Старт: 20 февраля 2021

20 февраля, 12:00-14:30

• Лекция 1. Введение в искусство теория искусства, как оно появилось.
• Зарождение искусства. Свет и цвет. Отличие живописи от графики. 

27 февраля, 12:00-14:30

• Лекция 2. Древний Египет. 
• Пирамиды, Нефертити, Тутанхамон и Сфинксы. 

6 марта, 12:00-14:30

• Лекция 3. Древняя Греция и Древний Рим.
• Акрополь, вазопись, скульптура и пантеон богов.

13 марта, 12:00-14:30

• Лекция 4. Средневековье. 
• Готические соборы и романский стиль. Влияние религии на искусство, архитектуру и причёски дам.

Старт: 20 марта 2021

20 марта, 12:00-14:30

• Лекция 1. Раннее Возрождение.
• Джотто, Донателло, Вазари.

10 апреля, 12:00-14:30

• Лекция 2. Высокое Возрождение. 
• Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонаротти, Рафаэль и другие гиганты искусства.

27 марта, 12:00-14:30

• Лекция 2. Барокко и Рококо.
• Тициан. Пармиджанино. Диего Веласкес. Питер Пауль Рубенс и другие.

3 апреля, 12:00-14:30

• Лекция 3. Золотой век голландской живописи.
• Франс Хальс. Рембрандт. Ян Вермеер. Питер де Хох.

Старт: 17 апреля 2021

17 апреля, 12:00-14:30

• Лекция 1. Классицизм и Романтизм. 
• Гро Антуан Жан, Франсиско Гойя, Эжен Делакруа, Уильям Тёрнер, Каспар Давид Фридрих.

24 апреля, 12:00-14:30

• Лекция 2. Русское искусство XVIII-XIX века.
• Серов, Саврасов, Нестеров, Коровин, Куинджи, Шишкин, Левитан, Брюллов.

1 мая, 12:00-14:30

• Лекция 3. Импрессионизм.
•  Эдуард Мане, Клодт Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега.

8 мая, 12:00-14:30

• Лекция 3. Постимпрессионизм.
• Ван Гог, Гоген, Поль Сезанн, Жорж Сера и Поль Синьяк.

Старт: 1 мая 2021

15 мая, 12:00-14:30

• Лекция 1. Модерн.
• Густав Климт, Альфонс Муха, Бердслей, Гауди.

22 мая, 12:00-14:30

• Лекция 2. Зарубежное искусство XX века.
• Пабло Пикассо, Жорж Брак, Анри Матисс, Марсель Дюшан, Сальвадор Дали, Фрида Кало, Рене Магритт.

29 мая, 12:00-14:30

• Лекция 3. Русское искусство 20 века. Авангард.
• Кандинский, Малевич, Маяковский. Что такое прогрессивное русское искусство?

5 июня, 12:00-14:30

• Лекция 4. Современное искусство и как его понимать.
• Энди Уорхол, Джексон Поллок, Марк Ротко, Такаши Мураками, Фрэнсис Бэкон. 

Занятия проводятся утром, вечером и по выходным, можно выбрать удобное расписание. Вы можете приобрести лекции курсом или посещать занятия по модулям.

Узнавайте подробности на официальном сайте.

Присоединяйтесь в Instagram.

Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl+↵

Искусство и ребёнок. | RAO

Искусство занимает особое место среди других эстетических ценностей и предстаёт перед воспринимающими его людьми в виде художественных произведений, созданных живописцами, скульпторами, писателями, музыкантами – всеми художниками в различные периоды исторического развития общества. Оно несёт в себе отражение как существующих, так и давно исчезнувших вещей, явлений природы и людей, сохраняет их образы для новых поколений. Искусство расширяет социальный опыт человека, его взаимодействие с природой и обществом, другими людьми. В этом проявляется коммуникативная функция искусства. Оно способствует также познанию окружающего мира через художественные образы в живописи, графике, скульптуре, архитектуре. В процессе обучения, образования детей, подростков возрастает просветительская роль искусства. Художественные произведения разделяются на различные виды искусства в зависимости от того, какая сторона действительности отражается в них. Общие свойства искусства специфически проявляются в его различных видах. Объектом отражения в искусстве являются все эмоциональные стороны действительности, природы и общества. К ним относятся, прежде всего, эмоции людей – внешние проявления чувств, характеров, которые передаются в мимике лица, жестах, позах; в интонациях голоса, движениях и т. п. Художественный образ в изобразительном искусстве – это отражение действительности. И, вместе с тем, он никогда не является её буквальной копией, «слепком». Явления действительности, перенесённые в искусство, выражают отношение художника к изображаемому и таким образом служат утверждению тех или иных эстетических идеалов. Искусствоведы, философы (В.А. Разумный, В.К. Скатерщиков, И.Б. Астахов и др.), характеризуя особенности художественного образа, отмечают, что художник, его создающий, имеет определённое мировоззрение, разделяет определённую систему эстетических взглядов и соответственно относится к жизни. Изобразительное искусство обладает своим «языком», который помогает художнику выразить свои мысли, чувства, своё отношение к действительности. Посредством «языка» искусства жизнь отражается художником во всём многообразии. И.Б. Астахов пишет: «Изобразительный «язык», присущий каждому виду искусства, не является чем-то внешним по отношению к специфике художественного образа. Будучи материальной формой выражения, он представляет одну из существенно важных сторон образной специфики». «Язык» изобразительного искусства многообразен, каждый вид искусства имеет свою специфику, свои законы, которые необходимо знать не только художнику, но и педагогу. Образы искусства, благодаря знанию «языка», воспринимаются ярко, живо, формируются чувства, вызывают эмоциональное отношение к событиям и явлениям, помогают глубже воспринимать окружающую действительность. Хотя произведение искусства создано из определённого материала и не существует без него, главное в нём – художественный образ. В процессе художественного творчества материал преобразуется, теряет самостоятельное значение и предстаёт как
художественный образ. Например, краски, нанесённые на холст, или обработанный камень становятся портретом человека (в живописи и скульптуре). Художественный образ произведения создан художником в соответствии с его представлениями о реальном или сказочном мире и является материальным изображением явлений природы и общества или фантастических, сказочных событий, не существующих в действительности. Из рассмотренного следует, что произведения различных видов искусства обладают и изобразительностью, и выразительностью. Художественный образ в искусстве есть выразительное изображение как реальных, так и фантастических явлений, в которых концентрированно отражаются эмоциональные стороны действительности, а поэтому выражаются общезначимые чувства, характеры людей. Различие произведений искусства по их существу – по отражённым в них эмоциональным сторонам действительности, жизни общества – является основанием для классификации всего искусства, разделения его на различные виды и жанры. Так архитектурное произведение искусства качественно отличается от утилитарной постройки тем, что оно является выразительным изображением или воспроизведением места жизни, отдыха, труда людей передающим их чувства, мироощущение и мировоззрение. Архитектура способна, например, выразить свободу, величие, торжественность, открытость, стремительность и т. п. Специфические особенности художественного образа в архитектуре превращают утилитарное сооружение в произведение искусства: дом – в дворец, храм; ворота – в арку и т. п. Выражение чувств и характеров людей к скульптуре приводит к тому, что объёмное воспроизведение в камне и других материалах предстаёт одухотворённым в образе героя, деятеля науки и культуры и т. д. В живописи (как и в скульптуре) выделяются различные жанры – мифологический, исторический, бытовой, батальный, сказочный, портрет, пейзаж, натюрморт. Особые чувства (покоя, торжественности, таинственности и т. п.) способны выразить пейзажи и натюрморты, в которых с помощью цвета передаётся красота природы. Свои особенности отражения действительности имеют и другие виды искусства. И все они вместе выражают многогранные оттенки, насыщенность человеческих чувств и характеров, с позиций определённого мировоззрения. Итак, рассмотренные общие свойства искусства (изобразительность, выразительность) связаны с отражением в художественных образах эмоциональных сторон действительности – жизни природы, человека. Приобщение к изобразительному искусству начинается уже в дошкольном возрасте, когда ребёнок получает первые художественные впечатления. В этот период он эмоционально воспринимает произведения искусства (картину, скульптуру, иллюстрацию, декоративные изделия), постепенно постигает их художественный «язык». Психологи отмечают возможности раннего зарождения у детей эстетического восприятия, которое в своём развитии проходит определённый путь становления. По мнению А. В. Запорожца, эстетическое отношение к предмету предусматривает ряд познавательных моментов и в соответствии с этим умение соотносить форму и содержание, художественный образ и изображаемый предмет, умение, которое может возникнуть только на определённом этапе развития ребёнка. По данным психологов, восприятие произведений искусства проходит несколько ступеней развития: от поверхностного, чисто внешнего схватывания очертаний и бросающихся в глаза качеств, до достижения сути и глубины художественного содержания. Только к старшему дошкольному возрасту, в связи с накоплением впечатлений от знакомства с широким кругом явлений, с появлением жизненного опыта, способности к наблюдению, анализу, классификации, сравнению и другим мыслительным операциям, ребёнок способен оценить предмет искусства, увидеть разницу между реальностью и её изображением. Н.А. Ветлугина, Н.П. Сакулина, Е.А. Флерина считают, что необходимо активно развивать у ребёнка эстетическое восприятие произведений искусства, учить его выделять выразительные средства художественного произведения, разных видов и жанров.
Восприятие живописи детьми. Ранние эмоциональные переживания, связанные с восприятием искусства, красоты, нередко оставляют неизгладимый след в душе ребёнка. С годами это первое, не всегда осознанное, тяготение к прекрасному переходит в потребность знать и понимать искусство. В исследовании Н.М. Зубаревой по эстетическому воспитанию детей средствами изобразительного искусства, поставлены вопросы: каковы возможности картин, в частности, таких жанров, как натюрморт и пейзаж. По данным исследователей, при восприятии живописи разных жанров дети больше предпочитают картину бытового жанра и меньше натюрморт и пейзаж. Сюжетная картина привлекает детей интересным, увлекательным содержанием. При этом они, как правило, не обращают внимания на эстетические стороны картины. Натюрморты и особенно пейзажная живопись вызывают интерес у ребёнка изображением предметов, явлений природы, цветовыми сочетаниями, колоритом. В картинах бытового жанра детей привлекают различные темы: спорт, образы животных. Интерес к тематике неодинаков у девочек и мальчиков. Мальчики проявляют наибольший интерес к спортивной и героической темам, а девочки – к миру животных. У отдельных детей отмечается устойчивый интерес к одной определённой теме. При сопоставлении двух художественных произведений на одну и ту же тему, но решённых художниками по-разному, дети отдают предпочтение картинкам, написанным лаконично, условно, ярко, с использованием декоративных возможностей цвета. Однако условность в изображении принимается детьми лишь до определённых пределов. Изображение, граничащее со схематизмом, вызывает у них протест. Воспринимая натюрморт, дети эмоционально реагируют на цвет, замечают, какие цвета художник использует в картине. Дети 5-7 лет, выбирая «самую красивую» картину, способны руководствоваться эстетическими чувствами, вызываемыми гармонией цвета, яркостью красок, их сочетанием. Дети 3-4 лет, воспринимая картину, как правило, ещё не выделяют эстетические качества, их привлекают способы изображения («потому что рисовали красками»). Осознать и выразить в словах свои эмоции, названные элементарными эстетическими качествами изображённых предметов, ребёнок в этом возрасте не может. Но именно эти качества его привлекают, воздействуют и вызывают радостные эмоции. Пейзажная живопись близка детям по их наблюдениям природы, оказывает эмоциональное и эстетическое воздействие, что проявляется в их речи. Дети находят свои поэтические образы для характеристики воспринимаемого явления, используя метафоры, сравнения и другие средства выразительности. Поэтический текст оказывает положительное влияние на восприятие картины, углубляя её восприятие. Он помогает детям осознанно воспринимать выразительные средства, использованные художником, видеть в них средства характеристики образа. Для развития эстетического восприятия детьми художественного образа в пейзажной живописи важно использовать поэзию А. С. Пушкина, И.А. Бунина, Ф.И. Тютчева, С. Есенина и др. При восприятии жанровой картины детьми старшего дошкольного возраста понимание социальной значимости содержания картин развивается постепенно от неосознанного, расчленённого, основанного на выделении отдельных деталей без взаимосвязи со средствами выразительности к адекватному пониманию содержания, мотивированному логическими связями содержания картины и средствами выразительности. Необходимым условием понимания социальной значимости содержания жанровой живописи является личностное отношение к выраженным в живописи социальным явлениям. Оно выступает показателем эмоционального восприятия жанровой живописи, а также немаловажным фактором в процессе формирования социализации личности дошкольника. Большое влияние на восприятие детьми произведений изобразительного искусства оказывает стиль художественного изображения. Лаконичная, яркая по колориту картина вызывает стойкие эстетические чувства. Так, в натюрмортах детей больше привлекают произведения, которые по своим художественным особенностям близки к работам мастеров народного творчества. Красочность и декоративность, смелые, часто контрастные цветовые сочетания
делают эти произведения необычайно привлекательными для детей. В картине бытового жанра их больше интересуют произведения, написанные реалистично, в пейзаже — картины с использованием декоративных возможностей цвета. В работе с детьми целесообразно использовать произведения с различной трактовкой художественного образа: очень подробной (А. Лактионов, И. Шишкин, И. Хруцкой), более обобщённой (А. Рылов, А. Куинджи, И. Левитан), условно плоскостной, близкой к народному искусству (А. Ведерников, Б. Кустодиев). В детском саду необходимо иметь подборку художественных репродукций изобразительного искусства разных видов и жанров.
Восприятие детьми графики. Первые книги с яркими, красивыми иллюстрациями художников открывают перед ребёнком окно в мир живых образов, в мир фантазии. Ребёнок раннего возраста эмоционально реагирует, увидев красочные иллюстрации, он прижимает к себе книгу, гладит рукой изображение на картинке, разговаривает с персонажем, нарисованным художником, как с живым. В этом огромная сила воздействия графики на ребёнка. Она конкретна, доступна, понятна детям дошкольного возраста и оказывает на них огромное воспитательное воздействие. Б.М. Теплов, характеризуя особенности восприятия произведений искусства, пишет, что, если научное наблюдение иногда называют «думающим восприятием», то восприятие искусства — «эмоциональным». Психологи, искусствоведы, педагоги отмечали своеобразие восприятия детьми графических изображений: тяготение к красочному рисунку, причём с возрастом большее предпочтение они отдают реальной окраске, то же самое отмечается и в отношении требований детей к реалистичности форм изображений. В старшем дошкольном возрасте дети отрицательно относятся к условности формы. Восприятие произведений графического искусства может достигать различной степени сложности и полноты. Оно во многом зависит от подготовленности человека, от характера его эстетического опыта, круга интересов, психологического состояния. Но больше всего это зависит от самого произведения искусства, его художественного содержания, идей. Чувств, которые оно выражает. Рассматривая иллюстрацию, дети дошкольного возраста не только эмоционально откликаются на цвет и форму, но и осмысливают то, что изображено. Средства художественно-образной выразительности (линия, форма, цвет, композиция), помогают детям узнавать содержание картинки. Они эмоционально воспринимают образ, проявляют желание ещё раз рассмотреть изображение. Исследования (Т.А. Репина, Е.А. Бондаренко, Е.Ш. Решко, В.Я. Кионов) показали, что дети способны соотносить рисунок, цвет, форму с характеристикой образа. Рисунок является наиболее важным фактором в установлении отношения ребёнка к персонажам произведения (рассказа, сказки). Главным в понимании содержания действия на рисунке для детей 3-4 лет является предмет, с которым человек совершает действие, а для детей 5-7 лет – поза изображённого человека и различные композиционные приёмы передачи движения. Перспективно уменьшенные на рисунке предметы младшие дошкольники воспринимают маленькими в действительности и только к 5-6 годам начинают понимать уменьшение удалённого предмета (ближе – дальше). Иллюстрация является художественным средством, помогающим полнее воспринимать литературный образ, благодаря умению художника наглядно, выразительно, доступно, эмоционально передать идею произведения. Художественный образ в иллюстрации воспринимается детьми активно, эмоционально. Своими движениями, жестами дошкольники часто подражают персонажам, они с любопытством рассматривают необычную позу, выражение лица человека. Форма, манера рисунка влияют на характер восприятия, глубину наблюдений. Яркий динамический рисунок без загромождающих деталей, без резкого отклонения от действительности более доступен восприятию детей 5-7 лет. Чтобы художественный образ был понятен, интересен, занимателен для ребёнка, художник подбирает соответствующие средства выразительности, характеризующие
персонажи, – рисунок, цвет, композицию, своеобразное использование которых определяет индивидуальную творческую манеру художника. В связи с этими особенностями требуется создание понятных, доступных и в то же время высокохудожественных графических образов. Такие произведения книжной графики созданы В.М. Конашевичем, В.В. Лебедевым, А.Ф. Пахомовым, Е.И. Чарушиным, Ю.А. Васнецовым, Е.М. Рачёвым, которые своим творчеством способствуют формированию у детей эстетического восприятия. Однако, если дети не научатся воспринимать графический «язык», огромные возможности по формированию эстетического восприятия иллюстраций могут так и не реализоваться. С другой стороны, детское изобразительное творчество не получит стимула для развития, так как дети в своих рисунках пользуются теми же средствами, что и художники (форма, линия, цвет, композиция). Воспринимая иллюстрации, ребёнок мысленно участвует в изображённых на них действиях героев, переживает их радости и печали. Свои чувства он ярко и непосредственно выражает в репликах, жестах, мимике. В зависимости от содержания рисунка, дети то весело смеются, то становятся серьёзными и сосредоточенными. Иллюстрации к сказкам, где реальная действительность даётся в сочетании с фантастическими образами, которые изображены красочно, необычно, дети воспринимают эмоционально, с интересом рассматривают старинные терема, костюмы, узоры, предметы быта. Иллюстрации, где художники используют условные приёмы, искажают форму, грубо нарушают композицию рисунка, дети отвергают, выражают неудовлетворение («это некрасиво», «не нравится», «плохо нарисовано», «такие картинки не люблю» и т.д.). Когда иллюстрации вызывают интерес, дети проявляют желание рассказывать, описывать изображенное на картинке. Особенно любимы детьми иллюстрации в книгах о животных, они предпочитают рисунки с изображением зверей, в которых передано полное сходство («как настоящие», « поправдашные», «лохматые»). Иллюстрация как своеобразный вид искусства тесно связана с книгой. Способность воспринимать её в единстве с текстом является одним из показателей эстетического восприятия, так как графическое изображение даёт возможность увидеть и понять содержание стихотворения, рассказа или сказки. Не случайно дети выбирают книги с иллюстрациями и сами стараются «читать» с их помощью. Эстетическое восприятие иллюстрации проявляется в умении ребёнка описывать изображаемое действие, разбираться во взаимоотношениях между персонажами, героями произведения. Следует высоко оценить значение иллюстрации в детской книге, так как с её рассматривания начинается другой этап в познании окружающего, дети охотно идут за художником в новый мир живых образов, вымысла, сочетания реального и сказочного. Они с интересом включаются в этот процесс, в эту игру фантазии и воображения. Художник — иллюстратор должен уметь разговаривать с детьми «языком» простым, ясным, предельно искренним.
Восприятие скульптуры детьми. В окружающей действительности дети встречаются с произведениями скульптуры разных видов (монументальной, станковой, скульптурой малых форм). При восприятии пластического образа они учатся понимать специфику «языка» скульптуры, так как она даёт трёхмерное изображение предмета в реальном пространстве, обогащает ребёнка новыми способами художественного видения. В отличие от живописи, графики, образы скульптуры имеют реальный объём и специфический материал. Это вызывает у воспринимающего ощущение весомости, тяжести, желания прикоснуться к скульптуре, понять пластическую позу, ритмическую композицию. Скульптура относится к пространственным видам изобразительного искусства: её образы требуют кругового осмотра с разных точек зрения. Выразительность образа передаётся контурной линией, силуэтом, статикой или динамикой композиции, фактурой и цветом материала. Придавая большое значение скульптуре в становлении нравственно- эстетического сознания, в формировании художественных вкусов,
духовных потребностей, творческой активности личности исследователи указывали на необходимость использования её образов для эстетического развития ребёнка. Учитывая возрастные особенности детей дошкольного возраста, целесообразно, прежде всего, использовать скульптуру малых форм анималистического жанра. Скульпторы-анималисты подчёркивают психологические характеристики животного, отражая его внутренний мир (работы В.А. Ватагина), или стремятся подчеркнуть декоративность, пластичность форм (работы И.С. Ефимова). Для развития эстетического восприятия надо знать художественный «язык» скульптурного произведения. По данным Г.М. Вишневой, специальное обследование детских садов показало, что в некоторых из них скульптура малых форм иногда используется для обучения на занятиях, а также для украшения групповых комнат. Однако воспитатели часто не владеют методикой работы с нею. Без обучения способам восприятия скульптуры упускается возможность познания детьми достоинств и специфики этого вида изобразительного искусства, что не может быть восполнено средствами живописи, графики, в которых изображение дано на плоскости. Наблюдения показали, что у детей есть некоторый объём знаний о скульптуре. Так, дети седьмого года жизни правильно определяют назначение скульптуры («для памяти», «для украшения»), вспоминают (по фотографиям) отдельные образы монументальной, станковой скульптуры, мелкую пластику, как правило, не смешивают с игрушкой. Дети шестого года жизни чаще смешивают скульптуру с игрушкой, не всегда понимают декоративную функцию мелкой пластики. У них отсутствуют в речи слова: «скульптура», «скульптор», которые заменяются другими: «памятник», «сувенир», «делают люди на заводе», «на работе». При рассматривании скульптурных фигур дети отдают предпочтение скульптуре, натурально передающей образ животного: «она, как настоящая», «эта лиса похожа на живую, а другая очень тонкая, палочная лиса» (условное изображение). Отсутствие знаний о специфике художественного «языка» скульптуры приводит детей часто к неправильным суждениям. Например, рассматривая скульптуру из металла, ребёнок замечает: «Чёрный олень не может быть красивым». Восприятие фигурок из фарфора не вызвало у детей отрицательных реакций, им нравится его белый цвет, гладкая фактура, яркость окраски. В процессе восприятия скульптуры дети часто самостоятельно характеризуют её с помощью сенсорных эталонов формы, цвета, фактуры: «У большого оленя голова, спина, ноги более гладкие (плавная линия), видно, что он спокоен. У оленёнка горбик на спине, ноги согнуты <…> он боится, дрожит». Для развития творчества в изобразительной деятельности важны не только навыки и умения, надо научить ребёнка эстетически воспринимать образы искусства разных видов и жанров. С этой целью в детском саду используются произведения изобразительного искусства, но знакомство с ними чаще всего осуществляется посредством рассматривания репродукций, иллюстраций, слайдов. Более верный «камертон» в пластическом и цветовом видении подарит ребёнку поход в музей или на выставку. О важности приобщения ребёнка к миру искусства через социокультурную среду музея пишет в своей книге «Музей и дети» ( 2000 г .) Л.В. Пантелеева: «Посещение музея — событие в жизни ребёнка. Непосредственное знакомство с коллекциями художественных музеев — подлинными историческими экспонатами, а также с архитектурой зданий, интерьерами залов оказывают огромное эмоциональное воздействие на детей, а это, безусловно, неоценимо в формировании личности и духовно- интеллектуального потенциала общества в целом. В зрительном (визуальном) контакте ребёнка с подлинным произведением искусства – качественное отличие музейной педагогики от вербальных методик образовательных центров». В целом ряде исследований раскрыты возможности детей эстетически воспринимать произведения разных видов искусств при посещении музея. Так, Г.М. Вишнева отмечает, что дети старшего дошкольного возраста, побывав в музее г. Иркутска, стали больше интересоваться скульптурой малых форм. В их суждениях ясно прослеживается собственное отношение к авторскому замыслу
скульптора. Такие проявления можно отнести к зарождающемуся у детей чувству «наслаждения красотой» созданного скульптором образа. Эстетическую оценку скульптуры дети связывают с характером образа, отдельными яркими сенсорными признаками (формой, цветом). Интерес к скульптуре у детей проявляется в мимике, активных действиях, обследованиях. Они могут самостоятельно охарактеризовать скульптуру, понимают пластику движения, выразительность окраски. У детей возникают эстетические эмоции, оценки скульптурного образа: «Корова кажется доброй, она голову повернула и не бодается», «Этот медведь красивее, чем настоящий, и не страшный». Рассказ о том, как скульптор по-разному передаёт образ животных, помог детям воспринимать необычность позы, изменение пропорций, условность цветовой окраски. Они стали внимательнее рассматривать скульптуру с разных сторон. Н.Б. Халезова считает, что предварительное обследование ребёнком скульптуры малых форм должно быть не только зрительным, но и тактильным. Воспринимая форму во время специально организованного обследования, ребёнок запоминает её при помощи мышечного чувства и одновременно усваивает некоторые способы изображения предметов, фигур. По её мнению, в формировании пластического образа в лепке наиболее значим этап обследования, когда вся фигура воспринимается в целом, а затем внимание ребёнка направляется на отдельные части, детали. Итак, обучение детей способам эстетического восприятия скульптуры малых форм представляет собой последовательный процесс: на основе получения знаний о скульптуре дети подходят к овладению «языком» пластического искусства. Освоение отдельных выразительных средств (материал, композиция, силуэт) помогает детям осмысливать их связь с художественным образом. Элементарные знания о скульптуре дают возможность делать выводы, рассуждать, сравнивать пластические образы. Разнообразие скульптурных материалов (камень, дерево, металл, керамика) значительно обогащает сенсорный опыт детей, а небольшие размеры скульптуры малых форм делают её доступной восприятию каждым ребёнком. Скульптура малых форм анималистического жанра не только эстетически обогащает старших дошкольников, но и даёт им возможность получать новые знания о животных. В значительной степени этому способствуют занятия по лепке, составление творческих рассказов по скульптуре, в процессе которых происходит формирование у детей начальных суждений, эстетической оценки. В заключение следует отметить, что только комплексное воздействие изобразительного искусства всех видов и жанров будет способствовать гармоничному развитию личности ребенка, его эстетического восприятия, художественных способностей в творчестве.
Список использованной литературы:
Бакушинский А. В. Художественное творчество и воспитание. М., 1925. Вишнева Г. М. Формирование эстетического восприятия скульптуры малых форм у детей старшего дошкольного возраста: Дисс. … канд. пед. наук. М., 1984. Выготский Л. С. Психология искусства. М., 1997. Иванов Д. Л. Дошкольное рисование. СПб.; М., 1912. Ильенков Э. В. Философия и культура. М., 1991. Козлова С. А. Теория и методика ознакомления дошкольников с социальной действительностью. М., 1996. Кузин В. С. Психология искусства. М., 1980. • Мелик-Пашаев А. А. Педагогика искусства и творческие способности. М., 1981. Неменский Б. М. Мудрость красоты. М., 1989. Самохин В. Н. Эстетическое восприятие: вопросы методологии и критики. М., 1985. Савенкова Л. Г. Изобразительное искусство и среда. М., 2001. Художественное творчество и ребенок / Под ред. Н. А. Ветлугиной. М., 1974.
Чумичева Р. М. Дошкольникам о живописи. М., 1992. Юсов Б. П., Савенкова Л. Г., Сухова Т. И. Живой мир искусства: Программа полихудожественного развития школьников 1-4 классов. М., 1998. Якобсон П. М. Психология художественного восприятия. М., 1964.

«В обязательные часы внеучебной деятельности должна быть включена финансовая грамотность, искусствоведение и физическая подготовка» / Минпросвещения России

Система дополнительного образования должна учитывать потребности, которые есть у школьников. Об этом сообщил Сергей Кравцов на VIII Всероссийском совещании работников сферы дополнительного образования детей.

Пресс-служба Минпросвещения России

«В программе каждой школы должно быть не менее 10 часов на обязательную внеучебную деятельность. Мы разрабатываем новые курсы, которые должны поддерживать общеобразовательные предметы и учитывать все интересы школьников. Мы открываем «Кванториумы», «IT-кубы», центры дополнительного образования, где было бы интересно школьникам», – сказал Сергей Кравцов.

Он напомнил, что система дополнительного образования должна также быть гармонизирована с рабочими программами, которые утверждены Министерством и рекомендованы в школах, особенно по тем предметам, которые не входят в итоговую аттестацию: музыке, ИЗО, физкультуре.

К 2024 году в каждой школе появится театральный кружок и спортивная секция. На сегодняшний день театральные кружки действуют уже в 7,5 тысяче школ, а спортивные секции – в 21 тысяче школ из 40 тысяч.

Сергей Кравцов отметил, что одним из локомотивов развития системы дополнительного образования является образовательный центр «Сириус». Сейчас в каждом субъекте Российской Федерации создаются региональные центры по модели «Сириуса».

Руководитель образовательного фонда «Талант и успех» Елена Шмелёва добавила, что в 62 субъектах уже работают центры по модели «Сириуса».

Также на выявление и поддержку талантливых управленцев системы дополнительного образования, обладающих лидерскими качествами и высоким уровнем профессионализма, направлен профессиональный конкурс «Флагманы образования». В настоящее время проходит приём заявок на этот трек конкурса, который реализуется в рамках президентской платформы «Россия – страна возможностей» и проводится при поддержке Минпросвещения России.

Справочно

Со 2 по 3 декабря в гибридном формате проходит VIII Всероссийское совещание работников сферы дополнительного образования «Дополнительное образование детей: потенциал, ресурсы и новое содержание для создания эффективной системы воспитания, самореализации и развития каждого ребёнка», организованное Минпросвещения России.

В совещании ежегодно принимают участие более 20 000 человек. Это педагоги и руководители образовательных организаций, реализующих дополнительные общеобразовательные программы независимо от ведомственной принадлежности и формы собственности, представители органов исполнительной власти субъектов Российской Федерации, осуществляющих государственное управление в сфере образования, молодёжной политики, культуры, спорта и детского отдыха, представители общественных организаций, социально ориентированных некоммерческих организаций, бизнеса из 85 регионов Российской Федерации, в том числе соотечественники и иностранные граждане, осуществляющие дополнительное образование в зарубежных государствах.

В рамках президентской платформы «Россия – страна возможностей» во всех регионах проходит профессиональный конкурс «Флагманы образования», состоящий из четырех треков.

В настоящее время проходит прием заявок на три трека.

Первый – «Флагманы образования. Школа» – ориентирован на руководителей первого и второго уровня школ, классных руководителей и учителей-предметников.

Во втором треке – «Флагманы образования. Студенты» – будут соревноваться студенты вузов и колледжей.

Третий трек – это «Флагманы дополнительного образования». Он направлен на выявление и поддержку талантливых управленцев системы дополнительного образования, обладающих лидерскими качествами и высоким уровнем профессионализма.

Четвертый трек – «Флагманы образования. Муниципалитет». Он ориентирован на управленческие команды муниципальных органов управления образованием: руководителей и их заместителей, руководителей структурных подразделений, а также руководителей образовательных учреждений. Старт запланирован на 9 декабря в Екатеринбурге.

Искусствоведение — истории

Как хорошо в Русском музее! Походила недавно по экспозиции, по корпусу Бенуа, вышла умиротворенной. Разные художники, стили, а ощущение, что все они — одно, и вся коллекция — единое полотно.

Впервые заметила удивительные контрасты между картинами одного и того же художника и неожиданные переклички между картинами разных.

Вот лубочные, чуть аляповатые кустодиевские «Купчиха за чаем», «Масленица». А на стене напротив — неожиданно лиричный кустодиевский же портрет Ренэ Нотгафт, мягкий, задушевный, в нежных тонах.

Сиреневые девы в широких кринолинах, летящие нити ивовых веток, это Борисов-Мусатов. Он неизменен. Даже на декоративном панно «Ломоносов демонстрирует Екатерине Второй электрическую машину» все та же сиреневость и балетная воздушность.

Сомов. То узенькие фривольные картиночки о придворных интрижках, поцелуйчики арлекина и коломбины, а то вдруг просторное полотно «В лесу». Свежая зелень елей и молодых елочек невероятно облагораживает банальную амурную сценку, затмевает ее своим очарованием и чистотой.

Неожиданный Врубель. Всегда он мистичен, полубезумен, изумруд, синева и фиолет, бесплотные девы, сверкающий демон, все в осколках, — и тут, в противовес, картина «Богатырь». Живая, земная. Могучий тяжеленный Илья на своем Бурушке Косматушке так и распирает плечами узкие рамки картины, прищуривается. Чистый Васнецов.

Нестеров мой любимый, с его мягкостью и кротостью. Он тоже пишет сказку, былину, эпос, только не о богатырях, а о православной Руси.

Серов с его насмешливым портретом княгини Ольги Орловой. Вздернутый нос княгини, вздернутая коленка, углы картин, острый кончик туфли, высокомерие, высокомерие, высокомерие. Ох, как не любила она эту картину! А рядом — ласковый, спокойный, весь в мелких завитушечках каких-то портрет княгини Юсуповой.

Даже репинское «Торжественное заседание Государственного Совета» смотрится не официальным, холодным политическим мероприятием, а вполне уютно. Есть эффект присутствия: если смотреть из предыдущего зала, кажется, будто кто-то из сановников сейчас привстанет, отойдет, повернется к соседу. Может быть, это потому, что фигуры людей четко очерчены, а детали костюмов и интерьера смазаны, размыты, некоторые даны бликами, вблизи на них глядишь с недоумением. Издали — эполеты как эполеты, ближе подойдешь — два мазка желтой краски и все.

Самые резкие, конфликтные картины — это картины начала 20 века. Серо-сизые переходы, холодность, тщательно прорисованные мускулы, жилы, желваки. Отходишь от них взбаламученный, взъерошенный и попадаешь снова в умиротворяющие объятия романтиков, в их теплый колорит.

Всегда любила Русский музей, но в этот раз он особенно порадовал, отдых для души.

История произошла: 10 декабря 2017 г.

Журнал о культуре Вологодской области

Светлана Гришина

Первыми слушателями ее «лекций» были… куклы: посадив их перед собой, маленькая Ира, увлеченно жестикулируя, объясняла им смысл своих любимых картин. Потом была художественная школа, Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина и работа в Вологодской картинной галерее, которая продолжается уже больше 40 лет: в «картинку» Ирина Балашова пришла сразу после школы, в 1978 году.

«Не надо думать, что искусствоведы – это те, кто рисовать не умеет, а умеет только критиковать, – Ирина Борисовна с ходу возражает расхожему мнению. – В художке все были уверены, что я продолжу «учиться на художника», и у меня, наверное, получилось бы. Но я вовремя почувствовала, что первой не стану, а сто первой быть не хочу. А вот не рассказывать об искусстве я не могла. Поэтому выбрала профессию искусствоведа и ни разу об этом не пожалела».

Начав работу с должности экскурсовода, в 1993 году Ирина Балашова возглавила Мемориальную мастерскую заслуженного художника РСФСР Александра Пантелеева, изучению творчества которого посвятила многие годы. В 2008-м стала заместителем директора ВОКГ по науке, в 2009-м защитила кандидатскую диссертацию по искусствоведению. С 2001 года она член Союза художников России, с 2017-го – действительный член Петровской академии наук и искусств. В 2021 году к перечню ее регалий прибавилось звание «Заслуженный работник культуры Вологодской области».

За годы работы в Вологодской картинной галерее Ирина Балашова построила десятки выставок, написала множество статей и несколько книг об изобразительном искусстве Вологодчины, в том числе три монографии о творчестве Александра Пантелеева. В 2020 году вышла ее книга «Этюды о художниках», в которой собраны статьи о 45 вологодских и 10 российских художниках, чьи работы экспонировались в ВОКГ с 1980 по 2019 год. Сейчас искусствовед работает над книгой «Жизнь и творчество А.В. Пантелеева».

Что значит «ведать искусством», зачем искусствовед нужен художнику, а зачем – зрителю, как «объяснить» картину – обо всём этом Ирина Борисовна рассказывает в интервью журналу «Сфера».

Интересуясь искусством, вы выбрали путь изучения, а не творчества – что повлияло на ваш выбор?

То, что я хорошо рисую, выяснилось, когда мне было лет шесть: я была в санатории в Москве, и мой рисунок вдруг признали лучшим на конкурсе. Ничего особенного в нем не было – какой-то простенький букетик, нарисованный двумя карандашами, – но маме сказали: вашу девочку обязательно надо отдать учиться. Мама вернулась в Вологду и с моими рисунками побежала в художественную школу на Каменном мосту. Там говорят: рано, приходите в 10 лет. И когда я стала там учиться, все вокруг говорили, что я буду художником, и сама я тоже так думала.

Но в третьем классе я вдруг стала замечать, что ощущаю какую-то слабину в своем рисунке. Никто меня не ругал, оценки были хорошие – и всё-таки… Чувствовала, что моя подружка рядом вроде как лучше рисует. Не думать об этом я не могла. Зато история искусств как предмет нравилась мне всё больше и больше. Вёл ее у нас знаменитый Юрий Александрович Баранов – до сих пор как будто слышу его рокочущий голос. И фильмы, и фолианты, которые он нам показывал, – всё это было необыкновенно, вызывало трепет.

…Сейчас смотрю на свои детские рисунки, которые мама сохранила, и вижу, что художником я бы стала не хуже многих. Но уже тогда во мне, видимо, сидел критик. В художке уговаривали идти в художественное училище, а я решила, что окончу 10 классов и пойду в институт, а потом – работать в картинную галерею. Всё у меня было предопределено, я не металась. Кто повлиял на этот выбор? Ну, наверное, тот художник в Москве, который проводил конкурс. И мама, которая трепетно относилась к движениям моей души.

Как бы вы определили суть искусствоведения? Какая сверхзадача стоит перед человеком, который «ведает искусством»?

Я как-то посчитала, что в этой профессии надо владеть где-то десятью разными специальностями. Искусствоведение – это наука, а искусствовед – ученый, занятый исследованиями. Но ему нужно уметь провести экскурсию, а тут уже надо быть и актером, и педагогом, и методистом. Помимо научных статей для сборников, которые никто, кроме ученых, читать не будет, нужно писать статьи для СМИ, а это должно быть увлекательно, то есть надо быть еще журналистом и писателем. Когда общаешься с художником, чтобы его разговорить, надо быть психологом и дипломатом: спросишь или скажешь что-нибудь не то, он закроется и ничего не расскажет – как тогда готовить его выставку?..

Сначала я была экскурсоводом и организатором экскурсий – на это ушло 15 лет моей жизни. В академии нас учили писать критические статьи, но всему остальному надо было учиться самостоятельно. Вообще профессия искусствоведа требует учиться постоянно – каждый день что-то новое читаешь, смотришь. Надо всё время себя «питать», иначе тебе нечего будет сказать зрителю. Художники ведь не все еще великие, не про всех горы книг написаны – нигде не вычитаешь, чтобы запомнить и повторить. Искусствовед не может состояться сразу – ему нужен опыт, багаж переживаний и впечатлений, кругозор и то, что называют насмотренностью.

Как строится диалог с художником, выставку которого вы готовите? Бывает ли так, что он не согласен с вашей трактовкой своего творчества?

Построить выставку может любой профессионал, но когда делаешь «головой» – это одно, а когда «сердцем» – совсем другое. Надо, чтобы тебе нравилось, чтобы ты горел, а для этого художника надо полюбить как творческую личность. А когда он видит, что его понимают, то он все рассказывает. Когда художник говорит: хочу, чтобы вы написали обо мне статью, значит, он уже знает твое мнение о нем. Меня как автора знали, потому что тогда газеты активно печатали наши статьи об искусстве. Куратора выставки мы выбираем, чтобы он нравился художнику. Джанна Тутунджан однажды сама просила меня курировать выставку ее мужа, художника Николая Баскакова к его 80-летию. Я тогда писала диссертацию, времени совсем не было, но я не могла ей отказать.

Когда работаешь с художником, надо им проникнуться. Вот как актер играет роль? Он же должен, по сути дела, чужую жизнь прожить, стать другим человеком, «поменять группу крови». Поэтому я прихожу в мастерскую и говорю: показывайте всё, вплоть до юношеских работ. (При этом считаю, что на выставке надо показывать только лучшее: слабые работы есть у всех, и художники сами об этом знают, но не все искусствоведы так делают.) И дальше я просто сижу, слушаю, как художник о себе рассказывает. Коллеги смеются: «Как это они тебе всё выкладывают? Прямо как на исповеди!» А у меня никакого секрета нет: просто я отношусь к ним с теплотой и любовью, прихожу с открытым сердцем.

Что говорит о художнике его мастерская?

Мастерская – это «лицо» художника. Это словно ожившая картина, в которую мы вошли и сидим там, чай пьем. В мастерской обязательно надо побывать, когда готовишь выставку, если художник из другого города – едешь к нему. Я много у кого бывала, и все мастерские разные. Например, у Николая Ивановича Мишусты – ателье современного художника, а у Владимира Николаевича Корбакова была такая волшебная пещера, одна из редких потрясающих мастерских. Александр Васильевич Пантелеев создавал декорации к спектаклям и мастерскую выстраивал под стать своей живописи.

Вы написали множество статей о вологодских художниках, а творчеству Пантелеева посвятили три монографии. Это определило ваши взгляды на искусство?

Конечно, Пантелеев – это мои университеты. Я окончила академию в 1987 году, но мы с 84-го активно с ним общались. Он меня «построил» как искусствоведа, если бы не он, я была бы другой. Я люблю не только изобразительное искусство, но и скульптуру, и архитектуру. В академии писала диплом о жилой архитектуре Вологодской области конца XVIII – XIX века: все эти тотемские, устюженские, устюжские домики хорошо знаю и помню. Любовь к архитектуре позволила мне лучше понять живопись Пантелеева: его полотна отличает структурность, выстроенность.

Как личность, как очень талантливый художник и разносторонний человек, он во многом определил мое развитие. Все разговоры с ним я записывала – с самого начала понимала, с кем я общаюсь. Это мне очень помогло при написании диссертации. Пересматривая эти записи, вижу, что то, что я считала своим мнением, на самом деле было внушено мне им.

Общение с кем еще вам запомнилось?

Мне со всеми было интересно. И Джанна Таджатовна Тутунджан, и Георгий Васильевич Калинин, и Генрих Алексеевич Асафов – благодарю судьбу за общение со всеми нашими великими мастерами. И я тоже записывала все свои наблюдения, все наши разговоры. У меня специальная тетрадка была заведена – «Встречи с художниками». Такого-то числа была в мастерской у Валерия Страхова, у него на мольберте стояла такая-то картина… Можно сказать, это наши Леонардо да Винчи. Жаль, что за Леонардо никто не записывал – художников было много, а искусствоведов еще не было. Джорджо Вазари, который считается первым историком искусства, появился позже, но он в основном байки собирал, и не все они достоверны. А нам надо записывать всё – и интересные обороты речи, и бытовые факты – это потом обязательно пригодится. Ведь что такое искусствоведение? Это же не общие фразы: прошла такая-то выставка, такой-то художник показал такие-то картины. А что было дó выставки? Как мастер пришел к тому, что он создал? С кем он общался? С кем дружил, а с кем нет? Как работал над каждой картиной? Кому-то всё это покажется незначительными подробностями, но именно из этого и складывается в итоге история искусства. Главные в ней – художники, а мы, искусствоведы, идем за ними.

Почему важно, чтобы между художником и его зрителем, реальным или потенциальным, был посредник в лице искусствоведа?

Искусствовед, обладая знаниями и опытом восприятия искусства, видит больше и может перевести это всё это на язык простого зрителя. У меня есть книга «Художник. Критик. Зритель», где я как раз доказываю, что искусствовед необходим. Некоторые художники говорят: не надо ничего про меня объяснять! Но не всякий зритель готов понимать искусство. Абрам Наумович Бам, наш прекрасный фотохудожник, и то говорил: смотришь картину на выставке – и ничего не понятно, а послушаешь экскурсовода – и начинаешь видеть то, чего раньше не видел. Но, конечно, всё до конца объяснить нельзя, да и не надо, ведь искусство – это всегда тайна.

Кстати, Пантелеев был первый наш художник, который по-настоящему ценил труд искусствоведа. Он понимал, насколько это нужная профессия, и сразу, как приехал в Вологду из Уфы, пошел в картинную галерею, со всеми познакомился. Он жил здесь с 1976 года, все сотрудники галереи тогда были молодые – и Любовь Соснина, и Марина Вороно, и Галина Дементьева, и Владимир Воропанов – и все так или иначе у него учились.

Вы говорили, что раньше много писали об искусстве для газет – почему, на ваш взгляд, сейчас эта тема мало интересует СМИ?

Зритель был другой. Не было интернета, но люди много читали, стремились к развитию, и уровень эрудиции был намного выше. В художественных музеях спокойно показывали обнаженную натуру, и дети нормально реагировали. А сейчас, когда они чего только не насмотрелись по телевизору и в интернете – и секса, и мордобоя – вдруг спохватились: пишем 12+, 16+. Всё можно и всё нельзя одновременно…

А какие отзывы нам писали на выставки! По этим книгам можно диссертацию защитить. Зрители спорили между собой: один напишет, а другой как будто ему возражает. Тогда трудно было высказать свое мнение публично, зато на уровне искусства копья ломались. Информация о художественной жизни была востребована: мои очерки готовы были публиковать четыре областные газеты, я для каждой писала по-разному об одном и том же – и еще в две написала бы. Материала было много, и я не повторялась, а стиль у меня легкий – работникам леспромхоза не предложишь читать академическую статью. Меня вся область знала по газетам, и я сначала стала членом Союза журналистов, а потом только Союза художников.

Вы любите путешествовать – в каких знаменитых музеях бывали?

Наверное, только в Лондонской национальной галерее не побывала – будучи в Лондоне, не добралась туда, времени не хватило. А так Лувр, Прадо, Уффици, Дрезденская галерея, Мюнхенская пинакотека – везде была. Но вологодская живопись после этого мне не стала меньше нравиться – если картина настоящая, то я это вижу. Конечно, искусствоведу очень важно побывать в ведущих музеях мира. Желание видеть, видеть и видеть – это аппетит, который никогда не пропадает. Причем не только изобразительное искусство, но и архитектуру, обычаи, страну в целом. В 2019 году, до пандемии, я успела посмотреть Индию и Мексику, как чувствовала, что надо ехать. Но при этом родная Вологда с ее тишиной и уютностью нисколько не надоедает.

Вологодская архитектура со времен вашей дипломной работы изменилась – многих зданий уже нет. Как вы смотрите на это как искусствовед?

Старинных деревянных домов очень жалко, но, наверное, патриархальную Вологду всё равно не сохранить. Больше возмущает, когда строят особняки якобы под старину, а на деле это просто безвкусица. Взять простой деревянный одноэтажный домик XIX – начала ХХ века: его строители понимали, что такое гармония пропорций, и знали, как простыми средствами достичь этой гармонии. Сейчас, видимо, другое время.

Искусствовед имеет дело не только с признанными мастерами и шедеврами. Как вы относитесь к новейшим течениям в искусстве?

Мне кажется, что в последнее время усилились процессы распада. Может быть, искусство уже сказало всё, что могло, а все попытки сказать то, чего еще никто не говорил, усиливают хаос. Кстати, Пантелеев уже видел эту тенденцию. Лично я смотреть актуальное искусство, например, не хочу. Да, есть искусствоведы, которым удается увидеть в этом нечто ценное для будущего, но я лучше останусь этаким замшелым камнем, который лежит на пути прогресса. Возможно, искушенные в искусстве люди устают от эстетики, их тошнит от настоящей красоты и хочется помойки. Но обычные-то зрители не могут воспринимать это критически – им кажется, раз это показывают в музеях, значит, это и есть искусство.

Как искусствовед чувствует, что вот это явление настоящее и достойное, а вот это подделка?

Когда появляется что-то совсем новое, идущее вразрез с общепринятыми канонами, искусствовед, имеющий богатый опыт восприятия произведений искусства, может вписать это в какую-то традицию и увидеть в этом ростки чего-то интересного. Но средний зритель как любил Айвазовского и Шишкина, так и любит. Для него ничего не меняется: картина – это зеркало, которое отражает мир, и чем точнее, тем лучше, а все эти игры – мода, попытка выглядеть современным. Надо помнить и о том, что на художнике лежит ответственность, ведь искусство не только отражает жизнь, но и программирует будущее. Поэтому, чтобы публично выражать себя в творчестве, человек должен что-то из себя представлять.

Чехов сказал про писателей: если можешь не писать – не пиши. Так и художник может быть художником, только если он никак не может не писать картины. Если может, лучше чем-то другим заняться. А я вот не могла не рассказывать об искусстве. В больнице лежала – и там рассказывала. Это я с виду простая, а как начала про шумеров – все обомлели. Не могу молчать, не могу не писать статьи и книги – везде несу знания в массы. Это мое счастье, смысл моей жизни.

Преподавание истории искусств с помощью детской литературы с бесплатной временной шкалой рисунков для детей

Преподавание истории искусств детям может быть таким же простым, как открытие книги. Не беспокойтесь о том, чтобы узнать все это, прежде чем начать рассказывать о некоторых из величайших художников всех времен. Ознакомьтесь со списком художников ниже, выберите период времени, который интересует вас и вашего юного художника, и начните обучать детей истории искусства через литературу!

Преподавание истории искусств через литературу…

Если вы часто читаете журнал «Кухонный стол», вы знаете, что я люблю преподавать практически всему по книгам. История искусства не исключение. Существует множество детских книг, в которых эти великие художники и движения художников оживают так, как это просто невозможно сделать в учебнике.

Хотя большинство перечисленных книг — это книжки с картинками, я призываю вас поделиться ими не только со своими младшими детьми, но и со школьниками средних и старших классов. Эти иллюстрированные рассказы рассказывают много фактов о художниках, а также создают отличный контекст для времени, в котором жил художник.

Искусство через движения….

Художественное направление — это название группы художников или искусства, которые имеют некоторые общие черты. Эти общие черты могут включать художественные идеалы, стили, технический подход или временные рамки. Хотя движения, перечисленные ниже, расположены в хронологическом порядке, список движений никоим образом не является полным.

Орфизм, неоклассическое искусство, искусство Баухауза, ар-деко и деконструктивизм — это лишь некоторые из них. Тот факт, что эти движения не перечислены здесь, не означает, что они не подходят для обсуждения и просмотра детьми.

Я создал эту бесплатную распечатанную временную шкалу, чтобы помочь вам и вашим детям получить немного контекста для каждого направления в искусстве, о котором вы будете читать! Эта временная шкала художественного движения рассчитана на стандартную бумагу для копирования 8,5 x 11. Распечатайте и используйте для демонстрации или в качестве ссылки в записной книжке художника. К ним легко возвращаться, когда вы читаете книги ниже.

Получите печатную хронику художника здесь…

Вы хотите, чтобы эта печатная хронология художника была у вас дома или в классе? Вы можете БЕСПЛАТНО получить эту страницу для печати в удобной для печати форме PDF как подписчик KTC.

Просто используйте простую форму ниже, чтобы стать подписчиком KTC. Затем перейдите в свой почтовый ящик, чтобы подтвердить подписку. После подтверждения вы получите PDF-файл, который позволит вам получить доступ и загрузить свою хронологию искусства, чтобы вы могли поделиться ею со своими учениками!

Подписавшись на Kitchen Table Classroom, вы также будете добавлены в список моих еженедельных информационных бюллетеней. Вы будете получать мои лучшие идеи проектов прямо на ваш почтовый ящик!

Вы уже являетесь подписчиком Kitchen Table Classroom…

Если вы уже являетесь подписчиком Kitchen Table Classroom, я рад, что вы здесь!

Как подписчик KTC, вы можете использовать тот же процесс, чтобы получить эту временную шкалу для печати.Это быстрый и простой способ получить доступ к бесплатным загрузкам! Вам не будут приходить дубликаты писем — обещаю.

Как подписчик вы также получите пароль для доступа к моей бесплатной библиотеке ресурсов. Это место, где вы можете просмотреть все бесплатные предложения KTC в одном месте. Есть сотни бесплатных печатных ресурсов в одном удобном для просмотра месте!

Искусство каменного века

30 000–2500 до н. э.

Где находится Стоунхендж? от True Kelley является частью серии «Где есть», родственной серии популярной серии «Кто есть».Эти книги идеально подходят для школьников средних и средних классов. Они мои фавориты, потому что они дают большое количество информации в легко усваиваемой форме.

Кто был Тутанхамоном? Роберта Эдвардс

Египтология: поиски гробницы Осириса Эмили Сэндс

Сокровищница египетской мифологии: классические истории о богах, богинях, монстрах и смертных Донна Джо Наполи из National Geographic

Греческое и римское искусство…

850 b .в.– н.э. 476

Искусство древних греков и римлян называют классическим искусством. Греческие и римские художники и архитекторы стремились к красоте, гармонии и пропорции. Тема часто касалась отношений греков и римлян по отношению к их богам.

Где находится Парфенон? by Roberta Edwards

Суровый стиль древнегреческого искусства by Baby Professor

Древний Рим для детей – Baby Professor

Индийское, китайское и японское искусство…

653 b.c.–a.d. 1900

Японские гравюры на дереве…

Большая волна: детская книга, вдохновленная Хокусаем Вероник Массено использует иллюстрации, вдохновленные гравюрами на дереве Хокусая, чтобы вдохновить историю о японском рыбаке. Также включена репродукция «Большой волны», а также некоторая фактическая информация.

Hiroshigeby Adele Schlombs — небольшая книга с красивыми иллюстрациями. Хотя он не предназначен исключительно для детей, он содержит множество примеров гравюр на дереве укиё-э Хиросигэ.

Рождение Будды….

Это было также время рождения Будды и время распространения буддизма в Китае. «Под деревом Бодхи: История Будды» Деборы Хопкинсон и «Принц Сиддхартха: История Будды» Джонатана Ландо — это увлекательный способ исследовать эти идеи и дать небольшое представление о том времени.

Византийское и исламское искусство….

н.э. 476–1453

Византийское искусство — это искусство Восточной Римской империи. Он был менее реалистичен, чем классические работы греков и римлян.Целью византийского искусства было прославление христианской религии, поэтому искусство того времени, как правило, имело религиозную тематику.

В то время как детские книги о византийском искусстве не так легко найти, эта книга «Искусство, изменившее мир: трансформационные художественные движения и картины, которые их вдохновили» DK — это хорошая книга-обзор, которая даст детям представление о том, какое место занимает византийское искусство. в общую картину истории искусства.

Искусство Средневековья…

(500–1400)

Искусство Средневековья включает кельтское искусство, каролингское Возрождение, романский и готический периоды.

Искусство архитектуры…

Дурак Пиппо Трейси Э. Ферн рассказывает историю строительства архитектурного шедевра — купола Брунеллески через веселую и игривую историю.

«Собор: история его строительства» Дэвида Маколея — это история строительства воображаемого собора. Замысловатые иллюстрации Маколея, выполненные пером и тушью, делают эту книгу идеальной для подающего надежды молодого архитектора!

Художники эпохи Возрождения…

Художники эпохи Возрождения: с историческими проектами для детей Дайан С.Тейлор познакомит ваших детей с пятью известными художниками эпохи Возрождения; Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль и Тициан. Практические предложения по занятиям и открытые задания делают эту книгу легкой для создания целой единицы Ренессанса!

В серии «Знакомство с величайшими художниками мира» Майка Венеции есть названия, посвященные Сандро Ботичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэлю и Тициану. Эти книги содержат МНОГО информации, но уравновешивают ее игривыми отрывками и мультяшными иллюстрациями, а также репродукциями работ художника.

Маньеризм

(1527–1580)

Маньеризм также известен как Поздний Ренессанс. Там, где искусство Высокого Возрождения подчеркивает пропорции и баланс, маньеризм преувеличивает такие качества. В результате получаются композиции, которые часто выглядят искусственными, а не более естественными.

Эль Греко из серии «Знакомство с величайшими художниками мира» познакомит ваших детей с творчеством и жизнью «грека».

Поощряйте своих детей «играть со своей едой» после прочтения «Здравствуй, фруктовая мордашка!»: «Картины Джузеппе Арчимбольдо» Клаудии Странд.Арчимбольдо рисует изображения человеческих лиц, созданные из еды, цветов и предметов повседневного обихода, что делает его очень интересным для обсуждений и исследований!

Барокко

(1600–1750)

Искусство барокко зародилось в Риме, Италия, в 17 веке. Он был известен драматизмом и величием. Общей характеристикой периода барокко является светотень или взаимодействие между тьмой и светом для создания драмы и контраста.

Рембрандт и мальчик, который рисовал собак: История о Рембрандте ван Рейнби Молли Блейсделл рассказывает историю Рембрандта, обучающего своего сына Тита рисованию.

И, конечно, у Майка Венеции из серии «Величайший художник мира» есть издание Рембрандта.

Неоклассическое искусство…

(1750–1850)

Неоклассическое искусство черпает вдохновение в классическом искусстве греков и римлян. Найти детскую литературу о неоклассическом периоде непросто. Для получения дополнительной информации изучите искусство Жака-Луи Давида и Антонио Кановы.

Романтический период…

(1780–1850)

Романтический период не имел четко выраженного стиля.Скорее, романтическое движение было связано с интенсивным личным самовыражением. Романтизм был широко распространен, охватив большую часть Европы и даже проникнув в Соединенные Штаты.

Мне больно признаться, что я изо всех сил пытался найти детскую литературу, подходящую под эту категорию. Добавлю, что наиболее известными художниками того времени были Гюстав Курбе, Жан-Франсуа Милле и Оноре Домье. Я призываю вас исследовать этих художников вместе или до того, как вы посоветуете своим детям, поскольку некоторые из них более дружелюбны к детям, чем другие.

Импрессионизм в искусстве…

(1865–1885)

Импрессионизм возник во Франции в 1870-х гг. Движение импрессионистов отвергло реалистические детали движения реализма для более свободных впечатлений их предметов, которые часто находились снаружи. Видимые мазки кисти и акцент на цвете и свете делают этот стиль легко узнаваемым.

Этот красочный стиль популярен, и о нем легко говорить с детьми. Выбор детской литературы для этого движения разнообразен и многообразен! Я разделю их здесь по исполнителям.

Claude Monet 

Еще больше предложений по книгам и бесплатный лист ответов художника для печати см. в этом посте о том, как писать и рассказывать о работах Клода Моне.

Интерактивные уроки истории искусств для детей, которые можно попробовать дома

Поскольку школы закрыты, а родители дома, у нас есть много возможностей проявить творческий подход к учебе. Это включает в себя изучение искусства! Ниже приведены несколько наших любимых книг о художниках, а также сопутствующие художественные проекты, призванные раскрыть внутреннего художника вашего ребенка.Воспринимайте это как интерактивный урок истории искусства для всей семьи.

Нет этих книг? Без проблем! Хотя многие библиотеки по всей стране закрыты, цифровые фонды большинства из них по-прежнему доступны, и к ним можно получить доступ из дома. Многие местные книжные магазины также предлагают доставку, чтобы поддерживать свой бизнес на плаву. Это отличный вариант для продолжения поддержки вашего сообщества! Также нет недостатка в видеороликах на YouTube, где люди читают детские книги, в том числе некоторые из перечисленных ниже.

Прочти: Просто веди себя, Пабло Пикассо! Джона Винтера / иллюстрировано Кевином Хоуксом

Эта творческая книга отражает неугомонность и неповиновение Пикассо, которые побуждали его перемещаться из страны в страну, от голубого периода к розовому, к совершенно новым стилям, которые бросали вызов реализму. Останавливался ли он, когда другие критиковали его работу? Он этого не сделал и остался верен видению, которое в конечном итоге изменит наше представление об искусстве.

Будь художником: Так как дети естественным образом тяготеют к творческой интерпретации лиц Пикассо, пусть они сами развлекаются с чертами лица с помощью коллажей. Вырежьте изображения глаз, ушей, носов, ртов и волос из той коллекции журналов, которую вы собирались переработать в течение… о… месяцев (только я?). Затем позвольте им отправиться в город, чтобы собрать из них новые сказочные лица.

Прочитайте это: Magic Trash от J. Х. Шапиро / Иллюстрация Ванессы Брантли-Ньютон

Эта великолепная, яркая книга рассказывает о том, как искусство может преобразить районы и расширить возможности людей, которые там живут. Впервые мы видим Тайри Гайтона ребенком, растущим на Гейдельберг-стрит в Детройте, где он любил создавать новые объекты из мусора. Когда Гейдельберг-стрит в конце концов приходит в упадок, Гайтон использует свою кисть, чтобы превратить пустующие дома в холсты, а мусор — в волшебные художественные инсталляции.

Будь художником: Кажется, что детей повсеместно привлекает мусор — чем грубее, тем лучше. Вместо того, чтобы отговаривать эту любовь, поощряйте их находить сокровища, спрятанные в вашем мусоре и мусорных баках: жестяные банки, картонные коробки, рулоны туалетной бумаги, сломанные игрушки, винные пробки — пока это безопасно, используйте это. Тогда посмотрите, что вы можете сделать с ним. Возможно, это мультимедийный коллаж, окрашенный в один цвет. Может быть, это скульптура, сделанная из мусора, склеенного вместе. Может быть, это новое изобретение, для которого у нас еще даже нет слова!

Прочтите это: Яёи Кусама: Отсюда и в бесконечность! Сара Судзуки / иллюстратор Эллен Вайнштейн

Эта исчерпывающая биография Яёи Кусамы прослеживает путь художницы от защищенного детства в Японии до взрывной славы в Нью-Йорке и показывает, как развивалась ее страсть к точкам.

Будь художником: Поощряйте своих детей быть похожими на Кусаму и брать точку! В зависимости от навыков работы с ножницами вы или они могут вырезать точки всех размеров и цветов и отправиться в город на листе бумаги, картонной коробке или другом предмете домашнего обихода, который не жалко превратить в скульптуру. Точечные маркеры также отлично подходят для этого проекта, и если ваш ребенок достаточно взрослый, чтобы легко рисовать круги, обычные старые маркеры и краски также подойдут.

Прочитайте это: Джим Хенсон: Парень, который играл с марионетками Кэтлин Крулл / Иллюстрации Стива Джонсона и Лу Фэнчера

До того, как Маппеты стали международными иконами, Джим Хенсон был обычным ребенком, который любил рассказывать истории, творить и смешить людей. И как только телевидение стало мейнстримом, ему это тоже понравилось. Эта замечательная биография помогает детям понять, как далеко вы можете зайти с воображением и тяжелой работой!

Будь художником: Нет неправильного способа сделать куклу! Кукол можно сделать практически из чего угодно: старых носков, бумажных пакетов для обеда, остатков ткани, ложек и даже еды! Затем пришло время украшать. Выпученные глазки, помпоны, перья, пряжа, ленты, блестки… на самом деле подходит все. (Чтобы узнать больше о том, как делать марионетки, ознакомьтесь с этим удивительным уроком, созданным не кем иным, как самим Джимом Хенсоном.) Когда ваши куклы будут готовы, предложите ребенку придумать историю и устроить кукольный спектакль. И помните, у шоу все еще может быть живая аудитория даже во время социального дистанцирования — для этого и нужен видеочат!

Прочтите это: Я, Фрида Эми Новески / Иллюстрация Дэвида Диаса

Эта великолепная книга посвящена одному ключевому году — 1930 году, когда Кало и ее муж Диего Ривера переехали из Мексики в Сан-Франциско, где Ривере было поручено нарисовать фреску. Именно здесь, вдали от дома и вдали от дома, начинает проявляться артистический голос Кало, и она способна нарисовать свой выход из тени своего мужа. Вместо того, чтобы исследовать многочисленные физические и эмоциональные трудности Кало, « Me, Frida » — это история триумфа.

Будь художником: Одним из любимых сюжетов Фриды была она сама. Есть несколько разных подходов, которые вы можете использовать, когда ваши дети пробуют свои силы в автопортрете (или, может быть, попробуйте их все!).Вы можете установить зеркало рядом с их рабочим местом и попросить их нарисовать свое отражение. Но вы также можете предложить им нарисовать или нарисовать то, как они представляют себе свои надежды, мечты и душу, или образ своего будущего «я».

Прочтите это: Action Jackson Яна Гринберга и Сандры Джордан / Иллюстрировано Робертом Эндрю Паркером

Эта красивая книга — не столько биография Джексона Поллока, сколько взгляд на его творческий процесс, от того, как он думал, до того, как он физически двигался во время рисования, до музыки, которую он слушал во время работы. Это также поможет детям понять, почему его работа была такой новаторской и почему мир отреагировал на нее так бурно.

Будь художником: Мы оставили наш самый грязный проект напоследок. Все, что вам нужно, это краска, бумага и смелость, чтобы противостоять потенциальному беспорядку. Пусть ваш ребенок швыряет, швыряет и разбрызгивает краски сколько душе угодно в истинном стиле Поллока. Чтобы свести к минимуму ущерб вашему дому или лужайке, обязательно используйте моющуюся краску и повесьте старые простыни или полотенца (или разделочную бумагу, если она у вас есть) на пол и стены любого помещения, которое вы используете.

ИСТОРИЯ ИСКУССТВ ДЛЯ ДЕТЕЙ — Уроки в детском саду

Знакомство с историей искусства для детей мотивирует их исследовать художественные материалы и экспериментировать с различными способами создания картин.

Демонстрация образцов истории искусства, в которых основное внимание уделяется цвету, форме, текстуре и линиям, побудит детей к творческому самовыражению.

Для детей важен процесс создания картинок, а не готовый продукт, поэтому сделайте историю искусства частью их повседневного опыта.

По мере того, как маленькие дети знакомятся с изображениями, такими как картина Эмили Карр с изображением ворона ниже, и получают возможность экспериментировать с различными материалами и техниками, они расширяют свой художественный словарный запас и свое понимание мира.

Преподавание истории искусств маленьким детям…

• Размещайте работы одного художника или изображения, демонстрирующие один стиль искусства, на небольшой доске объявлений, посвященной истории искусства (используйте изображения из старых календарей).
• Дайте детям несколько дней, чтобы посмотреть на изображения и задать вопросы.

Размещайте еженедельные изображения, на которых дети могут видеть, как они едят свои закуски. См. образец доски объявлений справа.

• Скрепка каталожная карточка с несколькими интересными для детей фактами о художнике к изображениям, чтобы напомнить вам, что сказать детям (см. рисунок ниже)
• В течение недели дети замечают различные аспекты изображений, комментируют и задают вопросы по ним.
• Сохраняйте историю искусства для детей простыми и вводите только небольшие фрагменты информации за раз.
• Свяжите изображения с детским миром, например, обучение Кандинского на уроке геометрии. «Какие формы использовал Кандинский для создания своей картины?»

4 способа преподавания истории искусств:

1. Преподавайте детям историю искусств по темам…

• Разместите на доске объявлений по одному художественному стилю для каждого термина, например «Реферат».
• Старые календари являются дешевым источником картинок (попросите родителей сохранить их для вас), а затем представьте художников, которые рисовали в этом стиле.
• Прочтите такие книги, как «Что такое большая идея?»: деятельность и приключения в абстрактном искусстве (исследователи искусства)
• Книги, подобные приведенной выше, не только знакомят детей со стилем искусства, но и дают уроки рисования на основе произведений отдельных художников, в данном случае Пикассо, Матисса, Леже, О’Киффа, Колдера и Горки, которые легко адаптируются к разным возрастам. группы.
• Не торопитесь и сосредоточьтесь на одном исполнителе в неделю
• У Джойс Раймондо есть серия книг, подобных указанной выше (поп-арт, экспрессионизм, сюрреализм.Включены резюме художников.

2. Преподавание по географическому району…

Выберите страну и расскажите об истории искусства этой страны. Будьте проще для маленьких детей.

• Например, выберите такую ​​страну, как Египет, и покажите детям изображения пирамид
• Обсудите, как фотографии показывают нам, как люди жили и работали давным-давно.
• Затем нарисуйте цветным мелом цветную бумагу или просто нарисуйте, чтобы каждый ребенок рассказал что-то о своей жизни сейчас.
• Изображение на доске объявлений с подписями, поясняющими рисунок каждого ребенка.
• Покажите образец изображения или фотокопию работы, которую они изучают.

3. Преподавание истории искусств с помощью материала или техники…

• Обучайте детей истории искусства с помощью материалов или техники, например, глины…
• Представить фотографии работ художников, использовавших материалы
• Отправляйте детей на экскурсии в художественные галереи, чтобы увидеть работы, сделанные из определенного материала
• Прочтите книги о художниках, которые работали с материалами, такие как Дейв Гончар: художник, поэт, раб, прежде чем давать детям глину для работы.

4. Преподавание истории искусства художником

Часть серии книг о художниках. Дети получают представление о стиле каждого художника, глядя на изображения в каждой книге. Пикассо (Знакомство с величайшими художниками мира)

Детские книги о великих художниках

Вместе с 25 замечательными занятиями в моей фирменной электронной книге Калейдоскоп: практические исследования цвета (и цвета!) Уорхол и Джакометти .Я считаю, что изучение жизни и искусства мастеров — прекрасный способ помочь детям научиться размышлять и делиться своими идеями, эмоциями и уникальными взглядами на мир. Надеюсь, вы ознакомитесь с идеями, которыми поделились в Калейдоскоп .

Сегодня я делюсь 12 потрясающими иллюстрированными книгами, каждая из которых рассказывает о жизни и творчестве целого ряда мастеров-художников, и, несомненно, у каждого художника, включенного в эту коллекцию, был свой уникальный взгляд на мир, из которого мы можно так многому научиться. В этот список включен ряд художественных стилей, от импрессионизма до абстракции и поп-арта, поэтому я уверен, что вы найдете стиль и историю, которые наполнят вашего ребенка удивлением. Вот наши любимые…

«Кот и птица: детская книга, вдохновленная Паулем Клее» — Джеральдин Эльшнер
История и иллюстрации Эльшнера вдохновлены использованием Клее формы линий и цвета, создавая историю его потрясающей картины «Кошка и птица».

Шумная коробка с красками: цвета и звуки абстрактного искусства Кандинского — Барб Розенсток
История Кандинского, одного из первых в мире художников-абстракционистов, и его уникального взгляда на мир через цвет и звук.

Прикоснись к искусству: Топ поп-музыки Уорхола – Джули Аппель
Необычная книга на ощупь! Делимся работами ряда замечательных поп-исполнителей, в том числе замечательного Энди Уорхола.

Цвета Винсента – Музей Метрополитен
В этой книге искусно рассказывается история картин Винсента Ван Гога, написанная его собственными словами, переведенными из настоящих писем к его брату.

Ножницы Анри – Жанетт Винтер
Автор деликатно делится историей творческого пути Матисса от рисунка к живописи и к его самому известному творчеству, созданному путем вырезания красочных фигур из бумаги.Эта книга вызовет у ваших детей желание отрезать ножницами еще до того, как они сделают последнюю страницу.

Фрида Кало: художница, нарисовавшая себя — Маргарет Фрит
Эта история искусно структурирована как рассказ ребенка о мексиканской художнице Фриде Кало.

Линнея в саду Моне – Кристина Бьорк
Линнея рассказывает историю своего визита в Париж и все, что она узнала о сказочном Моне.

Кэти и Мона Лиза – Джеймс Мэйхью
Представляя работы пяти известных художников эпохи Возрождения, в том числе Мону Лизу Да Винчи, Кэти узнает многое о сюжетах каждой картины, проходя через раму и разговаривая с ними.

Меня зовут Джорджия. Портрет Жанетт Уинтер
С детства Джорджия О’Кифф знала, что хочет стать художницей, и это ее необыкновенная история о том, почему и как она создала такое прекрасное искусство для всеобщего удовольствия.

Действие Джексон – Ян Гринберг
Заглянуть в уникальный стиль и студию Джексона Поллока. История основана на собственных комментариях Поллока и других членов его семьи.

100 Pable Picassos – Violet Lemay
Автор делится небольшими кусочками информации о Пикассо, а также предлагает читателю найти и сосчитать все 100 рисунков Пикассо, представленных в книге.

Museum 123, Museum ABC and Museum Shapes – Нью-Йоркский музей искусств Метрополитен
Используя художественные шедевры из своей коллекции, эта серия нью-йоркского музея искусств Метрополитен сочетает искусство с математическими и грамотными концепциями для изучения с маленькими детьми.

Для вашего удобства каждый заголовок связан со страницей Amazon (это партнерские ссылки), где вы можете найти обзоры и рекомендации по возрасту для тех, с кем вы, возможно, не знакомы лично.

Проверьте Калейдоскоп! Это STEM, искусство и грамотность, каких вы еще не видели — одетые во все цвета радуги! Калейдоскоп: практические исследования в цвете (и цвете!) включает в себя 25 впечатляющих проектов, которые объединяют обучение в различных предметных областях, включая темы STEM науки, технологий, инженерии и математики, а также искусства и грамотности. и приготовление пищи. Это отличный ресурс для учителей, родителей, организаторов лагерей, лидеров молодежных и общественных групп, учащихся на дому, внешкольных воспитателей и многих других. Посетите страницу, чтобы узнать больше .

Сохранить

Сохранить

Сохранить

История искусств для детей. Часть 1. Розовый пушистый мир

Добро пожаловать в историю искусств для детей! Эти 10 прогрессивных уроков станут веселым и интерактивным способом познакомить ваших детей с историей искусства.В этом первом посте, часть 1, вы найдете 5 уроков по истории искусства, которые включают в себя короткий урок чтения вслух, 1-2 видео и веселую и простую поделку. Здесь мы начнем с наскальной живописи с доисторических времен и продвинемся до эпохи Возрождения. Часть 2 будет включать искусство Северо-Западного побережья, импрессионизм, модернизм и многое другое! Мое видение:

1. Прочитайте урок вместе (либо на компьютере, либо с помощью iPhone, чтобы «отразить экран» на экране телевизора, чтобы все могли видеть изображения). Я также включил текстовый документ в начале каждого раздела — мне кажется полезным читать его, пока изображения находятся на экране, чтобы дети могли их просматривать
2. Посмотрите видео, чтобы лучше объяснить урок
Арт-проект
3. позволит детям лично пережить историю урока!

Каждый урок должен длиться менее часа.На протяжении уроков вы увидите вопросов, выделенных красным жирным шрифтом, — когда вы столкнетесь с этими вопросами, остановитесь и по-настоящему задайте эти вопросы своим детям, чтобы стимулировать их критическое мышление.

Я изучал историю искусств в колледже, поэтому большая часть этой информации взята из моей старой университетской книги: Janson’s History of Art . Есть причина, по которой я изучал историю и не сосредотачивался на создании искусства — я ненавижу беспорядок и совсем не хитрый! Так что будьте уверены, что каждое из ремесел не слишком сложно и должно быть достижимо со многими вещами, которые у вас есть дома (хотя загляните в мой список Amazon, чтобы взять несколько дополнительных вещей, которые могут вам понадобиться).

Найти все подчеркнутые элементы в моем списке Amazon

Неделя 1 — Доисторическое искусство и наскальная живопись:

• Порошковая краска — если вы не хотите иметь дело с порошковой краской, вы можете просто использовать грязь или краску для пальцев
• Средство для мытья посуды – как Dawn
• Крафт-бумага

Неделя 2 – Египет:

• Принтер, ножницы, маркеры и клей-карандаш, или
• Лего или дупло, или
• Одиночные чашки

Неделя 3 – Греческое искусство:

• Принтер
• Карандаш
• Обычная белая бумага или картон
• Мелки
• Кисть и черная краска
• Зубочистка, шпажка или деревянный стилус (для царапания)

Неделя 4 – романский стиль vs. Готическая архитектура:

• Принтер и бумага
• Мелки или фломастеры

Неделя 5 – Возрождение:

• Принтер и бумага
• Мелки или фломастеры
• Карандаши

Неделя 1 – Доисторическое искусство и наскальная живопись Текстовый документ

Держу пари, вы рисуете, раскрашиваете, играете с пластилином или слушаете музыку почти каждый день. Чем еще вы занимаетесь каждый день?   Все это примеры искусства, но люди не всегда занимались искусством.Первые люди, или Homo sapiens, жили около 315 000 лет назад, но только около 40 000 лет назад у нас появились первые признаки искусства. Это раннее искусство состояло в том, что люди изготавливали инструменты из палок и камней. Затем, примерно 10 000 лет спустя, мы находим первые рисунки, в основном с изображением животных, нарисованные на стенах темных пещер.

Самая старая из этих пещер называется пещерой Шове во Франции. Здесь люди рисовали львов, пантер, носорогов, медведей и мамонтов.Представьте, что вы живете в месте, где все эти животные бродят по вашему двору. Ой!

Каких животных вы видите на этой картинке?

Одна из лучших доисторических пещер была найдена в другой части Франции, под названием Ласко. Искусство в этой пещере было создано более 15 000 лет назад, но только в 1940 году (80 лет назад) мы даже знали о его существовании! Группа мальчиков играла на улице, как вдруг их собака «Робот» упала в яму! Когда они пошли спасать собаку, они нашли пещеры и пещеры доисторического искусства!

В этих пещерах были изображены бизоны, олени и крупный рогатый скот — другие виды животных, чем те, что были найдены 15 000 лет назад в Шове.Мы полагаем, что эти рисунки были частью магических охотничьих ритуалов — эти ранние люди верили, что убийство животного на картине поможет охотиться на животное в реальной жизни. На самом деле это один из первых примеров религии, особенно религии, которая считает, что природа наполнена духами — вспомните Покахонтас Диснея!

Каких животных вы видите на этой картинке?

Сами рисунки были нарисованы на стенах пещеры либо черным контуром (вспомните раскраску, которая еще не раскрашена), либо заполнены земляными тонами. Эти ранние люди использовали естественные трещины и неровности каменных стен, чтобы сформировать своих животных. Как вы думаете, что они использовали для краски? Что они использовали для кистей?

Вероятно, только их руки и для краски различные элементы, такие как древесный уголь от их костров, грязь и другие вещи, найденные в их среде.

Видео:

«Пещерное искусство 101» от National Geographic дает отличную информацию и изображения этих пещер:

«Пещерный ребенок» Джулии Дональдсон читать вслух:

Художественный проект: пещерное искусство

Для этого проекта «Пещерное искусство» мы сделали грязевую краску, используя порошковую краску и грязь, и нарисовали наши наскальные рисунки на скомканных листах бумаги (или на стенах нашей пещеры!). Этот проект определенно такой же грязный, как и я, может быть, даже слишком грязный … если это тоже вы, не стесняйтесь менять только на обычную грязь (без краски) или просто краски для пальцев.

Шаг 1: Сделайте «грязевую краску»:

1. Добавляйте грязь в отдельные контейнеры — столько контейнеров, сколько хотите цветов
2. В каждый контейнер для грязи добавьте 1-2 столовые ложки порошковой краски (найдена в списке Amazon)
3. Добавьте немного средства для мытья посуды (как рассвет)
4. Добавьте 1/4 стакана воды
5. Смешайте и отрегулируйте ингредиенты до консистенции краски

Шаг 2. У нас во дворе нет каменной поверхности, поэтому мы взяли большие куски крафт-бумаги, быстро сморщили их, чтобы придать поверхности некоторую текстуру, а затем использовали естественные углубления на бумаге, чтобы создать фигурки животных. .Если у вас во дворе есть каменная поверхность, которую вы хотите нарисовать прямо на ней, сделайте это!

Чтобы смыть краску с рук, потребовалось несколько стирок, но она определенно сходит. Также легко выходил из одежды – грязь, однако, была совсем другой историей. Убедитесь, что носит темную одежду для этого проекта.

Теперь какие картинки создавать?? Какие животные живут в вашем сообществе? Что бы вы хотели, чтобы через 30 000 лет кто-то знал о том, кто вы и во что верите? Можно ли нарисовать что-то, обладающее магической силой? Пещерный человек думал, что сможет!

Неделя 2 — Текстовый документ по египетскому искусству

Египетская цивилизация существовала приблизительно с 3 000 до 1 000 лет до нашей эры, то есть 2 000 лет! Сколько лет Америка была страной??   Мы делим эти годы на 3 части: Старое царство, Среднее царство и Новое царство.Каждый из этих периодов времени состоял из династий — всего в 3 королевствах было 20 династий! Династия — это период времени, когда у власти находился ряд правителей, обычно из одной семьи. Этих лидеров называли фараонами, и египтяне считали этих правителей богами. Разве не было бы забавно, если бы мы думали, что наш президент был богом???

Но по мере того, как менялись эти фараоны, менялось и искусство – каждый правитель привносил в египетское искусство свои собственные идеи и влиял на создаваемые картины, статуи и памятники.Поскольку египтяне считали фараонов богами, им нужны были действительно интересные места для захоронения. Место захоронения — это место, где кого-то хоронят после смерти. Где мы сегодня хороним людей? фараонов были похоронены в комнатах, глубоко внутри больших и интересных зданий.

В Новом Королевстве у нас есть гробница короля Тутанхамона, более известного как Тутанхамона. Его гробница особенная, потому что она была обнаружена в 1922 году практически нетронутой — большинство гробниц других фараонов были ограблены! Как вы думаете, почему их ограбили?

Потому что фараоны любили хоронить себя в золотых гробах (у Тутанхамона было 250 фунтов чистого золота!!), а в гробницах их окружало множество других сокровищ.

Какое у тебя сейчас самое особенное сокровище? Хотели бы вы зарыть его в землю? Как вы думаете, почему египтяне хоронили свои сокровища в гробницах?

Мы полагаем, что египтяне сделали это, чтобы иметь что взять с собой после смерти!

Но мы собираемся провести некоторое время в Старом Королевстве, а именно в Четвертой династии у пирамид Гизы и Великого Сфинкса.

Эти пирамиды имеют высоту 450 футов – примерно как 35-этажное здание! Они были спроектированы иначе, чем в более ранних династиях — здесь погребальная камера короля расположена в середине сооружения, а не в подвале.

Фараоны думали, что это защитит их золото и сокровища от грабителей. Они также включали «воздушные шахты» или небольшие туннели, которые указывали на созвездие Ориона. Это был «аварийный люк» для восхождения фараона к звездам.

Великий Сфинкс высотой 65 футов был высечен из камня (вместо сложенных друг на друга камней, как в пирамидах) и изображает голову фараона на теле льва.

Эти большие здания были построены, чтобы показать египтянам, насколько могущественны их правители.Помните, тогда не было ни кранов, ни бульдозеров. Мужчины строили их, перенося большие камни вручную! Вы бы согласились на такую ​​работу??

Теперь давайте поиграем:  Что бы вы сделали с египетским сокровищем?

Представим, что вы обнаружили египетскую гробницу, внутри которой находится красивая золотая чаша. Что бы вы с ней сделали?

1. продать
2. перезахоронить
3. держи
4. отдать в музей

Теперь, как вы думаете, что каждый из этих парней сделал бы с ним и почему?

• расхититель могил
• древний египтянин
• эгоистичный коллекционер
• археолог

Видео:

«Древний Египет 101» от National Geographic — может быть наиболее подходящим для детей от 8 лет, включает изображения мумий и чуть более сложный язык:

«Ребенок рассказывает о Древнем Египте» — это милое введение в египетскую культуру, представленное ребенком! Язык более доступен, чем видео National Geographic, но все же показывает некоторые изображения мумий:

Варианты художественного проекта:

Сделайте один или все эти проекты — мы сделали все и в этом порядке.Я действительно думаю, что выполнение каждого из них помогло им по-настоящему понять структуру пирамиды

• Спроектируйте внутреннюю часть пирамиды с помощью этой распечатки — как вы защитите свое сокровище от грабителей?! Какие еще хитроумные туннели, шахты и потайные комнаты будут в вашей пирамиде? Летняя история искусств Египта (1)

• Построить пирамиду из Lego или Duplos
• Командный проект: постройте пирамиду из одиночных стаканов — какой высоты вы сможете сделать, прежде чем она упадет?

Неделя 3 — Текстовый документ на греческом языке

Искусство и традиции египтян и доисторических народов действительно отличаются от всего, что мы встречаем в нашей жизни сегодня. Бьюсь об заклад, в вашем районе не так много наскальных рисунков или пирамидальных могил! Но то, что мы найдем в Греции, покажется действительно знакомым. Греческая архитектура очень похожа на здания в наших городах, греческая скульптура очень похожа на статуи, сделанные сегодня, а греческая монета удивительно похожа на тот квартал в вашей копилке.

Греческая цивилизация начала формироваться около 1100 г. до н.э., то есть более 3000 лет назад. Удивительно, что идеи и методы, которые люди использовали тогда, все еще используются сегодня.В 776 году до нашей эры в Олимпии, Греция, состоялись первые Олимпийские игры. Только мужчинам разрешалось играть в и смотреть игры — они соревновались в таких видах спорта, как бег, бокс, борьба и гонки на колесницах. И все спортсмены соревновались голышом! Может быть, и хорошо, что наши современные Олимпийские игры немного изменились!

Искусство в то раннее время в основном состояло из ваз, покрытых изображениями людей и геометрических фигур, таких как треугольники, квадраты и другие узоры. Эти вазы были разных стилей и имели множество различных применений — чаще всего для хранения вина или масла.Гончары использовали иглу, чтобы царапать изображения на глине. Некоторые также были окрашены черной, фиолетовой, красной и белой краской.

Геракл душит Немейского льва. Псиакс. 525 г. до н.э. Museo Civico dell’Eta Cristiana

Но с 1100 г. до н.э. по 700 г. до н.э. самой важной формой искусства была поэзия. Это было, когда Гомер написал свои знаменитые Илиада и Одиссея эпос. Вы прочтете их, когда станете немного старше!

С 700 по 600 год до н.э. начались изменения в изобразительном искусстве – это то, что мы называем живописью, скульптурой и даже архитектурой.В это время люди из Египта пришли в Грецию, и их идеи начали менять то, что делали греки. Посмотрите на эту женскую фигуру — она очень похожа на египтянку в прическе, в том, как она стоит, даже в узоре на платье. Сможешь ли ты стоять, как она? Готов поспорить, что вы прямолинейны и напряжены, а вес тела приходится даже на обе ступни.

Женская фигурка (Коре). 650 г. до н.э. Музей Лувр, Париж

Это один из самых ранних образцов греческой скульптуры.Теперь прыгнем вперед на 320 лет и встанем вот так :

Апоксиомен (Скребок). 330 г. до н.э. Музей Ватикана

Перенесите вес на левую ногу и согните правое колено. Эта статуя называется Скребок — он соскребает масло со своей кожи. Он не просто стоит, он что-то делает! Но даже если вы опустите руки, вы все равно будете демонстрировать движение так же, как ваши ноги. Этот способ стояния называется «Контрапост» (, можно ли сказать «Контрапост»? ), и это небольшое изменение стало ОГРОМНЫМ событием в истории скульптуры.Внезапно резной кусок скалы кажется движущимся!

Это легкое смещение ног было только началом — взгляните на этого метателя диска. С этим парнем много движения! Но каким-то образом он полностью уравновешен — , ты можешь стоять так, не падая?

Дискобол (Дискобол). 450 г. до н.э. Museo delle Terme, Рим

Теперь давайте перейдем к греческой архитектуре. Это, возможно, самая важная часть древнегреческого искусства.Существует 3 разных типа греческой архитектуры или три разных ордера : дорический, ионический и коринфский. Дорик происходит из материковой Греции, ионический и коринфский – с греческих островов.

Вот 3 разных заказа, чтобы мы могли посмотреть на различия. Обратите внимание на то, что шагов внизу отличаются друг от друга. Тогда, конечно, столбцы отличаются — это наиболее распространенный способ различить 3 порядка. Наконец, антаблемент или части, которые опираются на колонны, отличаются.(Извините за размытость этой картинки… мне понравилось это сравнение из моей книги Янсона, так что я взял его прямо оттуда!)

Эти 3 стиля в основном использовались в греческих храмах или зданиях, куда греки поклонялись своим многочисленным богам. Но в отличие от наших сегодняшних церквей, эти большие каменные здания были спроектированы таким образом, чтобы их можно было увидеть снаружи — внутрь пускали очень мало людей.

Самый известный дорический храм — Парфенон в Афинах, Греция на Акрополе.Этот храм был посвящен Афине, богу-покровителю Афин.

Парфенон. 448-432 гг. до н.э. Афины, Греция

Также в Акрополе мы находим несколько действительно замечательных образцов ионических храмов. Основное отличие от ионического ордера — большой двойной свиток в апитале c в верхней части колонны и непрерывное скульптурное изображение во фризе. Эрехтейон на Акрополе — прекрасный пример культового храма. Кроме того, обратите внимание, насколько легкие колонны по сравнению с Парфеноном.

Эрехтейон. 421-405 гг. до н.э. Афины, Греция

Кроме того, в нем есть очень захватывающее «Крыльцо девушек» — эти 6 дам смотрят в сторону Парфенона или Храма Афины. Обратите внимание, как они стоят! Контрапост под туниками с замысловатой резьбой. Эти дамы точно несут тяжелый груз на голове!

Портик Дев, Эрехтейон . 421-405 гг. до н.э. Афины, Греция

Наконец, давайте взглянем на коринфскую столицу — эта растительноподобная конструкция изначально встречалась только внутри зданий.Только в 334 г. до н.э. мы видим эти красивые колонны снаружи (или снаружи) здания. Вот первый пример коринфской колонны — . Эта колонна держит крышу здания?

Памятник Лисикрату. 334 г. до н.э. Афины, Греция

Нет, это вырезано в стене. Но не волнуйтесь, в конце концов они поняли, как сделать эти изящные колонны достаточно прочными, чтобы удерживать антаблементы, и коринфский стиль взял верх, став самым популярным и широко используемым из всех столичных стилей.

Хорошо, теперь давайте поиграем Кто Назовет Греческий Орден!!?? :

Все 4 из этих зданий находятся в Америке – первые 3 находятся в Вашингтоне, округ Колумбия: Мемориал Линкольна, Мемориал Джефферсона и Верховный суд США. Четвертая — Нью-Йоркская фондовая биржа. Удивительно, что мы все еще копируем этих греков тысячи лет спустя!

Видео:

«Древняя Греция 101» от National Geographic:

«Древняя Греция — 5 вещей, которые вы должны знать — История для детей» содержит краткое изложение некоторых других интересных фактов о Древней Греции:

Варианты художественного проекта:

Создайте свой собственный заказ греческой архитектуры с помощью этого рабочего листа в колонке: Summer Art History Greek Order

Этот проект греческой вазы Scratch Art — это весело — мы попробовали его, определенно нужно было нанести 2 слоя черной краски. Возможно, начните этот проект, а затем сделайте рабочий лист столбца, пока вы ждете, пока краска высохнет!

. Неделя 4. Текстовый документ романской и готической архитектуры. Документ

Средневековье длилось с 476 года нашей эры, когда пала западная Римская империя, до 1400 года нашей эры или начала эпохи Возрождения. За это время мощь европейской цивилизации переместилась из Греции и Рима на север, в Германию, Францию ​​и Англию. Христианство распространялось по Европе, и Папа в Риме понял, что для сохранения своей власти над всеми королями Европы ему необходимо объединить силы с этими правителями.Одним из важных способов, которым он это сделал, была коронация Карла Великого Императором Священной Римской империи в Риме в 800 году нашей эры.

Коронация Карла Великого. Рафаэль. 1517 г. н.э. Музей Ватикана

Но столица Священной Римской империи находилась не в Риме, а на севере, в Германии. Короли всей Европы хотели показать свою связь с Папой Римским, поэтому они создавали религиозные сооружения или здания, которые демонстрировали бы преданность Церкви и служили бы центром их средневековых городов и поселков. Также в это время у нас есть крестовые походы — серия войн, когда христианские солдаты из Европы отправлялись на Ближний Восток, чтобы сражаться с мусульманами за контроль над Святыми землями. Эти «крестоносцы» привезли много религиозных артефактов (или особых предметов) из своих военных экспедиций — считалось, что крест внизу включает в себя кусок дерева от креста Иисуса! Эти сокровища нуждались в безопасных местах для просмотра и хранения. Огромные соборы по всей Европе стали как нельзя кстати!

Крест-реликварий. 1180 г. н.э. Метрополитен-музей

Эти соборы имели 2 очень разных архитектурных стиля: сначала был романский, а затем готический.

Сначала нужно поговорить о крыше собора. До этого времени в истории большие церкви имели каменные стены и деревянные крыши. Но еще в 1000 году нашей эры не было пожарных частей, пожарных машин или шлангов, подключенных к воде. Электричества тоже не было — темные внутренности церквей освещались свечами. Пожары случались очень часто, и без пожарных часто сгорали эти деревянные крыши.Архитекторы (или люди, которые проектируют здания) думали, что должен быть способ не только иметь каменные стены, но и каменные крыши. Как вы думаете, что тяжелее, деревянная крыша или каменная?  

Эти каменные крыши были очень тяжелыми, и стены, которые их поддерживали, нужно было изменить, чтобы выдержать весь этот вес. С 1050 по 1200 год нашей эры архитекторы скопировали римскую идею закругленных арок, чтобы поддерживать каменные потолки. Вот почему мы называем этот тип архитектуры Roman esque!

Вот римский акведук — это сооружение, которое римляне использовали как водопровод для подачи воды в города:

Пон-дю-Гар.40-60 гг. н.э. Ним, Франция

Видите круглые арки, из которых состоит это сооружение? Теперь взгляните на Сен-Сернен в Тулузе, Франция, изнутри.

Интерьер Сен-Сернен. Тулуза, Франция. 1080-1120 гг. н.э.

Видите такие же округлые арки вдоль стен? Также обратите внимание на круглый каменный потолок. Это называется бочкообразным хранилищем и также происходит из римских времен.

Вот фото снаружи Сен-Сернен. Если вы присмотритесь, вы увидите только очень маленькие окна.Романские архитекторы не могли придумать, как поддерживать потолок, имея при этом большие стеклянные окна.

Сен-Сернен Экстерьер. Тулуза, Франция. 1080-1120 гг. н.э.

Какой формы выглядит это здание?

Может крест! Эта планировка хорошо работала, чтобы создать пространство в центре церкви, названное нефом , для сбора прихожан, оставив проходов по бокам для паломников, чтобы они могли пройти по пути, чтобы увидеть все эти религиозные сокровища из Святые Земли.

План Сен-Сернен. Тулуза, Франция. 1080-1120 гг. н.э.

Затем, примерно в 1150 году нашей эры, аббат (или религиозный человек, который является главой аббатства монахов) по имени аббат Сугерий начал думать, что должен быть лучший способ поддерживать эти потолки!  Он также хотел, чтобы соборы были наполнены естественным светом через красивые большие окна. Он считал, что этот «Божественный Свет» будет подобен духу Бога, пришедшему в космос. Он обнаружил, что изменение этих арок с закругленных на заостренные добьется цели! Кроме того, изменение потолков с цилиндрических сводов на что-то, называемое ребристым сводом , позволит сделать стены настолько прочными, что в них могут быть огромные окна.

Сен-Дени. Париж, Франция

Теперь мы называем этот тип архитектуры готика , и это был излюбленный способ строительства соборов по всей Европе примерно до 1450 года нашей эры.

Присмотритесь к окнам в Сен-Дени – Окна прозрачные, как у вас дома?

Окна такого типа называются витражами и украшались красивыми изображениями библейских сюжетов.В Средние века большинство людей не умели читать, эти окна были почти как огромные стеклянные комиксы, которые работали, чтобы учить людей посланиям Бога и Церкви. Одним из наиболее распространенных типов готических витражей было окно-роза , которое мы видим здесь в самом известном готическом соборе, Соборе Парижской Богоматери в Париже, Франция:

Собор Парижской Богоматери. Париж, Франция. 1250 г. н.э.

На этом снимке Нотр-Дама также изображена еще одна очень важная часть готической архитектуры — контрфорс f .   Довольно забавное слово, не правда ли! Арка-контрфорс — это арка, которая проходит от внешней стены здания, чтобы поддерживать и удерживать стену. Вот более пристальный взгляд на контрфорсы Нотр-Дама:

Собор Парижской Богоматери. Париж, Франция. 1250 г. н.э.

Наконец, мы не можем закончить разговор о готических соборах, не упомянув горгулий ! Эти скульптуры были установлены повсюду снаружи Соборов — некоторые из них были очень причудливыми стоками, чтобы помочь отводить дождевую воду с крыш, все они были страшными существами, созданными для того, чтобы запугивать людей и заставлять их ходить в церковь! Напугают ли вас эти существа, чтобы вы пришли в церковь или убежали подальше от церкви?? Я не уверен! Вот некоторые из горгулий Нотр-Дама:

Вот последний взгляд на основные различия между романской и готической архитектурой:

Теперь, когда у вас есть вся информация, давайте сыграем Романский или готический стиль? Назовите эту средневековую архитектуру!

Шпейерский собор. Шпейер, Германия. 1030 г. н.э.

Солсберийский собор. Солсбери, Англия. 1270 г. н.э.

Шартрский собор. Шартр, Франция. 1220 г. н.э.

Нотр-Дам-ла-Гранд. Пуатье, Франция. 1100 г. н.э.

Собор Парижской Богоматери. Париж, Франция. 1250 г. н.э.

Видео:

Что такое готическая архитектура прекрасно описывает детали готического стиля:

Собор Нотр-Дам для детей из истории перед сном фокусируется на соборе Нотр-Дам и обсуждает недавний пожар:

Варианты художественного проекта:

Раскрасьте эту прекрасную витрину-розу Сен-Дени с сайта www. donteatthepaste.com: Летняя история искусства «Окно-роза»

Вот страница раскраски горгульи с сайта www.supercoloring.com: Summer Art History Gargoyle

Неделя 5 — Текстовый документ «Возрождение»

Многие утверждают, что эпоха Возрождения является самым важным периодом в истории искусства. Но само Высокое Возрождение длилось всего 25 лет (1495-1520). Шесть человек: Леонардо, Браманте, Микеланджело, Рафаэль, Джорджоне и Тициан были главными художниками этого периода, и когда они умерли, Возрождение в основном закончилось.Подумайте о том, как долго просуществовала египетская цивилизация — 2000 лет! Даже Средневековье длилось более 900 лет. Так что на самом деле довольно удивительно, что самое важное искусство, когда-либо созданное, было создано за такой крошечный период времени.

Все остальные периоды искусства, о которых мы говорили до сих пор, были обозначены постфактум. Если вы помните, когда архитекторы строили готические соборы, они не называли это «готикой» — это название было дано стилю позже. Но художники эпохи Возрождения знали, что делали, и знали в то время, когда это происходило на самом деле.В то время это называлось «Возрождение». «Ренессанс» — это слово, означающее «Возрождение», и этот период известен как возрождение классических стилей, которые мы видели в греческие и римские времена. Художники этого периода намеренно оглядывались на тысячу лет назад в поисках нового вдохновения и идей.

Помните, Средневековье было темным периодом времени, когда почти не существовало искусства (кроме соборов). Люди были очень сосредоточены на Церкви и поклонении Богу.Они боялись умереть от чумы. Они вели крестовые войны на Востоке. Когда в 1495 году началось Высокое Возрождение, произошел переход от полного сосредоточения внимания на божественном (или Боге) к сосредоточению внимания на человеческих достижениях в области математики, науки, искусства и философии. Ренессанс на самом деле представляет собой сочетание этих классических интеллектуальных идей со средневековыми идеями поклонения Богу. Это начало того мира, в котором мы живем сегодня, где важны как интеллектуальные, так и религиозные мысли.Художники, которые изучали и стали экспертами во всех этих предметах, были известны как 90 139 людей эпохи Возрождения.

Мы не говорили о живописи в средние века, но вот пример того, как она выглядела:

Мадонна на троне. Джотто. 1310 г. н.э. Галерея дельи Уффици, Флоренция

Как Мэри выглядит на этой фотографии? Какого цвета ее кожа? Она счастлива?

Что за золотые круги у всех на головах? Вы можете видеть сквозь них?

Что на заднем плане картины?

Фигуры на этой картине плоские, фона нет, Мария и Иисус сидят в архитектурном сооружении в готическом стиле, они даже выглядят немного больными! Почему они такие серые?!?!

Теперь давайте перенесемся в эпоху Высокого Возрождения и посмотрим на работу на подобную тему самого знаменитого художника того времени Леонардо да Винчи (1452-1519).

Богородица в скалах. Леонардо да Винчи. 1485 г. н.э. Музей Лувр, Париж

Давайте зададим некоторые из тех же вопросов с этой картиной:  Как Мэри выглядит на этой картине? Как вы думаете, что она чувствует? Что на заднем плане?

В этом шедевре представлены некоторые из наиболее важных техник Высокого Возрождения. Мария находится в центре картины, ее правая рука обнимает Святого Иоанна, ведущего его к младенцу Иисусу.Св. Иоанн поклоняется Иисусу, сложив руки в молитвенном положении. Иисус благословляет Иоанна правой рукой, а ангел в красном рядом с Иисусом указывает на Иоанна, ссылаясь на его важную роль в жизни Иисуса. Левая рука Марии парит над головой Иисуса, служа ему ореолом. Это все большой круг – каждый жест рукой имеет значение!

Здесь Леонардо также показывает нам ренессансную технику «Светотень» — использование света и тени для создания трехмерных фигур. У нас больше нет плоских людей средневековья.Теперь люди на картинах кажутся более реальными, как будто они имеют трехмерные формы. Ближайшие к нам части их тела яркие и четкие, дальние более темные и отходят на второй план.

Фоновая сцена Дева в Скале представляет собой природный ландшафт, а не сооружение или здание. Заметили туманность или туманность сцены позади них? Эта дымка называется «сфумато», и она придает картине теплоту и почти сказочное качество.

Далее давайте посмотрим на самую известную картину Леонардо:

Мона Лиза. Леонардо да Винчи. 1503-5 г. н.э. Музей Лувр, Париж

Обратите внимание на «сфумато» или туманный фон. У него есть сказочное качество, не так ли? Видите «светотень» на ее лице, особенно на левой стороне? Части, которые исчезают на заднем плане, темнее, и ее лицо не очерчено жесткой линией. Здесь у нас также есть еще одна очень важная техника эпохи Возрождения, «линейная перспектива» или центральная точка схода на заднем плане изображения. Элементы сцены за фигурой становятся меньше по мере удаления пейзажа.Это создает глубину пространства, которая была новой техникой того времени.

Но кто была эта женщина? Долгие годы никто не знал — у нее определенно есть загадочное качество. Какое у нее выражение лица?  Она счастлива? Она думает? Если вы когда-нибудь увидите эту картину в Париже, обязательно пройдите мимо нее, глядя ей в глаза. Где бы ты ни стоял, кажется, что она смотрит на тебя. Супер загадочный!!

Давайте посмотрим на другого известного художника эпохи Возрождения, Рафаэля (1483-1520), и его использование «линейной перспективы»:

Школа Афины.Рафаэль. 1510-11 гг. н.э. Ватиканский дворец, Рим

Обратите внимание на центральную точку схода через арку на заднем плане прямо между головами двух центральных фигур. К этой точке исчезают все элементы этого архитектурного пространства. Статуи в ближайших к нам стенах намного крупнее тех, что дальше, создавая ощущение глубины — близости и отдаленности. Здесь Рафаэль выбрал очень ренессансный сюжет — Платон и Аристотель окружены группой самых известных греческих философов, каждый что-то делает или принимает позу, характерную для того, что они изучали. Он также изобразил Микеланджело в центре, прислонившегося к мраморной глыбе, и свой автопортрет справа в черном берете.

Микеланджело (1475-1564) был включен в эту картину в последнюю минуту, вероятно, потому, что Рафаэль был вдохновлен работой, которую он делал в то время в Сикстинской капелле. На самом деле, Рафаэль полностью начал создание «Афинская школа » на полпути, потому что он был так впечатлен работой Микеланджело.

Сикстинский потолок. Микеланджело. 1508-12 гг.

На роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане ушло 5 лет, а на центральной панели изображены девять историй из книги Бытие. Здесь Микеланджело использует тот самый «Ренессанс», объединяющий церковь и науку или гуманизм — у нас есть история из Библии в сочетании с очень скульптурными фигурами, которые показывают тела по-новому, мускулистым образом.

Сотворение Адама, часть Сикстинского потолка. Микеланджело. 1508-12 гг.

(Я подвергаю цензуре некоторые из этих изображений — если вам нравится истинная версия, нажмите на изображение, чтобы перейти на веб-сайт Ватикана)

В  Сотворение Адама Микеланджело изображает прохождение «божественной искры» от Бога (справа) к Адаму (слева).Ева ждет под левой рукой Бога. Их лица полны эмоций. Использование света и тени «светотень», наряду со скульптурным стилем тел фигур, придает им ощущение трехмерности. Вы можете себе представить, что такое можно нарисовать на потолке!?

Но Микеланджело действительно был известен своей скульптурой или резными мраморными статуями — возможно, поэтому его нарисованные фигуры имеют такой скульптурный стиль. Вот одна из его самых известных скульптур:

Пьета. Микеланджело.1500 г. н.э. Собор Святого Петра, Рим

Эта скульптура находится в правом проходе базилики Святого Петра в Риме. Это логичное место для этих фигур, поскольку Мария (или Мадонна) представляет Церковь и символизирует врата в Небеса.

Даром Микеланджело как скульптора была его способность добавлять дух к своим статуям. Технически это спокойные и все еще скульптурные фигуры, но у них каким-то образом есть энергия или «пафос», который не может быть высвобожден из их мраморных тел.Греки подарили нам «Контрапост» — их вклад в скульптуру состоял в том, что их фигуры что-то делали. Микеланджело наделил свои скульптуры чувствами или ощущением, что они тоже думали о чем-то.

Это лучше всего показано в его самой известной скульптуре, Дэвид:

Дэвид. Микеланджело. 1501-4 г. н.э. Галерея Академии, Флоренция

С Давидом Микеланджело у нас действительно есть все! Его стойка — классический греческий «контрапост».Его лицо и энергия его мускулов придают нам ренессансный «пафос» — просто посмотрите на выражение его лица. Как вы думаете, о чем он думает?   Помните, легенда о Давиде гласит, что он убил великана Голиафа с одной попытки камнем из своей пращи. Он настоящий супергерой со сверхчеловеческими способностями. Он точно стоит как герой. Посмотрите на его руки — они кажутся подходящего размера? Должно быть, эти сверхчеловеческие руки помогли ему убить Голиафа.

А теперь вернемся к Пьете – Мария держит тело Иисуса после того, как его сняли с креста. Что она должна чувствовать в этот момент?

Печально, правда? Но разве она выглядит грустной? Или она, может быть, выглядит мирной? Это гений Микеланджело. Его Мадонне не хватает «пафоса», потому что она знает, что держит своего сына только в его человеческом обличии — он был принесён в жертву, чтобы искупить наши грехи, и теперь вознесся на Небеса.Это центральная тайна христианства, и здесь Микеланджело соединяет гуманизм Возрождения с учением Церкви.

Видео:

TICE ART 1010 Renaissance ART  отлично справляется с художественными приемами, которые мы обсуждали, а также с некоторыми другими важными элементами эпохи Возрождения:

Варианты художественного проекта:

Используйте эту распечатку под чистым листом бумаги, чтобы попрактиковаться в рисовании комнаты или пространства с помощью «Линейной перспективы»: История искусств для детей — Ренессанс

А вот и ссылка на бесплатную раскраску Моны Лизы — потренируйтесь рисовать на ее лице «Светотень»: www.supercoloring.com

Азбука истории искусств для детей • B-Inspired Mama

Я так рад присоединиться к веселой сетевой серии детских блоггеров «Азбука…»!  Более 60 творческих блоггеров создали азбуку различных тем для детей в следующих категориях: обучение через игру, искусство и ремесла, грамотность и язык, советы и рекомендации для мам и школьные занятия.

Имея опыт работы учителем рисования и страсть к искусству, я подумал, что было бы интересно поделиться некоторыми ресурсами для мам (и учителей) по истории искусств для детей.   Итак, без лишних слов…

Азбука истории искусств для детей!

A –  История искусства A pps

• Мир приложений для iPhone, iPod и iPad действительно открыл детям возможность знакомиться с историей искусства в увлекательной и интерактивной форме. Попробуйте «Ван Гога и подсолнухи» или «Коллекционер произведений искусства».

B – Детские B ук

C – C пр. Живопись

• Застелите стены коричневой крафт-бумагой (как это сделал этот мастер-класс по рисованию) и позвольте детям нарисовать пещеру.

D – D Нарядитесь, как известные артисты

Костюмы маленьких художников из Oh Happy Day

E – E Экспрессионизм

• Предложите детям подумать о том, как звучит ВЫГЛЯДИТ, пока они создают красочные абстрактные экспрессионистские рисунки, подобные этим примерам из «Уроков рисования для детей».

Ф – Ф Рида Кало

G – G Реек Керамика

Греческие вазы из папье-маше из книги «Уроки рисования для детей»

H – Дэвид H Окни

I – I импрессионизм

J – J Аксон Поллок

К – Густав К предел

Древо жизни Густав Климт Урок рисования для детей от JujuJems Art Studio

L – L Эонардо да Винчи

• Нарисуйте фреску по свежей мокрой штукатурке, как знаменитый художник Леонардо да Винчи.

М – М ондриан

N – N натуральный Арт.

О – О Киф

Цветочная картина Джорджи О’Киф для детей из книги «Искусство Эда»

P – P по арт.

Q – История Q uilt

R – R энессанс Арт

S – Жорж S евро

Сера, вдохновленное искусством пуантилизма от This Mama Makes Stuff

T – T хроника истории искусств

• Найдите временные рамки, которые помогут в обучении детей истории искусств в The Usual Mayhem.

U – U Нить в истории искусств

V – V Музеи истории искусства isit

• Детям важно видеть искусство своими глазами. Найдите в своем районе художественный музей, даже небольшой, чтобы познакомить вашего ребенка с настоящим искусством. Или посетите Google Art Project, чтобы побывать в виртуальном музее.

Вт – Энди Вт Архол

вдохновленных Уорхолом портрета в стиле поп-арт от мамы до двух шикарных Lil Divas

X – X -Ray Art

• Используйте меловые или белые гелевые ручки для создания рентгеновских изображений на черной бумаге, вдохновленных современным художником Ником Визи.

Y – Y Молодые дети в истории искусств

• Дети больше проникнутся искусством, если увидят в нем и маленьких детей. Проверьте I AM A CHILD, чтобы увидеть множество примеров детского искусства из разных периодов времени.

Z – Z AP Стереотипы того, каким должно быть искусство!

• Чем больше произведений искусства из истории вы познакомите с ребенком, тем шире станет его понимание искусства и творчества. Итак, ИДИ, мама, исследуй искусство вместе с малышом!

Найдите все серии Азбуки на сайте This Reading Mama или ознакомьтесь с замечательными идеями Азбуки искусств и ремесел здесь…

ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ИСКУССТВО Серия ABC:

Больше истории искусства для детей Идеи:

История искусств для детей — Академия Tree Valley

Для родителей, обучающихся на дому, доступно так много отличных ресурсов, с помощью которых можно преподавать историю искусства даже детям младшего школьного возраста. У меня пятилетний ребенок, поэтому я стараюсь найти ресурсы, которые сделают изучение истории искусства интересным и подходящим для ее возраста.

Я делюсь лучшими видео, книгами и занятиями, которые я нашел, чтобы сделать изучение истории искусства увлекательным для детей в возрасте от 4 до 8 лет.Узнаем о 7 известных художниках:

• Винсент Ван Гог
• Пабло Пикассо
• Леонардо да Винчи
• Эдгар Дега
• Анри Матисс
• Клод Моне
• Искусство для обучения детей истории
Поль Сезанн
Идеально подходит для детей 4-8 лет.

Книги по истории искусств для детей

Обзор книги Anholt’s Artists Activity Book

Одной из замечательных книг для ознакомления детей с историей искусства является «Книга творчества художников» Анхольта.

Он знакомит детей с 7 известными художниками, по одному, в стиле комиксов, подходящих для детей. Детям достанется:

• нарисуйте портрет с Винсентом Ван Гогом
• создайте причудливую скульптуру из хлама с Пабло Пикассо
• спроектируйте чудесную машину с Леонардо да Винчи
• создайте скульптуру действия с Эдгаром Дега
• сделайте красочную вырезанную композицию с Анри Матиссом
• 6
научитесь работать акварелью с Клодом Моне
• и примите вызов углем с Полем Сезанна

Наш опыт и мнения о книге

Моей дочери нравились истории, и она была более чем готова начать заниматься искусством.Если бы у нее был свой путь, она сделала бы все истории и все художественные действия в один и тот же день, спина к спине. Она была не в восторге, когда я разрешил ей создавать только одного художника в день.

Прочитав книгу один раз, я могу сказать, что это отличная книга для включения в учебную программу по истории искусств на дому.

И это определенно не одноразовая книга. Я могу предвидеть, что мы будем использовать его в нашей домашней школе в течение многих лет, и моя дочь будет получать от него больше пользы с каждым годом.

Например, после истории с каждым художником есть раздел «Поболтать об искусстве». Я как бы вручную отобрала некоторые лакомые кусочки информации, чтобы поделиться с дочерью из этого раздела, но по большей части этот раздел будет на ее уровне через год или два.

Что мне нравится в этой книге, так это то, что в ней не нужно брать именно эти материалы и следовать шаг за шагом, чтобы создать именно это произведение искусства. Вместо этого он передает творчество в руки ребенка, давая ему художественные советы и приемы, которые они могут использовать в своем собственном творчестве.

Мне пришлось немного воздержаться от того, чтобы дать дочери свой творческий вклад, и позволить ей быть художницей. Она придумывала вещи, до которых лично я бы не додумалась, но в том-то и дело, что она была художницей, и я должен был позволить ей быть такой.

Знаменитые художники для детей

Я собрал еще несколько отличных книг, художественных занятий, уроков и анимационных видеороликов, чтобы еще больше дополнить изучение вашего ребенка 7 известными художниками, представленными в Книге действий художников Анхольта.

Винсент Ван Гог

Вот забавное видео для детей на YouTube о Винсенте Ван Гоге:

Посетите мою доску «Ван Гог для детей» на Pinterest, чтобы узнать, какие забавные занятия вы могли бы провести, узнавая об этом художнике.

Пабло Пикассо

Вот доска Пикассо для детей на Pinterest, где вы можете найти интересные художественные проекты или мероприятия, чтобы узнать о Пикассо.

Леонардо да Винчи

Вот веселое видео для детей на YouTube о Леонардо да Винчи:

Вы можете найти множество занятий, чтобы узнать об этом художнике на этой доске Леонардо да Винчи в Pinterest.

Эдгар Дега

Чтобы познакомить детей с Эдгаром Дега, вот мультфильм для детей:

Вы можете найти некоторые работы Эдгара Дега на моей доске Pinterest для художника.

Анри Матисс

На Youtube есть 2 веселых анимационных рассказа для детей об Анри Матиссе:

Вот ссылка на мою доску Pinterest, где вы можете найти различные развивающие занятия для детей по Анри Матиссу.

Клод Моне

Вот несколько карикатур на Клода Моне:

Посмотрите мою коллекцию работ Клода Моне на моей доске Pinterest.

Поль Сезанн

Я собрал различные задания для детей, чтобы узнать о Поле Сезанна на доске Pinterest.

.