Умели ли нормально рисовать Пикассо, Малевич, Мунк? Показываю их «обыкновенные» картины, которые я встречал в галереях | BEZгида

Помните серию из «Убойной силы», в которой художник-авангардист с легкостью набросал портрет капитана Плахова и сказал: «Художник — это прежде всего творец идеи, а научить рисовать можно любого».

Путешествуя по миру, я часто захожу в картинные галереи, просто чтобы постоять у шедевров живописи. И не раз замечал, что художники рубежа 19-20 века вполне себе умели нормально рисовать, но если бы они продолжали в таком классическом стиле, то вряд ли бы прославились. Ибо скучно…

Пикассо

Вот, например, несколько работ Пикассо из музея его имени в Барселоне. Кто скажет по этому полотну, что будущий кубист только и мог рисовать каля-маля?

Но однажды у него не заладились детали композиции и, видимо, от злости испанский живописец заваракал часть картины.

Похоже Пикассо понравился такой подход и стиль. И вот уже он создает полотна, о которых мы думаем, что и сами бы смогли так писать.

Мунк

Норвежский художник, прославившийся своей сюрреалистической картинкой «Крик», также, как и Пикассо, обучался живописи. Вот одна из его «нормальных» работ, которую я запечатлел в Бергене, в художественном музее KODE:

Но буквально в том же зале висит картина, показывающая переход мастера от «скучной» классики к дерзкому новаторству:

Обратите внимание на авангардные черты лиц у людей. Всего через год этот же образ будет использован в картине «Крик» — самой дорогой в мире. Мне выпала возможность увидеть ее в Национальной галерее в Осло.

Малевич

Если вы посетите Русский музей в Санкт-Петербурге, то такую же метаморфозу с отходом от академического стиля ради новых и даже шокирующих идей можно увидеть в творчестве Малевича. Все знают про его примитивный «Черный квадрат», но мало кто видел его вполне нормальные пейзажи и портреты. Нормальные, но не знаменитые…

Понравилась статья? Не забывайте cтaвить лaйк и пoдписывaтьcя на

мoй кaнaл.

Изоизоляция | Izoizolyacia public group

«Каждый нормальный человек имеет право только и делать, что рисовать горошины на цветном фоне, если это помогает ему не сойти с ума в нашем безумном мире» — решила однажды японка Яёи Кусама. И стала раскрашивать мир в цвета своих галлюцинаций.

Теперь она самая высокооплачиваемая художница в мире. Яёи 91 год, она добровольно живёт в психбольнице в Токио и продолжает создавать неповторимые шедевры.

Первая встреча Кусамы с тыквой стала значительным событием. «Тыква сразу со мной оживлённо заговорила. Она была всё ещё сырая от росы, неописуемо привлекательна и приглашала до себя дотронуться. Она заворожила меня своей очаровательной, кокетливой формой. Наибольшее впечатление на меня произвело отсутствие в ней претензионности».

Яёи уже в конце 1940-х годов писала и рисовала тыквы и в 1980-е годы снова вернулась к этой теме. Сейчас тыква – наиболее известная тема Кусамы и выполняется в различной технике.

Я бы тоже стала художницей, если бы в 13 лет папа-полковник не объяснил мне, что это не профессия, которой можно прокормить себя (не судите строго, на дворе были лихие 90-е). Я тогда поверила. Совсем перестала рисовать и летать в своих мирах, закончила школу с медалью, потом Юрфак МГУ. Создала собственный бизнес, чтобы как раз «прокормить себя».

Мне было 25 лет, когда мы собрались на хэллоуин-вечеринку с жёстким дресс-кодом. Я-то принарядилась, а друзья оказались совсем без фантазии. Привезли из карнавального магазина какие-то нелепые уши, носы… И палетку жирного театрального грима. Сказали, захватили на всякий случай.

Мы встретились в кафе на Новокузнецкой. Расстроилась, увидев их совсем без костюмов. Нужно было как-то спасать Хэллоуин. А когда у тебя собственный бизнес, ты готов решать любые вопросы 24/7, независимо от того, умеешь ты так или нет. Так, что у нас тут? Грим?

Вдруг щелчок, звук пропал и я загримировала 11 человек. Друзей, официанта и несколько посетителей кафе.
— Девушка, а вы давно этим профессионально занимаетесь?
— ха-ха, ну что вы! Я в первый раз!

Я потом перестала говорить правду о том, что я не настоящий гримёр, а то они дёргаться начинали. Втихаря поучилась пару месяцев на курсах в Театрально-художественном колледже #60 в Москве. Огребла там совковой суровости, но хоть заметила, разницу между собой и «тоже гримерами». Диплом дали, и на том спасибо.

С тех пор у меня есть вторая жизнь, в которой я гримёр. Папа-таки был прав, за это почти не платят 😂 Так, Алиса-бизнесмен спонсирует Алису-гримёра. Странно, что в психбольнице живёт при этом богатая японская художница, а не я 😁

А мне всё равно хотелось бы оживить тыкву, которую Яёи Кусама увидела на заре своего творчества, явиться к ней и сказать: «Яёи, с тобой всё в порядке, это они все сумасшедшие». И так, чтобы на японском и без акцента. Представляете, как она всю жизнь этого ждёт?

«Midnight Pumpkin», Yayoi Kusama
vs
«Ожившая тыква в горошек», Алиса Соколова

#иливотещебылслучай

11 самых распространенных ошибок в цифровом рисунке

Цифровой рисунок может быть очень каверзным. Казалось бы, загрузил правильную программу и можно начинать рисовать. Любой инструмент у тебя в руках. Все цвета готовы к использованию, ничего не надо смешивать. Если вы начали пользоваться Photoshop уже имея навыки рисования, все не так уж и сложно: вам просто нужно найти удачную замену любимым инструментам. Но, если вы только начали знакомиться с каждым из этих видов искусств, то все становится ночным кошмаром.

Photoshop обманчиво прост: вот вам набор кистей, вот вам все цвета, резинка, кнопка Отмены. Вы начинаете рисовать, все выглядит очень плохо, вы начинаете искать обходные пути, которые смогут помочь вам нарисовать что-то лучше. И только взгляните как много инструментов! Вы начинаете пробовать все, одно за другим, и вот оно – волшебство случается!

Но все «волшебство» заключается в том, что Photoshop рисует за вас. Вы не контролируете процесс, но результат, в любом случает, выглядит лучше, чем вы – простой новичок – смогли когда-нибудь сделать (по крайней мере, вы так думаете). Вы продолжаете работать, надеясь, что все эти изображения в один день превратятся в произведения искусства.

Профессиональные цифровые художники, которыми вы восхищаетесь, используют Photoshop, для того чтобы воплотить в реальность свое виденье мира, Но они используют его лишь как инструмент, а не как машину по производству произведений искусства.

Профессионалы воображают результат и заставляют программу воплощать его. Начинающие заставляют программу что-то делать и, если они остаются довольны –  присваивают себе результат.

1.Неправильный размер холста

Даже ребенок справится с созданием нового файла. Вы отправляетесь в File > New, или, если вы достаточной продвинутые, то используйте Control-N. Этот процесс кажется очень простым, поэтому часто остается без должного внимания.

Есть три проблемы, связанные с этим пунктом.

1. Слишком маленький холст

Так же как все предметы состоят из атомов, каждое цифровое изображение состоит из пикселей. Это, скорее всего, вы уже знаете. Но сколько конкретно пикселей нужно, чтобы создать детальную картину? 200×200? 400×1000? 9999×9999?

Новички часто ошибочно  используют размер холста близкий к разрешению своего экрана. Но проблема заключается в том, что вы не можете точно знать, с какого экрана смотрят на ваше изображение другие.

Давайте представим, что ваше изображение выглядит на экране, как на примере 1. Высота этого изображения идеально подходит вашему экрану. Все настроено под максимальное разрешение вашего экрана, 1024×600. Пользователям с разрешениями 1280×720 (2) и 1366×768 (3) тоже не на что жаловаться.  Но взгляните, что получится, если разрешение экрана будет еще больше – 1920×1080 (4) и 1920×1200 (5).  Последовательно, изображение занимает все меньше и меньше места на экране.

И дело не только в “белом пространстве” вокруг изображения. “Высокое разрешение” не обязательно имеет тот же смысл, что “большой экран”.  Экран смартфона может иметь больше пикселей на своем компактном экране, чем некоторые персональные компьютеры! Только взгляните:

1. Одинаковый размер, разное разрешение

2. Разные размер, одинаковое разрешение

Что это значит? Что для других ваше изображение, которое  должно было идеально вмешаться в экран, будет выглядеть примерно так:

Но размер холста имеет отношение не только к этому. Чем выше разрешение, тем больше пикселей в изображении. При маленьком разрешении,  глаз может занять 20 пикселей. когда при более высоком – он может иметь более 20,000 пикселей! Представьте себе, какие изящные детали могут быть добавлены!

Вот вам небольшой трюк: когда вы рисуете что-то небольшое, но в высоком разрешении, даже если слегка небрежно, то на расстоянии  это изображение выглядит очень интересно.

Попробуйте!

Большое разрешение дает возможность разглядеть самые тончайшие детали

2. Слишком большой холст

Значит ли это, что вам нужно всегда использовать большое разрешение, чтобы быть уверенным в качестве? Теоретически, да. На практике, это не всегда необходимо, а иногда – даже невозможно.

Чем больше разрешение, тем больше пикселей имеет самый простой штрих. Чем больше пикселей в штрихе, тем сложнее для программы обработать ее. Так что, вот вам аргумент против большого холста – нужен очень мощный компьютер, чтобы комфортно работать с очень большим разрешением.

Второй аргумент – большое разрешение, по большей части, нужно только для очень детальных изображений. Несмотря на то, что это заблуждение очень распространено среди начинающих, не все картины должны быть детальными. Даже если вам хочется нарисовать что-то реалистичное, вы можете смело игнорировать огромное количество деталей, которые есть на фотографиях. То, что мы видим – не всегда похоже на фотографию.

Когда разрешение больше необходимого, то перспектива добавить что-то тут и там, кажется очень привлекательной. И как только вы начали этим заниматься  – у вас нет пути назад. Есть разный уровень детальности, но каждое изображение должно использовать только один. Если вам хочется создать быстрое, плавное изображение, то не тратьте часы на прорисовку глаза или носа – из-за этого вся картина будет выглядеть незавершенной и неряшливой.

3. Слишком большой размер готового изображения

Давайте представим, что вы нашли идеальное разрешение для вашего изображения. Оно не слишком большое и не слишком маленькое – идеальный размер для уровня детальности, которого вы хотели добиться. Но здесь можно тоже сделать ошибку.  Предыдущее разрешение было рабочим. Вы использовали множество пикселей, чтобы добиться детальной прорисовки глаза, но при неправильном размере, ваши старания будут заметны даже на расстоянии.

Зачем разрешать другим видеть эти детали…Если можно сделать так, чтобы они видели только то, что должно быть заметным?

Прежде чем сохранить изображение – измените его размер. Оптимального разрешения, которое подходит каждому рисунку, нет. Есть небольшое правило: чем более детальная работа, тем меньше она теряется в высоком разрешении. Если же изображение немного эскизное, то оно лучше смотрится в маленьком разрешении. Если вам хочется лучше понять этот принцип, то посмотрите какое разрешение использует ваш любимый художник, когда выкладывает свои работы.

Еще одна вещь: когда меняете размер изображения, проверьте какой размер по умолчанию работает лучше всего. Некоторые могут сделать изображение очень точеным, что вам может понравится или не понравится.

2. Работа с белым фоном

Это может показаться чем-то незначительным – что не так с белым фоном? Это ведь что-то нейтральное, не так ли? Выглядит прямо как листок бумаги.

Проблема в том, что не существует “нейтрального” цвета. Прозрачность очень близка, но ее невозможно нарисовать. Цвет – это и есть цвет. Когда используются два цвета между, ними появляются определенные взаимоотношения. Для белого+цвета A – взаимоотношение: “цвет A темнее”. Не имеет значение, какие были у вас намерения, вы начнете работу с темного цвета, потому что самый светлый цвет уже у вас на фоне! Все цвета темнее по отношению к белому. 

Яркость любого оттенка зависит от фона.

Обычно в рисовании мы используем белый фон, потому что технически проще использовать темный цвет на светлом фоне, чем наоборот. Но в цифровом рисунке в этом нет никакой нужды. На самом деле, вы можете начать с черного фона, но это такая же плохая идея, как начать с чисто белого. На практике, самый нейтральный цвет – серый с яркостью в 50%.

Почему? Потому что цвет фона влияет на восприятие других цветов. На белом фоне темные оттенки будут казаться темнее, поэтому вы будете стараться избегать их. На черном фоне, правило то же, только уже для светлых цветов. В результате получается  плохой контраст, который становится очевидным, как только производится замена фона. Вот вам доказательство:

Опытные художники могут начать свою работу с любым цветом и получить необходимый результат, но пока вы не слишком хорошо разбираетесь в теории цвета, всегда начинайте с чего нейтрального – не слишком темного и не слишком светлого.

3. Недостаток контраста

Конечно, иногда восприятие цвета может быть нарушено из-за качества экрана. Если вы используйте ноутбук, то вы наверняка знаете, как меняется контрастность изображения с разных углов. Тогда как можно добиться необходимого контраста, который будет выглядеть на всех экранах одинаково?

Даже если с вашим экраном все в порядке, после того как вы долго и не отрываясь смотрели в экран, ваше восприятие изображения необъективно. Если вы меняли оттенки постепенно, шаг за шагом, контраст может казаться неплохим. Но это происходит только из-за того, что так картинка выглядит лучше, чем пять шагов назад. Например, работа внизу выглядит неплохо…

… но только до тех пор, пока вы не сравните ее с более контрастным изображением. И кто знает, вдруг, когда вы сравните новое изображение с еще одним, оно снова будет недостаточно контрастным?

В Photoshop есть инструмент, который очень поможет вам в этой ситуации. Он называется Levels и это, кстати, гистограмма. Она показывает сколько использовано каждого оттенка на изображении. Вы можете открыть этот экран с помощью 

Image > Adjustments > Levels или используя Control-L.

Как это работает? Взгляните на эти четыре примера:

• Почти равное количество белого, черного и полутонов.
• Только черный и темные полутона
• Только белый и светлые полутона
• Только белый и черный, почти нет полутонов

Можете прочесть это по гистограмме?

Вы можете изменять уровни, передвигая ползунки. Вы не только уменьшите количество оттенков, но и поможете программе распределить их правильно в гистограмме.

Гистограмма показывает, что на данном изображении очень много полутонов, и в тоже время очень мало ярких и темных участков. Не имеет значения, как мы видим рисунок – это то, о чем нам говорит компьютер. Конечно, нет идеального рецепта для работы с уровнями (все зависит от яркости самого рисунка), но  абсолютное отсутствие темных и светлых областей – плохой знак.

Только взгляните, что получится, если мы передвинем ползунок на середину!

Есть ли способ использовать правильные оттенки с самого начала? Да, и это, займет меньше времени! Нужно начать использовать меньше оттенков – темный, светлый, полутон, и немного белого и черного.

Чтобы использовать эти знания на практике, прежде чем начать рисовать, наметьте  освещение на сфере:

• Нарисуйте круг и закрасьте его самым темным оттенком (черный – не рекомендуется)
• Добавьте полутон
• Добавьте самый светлый оттенок (белый – не рекомендуется)
• Добавьте один или два полутона
• Добавить немного черного и белого

Видите, как расположены эти цвета на гистограмме? Когда мы соединяем их – вот, что получается. Используйте эту сферу, как гамму для создания своего рисунка, рисуя тени в той же последовательности: самый темный оттенок, полутон, самый светлый, еще полутон, темный и светлый оттенки. Теперь можно ее сгладить.

Еще один совет – если вы сравните эти две головы еще раз (нарисованную с правильным контрастом и исправленную), вы заметите разницу. Увеличение контрастности не исправить всех ошибок, если вы не уделили этому достаточно времени с самого начала – каждый элемент имеет свой набор оттенков. Например, самая темная область на белой поверхности будет намного ярче, чем самая темная область на черной поверхности. Это значит, что вам надо подготовить столько сфер, сколько у вас будет различных элементов.

Помните: рисовать тени светлых объектов темными – это так же неправильно, как рисовать тёмные объекты – светлыми оттенками.

4.Слишком много сложных кистей и больших штрихов

Когда сравниваешь традиционные кисти с кистями из Photoshop, разница настолько очевидно, что не всегда может быть понятно, почему у них одно и тоже название. В конце конов, классические кисти позволяют рисовать только более или менее хаотичные мазки, когда цифровые создают произведение искусства самостоятельно.

Вот здесь и начинается самое интересное. Если что-то создается само по себе, вы теряете всякий контроль над работой. Профессиональные художники используют в основном простые штрихи, лишь изредка обращаясь за помощью к более сложным. Использование сложных кистей не просто делает вас лентяем, но и останавливает ваше обучение тому, как достичь какого-то эффекта самостоятельно.

Когда только начинаешь заниматься цифровым рисунком – это нормально искать способы увидеть прогресса как можно быстрее. Вам хочется видеть результат здесь и сейчас. И кисти становятся очевидным решением. Хочется мех – вот вам кисть для меха; хочется щетки – вот вам кисть щетка. Если не получается нарисовать что-то, достаточно просто скачать кисть, которая сможет сделать это за вас.

Дополнительные кисти для фотошопа не всегда плохие – они, наоборот, очень полезны. Проблема только возникает, когда вы используете ее как базу для своих “навыков”. Если бы вы потратили время и изучили, как можно быстро нарисовать мех, вы бы поняли, что на самом деле, вам не нужно рисовать каждый волос для этого эффекта. Вам стало бы понятно, что то, как мы воспринимаем некоторые вещи – не всегда соответствует реальности. Вы бы научились смотреть, а потом воссоздавать то, что вы видите, а не то что вам кажется вы видите.

Вместо этого, вы предпочитаете сдаться после того как потратили полчаса на работу над одним волосом и ищите кисть, которая сможет выполнить эту работу за вас. Вы нашли ее, вы рады и готовы идти дальше. Этот процесс настолько прост, что легко становится привычкой и вы перестаете учиться – зачем, если есть способ легче?

Но как с этой проблемой справляются традиционные художники? У них нет такого разнообразия кистей. Как они рисуют мех? Ответ прост – тем же способом, которым воспользовались бы вы, если бы у вам не было кисти. Если вам не терпится улучшить свои навыки, вам придется снять это проклятие всех начинающих художник и отказаться от дополнительных кистей на какое-то время. Работайте для начала с простым набором, например с этим, и научитесь владеть этими кистями. Не ищите легких путей, работайте над этим и вы получите бесценный опыт, вместо дешевых трюков.

5. Слишком крупный штрих

Еще одна частая ошибка, связанная с кистями – это использование слишком крупных штрихов. И, опять же, всему виной нетерпение. Правило заключается в том, что 80% работы требует 20% усилий, что значит, что нужно потратить 80% всего времени, работая над завершением своего изображения. Если вы сделали набросок, базу, выбрали цвета и поработали над простыми тенями за два часа – знайте, что впереди у вас восемь часов работы. Более того, на протяжении этих восьми часов прогресс будет менее заметен, чем за первые два часа.

Это становится особенно очевидно, когда смотришь на картинки с промежуточным процессом работы, которые выкладывают художники, например этот. Первые шаги просто огромные – создается что-то из ничего. Затем процесс замедляется. Вы едва можете заметить разницу между последними шагами,  хотя на них было потрачено намного больше времени.

В этом и заключается вся проблема. Когда ваше изображение почти закончено, вам хочется скорее его завершить и насладиться конечным результатом. Но на самом деле, это именно тот момент, когда вся работа только начинается! Я помню комментарий под одной из фотографий с промежуточным процессом: ” Я бы остановился на 4 этапе” (из 10). Вот где и скрывается разница между профессионалом и новичком! Потому что, конец правила гласит: эти последние 20% работы составляют 80% от всего результата.

Решение это проблемы очень простое. Ваша работа не должна заканчиваться большими штрихами. Они должны быть использованы в начале, в 20% от всей работы. Используйте их, чтобы создать форму, задать свет, добавить цвет. А после постепенно уменьшайте размер, увеличивайте изображение, стирайте, добавляете детали. Вы поймете, что работа завершена, когда начнете работать с очень маленькой кистью на очень большом пространстве. В целом, чем больше пространства затрагивает кисть, тем более завершенной выглядит работа.

А теперь лучшая часть этого правила. Так как 80% работы не сильно влияют на конечный результат, нет нужды тратить на них много времени. Начните свою работу быстро и сохраните силы на потом. Помните: не каждое изображение должно быть закончено лишь из-за того, что вы его начали. Отсеивая проекты, к которым вы потеряли интерес, вы сэкономите в четыре раза больше времени, чем уже потратили!

6. Слишком много цвета

У традиционных художников не так много цвета, который они могут сразу использовать. Они должны учиться создавать, смешивать их, чтобы достичь необходимого эффекта. У них нет выбора – они должны учиться теории цвета. Вы, даже как начинающий, уже имеете на руках все цвета. И это настоящее наказание!

Мы не понимаем цвета, потому что в этом нет нужды в нашей обыкновенной жизни. Но как художник, вы обязаны полностью поменять свое отношение к цвету. Вам стоит перестать думать о цвете в привычном виде и начать разбираться в таких понятиях, как тон, насыщенность и яркость.

Цвета не существуют сами по себе. Они зависят друг от друга. Допустим, когда вам хочется сделать цвет ярче вы можете или взять цвет поярче, или уменьшить яркость фона. Красный становится теплее или холоднее в зависимости окружения. Даже насыщенность цвета может меняться!

Новички, не знакомые с этими принципами, начинают рисовать, выбрав случайным образом цвета, которые могут вообще не сочетаться друг с другом: берут синий, добавляют зеленый и все это без малейшего понятия о том, что они выбрали.

Вот как примерно новичок видит цвета:

1. Синие
2. Мутно-синие
3. Серый
4. Черные

Но зачем нам такое разнообразие оттенков, если они такие бесполезные? Проблема в том, что это не так. Вам лишь нужно начать понимать откуда они берутся что они означают. Давайте посмотрим на эти же цвета глазами профессионала:

1. Ненасыщенный синий
2. Насыщенный синий
3. Ярко-синий
4. Темно-синий

Выглядит запутанно, не так ли? Но это не значит, что этого всего можно не замечать! Если вам кажется, что это слишком изнуряющая работа, то поработайте с серым некоторое время. Цвета (или тона) – это как глазурь на торте. Она может сделать торт слаще, но не может быть его основанием. Никакое количество глазури не исправит плохой торт.

7. Копирование цвета с исходника

Очень сложно бороться с этим соблазном.  Я отлично это понимаю. Но опять же, если вам действительно хочется научится цифровому рисунку, вы не должны использовать Eyedropper.

Новички, чаще всего используют малонасыщенный оранжевый/розовый как цвет кожи, но этот эффект очень далек от реальности. Но, если вы используйте исходник… тут совсем иная история! Почти каждый пиксель имеет разный оттенок, не только розовый – вы легкостью найдете красный, оранжевый, фиолетовый, зеленый, синий. Насыщенность и яркость меняется каждый раз, но конечный результат не представляет собой хаос.

Когда берешь цвет с исходника, рисунок обретает новую жизнь. Проблема только в том, что такая работа ничем не отличается от копирования. Результат может выглядеть великолепно, но вы не можете присваивать авторство работы себе только себе.

И еще одно: этот процесс останавливает вас от прогресса. Можно сказать, что вы “покупаете” набор цветов вместо того, чтобы учиться подбирать их самостоятельно. У вас есть свое цветовое колесо со всем необходимым: каждый цвет, который вы выбираете с исходника, может быть воссоздан вами самостоятельно. Но вы все равно предпочитаете использовать те цвета, которые уже есть на оригинале – быстро и очень эффективно.

Для того, чтобы перестать постоянно полагаться на исходник, вам нужно будет научиться видеть цвета. Посмотрите на любой предмет – какой у этого объекта тон, насыщенность, яркость? Очень непросто сказать, не так ли? Но если вы продолжите выбирать необходимый цвет с помощью Eyedropper, вы так и никогда этому не научитесь.

Все эти работы были нарисованы мной без помощи пипетки. Вы можете начать с чего очень простого. Чем меньше цвета, тем лучше.

8. Наложение цвета поверх серой гаммы

Я нарисовал эту картину в 2011 году. Это очень трогательная работа и даже сейчас мне очень нравится. Я помню, как нарисовал его в сером цвете, а после добавил цвет, используя несколько режимов наложения (Цвет, Наложение, Умножение). Тогда у меня возникла одна проблема – как добиться желтого цвета, рисуя поверх серой гаммы?

У меня, к сожалению, больше нет оригинала, но вот как, скорее всего, выглядело это изображение в серой гамме. Заметьте, что желтые и зеленые участки одинаково темные. На самом деле, это не так.

Когда я был таким же новичком, как и вы, я верил, что свет делает все цвета одинаково светлыми.  Сначала я концентрировался на тенях, и лишь потом думал, что делать с цветом. Но этот трюк не сработал, и прошло немало времени, прежде, чем я понял, в чем было дело.

Дело в том, что разные цвета имеют яркость, которая не зависит от света. Когда вы это игнорируете, цвета получаются очень мутные. Они теряют очень важные свои свойства, когда вы накладываете их прямо на серый цвет.

9. Тонирование с использованием инструментов Dodge и Burn

Инструменты Dodge и Burn – любимчики всех начинающих. Они отлично подходят под описание Photoshop, как программы для рисования. Вам нужно просто выбрать основной цвет, а после выделить теневые участки. Все остальное выполняется с помощью сложных алгоритмов. И это отлично, потому что вы, в любом случае, не знали, как сделать это самостоятельно.

Но не все так просто. Эти инструменты, конечно, не совершенно бесполезны, но, когда вы только начинаете – лучше держаться от них подальше. Они не предназначены для тонировки. Инструмент Dodge – это не тоже самое, что “добавить света”, а Burn -“добавить теней”. Просто эти инструменты идеально подходят под понимание новичками этих процессов, поэтому так сложно избежать искушения.

Проблема не в самом инструменте, а в недопонимании принципов тонирования. Новички часто думают, что у предмета есть определенный цвет, и он становится темнее в тенях и светлее при свете. Но все не так просто. Этот принцип может сработать в анимации, но даже там – это просто обходной путь.

Но если эти техники вроде бы работают, то почему бы их не использовать?

• Это еще одна техника, которая тормозит ваш прогресс.   Когда вы пользуетесь этими методами, вы даже не понимаете, что не так.  Тонирование – это сложный процесс, а вы ограничиваете его одним простым принципом. Photoshop должен работать на вас, а не за вас. Пусть это не останавливает вас от обучения.
• Так объекты кажутся плоскими. И не имеет значения, сколько текстуры вы добавите к изображению после. Принцип работы с этими инструментами такой же, как и с кистями – вы можете начать с них, но не должны ими закончить.
• Вы искажаете цвета; цвет объекта очень сильно зависит от окружения, но ни Dodge ни Burn  ничего не знаю о вашего твоего рисунка. Они тонируют все по одному и тому же принципу.

 Тонирование с использованием белого и черного

Суть этой техники в том, что тонирование производится за счет белого на светлых участках, а черного – в тенях. Эта техника – результат заблуждения, что каждый цвет начинает как черный (в тенях) и заканчивает как белый (на свете). И хотя этот принцип может сработать в фотографии, в рисовании он бесполезен.

Мы все стараемся найти простые правила, которые несложно запомнить. Но это не значит, что мы должны выдумывать правила, которых не существует, например, что нужно добавить белый, чтобы сделать ярче, а черный, чтобы сделать темнее. Это работает только для серой гаммы!

Однообразное тонирование

Когда с предыдущей проблемой будет покончено, может возникнуть новая. Давайте представим, что вы выбрали оранжевый, как основной цвет для своей работы. Вы решили, что источник света будет отображен желтым, а рассеивающийся свет – голубым. Таким образом, вы просто заменили тон своего базового цвета на желтый в ярких местах, и на голубой – в тенях. Это делает процесс тонирования интереснее, чем если бы вы просто использовали черный и белый, но это снова обходной путь, который не даст добиться необходимого результата.

Почему это обходной путь? Потому что, оставив только три цвета для работы, вы автоматически перемещайте все свой объекты в неестественную среду, где любой отражающий цвет на 100% предсказуем.

В действительности же, свет отражается от всего. Поэтому тонирование редко может быть сведено к двум или трем цветам.

Если вы будете учитывать это и будете использовать косвенные источники света, чтобы разнообразить тени, то начнете рисовать более осознанно – и это отлично!

10. Размытие с помощью мягкой кисти

В основном новички размывают оттенки двумя способами, предназначенными для того, чтобы облегчить работу:

1. Размытие с помощью мягкой кисти
2. Размытие с помощью инструмента Smudge/Blur

Как мы уже поняли, быстрые способы работы говорят о том, что вы не контролируете процесс. Размытие с помощью мягкой кисти делает ваш объект плоским и неестественно гладким. Даже если вы добавите фото текстуру, вы не сможете избавиться от “пластикообразности” изображения. И снова, подобный метод может быть использован только в начале работы.

Если вам хочется более нежного эффекта, используйте более грубую кисть, контролируя Flow с помощью Pen Pressure (чем сильнее вы нажимайте, тем жестче получается штрих).

Такая кисть позволит вам использовать то количество цвета, которое вам необходимо.

Благодаря этому инструменту вам не нужно будет больше размывать границы между двумя цветами. вы просто начинаете с базового цвета и покрываете его более светлым. Потом вы можете добавлять новые и новые слои, делая их более и более плотными.

Если вам понадобиться сделать размытие более гладким, выберите какой-нибудь цвет между оттенками и обрисуйте края.

Для того, чтобы добиться текстурности, используйте текстурную кисть (с грубыми краями).

Согласно 80-20 правилу, не думайте о размытии на первых этапах. Используйте большую кисть, делайте края очевидными, тени неестественными.

После, вы сможете использовать кисть меньшего размера и текстурную кисть чтобы размыть края. Не используйте Smudge, мягкую кисть. Только Eyedropper и грубая кисть с переменным Flow. Но стоит помнить, что один и тот же метод сглаживания не будет работать во всех случаях.

11. Использование 2D текстур на 3D формах.

Фото текстуры – это последняя надежда новичка, когда объект теоретически завершен, закрашен и на нем выполнены тени, но все еще выглядит как пластмассовая игрушка. Но, к сожалению, текстура, сама по себе, сделает все только хуже.

Давайте представим, что вы хотите добавить текстуру на изображение этой большой кошки.

Вы должны поработать над тенями прежде чем добавить текстуру.  Непростая часть заключается в том, что нет необходимости закрашивать ее полностью. То, как вы будете сглаживать цвета, зависит от того, какую текстуру вы выберете – если сделать это не имея четкого представления о том, что за текстура будет наложена, то желаемого эффекта не достичь.

Вы можете загрузить текстуру из интернета или использовать ту, которая уже есть в Photoshop – их огромное количество. Это моя любимая текстур – перевернутый Screen Door.

Если вы смените Blend Mode текстуры на Overlay, вы увидите как текстура наложится поверх теней. Но обратите внимание на то, как некоторые сегменты стали светлее. Вам может понравится это, если тонировка не была сделана должным образом, но это лишь очередной способ облегчить себе работу. В большинстве случаев, нам не хочется, чтобы текстура сама диктовала свои тени. Хотя Overlay – это не лучшее решение, но оно позволяет взглянуть на то,как текстура будет выглядеть на объекте.

Теперь самая главная часть, которую часто упускают из виду. Если объект должен быть 3D, его нельзя качественно покрыть с помощью 2D текстуры. Мы должны настроить текстуру по форме, которую она будет покрывать. Есть три основных способа сделать это – поэкспериментируй и выберите тот, который понравится вам больше всего:

• Free Transform Tool (Control-T) в режиме Warp
• Filter > Liquify
• Edit > Puppet Warp

Для сферы лучше всего использовать 

Filter > Distort > Spherize

До использования Puppet Warp

После использования Puppet Warp

Режим Overlay делает светлее участки слоя, покрытые белой частью текстуры. Мы можем использовать Multiply, (этот режим делает белые области прозрачными), но тогда градиентные цвета (серые) станут темнее, чем нужно. Есть поэтому другой режим, идеально подходящий для настройки прозрачности.

Выберите слой и настройте Blend If.  Вы можете легко настроить прозрачность белого и черного с помощью этой функции.

Держите 

Alt, чтобы разделить слайды и добить более плавного эффекта.

Теперь нам стоит понять, что действительно представляет собой эта текстура. Это не неровное изображение, наложенное поверх объекта. Это настоящая шероховатость поверхности. Когда свет достигает гладкой поверхности, то он распределяется равномерно, но если поверхность – неровная, свет создаст огромное количество теней. Это и есть текстура, которую мы видим.

Здесь напрашивается еще один вывод. Это свет создает видимую текстуру – текстура не может быть создана без света. А иначе что есть тень, если не отсутствие света? Именно поэтому нам нужно уменьшить текстуру в темных участках или и вовсе удалять ее (нет света – нет текстуры). Вы можете использовать Layer Mask для этой цели или поработать с Blend If слайдами. Помните, что щели текстуры – это тени, поэтому они не должны быть темнее, чем другие теневые участки.

Наложение текстуры – это быстро и просто после того, как вам станет понятно, как с ней правильно обращаться. Но снова, все текстуры очень разные. И, хотя некоторые выглядят отлично после прямого наложения, большая их часть требует немалой работы.

Правило 80-20 в деле. Добавить текстуру – несложно, но сделать так, чтобы она выглядела уместно – вот эта работа займет немало времени. Подобные вещи отнимают немало времени, но в этих деталях и заключается весь смысл!

Первая текстура – это плоская текстура в режиме Overlay, вторая – тот же режим, но с изменениями. Последняя – это уже финальный предложенный вариант.

Заключение

Как мы заметили, большая часть проблем, которые есть у начинающих художников исходят из их желания скорее начать великолепно рисовать не прилагая особых усилий. Поэтому дело не столько в недостатке навыков, сколько в отношении к Photoshop, как к производящей произведения искусства машине. Это ведет к тому, что большая часть времени тратится не на обучение, а на поиски инструментов и трюков.

Вы не сможете стать цифровым художником за один день, просто потому что у вас есть продвинутая программа. Photoshop – это инструмент, удобнее, чем  пигменты и кисти, но, опять же – всего лишь инструмент. Он не может делать больше того, что вы ему диктуете. Если вам хочется начать пользоваться всеми преимуществами программы, то относитесь к нему, как к цифровому холсту с цифровыми красками. Забудьте про причудливые инструменты, фильтры, кисти. Просто рисуйте так, как вы бы рисовали на холсте.

Изучите теорию цвета, перспективу, анатомию – все, что необходимо было бы выучить “традиционному” художникам. Со временем вы научитесь использовать инструменты Photoshop, которые помогут вам начать многое намного быстрее и легче – но не бегите впереди паровоза, постоянно используя эффекты, которые вы не понимаете. Терпение в этом деле – самое главное.

Главная фотография взята из сайта — Depositphotos.com

 Автор —Monika Zagrobelna

Перевод — Say-Hi

Мы рекомендуем:

20 полезнейших ресурсов для художников

Уроки по рисованию человека в Adobe Photoshop

Теория Цвета. Самое важное о цвете

Подборка видеоуроков по построению света и тени

Используйте Apple Pencil с iPad — Служба поддержки Apple (RU)

С помощью Apple Pencil можно писать, делать пометки и рисовать.

Рисование с помощью Apple Pencil

Откройте приложение, например Notes.В iPadOS перемещайте палитру инструментов по экрану или сворачивайте ее, чтобы у вас было больше места для рисования и набросков. Палитра инструментов содержит разные инструменты в зависимости от используемого приложения. С помощью линейки нарисуйте прямые линии, а затем вращайте их пальцами. Сделать ошибку? Вы можете удалять по объектам или даже по пикселям.

Чтобы рисовать в приложении Notes:

1. Открытые заметки.
2. Нажмите  , чтобы создать новую заметку.
3. Начните рисовать с помощью Apple Pencil.

Вы также можете начать с нажатия , чтобы открыть палитру инструментов. Выберите один из нескольких инструментов рисования и цветов и переключитесь на резину, если вы ошиблись. Дважды коснитесь резинки, чтобы просмотреть параметры удаления на iPad. Когда вы рисуете, вы можете наклонять Apple Pencil, чтобы заштриховать линию, и сильнее нажимать, чтобы затемнить линию. Палитру инструментов можно перетащить на другой край экрана. Коснитесь, чтобы автоматически свернуть палитру инструментов и просмотреть дополнительные параметры.

Узнайте больше о рисовании с помощью приложения Notes.

Рисование у края экрана с помощью Apple Pencil не активирует Центр управления, Центр уведомлений или Многозадачность. Вы можете рисовать где угодно на экране, не отвлекаясь.

Пишите с помощью Apple Pencil

Вы можете писать заметки с помощью Apple Pencil в «Заметках» и других приложениях. В iOS 14 вы можете писать с помощью Apple Pencil в любом текстовом поле.* Вы можете преобразовать свой почерк в текст. И вы можете использовать рукописный номер телефона, дату или адрес, как если бы вы напечатали их.

Пишите в любом текстовом поле с помощью Scribble

Вы можете использовать свой iPad и Apple Pencil, чтобы писать от руки в любом текстовом поле, например в поле поиска в Safari или текстовом поле в Mail.* Весь рукописный ввод и преобразование в текст происходят на вашем iPad, что обеспечивает конфиденциальность и безопасность вашего письма.

Вы можете узнать, как удалять, выбирать, вставлять и объединять слова с помощью Scribble, выбрав «Настройки» > Apple Pencil и нажав «Попробовать Scribble».

Преобразование рукописных заметок в текст

Вы можете преобразовать свой почерк* двумя способами:

• Вы можете писать самой дальней от линейки ручкой, на которой есть буква «А». Ваш почерк будет автоматически преобразовываться в текст, когда вы пишете.
• Если у вас уже есть рукописные заметки, вы можете выбрать заметки и преобразовать их в текст:
  1. Дважды коснитесь или коснитесь и удерживайте слово, которое хотите выделить. Выберите больше слов, проводя по ним пальцем. Вы можете тройным нажатием выделить всю строку слов.
  2. Коснитесь выбранных слов.
  3. В появившемся меню нажмите «Копировать как текст».
     
  4. Вставьте текст в другое место в том же документе или в другом приложении.

Используйте рукописные номера телефонов, даты, адреса и многое другое

1. Коснитесь числа, даты, адреса или других распознанных данных, которые вы написали.Он будет подчеркнут.*
2. Выберите, что вы хотите сделать, например, позвонить по номеру или создать событие.

Рисование идеальных фигур

Вы можете усовершенствовать перекошенный круг или наклонный квадрат. Вот как:

1. Нарисуйте фигуру вручную, например, круг, квадрат или звезду, одним штрихом.
2. Когда вы закончите рисовать фигуру, подождите, пока кончик Apple Pencil коснется экрана. Нарисованная вами форма будет заменена идеальной.

Apple Pencil с двойным касанием (2-го поколения)

На Apple Pencil (2-го поколения) можно дважды коснуться кончика Apple Pencil, чтобы быстро вернуться к последнему использовавшемуся инструменту. Чтобы изменить настройки двойного касания, перейдите в «Настройки» > «Apple Pencil» и выберите:

.

• Переключение между текущим инструментом и резиной
• Переключение между текущим инструментом и последним использованным
• Показать цветовую палитру
• Выкл.

Двойное касание работает только в поддерживаемых приложениях, таких как Notes.

Дата публикации: 05 мая 2021 г.

Procreate 101: все, что вам нужно знать, чтобы начать

Время от времени крупный технологический прорыв меняет то, как мы ведем нашу личную или профессиональную жизнь. Для тех, кто рисует, делает наброски, раскрашивает или создает изобразительное искусство, приложение Procreate для iPad стало одним из таких революционных изменений. Разработанный для использования с планшетами и стилусами Apple, Procreate дает художникам все преимущества цифровой работы (возможность легко удалять и исправлять, быстрее создавать рисунки и мгновенно делиться работой), воссоздавая знакомый опыт работы с ручками, карандашами и рисовать на бумаге.

Из курса Skillshare иллюстратора Ярома Фогеля «Учитесь использовать Procreate

».Чтобы помочь вам найти свой путь, мы собрали всю информацию, необходимую вам, чтобы научиться рисовать с помощью Procreate. Мы рассмотрим основное оборудование, необходимое для начала работы, основные возможности приложения, рассмотрим, как профессиональные художники используют приложение, руководство по основному оборудованию, необходимому для начала работы, а также советы и рекомендации, которые помогут вам использовать уникальные возможности программы. для создания искусства.

Что такое Procreate?

Procreate — отмеченное наградами приложение для создания иллюстраций, эскизов и рисунков, созданное исключительно для iPad.

Интересный факт

Procreate был изобретен Savage Interactive, технологическим стартапом, расположенным (что примечательно) в австралийском островном штате Тасмания. Возможно, удаленное расположение помогло дизайнерам компании мыслить нестандартно, поскольку они нашли способ передать большую часть возможностей настольных творческих инструментов в руки визуальных художников — буквально — через iPad и Apple Pencil.

Для многих иллюстраторов, дизайнеров и художников, которые полагаются на Procreate, отзывчивость приложения, особенно при использовании с Apple Pencil, делает его очень похожим на рисование на бумаге.Это «естественное» ощущение в сочетании с широким разнообразием кистей Procreate (плюс возможность настраивать и добавлять больше) склонили чашу весов в пользу приложения даже среди ветеранов коммерческого и изобразительного искусства. Многие были готовы выйти за рамки аналоговых художественных инструментов или старых цифровых планшетов для рисования, привязанных к настольным компьютерам, и все в пользу простоты, гибкости, мобильности и нового вдохновения, предоставляемых Procreate для iPad.

Преимущества использования Procreate

Procreate позволяет легко организовать ваши работы в формате галереи, знакомом пользователям Photoshop; импортировать файлы с других устройств и мест; используйте жесты рук, чтобы увеличивать и уменьшать масштаб изображения и отменять изменения в работе.Вы также можете выполнять композицию и настройку слоев на профессиональном уровне и, как правило, создавать и развивать свои изображения со скоростью, которая может не отставать от вашего воображения.

Возможно, наиболее важным для многих опытных профессионалов является то, что Procreate предлагает простую интеграцию с существующими рабочими процессами — вы можете переключаться между другими приложениями и платформами в соответствии с вашими предпочтениями, вашими клиентами или потребностями конкретного проекта. Существуют и другие приложения для цифрового искусства профессионального уровня, но на данный момент ни одно из них не соответствует мощности, гибкости и полной функциональности и набору функций Procreate.

Как профессиональные художники используют Procreate

Один из лучших способов понять реальные возможности Procreate — узнать об опыте работы с приложением профессиональных художников.

Сообщение, написанное для блога VMA (Visual Media Alliance) Design Conference, рассказывает о трех успешных профессионалах, которые перешли на Procreate, но используют приложение по-разному. Эмма Бергер работает в кинокомпании Laika, продолжая карьеру иллюстратора-фрилансера, и использует комбинацию ручного рисования, Photoshop на iMac и Procreate для создания своих иллюстраций.Художница Труди Кастл использует Procreate только для «набросков и черновых идей» и исследования в свободное время. Внештатный дизайнер персонажей и иллюстратор Николас Коул создает все свои работы в Procreate.

Из курса Skillshare Брук Глейзер, Введение в Procreate: иллюстрирование на iPad

Взятые вместе, истории этих трех художников доказывают еще один важный момент для тех, кто рассматривает возможность перехода к Procreate: полностью настраиваемый рабочий процесс может оказать глубокое влияние на ваш конечный продукт.Комбинируя инструменты и материалы любыми способами, которые вы считаете подходящими, вы можете разработать уникальный процесс, который может помочь вам разработать фирменный стиль для вашего искусства.

Основное оборудование для использования Procreate

Какой iPad лучше всего подходит для Procreate?

Последняя версия приложения Procreate для iPad — 4.2.1, и для нее требуется iPad с iOS 11.1 или новее. Это означает, что последняя версия Procreate может работать на всех пяти моделях iPad, которые в настоящее время продаются от Apple: iPad Pro (12.9 дюймов, 11 дюймов и 10,5 дюймов. моделей), iPad (6-го поколения, 2018 г. ) и iPad Mini 4.

Предыдущие модели iPad, поддерживающие последнюю версию Procreate, — это iPad Pro 9,7 дюйма, iPad 5-го поколения (2017 г.), iPad Air, iPad Air 2 и iPad Mini 2 и 3. Более старые версии Procreate работают на многих старых iPad. модели.

Чтобы получить все современные возможности Procreate, вам понадобится одна из двух моделей iPad, выпущенных в ноябре 2018 года: 12,9-дюймовый. или 11 дюймов. Айпад Про.Эти две модели — единственные устройства, совместимые с новым Apple Pencil.

Из курса Либби ВандерПлоэг, Анимация для иллюстрации: добавление движения с помощью Procreate и Photoshop

Часто задаваемые вопросы и дискуссионные форумы Procreate содержат дополнительную информацию о технических требованиях и совместимости Procreate со старыми моделями iPad.

Использование Apple Pencil с Procreate

Apple Pencil (2-го поколения) — необходимое оборудование для использования Procreate на двух новых iPad Pro. Apple Pencil 2 не будет сочетаться ни с одним iPad, кроме двух новых моделей Pro. Оригинальный Apple Pencil можно использовать исключительно со старыми iPad Pro и iPad 2018 года (6-го поколения).

Apple Pencil 2 имеет плоскую сторону, которая помогает многим художникам точнее удерживать карандаш. Он также имеет функцию двойного касания, которая действительно отличает новый Pencil. В Procreate вы можете дважды коснуться Apple Pencil 2, чтобы переключаться между кистями и ластиками, перемещаться между слоями или перемещаться по всплывающим меню, не покидая холста.Увеличьте давление на любой Apple Pencil для более толстых линий и наклоните его для затенения — органическое, аналоговое ощущение занимает центральное место в Procreate.

Существует множество стилусов (включая палец!) для использования Procreate на старых iPad (и на новых тоже, хотя трудно превзойти Apple Pencils). Если вы находитесь на рынке, первоклассный британский журнал об искусстве и дизайне Creative Bloq недавно опубликовал руководство по лучшим стилусам для iPad.

Приложение Procreate для iPad

Procreate для iPad стоит 9 долларов.99 в США и доступно на 13 разных языках в Apple App Store. Предварительная версия Procreate App Store и руководство Procreate Artists Handbook содержат дополнительную информацию.

Pro Tip

Одним из продуктов, который оказался выгодным для художников, рассматривающих Procreate, является PaperLike, защитная пленка для экрана, которая делает гладкую стеклянную поверхность iPad более похожей на бумагу при рисовании.

Настройка Procreate Canvas

Перво-наперво: вам нужен холст для работы.Открыв приложение Procreate, вы увидите галерею. Здесь вы можете просмотреть все существующие художественные работы, которые вы сделали. Нажмите на значок плюса в правом верхнем углу экрана. Нажав на первую опцию «Размер экрана», вы попадете прямо на холст.

Находясь на холсте, вы увидите инструменты, организованные в трех разделах: в правом верхнем углу экрана, в верхнем левом углу экрана и вдоль левой стороны. Есть много инструментов для освоения, поэтому мы сосредоточимся только на основных, которые вам нужны для начала работы:

.

Действия

Нажав на значок гаечного ключа на верхней левой панели инструментов, вы перейдете к настройкам Procreate.Здесь вы можете настроить свой холст и инструменты. Поиграйте с настройками, чтобы найти то, что лучше всего подходит для вас. Мы рекомендуем включить светлый интерфейс и курсор кисти.

Быстрое меню

После выхода из меню «Действия» коснитесь и удерживайте любое место экрана холста, чтобы открыть Быстрое меню. Вы можете настроить это меню, чтобы оно содержало действия, которые вы часто используете, например поворот холста. Это отличный способ сэкономить время при создании художественных работ.

Кисти для потомства

Коснитесь значка кисти на панели инструментов холста, чтобы выбрать, какой кистью вы хотите рисовать.Меню кисти состоит из двух основных элементов, которые можно бесконечно настраивать: форма и зернистость. Для начала мы предлагаем выбрать один из карандашей по умолчанию, которые можно найти в разделе «Скетчинг». Приложение поставляется с более чем 100 предустановленными кистями, но если вам нужны дополнительные параметры, вы можете легко загрузить кисти, созданные другими художниками.

Инструмент для растушевки

Прямо рядом со значком кисти вы увидите значок пятна. Smudge предлагает те же кисти, что и перечисленные под значком кисти.Этот инструмент отлично подходит для смешивания, смешивания цветов и смягчения мазков кистью.

Инструмент стирания

Ластик справа от значка пятна также имеет тот же набор параметров кисти. Вы можете использовать этот инструмент, чтобы исправить ошибки и удалить пигмент. Ластик также можно использовать для растушевки.

Слои

Слои

справа от значка ластика позволяют изолировать элементы рисунка для манипуляций и эффектов. Вы можете назначить первичный слой и создать столько вторичных слоев, сколько вам нужно, непрерывно перемещая, группируя, корректируя, объединяя, смешивая или иным образом манипулируя слоями для создания своего произведения искусства.

Узнайте больше о Procreate

Основы Procreate: все, что вы не знали, что хотели знать

Цвет

Коснитесь цветной точки рядом со слоями, чтобы открыть меню цветов. Просто перетащите карандаш вниз, чтобы выбрать цвет. Вы также можете сохранить цвета, чтобы создать свою собственную цветовую палитру.

Размер кисти и непрозрачность

Левая боковая панель содержит ползунки, с помощью которых можно настроить размер и прозрачность кисти.Вы можете использовать ползунок непрозрачности, чтобы контролировать, насколько сильны ваши мазки и пятна. Вы также можете использовать этот ползунок, чтобы контролировать, сколько пигмента удаляет ластик.

Отменить и повторить

На левой боковой панели вы увидите кнопки для отмены и повтора вашей работы. Вы также можете просто коснуться экрана двумя пальцами, чтобы отменить действие, и коснуться экрана тремя пальцами, чтобы повторить действие.

Хорошо, вы готовы начать рисовать! Создайте для своей первой работы все, что захотите — человека, объект, абстракцию. В этом уроке иллюстратор и преподаватель Skillshare Джаром Фогель покажет вам, как рисовать персонажа.

Первоначальный набросок Ярома Фогеля из класса Skillshare Цифровая иллюстрация: обучение использованию Procreate

Эскиз нового слоя Procreate

Когда у вас есть первоначальный набросок, вы готовы добавить больше деталей. Нажмите на значок слоев и назовите текущий эскиз. Затем создайте еще один слой, нажав на плюсик.Это добавит слой поверх вашего существующего эскиза.

Совет для профессионалов

Возможно, вам будет полезно уменьшить непрозрачность исходного слоя, чтобы вы могли сосредоточиться на добавляемых деталях. Для этого коснитесь двумя пальцами первого слоя. В верхней части экрана появится синяя полоса. Вы можете скользить в любом месте экрана, чтобы настроить непрозрачность по своему вкусу.

Используйте второй слой, чтобы добавить детали к изображению, обведите и формализуйте любые линии, которые вы нарисовали ранее, и внесите коррективы в свой первоначальный набросок. Джаром решил изменить положение рук своего персонажа, поэтому он делает это на втором слое:

.