Как писать пейзаж

Автор: Г. Савицкий

Последовательность в работе (как научиться рисовать маслом на холсте)

Как целесообразнее начинать писать пейзаж: с первого или второго плана?

Это зависит от того, что в живописном отношении является ведущим, то есть на чем строится вся тональность этюда. Может получиться такое положение, что как раз на горизонте при стыке неба с землей и находится живописный лейтмотив всей вещи. В таком случае в первую очередь эти отношения и нужно решить, их, прежде всего, и берите, и уже к этому добавляйте все остальное.

А может этюд построиться и так, что основным будет первопланное пятно, а затем дальнейшее пространство пейзажа. В этом случае начинайте отталкиваться от первого плана, подчинив ему все остальное.

Следует ли этюд пейзажа закончить в один прием или лучше, не торопясь, сделать его в два-три сеанса? Это очень существенный вопрос.

Ретивые художники стремятся написать этюд в один присест. Но быстро многого не сделаешь. Важна расчетливая работа над этюдом, потому что чрезмерная усидчивость в писании этюда тоже вредна, ибо притупляется первое впечатление от натуры, устаешь, утомляешься и не так остро ее чувствуешь. Это одно. Второе: в пейзажном этюде мы имеем дело с живой природой, где все время меняется освещение. Даже если солнце за облаками, — все равно оно влияет на пейзаж настолько, что в начале и в конце сеанса он (пейзаж) совершенно различен по освещению и состоянию. В период работы часто не замечаешь этого, скажем, когда ты начал писать землю, то солнце было слева, потом начинаешь писать небо, а солнце за это время перешло на другую сторону, — и в пейзаже получается разрыв, неправдоподобие, так как в этюде земля освещена слева, а небо озарено справа. Часто у зрелых художников видишь подобную ошибку. Значит,

этюд лучше всего рассчитать на известный период, не торопиться сделать сразу много, соразмерить свои силы так, чтобы не притупилось внимание и не было потеряно первое ощущение.

В первый день нужно прийти и прежде всего выбрать место. Работая на природе, нет никакой нужды позволять ей связывать себя каким-то невыгодным положением… Сначала следует хорошо обдумать предстоящую работу: определить, сколько взять неба и земли, как построить композицию. Лучше прийти и начать писать с заранее обдуманным намерением. Некоторые начинают предварительно рисовать кистью по чистому холсту, другие предпочтут рисовать карандашом  или углем. И то и другое не возбраняется, у каждого свой прием.

На следующий сеанс

придите и сделайте цветовую подготовку: проложите основную гамму, основные отношения неба и земли, а в дальнейшем уточняйте этюд.

В этом деле от художника требуется большая работа не только над этюдом, но и над самим собой, то есть над своей дисциплиной и организованностью. Работа должна строиться по строго обдуманному плану и в определенной последовательности.

С другой стороны, бывают такие моменты: усядешься очень удобно и спокоен за то, что натура никуда не денется, погода более или менее установившаяся, пишешь не торопясь, с прохладцем. Но, оказывается, что иногда и такое состояние отзывается на самой работе: она становится вялой, незвучной.

Я вспоминаю, как я был однажды в Казахстане и увидел на базаре быка в упряжке и киргиза рядом с ним. До того меня захватила эта натура, что мне захотелось их написать. Я долго бегал за киргизом. Он по-русски не говорит, а я по-киргизски ничего не понимаю. Потом я взял переводчика и добился согласия киргиза позировать мне. Стал писать. Смотрю, на небе надвигается гроза. Бык, не будь дураком, — что ему до искусства, — берет и ложится. Я взял веревку, привязал быка за рога к сосне. Тут ветер поднялся, кисти раскидал. К моему киргизу приближается приятель и зовет его ехать за 40 километров. Вижу, уходит моя натура. Что мне оставалось делать? Я гнал этюд изо всех сил, за три четверти часа стал совершенно мокрый, — так хотелось мне запечатлеть поразившего меня киргиза с быком.

Когда я посмотрел дома свою работу, я почувствовал, что этюд далеко не конченный, но в нем была непосредственность и живость восприятия. Значит, не всегда удобства в работе на пользу. Надо, чтобы тебя натура захватила, чтобы ты в любых условиях умел писать.

О деталях в живописи

В природе деталей больше, чем в портрете человека: ветки, листья, кора стволов и т. п. Не теряет ли живописность этюда от наличия этих деталей? Художник может преследовать разные задачи, используя различные приемы. Мы знаем образцы прекрасных произведений, где видим очень тщательную проработку натуры, очень подробную моделировку, и от этого вовсе не разрушается целое. Вспомните пейзажи Шишкина. И в то же время мы зачастую видим очень свободные, широко написанные пейзажные мотивы без проработки деталей, но вместе с тем они очень звучны и свежи по живописи, очень выразительны по своему содержанию. Вспомните пейзаж Рылова «Зеленый шум» и другие. Все зависит от того, какую цель преследует художник.

Иногда в пейзаже вас поразит ажурность листвы, которая выглядит кружевом на фоне неба. Естественно, это отразится на трактовке пейзажного мотива. Все зависит от сюжета, мотива, от задания, которое себе поставил художник. Однако надо быть чрезвычайно осмотрительным в показе деталей и не переходить дозволенных искусством границ. Здесь полезно вспомнить совет Чистякова, учителя Репина, Сурикова, Васнецова, Серова, Врубеля и других, который сыграл большую роль как воспитатель реализма в живописи. Он говорил так: «Старайтесь делать как можно ближе к натуре, чтобы как можно больше было похоже, но как только будет точь-в-точь — это ни к черту не годится». Как видите, Чистяков настораживал художников против никому не нужного бездушного копирования природы, против натуралистического подхода к ней.

Тональность в живописном пейзаже

Каждое художественное произведение должно иметь какой-то общий тон, присущий данной картине или этюду. Также и каждый пейзаж важно построить в известной тональности, увидеть и найти в нем свою гамму красок. Так, например, пейзаж средней полосы России может иметь в определенное время одну общую тональность. Если вы перекинетесь на юг, например, в Крым, вы найдете другое звучание красок, другое отношение их, другую тональность. Или в той же средней полосе вы пишете зтюд в осеннее, серое, непогожее время или в весеннее время, насыщенное красками, — ведь в том и другом случае меняется гамма, тон вещи.

Приступая к работе, нужно сделать сначала основную подготовку в цвете. Начинать выгоднее всего с того, чтобы проложить на холсте основные живописные куски в найденной, вернее, увиденной вами тональности. Найти тоновое напряжение, взять его темнее или светлее. Нельзя писать в пейзаже землю в одно время, а небо — в другое. Это должно совпадать во времени, потому что одно от другого сильно зависит. Прежде всего надо определить цветовые отношения неба к земле, потому что если эти отношения окажутся, в основном, неверными, то и все остальное будет непригодно, и у вас будет большая помеха в работе.

Яркий тон в красках на палитре — это еще не есть яркий тон в живописи, на холсте. При писании этюда надо найти светящийся тон, то есть какой-то участок, который излучает и свет и цвет. Но в процессе работы бывает иногда так: вы берете максимально напряженную по яркости краску с палитры и видите, что на холсте она голая, светящегося тона нет. Это происходит потому, что гамма, в которую вы вводите этот тон, сочетание цветов — не найдены. Как только тон перестал быть краской и начал приобретать и материальность и светящееся состояние, — это признак того, что вы нашли настоящий тон.

Источник: А.С.Зайцев, «Советы мастеров», 1979.

Уроки живописи маслом для начинающих. Видео урок бесплатно   Стань художником

Главная / Бесплатные уроки / Урок живописи. Пишем маслом зимний пейзаж.

Здравствуйте, друзья! В этом видео уроке по живописи я решил показать процесс создания зимнего этюда в домашних условиях.

Мне очень нравится писать белый снег и прозрачные кроны деревьев  на фоне пасмурного неба. Многие начинающие художники задаются вопросом. А как писать снег масляными красками ? Снег то белый. Неужели просто чистыми белилами? Чистые белила могут присутствовать. Но сегодня на уроке Вы увидите, что оказывается белый цвет можно написать достаточно плотными по тону цветами.

Иногда, зимой в пасмурный день, когда небо хмурое , все вокруг может показаться однообразным и серым. И можно подумать. А что тут интересного для живописи, и вроде цвета ,кроме серого нет? Как можно любоваться скучной серой гаммой? Да, для обычного человека так и есть, но не для пейзажного живописца.

Про серый цвет, его бесконечные оттенки, можно написать целую статью.  Может я так и сделаю в будущем, когда будет настроение.  Еще мастера русского пейзажа, типа Волкова Ефима Ефимовича. создавали изумительные зимние пейзажи, и воспевали пасмурный день. А почему? Что красивого в сером цвете? А Вы сами понаблюдайте тонкие цветовые переходы на небе, на снегу.

Словно серебро переливается этот серый цвет. И писать эти серые цвета, надо конечно же не черной краской разбавленной белилами, но разными цветами. В данной картине серый снег я создавал из замеса титановых белил, голубой ФЦ, марса коричневого темного и краплака розового прочного. А черный цвет , типа сажи газовой лучше не применять, работа со временем почернеет. Если надо найти черный мазок, то его надо писать через смесь, без участия сажи газовой. Например коричневую смешать с голубой ФЦ. И еще скажу , что на снеге хорошо видны рефлексы от неба, а если небо хмурое, то и снег будет не чисто белым. В этой картине я его писал серебристым цветом. И очень эффектно смотрятся на таком темноватом снеге белые следы, оставленные проезжавшими мимо лыжниками,  и пешеходами. Также в этом уроке Вы познакомитесь с тем как писать даль и старую баньку. Предлагаю посмотреть видео, в котором вы и увидите, как написать снег в хмурый зимний день.

Для поддержания проекта расскажите пожалуйста о статье друзьям в соц. сетях.

 

Мастер-класс! Пишем пейзаж маслом. — Вдохновение, полезная информация и галерея. — LiveJournal

Пост для тех, кто, как и я, любит смотреть «как это было нарисовано».
На пейзаже показываются различные приемы и способы, а остальных предметах мы самостоятельно их отрабатываем.
Итак, рассказ о том, как написать пейзаж маслом. Гарантировано, что не умея рисовать можно добиться тех же результатов, если правильно соблюдать методику.
Размер холста 50х70см. 
На работу ушло два сеанса по 2 часа.

1. Пейзаж практически любого колорита начинаем с того, что закрашиваем весь лист темными квадратами. 
Кисть — плоская широкая щетина. Краску нужно втирать в холст, чтобы ее слой был тонким.

2. Вот как это выглядит:

3. Что в этот момент происходит на палитре, и как устроено рабочее место:

4. Берем тряпочку, окунаем в чистый скипидар и вытираем «свет», а заодно и определяемся с композицией. У нас будет небо, море, и два плана берега. 

5. Набираем цвет неба. Тонируем с растяжкой от темного к светлому.

6. Тоже самое делаем с морем, только наоборот. Вода у горизонта светлая, а у берега темная.

7. Продолжаем набирать цвет. У горизонта цвета будут более теплые, добавляем охру и желтые.

8. Выравниваем, чтобы смотрелось естественнее, а также определяемся с композицией горы на дальнем плане. Она справа. Уводим ее назад. 

9. Произвольным образом наносим на передний план берега зеленые, желтые пятна разного тона и оттенка. В дальнейшем это будут деревья.

10. Символически намечаем дорогу, чтобы усложнить композицию.

11. Закрашиваем все свободное пространство, и на этом месте оставляем картину сохнуть до следующего раза. 

12. Спустя неделю, когда у нас все высохло начинаем с лессировки. Жидким раствором синей краски и скипидара покрываем всю работу сверху в низ. 

13. Выглядит жутковато:) Но это позволит нам добиться большей глубины пространства. Если бы сеансов работы над картиной было бы не два, а больше, то лессировка перед каждым была бы обязательна, и чем больше бы ее было, тем лучше был бы результат.

14. Чистой тряпочкой, смоченной в скипидаре вытираем «свет» — место неба и моря, как в самом начале.

15. Начинаем набирать все снова. Плюс добавляем облака.

16. Понимаем, что с облаками перестарались, делаем их мягче. Работаем над морем. Сухой кистью иммитируем волны.

17. Светло-желтой краской рисуем силуэт деревьев. 

18. Пишем дорогу уже более продумано. Высветляем границу между передним планом берега и горой. Светлой краской усложняем ее фактуру, как-будто на ней тоже растут деревья. В деревьях на переднем плане добавляем темного, для усиления контраста между светом и тенью.

19. Как выглядит моя палитра и что я использую: три плоских синтетики разного размера и круглый тоненький колонок для деталей.

20. Финальный аккорд: прописываем дорогу, делаем более мельтешащим границу с морем, добавляем еще силуэтов деревьев, где были провалы пространства, и все! Картина готова.

Я уверена, что если Вы возьмете краски и холст и повторите все мои шаги, то у Вас обязательно получиться похожая вещь. Тем более, если есть опыт, пусть даже небольшой, работы с маслом.
Также если возникли вопросы, с удовольствием отвечу на любой. Хороших выходных:)

пейзаж и масляные картины для начинающих. Основы рисования масляными красками Техника работы с масляными красками

А вы мечтали когда-нибудь написать красивую, выразительную картину маслом? В этой статье вы найдете несколько советов, которые помогут вам погрузиться в прекрасный мир масляных красок. Как только освоите основы работы с масляными красками — холст станет вашим миром воплощения фантазий!

Метод 1 из 5: Подготовка пространства для творчества

Метод 2 из 5: Подготовка масляных красок

Метод 3 из 5: Начинаем писать

Кисть стоит держать за ручку или ее выступающую часть, но до металлического обрамления. Это позволит вам правильно держать кисть во время мазков не сжимая ее слишком сильно.

Рисуем. Здесь все зависит от того, чтобы вы хотели изобразить. Мы рекомендуем прочить книгу или специальные сайты о конкретных видах живописи (портрет, пейзаж, анималистическая живопись, марина, небо, цветы, натюрморт и т.д.), потому что для каждого вида присущи свои различные техники и приемы, которым нужно научиться и которые не могут быть охвачены в статье с общей информацией.

• Сначала сделайте набросок будущей картины карандашом на холсте. Это поможет до начала работы с красками построить композицию, мелкие детали, ровные линии и т.д. сделав эскиз вы сможете легко внести в него изменения. Сначала — эскиз карандашом, а потом — живопись красками (конечно если вы не планируете нарисовать что-то абстрактно случайное).
• В качестве упражнения потренируйтесь с черным и белым цветами нарисовать палитру всех оттенков серого от белого до черного. Это даст вам возможность почувствовать насыщенность и контрастность.
• Не ленитесь и посмотрите большое количество обучающих видео и сайтов о живописи в интернете. Многие великодушные художники оставили в сети большое количество информации, чтобы вы могли ею воспользоваться. Наберите в поиске такие слова как “уроки живописи” или “обучение живописи” и посмотрите, что вам выдаст поисковик.
• Не стесняйтесь просить о помощи более опытного художника. Он может посмотреть вши работы и дать конструктивные советы, как улучшить вашу технику.

Не забывайте, что всего несколько вещей могут сделать процесс живописи гораздо приятнее. Понимание основ того, как работают масляные краски, поможет получить лучшие результаты в живописи. Например:

• В процессе создания вашей картины важно понимать, на каком этапе вы находитесь. Одно из правил: рисовать по методу от “тонкого к толстому”. Это значит, что сначала лучше накладывать на холст легкий слой краски с меньшим содержанием масла. Так неплотная краска будет состоять из одной части краски и двух частей разбавителя. С тем как вы будете продвигаться через этапы вашей работы каждый следующий слой будет содержать больше масла и меньше разбавителя. Излишнее количество масла может привести к тому, что слой сморщится когда подсохнет.
• При нанесении цветов делайте их ярче, чем в реальной жизни. Тогда картина не будет казаться тусклой и усталой.
• Старайтесь располагать один и тот же цвет в одном и том же месте на палитре — так инстинктивно вы будете тянуться к нужному цвету, с тем как ваше чувство цвета и оттенка будет развиваться во время работы.
• На холсте не стоит увлекаться смешиванием цветов. Очень просто превратить участок картины в грязное коричневое пятно при частых попытках поправить что-нибудь на нескольких слоях разных цветов. Если пытаетесь что-то поправить и у вас не вышло с первой попытки, то лучше тряпкой сотрите всю область — краски легко сойдут с холста.
• Масляные краски долго сохнут, поэтому у вас достаточно времени стереть краски в течение 24 часов после нанесения. Как и с другими красками, если слой получился слишком плотным, то он не высохнет до конца в течение долгого времени.
• Если занимаетесь живописью на улице, то встаньте так чтобы солнце не падало на холст или на палитру. И холст и палитра должны быть в тени, при чрезмерном солнечном свете вы неправильно смешаете цвета и, придя домой, обнаружите, что картина получилась грязной и темной.
  • При работе на улице, стоит ограничиться меньшим количеством цветов. Можете подготовить необходимые цвета дома и тогда не придется брать все краски на “поле боя”.

Хорошо промывайте кисти во время смены цветов. Когда вы готовы помыть кисть от одного цвета, чтобы воспользоваться другим, то тщательно вытрите кисть тряпкой прежде чем отправить ее в растворитель. Так вам на дольше хватит растворителя и кисти лучше промоются. Хорошо прополоскайте кисть в растворе, а потом тщательно протрите тканью.

Дайте вашему творчеству время для работы. После нанесения первого слоя должно пройти около 48 часов, прежде чем картина высохнет и будет готова к нанесению следующего слоя, без размазывания работы первого дня.

• Работа должна сохнуть в нежарком, сухом месте, где ее не размажут, не поцарапают, не будут трогать и т.д. Не оставляйте картину сохнуть в темноте, это может привести к пожелтению красок, так как работу покроет легкая пленка.
• Не оставляйте картину сохнуть в месте, где много насекомых — они оставляют ужасные пятна на свежих красках, когда прилипают к ним.

Для того, чтобы научиться рисовать масляными красками, правильнее было бы сказать, писать масляными красками, нужно обладать определенными знаниями в этой области, а именно, разбираться в том разнообразии инструментария, который на сегодняшний день представлен в широком ассортименте в магазинах для художников. Начинающий художник может потеряться, зайдя в такой магазин без предварительной подготовки, потому что, кажущегося очевидным набора, каким считается холст, кисти и масляные краски для хорошего старта в этом деле будет недостаточно. Данная статья направлена на то, чтобы Вы смогли виртуально посетить магазин для художников, будто бы в сопровождении опытного наставника. Итак, начнем!

Холст

Первое, что мы с Вами будем выбирать, это холст . В качестве основы для рисования масляными красками можно выбрать различные материалы: доску, картон, металлическую пластину, стекло, пластик. Но если мы с Вами говорим о классической живописи, то, конечно, следует выбирать ткань, правильным способом загрунтованную, туго натянутую на подрамник и звенящую как барабан. Да-да! Холст не должен провисать, его поверхность должна быть идеально ровной. В прежние времена, да и сейчас тоже, многие профессиональные художники натягивают ткань на подрамник сами, сами же и грунтуют ее. Поскольку данные рекомендации предназначены для начинающих художников, мы не будем углубляться в тему, касающуюся натягивания холста на подрамник, поговорим о том, как правильно выбрать уже готовую для работы поверхность, а именно — уже загрунтованный и натянутый на подрамник холст.

Лучше всего, чтобы полотно холста было льняное, оно может быть средней или мелкой зернистости, иметь ровную гладкую поверхность без узелков, толщина холста везде должна быть равномерной. Зернистость холста — это различные неровности и узелки в ткани, в плетении нитей холста. Если таких вкраплений много, нити грубые, то перед Вами холст с высокой зернистостью. Он подходит для рисования предметов с сильно выраженной фактурой, например, старые кирпичные стены, узловатые стволы деревьев, камни, развалы горных пород и т.д. Здесь можно работать крупными пастозными мазками, пользоваться мастихином. Поэтому такой холст не подойдет для рисования предметов с нежной фактурой, для передачи деликатных светотеневых переходов. Нежную прозрачность винограда и личико юной девушки на такой поверхности не нарисуешь. Для таких целей будет правильным выбрать холст более тонкой выделки , более гладкий, то есть мелкозернистый. И именно такой холст лучше всего приобретать начинающим художникам, на нем, кстати, можно сделать более детальный предварительный рисунок карандашом . И еще можно легко стереть не понравившийся фрагмент рисунка.

Обратите внимание на качество подрамника , то есть деревянной основы, на которую натянут холст. Мы уже говорили о недопустимости его провисания, осталось добавить, что следует обязательно оценить качество древесины , из которой изготовлен подрамник. Обычно это липа, сосна или береза. Дерево должно быть хорошо обработанным, сухим, гладким, без сучков, сколов, гнили и червоточин.

Масляные краски

Для начала не стоит покупать большое количество красок, будет вполне достаточным приобрести набор из 10-12 цветов. Самое главное, чтобы в этом наборе были синий (лазури, кобальты), красный (кадмий средний, светлый или темный), желтый (кадмий средний), черная (сажа газовая), белая (белила цинковые или титановые) краски. Если Вы уже умеете смешивать основные цвета и получать из них дополнительные, то даже такого минимума Вам вполне хватит, но лучше все-таки несколько разнообразить, пусть даже пока свою первую масляную палитру! Чтобы сориентироваться, какой цвет в тюбике, посмотрите на цветную полосу этикетки. Дополните свой набор голубой краской (небесно-голубая), охристым оттенком (охра светлая или золотистая), так называемыми «цветами земли» — умбра натуральная, сиена натуральная, а также природными оттенками зеленой цветовой гаммы — оливковая, травяная зелень, зеленая светлая и др.

Еще раз напоминаем, смотрите на этикетку тюбика . Или же Вы можете купить готовый набор красок . Со временем Вы поймете, какие краски расходуются у Вас быстрее, какие нет. Кроме того, прежде чем покупать краски, хорошо бы знать в какой цветовой гамме предполагаете писать картину: это будут нежные пастельные оттенки или сочная контрастная живопись? Какого размера будет Ваша работа? Это тоже может повлиять на Ваш выбор. И, конечно же, неплохо было бы ознакомиться с таблицей цветов, названия которых практически у всех производителей одинаковые, поэтому вполне можно сориентироваться по цвету и посмотреть правильные названия понравившихся цветов и оттенков. Цены у масляных красок разных производителей различные, они напрямую зависят от химического состава красок. Дороже будут стоить краски в составе которых содержатся натуральные, а не синтетические пигменты.

Кисти

Лаки

На витрине магазина для художников, помимо всего прочего, Вы увидите различные художественные лаки. Они предназначены для работы непосредственно с красками, то есть кисть периодически макается в лак , потом в краску. Это так, называемая «живопись на лаке » или «через лак». Для чего это делается. Для того, чтобы живопись была сразу яркой и сочной. А лучше, конечно, лаком защищать уже готовую работу с хорошо высохшими красками. Как мы уже упоминали, лак дает сочность краскам и, самое главное, защищает Вашу работу от внешних воздействий. Когда лак высохнет, поверхность холста можно протирать от пыли. Лаки бывают различными по составу, в основном они сделаны на основе мягких смол.

Растворители

Очень нужная и важная вещь для масляной живописи. Растворитель нужен для разведения красок, для того, чтобы очистить кисти перед тем, как уже окончательно промывать их мыльной пеной.

Тройник

Это готовый состав для разведения масляных красок. В его состав обычно входит льняное масло, лак и скипидар. Именно этот разбавитель наливают в масленку. Если его не оказалось под рукой, сойдет растворитель Пинен№4, плюс льняное масло.

Масленка

Специальная емкость, куда наливается тройник или растворитель. Обычно крепится на палитру, для чего имеет удобное крепление-прищепку. Масленки бывают пластиковые и железные. Удобнее иметь масленку с крышечкой на резьбе, тогда у Вас ничего не прольется, а не использованное содержимое не высохнет раньше времени.

Мастихины

Нужный и важный инструмент в арсенале художника. Это специальные лопаточки, предназначенные для того, чтобы счищать остатки краски с палитры, наносить и снимать краску с холста. Есть специальные живописные приемы, когда работа на холсте ведется именно мастихином, а не кистью. В продаже есть наборы мастихинов разных размеров и форм.

Палитра

О, это настоящая визитная карточка любого художника! Палитру тоже нужно уметь выбрать правильно, краски на палитре следует размещать ближе к краям, в центре оставляется место для смешивания. Палитры бывают разные по форме и по размеру.

Мольберт

— очень удобная вещь для того, чтобы объективно оценивать свою работу, видеть недоработки. Работа, закрепленная на мольберте — это профессиональный подход. Перед мольбертом можно работать как стоя, так и сидя. Периодически нужно отходить от холста на некоторое расстояние, чтобы увидеть все детали. При покупке мольберта , ориентируйтесь на его прочность, надежность креплений, устраивающий Вас размер и модель.

Этюдник

Специальное приспособление для занятиями живописью вне дома. Это своеобразный чемоданчик, в котором Вы можете разместить все необходимое для работы: кисти, краски, растворители, холсты, картоны. Он достаточно компактен, открывается и закрывается, имеет надежные крепкие ремни для переноски. Этюдник может быть различных размеров, с ножками, которые можно регулировать по высоте и без них. Покупая этюдник, нужно убедиться, что он надежный и прочный, имеет хорошие крепления. Этюдник можно также использовать в качестве мольберта дома.

Вот, пожалуй, самые основные советы, которые, мы надеемся, Вам пригодятся при выборе материалов для занятий живописью масляными красками. Если у Вас будет в наличии полный набор инструментов, о котором мы говорили, Вы смело можете начинать писать свою первую картину маслом! Удачи Вам и творческого вдохновения!

Перепечатка статей, новостей и обзоров допускается только при наличии текста

Для тех, кто никогда не занимался музыкой, вечер в компании музыкантов, использующих профессиональные термины, может стать настоящим водоворотом запутанного, красивого языка. Подобная ситуация может возникнуть при разговоре с художниками, которые рисуют маслом: в один миг беседа переходит на обсуждение преимуществ холста из того или иного материала, тонкостей пигментов, рекомендации в выборе кисти для рисования и анализ метода окраски по влажному слою.

Многообразие языка, идущего бок о бок с искусством рисования маслом, поначалу может показаться ошеломительным, но если вы потратите время, чтобы ознакомиться с его условиями и передовыми методами, то с лёгкостью сможете использовать все эти понятия. Если вы новичок, не стоит ожидать, что реалистичность Старых Мастеров снизойдёт к вам сразу. Потребуется некоторое время, чтобы изучить специфические свойства масляной краски, особенно время на высыхание и строгие правила для наслаивания.

Как и в любой среде, лучше всего избавить себя от больших ожиданий и позволить себе место для экспериментов и открытий. Чтобы помочь ярким художникам, желающим попробовать масло, мы поговорили с двумя художниками и преподавателями живописи. В результате мы получили пять советов для начинающих.

1. Безопасность прежде всего

Прежде чем вы начнете, очень важно определить, где вы будете рисовать. Многие вещества, например скипидар, выделяют токсичные пары, которые могут вызвать головокружение, обморок и со временем проблемы с дыханием. Скипидар также очень легко воспламеняется, и даже тряпки, которые впитывают его, могут само воспламеняться, если их неправильно утилизировать.

Крайне важно, чтобы вы работали в проветриваемом помещении, имеющем доступ к безопасному способу утилизации. Если у вас нет возможности работать в таком пространстве, попробуйте красить акриловыми красками, которые с лёгкостью могут перенять некоторые свойства масляных красок при помощи специальных сред.

Пигменты в масляной краске часто содержат опасные химические вещества, которые могут впитываться через кожу, поэтому вы должны носить защитные перчатки и одежду. Вы можете приобрести что-то новое для этих целей, либо использовать старую одежду для своего студийного гардероба. Кроме того, художники обычно покупают латексные перчатки оптом; если у вас аллергия на латекс, замените их на перчатки из нитрила. Наконец, если вы работаете с сыпучими пигментами, обязательно надевайте респиратор.

Эти шаги могут показаться очевидными, но они могут предотвратить хроническое воздействие токсичных материалов и проблемы со здоровьем на протяжении всей жизни.

2. Уделите время изучению своих материалов

После всех мер безопасности можете начать медленно выяснять, какие материалы и инструменты вам больше всего нравятся. Как правило, художник, только начинающий работать с масляной краской, захочет собрать набор кистей, тряпок, палитры, поверхностей для рисования, грунтовки, скипидара и несколько тюбиков красок.

Для Марго Валенджин – художницы, преподающей по всей Великобритании – самым важным инструментом является кисть. “Если вы будете заботиться о своих кистях, то они прослужат вам всю жизнь”. Начните с самых разных видов, ищите вариации в форме и материале. Валенджин советует покупать их в магазине самостоятельно, а не в Интернете. Так вы сможете физически понять и прочувствовать все свойства и различия кистей.

Что касается красок, Валенджин рекомендует инвестировать в менее дорогие краски, если вы новичок. Тюбик профессиональной краски может стоить порядка 40 долларов, поэтому лучше покупать более дешёвые краски, пока вы все еще практикуетесь и экспериментируете. По мере успехов вы начнёте выяснять, какие бренды и краски вам нравятся. “Например, окажется, что вам нравится красный цвет у этого производителя, а синий – у другого. Как только вы узнаете немного больше о цветах, тогда вы можете тратить на покупку подходящих вам пигментов”.

В дополнение к кисточкам и краскам обязательно купить шпатель, чтобы смешивать краски – если вместо этого вы используете свою кисть, то щетина придёт в негодность раньше срока. Многие начинающие также считают долгом потратиться на палитру, но Валенджин отмечает: это совершенно необязательно. Найдите кусок стекла у себя дома, обмотайте края клейкой лентой – и всё, ваша палитра для красок готова.

Для грунтовки холста многие художники используют акриловый гессо – густую белую грунтовку – но можно использовать и кроличий клей. Вам также понадобится растворитель – скипидар, например – и несколько видов маслосодержащих веществ. Например, использование льняного масла позволит краскам сохнуть быстрее, а олифа продлит этот срок.

Масляная краска сохнет очень медленно , и даже если поверхность кажется сухой, краска под ней все еще может быть влажной. При использовании масляной краски вы всегда должны помнить о двух правилах:

1. “От тонкого к толстому”. Начинайте с небольших мазков краски и по мере продвижения добавляйте меньше скипидара; в противном случае слои краски будут высыхать неравномерно, и со временем поверхность вашего изображения будет трескаться.
2. Если вы не хотите, чтобы ваша краска растрескивалась, всегда наносите масло поверх акрила.

3. Ограничьте свою палитру

Когда вы пойдете покупать краску, вас, скорее всего, встретит радуга во всю стену. Но вместо того, чтобы купить все, остановитесь на нескольких цветах – тщательно выберите тюбики. “Самый продуктивный метод для начала – ограничить вашу палитру”, говорит Седрик Чисом , художник и преподаватель в Вирджинии. “Лучший выбор для начала – кадмиевый оранжевый и ультрамариновый синий”. Когда вы работаете с двумя противоположными цветами, такими как синий и оранжевый, это заставляет вас сосредоточиться на ценности – насколько светло или темно выглядит ваш цвет – а не на интенсивности или насыщенности.

Если вы добавите еще один цвет в свою палитру – желтый кадмий (бледно-желтый) или ализарин малиновый (пурпурный цвет) – то увидите, как немного цветов вам нужно, чтобы создать любой другой оттенок. “В магазине можно купить все виды зелёной краски, которую можно также сделать самостоятельно из смешения жёлтой и голубой. Создание собственных оттенков – отличное упражнение для начинающих”, – добавляет Валенджин.

Если вы не сильны в теории цвета, создайте таблицу собственных экспериментов. Расчертите лист и в каждую ячейку добавьте по одному цвету. Затем добавьте аналогичное количество одного другого цвета и рассмотрите все комбинации.

4. Попробуйте рисовать шпателем

Первое упражнение, которое Чисом рекомендует своим студентам, это рисование картины шпателем вместо кистей. “Одна из основных проблем связана с предположением, что навыки рисования карандашом переходят к живописи. Студенты зацикливаются на рисовании и быстро наталкиваются на опасения, связанные с масляной краской: материал не сухой, этот цвет может структурировать изображение лучше, чем линия, что успех картины наполовину зависит от выбранной поверхности”.

Использование шпателя заставляет вас отказаться от идей точности и линии, а также сосредоточиться на том, как растяжение цвета и формы может создавать изображение. Чисом рекомендует работать на поверхности форматом не менее А4, так как большее пространство может побудить вас сделать более уверенные мазки.

5. Рисуйте один и тот же объект снова и снова

Когда я впервые изучал масляную живопись в Купер Юнион, меня дико раздражало то, что нам приходилось рисовать один и тот же натюрморт снова и снова в течение трех месяцев. Но, оглядываясь назад, насколько важно при освоении технических аспектов живописи иметь постоянный предмет.

Если вы продолжаете рисовать одну и ту же тему в течение длительного периода времени, вы уходите от давления, которое связано с выбором предмета для вашей картины. Вместо этого ваша креативность будет полностью расходоваться на наложение краски на холст. Если ваше внимание сосредоточено на технике масляной живописи, вы можете начать уделять особое внимание каждому мазку: что он означает, насколько он толстый или тонкий, как он направляет свет. «Когда мы смотрим на картину, мы можем видеть следы от кисти, мы можем видеть, какие кисти используют художник. Порой художники стараются убрать следы. Некоторые используют тряпки, – говорит Валенджин. – Уникальность картине придают мазки художника».

Стиль художника может быть столь же концептуально сложным, как предмет, который они рисуют. Особенно актуально это в случае работы “по влажному” – когда следующий слой краски наносится на ещё не высохший предыдущий. Когда вы работаете в этом стиле, сложно нанести краску так, чтобы создать иллюзию реалистичной картины, поэтому осязаемость и текучесть краски становятся центральной идеей. Или порой, как в живописи цветового поля, произведение использует большие плоскости цвета для создания эмоционального или атмосферного эффекта.

Порой вместо рассказанной истории картины рассказывают историю именно так.

Масляные краски достаточно сложный материал и освоить живопись маслом по-быстрому не удастся. Даже великие мастера могут не раз править и переделывать свои работы, доводя их до совершенства. Но наряду с трудностями масляная живопись открывает новые горизонты в творчестве, даёт возможность делать лёгкие эскизы и более полные глубокие работы, воплощает игру света и тени, создаёт перелив и плавное перетекание цветов.

Не важно, художник Вы с многолетним стажем или только начинаете осваивать изобразительное искусство, собираетесь создать шедевр или сделать небольшой набросок — для начала нужно выбрать масляные краски, кисти, холст и другие необходимые инструменты.

Перед тем как приступить к работе с цветом, нужно перенести рисунок на холст. Если Вы решили написать портрет, то последовательно , рот, нос, овал лица, шею, волосы. Сделать это можно с помощью карандаша, угля или копирки. После нанесения рисунка, его нужно закрепить на холсте. Делается это для того, чтобы краска лучше прилипала к основе. К тому же частицы материала, которым наносился рисунок, могут вмешиваться в краску, меняя тем самым ее цвет. Сделать это лучше при помощи специального фиксажа. Можно сделать набросок сильно разбавленными масляными красками, в этом случае закрепление не понадобится.

Существуют две основные техники работы с масляными красками: за один прием – Аля Прима и многослойная.

Профессиональные художники для обычно выбирают технику многослойной прописи, так как она даёт возможность лучше передать глубину и раскрывает все возможности живописи маслом. Суть такого способа в том, что нарисовав контур, делают подмалевки – расставляют на полотне световые пятна и теневые акценты. Делают это тонким слоем сильно разведенной краской. Затем картина прописывается более густо во всем разнообразии цветов и оттенков. И в заключение делается лессировка — нанесение полупрозрачных цветов на уже подсохшие основные. Это позволяет создать глубокий цвет с эффектом перелива.
Недостаток такого способа в том, что на создание картины уходит от шести до двенадцати месяцев.

Если Вы решили освоить технику многослойного написания картин, то Вам следует изучить некоторые нюансы, связанные со свойствами масляных красок. Если не дать первоначальному слою просохнуть, то при вторичной прописке масло может пожухнуть – стать матовым. Такие дефекты можно устранить при помощи ретушного лака. Также можно использовать и масло, при этом остатки, не впитавшиеся в краску, убираются на следующий день при помощи промокашки. В древности мастера протирали сильно высохшую краску разрезанной луковицей или чесноком, это улучшает сцепление слоев между собой.

Каждый новый слой по толщине должен быть равен предыдущему, либо стоит накладывать краску более густо. Но ни в коем случае не тоньше, иначе при высыхании краска просто потрескается.

Со временем масляные краски становятся немного прозрачными, и те нежелательные места, которые были замазаны, начинают просвечивать сквозь верхний слой. Поэтому окончательно избавится от нежелательных элементов можно только соскаблив их, пока они еще не высохли.
Гораздо быстрее создаются работы в технике Аля Прима. К тому же этот способ проще и отлично подойдет для начинающих. Смысл написания картин по этой технике состоит в том, чтобы завершить всю работу до того как краски застынут. То есть от начала работ у художника в запасе есть не больше трёх-четырёх дней. Короткие сроки могут стать и преимуществом если Вы решили «по-быстрому». На сроки высыхания влияет толщина мазка: чем гуще краска — тем больше времени на это потребуется. Поэтому здесь чаще пользуются разведенными красками, иногда позволяя им просвечивать через масло. Это создает эффект легкости и света.

Большинство людей в качестве хобби выбирают именно рукоделие или другие варианты художественного творчества. Тем более из-за одинаковых товаров массового производства повышается спрос на вещи, сделанные своими руками. Фотографии или компьютерные изображения распечатываются многократно. Уникальную вещь вы сможете сделать, изучив, как нужно писать картины маслом. Если посмотреть видео уроки знаменитых художников, то понять эту технику живописи сможет даже новичок.

Даже если вы попытаетесь идеально повторить свой сюжет дважды, точную копию все равно не сделать. Это и создает уникальность произведений искусства. Как начать и научиться создавать картины?

Материалы, которые потребуются для работы:

• Хост.
• Разные краски.
• Кисти.
• Растворитель и маленькая емкость для него.
• Специальная палитра для смешивания.

Мастера также применяют мастихины — специальные металлические эластичные лопаты с ручками из дерева, которыми наносят краски на основу. Начинающему важно освоить кисти.

Помимо этого, мастера пишут картины на мольберте или качественном этюднике, если идут работать на природу, чтобы изобразить с натуры картины маслом.

Пейзажи для новичков — это сложный сюжет. Лучше создавать картины с помощью воображения или используя фотографии. Так будет легче изобразить пейзаж.

По мнению профессионалов, работать на мольберте проще , так как легче отходить и осмотреть на результат работы. Вначале можете попробовать заниматься и на поверхности стола, но лучше взять какую-нибудь дощечку и поставить на свой стул под определенным наклоном. Вам откроется обзор своей работы и вы сможете хорошо оценить ее качество, вовремя заметить свои недочеты.

Запомните, что краски расходуются быстро , поэтому нужно приобретать их по отдельности и в большом количестве. Форма выпуска бывает разного объема. Быстрее всего уходят белила, а вот черная краска расходуется в очень малых количествах. Сначала нужно определиться с сюжетом , а потом уже покупать краски соответствующих цветов и оттенков.

Для того чтобы рисовать осенний букет вам понадобится один набор, а для летнего букета совсем другой. Чтобы зря не расходовать свой бюджет на ненужные колеры, лучше взять только необходимые в примерно нужном количестве. Все цвета и оттенки можно получить, имея при себе только три главных цвета (желтый, красный, синий), а также белый и черный.

Галерея: картинки живопись маслом (25 фото)

Создание и выбор основы пошагово

Если вы хотите упростить себе рисование, купите в специализированных магазинах готовые основы для работы, на которые сразу можно наносить краски. Стоят они приличную сумму денег, но новичку подойдут в самый раз, так как очень упрощают работу.

Еще один прекрасный вариант — это применение ДВП . В хозяйстве каждого мужчины есть обрезки этого материала, который остается после ремонта. Найти его легко, попросив у друзей, родственников или у любимого человека. Кто-нибудь точно пользовался им и держит в гараже остатки этого материала.

Форма сторон ДВП отличается, одна смотрится очень гладкой, а другая довольно шероховатой, отдаленно похожая на тканую структуру. Применять можно обе формы, но на шершавую поверхность стоит нанести больше частей и слоев грунта, иначе цвет может стать тускловатым, так как краска будет немного проваливаться в структуру такого изделия.

Если вы в первый раз решили попробовать нарисовать картину пейзаж маслом, можно взять готовую ДВП-основу с уже нанесенным грунтом. Лист нужно брать маленький, не больше альбомного.

Если вы захотели сделать основу из ДПВ своими руками, легкий и недорогой способ — применение простого желатина , можно добавить в него клей ПВА, чтобы цвет стал белым. Наносить этот грунт нужно в несколько слоев с предварительным высыханием прошлого. Трех раз будет вполне хватать. Вы должны почувствовать, что поверхность изменилась. После подготовки основы можно переходить к созданию картины.

Мастер-класс живопись маслом

После создания основы и подготовки материалов, приступаем к работе поэтапно:

• Сделайте на холсте линейный рисунок с помощью простого карандаша или краски.
• Займитесь распределением теней и бликов (где будут яркие и темные участки).
• Создайте фон и все большие объекты.
• Займитесь прорисовыванием мелких форм и деталей.

Иногда отходите от картины, чтобы оценить результаты своей деятельности. В процессе рисования смешивайте на палитре разные оттенки цветов. Последнее действие — это оформление картины для рамы.

Мастер-класс по живописи маслом для начинающих

В этом мастер-классе мы будем рисовать море!

Описание рисования поэтапно :

Прежде всего нужно подготовить картину, с которой собираетесь написать море. Поставьте холст на мольберт. Создайте первые мазки на холсте, делая основной фон. Подождите немного до полного высыхания. Если вы будете соблюдать советы мастер-класса, тогда у вас получится нарисовать картину масляными красками с морем. После окончания рисования, нужно определиться с названием, главное, не забудьте оставить на работе свои инициалы. Авторство — это очень важно, ведь это выделяет вашу работу.

Заключение

Если разобраться в рисовании, то можно понять, что совсем несложно изобразить пейзаж или заняться живописью. Еще можно рисовать с помощью готовых холстов, ведь это самое простое занятие.

Пишем картины маслом: фото

Современное руководство по реалистичной живописи в классической традиции: Салаз, Кен, Триппи, Питер: 9781580935067: Amazon.com: Книги

Пейзажи маслом — это первое в истории всеобъемлющее руководство по классической пейзажной живописи, переосмысленное для двадцати лет. первый век.

Рисунок из традиций, заложенных американскими художниками школы реки Гудзон — такими художниками, как Томас Коул, Фредерик Черч и Джордж Иннесс — автор и художник Кен Салаз раскрывает философию и методы великих мастеров, обновляя их подходы к современному пейзажу художник.Начинающим художникам даются базовые инструменты и пошаговые демонстрации, художникам среднего уровня предлагаются неопубликованные методы, которые позволяют им перейти на следующий уровень, а продвинутые художники учатся применять свои навыки в рамках единых теорий.

Пейзажи в масле посвящает главу каждому из фундаментальных элементов пейзажной живописи — рисунку, стоимости, цвету, композиции и качеству света — и дает важные советы по выбору инструментов и материалов, выбору цветов и структурированию вашей картины. палитра для достижения наилучших результатов.Подчеркивая необходимость рисования и живописи на пленэре, Салаз демонстрирует, как превратить небольшие, быстрые этюды, сделанные на открытом воздухе, в полномасштабные студийные картины. Он дает подробные пошаговые инструкции по созданию четырех своих картин, уделяя особое внимание не только применению, но и идеям, лежащим в основе каждого решения, которое должен принять пейзажист. Множество пейзажных шедевров, прошлых и настоящих, которые иллюстрируют эту книгу, были тщательно отобраны из-за их эстетической силы и потому, что каждый воплощает определенный аспект ремесла пейзажиста.

Для Салаза пейзажная живопись — благородное занятие, и цель пейзажного художника — не рисовать «красивые картинки», а создавать убедительные образы, которые выражают глубокую связь человека с природой во всем ее разнообразии и величии. В то время, когда классический пейзаж переживает возрождение в художественных школах, ателье и галереях по всей Северной Америке, эта книга является важным источником как для начинающих, так и для опытных художников.

Марк Далессио | Последние картины и общие размышления об искусстве

Это мой третий пост о фотографировании произведений искусства с помощью DSLR, и, надеюсь, последний.Это видео — кульминация десятилетия исследований, а также лет покупки и опробования различного оборудования. TL; DR заключается в том, что я могу добиться отличных результатов в калибровке цвета камеры с помощью карты C1 IT 8.7 от Coloraid.de и программного обеспечения Lumariver Profile Designer. В сочетании с бывшей в употреблении камерой DX от Nikon, использованным макрообъективом, освещением для софтбокса, поляризованными пластинами поверх источников света и круговым поляризатором на объективе можно получить очень профессиональную настройку при разумных вложениях.Наверное, меньше, чем стоимость одной сессии с профессиональным фотографом.

Для получения более подробной информации в архивных целях я обнаружил, что полнокадровый Nikon с большим сенсором дает очень хорошие результаты.

Надеюсь, вам понравится видео.

П.С. В этом посте я разместил партнерские ссылки Amazon, но я лично купил свои объективы и корпус камеры в небольших местных камерах. В нынешней ситуации будет лучше, если мы все будем стараться поддерживать малый бизнес. Это также позволяет вам проверить количество затворов, убедиться, что все работает, а иногда они даже предлагают свою собственную гарантию.

Размещено в материалах / Tagged Capture One, Coloraid, Lightroom, Lumariver, Nikon, X-Rite. / / Прайя-де-Дона-Ана. 25 х 35 см, масло на панели.

Мы недавно вернулись после пары недель рисования в регионе Алгарве в Португалии. Это потрясающий район с захватывающими геологическими элементами на всем южном побережье. Вот некоторые из картин:

Прайя-де-Дона-Ана №2. 25 х 35 см, масло на панели. Прайя-де-Дона-Ана №3. 20 х 30 см, масло на панели. Прайя-ду-Камило. 20 х 30 см, масло на панели.Туннель в Прайя-ду-Камило. 20 х 30 см, масло на панели. Скалы Понта-да-Пьедаде. 35 х 25 см, масло на панели. Полуденный свет, Понта-да-Пьедаде. 20 х 30 см, масло на панели. Скалы в Понте-да-Пьедаде. 30 х 20 см, масло на панели. Закат, Понте да Пьедаде. 20 х 30 см, масло на панели.

В то же время западное побережье отличается дикостью и величием, которое очень похоже на лучшие части Центрального побережья Калифорнии.

Кабо-де-Сан-Висенте от Прайя-ду-Белише. 20 х 30 см, масло на панели. Прайя-ду-Беличе.20 х 30 см, масло на панели. Рыбак, Прайя-да-Баррига. 20 х 30 см, масло на панели. Порт в Сагреш. 20 х 30 см, масло на панели. Лодки в гавани, Сагреш. 20 х 30 см, масло на панели. Praia da Zimbreirinha. 20 х 30 см, масло на панели.

Мы остановились к западу от Лагоса, но мы тоже много раз рисовали по городу. Было особенно здорово находиться на улице, поскольку мы находимся в изоляции более или менее с сентября. Это была наша первая попытка нарисовать пленэрные пейзажи за несколько месяцев.

Гавань в Лагосе.20 х 30 см, масло на панели. Лодка на блоках. 20 х 30 см, масло на панели. Парусный клуб, Лагос. 20 х 30 см, масло на панели. Саговая пальма и бугенвиллея. 20 х 30 см, масло на панели. Скалы Луз. 25 х 35 см, масло на панели. Опубликовано в Пейзаж / Tagged Лагос, картина маслом, живопись, Пленэр, Португалия, Прайя-де-Дона-Ана, Прайя-ду-Камило / /

Я загрузил видео о своем зимнем снаряжении для пленэрной живописи на снегу. Я понимаю, что для сезона уже немного поздно, но сейчас хорошее время, чтобы покупать зимнюю одежду со скидкой.Приношу свои извинения за плохое качество видео, но оно было быстро снято на мой телефон после того, как мы вернулись с рисования в Вермонте прошлой зимой.

Это обновление из моего предыдущего поста о покраске в сильный мороз. Я сделал два важных улучшения: перешел на шерсть яка, так как она теплее мериноса, и приобрел водонепроницаемый пуховик. В видео я упоминаю свою стратегию наслоения тонкой водонепроницаемой оболочки поверх изоляционного слоя, и я думаю, что эта стратегия хороша по ряду причин, пару из которых я забыл упомянуть:

• Вы можете получить более качественное снаряжение, купив слои отдельно.
• Вы можете быстро высушить шестерню, если она намокнет, разделив слои.
• Раковины можно использовать в другое время года для покраски под дождем, а можно использовать только утеплитель, если нет ветра или осадков.

Тем не менее, я думаю, что куртка — единственное место, где разделять оболочку и изоляцию — плохая идея, поскольку она слишком ограничивает мобильность. Раньше я носил куртку Jottnar Fjorm, и когда мне приходилось надевать на нее ракушку от ледяного дождя или снега, я слишком терял ловкость рук.С тех пор я перешел на водонепроницаемую куртку Crux «Expedition», и она работает намного лучше. Я почти не чувствую этого, когда рисую, и там фантастически тепло.

Вот ссылки на производителей в видео:
Бахилы.
Ботинки Cabelas Trans Alaska: (Я использую Harkila Inuit. Их перестали производить, но вы можете найти их на Ebay).
Хуну: носки и свитер из шерсти яка.
Кора: длинное белье из шерсти яка.
Arc’teryx: Брюки и перчатки, как изоляционный слой, так и оболочка. Атом — это их линия изоляции, для оболочки я выбираю самое легкое.
Goosefeet Gear: Рукавица Хиббарда. Вы должны написать ему, но он может сделать для вас все, что угодно.
Горное снаряжение Concordia Fleece (Polartec Thermal Pro — плотная флисовая ткань).
Ключевой момент: Водонепроницаемые пуховики, у меня есть Magma.
Rapha: Deep Winter Collar (балаклава).
Millet: шляпа Primaloft.

Рубрика: Пейзаж, Материалы / Tagged Arc’teryx, Cabelas, crux, goosefeet gear, Harkila, Khunu, Kora, Millet, mounatin equipment, Overshoes, Plein Air, Rapha, зимнее снаряжение / / Шато де ла Трейн.90 х 110 см, холст, масло.

В июле этого года у нас с женой будет выставка в Шато-де-ла-Трейн на реке Дордонь во французском регионе Лот.

Все маленькие картины были написаны на месте прошлым летом, когда у нас в Европе открылись камеры. Более крупные картины были написаны этой зимой в студии, либо закончены с пленэров, либо увеличены по наброскам, сделанным в полевых условиях.

Согните Дордонь. 100 х 140 см, холст, масло.

Это потрясающе красивый район, мы уже второе лето рисуем там. Обычно мы находимся недалеко от Домма, так как мы работаем с Галереей Виктории и Альберта в Сарла-ла-Канеда, но в этой поездке мы работали гораздо больше на востоке, чтобы попытаться нарисовать области ближе к замку.

Замок представляет собой впечатляющую собственность, и нас очень тепло встретили замечательные владельцы.

Полуденный свет, Шато-де-ла-Трейн. 80 х 100 см, холст, масло.

Одна вещь, которая мне очень нравится в Дордонь, — это чистота воды.Области, где мы рисовали, были заполнены водяным вороном, пчелы опыляли цветы, которые стояли прямо из воды. И здорово видеть такую ​​большую реку, изобилующую рыбой и лягушками.

Мимо Облака, Шато-де-ла-Трейн. 100 х 80 см, холст, масло. Ореховая роща. 90 х 120 см, холст, масло.

Выше представлены все более крупные изделия, только что из студии. Ниже представлены все более мелкие летние работы на пленэре. Первую группу я использовал в качестве эталона для студийных картин.

Дордонь сверху Пинзак. 25 х 35 см, масло на панели. Полуденный свет, Шато де ла Трейн. 20 х 30 см, масло, холст. Проходящее облако. 30 х 20 см, масло на панели. Ореховая роща. 20 х 30 см, масло на панели. Банановое дерево, Мартель. 30 х 20 см, масло на панели. Прокат каноэ, Пинзак. 20 х 30 см, масло на панели. Рейльхаге. 25 х 35 см, масло на панели. Замок Белькастель. 20 x 30 см, панель, масло. Фрезерный камень, Мулен де Куньяге. 30 х 20 см, масло на панели Размышления, Пинзак. 20 х 30 см, масло на панели. Замок Кастельно-ла-Шапель.20 х 30 см, панель, масло. Сады в Шато де ла Трейн №1. 30 х 20 см, масло на панели. Сады в замке Трейн №2. 30 х 20 см, масло на панели. Сады в замке Трейн №3. 25 х 35 см, масло на панели. Обрезка сада. 25 х 35 см, масло на панели. Утренний свет, Мартель. 30 х 20 см, масло на панели. Опубликовано в Выставки, Пейзаж / Tagged Chateau de la Treyne, Дордонь, Франция, Пейзаж, Лот, Мартель, Пленэр / / Паровое поле, Плие. Масло, панель, 20 x 30 см

У меня сейчас выставка Plieux Arts в регионе Жер во Франции.Картины были написаны в прошлом году, и в то время я написал в блоге сообщение о красоте местности, включая изображения работ.

В этом году мы должны были быть здесь на открытии выставки в июле, а потом снова на пленэре в начале сентября. Поэтому мы решили остаться на месяц во Франции, а не ехать туда и обратно из Португалии. Мы сняли квартиру в деревне Ла Совета, в южной части района, где мы любим рисовать (около Лектура). Это некоторые из снимков пленэра пейзажей Жер в этом году.

Проходящее облако, Ла Совета. Масло на панели. 25 х 35 см. Лектор # 1. Масло на панели. 25 х 35 см. Лектор # 2. Масло на панели. 20 х 30 см. Кусты олеандра. Масло на панели, 20 х 30 см Брокант, Ла Совета. Масло на панели, 30 x 20 см

Это тревожное путешествие во времена Ковида. В нашем городе в Португалии до сих пор не было ни одного случая заболевания, поэтому для нас это было означало оставить безопасность контролируемой среды и проехать полпути через Европу. Пока все хорошо. И французы, кажется, относятся к этому довольно серьезно.

Тина Картина в тени. Масло на панели, 20 х 30 см, Лаварды. Масло на панели, 20 х 30 см. Кружево королевы Анны. Масло на панели, 30 x 20 см Rolling Hills, Gers. Масло на панели, 20 x 30 см Поле нута, Жерс. Масло на панели, 20 х 30 см Фермерский дом, Жерс. Масло на панели, 25 x 35 см

У меня хватило времени только на один большой пленэр. В течение трех дней красили следующий:

Сторона подсолнечного поля. 85 x 110 см (34 x 44 дюйма)

Как я уже упоминал в прошлый раз, Герс — это действительно потрясающее место для пейзажной живописи, и я очень рекомендую его всем, кто ищет живописный регион для пленэра.

Опубликовано в Выставки, Пейзаж / Tagged Франция, Гасконь, Жер, Лаварден, Лектур / /

Цветовых стратегий для рисования пейзажей Ноктюрны

Пейзажисты стремятся запечатлеть определенное время дня или цвет света — солнечный или облачный, восход или закат, раннее утро или конец дня. А как насчет цветов ночь ? С точки зрения художника, ноктюрн представляет собой особую проблему. Без солнца в качестве мощного источника света значения становятся намного темнее, контрасты значительно уменьшаются, а значения становятся настолько темными, что становится трудно различать цвета.

Как же тогда художник подходит к ноктюрну? В этом посте я рассмотрю несколько картин в сумерках и в ночное время, а затем перечислю конкретные стратегии рисования ноктюрна.

Сумерки

До наступления ночи наступают сумерки — это мимолетное время после того, как солнце опускается за горизонт, когда вся сцена залита насыщенным синим и фиалковым оттенком. Этот момент запечатлен на двух картинах ниже: Rooftops 59th Street и Cascade Dusk . Художников привлекает это время дня, потому что оно предлагает гораздо больше цветов, чем полная ночь, когда цвета намного темнее и менее насыщены.

Rooftops 59th Street, Cobalt Dusk , масло на бумаге, 7 ″ x 14 ″

Cascade Dusk , масло на холсте, 20 ″ x 38 ″

Цвета в темноте

Чтобы полностью понять требования к цвету Что касается ноктюрна, мы должны признать важную истину о цвете и свете.

Чем темнее цвет, тем меньше цвета или «идентичности оттенка» может быть воспринят в этом цвете. По крайней мере, нужен свет, чтобы раскрыть естественный оттенок цвета.

Когда вы находитесь ночью в очень темной комнате, красный диван или зеленая стена вряд ли будут восприниматься как красный или зеленый. Вы не можете воспринимать индивидуальный оттенок этих объектов, только их значения. Это связано с физиологией нашего глаза. В нашем глазу есть два типа фоторецепторов. Колбочки обеспечивают зрение при более ярком свете и отвечают за различение цвета и мелких деталей. Стержни обеспечивают зрение при слабом освещении, но не могут различать цвета. Поэтому, рассматривая объекты в условиях низкой освещенности, мы не можем различить много цветов.

На левом фото вверху, сделанном ночью, цвета еле различимы. Это потому, что наши глаза не воспринимают цвет в условиях очень низкой освещенности. Как только свет попадает в сцену (даже частичный свет, как показано на правой фотографии), мы можем различить отдельные оттенки на каждой картине.

Следовательно, чтобы нарисовать ноктюрн, художник должен быть готов изменить цвета и значения тремя способами:

1. Сделать значения светлее, чем они были бы на самом деле ночью,
2. Немного преувеличиваем контрастность значений, чтобы заменить то, что теряется из-за отсутствия сильного источника света.
3. Добавьте больше цвета, чем на самом деле видно в темноте, особенно цвета синих и сине-зеленых семейств.

Синий и зеленый создают ночь

Когда я впервые попробовал рисовать ноктюрны более десяти лет назад, я нашел вдохновение в ноктюрнах Фредерика Ремингтона об американском Западе. Я заметил общую цветовую нить в его картинах: он не только сильно полагался на синий и насыщенные черные цвета, как и следовало ожидать, но он также использовал много сине-зеленого и зеленого.Эти цветовые семейства особенно эффективны, поскольку предлагают цвета ночи.

В обоих приведенных ниже примерах Remington сдвигает свет в сторону зеленого цвета. Возможно, лунная ночь на Западе действительно дает такие цвета, но более вероятно, что Ремингтон использует свои цвета как ловкость восприятия. Он преувеличивает или модифицирует цвета таким образом, чтобы они более эффективно говорили о цвете ночи, чем цвета, которые он видел на самом деле.

Существует также научное объяснение того, почему мы хорошо реагируем на зелень в ноктюрне.Сдвиг Purkinje отмечает, что, хотя наши глаза с трудом воспринимают цвет в темноте, они более чувствительны к зеленым длинам волн. Джеймс Герни в своей книге «Цвет и свет» подробно рассказывает об этом в разделе « Is Moonlight Blue?»

Frederick Remington, Apache Scouts, Listening

Frederick Remington, Untitled, ( The Night Rider, The Night Herder ) 12 ″ x 18 ″

Сине-зеленый также является цветовой стратегией, выбранной Whister за Ноктюрн: Синий и золотой — Старый мост Баттерси. Обратите внимание на сильный контраст значений между мостом и небом. Записал ли Уистлер наблюдаемые им ценностные контрасты или преувеличил их, чтобы подчеркнуть дизайн?

Джеймс Макнил Уистер, Ноктюрн: синий и золотой — Старый мост Баттерси , c1872-5

Обадина Хевнер, Moonlight Moment , 2021, масло на панели, 40 ″ x 30 ″

In Moonlight Moment, Хевнер использует несколько синих и зеленых пигментов: ультрамарин синий и в небольших количествах фтало-зеленый, фтало-бирюзовый и фтало-синий.Эти цвета ненасыщены черным цветом слоновой кости и малиновым ализарином. Чтобы сделать эффект лунного света более драматичным, она преувеличивает контрастность скал и кромки воды, но не слишком сильно. Также обратите внимание на контраст между небом и верхушками деревьев. Небо, как самая насыщенная цветовая зона на картине, может задавать цветовой тон картины и заставлять светиться ночную сцену.

Цветовые стратегии ноктюрна

• Семейства оттенков — По моему опыту, наиболее важной цветовой стратегией для ноктюрна является использование более холодных цветов; в частности, синие и сине-зеленые.Мы не обязательно можем наблюдать эти цвета в реальной сцене, , но на картине они особенно эффективны, предлагая цвета ночи. Просмотрите мою доску для ноктюрна на Pinterest, и вы увидите, насколько картины могут опираться на этот набор цветов.
• Варианты пигмента — Чтобы создать синий и сине-зеленый оттенки, которые так эффективны в ноктюрне, художники обращаются к таким цветам, как синий фтало, зеленый фтало, бирюзовый синий, берлинский синий и синий ультрамарин. Конечно, все эти цвета являются очень интенсивными пигментами, и для ноктюрна их нужно будет обесцветить.
• Насыщенность цвета — Уровни насыщенности цветов не должны быть слишком высокими или слишком низкими. Если насыщенность слишком высокая, сцена будет выглядеть неестественно. (Только полный солнечный свет может дать такие яркие цвета.) Если цвета слишком малы по насыщенности, они будут восприниматься как серые и не будут передавать характер синего и сине-зеленого оттенка, который так важен для ноктюрна.
• Значения — Поскольку уровень освещенности ночью очень низкий, диапазон между светлым и темным сужается.Значения контрастов значительно уменьшаются. Таким образом, нам часто нужно будет усиливать различия в ценностях, по крайней мере, до некоторой степени.
• Небо — При дневном освещении самый большой контраст обычно возникает между землей и небом. То же самое и с ноктюрном; За исключением ноктюрна, небо также может быть темнее, чем наземные элементы, как мы видим в книге Remington The Night Ride r выше. Разница в стоимости между небом и землей — это одно место, где ночь менее скупа на свои ценностные контрасты, поэтому используйте ее в своих интересах.Если небо по стоимости светлее, чем наземные элементы (как на картине Хевнера в лунном свете), его темно-синий или сине-зеленый цвет — хороший способ придать картине яркость.
• Лунный свет — Многие ноктюрны изображены в лунном свете. Хотя лунный свет в 450 000 раз на меньше солнечного, он дает немного больше света, чем безлунная ночь. Поэтому художники будут использовать луну в качестве источника света и преувеличивать ее эффекты.

Билл Крамер, «Ночной перерыв», , 2014 год, масло, 12 ″ x 9 ″.Частная коллекция. В ноктюрне Крамера узоры света и тени все еще присутствуют, но их значение гораздо меньше, чем при дневном свете.

ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЕ РЕСУРСЫ

Больше примеров ноктюрнов можно найти на моей ноктюрной доске в Pinterest.

ЛЮБИМЫЕ ХУДОЖНИКИ

Обадина Хевнер: obadinahheavner.com

Билл Крамер: billcramerstudio.com

Эфирные масляные краски для пейзажной живописи

Для пейзажной живописи много пигментов не требуется.Во время своих пленэрных экспедиций я использую только ограниченную палитру, максимум шесть цветов. В любой палитре есть десятки красных, желтых и синих оттенков на выбор, не говоря уже о земных цветах. Но для пейзажной живописи они не нужны. Основные пигменты для пейзажного искусства Великолепная пейзажная живопись может быть достигнута с помощью очень небольшого количества цветов. Готовые наборы масляных красок часто содержат ненужные цвета, поэтому я бы рекомендовал покупать тюбики по отдельности.Но беглый просмотр местного художественного магазина запутает новичка со стойками масляных красок. Конечно, белый цвет — это данность. Я не буду использовать никакой другой белый цвет, кроме титана. Он блестящий и имеет высокую непрозрачность. Хлопья и цинковые белила просто не подходят друг другу, хотя некоторые художники предпочитают их за прозрачность и мягкость. После этого, кажется, есть безграничное множество блюза. Лучшие цвета для рисования голубого неба и озер Синий может быть проблемным цветом, исходя из стереотипного представления, что вам просто нужно нанести много ультрамарина, чтобы создать убедительное голубое небо.Это не всегда так, так как ультрамарин содержит много фиолетового, что нехорошо, если небо, которое будет изображено, будет зимним синим. Тем не менее, ультрамарин обладает великолепным свечением и теплотой, идеально подходит для зенита ясного летнего неба или заката, поэтому он является полезным добавлением в мою художественную палитру. Типы синего в искусстве Синие, без которых может жить художник-пейзажист, — это индантрен, кобальтово-бирюзовый, берлинский синий, индиго и синий винзор (красный оттенок). Хотя я использую только два синих цвета для своих картин, стоит изучить синие: ультрамариновый синий, фтало-синий, кобальтовый синий, винзорский синий (зеленый оттенок), лазурный и марганцево-синий.Но весь этот диапазон не нужен, только «теплый» синий и «холодный» синий. Я предпочитаю ультрамарин для моего теплого синего цвета, идеально подходящий для вышеупомянутого неба, и голубой фтало для «холодного» синего. Марганцевый, синий винзор (зеленый оттенок) и лазурно-голубой — холодный синий цвет, но фтало-синий обладает высокой стойкостью к окрашиванию. С холодным синим и теплым синим можно смешивать четкую зелень, а также множество оттенков неба для любой пейзажной живописи. Лучшие желтые цвета для рисования травы и деревьев Некоторые желтые пигменты содержат слишком много примесей, чтобы их можно было использовать (некоторые не совсем желтые).Такими желтыми цветами являются: желтая охра, желтый неаполитанский, желтый висмут, золотая охра и желтый кадмий (глубокий). Желтые цвета, которые обеспечат чистые цветовые сочетания для зелени и листвы, которые стоит изучить: лимонно-желтый, кадмиевый лимонный, лимонно-желтый (бледный) и индийский желтый. Я обхожусь только желтым лимоном и желтым кадмием (бледным). Яркий, резкий желтый цвет позволит художнику смешать блестящую зелень и хрустящие апельсины. Это может быть идеальным вариантом для рисования поля нарциссов или золотых осенних листьев. Если цвет слишком яркий, его всегда можно смягчить небольшим дополнительным или земляным цветом, но тускло-желтый цвет не может быть более ярким.Вот почему я включу яркие, чистые желтые тона в свою палитру для пейзажной живописи. Зеленый для листвы и леса Еще один цвет, виридиан, заслуживает упоминания, так как этот зеленый имеет необычайную тонирующую силу, не говоря уже о блеске. Сам по себе он броский и непрактичный для реалистичного вида, но смешанный с синим, желтым или земным цветом может дать прекрасную приглушенную зелень, как это можно найти в хвойных лесах, далеких лесах или капустных полях.Виридиан, смешанный с другими пигментами, делает ненужными следующие зеленые цвета: оливково-зеленый, темно-зеленый и хромовый.

Масляные краски для пейзажа Оранжевые и фиолетовые оттенки не являются обязательными для пейзажного искусства, поскольку я предпочитаю смешивать их из свежих. Я также обнаружил, что пейзажная живопись потеряет свою жизнь, если использовать слишком много предварительно смешанных цветов из множества художественных тюбиков. Смешивание ваших собственных цветов из основных пигментов будет способствовать появлению интересных цветовых вариаций, следов кисти и «случайностей».’Художник также узнает больше о поведении цвета, заново смешивая цвета. Для пейзажной живописи необходимы теплые цвета Красные цвета необходимы для добавления теплоты или затемнения холодных цветов в пейзажной живописи, например, теней. Можно создать великолепный пейзаж без какой-либо другой красной, но стойкой розы. Я не нахожу большого количества красных пигментов, необходимых для пейзажной живописи. Маковое поле, залитые солнцем голые деревья или деревянные конструкции можно предположить по различным соотношениям перманентной розы и жженой сиены (цвет земли, поясняемый чуть позже).Изучение различных красных пигментов — это нормально, но большинство из них просто не нужны для моих нужд. К таким повторяющимся красным цветам относятся: алый кадмий, красный кадмий (глубокий), красный хинакридон, венецианский красный, терра-роза и киноварь. Жизненно важные красные для горного искусства и лесных сцен Но стоит изучить красные перманентные розы, ализариновый малиновый, карминно-красный и кадмиевый красный (не глубокий). Когда дело доходит до пейзажного искусства, я обнаружил, что вообще почти не использую красный, что означает, что важность основных пигментов находится в следующем порядке: синий, желтый и затем красный.Великолепный пейзаж больше зависит от основных голубых и желтых тонов, чем от красного. Земляной цвет можно использовать, чтобы смягчить или согреть холодный цвет. Жизненно важные цвета земли для пейзажной живописи Когда дело доходит до рисования Гранд-Каньона, пустыни или выжженного пейзажа, жженая сиена имеет важное значение. Обожженная сиена — прекрасный поджаренный коричневый цвет, идеальное дополнение к ультрамарину для обозначения туманных гор или перманентная роза для обозначения моря маковых головок (с разным количеством белого, конечно).Жженая умбра имеет прекрасный глубокий кофейный оттенок, идеальный цвет для создания глубоких теней или для придания формы скалистым утесам. Избыточные цвета земли: сиена, необработанная умбра, желтая охра, древесный уголь, черный Марс (или любой черный), транс-коричневый и коричневый охра. Пейзажное искусство на ограниченной палитре Можно создать эффектную пейзажную живопись, используя очень небольшое количество цветов. Я завершил импрессионистский пейзаж, используя синий фтало, перманентный розовый, лимонно-желтый, перманентный розовый и белый цвета.Завершение пейзажной живописи с использованием нескольких цветов является отличным уроком смешивания цветов и цветового поведения. Это также заставляет вас больше ценить каждый цвет, поскольку использование меньшего количества, но необходимых пигментов добавит выразительности и свежести вашей пейзажной живописи. Другие статьи по пейзажному искусству Рэйчел Ширли (c) 2013

Откройте для себя масляную живопись — Как рисовать пейзажи

// НАЧАТЬ настройку FW?> // Настройка FW END?>

// НАЧАЛО настройки FW?>

Джули Гилберт Поллард

Формат: DVD

Другие доступные форматы: Видео скачать

Артикул # S6312

// Настройка FW END?> // НАЧАЛО настройки FW?>

Ключи и секреты пейзажной живописи маслом раскрываются, когда художница Джули Гилберт Поллард дает инструкции о том, как упростить мир вокруг вас!

Некоторые считают, что лучший способ начать — это сразу же погрузиться в картину, но Джули показывает, как разминка и свободная линейная работа могут привести к созданию эффективных художественных работ.После того, как вы познакомитесь со своим произведением, узнайте, как придать предмету яркости и энергии путем размещения значений и слоев. Независимо от того, сосредотачиваетесь ли вы на фоне или на центральном элементе, ваша картина начнет улавливать жест с помощью мазков кисти и выбора цвета. Картина маслом дает возможность выбора, и ваш уникальный стиль начнет проявляться, когда вы определитесь с формами и штрихами пейзажа.

Смотрите превью Откройте для себя масляную живопись — Как рисовать пейзажи сейчас.

Особенности этого видео:

• Разминка для изучения вашего предмета
• Узнай свои ценности
• Набросок фигур
• Блокировка фигур
• Развитие фигур
• Улучшение форм
• Последние штрихи

Материалы
Поверхность
Холст панель
Жидкий акрил для тонирования холста (Прозрачный оранжевый и пурпурный, разбавленный аэрографом)

Масляная краска
(Holbein DUO Aqua Oils, если не указано иное)
Титановый белый
Лимонно-желтый
Кадмий Желтый светлый
Кадмий желтый
Кадмий желтый Глубокий
Коралловый красный
Кобальтовый фиолетовый
Неаполитанский желтый
Индийский желтый
Сиреневый
Сиреневый
Лавандовый
Хинакридоновый алый
Марганцево-синий
Церулеановый синий
Пурпурный
Джентальтон-пурпурный
Ultramarine Blue Light
Horizon Blue
Ice Green

Щетинки со щетиной
Плоские, светлые и фундучковые различных размеров (№2 — нет. 8)
Кисть для старой или рваной щетины (от смягчения краев)
Синтетический фундук мангуста малого размера
Другое
Уайт-спирит без запаха
Galkyd Light Medium (для разжижения краски)
Два контейнера для уайт-спирита
Палитра (Джули использует одноразовую бумажную палитру белого или серого цвета)
Палитра / ножи для рисования
Фартук
Белые салфетки и / или тряпки для лица
Одноразовые латексные перчатки (необязательно)
Альбом для рисования (вместе с карандашами и точилкой)
Небольшой холщовый планшет для учеба и упражнения
Формирователь цвета (для удаления краски)
Контрольные изображения
Черный перманентный маркер

Об авторе:

Джули Гилберт Поллард — художник маслом и акварелью, преподает уроки с 1985 года.Ее работы, представленные галереями в Седоне и Фениксе, штат Аризона, продолжали экспонироваться на выставках в Соединенных Штатах. Она была опубликована в журнале The Artists Magazine и является автором книги Brilliant Color , опубликованной North Light Books.

// НАЧАЛО настройки FW?> // Настройка FW END?> // НАЧАЛО настройки FW?> // Настройка FW END?> // НАЧАЛО настройки FW?> // Настройка FW END?> // НАЧАЛО настройки FW?> // Настройка FW END?> // НАЧАЛО настройки FW?> // Настройка FW END?>

Артикул	S6312
Автор / Спикер / Редактор	Джули Гилберт Поллард
Тип файла	MP4
Формат	DVD
ISBN 13	9781440344541

Арт-объект Страница

Чарльз Шилер был мастером живописи и фотографии, и его работы в одной среде повлияли и сформировали его работы в другой.Но Шилер также признал, что существует фундаментальное различие в творческих процессах каждого вида деятельности. Как он заметил в 1937 году, «Фотография — это природа, видимая глазами наружу, живопись глазами внутрь. Фотография неизменно фиксирует одно изображение, в то время как живопись записывает множество изображений, преднамеренно созданных художником».

В 1927 году Шилер отправился на завод Ford Motor Company в Ривер-Руж недалеко от Детройта с фотографической комиссией. Огромный комплекс площадью более 2000 акров, на котором работало более 75000 человек, был в то время крупнейшим и наиболее технически совершенным промышленным комплексом из существующих.Детройтский архитектор Альберт Кан, пионер современного заводского дизайна, отвечал за большинство структур завода. Практически самодостаточный и автономный, Rouge объединил на одной площадке все операции, необходимые для сборки автомобилей. Именно там, начиная с 1927 года, Ford выпустил свою модель A, преемницу знаменитой модели T, 15 миллионов экземпляров которой было построено с начала массового производства в 1913 году. Вложения Ford в Model A и завод Rouge были огромными. и, столкнувшись с растущей конкуренцией со стороны General Motors, компания провела агрессивную рекламную кампанию в поддержку нового автомобиля и его корпоративного имиджа.Компания N. W. Ayer & Son of Philadelphia организовала кампанию, и Вон Фланнери, арт-директор фирмы, убедил Форда заказать серию фотографий Руж, которые станут творческим портретом американской промышленности. Именно Фланнери порекомендовал Шиллера, уже известного своими фотографиями натюрмортов; Здания Нью-Йорка; Округ Бакс, Пенсильвания, интерьер и экстерьер; а также модная и портретная фотография для Vogue и Vanity Fair .

Sheeler прибыл на завод в Ривер-Руж в конце октября 1927 года и сразу же объявил этот предмет «несравненно самым захватывающим, с которым мне приходилось работать.«Фотографии, которые он напишет в течение следующих шести недель, справедливо считаются одними из его величайших достижений в этой среде. Но его опыт на заводе привел к другому результату, который медленнее развивался, но в конечном итоге оказал большее и более глубокое влияние. Как объяснил Шилер: «Я был там с миссией фотографии. Период. И когда я добрался туда, я рискнул открыть другой глаз, и тогда я подумал, может быть, можно было бы вытащить какие-то картинки. Но мне пришлось вернуться домой, и через несколько лет они действительно переварились и начали выходить наружу.«Другой глаз», который открыл Шилер во время работы в Rouge, был взглядом художника, и этим глазом он смог увидеть потенциал, который фотографии, которые он создавал, были использованы для картин. В 1928 году он создал две небольшие акварели. Темы Руж, Промышленный завод Ривер-Руж [рис. 1] [рис. 1] Чарльз Шилер, Промышленный завод Ривер-Руж , 1928, графит и акварель, Музей искусств Карнеги, Питтсбург, Дар Дж. Дэвида Томпсона. © Музей искусств Карнеги, Питтсбург, 2016 г., на котором воспроизведена верхняя центральная часть его фотографии Спасательное судно — завод Ford [рис.2] [рис. 2] Чарльз Шилер, Salvage Ship-Ford Plant , 1927, серебряно-желатиновая печать, Музей изящных искусств, Бостон. © Коллекция переулков. Изображение предоставлено Музеем изящных искусств, Бостон, и Классический пейзаж [рис. 3] [рис. 3] Чарльз Шилер, Классический пейзаж , 1928 год, акварель, гуашь и графит, собрание Барни А. Эбсворта, также предположительно основано на фотографиях, хотя сегодня об этом виде ничего не известно. На протяжении своей карьеры Шилер делал много прекрасных работ на бумаге, но предпочитал карандаш, контурный карандаш, гуашь или темпера, а не акварель.Если две акварели Rouge 1928 года были основаны непосредственно на фотографиях, возможно, художник экспериментировал с тем, как лучше всего «вытащить» из них картины. В следующем году Шилер использовал одну из фотографий британского океанского лайнера RMS Majestic , сделанную им в 1928 году, в качестве своего «чертежа» при создании масляной Upper Deck (1929, Художественный музей Фогга, Гарвардский университет). На этом этапе он считал, что нашел способ объединить точный визуальный реализм с мощной формальной абстракцией.Как он сказал: «Это то, к чему я готовился. Я пришел к выводу, что картина может включать в себя структурный дизайн, подразумеваемый абстракцией, и быть представлена ​​в полностью реалистичной манере».

С этим только что завоеванным мастерством процесса пришло новое чувство цели, и Шилер вернулся к своим фотографиям «Ривер-Руж». С 1930 по 1936 год он создал потрясающую серию масляных картин завода: Американский пейзаж [рис. 4] [рис. 4] Чарльз Шилер, Американский пейзаж , 1930, холст, масло, Музей современного искусства, Нью-Йорк, Дар Эбби Олдрич Рокфеллер.© Музей современного искусства / Лицензия SCALA / Art Resource, Нью-Йорк, Classic Landscape (эта работа), River Rouge Plant [рис. 5] [рис. 5] Чарльз Шилер, Завод Ривер-Руж, , 1932, холст, масло и карандаш, Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, закупка 32.43 и City Interior [рис. 6] [рис. 6] Charles Sheeler, City Interior , 1936, водный клей и масло на композиционной доске (масонит), Художественный музей Вустера, Фонд Элизабет М. Сойер в память о Джонатане и Элизабет М.Сойер. © Художественный музей Вустера. В последнем, который изображает сцену в районе огромных доменных печей завода, Шилер изобразил плотную концентрацию структур и форм, напоминающих, как следует из названия, городской район. Американский пейзаж и Классический пейзаж более открытые и обширные. Территория в комплексе, который они — и Завод Ривер Руж — изображают, находится рядом с цементным заводом, с его характерными достопримечательностями, единственной высокой дымовой трубой и силосами для хранения цемента [рис.7] [рис. 7] Чарльз Шилер, Цементный завод Ford Rouge, , 1945, фотография, Коллекция Генри Форда, копия и ограничения применяются. Цемент, побочный продукт процесса производства автомобилей, был создан из шлака — примесей, снятых с верхней части жидкого чугуна, — который охлаждали, а затем просеивали и измельчали.

Обе версии Classic Landscape показывают цементный завод с выгодной позиции на железной дороге Хай-Лайн, смотрящей на север. Слева и по центру расположены большие бункеры для хранения угля, руды и известняка.Многокровное здание справа вверху — это шлакозащитный дом; за ним — длинная низкая крыша цементного завода, которая проходит почти на всем заднем плане до его конечной точки у причала для лодки (см. рис. 5). По центру находятся шесть штабелей электростанции 3. Шилер расширил композицию во всех четырех направлениях для масляной живописи, добившись значительных результатов. На акварели правая сторона шлакового экрана и железнодорожные пути обрезаются краем бумаги, дымовая труба цементного завода идет почти до самого верха листа, а левая сторона композиции останавливается непосредственно перед были бы видны стеки стекольного завода.В масле Шилер немного сдвинул точку обзора, добившись более просторной композиции и уменьшив ощущение фотографической обрезки, очевидное на акварели. Акварель кажется более буквальной записью участка определенного места («единственное изображение», если использовать слова Шилера), тогда как масло («множество изображений, умышленно созданных художником») представляет собой замкнутое и целостное изображение. реальность сама по себе, полная без какой-либо связи с миром за ее пределами.

Хотя увеличение композиции было, пожалуй, самым значительным изменением Шиллера в переводе акварели на масло, многие другие тонкие изменения, корректировки и дополнения, которые он внес, свидетельствуют о кропотливом процессе.Среди дополнений — три головки заклепок, образующие на второй снизу поперечине перевернутый равнобедренный треугольник; дорожка для доски, идущая из правого нижнего угла; вторую перекладину, поддерживающую кабели, идущие параллельно рельсам; груженый вагон остановился у шлакозавода; две небольшие кубические конструкции в правом нижнем углу силосов; две опорные башни для длинного выступающего здания перед силосами; две дымовые трубы стекольного завода; и дополнительные окна в верхнем левом углу силосов и на затемненном фасаде здания в левом центре.В небе картины Шилер убрал дым вокруг штабелей электростанции 3, добавил струящееся облако дыма, исходящее от трубы цементного завода, и огромный треугольный клин из вздымающихся облаков. Шилер также скорректировал тени по всей картине, изменив более округлые формы, видимые на акварели, на четко очерченные прямые края.

Посредством этих корректировок и изменений Шилер сжал и без того сильную геометрию, очевидную на акварели, в мир, основанный на трех простых формах: треугольнике, прямоугольнике и цилиндре.Единственные присутствующие элементы, которые не соответствуют одной из этих форм — груды в ящиках для хранения вещей и облака в небе — являются органическими, а не созданными руками человека. Тем не менее, они тоже в конечном итоге подпадают под действие геометрии, поскольку группа ячеек в перспективе и полоса облаков образуют два больших треугольника, которые перекликаются друг с другом в обратном направлении. В Classic Landscape Шилер создал свое самое элегантное доказательство того, что он утверждал всего двумя годами ранее, «что картина могла включать в себя структурный дизайн, подразумеваемый абстракцией, и быть представлена ​​полностью реалистично.«

Классический пейзаж — это, конечно, больше, чем просто демонстрация эстетики, поскольку его тема, современный индустриальный пейзаж, имеет несколько значений. Фотографии завода Руж, сделанные Шилером, в основном были посвящены производственным процессам завода, его функциям и целям. Это неудивительно, учитывая их происхождение от комиссии Форда. Но при выборе сюжетов для картин он был волен делать все, что хотел, поэтому важно, что он решил не изображать сцены, связанные с производством автомобилей, главной целью Руж.Скорее, он выбрал более анонимную сцену, не привязанную к конкретному месту или использованию, но представляющую в целом ландшафт отрасли. Это отчасти объясняет использование им в названии картины слова «классический» с его коннотациями типичного или стандартного. Но «классика», конечно, также вызывает культуру Древней Греции и Рима, и Шилер определенно имел в виду эту ассоциацию. В этом свете Classic Landscape , мир ясности, точности и порядка, можно рассматривать как современный эквивалент высочайших достижений классического прошлого.Действительно, как часто указывалось, силосы цементного завода напоминают формы греческого дорического храма. В этом сопоставлении современного и античного (хотя бы косвенно) Classic Landscape напоминает один из ранних «метафизических» городских пейзажей итальянского сюрреалиста Джорджо Де Кирико (итальянец, 1888–1978). Картины Де Кирико типа «Воздаяние прорицателя » [рис. 8] [рис. 8] Джорджо де Кирико, Возмездие прорицателя , 1913, холст, масло, Художественный музей Филадельфии, Коллекция Луизы и Уолтера Аренсбергов.© 2016 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / SIAE, Рим и The Arrival (1912–1913, Фонд Барнса) с их драматически удаляющимися перспективами, резкими тенями, резко очерченными формами, жуткой пустотой и дымящимися машинами. в отличие от классических зданий, вполне возможно, повлияли на Шилера в картинах Руж. Но в то время как фантазии Де Кирико окрашены ностальгией по прошлому и беспокойством по поводу потенциальных недостатков настоящего, настоящая американская сцена Шилера подразумевает более гармоничное сочетание прошлого и настоящего.

Действительно, для Шилера проблема явно заключалась не в том, что силосы выглядели как древний храм, а в том, что их внешний вид был результатом схожих принципов дизайна, которые были приспособлены к форме и функциям, а не к внешнему стилю. В эссе 1925 года он отмечал, что основа греческого искусства лежит в его «идеальном приспособлении конкретной формы к абстрактному мышлению … столь же великая чистота пластического выражения может быть достигнута через посредство объективных форм, как считалось. достижимый некоторыми современными художниками посредством чисто абстрактного представления форм.«

Шилер, конечно, был не одинок в таких рассуждениях и понимании их актуальности для своего времени. В 1927 году книга Ле Корбюзье Vers Une Architecture , впервые опубликованная в 1923 году на французском языке, появилась в английском издании как Towards a New Architecture . Скорее всего, Шилер знал эту книгу. Более того, это могло повлиять на то, что Вон Фланнери заказал фотографии Руж, поскольку книга Ле Корбюзье была полна похвалы американской промышленной архитектуре. На пути к новой архитектуре открывается разделом, озаглавленным «Эстетика и архитектура инженера», в котором Ле Корбюзье отвергает доминирование стиля в определении архитектурной формы и вместо этого подчеркивает три основных принципа: «МАССА … элемент, с помощью которого наши чувства» ПОВЕРХНОСТЬ … оболочка массы, которая может уменьшать или увеличивать ощущение, которое она дает нам … ПЛАНИРУЙ … генератор как массы, так и поверхности и …. . то, посредством чего все безвозвратно фиксируется ». Он продолжил:« Архитектура — это мастерская, правильная и великолепная игра масс, объединенных в свет. Наши глаза созданы, чтобы видеть формы в свете; свет и тень раскрывают эти формы; кубы, конусы, сферы, цилиндры или пирамиды — великие первичные формы, которые свет раскрывает с пользой; их образ отчетлив и осязаем внутри нас и не имеет двусмысленности. По этой причине это прекрасные формы, самые прекрасные формы.«Для Ле Корбюзье история предоставила достаточно свидетельств в поддержку его взглядов:« Египетская, греческая или римская архитектура — это архитектура призм, кубов и цилиндров, пирамид или сфер: пирамиды, храм Луксора, Парфенон, Колизей, архитектура Адриана. Вилла ». Но когда Ле Корбюзье обследовал постройки своего времени, он обнаружил, что эти принципы понимали не архитекторы, а инженеры:

Не в погоне за архитектурной идеей, а просто руководствуясь результатами расчетов (производными от принципов, управляющих нашей вселенной) и концепцией ЖИВОГО ОРГАНИЗМА, ИНЖЕНЕРЫ сегодня используют первичные элементы и, согласовывая их в соответствии с правилами, вызывают в нас архитектурные эмоции и, таким образом, заставляют работу человека звучать в унисон с универсальным порядком.

Таким образом, у нас есть американские элеваторы и заводы, великолепные ПЕРВЫЕ ФРУКТЫ нового века. АМЕРИКАНСКИЕ ИНЖЕНЕРЫ ОСУЩЕСТВЛЯЮТ РАСЧЕТЫ НАШЕЙ АРХИТЕКТУРЫ.

На идеи Ле Корбюзье во многом повлияли достижения модернистской живописи первых десятилетий 20-го века, и он осознал то, что он назвал «жизненно важными изменениями, вызванными кубизмом и более поздними исследованиями». Его определение основных форм архитектуры вызывает в памяти не только работы Пабло Пикассо (испанский, 1881 — 1973) и Жоржа Брака (французский, 1882 — 1963), но также напоминает совет Поля Сезанна «обращаться с природой с помощью цилиндра». , сфера, конус, все в правильной перспективе.«Сезанн, а затем Пикассо и Брак, были решающими катализаторами для Шилера, поскольку он отошел от довольно традиционной манеры рисования, которой научился у своего учителя Уильяма Мерритта Чейза (американец, 1849-1916), поэтому мысли Ле Корбюзье, должно быть, были особенно привлекательны. Также вероятно, что Шилер обратил особое внимание на иллюстрации в «На пути к новой архитектуре », на некоторых из которых были изображены структуры, удивительно похожие на те, которые он нарисовал бы в «Классический пейзаж » [рис.9] [рис. 9] Фотография Ле Корбюзье, К новой архитектуре (Нью-Йорк, 1927), 29. Таким образом, можно предположить, что в то время, когда он писал Классический пейзаж Шилер, должно быть, разделял благоприятный и оптимистичный взгляд Ле Корбюзье на потенциал таких коммерческих структур может вдохновить на разработку новой, более гуманной функциональной архитектуры. Шилер также определил индустриальные сцены как локусы нового типа светской духовности. Как он сказал в часто цитируемом замечании: «Может быть, верно, как уже было сказано, что наши фабрики являются нашими заменителями религиозного самовыражения.«

Культовая сила и особая важность Classic Landscape были признаны со времени его первой выставки в галерее Эдит Халперт в центре Нью-Йорка в 1931 году. В следующем году он был приобретен Эдселем Фордом, что сделало его единственным из румян Sheeler’s Rouge картины будут принадлежать семье Фордов. Как показывает его выставочный рекорд, Классический пейзаж с тех пор была одной из самых широко показываемых из всех американских картин 20-го века.Он также долгое время занимал центральное место практически в каждом обсуждении американского стиля, известного как прецизионизм, хотя определение и использование этого термина были предметом широких и непрерывных научных дискуссий. Как и многие другие художественно-исторические лейблы, в том числе импрессионизм и кубизм, прецизионизм лучше всего работает как обобщающий термин, под которым многие художники (например, Джордж Олт (американец, 1891-1948 гг.), Фрэнсис Крисс, Чарльз Демут (американец, 1883 г. 1935), Престон Дикинсон и Миклош Суба, в дополнение к Шилеру) с похожими эстетическими чувствами могут быть сгруппированы.Попытки отточить определение до такой степени, чтобы его можно было последовательно использовать для определения того, что является или не является точным рисунком или кто был или не был прецизионистом, неизбежно попадают в бесполезные препятствия из-за ограничений, исключений и осложнений. Более того, многие работы Шилера и других американских художников имеют сходство с работами из-за границы и, несомненно, находились под их влиянием, будь то картины немецких художников Neue Sachlichkeit, французских пуристов или даже русских конструктивистов.

В конце концов, конечно же, исключительная сила и завораживающая красота Classic Landscape обусловлены не источниками и влияниями, лежащими в основе его создания, или значениями, которые он может передать, как бы важными ни были все они. Подобно многим поистине великим произведениям искусства, оно само по себе совершенно и полно, не требует ни дополнений, ни удалений, ни ссылок на что-либо, кроме самого себя. И Шилер прекрасно знал, насколько то, что он создал, было удалено от реальности реального мира.Это было искусство, а не жизнь. Когда его спросили, почему он не включил людей в Classic Landscape , он красноречиво ответил: «Ну, это моя иллюстрация того, каким прекрасным был бы мир, если бы в нем не было людей». Друг Шилера поэт Уильям Карлос Уильямс тоже понимал, чего он достиг. Классический пейзаж , по его словам, была «отдельной реальностью».

Франклин Келли

29 сентября 2016 г.

Как создать глубину в вашем пейзаже Картина маслом

Создание глубины в вашем произведении искусства

Глядя на многие картины великих мастеров, поражаюсь ощущению глубины.Рембрандт рисовал сцены, которые выглядят так, как если бы вы могли дотянуться до них или войти внутрь и побродить по сельской местности. Многие художники пытались открыть секрет рисования картин с такой глубиной. Они поливают книги в поисках секретных рецептов, правильной техники или красок. Нет большого секрета; Все сводится к четырем законам атмосферной живописи: размер, значение, детализация и цвет.

Когда моя картина кажется плоской и лишенной глубины, я останавливаюсь и возвращаюсь к основам.Я задаю вопросы о своей картине. Как взаимосвязаны размеры, стоимость, цвет и детализация? Ответы на эти вопросы часто решают пространственные проблемы моей живописи.

Четыре закона создания глубины атмосферы в живописи

1. Ценность — В пейзажной живописи ценностные отношения должны быть последовательными. Обычно они делятся на две категории:
a. Самые темные объекты / значения находятся на переднем плане и переходят в самые светлые на заднем плане.
ИЛИ
b.Самые светлые объекты / значения будут на переднем плане и плавно переходят в самые темные на заднем плане.
2. Размер — Это очень важно. Нет ничего, что могло бы сгладить картину больше, чем дерево, которое на милю больше, чем деревья в 50 ярдах от вас. Более крупные объекты продвигаются вперед, а более мелкие — удаляются. Самая удивительная картина, которую я когда-либо видел, была с лугами и очень далекими горами. Травинки на переднем плане были выше далеких гор. Такой контраст размеров действительно придавал картине ощущение глубины.
3. Деталь — Наибольшее количество деталей должно быть на переднем плане и затемняться, чтобы стать очень упрощенным на заднем плане. Если вы пытаетесь нарисовать отдельные листья на дереве за милю, они выйдут на передний план и сгладят вашу картину.
4. Цвет — Самые насыщенные цвета должны быть на переднем плане. Если у вас самые насыщенные цвета на вашем фоне, вам будет казаться, что он пытается перейти на передний план, что сделает вашу картину более плоской.

Также ваша картина должна иметь общую цветовую температуру, тёплую или холодную. Посмотрите на температуру света. В течение дня свет сменится с теплого на прохладный. Освещенная сторона ваших объектов прохладная по температуре, а тени теплая по цветовой температуре? Или освещенная сторона предметов теплая, а тени прохладные? Все дело в температуре источника света (теневая сторона будет отражать дополнительный цвет по отношению к источнику света.