Шаговиков, предоставлено автором

— У вас так мало времени на зарисовку – вам нравится эта скорость? Почему? Она активизирует воображение? Учит видеть главное вокруг себя?

— Да, именно в этом и заключается смысл. За короткий промежуток времени максимально полно и выразительно передать образ, характер. Порой хватает нескольких штрихов, чтобы удалось схватить самую суть — это доставляет удовольствие. Такой навык дает возможность в будущих работах тратить гораздо меньшее время на ту же самую, по сути, задачу.

— В какое время дня пассажиры метро выглядят занятнее всего? Когда едут на работу? Или когда направляются куда-то отдыхать вечером? Или утром первого января?

— В то время, когда все едут на работу и обратно. Здесь нельзя предугадать. Весь фокус в моменте неожиданности, ты должен быть готов рисовать все, что тебя заинтересует и уметь быстро переключать внимание.

— Перед вашими глазами ежедневно проходит столько людей: какой он, типичный москвич, москвич из метро?

— Это хороший вопрос. Как говорится, все познается в сравнении. Действительно, я понял, что наши люди, отличаются своей открытостью, добротой и пониманием, кто бы что ни говорил. Поэтому в родном городе рисовать приятней всего, это особенная атмосфера.

Иллюстрация: Максим Шаговиков, предоставлено автором

— Как московское метро вообще влияет на человека? Люди под землей чем-то отличаются от тех, которые гуляют в это же время по улицам? И есть ли отличия между пассажирами московской подземки и пассажирами метро других городов?

— Да, конечно, отличаются. Как вы сами сказали — на улице гуляют, а здесь спешат по делам. Я был на разных континентах, рисовал в метро в Европе. Там люди очень закрытые, им нужно больше личного пространства. Я бы сказал, что личная зона комфорта у европейцев шире, и им очень не нравится, когда ее нарушают.

— Что для вас значит Московский метрополитен? Это просто транспорт, или это путешествие, целая философия, мир в миниатюре?

— Это скорее другой мир. Наверху один, тут другой. Со своими правилами и способами существования.

Иллюстрация: Максим Шаговиков, предоставлено автором

— Существуют ли мировые аналоги вашего проекта — сообщества художников в метро, — заимствуете ли вы их опыт?

— На сегодняшний день существует несколько таких аналогов, но у истоков стоит Toronto Subway Sketch Group, именно они были первыми. Сейчас же я поддерживаю общение с De lignes en ligne — croquis de métro, это французские ребята. Еще есть ребята из Польши Warsaw Subway Sketch Group, которые также устраивают встречи и рисуют в метро. Конечно, мы перенимаем опыт и учимся друг у друга.

— Как вы видите перспективы развития проекта? Кроме расширения круга единомышленников – что ждет его в будущем?

— Продолжать рисовать и развиваться, остальное покажет время.

Софья Бассэль

Иллюстрации: Максим Шаговиков

Научитесь рисовать как профессионал: полное, бесплатное руководство

Ищете ли вы уроки рисования для начинающих или базовые советы по совершенствованию рисования, научится рисовать с помощью этой БЕСПЛАТНОЙ электронной книги в качестве основного руководства!

Отправьтесь в путешествие по грунтованию, окрашиванию, основам кисти и внесению исправлений в свои картины. Узнайте, как рисовать, с помощью этих бесплатных пошаговых художественных техник, которые предлагают простые упражнения и базовые советы для улучшения ваших навыков.

Загрузите бесплатное руководство по рисованию сегодня!

* Указав свой адрес электронной почты, вы начнете получать наши информационные бюллетени, специальные предложения и другой бесплатный контент от Artists Network.

Для кого предназначена эта бесплатная электронная книга по пошаговым техникам рисования?

Обучение рисованию может быть пугающим процессом, но с бесплатными советами экспертов вы сможете быстро освоить базовые техники рисования. Узнайте, как нарисовать картину, которой вы можете гордиться, используя наши советы экспертов о том, как рисовать текстуру, вносить исправления и выбирать подходящие художественные принадлежности для выполнения различных мазков.В этом уроке искусства предлагаются советы по смешиванию поверхностей для широкого диапазона цветов с использованием масла, акварели или пастели, а также важность грунтования и окрашивания для предотвращения впитывания поверхности.

Ищете ли вы советы по рисованию для начинающих или опытный художник-живописец, эта бесплатная коллекция техник научит вас пошаговым техникам. Это руководство по бесплатному обучению рисованию будет тем, к которому вы будете обращаться снова и снова. Пусть опытные художники-художники проведут вас через шаги, чтобы научиться рисовать динамичный по цвету и полный текстур рисунок.

С бесплатной копией этих уроков рисования у вас под рукой будет профессиональное руководство по рисованию для начинающих. Учитесь рисовать у известных художников, которые испытали на себе испытания и ошибки при совершенствовании картины. Для начинающих советы, включенные в это руководство, предоставят вам информацию о художественных принадлежностях и основах, необходимых для постоянного улучшения своих навыков.

Научитесь грунтовать холст (и бумагу тоже)

На необработанный холст можно наносить как масло, так и акрил, но холст впитывает первый слой краски, поэтому обычно наносят слой грунтовки.Это действует как барьер между краской и холстом. Точно так же можно грунтовать бумагу, которую можно использовать как для акрила, так и для масла. Изучите основы подготовки своей работы и принадлежности для рисования, необходимые для грунтования и окрашивания холста или бумаги в этом бесплатном руководстве.

Научитесь создавать краски

Процесс создания масляной или акриловой картины — это во многом индивидуальный вопрос. Некоторые ведущие художники любят как можно быстрее покрывать холст, начиная с подмалевка тонкой разбавленной краской, которая очень быстро сохнет.Это позволяет им установить основные блоки тона и текстуры. Примените навыки, которые вы можете узнать из этой бесплатной электронной книги, чтобы нарисовать текстуру в своих произведениях.

Смешайте краску на своей поверхности

В отличие от красок, пастельные тона нельзя смешивать в палитре перед нанесением на бумагу. Вместо этого цвета смешиваются на самой бумаге. Даже если у вас широкий выбор пастельных тонов, почти всегда необходимо некоторое смешивание поверхностей. Узнайте, как создавать наложения цвета, чтобы задать тональный ключ для вашего следующего произведения искусства.Научитесь рисовать живые и полные динамических цветов предметы, используя советы из этой бесплатной электронной книги.

Познакомьтесь с кистью

Следы кисти сыграли важную роль в технике рисования с тех пор, как сначала Тициан, а затем Рембрандт начал использовать их в отличие от гладких поверхностей и тонких смесей, которые предпочитали более ранние художники. Кисть может быть очень полезной для рисования текстуры и добавления деталей к объектам на вашей картине. Степень использования мазков в акриловой живописи зависит от художника-живописца.Один художник-рисовальщик может использовать мазок так же, как и при работе с маслом, в то время как другой может использовать ценность акрила для плоского цвета.

Уроки искусства: как исправить

Нет ничего более разочаровывающего, чем обнаружить на полпути к простому произведению искусства, что что-то пошло не так; возможно, цвета не гармонируют или объект находится в неправильном положении. К счастью, часто можно все исправить. В искусстве, особенно для начинающих, ошибки следует рассматривать как часть процесса обучения.Есть простые способы исправить свои неудачи.

Безошибочное произведение искусства с точки зрения художника определенно требует умения. Иногда первая попытка не всегда бывает удачной. Узнайте, как легко вносить исправления, чтобы улучшить свое искусство рисования на ранних этапах, чтобы избежать еще более проблемных исправлений в вашей работе позже. Загрузите эту бесплатную электронную книгу, полную бесплатных уроков рисования, и начните понимать базовые техники рисования, чтобы создавать потрясающие произведения искусства, а также необходимые для этого художественные принадлежности.

Загрузите бесплатное руководство по рисованию сегодня!

* Указав свой адрес электронной почты, вы начнете получать наши информационные бюллетени, специальные предложения и другой бесплатный контент от Artists Network.

7 основных техник рисования для художников

Знание фундаментальных техник и стилей рисования решительно поможет, когда вы только начинаете свое творческое путешествие с использованием краски. По сути, это означает регистрацию некоторых знаний о цвете, тоне, мазке, текстуре и композиции, чтобы вы могли с уверенностью создавать свои собственные шедевры.

В этом посте мы изложили семь основных техник рисования, которые помогут вам рисовать как профессионал в кратчайшие сроки. Для получения дополнительной информации мы предлагаем перейти к лучшим урокам по рисованию, чтобы убедиться, что вы освоили там основы. А если вы хотите узнать больше об художественной терминологии, посмотрите нашу статью об общих художественных терминах.

01. Подмалевок

При использовании масел или акрила важно никогда не работать с белой краской.Создайте подмалевок из жженой умбры или смеси жженой сиены и фтало-синего, чтобы создать тени и оттенки. Акрил, вероятно, является лучшим средством для использования на этом этапе, так как он быстро сохнет и прочен.

Обработайте краску от тонкой до толстой, особенно при использовании медленно сохнущих красок. Поверх тяжелой влажной краски работать нельзя. Таким же образом проработайте блики, добавив в конце самую яркую (и обычно более тяжелую) краску. Возьмите рулон кухонного полотенца, чтобы очистить кисти и удалить излишки краски.

02. Блокирование в

Кисти бывают разных форм и с разными типами волокон, все из которых дают очень разные результаты. Главное — попробовать все их во время рисования. Наиболее универсальными являются смесь синтетики и соболя — эти кисти можно использовать с большинством различных типов красок. Кисти бывают плоскими и круглыми, и стоит иметь их на выбор. Ознакомьтесь с нашим руководством по выбору правильной кисти, чтобы узнать больше.

Полезно работать с разными кистями. Для большей части ранних работ используйте более крупные, плоские и широкие кисти. Фундук — хорошая обычная кисть для блокировки формы и рисования. Он имеет двойную природу, сочетая в себе элементы плоской и круглой кистей, поэтому он может покрывать как детали, так и большие области. Затем используйте кисти меньшего размера только в конце процесса рисования.

03. Создание текстуры

Имейте сухую плоскую кисть, которую вы можете использовать для растушевки краски и создания плавных переходов.Может быть, вам нравится много текстуры и вы хотите видеть следы кисти в своей работе. Для придания текстуры краске можно использовать практически все. Существуют уже готовые текстурные материалы, но я видел такие предметы, как яичная скорлупа и песок, которые добавляли интереса к картине.

Один совет — использовать старую зубную щетку, чтобы забрызгать изображение краской. Это может быть очень эффективно для выявления шума и зернистости.

04. Сухая обработка кистью

Это метод нанесения краски, который только частично покрывает ранее высохший слой краски.Добавьте совсем немного краски на кисть и нанесите ее очень быстрыми направленными мазками.

Этот метод лучше всего работает при нанесении светлой краски на темные участки / засохшую краску и полезен для изображения текстуры камня и травы.

05. Sgraffito

Удаление краски может быть таким же важным, как и ее нанесение. Сграффито — это термин, используемый, когда вы соскребаете краску, пока она влажная, чтобы обнажить подмалевок. Это особенно полезно при изображении царапин, волос, травы и т. Д.

Для этого можно использовать практически любой заостренный предмет — попробуйте резиновые инструменты для придания формы или конец кисти.

06. Остекление

Остекление — это процесс нанесения слоя прозрачной краски на сухую часть картины, который используется для усиления теней и изменения цвета. Светло-прозрачный синий поверх сухого желтого, конечно же, даст зеленый цвет.

07. Окрашивание с помощью сред

Среды — это жидкости, которые можно добавлять в краску для изменения ее консистенции, времени высыхания и текстуры.В случае с акриловыми красками вы можете использовать различные материалы, которые делают краску матовой или глянцевой. Тем не менее, я обычно использую матовый материал в основном для герметизации бумаги или картона, чтобы краска не впитывалась в него.

Эта статья впервые появилась в специальном журнале ImagineFX How to Paint and Draw .

Статьи по теме:

5 отличных инструментов для художников

3 шага к тому, чтобы стать лучшим художником, меньше рисовать

Вы когда-нибудь задумывались, где вам нужно найти время для рисования?

Если вы пытаетесь рисовать в свободное время, это может показаться невозможным.

Вы уже пытаетесь найти свободное пространство и разложить краски, а иногда даже не можете с этим справиться.

Вы хотите поработать над смешиванием цветов, попробовать новый цвет краски и определенно поработать с альбомом для рисования, но у вас также есть работа, семья, друзья — просто более важные обязанности.

И поэтому вы задаетесь вопросом: стоит ли вам просто продолжать, делая все, что в ваших силах?

Или вы можете использовать стратегию, которая не требует так много времени и дает лучшие результаты?

Я пытался найти ответ на этот вопрос:

Как вы можете вписать свое творчество в и без того загруженную жизнь?

Я работал с художниками и студентами, чтобы найти другой, более эффективный подход, и я думаю, что нашел его.

Оказывается, ответ заключается не в большем. Делает меньше.

Шаг 1. Раскрашивайте только одним цветом в неделю.

Кто сказал, что вы должны закончить картину на каждом сеансе?
Никто, насколько я могу судить. Просто когда вы видите, как работают художники, они часто выглядят так, как будто картина приходит с легкостью, происходит «счастливый случай», превращающий их ошибку в идеально сформированное облако.

Ваши несчастные случаи совсем не счастливы, поэтому близкие родственники задают самый ужасный вопрос, который только можно задать.

Что это?

Большинство из нас полагает, что успешные картины создаются в момент вдохновения, вихря творческого гения, летающих красок, размахивания кистей.

Но это не так, к большинству профессиональных художников обращаются гораздо больше.

Если у вас мало времени, нет ничего плохого в том, чтобы начать медленно, ваше подсознание может даже быть благодарным. Большинство людей так много думают, что у них нет времени создать законченную картину на выходных, и это оставляет чувство разочарования.

Урезав и позволив себе сделать один маленький шаг к готовой картине, вы упростите себе жизнь в дальнейшем рисовании.

Хорошо, а какие цвета мне использовать?

Нет определенного волшебного цвета, но вот совет: начните с ультрамаринового сине-белого.

Вот и все.

Намного лучше создать одно хорошее изображение с одним единственным цветом, чем 100 неполных картин с 10 цветами. Часто творческие люди являются блестящими стартерами, но не успешными финалистами.Бьюсь об заклад, у вас есть сотни потрясающих идей для картин, которые вы любили бы делать, если бы только у вас было время.

Начните с одного цвета и двигайтесь вверх.

Ключевое слово — «хорошо». Одна хорошо составленная, продуманная картина приносит больше удовольствия, чем сотни поспешных работ.

Вы можете создать широкий диапазон тонов с помощью ультрамаринового синего, он имеет небольшой серийный номер, поэтому не стоит больших затрат и будет полезен для многих картин в будущем.

Некоторые художники работают быстрее других, но в целом, если вы тратите менее трех часов на одну из своих картин, вы, вероятно, делаете это слишком быстро.Уменьшите количество и сосредоточьтесь на качестве.

Само по себе это может удвоить или утроить ваше время выполнения, что повысит вашу уверенность и навыки как художника.

Но он также делает кое-что еще: освобождает время для поиска.

Шаг второй: Найдите по одной картине в месяц для копирования.

Как вы, наверное, заметили, есть сотни техник, чтобы научиться лучше рисовать. В идеальном мире вы бы жили в Италии, изучая классические техники живописи, впитывая атмосферу Возрождения.Время от времени останавливаемся на мороженое, чтобы посмотреть, как проходит мир.

Есть только одна проблема: вы живете не в идеальном мире. И я тоже.

Даже если бы вы рисовали полный рабочий день с армией помощников (у Дэмиена Херста есть более 100 помощников, которые помогают ему рисовать его работы), вы не сможете сделать все.

Так что не пытайтесь.

Вместо этого сосредоточьтесь на одной стратегии и добейтесь в ней хороших результатов.

Мой совет: начните с мастер-копии.

Почему копирование у мастеров — ваша лучшая стратегия

Вот почему: практически все техники рисования, которые вам нужно изучить, были выполнены раньше.

А часто это ваши любимые картины.

Чтобы картина работала, нужно учиться у лучших. Так что выберите картину и выберите от нее часть. Необязательно рисовать всю картину. Просто небольшой раздел для начала. И попробуй скопировать.

Получится не блестяще, но, возможно, вы удивитесь. Даже если вы думаете, что хорошо знаете картину, вы никогда не увидите ее, пока не начнете ее рисовать. Вы никогда по-настоящему не узнаете предмет, пока не начнете его рисовать, вы должны сосредоточиться и сосредоточиться.

Эта картина ниже была копией, я позаимствовал ее у Джейкоба Коллинза, фантастического художника из Нью-Йорка. Я нарисовал деталь, портрет головы маслом.

Уилл Кемп, Главный этюд — После Коллинза, холст, масло

Было ли это идеально?

Нет

Улучшил ли я свою картину?

Определенно.

Результат?

Картина была выбрана для участия в ежегодной выставке Королевского общества портретистов , проходившей в торговом центре Mall Galleries в Лондоне.Спасибо, Джейкоб.

Чтобы композиция работала, нужно изучить хорошо составленную картину. Чтобы создать цветовую гармонию, вам нужно понимать, насколько приглушены некоторые цвета на самом деле, даже если на первый взгляд они кажутся яркими

А это сложно, когда вы новичок, потому что у вас не так много навыков, которые вам нужны.

На мой взгляд, гораздо легче понять, как работают великие картины, и затем использовать эти принципы рисования для создания своих собственных работ.

Одна картина в неделю, даже одна картина в месяц, и скоро у вас будет коллекция.

Шаг третий: медленно начинайте добавлять больше цветов

Как только вы начнете получать результаты, я думаю, вам будет намного проще начать экспериментировать с большим количеством цветов.
Добавляем жженую умбру для создания черного и узнаем о теплых и холодных тонах. Тогда будет легче перейти к выбору полной палитры.

У всех больше мотивации работать над тем, что работает.
Если вы получите хороший результат, вас это воодушевит, вам не придется так сильно напрягать себя, чтобы вернуться в студию (или за кухонный стол)

Вы захотите это сделать, а это заставляет рисовать много приятнее.

И знаете что?

Когда вы начинаете рисовать, как я уверен, вы заметили, время летит незаметно, вы попадаете в зону, и вы удивляетесь про себя…

Почему я не делаю это чаще?

Вместо того, чтобы мечтать научиться рисовать, вы действительно сможете это делать.

Это очень простая концепция.

Идеальна ли концепция?

№

На самом деле, у него есть один серьезный недостаток:

Вы могли не знать, что красить дальше?

И это может быть сложно, вы хотите нарисовать своих кошек или собак, мужа, жену или детей, но это похоже на огромный скачок.

Если вы хотите начать работу и укрепить свою уверенность, вы можете научиться рисовать в моем онлайн-курсе «Как рисовать акриловыми красками».

Я покажу вам шаг за шагом, как я создаю картину, и вы можете следовать в своем собственном темпе, в промежутках между сбором детей, чтобы реализовать свой потенциал рисования.

Если вы хотите в этом году упростить и получить больше результатов с меньшими усилиями, я думаю, вам стоит подумать об этом — вам просто нужно несколько уловок, которые помогут вам начать работу.

Об авторе: Уилл Кемп является основателем художественной школы Уилла Кемпа, имеет ненасытный аппетит к мороженому и настоятельно рекомендует мороженое из темного шоколада в магазине Grom , Флоренция (оно огромно). также научат вас рисовать.

Как стать художником

Проведите 47 дней в мире искусства с Seen.

Джерри Зальц, художественный критик Нью-Йорк , в роли Сальвадора Дали, по фотографии Филиппа Халсмана.Фото: фото Марвина Ореллана. Фотоиллюстрация Джо Дэрроу.

Искусство для всех. Это не для всех. Я знаю это интуитивно, как потенциальный артист, который выгорел. Я писал об этом в прошлом году, и с тех пор меня беспокоят — каждую лекцию, которую я читаю, каждую галерею, в которую я заглядываю, кто-то спрашивает у меня совета. На самом деле они спрашивают: «Как я могу быть художником?»

Когда в прошлом месяце Бэнкси натянул раму, чтобы разрезать картину, как раз тогда, когда она была продана с аукциона, я почти слышал шепот: «Это искусство?» Этой осенью крупнейшим музейным событием Нью-Йорка станет ретроспектива Энди Уорхола, представленная Уитни — образцового самодельного художника, известного своими произведениями искусства и себя.Сегодня мы все дети Энди, особенно в эпоху Instagram, который научил всех мыслить визуально и смотреть на нашу обычную жизнь как на корм для эстетических результатов.

Как перейти от этого к созданию настоящего искусства, великого искусства? Нет особого пути; у каждого свой путь. Тем не менее, с годами я обнаружил, что даю одни и те же советы. Большинство из них были просто почерпнуты из просмотра произведений искусства, а затем еще из нескольких. Другие люди, слушающие артистов, рассказывают о своей работе и своих трудностях.(Все нарциссы.) Я даже украл пару у своей жены.

Есть 33 правила — и они действительно все, что вам нужно знать, чтобы зарабатывать себе на жизнь в искусстве. Или 34, если считать «Всегда будь милым, щедрым, открытым с другими и береги свои зубы». И № 35: «Подделывайте это, пока не сделаете это».

Пять уроков, прежде чем вы начнете.

Энди Уорхол, на основе Автопортрет (1986).Фото-иллюстрация: Джон Риттер для журнала New York Magazine. Источник фото: Марвин Орельяна.

Понятно. Занятия искусством могут быть унизительными, пугающими, заставлять вас чувствовать себя грязными, незащищенными, как будто вы впервые разделились перед кем-то другим. Вы часто рассказываете о себе то, что другим может показаться ужасным, странным, скучным или глупым. Люди могут подумать, что вы ненормальный или взломщик. Отлично. Когда я работаю, меня тошнит от мыслей типа «». Все это бесполезно.Это не имеет никакого смысла. Но искусство не должно иметь смысла. Это даже не обязательно должно быть хорошо. Так что не беспокойтесь о том, чтобы быть умным и перестать быть «хорошим».

Луиза Буржуа в 1975 году. Фото: Марк Сеттедукати, © The Easton Foundation / VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк.

Аминь, Луиза. Не поддавайтесь обузданию чужих определений навыков или красоты и не ограничивайтесь тем, что считается высоким или низким.Не оставайтесь на своей полосе. Рисунок внутри линий — младенцам; складывать вещи и быть правыми — это для бухгалтеров. Мастерство и ловкость зависят от того, что вы с ними делаете. Но также помните, что то, что это ваша история, не означает, что вы имеете право на аудиторию. Вы должны это заработать. Не пытайтесь сделать это с большим отдельным проектом. Делайте детские шаги. И радуйся маленьким шажкам.

Фото: Зохар Лазар / Джейсон М.Келли

Мы все начинаем как подражатели, люди, которые подделывают чужие работы. Отлично! Сделай это. Однако, когда вы это сделаете, сосредоточьтесь, начните чувствовать возможность сделать все это своими собственными — даже когда идеи, инструменты и ходы исходят от других художников. Каждый раз, когда вы что-то делаете, представляйте себя входящим на гигантский стадион, наполненный идеями, путями, способами, средствами и материалами. И возможности. Сделайте это своими. Теперь это твой дом.

Речь идет о действиях и опыте.

Никто не спрашивает, что имеет в виду Моцарт. Или индийская рага, или маленький трогательный танец Фреда Астера и Джинджер Роджерс под «Щеку к щеке» в цилиндре Top Hat. Забудьте о том, чтобы делать вещи понятными. Я не знаю, что имеет в виду Абба, но мне это нравится. Воображение — ваше кредо; сентиментальность и отсутствие чувства врага. Все искусство происходит от любви — любви к чему-то.

Даже в психиатрической больнице Яёи Кусама плодовит.Фото: Джереми Саттон-Хибберт / Getty Images

Сестра Корита Кент сказала: «Единственное правило — работать. Если вы будете работать, это к чему-то приведет. Люди, которые постоянно делают всю работу, в конечном итоге зацепляются за что-то ».

Я всеми способами пытался избавиться от блокирования работы или страха перед работой или неудачей. Есть только один метод, который работает: работать. И продолжай работать.

Все известные мне художники и писатели утверждают, что работают во сне. Я делаю все время. Джаспер Джонс сказал: «Однажды ночью мне приснилось, что я нарисовал большой американский флаг, а на следующее утро я встал, пошел и купил материалы, чтобы начать это». Сколько раз вы мечтали о карьере и не обращали на нее внимания? Неважно, насколько вы напуганы; все напуганы. Работа. Работа — единственное, что снимает проклятие страха.

Инструкция для студии.

Фрида Кало, по мотивам автопортрета , посвященного докторуEloesser (1940). Фото: Марвин Орельяна. Фото-иллюстрация: Джо Дэрроу для журнала New York Magazine.

Не беспокойтесь о рисовании. Просто делайте отметки. Скажите себе, что вы просто рисуете диаграммы, играете, экспериментируете, видите, что на что похоже. Если вы умеете писать, вы уже умеете рисовать ; у вас уже есть собственная форма, стиль создания букв и цифр и специальные каракули. Это тоже формы рисования. Когда вы делаете отметки и рисуете, обращайте внимание на все физические отклики, которые вы получаете от руки, запястья, руки, ушей, обоняния и осязания.Сколько времени может пройти ваша отметка, прежде чем вам понадобится поднять карандаш и сделать другую отметку? Сделайте эти отметки короче или длиннее. Измените способ их изготовления, оберните пальцы тканью, чтобы изменить прикосновение, попробуйте другую руку, чтобы увидеть, что она делает. Все это вам что-то говорит. Успокойтесь внутри себя и обращайте внимание на все, что вы переживаете. Не считайте хорошим, или плохим. Думаю, полезно, приятно, странно. Скрывайте секреты в своей работе.Танцуйте с этими переживаниями, сотрудничайте с ними. Они лидеры; Вы следуете. Скоро вы тоже будете придумывать шаги, делать визуальные калипсы самостоятельно — неуклюже, неловко или нет. Какая разница? Вы будете танцевать под музыку искусства.

Всегда носите с собой альбом для рисования. Накройте лист бумаги размером один на один фут отметками. Но не заполняйте всю страницу от края до края, от края до края. (Слишком просто.) Подумайте, какие формы, формы, структуры, конфигурации, детали, развертки, наращивания, рассредоточения и композиции вам нравятся.

Теперь проделайте это на другой поверхности, любой поверхности, чтобы узнать, какой материал вам нравится. Рисуйте на камнях, металле, поролоне, кофейных чашках, этикетках, тротуаре, стенах, растениях, ткани, дереве и т. Д. Просто делайте отметки; украсить эти поверхности. Не беспокойтесь о том, чтобы делать больше. Все искусство является формой украшения . Теперь спросите кого-нибудь, какие идеи приходят в голову, когда они смотрят на то, что вы сделали. Они только что рассказали вам больше о том, что вы уже сделали. Если другой человек видит это в вашей работе, значит, он есть.

Затем нарисуйте квадратный фут перед собой. Это может быть плотно, свободно, абстрактно, реалистично. Это способ увидеть, как вы видите объекты, текстуры, поверхности, формы, свет, тьму, атмосферу и узоры. Он говорит вам, что вы упустили из виду. Это будет ваш первый шедевр . Теперь нарисуйте такой же квадратный фут с другой стороны. Вы уже становитесь намного лучше воспринимающей машиной и даже не подозреваете об этом.

Например, в метро, ​​в ожидании или сидя, потренируйтесь рисовать своими руками.Много рук на одной странице, руки над другими руками. Руки других людей, если хотите. Вы можете нарисовать и другие части тела, которые видите. Но вы должны посмотреть, а затем описать карандашом или ручкой то, что вы видите. Не придумывай! Зеркала подойдут, даже если вы хотите рисовать только там, где щека переходит в рот. Играйте с разными масштабами, делайте вещи больше, меньше, извилистые.

Упражнение: забудьте о гении и развивайте некоторые навыки
Я думаю, что все художники должны:
• Построить глиняный горшок.
• Сшейте куски ткани вместе.
• Обрезать дерево.
• Изготовить деревянную чашу на токарном станке по резьбе.
• Сделайте литографию, гравюру или ксилографию.
• Сделайте одну хоккейную картину в стиле Дали или небольшую световую инсталляцию Кусама, чтобы извлечь это из своей системы.

Теперь вы обладаете древними секретными знаниями.

Художественное мастерство не имеет ничего общего с техническим мастерством, миметической точностью или так называемым хорошим рисунком. У каждого великого художника есть свое определение мастерства. Если хотите, займитесь рисованием; научитесь рисовать «как мастера». Все равно придется делать это оригинально. Поллок не умел рисовать реалистично, но на какое-то время он делал удары краской по холсту сверху, что было самым ценным навыком в мире искусства. Вы можете сделать то же самое — ваше умение будет тем, чем вы занимаетесь, по-другому.

Производный ранний рисунок Пита Мондриана.

И его совершенно неквалифицированная, но безумно умелая зрелая работа. Фото: ФОТО 12 / UIG через Getty Images

Что это значит? Объект должен выражать идеи ; искусство должно содержать эмоции. И эти идеи и чувства должны быть легкими для понимания — сложными или нет.

В наши дни художник может выставить полностью коричневую картину с длинным текстом на стене, информирующим нас о том, что художник взял холст в Косово, недалеко от места сербской резни 1990-х годов, и в течение двух часов с завязанными глазами протирал холст грязью в память о убийство.Недавно, когда я рассматривал скучные черно-белые фотографии облаков в небе, ко мне боком подошел галерист и серьезно высказался: «Это фотографии облаков над Фергюсоном, штат Миссури, в знак протеста против насилия со стороны полиции». Я начал кричать: «Нет! Это просто тупые картинки с облаками, не имеющие ничего общего ни с чем ».

Фонтан Дюшана — произведение искусства или идея? Оба!

Есть другой способ.Зимой 1917 года 29-летний Марсель Дюшан купил писсуар на заводе J.L. Mott Iron Works на Пятой авеню, перевернул его на бок и подписал «R. Mutt 1917 », назвал его« Фонтан »и представил на выставку Общества независимых художников без участия жюри.

Фонтан — эстетический эквивалент Слова, ставшего плотью, объект, который также является идеей — что все может быть произведением искусства. Сегодня его называют самым влиятельным произведением искусства 20 века.

Этот проект встраивания мысли в материал, чтобы изменить наше представление о мире, — не только новое развитие.Когда мы видим наскальные рисунки, мы видим одну из самых продвинутых и сложных визуальных операционных систем, когда-либо созданных нашим видом. Создатели работы хотели изобразить в реальном мире то, что было у них в голове, и сделать эту информацию доступной для чтения другим. Это длилось десятки тысяч лет. Имея это в виду…

Упражнение: построение тотема жизни
Используя любой материал на любой поверхности, сделайте или нарисуйте или визуализируйте четырехфутовый тотемный столб своей жизни.С помощью этого тотема мы сможем узнать о вас кое-что, кроме того, как вы выглядите или сколько у вас братьев и сестер. Включите все, что хотите: слова, буквы, карты, фотографии, предметы, знаки. Это займет не больше недели. Через неделю все будет готово. Период. А теперь покажите это тому, кто вас плохо знает. Скажите им только: «Это тотемный столб моей жизни до сих пор». Вот и все. Неважно, нравится ли это им. Попросите их рассказать вам, что это значит для вашей жизни. Никаких подсказок. Слушайте, что вам говорят.

Тогда преувеличивайте.

Фото: © Поместье Филипа Густона, любезно предоставлено имением и Hauser & Wirth. Фотография Женевьев Хэнсон.

Филип Гастон был типичным парнем из AbEx.Затем он стал Филипом Густоном. Фото: © Поместье Филипа Густона, любезно предоставлено имением и Hauser & Wirth. Фотография Женевьев Хэнсон.

Если кто-то говорит, что ваша работа похожа на чужую и вам следует прекратить ее делать, я говорю , не прекращайте ее . Сделай это снова. Сделайте это 100 или 1000 раз. Затем спросите друга-художника, которому вы доверяете, не слишком ли похожи ваши работы на работы другого человека. Если он все еще слишком похож на чужой, попробуйте другой путь.

Представьте себе ужас, который, должно быть, испытал Филип Гастон, когда он последовал своему собственному голосу и превратился из первоклассного абстрактного экспрессиониста в 1950-х годах в рисование неуклюжих мультяшных фигурок, курящих сигары, разъезжающих на кабриолете и носящих капюшоны KKK! За это его почти избегали. Он все равно следил за своим голосом. Это произведение сейчас является одним из самых почитаемых за весь период. Во время простоя…

Упражнение: археология
Составьте указатель, генеалогическое древо, диаграмму или диаграмму, которые вам интересны.Все они, все: визуальное, физическое, духовное, сексуальное. Свободное время, хобби, еда, здания, аэропорты, все. Каждая книга, фильм, веб-сайт и т. Д. Все это саморазоблачение может быть пугающим, пугающим. Но твой голос здесь. Это станет ресурсом и записью, к которым можно будет вернуться и добавить на всю оставшуюся жизнь.

У меня в голове какая-то Афинская школа . Команда соперников, друзей, известных людей влияет живыми и мертвыми. Они все смотрят мне через плечо, пока я работаю; ни один из них не подлый.Все делают наблюдения, рекомендации и т. Д. Я много пользуюсь музыкой. Думаю, Ладно, давайте начнем с настоящего момента! Как Бетховен. Или Барбара Крюгер в моей голове говорит: Сделайте это предложение коротким, резким, декларативным, агрессивным. Led Zeppelin перекликается с, Попробуйте здесь волосатый эксперимент; пусть все это покажет. Все сиенские картины, которые я когда-либо видел, умоляют меня, Сделайте это красивым. Д. Х. Лоуренс стучит по столу, Александр Поуп заставляет меня взять себя в руки, Уоллес Стивенс слушает мой язык и рекомендует слова, Уитмен подталкивает меня, мой внутренний Мелвилл становится грандиозным, а Пруст побуждает меня делать больше и более длинные предложения, пока они почти не рвутся, и мой редактор разрезает их на восьмые или сокращает их до одной.(Писателям нужны редакторы. Без исключений.) Эти голоса всегда будут рядом, когда станет трудно.

Это наверное ты.

Упражнение: составьте список произведений искусства
Составьте список из трех художников, чьи работы вы презираете. Составьте список из пяти вещей о каждом артисте, которые вам не нравятся; быть как можно более конкретным. Часто в том, что делают эти артисты, есть что-то, чем вы делитесь. Действительно подумайте об этом.

Клас Ольденбург со своим напольным конусом в 1963 году.Фото: любезно предоставлено Oldenburg van Bruggen Studio, © 1962 Claes Oldenburg

Жизнь — это ваша программа: собирайте отовсюду.

Энди Уорхол сказал: «Мне всегда нравится работать над… вещами, от которых отказались, и все знали, что они бесполезны». Он также понимал, что «универмаги станут музеями», что означает, что оптическая информация может поступать отовсюду, даже из пакета Celestial Seasonings.

Оригинальность не умерла как раз вовремя для вас и вашего поколения, чтобы настоять на том, что ее больше не существует. Тебе просто нужно его найти. Вы можете сделать это, ища пропущенные периоды истории искусства, нелюбимые и дискредитированные стили, а также забытые идеи, образы и объекты. Затем проработайте их в своем собственном искусстве 100 или 1000 раз.

Это самое интересное.

Хорошо, это звучит нелепо, но позовите свою собаку, и она подойдет прямо к вам, кладет голову вам на колени, слюнявит, виляет хвостом: чудесное прямое общение с другим видом .А теперь позови свою кошку. Он может взглянуть вверх, немного подергиваться, возможно, подойти к дивану, потереться о него, сделать один круг и снова лечь. Что я говорю?

Наблюдая за реакцией кота, вы видите нечто очень похожее на то, как общаются художники.

Кот не заинтересован в прямом общении. Кошка ставит между вами и собой третью вещь и связывается с вами через эту третью вещь. Кошки общаются абстрактно, косвенно. Как говорит Кэрол Боув: «Нельзя просто подойти к красавице и поцеловать ее в губы!» Художники — кошки.(А пасти их нельзя.)

Искусство что-то делает.

Картины из песка навахо также являются просьбой к богам. Фото: Джеффри Клементс / Corbis / VCG через Getty Images

За последние 100 лет или около того искусство стало в основном тем, на что мы смотрим в чистых, белых, хорошо освещенных художественных галереях и музеях.Таким образом, искусство было ограничено, сделалось пассивным: еще одна достопримечательность, которую нужно увидеть, сфотографировать перед ней и оттуда уйти.

Но почти на протяжении всей своей истории искусство было глаголом, чем-то, что делает что-то для вас или для вас, что заставляет вещи происходить. Считается, что святые мощи в церквях по всему миру исцеляют. Искусство ушло на войну; сделано, чтобы защитить нас, проклясть соседа, убить кого-нибудь; помогли забеременеть или предотвратить беременность. Есть огромные, красивые, разноцветные, замысловато структурированные рисунки на песке навахо, используемые на церемониях, чтобы просить богов о помощи.Мы не видим глаз, нарисованных на египетских саркофагах; они там, чтобы преданный мог наблюдать. Картины внутри гробниц должны были быть увидены только существами загробной жизни.

Вы когда-нибудь плакали перед произведением искусства? Запишите шесть вещей, которые заставили вас плакать. Прикрепите список к стене студии. Для вас это волшебные абракадабры.

Один из самых важных уроков!

Это картина о папе или безумии? Фото: © Поместье Фрэнсиса Бэкона.Все права защищены, DACS / ARTIMAGE 2018

Сюжет Фрэнсиса Бэкона 1953 г. Этюд по портрету Папы Иннокентия Веласкеса X — это папа, сидящий мужчина в прозрачной коробке. Вот и все. Контент может быть протестом или обвинением в религии. Это может быть клаустрофобия, истерия или безумие религии или цивилизации.

Сюжет фильма « Давид » Микеланджело — стоящий мужчина с пращой. Содержание могло быть изяществом, красотой — ему было всего 17, если вы понимаете, что я имею в виду — задумчивость, физическое осознание, вневременность, вечные вещи, форма совершенства, уязвимость.Это содержание Высокого Возрождения. Картина Бернини « Давид», , созданная 120 лет спустя, — это барокко, сплошное действие и драма.

Когда вы смотрите на искусство, делает предмет первым, что вы видите, — а затем перестаньте его видеть.

Содержание « Давид » Микеланджело — это красота. Фото: CM Dixon / Print Collector / Getty Images

Попробуйте найти содержание на картине Роберта Раймана, который с 1950-х годов делал почти полностью белые работы.Спросите, каковы идеи Раймана (или любого художника) и каково его отношение к рисованию, поверхности, внутреннему масштабу (то есть, мазки кисти какого размера были использованы в работе), к цвету. Что для Раймана белое? Отметьте дату: 1960 год. Зачем тогда он написал эту картину? Было бы это похоже на другое искусство в то время? Как бы все было иначе? Спросите себя, что еще производилось тогда. Как работа висит на стене? Это в рамке? Носилки или поверхность толстая, тонкая, близко к стене? Чем это похоже или непохоже на другие почти монохромные работы Эллсуорта Келли, Барнетта Ньюмана, Агнес Мартин или Эда Рейнхардта? Поверхность чувственная или интеллектуальная? Художник хочет, чтобы вы видели работу сразу или по частям? Некоторые части важнее других? Считается ли, что каждая часть поверхности одинаково важна? Что думает художник о ремесле и мастерстве? Как вы думаете, этот художник любит рисовать или пытается писать против него? Это антиискусство? Как Райман относится к материалам, инструментам и маркировке? Как вы думаете, как он работал? Насколько он может быть оригинальным или новаторским? Почему это должно быть в музее? Почему бы ему не быть в музее? Хотели бы вы с этим жить? Почему или почему нет? Почему вы думаете, что картина такого размера? А теперь попробуйте Фриду Кало.

Упражнение: сравните эти восемь обнаженных красок
Забудьте о предмете — что на самом деле каждая из этих картин говорит о ?

Рокби Венера , Диего Веласкес, 1647 год. Фото: Art Media / Print Collector / Getty Images

Обнаженная Майя , Франсиско Гойя, 1797–1800.Фото: Buyenlarge / Getty Images

Олимпия , Эдуард Мане, 1863 г.

Дух мертвых хранит часы , Поль Гоген, 1892.

Голубая обнаженная , Анри Матисс, 1907 год.

Модель (обнаженный автопортрет) , Флорин Штеттхаймер, 1915.

Imperial Nude: Пол Розано , Сильвия Сани, 1977. Фото: © Поместье Сильвии С. Алловей

Beachbody , Джоан Семмель, 1985.Фото: предоставлено Alexander Gray Associates, Нью-Йорк © 2018 Joan Semmel / Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Критики видят, отступая, приближаясь, делая шаг вперед и назад; смотреть на все шоу, сравнивать одну работу с другой; рассмотрение прошлых работ художника, оценка развития, повторов, регрессов, неудач, отсутствия оригинальности; пр.

Художники видят совсем по-другому: они очень близко подходят к работе; осматривают каждую деталь, ее текстуры, материалы, макияж; они касаются его, смотрят на края и вокруг задней части объекта.

Чем занимаются художники? Они скажут: «Посмотрите, как это делается». Я бы сказал, «Воровство».

Украсть можно что угодно. Вам следует! Ты лучше! Плохое искусство учит вас так же, как хорошее искусство. Может больше! Великое искусство часто бывает врагом хорошего; это не оставляет вам достаточно места для воровства.

Это потому, что он сделан кем-то .

И не беспокойтесь о том, чтобы быть достаточно «политическим»: Казимир Малевич рисовал квадраты во время Первой мировой войны; Марк Ротко делал нечеткие квадраты во время Второй мировой войны; Агнес Мартин рисовала сетки на холсте во время войны во Вьетнаме.Всякое искусство — это исповедь, более или менее косвенная.

Художники, утверждающие, что искусство должно быть полезным для нас, должны также видеть, что существует столько же способов, как искусство быть «полезным для нас», сколько существует произведений искусства.

Никогда не забывайте, что все искусство создавалось художниками для своего времени и в ответ на него. Это сделает вас менее циничным и замкнутым, а также более понимающим и открытым для всего, что вы когда-либо видели. Пожалуйста, сделайте это! Это относится ко всем нам.

Путеводитель по змеиной яме.

Элис Нил в своей неотапливаемой домашней студии, 1979 год. Фото: Фред В. Макдарра / Getty Images

Несмотря на то, что все, что мы видим в мире искусства в наши дни, — это астрономические цены, блеск, гламур и поведение наркоманов, помните, что только один процент из одного процента всех художников становятся богатыми благодаря своим работам. Вы можете чувствовать, что вас не замечают, недооценивают и вам недоплачивают.Очень жаль. Перестаньте жалеть себя; ты делаешь это не поэтому.

Но будьте осторожны. Типичные ответы — деньги, счастье, свобода, «делаю то, что хочу», наличие сообщества художников, возможность видеть, что я делаю.

Но… если ты выйдешь замуж за богатого человека и у тебя будет много денег, удовлетворишься ли ты только деньгами? Кроме того, в Subway продается много бутербродов, но это не делает их хорошими.

Как насчет того, чтобы быть «счастливым»? Не будь глупым! Многие успешные люди несчастны.И многие счастливые люди не добиваются успеха. Я «успешен», и я все время сбит с толку, напуган, неуверен в себе и постоянно нарушаю правила. Успех и счастье живут по разные стороны дорожек.

Хотите истинного определения успеха? Лучшее определение успеха — это время — время заниматься своей работой.

Как вы будете находить время, если у вас нет денег? Вы будете работать полный рабочий день долгое время. Вы будете долгое время из-за этого впадать в депрессию — обиду, разочарование, зависть.Извините, это так.

Но ты хитрый, находчивый художник! Вскоре вы поймете, как работать только четыре дня в неделю; вы начинаете немного меньше впадать в депрессию. Но затем, в воскресенье вечером, вы снова впадаете в депрессию, возвращаясь к работе, которую вы ведете в никуда, которая все еще отнимает у вас слишком много времени.

Но вы действительно хитрые и находчивые; для вас это вопрос жизни и смерти. В конце концов — а это касается почти 80 процентов художников, которых я когда-либо знал — вы обманываете способ работать только три дня в неделю. Вы можете работать в галерее; для художника или музея; учителем, искусствоведом, арт-куратором, бухгалтером, корректором, кем угодно.

Теперь вы больше не в депрессии: У вас есть время поработать и больше проводить время; вы теперь первая мера успеха. А теперь приступай к работе. Или перестань быть художником.

Сколько именно? Давай посчитаем.

Дилеры? Вам нужен только один дилер — тот, кто верит в вас, поддерживает вас эмоционально, своевременно платит, не играет в слишком много интеллектуальных игр; кто будет честен с вами в отношении вашего дерьмового или великого искусства, кто сделает все возможное, чтобы распространить вашу работу и попытаться заработать на этом деньги.Этот дилер не обязательно должен быть в Нью-Йорке.

Коллекторы? Вам нужно всего пять или шесть коллекционеров, которые будут покупать ваши работы время от времени и в течение многих лет, которые действительно понимают то, что вы делаете, которые готовы пройти через взлеты и падения, которые не говорят: « Сделайте их такими, как это. ”Каждый из этих шести коллекционеров может поговорить с шестью другими коллекционерами о вашей работе. Даже если у вас всего шесть коллекционеров, этого достаточно, чтобы заработать достаточно денег, чтобы иметь достаточно времени для работы.

Критики? Было бы неплохо иметь двух или целых трех критиков, которые, кажется, понимают то, что вы делаете. Было бы лучше, если бы эти критики были из вашего поколения, а не придурки вроде меня.

Кураторы? Было бы неплохо иметь одного-двух кураторов вашего поколения или чуть старше, которые время от времени приглашали бы вас на выставки.

Вот и все! Двенадцать человек. Конечно, ваше дерьмовое искусство может обмануть 12 глупых людей! Я видел, как это делалось только с тремя или четырьмя сторонниками.Я видел, как это было сделано с одним!

В 1957 году галерист Лео Кастелли обнаружил Джаспера Джонса во время посещения мастерской Роберта Раушенберга. Кастелли сразу же предложил Джонсу свою первую персональную выставку. Именно там Альфред Барр, директор-основатель нью-йоркского музея современного искусства, купил три работы. Дополнительные работы были куплены Филипом Джонсоном и Бертоном и Эмили Холл Тремейн. Еще до того, как шоу началось, исполнительный редактор Томас Хесс поместил Джонса на обложку ARTnews.

В 1993 году прорыв Элизабет Пейтон в Нью-Йорке был организован дилером Гэвином Брауном в номере 828 отеля Chelsea. Посетители просили ключ от номера на стойке регистрации. Они поднялись наверх, отперли дверь и вошли в небольшую однокомнатную квартиру, выходящую на 23-ю улицу. Там они увидели 21 черно-белый рисунок, выполненный углем и тушью, от малого до среднего, с изображением модников, Наполеона, королевы Елизаветы II, Людвига II и других. Любая работа могла быть украдена; никого не было. С тех пор у Пейтона были музейные выставки по всему миру; ее работы продаются почти за миллион долларов.Согласно бухгалтерской книге отеля, после открытия шоу посмотрели всего 38 человек. Это не займет много времени.

Я не могу приукрашивать следующую часть: одни люди связаны лучше, чем другие. Они добираются до 12 быстрее. В мире искусства полно таких привилегированных людей. Вы можете их ненавидеть. Я делаю. Это несправедливо и несправедливо, и все еще действует в отношении женщин и художников цвета, особенно, не говоря уже о художниках старше 40 лет. Это нужно изменить и изменить. Всеми нами.

Когда дело доходит до высказываний артистов, будь простым и глупым.

Не используйте художественный жаргон; пиши своим голосом, пиши, как говоришь. Не пытайтесь писать умно. Ваше заявление должно быть прямым, ясным и по существу. Не возражайте против таких больших понятий, как «природа» и «культура». Не используйте такие слова, как , опрашивать, реконцептуализировать, деконструировать, символизировать, трансцендентальный, мистический, товарная культура, пороговое пространство, или тактильно. Не цитируйте Фуко, Делёза, Деррида. Эти ребята молодцы. Но не цитируйте их. Придумайте свою собственную теорию.Люди, которые заявляют, что ненавидят или не имеют теории: это ваша теория, идиоты!

Трудно писать о важных вещах. Так оно и есть. Смирись с этим. И если говорить претенциозно, не говори этого.

Упражнение: Заявление художника
Напишите простое описание своей работы, состоящее из 100–150 слов; отдай его тому, кто не разбирается в твоей работе. Попросите их рассказать вам, как, по их мнению, выглядит ваша работа. Обратите внимание на различия.

Два совета:
( A ) Не сочтите за труд.Просто напиши, большой ребенок! Вы уже умеете писать.

( B ) Никогда не говорите просто: «Скажи мне, что это». Это напыщенная чушь. Когда дело доходит до вашей работы, вы лучший авторитет.

Психические стратегии борьбы с уродством (внутри и снаружи).

Жан-Мишель Баския и Франческо Клементе, 1986 год.Фото: Патрик Макмаллан / Getty Images

Не ложитесь спать допоздна каждую ночь с другими артистами вашего возраста. Приходи. Ходите на открытия, мероприятия, вечеринки, где бы вас ни было больше двух.

Художники должны постоянно общаться с себе подобными. Из этого правила нет исключений, даже если вы живете «в лесу». Желательно общаться лично, но онлайн более чем нормально. Неважно, где вы живете: большой город, маленький город, маленький городок.Вы будете вместе бороться и любить; вы вместе разовьете новые языки и дадите друг другу утешение, общение и силы, чтобы продолжить. Так вы измените мир — и свое искусство.

Чтобы обезопасить себя, создают небольшие банды. Защищайте друг друга несмотря ни на что; эта банда позволит всем вам выйти и захватить части мира. Спорите, спите, любите, ненавидьте, надоедайте своим товарищам по банде. Что бы ни случилось, вы нужны друг другу — пока.Защитите самого слабого артиста в своей банде, потому что в банде есть люди, которые думают, что вы слабый.

Мане: Непостижимо вульгарно?

В 1956 году «после тщательного рассмотрения» Музей современного искусства отклонил рисунок обуви Уорхола, который он подарил музею. Моне на долгие годы отказался от выставок в Парижском салоне. Произведение Мане и Курбе было отвергнуто как скандальное, сенсационное, уродливое. Говорят, что картины Мане демонстрируют «немыслимую пошлость». Мане не хотел показываться с Сезанном, потому что думал, что он вульгарен.

Самая известная и первая книга Стивена Кинга , Carrie, отклонялась 30 раз. Кинг выбросил первые страницы книги. Его жена перерыла мусор, спасла их и убедила его продолжать писать.

The Beatles были отклонены Decca Records, которая считала, что «гитарные группы уходят» и «у Beatles нет будущего в шоу-бизнесе».”

Но не игнорируйте критику. Вместо этого сохраните письма с отказом; приклейте их к стене. Они побуждают доказывать неправоту. Вы можете быть Ахавом в отношении этих плохих отзывов, но не позволяйте им пренебрегать ими; они не определяют вас.

Гораздо сложнее: признать, что в любой критике может быть доля истины, что вы сделали то, что позволило этому человеку сказать то, что было сказано. Вы могли опередить свое время, но человек этого не заметил. Или, может быть, вы делаете что-то неуместное, позволяющее им не ценить вашу работу, или вы не нашли способ заставить свою работу говорить с людьми, с которыми вы хотите, чтобы она говорила.Это все на тебе.

В общем, вы должны быть открыты для критики, но при этом развивать шкуру слона. И помните, что ничто, что вам говорят о вашей работе, не может быть хуже того, что вы уже думали и говорили себе 100 раз.

Я всегда говорю всем, кто меня критикует: «Возможно, ты прав». У него приятная двойная грань, которую человек часто никогда не чувствует и которая доставляет удовольствие.

Сегодня!

Зависть смотрит на других, но ослепляет вас.

Он съест тебя заживо как художника; вы живете на службе у него, всегда на грани фанка, размышляя о прошлых обидах, наблюдая за всем, всегда видя то, что есть у других людей, ища других артистов, упомянутых вместо вас. Зависть разъедает ваш внутренний разум, оставляет меньше возможностей для развития и, самое главное, для честной самокритики. Ваше воображение занято тем, что есть у других, а не тем, что вам нужно делать в своей работе, чтобы получить то, что вы хотите. В этой крепости все, что с вами не происходит, обвиняют кого-то или кого-то еще.Вы воображаете себя современным Ван Гогом, забытым гением, к которому мир не готов. Вы отказываетесь от свободы воли и ответственности. Чувство недостатка определяет вас, делает вас кислым, горьким, нелюбящим и злым.

Бедный ты. Жаль, что у всех этих «плохих артистов» есть шоу, а у вас нет. Жаль, что они получают статьи, деньги и любовь! Жаль, что у них есть трастовый фонд, они ходили в лучшие школы, вышли замуж за кого-то богатого, они лучше выглядят, имеют тонкие лодыжки, более общительны, имеют лучшие связи или используют свои связи, сетевые навыки и образование. Жаль, что ты стесняешься.

Секрет: почти все в мире искусства почти одинаково застенчивы и пугливы в отношении себя. Я не могу присутствовать на обедах с сидячими местами. Мы все делаем все, что в наших силах. Но «бедный я» — не способ улучшить вашу работу, и вы выбываете из игры, если не появляетесь. Так что вырастите себе пару чего угодно и приступайте к работе!

Пикассо: семьянин.Фото: © Эдвард Куинн / © Эдвард Куинн

Существует неписаное правило — особенно для женщин в мире искусства, — что иметь детей «плохо для вашей карьеры». Это идиотизм.

Вероятно, у 90 процентов всех художников были дети. Эти артисты в основном были мужчинами, и это неплохо сказалось на их карьере. Конечно, на протяжении веков женщинам было поручено почти исключительно домашнее хозяйство и воспитание детей, что было запрещено в школах и академиях, им даже не разрешалось рисовать обнаженных людей, не говоря уже о том, чтобы учиться у художников.Все кончено.

Наличие детей не «плохо» для вашей карьеры. Рождение детей означает меньше времени, денег или места. Ну и что? Большинство детей, выросших в мире искусства, живут удивительной жизнью.

Как заметила художница Лорел Накадате, быть родителем уже очень похоже на то, чтобы быть художником. Это означает всегда таскать вещи, жить в хаосе, делать загадочные, невозможные или пугающие вещи. Как и в искусстве, дети могут сводить с ума весь день, заставлять желать, чтобы все это исчезло.Затем в любую секунду, в любой момент, вы искуплены моментом интенсивной преобразующей любви.

Космические эпиграммы Джерри.

Не говори: «Я ненавижу фигуративную живопись». Никогда не знаешь, когда увидишь так называемую фигуративную картину, которая привлечет твое внимание. Так что не будьте гробовщиком из мира искусства, объявляющим медиумов мертвыми! «Живопись мертва», «Роман мертв», «Автор мертв», «Фотография мертва», «История мертва». Ничего не умерло!

Искусство не является обязательным, а не декоративным озеленением перед замком цивилизации.Это не более и не менее важно, чем философия, религия, экономика или психология.

Помните: любой может использовать ваше искусство — любое искусство — любым способом, который ему подходит. Вы можете сказать, что ваша работа посвящена диаспоре, но другие могут увидеть в ней изменение климата или исследование природы. Круто.

Что это значит? Мы согласны с тем, что некоторые художники хороши, но вы можете посмотреть на Рембрандта и поймать себя на мысли… Это довольно коричневый цвет. Хорошо! Это не значит, что вы тупой.

Это действительно означает, что, хотя для Гамлет существует один текст, каждый, кто видит пьесу, видит другой Гамлет. Более того, каждый раз вы видите Гамлет, он другой. Так обстоит дело почти со всем хорошим искусством. Оно всегда меняется, и каждый раз, когда вы видите его заново, вы думаете, Как я мог это пропустить раньше? Теперь я наконец-то вижу! До следующего раза, когда это изменит ваше мышление.

Это переносит вас в одну из метафизических квазарных камер искусства: искусство — это статичная, неизменная вещь, которая никогда не бывает прежней.

Радикальная уязвимость.

Вся карьера Джеффа Кунса превратилась в эпическое унижение: он изображал себя и свою жену-порнозвезду с поличным. Фото: Майкл Нэгл / The New York Times / Redux

Что это? Он следит за вашей работой до ее самых темных уголков и самых странных проявлений, раскрывая в себе то, что вы не хотите раскрывать, пока ваша работа не требует этого, и никогда не терпит неудач только посредственными или общими способами.Все мы противоречим себе. У нас есть множество. Вы должны быть готовы к ярким неудачам, делать вещи, которые кажутся глупыми, и за которые вас могут посчитать плохим человеком.

А ты можешь?

В три часа ночи со всеми нами разговаривают демоны. Я стар, и они все еще разговаривают со мной каждую ночь. И каждый день.

Они говорят вам, что вы недостаточно хороши, не ходили в правильную школу, глупы, не умеете рисовать, у вас мало денег, не оригинальны; что то, что вы делаете, не имеет значения, и кого это волнует, а вы даже не знаете историю искусства, не умеете болтать и у вас болит шея.Они говорят вам, что вы притворяетесь, что другие люди видят вас насквозь, что вы ленивы, что вы не знаете, что делаете, и что вы делаете это только для того, чтобы привлечь внимание или деньги.

У меня есть одно решение, чтобы отвернуться от этих демонов: избив себя в течение получаса или около того, остановитесь и скажите вслух: «Да, но я гребаный гений».

Теперь ты. Искусство для всех, но не для всех. Эти правила — ваши инструменты. Теперь используйте их, чтобы изменить мир. Приступайте к работе!

Как стать художником Джерри Зальца будет опубликовано 17 марта 2020 года.

* Эта статья опубликована в журнале New York Magazine от 26 ноября 2018 г. Подпишитесь сейчас!

Что происходит в вашем мозгу, когда вы занимаетесь искусством: кадры

Много свободного времени я провожу за рисованием.Я работаю журналистом в научном бюро NPR днем. Но все время между ними я художник, в частности, карикатурист.

Рисую между задачами. Я делаю наброски в кафе перед работой. И мне нравится бросать вызов самому себе, чтобы заполнить журнал — небольшой журнал — в 20-минутной поездке на автобусе.

Я делаю это отчасти потому, что это весело и интересно. Но я подозреваю, что происходит нечто более глубокое. Потому что, когда я создаю, мне кажется, что это проясняет мою голову. Это помогает мне разобраться в своих эмоциях.И это почему-то заставляет меня чувствовать себя спокойнее и расслабленнее.

Это заставило меня задуматься: что происходит в моем мозгу, когда я рисую? Почему так приятно? И как я могу привлечь других людей — даже , если они не считают себя художниками — на поезд творчества?

Оказывается, когда мы занимаемся искусством, в нашем сознании и теле много всего происходит.

«Творчество само по себе важно для того, чтобы оставаться здоровым, оставаться связанным с собой и связанным с миром», — говорит Кристиан Стренг, профессор нейробиологии Университета Алабамы в Бирмингеме и бывший президент Американской ассоциации арт-терапии.

Эта идея распространяется на любой тип визуального творческого выражения: рисование, раскрашивание, коллажирование, лепка из глины, написание стихов, украшение тортов, вязание, скрапбукинг — безграничных возможностей.

«Все, что затрагивает ваш творческий ум — способность устанавливать связи между несвязанными вещами и придумывать новые способы общения — полезно для вас», — говорит Гирия Каймал. Она является профессором Университета Дрекселя и исследователем в области арт-терапии, ведет занятия по искусству с военнослужащими, страдающими черепно-мозговой травмой, и лицами, ухаживающими за больными раком.

Но она твердо убеждена, что искусство для всех — и независимо от уровня ваших навыков, вы должны стараться этим заниматься на регулярной основе. Вот почему:

Это помогает вам представить более обнадеживающее будущее

Способность искусства расширять наше воображение может быть одной из причин, почему мы занимаемся искусством с тех пор, как были обитателями пещер, — говорит Каймал. Это могло служить эволюционной цели.У нее есть теория, согласно которой искусство помогает нам справляться с проблемами, которые могут возникнуть в будущем. Об этом она написала в октябре в журнале Американской ассоциации арт-терапии .

Ее теория основана на идее , разработанной в последние несколько лет, о том, что наш мозг является прогностической машиной. Мозг использует «информацию, чтобы делать прогнозы о том, что мы можем делать дальше, и, что более важно, что нам нужно делать дальше, чтобы выжить и процветать», — говорит Каймал.

Когда вы занимаетесь искусством, вы принимаете ряд решений — какой инструмент для рисования использовать, какой цвет, как перенести увиденное на бумагу.И, наконец, интерпретация изображений — выяснение того, что это значит.

Сделай это: Журнал «Как начать заниматься искусством»

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

• Скрыть подпись

  Как начать заниматься искусством

  Предыдущий Следующий

  Малака Гариб / NPR

«Итак, то, что наш мозг делает каждый день, каждое мгновение, сознательно и бессознательно, пытается представить себе, что должно произойти, и готовится к встрече с этим», — говорит она.

Каймал видела эту игру в своей клинической практике в качестве арт-терапевта со студентом, который находился в тяжелой депрессии. «Она была в отчаянии. Ее оценки были действительно плохими, и у нее было чувство безнадежности», — вспоминает она.

Студент достал лист бумаги и раскрасил весь лист толстым черным маркером. Каймал ничего не сказал.

«Она смотрела на этот черный лист бумаги и некоторое время смотрела на него», — говорит Каймал. «А потом она сказала:« Вау. Это выглядит очень мрачно и мрачно.«

А потом произошло нечто удивительное, — говорит Каймал. Студентка огляделась и взяла розовую глину для лепки. И она начала лепить … цветы:« Она сказала, знаете что? Думаю, это напоминает мне весну ».

Благодаря этой сессии и творчеству, говорит Каймал, ученица смогла вообразить возможности и увидеть будущее за пределами настоящего момента, в котором она находилась в отчаянии и депрессии.

«Этот акт воображения на самом деле является актом выживания», — говорит она. «Это готовит нас представить возможности и, надеюсь, пережить эти возможности».

Это активирует центр вознаграждения в нашем мозгу.

Для многих людей создание искусства может быть нервным. Что ты собираешься делать? Какие материалы использовать? Что делать, если вы не можете его выполнить? Что, если это … отстой?

Исследования показывают, что, несмотря на эти опасения, «участие в любом виде визуального выражения приводит к активации пути вознаграждения в мозгу», — говорит Каймал.«Это означает, что вы чувствуете себя хорошо, и это воспринимается как приятное занятие».

Она и группа исследователей обнаружили это в статье 2017 года, опубликованной в журнале The Arts in Psychotherapy . Они измерили приток крови к центру вознаграждения мозга, медиальной префронтальной коре, у 26 участников, выполнив три художественных задания: раскрашивая мандалу, рисуя и свободно рисуя на чистом листе бумаги. И действительно — исследователи обнаружили увеличение притока крови к этой части мозга, когда участники занимались искусством.

Это исследование предполагает, что искусство может принести пользу людям, имеющим проблемы со здоровьем, которые активируют в мозгу механизмы вознаграждения, такие как аддиктивное поведение, расстройства пищевого поведения или расстройства настроения, пишут исследователи.

Снижает стресс

Хотя исследования в области арт-терапии появляются, есть доказательства того, что искусство может снизить стресс и тревогу. В статье 2016 года, опубликованной в журнале Американской ассоциации арт-терапии , Каймал и группа исследователей измерили уровень кортизола у 39 здоровых взрослых людей.Кортизол — это гормон, который помогает организму реагировать на стресс.

Они обнаружили, что 45 минут творчества в студии с арт-терапевтом значительно снизили уровень кортизола.

В документе также показано, что нет различий в результатах для здоровья между людьми, которые считают себя опытными художниками, и людьми, которые этого не делают. Это означает, что независимо от уровня вашего мастерства вы сможете почувствовать все хорошее, что связано с созданием искусства.

Это позволяет вам глубоко сосредоточиться

В конечном счете, говорит Каймал, создание искусства должно вызывать то, что научное сообщество называет «потоком» — чудесная вещь, которая происходит, когда вы находитесь в зоне. «Это чувство потери себя, потери осознания. Вы настолько присутствуете в данный момент и полностью присутствуете, что забываете все чувство времени и пространства», — говорит она.

А что происходит в вашем мозгу, когда вы находитесь в состоянии потока? «Это активирует несколько сетей, включая расслабленное рефлексивное состояние, сосредоточенное внимание на задаче и чувство удовольствия», — говорит она.Каймал указывает на исследование 2018 года, опубликованное в журнале Frontiers in Psychology , в котором было обнаружено, что поток характеризуется повышенной активностью тета-волн во фронтальных областях мозга и умеренной активностью альфа-волн во фронтальных и центральных областях.

Итак, какое искусство вам стоит попробовать?

Некоторые виды искусства приносят больше пользы для здоровья, чем другие.

Каймал говорит, что, например, можно поиграть с глиной для лепки.«Он задействует обе ваши руки и многие части вашего мозга в сенсорном опыте», — говорит она. «Ваше осязание, ваше ощущение трехмерного пространства, зрение, возможно, немного звука — все это задействовано в использовании некоторых частей вас самих для самовыражения и, вероятно, будет более полезным».

Ряд исследований показал, что раскраска внутри фигуры — в частности, заранее нарисованный геометрический рисунок мандалы — более эффективна для повышения настроения, чем раскраска на чистом листе бумаги или даже раскраска внутри квадратной формы.И одно исследование 2012 года, опубликованное в журнале Американской ассоциации арт-терапии , показало, что раскрашивание внутри мандалы снижает беспокойство в большей степени по сравнению с раскрашиванием в клетку или простой лист бумаги.

Стрэнг говорит, что нет ни одного средства или искусства, которое «лучше» другого. «В некоторые дни вы можете пойти домой и рисовать. В другие дни вы можете захотеть рисовать», — говорит она. «В любой момент делайте то, что для вас наиболее выгодно».

Обработайте свои эмоции

Важно отметить: если вы переживаете серьезное психическое расстройство, вам следует обратиться за советом к профессиональному арт-терапевту, — говорит Стрэнг.

Однако, если вы занимаетесь искусством, чтобы соединиться со своим собственным творчеством, уменьшить беспокойство и отточить свои навыки преодоления трудностей, «во что бы то ни стало, придумайте, как позволить себе это сделать», — говорит она.

Просто позвольте этим «линиям, формам и цветам превратить ваши эмоциональные переживания в нечто визуальное», — говорит она. «Используйте чувства, которые вы чувствуете в своем теле, в своих воспоминаниях. Потому что слова не часто передают это».

Ее слова заставили меня задуматься обо всех тех моментах, когда я полез в сумочку за ручкой и альбомом.Большую часть времени я использовал свои рисунки и небольшие размышления, чтобы передать свои чувства. Я помогал себе справляться. Это было катарсисом. И этот катарсис принес мне облегчение.

Несколько месяцев назад я с кем-то поссорился. На следующий день, когда я ехал на автобусе на работу, я все еще мучился. В отчаянии я вытащил свой блокнот и записал старую пословицу: «Не позволяй миру усложнять тебя».

Я аккуратно сорвал сообщение со страницы и прикрепил его к сиденью в автобусе передо мной.Я подумал, пусть это будет напоминанием всем, кто это читает!

Я сфотографировал записку и разместил ее в своем Instagram. Позднее той ночью, посмотрев на изображение, я понял, для кого на самом деле было послание. Себя.

Малака Гариб — писатель и редактор научного отдела NPR и автор книги «Я был их американской мечтой: графические воспоминания».

6 мифов о живописи и искусстве

Художественный миф № 1: Чтобы быть художником, нужен талант

Мэрион Бодди-Эванс

Факт: У некоторых людей врожденный талант или склонность к искусству больше, чем у других. Но беспокоиться о том, сколько у вас талантов или нет, — это пустая трата энергии.

Каждый может научиться овладевать методами, лежащими в основе хорошей живописи, и у каждого есть возможность улучшить свои творческие способности. Полное ведро «таланта» не гарантирует, что вы станете хорошим художником, потому что для творчества требуется нечто большее, чем просто умение.

Но они сказали, что у меня «есть талант»

Преимущество веры (или того, чтобы другие поверили), что у вас есть талант, когда вы начинаете, заключается в том, что искусство изначально дается вам легко. Возможно, вам не придется так усердно стремиться к достижению «хорошей» картины, и вы можете получить много положительных отзывов. Но полагаться на талант можно только до определенного момента. Рано или поздно вы попадете в точку, где вашего таланта недостаточно. Что тогда?

Если вы работали над развитием художественных навыков — от того, как работают разные кисти до того, как взаимодействуют цвета — и привыкли активно преследовать идеи, а не ожидать, что творческие мысли придут к вам, то вы не зависите от своей так называемой прихоти. талант.’

У вас уже есть привычка исследовать возможности, исследовать новые идеи, продвигать вещи еще на один шаг вперед. Вы настроены на долгосрочную перспективу.

Талант не имеет значения, если есть желание

А если верите, что у вас вообще нет художественного таланта? Давайте откажемся от банальностей о том, что у каждого есть творческий аспект и что у каждого есть особый талант.

Если бы вы действительно считали, что у вас нет художественных способностей, у вас не было бы желания рисовать.Именно это желание в сочетании с настойчивостью и систематическим изучением техник рисования, а не только с талантом, делают художника успешным.

Цитируется высказывание Дега: «У каждого есть талант в 25 лет. Трудность состоит в том, чтобы иметь его в 50».

«Великого художника от слабого отличает, прежде всего, его чуткость и нежность; во-вторых, их воображение и, в-третьих, их трудолюбие ». — Джон Раскин

Миф № 2: рисовать должно быть легко

Мэрион Бодди-Эванс

Факт: Кто говорит? Почему все, что стоит делать, должно быть легким?

Существует ряд техник, которым может научиться каждый (например, штриховка, правила перспективы, теория цвета и т. Д.), Чтобы создать картину за относительно короткое время. Но чтобы выйти за рамки посредственности, нужны реальные усилия.

Великие художники могут сделать это легко, но эта «легкость», как и любое великое мастерство, пришла через годы упорной работы и практики.

Не ждите, что рисование будет легким

Если вы отправляетесь с убеждением, что рисовать должно быть легко, вы настраиваете себя на разочарование и разочарование.С опытом некоторые аспекты действительно становятся проще — например, вы знаете, какой будет результат, если вы нанесете один цвет поверх другого, — но это не значит, что на самом деле отделка покраска проста.

Сомнительный? Что ж, вот что Роберт Бейтман сказал об этом: «Одно определение шедевра, который я слышал … когда вы его видите, вы должны чувствовать, что видите впервые, и это должно выглядеть так, как будто это сделано без усилие. Это очень и очень жесткий критерий.Я бы не сказал, что когда-либо делал шедевр, но когда я борюсь с каждой картиной — а все они — это борьба — я часто чувствую, что я далек от этих двух целей ».

Бейтман говорит о «легких вещах»: «Если я оглядываюсь на основную часть работы предыдущего года и вижу много легких вещей, я чувствую, что подвел себя».

«Легче нарисовать ноги ангела к чужому шедевру, чем обнаружить, где ангелы живут внутри вас». — Дэвид Бэйлс и Тед Орланд в « Искусство и страх». »

Художественный миф № 3: Каждая картина должна быть идеальной

Мэрион Бодди-Эванс

Факт: Требовать, чтобы каждая ваша картина была абсолютно идеальной — нереальная цель. У вас никогда не получится этого добиться, поэтому вы слишком боитесь даже пытаться. Разве вы не слышали о том, чтобы «учиться на своих ошибках»?

Вместо того, чтобы стремиться к совершенству, стремитесь к тому, чтобы каждая картина вас чему-то научила, и рискуйте испортить вещи, пробуя что-то новое, просто чтобы посмотреть, что получится.Испытайте себя, взявшись за новые темы, подходы или вещи, которые «слишком сложны».

Что самое худшее может случиться?

Вы тратите немного краски и время. Конечно, это может расстраивать, когда вы не добиваетесь того, что вам нравится, но, как гласит клише, «если сначала у вас не получится, попробуйте и попробуйте еще раз».

Если вы напортачили с картиной, постарайтесь закрасить «обидную часть». Оставьте ее на ночь и атакуйте снова утром. Бывают случаи, когда лучше просто признать поражение на данный момент и отложить его на гораздо более длительный срок.Но никогда не навсегда; большинство художников слишком упрямы для этого!

В конце концов, если вы станете достаточно знаменитыми, музеи будут так рады получить от вас любую работу, что будут вешать картины, которые были незаконченными или просто черновыми этюдами, а не только теми, которые вы считали законченными и хорошими. Вы их видели — те картины, на которых часть холста еще не покрыта, за исключением, возможно, рисунка линии, показывающего, что художник собирался туда поместить.

«Не бойтесь совершенства, вы никогда не достигнете его.»- Сальвадор Дали, художник-сюрреалист.

Художественный миф № 4: Если не умеешь рисовать, то и рисовать не умеешь

Мэрион Бодди-Эванс

Факт: Картина — это не раскрашенный рисунок, а рисунок — это еще не раскрашенный рисунок.

Живопись предполагает собственный набор навыков. Даже если бы вы были экспертом в рисовании, вам нужно было бы научиться рисовать.

• Некоторым художникам нравится делать подробные рисунки для справки перед рисованием, но многие этого не делают.
• Некоторые художники рисуют прямо на холсте, прежде чем начать рисовать, но многие этого не делают.

Чертеж не требуется

Нет правила, согласно которому вы должны рисовать, прежде чем рисовать, если вы не хотите.

Рисование — это не только начальный этап создания картины. Рисование — это другой способ создания искусства. Навыки рисования определенно помогут в рисовании, но если вы ненавидите карандаши и уголь, это не значит, что вы не можете научиться рисовать.

Никогда не позволяйте вере в то, что вы «не можете даже провести прямую линию», мешает вам открыть для себя удовольствие, которое может принести живопись.

«Живопись включает в себя все 10 функций глаза; то есть темноту, свет, тело и цвет, форму и местоположение, расстояние и близость, движение и покой». — Леонардо да Винчи.

Арт-миф № 5: Маленькие холсты рисовать легче, чем большие

Мэрион Бодди-Эванс

Факт: У разных размеров холста есть свои проблемы. Может даже не быть разницы во времени, необходимом для завершения рисования маленького холста или большого.

Миниатюры крошечные, но, конечно, на их создание не уйдет всего несколько минут! (И вы никогда не сделаете миниатюру, если у вас нет твердой руки и острого глаза.)

Размер субъективен

Рисуете ли вы крупно или мелко, зависит не только от объекта (некоторые объекты просто требуют определенного масштаба), но и от эффекта, который вы хотите создать.Например, огромный пейзаж будет доминировать в комнате, чего никогда не могло быть у серии небольших холстов.

Если ваш бюджет на художественные материалы ограничен, у вас может возникнуть соблазн использовать небольшие холсты, потому что вы думаете, что они требуют меньше краски. Должно ли это быть вашей единственной заботой или вы должны рисовать в любой размер, который хотите? Вы обнаружите, что холст среднего размера учит рисовать как детали, так и большие области, используя гораздо меньше краски, чем вы боитесь.

Если вас беспокоит стоимость художественных материалов и вы обнаруживаете, что этот стресс мешает вам рисовать, подумайте об использовании красок студенческого качества для учебы и блокировки в исходных цветах.Сохраните качество хорошего художника для последующих слоев.

Джеймс Уистлер произвел множество мелких масел, некоторые размером всего три на пять дюймов. Один коллекционер описал их как «внешне размером с вашу руку, но художественно — как большой, как континент».

«Можете ли вы поверить, что нарисовать фигуру примерно в фут высотой совсем не легче, чем нарисовать маленькую? Напротив, это намного сложнее». — Ван Гог

По-настоящему важный вопрос, который задает большинство художников, — какие картины лучше продаются — большие или маленькие.

Art Myth # 6: Чем больше цветов вы используете, тем лучше

Мэрион Бодди-Эванс

Факт: Контраст и тон важнее количества используемых цветов. Смешивание множества цветов в картине — это рецепт создания грязи, а художники ненавидят мутные цвета.

Заполнить ящик с красками множеством цветов легко, и это, безусловно, заманчиво, учитывая доступный диапазон. Но каждый цвет имеет свою индивидуальность или характеристики, и вам нужно точно знать, на что он похож, прежде чем переходить к другому или смешивать его с другим.Знание того, как ведет себя цвет, дает вам свободу сосредоточиться на других вещах.

Начните с простой теории цвета

Начните с двух дополнительных цветов, например синего и оранжевого. Используйте их, чтобы создать картину и увидеть, что вы думаете. Разве это не более динамично, чем картина, охватывающая весь спектр?

Не убежден? Проведите время, глядя на картины Рембрандта, полные земляных коричневых и желтых цветов. Трудно найти кого-нибудь, кто будет утверждать, что ему следовало «оживить» свои картины большим количеством красок.Вместо этого его ограниченная палитра добавляет настроения.

«Цвет напрямую влияет на душу. Цвет — это клавиатура, глаза — молотки, душа — это пианино с множеством струн. Художник — это рука, которая играет, целенаправленно касаясь того или другого, чтобы вызвать колебания в душе». — Кандинский

«Природа содержит элементы всех изображений по цвету и форме, так же как клавиатура содержит ноты всей музыки. Но художник рожден, чтобы выбирать, выбирать и группировать …эти элементы, чтобы результат был красивым », — Уистлер

«Колорист показывает свое присутствие даже в простом рисунке углем». — Матисс.

Как рисовать абстрактное искусство? Станьте мастером.

14 марта 2016 г.

Прежде чем мы начнем, давайте просто убедимся, что все находятся в нужном месте. Это руководство мастера о том, как рисовать абстрактное искусство . Мы пропустим основы, такие как техника кисти, теория цвета, как растягивать холст, что такое линии и как их рисовать, а также рисовать человеческую фигуру / натюрморт / пейзаж / животное / жанровую сцену.Мы также не будем касаться таких вопросов, как кто я, почему я здесь, зачем занимаюсь искусством, зачем вообще что-то делать и т. Д. Кроме того, вы, вероятно, уже должны иметь некоторое базовое представление об истории искусства, скажем, из пещеры. картины по настоящее время. Тогда ладно. Если все в порядке, то приступим!

Как рисовать абстрактное искусство — Руководство из 8 шагов

Шаг первый: проявите талант

Это может разочаровать некоторых из вас. Распространенное заблуждение, что абстрактное искусство создают художники, которые не умеют рисовать, не имеют академического образования или просто спастичны.Действительно, многие неподготовленные и бесталанные люди действительно участвуют в поведении, которое приводит к тому, что краска наносится на поверхности таким образом, что образы становятся неузнаваемыми. Но хотя мы могли бы назвать это почти чем угодно, например, проведением времени, хобби, использованием вещей в гараже или выпуском пара, то, что мы не называем «рисованием абстрактного искусства».

Быть абстрактным художником — все равно что быть юристом или премьер-министром. Это профессия. Это требует тренировки. Вы должны работать полный рабочий день и быть преданными своему делу.Абстракция не означает любителя. Рассмотрим канадского геометрического абстрактного художника Джона Монтейта. Он получил степень бакалавра в Колледже искусства и дизайна Онтарио в 1997 году. Затем, после почти десятилетней работы, выставок и публикаций, он вернулся в школу, получив степень магистра иностранных дел в Парсонс в Нью-Йорке в 2008 году. С тех пор он прошел резидентуру в Германии и Швейцарии. и проводил время, читая лекции и участвуя в выставках по всему миру. Чтобы добиться успеха в качестве художника-абстракциониста, вам необходимо сочетание образования, целеустремленности, целеустремленности и навыков; другими словами, талант.

Джон Монтейт — Таблица № 3, 2014. 47,2 x 35,4 дюйма

Шаг второй: будь намеренным

Это тоже может вызвать разочарование, но да, даже абстрактные картины рождаются с идеей . Намного веселее и моднее представлять абстрактных художников как мистических существ, которые направляют космические силы, которые даже они не понимают, и что их непостижимый процесс ведет их, как зомби, к холсту, где через них без их контроля текут непредвиденные силы, и что полученные в результате картины открыты для такой необузданной интерпретации, что любые и все смыслы, навязанные им, потенциально действительны.

Но даже беглый взгляд на историю абстрактного искусства показывает, что все наоборот. Ранние абстракционисты, такие как Василий Кандинский и Пабло Пикассо, руководствовались целью. С научной самоотдачей они деконструировали живопись, выделив такие элементы, как цвет, линия, форма, текстура, яркость, жест, поверхность и мазок. Они намеренно искали способы использовать эти компоненты для выражения чего-то универсального, как композиторы используют такие элементы, как тон, ритм, размер и тональность, для выражения абстрактных универсальностей через музыку.Даже мистические абстрактные художники, такие как Хильма Клинт, и сюрреалистические абстракторы, такие как Хуан Миро, начинали с концепций и делали работу, основанную на идеях.

Ричард Калдикотт — Без названия # 109, 1999. 13,8 x 10,6 в

Шаг третий: будьте актуальны

Сегодня художники обычно идут прямо из средней школы в университет, прямо из университета в аспирантуру , и непосредственно из аспирантуры к профессиональной практике. Какого рода искусство принадлежит 25-летнему человеку, который никогда не работал полный рабочий день, никогда не отвечал за оплату счетов, никогда не содержал дома, не управлял сотрудниками или, как правило, был вынужден разбираться в различных изнурительных тонкостях современной жизни? человеческая борьба за выживание?

Чтобы быть профессионалом, иметь намерение в своей работе и быть актуальным, вы должны узнать об остальных людях.Увидеть мир. Путешествовать. Читать. Научитесь готовить. Сходи на митинг. Стойте за что-нибудь. Измените свое мнение и станьте сторонником чего-то другого. Узнайте, какова жизнь остальных 7 миллиардов людей на планете, которые могут столкнуться с вашим искусством. В своем профессиональном резюме голландский художник-абстракционист Хосе Херкенс перечисляет образовательные туры почти в дюжину стран на четырех континентах. Эти поездки напрямую влияют на ее самоощущение и визуальный словарный запас, в результате чего работа кажется многослойной, современной и глобальной.Поймите, абстрактное искусство не обязательно должно быть «о чем-то», оно должно быть создано кем-то, кто им занимается.

Джессика Сноу — Six Color Theorum, 2013. 48 x 48 в

Шаг четвертый: выскажите свое мнение

работай. Зрители будут задавать такие вопросы, как: «Является ли это изображение символом чего-то другого или оно только ссылается на себя?» или «Была ли эта картина получена путем намеренного обфускации узнаваемых объектов, или это результат интуитивных, нерепрезентативных жестов?» или: «Почему красный? Почему не синий? » и т.п.

Как профессиональный художник, вы должны предъявлять претензии от имени того, что вы делаете. Будьте уверены в себе и искренни. Нет замены интеллектуальной ясности. Вам не нужно объяснять свою работу или говорить, что она означает или о чем. Но отказываться объяснять свои намерения, возвращать вопросы зрителю или вообще ничего не говорить — это просто эгоистично, и другим остается право определять вашу работу.

Джереми Аннир — Morning Space, 2008. 47,2 x 63 в

Шаг пятый: Будь под контролем

Когда работа Джексона Поллока была раскритикована как хаотичная, Поллок ответил: «Никакого хаоса! черт.«Искусство не случайно. Непреднамеренные действия называются ошибками. Каждый знак, который оказывается на поверхности абстрактной картины, возникает в результате действий и выбора художника. Даже если художник решит установить картину на улице под дождем, водяные знаки появляются в результате его выбора.

И если художник недоволен отметкой, художник может стереть ее, накрыть, изменить или уничтожить картину. Это называется редактированием. Вы работаете, вы редактируете, вы еще работаете.Зачем прятаться за ложью случайностей на работе? Абстракция — это не хаос. Владейте каждой отметкой на каждой картине. Если в работе происходит что-то, чего вы не планировали сознательно, исправьте это. Сразитесь с незапланированным событием и решите, сдерживать его или нет. Что бы вы ни решили и чем бы ни стала ваша работа, это будет сделано по вашему выбору.

Приветствуйте Helsen — OT, 2014. 27,6 x 39,4 дюйма

Шаг шестой: Будьте открытыми

Может быть, этот шаг кажется нелогичным, учитывая, что последние пять шагов подтвердили важность намеренного, концептуального, и под контролем.Мы не говорим обо всем этом забыть. Мы просто также говорим открыться. Подключитесь к своему подсознанию. Где-то в вашей психике есть что-то универсальное для каждого члена человеческого рода. Позвольте эмоциям руководить вашим телом. Краска сделана интуитивно. Положите свои чувства на холст. Даже если вы рисуете интуитивно, примитивно, незапланированно и бесплатно, вы все равно делаете выбор. Вы все еще редактируете. И вы все равно решаете, когда картина будет завершена.

Эшлинн Браунинг — Stacked, 2014.43,7 x 39, 8 дюймов

Шаг седьмой: будьте чистыми

Сделайте себе чашку чая. Загляните в чашку и громко скажите: «Это чай». Теперь налейте в чай ​​немного апельсинового сока. Снова посмотрите в чашку и спросите себя: «Что это?» Современные художники имеют доступ ко всей истории искусства. Они могут свободно исследовать любой стиль и любую среду, а также смешивать стили и среды, чтобы найти свой уникальный голос и реализовать свое концептуальное видение. Но когда стили смешиваются, что остается?

Если вы рисуете абстрактный монохромный рисунок, а затем наклеиваете на него коллаж из звезд реалити-шоу, остается ли он абстрактным? Он содержит элементы абстракции, но это то же самое? Большинство из нас согласятся, что если вы нарисуете ромашку поверх картины Цветового поля Ротко, это все равно что налить апельсиновый сок в чай.Вы просто говорите: «Что это?» Это значит что-то называть абстрактной картиной. Чтобы сохранить это значение, чистота является ключевым моментом.

Марк Ротко — Четыре дня в красном, 1958. Холст, масло. Общий: 101 13/16 × 116 3/8 дюйма. (258,6 × 295,6 см). Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк. Покупка осуществляется на средства друзей музея американского искусства Уитни, мистера и миссис Юджин М. Шварц, миссис Сэмюэл А. Сивер и Чарльза Саймона. © Кейт Ротко Призель и Кристофер Ротко / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Шаг восьмой: будь новичком

Недавно мы слышали, как один художник описал работы другого художника как «репрезентативные картины абстрактных картин.«Помимо юмора в заявлении, оно подняло вопрос о том, что мы пользуемся преимуществами более чем столетнего абстрактного искусства, а великие абстрактные художники 20-го века достигли многого! Чтобы подняться до уровня тех великих художников, которые были раньше, современные абстрактные художники должны найти способы создавать новые работы.

Да, каждый художник должен столкнуться с необходимостью каким-то образом занять пустое пространство на поверхности. И из всех требований, которые мы предъявляли к художникам-абстракционистам, дополнительная задача занять это пустое пространство чем-то совершенно новым может показаться самой сложной.Но именно эта способность выражать что-то свежее и уникальное является наиболее важным для будущего абстракции.

Если вы выполните остальные семь шагов; иными словами, если вы талантливы, целеустремленны, актуальны, имеете мнение, контролируете ситуацию, остаетесь открытыми и стремитесь быть чистыми; вы не сможете быть ничем иным, как честным и верным себе. И честное самовыражение не может не привести к чему-то уникальному и по определению новому.

Показанное изображение: Виллем де Кунинг — Абстракция, 1949-1950.Картон, масло, олеорезина. 41 х 49 см. Национальный музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид. © Фонд Виллема де Кунинга, Нью-Йорк / VEGAP.
Все изображения используются только в иллюстративных целях.