Бумага для художников в Передвижнике

8 (800) 555 96 91   
Звонок по России бесплатный Звонок бесплатный

• Аэрография
• Книги по искусству
• Грунт, связующие, разбавители
• Бумага и картон
• Гипсовые фигуры и манекены
• Графика, рисунок, скетчинг
• Краски художественные
• Инструменты и аксессуары
• Канцелярские товары
• Кисти художественные

• Холсты и другие основы
• Рамы и подрамники
• Скульптура и лепка
• Папки, портфолио, тубусы
• Черчение
• Золочение и реставрация
• Каллиграфия
• Оборудование и мебель
• Предметы для декора
• Краски и эффекты для декора

• Пластика и пластилин
• Для детского творчества
• Декупаж, декопатч, мозаика
• Декорирование
• Батик и декорирование ткани
• Мольберты и этюдники
• Макетирование
• SALE

Жанры живописи — Международная Ассоциация Развития Образования

Художники изображают и всегда изображали в своих картинах окружающий их мир, всю его многообразную природу, животных, предметы, человека и его жизнь. Отсюда возникло деление картин на жанры.

Картины, изображающие природу, называются жанром пейзажа.
Пейзаж в переводе с французского означает природа. Есть несколько видов пейзажа: городской, когда рисуются различные здания, улицы, видны города, дома;

сельский -это поля, деревенские дома; морской — виды моря — называется он маринистика.
Природа преподносит нам столько удивительного. она похожа на нас, на людей. У нее бывает разное настроение: веселое, когда светит солнышко, грустное, когда дождь. Природа может сердиться, и тогда дуют ветры, гремит гром, воют вьюги. Природа носит разные одежды: летом она в ярких платьях, зимой в белой шубке. Настоящий художник в своих картинах не только рисует, но и передает настроение, характер природы, всю ее красоту и многообразие.

Изображение красивых вещей и предметов — называется натюрмортом.
В произведениях этого жанра изображаются окружающие человека вещи — предметы быта. Это могут быть книги, посуда, статуэтки, красивые ткани, а также цветы, фрукты и овощи, еда. Когда художники рисуют натюрморты,они в своих картинах стараются передать всю красоту окружающих нас вещей, их самоценность. Мы любуемся их формой, цветом. Рисование натюрморта обычно начинается с составления красивой композиции. Слово композиция взято из латинского языка и означает располагать какие-либо предметы красиво.

Рисование человека — жанр портрета.
Искусство портрета очень древнее. Оно насчитывает несколько тысячелетий. Уже в Древнем Египте человек пытался передавать облик богов и мифических героев. С помощью этого жанра мы можем изучить историю человечества. До наших времен дошли портреты императоров, царей и цариц, вельмож, выдающихся философов, знаменитых поэтов, писателей, ученых, художников и простых людей, живших в разные времена и эпохи.
Портреты бывают одиночные и групповые. На одиночных портретах изображается один человек, а на групповых — группы людей.

  Художники рисуют и сами себя, глядя в зеркало, называя свои картины автопортретами.
Портреты имеют разное назначение: парадными портретами украшают дворцы, залы, музеи. На них изображаются выдающиеся личности в красивых костюмах, в богатой обстановке. А еще есть интимные портреты. В них больше передается не значимость человека, а его внутренний мир и характер. Интимный портрет служит нам напоминанием о дорогих нам людях. В старину знатные люди заказывали портреты всех членов семьи и передавали их из поколения в поколение. Через портреты можно было познакомиться с прапрадедушкой или же с мамой прапрабабушки. Так собирался целый архив семейных портретов.

Изображение животных — жанр анималистики.
Слово анимал с латинского переводится как животное. Это самый древний жанр. Первобытные люди рисовали на стенах пещер красочные рисунки оленей, зубров, мамонтов. Они преклонялись перед животными, почитали их, как богов, изготовляли магические фигурки птиц и зверей из глины, кости, металла.

В Древнем Египте люди сооружали огромные скульптуры богов-животных. В Древней Греции изображениями животных украшали посуду, оружие, резные печати, музыкальные инструменты. Человек всегда любил животных, наблюдал за ними, приручал; свои наблюдения отражал в произведениях искусства: картинах, книжных иллюстрациях, скульптурах.

Нередко бывает, что в одной картине сочетается несколько жанров. Например, портрет и пейзаж, пейзаж и натюрморт.

Возможны и другие сочетания. Это зависит от замысла художника.

Жанр портрета имеет много разновидностей, потому что художники рисуют не только лица людей, но и отображают всю их жизнь. Картины, в которых отображается жизнь человека: труд, праздники, жизнь семьи, школа, — называются

бытовыми.

Картины, изображающие военные события и сражения — батальными.

Картины, которые рассказывают про жизнь человека все времена и века, — называются историческими.

Самый близкий и знакомый детям жанр — сказочно-былинный. Он знакомит нас с персонажами из старинных сказок и былин.
В детстве, когда ребенок еще не умеет читать, он с удовольствием рассматривает иллюстрации, пытаясь понять сказку, вглядываясь в образы животных и сказочных героев. Красочные картинки помогают понять характер героев: добрые они или злые, хитрые или простодушные, смешные или печальные. Иллюстрации открывают волшебный мир сказки — феи, гномы, колдуны. Только в сказочной иллюстрации можно было прикоснуться к волшебному ковру-самолету, сапогам-скороходам, к волшебной палочке.

как называют художника который рисует пейзажи? Помогите пожалуйста​

упр 322) спишите,ставя глаголы в форму 2-го лица единственного числа и 3-го лица множественного числа.укажите спряжения глаголов выделите личные оканч … ания.объясните,как вы определили спряжение данных глаголовспасибо за ответ заранее ❤️​

найдите и напишите по два предложения с согласованными и несогласованными определениями из художественных произведений​

Помогите пожалуйста. От данных прилагательных образовать краткую форму во всех родах и числах: пахучий, могучий, колючий, свежий, горячий.

Можно пожалуйста неологизмы на тему школа и больница? Я просто сама не могу придумать, пожалуйста.

Сочинение на тему:о чём мне рассказал суффикс (5-6) предложений,5-класс.

381. Составьте по схемам сложные предложения с подчинительными союзами на тему «Мои любимые книги». В составленных предложениях подчеркните основы. 1. … [ ], (где…). 2. [ ], (потому что…). 3. [ ], (куда…). 4[ ], (чтобы…).

дополните предложения. укажите падеж вставленных слов. подчеркните дополнение ку член предложения. 1)вчера я встретился (с кем?)….. 2) я интересуюсь … (чем?) ……3) подруга рассказала (кому? о чем?) ….. 4) в лесу мы собрали (что?) …….5) ученики готовились (к чему? ) ……….6) пуговица оторвалась (от чего? ) ………

хр 272. Найдите ошибки в предложениях с однородными членами. Запишитепредложения в исправленном виде. Подсказка! Обращайте внимание на значения слов, … выбор грамматических форм частей речи и конструкций, используемыхв качестве однородных членов предложения.1. Я люблю всё: пейзажи, натюрморты, портреты, фантастику,сказки. 2. Героиня картины высокая, стройная, бледна, надменна.3. Художник изобразил детишек, взрослых и молодёжь. 4. Свет накартине падает отовсюду: слева, справа, сверху, волнами. 5. Дляработы нам понадобятся карандаши, краски, канцелярские при-надлежности, кисточки. 6. В своём сочинении я хотела рассказатьо герое картины и чему учит живопись. 7. На картину хорошо бы154​

Соченение на тему Последний снег ​

1. Запись предложений. Когда в солнечное летнее утро выйдешь в лес, то на полях, в траве видны алмазы, которые блестят и переливаются на солнце разным … и цветами. Подойдешь ближе и увидишь, что это капли росы собрались в треугольных листьях травы и блестят на солнце. Сорвешь такую чашечку, потихоньку поднесешь ко рту и выпьешь росинку, и росинка эта вкуснее всякого напитка кажется.

Л.Н.Толстой. Дуб и орешник — — Подчеркните грамматические основы предложений. — В каких предложениях грамматическая основа представлена только сказуемым? На какое лицо указывает глагол? — Легко ли определить действующее лицо? — Как, по-вашему, можно назвать такие предложения?

Художник рисующий животных — Как называется

Часто открывая сканворд, натыкаемся на формулировку. Как называется художник, рисующий животных. Слово из 9 букв. С детства нас учат, что те, кто рисуют море – маринисты, пейзажи – пейзажисты.

Какой художник рисует животных

Жанр изобразительного искусства, главным предметом которого выступают представители фауны, принято называть анималистикой. Возникает вопрос. А как называется такой художник, который рисует животных? На самом деле, все очень просто. Они называются анималистами. Безграничная любовь к окружающему миру, ко всему живому на планете – вот, что направляет авторов анималистических работ.

Свои истоки анималистика берет с давних времен, когда наши предки изображали животных на стенах скал и пещер. Этот жанр не является самым популярным, во многом уступая романтизму и импрессионизму. Однако работы авторов, работающих в этом направлении, не менее ценные. Порой их почти невозможно отличить от фотографии. Но не всегда реализм это основная задача.

Зачастую, он наделяет их чертами и особенностями поведения, свойственными людям, или дополняет образ животного или птицы магическими элементами. Получается, что картины анималистов могут быть довольно разнообразны.

Итак, художники, рисующие животных и птиц, называются анималистами.

Известные художники рисовавшие, животных

Перечислим известных художников, изображавших животных и птиц.

Одним из первых представителей жанра считается И. Юаньцзи. Этот китайский живописец известен, в основном, тем, что рисовал обезьян. Современники утверждали, что он мог неделями и даже месяцами блуждать в горах, наблюдая за животными в их естественной среде обитания.

Картина И. Юаньцзи.

Джордж Стаббс родом из Англии. Также занимался биологией. Он стремился к максимально точному изображению животных, на это его направляла его ученая деятельность.

Антуан-Луи Бари – французский анималист, изображавший животных не только на холсте, но и в скульптуре.

Еще один интересный представитель – Филипп Руссо. Он родом из Франции. Выпускник Школы изящных искусств в Париже. За время своего творчества он работал в различных жанрах: от пейзажа до натюрморта. Последний он смог мастерски объединить с анималистикой.

Картина Филиппа Руссо.

Генрих Иоганн фон Цюгель – немецкий анималист. Свою страсть к изображению представителей фауны он смог не только пронести через всю свою жизнь, но и передать ее своему сыну.

Целищев Геннадий Дмитриевич – советский художник, рисующий животных и птиц. Известен многим с раннего детства иллюстрациями животных в детской литературе.

Очень интересна фигура Ван Яни из Китая. Она начала рисовать в раннем возрасте – в два с половиной года. Талант художницы активно развивал ее отец, а за творчеством девочки наблюдали многие СМИ. Одна из особенностей ее работы – необычайная скорость создания полотен.

Картина Ван Яни

Таким образ, видим, что художников, которые рисуют животных, достаточно много и все они работают в разных стилях. Каждый сможет найти анималиста, чьи работы привлекут внимание.

Как называется художник который рисует натюрморты. Натюрморты

Что такое натюрморт?

Натюрмортом называют жанр живописи, в рамках которого изображается неживая природа. Жанр зародился в XVII веке.

Натюрморт в первую очередь удивителен и интересен тем, что заставляет людей видеть красоту и гармонию в повседневных, скучных вещах, окружающих нас постоянно, но ничем не обращающих на себя наше внимание.

Жанр не так прост, как кажется на первый взгляд: в большинстве таких картин художники используют иносказание — пытаются через определённый набор предметов, их расстановку, выбранные цвета, общую композицию сказать людям что-то важное, передать то, что их волнует, поведать о своих чувствах и мыслях.

Несмотря на мрачный перевод «мёртвая природа» , полотна зачастую пестрят яркими красками, радуют зрителя своей оригинальностью и причудливостью, пробуждают желание жить и восторгаться окружающим миром, видеть прекрасное в нём.

Существует множество видов и подвидов натюрморта, например, сюжетно-тематический, творческий, учебно-творческий, учебный. Также их подразделяют по использованным цветам, освещённости, колориту, времени исполнения, месту расположения и т. д.

Основоположниками натюрморта как самостоятельного жанра стали голландские и фламандские художники. Первоначально картины появились в религиозном обиходе. Также в эпоху зарождения жанра распространение получили картины мрачного характера с глубоким философским смыслом и тёмными тонами, в центре композиции, которых были черепа, свечи и некоторые другие атрибуты. Затем, постепенно развиваясь, жанр вбирал в себя всё новые и новые направления и раз за разом получал всё более широкое распространение во всех кругах общества. Цветы, книги, овощи и фрукты, дары моря, посуда и другие предметы быта — всё нашло своё отражение в искусстве. Одними из самых известных художников натюрмортов стали Амбросиус Басхарт, Мигель Парра, Ян Брейгель, Иозеф Лаунер, Северин Розен, Эдвард Ладелл, Ян Давидс де Хем, Виллем ван Алст, Корнелис Бризе.

В России жанр возник в начале XVIII века, но всерьёз этим никто не занимался, он считался «низшим» жанром. В начале XX века натюрмортная живопись достигла наибольшего расцвета; художники создавали свои шедевры, ставили перед собой новые задачи и достигали несказанных вершин в мастерстве, использовали необычные техники, подбирали новые образы. Русский натюрморт в отличие от западного развивался не постепенно, а в ускоренном темпе. Творя в этом жанре, прославились такие русские художники, как К. Петров-Водкин, И. Левитан, И.Ф. Хруцкий, В. Нестеренко, И.Э. Грабарь, М. Сарьян, А. Осмеркин, П.П. Кончаловский, С.Е. Захаров, С.И.Осипов и многие другие.

В современной живописи натюрморт претерпевает новый подъём и теперь прочно занимает полноправное место среди других жанров изобразительного искусства. Сейчас это одно из самых востребованных направлений в живописи. Имея огромное количество возможностей для самореализации себя в творчестве, художники пишут самые разнообразные натюрморты. А зрители, в свою очередь, покупают картины, украшают ими интерьеры, оживляя свой дом и принося в него уют и радость. Натюрмортами постоянно пополняются музеи, открываются всё новые и новые выставки в различных городах и странах, на которые приходят толпы заинтересованных искусством зрителей. Спустя несколько столетий, пройдя долгий полноценный путь развития, натюрморт по-прежнему актуален и не утратил своей значимости в мировой живописи.

Переходим к заключительной стадии этой серии постов о жанре натюрморта. Он будет посвящен творчеству художников России.

Начнем пожалуй с Федора Петровича Толстого (1783-1873). Натюрмортная графика Ф.П. Толстого, известного русского скульптора, медальера, рисовальщика и живописца, наверно, наиболее выдающаяся и ценная часть его творческого наследия, хотя сам художник говорил, что создавал эти произведения “в свободное от серьезных занятий время”.

Главное свойство натюрмортных рисунков Толстого — их иллюзорность. Художник тщательно копировал натуру. Он пытался, по его собственным словам, “со строгой отчетливостью передать с натуры на бумагу копируемый цветок так, как он есть, со всеми малейшими подробностями, принадлежащими этому цветку”. Чтобы ввести зрителя в заблуждение, Толстой использовал такие иллюзионистские приемы, как изображение капелек росы или полупрозрачная бумага, прикрывающая рисунок и помогающая обмануть зрение.

Илья Ефимофич Репин (1844-1930) также не раз обращался к такому мотиву натюрморта, как цветы. К таким произведениям можно отнести картину “Осенний букет” (1892, Третьяковская галерея, Москва), где художник с равным вниманием изображает осенний пейзаж, молодую женщину, стоящую на фоне золотистых деревьев, и скромный букет из желтых и белых цветов в ее руках.

И. Репин. Осенний букет. Портрет Веры Репиной. 1892, Третьяковская галерея

История картины “Яблоки и листья” несколько необычна. Натюрморт, сочетавший фрукты и листья, был поставлен для ученика Репина, В.А. Серова. Предметная композиция настолько понравилась учителю, что он решил сам написать такой натюрморт. Цветы и плоды привлекали многих художников, предпочитавших из других вещей именно эти, наиболее поэтично и красиво показывающие мир природы. Даже И.Н. Крамской, пренебрежительно относившийся к подобному жанру, также отдал дань натюрморту, создав эффектную картину “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва).

Валентин Александрович Серов (1865-1911) известен большинству из нас как художник, уделявший в своем творчестве внимание в области пейзажа, портрета и исторической живописи. Однако, следует заметить, что предмет в его творчестве всегда играл важную роль и нередко занимал такое же равноправное положение, как и другие элементы композиции. Чуть выше я уже упомянул его ученическую работу «Яблоки на листьях», 1879 года, выполненный под руководством Репина. Если сравнить эту работу с произведением, написанным на ту же тему Репиным, можно увидеть, что натюрморт Серова отличается большей этюдностью, чем полотно его учителя. Начинающий художник использовал низкую точку зрения, поэтому первый и второй планы совмещены, а фон уменьшен.

Известная всем с детства картина «Девочка с персиками» выходит за рамки портретного жанра и не случайно названа она “Девочка с персиками”, а не “Портрет Веры Мамонтовой”. Мы можем видеть, что здесь соединились черты портрета, интерьера и натюрморта. Художник уделяет равное внимание изображению девочки в розовой кофточке и немногочисленным, но умело сгруппированным предметам. На белой скатерти лежат нежно-желтые персики, кленовые листья и блестящий нож. Любовно выписаны и другие вещи, находящиеся на дальнем плане: стулья, большая фарфоровая тарелка, украшающая стену, фигурка игрушечного солдата, подсвечник на подоконнике. Солнечный свет, льющийся из окна и ложащийся на предметы яркими бликами, придает изображению поэтическое очарование.

Михаил Александрович Врубель (1856-1910) писал: “И опять меня обдает, нет, не обдает, а слышится мне та интимная национальная нотка, которую мне так хочется поймать на холсте и в орнаменте. Это музыка цельного человека, не расчлененного отвлечениями упорядоченного, дифференцированного и бледного Запада”.

В Академии художеств любимым преподавателем Врубеля был Павел Чистяков, учивший молодого живописца «рисовать формой» и утверждавший, что объемные формы не следует создавать в пространстве тушевкой и контурами, их следует строить линиями. Благодаря ему Врубель научился не просто показывать натуру, а словно вести с ней задушевную, почти любовную беседу. В таком духе выполнен чудесный натюрморт мастера “Шиповник” (1884).

На фоне изысканной драпировки с цветочными мотивами художник разместил изящную округлую вазочку, расписанную восточными узорами. Отчетливо выделяется нежный белый цветок шиповника, оттененный сине-зеленой тканью, а листья растения почти сливаются с тускло мерцающим черным горлышком вазы. Эта композиция исполнена невыразимой прелести и свежести, которой зритель просто не может не поддаться.

В период болезни Врубель стал больше писать с натуры, причем его рисунки отличаются не только чеканностью формы, но и совершенно особенной одухотворенностью. Кажется, что каждое движение руки художника выдает его страдания и страсти.

Особенно примечателен в этом отношении рисунок “Натюрморт. Подсвечник, графин, стакан”. Это сокрушительный триумф яростной объективности. Каждый предмет натюрморта несет в себе скрытую взрывчатую силу. Материал, из которого изготовлены вещи, будь то бронза подсвечника, стекло графина или матовый отблеск свечи, ощутимо дрожит от колоссального внутреннего напряжения. Пульсация передается художником короткими перекрещивающимися штрихами, из-за чего фактура приобретает взрывчатость и напряженность. Таким образом, предметы приобретают невероятную заостренность, в которой и заключается истинная суть вещей

.

Большого мастерства в создании натюрмортов-“обманок” достигли Г.Н. Теплов и Т. Ульянов. Чаще всего они изображали дощатую стенку, на которой были прорисованы сучки и прожилки дерева. На стенках развешаны или заткнуты за прибитые гвоздями тесемочки разнообразные предметы: ножницы, гребешки, письма, книги, нотные тетради. На узких полочках расставлены часы, чернильницы, флаконы, подсвечники, посуда и другие мелкие вещицы. Кажется, что подобный набор предметов совершенно случаен, но на самом деле это далеко не так. Глядя на такие натюрморты, можно догадаться об интересах художников, занимавшихся музицированием, чтением, увлекавшихся искусством. Мастера любовно и старательно изображали дорогие им вещи. Эти картины трогают своей искренностью и непосредственностью восприятия натуры.

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) также много уделял в своем творчестве жанру натюрморта. На его жизнерадостных полотнах можно увидеть яркие атласные ткани, сверкающие медью самовары, блеск фаянса и фарфора красные ломти арбуза, виноградные грозди, яблоки, аппетитные кексы. Одной из его замечательных картин является «Купчиха за чаем», 1918 г. Невозможно не восхищаться ярким великолепием показанных на полотне предметов. Сверкающий самовар, ярко-красная мякоть арбузов, глянцевые яблоки и прозрачный виноград, стеклянная вазочка с вареньем, позолоченная сахарница и чашка, стоящие перед купчихой, — все эти вещи вносят в изображение праздничное настроение.

В жанре натюрморта большое внимание уделялось так называемым «натюрмортам-обманкам». Многие натюрморты-“обманки”, несмотря на то, что их главной задачей было введение зрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами, особенно заметными в музеях, где, развешанные по стенам, такие композиции, конечно же, не могут обмануть публику. Но есть здесь и исключения. Например, “Натюрморт с книгами”, выполненный П.Г. Богомоловым, вставлен в иллюзорный “книжный шкаф”, и посетители не сразу догадываются, что это всего лишь картина.

Очень хорош “Натюрморт с попугаем” (1737) Г.Н. Теплова. С помощью ясных, четких линий, переходящих в мягкие, плавные контуры, легких, прозрачных теней, тонких цветовых нюансов художник показывает разнообразные предметы, развешанные на дощатой стене. Виртуозно передана древесина, голубоватые, розовые, желтоватые оттенки которой помогают создать почти реальное ощущение свежего запаха только что выструганного дерева.

Г.Н. Теплов. “Натюрморт с попугаем”, 1737, Государственный музей керамики, усадьба Кусково

Русские натюрморты-“обманки” XVIII века свидетельствуют о том, что художники еще недостаточно умело передают пространство и объемы. Более важно для них показать фактуру предметов, словно перенесенных на холст из реальной действительности. В отличие от голландских натюрмортов, где вещи, поглощенные световой средой, изображены в единстве с ней, в картинах русских мастеров предметы, выписанные очень тщательно, даже мелочно, живут как бы сами по себе, вне зависимости от окружающего пространства.

В начале XIX века большую роль в дальнейшем развитии натюрморта сыграла школа А.Г. Венецианова, выступавшего против строгого разграничения жанров и стремившегося научить своих воспитанников целостному видению натуры.

А.Г.Венецианов. Гумно, 1821-23 г.

Венециановская школа открыла новый для русского искусства жанр — интерьер. Художники показывали различные помещения дворянского дома: гостиные, спальни, кабинеты, кухни, классные комнаты, людские и т.п. В этих произведениях важное место отводилось изображению различных предметов, хотя сам по себе натюрморт почти не интересовал представителей круга Венецианова (во всяком случае, сохранилось очень немного натюрмортов, выполненных учениками знаменитого живописца). Тем не менее, Венецианов призывал своих воспитанников тщательно прорабатывать не только лица и фигуры людей, но и окружающие их вещи.

Предмет в живописи Венецианова не является аксессуаром, он неразрывно связан с остальными деталями картины и часто является ключом к пониманию образа. Например, подобную функцию выполняют серпы в картине “Жнецы” (вторая половина 1820-х, Русский музей, Санкт-Петербург). Вещи в венециановском искусстве кажутся вовлеченными в неспешную и безмятежную жизнь персонажей.

Хотя Венецианов, по всей вероятности, не писал собственно натюрмортов, он включал этот жанр в свою обучающую систему. Художник писал: “Неодушевленные вещи не подлежат тем разнообразным изменениям, кои свойственны предметам одушевленным, они стоят, держатся перед неопытным художником смирно, неподвижно и дают ему время точнее и рассудительнее вникнуть, всмотреться в отношения одной части к другой как в линиях, так в свете и тени самим цветом, кои зависят от места, занимаемого предметами ”.

Конечно, натюрморт играл большую роль и в педагогической системе Академии художеств в XVIII-XIX столетиях (в учебных классах воспитанники делали копии с натюрмортов голландских мастеров), но именно Венецианов, призывавший молодых художников обращаться к натуре, ввел в свою программу первого года обучения натюрморт, составленный из таких вещей, как гипсовые фигуры, посуда, подсвечники, разноцветные ленты, фрукты и цветы. Предметы для учебных натюрмортов Венецианов подбирал так, чтобы они были интересны начинающим живописцам, понятны по форме, красивы по цвету.

В картинах, созданных талантливыми учениками Венецианова, вещи переданы правдиво и свежо. Таковы натюрморты К. Зеленцова, П.Е. Корнилова. В творчестве венециановцев есть и работы, которые по своей сути не являются натюрмортами, но, тем не менее, роль вещей в них огромна. Можно назвать, например, полотна “Кабинет в Островках” и “Отражение в зеркале” Г.В. Сороки, хранящиеся в собрании Русского музея в Санкт-Петербурге.

Г.В. Сорока. “Кабинет в Островках”. Фрагмент, 1844, Русский музей, Санкт-Петербург

Натюрморты в этих произведениях выступают не самостоятельно, а как своеобразно скомпонованные мастером части интерьера, соответствующие общему композиционному и эмоциональному строю картины. Главным связующим элементом здесь является свет, мягко переходящий от одного предмета к другому. Глядя на полотна, понимаешь, насколько интересен окружающий мир художнику, любовно изобразившему каждый предмет, каждую самую мелкую вещицу.

Натюрморт, представленный в “Кабинете в Островках”, хотя и занимает небольшое место в общей композиции, кажется необыкновенно значительным, выделенным благодаря тому, что автор отгородил его от остального пространства высокой спинкой дивана, а слева и справа обрезал рамой. Кажется, что Сорока настолько увлекся лежащими на столе предметами, что почти забыл об остальных деталях картины. Мастер тщательно выписал все: гусиное перо, карандашик, циркуль, транспортир, перочинный ножик, счеты, листы бумаги, свечу в подсвечнике. Точка зрения сверху позволяет рассмотреть все вещи, ни одна из них не загораживает другой. Такие атрибуты, как череп, часы, а также символы “земной суеты” (статуэтка, бумаги, счеты), позволяют некоторым исследователям причислить натюрморт к типу vanitas, хотя такое совпадение чисто случайно, скорее всего, крепостной художник воспользовался тем, что лежало на столе его хозяина.

Известным мастером предметных композиций первой половины XIX столетия был художник И.Ф. Хруцкий, написавший множество прекрасных картин в духе голландского натюрморта XVII века. Среди самых лучших его работ — “Цветы и плоды” (1836, Третьяковская галерея, Москва), “Портрет жены с цветами и фруктами” (1838, Художественный музей Белоруссии, Минск), “Натюрморт” (1839, Музей Академии художеств, Санкт-Петербург).

В первой половине XIX века в России большой популярностью пользовался “ботанический натюрморт”, пришедший к нам из Западной Европы. Во Франции в это время выходили сочинения ботаников с прекрасными иллюстрациями. Большую известность во многих европейских странах получил художник П.Ж. Редуте, который считался “самым прославленным живописцем цветов своего времени”. “Ботанический рисунок” был значительным явлением не только для науки, но и для искусства и культуры. Подобные рисунки преподносились в подарок, украшали альбомы, что таким образом ставило их в один ряд с другими произведениями живописи и графики.

Во второй половине XIX века большое внимание изображению предметов уделял П.А. Федотов. Хотя он не писал собственно натюрмортов, мир вещей, созданный им, восхищает своей красотой и правдивостью.

Предметы в произведениях Федотова неотделимы от жизни людей, они принимают самое непосредственное участие в драматических событиях, изображенных художником.

Глядя на картину “Свежий кавалер” (“Утро после пирушки”, 1846), поражаешься обилию предметов, тщательно выписанных мастером. Настоящий натюрморт, удивляющий своей немногословностью, представлен на знаменитой картине Федотова “Сватовство майора” (1848). Осязаемо реально передано стекло: фужеры на высоких ножках, бутылка, графин. Тончайшее и прозрачное, оно как будто издает нежный хрустальный звон.

Федотов П.А. Сватовство майора. 1848—1849. ГТГ

Федотов не отделяет предметы от интерьера, поэтому вещи показаны не только достоверно, но и живописно тонко. Каждый самый обычный или не слишком привлекательный предмет, занимающий свое место в общем пространстве, кажется удивительным и красивым.

Хотя Федотов не писал натюрмортов, он проявлял несомненный интерес к этому жанру. Чутье подсказывало ему, как расположить тот или иной предмет, с какой точки зрения его представить, какие вещи будут выглядеть рядом не только логически обоснованно, но и выразительно.

Мир вещей, помогающий показывать жизнь человека во всех ее проявлениях, наделяет произведения Федотова особой музыкальностью. Таковы картины “Анкор, еще анкор” (1851-1852), “Вдовушка” (1852) и многие другие.

Во второй половине XIX века жанр натюрморта практически перестал интересовать художников, хотя многие жанристы охотно включали элементы натюрморта в свои композиции. Большое значение приобретают вещи в картинах В.Г. Перова (“Чаепитие в Мытищах”, 1862, Третьяковская галерея, Москва), Л.И. Соломаткина (“Славильщики-городовые”, 1846, Государственный исторический музей, Москва).

Натюрморты представлены в жанровых сценах А.Л. Юшанова (“Проводы начальника”, 1864), М.К. Клодта (“Больной музыкант”, 1855), В.И. Якоби (“Разносчик”, 1858), А.И. Корзухина (“Перед исповедью”, 1877; “В монастырской гостинице”, 1882), К.Е. Маковского (“Алексеич”, 1882). Все эти полотна ныне хранятся в собрании Третьяковской галереи.

К. Е. Маковский. “Алексеич”, 1882, Третьяковская галерея, Москва

В 1870-1880-х годах ведущим жанром в русской живописи оставался бытовой, хотя пейзаж и портрет также занимали важное место. Огромную роль для дальнейшего развития русского искусства сыграли передвижники, стремившиеся показать в своих произведениях правду жизни. Художники стали придавать большое значение работе с натуры и потому все чаще обращались к пейзажу и натюрморту, хотя многие из них считали последний напрасной тратой времени, бессмысленным увлечением формой, лишенной внутреннего содержания. Так, И.Н. Крамской упоминал об известном французском живописце, не пренебрегавшем натюрмортами, в письме к В.М. Васнецову: “Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже все, а у нас дела непочатый угол”.

Тем не менее, многие русские художники, не писавшие натюрмортов, восхищались ими, глядя на полотна западных мастеров. Например, В. Д. Поленов, находившийся во Франции, писал И.Н. Крамскому: “Посмотришь, как тут дело идет, словно по маслу, работает каждый в своем роде, в самых различных направлениях, что кому по душе, и все это ценится и оплачивается. У нас главным образом значение имеет, что сделано, а тут — как сделано. Например, за медный таз с двумя рыбами платят по двадцати тысяч франков, да еще в придачу считают сего медных дел мастера первым живописцем, и, пожалуй, не без резону”.

Побывавший в 1883 году на выставке в Париже В.И. Суриков восторгался пейзажами, натюрмортами и картинами с изображением цветов. Он писал: “Хороши рыбы Гиберта. Рыбья склизь передана мастерски, колоритно, тон в тон замешивал”. Есть в его письме к П.М. Третьякову и такие слова: “А рыбы Жильберта — чудо что такое. Ну совсем в руки взять можно, до обмана написано”.

И Поленов, и Суриков могли бы стать прекрасными мастерами натюрморта, о чем свидетельствуют виртуозно написанные предметы в их композициях (“Больная” Поленова, “Меншиков в Березове” Сурикова).

В.Д. Поленов. “Больная”, 1886, Третьяковская галерея

Большая часть натюрмортов, созданных известными русскими художниками в 1870-1880-х годах, представляет собой произведения этюдного характера, показывающие стремление авторов передать особенности вещей. Некоторые подобные работы изображают необычные, редкие предметы (например, этюд с натюрмортом для картины И.Е. Репина “Запорожцы пишут письмо турецкому султану”, 1891). Самостоятельного значения такие произведения не имели.

Интересны натюрморты А.Д. Литовченко, выполненные как подготовительные этюды к большому полотну “Иван Грозный показывает свои сокровища послу Горсею” (1875, Русский музей, Санкт-Петербург). Художник показал роскошные ткани из парчи, оружие, инкрустированное драгоценными камнями, золотые и серебряные изделия, хранящиеся в царских сокровищницах.

Более редкими в то время были этюдные натюрморты, представляющие обычные бытовые предметы. Такие произведения создавались с целью изучения строения вещей, а также являли собой результат упражнения в живописной технике.

Важную роль натюрморт играл не только в жанровой, но и в портретной живописи. Например, в картине И.Н. Крамского “Некрасов в период „Последних песен” (1877-1878, Третьяковская галерея, Москва) предметы выполняют функцию аксессуаров. С.Н. Гольдштейн, занимавшийся исследованием творчества Крамского, пишет: “В поисках общей композиции произведения он стремится к тому, чтобы воссоздаваемый им интерьер, несмотря на его собственно бытовой характер, способствовал прежде всего осознанию духовного облика поэта, неувядаемого значения его поэзии. И действительно, отдельные аксессуары этого интерьера — тома “Современника”, беспорядочно уложенные на столике у постели больного, лист бумаги и карандаш в его ослабевших руках, бюст Белинского, висящий на стене портрет Добролюбова — приобрели в этом произведении значение отнюдь не внешних признаков ситуации, но реликвий, тесно связанных с образом человека”.

Среди немногочисленных натюрмортов передвижников главное место занимают “букеты”. Интересен “Букет” В. Д. Поленова (1880, Музей-усадьба Абрамцево), по манере исполнения немного напоминающий натюрморты И.Е. Репина. Непритязательный по своему мотиву (мелкие полевые цветы в простой стеклянной вазе), он, тем не менее, восхищает своей свободной живописью. Во второй половине 1880-х годов похожие букеты появятся в живописи И.И. Левитана.

По-иному демонстрирует зрителю цветы И.Н. Крамской. Многие исследователи полагают, что две картины — “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва) и “Розы” (1884, собрание Р.К. Викторовой, Москва) — были созданы мастером во время работы над полотном “Неутешное горе”.

Два “букета” Крамской продемонстрировал на XII Передвижной выставке. Эффектные, яркие композиции, изображающие садовые цветы на темном фоне, нашли покупателей еще до открытия выставки. Обладателями этих произведений стали барон Г.О. Гинцбург и императрица.

На IX Передвижной выставке 1881-1882 годов внимание публики привлекла картина К. Е. Маковского, названая в каталоге “Nature morte” (теперь она находится в Третьяковской галерее под названием “В мастерской художника”). На большом полотне изображены лежащая на ковре огромная собака и ребенок, тянущийся из кресла к фруктам на столе. Но эти фигуры — всего лишь детали, нужные автору для того, чтобы оживить натюрморт — множество роскошных вещей в мастерской художника. Написанная в традициях фламандского искусства, картина Маковского все же трогает душу зрителя. Художник, увлекшийся передачей красоты дорогих вещей, не сумел показать их индивидуальность и создал произведение, главная цель которого — демонстрация богатства и роскоши.

Все предметы на картине словно собраны для того, чтобы поразить зрителя своим великолепием. На столе лежит традиционный для натюрморта набор фруктов — крупные яблоки, груши и виноград на большом красивом блюде. Здесь же большая серебряная кружка, украшенная орнаментом. Рядом стоит бело-синий фаянсовый сосуд, возле которого располагается богато украшенное старинное оружие. О том, что это мастерская художника, напоминают кисти, помещенные в широкий кувшин на полу. У золоченого кресла — шпага в роскошных ножнах. Пол устилает ковер с ярким орнаментом. Украшением служат и дорогие ткани — парча, отороченная густым мехом, и бархат, из которого сшит занавес. Колорит полотна выдержан в насыщенных оттенках с преобладанием алого, голубого, золотистого.

Из всего вышесказанного ясно, что во второй половине XIX столетия натюрморт не играл существенной роли в русской живописи. Он был распространен лишь как этюд к картине или учебная штудия. Многие художники, исполнявшие натюрморты в рамках академической программы, в самостоятельном творчестве больше к этому жанру не возвращались. Натюрморты писали в основном непрофессионалы, создававшие акварели с цветами, ягодами, фруктами, грибами. Крупные мастера не считали натюрморт достойным внимания и использовали предметы только для того, чтобы убедительно показать обстановку и украсить изображение.

Первые зачатки нового натюрморта можно обнаружить в живописи художников, работавших на рубеже XIX-XX столетий: И. И. Левитана, И.Э. Грабаря, В.Э. Борисова-Мусатова, М.Ф. Ларионова, К.А. Коровина. Именно в то время в русском искусстве натюрморт появился как самостоятельный жанр.

Но это был весьма своеобразный натюрморт, понимаемый художниками, работавшими в импрессионистической манере, не как обычная замкнутая предметная композиция. Мастера изображали детали натюрморта в пейзаже или интерьере, и им была важна не столько жизнь вещей, сколько само пространство, световая дымка, растворяющая очертания предметов. Большой интерес представляют также графические натюрморты М.А. Врубеля, отличающиеся неповторимой самобытностью.

В начале XX века большую роль в развитии русского натюрморта сыграли такие художники, как А.Я. Головин, С.Ю. Судейкин, А.Ф. Гауш, Б.И. Анисфельд, И.С. Школьник. Новое слово в этом жанре сказал и Н.Н. Сапунов, создавший целый ряд картин-панно с букетами цветов.

В 1900-х годах к натюрморту обратилось множество художников самых разных направлений. Среди них были т.н. московские сезаннисты, символисты (П.В. Кузнецов, К.С. Петров-Водкин) и др. Важное место предметные композиции занимали в творчестве таких известных мастеров, как М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, А.В. Лентулов, Р.Р. Фальк, П.П. Кончаловский, А.В. Шевченко, Д.П. Штеренберг, сделавшие натюрморт полноправным среди других жанров в русской живописи XX века.

Одно перечисление русских художников, которые в своем творчестве использовали элементы натюрморта заняло бы немало места. Поэтому ограничимся приведенным здесь материалом. Желающие могут ознакомиться более подробно по ссылкам, приведенным в первой части этой серии постов о жанре натюрморта.

Предыдущие сообщения: Часть 1 –
Часть 2 –
Часть 3 –
Часть 4 –
Часть 5 –

Натюрморт (фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.

Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.

Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию — либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо — в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов — в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.

Нидерландский натюрморт XVII века

Нидерландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. «Малые голландцы» отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин «застывшая жизнь» (голл. stilleven, нем. stilleben, англ. still-life) стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах. До этого художники называли подобные картины, описывая сюжет: «Маленький завтрак», «Букет цветов», «Охотничий трофей», «Суета сует». Основной перевод указанного термина, встречающийся в литературе — «тихая, неподвижная жизнь».

Натюрморт в русской живописи 18-20 веков

Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве «низшего» жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.

В 30-40-е годы ХХ столетия это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.

Русские натюрмористы

• Хруцкий Иван Фомич (1810-1885)
• Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960)
• Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)
• Кончаловский Пётр Петрович (1876-1956)
• Альберти Петр Филиппович (1913-1994)
• Антипова Евгения Петровна (1917-2009)
• Захаров Сергей Ефимович (1900-1993)
• Копытцева Майя Кузьминична (1924-2005)
• Котьянц Геворк Вартанович (1906-1996)
• Крестовский Ярослав Игоревич (1925-2003)
• Осипов Сергей Иванович (1915-1985)
• Позднеев Николай Матвеевич (1930-1978)
• Румянцева Капитолина Алексеевна (1925-2002)
• Скуинь Елена Петровна (1909-1986)
• Тетерин Виктор Кузьмич (1922-1991)
• Шаманов Борис Иванович (1931-2008)

Даже люди неискушенные в живописи имеют представление о том, как выглядят натюрморты. Это картины, на которых изображены композиции из каких-либо предметов быта или цветов. Однако далеко не все знают, как переводится это слово — натюрморт. Сейчас мы поведаем вам об этом и о многом другом, что связано с данным жанром.

Происхождение слова «натюрморт»

Так вот, выражение nature morte пришло в русский язык, конечно же, из французского. Как вы сами видите, оно разделено на две части — «nature» и «morte», которые переводятся соответственно как «природа, натура, жизнь» и «мертвый, тихий, неподвижный». Теперь складываем две части воедино и получаем всем знакомое слово «натюрморт».

Опираясь на все вышесказанное, можно сделать заключение, что натюрморты — это жанр станковой живописи, изображение художником на холсте застывшей, неподвижной натуры. Правда, иногда мастера натюрморта дополняют свои вполне живых существ — бабочек, гусениц, паучков и жучков и даже птиц. Но исключение только подтверждает основное правило.

Формирование жанра

История натюрморта насчитывает вот уже почти 600 лет. До XVI в. никому и в голову не могло прийти, что можно рисовать красками какие-то неодушевленные предметы, пусть даже очень красивые. Натюрморты-картины просто не существовали в те времена. В средние века живопись была всецело посвящена Богу, церкви и человеку. Художники писали картины на религиозные сюжеты, также были в почете портреты. Даже пейзаж выступал лишь в качестве дополнения.

Но все-таки некоторые элементы натюрморта встречались уже в 15 веке у голландских живописцев. На их картинах с традиционным религиозным или мифологическим содержанием, а также на портретах встречаются изображения тщательно выписанных цветочных гирлянд, книг, посуды и даже человеческих черепов. Пройдет пара веков, и весь мир будет восторгаться творениями так называемых Малых голландцев — мастеров натюрмортной живописи.

Однако своему выделению в самостоятельный жанр изобразительного искусства натюрморт обязан отнюдь не голландцам, а французам. Такие как Франсуа Депорт, Моннуайе и Жан-Батист Удри сформулировали основные принципы «предметной» живописи, сформировали ее основную концепцию и явили широкой публике всю красоту и очарование натюрморта.

Эпоха Малых голландцев — расцвет натюрмортной живописи

Итак, попробуем отмотать несколько веков назад для того, чтобы понять кто такие Малые голландцы и почему, когда речь заходит о классическом натюрморте, вспоминают всегда именно их. Первые голландские натюрморты — это творения живописцев, живших в Нидерландах в 17 веке. Малые голландцы — так принято называть школу живописи и сообщество художников, создававших картины бытовой направленности небольших размеров. Конечно, они писали не только натюрморты.

Среди них было много пейзажистов и мастеров жанровой живописи. Их полотна были предназначены вовсе не для дворцов и церквей, а для украшения жилища самых обычных горожан. В то время в маленькой Голландии жило около 3-х тысяч художников, и все они отличались огромной работоспособностью и умением хорошо переносить на холст красоту обыденного мира. Впоследстии искусствоведы назовут это время Голландским Ренесансом. Именно тогда жанр натюрморта получил широкое распространение.

Лучшие голландские натюрморты

На прекрасных как на витрине, разложены перед зрителями различная кухонная утварь, фрукты, роскошные цветы, предметы быта. Очень были популярны цветочные натюрморты. Это отчасти было вызвано тем, что в Нидерландах испокон веков существовал культ цветов и садоводства. Одними из самых ярких представителей голландской натюрмортной живописи 17 в. являлись художники Ян Давидс де Хем, а также его сын Корнелис де Хем.

Их живописные творения получили популярность и известность во многом благодаря тому, что они мастерски умели изображать цветы и фрукты. Тщательная проработка деталей вкупе с утонченной цветовой гаммой и идеально построенной композицией делали их картины бесподобными. Эти художники рисовали роскошные цветочные букеты, стоящие в прекрасных вазах, рядом с которыми порхают бабочки; гирлянды фруктов; прозрачные бокалы, наполненные вином; блюда с виноградом и другими фруктами; музыкальные инструменты и т. д. Известные натюрморты отца и сына поражают своей реалистичностью, тонкой передачей игры света и изысканным колоритом.

Натюрморт в живописи импрессионистов

Большое внимание уделяли жанру натюрморта и французские импрессионисты, а также постримпрессионисты. Естественно, их манера письма резко отличалась от реалистической изысканности Малых голландцев, ведь классическая живопись импрессионистов не привлекала. Клод Моне, Эдуард Мане, Эдгар Дега, Ван Гог — все эти художники любили писать цветы и растения, ведь и те и другие являются частью природы, красоту которой они воспевали всю свою жизнь.

Огюст Ренуар написал за свою жизнь целую галерею прекрасных воздушных натюрмортов. Иногда изображение «застывшей натуры» требуется импрессионистам лишь в качестве дополнения. Например, в картине «Завтрак на траве» Эдуарда Мане на первом плане можно увидеть великолепный натюрморт из разбросанной одежды, рассыпанных по траве фруктов и снеди. Ван Гог писал много необычных натюрмортов. Многие знают его картины «Подсолнухи» или «Ирисы», но у него еще есть такие полотна, как или «Стул Ван Гога» — все это также образцы натюрмортной живописи.

Русский натюрморт

Удивительно, что в России натюрморт в виде отдельного жанра не был востребован долгое время, так как считался чуть ли не низшим из всех видов изобразительного искусства, который не требует ни фундаментальных знаний, ни специальных навыков в живописи. Только во второй половине XIX в. русские передвижники смогли вызвать у российской публики интерес к этому жанру искусства.

Впоследствии натюрмортной живописью увлекались многие русские живописцы. Натюрморты известных художников, таких как Игорь Грабарь, Кузьма Петров-Водкин, Иван Хруцкой, можно увидеть в залах Третьяковской галереи, Русского музея, Музея изобразительных искусств им. Пушкина в Москве, а также в Эрмитаже. Но настоящий расцвет натюрмортной живописи произошел в нашей стране в эпоху социализма.

Фото натюрморт

С приходом фотографии в мире искусства появился еще такой жанр, как фото натюрморты. Сегодня очень многие люди увлекаются созданием фотографических шедевров. Некоторые снимки просто поражают своим совершенством и мастерством фотографа. Иногда при помощи фотокамеры талантливым фотохудожникам удается заснять натюрморты, которые ничем не уступают самым знаменитым творениям Малых голландцев.

Для того чтобы начать рисовать натюрморт, нужно сначала его составить из каких-нибудь предметов. Для первых опытов в натюрмортной живописи лучше не делать сложных композиций, пары-тройки предметов будет вполне достаточно.

Далее рисуем натюрморт поэтапно. Сначала нужно сделать рисунок карандашом или углем. Потом следует легкий подмалевок, раскрывающий основные цвета и тени композиции, а уж затем можно приступать непосредственно к прорисовке деталей.

Такие разные краски для рисования

Бесспорно, одними из самых распространенных материалов для рисования являются краски. Ведь именно с помощью разноцветных красок художник может не только отразить всю красоту окружающего мира на холсте, но и передать свои чувства и эмоции зрителю. Именно с красок многие люди начинают свой путь в мир рисования.

И это не удивительно, ведь впервые краски появились более 17000 лет назад – на заре человечества. Древние люди использовали глину, древесный уголь, минералы и растения, чтобы создавать с их помощью наскальную живопись, сохранившуюся до наших дней. Конечно, перечисленные материалы не являлись красками в привычном для нас виде, но многие из них до сих пор служат основой того или иного цвета.

Со временем люди находили все новые и новые источники получения пигментов и создавать краски, которые имели уже более привычный для нас вид. Пигменты начали смешивать с различными маслами, что впоследствии дало краскам соответствующее название – масляные. Художники средневековья сами готовили для себя краску, смешивая пигменты не только с маслами, но еще яичным белком или казеином для получения нужной насыщенности и консистенции. Современным художникам уже нет надобности заниматься изготовлением красок самостоятельно – все материалы с богатыми палитрами цветов и оттенков можно найти в магазине. Но чтобы разобраться в многообразии красок для рисования, давайте рассмотрим особенности и область применения всех основных видов.

Акварель

Чаще всего именно с акварели начинается знакомство начинающих художников с красками. Самые воздушные оттенки, плавные переходы цвета легче всего получаются именно в акварельных рисунках.

По консистенции акварельная краска может быть сухая в кюветах и пастообразная в тубах, но само слово «акварель» подразумевает использование в рисовании большого количества воды. При разведении водой краска ложится на бумагу полупрозрачным слоем, идеально подходит для лессировок и растяжек цвета, что при определенных навыках дает очень интересные эффекты. Акварелью мы пробуем рисовать еще в детстве. Работая с акварельными красками, ребенок учится разным техникам рисования, развивает фантазию, смешивая новые цвета, и аккуратность — ведь работы, выполненные акварелью, почти не поддаются исправлениям.

Для детского рисования производители выпускают самые безвредные краски на натуральной основе. Медовая акварель – словосочетание, известное многим с детства. Свое название она получила из-за меда, входящего в состав, который является одновременно и качественной основой для акварельных красок, и безопасным природным ингредиентом. Большой выбор детских красок предлагают такие производители, как ЛУЧ, JOVI. Помимо обычных цветов, можно разнообразить свой рисунок акварелью GIOTTO с блестками или металлическим блеском.

Но акварель – это не только детский материал для рисования. Многие художники выбрали эту краску как основное направление своего творчества. Например, известный русский акварелист Сергей Андрияка обучает рисованию людей всех возрастов в своей школе, полностью посвященной именно акварельной живописи. И даже если художник не стремится писать исключительно акварельные работы, то акварель часто приходит на помощь при создании эскизов. Акварельные эскизы получаются легкими, воздушными и обладают особым шармом. Акварель — прекрасный материал для рисования природы, отчего многие любят использовать ее на пленэрах.

Акварельная краска дает широкое разнообразие в плане техник рисования. Это и многослойная живопись, письмо пятном, рисование от светлого, плавные переходы цветов, а также техника «по-сырому», которую не встретишь при использовании никакой другой краски. Интересные эффекты дает акварель при сочетании с другими видами художественных и даже не художественных материалов. Попробуйте положить акварельную краску поверх рисунка, выполненного восковыми мелками, посыпать еще сырой рисунок солью или пройтись по влажной бумаге скомканной бумажной салфеткой – результат приятно удивит и побудит фантазию разыграться с удвоенной силой!

Начинающие и более опытные художники часто предпочитают уже ставшую классикой акварель от российского Завода Художественных красок. Натуральная основа, тонкоперетертые пигменты в составе и большой выбор оттенков – краски серии Невская Палитра успели полюбиться не одному поколению аквалеристов.
Для обучения живописи в художественных школах и студиях прекрасно зарекомендовали себя краски и от Аква-Колор, Pebeo.
К профессиональной акварели относятся краски корейского бренда Mijello, голландские Royal Talens, английские Reeves. А японская компания ZIG Kuretake предлагает наборы красок для рисования в традиционной японской технике суми-ё.
Акварельные краски можно приобрести сразу в наборе от 6 до 48 цветов, а закончившийся цвет легко заменить из штучных кювет или тюбиков, не меняя всю упаковку разом. Можно даже собрать свой набор акварели, если поместить кюветы нужных цветов в специальную коробку для красок.

Лучший подарок художнику – конечно, краски. Производители предлагают красивые подарочные наборы акварели в шкатулках из натурального дерева. В комплект могут входить не только краски, но и кисти одноименного бренда или дополнительные материалы для живописи.

Гуашь

Гуашь является еще одним материалом, идеальным для начинающих художников. Прежде чем браться за более сложные краски, вроде масляных, можно потренироваться именно в рисовании гуашью.
Многие выбирают гуашь для плакатного рисования из-за ее яркой декоративности и при этом недооценивают особенные живописные свойства гуаши.

Например, гуашевые краски отличаются хорошей пигментацией и укрывистостью, но при этом без труда размываются водой, что позволяет корректировать рисунок в процессе. За счет своей более плотной, в отличие от акварели, консистенции, гуашью можно тренировать различные виды мазков, экспериментировать в техниках рисования, учиться смешивать цвета. Гуашь довольно быстро сохнет, что является плюсом, когда с ней работают дети: подождав немного, можно не переживать, что рисунок отпечатается на другой стороне листа, если закрыть альбом для рисования. Если гуашь в баночке вдруг засохла, ее можно «оживить», добавив немного горячей воды и перемешав.

Гуашь представляет собой самостоятельную технику, но нередко художники сочетают эту краску с акварелью, из-за чего работы получаются интересными и действительно необычными. Гуашевые краски подходят для любого уровня подготовки, от обучения до профессиональной живописи. Еще в эпоху Возрождения художники активно применяли гуашь для рисования эскизов и набросков.
После высыхания гуашь приобретает приятную матовость не только наощупь, но и визуально – благодаря белилам в составе, и высыхая, цвет будет становиться более приглушенным. При этом, обладая хорошей светостойкостью, гуашь надолго сохраняет свои первоначальные цвета. А прежнюю насыщенность краскам придаст художественный лак, которым можно покрыть уже готовую работу.
Художественная гуашь от наборов для детского рисования до красок профессионального уровня выпускается многими компаниями-производителями художественных материалов. Самые известные гуашевые краски для детей: Луч, Colorino, JOVI, Сонет, Гамма.
Для обучения живописи и профессионального рисования: Невская Палитра, Pebeo, Reeves, Royal Talens. В том числе гуашь с эффектом металлик и нежная перламутровая гуашь.

Темпера Темперные краски по праву считают прародителями всех современных красок. Темпера -прямая родственница акварели и гуаши, и до появления масляной краски художники использовали именно темперу. Пожалуй, главное отличие темперных красок — универсальность толщины красочного слоя. Темперой можно писать как тонким слоем, так и наносить объемные рельефные мазки.

Темперная краска хорошо разводится водой и очень быстро сохнет, что особенно полезно при обучении – можно не бояться смазывания краски. После высыхания красочный слой уже не размывается водой. Однако, это не значит, что исправить какой-то момент в работе уже не получится. Темпера идеально подходит для многослойной живописи, поэтому желаемый участок можно просто перекрыть новым слоем, сделав при этом необходимые корректировки. Из-за того, что темпера очень быстро сохнет, ее несколько проблематично смешивать – замесы на палитре очень скоро приходят в негодность. Поэтому смешивая цвет, его сразу же надо накладывать на рисунок.

После высыхания темперная краска, подобно гуаши, чуть изменяет свой цвет: становится ярче, светлее или, наоборот, темнеет, в зависимости от цвета. Однако именно темпера меньше всего подвержена изменению цвета с течением времени и зарекомендовала себя куда более долговечной, чем, например, масло. За время своего существования темпера нашла применение и в декоративно-прикладном творчестве – она отлично подходит для росписи деревянных заготовок. А способность темперы «дышать» сделала ее подходящей для росписи стен и потолков. Завод художественных красок Невская Палитра выпускает темперу, подходящую и для обучения рисованию, и для профессиональных художников.

Акрил

Фактически акриловая краска является разновидностью краски темперной и изначально называлась акриловой темперой, но сейчас акрил — самостоятельный вид красок, занимающий особое место среди всех водорастворимых красок.
Что не удивительно, ведь акрил поистине универсальная краска. Его применяют и для живописи, и в декоративно-прикладном творчестве, и в отделочных работах. Акриловая краска подходит практически для любого вида поверхности: производители выпускают акрил для дерева, металла, пластика, камня, стекла, ткани, внутренних и наружных работ.

По своим свойствам акрил во многом похож на темперную краску, но сохнет чуть дольше, чем темпера, а красочный слой совсем не меняет цвет, надолго оставаясь ярким и сочным, не подвержен воздействиям внешней среды, не выгорает от солнечного света. Акриловые краски имеют огромную палитру цветов, в том числе цвета металлик, перламутровые и яркие неоновые цвета и даже светящиеся в темноте, что дает огромный простор для творчества художников и декораторов.

Высыхая, акрил образует на поверхности эластичную пленку, устойчивую к влаге и истиранию, поэтому поверхность, покрытую акриловой краской, можно протирать даже с водой. Особенно стойкой такая поверхность становится после нанесения акрилового лака. При работе с акрилом важно помнить, что он быстро высыхает, и не оставлять открытыми тюбики и баночки, с кисти и палитру вымыть сразу же после рисования. Кроме того, акриловые краски необходимо беречь от замораживания, т.к. при температуре ниже +5°C они полностью теряют свои свойства.

Художественные акриловые краски выпускаются в разных формах для удобства нанесения на любую поверхность. Самый привычный акрил — в баночках. Такой выпускают фирмы: Ferrario, Невская Палитра, Аква-Колор, Таир, Pebeo и др.
Акрил в тюбиках Pebeo, Marabu, Royal Talens, Maimeri, Reeves, Daler-Rowney и др. удобен для применения и хранения.

Масло

Масляные краски дают художнику большие возможности при создании живописной работы, но работа с ними уже требует определенного художественного опыта.
Одна из особенностей масляной краски в том, что она очень медленно сохнет. Это позволяет создавать картины со скрупулезной проработкой самых мелких деталей. Работа над одним полотном может занимать от нескольких часов до нескольких лет. Например, историки до сих пор ведут жаркие дебаты на тему того, сколько же времени Леонардо да Винчи потратил на создание своей знаменитой Моны Лизы.

Выдвигаются версии о десятках лет, что звучит невероятно, однако эти предположения связаны с особой техникой выполнения картины – сфумато, придуманной самим Леонардо. Техника заключается в нанесении на холст мельчайших и тончайших мазков, настолько микроскопических, что они совершенно не воспринимаются как мазки, а из-за плавных переходов цвета картина выглядит словно окутанной дымкой. Думаю, многим художникам хотелось бы попробовать свои силы и поработать в этой удивительной технике.

А для тех, кто любит более размашистые движения кисти по холсту, масло является идеальным материалом для пастозной живописи. Краска берется на кисть или мастихин с запасом и, ложась на картину, дает объемный рельефный мазок. Особенно выигрышно в такой технике смотрятся цветы, ведь каждый лепесток становится словно живым и его в прямом смысле можно потрогать. Некоторые художники, работая в данной технике, даже не пользуются палитрой, смешивая краски прямо на холсте. Подобное письмо, будь то конкретный объект или нечто абстрактное, может стать хорошим антистрессом.

В среднем высыхание масляной краски может занимать от трех дней до недели, в зависимости от толщины красочного слоя. Но уже подсохшую краску можно легко оживить разбавителем, который так же необходим для очистки инструментов и палитр, ведь масло не является водорастворимой краской. Большой выбор профессиональных художественных масляных красок и красок для начинающих художников и студентов предлагают бренды Royal Talens, LeFranc, Maimeri, Reeves, Невская Палитра, Vista-Artista в удобном формате туб наборами или поштучно.

В подарок художнику можно выбрать наборы красок с дополнительными аксессуарами в шкатулках и подарочных коробках.

Какими красками рисовать – выбор за художником. А если вы еще не определились с предпочтениями, мы советуем попробовать каждый вид художественных красок, чтобы понять, каким материалом работать нравится больше всего. Главное – подходить к процессу творчески и рисовать от души, и тогда зритель непременно почувствует все эмоции, которые вложил художник в свое творение.

А по завершении работы не забудьте покрыть картину лаком, чтобы надолго сохранить яркость красок и защитить ее от пыли и ультрафиолета, – и тогда ею сможет любоваться не одно поколение!

Посетители этой страницы чаще всего выбирают в интернет-магазине:

Что такое CG? | artlab.club

CG или CG Painting — это ничто иное как цифровое рисование или сокращение от Computer Graphic. К этому направлению относятся все картинки, нарисованные на компьютере или, как его еще называют, Digital.

В чем рисуют CG художники зависит от того, что именно они рисуют. Если грубо делить, есть растр, вектор и 3D. Вектор еще можно анимировать впоследствии.

Растр — прежде всего это Adobe Photoshop, в котором можно рисовать в растре, частично в векторе, создавать флэш-анимации, работать в технике фотоарта и коллажей.
Есть еще Corel Painter с огромным количеством разных кистей, имитирующих реальную живопись. Некоторые рисуют в менее популярных PhotoImpact, GIMP, SAI, Artweaver, Open Canvas, Art Rage, MyPaint, Krita. И, конечно в Paint, в котором, кстати, удобно пиксельную графику, говорят, рисовать.

Вектор рисуют в основном в Corel Draw и Adobe Illustrator. И тот и другой имеют свои преимущества и недостатки, но оба являются крупнейшими и самыми известными векторными редакторами.

У 3дэшников тоже есть выбор. 3D Max, Maya, ZBrush, Cinema4D – редакторы для 3D-моделирования. Для полноценного создания этого вида компьютерной графики требуется ОЧЕНЬ мощный компьютер.

Чем цифровая живопись лучше традиционной?

• Очень высокая скорость работы и большой выбор материалов. Выбор нужного цвета — дело секунд (в отличие от традиционной живописи, где надо смешивать или докупать краски для получения нужного цвета — требует опыта и времени), выбор нужной кисти/инструмента — также почти мгновенная операция. Можно делать работы с имитациями масла, пастели, акварели или всего и сразу, что затруднительно в реальном мире.
• Возможность отменять свои действия, а также возможность сохраняться в любом моменте своей работы и возвращаться к нему в последующем и ещё большой список возможностей и преимуществ — всё это делает работу художника в несколько раз быстрее при том же качестве.
• Компьютерная работа сразу готова к использованию в цифровых технологиях кино, игр, вёрстки — работу, выполненную на материале красками, надо предварительно перенести в цифровой вид и здесь тоже много заморочек плюс дополнительный этап работы.
• В отличие от традиционной живописи в цифровой имеются крутые и удобные функции инструментов и возможностей: например, работа со слоями или нанесение текстур с фотографий на нужные вам участки картины; генерация шумов заданного типа; различные эффекты кистей; HDR картины; различные фильтры и коррекции, и многое другое.

Тем не менее есть большая проблема, связанная с цветопередачей — трудности с выводом арта на материальные носители. Большинство мониторов работают в цветовой модели RGB с цветовым пространством sRGB, цветовые границы которого не совпадают с таковыми у типичного принтера, работающего в модели CMYK и имеющего собственные ограничения по цветовому охвату. Как результат — некоторые видимые на мониторе цвета не пропечатываются на бумаге, и в то же время весь потенциал принтера по его охвату не задействуется. Для решения данной проблемы используют профессиональные мониторы с цветовым пространством ARGB (Adobe RGB), специально разработанного, чтобы вместить почти все цвета доступные для принтера, а для наибольшего соответствия изображений на мониторе и носителе печати используют цветовые профили. Тем не менее, 100% совпадения достичь не получится, т.к. даже наихудшее пространство sRGB в некоторых областях цветов шире нежели многие CMYK-пространства.

За скобками еще осталась проблема обучения — мало школ и курсов, много личного времени и денег. Но думаю мало какая область может похвастаться мгновенным и легким ее освоением. В общем теперь я знаю что такое CG с некоторыми дополнительными деталями и не пугаюсь этого термина. Мне кажется, несмотря на «теплую и ламповую» ауру традиционной живописи, возможности CG еще только только развиваются и в будущем это направление будет только круче.

10 причин, почему художникам нужно рисовать больше

Большинство маленьких детей любят рисовать. Вы можете сами убедиться в этом «явлении». Зайдите в любой семейный ресторан и обратите внимание, как коробка с мелками и лист бумаги порадуют непоседливых детей.

Итак, почему позже так много начинающих художников и даже опытных художников отказываются от рисования? Основы рисования и живописи одинаковы. Тем не менее, самый важный фактор в рисовании и живописи — это способность видеть.
После внимательного наблюдения художник должен перевести сцену, а затем записать ее на бумаге или холсте. Эта практика упрощается с помощью мелков, маркеров и карандашей, потому что ими легче управлять, чем краской и кистью.
Я сам родился с карандашом в руке. Но с годами я был виноват в ослаблении моих навыков рисования.
Недавно мне напомнили, что художников должны рисовать больше, а не меньше!
Пленэрная живопись и эскиз Лори Макни
Этот момент я повторил, когда писал в штате Мэн с пейзажистом Т.Аллен Лоусон. Лоусон — мастер-художник, который каждую картину начинает с эскиза, а иногда и с детального рисунка.
Выбираете ли вы рисовать, быстро набрасывая сцену перед вами, или методично визуализируете готовую работу на бумаге. Независимо от того, работаете ли вы в студии или занимаетесь пленэром, рисование улучшит ваше искусство.

10 причин, почему художникам стоит больше рисовать:

1. Чтобы научиться видеть.

   

2. Вдохновлять дизайном.

3. Для записи геометрических фигур и узоров композиции

4. Чтобы организовать композицию по 4 или менее значениям для сильного дизайна.

5. Проблему решить и проанализировать. Решить проблемы карандашом проще, чем краской.

6. Чтобы сэкономить время и тратить больше времени на рисование и меньше времени на решение проблем.

7. Чтобы улучшить свое искусство — развивайте более сильные навыки и улучшайте картины.

8. Чтобы помочь составить план выполнения вашей картины.

9. Для обучения художественной ловкости и координации глаз и рук.

10. В помощь вашей памяти. Рисование помогает с кратковременной памятью и идеями, которые в противном случае могли бы быть забыты.

Ниже вы видите набросок и рисунок из личного блокнота Тима Аллена Лоусона, а также заметки, которые помогут ему вернуться в студию. Обратите внимание на дерево в верхнем правом углу эскиза эскиза.Подробный рисунок дерева ниже был сделан, чтобы еще больше помочь Тиму, когда придет время объединить информацию в студийную картину.

И помните… 😉

Карандаш №2 и мечта доставят вас куда угодно. ~ Джойс А. Майерс

Удачного розыгрыша! ~ Lori
* Давайте также встретимся в Twitter , и Google Plus , Pinterest, и присоединяйтесь к веселью на фан-странице Fine Art Tips в Facebook! Пожалуйста, посмотрите и мое искусство, LoriMcNee.com, или найдите меня в Instagram lorimcneeartist.

Adobe Illustrator Draw в App Store

Мы заменяем Adobe Draw двумя новыми приложениями, которые предоставят вам инструменты, возможности и функции, необходимые для создания. Взгляните на Adobe Fresco и Adobe Illustrator для iPad, чтобы узнать, какое приложение подойдет вам лучше всего:
Adobe Fresco — это бесплатное приложение для рисования и рисования с теми же векторными кистями, которые вы любите и используете в Adobe Draw. Ваши проекты Draw будут автоматически перенесены во Fresco при первом входе в систему, поэтому вы можете начать с того места, где остановились, с красивыми векторными, пиксельными и живыми кистями, а также с более продвинутыми инструментами, такими как выделение, неограниченное количество слоев, маскирование, формы и прямая трансляция.Adobe Fresco предоставляется бесплатно, но вы можете заплатить за дополнительное пространство, больше кистей и Photoshop на iPad.
Adobe Illustrator, программа для работы с векторной графикой, использовавшая мои миллионы, была переработана для iPad. Создавайте логотипы, значки, иллюстрации и графику с помощью набора инструментов для дизайна, который включает инструменты для шрифтов, градиентов, построения фигур и точного векторного редактирования. Если вы в настоящее время используете Adobe Illustrator в качестве члена Creative Cloud, за приложение не взимается дополнительная плата.

———————————————— ——————————————

БОЛЬШЕ ХРАНИЛИЩ (опционально в- покупка приложения)
Если вам нужно дополнительное хранилище файлов Creative Cloud, вы можете приобрести дополнительные 20 ГБ за 1 доллар. 99 (долларов США) в месяц. Регулярный платеж автоматически взимается с вашей учетной записи iTunes. Чтобы прекратить обслуживание, просто перейдите в настройки своей учетной записи и отключите автоматическое продление как минимум за 24 часа до окончания расчетного периода. Пропорциональное распределение недоступно — если вы отключите автоматическое продление, обслуживание будет продолжаться до конца расчетного периода этого месяца.

The Fine Print
Вам должно быть 13 лет и вы согласны с условиями и политикой конфиденциальности Adobe, которые можно просмотреть по адресу:
http: //www.adobe.ru / special / misc / terms.html
http://www.adobe.com/privacy/policy-linkfree.html

Не продавать мою информацию: https://www.adobe.com/privacy/ca-rights -linkfree.html

Для использования мобильных приложений и онлайн-сервисов Adobe требуется регистрация бесплатного Adobe ID в рамках бесплатного базового уровня членства в Creative Cloud. Для онлайн-сервисов Adobe требуется подключение к Интернету, они доступны не во всех странах и не на всех языках и могут быть изменены или прекращены без предварительного уведомления.

Если вам нравится Adobe Draw, оставьте, пожалуйста, отзыв. Это действительно помогает!

15 советов по приложению Procreate для начинающих художников на iPad

Procreate быстро стал одним из моих любимых приложений для iPad.

яблоко

Когда я искал новые способы рисования на своем iPad (385 долларов на eBay) в прошлом году, в первые дни карантина от коронавируса, мое внимание привлекло приложение Apple Procreate. То, что начиналось как веселый эксперимент, стало одним из моих любимых приложений, с помощью которых можно рисовать и снимать стресс — теперь я использую его каждый день.

Скачать приложение для цифровых иллюстраций стоит 10 долларов, но его набор инструментов для рисования и творческие функции оправдывают свою цену.

Получите больше от своих технологий

Изучите умные гаджеты и советы и рекомендации по работе в Интернете с помощью информационного бюллетеня CNET How To.

Procreate доступен независимо от того, являетесь ли вы профессионалом в области дизайна, опытным цифровым художником или новичком в мире цифровой иллюстрации. Я использую Procreate несколько месяцев, и я все еще обнаруживаю функции, которые улучшают мои работы.

Это был своего рода культурный шок, начавшийся с цифрового искусства после использования только физических носителей в прошлом.Спустя год я получил хорошие практические знания о программном обеспечении, но в приложении всегда есть чему поучиться. Я до сих пор использую iPad Air третьего поколения и Apple Pencil первого поколения. Procreate также поддерживает определенные модели стилусов от TenOneDesign, Adonit и Wacom.

Подробнее: Обзор приложения Procreate: станьте художником на iPad с этим приложением за 10 долларов

Независимо от вашего художественного стиля, вы можете изучить приложение и опробовать все его функции. Вот 15 советов, которые я нашел наиболее полезными за время работы с Procreate, чтобы работать умнее, а не усерднее:

Элементы управления жестами

Вот как будет выглядеть панель управления жестами.

Шелби Браун / CNET IPadOS

позволяет использовать в Procreate элементы управления жестами, которые могут сделать ваш творческий процесс более эффективным и персонализировать приложение для вас. Вы можете изучить все параметры настройки, нажав на значок гаечного ключа > Настройки> Управление жестами. Например, вы можете настроить его так, чтобы вы касались четырьмя пальцами, чтобы сразу заполнить параметры копирования и вставки. Вы также можете использовать три пальца, чтобы очистить экран и очистить слой.

Подробнее: Лучшие приложения для Apple iPad всех времен

Quickshape

Круги, до и после Quickshape.

Шелби Браун / CNET

Функция Quickshape помогает избавить вашу рисованную работу от нежелательных шатких линий и кривых форм. После того, как Quickshape «исправит» ваши линии, вы можете удерживать, чтобы отрегулировать форму и размер.Чтобы найти Quickshape, коснитесь значка гаечного ключа > Настройки> Управление жестами> Quickshape . По умолчанию для этой функции установлено «рисовать и удерживать», но вы можете настроить параметры в соответствии со своими потребностями.

Layers

Взгляните на панель слоев Procreate.

Шелби Браун / CNET

Использование слоев — это еще один способ повысить профессионализм вашего рисунка и упростить редактирование вашей работы позже, если это необходимо, поскольку вы будете записывать рисунок по частям. Чтобы начать добавлять слои к своей работе, коснитесь перекрывающихся квадратов в правом верхнем углу. Нажмите «+», чтобы добавить слой. Вы также можете провести по слою, чтобы получить доступ к дополнительным функциям, таким как удаление, блокировка и дублирование.

Вы также можете найти дополнительные функции редактирования света и цвета для каждого слоя. Просто коснитесь маленькой буквы «N» рядом с галочкой, которая выбирает слой.

Опции редактирования внутри слоя.

Шелби Браун / CNET

Чтобы оставаться организованным или если вам нужен дополнительный уровень безопасности для раздела искусства, вы можете объединять слои в группы.Просто коснитесь слоя, и вы можете выбрать «Объединить вниз» или «Объединить вниз». Merge Down объединяет два слоя в один (то есть, если вы включили Alpha Lock для защиты границ линий в слое, он отключится). Объединить вниз образует новую группу, но все еще сохраняет спецификации каждого отдельного слоя активными.

Слои 1, 2 и 3 объединены, уровни 4 объединены, а уровни 1-4 являются группой.

Шелби Браун / CNET

Подробнее: 5 онлайн-классов рисования, которые вы можете использовать прямо сейчас

Альфа-блокировки

Функция Alpha Lock позволяет редактировать слой, но только уже имеющиеся пиксели, чтобы сохранить то, что вы рисуете, в определенных границах.Вы можете узнать, когда включен Alpha Lock, по шахматной доске, которая появляется рядом с миниатюрой. Например, я использовал Alpha Lock на слоях 2, 3 и 4.

Alpha Lock включен на уровнях 2, 3 и 4.

Шелби Браун / CNET

Обтравочные маски

Между тем, обтравочные маски работают как малярная лента. Я считаю это полезным при использовании режима наложения. Создайте свою форму на слое, а затем добавьте новый слой. Коснитесь самого нового слоя и выберите Clipping Mask — вы узнаете, что это сработало, потому что вы увидите маленькую стрелку, указывающую на слой ниже. Например, слой 7 представлял собой обтравочную маску для перехода к кругу в слое 6.

Обтравочная маска на слое 7.

Шелби Браун / CNET

Создание цветовых палитр

В зависимости от вашего художественного стиля поддержание согласованности цветов может улучшить конечный продукт.Коснитесь цветного кружка в правом верхнем углу приложения, чтобы открыть панель цветного диска. Если вы хотите, вместо диска вы можете настроить и использовать классический градиент или получить техническую информацию с помощью ползунков, которые управляют значением цвета.

Посмотрите на цветной диск и цвета, добавленные в новую палитру.

Шелби Браун / CNET

Procreate имеет три готовые палитры, которые вы можете установить по умолчанию, или вы также можете добавить свою собственную цветовую палитру несколькими способами. Чтобы вручную создать цветовую палитру, коснитесь «+» в правом верхнем углу рядом с «Палитрами». Это создаст новую пустую палитру, которая будет доступна, когда вы вернетесь к панели цветов.

Чтобы добавить цвета в палитру, просто выберите нужный цвет и коснитесь поля палитры, чтобы сохранить его. Если вы передумали, нажмите и удерживайте цвет, чтобы удалить его из палитры. Если вы вернетесь на вкладку палитр, вы можете присвоить ей имя или удалить палитру, если она вам больше не нужна.

При нажатии «+» вы также можете выбрать «Создать из камеры», «Создать из файла» или «Создать из фотографий».«Новое из камеры» открывает камеру вашего iPad и позволяет захватывать цветовую палитру, делая снимок. Вы также можете использовать «Создать из файла» или «Создать из фотографий», чтобы использовать предварительно созданную палитру от другого художника или создать палитру из эталонной фотографии.

Инструмент «Пипетка»

Одна из моих любимых частей Procreate — это то, насколько вы можете настраивать цвета, которые вы используете, и с такой детализацией. С помощью инструмента «Пипетка» (который также можно настроить в элементах управления жестами) вы можете удерживать цвет, чтобы подобрать его, или удерживать, перетаскивать и масштабировать, чтобы получить более подробную информацию об использовании цвета.

Этот инструмент также полезен, когда вы пытаетесь добиться более гладкого смешивания.

ColorDrop

Функция Procreate ColorDrop действует так же, как заливка ведра в Microsoft Paint. Чтобы использовать ColorDrop, выберите нужный цвет из своей палитры, а затем нажмите и удерживайте цветной круг в правом верхнем углу. Перетащите цвет в нужное место на холсте и отпустите. Цвет либо заполнит весь холст, либо обойдет фигуры, которые вы уже разместили.

Иногда, если вы используете ColorDrop, вы можете заметить, что он «разливается» по всему холсту.Мне больше повезло с управлением цветом, если я использовал Quickshape, но вы также можете продолжать удерживать и перетаскивать влево или вправо, чтобы настроить порог ColorDrop.

Смешивание

Использование режима наложения на обтравочной маске слоя 7.

Шелби Браун / CNET

Увеличение пикселей и попытки захватить цвета, чтобы что-то выглядело более плавным, отнимает много времени и утомляет. Инструмент смешивания Procreate и Gaussian Blur избавили меня от многих проблем.

Инструмент наложения живет между значками кисти и ластика в правом верхнем углу (он выглядит как палец, указывающий по диагонали). Когда вы касаетесь инструмента смешивания, вы можете выбрать одну из множества разных кистей, чтобы сохранить согласованность с кистью, которой вы рисовали изначально. Размер кисти и непрозрачность регулируются с левой стороны.

Размытие по Гауссу требует еще меньше работы. Когда у вас есть рисунок, который вы хотите размыть, коснитесь значка в виде волшебной палочки в верхнем левом углу и выберите «Размытие по Гауссу».Вы можете выбрать управление интенсивностью размытия на всем слое (проведите карандашом вперед и назад по экрану, чтобы увеличить или уменьшить размытие) или выбрать более подробный подход, выбрав Карандаш (например, более сфокусированный подход, похожий на инструмент наложения ).

Инструменты настройки

Параметры редактирования «Сжатие» на вкладке «Коррекция».

Шелби Браун / CNET

Рядом со значком гаечного ключа находится маленький значок волшебной палочки.Если вы коснетесь этого, вы увидите (сюрприз!) Больше инструментов для редактирования. Вы можете поэкспериментировать с такими инструментами, как размытие (которое может создать некоторые классные иллюзии глубины), непрозрачность и шум (которые могут сделать вашу работу менее зернистой). Одним из моих любимых инструментов был инструмент «Пластика». Liquify позволяет выталкивать, тянуть, крутить и крутить линии.

Brush Studio

Откройте Brush Studio, нажав второй раз кисть в библиотеке. Вы найдете десятки различных способов настроить кисть или создать совершенно новую кисть.Здесь много всего происходит (еще раз, сюрприз!), И я бы рекомендовал, чтобы все было просто, особенно если вы не планируете создавать свои собственные кисти. Не стесняйтесь экспериментировать; Окно панели рисования показывает вам, как именно будет выглядеть мазок кисти с внесенными вами изменениями. Просто нажмите «Отмена», и ничего не будет сохранено.

Stroke Path — хорошее место, чтобы окунуть пальцы ног в Brush Studio. Путь обводки — который позволяет вам настроить мазок — включает интервал, обтекаемость, дрожание и уменьшение.Каждое свойство можно настроить с помощью ползунка, и вы можете увидеть, как кисть будет выглядеть на панели рисования.

Регулировка интервала изменяет, насколько гладким (меньший интервал) или неровным (больший интервал, который фактически может создать штамп) будет ваш штрих. Streamline также контролирует плавность хода. Если вы заинтересованы в использовании каллиграфии или рукописного ввода в своем искусстве, увеличение Streamline может устранить небольшие встряски, которые могут сделать линии несовершенными.

С другой стороны, увеличение джиттера делает мазок кистью более резким.Наконец, Fall Off играет с непрозрачностью штриха, заставляя конец штриха блекнуть. Чем больше Fall Off, тем короче будет ваш ход до того, как «чернила» закончатся.

Импорт кистей

Вероятно, существует бесконечное количество комбинаций кистей, которые вы можете использовать для создания — даже не настраивая их в Brush Studio. Но у многих талантливых дизайнеров есть готовые наборы кистей, которые вы можете скачать в Интернете. Я неравнодушен к импорту наборов кистей с Creative Market, но иногда художники продают наборы на своих сайтах.Пакеты могут стоить несколько долларов или быть довольно дорогими, но большинство веб-сайтов позволяют фильтровать по цене.

Пакеты могут быть настолько широкими или нишевыми, насколько вы можете себе представить — базовые наброски, текстура меха, блеск, ризограф, текстура ткани, пунктирная линия и многое другое.

Текст

Вы можете добавить текст в свой фрагмент всего несколькими нажатиями. Выберите значок гаечного ключа и нажмите Добавить Текст . На вашем холсте появится текстовое поле вместе с клавиатурой iPad, где вы можете ввести то, что хотите.Чтобы отредактировать текст — дважды коснитесь текста, чтобы выделить все — и коснитесь Aa в правом верхнем углу клавиатуры. При нажатии Aa откроется набор для редактирования текста, в котором вы можете изменить шрифт, стиль, размер, кернинг текста и многое другое.

Руководства по рисованию и справочные фотографии

Независимо от вашего художественного уровня, всегда приветствуются небольшие советы. Один из способов сделать это — включить Drawing Guides . Просто коснитесь значка гаечного ключа , переключите на Drawing Guide , и на холсте появится сетка.Вы можете внести изменения, коснувшись «Редактировать руководство по рисованию», которое предлагает четыре различных режима:

• 2D-сетка : эта квадратная сетка появляется автоматически при включении «Руководства по рисованию».
• Изометрия : кубическая сетка, удобная для рисования в разрезе комнат и зданий.

Как в 2D, так и в изометрической сетке есть ползунки для настройки непрозрачности, толщины линии и размера сетки. Ты. также можно включить Assisted Drawing , который позволяет рисовать только прямые линии — вроде Quickshape для кругов.

• Перспектива : Создайте до трех точек схода, которые могут помочь, когда вы пытаетесь добиться глубины в детали. Вы также можете включить вспомогательное рисование, чтобы рисовать прямые линии.
• Симметрия : разделяет холст по вертикали, горизонтали, квадрантам или радиально. Вы можете создать несколько классных работ, включив функцию «Вспомогательное рисование». Радиальная симметрия с включенным вспомогательным рисованием позволяет создавать дизайны мандалы.

Если вы рисуете по ссылке, вы можете сохранить изображение в отдельном окне.Коснитесь значка гаечного ключа и выберите Артикул . Вы можете ссылаться на сам холст, импортировать изображение из библиотеки фотографий iPad или выбрать «Лицо», чтобы открыть переднюю камеру iPad для автопортретов. Вы можете оставить камеру открытой (например, если вы работали перед зеркалом) или нажать «Параметры», чтобы сделать снимок.

Удачи!

В Procreate работает лотов , и это может показаться ошеломляющим, но чем больше вы используете приложение, тем легче это становится.Развлечение — самая важная часть. Если вы слишком переживаете из-за того, что не получили «правильное» произведение, сделайте перерыв и просто порисуйте. Загружать пустые раскраски на холст и экспериментировать с инструментами — это весело (и с меньшим давлением). Есть десятки способов настроить Procreate, чтобы помочь вам раскрыть или улучшить свой художественный стиль.

Чтобы узнать больше о рисовании, просмотрите 5 онлайн-классов рисования, которые вы можете пройти прямо сейчас, а для быстрой справки в приложении ознакомьтесь с официальным руководством Procreate.

Рисунок | Введение в концепции искусства

Введение

Рисование — это самый простой и эффективный способ передачи визуальных идей, и на протяжении веков уголь, мел, графит и бумага были достаточными инструментами для создания некоторых из самых глубоких образов в искусстве. В картине Леонардо да Винчи «Мадонна с младенцем, святой Анной и Иоанном Крестителем » все четыре фигуры объединены в портрет, который по сути является расширенным семейным портретом.Да Винчи рисует фигуры в потрясающе реалистичном стиле, который подчеркивает индивидуальность и окружает фигуры грандиозным незавершенным пейзажем. Он оживляет сцену с младенцем Христом, вытягивающимся вперед, пытаясь освободиться от хватки Марии, чтобы приблизиться к юному Иоанну Крестителю справа, который сам поворачивается к младенцу Христу с любопытным взглядом на своего младшего кузена. .

Традиционная роль рисунка заключалась в создании эскизов для более крупных композиций, которые можно было бы проявить в виде картин, скульптуры или даже архитектуры.Из-за своей относительной непосредственности эта функция рисования продолжается и сегодня. Предварительный эскиз современного архитектора Фрэнка Гери запечатлел сложные органические формы строений, которые он проектирует. Рисунок также используется для того, чтобы легко задокументировать то, что художник видит, помнит или воображает. И рисунок, конечно, часто используется для создания самостоятельных готовых произведений искусства.

Типы носителей для рисования

Dry Media включает уголь, графит, мел и пастель.Каждая из этих сред дает художнику широкий спектр возможностей и эффектов для создания знаков, от тонких линий до больших областей цвета и тона. Художник может манипулировать рисунком для достижения желаемых эффектов разными способами, в том числе оказывать различное давление на материал на поверхность рисунка или стирать, растирать или стирать. Различные цвета и текстуры бумаги могут еще больше расширить визуальные возможности художника.

Этот процесс рисования может мгновенно передать ощущение характера изображению.От энергичного до тонкого, эти качества проявляются в самых простых работах: непосредственный и чистый дух идеи художника. Вы можете увидеть это на автопортретах двух немецких художников; Кэте Кольвиц и Эрнст Людвиг Кирхнер. Раненый во время Первой мировой войны, его автопортрет под воздействием морфина примерно 1916 года представляет нам кошмарное видение самого себя, окутанного туманом опиатных наркотиков. Его впалые глаза и графическая дисфункция отметок свидетельствуют о силе его рисунка.

Эрнст Людвиг Кирхнер, Автопортрет под воздействием морфия, около 1916 года. Бумага, тушь. Под лицензией Creative Commons.

Графитовый материал включает карандаши, порошок или прессованные палочки. Каждый из них создает диапазон значений в зависимости от твердости или мягкости материала. Оттенки твердого графита варьируются от светлого до темно-серого, а более мягкий графит — от светло-серого до почти черного. Картина «Стоящая обнаженная с драпировкой » французского скульптора Гастона Лашеза — это карандашный рисунок, который всего за несколько штрихов фиксирует энергию и ощущение движения фигуры на бумаге.И современные крупномасштабные рисунки Стивена Таласника графитом с их спиралевидными органическими формами и архитектурными структурами свидетельствуют о силе карандаша (и ластика) на бумаге.

Гастон Лачиаз, «Стоящая обнаженная в драпировке», 1891. Бумага, графит, тушь. Академия искусств Гонолулу. Под лицензией Creative Commons.

Древесный уголь , возможно, самая старая форма носителя для рисования, изготавливается путем простого обугливания деревянных палочек или небольших веток, он называется древесным углем лоза , но также доступен в механически сжатой форме .Древесный уголь бывает трех плотностей: мягкой, средней и твердой, при этом обработка каждого из них немного отличается от другой. Мягкие угли придают рисунку более бархатистый вид. Художнику не нужно прилагать столько усилий к палке, чтобы получить твердую отметку. Твердый уголь из виноградной лозы обеспечивает больший контроль, но обычно не дает самых темных тонов. Спрессованный уголь дает более глубокий черный цвет, чем уголь из виноградной лозы, но с ним труднее работать, когда он наносится на бумагу.

Слева: угольные палочки.Справа: сжатые угольные квадраты. Примеры Vine Charcoal, через Wikipedia Commons. Под лицензией Creative Commons.

Рисунки углем могут варьироваться по стоимости от светло-серых до насыщенных, бархатистых черных. Рисунок углем американской художницы Джорджии О’Киф — хороший тому пример.

Пастели — это по сути цветные мелки, обычно спрессованные в форму карандашей для удобства использования. Для них характерны мягкие, легкие изменения тона или цвета. Пастельные пигменты обеспечивают резонансное качество, которое труднее получить с графитом или древесным углем.Портрет матери художника Пикассо 1896 года подчеркивает эти качества.

Пастель, цифровое изображение лицензировано Creative Commons.

Более поздние разработки в области сухих материалов — это масляная пастель , пигмент, смешанный с органическим масляным связующим, который обеспечивает более плотную маркировку и дает более графические и яркие результаты. Рисунки Беверли Бьюкенен отражают это. Ее работы прославляют сельскую жизнь юга, сосредоточенную в формах старых домов и лачуг.Здания вызывают воспоминания и создают ощущение места и обычно окружены людьми, цветами и яркими пейзажами. Она также создает скульптуры лачуг, придавая им индивидуальность за пределами их физического присутствия.

Мокрая среда

Чернила: Влажные носители для рисования традиционно относятся к чернилам, но на самом деле включают любые вещества, которые можно растворить и нанести на поверхность рисунка. Поскольку с влажной средой манипулируют так же, как с краской — за счет разбавления и использования кисти — она ​​стирает границу между рисунком и рисунком.Чернила можно наносить палочкой для получения линейных эффектов и кистью для покрытия тоном больших участков. Его также можно разбавить водой для создания оттенков серого. «Возвращение блудного сына» Рембрандта демонстрирует выразительное использование коричневых чернил как в качестве линий, так и в больших заштрихованных областях, которые создают иллюзию света и тени.

Фломастеры считаются одной из форм влажной среды. Чернила пропитываются фетровыми полосками внутри ручки, а затем попадают на бумагу или другую основу через наконечник.Чернила быстро сохнут, оставляя стойкий след. Цветные маркерные рисунки Доннабель Касис имеют плавный, органичный характер. Абстрактное качество предмета подразумевает части тела и внутренние органы.

К носителям для рисования можно добавлять другие жидкости для улучшения эффектов или создания новых. Художник Джим Дайн брызнул содой на рисунки, выполненные углем, чтобы поверхность стала пузыриться. В результате получается визуальная текстура, непохожая на все, что он мог бы создать с помощью одного лишь угля, хотя его работа известна своими сильными манипуляциями.В рисунках Дайна часто используются как сухие, так и жидкие материалы. Его тема включает животных, растения, фигурки и инструменты, которые часто собираются вместе в плотных, мрачно-романтических образах.

В традиционной китайской живописи используются чернила и пигменты на водной основе. Фактически, это одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Нарисованные на бумажной или шелковой подложке предметы включают пейзажи, животных, фигуры и каллиграфию , форму искусства, в которой буквы и шрифт используются в плавных лирических жестах.

Ниже представлены два примера традиционной китайской живописи. Первый, настенный свиток, написанный Ма Линем в 1246 году, демонстрирует, насколько искусно художник использует чернила в выразительной форме для обозначения фигур, одежд и элементов ландшафта, особенно сильных, узловатых форм сосен. В работе есть чуткость и смелость. Второй пример — начальная деталь копии «Предисловия к стихотворениям, сочиненным в павильоне орхидей», сделанной до XIII века. Используя тушь и кисть, художник превращает язык в искусство с помощью четких жестов и знаков персонажей.

Ма Линь, настенный свиток, тушь на шелке. 1246 Используется под лицензией GNU Free Documentation License

Вступительная деталь экземпляра Предисловия к стихотворениям, сочиненным в павильоне орхидей. До тринадцатого века. Ручной свиток, бумага, тушь. Дворцовый музей, Пекин. Лицензировано Creative Commons.

Рисунок — это самостоятельная форма искусства, а также основа для других двухмерных и трехмерных произведений искусства, даже если они объединены с цифровыми носителями, что расширяет представление о его формальном выражении.Искусство Мэтью Ричи начинается с небольших абстрактных рисунков. Он в цифровом виде сканирует и проецирует их в больших масштабах, занимая целые стены. Ричи также использует сканирование для создания больших и тонких трехмерных шаблонов для создания скульптур из оригинальных рисунков.

Что такое рисунок? — Музей Виктории и Альберта

Термин «рисунок» применяется к работам, сильно различающимся по технике. В разное время это понимали по-разному, и дать определение трудно.В эпоху Возрождения термин «дизайн» подразумевал рисунок как прием, который нужно отличать от окраски, так и как творческую идею, видимую в предварительном эскизе.

Краткий Оксфордский словарь определяет рисунок как:

‘образование линии путем рисования некоторого инструмента для трассировки от точки к точке поверхности; представление линиями; очертание в отличие от живописи … расположение линий, определяющих форму ».

Несмотря на это настойчивое требование формирования линий и подразумеваемое отсутствие цвета, мало кто будет отрицать, что работа, образованная точками или штриховкой или полностью построенная по линиям, но в диапазоне цветов, является рисунком.

Следующие рисунки, выполненные разными способами, были выбраны, чтобы помочь определить, а также расширить границы того, что такое рисунок. Они различаются в зависимости от используемого материала, который включает металлическую иглу, графит, уголь, чернила и мел. Некоторые соответствуют строгому словарному определению рисунка, другие — нет.

---

Зачем рисовать?

Есть много разных причин, по которым люди рисуют:

• , чтобы визуализировать мысль и что-то придумать,

• , чтобы создать шаблон, которому нужно следовать, или дать инструкции, как сделать что-то

• , чтобы помочь клиентам визуализировать то, что предлагается

• доставлять удовольствие как самоцель

---

Этюд из мультфильма Пизы Микеланджело, Италия, около 1495-1563 гг.Ручка и стирка. Музей № DYCE.163. Завещан преподобным Александром Дайсом.

Говоря о рисовании

Многие творческие люди подчеркивали важность рисования для своей работы в других медиа. Эти цитаты дают представление о функции и важности рисования в их жизни. Они датируются периодом с 15 века до наших дней и демонстрируют непреходящую важность рисунка.

Ченнино Ченнини (ок. 1370 — 1440)

«Во-первых, вы должны изучать рисование не менее одного года; тогда вы должны оставаться с мастером в мастерской не менее шести лет, чтобы вы могли изучить все части и элементы искусства…. рисование без антракта в праздничные и рабочие дни ».

Леонардо да Винчи (1452 — 1519)

«Юноша должен сначала изучить перспективу, а затем пропорции предметов. Затем скопируйте работу за руку хорошего мастера, чтобы выработать привычку хорошо рисовать части тела; а затем работать с натуры, чтобы подтвердить извлеченные уроки ».

Микеланджело (1475 — 1564)

«Пусть тот, кто достиг такого многого, чтобы иметь силу рисования, знает, что у него великое сокровище.’

Тициан (ок. 1487/1490 — 1576)

«Не яркие цвета, а хороший рисунок делает фигуры красивыми».

Джорджо Вазари (1511–1574)

«В то время человека не считали хорошим ювелиром, если он не умел хорошо рисовать».

Тинторетто (1518–1594)

«Красивые цвета можно купить в магазинах на Риатло, но хороший рисунок можно купить только из шкатулки таланта художника при терпеливой учебе и ночах без сна.’

Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780 — 1867)

«Рисунок — это честность искусства. Рисовать — не значит просто воспроизводить контуры; рисунок — это не просто линия: рисунок — это еще и выражение, внутренняя форма, плоскость, моделирование. Посмотри, что останется после этого ».

Джон Раскин (1819 — 1900)

«Искусство рисования, которое имеет более важное значение для человечества, чем искусство письма … должно обучаться каждому ребенку так же, как и письму».

Камиль Писсарро (1831–1903)

«Только часто рисуя, рисуя все подряд, постоянно рисуя, в один прекрасный день вы к своему удивлению обнаруживаете, что передали что-то в его истинном характере.’

Поль Сезанн (1839 — 1906)

‘ Рисунок и цвет вообще не разделены; поскольку вы рисуете, вы рисуете. Чем больше гармонирует цвет, тем точнее становится рисунок ».

Огюст Роден (1840-1917)

«Что рисует? Ни разу, описывая форму массы, я не отводил взгляд от модели. Почему? Потому что я хотел быть уверенным, что ничто не ускользнет от моего понимания… Моя цель — проверить, насколько мои руки уже чувствуют то, что видят мои глаза.’

Генри Тонкс (1862 — 1937)

«Италия почти до конца 16 века всегда будет лучшей школой для всех, кто хочет узнать, что может объяснить рисунок … мы записываем форму, ее важность невозможно переоценить. Школа живописи, в которой рисунок не преподается и рисунок не связан с живописью, не заслуживает названия школы. Когда ученик начинает рисовать, он скоро почувствует отношение рисунка к рисованию.’

Василий Кандинский (1866-1944)

‘ Обучение рисованию — это обучение восприятию, точному наблюдению и точному представлению не внешнего вида объекта, а его конструктивных элементов, его законных сил-напряжений, которые могут быть обнаруженным в данных объектах и ​​в логических структурах одного и того же образования в направлении ясного наблюдения и ясного воспроизведения контекстов, посредством чего поверхностные явления являются вводным шагом к трехмерному.’

Анри Матисс (1869 — 1954)

«Рисование — это как выразительный жест с преимуществом постоянства».

Спенсер Фредерик Гор (1878–1914)

«Рисуя, человек расширил свою способность видеть и понимать то, что он видит».

Пауль Клее (1879-1940)

«В конечном итоге рисунок просто больше не является рисунком, каким бы самодостаточным он ни был. Это символ, и чем глубже воображаемые линии проекции соответствуют высшим измерениям, тем лучше.’

Пабло Пикассо (1881 — 1973)

«Рисование — это своего рода гипноз: человек так смотрит на модель, что подходит и садится на бумагу».

Андре Л’От (1885 — 1962)

«Рисовать можно только рисованием, ведь рисование — это способ заранее зарезервировать место для цвета».

Алек Иссигонис (1906 — 1988)

«Мои наброски и наброски — не работа академического инженера. Они представляют собой результат многолетних исследований в области дизайна в попытках создать лучшее соотношение цены и качества в области дизайна небольших автомобилей.’

Джим Дайн (1935 г.р.)

«Рисование делает изобретение более доступным для меня. Быстрее. Немедленный. Я начинаю рисовать и придумывать. Я всегда разрушаю статус-кво рисунка. Думаю, можно сказать, что я практикую свою собственную форму воровства. Я саботирую реальность, иначе это все равно, что целоваться без языка. Я даже гамбургер не могу приготовить, не повозившись с ним … Раньше часто я все складывала реалистично, но теперь терпения на реализм у меня меньше, сердце переполнено.Мне нужно выпустить больше эмоций. Я хочу больше эмоций, а это мешает реалистичности. Я хочу сократить реализм. Теперь я запускаю много хлопушек и записываю множество идей, как если бы я строил из идей. Вещи приближаются. Что-то приближается, и у меня нет возможности говорить о том, что это такое, но появляются вещи, которые обычно не развиваются рядом друг с другом. Изображение физической энергии на бумаге и нарушение ее поверхности — еще один способ оживить рисунок.’

Дэвид Хокни (1937 г.р.)

‘ Во время координации (в сотрудничестве с Алленом Джонсом) выставки Королевской академии 2004 года, на которой особое внимание уделялось рисованию: «последние 30 лет рисованию не уделяли должного внимания. в художественном образовании … Это было основано на идее, что фотографии будет достаточно для взгляда на мир … люди теперь знают, что фотография может быть обработана цифровым способом и больше не может отражать реальность … Пора нам взглянуть на то, как создаются изображения , чтобы придать большее значение чертежам и черчению… практически все оживает на чертежной доске.’

Ева Йирикна (1939 г.р.)

«Я все время рисую, меня окружает бесконечное количество блокнотов формата А3 и А4. Я постоянно пытаюсь разрешить проблемы и детали. Мне необходимо знать, как выглядит деталь — как сочетаются материалы, как она работает в трехмерном пространстве. Если я рисую для себя, я это понимаю. Если я попытаюсь это представить, это слишком прихотливо. Наброски — это инструмент, продолжение человеческого мозга ».

Грейсон Перри (1960 г.р.)

«Пока мы не сможем вставить USB-накопитель в ухо и загрузить свои мысли, рисование остается лучшим способом переноса визуальной информации на страницу.Я рисую как коллажист, сопоставляя изображения и стили маркировки из многих источников. Мир, который я рисую, — это внутренний ландшафт моих личных увлечений и культур, которые я впитал и адаптировал, от латышского народного искусства до японских экранов. Я лассирую мысли ручкой. Рисую деревянную церковь или кто-то из Hello! Журнал не потому, что я хочу воспроизвести то, как они выглядят, а из-за значения, которое они привносят в работу ».

Александр Маккуин (1969 — 2010)

«Мне было буквально 3 года, когда я начал рисовать.Я делал это всю свою жизнь, в начальной и средней школе, всю свою жизнь. Я всегда хотел быть дизайнером. Книги о моде читаю с двенадцати лет. Я следил за карьерой дизайнера. Я знал, что Джорджио Армани был мастером на окнах, а Эмануэль Унгаро — портным ».

10 причин, по которым у людей, которые любят рисовать, больше шансов на успех

Если вы чувствуете, что у вас недостаточно времени, чтобы делать все, что вы хотите, возможно, пришло время проверить свои навыки управления временем.

Никто не рожден для того, чтобы хорошо управлять своим временем, так что ничего страшного, если вы думаете, что у вас это плохо получается. Но каждый может научиться повышать свою продуктивность и добиваться большего!

Вот 50 способов повысить продуктивность и увеличить продолжительность рабочего дня.

1. Установите таймер

Оцените время, необходимое вам для решения различных задач, и установите таймер для каждой из ваших задач. Как вы это сделаете, зависит от вас, есть много разных способов. Есть техника Помидора, когда вы сосредотачиваетесь на задаче в течение 25 минут, а затем делаете пятиминутный перерыв.

Если у вас есть задача, которая займет намного больше времени, вы можете рассмотреть одно из множества приложений на основе таймера. На ум приходит Clockify. Его используют как фрилансеры, так и предприниматели, однако это хороший способ установить таймер. Он предоставляет отчеты, и вы также можете выступать в качестве своего рода менеджера проекта. Лучше всего то, что это бесплатно.

2. Устранение всех отвлекающих факторов

Отвлекающие факторы включают телефон, уведомления по электронной почте и открытие нескольких веб-браузеров на рабочем столе.Так же, как важно быть организованным офлайн, важно также организовать работу онлайн. Это бесплатное руководство «Избавьтесь от отвлекающих факторов и найдите свое внимание» — хороший инструмент, который вам поможет. Из этого руководства вы узнаете, как избавиться от отвлекающих факторов и повысить продуктивность. Возьмите бесплатный путеводитель здесь.

Вы также можете узнать больше о том, как избавиться от всех отвлекающих факторов, в этом руководстве: Как сфокусировать и максимизировать свою продуктивность (Полное руководство)

3. Слушайте музыку, которая повышает производительность

Следует избегать отвлекающих факторов, но иногда немного музыки в фоновом режиме поможет вам сосредоточиться.

Конечно, это не обязательно должна быть тяжелая рок-музыка, но немного Бетховена может вам помочь.

Вот полное руководство, которое поможет вам выбрать правильную музыку для повышения продуктивности: Как максимизировать вашу продуктивность с помощью музыки: полное руководство

4. Найдите смысл в том, что вы делаете (и любите то, что вы делаете)

Наслаждайтесь тем, что вы делаете do — лучший способ повысить вашу продуктивность.

Если вы еще не уверены, что вам нравится делать, не волнуйтесь. У Льва Бабауты есть несколько уникальных способов помочь вам: Как найти свою страсть

5.Расставьте приоритеты для ваших задач заранее.

Перечислив задачи в порядке важности, вы можете быть уверены, что выполнили все свои самые важные задачи в течение дня.

Изучите уникальную технику, позволяющую расставить приоритеты за 10 минут и работать в 10 раз быстрее.

6. Объедините похожие задачи в один пакет.

Такие задачи, как написание блога, телефонные звонки, электронная почта и поручения, можно сгруппировать в один пакет. Вы сэкономите время, выполняя похожие задачи за одно занятие. Один из способов помочь вам в организации всего этого — приложение Todoist.Это простой и легкий способ распланировать свой день, установить напоминания и сгруппировать все свои самые важные задачи в удобном месте.

7. Выполняйте свои самые ужасные задачи в первую очередь с утра.

Какое бы действие вы ни боялись больше всего, вам, вероятно, нужно выполнить первое дело утром.

Многие люди склонны проверять электронную почту утром, потому что после проверки списка писем они чувствуют себя удовлетворенными. Но это всего лишь иллюзия того, что мы достигли большего.

Выполнение простых задач, таких как проверка электронной почты в первую очередь утром, плохо для вас. Вместо этого выполняйте сложные задачи, потому что утром у вас будет больше энергии для их выполнения!

8. Вознаграждайте себя за выполнение большого задания

Чтобы сохранять мотивацию в том, что вы делаете, время от времени награждайте себя.

Следите за своими маленькими победами и вехами и празднуйте их. Так что всякий раз, когда вы боретесь за свой прогресс, вы видите, как далеко вы продвинулись!

Узнайте больше об этом двухэтапном подходе к самомотивации: отслеживайте небольшие победы и вознаграждайте себя.

9. Не выполняйте многозадачность

Исследования показали, что многозадачность непродуктивна. Если вы думаете, что можете выполнять несколько задач одновременно, подумайте еще раз.

Для оптимальной производительности сосредотачивайтесь на чем-то одном.

10. Отойдите от компьютера

Интернет стал одним из отвлекающих факторов номер один. Чтобы повысить свою продуктивность, старайтесь как можно больше выполнять свою работу в автономном режиме.

Я делаю это часто, когда пытаюсь придумывать новые идеи и считаю очень полезным просто отключиться от сети.

11. Используйте инструменты для фокусировки

Используйте приложения и технологии, которые помогут вам избавиться от отвлекающих факторов.

Вот 18 лучших приложений и инструментов для управления временем, которые помогут вам сосредоточиться. Таким образом, вы не будете отвлекаться на Интернет, электронную почту или мгновенные сообщения.

Кроме того, присоединяйтесь к бесплатному уроку Fast-Track — Преодоление отвлекающих факторов , и вы изучите один простой метод работы, даже если вас окружают отвлекающие факторы. Присоединяйтесь к бесплатному сеансу прямо сейчас!

12. Just Start

Часто запуск — самая сложная часть.Люди склонны ждать идеального момента, чтобы начать работу в идеальном состоянии. Но идеального состояния не бывает.

Как только вы начнете, вы быстро войдете в ритм, который может длиться часами.

13. Определите свое продуктивное время

У каждого есть определенное время дня, когда он более продуктивен, чем другие. Для меня это утро.

Узнайте, когда у вас лучшее время для продуктивности, и соответствующим образом оптимизируйте свой рабочий график.

14.Всегда держите под рукой блокнот и ручку

Таким образом, вы можете записывать свои мысли, задачи и идеи в любое время. Главное — выбросить все из головы на бумагу. Ваше подсознание не будет напоминать вам об этом каждую секунду. Еще одно соображение — приобрести приложение Evernote. Это не только экономит ваши чернила и бумагу, Evernote — удобное место, где вы можете записывать заметки и мысли, а затем делиться ими с командой. В определенных обстоятельствах это может оказаться полезным, если вы относитесь к тому типу людей, у которых есть много идей, которыми вы хотите поделиться.

15. Напишите блог, чтобы вести хронику своего личного развития и достижений

Блог держит вас подотчетным и постоянно работает над самосовершенствованием и личностным ростом.

Когда вы записываете все свои небольшие достижения, у вас также появляется больше мотивации двигаться вперед.

И знаете что, именно так я и запустил Lifehack! В запуске Lifehack мне также помог WordPress, который позволяет людям бесплатно создавать веб-сайты. WordPress значительно упростил процесс создания сайта до такой степени, что практически любой может создать сайт сейчас.

16. Записывайте список дел на каждый день

Мне нравится планировать свой день накануне вечером. Таким образом, я могу приступить к своим самым важным делам, как только проснусь. Full Life Planner — отличный инструмент, который поможет вам организовать свои дни и выполнить важные дела. Ознакомьтесь с планировщиком здесь и начните легко планировать свой день вперед!

Убедитесь, что вы не допускаете ни одной из этих распространенных ошибок при составлении списка дел!

17. Напишите свои самые важные задачи и дела в календаре.

Ключ к правильному управлению временем — это знать, где быть и чем заниматься в любой момент времени. Эффективное управление календарем идет рука об руку с хорошим управлением списком задач.

Узнайте здесь Как использовать календарь для создания времени и пространства .

18. Постоянно размышляйте о своей продуктивности

В течение дня постоянно спрашивайте себя:

«Я использую свое время наилучшим образом в настоящее время?»

Этот простой вопрос может значительно повысить вашу производительность.

19. Вставайте рано раньше всех

Я знаю, что некоторым может быть трудно проснуться рано утром, но ничто не сравнится с тихим домом!

Вот как начать день в 5:00 утра и несколько простых вещей, которые делают люди, вставшие рано утром, чтобы облегчить раннее пробуждение.

20. Высыпайтесь много

Когда вы работаете в сети, сон может превратиться в долгую потерю памяти. Однако важно много спать, чтобы ваше рабочее время было максимально продуктивным.

Попробуйте этот ночной распорядок, который я настоятельно рекомендую для продуктивности: The Ultimate Night Routine Guide: Sleep Better and Wake Up Productive

21. Exercise

Исследования показали, что полуденные упражнения повышают производительность и моральный дух на рабочем месте.

Совершите короткую прогулку во время обеда или сделайте простую растяжку во время перерыва, чтобы максимизировать свою продуктивность.

Вот несколько рекомендаций по упражнениям:

22. Аутсорсинг как можно больше

Если вы хотите достичь большего за меньшее время, научитесь делегировать или отдавать работу на аутсорсинг.Вот лишь несколько компаний, которые помогут вам передать ваши повседневные задачи на аутсорсинг:

Кроме того, прочтите это руководство, чтобы узнать, как эффективно делегировать полномочия: Как делегировать работу (Полное руководство для успешных лидеров)

23. Установите немного захватывающего духа. Цели

Без достойных целей у вас никогда не будет мотивации добиваться результатов.

Ставьте перед собой сложные и достижимые цели. Лучшая структура для постановки целей — это УМНАЯ цель. Тем не менее, есть и другие инструменты, которые также могут вам помочь.Например, Руководство для мечтателей по достижению цели — отличное руководство, которое поможет вам эффективно ставить и достигать целей. Возьмите бесплатное руководство и узнайте, как достичь своих целей в этом году!

24. Расскажите другим о своих целях

Когда вы расскажете другим о своих целях, вы сразу же понесете ответственность.

25. Слушайте подкасты

Слушайте образовательные подкасты или аудиокниги, пока вы едете на работу, убираетесь в доме, занимаетесь спортом или готовите ужин.

Аудиообучение может добавить часы к вашему дню. Не говоря уже о том, что ваш череп обязательно вам за это спасибо.

Несколько рекомендаций для вас: 11 подкастов, которые вдохновят вас

26. Прочтите бестселлер Дэвида Аллена «

Getting Things Done»

Это одна из самых важных книг по продуктивности, которые вы когда-либо читали. Прочтите его, примените советы в своей повседневной жизни и добивайтесь большего.

Вот и другие замечательные книги о производительности: 35 книг о производительности и организационных навыках для эффективной жизни

27.Научитесь быстро читать

Когда вы научитесь читать быстрее, вы будете читать и узнавать больше! Ознакомьтесь с этими 10 способами увеличить скорость чтения.

Вы также можете использовать приложение OutRead, чтобы ускорить чтение!

28. Учитесь пропускать, когда читаете

Когда вы читаете книгу, просто прочтите те части, которые вам нужны, и пропустите остальные. Но читать нужно с определенной целью.

Узнайте, как заставить это работать, здесь: Как читать в 10 раз быстрее и удерживать больше

29.Сосредоточьтесь на деятельности, ориентированной на результат

Закон Парето (также известный как правило 80 20) гласит, что 80% результатов являются результатом 20% вложений. Это означает, что 20% наших действий приводят к 80% результатов.

Мы должны найти те 20%, которые создают 80% наших желаемых результатов, и сосредоточиться исключительно на этих действиях.

30. Сделайте перерыв

Вы не всегда можете работать с оптимальной производительностью. Вместо этого вам следует стремиться к работе короткими очередями в наиболее продуктивное время.

31. Начните график полифазного сна

Что такое полифазный сон?

Полифазный сон — это спецификация режима сна, предназначенная для сокращения времени сна до 2-5 часов в день. Это достигается за счет того, что сон состоит из коротких (около 20-45 минут) дремоты в течение дня. Это позволяет проводить больше часов бодрствования при относительно высокой бдительности.

Хотя вы можете узнать об этом подробнее здесь, вам также рекомендуется немного вздремнуть в течение дня, чтобы зарядиться энергией.

32. Научитесь говорить «нет».

Мы не можем делать все, поэтому мы должны научиться говорить «нет», чтобы сохранить рассудок.

Научитесь тонкому искусству говорить «нет» у Лео Бабауты.

33. Сядьте на информационную диету

Большая часть мира живет за счет информационной перегрузки. Мы должны устранить бездумный серфинг в Интернете.

Прекратите читать три разные газеты в день и проверять свои RSS-каналы по несколько раз в день. Иначе ничего не добьешься.

Главное — ограничиться только информацией, с которой можно немедленно принять меры. Вот несколько простых советов, которые вы можете попробовать: 10 простых приемов повышения производительности для управления перегруженной информацией

34. Организуйте свой офис

Груды бумаги вокруг вашего стола могут стать огромным препятствием для вашей производительности. Оптимизируйте свое время, организуя свой офис, настраивая систему и избавляясь от хлама.

Ознакомьтесь с этими 21 советом по организации вашего офиса и достижением большего, и 20 простыми идеями по организации домашнего офиса, которые повысят вашу производительность.

35. Найдите наставника

Моделируя тех, кто уже добился успеха, вы сэкономите много времени и энергии.

Трудно найти хорошего наставника, поэтому вот руководство, которое поможет вам: что искать в наставнике

36. Изучите сочетания клавиш

С помощью технологий вы можете удвоить эффективность своей работы. Более того, вы изучите все сочетания клавиш при использовании технологий, например сочетания клавиш.

Используя сочетание клавиш, вы получаете 64 часа каждый год!

Не знаете, какие ярлыки для обучения? Ознакомьтесь с этими 22 хитростями, которые могут превратить любого в клавишного ниндзя.

Помимо изучения сочетаний клавиш, вы также можете создавать сочетания клавиш с помощью AutoHotKey.

37. Повысьте скорость набора текста, чтобы сэкономить время

Знаете ли вы, что можно сэкономить 21 день в году, просто печатая быстро?

Вам не обязательно проходить серьезные курсы, чтобы печатать быстрее, попробуйте эти онлайн-игры с набором текста:

38. Работайте из дома и избегайте ежедневных поездок на работу

Если ваша работа гибкая, подумайте о работе из дома. Это сэкономит вам время на дорогу, и вы почувствуете себя более энергичным в течение дня, сэкономив время на долгую поездку.

Ознакомьтесь с этими советами, которые помогут вам оставаться продуктивными при работе из дома:

Как работать из дома и оставаться Сверхпродуктивным

39. Избавьтесь от траты времени

Распространенные траты времени включают Instant Messenger, видеоигры, Flickr, проверку вашей статистики 10 раз в день, телевидение и посторонний серфинг в Интернете.

Не полагайтесь на свою силу воли, воспользуйтесь некоторыми из этих полезных инструментов, которые помогут вам сосредоточиться: 10 онлайн-приложений для лучшей концентрации

40.Планируйте питание заранее

Распланируйте все приемы пищи на неделю вперед и соответственно составьте список покупок. Это позволяет вам сосредоточиться на самом необходимом — экономя ваше время и деньги. Вы также можете сэкономить еще больше времени с помощью широкого спектра приложений. Одно приложение, которое я считаю полезным, — это Mealime. Это приложение, которое предлагает вам широкий выбор рецептов, а также удобное место для вашего списка покупок.

Учитывая тот факт, что это приложение установлено более 4 миллионов пользователей, это говорит о том, что существует хороший выбор планов питания, которым вы можете следовать, и что приложение удобно в использовании.

41. Готовьте еду навалом

Когда вы готовите еду навалом, у вас будет много остатков. Так вам не придется готовить каждый день.

Узнайте больше о том, как готовить в больших количествах: Готовка раз в месяц: взлом производительности или переоценка времени — отстой?

42. Защитите себя от ненужного телефонного разговора с помощью идентификатора вызывающего абонента

Минуты, которые вы тратите на ответ на ненужные телефонные звонки, тратятся впустую. Вы можете предотвратить это.

Ознакомьтесь с этим подробным руководством, как справиться с ненужными телефонными звонками: Как избавиться от ненужных вещей, отягощающих ваш день — звонки по мобильному телефону

43.Возьмите более короткий душ

Это может показаться глупым, но на самом деле это то, с чем я борюсь. Я провожу в душе до 30 минут. Подумайте о времени, которое я мог бы сэкономить, просто немного ускорившись.

44. Сохраните поездки в банк, взяв прямой депозит

Многие работодатели теперь предлагают прямой депозит. Если у вас есть, то обязательно воспользуйтесь им и избавьте себя от множества поездок в банк.

45. Автоматическая оплата счетов

Сколько раз вы беспокоились о том, пропустили ли вы срок оплаты счетов?

Автоматическая оплата счетов сэкономит ваше время, избавит от штрафов за просрочку платежа и повышения процентных ставок.

46. Интернет-магазин

По возможности избегайте походов в магазин. Делая покупки в Интернете, вы можете больше сосредоточиться на том, что покупаете.

47. Ускорьте свой Интернет с помощью широкополосного соединения

Многие люди знают о медленной скорости Интернета, но ничего не делают с этим. Фактически, это средство экономии времени в Интернете номер один!

Если вам необходимо использовать коммутируемое соединение, вы можете использовать такие ускорители, как Propel и SlipStream, чтобы удвоить или даже утроить вашу скорость.

48. Поддерживайте скорость своего компьютера

Если вы пользователь Windows, используйте функцию гибернации Windows, чтобы избежать замедления при выходе и перезапуске Windows.

Или, может быть, подумайте о переходе на Mac, так как у перехода на Mac с ПК есть множество преимуществ, о которых вы, вероятно, не знали.

49. Выключите телевизор

Средний американец смотрит телевизор более 4 часов в день. За 65 лет жизни это 9 лет, приклеенных к трубке.

Для улучшения здоровья и продуктивности выключите телевизор.Вот еще 11 причин, чтобы посоветовать вам перестать так часто смотреть телевизор.

Выключите телевизор, и вы обязательно получите от жизни больше.

50. Используйте Tivo или DVR

Это может помочь вам сократить часовой телешоу до 40 минут. Вы можете сэкономить время, не упуская при этом веселья.

Итак, вот окончательный список приемов, которые вам следует изучить для повышения производительности. Выберите техники, которые работают для вас, и сделайте их своей повседневной привычкой. Со временем вы станете намного продуктивнее.

Дополнительные советы по тайм-менеджменту

Изображение предоставлено: Pexels через pexels.com

Самые радикальные художники сегодня — это те, кто умеет рисовать | Дэвид Хопкинс

фото из Facebook, Техасская академия изобразительного искусства

ИСКУССТВО И КУЛЬТУРА

Эйприл Хопкинс

Я прочитал пост в Instagram человека, который не очень тонко заявил о прекращении видимости концептуального и абстрактного экспрессионистского искусства — которые доминировали в нашем обществе последние 100 лет — и провозгласили возвращение к более классическим стилям.Еще один Ренессанс, если хотите. Я не уверен, что мы живем в темные века искусства, но скажу, что очень рад видеть возрождение интереса к изобразительному (реалистическому) искусству.

Когда я был моложе, я чувствовал себя немного потерянным как художник. Меня привлекал более медленный подход к искусству, который больше ориентирован на совершенство техники и изображения красоты. Я изо всех сил пытался найти свое место. У меня есть степень бакалавра дизайна, в первую очередь потому, что я жаждал ощутимой стабильности, которую обеспечит карьера в корпоративном дизайне.Я прошел те же базовые курсы, что и все другие специальности искусства, плюс несколько дополнительных курсов изящных искусств, чтобы утолить этот зуд.

Мое образование представляло собой сочетание теоретического дизайна, концептуального искусства инсталляции (от профессора, которого я любил и уважал) и поверхностного введения в рисование. На каждом занятии мне говорили, что мои идеи — в первую очередь — ключ к успеху как художника. Уроки по инструментам и технике были ограничены или отсутствовали. Одним из вопиющих исключений был мой любимый урок — рисование фигур.Мы рисовали с натуры, изучали рисунки старых мастеров и изучали анатомию человека, выстраивая мышцы из глины и прикрепляя их к пластиковому скелету. Там я почувствовал вкус того, что потом будет в ателье.

The Atelier Movement

Ателье — это обучающие студии, созданные практикующими художниками, чья функция состоит в том, чтобы обучать студентов строгому курсу рисования и живописи, основанному на методах, используемых сотни лет назад. Копируя старые работы мастеров, рисуя простые схемы отливок и изучая анатомию и рисунок фигур, ученики тренируют глаз, чтобы видеть значение и пропорции с очень точной настройкой.В то время как колледжи сегодня практически не преподают основы, эти частные учебные заведения существуют как ответ на «снижение квалификации», которое доминировало на арт-сцене последние сто лет.

Я не могу понять, почему кто-то хочет «приглушить» свои способности или, что более вероятно, вообще не изучать какие-либо навыки. К счастью, частные ателье появляются по всей стране все чаще. Я нашел Техасскую академию изобразительного искусства, и она для меня все изменила.

Я помню, как начал использовать уголь в ателье. Меня учили, как затачивать необработанные узкие палки с помощью наждачной бумаги, приклеенной к деревянному бруску — подождите, вы должны ЗАТОЧИТЬ УГОЛЬ ?? Никогда в жизни меня не учили точить уголь. (Заточка угля из виноградной лозы до тонкой точки позволит ему работать так же, как можно было бы ожидать от заостренного карандаша.